Apprendre à dessiner comme de l'arcane dans Clip Studio Paint

1. Introduction et aperçu: Bonjour, par vous, belles personnes. m'appelle Nathan Jones, je suis illustrateur et créateur de bandes dessinées prometteur qui étudie l'art de l' illustration depuis plus de dix ans. Mais tous les artistes savent qu'au début, arriver à une illustration terminée ressemble à une imposante descente de montagne. Et cela peut sembler encore plus bouleversant lorsque vous réalisez qu'il ne s'agit que d'une illustration. Si vous voulez aller plus loin, il y aura de nombreuses montagnes à gravir. C'est pourquoi il y a des professeurs comme moi pour vous aider et pour diviser ces tâches en petits morceaux afin de vous convaincre qu'il est tout à fait faisable d'être artiste Pour gravir la montagne, commençons par la première colline et partons de là. Voyons en quoi portera réellement ce cours. Nous commencerons par la pré-illustration, qui consiste à rassembler un large éventail d' œuvres inspirantes de vos artistes préférés trouver des références utiles Comprendre l' importance d'un échauffement avant toute illustration sérieuse. Nous passerons ensuite à l'illustration en divisant la progression en plusieurs parties. Nous allons commencer par une phase d'esquisse puis passer à la phase de nettoyage, à la phase coloration et aux phases d'éclairage avant de terminer par l'arrière-plan stylisé Il s'agira du premier cours d'une série de cours qui enseigneront des processus et des techniques qui feront de vous un artiste aux multiples facettes. Dans ce cours, en particulier, nous allons créer un exemple relativement simple de ce processus avec un portrait et un arrière-plan stylisé simple Simple dans son concept, c'est de loin le type d'art le plus populaire d'art produit par les meilleurs artistes sur des sites comme Instagram, Twitter et Art Station Mais tout le monde peut apprendre quelque chose ici. Dans les prochains cours, nous explorerons des concepts plus approfondis, tels que les arrière-plans ancrés dans le monde réel, narration, la perspective, les effets spéciaux et l'éclairage dynamique Et je me rends compte que chaque artiste a son propre style et son propre processus. Et c'est une bonne chose. Les artistes doivent être différents. Les différences entre nous justifient notre art et confèrent une signification particulière à nos points de vue uniques. Plus que tout, je veux mes leçons soient un tremplin qui vous incite à continuer à grandir et à explorer ce qui fait de vous ce que vous êtes. Ensuite, mettez-le sur la toile. Alors, sans plus attendre, c'est parti. 2. Inspirations: L'inspiration est sans aucun doute l'une des choses les plus importantes dont tout artiste a besoin. Sans cela, tu n' aurais même pas commencé. Pas sur notre œuvre d'art actuelle, et peut-être pas sur aucune œuvre d'art du tout. Nous avons tous des idées et créons des perspectives uniques à partir des éléments de créativité que nous collectons auprès de nos artistes préférés dans l'environnement nous entoure. Puis on vole. Je veux dire, empruntons ces idées et techniques pour nous-mêmes. Cela m'amène à une question courante au sein la communauté artistique sur les styles et les inspirations. Si vous êtes attiré par un aspect de l'œuvre d' art de quelqu'un d'autre et que vous souhaitez appliquer un aspect défini à votre propre œuvre d'art. Est-ce que c'est du vol ? Est-ce que c'est une copie ? Êtes-vous simplement en train de découvrir votre propre style et vos intérêts grâce au travail des autres ? Il est difficile de répondre à cette question. Et je ne suis pas sûr que quelqu'un puisse répondre complètement d' une façon ou d'une autre. Personnellement, j'aimerais penser que nous découvrons notre propre style à travers les autres. Bien sûr, c'est surtout pour que je puisse continuer me sentir bien dans ma peau après avoir volé des choses à d'autres artistes de façon flagrante Donc, tu sais, prends ça avec un grain de sel. Sérieusement. Pour rendre l'art attrayant , je ne peux donc pas vraiment dire que c'est du vol si quelqu'un d'autre trouve également votre art attrayant et veut créer des œuvres d'art avec une sensation similaire. Et il serait très difficile de prétendre qu' une personne revendique un style de look spécifique de toute façon Mais maintenant que j'en ai fini avec cette section de philosophie injustifiée de cette partie de ce cours qui n'est clairement pas une question de philosophie, je devrais probablement, à un moment donné, chacun et ma femme soient pertinents pour le cours Vous l'avez peut-être déjà découvert pendant que je criais. Mais il est important pour chaque artiste de recueillir autant de données et d'informations créatives que possible. Chaque artiste qui a fait quelque chose de lui-même a une liste d' artistes inspirants qu'il a suivis. Je pense donc qu'il vaut mieux que chacun d'entre vous prenne le temps de créer une bibliothèque d'œuvres et d'artistes que vous admirez. Et sur tous les supports également, pas uniquement sur le support que vous utilisez. Par exemple, il y a des tonnes de choses qu'un artiste TD peut apprendre d'un photographe, un illustrateur peut apprendre d'un animateur Toutes ces disciplines se complètent mutuellement de façon importante. Lorsque vous collectez ces données artistiques, vous pouvez commencer à les utiliser comme références pour vos propres œuvres d'art. J'en parlerai plus en détail dans la prochaine leçon. 3. Référence: Références. Qui en a besoin, non ? Tout le monde sait que les vrais artistes n'ont pas besoin de références. Ils peuvent dessiner directement depuis le dôme avec la plus grande précision. Même lorsqu'ils dessinent des choses qu'ils n'ont jamais étudiées auparavant. Oui, non. Chaque artiste de haut niveau utilise des tonnes de références dans son flux de travail quotidien. Quiconque dit le contraire ment, sauf si vous êtes accro à Kim Et pour ceux d'entre vous qui ne le savent pas, comme je ne suis pas certaine qu'il existe un obstacle à la communication pour le mot référence en tant que terminologie, référence est une image qu' un artiste a regardée pour voir à quoi ressemble quelque chose ou quelqu'un afin de pouvoir l' illustrer correctement. Et beaucoup de gens semblent penser que les artistes professionnels n' ont pas besoin d'utiliser ces références. J'ai aussi fait partie de ces personnes qui pensaient que je n'étais pas bonne tant que je n'étais pas capable de créer des scènes entières à partir de ma tête. Mec, est-ce que je me suis stressé à cause de cette énorme pression ? Et oh, mon Dieu, c'était vraiment faux. Non seulement la référence n'est pas une paire de roues honteuses que vous devez enfiler sur votre vélo artistique, mais c'est en fait un outil que vous devez emporter dans chaque pièce que vous fabriquez, car aucun de nous ne peut dessiner le maillot du monde entier de sa tête, à moins, comme je l'ai dit plus tôt, que vous ne soyez Kim Mais même Kim Junge a consacré d'innombrables heures de sa vie, plus que n'importe quel homme sain d'esprit ne devrait le faire, à étudier sous tous les angles la construction de tous les objets banals existants Oui, tu n'as pas besoin de faire tout ça. Au lieu de cela, vous avez du mal à imaginer à quoi ressemble quelque chose. Utilisez une référence. Je ne sais pas comment dessiner cette personne. Utilisez une référence. Je ne sais pas comment dessiner cet arbre. Utilisez une référence. Je ne sais pas comment dessiner une figurine. Utilisez une référence. Je te jure que je ne le dirai à personne. Vous ai-je déjà deviné à quel point il est important d'utiliser des références ? Je l'espère vraiment. Mais pour ce qui est du projet de ce cours, je vais utiliser une référence pour me lancer car je suis très enthousiaste à l'idée de dessiner. Tout le monde joint ses forces pour la belle, intelligente et incroyable Mel Madata de l'émission à succès de Netflix Ouragan. Si l'art vous intéresse et que vous n'avez jamais vu cette exposition, je vous conseille vivement de le faire immédiatement. Ce spectacle est l'une des choses les plus étonnantes visuellement que j'ai jamais vues, et nous allons essayer d'intégrer certains de ses styles distinctifs exceptionnels à ce projet. J'aime particulièrement les formes et les textures créées par leur éclairage, même sur les visages. C'est un magnifique mélange de dégradés et de bords durs qui semble vraiment unique, et j'espère pouvoir lui rendre justice Mais cette illustration ne va pas démarrer, alors allons-y. 4. Échauffement: Alors, vous êtes prêt à passer directement à l' illustration, n'est-ce pas ? Si vous voulez épingler la tablette avec grâce et diligence immédiates et créer un chef-d'œuvre. Oh, je plaisante de qui ? Tu sais où je veux en venir. Vous pouvez voir la leçon de namuls directement sur votre écran. C'est quelque chose qui me semble tellement évident maintenant, mais pendant des années, j'avais l'habitude de sauter les échauffements. J'avais l'habitude de sauter directement dans un dessin et de le balancer. Je suis maintenant un homme instruit. J'en suis venu à la conclusion que vous devriez toujours vous échauffer avant de vous lancer dans votre illustration proprement dite. Fais-moi confiance. Se lancer directement dans un dessin sans échauffement va vraiment vous gâcher à long terme. Votre bras et votre cerveau ont certainement besoin d'un certain temps pour se lancer dans le vif du sujet avant de passer aux choses sérieuses. J'ai commencé une photo à de nombreuses reprises, mais comme je ne m' échauffais pas du tout, mes croquis sont devenus très raides et peu inspirés Et puis, après avoir perdu trop de temps et réalisé que la pièce n'était pas sligable, j'ai dû recommencer à zéro, ce qui signifie que ma première tentative a fini par servir d' échauffement de Donc, au préalable, vous devez absolument au moins faire bouger votre main et votre bras. Juste pour entrer dans le vif du sujet. Donc, nous allons simplement tracer quelques lignes, commencer. Voyez si vous pouvez les mettre en parallèle. Ensuite, nous allons dessiner des spirales. Assurez-vous d'utiliser vraiment vos épaules pour obtenir un effet optimal. Assurez-vous de vous entraîner à le faire dans les deux sens et essayez de le faire rapidement pour qu'il se déroule le plus facilement possible. Ensuite, nous allons dessiner des ellipses. Essayez de faire en sorte que la fin rejoigne le début. Je te jure que c'est plus difficile qu'il n'y paraît. Ensuite, nous allons dessiner des cercles. Nous allons ralentir s'il le faut et essayer de les rendre aussi parfaits que possible. Eh bien, mettez l'accent sur. Essaie. Quoi qu'il en soit Tout cela pourrait suffire comme échauffement Mais honnêtement, il serait préférable d'esquisser un sujet pour vraiment vous échauffer , non seulement pour aider votre bras, mais aussi pour faire circuler votre cerveau Et n'oubliez pas que c'est un échauffement. Nous n'essayons pas de faire une illustration sophistiquée ici. Nous n'avons donc pas peur de donner une belle apparence aux choses. Et en tant qu'artiste, c'est tellement encadrant que de simplement dessiner sans se soucier d' essayer de créer un chef-d'œuvre à partir de rien Mais une fois que vous avez terminé, vous passez à l'esquisse proprement dite. 5. Ébauche: Comme vous êtes tous réchauffés. Vous pouvez enfin vous concentrer sur ce pour quoi nous sommes tous là. Mais d'abord, configurons nos références. Souvenez-vous que les choses que j'ai dites étaient vraiment importantes. La peinture Hoops Studio a une fonction assez intéressante pour cela. Vous pouvez configurer une sous-fenêtre à côté de votre dessin pour en faciliter l'accès. De cette façon, vous n'avez pas besoin de passer d'une fenêtre à l'autre ou d'avoir besoin de deux écrans différents. Il sera là pour toi. Pour configurer cela, commencez regarder le coin supérieur droit de votre programme, où une petite version du canevas doit être visible. Voici le navigateur. Mais si vous cliquez sur le petit onglet à droite de celui-ci, ce sera votre sous-vue Une autre façon d' y accéder est de cliquer sur l'onglet de la fenêtre en haut et de faire défiler la page vers le bas jusqu' à la sous-vue Ici, vous pouvez cliquer sur la petite icône de dossier et rechercher sur votre ordinateur les images enregistrées que vous souhaitez utiliser. Mais vous vous dites peut-être cette petite fenêtre dans le coin est un peu trop petite. Vous pouvez y remédier en déplaçant vos onglets et vos fonctions autour de ou, et c'est de loin la meilleure option à mon avis. Vous pouvez simplement extraire complètement la sous-vue et la placer dans votre zone de canevas. Et maintenant, vous pouvez cliquer sur les coins et le redimensionner comme bon vous semble Et une fois que vous avez tout configuré, nous pouvons commencer à dessiner. Lorsque vous commencez, veillez à placer votre canevas et votre sous-vue de manière à ce que votre sous-vue n' obstrue rien Zoomer ainsi est en fait une bonne idée. Et pour plusieurs raisons, en fait. D'une part, vous ne voulez pas trop vous laisser emporter par le zoom avant pour obtenir des détails et perdre une vue d'ensemble Mais pour la phase d'esquisse en particulier, il est préférable d'effectuer un zoom arrière afin de pouvoir construire plus facilement votre composition avec des lignes lâches J'ai tendance à commencer mes croquis en utilisant le crayon plus clair par défaut. Mais utilisez ce qui vous convient le mieux. conseil de Dieu qui fonctionne généralement pour moi est de commencer par la forme la plus dynamique, la plus captivante ou la plus importante de l'image Quel que soit le concept principal sur lequel vous voulez vous concentrer, je l'intègre toujours d'abord, puis je construis le reste en fonction de celui-ci. Cette astuce est plus utile pour les figures et les compositions plus complexes car il ne s'agit que d'un portrait, mais il est toujours bon d'y penser de toute façon. Et pour un portrait, vous devez vous concentrer sur les principaux marqueurs du visage et sur leur relation les uns avec les autres. Des marqueurs clés tels que la forme de la ligne de la mâchoire, du menton, de la ligne médiane, yeux, du nez, des oreilles, etc. Je veux essayer de le faire entrer assez rapidement, et ne vous inquiétez pas de nettoyer les lignes. Tout cela sera nettoyé plus tard. Pour le moment, nous voulons simplement vous faire part de leur idée générale. Assurez-vous de toujours comparer votre image de la référence et de procéder aux ajustements en conséquence. Maintenant, il y a quelque chose d'important que je dois aborder. Une erreur s'est produite dans ma première vidéo intitulée Flip Sudo Paint Beginners Guide J'ai indiqué que vous pouviez retourner le Canvas en appuyant sur le F K de votre clavier. Bien que cela soit incorrect. Lors d'une nouvelle installation du programme, il n'y a pas de touche de raccourci pour retourner le canevas Vous devez le configurer manuellement, et j'avais oublié que je l'avais fait. Je vais donc vous montrer comment configurer cela à votre convenance. Sous l'onglet Fichier, cliquez sur l'option Paramètres du raccourci. Un menu devrait apparaître tous les onglets que vous avez en haut de votre programme. À partir de là, cliquez sur la flèche pour l'onglet d'affichage et recherchez l' option intitulée Retourner horizontalement. Cliquez dessus, puis sur Modifier le raccourci. Vous pouvez maintenant l'accepter avec la clé de votre choix. Je l'ai juste réglé sur F pour Flip. C'est facile pour moi de m'en souvenir de cette façon. Et n'oubliez pas de cliquer sur OK lorsque vous aurez terminé. Et il est de la plus haute importance de retourner régulièrement votre toile pour détecter les gros problèmes de proportions. J'ai immédiatement remarqué un problème avec le placement des yeux, et le fait de retourner la toile m' a fait comprendre cela Un bouton permet également de retourner l'image dans la sous-vue, si nécessaire Garder les yeux fixés trop longtemps sur une orientation spécifique peut vraiment gâcher votre illustration, car votre esprit commencera ignorer les imperfections pour que vous vous sentiez mieux. Ces imperfections peuvent s' accumuler très rapidement, il est donc préférable de les éliminer le plus possible Retourner la toile aide, car cela oblige votre cerveau à regarder l'image sous un angle différent, vous donnant ainsi un nouveau regard sur votre travail Il est important de noter que je ne copie pas exactement ma photo de référence. Je prends quelques libertés artistiques, ce que vous devriez également faire pour renforcer votre créativité. J'ai notamment pris une partie de la tête comme dans la première référence, mais j'ai relâché les épaules comme dans la deuxième référence. Ainsi, la visibilité du cou se situera quelque part entre les références. Et je prévois également de changer les vêtements pour cheveux et les accessoires. Il convient de souligner qu' il est facile de vous embrouiller en modifiant les valeurs, la tonalité et les références valeurs, la tonalité et les références et de fausser l'image générale de votre silhouette Par exemple, les ombres le bord du visage lorsque le visage se détourne de vous peuvent vous donner l'impression que le visage et votre référence sont plus fins qu' ils ne le sont réellement La traduction des couleurs et des valeurs au trait peut s'avérer très délicate Donc, soyez toujours conscient de cela. Une fois que votre illustration est un peu plus détaillée, vous devriez remarquer les petites erreurs dans les détails les plus fins Comme je l'ai déjà dit , la connaissance de différentes disciplines artistiques peut vous être d'une grande aide. Et c'est à ce moment-là que vous voudrez commencer à traiter votre dessin comme le ferait un sculpteur. Réduisez donc certains bords, réajustez certaines lignes et certains curseurs, et assurez-vous de rester en ligne avec votre référence De nombreux problèmes qui peuvent survenir plus tard commenceront probablement par votre croquis initial. Vous allez probablement résoudre autant de ces problèmes que possible J'ai remplacé les boucles d'oreilles par des boucles d'oreilles à une seule plume parce que j'avais déjà une idée de ce que je voulais changer en dessinant avais déjà une idée de ce que je voulais ce dessin J'assombrit ensuite certaines lignes avec les yeux car ce sont les parties du corps qui attirent le plus l'attention parties du corps qui attirent le plus l' Vous voudrez les faire ressortir, surtout lorsqu'il s'agit d'un portrait. J'ai décidé d'opter pour un style complètement différent pour les cheveux, alors j'ai fini par opter pour une référence complètement différente. J'aime aussi dessiner sur les cheveux sur une couche différente. Pour que toute modification ne perturbe pas les lignes que j' ai déjà pour le visage. Gardez à l'esprit qu'il s'agit d'une représentation très approximative et pas vraiment précise de ce à quoi les cheveux finiront par ressembler plus tard. Je veux surtout obtenir cette forme générale afin de voir comment tous les éléments finiront par s'assembler. En tant qu'artistes, il est essentiel de pouvoir visualiser à quoi ressemblera une illustration le plus tôt possible afin de pouvoir planifier en conséquence. Mais pour la plupart d'entre nous, cette visualisation est floue et manque de détails Au fur et à mesure que nous continuons à travailler et à ajouter de la sculpture et de la construction, ce visuel apparaît clairement dans notre esprit et oriente notre prochaine gardant à l'esprit le placement des cheveux et l'obtention des informations qui en découlent, il est temps de sculpter un peu concerne les vêtements et les colliers, j'ai décidé d'opter pour la troisième référence parce que je voulais quelque chose d'un peu plus réaliste et moderne, et non le costume fantastique que porte Mo en tant que conseiller dirigeant de la ville de Tiltoer en tant que conseiller dirigeant de la ville de Tiltoer Et avec tout cela, la phase d'esquisse du dessin est terminée Eh bien, en quelque sorte. Le processus de sculpture est quelque chose que vous devez continuer à pratiquer du début à la fin de votre pièce Et je sais que cela semble très difficile en ce moment, mais c'est à cela que servira la prochaine phase. Nous pouvons donc nettoyer tout cela et définir ces lignes. Et voilà, finissez le 6. Lignes nettes: Nous avons maintenant fait un croquis, qui est essentiellement le squelette de notre illustration. Il est maintenant temps de le nettoyer et de l'étoffer. Pour y aller, vous devez créer une nouvelle couche au-dessus de votre couche d'esquisse, puis réduire l'opacité de votre couche d'esquisse Vous faites cela pour que, lorsque vous commencez à tracer vos lignes épurées, vous puissiez commencez à tracer vos lignes épurées, les voir plus facilement sans vous laisser embrouiller par toutes les lignes de la couche d'esquisse, puis vous devrez choisir votre outil de dessin. Le crayon à lettres que j'ai utilisé plus tôt est un excellent outil, mais si vous voulez un look plus professionnel, vous aurez besoin de quelque chose d'un peu plus solide. Un crayon plus récent sera peut-être trop mou. La broche G est certainement l'outil par défaut à cette fin précise. Bien que personne, j'aime davantage utiliser le princel le plus foncé, malgré le fait qu'il soit aussi doux Cela me fait parfois devoir dupliquer la couche pour que les lignes paraissent plus solides. Mais c'est ce à quoi je me suis habitué. Utilisez l'outil qui vous convient. Et une fois que vous avez choisi, veillez à ne pas trop agrandir la taille de votre pinceau. Les lignes épaisses peuvent parfois masquer les axes que vous essayez de contourner. Ne prenez pas nécessairement la taille exacte de mon pinceau comme référence. Comme la taille de ma toile est assez grande. Jouez avec la taille des pinceaux et voyez quelle est la bonne taille selon vous. Et si vous dessinez beaucoup, vous saurez à quel point il est facile de dessiner par erreur sur le mauvais calque. Pour éviter que cela ne se produise, vous pouvez appuyer sur cette icône en forme de cadenas en haut des paramètres de votre couche. Quelle que soit la couche pour laquelle elle est active, vous l'empêchez d' y apporter des modifications. Ainsi, vous ne pouvez pas accidentellement commencer à dessiner sur votre couche d'esquisse alors que vous avez l'intention de dessiner sur votre couche propre Et lorsque vous aurez enfin réussi à tracer ces lignes, c'est le moment idéal pour sculpter davantage et corriger de petites erreurs Comme vous pouvez le constater la forme des yeux que j' avais sur mon croquis a légèrement changé . Vous allez apporter de petits changements comme ça au fur et à mesure que je poursuis. Et vous devriez également le faire, car vous réduisez en une seule ligne ce qui était présent dans votre couche d'esquisse, mais vous devez tout de même suivre plus ou moins ce qui a été établi lors de la phase d'esquisse Et en parlant d'une seule ligne, vous voulez que votre illustration apparaisse comme si elle avait été entièrement dessinée sur une seule ligne d'un seul trait. Évidemment, vous n'allez pas le dessiner d'un seul trait, mais vous voulez qu'il apparaisse ainsi. Le moyen le plus simple d'y parvenir est de faire des traits larges et confiants. Control Z sera votre meilleur ami ici. Vous pouvez également tracer vos lignes en segments, puis les sculpter pour les faire apparaître ultérieurement sous forme de lignes singulières Ce processus peut être long et fastidieux, mais comme vous suivez principalement le guide que vous vous êtes déjà fixé, c'est probablement la partie qui vous demandera le moins de réflexion Même si vous suivez l'esquisse, n'oubliez pas de retourner votre toile de temps en temps pour rafraîchir votre point de vue sur l' apparence des choses . Ils sont toujours sculptés. Nous ne devons pas désactiver votre couche d' esquisse de temps en temps pour voir à quoi ressemble votre couche propre. Même si la couche d'esquisse est définie à une capacité inférieure, sa présence comble souvent des lacunes d'informations qui ne devraient pas se trouver dans votre couche propre désactivation de cette couche d'esquisse rend ces problèmes plus évidents et nous permet de les résoudre de manière plus équitable. Vous trouvez que vos lignes sont un peu floues et que vous trouvez qu'il est trop difficile les tracer avec des traits nets Il pourrait être très utile d'augmenter le niveau de stabilisation dans les paramètres des propriétés de votre outil Cela aidera à neutraliser les tremblements de vos mains afin qu'ils n'apparaissent pas dans vos lignes Les objets non naturels sont généralement difficiles à dessiner car leurs formes sont intransigeantes Alors que les objets naturels tels que le corps humain et les cheveux et les objets qui se conforment parfaitement à la gravité, comme les vêtements, ont une grande marge de manœuvre en matière de forme Les objets naturels tels que ces colliers ne peuvent être beaux que dans un sens Un conseil, ne soyez pas comme moi. Utilise cette glacière. De cette façon, modifiez vos lignes après les avoir dessinées et façonnez-les comme vous le souhaitez. Cela aurait rendu les choses tellement plus faciles. Mais au moins tu peux me voir me battre pour dessiner ce collier. Et après avoir mis trop de temps à dessiner ces colliers, j'ai décidé de faire des iris un peu plus petits que sur mon croquis initial Maintenant, une fois que j'ai défini toutes ces lignes, j'aime utiliser une variante de ligne. Tout d'abord, faites une nouvelle couche et hachez l'épingle en feutre. Utilisez ensuite cette épingle pour sauter quelques lignes afin de suggérer l'ombre et la profondeur de notre image TD. Et si vous avez du mal à choisir les lignes à renforcer, il conseillé de commencer par les zones où vous trouverez les ombres les plus fortes. Comme les pommettes supérieures, le menton, la bouche, le nez et surtout les yeux Vous voulez certainement des lignes plus épaisses sur les yeux et plus éclatantes que toute autre zone du visage. Vous seriez surpris de voir à quel point cela peut faire toute la différence. Vous devriez vérifier cela en activant et en désactivant cette couche pour voir le chemin D. Utilisez la même technique de variation de ligne avec les vêtements, ce qui devrait être beaucoup plus facile. La forme du vêtement est beaucoup moins définie car l' avion se déplace de manière aléatoire. Vous pouvez donc à peu près le rattraper au fur et à mesure, et simplement ajouter des lignes plus épaisses à certains endroits. C'est plus facile qu'il n'y paraît. Et puis quand j'en aurai fini avec la couche Clean Line. On aurait pu penser que j' augmenterais la couche d'esquisse, mais en fait, j'aime bien la garder à faible rythme. J'aime apporter de la douceur à mes lignes épurées Elles donnent souvent l' apparence de détails plus fins. Et j'aime aussi la texture qu'ils apportent. Mais je ne les laisserai pas tels quels. J'aime utiliser le masque de calque pour effacer toute partie du calque d' esquisse que je ne veux pas voir apparaître pour la dernière pièce. Vous pouvez le faire en appuyant sur ce bouton en haut du menu des calques lorsque vous êtes sur le calque auquel vous souhaitez appliquer le masque. Ensuite, vous pouvez effacer toutes les lignes à l'aide d'un outil d'effacement ou d' un outil de couleur transparente et simplement les rajouter en utilisant n'importe quelle couleur non transparente De cette façon, vous pouvez effacer des éléments et les rajouter sans engagement réel. Vous avez peut-être remarqué que je n'ai pas tracé de lignes pour les cheveux, les sourcils ou les plumes Et c'est parce que je les garde pour la phase de couleur. Personnellement, je trouve que ces zones sont beaucoup plus faciles à ajouter avec la couleur unie plutôt que de délimiter chaque mèche de mes couches linéaires Et cela sera abordé dans la prochaine partie de cette leçon. 7. Les couleurs de base: Nous avons donc réduit nos files d'attente. Il est maintenant temps de donner un peu de vie à notre œuvre. Ajouter de la couleur est une étape importante pour de nombreux artistes, et de nombreuses personnes trouvent intimidant de l'attaquer correctement Mais je vais vous montrer que ce n'est pas aussi compliqué que vous l'imaginez Nous allons procéder par étapes, et notre première étape consiste à choisir nos couleurs de base. Bien entendu, notre première étape consiste à créer une nouvelle couche et à la placer sous nos couches de lignes et d'esquisses. Mais après cela, nous déciderons de nos couleurs de base. En regardant la roue chromatique, je vais choisir une couleur qui ressemble à la couleur de la peau malodorante dans ma référence Bien sûr, la première chose que nous devons remarquer, c'est qu'il y a beaucoup de couleurs dans sa peau. Ce n'est pas une langue plate comme les autres. Ce que vous devez faire est de discerner quelle couleur représente le mieux la valeur moyenne, la couleur située entre les clairs et les tons foncés Bien entendu, puisque Mellow est un personnage noir, votre couleur de base sera une nuance de brun, que vous trouverez autour de la barre oblique rougeâtre et de la couleur orangée de Ici, vous devriez essayer de choisir la couleur la plus proche de votre teint de base Si vous recherchez une méthode plus simple, voici une icône en forme de compte-gouttes sur la vue secondaire Si vous cliquez dessus, vous pourrez cliquer n'importe où sur votre image de référence et sélectionner cette couleur au lieu de devoir la trouver sur votre roue chromatique. Et ce n'est pas grave si vous choisissez de le faire de cette façon. Mais trouver vous-même la couleur est une bonne pratique lorsque vous dessinez sans référence aussi claire. Une fois que vous avez sélectionné la couleur, vous devez choisir un bon outil de coloration plat pour disposer uniformément cette couleur. J'aimerais accéder à la sous-section Marker des outils à épingle et utiliser la broche mono de remplissage. Maintenant, nous revenons à nos années d' école primaire et essayons de colorier les lignes de notre image J'espère que nous serons meilleurs cette fois. Cela peut facilement prendre un certain temps, et le moyen le plus rapide de le faire est de délimiter la zone souhaitée avec une couleur, puis d'appuyer deux fois sur la touche G pour accéder à l'outil de terrain, ou vous pouvez cliquer sur cette icône ici sur la gauche Il doit être activé automatiquement se référer uniquement à la couche d'édition, mais assurez-vous juste au cas où. Ensuite, il suffit de cliquer sur la zone que vous avez délimitée, et cette zone devrait être automatiquement remplie de couleur. R. Si vous l'avez remarqué, la couleur recouvre même la presse qui sera recouverte par les cheveux. C'est parce qu'il y aura des endroits où le cuir chevelu transparaîtra à travers cette coiffure, et les cheveux seront sur la couche supérieure. Maintenant, je vais créer une couche séparée au-dessus de la couche de couleur de peau pour la couleur des vêtements. Il est plus sûr de créer un nouveau calque pour chaque couleur et valeur que vous saisissez, car il sera plus facile de le modifier ultérieurement s' ils en ont besoin. J'utilise la troisième référence pour le choix de la couleur des vêtements. Et comme la couleur est foncée, il est un peu difficile différencier la couleur du linéaire. Vous pouvez réduire l'opacité de la couche de couleur que vous utilisez, ce qui différenciera suffisamment les valeurs pour continuer à travailler sans problème Une fois cela fait, il est temps de créer une nouvelle couche au-dessus des autres couches afin de colorer les cheveux. Les cheveux de Nel sont bruns, mais j'ai décidé de choisir le noir pour faire une autre différence . Comme je colore les cheveux avec le monopin de remplissage, je n'ai d'ailleurs utilisé la couche esquissée précédente que comme ligne directrice et non comme schéma J'expérimente la forme et je sculpte l'image pour en faire quelque chose que je trouve visuellement attrayant C'est l'une des principales raisons pour lesquelles je n'ai pas voulu essayer de dessiner ces formes dans la couche de lignes épurées. Je passe au crayon léger pour adoucir les bords des cheveux et leur donner un aspect plus naturel. Les techniques que j' utilise ici sont davantage issues de mon expérience du dessin de personnages noirs. Et je devrais peut-être faire un tutoriel plus approfondi sur traits noirs et les textures des cheveux à un moment donné dans le futur. Faites-moi savoir si vous voulez en savoir plus à ce sujet. À ce stade, je décide que je ne veux pas vraiment opter pour un canard devrait avoir du noir pour les cheveux, après tout. Et je cherche à changer de couleur sans avoir à tout recommencer. Une solution simple consiste à monter pour modifier, à faire défiler la page vers le bas jusqu' à correction du tunnel, à cliquer sur une luminosité de saturation ou à simplement appuyer sur la touche Ctrl pour vous Ici, un menu apparaîtra pour vous partir de curseurs permettant de modifier la couleur de votre couche La teinte glissante changera la couleur. La saturation mesure à quel point cette couleur est éclatante ou terne. Et la luminosité mesure le degré de clarté ou d'obscurité que vous souhaitez obtenir pour la couleur L'avantage de cette fonctionnalité est que vous pouvez voir les couleurs changer en temps réel, qui permet de déterminer plus facilement quelles couleurs et valeurs fonctionnent et lesquelles ne fonctionnent pas. Vous pouvez même cocher cette case d'aperçu pour vous voir avant et après. Cette fonctionnalité est l'une des principales raisons pour lesquelles je pense qu'il est plus facile de séparer toutes vos couleurs et valeurs par couche. De cette façon, vous pouvez effectuer des corrections tomales sur chacun d'eux individuellement. J'ai décidé de laisser un espace sur le côté droit entre les cheveux et le visage parce que les poils de ce côté de son visage sont tirés derrière son visage. Je pourrais simplement essayer d'être prudente et de colorier lentement jusqu'à la ligne, peut accidentellement colorer son visage, mais il existe une méthode beaucoup plus simple Il s'agit de créer une couche séparée, cette fois sous la couche de couleur de peau, et de remplir ces espaces de cette façon. Maintenant, je n'ai plus à faire attention à la façon dont je le colore. J'utilise la troisième référence pour construire les tresses. Pour obtenir des conseils sur la façon de procéder, essayez de regrouper les mèches en sections qui s'étendent vers l'extérieur à partir de la tresse courbe vers le visage au fur et à mesure que la tresse se rapproche du front Mais assurez-vous de laisser suffisamment d'espace pour les zones où vous pouvez voir le cuir chevelu entre les tresses Faites une autre couche sous la couche de cheveux pour les sourcils. En utilisant le même crayon crayon que celui que j'ai utilisé pour les bords plus doux des cheveux. Je donne intentionnellement aux sourcils une forme différente de celle de ma référence. Je les aime juste comme ça. Utilisez une couleur blanc cassé pour le carré, quelque chose de légèrement grisâtre avec une touche très diacritique de jaune ou d'orange Je l'ai d'abord coloriée sur la même couche que la couche de vêtement, mais je me suis vite rendu compte que c'était une erreur et je l'ai déplacée sur ma propre couche. Pour ce faire, j'ai utilisé l' outil lasso dans le menu de sélection, en dessinant les yeux, en les coupant et en les collant Vous pouvez effectuer le contrôle standard X et le contrôle V, ou vous pouvez cliquer sur l'option couper-coller la barre d'outils située sous votre sélection. J'ai décidé d'utiliser une autre correction tonale pour les sca rendant légèrement plus saturés et en les assombrissant Ensuite, créez une nouvelle couche pour colorer les remontées. Mo a pas mal couleurs intéressantes dans ses yeux. Je peux voir des oranges, des jaunes, des verts J'ai décidé d'opter pour une couleur marron plus naturelle. Je les fais un peu trop légers au début. Chosks un brun foncé. J'aurais besoin d'une autre correction du tunnel. Mais une autre façon de modifier facilement la couleur d'un calque consiste à cliquer sur l' option Verrouiller les pixels transparents dans les paramètres de votre calque, puis à colorier simplement ce qui s'y trouve. Cette option permet de ne modifier que ce qui existait déjà sur cette couche. Je ne peux rien y ajouter. Sinon, après avoir verrouillé les pixels, vous pouvez simplement appuyer sur l'icône de remplissage en haut au lieu de colorier la zone avec un pinceau. Ensuite, créez une autre couche et sélectionnez une couleur plus claire pour les cernes de mélis plus clairs dans ses yeux Rappelez-vous quand j'ai dit que le processus de sculpture se produit tout au long de votre illustration, c'est à ce moment-là que j'ai réalisé que l'un des yeux était un peu plus court que l'autre Le problème, c'est qu'il y a un tas de choses qui doivent être modifiées pour résoudre ce problème. La solution est d'utiliser un outil de sélection. Commencez par sélectionner toutes les couches à modifier. Vous pouvez le faire en maintenant la touche Ctrl enfoncée et en cliquant sur les couches nécessaires. Cela devrait être la couche d'esquisse, la couche de ligne nette et toutes les couches de couleur présentes, comme la couleur de la peau, la couleur de la sclère, la couleur iris et la couleur intérieure de l'iris Utilisez ensuite l' outil lasso et sélectionnez-le. Cliquez ensuite sur l'icône d'échelle et de rotation. Rédigez mon plan pour déformer un peu la forme. Assurez-vous que l'option Conserver le rapport hauteur/largeur et les paramètres des propriétés de l'outil ont été désactivés. Si vous souhaitez modifier quelque chose et conserver les mêmes proportions, assurez-vous que cette option est activée. Créez une nouvelle couche au-dessus de la couleur de peau pour la couleur des colliers Choisissez un jaune très saturé pour celui-ci. Ils utilisent également la même couleur pour les boucles d'oreilles. Au début, je les ai placées sur la même couche, mais j'ai ensuite décidé de déplacer la boucle d'oreille sur sa propre couche en utilisant ce bon vieil outil en lassal et en le découpant et Utilisez une couche assortie à une couche à lignes épurées afin de relever les lignes que vous ne voulez pas laisser apparaître à travers les cheveux. J'ai décidé de colorier la plume sur la même couche que celle qui avait coloré la partie dorée de la boucle d'oreille Soudain, en me souvenant que je n'avais pas encore coloré les lèvres, créez une nouvelle couche de peau et commencez à colorer. La première couleur que j'ai choisie était beaucoup trop claire et vibrante, alors je l'ai légèrement atténuée Veillez à ce que la lèvre supérieure soit plus foncée que la lèvre inférieure, car elle projette une ombre. À la toute fin, je me suis rendu compte que j' avais toujours colorié sur la mauvaise couche. Je l'ai donc découpé, goûté, puis fusionné ce nouveau calque avec un calque sur lequel il était censé figurer Si vous le faites en plaçant cette couche directement au-dessus des couches que vous souhaitez fusionner, cliquez avec le bouton droit sur la couche et glissez fusion avec la couche ci-dessous. J'ajoute ensuite de la couleur pour les dents situées derrière les lèvres. Il a décidé de le faire sur la même couche qu'une couleur de peau. Je ne pensais pas vraiment qu'il avait besoin de sa propre couche. Et avec cela, les couleurs de base sont complètes. Ensuite, nous allons ajouter de dimension à notre collection d'ombres. 8. Ombres: Nous avons donc défini nos couleurs de base. C'est beau, mais nous essayons de nous inspirer du style arcanique, et ça a l'air un peu humide Maintenant, nous allons ajouter de profondeur à l'illustration en ajoutant des ombres. Bien entendu, nous allons commencer par créer une nouvelle couche. c'était un état au début présent, c'était un état au début de chaque partie de cette leçon. Et je ne vois aucune raison d'arrêter maintenant. En haut, je vais créer une couche au-dessus de la couche à lèvres, comme la couche à lèvres, sans la fixer à la couche inférieure. Vous pensez peut-être que c'est absurde. Si je fixe la couche d'ombre à la couche à lèvres, je ne pourrai dessiner que sur les lèvres. Ce serait correct, mais les couches de lèvres déjà collées à la couche de couleur de peau Ainsi, lorsque je fixe une couche à une couche déjà découpée, elles sont toutes accrochées à la couche de base, qui, dans ce cas, est la couche qui, dans ce cas, est de couleur de peau de base. Confondant. Je sais Maintenant, choisir la bonne couleur pour les ombres peut être un peu compliqué. Vous pourriez simplement penser à choisir un vase plus foncé de la même couleur que celui que vous utilisez déjà. C'est logique de le penser, mais ce n'est pas aussi simple que cela. En vérité, vous devez choisir une teinte plus froide que celle que vous avez pour la couleur de peau. Et par là, je veux dire, choisissez une couleur plus proche du bleu, qui est la couleur la plus cool de toutes. C'est un peu intentionnel. Mais regardez votre roue chromatique et déplacez-la légèrement vers le bleu. Vous devez ensuite déplacer votre créateur de couleur vers le bas pour obtenir une valeur plus foncée, puis vers la gauche pour obtenir une couleur plus saturée La présence de lumière est la façon dont nous percevons la couleur en premier lieu. Mais il est logique que lorsque moins de lumière atteint la surface, nous voyons moins de surface de cette couleur, et elle apparaît davantage sur le côté gris Quand il s'agit de la plupart des choses impliquant la valeur, les lumières et les ténèbres. L pour commencer par les yeux. C'est la partie la plus importante du visage que vous voulez voir belle. Je trouve donc qu'il est plus intelligent de commencer par le premier à établir la norme Comme avant, utilisez le marqueur de remplissage pour obtenir rapidement une couleur uniforme. Je sais que j'ai dit plus tôt que cela allait ajouter de la profondeur et éliminer la planéité. Et la dimension que nous ajoutons sera certainement plus évidente plus tard. C'est la partie de l'illustration qui nécessite beaucoup plus de planification et de réflexion prospective. Portez une attention particulière à la référence. Nous entrons dans le vif du sujet qui fait passer arcanes pour des arcanes Tout tourne autour de la relation entre Light Jada. L'apparence unique de Takin est due au mélange créatif de bords durs et de bords souples qui créent des formes si intéressantes et attrayantes Et vous verrez ce que je veux dire par là au fur et à mesure que nous avancerons. Une fois que j'ai une bonne idée de la disposition des ombres, je corrige le tunnel et je m' assure que les couleurs sont les plus belles. J'ai dit plus tôt que les ombres sont généralement plus froides et moins saturées. C'est une bonne règle de base, mais ce n'est pas toujours vrai dans la nature. Il est préférable de jouer avec toutes les options qui s'offrent à vous. Je ne pense pas que la couleur précédente semblait mauvaise, et je crois qu'elle aurait certainement pu fonctionner, mais grâce à la correction du tunnel, j'ai réalisé qu'il y avait une meilleure option. Maintenant vient le bon côté. Tout est bloqué, et maintenant nous allons commencer à mixer Nous le faisons en appuyant sur cette petite icône ici ou en appuyant sur la touche J comme raccourci. Sélectionnez l'outil de mélange et commencez à adoucir certaines arêtes avec celui-ci Assurez-vous de suivre la référence. Et voici ce dont je parlais lorsque j'ai mentionné tout à l'heure le mélange d'arêtes dures et souples d'Arcanes Ici, en particulier autour des yeux, vous pouvez voir le changement radical de valeur passant des zones claires aux zones sombres, et vice versa. Mais au fur et à mesure que ces ombres se déplacent vers le nez et les joues, les valeurs changent progressivement et s'estompent. Le premier est appelé hard edge, le second est appelé soft edge, et Arcane joue beaucoup avec ces concepts Parfois, l'outil d'aveuglement peut créer des taches salissantes. L'utilisation d'un airbox souple pour nettoyer ces objets plus facilement. Nous avons donc quelques ombres vers le bas. Mais la référence montre également des ombres clairement plus sombres. Donc, ce que nous allons faire, c'est superposer nos ombres. Obtenez-le. Quoi qu'il en soit, créez une nouvelle couche. Nous voulons relier la couche d' ombre la plus profonde à la première couche d'ombre. Mais en utilisant le bouton de découpage, nous allons tout accrocher à la couche de couleur de base, comme je l'ai déjà dit Nous allons donc plutôt colorier une sélection. Cliquez donc avec le bouton droit sur la première couche d'ombre et passez à la sélection à partir de la couche, puis cliquez sur Supprimer la sélection. Comme vous pouvez le constater, cela crée une sélection sous la forme de tout ce qui se trouve dans la première couche d'ombre. Et quoi que vous fassiez, vous ne dessinez sur cette sélection que lorsqu'elle est active. Vous allez revenir à la deuxième couche d'ombre, et tout sera contenu dans les limites de la première couche d'ombre Et si ces lignes de sélection vous dérangent, et je sais qu'elles le sont, vous pouvez simplement les désactiver en cliquant sur ce petit bouton en haut Les lignes de sélection seront toujours présentes. Tu ne peux tout simplement pas les voir. Maintenant, peignez la deuxième couche d' ombre de la même manière que nous l'avons fait pour la première, mais avec une couleur encore plus foncée, froide et plus désaturée. Assurez-vous de laisser de l'espace entre le bord de la deuxième ombre et le bord de la première ombre pour donner l'impression d' une gradation. Une fois de plus, j'utilise ma correction tonale gay très pratique pour voir les options qui s'offrent à moi et rendre les ombres plus fidèles à mes références pour voir les options qui s'offrent à moi et rendre les ombres plus fidèles à mes les ombres plus fidèles à J'utilise deux références différentes pour l'éclairage et l'ombrage de cette illustration Il va donc naturellement falloir prendre des décisions créatives. Bien que j'utilise la première référence pour la majeure partie de la structure, je veux légèrement projeter le visage et la seconde référence, et je construis mes ombres en gardant cela à l'esprit. Je crée une troisième couche pour les ombres les plus profondes, qui sont presque d'un noir droit. N'oubliez pas de ne pas en faire trop. Quand il s'agit de créer des ombres projetées pour les yeux, j'utilise une technique un peu différente. Il y a beaucoup de couleurs différentes sur lesquelles l'ombre est projetée. Donc, à moins que vous ne vouliez choisir une couleur d'ombre pour chacune d'entre elles, je vous suggère d'utiliser un filtre de couche. Il existe un menu déroulant dans les paramètres de votre couche qui doit d'abord indiquer normal. En cliquant dessus, vous obtiendrez un tas d'options pour votre filtre de couche. Pour les ombres, un filtre utile est le filtre multiplicateur. Sélectionnez une couleur appropriée, probablement en rapport avec les couleurs autour des zones que vous ombragez et commencez à créer des ombres Comme il s'agit d'un filtre, la couche multiplicatrice prend en compte les couleurs ci-dessous lorsque vous notez vos couleurs ou vos valeurs. Nous aurions pu facilement le faire pour toutes nos ombres sur l'ensemble de notre illustration, mais les teintes auraient fini par paraître un peu superficielles par rapport à ce que nous recherchions , surtout si l'on considère la variété de couleurs présentes dans la peau, qui constitue la majeure partie de notre photo ici. Créez une nouvelle couche pour les ombres des bijoux. La seule chose est que l'oreille et le collier sont sur deux couches différentes, nous ne pouvons donc pas attacher cette couche aux deux en même temps. Vous pouvez créer deux couches et les attacher à chaque bijou à la place. Mais j'ai une meilleure idée. Comme nous l'avons fait précédemment, sélectionnons une couche. Vous pouvez en fait inclure plusieurs couches dans une sélection. C'est parfait pour ça. Maintenez donc le contrôle et cliquez sur chaque couche nécessaire. Faites ensuite comme nous l'avons fait auparavant en cliquant avec le bouton droit sur l'une des couches sélectionnées, puis en cliquant et en créant une sélection. Désormais, les camions à brosses sont limités aux deux zones de bijouterie. Pour façonner le bijou lui-même, vous devez utiliser à nouveau l'outil de marquage et sélectionner la couleur marron foncé. Mais au lieu d' adoucir les bords, vous voulez qu'ils soient coupés le plus dur possible Parce que nous allons opter pour le métallisé nous voulons un contraste élevé, afin que le décalage entre les lumières et les ténèbres soit net Effacez certaines ombres sur les bords pour donner l'impression que la jante éclaire le matériau brillant. Et essayez de créer des formes intéressantes avec l'ombre et la lumière. Les ombres sur le visage sont plus ou moins complètes, mais nous allons prendre le temps de sculpter les objets dans un état satisfaisant Maintenant, je suppose qu'il est temps de faire quelque chose avec les vêtements. Nous avons utilisé la troisième référence pour la guerre menée jusqu'à présent. Créez donc une nouvelle couche au-dessus la couleur de base du vêtement et attachez-la. Si vous regardez bien, la chemise n'est pas plate. Il y a des arêtes sur la chemise qui projettent des ombres Donc, en saisissant le crayon le plus clair d'une couleur légèrement plus foncée et plus froide, nous allons dessiner sur ces arêtes. Une fois cela fait, créez une nouvelle couche au-dessus des arêtes et attachez-la également Cette couche sera destinée aux ombres proprement dites, et nous allons utiliser la même couleur qu' auparavant, car les arêtes sont techniquement des ombres, mais elles sont plutôt représentatives du motif des chemises Maintenant, nous créons les ombres qui émanent de la forme du corps du personnage. Utilisez le même marqueur et les mêmes outils de mélange que ceux que nous utilisions auparavant Utilisez ensuite l' aérographe doux sur les zones les plus claires pour suggérer les changements subtils de plan de la chemise Utilisez le marqueur pour effacer les bords durs, tandis que l'outil de mélange est utilisé pour les bords souples Et maintenant, il est enfin temps de passer à la partie la plus importante de cette illustration, celle de la teinte des lèvres. Et par là, je veux dire que j'ai oublié de placer les ombres tout à l'heure. Donc c'est ce que je viens de faire. Assurez-vous simplement de placer la couche à lèvres dessous de la troisième couche d'ombre, mais au-dessus du reste. Les ombres les plus foncées sont celles que j'utilise ici pour les lèvres Et une fois cela fait, les ombres sont maintenant terminées, sans compter les sculptures ultérieures, qui se produiront très certainement Et dans la prochaine partie, nous aborderons les points saillants. 9. Points saillants: Maintenant que nous avons ajouté des ombres à notre image, vous pouvez vraiment voir la profondeur qu'elles apportent. La photo n'a plus l'air si plate. Nous pouvons aller encore plus loin en ajoutant les points forts. Donc, comme toujours, créez un nouveau calque, mais placez-le sous les ombres. Comme nous avons créé les ombres en premier, nous les avons déjà utilisées pour définir de nombreuses formes et arêtes du visage. Désormais, en utilisant les reflets, nous reste plus qu'à colorer les ombres situées sous le contour. Lorsque vous choisissez une couleur, tout comme vous ne devriez généralement pas passer au noir dans la plupart des ombres, vous ne devez pas non plus passer au blanc dans la plupart des tons clairs. Et tandis que les ombres sont généralement plus froides et plus sombres, clairs sont généralement plus chauds et plus clairs. Dans ce sens, plus chaud signifie plus proche du jaune sur votre roue chromatique. Cela étant dit, les ombres et clairs ont tendance à être moins saturés que votre ton de base. tout cela est presque sans objet de toute façon, Mais tout cela est presque sans objet de toute façon, car soyons réalistes Je vais de toute façon utiliser les corrections tonales comme béquille numérique plus tard . Mais c'est quand même bon à savoir. De plus, sans cette connaissance, l'utilisation de la fonction de correction tonale serait de toute façon plus difficile à utiliser Je commence par tester des pinceaux avec une certaine texture. Je voulais quelque chose de texturé parce que la peau n'est pas parfaitement lisse, et je voulais représenter cela d'une manière ou d'une autre, condition que la texture ne soit pas trop discordante ou trop visible. J'ai fini par opter pour l'outil à charbon, qui figure parmi la deuxième liste de sous-outils après les outils à crayons. Cette partie peut être un peu confuse car vous remarquerez peut-être que j'ai du charbon de bois et deux fusains répertoriés dans mes outils. Cela est dû au fait que les outils sont parfois modifiés d' version à l'autre lorsque le clip DOPA est mis à jour, et l'outil Charbon était l'un de ces outils Le charchl two que j'ai listé ici est la version la plus récente de l'outil, et le charchl que je finis par utiliser provient d'une ancienne version de Mais ne vous inquiétez pas. Si vous n'avez pas cette ancienne version, vous pouvez la télécharger assez facilement. Vous avez le programme artistique Clip Studio Paint, vous auriez dû avoir une autre application à côté, l'application Clip Studio, qui gère tous les fichiers et matériaux que vous utilisez pour la peinture. Si vous l' ouvrez et que vous cliquez sur l' onglet Clip Studio Assets sur la gauche, il sera intégré à une base de données de matériaux et ressources que vous pourrez télécharger et utiliser pour vos propres illustrations. Beaucoup d'entre eux sont même gratuits. Mais dans la barre de recherche en haut, si vous saisissez 1.10 0.9 et tools, vous trouverez les sous-outils par défaut pour la version 1.10 0.9 de Clips VDO Ici, vous pouvez télécharger ces anciens outils, et une fois que c'est fait, ouvrez votre application de peinture actuelle et cliquez sur la flèche unique en haut ici. Sous l' onglet de téléchargement, il devrait y avoir un dossier contenant les outils que vous venez de télécharger. Vous pouvez y trouver l'outil de fusain que j'utilise et il vous suffit de cliquer dessus et de le faire glisser vers le menu des sous-outils dans lequel vous souhaitez le placer Assurez-vous simplement de renommer votre ancien outil à charbon si vous souhaitez les placer dans le même menu Vous pouvez le faire en cliquant avec le bouton droit sur l'outil, en sélectionnant les paramètres du sous-outil et en modifiant le nom. Et maintenant, nous commençons enfin à définir la couleur des zones surlignées. Mais n'oubliez pas qu'aucune des mises en page ne vient de mon esprit. Je le déduis de la référence. Mélangez les bords pour que la texture ne soit pas trop discordante. Et si vous trouvez que votre mélange adoucit trop les choses au point d'aplatir complètement la complètement Une autre bonne option à utiliser est l'outil de flou situé juste en dessous de l' outil de fusion dans le menu des sous-outils Avec l'outil de flou, vous pouvez rendre les textures moins distinctes sans tout mélanger pour obtenir un ton plat Cela conservera la texture, mais la rendra moins accrocheuse. Et puis tu sauras quelle heure il est. C'est l'heure de la correction tonale. Essayez de trouver un juste milieu entre la texture et le grain, là où les deux existent, mais aucun d'eux ne domine complètement l'autre Nous allons maintenant créer une autre couche de surbrillance, mais cette fois au-dessus des couches d'ombre, pour les zones où les limites entre les valeurs n'ont pas encore été définies. Au début, je ne place le calque au-dessus du premier calque d'ombre, mais je le déplace finalement au-dessus tous les calques d'ombre ainsi que du calque de rouge à lèvres. Lorsque je mets les reflets sur les lèvres, je recommence à utiliser le marqueur et le crayon plus clair pour simuler la brillance à contraste élevé du brillant à lèvres. Semblable à l'éclat des bijoux, avec un peu plus de douceur. Et maintenant, créez une troisième couche de surlignage au-dessus de toutes les autres couches de surlignage et de chatl. Je voulais ajouter la lumière vive projetée sur le côté du visage, comme dans la deuxième référence. J'ai d'abord opté pour une couleur rose vif similaire à ce que j'avais indiqué dans la deuxième référence Mais comme vous l'avez peut-être deviné, je compte sur la correction ultérieure de notre Seigneur et Sauveur Tomo J'utilise également le marqueur pour illustrer l'intensité de la lumière qui brille sur son visage L'emplacement de ce point lumineux est la raison pour laquelle j'ai construit les ombres comme je l'ai fait. Comme je l'ai déjà dit, j'ai planifié à l'avance la façon dont je voulais répartir l'éclairage sur le visage C'est pourquoi j'ai placé l'ombre de manière inégale des deux côtés J'ai mis plus d'ombre sur le côté exposé de son visage parce que je savais que l'éclairage intense créerait une ombre centrale intense où l' avion passerait du côté de son visage à l'avant de son visage. Alors que l'autre côté de son visage est plus dégradé du clair au foncé et vice versa. Ensuite, j'ai utilisé ma correction tonale très pratique de Danny pour modifier la couleur de ce surlignage afin qu'elle soit plus cohérente avec les couleurs de la première référence Étant donné que nous avons utilisé la première référence pour la plupart des couleurs jusqu'à présent, nous devons rester cohérents. Ensuite, nous utilisons l'outil d'aveuglement et l'aérographe doux pour beaucoup de sculpture Les masques de calque sont un bon moyen d'effacer quelque chose sans prendre une décision complète. Ici, j'utilise un masque sur le premier calque de surlignage pour effacer une partie du reflet du front afin de le rendre moins intense. Ensuite, j'active et j'éteins le masque pour voir si j'aime le changer. Si je le fais, je peux juste garder le masque. Si je ne le fais pas, je peux simplement éteindre le masque. Ensuite, je crée une nouvelle couche au-dessus de la couche de couleur des yeux, mais en dessous de la couche de fard à paupières pour ajouter des couleurs plus claires et apporter de la lumière aux yeux. Je finis par utiliser à nouveau un filtre de couche. Cette fois, c'est le dosage des couleurs, qui ajoutera un léger effet d'éclat Je choisis une couleur jaunâtre pour apporter un peu de chaleur. Mais comme il s'agit d'une couche filtrée, je ne sais pas vraiment comment cette couleur se traduira tant que je ne l'ai pas posée. Il en ressort dans cette couleur claire et brune, ce qui m'a plu. Mais, vous savez, j'ai juste dû utiliser une correction du tunnel pour voir s'il y avait quelque chose de mieux. Oui, je sais que j'ai un problème. Et non, je ne vais pas le changer. Au final, la couleur que j'ai choisie n'était pas très différente de la couleur initiale de toute façon. Ensuite, je crée une couche pour le blanc qui brille dans œil au-dessus de toutes les autres couches de couleur des yeux Habituellement, c'est la partie qui réunit vraiment les yeux d'un point de vue esthétique. premier temps, en optant pour un blanc pur, je place les paillettes blanches aux mêmes endroits qu'elles apparaissent dans la première référence Maintenant, les yeux ressortent vraiment comme ils le devraient, car les yeux sont la partie du visage vers laquelle notre attention se concentre lorsque nous regardons les gens Mais en dézoomant, je remarque que les paillettes blanches sont un peu Alors, comme la accro que je suis, je reprends ma précieuse correction du tunnel et je réduis les couleurs alumineuses pour ma précieuse correction du tunnel et qu'elles ne soient pas d'un blanc pur, mais plutôt d'un gris très clair Maintenant que le visage est dans un état relativement satisfaisant, je passe aux vêtements et je crée une nouvelle couche. J'utilise le pinceau pastel pour la texture et j'utilise l'outil de mélange de l'aérographe doux lisser les objets. Je veux ensuite donner aux bijoux un peu de l'éclat que nous voyons sur la nouvelle photo de référence. Je crée une nouvelle couche au-dessus des bijoux et je fais briller le filtre tout en choisissant la même couleur dorée que celle que j' utilise comme base pour les colliers que j'entends Comme il y a un filtre anti-lueur sur la couche, cette couleur dorée apparaîtra beaucoup plus lumineuse et éclatante qu'auparavant. J'utilise ensuite la même fonction que nous utilisions auparavant en créant une sélection sur plusieurs couches pour limiter l'endroit où je dessine. enseignant l'aérographe doux, nous allons appliquer doucement cet éblouissement sur le côté d'où provient la lumière À ce stade, j'aimerais commencer à étoffer plume sur les boucles d' oreilles pour qu'elles ressortent un Mais d'abord, j'ai importé une nouvelle référence à une plume de corbeau pour en rendre la forme plus précise Quand tout le reste échoue, pour plus de références. Une fois que je suis satisfait de la forme de la plume, créez une nouvelle couche pour la tige plus claire de la plume Athos une grille légèrement plus claire que le point à mi-chemin entre le blanc et le noir Mais, bien sûr, parce que je ne peux pas m'en empêcher. Je reviens à ma correction totale et assombrit la tige pour qu'elle ne demande pas trop d'attention. Je crée ensuite une nouvelle couche pour les reflets de la partie de la plume elle-même, en utilisant la même couleur que celle que j'utilise pour la tige Vous commencez probablement à voir le nombre de couches que l'on peut utiliser pour créer une illustration. Nous aurions probablement pu en utiliser moins, mais plus de couches sont plus sûres. Bien que très fastidieux à modifier si nécessaire. Créez une nouvelle couche pour mettre en valeur les cheveux. Cette fois, j'ai décidé d'opter pour l'outil à fusain, le nouvel outil à charbon qui est en fait natif de la dernière version de Clip Studio Paint. La valeur des reflets n'a pas besoin d'être beaucoup plus claire que la couleur de base des cheveux. Ils doivent juste être suffisamment légers pour être visibles. Vous ne voulez pas les rendre trop légers sinon ils demanderont trop d'attention. En matière d'illustration, il s'agit en grande partie d'un jeu d'équilibre entre teintes et les valeurs qui orientent le regard du public vers les endroits sur lesquels il souhaite se concentrer tout en créant des zones intéressantes mais moins visibles autour de lui. J'ai fait les cheveux un peu différemment de mes références, mais je ne les utilise pas pour cela. Pour ce volet, je m'appuie sur l'expérience. Mais pour ce faire, il faudrait considérer les cheveux comme des bandes enroulées qui se chevauchent Si vous décidez de suivre cette voie, veillez à ce que les bandes apparaissent comme si elles étaient posées les unes sur les autres. Je suggère également quelques reflets sur le côté des cheveux opposé à la source de lumière principale. Cela suggère une source de lumière secondaire, qui est très susceptible de se produire dans la nature lorsque la lumière rebondit d'une surface à l'autre À moins que vous n'ayez spécifiquement décidé d'avoir une source de lumière, vous devriez toujours en envisager une deuxième. Et puis la correction totale que tu as recommencé à m'appeler. quoi vous ne vous attendiez probablement pas, c' est que je l'ai refusée cette fois et que j'ai opté pour la couleur que j'avais déjà. Je crois que c'est ce que l'on pourrait appeler le développement du personnage. Ensuite, le reste de ce processus de mise en valeur consiste simplement à sculpter davantage la prochaine vidéo, nous allons enfin ajouter un arrière-plan, afin qu'elle ne soit pas simplement debout dans un vide blanc. 10. Arrière-plan: Eh bien, est-ce que tu regarderais ça ? On dirait que nous avons un personnage relativement complet sur notre campus jusqu'à présent. Bien entendu, cela va sans parler des corrections que nous pourrons apporter ultérieurement. Mais à ce stade, j' espère que vous commencez vraiment à voir une fin possible pour cette illustration. La ligne d'arrivée est en vue. Si vous avez suivi votre propre illustration, j'espère vraiment que vous pouvez voir tout se mettre en place à ce stade. Et maintenant, il est temps de créer un arrière-plan, mais quelque chose qui ne soit ni trop complexe ni trop détaillé. à présent, c'est juste quelque chose pour masquer Jusqu'à présent, c'est juste quelque chose pour masquer ce tableau blanc en arrière-plan. Commençons par placer tout ce qui concerne notre personnage dans un dossier distinct afin que les couches qui le composent puissent être facilement séparées des couches qui constituent l'arrière-plan. Sélectionnez toutes les couches viables de la même manière que je vous l'ai montré précédemment. Ensuite, vous devez redresser la plaque quelque part sur ces couches sélectionner l'option, créer un dossier et insérer une couche. Maintenant, toutes ces couches sont placées dans un dossier soigneusement emballé, et vous pouvez réduire ce dossier en appuyant sur la flèche déroulante en haut Et ici, je vais dupliquer ce dossier et toutes les couches qu'il contient en cliquant avec le bouton droit sur le dossier et en sélectionnant Dupliquer le calque. Remarquez la différence que cela fait dans les cheveux. Cela a vraiment assombri les paysages sauvages à travers les âges. À l'aide de ces crayons et pinceaux plus légers, dupliquer parfois les couches qui les utilisent peut donner à votre œuvre Cela étant dit, j' une autre raison complètement différente ai dupliqué cette couche pour une autre raison complètement différente, que j'expliquerai plus en détail dans la section suivante de cette leçon Mais pour l'instant, concentrons-nous sur la création de l'arrière-plan, qui sera basé sur le contexte de la première référence. Tout d'abord, créez une nouvelle couche sous les dossiers. Et en choisissant une couleur bronze foncé désaturé, créez une couleur de base pour la partie inférieure de l' Pour ce faire, utilisez une fonction qui permet de créer des lignes droites et de tracer une ligne horizontale sur le canevas. Pour tracer ces lignes droites, il suffit de toucher un point quelconque dans les paramètres de votre dessin et de maintenir la touche Maj n'est pas nécessaire que l'endroit que vous touchez se trouve sur votre canevas. Lorsque vous faites cela, une projection apparaît partout où vous déplacez votre curseur, indiquant comment votre ligne droite sera placée. Lorsque to est placé, j'utilise l'outil de remplissage pour remplir tout ce qui se trouve en dessous de la ligne de la même couleur. Cependant, je me suis vite rendu compte que cette zone était trop basse, alors je l'ai redimensionnée à l' aide d'une transformation. Comme la partie supérieure de l'arrière-plan de la référence est blanche, nous allons laisser la partie supérieure de l'arrière-plan telle quelle dans mon canevas. Ensuite, créez une nouvelle couche au-dessus de la précédente et utilisez une couleur bleue à l'aide d'un aérographe doux, car même si l'arrière-plan est une lumière dorée brillante, des tons froids sont toujours présents pour l'équilibrer Ici, nous allons placer légèrement ces tons bleus autour de neuf zones spécifiques. Ensuite, nous allons créer une autre nouvelle couche cette fois avec le filtre anti-lueur, par couleur jaune vif pour les rayons lumineux sur les bords de la section blanche et de la section bronze. À l'heure actuelle, il serait vraiment bon de noter que vous pouvez conserver deux couleurs à la fois. Comme vous pouvez probablement le constater avec les deux carrés situés dans le coin inférieur gauche de votre roue chromatique. Et nous voulons absolument en tirer parti, car il peut être fastidieux d' utiliser le sélecteur de couleur sur les calques dotés de filtres, car il saisira la couleur filtrée au lieu de la couleur réelle que vous avez choisie Vous pouvez toujours sélectionner les couleurs. Mais vous devrez remettre le calque à la normale , puis réinitialiser le filtre une fois que vous aurez choisi la couleur. Mais au lieu de cela, vous pouvez passer couleur à l'autre à l'aide de la touche de raccourci g. Vous allez vouloir enregistrer la couleur jaune que vous avez pour des ajustements ultérieurs. Utilisez donc la deuxième couleur et créez une nouvelle couche. Celui-ci est également avec le filtre à gants, mais la couleur que nous utilisons pour celui-ci est le blanc. Nous allons utiliser le blanc pour donner cet aspect époustouflé en appuyant sur la référence. Assurez-vous de baisser la lampe, appuyer plus fort sur le dessus de votre trait et de la desserrer lorsque vous redescendez. Cela donne l' impression que la lumière est projetée sur le personnage. J'enregistre cette couleur jaune pour pouvoir revenir à la couche précédente et effectuer des ajustements sans perdre un battement. Maintenant que l'arrière-plan commence à s'harmoniser, je commence à réfléchir à la façon dont ce nouvel éclairage de fond pourrait affecter le personnage que nous avons déjà créé. Cependant, je crée une nouvelle couche au-dessus de toutes les couches précédentes. Cette fois, avec un filtre Glow Dodge, au lieu du simple filtre Glow. En utilisant la même couleur blanche, je cherche un endroit où la lumière pourrait traverser ou envelopper le personnage, comme les cheveux. Je l'utilise également pour faire briller les bijoux. Créez ensuite une nouvelle couche au-dessus du reste des couches d'arrière-plan pour y apporter la touche finale. Ici, nous allons ajouter les particules de lumière que vous voyez flotter dans la première référence si vous regardez d'assez près. Pour imiter cet effet, je clique sur l' outil de capture de tonalité dans le menu de l'aérographe, puis j'ajuste la taille des particules à une Je commence ensuite à appliquer le ton en grattant les particules avec une distribution uniforme des deux côtés Enfin, utilisez l' outil de flou dans le menu de fusion les adoucir et les faire apparaître sous forme de poussière éliminée par la lumière En fonction de l'intensité avec laquelle vous appuyez, vous pouvez obtenir une variation appréciable flou de chaque particule Essayez de maintenir la pression légère dans la plupart des cas. Pour en revenir à la couche Glow Dodge, j'ai décidé d'ajouter un éclairage de jante aux vêtements. Je commence par l'aérographe doux, mais je passe ensuite à l' ancien outil à charbon pour ajouter de la texture, ainsi qu'à l'outil de mélange pour gérer cette N'oubliez pas d' où vient la lumière et où seront placées les ombres. J'ai décidé d'effacer une partie de l'éclairage sur les bords des vêtements pour masquer l'ombre projetée par les cheveux. Et juste comme ça, nous presque terminé avec cette illustration. Tout ce que nous y ferons maintenant sera destiné à des fins de sculpture et de correction, ce dont je parlerai plus en détail dans la prochaine partie de cette leçon 11. Corrections: Je vais être honnête, il m'est difficile de placer cette vidéo dans la leçon car c'est quelque chose que l'on devrait faire tout au long de son processus d' illustration Du début à la fin, vous devriez prendre le temps de bien regarder votre illustration et d' apporter des corrections chaque fois que vous trouvez quelque chose qui vous dérange Parce que, croyez-moi, si quelque chose dans votre illustration vous dérange au début, cela vous dérangera certainement plus tard Ces imperfections de vos œuvres d'art s' accumulent rapidement au fil du temps. C'est pourquoi j'ai mis autant l'accent sur le processus de sculpture auparavant J'ai envisagé de placer cette vidéo plus tôt dans la leçon, car elle est requise dès le début du processus . Comme lorsque j'ai modifié la forme du visage avant d'ajouter la couleur ou lorsque j'ai retouché les cheveux avant de placer les ombres. Je faisais des allers-retours pour modifier ces formes tout au long de l'illustration. Mais si j'ai décidé placer cette partie de la leçon ici, c'est parce que je pense que ces modifications sont assez évidentes Bien sûr, vous devriez modifier ces éléments si vous ne les aimez pas dès le début. Cependant, certaines modifications approchant de la fin de votre processus d'illustration peuvent nécessiter beaucoup un très bon exemple lorsque j'ai décidé de raccourcir la distance entre les yeux et le nez de ce personnage après avoir terminé l'éclairage, les ombres et les détails les plus fins du visage Il y avait donc beaucoup de choses à corriger sur de nombreuses couches. Maintenant, j'aurais certainement dû fixer les proportions de son visage plus tôt. Mais honnêtement, ce n'est pas quelque chose qui m'a dérangé ou que je n'ai même pas remarqué avant d'ajouter des détails Et parfois, c'est comme ça que le cookie s'effrite. Parfois, les erreurs ne ressemblent pas à des erreurs tant que le détail n'est pas ajouté, mais à ce stade, l' édition doit s'effectuer sur plusieurs couches. Alors, que faites-vous ? Eh bien, dans le cas de cet exemple, c'est plus facile de regrouper un grand nombre de problèmes et de les résoudre en même temps. Nous pouvons commencer ce processus en effectuant une sélection groupée de chaque couche qui sera modifiée. C'est en fait à l' époque de l'illustration que je regroupe ces couches dans un dossier, ce dont j'ai parlé dans la dernière partie de cette leçon. C'est également à ce moment que j'ai dupliqué ce dossier. Et la raison pour laquelle j'ai dupliqué ce dossier était pour effectuer cette modification en masse et avoir un dossier de sauvegarde au cas où je n'apprécierais pas le résultat de la modification Il s'est avéré que la duplication a fait paraître les cheveux plus épais, et j'ai bien aimé. Mais en passant à autre chose, j'ai fait une sélection en coupant le nez, les cheveux et le contour de la boucle d'oreille Et une fois que tout est sélectionné, lorsque je clique sur l'option de rotation de l'échelle dans le menu de sélection, cela s'applique à chaque couche. Donc, dans ce cas, je veux juste abaisser légèrement la partie supérieure du visage. Je pourrais le faire en cliquant sur le dragon, mais ma main pourrait facilement dériver vers la droite ou vers la gauche, ce que nous ne voulons pas. Au lieu de cela, je clique sur l'erreur vers le bas de mon clavier, ce qui déplacera la sélection pixel par pixel. Je le déplace jusqu'à un point où je suis satisfait. Le changement peut être minime, mais de petits détails peuvent faire une grande différence. Vous avez peut-être remarqué la ligne qui traverse le visage, où les couleurs se chevauchent à cause de la modification Malheureusement, résoudre ce problème ne sera pas simple. La solution à ce problème sera d'utiliser un outil de mélange plus simple, d'accéder à chaque couche de couleur affectée et de les mélanger à nouveau à un point raisonnable Pour vous faciliter la tâche, désactivez toutes les couches sauf celle sur laquelle vous travaillez et parcourez-les une par une. Passant à la prochaine modification importante que j'ai apportée, après avoir créé l'arrière-plan, j'ai décidé que le personnage n' apparaissait pas aussi bien que je l' aurais souhaité L'arrière-plan était un peu trop impressionnant, alors j'ai décidé de mettre un peu plus de lumière sur le visage en utilisant une couche Glob Dige au-dessus de toutes les En utilisant la même couleur jaune que celle utilisée en arrière-plan et avec une brosse à cheveux douce, éclaircissez doucement le visage pour que le focus reste là où il doit être Ce ne sont là que des exemples de certains des obstacles que vous pourriez rencontrer à l'approche de votre crise cardiaque Mais avec le temps et la pratique, vous acquerrez l' expérience nécessaire pour surmonter tous les obstacles supplémentaires. 12. Attestation et merci: Nous sommes donc arrivés à la fin de la leçon, et il est maintenant temps de passer à votre devoir. Et pour cette mission, je veux que vous suiviez mon parcours dans cette leçon. Je fournirai toutes les références que j'utilise dans cette illustration comme outils que vous pourrez également utiliser. Et comme dans le processus que je viens de vous montrer, essayez de mélanger les choses et d'ajouter votre propre touche et personnalité à votre photo. Au lieu de simplement essayer de faire correspondre le pixel de référence pixel par pixel. Et si vous vous sentez suffisamment en confiance pour traduire cela à un autre personnage, alors, par tous les moyens, illustrez une photo de n'importe quel autre personnage incroyablement conçu qu'Arcane a à Et lorsque vous aurez terminé, assurez-vous de publier une photo dans les projets de classe. Et si vous avez le courage de partager vos œuvres d'art en ligne, oubliez pas de me taguer sur Instagram ou Twitter Blue Underscore Omni et Blue Omniverse J'adorerais voir ton travail. Merci beaucoup d'avoir écouté ma leçon, et j'espère que tous ceux qui ont visionnée en ont tiré un avantage. Dites-moi ce que vous aimeriez voir d'autre dans les commentaires et restez à l'affût pour en savoir plus.