Animation DIY pour les débutants

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Ryan Consbruck, et c'est l'animation de bricolage pour les débutants. Je suis illustrateur et animateur avec une formation en architecture. J' ai pris le dessin dans les compétences de modélisation 3D que j'ai apprises en architecture et les ai appliquées à divers projets personnels animés. Certains de ces projets incluent un fond d'animation que j'ai fait pour un comédien et un clip vidéo. Actuellement, je travaille sur ma propre série animée que je prévois de sortir sur YouTube. Dans ce cours, nous allons examiner les fondements de l'animation. Cela inclut la conception de personnages, la conception de fond, le mouvement et les principes de base de l'édition et de la production. Cette classe s'adresse aux débutants qui aiment dessiner et qui veulent donner vie à leurs dessins. Les compétences de ce cours peuvent être utilisées pour développer des storyboards, des animatiques et des animations entièrement réalisées. Fondamentalement, quand nous voulons vous aider à prendre votre, le noyau de votre idée créative et à l'amener dans le monde. Dans ce cours, j'enseignerai mon processus spécifique, qui consiste à dessiner dans Photoshop avec un iPad Pro et à modifier ces dessins et After Effects. Vous pouvez choisir d'utiliser d'autres programmes en plus de Photoshop et After Effects comme Flash. Mais j'espère que les compétences enseignées dans ce cours se traduiront par d'autres médiums et processus. Tout au long de ce cours, nous allons travailler sur un projet qui consiste à choisir un morceau audio de 10, 30 secondes. Cela peut être une chanson, un podcast, un film, juste quelque chose que nous allons utiliser pour développer des storyboards et des animatiques, et éventuellement une animation finale. Pour la première partie de ce projet, j'aimerais que vous choisissiez votre morceau d'audio et peut-être que vous regardiez des animations différentes en ligne, comme les animations pour le podcast de mon frère, mon frère et moi ou le flop house. Il y a beaucoup de bonnes animations qui passent par les principes de base de l' animation et de la traduction de l'audio en visuels. Merci de vous joindre à moi et j'ai hâte de voir ce que vous avez trouvé. 2. Outils et matériaux: Pour ce cours, vous aurez besoin de quelques éléments. Vous aurez besoin d'un carnet de croquis, d'une grande partie du papier journal pour dessiner rapidement des storyboards. Vous pouvez également utiliser un carnet de croquis de storyboard. Vous aurez besoin d'un ordinateur capable d'exécuter Adobe Creative Suite, particulier Photoshop, After Effects et Adobe Media Encoder, ainsi que d'un logiciel de montage vidéo comme Premiere ou iMovie. Enfin, vous aurez besoin d'une sorte de dispositif de dessin numérique, comme un Cintiq, qui est beaucoup plus cher, mais il a un écran dessus, ou une tablette Wacom Bamboo, ce qui est beaucoup moins cher, mais évidemment pas avoir un écran. Personnellement, j'utilise un iPad Pro avec une application appelée Astropad, qui reflète ce qui se passe sur l'écran de mon ordinateur sur l'iPad, donc je suis capable de dessiner sur des programmes comme Photoshop. 3. Objectifs et style: Dans cette leçon, nous allons parler de ce que vous essayez d'accomplir avec votre animation et comment vous pouvez développer un style personnel et cohérent. Maintenant, il y a quelque chose d'unique dans l'animation en ce sens qu'elle est presque complètement déliée par la réalité. Nous voulons identifier les parties de votre histoire qui se prêtent à être racontées par l'animation, et nous assurer que nous gardons ces idées cœur de votre animation tout au long du projet. Compte tenu de ces possibilités infinies, vous voulez commencer à réfléchir aux règles que vous commencez à créer pour vous-même lorsque vous commencez ce processus de construction du monde. Il est également important d'identifier ce qui se trouve dans votre domaine de compétence. Vous ne voulez pas décider que vous allez tout prendre et vous rendre compte que vous ne pouvez pas le faire. Commencez à réfléchir à ce que vous pouvez faire avec l'équipe que vous avez. Vous voudrez peut-être faire un dialogue très limité ou simplement vous concentrer sur le mouvement. Essayez de le garder personnel et de le garder pertinent pour vos capacités. Je commencerais par un test rapide. Esquissez votre personnage ou votre arrière-plan, découvrez combien de temps il vous faut pour créer quelque chose qui vous satisfait. Si vous multipliez le temps qu'il faut pour faire l'élément singulier, est-il gérable à une plus grande échelle ? Ce processus peut vous amener à découvrir que votre projet devrait durer trois minutes au lieu de 30. Une façon de commencer à construire votre style personnel est de commencer une collection de différentes qualités que vous aimez dans d'autres œuvres d'art. C' est vraiment facile à faire avec Pinterest ou un autre collage visuel. Dans la série sur laquelle je travaille, beaucoup de personnages sont tirés d'une fresque que que j'ai faite il y a quelques années, et cela m'a permis de construire une bibliothèque visuelle rapide. Au fur et à mesure que vous continuez ce processus de collecte de toutes ces images visuelles, vous devriez commencer à remarquer des modèles qui apparaissent qui vous aideront à construire votre propre bibliothèque d'images. Vous voulez faire attention à différencier votre travail de votre inspiration et identifier ce qui est unique dans votre vision du monde et comment vous pouvez l'appliquer à votre propre style personnel. Une autre chose à considérer est de savoir si votre projet nécessite ou non un script. Un script peut se sentir comme un obstacle à votre processus créatif, après tout, c'est de l'animation et je suppose que vous êtes ici parce que vous êtes excité par les visuels. Mais un script peut être extrêmement utile pour vous aider à définir et à comprendre la structure de votre histoire. Le script sert également de document qui traduit clairement votre vision et votre intention aux autres avant d'avoir eu la chance de créer les visuels. Au début, j'ai trouvé que j'avais un peu redouté d'écrire un script, mais une fois que je l'ai fait, c'était excitant. mise en forme des scripts est relativement simple, mais nous y reviendrons un peu plus dans la prochaine leçon. Enfin, avant de commencer votre animation, commencez à réfléchir à l'aide dont vous pourriez avoir besoin. Avez-vous peut-être d'autres amis d'artistes qui seraient prêts à collaborer sur la conception de personnages ou d'arrière-plan ? Commencez à réfléchir à la quantité de contrôle créatif que vous pourriez être prêt à partager. Pour moi, je voulais avoir un contrôle créatif total sur les visuels, mais j'étais plus que heureux de voir mes amis faire certaines voix. Pour l'affectation de cette leçon, choisissez un personnage et un arrière-plan qui accompagnent le clip que vous avez sélectionné dans la dernière leçon. Dessinez le personnage et l'arrière-plan et essayez d' incorporer certaines des qualités communes de votre tableau d'inspiration. Pensez au mouvement que votre personnage fera dans la scène. Comment interagissent-ils avec leur environnement ou leurs objets au sein de leur environnement ? Que pouvons-nous apprendre sur le personnage de la façon dont ils se déplacent ? Une fois que vous avez esquissé un personnage et un arrière-plan, passez à la leçon suivante où nous vous expliquerons comment planifier les scènes de votre projet. 4. La planification: Bonjour, et bienvenue à nouveau à l'animation de bricolage pour les débutants. Dans cette leçon, nous allons parler de planification. Puisque l'animation est [inaudible] un support visuel, vous pouvez être plus à l'aise avec des storyboards pour planifier votre projet. storyboards sont un moyen rapide et jetable d'obtenir toutes les idées qui flottent autour de votre tête et de les mettre sur du papier. C' est aussi un bon moyen de voir comment cette imagerie fonctionne avec le timing, l'action et le dialogue. En story-board, j'ai essayé de penser en termes de qualités cinématographiques. Il peut être pratique d'organiser chaque cadre par la règle des tiers. Que vous le fassiez mentalement ou parfois, il faut vraiment dessiner la grille. J' ai entendu dire qu'il était bon de penser aux coupes de chaque scène comme si c'était la caméra clignotant. Si vous vous attardez sur une scène, cela peut ajouter un effet dramatique, mais dans la plupart des cas, vous voulez probablement couper toutes les trois secondes. Évidemment, cela devrait dépendre de l'aîné à venir, mais ce sont de bonnes règles pour commencer. Vous n'avez pas besoin de le verrouiller tout de suite, mais vous devriez avoir une idée du rapport que vous voulez que votre animation soit. Si vous prévoyez de mettre votre projet sur Instagram, vous pourriez vouloir carré ratio. Mais si vous faites quelque chose d'un peu plus traditionnel, vous voulez probablement vous en tenir à 1080 d'ici 1920. Si vous prévoyez éventuellement avoir votre animation dans le théâtre, vous voudrez peut-être aller jusqu'à 4K. Eh bien, ça a l'air technique. Vous voulez comprendre cela au début de votre étape de planification afin de ne pas mettre beaucoup d' efforts pour dessiner des choses sur le périmètre qui finiront par être découpées. Écrire un script peut se sentir intimidant et cela peut se sentir comme un obstacle à votre processus créatif. Mais j'ai trouvé que c'était essentiel pour que tout fonctionne bien. Je pense que l'écriture d'un script devient plus facile lorsque vous concluez un accord avec vous-même que vous pouvez le réécrire autant de fois que nécessaire et que vous le ferez, il est donc important de commencer cela très tôt dans votre processus. Certains projets peuvent ne pas nécessiter de script. Quand je travaillais sur un clip vidéo, je travaillais à partir d'un storyboard. Mais écrire un script vous permet de travailler à travers diverses idées sans avoir à animer chaque petite scène. Il vous permet également de partager ces idées avec vos amis et collaborateurs et d'obtenir des commentaires immédiats. Avant de sauter dans le script, il est préférable d'écrire un contour lâche. Cela enlève une partie de la pression de s'asseoir sur une page blanche. Quels sont les battements de l'histoire majeure ? Quelles scènes vous excitent à propos de votre projet. Vous n'avez pas besoin de savoir comment le projet se terminera ou commencera. Commencez par les scènes qui vous intéressent et rincez le reste au fur et à mesure que vous allez. Je n'ai pas de vraie formation en écriture de scénario, donc vous voudrez peut-être faire quelques recherches sur le format officiel de scénarisation. Ce qui est important, c'est que la scène soit claire pour vous et claire pour les personnes avec lesquelles vous partagerez le script. Il existe des scripts pratiques exécutant des plug-ins pour Google Docs. La façon dont j'ai mis en place le mien est le titre et vu en haut. Vous pouvez l'utiliser pour expliquer l'environnement et l'humeur de la scène, fournir quelques descriptions pour les personnages généraux. Une fois que vous commencez un retrait de dialogue et appelez le caractère. Peut-être fournir une direction pour la façon dont le personnage parle, en dessous de cela entre parenthèses. Si vous changez de caractères, recommencez et indiquez une direction supplémentaire. J' aime aussi utiliser le script comme un moyen de me donner une direction sur les œuvres d'art ou peut-être des choses spécifiques que je ne veux pas oublier plus tard. Pour la tâche de cette leçon, écoutez l'audio que vous avez sélectionné dans la première leçon. Il peut être utile d'écrire n'importe quel dialogue ou description de l'action. Commencez à le diviser en morceaux et choisissez l'endroit où vous souhaitez couper la scène. Esquissez grossièrement à quoi ressemble chaque coupe. Comment vous le piégez ? Est-ce un plan rapproché, un plan moyen ou un plan large ? La scène nécessite-t-elle un tir d'établissement ou commence-t-elle au milieu de l'action ? Pensez au mouvement qui se produira dans la scène et à la façon dont vous pouvez encadrer ce mouvement. Une fois que vous êtes satisfait de l'état de votre storyboard ou de votre script, passez à la leçon suivante, où nous discuterons de la production de visuels pour votre animation. 5. Visuels: Dans cette leçon, nous allons parler des visuels de votre projet, en particulier du style et de l'identité que vous allez créer avec vos personnages et votre arrière-plan. abord, vous devez décider si votre projet sera en couleur ou en noir et blanc. Cela dépendra très fortement de l'expérience que vous avez déjà. Si c'est l'un de vos premiers grands projets, je recommande de travailler en noir et blanc parce que cela rend les choses beaucoup plus faciles. Cependant, si vous souhaitez utiliser la couleur, je vous suggère de créer quelque chose comme une marionnette dans Photoshop et de déplacer les pièces dans After Effects. Nous parlerons un peu plus de la façon de le faire dans la prochaine leçon. Si vous finissez par utiliser la couleur et que vous voulez animer image par image, je suggère des actions de programmation dans Photoshop. Je vais vous montrer comment faire ça à la fin de cette leçon. N' oubliez pas d'utiliser une référence chaque fois que vous le pouvez. Pinterest est ton ami ici. J' aime aussi utiliser un programme 3D appelé Rhino et je vais modéliser la forme de base que j'ai en tête et esquisser dessus dans Photoshop, mais vous pouvez aussi animer le modèle 3D. Google SketchUp est un programme gratuit que vous pouvez utiliser pour faire de la modélisation de base, mais n'ayez pas peur de construire de petits modèles ou de prendre selfies juste pour que vous ayez une référence pour ce à quoi ressemble quelque chose. Il peut également être très utile de se promener dans votre quartier et de prendre des photos ou des vidéos pour récupérer des détails que vous n'avez peut-être pas pris en compte autrement. En fonction de vos storyboards, combien d'arrière-plans avez-vous besoin ? Si vous effectuez un zoom avant ou arrière sur le même arrière-plan, assurez-vous que votre fichier est suffisamment volumineux pour qu'il ne se détériore pas en qualité lorsque vous effectuez un zoom avant. Vous pouvez dessiner un angle différent pour ajouter une certaine diversité aux scènes. Lorsque vous concevez votre personnage, vous pouvez créer une feuille de caractères afin d'avoir une référence pour ce personnage sous différents angles. Je ne fais pas vraiment cela pour mes animations, mais j'aime avoir un caractère standard que j' utilise comme référence de taille pour d'autres caractères. Mais dans une série animée, il peut être utile d'avoir ces feuilles de caractères pour la cohérence. Si vous créez un personnage qui doit se déplacer, assurez-vous que vos couches sont bien organisées avec conventions de dénomination appropriées et que cela est très clair pour vous. Dessinez d'abord grossièrement votre personnage, puis redessinez toutes les parties du corps sur ce dessin grossier, chacune sur leur propre calque. Nous allons l'utiliser pour créer une hiérarchie de tous les calques dans After Effects afin qu'ils se déplacent tous simultanément. Dans Photoshop, vous pouvez utiliser des actions pour réduire le nombre de tâches répétitives dont vous disposez. J' aime l'utiliser lorsque je sélectionne une région et que je veux remplir, puis je veux créer un trait dans cette même région afin qu'il n'y ait pas de bordure blanche bizarre tout autour. Mais vous pouvez utiliser des actions pour beaucoup de choses différentes. Pour le projet de cette leçon, choisissez une scène de votre animation où un personnage se déplacera. Dessinez le personnage au début de la scène, la fin de la scène et au milieu de la scène. Pensez à la quantité d'action qui se produit entre ces moments, puis réfléchissez à la façon dont votre personnage se déplacerait spécifiquement entre eux. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la façon de représenter ce mouvement de différentes manières. 6. Timing et mouvement: Dans cette leçon, nous allons parler de mouvement et de timing. C' est le cœur de l'animation. Cela peut être accompli de différentes façons, mais dans cette leçon, nous allons parler d'animation image par image et d'animation de marionnettes. Ma méthode préférée est d'utiliser Photoshop pour créer des animations image par image. Fondamentalement, je vais à Fenêtre, timeline, et cela va créer une séquence d'images que vous pouvez contrôler en fonction des couches que vous activez et désactivez. Dans la chronologie, vous pouvez définir la durée de vie de chaque image. Comme aller ici et sélectionner le temps que vous voulez que l'image dure. Quand je planifie l'animation, je vais prendre le temps que la scène est censée durer et ensuite diviser par quelques segments habituellement environ six ou huit, quelque chose de propre et même, donc je vais juste à peu près esquisser chacun de ces cadres individuels, parfois dans une couleur différente afin que je puisse avoir une meilleure idée de combien cela change. Puis une fois que j'aurai un mouvement lisse, je retournerai et redessinerai avec des lignes plus propres. Si vos calques sont vraiment bien organisés, vous n'aurez peut-être qu'à animer une partie du corps. Donc avec cette mouette, vous pouvez voir que le bras est la seule partie qui bouge, et je vais juste tracer les lignes individuelles comme je l'ai fait avec la main précédente. Donc, une fois que la motion aura été lissée, je retournerai en arrière et je recolorerai tout. Une fois que vous avez élaboré le mouvement principal que vous essayez de transmettre, vous pouvez revenir en arrière et ajouter d'autres détails subtils comme la respiration ou les yeux en regardant autour. L' autre méthode consiste à utiliser After Effects pour créer une marionnette basée sur le caractère que vous avez créé. Une fois que vous avez créé votre personnage dans Photoshop, vous pouvez le faire glisser dans After Effects. Une fois que vous avez ajouté votre personnage, sélectionnez l'outil « Marionnette » et il vous permettra de placer des épingles dans votre personnage où vous voulez que le personnage soit mobile. Ainsi, vous pouvez simplement déplacer ces pinpoints individuels au fil du temps, et ce faisant, vous pouvez commencer à créer un mouvement dans le personnage. Il y a beaucoup d'autres façons compliquées de le faire. Mais pour les besoins de cette leçon, nous allons juste montrer la plus simple. L' autre chose qu'After Effects est bon pour créer de faux mouvements de caméra. Je vais vous montrer comment faire l'effet de parallaxe, ce qui crée essentiellement l'illusion qu'une caméra zoome sur votre arrière-plan. C' est relativement simple. Pour ce faire, créez un fichier Photoshop avec trois calques, le premier plan, le premier plan et l'arrière-plan. Une fois les trois calques réduits, faites glisser le fichier Photoshop dans After Effects. Ensuite, vous pouvez modifier chacune de ces couches afin qu'elles zooment sur différents pourcentages. Le plus proche sur lequel vous voulez zoomer, le plus grand pourcentage comme 150, le milieu où vous voudrez zoomer sur un plus petit, qui est comme 125, puis même en arrière-plan et vous voulez toujours qu'il zoome un peu un peu. Mais juste un peu si 105 ou 110. Une fois que vous avez mis à l'échelle chacun de ces calques, il commence à créer l'effet de zoom sur la scène. Pour l'affectation de cette leçon, prenez le personnage que vous avez créé dans la dernière leçon et créez un mouvement à l'aide de l'une ou l'autre de ces deux techniques. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la façon de donner vie à votre personnage en faisant couler le son que fait votre acteur vocal avec le mouvement de la bouche du personnage. 7. Voiceover: Dans cette leçon, nous allons discuter de la façon de donner une direction à vos acteurs vocaux et comment animer le mouvement de la bouche de votre personnage pour correspondre au son de la voix de ce personnage. Il y a beaucoup de microphones relativement peu coûteux que vous pouvez obtenir qui fonctionneront assez bien. Quand j'enregistre une voix off, j'utilise le Samson Go Mic et c'est un micro de bonne qualité, mais vous devez vous rappeler de le garder environ 9 pouces devant le visage de la personne. Pour ces cours, j'ai utilisé le Microphone à revers de Lavalier PowerDeWise. Si vous cherchez quelque chose d'un peu plus professionnel, je vous recommande d'aller sur Marco.org pour trouver une revue approfondie des différents podcasts et de la voix sur microphones. Il est important d'enregistrer votre acteur vocal en premier, afin que vous ayez aussi quelque chose qui corresponde aux visuels. Quand je travaille avec quelqu'un qui fait de la voix off, j'aime qu'ils lisent un lecteur que les premiers prennent sans effet, juste pour qu'ils puissent se familiariser avec les lignes et ensuite une fois qu'ils sont à l'aise de lire les lignes, vous pouvez donner une certaine personnalité au personnage. Je pense qu'il est également important d'essayer quelques prises différentes sur le personnage. Vous pouvez dire, faites cela d'une voix plus rugueuse, faites-le d'une voix supérieure. Essayez d'obtenir une gamme de capacités de cette personne et ensuite vous pouvez choisir celle que vous aimez le plus à la fin. Lorsque vous enregistrez la voix off, il est temps d'expérimenter et d'essayer beaucoup de choses différentes, car il est facile d'enregistrer plusieurs prises. Vous pouvez enregistrer en rapide enregistrement audio, bande de garage ou audace, entre autres choses. Bonjour, là. Je suis le maître et voici Space Town. Pour animer la parole, votre personnage aura besoin d'environ neuf formes de bouche différentes. Vous pouvez utiliser plus ou moins, mais ces neuf formes devraient couvrir la portée de la parole. À ce stade, vous voulez garder vos couches assez simples. J' ai juste mon caractère, puis chacune des formes de bouche individuelles sur leur propre calque. Vous pouvez réutiliser ces formes de bouche pour chacun de vos personnages différents, mais si vous voulez qu'elles soient pertinentes pour ce dessin de caractère spécifique, vous pouvez utiliser une bouche différente. J' aime exporter chaque forme de bouche comme son propre fichier PNG, sorte que lorsque je l'apporte dans After Effects, je peux contrôler très étroitement combien de temps cette forme prendra. Vous allez ouvrir un nouveau fichier after effects et importer l'arrière-plan, le caractère, les formes de bouche et l'audio que vous avez enregistré dans ce fichier. abord, faites glisser votre arrière-plan dans la composition, puis faites glisser votre personnage ainsi que les bouches. Sélectionnez votre personnage et chacun des calques de bouche et déplacez-les ensemble, placez-les en position dans la scène, puis amenez vos audios, sorte que vous puissiez déterminer la forme que chacune de ces souris devra être. Bonjour, là. Ouvrez votre téléphone et passez en mode selfie et regardez la forme que vous êtes bouche fait lorsque vous dites chacun de ces mots. Cela devrait vous aider à déterminer quelles couches correspondraient le mieux à ce qui est dit. Ensuite, vous pouvez commencer à positionner chacune de ces bouches en fonction de ce que dit votre personnage. S' il y a un son H, vous utiliseriez la bouche H-E. S' il y a un son O, vous utiliseriez la bouche O et ainsi de suite. Mettez de côté un morceau de temps pour travailler là-dessus, car cela peut prendre beaucoup de temps. Eh bien, faites juste une version rapide de ça ici. Bonjour, là. Parce que vos yeux perçoivent légèrement plus lentement que vos oreilles, vous voudrez déplacer les cadres des mouvements de la bouche d'environ un à quatre cadres. Bonjour, là. Vous voudrez peut-être rendre votre composition quelques fois, afin que vous puissiez modifier la position de ces bouches. Pour l'affectation de cette leçon, enregistrez votre propre audio et, en utilisant le fichier qui accompagne cette leçon ou vos propres fichiers, synchronisez la bouche avec le discours de votre audio. Dans la leçon suivante, nous allons aborder certains principes de base du montage vidéo et des workflows. 8. Éditer: Dans cette leçon, nous allons parler de certains workflows d'édition de base et comment ajouter de l'atmosphère à votre animation avec des effets sonores et de la musique. Avec After Effects, vous pouvez exporter une scène de deux manières différentes. Vous pouvez soit rendre votre composition à partir d' After Effects, soit utiliser Adobe Media Encoder, qui produira un fichier plus facile à gérer. Une fois que votre composition est prête dans After Effects, accédez à la composition, ajoutez à la file d'attente de rendu. Ici vous pouvez modifier votre type de fichier. Je recommande Lossless si vous voulez une qualité complète. Il existe des alternatives à cela dans Adobe Media Encoder. Comme vous l'avez peut-être remarqué précédemment, dans la composition d'After Effects, vous pouvez sélectionner, ajouter à Adobe Media Encoder File d'attente. Une fois que tous les paramètres sont là où vous les voulez, vous pouvez appuyer sur Rendu. Pour les besoins de ce didacticiel, nous allons effectuer le rendu dans Adobe Media Encoder. Une fois que vous avez enregistré votre fichier After Effects, ouvrez Adobe Media Encoder. Cliquez sur ce petit signe plus et vous pouvez ajouter votre fichier After Effects à partir de là. Selon la taille de votre fichier, cela peut prendre un certain temps. Vous pouvez sélectionner le format de votre fichier ici. J' utilise H.264. Dans cette boîte de dialogue, vous pouvez sélectionner le format qui correspond le mieux à votre animation. Une fois que vous avez sélectionné le format souhaité, appuyez sur le bouton de lecture dans le coin supérieur droit pour effectuer le rendu. Si vous le souhaitez, vous pouvez assembler l'intégralité de votre animation dans Adobe After Effects et l'exporter à l'aide de cette méthode. Je préfère exporter des scènes individuelles dans After Effects , puis les importer toutes dans iMovie pour les assembler ensemble. Je pense que cela facilite la coordination de la musique et d'autres sons. Une fois vos scènes prêtes, faites-les glisser dans iMovie et commencez à les placer sur la timeline dans l'ordre dans lequel vous le souhaitez. Vous pouvez commencer par exposer vos scènes et définir votre séquence en fonction de cela, ou vous pouvez commencer par la musique que vous voulez et mettre en page les scènes en fonction de leur adéquation avec cette musique. Lorsque vos scènes sont grossièrement disposées, sélectionnez votre musique et tout autre audio et faites-la glisser dans iMovie. Vous pouvez utiliser une scène vide comme porte-emplacement pour commencer à compléter les scènes en fonction de la synchronisation de votre audio. Utilisez ce curseur ici pour modifier l'échelle de vos scènes. Si vous voulez les voir tous en même temps ou si vous voulez vraiment se rétrécir dans une scène spécifique. Cela aide beaucoup à éditer plus de détails minuscules. Vous verrez dans cette scène que j'essaie de tout exposer en fonction de la façon dont la scène s'harmonise avec la musique. Il y a un riff de guitare qui dure environ trois secondes et je fais correspondre chaque scène avec ce riff. Une fois que les scènes plus grandes sont étoffées, vous pouvez commencer à modifier chacune des scènes individuelles d'une demi-seconde ou d'un quart de seconde. Lorsque tout est comme vous l'aimez, vous pouvez exporter votre scène en utilisant cette icône en haut à droite. C' est le fichier avec une flèche pointant vers le haut. Assurez-vous de choisir la bonne résolution. Évidemment, plus haut, mieux c'est. Vous pouvez en avoir besoin à des fins différentes. Utilisez simplement ce que vous pensez être le mieux pour ce que vous faites et penchez-vous vers une meilleure qualité. Vous pouvez améliorer votre animation en ajoutant de la musique. Vous pouvez trouver de la musique gratuite sur la Free Music Archive ou d'autres sites Web avec de la musique gratuite. Si vous voulez créer quelque chose de vous-même, il y a plusieurs façons de créer facilement votre propre musique. Je suis un grand fan des Teenage Engineering Pocket Operators. Ce sont ces 50 à 80$ petits synthétiseurs et machines à tambour qui sont vraiment faciles à jouer avec et vous pouvez créer des bandes son assez cool pour votre travail. L' autre alternative est l'utilisation de GarageBand, ce qui facilite la création de vos propres bandes sonores et l'intégration d'instruments et d'instruments logiciels réels. Je suis aussi un grand fan de l'application FunkBox Drum Machine qui vous donne un tas de machines à tambour vintage et vous aide à créer rythme assez simple qui peut vraiment fonctionner comme de la musique de fond. Pour votre projet final, assemblez toutes les scènes individuelles que vous avez créées dans cette classe et synchronisez-les avec du son, qu' il s'agisse de la parole ou de la musique. Eh bien, ça devrait être suffisant pour que tu démarres. Dans la prochaine leçon, je vous donnerai quelques recommandations pour les prochaines étapes comme la façon de promouvoir votre travail et d'autres lectures. 9. Partage et recommandations: Félicitations, vous avez terminé les premières étapes pour terminer votre propre animation. Dans cette dernière leçon, nous examinerons certaines façons de promouvoir votre travail et quelques ressources supplémentaires pour en apprendre davantage sur l'animation. Je pense qu'Instagram est le moyen le plus simple de partager votre travail. Vous pouvez obtenir beaucoup de commentaires très rapidement et vous pouvez construire sur une audience que vous avez déjà. Il est important de vous assurer que vos paramètres d'exportation sont optimisés pour la dernière version d'Instagram. Googling l'année et le meilleur format vidéo pour Instagram devrait vous donner la dernière version des paramètres à utiliser. Si vous n'avez pas déjà de page YouTube, j'en mettrais une et commencerais à y mettre votre travail. Il est important de placer votre travail dans autant d'endroits que possible. Quand j'ai sorti mon clip vidéo, je suis allé sur Reddit et j'ai juste cherché différents Subreddit comme l'animation, clips vidéo, tout ce que je pensais correspondre au clip que j'ai fait. Beaucoup de ces SuredDits sont très accueillants pour les personnes partageant leur travail. Assurez-vous de regarder les règles pour ce subreddit pour vous assurer que vous ne violez aucun de leurs termes. Une autre excellente ressource pour partager votre travail est FilmFreeway. C' est une base de données de milliers de festivals de films différents à travers le monde et certains d'entre eux vous permettent de soumettre votre travail gratuitement. C' est un excellent moyen de créer une audience en dehors de votre audience normale. Celui-ci est stupide, mais il peut être vraiment satisfaisant de créer une page IMDb pour vous-même et de commencer à poster votre travail là aussi. Tous les jeudis soirs, Adult Swim organise une réunion de développement où les gens appellent et exposent leurs idées. Cela peut être un excellent moyen de montrer certains travaux sur lesquels vous avez travaillé ou d'obtenir des commentaires sur ce que vous devez changer. HowStuffWorks a produit un fabuleux podcast intitulé Drawn : The Story of Animation qui passe à travers l'histoire de l' animation et combien de dessins animés contemporains sont créés. Deux de mes YouTubers préférés sont kindoflinc et Vewn. Kindoflinc a un excellent résumé de cinq minutes sur son processus d'animation et je vous recommande fortement de le regarder. Je vais poster un lien vers cette vidéo sur la page de la classe. Une autre animatrice unique est Vewn et elle crée ces incroyables animations émotives et super détaillées qu'elle publie tous les quelques mois environ. Si vous ne l'avez pas déjà vu, je recommande fortement les Storyboards d'Alberto Mielgo pour Spider-Verse. Il y a trois ans, quand ils commençaient la production d'Into the Spider-Verse, lui et une petite équipe ont essentiellement assemblé une courte vidéo qui générerait la plupart du style pour le dernier film d'animation Spider-Man. Enfin, si vous êtes à la recherche d'une ressource plus ancienne, Richard Williams, l' un des animateurs de Who Encadré Roger Rabbit, a créé ce grand livre intitulé The Animator's Survival Kit. C' est une excellente ressource pour les techniques d'animation dessinées à la main. Merci d'avoir pris le temps de regarder ces tutoriels. J' espère qu'ils ont été utiles pour démarrer votre intérêt pour l'animation. Veuillez partager votre travail dans la communauté Skillshare et regarder cet espace à l'avenir pour plus de tutoriels. Bonne chance.