Transcription
1. Bienvenue dans Mucha Style: Bonjour, je m'appelle Chloé. Je suis artiste et éducateur pan
andk Je suis autodidacte et, comme vous, je cherche toujours des moyens d'
améliorer mes compétences, mes techniques. L'une des choses
qui m'a le
plus aidée dans mon parcours pour
devenir artiste à plein temps
est l' étude de maîtres influents. Nous commencerons le processus
en notant ce que nous
observons à propos des principaux traits
du style art nouveau. Les maîtres légendaires,
qui l'ont rendue intemporelle, ont attiré notre attention sur les caractéristiques des affiches d'art
commerciales de Muha Sur la base de ces
premières impressions, vous allez rassembler des références,
esquisser, créer des miniatures de concepts, affiner votre concept principal pour
en faire un brouillon de dessin et utiliser ce dessin
comme modèle pour tracer sur le document de projet final Vous aurez également la possibilité de
tracer le dessin de mon projet si vous préférez suivre
les démonstrations sous forme de didacticiel étape par étape. Au cours de la seconde moitié
des leçons, nous encrerons notre projet, puis nous développerons une palette de couleurs à titre d'exercice pour approfondir
notre compréhension de la façon dont Muha a harmonisé
son dessin au trait avec la couleur pour créer des designs esthétiques Nous utiliserons ensuite des
crayons de couleur pour apporter la touche finale à
notre projet passionnant Il n'est pas nécessaire d'avoir l'
expérience avec tous les
supports présentés dans les leçons Le cours s'adresse aux artistes de niveau
intermédiaire qui
souhaitent utiliser des études de master pour acquérir nouvelles idées à partir du style Muha Mais bien entendu,
les débutants sont les bienvenus. Le projet peut
prendre plusieurs jours
pour terminer les travaux
à votre propre rythme. Vous trouverez le modèle, les photos de
progression et la liste des fournitures à
télécharger sur la page des projets
et des ressources. Nous allons examiner les fournitures que j'utilise pour le projet. Je vous proposerai également des alternatives afin que vous puissiez utiliser
ce que vous avez sous la main. Génial. Téléchargez donc le média et dans la prochaine leçon,
nous allons commencer.
2. Outils et fournitures: Les éléments les plus importants seront document de
votre projet et l'accès à une imprimante
pour utiliser le modèle. J'utilise un papier multimédia
pressé à chaud de 140 livres fabriqué par Strathmore Nous voulons une presse à chaud car la finition lisse
est idéale pour l'encrage Une presse à froid prise dans du papier
aquarelle
a généralement une surface plus rugueuse, ce qui est idéal pour les supports humides, mais ne fonctionne pas aussi bien
pour l' C'est à vous de choisir le format. Tout ce qui dépasse
8,5 x 11 est gris. Mon article mesure 11 x 14. Les autres éléments de ma liste indispensables sont une
gomme à effacer et une règle F esquisse et
dessin à la mine H ou au crayon
HB et au
papier à croquis pour les études Pour l'application d'encre, que vous
utilisiez des stylos
techniques ou des marqueurs, vérifiez qu'ils contiennent de l'encre
imperméable. J'utiliserai de l'encre de Chine
imperméable avec des stylos et des pinceaux. J'ai récemment
intégré l'aquarelle à mon flux car elle se marie très
bien avec l'encre J'ai le kit d'aquarelle Cotman Student
Grade de Windsor and Newton Nous utiliserons une
palette de couleurs limitée pour notre projet, donc n'importe quel kit de base fera l'affaire. Pareil pour les pinceaux. J'
utilise des pinceaux ronds
synthétiques adaptés aux besoins des étudiants pour
l'application de l'aquarelle Deuxièmement,
combiné à un quatre ou six, nous ne faisons pas de gros lavages Vous n'aurez
donc besoin que d'un
petit pinceau de détail et d'un autre légèrement plus grand Quelques pots d'eau, j'en ai un froid, un chaud
, un pour mon encre, du papier absorbant ou un chiffon,
et un plat à mélanger Pour les crayons de couleur, encore une fois, nous n'utilisons qu'une
poignée de couleurs, donc un ensemble de base est
Mine is a Fiber Castle,
le set d' artiste polychromos Si vous utilisez des crayons à l'aquarelle
ou au pastel, ils feront
également l'affaire. est facultatif mais utile Un modèle géométrique de
cercles et de ruban adhésif est facultatif mais utile. Différentes fournitures produiront des résultats
différents,
comme des marques, des
couleurs et des combinaisons de papier différentes , mais nous en parlerons plus en détail
au cours des exercices
3. Qu'est-ce qui en fait un Art nouveau Nouveau: L'Art nouveau est un mouvement de
design qui a débuté en Belgique et s'est
progressivement développé partout entre
la fin des années 1800 et 1910, donc pas trop longtemps, mais il a eu un impact remarquable Le style se caractérise par l'
accent mis sur la fluidité
des lignes, les formes géométriques Compositions asymétriques
et combinaison de structure et
d'ornementation Il existe des tonnes de ressources
sur le genre, et je suppose que
vous êtes déjà fan et que vous avez hâte de vous procurer des dessins Nous allons
donc passer brièvement en revue les principales caractéristiques qui rendent
ce style si mémorable. Alphonse Muja était lithographe et l'un des meilleurs
graphistes de l'époque. Aujourd'hui encore, ses affiches illustrent Il y avait bien sûr d'
autres acteurs majeurs dans le mouvement Art nouveau. Ils avaient une chose en commun. En un mot, ils étaient plats. Comparé à ce que les gens avaient habitude de voir dans
le monde de l'art, ce nouveau style reflétait
une simplicité rafraîchissante, soulignée par la
bidimensionnalité des personnages qui
avaient souvent peu ou pas d'ombre et soulignés par des lignes de contour
épurées Les sujets Arnvau étaient des représentations stylisées et
embellies de la réalité, inspirantes et pleines
d'espoir . Avant cela, l'art
était ancré dans une triste réalité. Puis vient l'Art nouveau avec ces joyeuses courbes
pastel
ondulantes lignes
entrelacées qui naissent de tout,
influencées par l'art de la gravure sur
bois, les
motifs et le symbolisme japonais. motifs Les sujets de Muha étaient ornementaux et
élégamment exagérés,
principalement la flore, la faune C'est drôle. La première
chose qui m'a
sauté aux yeux, ce sont les vrilles Les compositions de Muha sont
décrites comme étant asymétriques, mais elles sont équilibrées visuellement Il
y est parvenu en
arrangeant des motifs, des textures, des courbes
sinueuses et des formes abstraites fluides qui créent une
illusion de symétrie Regardons de plus
près sa série Les saisons. Je suis immédiatement frappé
par le design visuel. façon dont ces
poses séduisantes se succèdent sous forme de courbes, tourbillons et de motifs qui guident l'œil du spectateur à Remarquez à quel point l'anatomie
de ses dames est simplifiée et ses
postures gracieuses. Au premier printemps, observez
comment son bras se courbe cette façon dans la branche
qui se courbe dans le sens opposé. Ses cheveux tombent de
l'autre côté de son corps,
et là, sa robe est
coincée dans une branche C'est comme un tas de
S dans la composition. Toutes ces petites choses créent jolis contrepoids
à la symétrie visuelle Avec Summer, il utilise des courbes
opposées dans sa posture pour remplir l'espace et décrire
son ambiance sereine Ici, le tissu de la tunique est à mi-chemin dans cette barge ou sur
quoi elle est assise Encore une fois, utiliser un contrepoids de différents éléments pour
harmoniser la composition Après avoir fait seulement deux griffonnages, nous avons déjà une idée
de la manière dont le maître réalise des compositions fluides et
fluides Dans le sketch d'automne, mon attention se porte sur
les tons et les valeurs. Bien que les
teintes soient atténuées, les tons plus foncés encadrent
la ligne d'action La ligne d'action est le
mouvement de la figure. contient des tonnes de
petits détails et Cette illustration contient des tonnes de
petits détails et d'histoires
secondaires
, comme l'entrelacement de
plantes et de tissus
groupés, les robes à
chicots qui
révèlent accidentellement d'autres parties du corps de la jeune
fille,
ce qui, je suppose, aurait
été Mais la façon dont il a organisé les valeurs et la façon dont
il utilise l'épaisseur de la ligne façon stratégique sont ce que j' appelle des lignes ornementales mais
économiques. Beaucoup de choses se passent, mais notre attention est
attirée sur le chiffre. C'est là que notre œil passe en
premier. Pareil en hiver. Tu vois ? Même si
ces formes organiques se trouvent devant la figurine, nous ne les enregistrons presque pas. Ou qu'en est-il de ces petits oiseaux accrochés à la branche et de
celui que nous avons dans la main ? En raison des différences de tons et d'épaisseur
des
lignes, l'attraction principale reste la dame aux contours audacieux. Ces croquis ont permis de
comprendre comment le maître parvient à une
intégration décorative harmonieuse de sa composition Dans la majorité de
ses illustrations, les contours
priment sur tout le reste, y compris la forme, la
texture, l'espace et la couleur pour leur valeur
esthétique En ce qui concerne les couleurs, les
teintes pastel étaient prédominantes, et nous étudierons les
choix de couleurs dans une leçon ultérieure
4. Thème et références: J'aimerais que vous fassiez
quelques recherches et que vous recueilliez
les illustrations d' Alphonse Muha
qui vous plaisent le plus Prenez note de ce qui ressort. Quels aspects de
sa collection d' œuvres aimeriez-vous
intégrer dans votre projet ? Pensez également à un thème
pour votre œuvre d'art, comme dans l'exemple précédent
de la série Mohas Season Je vais vous montrer comment j'
organise mon projet, et vous pourrez décider de la
direction que vous souhaitez
prendre avec le vôtre d'ici la
fin de cette leçon. J'ai rassemblé deux séries
de références. Le premier dossier contient
les illustrations de Muha qui me plaisent le plus, indiquant les éléments que je souhaite
intégrer à mon illustration Pour faciliter vos recherches, vous trouverez mes références
dans le classeur ainsi que des liens vers
mon MohapitssBard, où vous pouvez télécharger des fichiers en haute résolution J'ai choisi un thème automnal, puis j'ai rassemblé des éléments de
la flore et de la faune de saison. Dans mon deuxième dossier, il
y a donc des plantes, des animaux
mignons et des beautés
vintage à poser comme sujet principal Je les ai trouvés sur des sites
libres de droits. Il y a Pixube sur Splash. Et pour quelque chose comme ça, Pinterest convient également. Alors, jetez un œil à votre document. Vous pouvez choisir un thème
et recueillir des références pour créer votre propre design unique inspiré de
Moha Ou vous pouvez suivre
et réaliser le projet que je présente dans les leçons
ou une combinaison des deux.
5. Vignettes du concept: Rassemblons les
références pour esquisser les miniatures de nos
concepts Les miniatures sont de petits griffonnages permettant de capturer
rapidement un concept.
Ce sont des griffonnages grossiers Mais il est important de
les dessiner en proportion, car notre objectif à ce stade est de concevoir une composition
agréable. Examinez le format de papier que vous utiliserez pour
votre illustration finale. Le papier mesure 11 x 14. Nous avons vu que la plupart des
affiches de Mohas sont hautes et étroites Je vais
donc couper ma feuille à 8 pouces de large
tout en gardant la Déterminez les
dimensions finales de votre œuvre d'art en
fonction de votre papier .
S'il est différent du mien, nos mini-études seront proportionnelles au projet final. Ainsi, huit sur 14 en miniature deviennent deux sur 3,5
pouces. Nous allons en faire trois. Trouvez les centres et environ les
quarts de vos cadres. Ces directives
indiquent un premier plan, juste milieu et un arrière-plan À l'aide d'un crayon HB, commencez la première miniature par un halo
circulaire Il est centré dans la
moitié supérieure de la composition. Ensuite, je vais centrer la tête de notre première beauté vintage une coiffure qui ressort
proportionnellement dans le
halo pour remplir l'espace Passant maintenant rapidement
au premier plan, je marque le centre de la moitié inférieure de la
composition d'un tiret et j'esquisse la grande aigrette pour remplir cette section
de la Superposez ensuite de grandes formes circulaires derrière pour indiquer les fleurs. Ensuite, la troisième fleur derrière la
plus petite pour suggérer qu' elle est plus éloignée du spectateur, en revenant au sujet principal, nous allons compléter le halo en ajoutant un oiseau chanteur Pour équilibrer l'oiseau, ajoutez des mèches de
cheveux qui s'écoulent dans ce motif emblématique en forme de
vrilles à fouetter ce qui concerne le motif de la bordure supérieure, je fais davantage référence à
ces fleurs saisonnières pour
le thème de l'automne et je
charge simplement l'
espace restant avec des traits dans différentes directions pour donner l'illusion qu'il y a du
feuillage en arrière-plan,
comme dans les références à Muha Revenons au sujet principal, ajouter des fleurs dans les cheveux et charger le halo d'éléments
décoratifs. Pour la miniature suivante, nous commençons de la même manière, en commençant par un halo dans la moitié supérieure pour encadrer
notre beauté vintage Oups, je veux qu'elle soit tournée vers l'avant,
comme dans la référence. Au premier plan, nous avons un autre oiseau chanteur sur une fleur surdimensionnée
à côté d'un grand arrangement feuillu, orné de petites formes
rondes représentant des fleurs ou des noix,
puis ajoutant des valeurs
pour encadrer ces éléments Nous aborderons les cheveux de la même manière,
en étalant ses cheveux
avec des éléments floraux
pour sa coiffe Passons à la bordure supérieure
avec des motifs floraux stylisés. Et des
décorations supplémentaires pour le halo. Terminé. Sur la troisième miniature Mêmes étapes,
références différentes. Cette beauté vintage a des bras et une main
tenant un oiseau mignon. Pour l'élément de premier plan, nous opterons pour des oreilles de lapin, des oreilles plus grandes posées
dans les hautes herbes Ensuite, quelques branches de bouleau avec ces belles feuilles rondes
dorées plus grandes au premier plan et plus
petites au fur et à mesure qu'elles s'estompent
en arrière-plan. Il y a de la place pour donner
plus d'importance à sa robe par rapport
aux deux concepts précédents Muha adore utiliser le tissu
comme élément visuel. Un
dessin de raisin et de vigne pour la bordure, et c'est le processus qui permet noter
rapidement
des idées visuellement. Nous avons maintenant trois compositions
potentielles que nous pourrions explorer plus avant. Dans la leçon suivante, nous allons créer nos miniatures pour
définir les
6. Projet de mini composition: À ce stade du processus, je prends généralement une décision. Parmi les trois miniatures,
ai-je une préférence ? Y a-t-il des éléments que je préfère qui pourraient être combinés ? Si je ne suis pas vraiment sûre, je les
redessine
légèrement plus gros
, en supprimant certains détails pour confirmer ma préférence,
comme je l'ai fait ici, juste pour vous comme je l'ai fait ici, juste pour Pour cette leçon, j'
ai une préférence, et nous allons donc travailler avec la
miniature numéro un Si vous travaillez sur votre
propre design, utilisez-le. Donc, pour résumer
ce que nous faisons, vous
ayez assemblé
votre propre ensemble de références pour créer un concept différent du mien,
ou
que vous ayez suivi
la démonstration en utilisant mes références. Quoi qu'il en soit, nous utiliserons
cette miniature comme référence pour esquisser un
brouillon avec plus Si vous vous demandez, pourquoi ne pas passer du dessin miniature à la
maquette finale C'est en fait une étape importante, et je ne la saute jamais pour les projets à la
plume et à l'encre. C'est à cause du
journal. Tu vois ? Il y a un énorme écart d'
exhaustivité entre ce doodle
de cinq minutes et la version finale Si nous passons de ceci à
cela , même avec beaucoup
d'expérience en dessin, nous allons tout de même
faire beaucoup de marques, repositionner des
éléments,
ajuster les proportions, prendre des
décisions,
puis effacer, qu'est-ce qui
use Nous voulons minimiser le trafic sur la surface de notre papier
lisse pressé à chaud. Il est sensible aux
bosses et dense, attire l'encre et l'eau. OK. C'est dans cet esprit que notre prochaine étape consiste à créer un modèle pour l'illustration
finale. Au crayon, en allant
plus loin que la miniature,
toujours en proportion Mesurer un cadre de quatre
pouces sur sept pouces pour la taille de mon papier et ajouter une
bordure aux bords arrondis. Trouvez le centre et
coupez le cadre en quatre. J'utilise donc de la verrerie pour le double halo qui mettra en valeur
notre beauté vintage, commençant par les
formes principales de la tête, des cheveux
poofy et Je ne fais plus tellement
attention aux
références photographiques, mais j'utilise plutôt la miniature comme guide de positionnement décidé ici de placer
l'aigrette légèrement bas et plus large que
dans mon croquis précédent Maintenant, les grands cercles pour les fleurs au premier plan
et au milieu. Ici, je regarde à
la fois les références photographiques et les illustrations de Muha
pour guider mon dessin Je me dispute un peu avec le design des
cheveux. Je cherche à équilibrer
l'espace dans le halo pour qu'il
corresponde au concept initial des vignettes, ce que j' Ajoutez maintenant des détails aux
autres éléments stylisés, l'oiseau et les fleurs
au premier plan. O. Je constate un problème d'
espacement dans la partie supérieure, qui est résolu
en ajoutant un halo esquisse pour l'encrage ou peinture est différente de l'
esquisse Nous créons une carte indiquant l'orientation des arêtes et des
valeurs, en mesurant pour placer des tirets régulièrement
espacés autour du halo afin de marquer la position
des éléments décoratifs J'aime bien ces fleurs désordonnées et tourbillonnantes
sur le poster d'automne C'est un joli contraste avec
la géométrie de la bordure. C'est un parfait exemple des formes asymétriques de
Muha agencées pour suggérer un motif reproductible Après avoir filmé cette
démonstration, j'ai décidé que je n'
aimais pas ses cheveux. Malheureusement, je n'ai
pas filmé les révisions, mais les deux versions
se trouvent dans le document. Vous verrez que le deuxième
dessin est celui que nous utilisons pour le
projet final. OK, super. Maintenant que nous avons affiné
notre composition, tous les éléments sont en place et nous sommes prêts à transférer notre carte sur le papier d'illustration.
7. Projet sous-jacent: Pour notre crayon en cours de dessin, qui est le dessin
de notre projet final, vous avez plusieurs options. Mais
préparons d'abord notre article. Ma feuille, encore une fois, mesure 11 x 14. L'art mesure 8 x 14. Vous pouvez centrer l'illustration ou découper le papier à l'aide d'une lame. Je le déchire en
exerçant une pression
sur un rouleau métallique
pour obtenir un bord déchiré Je garde les garnitures pour les
échantillons ou autres. Allez-y et ajoutez une bordure. Min mesure un quart de
pouce en haut et en bas et un huitième de
pouce de chaque côté. Et ce n'est en fait pas une bordure
suffisante autour de l'œuvre d'art si vous prévoyez de la coller pour l'application
d'aquarelle Laissez donc plus de papier
autour de la bordure de votre œuvre que ce que je
montre ici dans la démo. Pour transférer le dessin sur
votre feuille, les options sont les suivantes si vous avez créé une
mini-composition, sur la
base de votre sélection de références dans le concept de vignette, disons que celle-ci Prenez une photo ou scannez
votre miniature. Et dans tout programme photo de base, celui-ci permet de le prévisualiser sur un Mac, convertir en niveaux de gris, d'
ajuster le contraste, puis de le redimensionner pour l'
adapter à votre projet,
puis de l'imprimer Si vous utilisez mon dessin, vous pouvez redimensionner le JPEG séparé et l'imprimer en tant que modèle Je vais suivre les traces du mien. Si vous avez une
table lumineuse, utilisez-la. Sinon, la
fenêtre fonctionne bien. Fixez l'impression
à la fenêtre,
alignez votre feuille
et collez-la bien avec du ruban adhésif. Éteignez les lumières pour créer un effet de pièce sombre
et tracez doucement, sans exercer de pression
sur le crayon. J'utilise toujours un fil
HB pour créer des marques
plus foncées uniquement afin
qu'elles apparaissent sur la caméra Je vous conseille d'utiliser des marques
lumineuses avec un fil en
H si vous en avez. Si votre papier est trop épais
pour
un traçage efficace, la deuxième
méthode est le transfert au graphite. Imaginons qu'il s'agit l'impression et qu'
elle est au format final Vous utiliseriez une mine souple, comme un trois B ou six B ou une mine plus souple, pour recouvrir complètement le verso du papier imprimé. Collez-le sur le papier de votre projet
et, à l'aide d'un
stylo à bille ordinaire, tracez-le
doucement sans
trop appuyer sur votre stylo Une fois complètement copié
, fais comme si j'avais tout fait. Retirez le papier
et, à l'aide d'un labo en H, passez doucement sur les lignes. Le transfert de graphite, c'est comme une poudre qui frotte
et gâche votre travail. Pour éviter cela, vous le
tracez à nouveau, puis vous soulevez le graphite
à l'aide de la gomme nécessaire Bien entendu, que vous ayez effectué
ce transfert au graphite ou que vous l'ayez tracé depuis votre fenêtre, vous devez tout de même nettoyer le dessin avant
l'application d'encre
8. Projet Application d'encre: Pour l'application d'encre, j'utilise un grand stylo à encre. Il s'agit d'une plume EF 513 et d'une
encre de Chine super noire, toutes signées Trempez-le dans de l'encre à
mi-hauteur des dents, pas complètement, sinon
vous risqueriez des fuites. Utilisez du papier de rechange pour tester la pointe avant d'
encrer votre maquette Attendez-vous à obtenir environ huit à
dix coups en un seul plongeon. Ensuite, rincez et
arrosez, essuyez et rechargez. Il est conseillé de garder la pointe
propre plutôt que de la
tremper à nouveau à chaque fois, car l'encre sèche
étonnamment rapidement sur
la pointe pendant l'utilisation
et peut provoquer Si vous utilisez des stylos à feutre fin
ou d'autres stylos techniques, optez pour un stylo mi-poids, comme Vous trouverez un
tableau des tailles dans votre document. En tenant le
stylo
à un angle d'environ 30 degrés
par rapport à la surface, je commence par la bordure. Avec une plume de la même taille
, j'applique l'encre déplaçant de gauche à droite, haut en bas, sur
le plan de l'image Je suis droitier, ce qui permet d' éviter que l'
encre ne tache sur ma main Je porte également
un gant d'artiste pour que ma peau ne remonte pas à la surface. J'utilise parfois une petite feuille de papier pour reposer ma main, mais cela peut
gêner l'encre mouillée. Le temps de séchage varie en
fonction de la combinaison d'encre et de papier. Je ne vais pas tout encrer dès
le premier passage. Nous aborderons certains
des contours plus tard avec une
pointe plus petite ou en couleur. Reflète le style Muha où éléments
d'arrière-plan sont plus
subtils avec des contours atténués. Je vais vous indiquer ce que nous écrivons au fur et
à mesure que nous progressons. Toujours en train de travailler sur la
moitié supérieure du plan photo, je suis passé à une plume
plus petite, équivalente à un stylo technique H 3, pour les plantes ressemblant à de
la vigne situées de
part et d'autre du halo principal Revenez à la pointe la plus large située à
l'avant pour donner
au dessus une chance de sécher Pour les lignes plus longues, comme
sur le bec de l'aigrette,
j'essaie de garder mon poignet j'essaie de garder mon Traditionnellement, on nous
apprend à tenir nos instruments avec
un poignet bloqué, en partant du
coude et de l'épaule. Mais je trouve que pour les détails
dans un rayon carré de 1 pouce, plus précis de
bouger simplement la main et
les doigts. Je fais pivoter le papier en fonction de l'angle avec lequel je suis le plus
à l'aise. C'est encore plus important avec l'encre car les erreurs peuvent être
difficiles à corriger. En continuant avec les éléments
avant, encore une fois, en laissant quelques espaces
dans les contours pour plus tard. maintenant au sujet principal, toujours avec la grosse plume, nous allons nous frayer un chemin de gauche à droite ou de droite à gauche
si vous êtes gaucher Donc, si vous
encrez votre propre design, pas celui-ci, les
principes sont les mêmes Encrez les contours principaux avec de l'encre plus épaisse
et laissez une partie des couches arrière pour des contours ou des couleurs plus fins. Il est plus facile de choisir un produit
plus épais que plus léger. suffit donc de laisser tout ce
dont
vous n'êtes pas sûr de pouvoir revisiter une fois l'illustration
terminée Si vous vous
demandez quelle est la séquence, s'il est préférable d'
appliquer d'abord les couleurs, puis l'encre, il
n'y a pas de règle absolue. Cela dépend du projet, des matériaux et de votre
niveau d'expérience. Pour ce style, le dessin au
trait est complexe. Si vous recouvrez votre
croquis à l'aquarelle, le sous-dessin est difficile à voir Il
est donc plus convivial de poser l'encre en premier. Cependant, cela présente
certains inconvénients, tels que la nécessité d'
un papier imprimé à chaud Plus loin dans la leçon, vous verrez que la
gestion de l'eau devient importante. Allez-y et tracez le contour de
cette section entière de vrilles de cheveux avec
la pointe la plus épaisse,
mais laissez le halo Passons maintenant aux grandes lignes
de la dame et de sa robe. Pour en revenir à une épaisseur de trois lignes
pour les lignes de contour, il lignes situées dans les contours
les plus épais, éléments
décoratifs et de tout ce qui des éléments
décoratifs et de tout ce qui se
trouve le plus loin
en arrière-plan. Passons à l'oiseau, comme nous l'avons noté plus tôt
dans les leçons, le style Arnivo n'
est pas réaliste Il s'agit plutôt d'une représentation
bidimensionnelle, pas tout à fait plate, mais certainement plus
illustrative
de la réalité en tant qu'artiste à la plume C'est vraiment tentant pour moi de rendre le moindre détail Certaines couleurs
assombriront naturellement les valeurs. C'est
donc un point à garder à l'
esprit lors de l'encrage des dessins au trait Ici, j'ai oublié quelques lignes pour montrer le
chevauchement des cheveux, alors je les ajoute maintenant. Enfin, le visage. Oh, je passe
à une plume plus petite. Utilisez un 01 ou moins ici
pour ses traits fins. Encore une fois, en laissant quelques traces de crayon
pour le passage suivant. R Cette partie de l'encre est terminée. Pour les contours audacieux emblématiques, nous les appliquerons
à la toute fin. Laisse toutes les
marques de crayon pour le moment. Il est essentiel
que les encres soient
sèches avant de frotter le papier
et de passer à l'aquarelle Sinon, nous obtiendrons
cet effet hémorragique. Je choisis de laisser l'
œuvre sécher pendant la nuit, mais vous pouvez également
utiliser un sèche-cheveux Dans la leçon suivante,
nous allons choisir un schéma de couleurs et préparer un tableau de mixage
pour notre projet.
9. Projet de palette de couleurs: En parcourant
les affiches de Moha, y a-t-il des combinaisons de couleurs qui vous plaisent
plus que d'autres ? Mouha a utilisé une
palette de couleurs limitée composée de complémentaires
analogues et divisées Nous ferons de même. Avant de commencer à
définir nos couleurs Muha, parlons
des pigments que vous avez, car, comme
mentionné précédemment, différentes fournitures produisent des résultats
différents En théorie des couleurs, nous
connaissons les primaires, traditionnellement le rouge, le bleu, le jaune Pour obtenir nos couleurs secondaires, nous mélangeons à parts égales deux couleurs primaires pour obtenir l'
orange, le vert et le violet Pour obtenir les couleurs tercery, nous mélangeons un primaire
avec un secondaire, ce qui devrait nous donner le rouge orange, le
rouge violet, le
jaune orange, le jaune-vert, le
bleu-vert et le bleu-violet Mais selon ce qu'il y a
chez votre enfant à la maison, le mélange peut donner des résultats
inattendus. Par exemple, dans cette théorie, ce côté de la
roue est considéré comme couleurs
chaudes et ce côté comme froid. Mais voici un jaune chaud
et un jaune froid. Et que se passe-t-il lorsque nous
ajoutons cela au mélange ? Mon kit d'aquarelle de base
indique que le rouge cadmium, le jaune cadmium et le bleu
outremer sont mes principaux produits Quand je mélange ces produits primaires, mes oranges, elles ont
toutes la même apparence Les greens
ont une bonne gamme. Mais ensuite, les violets
ressemblent à de l'ombre brûlée et à de la boue. Confirmez, j'ai répété le même
exercice plusieurs fois, et cela m'a donné les mêmes résultats. La plupart des enfants viennent avec au moins
quelques pigments prémélangés. Créons donc une roue chromatique
avec ce que nous avons sous la main, but d'obtenir une gamme plus dynamique. Prenez tous les pigments
dont vous
disposez et tout ce
dont vous avez besoin
pour vous lancer dans l'aquarelle En utilisant le même papier
que pour le projet, découpez une feuille d'environ 8,5 x 11 pour l'adapter à
tous les exercices. Allez-y et créez
la roue chromatique. contient un exemple de modèle à document contient un exemple de modèle à
titre de référence ou
de traçage. Une note sur les couleurs neutres, le blanc, le noir et le gris. Pour notre projet, nous utiliserons le blanc du papier pour les surlignages. Nous avons déjà un noir dominant dans la composition avec l'encre, et pour les ombres et les tons atténués, nous utiliserons les couleurs
complémentaires séparées Par exemple, voici un rouge
cartonné avec une couche d'ombre noire, et voici le même rouge cartonné avec son vert complémentaire
comme couche d'ombre. Le rouge et le vert sont
un mélange
complémentaire correspond le mieux
aux méthodes de Muja Je prépare ma carte rouge
pour mon primaire. Certains artistes
utiliseront le magenta, le cyan et le jaune moyen pour les couleurs primaires, et si c'est ce que
vous utilisez habituellement, faites ce que vous préférez Pour le jaune, j'opte pour le jaune citron comme principal, mélangeant à parts égales de rouge
cad et de jaune Pour l'orange. Cette marque de papier pressé
à chaud est
idéale pour les encres, mais moins performante lorsqu'elle est mouillée. L'eau s'
accumule facilement à la surface, et c'est
quelque chose qu'il faut surveiller. Le jaune cad devient
mon jaune-orange, en utilisant
le vert sève comme complément, mélangé au jaune citron
pour le jaune-vert. Vous pouvez voir que je mélange
vraiment ces mélanges utilisant le ventre du
pinceau pour obtenir un mélange uniforme. Garder mon plat propre pour le prochain mélange, car
je veux également tester un échantillon de jaune
cad au lieu du jaune citron pour le
mélanger à mon vert sève. Le bleu céruléen donne
un bleu primaire éclatant. C'est très proche
de Cyan, en fait. J'organise mes mélanges
chauds et froids aux extrémités opposées de mon plat, testant le cérulien
avec le vert sève, mais je préfère utiliser le
viridian comme Juste pour le fun, je mélange
le cérulien avec rouge
cad pour obtenir le
mauve grisâtre qu'il Oh, mais j'ai un tube de lac
violet pour vous sauver la situation. Ensuite, le bleu outremer
devient un joli bleu-violet, suivi du rouge cramoisi
pour un A, plus. Je vais également placer ma
rose permanente sur cette roue, qui aurait pu
servir de magenta pour le mixage. Il y a aussi de l'
ocre jaune dans mon kit, sienne
brûlée et de l'ombre brûlée Maintenant, si vous avez une
grande quantité de couleurs, elles ne conviendront probablement pas
toutes ici. Je suppose que vous avez créé des tableaux de
mixage par le passé et que vous pouvez vous y référer pour l'exercice suivant. Il est temps de choisir une
palette de couleurs pour un projet. en revenir aux MohaPosters, j'ai mentionné qu'il utilisait une palette de couleurs
limitée composée de couleurs complémentaires analogues et
divisées. Par analogie, les couleurs côte à
côte sont complémentaires, l'une en face de l'
autre, et les couleurs séparées
seraient les couleurs situées
à côté de What's across Muha probablement quatre,
peut-être cinq couleurs, peut-être que je pense que trois sont
la couleur locale principale Voici donc l'orange,
principalement le rouge pour l'impact, puis harmonisez le
premier plan et l'arrière-plan en utilisant les couleurs
complémentaires séparées, probablement un bleu-vert et
un vert jaunâtre sève, diluant avec de l'eau pour
obtenir différentes teintes et mélangeant avec une couleur
complémentaire pour Mais rien qu'en
regardant le produit final, il se peut qu'il ne soit pas si simple de
faire correspondre ses mélanges à notre projet, à moins que la couleur exacte ne soit déjà
mélangée dans notre kit. Essayons-le. Parcourez vos références pour identifier trois à cinq couleurs
que vous aimez Dans la prochaine
leçon, nous allons créer un tableau de mixage pour
guider notre projet.
10. Graphique de mélange de projet: J'opte pour des
couleurs analogues, la rose permanente, qui est ma version
du magenta, le rouge cad, qui est mon orange rouge, et la sienne brûlée pour En ce qui concerne les
différentes couleurs complémentaires, je n'arrive pas à décider quels
verts se mélangeront le mieux. J'utiliserai ce
jaune citron, ce vert sève et ce
bleu-vert Vidian pour mon test Nous voulons voir la
gamme de teintes de chaque pigment en
diluant progressivement la saturation
de la couleur À première vue, je
veux déjà y voir plus de contraste. J'adorerais un arbre brûlé ici. La prochaine étape sera donc de
documenter nos mélanges et voir si notre schéma produira naturellement des couleurs
contrastées. Ce vert citron est sorti. Tracez une grille moins cinq par cinq, listez vos couleurs en haut et sur le côté
dans le même ordre. C'est ici que se trouveront le
pigment à 100 % rouge, la sienne
brûlée, la rose permanente, le vert
vidian et le vert sève Donc, sur le côté gauche
se trouvent les couleurs dominantes, et je commence par le
vert sève avec un peu de rouge cad, un ratio de 65 à 35. Je garde mon plat
propre et bien rangé,
en optant pour de la sève verte
avec de la Sienne brûlée Encore une fois, toute cette rangée
est à dominante verte. Vous pouvez les rendre un peu plus saturés avec des
pigments supplémentaires dans votre mélange. J'ai juste trop
d'eau sur mon pinceau. Répétez le processus
pour chaque ligne avec la couleur dominante indiquée sur le
côté gauche de votre grille. Cela produit des
résultats intéressants
selon le
pigment dominant du mélange. Cela nous donne donc
beaucoup de couleurs à partir de cinq
seulement et une palette de
couleurs harmonieuse garantie dans le style
Muja note également
quelques notes pour me rappeler
que si je veux ombrer un
élément rouge dans ma composition, je vais superposer du vert sur le
dessus et du rouge sur le vert pour masquer
cette teinte, et ainsi Nous utiliserons beaucoup ce tableau de
mixage. Bien sûr, ils auront un aspect
différent une fois séchés,
surtout si vous les laissez toute la nuit. Une dernière chose est de faire
correspondre nos crayons de couleur. Je n'ai pas la
correspondance exacte, mais presque. Je vais également mettre de côté
une
teinte brune, noire et peau au cas où. Nous pouvons maintenant avoir confiance en nos fournitures et être prêts pour
l'application des couleurs.
11. Projet d'application des couleurs: J'ai collé mon œuvre d'art sur du carton plutôt
que sur la table pour pouvoir toujours la faire pivoter Commençons par mélanger du Sienna brûlé
avec une touche de rouge cartonné. Je mélange une bonne quantité et dilue
également des mélanges pour obtenir des teintes
plus claires et je
teste au préalable, commençant par le cadre supérieur de l'
arrière-plan Au fur et à mesure que nous
étudions cette application couleur, efforcez-vous de rester dans les limites, mais ne vous inquiétez absolument pas si vous dépassez un peu
ou laissez des espaces blancs, nous aborderons tous les espaces
blancs plus tard. Ici, j'ai la même teinte
en termes d'intensité, mais j'ai ajouté un peu plus de rouge cad. Donc même teinte, couleur légèrement
différente. Nous sommes dans le
coin de
mon tableau de mixage utilisant du
rouge cad et de la sienne brûlée Je m'en sers pour guider la séquence de l'application des
couleurs, en partant du coin supérieur
gauche vers l'extérieur. L'illustration est
censée être bidimensionnelle, pas tout à fait plate,
pas tout à fait en trois D, mais nous avons tout de même quelques ombres. Pour cela,
nous dirons que la source de lumière
provient du coin supérieur gauche, ce qui signifie que notre
côté ombragé se trouve sur notre droite. Pour la fleur, j'introduis un peu plus de pigment rouge
lorsque le papier est mouillé. OK. Avec le papier pressé à chaud, il n'y a pas assez de texture
sur la surface pour que le pigment s'accroche et
nous pouvons obtenir des fleurs par endroits. Vous pouvez voir que je déplace les perles de pigment
vers les coins
ou que je remonte vers le haut dans la section pour qu'elles sèchent
avec des bords plus doux. En continuant avec la même teinte rouge de Sienne
brûlée pour les mèches de cheveux, peignant avec le
côté du pinceau, essayez de ne pas trop faire
d'allers-retours Ajouter du rouge à la teinte et m'
assurer que mon pinceau n'
est pas trop humide. Utilisez ce mélange pour
les fleurs de devant et faites attention à l'endroit où
cette perle de peinture atterrit, faisant glisser dans Je suis en train de calculer les valeurs mouillé
sur mouillé pour ces pagaies. Nous allons augmenter la densité
de la teinte, de la même couleur, reprenant ce mélange de rouge cardamé de
Sienne brûlé, mais légèrement plus foncée au fur et
à mesure de l'application. Pour les cheveux, je fais référence aux affiches
de Muha. Il utilise des
intensités et des teintes différentes pour les mèches
de cheveux individuelles ici et là Encore une fois, déplacez doucement la perle de
couleur pour gérer les bords et les fleurs à l'aide d'un essuie-tout pour
éliminer tout excédent. En utilisant le même mélange de teinte pour
l'autre farine de première main, je fais attention à
ne pas faire entrer ce rouge dans notre
oiseau blanc, en le noircissant, ajoutant de la sienne brûlée, en enlevant l'excédent de mon pinceau, afin qu'il ne soit pas trop humide pour
le premier plan Je vais contourner
ces formes qui deviendront plus tard des feuilles, des tiges, et ici, au
milieu, du feuillage. Dans les affiches de Moha, la
texture de fond est abstraite, et c'est le look que
nous donnons à nos cheveux, en
reprenant la
même teinte sur mon pinceau Passons maintenant à
l'illustration avec un peu plus de
rouge cartonné dans le mix. OK. Maintenant qu'il est sec, j'échelonne les valeurs en réduisant progressivement la teinte de
notre pigment Donc, ajouter de la couleur, réduire l'eau. Je me recentre maintenant sur la
lumière et les ombres, en appliquant un pigment plus profond les zones les plus éloignées de la lumière dans
la composition Avec vous et avec vous, nous élaborons
des valeurs monochromes et teintons. Nous introduirons les couleurs
complémentaires ultérieurement pour ce contraste en utilisant le
même protocole de couleur que j'ai démontré dans
cet exemple ici. T. Pour m'
aider à organiser les couleurs, je nettoie à nouveau le
plat de mixage, en faisant un nouveau mélange de
rouge cardé pour approfondir les valeurs. Nous continuerons à
fabriquer les pigments selon la même approche tout au
long de l' application de la
couleur. Revenons à la Sienne brûlée, introduisez de la
rose permanente pour mélanger le teint, vérifiez d'abord la teinte, puis appliquez la couleur
en traits doux Pression très légère et uniforme.
Eh bien, aucune pression. Il suffit de faire glisser le
pinceau de haut en bas, bas en haut
d'un seul coup pour éviter les tiraillements et
les Cependant, nous pourrons lisser
les bords indésirables plus tard. Ajoutez un peu plus de
pigment pour donner une illusion de forme
au visage et aux bras. Et maintenant, corrigez
ces bords durs avec une brosse propre et humide, en tirant
et en lissant
très doucement Augmenter l'intensité permanente de la
rose pour les fleurs de ses cheveux. Ici, il suffit de
tirer pour laisser l'
aquarelle faire son travail et créer une texture
naturelle Cela donne du volume à la fleur. Pas trop de réalisme, juste pour rester dans
le style Mura. Je fais allusion à la rose permanente pour définir
un peu plus ses traits. Lissez à nouveau les bords
avec une brosse propre et humide. Mélangez Burn Siana avec de la
rose permanente pour glacer un peu les
cheveux Le glaçage consiste à appliquer une fine couche de couleur
sur une couleur sèche. Cela change la valeur
et crée de la profondeur. Bien sûr, pas trop humide. Nous ne voulons pas soulever la couche inférieure, y compris l'encre noire. En utilisant le
mélange permanent de roses pour le bec de l'aigrette, appliquez quelques longs traits de couleur,
puis appliquez un
trait propre et humide sur Les fleurs sont
les bienvenues dans la section transition vers la
Sienne brûlée pour un bec bicolore, ce qui lui donne un Vous remarquerez que je tiens
le pinceau verticalement ici, en utilisant la pointe pour les petits
détails et les traits plus longs. Je suis maintenant passée à mon pinceau de
détail numéro deux, en utilisant un mélange Ros
Siena plus profond pour les lèvres, en y
laissant un surlignage, puis en ajoutant une touche de rouge cardé au mélange pour
approfondir les ombres. Appliquer cette couleur
aux fleurs de la même couleur OK, il est temps de passer
à nos couleurs plus froides et
complémentaires,
en ajoutant une touche de
bleu-vert viridien à Burnt Je m'assure que ce mélange est
homogène sur le pinceau, puis j'utilise une teinte plus claire du même mélange pour commencer à
remplir le bord supérieur. Vous remarquerez que je suis
très lâche avec l'application ici
pour un effet abstrait. Muha utilise cette technique pour
ne pas distraire le spectateur
du sujet principal J'ai fait passer la couleur de
Sienne brûlée à un mélange vert pour une teinte plus dorée et je l'ai
utilisée pour commencer à créer notre halo, même s'il s'agit
d'un motif géométrique Je vais me débrouiller. porter cette couleur
derrière les cheveux, là où le dessin
n'est pas défini, c'est en quelque sorte façon dont les objets
se brouillent lorsqu'ils sont plus éloignés pour créer un effet de
perspective atmosphérique Déplacez-vous vers le bas du plan de l'
image avec une teinte dominante plus verte pour
créer une texture souple indiquant la végétation
en arrière-plan. Toujours dans la rangée
bleu-vert viridien sur le tableau de mixage, mais maintenant avec du
rouge cad à mélanger pour obtenir un brun riche pour le bec et le talon des
oiseaux chanteurs Ensuite, je saupoudre la même
couleur sur le bord supérieur. J'ai ajouté une touche de
rouge cad à ce mélange brun, puis j'ai utilisé une fine couche pour
continuer avec le halo. Je ne veux pas me mettre
ça dans les cheveux. Il y aura donc quelques espaces
blancs ici et là. Nous les remplirons plus tard. Encore une fois, cette section est
assez souple et discrète. Porter la même couleur sur le bord supérieur pour
harmoniser la composition Pour ces centres à farine, nous utiliserons à nouveau la technique humide sur humide
pour améliorer la texture. Il suffit d'une fine couche d'eau jusqu'au bord de
l'encre, puis d'incorporer progressivement le
mélange brun, et il y a une touche
plus verte dedans, penchant vers l'ombre brûlée. Nettoyer mon pinceau
pour le suivant, même technique, mais avec un peu
plus de vert dans le mélange. Même couleur pour la
farine qui se trouve à côté. Maintenant, je mets cette couleur
au premier plan. Le contraste avec la
tige étant trop fort, je l'ajuste à l'aide
d'une glaçure pour que le front apparaisse dans l'ombre
des Il est important d'
ajuster les valeurs les unes
par rapport aux autres pour
que la pièce soit cohérente Pour l'oiseau chanteur, j'ai obtenu ce violet
frais en mélangeant notre vert viridien avec
une touche de
rose permanente alors que je continue à
parcourir le tableau de mixage, parsemant un peu de rose permanente sur les ailes pour varier les tons, puis en
apportant du violet Je recherche un violet
grisâtre, presque un gris pâle
pour l'aigrette, que je trouve en ajustant la quantité de vert dans
la Une fois satisfaite de la couleur, je mouille l'oiseau, même technique que celle que nous utilisons
sur les boutons floraux, puis j'applique une très fine couche
de ce gris violacé J'utilise des traits directionnels qui suivent la
forme de l'oiseau, sorte que le pigment s'étale
d'une manière qui
décrit naturellement la forme. Mettre ce gris dans le bec pour y ajouter
les valeurs d'ombre Assombrir avec plus de vert pour former l'ombre centrale de l'oiseau Encore une fois, être attentif,
résister à l'envie de réalisme pour rester dans
le style en deux D. Ce gris fonctionne également bien pour
ombrager l'oiseau chanteur. Et le visage de la dame, attention à
ne pas lui donner de moustache. Une indication subtile du
volume du visage. Rien de trop net ou de trop contrasté. Poursuivre en ombrant divers éléments de
la composition Nous avons déjà établi
que le vert est le complément ou
le complément à mes couleurs chaudes analogues. Il n'y a donc aucune crainte de
créer de la boue terne. Nous sommes presque certains d'
obtenir des tonalités riches et sourdes. La seule chose qui peut atténuer notre euphorie des couleurs, c'est
de trop travailler sur le papier,
mais jusqu'à présent, tout va Pour le mélange final, dans le tableau,
se trouve notre sève verte dominante, que je mélange
assez soigneusement avec le cad. y a donc pas de traces pigmentaires, ce est
particulièrement important dans le cas de
ces pigments destinés aux étudiants, ils ne sont pas aussi lisses que ceux
du kit professionnel Je l'utilise pour les reflets et plus encore comme couleur d'impact. Cela illumine vraiment les choses. Maintenant, mélangez du vert sève
avec de la sienne brûlée pour obtenir un or plus brillant pour compléter
notre halo et utilisez cette couleur pour combler les espaces blancs que nous avons laissés ouverts dans les couches précédentes la composition Passons à la
rose permanente à mélanger
à la sève verte. Optez pour une
teinte très claire pour la robe, mouillée sur mouillée
sur certaines sections, afin que nous puissions déplacer le pigment
sur le papier. Superposez un mélange de sève verte, puis saupoudrez une plus grande partie
de la rose permanente Revenons au mix vert dominant, un peu plus fort pour mettre en valeur
les zones de points forts. Puis elle porte le mélange vert de sève sur les feuilles de ses cheveux. J'ai ajouté plus de rose au vert pour
le masquer et
terminer les derniers éléments du
halo que sur son bracelet, laissant du blanc pour
indiquer les reflets J'ai ajouté une touche de vert
viridien à ce mélange de sève de
rose pour obtenir une version plus foncée d' un brun afin de mettre en valeur les
ombres de sa robe Je vais retourner à VidionGreen
juste une seconde pour mélanger
à de la Sienne brûlée
pour obtenir un Maintenant que son visage est sec, nous pouvons lui donner des
sourcils et approfondir le ton de ses cheveux et de son
visage pour éliminer les zones d'ombre. Ensuite, utilisez une teinte claire de la
même couleur pour combler davantage les petits trous blancs dans la moitié inférieure de
la composition. Il s'agit des écarts entre
les éléments de
différentes couleurs, non du blanc laissé
ouvert pour les reflets, terminer avec des yeux noisette
pour notre sujet principal Bon, maintenant nous laissons l'œuvre d'art pendant la nuit pour voir
comment les couleurs sèchent. Dans la leçon suivante,
nous allons finaliser notre illustration avec le dessin au crayon de couleur
et le
12. Les touches finales du projet: L'idée de cette étape est principalement de faciliter
les transitions, corriger de petites choses qui nécessitent plus de clarté ou des détails
améliorés. J'utilise une ombre brûlée
pour assombrir ses cils. Et pour ajouter une touche de valeur à la moitié supérieure
de ses yeux, où les cils
projetaient une ombre et quelques
hachures ici Les illustrations de Muha
comportent généralement des parties de rendu, nous pouvons
donc également intégrer cet
élément ici C'est là que j'essaie de faire
correspondre les couleurs afin que le rendu ne soit pas
trop puissant ou distrait C'est subtil, mais il
ajoute une touche de texture. vous n'êtes pas
satisfait
du résultat obtenu avec les
crayons de couleur, vous pouvez le retirer ou le réduire à l'aide
d'une gomme à l'aide
d' Pour ajouter une touche d'ombre à
sa robe, utilisez du bleu-vert, puis du bleu-vert
et du vert sève pour dessiner quelques formes
de feuilles. Passage à la Sienne brûlée pour prononcer le feuillage
au milieu du sol. Ensuite, faire éclore quelques traits
sur les fleurs du premier plan. Suivi par le rouge orange. Revenez à l'ombre brûlée pour augmenter légèrement
le contraste. Avec la sienne brûlée, nous pouvons suggérer un contour
sur le motif du halo, en gardant un toucher léger, sans exercer de
pression sur le crayon Passage à la couleur de peau pour la
partie circulaire du halo. Ensuite, d'autres hachures pour la fleur
au milieu. Et enfin, pour le contour audacieux
emblématique. Vous pouvez utiliser un marqueur pour obtenir
une ligne plus uniforme. Non, il n'est pas nécessaire
qu'il soit étanche, mais il est préférable d'utiliser un marqueur
de bonne qualité. Pas un Sharpie. Cela se répercuterait vos couleurs et
se
décolorerait avec J'utilise un pinceau aquarelle numéro
deux pour appliquer de l'encre liquide Si vous avez un
pinceau à lettres, cela fonctionne également bien. Optez pour un trait uniforme, c'
est-à-dire qu'il ait le
même poids de trait sur
tout le pourtour
du sujet principal. Le gras suit la silhouette très extérieure
du sujet principal, qui comprend l'oiseau chanteur sur son épaule et les vrilles
des cheveux Vous pouvez également mettre en gras la bordure
de l'
illustration , mais je
laisse la mienne telle quelle. Vous pouvez voir que mon
trait de pinceau est bancal par endroits, mais il est facile de l'
égaliser avec un stylo Maintenant, prenez un stylo à pointe plus petite, et nous allons épaissir certaines
des autres lignes principales de notre
sujet,
pas trop audacieuses, mais plus épaisses pour
équilibrer les choses visuellement Maintenant, signez votre travail, et cela complète
notre affiche d'inspiration
Art Nouveau de style Muha affiche d'inspiration
Art Nouveau plume,
à l'encre et à l'aquarelle
13. Conclusion du projet: Merci d'avoir passé
du temps avec moi. J'espère que vous avez
trouvé les leçons utiles et que vous
continuerez à intégrer les influences des
maîtres
dans votre propre travail. cadre du processus, nous avons pu examiner des chefs-d'œuvre de l'
Art nouveau
et, sur la base de nos observations, explorer des designs en
faisant des vignettes approximatives Nous avons ensuite affiné le concept pour
en faire un brouillon, transféré ce dessin pour que le papier de notre projet
reste propre, puis nous avons
transféré ce dessin pour que le papier de notre projet
reste propre,
ce qui a facilité l'
application de l'encre. Nous avons expérimenté nos fournitures de
coloriage pour planifier un mélange harmonieux et nous avons apporté la touche finale
au tout Que vous ayez suivi la conception de l'illustration dont
j'ai fait la démonstration ou que vous ayez créé
votre propre affiche unique, j'adorerais voir votre projet. N'oubliez pas de partager votre travail sur la
page des projets et des ressources de ce cours. Il est facultatif d'
inclure également vos
nuanciers et vos miniatures, mais cela peut aider les autres à voir comment vous avez planifié
votre design final Si vous êtes curieux d'en savoir plus sur études de
master ou d'
approfondir vos connaissances sur les stylos à encre, n'oubliez pas de consulter
mes autres cours. Vous trouverez également des ressources
supplémentaires sur mon blog et sur YouTube. Félicitations encore une fois pour avoir terminé. Merci beaucoup J'
adorerais que vous laissiez un commentaire, et je vous souhaite bonne chance dans vos futurs projets.
Chloe Gendron, Pen and Ink Illustrator
