Adobe After Effets : le cours principal

1. 1.1-Introduction: Bonjour et bienvenue dans mon tout nouveau cours sur Adobe After Effects CC. m'appelle Martin et j'enseigne programmes tels qu'After Effects, Photoshop, Illustrator et d'autres depuis plus de 12 ans. Au cours de ce cours de neuf heures, je vais vous apprendre tout ce que vous devez savoir pour créer des animations éblouissantes avec Adobe After Effects. Vous apprendrez à animer calques de différentes manières, en créant des textes et des formes animés, en travaillant en 3D, en composant des animations en vidéo, caméra et en suivi de mouvement , etc. bien plus encore. Chaque chapitre est livré avec de nombreux fichiers que vous pouvez suivre et utiliser pour créer vos propres animations. Alors plongeons-nous dans le vif du sujet et commençons à utiliser Adobe After Effects. 2. 1.2-L'interface After Effects: Dans cette leçon, je vais vous présenter brièvement l'interface d' After Effects. Et c'est l' écran que vous verrez lorsque vous lancerez le programme. Nous avons ici la possibilité de créer un nouveau projet ou d'ouvrir un projet existant. Nous avons un onglet Accueil où nous pouvons voir les fichiers ouverts les plus récents et un onglet Apprendre où vous pouvez regarder des didacticiels sur d' After Effects sur le site Web d'Adobe. Nous avons également la possibilité de créer un nouveau projet d'équipe vous permettant d'inviter d'autres personnes ayant également accès à After Effects à travailler simultanément sur le même projet. Ainsi, plusieurs personnes peuvent travailler sur un projet en même temps, ou vous pouvez également ouvrir un projet d'équipe à partir d'ici. Je vais simplement cliquer sur cet écran d'accueil en cliquant sur le X en haut à droite sous Windows, qui sera en haut à gauche sur Mac, vous pouvez toujours revenir à cet écran de démarrage, le début en appuyant sur le bouton Accueil en haut à gauche. Maintenant, rapidement à propos de l'interface, j'ai ici un menu où nous pouvons accéder aux différentes fonctions du programme, telles que la création d'un nouveau projet ou l'ouverture, ou la sauvegarde, l'importation et l'exportation de médias. Nous avons ci-dessous une barre d'outils, que nous examinerons dans les prochains chapitres. Mais j'ai un outil de sélection, un outil manuel, un outil de zoom et d'autres outils que nous pouvons utiliser pour créer et manipuler des objets. J'ai ici le panel de projet où seront organisés nos dossiers. Dans. Voici nos compositions sont des fichiers Illustrator, nos fichiers Photoshop, etc. Tout ce que nous créons, une importation. Nous avons ici le panneau de composition où la vidéo sera affichée. Sur le côté droit, nous avons ces panneaux pour les effets et les préréglages, par exemple, que vous pouvez développer en cliquant dessus et réduire en cliquant dessus. Encore une fois, nous avons ici quelques mises en forme de caractères pour les textes du panneau Alignement, du panneau d' une bibliothèque et d' autres panneaux. En bas ici, à gauche, j'ai les calques et droite se trouve l'endroit où la chronologie sera affichée, que je vais vous montrer dans un petit moment. Maintenant, en haut, nous avons différents espaces de travail que nous pouvons utiliser pour différentes fonctions. Je le laisse généralement défini par défaut, mais vous pouvez également passer en revue. Et cela change simplement la façon dont ces panneaux sont organisés et ceux qui sont disponibles ici à droite. Je peux donc passer à un petit écran, par exemple. Et cela va me donner un panel de composition plus large. Ou je peux passer à l'espace de travail standard ou à l'espace de travail des bibliothèques, où nous avons juste un panneau de bibliothèque ici sur le côté droit. Mais d'habitude, je m' en tiens à la valeur par défaut et j'invoque tout autre panneau dont j'aurais besoin dans le menu de la fenêtre. En parlant du menu Fenêtre, vous pouvez toujours y aller. Et par exemple, sélectionnez, disons, le panneau audio. Cela va simplement l' ajouter à cette barre, la barre latérale ici sur le côté droit. Maintenant, c'est là-dedans. Et si je souhaite supprimer un panneau parce que je ne l'utilise pas ou parce qu'il prend beaucoup de place, je peux toujours cliquer sur le menu hamburger en haut à droite du panneau, puis choisir Fermer le panneau. Maintenant, si vous travaillez avec deux écrans ou plus, il peut être utile de placer différents panneaux sur un autre écran. Supposons donc que je veuille détacher ce panneau d'information et le placer dans sa propre petite zone. Ce que je peux faire, c'est simplement cliquer et faire glisser hors de là et le relâcher n'importe où. Ici, par exemple. Et cela va placer le panneau d'information ici, dans cette partie de l'espace de travail. Je peux également choisir de détacher le panneau par le bouton droit de la souris, en cliquant sur le menu hamburger. Et ça va me donner ce panneau d'information flottant dans sa propre fenêtre. Lorsque je ferme ce panneau, disons que j'ai supprimé un panneau de l'interface, ou que j'ai déplacé différentes parties de l'interface et que je souhaite simplement revenir à la valeur par défaut. Je voulais revenir à ce que ça avait l'air avant. Ce que vous pouvez faire est alors simplement de réinitialiser l'espace de travail en allant dans la fenêtre, le menu de la fenêtre, puis en choisissant espace de travail, puis en choisissant réinitialiser, l'espace de travail que vous avez choisi pour enregistrer la mise en page. Et ça va le remettre ici. Juste à des fins de démonstration. Je vais créer une nouvelle composition. Nous passerons en revue les réglages des nouvelles compositions dans une prochaine vidéo. Mais je veux juste quelque chose pour vous montrer la chronologie. Je vais donc cliquer sur Nouvelle composition ici dans le panneau de composition utiliser les paramètres par défaut et cliquer sur. OK. Cela va me donner une composition qui est également visible ici dans le panneau Projet. Et maintenant j' ai une chronologie ici. Nous n'avons pas encore de couches réelles. Nous verrons cela dans une vidéo séparée. Mais ici, j'ai la chronologie à travers laquelle je peux parcourir en saisissant cette tête de lecture et en cliquant et en faisant glisser la souris. Maintenant, il y a quelques bascules et commutateurs ici en bas, dont quelques-uns sont en fait très utiles. Ici, j'ai un bouton pour la grille de transparence basculée, qui va remplacer la couleur d'arrière-plan définie pour la composition, qui pour moi est actuellement définie sur le noir. Et cela va montrer de véritables transparences. Ces motifs en damier indiquent donc la transparence dans After Effects. Voici une présentation rapide de l'interface d' After Effects. Dans la prochaine vidéo, je vais vous apprendre tout sur les compositions. 3. 1.3-Créer des compositions: Dans cette leçon, je vais vous apprendre tout sur création de compositions et de compositions. Vous pouvez voir pour l'instant les nouveaux documents que vous créez dans After Effects. Vous pouvez avoir des compositions dans des compositions, dans des compositions, mais c'est un concept que nous explorerons plus tard lorsque nous commencerons à parler de pré-compositions. Maintenant, ici dans After Effects, j'ai actuellement un projet vide et je vais juste cliquer ici sur Nouvelle composition. Vous pouvez également appuyer sur Ctrl N sous Windows ou sur Commande N sur Mac. Ou vous pouvez aller dans le menu de composition haut, puis choisir une nouvelle composition. Cela va nous amener à cette fenêtre contextuelle où nous pouvons déterminer les options de notre composition. Donc, pour notre première vidéo, première chose que nous pouvons faire est de nommer notre composition et c' est le nom qui sera affiché dans le panneau de projet ici. Pour l'instant, je vais juste laisser ce set pour en faire un. Et comp signifie alors évidemment composition. Nous avons ici un certain nombre de préréglages parmi lesquels nous pouvons choisir. D'habitude, je ne les utilise pas, mais si vous recherchez un préréglage de quatre K 25 images par seconde, vous pouvez explorer ces options ici. Ou si vous voulez simplement un téléviseur HD standard avec une certaine fréquence d'images de 2425 ou 30. C'est également quelque chose que vous pouvez choisir ici et nous verrons ce que ces paramètres signifient réellement plus loin dans cette vidéo et dans les prochaines vidéos. Vous pouvez également cliquer sur la largeur et la hauteur pour entrer vos propres tailles. Imaginons donc que vous souhaitiez créer quelque chose pour Instagram, pour de vrai. Ainsi, par exemple, vous voudrez les changer pour une largeur de 1080 et une hauteur des années 1920. Vous pouvez donc simplement cliquer ici et les saisir manuellement. Je peux donc faire ce 1080 de large en 1920 de haut. Le rapport hauteur/largeur des pixels est toujours défini sur pixels carrés, sauf si vous travaillez avec certains formats vidéo. Vous pouvez donc toujours le laisser allumé. Et ici, nous choisissons la fréquence d'images. La fréquence d'images est importante et je vais passer peu de temps à en parler dans une vidéo séparée. Mais en gros, la vidéo n'est qu'une séquence d' images dans un fichier. Et le nombre d'images par seconde est ce que l' on appelle la fréquence d'images. Désormais, la plupart des vidéos sont tournées sur 24 images par seconde, vingt-cinq images, images par seconde ou 30 images par seconde selon l'endroit d'où vous venez. Parce qu'aux États-Unis, c'est en fait 30 images par seconde par défaut. Et en Europe, c'est soit 2425. Mais vous pouvez également augmenter cette fréquence d'images pour mouvements plus fluides et moins de flou de mouvement lorsque vous travaillez avec du flou directionnel, ce que nous aborderons également dans une vidéo séparée. La résolution que nous pouvons choisir ici. Cela n'a rien à voir avec notre éventuel format de fichier. Il s'agit simplement d'une résolution de prévisualisation. Et si je ne fais que créer quelques animations de base, je laisse généralement cet ensemble complet. Vous pouvez modifier le code temporel de début de la composition, heu , ce qui n'est pas vraiment utile dans ce cas. Mais si vous travaillez avec vidéo importante importée d'une caméra, par défaut, le code temporel sera défini sur le code temporel de la caméra. Mais pour l'instant, nous allons simplement laisser cela à 0. Et même lorsque je travaille avec des images importées de mon appareil photo, je le remets généralement à 0. Mais vous le verrez plus loin dans ce chapitre. Ici, nous pouvons préciser la durée de notre composition. Ce sera donc la durée de la vidéo au départ, nous pouvons toujours la modifier plus tard lorsque nous avons réellement besoin la composition soit plus longue ou plus courte. Mais d'habitude, ici, je calcule la durée de la vidéo à la fin. Et ce code temporel fonctionne d'une manière intéressante. Si j'en saisis un puis que j'appuie sur Tab, il passe à une image. Maintenant, la composition durera une image. Ensuite, nous avons les secondes, puis nous avons les minutes, puis nous avons les heures. Et cela fonctionne avec les règles. Donc, si je saisis un point puis Tab, cela le changera à 1 seconde. Et si j'appuie sur un point, un point, puis que j'appuie sur Tab, cela passera à une minute. Donc, si vous devez naviguer vers un code temporel spécifique, un système très facile à utiliser. Nous pouvons également définir une couleur de fond pour notre composition. Je peux donc simplement cliquer sur la couleur et la définir sur blanc, par exemple, puis cliquer sur OK. Il existe d'autres paramètres concernant les compositions, principalement en ce qui concerne l' angle d'obturation et le moteur de rendu 3D. Mais ce sont des concepts dont nous parlerons beaucoup plus tard dans le cours une fois que nous aurons abordé ces fonctions avancées. Je vais donc créer une composition de 1080 x 1920 pixels avec une fréquence d'images de 60 images par seconde. La résolution du brief que vous prévisualisez sera définie sur Full. La composition durera une minute et sa couleur de fond sera définie sur blanc. Ensuite, je peux cliquer sur OK pour créer cette composition. Cela nous amène à la composition. Et comme vous pouvez le voir, il s'agit d'une vidéo orientée portrait pour, disons, Instagram Reels. Et la composition se trouve également dans le panneau Projet. Maintenant, la composition est encore vide, nous n'avons donc pas de calques réels, mais nous y reviendrons dans une prochaine vidéo. Si vous souhaitez modifier les paramètres d'une composition, une fois celle-ci créée, vous pouvez toujours cliquer avec le bouton droit sur la composition dans le panneau Projet et sélectionner Composition, Paramètres. Ou lorsque vous travaillez dans la composition, vous pouvez toujours appuyer sur Ctrl K pour accéder aux paramètres de composition, et ce sera la commande K sur le Mac. Je ne crée donc pas de nouvelle composition ici. Je suis en train de modifier les paramètres de la composition actuelle. Et vous y arriverez en appuyant sur Ctrl K sous Windows ou Command K sur Mac. Maintenant, je voudrais vous montrer encore une chose sur la navigation entre les compositions. Et pour cela, nous allons dupliquer la première composition ici dans le panneau Projet. Je vais donc simplement cliquer sur la première composition, puis appuyer sur Ctrl D pour dupliquer pour obtenir une composition qui n'est qu'une copie directe de la première composition. Et je peux ouvrir cette composition en double-cliquant dessus dans le panneau Projet. Désormais, les compositions une fois que vous double-cliquez ici ou que vous les avez créées, seront affichées ici en haut du panneau Calques. Donc, ici, je travaille dans Comp to, et je peux toujours passer à Comp One quand je le souhaite. Vous pouvez donc basculer entre différentes compositions ouvertes avec cette barre des tâches ici. Vous pouvez également fermer ces compositions en cliquant simplement sur cette icône. Et ça me donne juste les paramètres pour Comp One. Maintenant, vous voulez vous assurer que vous travaillez réellement dans Comp One en double-cliquant dessus également ici. C'est donc la meilleure façon de naviguer entre les compositions. 4. 1.4-À propos des framerates: Dans cette leçon, je souhaite approfondir un peu plus fréquences d'images lorsque je parle d'animation vidéo. J'ai dans les fichiers d'exercices 1.4 sur les fréquences d'images, qui est un projet After Effects que vous pouvez simplement ouvrir. Et dans ce projet, j' ai trois compositions, 60 images par seconde, 30 images par seconde et 15 images par seconde, dans lesquelles j'ai modifié les fréquences d'images pour montrer comment elles fonctionnent réellement. Il s'agit d'une animation très simple d'un carré se déplaçant de gauche à droite en l'espace de cinq secondes. Maintenant, dans cette composition à 60 images par seconde, je peux simplement appuyer sur la barre d'espace pour lire l'animation. Comme vous pouvez le constater, il se déplace très doucement sur l'écran. Et c'est le résultat de cette fréquence d' images plus élevée pour 60 images par seconde. Ainsi, lorsque je crée simplement une animation sans aucun contenu vidéo, je préfère travailler en 60 images par seconde car l'animation est beaucoup plus fluide. Et je peux démontrer la différence en allant dans la composition à 30 images par seconde et en jouant à celle-ci. Les réglages de cette composition sont donc une fréquence d'images de 30. Donc, la lecture de cette animation est toujours fluide, mais ce n'est pas tout à fait aussi fluide. Vous pouvez voir un peu plus de bégaiement dans cette animation. Ce n'est pas aussi beurré que l'était la composition à 60 images par seconde. Et maintenant, je peux passer l'animation 5015 FPS et vous verrez qu' elle est très saccadée, donc il n'y a que 15 images par seconde, ce qui signifie que nos yeux peuvent réellement distinguer les images individuelles . Donc, tout ce qui est inférieur à 24 images par seconde vous donnera ce type d'effet stop motion, ce qui peut être utile dans certains cas si vous voulez ce look pour vos animations, mais il ne sera pas joué retour très doux. Donc, si vous travaillez avec du contenu vidéo, vous voudrez généralement que la composition corresponde à cette vidéo. Fréquence d'images du contenu vidéo. Si vous créez des animations dans After Effects, uniquement basées sur des animations, je travaillerais avec 60 images par seconde. Ou si votre système est légèrement plus lent, 60 images par seconde peuvent être un peu trop pour votre ordinateur. Vous pouvez donc également travailler avec 30 images par seconde . Donc, d'une manière générale, je travaille moi-même en 60 images par seconde lorsque je crée des animations et quelle que soit la fréquence d'images de ma vidéo lorsque j'ajoute des effets et des animations au contenu vidéo. 5. 1.5-Navigation de la chronologie: Dans cette leçon, je vais vous apprendre comment naviguer rapidement dans la chronologie, ce qui est très important lorsque vous travaillez avec After Effects. La chronologie est donc affichée ici en bas, à droite, à gauche, nous avons les calques de cette composition, et ici nous avons la chronologie réelle. Vous pouvez vous déplacer dans la chronologie en saisissant la tête de lecture et en cliquant dessus et en la faisant glisser, ou en parcourant la chronologie comme on l'appelle. Ou vous pouvez simplement cliquer sur n'importe quelle partie de la chronologie pour accéder à une section spécifique. Vous pouvez lire la chronologie en appuyant sur la barre d'espace. Ainsi, lorsque vous appuyez sur la barre d'espace, la chronologie commence à lue et vous pouvez voir l'animation proprement dite. Si cette barre n'est pas verte, cela signifie que la séquence, la vidéo n'est pas encore pré-rendue. Il se peut donc que vous deviez la laisser jouer une fois pour qu'elle soit complètement remplie vert avant de pouvoir lire la vidéo avec précision en temps réel. Vous pouvez également accéder à des parties spécifiques de la chronologie en cliquant simplement ici dans le code temporel haut à gauche des calques. Imaginons que je veuille passer à deux secondes. Exactement. Je vais simplement entrer deux points, puis appuyer sur Entrée. Et cela place la chronologie à exactement deux secondes. Ce qui est également souvent utile, c'est de pouvoir se déplacer dans le temps par image. Donc, si je veux avancer d'une image ou reculer d'une image, je peux maintenir la touche Ctrl de mon clavier enfoncée , puis utiliser les touches fléchées de mon clavier pour avancer d'une image. Si vous faites cela, maintenez également la touche Maj enfoncée. Donc Control Shift et les touches fléchées, vous allez avancer de dix images. Il est donc beaucoup plus facile de naviguer dans la chronologie. Maintenant, le prochain chapitre sera consacré à l'animation. Mais avant d'y arriver, je voudrais simplement vous montrer rapidement comment passer d'une image clé à l'autre. Vous en apprendrez beaucoup sur les images-clés dans le prochain chapitre. Mais pour l'instant, je veux juste vous montrer ce qu'ils font et comment vous pouvez naviguer entre eux avec ce calque de forme sélectionné ici. Je vais donc m' assurer qu'il est surligné en gris clair. Je vais appuyer sur la touche P pour obtenir la position de ce calque. Ici. Lorsque la position est développée, nous voyons ces trois images-clés déterminent l'animation de ce rectangle. Donc, si je vais au début de la chronologie, elle se déplacera entre ces images-clés. Et ce sont essentiellement les points d'animation. Vous en apprendrez donc beaucoup plus à ce sujet dans le prochain chapitre. Mais je veux juste vous montrer que vous pouvez naviguer entre ces images clés à l'aide de ces petites icônes fléchées. Vous pouvez également utiliser les touches J et K de votre clavier pour passer d'une image clé à l'autre d'un calque qui passe simplement d'un calque comportant une image-clé réelle. Il est donc beaucoup plus facile de naviguer dans le temps. Et une autre technique de navigation simple et rapide que vous pouvez utiliser dans After Effects. Il s'agit d'appuyer sur la touche I pour atteindre le point final d'un calque. Dans ce cas, il passe au début de la chronologie à 0 image et Sarah seconde. Je peux également appuyer sur la touche O pour atteindre le point de sortie d'un calque. Cela m'amène à cinq secondes. Donc le point final de la couche. 6. 1.6-Zoom et navigation: Dans cette leçon, je vais vous montrer rapidement dans le document 1.6, comment zoomer et naviguer dans vos documents. Je regarde la visionneuse de composition ici. Et ce que je veux vous montrer, c'est que lorsque vous avez la souris dans ce panneau, vous pouvez utiliser la molette de la souris pour effectuer un zoom avant et arrière. Donc, sous Windows, si je fais défiler vers le haut, je zoome en avant et si je fais défiler vers le bas, je fais un zoom arrière. Selon vos paramètres, cela peut être inversé sur les Mac, mais c'est la valeur par défaut sous Windows. En tout cas. Nous pouvons également consulter le pourcentage de zoom ici. Je suis donc actuellement à 50 %. Imaginons que je veuille juste afficher toute la composition à l'écran. Ensuite, je peux simplement me mettre en forme et cela placera à l'écran tout ce qui se passe dans la composition. Pour l'instant, je vais en fait zoomer un peu plus loin à 100% en utilisant la molette de la souris. Et je veux vous montrer rapidement qu'il est assez facile de naviguer dans cette composition si vous maintenez la barre d'espace enfoncée. La barre d'espace passe donc à l'outil manuel, ce qui vous permet de cliquer et de faire glisser pour passer à un autre point de la composition. Donc si vous travaillez dans une vue agrandie et que vous souhaitez regarder une autre partie de la composition. Supposons que cette animation soit presque terminée, je peux maintenir la barre d'espace enfoncée et cliquer et faire glisser pour afficher cette partie de la composition. Donc je vais juste me remettre en forme pour le moment. Et je veux vous montrer que vous ne pouvez pas simplement effectuer un zoom avant ou arrière sur la visionneuse de composition. Vous pouvez également effectuer un zoom avant et arrière sur la chronologie. Supposons que je veuille simplement m'assurer que cette image-clé est au bon endroit. Ce que je peux faire alors, c'est soit y placer la chronologie en cliquant et en la faisant glisser jusqu'à ce point. Ensuite, en utilisant la barre de zoom en bas à gauche de la chronologie, ou ce que je peux faire, c'est maintenir la touche Alt enfoncée , puis utiliser la molette de la souris pour zoomer. Maintenir la touche Alt et faire défiler vers le haut permet de zoomer sur l'emplacement actuel de la souris . Donc, si je maintiens la souris sur cette image-clé, elle zoomera dessus. Et si je maintiens la souris ici, elle zoomera sur 1 seconde dans la chronologie. Le défilement Alt est donc très utile pour effectuer un zoom avant et arrière sur la chronologie lorsque vous souhaitez regarder une section spécifique et Alt faire défiler vers le bas, puis encore une fois pour effectuer un zoom arrière sur la chronologie. 7. 1.7-Importation de vidéos: Dans les prochaines vidéos, je vais vous montrer comment importer différents types de fichiers dans After Effects, puis créer des compositions basées sur ces fichiers. Et pour cela, je vais d' abord importer un fichier vidéo. La première chose que nous allons importer est donc une vraie vidéo. Il existe plusieurs manières d' importer des fichiers dans After Effects. Vous pouvez accéder au menu Fichier , puis choisir Importer, puis Fichier. Vous pouvez appuyer sur Ctrl I sous Windows et sur Commande I sur Mac. Ou ce que vous pouvez faire, c'est simplement double-cliquer sur un espace vide dans le panneau de projet ici à gauche, ce qui vous placera dans un navigateur de fichiers. Je vais simplement accéder aux fichiers d'exercices de ce chapitre dans un seul fichier de cours. Et je vais choisir 1.7 pour importer la vidéo. Maintenant, j'ai la possibilité de créer une composition dès le départ en cochant cette case. Mais nous allons le faire dans After Effects lui-même. Je vais donc simplement cliquer sur Importer pour importer le métrage dans le panneau de projet. Maintenant, j'aime rester organisé dans le panneau de projet. Et si j'ai plusieurs types de séquences ou plusieurs fichiers de séquences, je préfère les placer dans un dossier. Donc, ce que je vais faire c'est créer un dossier en cliquant sur cette petite icône de dossier en bas. Je vais juste donner un nom à cette séquence et appuyer sur Entrée. Ensuite, je peux faire glisser cette vidéo dans le dossier et cela la placera ici. Imaginons maintenant que je veuille baser une composition sur cette vidéo. Cette vidéo fait dix-neuf cent vingt et un mille quatre-vingts pixels avec une fréquence d'images de 30 images par seconde. Donc, ce que je peux faire maintenant, c' est soit cliquer dessus avec le bouton droit de la souris et choisir comp dans la sélection, ce qui va créer une nouvelle composition avec ces paramètres. Ou ce que je peux faire, c'est cliquer et faire glisser la vidéo sur le bouton de nouvelle composition en bas du panneau de projet. Donc, le troisième en bas à partir du troisième bouton à partir de la gauche. Donc, en le publiant ici, nous allons créer une composition et placer la vidéo sur la chronologie ici. C'est donc une petite astuce utile. Si j'appuie sur Ctrl K pour accéder aux paramètres de composition, vous verrez que la largeur et la hauteur de la composition correspondent à celles de la vidéo. Et il en va de même pour la fréquence d'images, la fréquence d'images à 30, car la vidéo est également de 30 images par seconde. La durée correspond également à la durée de la vidéo, qui est d'environ 30 secondes. Si vous effectuez cette opération sur la base d'une vidéo que vous venez d' importer à partir d'une caméra, le code temporel sera défini sur le code temporel de cette vidéo. Vous pouvez donc aller ici et modifier le code temporel de début sur 0 afin de ne pas vous embrouiller lorsque vous travaillez avec des séquences importées. Et c'est quelque chose que je veux simplement illustrer. Si vous importez un élément doté d'un code temporel, ce dernier s'affichera ici et non l'heure réelle de la chronologie. Il est toujours utile de définir le code temporel sur 0, sauf si vous travaillez sur une production cinématographique ou documentaire, par exemple laquelle vous souhaitez réellement obtenir le code temporel. Mais c'est quelque chose pour un cours avancé et cela n'entre pas dans le cadre de ce que nous allons faire ici. Vous remarquerez que la composition se trouve également à l'intérieur de ce dossier de séquences. Je peux simplement cliquer et le faire glisser hors de là pour le mettre dans son propre truc. Il ne fait donc pas partie du même dossier. J'ai juste cliqué et je l'ai fait glisser vers le bas pour le mettre séparément. est ainsi que nous travaillons avec l'importation de vidéos. 8. 1.8-Importation de documents Photoshop: Il est très courant de concevoir un document dans Adobe Photoshop ou Adobe Illustrator, puis de l' intégrer à After Effects pour animer et lui donner vie. Dans cette vidéo et la suivante, je vais vous montrer comment importer ces fichiers. Je vais donc double-cliquer sur une partie vide du panneau de projet ici dans ce document vierge et demi ici, 1.8, important des fichiers Photoshop dans les fichiers de cours de ce chapitre, vous pouvez créer un Séquence Photoshop. Si le document Photoshop contient réellement des calques, ou si vous pouvez créer une composition. Et ce que je peux faire maintenant, c'est choisir comment je veux importer ce document Photoshop. Vous pouvez donc choisir entre un métrage, composition, conserver la taille des calques ou une composition. Maintenant, il s'agit d'un document Photoshop en couches et si je l'importe en tant que métrage, ce sera juste une image plate. Je n'aurai donc pas les couches de ces documents Photoshop à ma disposition séparément. Si je choisis la composition, en conservant la taille des calques, cela va créer une composition avec les calques Photoshop et le point d'orientation des calques, dont je parlerai plus en détail dans le prochain chapitre, va être centré sur le calque lui-même. Si je choisis Composition, j'obtiendrai également les calques dans la composition. Mais le point de rotation ou le point d'ancrage sera centré à l'intérieur de la composition, au centre de la composition, je vais juste opter pour cette dernière. Je vais donc choisir la composition ici, puis choisir Importer. Vous obtenez la même fenêtre contextuelle dans laquelle vous pouvez choisir de créer une composition ou non. Je vais donc simplement l'activer , puis cliquer sur OK, et cela me donne une composition ici dans le panneau Projet. Vous remarquerez également qu'il s'agissait d'une structure de fichiers. Donc une structure de dossiers qui contient tous les calques séparés que j'ai ici, ces calques séparés que je peux cliquer et faire glisser dans n'importe quelle composition de mon choix. Mais je peux aussi ouvrir cette composition en double-cliquant dessus et en guérissant J'ai ces calques séparés du document Photoshop que je peux réellement influencer, séparés du reste du fichier. Je peux donc manipuler ces calques individuellement car il s'agit d'un document Photoshop en couches. Si vous souhaitez manipuler quelque chose ou animer quelque chose en dehors de son arrière-plan, vous devrez découper ces objets de l'arrière-plan dans Photoshop afin pouvoir les animer dans After Effets. 9. 1.9-Importation de fichiers Illustrator: Cette leçon sera très similaire à la leçon précédente, sauf que c'est le cas, nous allons travailler avec un fichier Illustrator au lieu d'un fichier Photoshop. Donc ici, dans ce projet vide, je vais juste double-cliquer dans le panneau de projet et je vais choisir 1.9 pour importer des fichiers Illustrator, puis cliquer sur Importer. Et là encore, je peux choisir le type d'import. Je peux choisir un calque de métrage, ce qui va simplement me donner un résultat plat sans avoir accès aux calques du document. Ou je peux choisir une composition et choisir les dimensions du métrage comme taille de calque ou taille du document. Et je vais importer ce document deux fois pour vous montrer la différence entre les deux. Je vais donc d'abord choisir Layer Size et cliquer sur. OK. Et cela me donne ce dossier ici dans le panneau de projet, cette composition. Je vais donc juste double-cliquer sur cette composition pour y entrer. Et ici, j'ai les différentes couches. Et ce que je veux vous montrer, c'est que ces couches tournent autour de leur propre centre parce que nous avons choisi que le point d'ancrage soit au centre des couches elles-mêmes afin qu'elles conservent la taille des calques. Ainsi, lorsque je sélectionne cette roue ici dans les couches, je peux appuyer sur R pour la rotation. Lorsque je commence à changer cette valeur, vous verrez que la roue tourne autour de son propre centre. Pour les illustrations Illustrator, je choisis généralement Conserver les tailles de calque, afin que les objets pivotent réellement autour de leur propre centre. C'est donc quelque chose d' important à noter. Mais nous avons juste ces calques séparés d'Illustrator. Vous devez donc également vous assurer que tout ce que vous souhaitez animer séparément d'un document Illustrator se trouve sur son propre calque afin de pouvoir les animer séparément dans After Effects. Maintenant, il y a autre chose que je veux vous montrer dans cette vidéo, car sinon elle serait plutôt brève. C'est-à-dire que lorsque vous placez un fichier dans After Effects, vous ne placez pas réellement ce fichier entier dans le document After Effects dans le projet After Effects. Vous êtes en train de créer un lien vers l'emplacement de ce fichier sur votre disque dur. Et cela pour plusieurs raisons. Par exemple, si je devais ouvrir ce document Illustrator et modifier les couleurs sur le bus, par exemple, puis enregistrer le document Illustrator. Ces modifications seront immédiatement répercutées dans After Effects car il existe un lien vers le fichier d'origine. s'agit donc pas de formes After Effects, il s'agit d'un document Illustrator et la modification du document modifiera l'apparence de ce document dans After Effects. Un autre avantage de travailler avec des liens et de ne pas incorporer des documents dans leur intégralité est que les fichiers After Effects sont en fait assez petits, généralement pas plus de quelques mégaoctets alors que vous avoir un document Photoshop, par exemple, d'une valeur de quelques 100 mégaoctets. Mais travailler avec des liens présente également l'inconvénient que si vous ne le faites pas correctement, si le lien se rompt, par exemple en déplaçant le document renommant le document ou en le supprimant complètement, vous rompre le lien et vous ne pourrez pas utiliser le fichier dans After Effects. Et juste pour vous montrer ce que je veux dire, je vais trouver ce document Illustrator sur mon disque dur, ce qui est une autre astuce utile que je vais vous montrer et changer son nom pour rompre le lien manuellement. Donc, pour trouver le fichier sur mon disque dur, je veux dire, je sais où il se trouve et je l'ai ouvert ici. Mais ce que vous pouvez faire, c'est trouver l'une des couches ici, puis cliquer dessus avec le bouton droit de la souris. Ensuite, je peux choisir Révéler dans l'explorateur. Et cela va ouvrir l'Explorateur. Et puis je peux simplement changer le nom du fichier ici pour laisser par exemple importer des fichiers Illustrator, en tiret un. Maintenant que le fichier est renommé After Effects cherche toujours à importer des fichiers Illustrator sans le tiret. Pour en revenir à After Effects, j'obtiens ce message d'erreur. Les fichiers sont introuvables et il manque quatre fichiers actuellement. Donc en cliquant sur OK, cela va complètement casser mon animation et nous verrons cet écran de test, disons. Donc pour résoudre ce problème, je dois remettre le fichier tel qu'il était. Donc, ce que je vais faire, c'est aller à nouveau dans les fichiers de cours et je vais simplement changer le nom à nouveau. Je vais donc supprimer celui du tableau de bord et l'enregistrer. Mais maintenant, dans After Effects, il n'est pas automatiquement mis à jour. En fait, je dois recharger les images. Donc ce que je vais faire, c'est sélectionner toutes les couches concernées. Ensuite, cliquez dessus avec le bouton droit , puis choisissez Recharger le métrage. Et le fait de recharger les images me dira que trois autres objets manquants ont été retrouvés. Et cela me redonne mon illustration. Apparemment, il m'en manque encore un, donc je vais juste recharger celui-ci aussi. Ce n'est en fait pas correctement mis à jour. C'est un bogue qui arrive parfois. Ce que je peux faire, c'est cliquer avec le bouton droit sur le calque concerné, puis remplacer le métrage par un fichier. Alors je peux choisir celui-ci ici. Et cliquez sur Importer. Et je peux choisir un calque spécifique. Et ce sera le cas, nous allons cliquer en V et cliquer. OK. Maintenant, je peux cliquer et faire glisser le calque dans Illustrator ou dans la composition After Effects à partir du panneau Projet et supprimer le calque qui s'y trouvait. C'est donc un bug qui arrive parfois. Je suis vraiment content que cela se soit produit parce que j'ai montré que j' étais capable de vous montrer comment le résoudre réellement. Parfois, les images ne se rechargent pas. J'aurais pu l' enregistrer dans After Effects et rouvrir le projet. Et cela aurait réellement reflété les changements. Mais je suis juste content d'avoir pu vous montrer cette petite solution de contournement pour l'importation de fichiers. 10. 1.10-Importation d'une séquence d'images: J'ai commencé à travailler avec After Effects il y a environ sept ans parce que je créais beaucoup de vidéos time-lapse. Dans cette leçon, je veux vous montrer comment utiliser une séquence d'images pour créer une composition dans After Effects qui sera lue sous forme de vidéo. Ainsi, une série d'images seront placées les unes après les autres sur la timeline. Vous pouvez donc lire les images sous forme vidéo dans les fichiers d'exercices. Je vais juste trouver la séquence d'images du dossier. Je vais sélectionner l'une de ces images et appuyer sur Ctrl a pour tout sélectionner. Et puis j'ai cette case à cocher ici pour importer la séquence JPEG. Et avec cette case à cocher activée, je peux cliquer sur Importer et cela va me donner une séquence JPEG ici dans le panneau Projet. Maintenant, je vais baser une composition sur cette séquence d'images en cliquant et en faisant glisser vers le bouton Nouvelle composition en bas du panneau Projet. Et ça va me donner ce résultat. Je peux donc maintenant lire cette séquence d'images, qui n'est qu'un dossier d'images sous forme vidéo ici dans After Effects, ce qui peut être très utile. Maintenant, je peux aussi accélérer un peu cette séquence en allant ici où il est écrit « étirement ». Et si cette colonne d'étirement est pas disponible pour vous, vous pouvez l'activer ici en bas à gauche du programme avec ce troisième petit interrupteur. Ensuite, changez l'étirement à 50%. Et cliquez sur OK. Et cela va en fait accélérer les séquences de 100 %, ce qui les rendra légèrement plus rapides. Il s'agit en fait d'un métrage basé sur un projet After Effects que j'ai créé, que je vous montrerai au chapitre six une fois que nous commencerons à travailler avec la 3D. Nous allons donc travailler avec quelque chose de très similaire pour créer une animation dans ce style. C'est ainsi que nous pouvons importer une séquence de piquets J. Vous devez simplement vous assurer qu'ils sont numérotés de manière séquentielle pour que les noms de fichiers soient numérotés de n'importe quel numéro deux. Le nombre d'images que vous importez. Pour qu'After Effects sache qu'il y a une séquence. S'il y a une image d'une séquence de centaines d'images dont le nom de fichier est incorrect elle s'affichera sous forme d'image supprimée. Ainsi, lorsque vous accédez à ce cadre, vous obtiendrez l' affichage du chaînon manquant que nous avons vu dans la leçon précédente. 11. 1.11-Travailler avec les calques: Dans cette leçon, je voudrais vous parler rapidement des calques dans After Effects, qui ne devrait pas vraiment avoir de secret pour vous si vous avez déjà travaillé avec Photoshop ou Illustrator. Mais ici dans le fichier de cours 1.11, travaillant avec des calques, nous trouverons la composition 1.11 fonctionnant avec calques dans lesquels j'ai ces cinq calques. Maintenant, quel que soit l'objet qui se trouve en haut de la pile de calques. Ainsi, la couche numéro un est au-dessus de toutes les autres couches. Et juste à des fins de démonstration, j'ai placé ces dés à peu près au même endroit. Et ce que vous verrez, c'est que le dé est au-dessus de tous les autres dés. Maintenant, je veux vous montrer ce qui se passe lorsque je clique et que je fais glisser un colorant vers le bas sous le dé. Et vous verrez ce surlignage bleu pour indiquer qu'il est en train d'être déplacé. Maintenant, cet autre dé est devant le dé 1. Die Two est la couche supérieure. Il s' affiche donc également au-dessus de tout le reste du panneau de composition. Je peux aussi faire glisser le colorant un peu plus loin. Et ça va le placer au-delà Die Three and Die For. L'ordre d'empilement des calques est essentiel à comprendre pour créer de bonnes compositions créatives, celui qui se trouve en haut de la pile de calques se trouve au-dessus de tout le reste dans le panneau de composition. Vous pouvez également placer des calques au-dessus ou en dessous de l'arrière-plan dans cette composition particulière. Donc, si je clique et que je fais glisser le pointeur vers le bas, en dessous de l'original, il disparaîtra en fait au-delà de cette image d'arrière-plan, donc elle n'est pas visible actuellement. Maintenant, cliquez et faites glisser les calques. Nous pouvons simplement nous assurer qu'ils sont sélectionnés dans les calques. Ensuite, je peux simplement cliquer et faire glisser à l'aide de l'outil de sélection ici pour les placer ailleurs dans la composition. Et je peux faire de même pour le numéro deux. Et vous pouvez simplement cliquer dessus et les faire glisser. Outre cet ordre d'empilement, des calques est un autre élément très durée des calques est un autre élément très important. Actuellement, ces couches existent pour la totalité de la composition. Donc, si je vais dans les paramètres de la composition, cette composition dure cinq secondes et tous ces calques remplissent entièrement cette composition, qui signifie qu'ils existeront pendant toute la durée de cette composition. Maintenant, je veux vous montrer que nous pouvons réellement changer cela en allant à un autre point de la chronologie, par exemple, à 1 seconde exactement. Ensuite, je peux saisir le début de ce calque avec cette petite icône de double flèche et cliquer et le faire glisser là. Et ce que vous verrez, c'est que le calque n'existera dans la composition tant que la chronologie n'aura pas atteint 1 seconde. Et vous pouvez découper des calques comme celui-ci en cliquant et en faisant glisser le début ou la fin. Parce que je peux aussi le faire à partir de la fin, c' est-à-dire qu'il n' existera que pour le premier, second de la composition. Ou vous pouvez utiliser certains raccourcis clavier, que j'utilise très souvent. Si je maintiens la touche Alt enfoncée et que j' utilise la touche de crochet gauche, je découperai le calque devant l'endroit où se trouve la chronologie. Et en annulant cela avec Control Z, je peux utiliser Alt et le crochet droit pour découper le calque après l' endroit où se trouve la chronologie. est donc très utile de savoir que vous pouvez découper ces calques et que lorsque vous les coupez, ils cesseront d'exister à un moment donné dans la chronologie. Vous pouvez donc également cliquer et faire glisser des calques sans modifier leur durée. Je peux donc simplement cliquer dessus et le faire glisser pour le placer à 1 seconde. Et le calque dure encore cinq secondes, mais le reste est coupé par la durée de la composition. Maintenant, je l' ai déplacé d'une seconde, en allant dans les paramètres de composition avec Control K et en modifiant la durée à six secondes. J'entre donc en six points , puis appuie sur Tab pour faire un zoom arrière. Maintenant, vous verrez que ces calques se terminent toujours à cinq secondes, mais celui-ci se termine à six secondes car il a été déplacé d'une seconde dans la chronologie. Je vais juste annuler ces modifications avec Control Z. En parlant de contrôle Z. Control Z est votre meilleur ami dans After Effects car il vous permet de revenir rapidement en arrière. Mais il peut également arriver que vous reveniez trop loin en arrière lorsque vous modifiez certains paramètres d'un effet ou d'une animation pour lesquels vous utilisez Control Z à de nombreuses reprises. Maintenant, l'utilisation de Control Shift Z va encore avancer d'un pas. Vous pouvez rétablir les modifications que vous avez annulées avec Control Z, avec Control Shift Z pour avancer d'une autre étape. Et c'est essentiellement tout ce que vous devez savoir sur l'ordre d'empilement des couches et leur durée. Je voulais juste vous montrer quelques contrôles supplémentaires rapides que nous avons concernant les calques ici à gauche du panneau des calques. La première chose que nous pouvons faire ici est de verrouiller une couche. Donc, si je clique et fais glisser sur ces dés, vous pouvez cliquer et faire glisser dessus. Vous n'êtes pas obligé de les activer individuellement. Je ne peux pas sélectionner ces calques pour les manipuler afin qu'ils soient verrouillés et indisponibles tant que je les déverrouille pas à nouveau en cliquant et en les faisant glisser ici. Nous pouvons également influencer la visibilité d'une couche. Je peux donc activer ou désactiver un calque en cliquant sur cette petite icône en forme de globe oculaire. Si un calque contient du son, nous pouvons également désactiver le son en cliquant sur cette colonne de boutons ici. Et ici, nous avons la colonne solo, qui fait l'inverse du globe oculaire. Donc, si j'active un solo pour un calque, il masquera tout sauf ce calque ou plusieurs calques si leurs solos sont activés. Donc, si je joue un calque en solo, je clique simplement sur ce petit bouton ici, et cela masquera tout sauf ce calque en particulier. Une autre chose que je veux vous montrer à propos calques est que vous pouvez créer des calques timides que vous pouvez masquer à tout moment. Les projets After Effects ont tendance à devenir relativement complexes si vous souhaitez créer quelque chose d'original. Ainsi, les couches commencent rapidement à s'additionner. Donc, ce que vous pouvez faire si vous voulez masquer certains calques de la pile de calques pendant que vous travaillez sur quelque chose, vous pouvez cliquer sur cette icône de type timide ici. Et l'icône du gars timide est actuellement activée pour ces quatre couches. Ensuite, cliquer sur le gars timide en haut du panneau des calques va en fait masquer tous ces calques de la pile de calques. C'est quelque chose que vous verrez très souvent si vous travaillez avec des modèles que vous avez téléchargés, car les couches de contrôle que vous utilisez pour influencer l'animation et le contenu seront visibles. Mais tout ce qui se passe dans les coulisses pour créer l'animation sera timide afin de ne pas influencer accidentellement aucun des paramètres importants. Si vous souhaitez nettoyer un peu votre panneau Calques, vous pouvez utiliser le gars timide pour masquer certains calques pendant que vous ne travaillez pas dessus. 12. 2.1-Position: Maintenant que nous avons examiné l'interface et quelques termes de base, nous allons commencer à animer ici dans After Effects. Pour cela, j'ai le chapitre deux du projet principal File Open. Et dans ce projet, vous trouverez 15 compositions que j'ai préparées. Et nous allons commencer avec la position 2.1. Vous pouvez donc double-cliquer sur cette composition pour l'ouvrir, que nous allons placer dans un onglet ici. Et dans cette composition, nous n' avons que ce rectangle ou ce carré. Plutôt. Nous examinerons ce rectangle assez longuement tout au long de ce chapitre. Mais pour l'instant, je souhaite simplement déplacer ce rectangle du côté gauche de la composition vers le côté droit de la composition en deux secondes. Je voulais donc commencer ici à 0 image et à deux secondes ou 120 images, je veux que le rectangle soit sur le côté droit. Nous allons donc examiner les propriétés de transformation de cette couche. J'ai donc ici les couches qui répertorient le rectangle pour le moment. Et je vais développer ce rectangle ici. Et puis nous avons ici les commandes de transformation. Maintenant, ces commandes de transformation occupent beaucoup d'espace dans ce panneau Calques, particulier lorsque vous avez plusieurs calques ouverts avec effets différents, des masques et d'autres propriétés différents , Les listes peuvent coûter très cher. Ainsi, pour aborder les propriétés individuelles des couches, nous avons d'autres raccourcis clavier que nous pouvons utiliser. Si j'appuie sur la touche P de mon clavier, je n'active que la position. Ainsi, seule la propriété position est désormais visible. Je peux appuyer sur la touche S pour me rapprocher de la propriété scale. Je peux appuyer sur R pour la rotation et sur T pour l'opacité. Donc, si vous voulez activer la position, si vous voulez animer la position d'un calque, vous pouvez cliquer sur le calque et appuyer sur P pour rendre la position visible. Alors nous pouvons contrôler la position. La position est affichée en coordonnées basées en haut à gauche de la composition. Je vois donc que l'exposition, le premier chiffre est 228 pixels à partir de la gauche de la composition. Et il se trouve à 520 pixels du haut de la composition. Et cela fait référence aux points d'ancrage. Donc le centre de ce rectangle pour le moment. Je souhaite donc animer la position. Je vais donc cliquer sur le chronomètre devant la position du mot. Et cela détermine si je souhaite animer cette propriété. J'ai donc enregistré la position actuelle du calque à 0 seconde, 0 image. Maintenant, je veux créer cette animation de deux secondes. Je vais donc passer à deux secondes dans la chronologie. Et je peux le faire en cliquant et en faisant glisser la tête de lecture ici pendant deux secondes. Ou je peux simplement cliquer sur le code temporel en haut à gauche des calques, appuyer sur deux points et appuyer sur Entrée. Et ça va me mettre à exactement deux secondes. Maintenant, je peux changer la position du calque, la position x du calque, de deux manières, je peux soit commencer à cliquer et à faire glisser le calque. Cela signifie que je peux dessiner à main levée ce chemin d'animation. Il finira donc partout où je place ce rectangle, maintenant la touche Maj enfoncée , je peux le faire glisser tout droit. Donc maintenant je ne peux pas changer la position verticale, je ne peux que changer la position horizontale. C'est donc une façon de procéder. Eh bien, vous pouvez aussi le faire, et j'utilise simplement Control Z pour revenir en arrière une étape est saisie de l'exposition ici, puis cliquez et faites glisser pour la modifier. Je peux donc cliquer et faire glisser pour changer de position. Et cela vaut pour presque toutes les valeurs numériques After Effects. Ces curseurs sont appelés curseurs de nettoyage, ce qui signifie que vous pouvez cliquer et faire glisser sur le nombre pour le modifier et le faire glisser vers la gauche signifie évidemment une valeur inférieure. Et le faire glisser vers la droite nous donne une valeur plus élevée. Maintenant que je l'ai fait glisser vers la droite, vous verrez ce chemin d'animation. Et quand je reviens au début de la composition en cliquant et en faisant glisser la tête de lecture d'avant en arrière, vous verrez qu'elle bouge. Maintenant, je peux prévisualiser cette animation en appuyant sur la barre d'espace. Ainsi, appuyer sur la touche espace permet la lecture de la timeline. Ce que cela va faire au départ, c'est cliquer sur Lire la chronologie complète. Supposons que je veuille limiter cette lecture à trois secondes. Ce que je peux faire ensuite, c'est regarder cette barre grise en haut de la chronologie, qui s'appelle la zone de travail. Et je peux cliquer et faire glisser ce côté droit pendant environ trois secondes. Maintenant, lorsque la lecture atteint trois secondes, elle revient au début. C'est donc quelque chose d' utile que nous pouvons utiliser pour limiter la lecture à une certaine partie de notre timeline. Maintenant, la durée de cette animation dépend de l'emplacement de cette image-clé secondaire. Donc, si je clique et que je fais glisser cette image-clé vers la droite sur la chronologie, cela allongera l'animation, donc le rectangle prendra plus de temps pour passer de l'autre côté. À l'inverse, si je le déplace à environ 1 seconde, l'animation sera raccourcie pour qu'elle se déplace plus rapidement. L' image-clé secondaire détermine donc la position finale de l'animation. Donc, en ramenant la tête de lecture à deux secondes, je peux cliquer et faire glisser ce bouton en maintenant Shift et cela va l'accrocher à la tête de lecture. Sans changement de vitesse, vous pouvez le relâcher n'importe où. Et en maintenant la touche Maj enfoncée, une fois que vous vous approchez de la tête de lecture, l'image-clé s'accroche à la tête de lecture, ce qui est également quelque chose que nous utilisons très souvent. Maintenant, notez ce qui se passe lorsque nous désactivons le chronomètre pour cette couche. Ensuite, toutes les images clés disparaîtront. Notez également ce qui se passe lorsque nous le réactivons. Cela ne ramènera pas les images-clés qui viennent d'être effacées. Nous devons donc recommencer à zéro avec notre animation. Donc, si vous désactivez un chronomètre qui va supprimer toutes les images-clés actuellement attachées à cette propriété. Et vous devrez recréer vous-même l'animation. Dans ce cas, je peux utiliser Control Z pour réactiver les images-clés et les ramener. Maintenant, ce que vous remarquerez, c'est que lorsque je suis à une position différente dans la chronologie, par exemple, exactement 1 seconde. Si je change la position du calque, une image-clé secondaire sera ajoutée entre les deux. J'ai donc maintenant trois images-clés entre lesquelles ce rectangle va se déplacer. En déplaçant la tête de lecture au début, elle va maintenant plonger vers le bas. Comme tu peux le voir. Si je clique ensuite sur cette image-clé et que je la supprime en utilisant la touche Retour arrière ou Suppr. Cela va remettre l' animation là où elle était. Notez également que si je place la tête de lecture sur l'image-clé finale ici, puis que je déplace la position cela changera également le point final. Maintenant, je vais sélectionner les deux images clés en cliquant sur la position du mot. Je vais donc cliquer sur la propriété position réelle ici, et cela va sélectionner toutes les images-clés. Maintenant, si je déplace le rectangle, l'animation entière sera déplacée. Maintenant, l' animation entière est modifiée. Quand je suis à une position différente dans la chronologie. Ça ne fonctionne pas. Ainsi, pour déplacer une animation, vous devez vous trouver sur une image-clé, puis sélectionner toutes les images clés pour modifier la position dans laquelle se déroule l' animation. 13. 2.2-Interpolation: Avant de continuer à animer différentes propriétés et effets secondaires, je voudrais expliquer quelque chose sur l'interpolation d'images clés. Pour cela, j'ai la composition pour pointer vers l' interpolation ouverte dans le chapitre deux du projet, fichier principal. Et ici, nous allons créer une autre animation de position de base. Je vais donc cliquer sur le calque et appuyer sur P pour activer la propriété position. Et je vais activer l' animation en cliquant sur le chronomètre, en plaçant une image-clé au début de la chronologie. Ensuite, je vais passer à deux secondes et à la chronologie en cliquant sur le code temporel en haut à gauche, puis appuyant sur pour point, puis sur Entrée. Et maintenant je vais saisir le rectangle à l'aide de l'outil de sélection. Et je vais cliquer et faire glisser le rectangle le côté droit de ma composition. Maintenant, nous avons ici deux images-clés et After Effects calcule la position de notre rectangle au niveau de chaque image entre ces images clés. C'est ce qu'on appelle l' interpolation. After Effects interpole la position d'une image donnée, indépendamment de la présence d'images clés. Nous n'avons donc pas besoin de créer des images-clés pour chaque image individuelle. After Effects les calcule, les interpole pour nous donner cette animation, qui est extrêmement utile car vous n'avez déterminé que le point de départ et le point final d' une animation et d' After Effects tout le travail pour calculer ce qui se passe entre ces images. Maintenant, nous allons revenir au début de la chronologie en cliquant et en faisant glisser la tête de lecture vers la gauche. Et je vais supprimer cette animation en cliquant à nouveau sur le chronomètre. Et je vais réactiver l'animation en cliquant à nouveau sur le chronomètre. Nous allons maintenant créer une animation légèrement différente avec différents points ici, que vous allez voir. Donc, avec cette image-clé activée, je vais passer à 1 seconde dans la chronologie, donc une période Enter. Ensuite, je vais cliquer et faire glisser le rectangle vers le bas. Ensuite, je vais passer à deux secondes. Je vais donc entrer 2 dans le code temporel. Et je vais cliquer et le faire glisser vers la droite pour me retrouver à peu près au centre en bas de la composition. Et ce que vous verrez, c' est que ce n'est plus en ligne droite qu'il y a maintenant ce qu'on appelle une courbe de Bézier appliquée à cette animation qui a quelque chose à voir avec l'interpolation. Et j'expliquerai une fois que nous arriverons à la fin de l'animation, comment corriger cela, car c'est le comportement par défaut d'After Effects. Et à mon avis, cela n'est pas souhaitable car dans la plupart des cas, vous voulez que quelque chose se déplace en ligne droite. Alors maintenant je vais passer à trois secondes. Donc 3 Entrez et je vais cliquer et le faire glisser vers le haut. Je vais passer à quatre secondes. Donc quatre points, entrez et cliquez dessus et faites-le glisser vers la droite. Et je vais entrer cinq périodes Enter, puis cliquer et faire glisser vers le bas. Ainsi, lorsque je joue cette animation en allant au début de la chronologie et en appuyant sur Entrée, vous verrez qu'elle se déplace dans une courbe. Maintenant, je ne veux pas qu'il se déplace dans une courbe. Je voulais me déplacer en ligne droite. Pour ce faire, je dois modifier l'interpolation des images clés. Et cela est dû à un paramètre par défaut dans After Effects que nous allons modifier, qui sera ensuite enregistré même lorsque nous à jour l'application vers des versions plus récentes. Donc ce que je vais faire, c'est abord vous montrer comment remplacer pour cette seule animation. Parce que parfois vous voulez ce type d' interpolation différent pour vous montrer comment désactiver la propriété globalement. Donc pour le désactiver pour toutes les futures animations que vous ferez. Je vais donc cliquer sur la position du mot pour sélectionner toutes les images clés. Ensuite, je vais faire un clic droit sur l'une de ces images-clés, puis aller dans Interpolation d'images clés, la quatrième en partant du bas. Maintenant, nous avons l'interpolation temporelle, que nous allons laisser de côté car le temps est généralement linéaire, allant du présent au futur. Mais l'interpolation spatiale est définie sur Bézier automatique. Maintenant, cela fournit cette courbe lorsque nous avons plus de deux images-clés. Je vais donc changer cela en linéaire, puis cliquer sur OK, et cela va transformer cette animation individuelle en interpolation linéaire. Maintenant, quand je joue l'animation, ils se déplacent en ligne droite. On y va. Maintenant, comme je l'ai dit, c'est un comportement que je ne veux généralement pas. J'ai généralement envie d'animer et lignes droites lorsque la position est concernée au moins. Donc ce que je vais faire c'est entrer dans les propriétés, les préférences d'After Effects. Sous Windows. Vous devez utiliser le menu Edition. Sur Mac, vous utiliseriez le menu After Effects en haut à gauche, puis alliez dans Modifier les préférences, puis Général. Maintenant, la quatrième case à cocher en partant du haut va nous permettre de passer l'interpolation spatiale par défaut à linéaire. Ainsi, une fois que vous avez activé cette option et que vous avez cliqué sur OK, toute animation de position future aura l' interpolation linéaire, qui devrait être la valeur par défaut. À mon avis, vous pourriez avoir une opinion différente. D'autres animateurs ont des opinions différentes à ce sujet, mais je préfère être linéaire. Et maintenant, c'est réglé pour toutes les futures animations que nous créerons. 14. 2.3-Facilitation: Un autre aspect important de l'animation dans After Effects est l' assouplissement des images clés. Pour cela, j'ai le chapitre deux du projet, fichier principal ouvert puis l'assouplissement de la composition 2.3. Vous pouvez donc double-cliquer dessus pour ouvrir la composition. Et ce que vous verrez ici, c'est que lorsque vous jouez la timeline, c'est que le rectangle se déplace à une vitesse constante. Cela ne change donc jamais. Rapidité. Il suffit de toucher l'image clé suivante et se déplacer immédiatement dans l'autre sens. Il n'y a aucun changement de dynamique. Maintenant, cela est dû à l' assouplissement des images clés. Je vais donc cliquer sur le calque ici dans le panneau Calques et appuyer sur P pour rendre la propriété position visible. Et ici, nous avons régulièrement de vieilles images clés. Et ce que vous remarquerez également, c'est que lorsque vous zoomez sur la chronologie, ces points individuels entre les points d'extrémité des images-clés sont les images individuelles. Et ils sont tous équidistants. Ils sont donc tous exactement à la même distance l'un de l'autre, ce qui indique que le rectangle se déplacera à une vitesse constante. Ce que vous voulez généralement pour rendre l'animation plus fluide et dynamique, c'est accélère depuis sa position d'origine, puis qu'elle ralentisse jusqu'à sa position finale. Dans ce cas précis, je veux l'image-clé. Je veux que le rectangle accélère depuis son origine, puis qu'il ralentisse vers cette image-clé, puis accélère à nouveau. Une fois qu'il quitte cette image-clé, je veux un mouvement fluide du début à la fin. Et pour ce faire, nous allons appliquer un certain assouplissement à ces images-clés. Pour appliquer l'accélération, nous pouvons sélectionner l'image-clé concernée. Donc, dans ce cas, le premier. Ensuite, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir assistant d'images clés en bas. Cela nous donne trois options. Facilité facile, facilité d'entrée et de retrait facile. Maintenant, pour le début d'une animation, vous devez généralement utiliser l'option Ease Out. Pour la fin d'une animation. Vous choisiriez Easy Ease in. Et c'est un peu contre-intuitif car out indique un n et n indique un début. Mais vous êtes en train de passer d' une position à une autre position. C'est pourquoi elles semblent inversées. Mais en réalité, c'est comme ça que c'est censé se passer. C'est facile. Ease applique à la fois une facilité d'entrée et une facilité de sortie à une image-clé. Donc, pour cette animation, nous aurions besoin des trois variantes. L'Ease Out pour l'animation initiale, pour la première image-clé, accélération facile pour toutes les images-clés intermédiaires, puis une accélération pour l'image-clé finale pour la faire passer dans sa position finale. Je vais appliquer un effacement facile pour l'image-clé initiale. Et cela ressemblera à un support ouvrant. Et cela indique qu'à partir de l'arrêt, il va s'accélérer. Et c'est également quelque chose que nous pouvons voir lorsque nous zoomons sur les images individuelles ici, vous verrez qu' elles sont plus proches les unes des autres que les images clés plus éloignées que les images plus loin dans l'animation. . Et voici à quoi ça ressemble. Ainsi, lorsque je joue, il accélère à partir de la position initiale. Il ne se déplace donc plus à une vitesse constante. Maintenant, les images-clés intermédiaires, je vais les sélectionner ici en cliquant et en les faisant glisser dans la chronologie. Ensuite, vous pouvez également cliquer sur les images clés tout en maintenant la touche Maj enfoncée pour sélectionner des multiples, puis cliquer une fois de plus en maintenant la touche Maj enfoncée pour les désélectionner. C'est donc aussi quelque chose d'utile. Je vais donc appliquer l' accélération facile à ces images clés en cliquant avec le bouton droit de la souris sur l'une d'entre elles. Choisir l'assistant d'images clés, puis facile, facile. Cela ressemblera à un sablier indiquant qu'il y a abord une entrée facile, puis une facilité de sortie appliquée aux images-clés. Et ça a l' air d'être en mouvement. Il ralentit puis accélère nouveau chaque fois qu'il touche une image-clé. Ceci est également affiché dans les cadres individuels ici. Si je zoome un peu, vous verrez que ces images sont plus rapprochées qu'elles ne s'égalisent. Et puis la distance entre les images redevient plus petite, ce qui indique une facilité d'entrée. Et maintenant je vais appliquer une accélération dans l'image-clé finale en choisissant la souris droite puis easy ease m. Notez qu'il existe également des raccourcis pour cette F9, easy ease Shift F9, easy ease in et Control Shift F9 pour faciliter la sortie. Au début d'une animation, vous choisirez toujours l'option Ease Out. Pour les images clés intermédiaires, vous choisirez une facilité simple. À la fin d'une animation, vous choisiriez une accélération dans un dernier conseil, une fois que vous avez appliqué l'accélération, vous ne pouvez pas simplement la supprimer via le même menu. Ainsi, lorsque vous cliquez avec le bouton droit sur une image-clé et que vous choisissez Assistant d'images clés, vous ne pouvez plus le désactiver. Donc, ce que vous voulez faire, si vous voulez supprimer l'accélération, vous pouvez sélectionner les images-clés et les préoccupations puis maintenir la touche Contrôle sous Windows et Commande sur le Mac, puis cliquer sur les images clés souhaitées. Cela supprimera donc l'assouplissement et maintenant ce sont à nouveau des images-clés régulières. 15. 2.4-L'éditeur de graphiques: Un outil qui nous donne un peu plus de contrôle sur la vitesse et l'assouplissement des images clés est l'éditeur de graphiques, que nous allons examiner en deux points pour l'éditeur de graphiques. L'éditeur de graphiques se trouve ici en haut du panneau des calques. Donc, activer le graphique qui est actuellement en cours d'édition ne nous montre rien. Ainsi, lorsque vous cliquez dessus, vous aurez un champ vide. Pour visualiser réellement quelque chose dans l'éditeur de graphiques, nous avons besoin d'une animation. Je vais donc simplement laisser l'éditeur de graphiques activé pour le moment. Et je vais appuyer sur P sur le calque rectangle pour activer la position. Nous avons ici la valeur y, la position y du rectangle en vert et la position X en rouge. Nous allons donc animer la position x. Et pour cela je vais placer une image-clé en activant le chronomètre à 0 seconde, 0 image. Et cette image-clé sera également visible ici dans l'éditeur de graphiques. Ensuite, je vais passer à deux secondes et à la chronologie. Donc, dans le code temporel, je vais entrer deux points. Ensuite, à l'aide de l'outil de sélection, je vais simplement cliquer et faire glisser le rectangle à droite de la composition. Dans l'éditeur de graphiques, vous verrez la ligne droite pour la position X allant d'ici à 228 pixels, jusqu'à 1772 pixels. Cette animation est donc maintenant visualisée dans ce graphique. Je vais donc revenir à la chronologie normale pendant une minute pour voir ce qui s'est réellement passé. Exactement la même chose que ce que nous faisions auparavant. Nous avons donc ici deux images-clés régulières. Maintenant, je veux vous montrer ce qui se passe lorsque nous modifions l'assouplissement de ces images-clés. Je vais choisir une accélération pour la première image-clé et une accélération pour la deuxième image clé. Donc, avec cette image-clé sélectionnée, je vais simplement cliquer avec le bouton droit de la souris. Accédez à l' assistant d'images clés et choisissez Ease Out et entre-deux. Avant de modifier l' image-clé finale pour faciliter l'entrée, je vais simplement vous montrer ce qui s'est passé dans le graphique. Je réactive donc l'éditeur de graphiques. Et ce que vous verrez, c'est qu'une courbe est maintenant appliquée au début de l'animation, ce qui indique qu'elle accélère à sa pleine vitesse. Je peux donc également modifier l'assouplissement des images clés ici dans l'éditeur de graphiques. Je vais donc simplement cliquer sur l'image-clé secondaire. Et puis nous avons ici facilité, facilité d'entrée et de sortie. Donc je vais juste faire en sorte que ça se passe plus facilement. Cela va nous donner cette ligne graduée qui démarre lentement et accélère puis diminue en vitesse vers la fin de l'image-clé. Maintenant, changer la position de ces images-clés ici modifie à nouveau la vitesse de l'animation. Je peux donc cliquer et faire glisser cette extrémité ici, touche Maj enfoncée par exemple. Et cela va changer la rapidité de l'animation. Je viens donc de l'annuler par Control Z. Ce que je veux vous montrer, c'est qu'en utilisant une image-clé supplémentaire, nous pouvons changer la courbe ici. Nous pouvons donc modifier la rapidité avec laquelle le rectangle se déplace. Et pour ce faire, je vais saisir l'outil stylo ici en haut du programme, ce petit encrier ici. À l'aide de cet outil, je peux passer la souris sur la ligne l'exposition, puis cliquer pour ajouter une image-clé. Maintenant, en revenant à l'outil de sélection, je peux maintenant cliquer et faire glisser cette image-clé pour modifier la pente de cette ligne. Je peux donc cliquer dessus et le faire glisser vers le haut. Et cela va faire en sorte que le début de l'animation, la première moitié de l'animation soit plus rapide que la seconde moitié. Donc maintenant, comme nous avons cette ligne plus abrupte, elle va s' animer lentement vers la fin tandis que l'animation initiale se déroule beaucoup plus rapidement. Ce que je peux faire maintenant, c'est déplacer cette image-clé vers la gauche. Et cela augmente la pente, évidemment. La première partie de l' animation se déroulera donc très rapidement et progressera lentement vers son point final. Alors maintenant que vous jouez l'animation, cela ressemble à ceci. Nous obtenons une première rafale de vitesse , puis une chute rapide à 0 vers la fin de l'animation. Maintenant, la désactivation de l'éditeur de graphiques nous donne cette troisième image-clé au milieu. Nous avons donc maintenant trois images-clés. Cela a évidemment une facilité facile. Nous avons donc ici la forme du sablier pour l'image-clé. C'est ainsi que nous pouvons modifier la vitesse de cette animation. Je peux également le modifier ici en cliquant dessus et en faisant glisser vers la droite dans la chronologie. En revenant à l'éditeur de graphiques, cela va me donner ce graphique ici. Ainsi, parfois, lorsque vous souhaitez modifier la vélocité initiale ou n d'une image-clé, il est utile d'aller dans l'éditeur de graphiques à un point ou une image-clé telle qu'elle serait, puis de modifier sa position sur modifier la vitesse de l'animation. 16. 2.5-Point d'ancrage: Un autre aspect très important de l'animation dans After Effects est d'influencer le point d'ancrage d'un calque. Et pour le démontrer, j'ai ici le point d'ancrage de la composition 2.5 dans le fichier principal de ce chapitre. Et dans cette composition, nous allons dessiner notre premier calque de forme. Ici, en haut, j'ai ma barre d'outils, et ici j'ai les calques de forme. L'outil Rectangle est activé par défaut. Si vous maintenez le bouton de la souris enfoncé sur ces outils, vous pouvez les développer et choisir les autres outils du groupe d'outils. Pour l'instant, je vais m'en tenir à l'outil rectangle. Par défaut, l'outil Rectangle a une couleur de remplissage rouge et une couleur de contour blanche. Nous n'allons pas nous pencher là-dessus pour l'instant. Ce sera pour le chapitre sur les calques de forme. Mais dans un premier temps, je veux juste vous montrer comment fonctionne cet outil. Je vais cliquer, faire glisser et maintenir ma souris enfoncée. Donc, si vous suivez, maintenez la souris enfoncée jusqu'à ce que je vous dise de la relâcher. Et cela me permet de dessiner un rectangle à main levée pour qu'il puisse avoir n'importe quelle taille dans n'importe quelle proportion. Maintenez les contraintes Maj enfoncées, les proportions sur un carré. Tous les côtés sont aussi longs les uns par rapport aux autres pendant que je le dessine. Ainsi, tant que la souris est toujours enfoncée, je peux maintenir la barre d'espace enfoncée pour déplacer le rectangle. Maintenant, en utilisant ces raccourcis, je vais dessiner un petit carré ici en haut à gauche. Maintenant j'ai cette place ici. Et ce que vous remarquerez, c' est que le carré est sélectionné. On voit cette petite cible au milieu de la composition. Il s'agit du point d'ancrage du calque, car l'ajout d'un calque de forme place automatiquement le point d'ancrage au centre de la composition, non sur la forme elle-même. Donc, pour montrer ce que cela fait réellement, je vais revenir à l'outil de sélection. Et je vais activer la rotation de ce calque en appuyant sur R avec le calque sélectionné dans le panneau des calques. Ici, en rotation, nous avons un certain nombre de rotations , puis un nombre de degrés. Ainsi, le nombre de rotations et de degrés respectivement. Je vais maintenant cliquer et faire glisser sur le nombre de degrés. Et je veux que vous remarquiez ce qui se passe lorsque je commence à cliquer et que je fais glisser le rectangle ne tournera pas autour de son propre centre. Il va tourner autour du centre de la composition car c'est là que se trouve actuellement le point d'ancrage du calque. Maintenant, je vais simplement annuler cela en utilisant Control Z ou Command Z sur Mac. Et je vais vous montrer l'outil permettant d'influencer le point d'ancrage d'une couche, qui se trouve ici dans la barre d'outils supérieure, le raccourci de l'outil panoramique arrière ou point d'ancrage. Pourquoi ? Donc, appuyer sur Y activera cet outil. Cet outil me permet de cliquer et de faire glisser pour modifier la position du point d'ancrage de la couche. Donc, si je le place sous le calque et que je commence à influencer la rotation, il tournera autour de celui-ci. Cela s'applique également à l'échelle. Donc, appuyer sur S pour l'échelle me permettra de mettre à l'échelle le calque. Et la couche ne sera pas mise à l'échelle à partir de son propre centre. Il sera mis à l'échelle à partir du point d'ancrage de la couche. C'est donc quelque chose de très important à noter. D'une manière générale, vous voulez que le point d'ancrage soit au centre de chaque calque. Je peux donc utiliser l'outil Point d'ancrage, l'outil Plume derrière comme on l'appelle, pour faire glisser le point d'ancrage vers le centre du calque. Mais un raccourci pour ce très pratique, que j'utilise tous les jours, consiste à maintenir la touche Contrôle sous Windows ou Commande sur Mac et à double-cliquer sur l'outil. Donc, pas le point d'ancrage lui-même, mais double-cliquer sur l' outil qui maintient Contrôle vous permettra de centrer le point d'ancrage sur la couche elle-même. Désormais, les calques de forme peuvent contenir plusieurs formes ce qui varie en fonction du nombre de formes contenues dans un calque. Mais pour les besoins de cette leçon, est essentiellement tout ce que vous devez savoir sur le point d' ancrage d'une couche. 17. 2.6-échelle: Dans cette leçon, je vais vous montrer tout ce qui concerne l'échelle d'un objet. Je souhaite donc agrandir ou réduire un objet. C'est à ce moment-là que vous souhaitez animer l'échelle d'un objet. J'ai ici la composition 2.6 scale dans notre projet de fichier principal du chapitre deux. Et j'ai ici une seule ellipse avec son point d'ancrage déjà au centre. Plus loin dans un chapitre ultérieur, je vais vous montrer comment dessiner quelque chose comme ça rapidement et efficacement. Mais pour l'instant, j'ai créé l'ellipse pour vous. Donc ici, dans les calques, je vais simplement appuyer sur S pour activer l' échelle de l'objet afin de le rendre visible. Et voici l' échelle horizontale et verticale respectivement. Ainsi, la gauche est toujours l' horizontale et la droite est toujours l'échelle verticale. À l'heure actuelle, ceux-ci sont influencés en même temps. Donc, si je change l'échelle de l'un, l'autre sera mis à l'échelle simultanément à cause de cette icône de maillon de chaîne, ce qui signifie qu'ils seront tous deux influencés en même temps. Et dans de nombreuses situations, c'est ce que vous voulez, mais vous pouvez également désactiver l' icône de maillon de chaîne en cliquant dessus une fois. Ensuite, vous pouvez affecter séparément l'échelle de l'objet sur les axes x et y. Maintenant, je peux les animer séparément si je le souhaite. Notez également que l'élément, la couche est mis à l'échelle à partir de son point d'ancrage. Il est donc actuellement mis à l'échelle depuis et vers le centre de la couche, qui est souvent ce que vous souhaitez. Mais vous voudrez peut-être le point d'ancrage à différents endroits pour différentes situations, ce que je vais vous montrer dans un petit moment. Supposons donc que je souhaite animer ce cercle de 0 à 100 % 2,5 ou 30 images, car nous travaillons avec une chronologie de 60 images par seconde. Je vais juste activer l' icône de maillon de chaîne et m'assurer que je suis à 0 image de la chronologie. Ensuite, je clique sur l'icône du chronomètre pour l' échelle afin de commencer à animer sa gamme. Ensuite, je vais mettre ce pourcentage à 0 %. échelle de 0 % signifie donc que l' objet est invisible. Ensuite, je vais passer à 30 images dans la timeline en saisissant simplement 30 et en appuyant sur Entrée. Ensuite, je vais saisir à nouveau 100 pour la balance. Et comme nous l'avons vu précédemment, After Effects interpole tout ce qui se trouve entre les deux. Maintenant, à moins de 2,5, nous voyons ce cercle passer d'une échelle de 0 % à une échelle de 100 %. Comme vous le verrez à de nombreux endroits dans ce cours, 2,5e ne semble pas beaucoup de temps, mais c'est une période de temps mesurable. Vous pouvez le voir s'animer du début à la fin. Très souvent, vous avez besoin de moins d'animation sur une période de temps plus courte que vous ne le pensiez au départ. À nouveau, notez que la couche est actuellement mise à l'échelle à partir de son point d'ancrage. Je voulais juste vous montrer ce qui se passe lorsque nous déplaçons le point d'ancrage. Et pour cela, je vais simplement revenir en utilisant Control Z. Je vais réactiver le chronomètre pour la mise à l'échelle. Mais cette fois, je vais déplacer le point d'ancrage vers le bas. Je vais donc le déplacer vers le bas, au centre du calque. Encore une fois, passez à 30 images. Et disons que cette fois, nous allons passer de 100 à 0. Je vais donc simplement mettre 0 pour la deuxième image-clé. Et maintenant, il va en fait être réduit jusqu'à ce point d'ancrage. La position des points d'ancrage est extrêmement importante pour les animations d'échelle. Vous pouvez désormais animer ces propriétés séparément. Disons que je vais juste aller au début de la chronologie, désactiver l'animation en cliquant sur le chronomètre et l' activer à nouveau. Et disons que je vais mettre l'échelle de l'axe vertical à 0. Je vais donc désactiver l'icône de maillon de chaîne, mettre la deuxième valeur en pourcentage à 0. Revenez ensuite à 30 images dans la chronologie, puis revenez à 100. Maintenant, il ne va pas être mis à l'échelle sur l'axe des abscisses. Donc la largeur, elle ne sera mise à l'échelle que sur la hauteur, qui nous donnera cet effet. Si vous aimez animer des infographies, par exemple, cela est très utile pour redimensionner les graphiques à barres vers le haut. Ou si vous souhaitez créer une animation contextuelle, vous pouvez également utiliser ce que vous verrez plus loin dans ce cours. Je vais également ajouter un peu d' assouplissement à ces images clés. Je vais donc ajouter une accélération pour la dernière image-clé et une accélération pour l' image-clé initiale à, avec ceci. Par conséquent, le point d'ancrage est important et il est important de noter que vous pouvez animer l'axe X et l'axe Y séparément en ce qui concerne les animations d'échelle. 18. 2.7-rotation: Dans cette leçon, nous allons voir comment animer la rotation de nos calques. Et pour cela, j'ai une décomposition à 0,7 rotation avec ce calque de forme, disons simplement 400 x 400 pixels carrés. Et pour accéder à la propriété rotation, je vais simplement appuyer sur la touche R de mon clavier. Et la rotation a en fait deux valeurs que nous pouvons modifier. Nous avons le nombre de rotations et nous avons le nombre de degrés de rotation. Et ce que vous remarquerez, c'est que lorsque je saisis 360 degrés dans la deuxième valeur, cela va simplement passer à une rotation parce qu'une rotation complète fait 360 degrés. J'ai simplement annulé ce changement en utilisant Control Z pour faire un pas en arrière. Nous allons maintenant animer la rotation de ce calque. Donc pour l'animer, je vais activer le chronomètre pour la rotation. Et cela indiquera à After Effects que je souhaite que cette propriété soit animée. Ensuite, je vais passer à 30 images dans la chronologie. Ensuite, je vais le faire tourner deux fois. Je vais donc simplement entrer deux. En fait, la première valeur en contiendra deux. Et cela va le faire tourner deux fois en 2,5, ce qui est assez rapide. Disons que je souhaite étendre un peu plus cette animation. Ce que je peux faire alors, c'est simplement mettre la chronologie à 1 seconde. Ensuite, saisissez cette image-clé et cliquez dessus et faites-la glisser vers la droite. Et si je maintiens la touche Maj enfoncée, il s'accrochera à l'indicateur de la chronologie. C'est donc une autre astuce très utile. Maintenant, il tourne deux fois et je vais juste appliquer l'accélération correcte pour cette animation. Je vais faciliter la sortie de la première image-clé. Et la deuxième image-clé et la facilité d'entrée. Maintenant, l'animation va s'accélérer et ralentir vers la fin. Maintenant, supposons que je souhaite que ce carré reste à cette rotation pendant 1 seconde avant de s'animer à nouveau en arrière. Ce que je vais faire , c'est passer à deux secondes dans la chronologie. Ensuite, je vais ajouter une autre image-clé ayant la même valeur que l'image-clé précédente, car je ne veux pas qu'elle tourne entre ces deux points. Je vais donc cliquer sur cette petite icône d'image-clé à gauche des contrôles de calque. Et puis passez d'une seconde à trois secondes. Ensuite, remettez le nombre de rotations à 0. Et cela va le faire tourner entre deux rotations et 0 rotations. Donc, en inversant la rotation, je vais juste donner cette première image-clé et la relâcher. Et le second, une facilité d'entrée. Maintenant, quand je jouerai l'animation, elle ressemblera à ceci. Il va tourner dans un sens puis dans l'autre en 1 seconde. C'est donc tout ce que vous devez savoir sur l'animation de la rotation. Notez que la rotation a toujours lieu autour du point d'ancrage d'une couche. Donc, si je devais déplacer ce point d'ancrage, il ne tournerait pas autour de son propre centre, mais autour de l'endroit où se trouve actuellement le point d'ancrage. C'est donc quelque chose à suivre. Il tournera toujours autour du point d'ancrage de la couche. 19. 2.8-Opacité: Dans cette leçon, je vais vous apprendre comment animer l'opacité d'un calque. Animez donc sa visibilité. Visibilité. Essentiellement. Pour cela, j'ai ici la composition à 0,8 opacité, qui contient cette simple ellipse. Et nous allons animer cette ellipse d' invisible à invisible, redevenir invisible une seconde plus tard. Donc, pour animer l'opacité de ce calque, je vais le sélectionner dans le panneau des calques , puis appuyer sur T pour l'opacité. Et je vais mettre l'opacité à 0 au début de la chronologie. Et au fait, ces curseurs épurés me permettent de simplement cliquer et faire glisser sur la valeur pour la modifier. L'opacité ne peut pas dépasser 100 ni descendre en dessous de 0. Il est donc très facile de passer de 0 à 100 en cliquant et en faisant glisser. Ensuite, je vais ajouter une image-clé en cliquant sur le chronomètre. Ensuite, je vais passer à 1 seconde dans la chronologie. Et quelque chose que je fais habituellement, c'est juste une sorte de globe oculaire où je dois cliquer pour atteindre 1 seconde et soit je frappe exactement, soit je peux sauter image par image en maintenant la touche Ctrl enfoncée et en utilisant les touches fléchées mon clavier. Maintenant, pour animer l' opacité à 100%, il me suffit de cliquer et de faire glisser la valeur d'opacité jusqu'à 100. Et ça va me donner cette animation. C'est très simple. Maintenant, je veux qu'il reste à 100 % d'opacité pendant 1 seconde, donc jusqu'à deux secondes. Ensuite, je veux qu'il s'anime à 0 % d'opacité dans une seconde. Ce que je vais faire maintenant, c'est passer à deux secondes dans la chronologie, puis ajouter une autre image-clé à 100% en cliquant sur cette petite icône d'image-clé à gauche de la propriété du calque. Ensuite, je vais passer à trois secondes. Ensuite, je vais l' animer à nouveau à 0 en changeant simplement la valeur numérique à 0, nous donnant cette animation, elle s'estompe. Il reste visible pendant 1 seconde, puis s' estompe à nouveau en 1 seconde. Maintenant, une chose que je veux vous montrer à propos ces images-clés est que je peux modifier la durée de l'animation en sélectionnant tout, touche Alt enfoncée sous Windows ou Option sur Mac, et puis il suffit de cliquer et de faire glisser la dernière image-clé. En faisant cela, j'espace les images clés de manière uniforme. Vous modifiez donc la totalité de la durée de l'animation afin d'augmenter sa vitesse en les rapprochant. Ou je peux Alt, les faire glisser plus loin. Et cela ralentira l'animation. Maintenant, ajoutons un peu d'assouplissement. Je vais donc sélectionner ces deux images clés en maintenant la touche Maj enfoncée. Et ceux-ci vont devenir faciles à éliminer. Et ces deux-là, quand je les sélectionne, ils deviendront des 0 dans les images clés. Et voici le résultat final de notre animation. 20. 2.9-Parenting: En associant les couches les unes aux autres, nous pouvons faire en sorte qu'un calque suive la même animation qu'un autre calque. Dans cette leçon, je vais vous donner une brève introduction à ce concept. J'ai ici ces trois rectangles, donc un plus grand en bas, qui est rectangle, le rectangle régulier. Ensuite, nous avons le rectangle deux au milieu et le rectangle trois en haut. Et évidemment, le premier est le plus petit. Et ce que j'aimerais faire, c'est faire pivoter ces trois rectangles autour du même point autour du centre du plus grand rectangle. Mais ils ont tous leurs propres valeurs de rotation. Donc, si je fais pivoter le rectangle un, vous verrez qu'il tourne sur place. Ce que je pourrais faire, c'est saisir point d'ancrage de ce calque et simplement cliquer et le faire glisser vers le centre de cet autre calque pour obtenir l'effet souhaité. Mais il est en fait assez difficile de définir les points d'ancrage de ces trois couches au même point. Et ce serait beaucoup plus difficile si vous aviez encore plus de couches que cela. Donc, pour obtenir le résultat souhaité, étant capable de faire pivoter ces trois formes autour du même point, je vais parent rectangle deux et rectangle 32, rectangle un. Il y a plusieurs manières de procéder. Je vais juste regarder le rectangle pour commencer, nous avons ici une colonne Parent et Lien dans les contrôles de calque. Si ce n'est pas visible pour vous, vous pouvez toujours cliquer ici sur ce deuxième petit interrupteur en bas à gauche pour activer la colonne Parent et Lien. Et voici une liste déroulante pour tous les calques de cette composition. Je peux donc choisir le rectangle, le troisième calque. Et ce que vous verrez, c'est qu'une fois que je clique sur le rectangle un, que je saisis sa valeur de rotation et que je commence à le faire pivoter. Ce rectangle deux suit maintenant la rotation à partir du même point d'ancrage. Maintenant, le rectangle a toujours sa propre rotation que je peux animer indépendamment. Mais maintenant, lorsque le rectangle tourne ou change position ou que l'échelle suit. Une autre façon de parentaliser les couches, en regardant le rectangle trois, consiste à utiliser le fouet. Le fouet de sélection est ce petit gribouillis à côté de la liste déroulante Parent et Lien. Et ce que je peux faire maintenant, c'est cliquer et faire glisser ce fouet vers le rectangle un et le relâcher. Ensuite, il va juste remplir le rectangle rectale un ici. Donnons donc une animation à ce rectangle en le faisant pivoter une seule fois. Je vais donc passer à la rotation du rectangle 1 et à l'image clé, puis passer à deux secondes dans la chronologie. Je vais juste le faire pivoter une fois, donc je vais en saisir un. Et ça va me donner cette animation. Mettons un peu d'assouplissement là-dessus. Cliquez avec le bouton droit de la souris et choisissez Effacer l'entrée pour la deuxième image-clé et Effacer pour la première image clé. Cela va rendre cette animation un peu plus belle. Ce que je peux encore faire maintenant, c'est parent ou donner à ces couches parentales leurs propres animations. Donc, ce que je peux faire ici est de saisir la rotation du rectangle deux et l' image-clé indépendamment de la rotation du rectangle un. Ensuite, je vais passer à deux secondes et à la chronologie, et je vais juste la faire pivoter deux fois parce qu'elle est plus petite et qu'elle tournera autour de son propre centre parce qu'elle a toujours son propre point d'ancrage . Maintenant, je comprends cela en conséquence. Permettez-moi d'ajouter un peu d'assouplissement à cela. Donc un Ease In pour la deuxième image-clé et un Ease Out pour la première. Et ça va ressembler à ça. Supposons maintenant que je souhaite copier cette animation dans le rectangle trois. Je peux simplement cliquer sur la rotation, qui met en surbrillance toutes les images clés impliquées. Appuyez ensuite sur la touche Ctrl C pour les copier. Cliquez ensuite sur l' outil rectangle et appuyez sur Ctrl V pour coller ces images clés en place. Donc maintenant, si je saisis la valeur de rotation, vous verrez qu'ils ne sont pas au bon endroit parce que la chronologie n'était pas au début. Je peux simplement cliquer dessus et les faire glisser vers l'avant. Et ça va me donner cette animation. Ainsi, vous pouvez associer des couches les unes aux autres et les enfants suivront ce que fait le parent. Mais vous pouvez toujours donner à ces couches parentales leurs propres animations si vous le souhaitez. 21. 2.10-Parenting-2: Dans cette leçon, nous allons développer un peu le concept de parentalité en créant une chaîne de parentalité pour obtenir animations intéressantes avec ce bras de robot en composition à 0,10 parentalité à ce que j' ai ici sont des couches distinctes pour chaque cercle. Ainsi, chaque point de pivot de ce bras de robot et des couches individuelles pour ces segments ici, et une couche séparée pour la griffe et le sol ou la base du robot. Maintenant, ce que j'aimerais faire , c'est que lorsque je fais pivoter le cercle un ici en haut du panneau des calques, tout tourne en même temps. Ainsi, l'ensemble du bras du robot tourne simplement. Lorsque je fais pivoter un cercle également, je veux que tout ce qui se trouve au-dessus du cercle tourne, mais je veux en encercler un pour rester en place. Quand je fais pivoter le cercle trois, je veux que tout ce qui se trouve au-dessus tourne, mais tout ce qui se trouve en dessous soit au même endroit. Je veux donc pouvoir animer chaque segment individuellement, mais aussi être capable de les animer ensemble lorsque je fais pivoter le cercle un. C'est donc quelque chose que nous allons réaliser grâce à la parentalité. Ce que je vais faire, c'est le segment parent un et encercler deux pour en encercler un. Donc je vais juste sélectionner ces deuxième troisième couches et saisir le fouet de sélection et juste parenté pour en encercler un. Donc maintenant, lorsque j'ai saisi le cercle un et que j'appuie sur R pour la rotation, je peux le faire pivoter ainsi que le segment, et le cercle tournera avec lui. Maintenant, je vais saisir le segment deux et encercler le troisième, et je vais passer à la dose parentale pour encercler deux. Donc je vais juste attraper le fouet médiator et je vais le relâcher au deuxième cercle. Et ça me donne ce résultat. Je peux donc faire pivoter le cercle un, et cela va faire pivoter tout ce que nous avons parent jusqu'à présent. Et je peux aussi faire pivoter le cercle, et ça va faire tourner tout ce qui se trouve au-dessus de ça. Au fait, je le suis. Chaque fois que je les fais pivoter, j'appuie simplement sur la touche Ctrl Z pour revenir à la valeur standard. Sinon, les segments en cercle ne seront pas alignés dans notre résultat final. Donc maintenant, nous avons le cercle trois, segment trois et le cercle pour lesquels je veux bien sûr être parent d'encercler trois. Et encore une fois, regardons simplement le résultat en appuyant sur R pour le cercle trois et tournant qui fait tourner cet outil de cercle rotatif fait maintenant tourner tout ce qui se trouve au-dessus. Et Circle One fonctionne aussi. Donc maintenant, nous saisissons le segment pour et encerclons cinq et cela va être parenté pour cercle pour et laissez-moi simplement saisir la rotation forcée du cercle pour le tester. D'accord, et maintenant nous n'avons plus que la griffe du robot, que je veux associer au cercle cinq. Nous avons donc maintenant une chaîne parentale complète. Et je peux vous montrer qu'en activant simplement la rotation sur tous ces cercles de rotation, on va faire tourner l'ensemble du robot. rotation du cercle deux va faire tourner tout ce qui se trouve au-dessus de la rotation. Le troisième cercle va nous donner ce résultat. Et S4 va nous donner ça. Et le cercle cinq va nous permettre de faire tourner la griffe. Vous pouvez donc les imager si vous le souhaitez en ajoutant simplement des images clés avec la valeur du chronomètre. Dans le prochain chapitre sur les expressions, je vais en fait vous montrer comment randomiser des animations dans certaines valeurs pour faire danser un peu ce robot, mais c'est quelque chose que nous allons examiner dans le chapitre suivant. 22. 2.11-Copier les images clés: Dans cette leçon, je vais vous apprendre comment copier images-clés à un autre point de la chronologie, et comment les mettre en miroir sur la chronologie afin de pouvoir rembobiner une animation ici dans la composition. à 0.11, copiant des images-clés, j'ai l'animation suivante que nous avons déjà créée dans la leçon sur la position. Et en gros, ce que j'aimerais, c'est cette animation se rembobine d'elle-même, à partir de cinq secondes, pour qu'elle commence à revenir exactement aux mêmes positions que dans les images-clés précédentes. Maintenant, je pourrais simplement regarder ceci et passer à six secondes , puis faire glisser ce rectangle haut vers le point précédent. Mais c'est assez fastidieux, laborieux et pas très précis. Donc, ce que je vais faire, c'est tout copier sauf cette dernière image-clé ici. Parce qu'à partir de ce moment-là, je veux vraiment qu'il s' anime à l'envers. Je vais donc sélectionner ces cinq premières images-clés, puis appuyer sur la touche Ctrl C pour les copier. Je vais passer exactement à six secondes. Ensuite, je vais coller ces images clés à l'aide de la commande V ou de la commande V sur le Mac. Je ne vais pas cliquer ailleurs pour le moment car je souhaite que ces images clés restent sélectionnées. Maintenant, ces images clés sont exactement dans le même ordre que les cinq premières images clés. Cela signifie qu'à partir de cinq secondes, l'animation ne sera pas inversée. Il va revenir à ce point d'origine à partir de la première image-clé, car il s'agit d'une copie de cette première image-clé. Ce que je veux vraiment, c'est retourner ces images clés. Je veux les inverser à temps. Et pour cela, je peux cliquer avec le bouton droit pendant que ces images-clés sont sélectionnées et m'assurer que vous cliquez avec le bouton droit sur l'image-clé réelle , sinon il obtiendra un menu différent. Ensuite, vous pouvez accéder à l'assistant d'images clés. Et l'option la plus basse est celle des images clés inversées dans le temps. Et ça va les retourner. Et ça va me donner l'animation suivante. Il va continuer jusqu'à cinq secondes, puis il va simplement revenir aux mêmes positions. Et elles auront exactement les mêmes positions car ces images-clés ainsi que leurs valeurs ont été copiées et collées. Donc, lorsque vous voulez réellement rembobiner cette animation, vous pouvez utiliser quelque chose appelé expression de boucle de ping-pong, mais je vous en apprendrai plus à ce sujet dans le chapitre suivant. Ou vous pouvez simplement copier les images clés et les retourner à l'aide d' images-clés inversées. Dans l'image-clé, assistant. 23. 2.12-Maintenir les clés: Dans une leçon précédente, nous avons parlé interpolation dans laquelle les effets secondaires calculent essentiellement la position d' un objet entre les images-clés. Et il ne le fait pas que pour la position, il le fait pour chaque propriété que vous animez. After Effects calcule donc simplement l'état d' un objet entre les images clés lorsque vous les avez animées. Mais parfois, vous ne voulez pas qu' After Effects interpelle quoi que ce soit. Et vous voulez simplement que l'état de l'objet change d' une image à l'autre. Donc, en gros, avec cette animation, elle se déplace à travers l'écran et chaque image individuelle a sa propre position pour ce rectangle. Mais ce que je veux vraiment, c'est qu'à 1 seconde, je veux juste que le rectangle immédiatement à cette position. Et deux secondes plus tard, j'ai eu envie apparaître ici tout d'un coup, comme s'il s'agissait d'une animation en stop motion. Et c'est quelque chose que nous pouvons réaliser avec des images clés de maintien. Donc ce que je vais faire c'est invoquer la position de ce calque de forme en appuyant sur la touche P. Et ici, toutes ces images clés ont déjà été sélectionnées parce que j'ai cliqué sur la position du mot. Et maintenant je veux les basculer dans les images-clés de maintien. Et pour ce faire, je peux faire un clic droit sur n'importe lequel d'entre eux. Mais assurez-vous de bien cliquer avec le bouton droit de la souris sur une image-clé. Sinon, vous obtenez un menu différent et cela n' aura aucun sens. Je vais donc simplement cliquer avec le bouton droit de la souris sur l'une des images-clés, puis je peux choisir de maintenir l'image clé. Ainsi, la position de ces formes, de cette forme ne changera pas entre les images-clés, mais elle changera une fois qu'elle touchera une image-clé. Ainsi, lorsque je joue l'animation, elle saute à travers l'écran à chaque seconde. Maintenant, il s'agit d'une bascule, ce qui signifie que je peux simplement revenir dans le menu droit de la souris et choisir à nouveau de maintenir l'image clé. Et cela va normaliser l'animation de manière linéaire. Mais vous pouvez toujours basculer pour désactiver les images clés de maintien pour obtenir quelque chose comme ça. Et si vous voulez opter pour un look stop motion, alors c'est certainement quelque chose que vous pouvez utiliser. 24. 2.13-Projet: Il est temps de mettre à l'épreuve tout ce que nous avons appris dans les vidéos précédentes appris dans les vidéos précédentes en réalisant une petite animation de projet. Nous allons donc dessiner un rectangle de 400 x 400 pixels. Nous allons animer sa position, sa rotation, son échelle et son opacité tout en regardant quelques trucs et astuces en cours de route. La première chose que je veux faire est donc de créer un rectangle de 400 x 400 pixels. Et la méthode la plus simple consiste simplement à double-cliquer sur l'outil rectangle en haut de la barre d'outils. Je vais juste double-cliquer sur cet outil pour créer un rectangle qui couvre toute la composition. Ce rectangle mesure donc 1920 pixels de large par 1080 pixels de haut. Maintenant, ce que je vais faire, c'est développer le contenu du rectangle 1, puis aller dans le chemin du rectangle et développer ces options également. Et vous en apprendrez plus à ce sujet dans le chapitre sur l'utilisation des calques de forme. Je vais juste désactiver cette petite icône de maillon de chaîne pour pouvoir influencer la largeur et la hauteur séparément. Je vais donc simplement entrer 400 par 400. Et maintenant j'ai un rectangle qui fait exactement 400 x 400 pixels. son point d'ancrage est De plus, son point d'ancrage est automatiquement centré lorsque vous le créez dans la composition en double-cliquant sur l'outil. C' est donc, à mon avis, le moyen le plus simple de dessiner des formes exactes. Maintenant, je vais saisir l'outil de sélection et placer le rectangle quelque part ici. La première chose que nous allons faire est d'obtenir la même animation de position que celle que nous avons vue précédemment. Je vais donc le déplacer vers le bas en 1 seconde, en quelques secondes, haut en trois, vers le haut en quatre et vers le bas en cinq. Donc, la même animation que nous faisions précédemment. Je vais donc appuyer sur P pour la position. Et puis à 0 seconde, 0 image, je vais activer le chronomètre pour ajouter la première image-clé. Ensuite, je vais passer à 1 seconde dans la chronologie. Et avec l'outil de sélection, je vais simplement cliquer dessus et le faire glisser vers le bas. Ensuite, je vais passer à deux secondes, et je clique dessus et je le fais glisser vers la droite. C'est en bas, au centre. Trois secondes. Puis faites-le glisser vers le haut. Passez à quatre secondes et faites-le glisser vers la droite. Et cliquer sur des codes temporels exacts est une compétence que vous acquérez en travaillant davantage avec After Effects. La plupart du temps, je finirai par perdre quelques images , puis je peux simplement utiliser Ctrl et les touches fléchées du clavier pour accéder au code temporel correct, qui est affiché ici en haut des calques panneau. Mais c'est quelque chose que vous acquérez en tant que compétence au fur et à mesure. Nous avons donc maintenant cette animation de 5 secondes. Je vais simplement ajouter l' assouplissement correct à ces images clés. Je vais donc simplement cliquer avec le bouton droit sur la dernière image-clé et la transformer en accélération. Je vais faire de même pour faciliter la sortie de la première image-clé. Et ces images-clés intermédiaires, ces quatre images clés vont obtenir des images clés faciles et faciles. Donc, au lieu de cliquer avec le bouton droit de la souris et d'accéder à l'assistant d' images clés, je vais simplement appuyer sur mon clavier, les transformer en, oh, en fait, F9 est occupé par un raccourci de mon enregistrement logiciel. Je vais donc simplement cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir facile, facile. Maintenant, ils ralentissent vers les images-clés et accélèrent une fois de plus en dehors d' elles une fois qu'ils atteignent l'image clé. Nous allons maintenant animer l'échelle de ce rectangle. Je veux qu'il commence à 50 %, puis qu'il soit animé à 100 % à 1 seconde, puis qu'il reste à 100 % jusqu'à quatre secondes. Revenez ensuite à 50 % au bout de cinq secondes. Je vais donc simplement saisir la gamme en appuyant sur S et activer l'animation en cliquant sur le chronomètre et en changeant l'échelle à 50 %. Ensuite, je vais passer à 1 seconde dans la chronologie. Et je vais changer l'échelle à 100. Et ça va me donner cette animation. Maintenant. C'est un peu décalé avec l'assouplissement de l'animation de position. Je vais donc déjà appliquer le bon assouplissement. Donc une facilité de sortie ici, puis une facilité d'entrée par là pour que la position et l'échelle s' animent réellement en même temps. Maintenant, je veux qu'il reste à 100 % jusqu'à ce qu'il atteigne quatre secondes. Je vais donc passer à quatre secondes dans la chronologie. Et je vais simplement cliquer sur cette icône d'image-clé pour insérer une image-clé ayant la même valeur que l'image-clé précédente. Et je peux déjà vous faciliter la tâche. Ensuite, je vais passer exactement à cinq secondes , puis je ramènerai l'échelle à 50. Et ça va me donner cette animation. Il passe à 100, il reste à 100, puis il redescend à 50. Maintenant, nous allons faire de même pour l'opacité. Et notez que nous avons déjà les bonnes positions sur ces images clés avec l'animation d'échelle. Ce que je vais faire en fait, c'est utiliser ces images-clés comme référence pour naviguer dans la chronologie. Nous n'avons donc pas besoin de saisir des codes temporels ou cliquer exactement au bon endroit. Je vais donc appuyer sur Shift T pour activer également l'opacité. J'ai donc maintenant l'échelle et l'opacité en vue. Et au début de la chronologie, je vais activer le chronomètre pour opacité et le mettre à 50 %. Maintenant, je peux utiliser cette petite icône en forme de flèche pour accéder à l'image-clé suivante, où je veux que l' opacité devienne 100. Ensuite, je peux cliquer sur cette icône de flèche pour redimensionner à nouveau pour passer à quatre secondes et insérer une autre image-clé pour 100 pour conserver la valeur à 100. Pendant ces trois secondes. Passez ensuite à cinq secondes, puis redéfinissez l' opacité sur 50. Et maintenant, nous avons cette animation. Ainsi, l'opacité et l'échelle s'animent en même temps. On y va. Et l'animation finale que nous allons ajouter est deux rotations d' une à cinq secondes. Donc, entre 05 secondes, je veux qu'il tourne deux fois. Donc je vais juste saisir la rotation avec R. Et au début de la chronologie, je vais permettre au chronomètre de passer à cinq secondes dans la chronologie et d'entrer simplement deux rotations. Et je vais encore leur donner un peu d'assouplissement. Donc une facilité de sortie pour le premier et une facilité d'entrée pour le second. Et ça va nous donner cette animation. On dirait qu'il tourne plus de deux fois, mais c'est parce que c'est un carré. Ces bouts pointus donnent l'impression qu'il tourne plus vite qu' il ne l'est réellement. Maintenant, nous avons actuellement une chronologie de 10 secondes. Et disons que je souhaite couper cette animation au bout de cinq secondes. Je vais vous montrer un petit truc pour ça. Je vais passer à cinq secondes exactement sur la chronologie en la saisissant simplement dans le code temporel. Ensuite, je vais appuyer sur N pour limiter la zone de travail à l'endroit où se trouve la chronologie. La zone de travail est maintenant réglée sur cinq secondes. Cela signifie qu' une fois la lecture terminée, la fin de la zone de travail revient au début. Maintenant, pour découper la composition à la zone de travail, je peux cliquer avec le bouton droit de la souris ici en haut de cette barre grise, puis choisir Découper la composition à la zone de travail. Et cela va réduire la composition à exactement cinq secondes. C'est donc une autre petite astuce très pratique que nous utilisons très souvent dans After Effects. Voici donc l'animation que nous avons créée. Et dans le prochain chapitre sur les expressions, je vais vous apprendre comment rendre telles animations beaucoup plus intéressantes et dynamiques à l'aide d'expressions. 25. 2.14-flou de mouvement: Le flou de mouvement est quelque chose que nous connaissons tous intimement, et la plupart des gens ne s'en rendent même pas compte. Il s'agit essentiellement de l'effet où un objet apparaît flou dans une vidéo parce qu' il se déplace trop vite. Ainsi, lorsque vous regardez des vidéos de courses de voitures ou d'une scène de combat, vous verrez que l'action n'est pas parfaitement figée d'une image à l'autre, mais qu'il y a en fait un flou. Et cela est dû à la vitesse d'obturation de l'appareil photo. Et cela a aussi à voir avec la fréquence d'images de la vidéo. Si vous filmez au ralenti à partir de 60 images par seconde et plus, par exemple. Il est beaucoup plus difficile d'obtenir un flou directionnel car les objets doivent se déplacer assez rapidement pour que le flou de mouvement se produise à ces fréquences d'images plus élevées. After Effects est donc très capable de simuler le flou de mouvement. Et je vais vous montrer comment dans cette vidéo, dans cette composition à 0,14 motion blur, j'ai cette animation de robot. Et dans le chapitre suivant, je vais vous apprendre comment créer cette animation à l'aide d'une expression Wiggle. Mais si nous filmions ça sur une caméra ordinaire, il y aurait un certain flou de mouvement sur ce robot. Et je vais simplement vous montrer comment activer le flou directionnel pour les calques, puis pour la composition, puis comment modifier les paramètres du flou directionnel. Vous avez donc un peu plus de contrôle sur les montants. Je vais donc sélectionner tous les calques ici en appuyant sur Ctrl a ou Commande a sur Mac. Et ici, dans les commutateurs de calque nous avons une colonne de flou de mouvement. Et comme tous ces calques sont sélectionnés, je peux simplement cliquer sur l'un d'eux et cela l'activera pour tous. Vous devez également vous assurer que le flou directionnel est activé dans les paramètres de composition situés en haut. Donc, si j'active le flou de mouvement, vous verrez déjà un certain flou se produire parce que ce robot se déplace assez rapidement. Alors maintenant, lorsque je lis la timeline, vous verrez cette inaction de flou cinétique. Maintenant, le flou de mouvement peut être très gourmand en processeur, il peut donc être un peu plus difficile pour votre ordinateur de restituer ce type d'animation en tant qu'aperçu. C'est pourquoi vous pouvez toujours l'activer ou le désactiver avec cet interrupteur en haut. Et lorsque vous l'activerez à nouveau, il faudra tout pré-afficher à nouveau. Mais vous pouvez toujours désactiver l'aperçu afin travailler plus rapidement dans une composition. Désormais, vous pouvez également contrôler la quantité de flou de mouvement dans une composition donnée en modifiant l'angle d'obturation des paramètres de composition dans l'onglet Avancé. Donc ici, à l'intérieur de cette composition, je vais simplement appuyer sur Ctrl K ou Commande K sur le Mac, puis aller dans les paramètres avancés. Et voici un angle d'obturation. L'angle d'obturation par défaut est réglé sur 180 degrés. Et ce que cela signifie réellement et ce que cela fait réellement lorsque nous le comparons à une caméra physique, sort un peu du cadre de ce cours. Mais je veux juste vous montrer qu' une valeur plus élevée équivaut à plus de flou directionnel. J'ai donc activé l'aperçu ici en bas à gauche pour que je puisse réellement voir ce qui se passe dans la composition. Ensuite, je vais juste le changer pour 360. Cela représente donc le double de la quantité de flou directionnel pour la même quantité de mouvement. Quand je le mets à 720, notre bras de robot est beaucoup moins visible, mais je voulais juste vous montrer à quoi cela ressemble en mouvement lorsque je clique sur OK. Ensuite, pré-effectuez le rendu de la scène en appuyant sur la barre d'espace. Voilà donc à quoi ça ressemble. C'est ainsi que le flou directionnel est configuré. Cela n'a pas vraiment l' air naturel car l' angle d' obturation de 720 degrés n'est pas tout à fait naturel, surtout pas à 30 images par seconde, qui est le réglage de cette composition. Mais si vous souhaitez ajouter un peu de flou directionnel à vos animations, vous pouvez modifier l'angle d'obturation la composition pour obtenir cet effet. 26. 3.1-Wiggle: Les expressions sont un outil incroyablement puissant dans After Effects car elles nous permettent d'automatiser certaines animations en randomisant des valeurs, par exemple, ou de rendre les animations plus intéressantes et dynamique en leur ajoutant juste un peu de piquant, disons. Donc ici, dans le fichier principal du chapitre trois, vous trouverez la composition à trois points un tortillé et l'expression wiggle est la première expression que nous examinerons. Nous examinerons également différentes manières de travailler avec les expressions dans ce chapitre. Et c'est la seule expression que nous remplirons manuellement car elle est si facile à retenir. Disons donc que j'ai ce rectangle et que je veux que ce rectangle se déplace dans la composition de manière aléatoire. Ce que je peux faire alors, c'est prendre la position. Et je pourrais animer ça avec des images clés. Je pourrais simplement ajouter une image-clé, changer sa position, puis avancer dans le temps et changer de position à nouveau. Et change encore de position. Et je pourrais juste le faire bouger partout, disons. Et je pourrais ajouter un peu d'assouplissement à cela pour le rendre plus intéressant. Mais ce que je peux aussi faire, c'est simplement assigner un certain nombre de mouvements par seconde, ainsi qu'une valeur d'amplitude qui indique à After Effects à quel point je veux qu'il bouge pour randomiser cette valeur de position. Donc pour ce faire, pour ajouter une expression à la position, je n'utiliserai aucune image-clé. Je vais juste cliquer sur Alt ou Option sur le Mac, chronomètre pour la position. Et cela ouvre ce code et dialogue dans la chronologie ici. Et ce que je vais faire maintenant c'est taper W I, G pour la perruque. Et cela va se compléter automatiquement pour se tortiller. La saisie semi-automatique a été introduite dans After Effects en 2019, je crois. Et pour ce genre de choses, c'est une bouée de sauvetage. Maintenant que le mouvement est mis en surbrillance, je vais appuyer sur la touche de tabulation pour effectuer la saisie semi-automatique. Et cela va taper Wiggle avec deux supports et un support d'ouverture et un support de fermeture. Maintenant, dans cette fourchette, il y a deux choses. Je dois préciser. La fréquence des mouvements, donc le nombre de mouvements par seconde et l' amplitude que le mouvement peut atteindre en tant que valeur maximale. Je vais donc en saisir deux pour deux mouvements par seconde. Tapez ensuite une virgule pour séparer les opérateurs et un espace. Ensuite, je vais taper, disons 25. Maintenant, pour confirmer l'expression, je vais simplement cliquer n'importe où en dehors de celle-ci. Et maintenant, lorsque je commencerai à lire la timeline, vous verrez que le rectangle se déplace réellement sur les axes x et y parce que ce mouvement est appliqué à une propriété, la position ici. Maintenant, disons que la position s'est effondrée. Je vais donc appuyer sur P pour réduire la position , puis appuyer à nouveau sur P. Les valeurs des positions x et y sont devenues rouges, ce qui indique qu' une expression est active sur cette propriété. Et vous pouvez toujours accéder à l'expression en réduisant ou en développant ce triangle ici. Ensuite, vous pouvez cliquer à l'intérieur du code pour modifier les valeurs. Disons donc que je vais changer la fréquence de tremblement deux pour l'amplitude à 75 , puis cliquer en dehors de l'expression pour confirmer. Et ça va en faire quelque chose comme ça. Supposons que je souhaite également randomiser la valeur de l'échelle. Je vais donc sélectionner à nouveau le rectangle et appuyer sur S pour l'échelle, puis cliquer sur Alt sur le chronomètre pour entrer une expression. Encore une fois, je vais taper WIG, WIG, puis appuyer sur la touche de tabulation pour compléter automatiquement et remuer. Et je vais y aller deux fois par seconde avec une amplitude de, disons 25 %. Cela va également randomiser la valeur de l'échelle, qui nous donnera ceci, en conséquence. Notez que j'ai toute cette animation en cours, mais aucune image-clé n'a été ajoutée. Cette expression de mouvement nous donne déjà ce genre de résultat dynamique. C'est donc quelque chose d' extrêmement utile pour le Wiggle. Si vous souhaitez animer l' opacité d'un calque de manière aléatoire pour le faire clignoter, par exemple, ou pour le faire clignoter sur Flickr. Vous pouvez également le faire. Je peux donc appuyer sur T pour l'opacité. Alt, cliquez sur le chronomètre pour l' opacité et tapez Wiggle. Agitez cette option 15 fois par seconde avec une valeur maximale de 100. Ensuite, ce que vous verrez, c'est qu'il commence également à clignoter comme s'il s'agissait d'une lumière. Disons. L'expression Wiggle vous permet de randomiser les propriétés d'un objet un certain nombre de fois par seconde sur plusieurs, sur une valeur maximale que vous pouvez également spécifier. 27. 3.2-Dimensions séparées: Il arrive assez souvent que vous souhaitiez animer les différents axes d'un objet. Donc, les axes x et y sont séparés lorsqu'il s'agit de la position d'un calque. Mais ce que nous avons vu dans les leçons précédentes et dans le chapitre précédent, c'est que lorsque j' active la position pour ce calque en appuyant sur P, nous avons ces deux valeurs, une pour la position x et l'autre pour la position y de cette couche. Mais il n'a qu'un seul chronomètre, ce qui signifie que toute expression que j'ajoute pour l'axe des ordonnées s'appliquera également à l'axe des x et vice versa. Maintenant, disons que je veux ce rectangle bouge sur la position Y uniquement, mais reste en place sur l'exposition. Donc je voulais juste me déplacer de haut en bas au hasard, mais pas de gauche à droite. Maintenant, pour y parvenir, nous pouvons séparer les dimensions de la position de cette couche. Et pour ce faire, je vais m'assurer que cette position est réellement mise en surbrillance ici afin qu'elle soit cliquée et mise en surbrillance dans les propriétés de la couche. Ensuite, je peux aller dans le menu Animation ici haut et entendre parler d'un peu plus qu'à mi-chemin, vous verrez Separate Dimensions. Et une fois que j'ai cliqué sur Separate Dimensions, vous verrez que j'ai une position x et une position y que je peux animer séparément. Ajoutons donc cette expression Wiggle uniquement à la position Y. Je vais donc simplement cliquer sur Alt sur le chronomètre ou sur Option. Cliquez sur le Mac, tapez perruque pour l' agiter et appuyez sur la touche de tabulation pour la compléter automatiquement. Ensuite, je vais entrer pour Wiggles par seconde, espace virgule 50, disons. Vous verrez maintenant qu' il ne s'anime que sur l' axe des ordonnées et non sur l'axe des abscisses. Il suffit donc de se déplacer de haut en bas et non gauche à droite parce que je divise les dimensions et que toute expression que j'ajoute à la position Y ne s'applique pas automatiquement à la position X. Maintenant, une chose à noter est que si vous oubliez de le faire et que vous ajoutez d'abord l'expression. Je reviens donc avec le contrôle Z pour avant de séparer les dimensions, je peux, je clique sur le chronomètre et tape perruque puis entre quatre virgules 50. Maintenant, il est actif sur les axes x et y. Il se déplace donc également de gauche à droite. Maintenant, non, que se passe-t-il lorsque je sépare les dimensions ? Maintenant, je n'ai pas besoin d'aller dans le menu Animation en haut, je peux simplement cliquer avec le bouton droit sur cette position. Ensuite, je peux choisir des dimensions distinctes. Et notez que l' expression disparaît. Ainsi, toute expression que vous avez active disparaîtra et vous devrez l'ajouter à nouveau. Veillez donc à savoir si une propriété possède ou non une expression, puis réappliquez l'expression à la position x ou y appropriée. Vous pouvez également le faire pour les objets dans l'espace 3D lorsqu'ils ont également une position z. Ainsi, en activant la 3D sur cette couche dont vous apprendrez beaucoup plus au chapitre six, nous vous donnerons également des coordonnées de position distinctes pour l'axe z. 28. 3.3-Wiggle-2: Comme promis dans le chapitre précédent où nous avons examiné ce bras de robot, je vais vous montrer comment l' animer en utilisant l'expression Wiggle. Par souci de brièveté, j'ai déjà terminé la chaîne parentale ici en fait, donc tout est correctement parental. Quand on repense à la vidéo sur la parentalité du chapitre deux, j'ai déjà fait en sorte que lorsque nous tournons le premier cercle, tout tourne sauf la griffe apparemment. Donc je vais juste remettre la griffe au cercle cinq. C'est pourquoi c'est toujours une bonne idée de tester vos engins, disons. Et ce que je veux faire maintenant, parce que le reste semble en ordre. Ils sont parentés pour encercler trois, encercler puis encercler cinq. OK, donc le gréement semble être en ordre. Donc ce que je vais faire, c'est ajouter une expression Wiggle à la rotation du cercle 1. Je vais donc simplement cliquer sur Alt sur le chronomètre ici. Ensuite, je vais taper perruque et Tab pour la compléter automatiquement. Et disons que nous allons opter pour deux virgule 20. Ça va nous donner ce coup de fouet. Maintenant, je vais entrer à nouveau dans ce mouvement pour la rotation du cercle, avant de vous montrer comment copier des expressions vers d'autres calques. Je vais donc simplement cliquer sur Alt sur le chronomètre de rotation sur l'outil cercle, et je vais taper perruque puis tabulation pour compléter automatiquement deux virgules 20 et fermer l'expression. Et puis nous avons déjà quelque chose comme ça. Maintenant, pour terminer l'animation et animer l'ensemble du robot, je vais copier l'expression d'une de ces valeurs de rotation. Vous pouvez donc choisir entre un cercle ou un cercle également. Et je vais juste cliquer avec le bouton droit de la souris sur la rotation de l'un de ces calques. Et puis je peux choisir d'utiliser uniquement l'expression de copie. Et cela ne fait que copier les expressions. Donc pas d'images clés ou autre, juste l'expression elle-même. Ensuite, je peux sélectionner les trois cercles restants, le cercle 345. Et puis je peux simplement coller en utilisant la commande V ou la commande V sur le Mac pour ajouter cette expression. Lorsque j'appuie sur R pour les valeurs de rotation de ces calques, vous verrez que l'expression est active car la rotation est modifiée et une valeur rouge indique qu' une expression est active. Sans trop d'efforts, nous avons créé cette animation et nous n'avons pas utilisé une seule image-clé pour cela, mais uniquement l'expression Wiggle. L'expression Wiggle est donc très souvent utilisée uniquement pour animer des éléments d'arrière-plan qui ont besoin de faire quelque chose, mais ce qu'ils font exactement n'a pas vraiment d'importance. C'est donc l'une des applications les plus pratiques de l'expression Wiggle. 29. 3.4-Propriétés de liaison: Dans cette leçon, nous allons animer ce bus du hors écran au centre de notre composition, restant immobile pendant une seconde, puis en sortant de l' écran vers la droite. Et en plus d'animer la position du bus, je veux évidemment aussi animer la rotation des roues car la roue doit tourner pendant que ce van roule. Mais le calcul réel de la quantité de rotation, en fonction de ses mouvements, peut être assez compliqué. Il faudrait donc calculer combien de fois il doit tourner pour se déplacer d'ici à ici, et ce n'est pas la chose la plus facile à faire. Donc, ce que nous allons faire est d'utiliser une expression en reliant les propriétés de la couche de sorte que la position de ce bus détermine la rotation de ces roues de sorte que lorsque nous commençons à déplacer les roues, déplaçant le bus, les roues tournent en même temps que lui. Et pour cela, la première chose que nous devons faire est de parent ces quatre couches supérieures à la couche des contours du van. J'ai donc ici deux roues. J'ai le miroir, j'ai Windows, et ici j'ai le ventilateur lui-même. Donc le corps principal du bus, disons que lorsque j' anime le van, je veux que tout se déplace avec lui. Je vais donc simplement récupérer ces quatre calques et les associer aux contours d'alors en faisant glisser l'un des micros vers le calque des lignes d'aide du van. Maintenant, ils sont parents. Alors quand j'ai saisi la position des contours de Van, vous verrez que je peux maintenant tout déplacer en même temps parce qu'ils sont parentaux. Maintenant, je vais commencer avec ce bus hors écran en fait. Je vais donc simplement cliquer dessus et le faire glisser avec l'outil de sélection vers la gauche. Ensuite, à 0 image, 0 seconde, je vais animer sa position. Je clique donc sur le chronomètre pour ajouter une image-clé. Ensuite, je vais passer à quatre secondes dans la chronologie. Et je veux qu'il se retrouve exactement au centre de la composition. Et je sais que ce bus est dessiné symétriquement, du moins dans sa propriété de taille sur l'axe des x. Je peux donc simplement le déplacer au milieu de la composition en cliquant dans l' exposition et en saisissant 960. Comme cette composition fait 1920 pixels de large, neuf cent, neuf cent soixante c'est la moitié de ce nombre. Donc 960 le place exactement au centre. Et maintenant je vais passer à cinq secondes. Et je vais ajouter une image-clé de maintien pour qu'elle reste au centre entre 45 secondes. Je vais donc simplement cliquer sur l'icône d'image clé gauche des contrôles de calque. Ensuite, cliquez et faites glisser l'indicateur de chronologie jusqu'à la fin de la composition , puis cliquez dessus et faites-le glisser hors de l'écran. Je vais ajouter un peu d'assouplissement à cela. Donc, sur cette image-clé, je vais donner une facilité d'entrée. Celui-ci sera facile à sortir. Celui-ci sera facile car il est censé s'arrêter. Et celui-ci sera facile à sortir. Maintenant, ces animations comme le début et la fin ne seront plus visibles. Mais je le fais juste pour terminer. Disons maintenant que nous avons l'animation suivante. Le bus entre ou vole. entretien s'arrête, reste immobile une seconde, et s'envole de vous. Maintenant, le bus devrait vraiment être en train de rouler. Donc, à ce stade, je souhaite lier la rotation des roues à la position du bus. Pour cela, je dois obtenir les valeurs de rotation pour l'entretien des roues. Je vais donc sélectionner les deux et appuyer sur R. Ensuite, je veux lier cette rotation à la position x du bus, pas à la position y. Je veux juste le relier à l'exposition. Je ne veux pas que les roues tournent lorsque la position y change. Si la position y change à côté du fouet de sélection des parents. Donc légèrement plus bas. En fait, on pourrait dire que c'est à la fin de cette colonne de rotation. Disons que ce que je peux faire ici c'est prendre ce fouet de sélection de propriété. Et le whip de sélection de propriétés me permet de lier la propriété d' un calque à une propriété différente d'un autre calque. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser ce pick whip jusqu'à la première valeur de position. Ainsi, le van de position X dessine et relâche la souris. Et je vais faire la même chose pour le volant, F, la roue avant. Je vais donc simplement saisir cette propriété secondaire, sélectionner whip, cliquer et la faire glisser jusqu'à la position X. Maintenant, lorsque le bus se déplace dans le cadre, vous verrez que les roues tournent. Et non seulement ils tournent, ils tournent exactement autant que nécessaire pour que cette animation de position ait lieu. Ils sont donc liés entre eux de sorte que les roues tournent exactement comme il le faut. C'est extrêmement utile car si je change l'animation de position maintenant, cette rotation changera également avec elle. Donc, si j'accélère l' animation en saisissant simplement ces trois images-clés et en les déplaçant vers la gauche. Je n'ai rien à changer concernant la valeur de rotation de ces calques car ils sont liés à l'animation de position. Il s'agit donc d'un équipement de personnage très basique, notre véhicule Reagan, que nous avons fabriqué ici en fait, parce que lorsque le bus se déplace, les roues tournent avec ce mouvement. Donc, si jamais vous souhaitez animer un type de véhicule, c'est un moyen extrêmement simple de le gérer. 30. 3.5-Bouclez dehors: Dans cette leçon, je vais vous apprendre comment faire une animation en boucle à l'aide de l'expression de sortie en boucle. Pour cela, j'ai la composition trois points cinq loop out, qui contient les contours de cette illustration de balle, cette illustration de football. Ce que nous allons faire, c'est faire voler cette balle dans les airs. En allant de l'extérieur de l'écran en bas à gauche vers le haut au milieu, puis vers le bas à droite. Donc, ce que je vais faire ici au début de la chronologie, c'est simplement déplacer la balle hors de l' écran à l'aide de l'outil de sélection. Ensuite, je vais commencer à créer des images clés de sa position. Je vais donc cliquer sur le chronomètre pour la position. Ensuite, je vais passer à 15 images. Disons que c'est un quart de seconde. Ensuite, je vais cliquer et le faire glisser jusqu'au milieu de la composition et sauter 15 images supplémentaires. Je vais donc passer à 30 images dans la timeline , puis cliquer dessus et le faire glisser vers le bas à droite. Comme vous le remarquerez peut-être, en fait, cette animation est un peu trop rapide pour moi. Je vais simplement sélectionner ces images clés. Je vais maintenir la touche Alt enfoncée, cliquer et faire glisser pendant environ 1 seconde. Maintenant, l'animation est un peu plus lente, mais cela fonctionne pour nos besoins. Ce que vous remarquerez maintenant, c' est que cette balle vole dans un triangle parfait. habitude, ce n'est pas comme ça que se comportent les balles. Et il se comporte de cette façon parce que nous avons modifié l' interpolation des images-clés de Bézier automatique à deux linéaires pour nous assurer que nous pouvons réellement déplacer les calques en lignes droites. Mais dans ce cas, je ne veux pas qu'il se déplace en ligne droite. Je veux qu'il bouge en arc de cercle. Donc, ce que je vais faire, c'est avec ces images clés sélectionnées, il suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris sur l'une d'elles, puis d'aller dans Interpolation d'images clés. Ensuite, je vais changer l'interpolation spatiale de linéaire à Bézier automatique. Et lorsque je clique sur OK, vous verrez qu'il s'agit maintenant d'une courbe. Je peux toujours modifier l'angle de cette courbe en cliquant et en faisant glisser ces poignées. Vous en apprendrez un peu plus sur ces poignées lorsque nous commencerons à travailler avec l'outil Plume dans l' un des prochains chapitres. Mais maintenant, la balle vole à travers l'écran comme ça. Disons maintenant que je veux un flot infini de balles qui volent de gauche à droite. Ce que je pourrais faire, c'est simplement copier et coller ces images-clés là où je veux que l'animation ait lieu. J'ai donc pu copier ces images clés. Et je pourrais passer à, disons, une minute et 31 secondes, 30 images, puis en collant à nouveau ces images-clés, n'est pas exactement ce que je veux parce que la balle se déplace réellement dans retour au début. Maintenant, cela peut être quelque chose que vous jugez souhaitable pour toute animation aléatoire. Mais dans ce cas, j'aimerais simplement que cette animation recommence dès qu'elle atteint cette image-clé finale. Et c'est là que l'expression de sortie en boucle entre en jeu. En raison de l'expression d'animation en boucle, nous allons réellement passer en revue l'animation. Passez donc d'une image-clé à une autre. Et quand il arrive au dernier suffit de revenir au il suffit de revenir au premier et de rejouer l'animation sur une boucle infinie. Donc pour y parvenir, je vais cliquer sur Alt sur le chronomètre pour la position où nous venons de créer cette animation. Nous avons déjà examiné différentes manières d' ajouter des expressions à nos couches. Nous les avons saisis manuellement avec une expression Wiggle. Nous avons lié des propriétés les unes aux autres, ce qui revient essentiellement à ajouter une expression. Nous pouvons également utiliser le menu de langage d'expression, que vous trouverez ici ce bouton de lecture à côté des commandes de calque. Cliquer sur ce bouton ouvre un menu assez intimidant avec beaucoup trop d'options pour la variété d'utilisateurs normaux. Mais la seule catégorie dans laquelle vous devez vous trouver régulièrement est l'onglet des propriétés. Donc je vais juste aller à la propriété. Et voici quelques boucles parmi lesquelles choisir. Maintenant, celui que nous allons choisir est le cycle de type LoopOut. Donc cycle de type LoopOut. Et je vais juste cliquer dessus. Et maintenant, lorsque je clique en dehors de l'expression, la boucle est déjà appliquée. Alors maintenant, quand je jouerai la chronologie, vous verrez un flot infini de balles voler à travers l'écran. L'animation se joue donc comme suit. Il passe de l'image-clé 1 à l'image-clé à l' image-clé 3. Ensuite, il revient à l'image-clé 1. Et il continuera à le boucler à l'infini ou tant que la composition durera réellement. Maintenant, il existe en fait un autre type de sortie en boucle que vous pouvez utiliser. La valeur par défaut est cycle, qui passe en revue les images-clés , puis recommence. Mais il y a aussi le type ping-pong. Et le type de ping-pong atteint la dernière image-clé , puis revient à la première en passant par toutes les autres images clés. Cela va donc nous donner l'effet que le bol est frappé d'avant en arrière. Donc pas un flot de balles sans fin, mais une balle qui va et vient. Donc en cliquant sur l'expression, je peux changer le mot cycle en ping-pong, et c'est un mot. Et maintenant, vous verrez que la balle continue de faire allers-retours entre le côté gauche et le côté droit. Encore une fois, nous n'avons ici que des images-clés par seconde, mais nous avons essentiellement créé une animation infinie en ajoutant cette expression de boucle. Une chose que je tiens à noter à propos des expressions est que lorsque je supprime l'expression en appuyant sur Alt, clique sur le chronomètre, puis je l'ajoute à nouveau. L'expression a disparu. Ainsi, tout comme les images clés, lorsque vous supprimez une expression, vous supprimez tous les paramètres et tous les textes de ce panneau de code. Donc, si vous, vous devez vraiment garder à l'esprit si vous devez cliquer sur Alt sur le chronomètre ou si vous avez juste besoin de cliquer sur le chronomètre. 31. 3.6-Boucle dans: Dans la leçon précédente, nous avons examiné l'expression de sortie en boucle pour faire en sorte qu'une animation soit bouclée à l'infini. Mais il arrive souvent que vous ne souhaitiez pas qu'une animation tourne en boucle à l'infini, mais seulement jusqu'à un certain point, et c'est là que la boucle dans l'expression entre en jeu. Donc ici dans la composition 3.6 loop in, j'ai cette même animation, mais sans l'expression. Ainsi, en 1 seconde, la balle passe à travers l' écran de l'autre côté. Maintenant, ce que je vais faire, c'est sélectionner ces images clés en cliquant et en les faisant glisser dans la chronologie. Et je vais les déplacer à trois secondes. Je vais donc déplacer la chronologie trois secondes, puis cliquer et faire glisser ces images-clés vers la droite. Et maintenir la touche Maj enfoncée me permet de les accrocher à l'indicateur de chronologie. Maintenant, l'animation ne démarrera pas tant que la chronologie n'atteindra pas trois secondes , puis elle sera lue une fois. Mais ce que je veux vraiment, c'est que cette animation tourne en boucle jusqu'à ce qu'elle atteigne la dernière image-clé ici. C'est là que la boucle et l'expression entrent en jeu. Je vais donc cliquer sur Alt ou Option sur le Mac, sur le chronomètre de position. Ensuite, je vais aller dans le menu du langage d'expression et aller à la propriété. Ensuite, je vais choisir la boucle dans l'animation. Et ce que vous verrez maintenant, c'est que l'animation se met en boucle sur un cycle jusqu'à ce qu'elle atteigne cette dernière image-clé. Ainsi, une fois que l'animation elle-même est réellement lue sur ces images-clés , alors la boucle se rompt et l' animation s'arrête. Quelle que soit la distance que je déplace, ces images-clés seront le point final de mon animation. Notez que celui-ci a aussi un type, donc je peux passer du cycle au ping-pong. Disons. Cette animation va tourner en boucle pendant quatre secondes. De quatre secondes à cinq secondes. L'animation elle-même est lue sur les images-clés, puis l'animation se termine. Donc, si vous voulez une boucle qui se termine à un moment donné, c'est à ce moment-là que vous utilisez la boucle dans l'expression. 32. 3.7-Rebond inertiel: L' expression de la balance inertielle est mon expression préférée car, sans trop d'effort, elle rend nos animations beaucoup plus intéressantes visuellement lorsqu'il s' agit des animations de rotation et de mise à l'échelle, car cela rend les animations plus rebondissantes et plus dynamiques. Et pour le démontrer , j'ai ici la composition 3.7 rebond inertiel. Et nous allons créer une animation à l'échelle d'un quart de seconde, d'une échelle de 0 % à une échelle de 100 %. Donc ici, au début de la chronologie, je vais simplement créer une image clé de la gamme en cliquant sur le chronomètre. Et je vais mettre la valeur de l'échelle à 0. Ensuite, je vais passer à 15 images, puis augmenter la valeur d'échelle à 100 %. Maintenant, cette animation est complètement linéaire, mais ce que je tiens également à souligner, c'est qu'un quart de seconde ne semble pas long, mais vous pouvez attendre la fin de cette animation, comme si vous aviez consciemment vécu l'animation. Et parfois, un quart de seconde est même trop long pour une animation comme celle-ci. Donc, même s'il s'agit d'un quart de seconde, cela ne semble pas beaucoup de temps pour une animation. C'est peut-être suffisant dans de nombreux cas. Maintenant, cette animation est complètement linéaire et statique, pas très intéressante visuellement du tout. Je veux vous montrer comment nous pouvons utiliser le bounce, l'expression bounce pour améliorer un peu cette animation. Nous pourrions travailler avec l' accélération et nous pourrions même ajouter des images clés dans l' éditeur de graphiques pour rendre l'animation plus intéressante visuellement. Mais comme l' animation est si courte, l'assouplissement ne va pas vraiment nous aider. Donc, si vous regardez dans les fichiers de cours de ce chapitre, vous trouverez un fichier texte intitulé expressions. Et c'est un fichier dans lequel nous travaillerons dans cette vidéo. Et les deux suivants sur le rebond inertiel à nouveau et sur le rebond. Mais pour cette vidéo, nous examinons simplement le rebond inertiel pour intégrer cette expression dans After Effects, je vais simplement la sélectionner ici dans ce fichier texte. Et veuillez noter que vous n'avez pas besoin de comprendre ce que cela dit. Vous n'avez pas besoin d'être capable d'écrire cela de quelque façon que ce soit. Vous n'avez pas besoin de savoir quel composant fait quoi. Il suffit de pouvoir le copier et le coller une expression After Effects pour pouvoir en bénéficier. Donc, sauf si vous le savez, JavaScript, ne vous embêtez pas à essayer de comprendre ce que cela dit. Il suffit de pouvoir le copier-coller pour pouvoir l'utiliser. Je vais donc simplement copier ceci avec Control C, puis revenir à After Effects. Maintenant, je vais l'ajouter à cette animation d'échelle en cliquant sur Alt sur le chronomètre et en le collant directement avec Control V. Maintenant lorsque je clique en dehors de l'expression , je vais zoomer un tout petit peu. Je vais jouer l'animation. Vous verrez qu'il y a un rebond très prononcé. Alors, que se passe-t-il réellement en regardant cette valeur d'échelle ? L'échelle augmente en fait au-delà de 100 %, puis redescend en dessous de 100 %, puis repasse au-dessus de 100 %, mais légèrement moins, puis revient en dessous de 100 % mais légèrement moins pour qu'elle continue à rebondir jusqu'à ce qu'elle la valeur réelle de l'image-clé. Et notez également que cette animation continue au-delà des images-clés. Ainsi, lorsque je joue l'animation, vous verrez que l'animation n'est pas terminée avant environ une seconde. C'est donc ce que fait cette expression. Et cela rend ce type d' animation beaucoup plus intéressant et dynamique visuellement. Cela pénètre dans votre cerveau d'une manière complètement différente, puis une animation linéaire. Et il suffit de le copier et de le coller à partir de ce fichier texte que j'ai fourni. Imaginons maintenant que je souhaite enregistrer cette animation pour une utilisation ultérieure. Ce que je peux faire alors, c'est passer à l'animation. Ensuite, je vais devoir sélectionner la valeur d'échelle car c'est là que les images-clés et l'expression montent dans le menu Animation. Je peux l'enregistrer en tant que préréglage d'animation avec l'option la plus haute. Vous pouvez ensuite choisir un emplacement pour cette expression. Vous pouvez donc l'enregistrer dans le dossier par défaut ou dans tout autre dossier de votre disque dur. Enregistrez-le dans un autre dossier, vous verrez une fenêtre contextuelle indiquant « Hé, vous êtes en train d'enregistrer et en dehors du dossier par défaut, veuillez garder une trace de l' endroit où vous enregistrez les éléments. Vous pouvez donc simplement cliquer dessus. Maintenant, si je veux appliquer ce préréglage d'animation, y compris l'expression, je peux aller dans l'animation puis dans les préréglages d'animation récents, et ce sera juste ici en haut. Donc, si vous êtes charmé par l'une de ces expressions, sont les modifications que vous apporterez à l'expression que nous ferons dans la prochaine vidéo. Vous pouvez les enregistrer en tant que préréglage d'animation, afin de ne plus avoir à travailler avec ce code. Vous pouvez simplement appliquer le préréglage et en finir avec. 33. 3.8-Rebond inertiel 2: Dans cette leçon, nous allons examiner l'expression de rebond inertiel un peu plus complètement modifiée certaines de ses propriétés et l'appliquer également à la rotation de la forme que nous avons animée dans le leçon précédente. Donc ici dans la composition 3.8 rebond inertiel aussi, j'ai cette même animation que précédemment. Donc, juste une échelle rebondit de 0 à 100 en environ 15 images ou un quart de seconde, car nous travaillons avec une timeline de 60 images par seconde, que je peux vous montrer en appuyant sur Ctrl K. Et ici, nous avons une fréquence d'images de 6015 images soit un quart de seconde. Maintenant, je vais obtenir la propriété scale en appuyant sur S avec le calque sélectionné. Ensuite, je vais élargir l'expression. Ensuite, nous allons examiner certaines des propriétés de cette expression. Comme je l'ai dit dans la leçon précédente, vous n'avez pas besoin de savoir ce que tout cela signifie. Il faut juste savoir que lorsque vous faites défiler jusqu'en bas, vous avez ici trois propriétés que vous pouvez éditer, AMP, freak et decay. L'ampli représente l'amplitude, ou la distance entre l' écart et 100 %. Actuellement, le maximum est d'environ 170 %, donc il va rebondir à peu près à cette valeur en tant que maximum. augmentation de cette propriété va donc rendre le rebond plus difficile. Donc je vais juste changer ce 0.052.09, en le doublant presque. Et ce que vous verrez, c'est que la variation d'échelle est maintenant augmentée afin qu'elle soit autorisée à augmenter. Donc maintenant, l'écart pour le premier rebond est d'environ 123 %, ce que je peux voir ici dans la valeur de l'échelle. Et en cliquant à nouveau sur l' expression, je vais regarder la fréquence ou la fréquence. Donc la fréquence Freq signifie fréquence, et c'est le nombre de variations, le nombre de mouvements, disons par seconde, le nombre de rebonds actuellement, il est réglé sur quatre. Je vais juste le changer à six. Et cela va être beaucoup plus prononcé. Cela va donc rendre le rebond plus difficile car il y a plus de variations par seconde. Donc, jouer l'animation maintenant me donnera ce résultat. Laisse-moi juste rejouer ça. Maintenant, nous avons des limites beaucoup plus difficiles. Veuillez noter que nous n'avons modifié aucune image-clé. Nous sommes en train de modifier certains de ces chiffres et nous obtenons un résultat complètement différent tout en conservant un aspect naturel et biologique. La décroissance détermine la rapidité avec laquelle l'animation se normalise jusqu'à la valeur finale. Alors, à quelle vitesse il atteint 100% et reste là pour terminer l'animation. Ainsi, une valeur élevée signifie que l' animation se termine plus tôt, et une valeur inférieure signifie que l' animation dure plus longtemps. Donc je vais juste enlever ce huit, puis entrer un six, donc c'est 6 O au lieu de 8. Et veuillez noter que si vous supprimez un caractère trop, ou si vous exagérez trop ces valeurs, l'expression, l' expression va se rompre. Si j'oublie l'un de ces points-virgules ou un signe égal ou si je change ces valeurs de quelque manière que ce soit, l'expression ne fonctionnera plus et After Effects vous donnera une erreur d'expression. Nous avons donc maintenant une amplitude de 0,09, une fréquence de six, et le k F6. Regardons donc l'animation. Et c'est plutôt cool. Et encore une fois, vous serez en mesure de créer une image-clé. Vous pourriez ajouter des images-clés pour cette augmentation d'échelle et le rebond plus long avec les changements de fréquence et les changements de décroissance. Mais c'est beaucoup plus difficile à faire et à chronométrer correctement et à lui donner un aspect organique que de simplement changer légèrement ces valeurs. L'amplitude, la fréquence et le k ont déterminé le comportement de cette expression vers la fin. Comme je l'ai dit dans la vidéo précédente, l'animation continue de jouer après avoir atteint l'image-clé. Et à ce stade, je veux déterminer quelle est la première image, où l'animation est terminée. Donc, quand c'est complètement terminé, maintenant, je fais cet exercice dans mes cours tout le temps, donc je sais où se termine l' animation. C'est à 1 seconde, 15 images. Mais je vais vous montrer comment vous pouvez réellement découvrir quand une animation est terminée. Parce que nous voyons ici la valeur de l'échelle qui fluctue. Donc, la première chose que je vais faire est de regarder visuellement quand l'animation semble terminée. Et c'est à peu près ici, disons. Ensuite, je peux passer en avant image par image en maintenant le contrôle et en utilisant la touche fléchée droite pour trouver les deux premières images où la valeur en pourcentage de l'échelle reste à 100 %. Cela me dit que l'animation est terminée. À ce stade. Je souhaite également appliquer une animation similaire à la rotation de cette forme. Je vais donc appuyer sur R pour la rotation. Premier. Je vais faire l'animation elle-même. Je vais donc créer une image-clé ici à 1 seconde 15 images, puis passer à 1 seconde, 30 images ou 1,5 seconde, et modifier la valeur de rotation à 45 degrés. La deuxième valeur sera donc modifiée à 45. Et ça nous donne ça. Il tourne simplement sur l'axe central. Et maintenant je veux y ajouter cette expression. Je vais donc cliquer sur Alt sur le chronomètre de rotation et coller l'expression. Et c'est l'expression sans les modifications, en passant, zoomez un peu en utilisant la molette de la souris. Et maintenant, quand je jouerai l'animation, vous verrez que la rotation a le même rebond que celui que nous avions pour la gamme. On dirait donc qu'il est collé à quelque chose. Et maintenant en cliquant sur l'expression, je vais entrer les mêmes modifications. Donc 0,09 pour l'amplitude que six pour la fréquence, puis six autres pour la décroissance. Cela me donnera ce résultat lorsque je prévisualiserai l'animation complète. Je vais donc simplement lire la timeline avec de l'espace, et c'est à cela que cela ressemble, en particulier à 60 images par seconde. Ces animations sont tellement belles. Je ne saurais donc trop vous recommander d'utiliser ces expressions. Et si c'est un peu trop compliqué pour vous, soyez assuré que c'est aussi compliqué que ce cours l'est, comme si c'était aussi technique que nous le faisons. Il y a certaines choses 3D qui peuvent devenir assez compliquées avec les coordonnées et l'espace z et d'autres choses de ce genre. Mais c'est techniquement aussi compliqué que le cours l'est. Laissant de côté l'expression de rebond, dont nous parlerons, parlerons dans la prochaine vidéo. Si vous souhaitez ces animations, vous n'avez pas besoin de vous souvenir que les expressions sont copiées, les expressions, il vous suffit de les enregistrer en tant que préréglage d'animation via le menu d'animation ici en haut. Vous pouvez donc les saisir quand vous le souhaitez. 34. 3.9-rebondir en arrière: Une autre expression très courante est l'expression de rebond, et elle fonctionne de la même manière l' expression de la balance inertielle que nous avons examinée dans les deux leçons précédentes. Cependant, alors que les limites inertielles fluctuent au-delà la valeur réelle de l' image-clé comme dans son échelle. Par exemple, dans l' animation précédente dépasse 100%. L'expression de rebond touche la valeur de l'image-clé, puis rebondit sur celle-ci. Et je vais le démontrer avec un exemple de laisser tomber ce rectangle au sol. Disons que je vais le faire rebondir sur le sol de la composition. Donc la première chose que je vais faire est de trouver la dernière image de l'animation de rotation, que vous trouverez dans la composition trois points neuf, rebondir. L'expression est donc toujours active, comme l'animation est toujours active au-delà de l'image-clé. Et je vais simplement utiliser le contrôle et les touches fléchées pour trouver la première image où l' animation se termine réellement. Et ça fait deux secondes et 28 images. Et à partir de là, je vais animer la position des calques. Je vais donc appuyer sur la touche P pour la position. Je vais ajouter une image-clé en cliquant sur le chronomètre. Maintenant, je vais sauter 15 images à l'avance. Ce sera donc deux secondes et 43 images à 0,43. Ensuite, je vais simplement utiliser l'outil de sélection et le faire glisser vers le bas de la composition. Maintenant, quand quelque chose tombe, il ne tombe généralement pas au-delà de l'endroit où il finit, mais il peut rebondir à partir de cette position. Et c'est ce que nous allons faire avec l'expression de rebond, que vous trouverez dans le fichier texte fourni avec les fichiers de cours de ce chapitre. Donc je vais juste sélectionner E via la valeur finale Else, puis la copier en utilisant le contrôle C. Et puis je vais juste l'ajouter à cette animation de position en cliquant sur Alt sur le chronomètre et il suffit de coller avec Control V. Et maintenant, si je fais glisser la chronologie, je peux zoomer un peu ici. Vous pouvez lire la timeline et elle rebondira sur le sol. Maintenant, il y a quelques valeurs qui régissent le comportement de ce rebond. Je vais donc cliquer à l'intérieur du code, à l'intérieur de l'expression. Et contrairement au rebond inertiel, ces valeurs se situent en fait au sommet. Voilà donc moi, qui est l'énergie. G est pour la gravité et N max est le nombre maximum de répétitions. Donc, le nombre maximum de rebonds, indépendamment de l' énergie et de la gravité. L'énergie détermine la quantité d'énergie restante du rebond après chaque rebond. Donc 100 % serait un, donc 0,7 serait 70 %, ce qui signifie qu'il perd 30 % de sa hauteur à chaque rebond. Baissons donc ce montant, augmentons ce montant à 0,9 au lieu de 0,7 et assurons-nous qu'il s'agit d'un point et d'une virgule d'ailleurs, puis il rebondira plus haut ou moins bas. À chaque répétition. Le G représente la gravité, et cela détermine la hauteur à laquelle l'objet est capable de rebondir. Ainsi, la réduction de la gravité à 2500 donne ce résultat. L'équilibre est donc plus long. Et le N max détermine le nombre de rebonds nécessaires à la fin de l' animation. Donc, si j'augmente simplement la zone de travail ici, et disons que je vais réduire l'intmax à quatre. Maintenant, bien qu'il ne soit pas rebondi, disons qu'après quatre répétitions, il s'arrête. Donc, après la cinquième répétition, il s'arrête. Disons. Maintenant, je vais juste remettre ça sur neuf, parce qu'au final, nous n'aurons pas assez de répétitions pour que la chronologie soit complète. Et maintenant je vais changer la valeur énergétique pour une valeur unique. Je vais donc simplement supprimer le neuf et le point et en saisir un. Cela signifie que nous allons simplement rebondir à la même position à chaque fois. Il ne va donc pas perdre d'énergie à chaque rebond, et il va simplement continuer à rebondir neuf fois ou jusqu'à ce que la chronologie soit terminée. Vas-y. Maintenant, je peux également lui donner une valeur encore plus grande. Par conséquent, une décimale positive, disons 1,1. Et cela va augmenter la hauteur du Bounce 10  % à chaque répétition. Je vais donc appuyer sur la barre d'espace ici, et maintenant il rebondira 10% plus haut à chaque rebond. Je peux également l'augmenter à 1,2, disons, où l'augmentation sera plus prononcée. Et encore une fois, l'une des choses les plus utiles à ce sujet est que vous pouvez créer une image-clé. Vous pouvez simplement ajouter des images-clés pour obtenir cet équilibre. Et vous pouvez aller dans l'éditeur de graphiques pour modifier l'atténuation de l'augmentation ou de la diminution de hauteur. Mais le simple fait de changer cette expression imite de manière réaliste la façon dont cet objet réagirait dans le monde réel. Ce n'est pas exact car la gravité n'est pas aussi simple que cette petite équation ici. Mais cela nous donne un comportement réaliste en modifiant simplement ces valeurs ici en haut de l' expression sans avoir à tout animer manuellement. Si vous souhaitez modifier l'animation, vous n'avez pas besoin d'entrer et de modifier les images-clés. Vous pouvez simplement modifier ces valeurs et l'animation changera avec elle, ainsi que tout ce qui est apparenté à ce calque, si c'était le cas, disons. Maintenant, une autre chose que je veux démontrer est que le comportement de cette expression est également lié à la vitesse des images clés. Donc, si je diminue la vitesse de l'animation en déplaçant légèrement cette deuxième image-clé vers la droite, elle baissera plus lentement, ce qui signifie qu'en remontant, elle aura beaucoup moins énergie. Il faut donc plus de temps pour que la position dépasse sa valeur d'origine. Maintenant, si j'augmente la vitesse, disons en rapprochant beaucoup ces images clés, vous verrez qu'elles touchent le sol plus rapidement, donc elles ont plus d'énergie au départ, et elles continuent d'augmenter de 20 % à chaque répétition. Voilà donc le pouvoir de cette expression. Et il est extrêmement utile lorsque vous voulez que des objets tombent au sol ou entrent en collision les uns avec les autres. 35. 3.10-Time: Une autre expression très utile est l'expression temporelle. Et l'expression temporelle nous permet de modifier la valeur d'une propriété au fil du temps. Supposons que je souhaite que la valeur de rotation de ce rectangle augmente avec le temps. Maintenant, c'est quelque chose que je pourrais créer une image-clé, mais disons que je veux juste qu'elle tourne à l'infini. Ensuite, je vais simplement appuyer sur la touche R avec ce calque sélectionné, je vais sur Alt, clique sur le chronomètre pour la rotation pour appliquer une expression. Ensuite, je vais juste taper dans le temps et utiliser Tab pour compléter automatiquement. Ensuite, je clique en dehors de l'expression. Et maintenant, lorsque je joue la timeline, la rotation de l' objet augmente un degré par seconde. Chaque seconde que la rotation augmente d'un degré. Maintenant, disons que je veux qu'il tourne plus vite. Ce que je peux faire ensuite, c'est appliquer un modificateur en ajoutant un astérisque pour multiplier. Et puis je peux entrer, disons dix. Maintenant, il va tourner de dix degrés par seconde. Alors maintenant que vous lisez la timeline, vous verrez qu' elle tourne plus vite. Imaginons que je change cette valeur à 50. Il va tourner de 50 degrés par seconde. Et cela bouclera à l'infini. Donc, si je change la longueur de la composition, elle continuera à tourner et à tourner. Et je n'ai pas à vraiment penser à ce que je fais avec les images-clés car aucune image-clé n' est utilisée pour cette animation. Maintenant, disons que je souhaite également appliquer cela à la position. Je veux que la position change au fil du temps. Ce que je peux faire ensuite, c'est appuyer sur la touche P , puis sur Alt, cliquer sur le chronomètre. Mais vous remarquerez lorsque je tape dans le temps la saisie semi-automatique avec tabulation et que je clique en dehors de celui-ci. Cela va me donner une erreur d'expression, qui est cette barre orange ici, qui indique l'erreur d'expression. Je peux cliquer sur le X pour me débarrasser de cette notification. Ou je peux cliquer sur la loupe et cela sélectionnera la propriété concernée. Donc, si l'échelle est visible, disons que je clique sur cette icône de loupe. Cela va me donner la rotation où le problème se produit réellement. Et c'est parce que la position possède en fait deux valeurs qui devraient modifier le changement au fil du temps. Et cette expression ne peut pas le faire de cette façon. Donc je vais juste récupérer P pour la position à nouveau. Je vais cliquer sur Alt sur le chronomètre pour désactiver l'expression. Et maintenant je vais séparer les dimensions, que nous avons également examinées dans une leçon précédente. Je vais donc passer à l'animation ici. Ensuite, je vais choisir Separate Dimensions. Maintenant, je vais juste choisir l'exposition. Je vais donc simplement cliquer sur Alt sur le chronomètre et taper la tabulation temporelle pour compléter automatiquement. Et maintenant, quand j'appuierai sur la barre d'espace, vous verrez que, eh bien, cela ne change qu' un pixel par seconde. Je vais donc augmenter légèrement cette valeur en ajoutant un astérisque. Disons que 50 pixels par seconde, c'est bien. Et maintenant, il va changer de 50 pixels par seconde. Je peux faire ça encore plus vite, disons un 150. Et ce n'est pas un aperçu d'image clé pour créer ce type d'animation. C'est pourquoi l' expression temporelle peut être très utile. Vous pouvez simplement augmenter une valeur du nombre que vous voulez chaque seconde sans avoir à utiliser d'images-clés. 36. 3.11-Sauvegarder les paramètres d'animation: Chaque animateur a ses astuces préférées et ses animations standard qu'il utilise très souvent. Dans cette leçon, je veux vous montrer que vous pouvez enregistrer des animations avec leurs expressions, sous forme de préréglages afin pouvoir les invoquer à partir du programme quand vous le souhaitez sans avoir à créer d' images clés manuellement et en ajoutant des expressions manuellement. J'ai donc ici la composition des animations de sauvegarde 3.11. Et disons que je souhaite enregistrer cette animation de mise à l'échelle, cette animation de 0 à 100 % sur 15 images avec cette expression de rebond inertiel pour utilisation ultérieure dans un autre projet ou pour un autre calque. Ce que je vais faire ensuite, c'est obtenir la propriété scale en utilisant S, puis cliquer sur Scale pour sélectionner l'animation réelle ainsi que les images-clés et l'expression. Ensuite, je peux aller dans le menu Animation haut, puis choisir Enregistrer le préréglage d'animation. Maintenant, cela va m'amener dans un navigateur de fichiers, me permettant de choisir un emplacement où ce préréglage sera enregistré. Et disons que je vais aussi appeler cela un rebond à une échelle. Parce que je pense que j'ai déjà une balance quelque part. Je vais donc simplement cliquer sur Enregistrer. Ensuite, il va me donner un avertissement concernant l'emplacement par défaut pour enregistrer les expressions. Je vais juste cliquer dessus avec OK. Ensuite, l'animation est enregistrée. Maintenant, je peux supprimer l'animation en appuyant sur Alt, en cliquant sur le chronomètre pour me débarrasser de l'expression , puis en cliquant sur le chronomètre pour supprimer les images clés. Et supposons que je veuille appliquer cette animation alors. Donc, avec le calque sélectionné, je vais juste passer à l'animation. Ensuite, je peux soit choisir Parcourir les préréglages, soit regarder les préréglages d'animation récents. Ici, je vais faire rebondir la balance. En cliquant sur ce bouton, l'animation s'applique immédiatement. J'ai donc déjà cette animation sur mon calque. Et cela se déroule exactement au même moment car la chronologie a été réglée sur 0 image et 0 seconde. Je vais donc utiliser Control Z pour revenir en arrière pendant un moment. Supposons que je souhaite appliquer cette animation en 1 seconde. Je vais simplement déplacer la chronologie à 1 seconde, puis revenir à l'animation, aux préréglages d'animation récents, puis choisir le rebond d'échelle. Ensuite, il applique le préréglage à 1 seconde. Il applique donc le préréglage partout où se trouve la chronologie. Vous n'avez donc pas besoin de faire glisser images clés pour les amener à un certain point. Il vous suffit de placer la chronologie à endroit où vous souhaitez appliquer l'animation, d' appliquer le préréglage, puis l'animation est automatiquement générée pour vous. 37. 4.1-Aperçu des outils de forme: Dans ce chapitre, nous nous concentrerons sur la création d'un calque de forme animé et leurs différentes propriétés. Nous avons déjà vu que calques de forme régulière ont une position, une échelle ou une rotation et une opacité. Mais les calques de forme possèdent de nombreuses autres propriétés que nous pouvons également animer. Et c'est de cela que traite ce chapitre. Les outils de forme ou les outils de forme de base se trouvent ici dans la barre d'outils supérieure et par défaut, ils sont définis sur l'outil Rectangle. Si vous maintenez la souris enfoncée sur l'outil rectangle, vous pouvez choisir les différents outils de forme disponibles. Et ici, nous avons un outil rectangle arrondi qui a des coins arrondis. Nous avons un outil ellipse que nous pouvons utiliser pour dessiner des ellipses ou des cercles. Nous avons un outil polygone et un outil étoile. Vous pouvez désormais passer à ces outils et passer d'un outil à l'autre à tout moment en appuyant sur la touche Q de votre clavier. Ainsi, appuyer sur Q active l'outil de forme ici en haut. Et à l'aide de Q, vous pouvez parcourir les différents outils. Maintenant que le rectangle normal est sélectionné, je peux cliquer et faire glisser sur ma composition. Et cela me permet de dessiner un rectangle de n'importe quelle taille et n'importe quelle proportion. Vous ne voyez pas la taille à côté du curseur de votre souris, comme vous l'avez peut-être vu dans Illustrator, InDesign ou Photoshop. Mais c'est quelque chose que nous ne manquerons pas dans ce chapitre. Maintenant, nous maintenons la touche Maj enfoncée alors que je continue faire glisser la souris, ce qui me permet de dessiner un carré parfait. Et cela vaut également pour l'outil ellipse, l'outil Polygone, l'outil Étoile, etc. Ainsi, tous ces outils sont contraints à une proportion égale par la touche d'outil Maj. Je peux également maintenir la barre d'espace enfoncée, ce qui me permet de déplacer l' outil pendant que je suis en train de le dessiner. Ainsi, si vous commencez à cliquer et à faire glisser au mauvais endroit, vous pouvez toujours maintenir la touche Maj enfoncée que vous faites glisser le pointeur afin de déplacer la forme vers une autre partie de votre composition. Vous pouvez également maintenir la touche Ctrl ou la touche Commande enfoncée sur Mac, ce qui vous permet de dessiner la forme à partir du centre de votre clic d'origine. Ainsi, sans la touche Ctrl, vous allez dessiner dans le coin. Si vous maintenez la touche Contrôle enfoncée, vous dessinerez à partir de son centre, ce qui est utile si vous dessinez des objets les uns devant les autres et qu'ils doivent être parfaitement alignés. Maintenant, en utilisant ceci, je peux rapidement dessiner ce rectangle au centre. Et mon rectangle a actuellement une couleur de remplissage rouge. La couleur de remplissage est définie ici en haut. Je peux cliquer sur la couleur pour définir la couleur de mon choix. Et je peux cliquer sur le mot Remplissage pour choisir différents types de remplissages. Je peux choisir de ne pas remplir. Je peux choisir un remplissage solide que nous venons de voir. Je peux choisir un remplissage dégradé linéaire, qui passe actuellement du blanc au noir, et un remplissage dégradé radial qui rayonne vers l'extérieur à partir de son centre. Nous allons maintenant examiner ces différentes options de remplissage dans une vidéo ultérieure. Mais c'est essentiellement là que vous définissez les couleurs appliquées à votre forme. Je vais simplement cliquer sur OK. Et notez que maintenant dans les calques ici, nous avons un calque Shape et le calque de forme a un contenu. Le contenu est actuellement un rectangle qui consiste en un tracé qui définit la forme réelle du rectangle. Il possède également un trait et un fond. Nous pouvons donc accéder à ces options ici. Et la plupart d'entre elles peuvent être animées comme vous pouvez le voir, car il possède un chronomètre. Je pourrais donc animer la couleur du trait, par exemple, ou la couleur de remplissage ou différentes propriétés du remplissage, que nous verrons plus loin dans ce chapitre. Maintenant, avec ce calque de forme sélectionné, je vais simplement maintenir la souris enfoncée sur les outils de forme, et je vais maintenant saisir l'outil ellipse avec la forme sélectionnée. Et c'est important pour cet exemple, je vais cliquer, faire glisser et maintenir la touche Maj enfoncée pour dessiner un cercle proportionnel. Ensuite, je vais relâcher la souris. Et comme vous pouvez le voir, cette forme ne se trouve pas sur un calque séparé car ce calque de forme a été sélectionné. L'ellipse a été ajoutée au même calque de forme. Je peux donc les animer individuellement dans le sens où je peux accéder aux commandes de transformation de cette forme individuelle et modifier les propriétés ici, telles que la position, l'échelle, etc. Mais les propriétés de la couche sont distinctes de ces paramètres individuels. Je peux toujours accéder au contenu individuel du calque Shape en faisant simplement tomber ces triangles. Disons que je peux utiliser pour accéder à ces différentes propriétés. Mais les options de transformation de calque s'appliquent à toutes les formes d'un calque de forme. Maintenant, je vais juste utiliser Control Z pour revenir à avant de dessiner l'ellipse. Il arrive souvent que vous souhaitiez ces propriétés soient placées sur des calques séparés, que vous souhaitiez pouvoir les influencer individuellement. Pour ce faire, je vais désélectionner le calque de forme actuel en cliquant simplement sur un endroit vide dans le panneau des calques ici, vous pouvez également utiliser Ctrl Maj a pour tout désélectionner, soit dit en passant. Et maintenant, si je clique et fais glisser, vous verrez qu'il crée un calque de forme secondaire, le calque forme deux, qui possède des propriétés de calque distinctes par opposition au calque de forme un. Ainsi, ce calque a sa propre position et le calque de forme a également sa propre position, sorte que ceux-ci ne sont plus liés. Je préfère travailler avec des calques de forme séparés dans la plupart des cas car les raccourcis sont toujours disponibles. Et juste pour illustrer cela, je vais supprimer calque Shape pour sélectionner Shape Layer un, puis dessiner à nouveau une ellipse. Supposons que je souhaite animer la position de l' ellipse uniquement sans animer la position du rectangle si j'appuie sur la touche P du clavier. Maintenant, cette position influence les deux formes ensemble, car elles font partie du même calque. Si nous voulons les influencer individuellement, je dois développer le contenu en ellipse un, puis transformer ellipse 1, puis animer cette position séparément de la position du rectangle un. Il est donc légèrement moins pratique d'accéder à ces différentes propriétés de calque car vous devez aller jusqu'au bout ces listes déroulantes pour accéder aux propriétés que vous souhaitez animer. Donc pour ce genre de choses, je préfère travailler sur des calques séparés, mais vous pouvez les ajouter au même calque tout en ayant la possibilité de les animer séparément. 38. 4.2-Autres formes: Dans cette leçon, nous allons examiner certaines des différentes propriétés des différents outils de forme. Dans la leçon précédente, nous avons travaillé avec l'outil rectangle standard que vous pouvez utiliser pour dessiner des rectangles évidemment, maintenant je vais juste ajouter, activer l'outil rectangle arrondi. L'outil Rectangle arrondi. Vous pouvez à nouveau simplement cliquer et faire glisser pour obtenir un rectangle arrondi. Maintenant, je maintiens simplement la souris enfoncée pour pouvoir modifier la forme au fur et à mesure que je la dessine. Et je voulais juste vous montrer que vous pouvez augmenter ou diminuer l'arrondi des coins en utilisant les touches fléchées haut et bas. maintenir enfoncé diminue en fait le rayon des coins. Et maintenir la touche flèche vers le haut augmente le rayon des coins. Vous pouvez donc obtenir un rectangle plus ou moins arrondi si vous le souhaitez. Là encore, vous pouvez maintenir la touche Maj enfoncée pour dessiner un rectangle. Vous pouvez utiliser la barre d'espace pour déplacer la forme pendant que vous êtes en train de la dessiner. Et vous pouvez utiliser Control pour dessiner à partir du clic de souris d'origine si vous le souhaitez. Je vais simplement supprimer cette forme en appuyant deux fois sur la touche Suppr. Et j'utilise la touche Suppr deux fois, car selon la sélection actuelle, j'ai ici Shape Layer un et son contenu rectangle un est sélectionné. Maintenant, appuyez sur Supprimer, une fois le contenu supprimé, puis appuyez à nouveau sur Supprimer, supprime le calque réel, ce qui n'est pas obligatoire, mais je préfère recommencer à zéro. Chaque fois que je change de forme. Ensuite, je vais passer à l'outil Ellipse. Je peux simplement cliquer et faire glisser pour dessiner une ellipse. Je peux maintenir la touche Maj enfoncée pour dessiner un cercle. Je peux maintenir l'espace pour déplacer ce cercle pendant que je suis en train de le dessiner. Et je peux utiliser le contrôle pour dessiner le cercle à partir de mon clic de souris d'origine si je le souhaite. Encore une fois, c'est exactement similaire à l'outil Rectangle. Je vais simplement supprimer la forme et la couche, puis passer à l'outil Polygone. L'outil Polygone nous donne initialement un polygone à cinq côtés. Maintenir la touche Maj redresse le polygone car il est toujours proportionnel, car je ne peux pas dessiner de proportions différentes actuellement Je peux donc maintenir la touche Maj enfoncée pour le garder droit. Et notez également que cela se trouve toujours au centre de votre clic de souris d'origine. Je ne fais donc pas glisser depuis un coin vers le centre de la forme elle-même. Et l'utilisation du contrôle ne change rien à ce comportement. Maintenant, je peux toujours, tout en maintenant la souris enfoncée, modifier l'apparence de ce polygone. Par exemple, je peux utiliser la touche haut ou la flèche vers le haut mon clavier pour augmenter le nombre de côtés de ce polygone. Imaginons que je veuille dessiner un triangle. Je réduis simplement le nombre de côtés à trois, ce qui me donne un triangle. Je peux appuyer trois fois vers le haut pour obtenir un hexagone. Je peux donc également modifier le comportement des coins de la forme. Je peux donc utiliser la flèche gauche pour insérer les coins de cette manière. Et je peux utiliser la flèche droite pour les pousser vers l'extérieur pour obtenir des formes comme celle-ci. Comme vous êtes encore en train de dessiner, vous pouvez modifier ces formes comme bon vous semble. Et ces outils sont beaucoup plus polyvalents, alors ils apparaîtraient à l'origine. Je vais simplement relâcher la souris et appuyer sur Suppr, puis à nouveau sur Supprimer. Et notez que lorsque je recommence cliquer et à faire glisser, il se souvient des paramètres du dessin précédent de la dernière fois que j' ai utilisé l'outil. C'est donc quelque chose dont il faut se souvenir. Je vais juste supprimer cette forme ici, puis passer à l'outil Étoile. Et le Star Tool fonctionne de manière très similaire. Je peux donc cliquer et faire glisser pour dessiner une étoile à cinq branches. Je peux utiliser Shift pour le garder droit car je dessine déjà depuis le centre. Je peux utiliser la barre d'espace pour déplacer la forme pendant que je suis en train de la dessiner. Et je peux utiliser la flèche vers le haut pour augmenter le nombre de points dans l' étoile et la flèche vers le bas pour réduire le nombre de points. Je peux également utiliser la flèche gauche pour insérer les coins. Et je peux faire de même avec la flèche droite de l'autre côté pour obtenir ces formes fleuries. Maintenant, une autre chose que je voudrais que vous remarquiez à propos cet outil est que si je maintiens la touche Ctrl enfoncée, je peux réellement augmenter la longueur des points d'étoile. Je ne suis donc pas en train de redimensionner la forme elle-même. Je mets à l'échelle les points des étoiles. Dans ce cas, je vais juste revenir à une forme un peu plus conventionnelle pour une étoile. Comme vous pouvez le voir, maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée sur le Mac me permet de dessiner une étoile comme celle-ci. Comme vous êtes encore en train de dessiner, vous avez beaucoup de contrôle sur l' apparence de la forme réelle. Et vous pouvez effectuer ces opérations tant que vous maintenez le bouton de la souris enfoncé. Alors que nous étions encore en train de le dessiner. Maintenant, en regardant le contenu du calque, j'en ai ici un poly star. Je peux développer les options de Paulista R1, puis passer au chemin des étoiles poly. L'outil Polygone et l'outil étoile me permettent de définir le nombre de points ici. Ainsi, une fois que vous avez réellement dessiné la forme, vous n'êtes pas coincé avec ces proportions réelles. Je peux également modifier le rayon intérieur, comme vous pouvez le voir. Je peux également modifier le rayon extérieur pour modifier la longueur des points. Par conséquent, si vous ne souhaitez pas utiliser ces raccourcis ou vous voulez entrer des valeurs exactes. Vous pouvez toujours modifier tous ces éléments dans paramètres une fois que le calque est réellement dessiné. Et veuillez noter que vous pouvez également tous les animer car ils ont des chronomètres. Vous pouvez donc toujours animer toutes ces propriétés. Le nombre de points, l'encart, le rayon pour l' intérieur et l'extérieur, et la rondeur de l'intérieur et extérieur lorsque vous avez déjà dessiné la forme. 39. 4.3-Ajouter les remplissages et les coups: Dans les leçons précédentes, nous avons déjà envisagé d'ajouter des fonds et des traits, deux objets de forme différents que nous pouvons dessiner dans After Effects. Dans cette leçon, je veux vous montrer que vous pouvez réellement ajouter plusieurs fonds et plusieurs traits et animer différentes propriétés concernant ces fonds et ces traits. Donc ici dans la composition 4.3, ajoutant des fonds et des traits, je vais simplement appuyer sur Q pour l'outil Rectangle. Et je vais juste double-cliquer sur cet outil pour dessiner un rectangle à la taille réelle de la composition. Et c'est parce que je veux qu'un rectangle d' une taille spécifique avec le point d'ancrage soit centré sur la forme elle-même. C'est donc la façon la plus simple de procéder. Avec le calque de forme un sélectionné. Je vais juste développer le contenu du rectangle 1 et aller dans le chemin du rectangle. Je vais dissocier la largeur et la hauteur. Et je vais juste entrer 500 pour la largeur et 500 pour la hauteur. J'ai donc maintenant un rectangle rouge avec un trait de deux pixels, qui est actuellement blanc. De toute évidence, nous ne pouvons pas voir ce trait blanc actuellement car il est sur fond blanc. Mais nous y reviendrons à temps. Je vais donc simplement cliquer sur la couleur de remplissage ici en haut. Et je vais passer dans le spectre bleu et je vais juste choisir quelque chose comme ça. Le code couleur hexadécimal pour cela est 217797 si vous voulez suivre exactement, mais je suis juste en train de sortir ces couleurs de nulle part pour le moment. Ensuite, je vais passer au trait et je vais choisir un peu comme une orange sourde ici, quelque chose comme ça. C D 7934. Et comme il ne fait actuellement que deux pixels de large, ce n'est pas très visible. Je vais donc simplement cliquer sur la valeur de pixel ici en haut et entrer 50%, l' augmenter à 50 pixels. Notez maintenant que les traits se mettent à l'échelle vers l'extérieur et l'intérieur des formes. Donc, si je clique et fais glisser ici, vous verrez qu'il se met à l'échelle à l'intérieur et à l' extérieur en même temps que la valeur de pixel que vous entrez. Maintenant que nous avons cette forme avec ces paramètres de couleur, nous allons simplement examiner le contenu du calque de forme. Actuellement, nous avons un rectangle, un chemin rectangulaire. Et ce calque de forme, ou le contenu du calque de forme, comporte actuellement un contour et un remplissage. Supposons maintenant que je veuille ajouter un trait secondaire au rectangle 1. Pour ce faire, je vais m' assurer que le rectangle de contenu est sélectionné. Ensuite, je peux accéder à ce menu Ajouter, qui n'est visible qu'une fois le calque de forme est réellement sélectionné. Vous pouvez également regarder le contenu du calque de forme, puis cliquer sur Ajouter ici ce petit bouton de lecture, qui vous donne les mêmes options. Encore une fois, assurez-vous que le rectangle 1 est sélectionné si vous suivez , car c'est important pour plus tard. Pourquoi c'est si important. Je vais vous le montrer dans la prochaine leçon. Je vais donc simplement cliquer sur Ajouter et je vais passer en mode AVC. Et cela ajoute un trait blanc de deux pixels à ce même objet. Donc maintenant, dans le rectangle un contenu, je peux réellement passer en trait et je peux créer ce genre de couleur bleutée comme un cyan. 1983 b, f. Et je vais augmenter sa taille à, disons, 30 pixels. Là, nous avons un accident vasculaire cérébral sur notre accident vasculaire cérébral. Et veuillez noter que l' ordre de ces traits de ces objets est important car je peux réellement faire glisser le trait vers le bas d'un endroit et cela le masquera derrière le premier coup. Stroke to est donc toujours là, mais il est caché sous le premier trait. Le deuxième coup est toujours là, mais il est caché, mais beau coup un. Maintenant, je vais ajouter un troisième trait en m' assurant à nouveau que le rectangle 1 est sélectionné la forme réelle à laquelle je veux l'appliquer. Et je vais ajouter un autre trait. troisième trait, encore une fois, est un trait blanc de deux pixels. Donc je vais juste entrer ici et je vais en faire une couleur lisible. Et je vais augmenter la largeur à la moitié des 30, donc 15. Et on y va. Et notez que la largeur du trait est en fait quelque chose que vous pouvez animer. Vous pouvez donc définir ces propriétés comme vous le souhaitez. Je pourrais d'abord animer le trait 1, puis animer le trait à l'interview en saisissant la largeur du trait. Ensuite, caressez trois pour animer ces traits en interview individuellement. Nous allons donc le faire à titre d'exemple. Je suis au début de la chronologie. Je vais juste mettre la largeur de trait du trait un à 0. Et pour l'instant, je vais juste masquer le trait 23 en cliquant sur l'icône du globe oculaire ici. Et puis dans dix images, je veux qu'il passe à, disons 15 images. Je veux qu'il aille aux 50 où il était à l'origine. Je vais donc simplement cliquer sur le chronomètre pour ajouter une image-clé à partir de la largeur du trait. Ensuite, je vais passer à 15 images. Et je vais redéfinir la largeur à 50. Et cela va animer la largeur du trait pour moi. Je vais donc simplement ajouter un peu d'assouplissement ici, un Ease In pour l'image-clé finale et un Ease Out pour la première image-clé. Ensuite, je vais passer à peu près à la moitié de la durée complète de cette animation. Donc, sept images. Je vais réactiver Stroke to, je vais étendre ses options. Je vais créer une image clé de la largeur du trait et la mettre à 0. Ensuite, je vais y aller plus 15 images. Je vais donc passer à 22 images. Ensuite, je vais le remettre à 30, ce qui va également animer ce trait. Et je vais simplement ajouter l'assouplissement approprié. Donc un Ease In pour la dernière image et un Ease Out pour le premier. Puis à peu près à mi-chemin de celui-ci. Donc 15 images. Je vais passer au troisième trait, pour le rendre visible à nouveau. Développez les options pour le troisième trait. Image-clé la largeur du trait, mets-la à 0, passe à plus 15 images, donc 30 images. Ensuite, redéfinissez la largeur du trait sur 15. Ajoutez un peu d'assouplissement. assistant d'images clés facilite l'entrée puis la sortie. Maintenant, la lecture de l' animation va ressembler à ceci. Vous pouvez animer toutes ces propriétés individuelles des calques de forme. Vous pouvez donc ajouter autant de remplissages et de traits que vous le souhaitez. Et vous pouvez animer toutes leurs propriétés ensemble ou individuellement. Encore une fois, dans le chapitre suivant, je vais vous montrer comment cela fonctionne avec l'application traits et de remplissages aux différents niveaux d'un calque de forme. 40. 4.4-Ajouter sur les niveaux: Dans cette leçon, je voudrais expliquer un peu pourquoi vous devez être très précis sur ce que vous sélectionnez dans les propriétés des calques lorsqu'il s'agit calques de forme, de calques de texte également. Mais nous y reviendrons dans un prochain chapitre. Donc ici dans la composition 4.4, ajoutant sur différents niveaux, nous avons ici ce calque de forme qui n'a actuellement qu'un seul trait, le trait brun clair de 50 pixels, le trait orange. C'est le seul AVC actuellement présent. Maintenant, je veux vous montrer ce qui se passe lorsque j' ajoute une autre forme à ce même calque. Donc, avec ce calque sélectionné, je vais saisir l'outil ellipse, et je vais simplement cliquer et faire glisser touche Maj enfoncée pour dessiner un cercle, qui est ajouté à ce même calque de forme. Je vais donc supprimer l'animation de ce trait ici. Je vais donc simplement cliquer sur le chronomètre lorsqu'il est déjà visible. Maintenant, ils sont les mêmes. Ainsi, ces formes individuelles de ce calque ont leurs propres options de contour. Donc, si je développe l'ellipse, vous verrez le trait que je peux influencer séparément du trait du rectangle. Mais il existe également un moyen d'ajouter un trait ou quoi que ce soit à l'ensemble de ce calque, et pas seulement aux objets individuels qu'il contient. Pour cet exemple, je vais m'assurer que le calque lui-même est sélectionné. Donc, pas une ellipse, pas un rectangle, mais le calque lui-même est sélectionné, donc rien d'autre n'est mis en surbrillance ici dans les contrôles de calque. Ensuite, je vais aller dans Ajouter, puis je vais ajouter encore un autre trait. Maintenant, le trait n'est actuellement pas visible car il s'agit d'un trait blanc de deux pixels, ce qui n'est évidemment pas visible ici. Mais notez que le trait est également affiché en dehors de l'ellipse et du rectangle comme s'il avait été ajouté au calque de forme et non à ces formes individuelles. Je vais donc développer le premier trait, et je vais juste choisir une couleur rougeâtre ici à titre d'exemple. Et je vais augmenter la largeur du trait dès qu'elle dépassera 50, car le trait actuellement appliqué à ces deux formes est de 50. Vous verrez qu'il est ajouté aux deux formes. Il est donc ajouté aux deux formes de ce calque. C'est donc quelque chose d' important à garder à l'esprit. Si vous souhaitez appliquer traits distincts aux objets d' un même calque, vous devez vous assurer que ces objets individuels sont sélectionnés si vous souhaitez ajouter quelque chose, car vous ne pouvez pas simplement ajouter des remplissages et vous pouvez également ajouter tous ces différents modificateurs que nous verrons plus tard. Si vous souhaitez les ajouter à tous les objets d'un calque, vous devez vous assurer que ce calque est sélectionné et qu'il n'y a rien dans le contenu individuel. Ainsi, vous pouvez également cliquer et faire glisser ce trait dans l'ellipse 1, par exemple, pour supprimer du rectangle car il est maintenant contenu dans ce groupe d'ellipse 1. C'est donc une façon de changer les traits et de corriger erreurs que vous faites en cours de route. Je peux saisir le trait ici et simplement cliquer et le faire glisser vers le rectangle. Et je peux simplement réduire, une ellipse et développer le rectangle et simplement cliquer et le faire glisser vers le contenu. Et cela va l'appliquer à tout ce qui se trouve dans le calque de forme en une seule fois, une fois de plus. Et juste à titre d'exemple rapide, je vais vous montrer comment cela fonctionne avec l'un des modificateurs. Je vais donc aller dans le menu Ajouter, et je vais saisir le modificateur de torsion. Maintenant, le modificateur de torsion tord n'importe quel objet de cette manière. Donc il le fait tourner en son centre. Et je l'applique actuellement à ces deux formes en même temps. ce moment, je suis juste en train de changer de centre parce que je veux que le cercle soit également affecté. Et c'est déjà une petite animation assez cool que vous pouvez créer en utilisant simplement des images clés. Mais cela affecte actuellement les deux formes car il se trouve au plus haut niveau du contenu. Si je clique et que je le fais glisser dans le rectangle 1, cela n' affectera que le rectangle 1. Et si je clique et que je le fais glisser dans l'ellipse 1, cela n' affectera que l'ellipse 1. C'est ainsi que fonctionnent ces différentes branches d'application d'effets et de modificateurs. Il vous suffit de cliquer dessus et de les faire glisser vers le groupe auquel vous souhaitez qu'ils s'appliquent dans ces calques de forme. Ou vous pouvez les appliquer à tous. Mais il suffit de s'assurer qu'il est appliqué au plus haut niveau du contenu. 41. 4.5-Gradients: Dans cette leçon, nous allons voir comment appliquer des dégradés à nos formes. Et un dégradé, un dégradé de couleurs est essentiellement une couleur qui en une autre couleur qui se transforme en une autre couleur sous forme de dégradé. Et pour appliquer cela à une forme, j'ai ici la composition 4,5 dégradés et j'ai sélectionné le calque de forme. Et pour appliquer un dégradé, vous devez sélectionner une partie du contenu d'un calque de forme. Je vais donc simplement cliquer sur le rectangle un ici. Ensuite, je vais aller dans le menu Ajouter, puis je peux choisir Remplissage dégradé. Maintenant, cela va remplir ce rectangle d'un dégradé de râteau blanc à noir qui suit simplement l' axe des abscisses ici. Nous pouvons modifier ce dégradé en développant les commandes de calque ici pour le remplissage en dégradé. Et puis nous avons quelques options ici. Je peux donc changer le type de dégradé et vous pouvez choisir entre linéaire et radial. Linéaire va juste d' un côté à l'autre, et radial rayonne du centre de la forme elle-même. Je vais juste le remettre en linéaire. Nous avons un point de départ qui détermine point de départ de la transition du dégradé . Vous pouvez influencer cela sur les axes x et y. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez faire pivoter le point de départ du dégradé. Et vous pouvez également le faire pour les points de terminaison, donc le côté noir du dégradé, et si vous le faites glisser dans le moins bascule de l'autre côté, ce qui est quelque chose à prendre en compte tel que vous êtes travailler avec différents dégradés. Nous pouvons également modifier l'opacité. Et ce que vous verrez, c'est que le remplissage dégradé se trouve actuellement au-dessus du remplissage de couleur unie, qui est le bleu. Donc maintenant, en abaissant l' opacité du dégradé, je peux voir à travers le dégradé jusqu'à la couleur, couleur qui se trouve en dessous. C'est donc quelque chose que vous pouvez utiliser pour créer des effets intéressants. Je vais juste le remettre à 100% pour l' instant à des fins de démonstration, vous pouvez également modifier les couleurs d' un dégradé en cliquant sur Modifier le dégradé. Et cela vous amène à l'éditeur de dégradé, que vous connaissez bien si vous avez déjà travaillé avec Photoshop ou Illustrator, ou même InDesign. Ce que je peux faire alors c'est cliquer ici sur la couleur blanche, arrêter en bas à gauche du dégradé. Ensuite, je peux simplement entrer une couleur. Ensuite, je peux cliquer sur le côté noir, le stop de couleur noire et je peux choisir une couleur différente. Ouais, ça va juste être quelque chose comme ça. Vous pouvez également ajouter des couleurs en cliquant simplement en bas de la barre pour ajouter des arrêts. Vous pouvez également donner différentes couleurs, bien sûr, et si vous souhaitez les supprimer, car souvent vous en ajouterez une accidentellement. Si vous cliquez un peu trop ici, vous pouvez simplement cliquer et faire glisser le pointeur vers le bas pour débarrasser de ces arrêts de dégradé. Vous pouvez également modifier la couleur dominante en cliquant et en faisant glisser cette petite icône en forme de losange. Maintenant, le côté gauche du dégradé est plus dominant. Et si je le fais glisser vers la droite, vous verrez que l'autre couleur devient plus dominante. Ainsi, le gradient devient moins prononcé, disons, devient plus graduel et il y a moins d' arrêt difficile si vous augmentez la distance entre les deux. Alors je vais cliquer sur OK, et nous avons ici notre dégradé. Et comme je l'ai dit, vous pouvez modifier l'opacité pour obtenir des effets intéressants. Vous pouvez faire pivoter le dégradé en jouant avec ces paramètres. Et disons que je vais ajouter une autre forme à ce calque de forme. Je vais simplement cliquer sur le contenu dans les contrôles de calque, cliquer et faire glisser pour ajouter un autre dégradé et vous ajoutez une autre forme. Et vous remarquerez que le dégradé n' est pas appliqué à cette forme. Et c'est parce qu'il n'est actif que dans ce rectangle d'un seul groupe. Maintenant, ce que je peux faire, c'est sélectionner le fond dégradé ici, appuyer sur Ctrl C, sélectionner l'outil Rectangle, puis appuyer sur Ctrl V. Au début, visuellement, rien ne se passe et c'est à cause de l'ordre d'empilement de ces remplissages. Ainsi, lorsque j'ai payé quelque chose, l'objet collé devient l' objet le plus bas de ce groupe. Donc maintenant, si je clique et que je le fais glisser vers le haut au-dessus de celui de remplissage, vous verrez qu'il redevient visible. L'ordre de ces articles est donc important. Et si vous appliquez quelque chose et que vous ne le voyez pas apparaître, cela a probablement à voir avec la façon dont les opérateurs sont empilés dans ces formes individuelles. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit. est également important de noter que vous pouvez toujours supprimer les éléments spécifiques. Je peux donc simplement cliquer sur le fond dégradé ici et appuyer sur Supprimer, ce qui le supprime du groupe. Je peux également supprimer ce trait qui s'y trouve et ce remplissage. Et puis j'ai juste le seul chemin qui reste. C'est donc aussi quelque chose que vous pouvez faire. Je vais juste passer à Control Z, ces opérations pour le moment. Vous pouvez également appliquer des dégradés aux traits. Supposons que je sélectionne le rectangle deux ici. Ensuite, je vais monter dans le menu Ajouter et choisir le contour des dégradés. Et cela ajoute un trait de dégradé au-dessus du stock existant. est donc aussi quelque chose qui mérite d'être noté. Si vous avez déjà un trait, il s'affiche juste au-dessus du trait qui s'y trouve actuellement. Maintenant, je peux modifier la largeur du trait. Je peux faire pivoter le dégradé comme ça. Je peux également déplacer le dégradé comme ça. Et je peux évidemment changer les couleurs en cliquant sur Ajouter un dégradé ici ou modifier le soin du dégradé, puis remplir mes propres couleurs comme bon me semble. C'est ainsi que nous travaillons avec les dégradés dans After Effects lorsqu'il s'agit de calques de forme, moins en ce qui concerne le chapitre sur les effets, je vais vous montrer différentes manières d' ajouter des dégradés intéressants pour vos compositions. 42. 4.6-Merge des chemins: À partir de cette leçon, nous examinerons certains des modificateurs que nous pouvons ajouter aux calques de forme, commençant par le modificateur Fusionner les tracés. Merge Paths nous permet de combiner des formes en différentes formes. Et pour le démontrer, j'ai la composition 4.6, Merge Paths. Et dans cette composition, je vais simplement sélectionner l'outil rectangle et assurer que le calque de forme 1 est sélectionné car je veux ajouter la forme au même calque. Je vais simplement cliquer, faire glisser et dessiner une forme. Et comme vous pouvez le voir, les formes se chevauchent. Ils font simplement partie de la même couche. Cela signifie qu'avec l'outil Sélection, je peux les influencer séparément en assurant que je me trouve dans le calque réel. Et quand je clique sur le calque, je déplace tout en même temps. Je peux donc soit sélectionner ces formes individuellement , soit sélectionner le calque dans son intégralité et cliquer et le faire glisser autour ou séparément. Imaginons maintenant que je veuille combiner ces formes d'une certaine manière. Ce que je vais faire ensuite, c'est m'assurer que le calque est sélectionné. Et je vais aller dans Ajouter. Et encore une fois, vous pouvez le faire ici dans les contrôles de calque ou ici en haut où il est écrit Ajouter et je vais ajouter des chemins de fusion. La première chose que vous remarquerez est que lorsque ces formes se chevauchent, les traits disparaissent car il s'agit d' unifier ces formes en une seule forme. Donc ce que je peux faire ici, c'est saisir le rectangle deux. Et comme vous pouvez le voir, où que je le place, le chevauchement est élargi ou réduit. Maintenant, cet opérateur Merge Paths possède plusieurs paramètres différents que nous pouvons modifier. Vous pouvez le trouver ici dans les contrôles de calque où il est indiqué Fusionner les chemins un. Et le mode est actuellement défini sur add, ce qui signifie qu'il ajoute ces deux formes ensemble pour fonctionner comme une seule forme. Maintenant, je peux également choisir Fusionner, qui nous donne cette zone de chevauchement intéressante , disons. Alors, que se passe-t-il réellement ? Ils ne sont plus au-dessus ou en dessous l'un de l'autre comme ils le seraient sans l'opérateur Fusionner les chemins, ils sont maintenant simplement entrelacés. Je peux également choisir Soustraire, et cela va soustraire la forme qui se chevauche, en me donnant cette forme en L ou cette petite forme de Tetris ici. Je peux également choisir l'intersection, et cela ne laissera que la zone des formes qui se chevauchent. ne reste donc plus que le chevauchement. Donc maintenant, si je sélectionne le rectangle un et que je le fais glisser, vous verrez que seul le rectangle un touche le rectangle deux est toujours visible. Je peux également entrer dans Exclure. Exclude fait l'inverse et masque la zone des formes qui se chevauchent. Donc maintenant, si je déplace l'outil rectangle, vous verrez que l'outil rectangle est de découper le rectangle un. En utilisant cela, vous pouvez créer des formes intéressantes. Et surtout si l'on considère que vous pouvez animer tous ces paramètres individuellement ou ensemble , cela ouvre des possibilités intéressantes que je vous encourage vivement à expérimenter. 43. 4.7-Itinéraires décalés: Un autre opérateur qui peut parfois être utile est le chemin de décalage. Et pour cet exemple, j'ai créé la composition 4.7 offset paths. Et ce que je veux montrer ici, c'est ce qui se passe lorsque je veux mettre à l'échelle ces formes, qui font partie du même calque de forme à partir de leurs centres individuels. Maintenant, supposons que je commence à changer l' échelle de ce calque. Ce que vous verrez, c'est que ces calques sont les formes mises à l'échelle vers le centre du calque. Donc pas leurs propres centres. Ils seront toujours mis à l'échelle au centre de la couche elle-même, ce que vous pouvez bien entendu définir avec l'outil Point d'ancrage. Donc si je le mets ici sur ce rectangle, puis je commence à changer d'échelle. Seules les échelles du rectangle fournissent son centre. Et ces autres formes sont également mises à l'échelle vers le centre du rectangle, ce qui n'est pas utile dans ce cas. Disons donc que ces objets doivent se trouver sur le même calque à des fins différentes. Supposons que vous puissiez toujours les dessiner sur des calques séparés. Je voulais juste vous montrer, vous montrer ce qui se passe lorsque vous souhaitez mettre à l'échelle ces formes individuelles sur le même calque. Vous pouvez ensuite utiliser les tracés décalés. Donc, avec le calque sélectionné ici, je vais aller dans le menu Ajouter, puis je vais choisir des tracés décalés. Et la première chose que vous remarquerez, c'est que les couches de la forme sont un peu mises à l'échelle. Et c'est parce que leur chemin, le chemin est décalé. Donc ici, dans les tracés de décalage, que je peux développer dans les contrôles de calque, j'ai un contrôle de quantité, donc je peux augmenter la taille de ces chemins. En fait, les chemins n' augmentent pas eux-mêmes en taille. Vous pouvez toujours voir les chemins ici, mais ils sont visuellement plus petits ou plus grands en fonction des valeurs. Je peux donc cliquer dessus et le faire glisser vers la gauche pour réduire les tracés. Et je peux le faire glisser vers la droite pour les mettre à l'échelle à l'endroit où je veux qu'ils soient. Et c'est essentiellement tout ce que fait cet opérateur. Le cas le plus utile serait de mettre à l'échelle des formes individuelles au sein d'un calque individuel même temps à partir de leurs propres centres. 44. 4.8-Répéteur: L'opérateur de répéteur est pour moi l'un des plus intéressants car il vous permet de créer des choses assez cool avec quelques opérations de base. J'ai donc ici le répéteur composition 4.8, dans lequel j'ai ce simple polygone. Et je souhaite appliquer l'opérateur du répéteur à ce polygone. Je vais donc simplement aller dans Add puis dans Repeater. Et ce que vous verrez, c'est que nous avons maintenant deux copies de cette forme à l'arrière. Donc, ces copies se trouvent à la fin de l'original, disons, et comment elles fonctionnent et combien il y en a, quelle est la distance et le type d'options de transformation qu'elles obtiennent sont déterminées dans le les paramètres du répéteur, que vous trouverez dans les commandes de calque. Actuellement, il est réglé sur trois copies et cela inclut en fait l'original. Donc, si je le change pour un seul exemplaire, il me donne juste celui. Je peux donc simplement cliquer et faire glisser cette forme et faire autant de copies de cette forme que je veux. Et ce n'est pas tout parce que je peux également étendre ces commandes de transformation pour le répéteur et le durcissement. J'ai la position, l'échelle, rotation, l'opacité de départ et l' opacité de fin pour chacune de ces copies. Donc ce que je peux faire ici, par exemple, c'est augmenter la position et vous verrez que l'espacement de chaque copie est alors augmenté. Ce que je peux également faire, c'est augmenter ou diminuer l'échelle de chaque copie en cliquant et en faisant glisser l'échelle, ce qui me donne également un effet assez intéressant. Je peux également modifier la rotation de chaque copie. Et vous remarquerez que elle est éloignée de l'original, plus la rotation sera affichée rapidement. En fait, nous avons ici l'opacité de départ. Et si je baisse ça, le démarrage du répéteur va devenir transparent. Et comme il va vers la droite, disons que l'opacité augmente jusqu'à 100 %. Encore une fois. Si je le remets à 100, vous pouvez voir que j'ai également le même contrôle pour l'opacité finale. Donc maintenant, le début est 100 % opaque ou non transparent, et le début ou la fin est réellement transparent ici. Cela nous permet donc de créer des choses intéressantes. Juste à titre d'exercice pour ce que nous avons fait dans les chapitres précédents, nous allons créer une petite animation de base avec cela. La première chose que nous allons faire est de saisir l'outil de sélection et de cliquer et de le faire glisser légèrement vers la gauche. Je vais mettre le nombre d'exemplaires à six. Et je vais changer la position de ces copies sur 0 initialement pour le début de la chronologie. Ensuite, je vais créer une image clé de la position. Ensuite, je vais entrer dans, et noter que ce n'est pas la position du calque, donc ce n'est pas la touche P. Ce n'est pas le paramètre que vous souhaitez modifier à l'aide de la touche P. Disons que c'est la position du répéteur que nous avons appliquée. Ce n'est donc pas la position du calque, mais la position du répéteur. Alors je vais passer à 1 seconde dans la chronologie, puis je vais augmenter la position X. Donc, la première position à environ 250 pixels. Disons 250 Exactement. OK. Maintenant, nous avons ça. Je vais appliquer un certain assouplissement de base à cela. Alors Ease In pour la fin. Et il est absent pour le départ, et cela nous donne ce résultat. Ensuite, je vais également créer une image clé la rotation de ces formes en allant au début de la chronologie, en cliquant sur le chronomètre pour la rotation. Je vais utiliser la flèche de la position ici pour avancer sur cette même image à 1 seconde. Ensuite, je vais augmenter la valeur de rotation à un, leur donnant une rotation, puis appliquer l'assouplissement standard, donc faciliter l'entrée, la sortie. Et puis nous avons quelque chose comme ça. Et en fait, une rotation peut être un peu trop. Donc, ce que je vais faire, c'est revenir à 1 seconde. Au lieu d'un seul. Je vais juste entrer 90 degrés. Et ça va me donner quelque chose comme ça. Plutôt cool, plutôt cool. J'aime bien ça. Vous pouvez donc expérimenter en utilisant des images clés d'autres propriétés que vous pouvez jouer avec l'opacité de début et de fin, par exemple, euh, mais c'était essentiellement tout l'exercice, pas seulement en appliquant ce répéteur, mais aussi en démontrant que vous pouvez réellement animer toutes ces différentes propriétés comme vous le souhaitez. 45. 4.9-Parcours de parure: L'opérateur trim paths est extrêmement utile et il est utilisé si souvent que vous l'avez probablement vu des centaines de fois dans la vraie vie sans vous en rendre compte. Il est utilisé pour donner l' impression qu'une forme est en train d'être dessinée. Et ici, dans le chemin de coupe de la composition 4.9, j'ai ce calque de forme contenant, contenant un polygone. Et notez que ce polygone n'a qu'un trait. Il n'a pas de remplissage. Pourquoi il n'y a pas de remplissage ? Je vous expliquerai tout à l'heure. Donc ici, sur ce calque de forme, je vais appliquer l'opérateur des tracés de coupe. Je vais donc simplement aller dans le menu Ajouter , puis dans les chemins de coupe. Et au départ, rien ne se passe car nous devons entrer dans les paramètres que vous trouverez sous les contrôles de calque. J'ai donc ici le chemin de coupe et voici quelque chose auquel je veux vraiment que vous fassiez attention car il a une valeur de départ et une valeur finale. C'est quelque chose de très courant dans After Effects. C'est également le cas lorsque vous travaillez avec des calques de texte. Le concept de travailler avec un début et une fin est donc important. Alors fais attention. La valeur de départ est actuellement définie 0 et la valeur n est définie sur 100. Maintenant, lorsque je commence à changer la valeur de départ, vous verrez que la ligne commence à disparaître progressivement. La ligne disparaît complètement lorsque les deux valeurs sont à 100 %. Cependant, il disparaît également lorsque les deux valeurs sont définies sur 0 %. Cela signifie simplement qu' une fois que les valeurs sont 0 et que vous commencez à animer l'une d'entre elles, l'animation fonctionne dans le sens inverse, l' animation se déroule dans le sens des aiguilles d'une montre, peu importe laquelle de ces deux valeurs vous changez. Si les deux valeurs sont à 100 et que vous commencez les animer, l' animation s'effectue dans le sens inverse des aiguilles d'une montre. Si vous souhaitez animer quelque chose, animer le chemin de coupe dans le sens inverse des aiguilles d'une montre, vous devez tous les deux mettre les deux valeurs à 100. Et si vous voulez les animer dans le sens des aiguilles d'une montre, commencez l'animation à 0, puis travaillez à partir de là. Je vais juste passer à 100 pour l'instant et je vais juste vous montrer comment je peux animer cette animation, qui est la même que pour n'importe quelle autre animation. Je vais juste cliquer sur le chronomètre pour la valeur de départ. Ensuite, je vais passer à 1 seconde dans la chronologie et cliquer dessus et le faire glisser jusqu'à 0. Et vous pouvez facilement cliquer dessus et le faire glisser de 0 à 100 sans soucier qu'il dépasse cette valeur, car 100 est la valeur maximale et 0 est la valeur minimale. J'ai donc déjà cette animation ici. Vous pouvez également appliquer un peu d'assouplissement à cette animation. Donc le Ease Out pour le début et l' Ease In pour la fin. Et vous pouvez très facilement créer une animation comme celle-ci. Maintenant, je veux que vous suiviez avec moi et que vous supprimiez simplement le chemin de coupe pour le moment. Je vais juste appuyer sur Supprimer pour le supprimer. Et maintenant je vais dupliquer cette forme. Je vais donc cliquer sur l'étoile polaire dans le contenu du calque et appuyer sur Ctrl D ou Commande D sur le Mac. Et cela reproduit l'étoile poly. Avec cette deuxième étoile poly sélectionnée, je vais simplement cliquer et faire glisser vers la gauche. Et je vais juste déplacer celui-ci un peu vers la droite. Et disons que je vais juste reproduire celui-ci encore une fois. Je vais donc simplement cliquer sur le polystyrène pour appuyer sur Ctrl D pour dupliquer, sélectionner la troisième étoile poly et simplement cliquer et faire glisser ici. Elles sont donc à peu près alignées. Et maintenant, je vais ajouter un chemin de coupe au calque, non une de ces étoiles poly individuelles. Ce sont en fait des polygones. C'est une histoire un peu étrange pourquoi on l'appelle une étoile poly. Là-dedans. L'outil étoile et l' outil polygone ne formaient qu'un seul outil. Et vous devez spécifier ici dans les contrôles de couche s'il s'agit d'une étoile ou d'un polygone. Maintenant, vous pouvez toujours le faire. Vous pouvez aller dans le chemin de l'étoile poly, puis choisir un polygone ou une étoile. Mais tu ne l'as pas fait. Vous aviez auparavant un outil Star distinct. C'est pourquoi on l'appelle étoile poly, car il peut s' agir d'un polygone ou d'une étoile. Dans tous les cas, nous avons ici ces trois polyesters, et je vais appliquer l'opérateur des chemins de coupe au calque lui-même. Ainsi, avec le calque sélectionné, non ces étoiles poly individuelles, je vais aller dans le menu Ajouter, puis choisir Couper les chemins. Maintenant, lorsque je vais dans Trim Paths et que je commence à modifier la valeur de départ, vous verrez qu'ils s' animent tous en même temps, ce qui peut être quelque chose que vous voulez. Mais il se peut aussi que vous souhaitiez qu' elles s' animent séparément, l'une après l'autre. Donc, ce que je peux faire, c'est aller là où il est dit de découper plusieurs formes. Ensuite, je peux le changer individuellement. Maintenant, une fois que je commencerai à changer la valeur, vous verrez que la troisième étoile poly commence à s'animer en premier. La deuxième étoile, le polystyrène commence à s'animer en deuxième position. Et les premiers polys commencent en fait à s'animer en dernier. Et c'est à cause de l'ordre d'empilement de ces Paulista, les nôtres. Disons donc que je vais mettre les polys commençant par en haut et les poly étoiles trois en bas. Maintenant, vous verrez que nous obtenons le 1 de gauche en premier. Oh attends, en fait je les permute. On y va. Maintenant, nous les avons animés l'un après l'autre, d'abord le numéro deux, puis le numéro trois, puis le numéro un. Comme je viens clairement de le démontrer, vous devez garder un œil sur l'ordre d'empilement des objets de forme dans chaque calque. Mais cela vous permet de créer ces petites animations dessinées à la main. Disons. Vous ne voulez pas exagérer la durée de ces animations, exemple lorsque vous avez comme un dessin, vous voulez animer les choses dans le cadre assez rapidement. Mais c'est quelque chose que j'utilise très souvent. Il est très flexible dans de nombreuses situations. Donc, le chemin de coupe est quelque chose que je vous recommande vivement d'expérimenter. Une dernière remarque sur la raison pour laquelle ces objets n'ont qu'un trait et non un fond. C'est parce que l'effet se rompt lorsque les objets ont un remplissage. Je vais donc simplement cliquer sur le calque de forme ici. Et je vais entrer dans la couleur de remplissage, et je vais juste entrer dans cette étoile poly ici. Et je vais aller dans Ajouter, puis je vais simplement ajouter un remplissage. Peu importe le remplissage. Et maintenant je peux copier ce contrôle de remplissage C et coller ici dans le poly star trois et un poly star one. Maintenant, lorsque vous commencez à utiliser des tracés de rognage sur des objets avec un remplissage, vous obtenez ceci. Et ça n'a pas l'air bien du tout. exemple, l'effet du trait dessiné est complètement éclipsé par ce remplissage de forme de remplissage au fil du temps. Je vous recommande donc ne pas utiliser de remplissage lorsque vous utilisez cet effet. 46. 4.10-Wiggle transformée: Un autre opérateur intéressant est la transformation Wiggle. Et pour cela j'ai ici la composition quatre points dix wiggle transform. Et avec le calque sélectionné, donc pas le contenu, même s'il ne contient qu' une seule étoile poly. Je vais aller dans le menu Ajouter et aller dans Wiggle Transform. Maintenant, la transformation Wiggle ne fait rien au départ. Je dois donc aller dans ces paramètres ici. Et la transformation Wiggle nous permet en fait de créer des animations sans utiliser aucune expression ni aucune image-clé. Donc, si nous pouvons modifier les différentes propriétés d'une couche en modifiant simplement ces valeurs. Nous avons ici des mouvements par seconde, des mouvements par seconde. Une corrélation, une phase temporelle, une phase spatiale et une amorce aléatoire. Vous n'avez pas vraiment besoin de comprendre ce que signifient toutes ces valeurs. Il suffit de savoir lesquels il faut changer pour changer l'animation. Au début, comme je l'ai dit, rien ne se passe tant que je étends pas les commandes de transformation ici, ce qui nous donne le point d'ancrage, la position, l'échelle et la rotation. Le seul qui nous manque, disons entre crochets est l'opacité car elle n' a rien, aucune donnée spatiale, disons un point d'ancrage, une position, une échelle et la rotation le font. Alors. Supposons que je change la position Y ici. Et je vais mettre ça à environ 50. Oh attends, c'est le point d'ancrage que je suis en train de changer en ce moment. Je vais donc simplement changer la position Y à environ 50. Et maintenant, une fois que je commence à lire la timeline, j'ai déjà une animation tordue. Dans le chapitre précédent, nous avons déjà examiné l'expression Wiggle. C'est donc une façon de faire en sorte qu'une forme se comporte ainsi sans avoir à utiliser l'expression. Et oui, cela ne s'applique qu'aux calques de forme, mais de nombreuses animations se composent uniquement de calques de forme. C'est donc quelque chose de très utile à savoir. Je vais également modifier la valeur d' échelle à, disons, environ 40 % et la valeur de rotation à environ 45 %. Disons. Maintenant, quand je joue la timeline, j'ai déjà cette animation, qui n'est pas particulièrement sophistiquée, mais il se passe quelque chose à l'écran. Et c'est souvent quelque chose que vous voulez, disons, pour éléments d' arrière-plan ou les jeux d'icônes que vous essayez d'animer. C'est donc quelque chose que vous pouvez utiliser pour placer animation aléatoire sans avoir à trop réfléchir à l'emplacement des images-clés et à leur comportement. Maintenant, une fois que je commencerai à changer les mouvements par seconde, il commencera à s'animer beaucoup plus rapidement. Maintenant, c'est neuf fois par seconde au lieu de deux. Et si je le mets à un mouvement par seconde, il se comportera beaucoup plus lentement. Maintenant, la corrélation est liée aux valeurs ici en haut. Il passera exactement à ces valeurs lorsqu'il est réglé sur 100 %. Et il peut varier entre n'importe quelle valeur, entre 050 pour la valeur de position. Par exemple, s'il est défini sur, s'il est défini sur 0, la phase temporelle déplace en quelque sorte l' endroit où se produit l'agitation. Et la phase spatiale fait même pour la position, la rotation et l'échelle réelles de l'objet. Une graine aléatoire applique un randomiseur à toutes ces valeurs pour les rendre un peu plus aléatoires, disons, mais si vous voulez un contrôle plus précis, la graine aléatoire à 0. Il s'agit donc de la transformation Wiggle, que vous pouvez utiliser pour transformer de manière aléatoire n'importe quelle forme au sein de vos calques de forme. Vous pouvez maintenant appliquer ces deux formes individuelles dans un calque de forme ou sur le calque de forme en général. Donc, si je créais une forme secondaire dans ce calque de forme, je pourrais avoir l'une conforme à une transformation par oscillation et l'autre non pas en la plaçant dans le groupe, en cliquant simplement sur et traînant. Ou je peux appliquer différentes transformations Wiggle si je les applique séparément aux formes. 47. 4.11-Autres opérateurs: Dans cette leçon, nous allons examiner les opérateurs restants que nous pouvons ajouter à nos calques de forme, car ils ne contiennent pas beaucoup d' options et de paramètres. Nous pouvons donc parler de plusieurs d'entre eux en une seule leçon. J'ai ici la composition 4.11 autres opérateurs qui contient ce polygone à cinq côtés. Et ce que je vais faire, c'est aller dans le menu Ajouter avec le calque de forme sélectionné, bien sûr. Et puis je vais aller à Pucker and Bloat. Maintenant, le pucker et le ballonnement sont ajoutés aux contrôles de calque. Et ce que vous remarquerez, c'est que les coins de l'objet sont déjà arrondis, tout comme les côtés sont légèrement gonflés. Et c'est parce qu'ils sont gonflés. faisant glisser ce curseur pour le montant vers la droite, En faisant glisser ce curseur pour le montant vers la droite, il va gonfler le calque de forme et faire glisser vers la gauche va plisser le calque de forme. Donc cliquer et faire glisser vers la droite me donne initialement cette forme de fleur. Et le faire glisser au-delà de ça, au-delà des limites du trait, ça va me donner une fractale géniale comme celle-ci. Maintenant, en cliquant et en le faisant glisser vers la gauche, la forme se plie. Et cela resserre les bords de la forme jusqu'à ce que vous dépassiez ses limites. Et encore une fois, vous obtenez cette forme fractale une fois que vous commencez à l'animer. Et bien sûr, vous pouvez l'animer en utilisant simplement le chronomètre, comme nous l'avons fait avec de nombreux réglages précédents. Je vais simplement supprimer le pucker et le ballonnement en cliquant dessus et en appuyant sur Supprimer sur mon clavier. Ensuite, je vais revenir dans le menu Ajouter, puis regarder les coins arrondis. Maintenant, l' opérateur coins arrondis les coins des objets afin que je puisse étendre ses options ici dans les contrôles de calque. Et j'ai un curseur de rayon ici. Et si je clique dessus et que je le fais glisser vers la droite, cela augmentera l' arrondi des coins. Et le fait de cliquer et de le faire glisser vers la gauche diminue l'arrondi des coins jusqu'à ce que je revienne à la forme d'origine. donc pas un opérateur très intéressant, mais si vous voulez arrondir les coins d'un objet avec des coins droits, c'est quelque chose que vous pouvez utiliser. Il suffit de supprimer cet opérateur en appuyant à nouveau sur Supprimer , puis de nouveau dans le menu Ajouter. Ensuite, nous allons examiner le rebondissement. La torsion met en quelque sorte la forme dans un mixeur, traînant le long de ses bords. Je vais donc étendre ses options ici et ici nous avons deux paramètres que nous pouvons modifier. Ici. J'ai l'angle qui va augmenter la quantité de mélange, disons. Et ici, j'ai la possibilité de changer l'endroit où l' effet est centré. Et ça va nous donner quelque chose génial comme ça. Vous n'avez donc pas besoin de dessiner les formes manuellement. Vous pouvez simplement les créer et passer de l'un à l'autre en utilisant ces paramètres. Et bien sûr, vous pouvez les encadrer car le réglage dispose d'un chronomètre. Maintenant, je vais supprimer cette torsion en appuyant sur Supprimer et en remontant dans le menu Ajouter, nous allons examiner le chemin de mouvement, qui fonctionne de manière très similaire à la transformation par tremblement que nous l'avons vu dans une vidéo précédente. Cela va rendre les bords autour de cette forme plus tordus. Et je peux élargir ses options. Et nous en avons un peu plus que dans les précédents. Je peux changer la taille pour changer la destination des points par rapport à l'effet. Je peux modifier la quantité de détails, ce qui augmentera le nombre d' arêtes de l'objet. Je peux changer le coin pour lisser pour créer une forme plus lisse le long de chaque bord. Et voici les commandes d'animation. Alors maintenant, il est écrit ici, tortillements par seconde. Cela signifie qu'une fois que j'ai lu la timeline, nous avons déjà une animation. Je peux changer ce numéro pour un. Et cela va ralentir l'animation. Donc maintenant, nous avons déjà ce genre de germe bactérien qui flotte dans l'air des médias ici, ce qui peut donner un effet intéressant ou peut être un élément de fond intéressant, disons. Je vais donc simplement supprimer ce chemin d'oscillation parce que le reste des paramètres fonctionne exactement de la même manière que la transformation Wiggle dont nous avons déjà parlé dans une vidéo précédente. Et je vais retourner dans le menu Ajouter puis nous allons regarder le dernier, le zigzag, qui fonctionne de la même manière que les chemins de mouvement et la transformation par tremblement, mais ce n'est pas le cas animer automatiquement pour vous. Donc en élargissant les options pour le zigzag, nous avons ici la propriété size qui va rendre les bords plus pointus. Et si je veux qu'ils soient arrondis, je peux changer les points de coin à lisse. Et ça va me donner cet effet. Notez que ce genre de choses n'est pas toujours aussi beau avec un trait plus épais. Permettez-moi donc de réduire la taille du trait à environ cinq. Disons. Ça a l'air un peu différent. Je ne dirais pas nécessairement mieux, mais c'est différent. Vous pouvez modifier les crêtes par segment, ce qui augmentera le nombre de points qui s'étendent à partir de son centre. Ce sont tous les opérateurs. Tous ces éléments ne sont utiles ou pratiques dans la plupart des cas, mais je voulais vous les montrer tous par souci d' exhaustivité. 48. 4.12-Le stylo: Dans les leçons précédentes, nous avons examiné les outils de forme par défaut dont nous disposons dans After Effects. Il existe également un autre outil que nous pouvons utiliser pour créer des formes, l'outil plume. La plupart des programmes Adobe ont une version de l' outil Plume, et je dois dire que je suis le moins impressionné par le fonctionnement de l' outil Plume dans After Effects. Ce n'est pas très flexible. Il manque une partie de la finesse de l'outil plume dans des programmes tels que Photoshop et en particulier Illustrator. Mais cela fait toujours partie du programme. Nous l'utilisons toujours pour certaines choses et c'est pourquoi je veux le souligner dans cette leçon. L'outil stylo ici est cette icône de stylo plume que vous trouverez dans la barre d'outils à droite des outils de forme irrégulière. Et lorsque je clique dessus, nous avons les mêmes paramètres que ceux que nous avons vus pour les autres outils de forme. Nous avons un remplissage et un trait que nous pouvons modifier. Vous pouvez donc cliquer ici pour changer la couleur du remplissage, et vous pouvez cliquer sur le mot remplissage pour changer le type de remplissage, et il en va de même pour le trait. Désormais, l'outil Plume peut être utilisé pour dessiner lignes droites ou des courbes. En ce qui concerne les lignes droites, l'outil fonctionne exactement de la même manière que dans les autres programmes Adobe. Les problèmes surviennent lorsque vous commencez à dessiner des courbes, ce que nous aborderons dans un petit moment. Maintenant, pour dessiner des lignes droites il suffit de cliquer dans la composition pour créer un point d'ancrage. Donc, un seul point actuellement. Maintenant, cliquez ici pour tracer une ligne entre ces deux points. Et une fois que j'ai ajouté une troisième ligne, donc lorsque nous passons d'une dimension à deux dimensions, vous verrez qu'After Effects commence à remplir cette forme, qui est la couleur de remplissage que nous avons définie ici en haut. Maintenant, je peux continuer à cliquer pour continuer à dessiner ma forme. Vous pouvez également le dessiner sur lui-même car il passe au point suivant. Et voici le premier sommet. Ainsi, le premier sommet sur lequel nous cliquons, le premier point d'ancrage est mis en surbrillance ici. Et une fois que vous passez votre souris dessus, vous verrez un curseur différent. Vous verrez une petite icône représentant un petit cercle à côté du curseur. Ainsi, lorsque vous cliquez, vous fermez le tracé et la forme est maintenant complète. Une fois cette forme dessinée, vous pouvez sélectionner ces points et simplement cliquer dessus et les faire glisser. Si vous voulez ajouter des points, vous pouvez en fait survoler le trait et simplement en ajouter un ici, lequel je peux également cliquer et faire glisser. Et si vous souhaitez supprimer des points, vous pouvez survoler l' un des points maintenant la touche Ctrl sous Windows, commande sur Mac, puis cliquer pour supprimer le point, puis la connexion est établie avec le point suivant de la ligne. Maintenant, avant de vous montrer comment créer des courbes à partir de zéro, je vais vous montrer comment convertir ces lignes droites en courbes. Je vais donc maintenir la touche Alt ou Option enfoncée sur Mac. Et cela va me donner outil de conversion du point d'ancrage, comme ce petit triangle vide. Et cliquer sur l'un de ces coins le transforme en courbe de Bézier, ou courbe de Bézier. Maintenant, la partie gauche de cette courbe est régie par cette poignée que j' ai ici à gauche. Et la bonne partie est régie par la bonne poignée. Et une fois que je commencerai à cliquer et à faire glisser ça, vous verrez qu'il est très difficile d' influencer un côté mais pas l'autre. Disons que je souhaite que cette partie de la courbe reste la même, et que je veuille simplement changer cette courbe. Maintenant, en utilisant la touche Maj, cela nous donne un peu plus de contrôle. Vous avez donc un peu plus de contrôle sur celui que vous influencez, mais il est extrêmement difficile de le faire correctement. Très souvent, lorsque j'ai besoin d'utiliser quelque chose que je dois dessiner avec un stylo, je choisis de le dessiner dans Illustrator, puis de copier et coller cette forme dans After Effects, ce que je vais vous montrera dans l'une des prochaines leçons. Tout en maintenant la touche Alt enfoncée, vous pouvez cliquer sur ces points d'ancrage pour les convertir en courbes. Et inversement, vous pouvez à nouveau cliquer sur Alt pour les convertir en lignes droites. C'est donc quelque chose que tu peux faire. Si vous cliquez et faites glisser accidentellement l'un d'entre eux, vous pouvez toujours cliquer sur Alt pour le transformer en ligne droite ou en courbe. Maintenant, je vais simplement supprimer le calque de forme en cliquant dessus dans les commandes de calque et en appuyant sur Supprimer. Et maintenant je vais vous montrer comment dessiner des courbes. Et c'est très inexact rapport à la façon dont cela fonctionne dans Illustrator, comme je l'ai déjà dit. Je vais donc cliquer ici une fois pour dessiner un seul point, puis déplacer légèrement vers la droite jusqu'au milieu de la composition. Et puis, au lieu de cliquer, je vais cliquer et faire glisser. Le comportement de cet outil est un peu étrange au premier abord. Il faut s'y habituer. Parce que si vous faites glisser le pointeur vers le bas à droite, la courbe ira en fait en haut à gauche. Et dessiner en haut à gauche va déplacer la courbe vers le bas à droite. Il faut donc un peu d' entraînement pour vraiment avoir une idée de ce décalage de maintien, vous pouvez tracer la ligne exactement en diagonale pour créer une courbe régulière, comme je l'ai fait ici. Maintenant, dans les autres programmes Adobe, vous verrez maintenant un aperçu de ce que fera votre prochain clic. Il y aurait donc ce que l' on appelle un élément élastique, qui afficherait la courbe suivante. Comme une fois que vous cliquez et faites glisser un point d'ancrage comme celui-ci, il n'y a pas qu'une seule poignée pour ce côté. Il dispose également d'une poignée pour la prochaine courbe. Je vais donc cliquer un peu plus loin ici. Et cela va faire descendre la courbe comme ça parce que cette poignée est étendue vers le bas à droite. Maintenant, je peux essayer de cliquer et de le faire glisser ici. Mais cela affectera également l'autre ligne si vous ne faites pas attention. Ce n'est donc pas très facile à travailler à mon avis. Je peux donc continuer à cliquer et parfois à cliquer et à faire glisser pour donner des courbes aux objets. Disons quelque chose comme ça. Et le fait de cliquer et de faire glisser sur la première me permet également de modifier cette courbe, mais cela change également cette courbe. Et c'est juste un comportement très gênant pour ce tabouret. C'est exactement comme ça que ça fonctionne ici dans After Effects. Dans un chapitre ultérieur, je vais vous montrer comment utiliser l'outil plume pour créer des masques sur une vidéo réelle. Mais c'est essentiellement ainsi que fonctionne l'outil. La version Aftereffects de l'outil plume n'est ni la meilleure ni la plus complète. Mais si vous avez besoin de dessiner une forme à main levée, c'est un outil que vous pouvez expérimenter. 49. 4.13-Copier d'Illustrator: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment copier une forme d'Illustrator dans After Effects. Ainsi, dans les fichiers d'exercices de ce chapitre, vous trouverez cette copie du fichier 4.13 de Illustrator.ai. Et dans ce document, j'ai créé cette forme relativement simple, qui serait plus difficile à dessiner dans After Effects en raison du fonctionnement de l'outil Plume, comme je l'ai expliqué dans la leçon précédente. Maintenant, dans Illustrator, je vais simplement copier cette forme en appuyant sur Ctrl C ou Command Z sur le Mac. Et puis je vais revenir directement à After Effects dans la copie de la composition 4.13 d'Illustrator. Au départ, cela ne peut pas simplement être collé, donc je ne peux pas simplement appuyer sur la touche Ctrl V pour l'intégrer à cette composition. Pour cela, j'ai besoin d'un calque de forme pour appliquer également cette forme. Donc ce que je vais faire, c'est prendre l'outil stylo ici en haut. Et je vais simplement créer un seul sommet en cliquant approximativement ici, qui crée simplement un point unique dans un calque de forme. Et maintenant je vais coller la forme en utilisant le contrôle V. Maintenant, j'ai utilisé le contrôle V. Et si vous regardez le contenu que nous avons ici, formez un et un chemin que je peux simplement éditer comme bon me semble ici dans After Effets. Je peux donc supprimer des points d'ancrage si je le souhaite, je peux convertir des points d'ancrage si je le souhaite en cliquant simplement sur Alt, en cliquant dessus. Et cela les convertit tous dans ce cas. Mais vous pouvez récupérer ces formes d'Illustrator dans After Effects, condition qu'elles ne soient pas trop complexes. S'il s'agit d'une forme plus complexe, il existe un moyen différent, plus productif ou plus efficace de convertir vos calques d' illustrateur en formes d'effets secondaires, que je vais vous montrer dans la prochaine leçon. 50. 4.14-formes à partir de couches vectorielles: Dessinez votre illustration dans Illustrator avant de l' importer dans After Effects et de commencer à animer. C'est une façon de travailler très agréable car la composition After Effects est en fait liée au fichier Illustrator. Ainsi, toutes les modifications que vous apportez au fichier Illustrator seront également reflétées dans After Effects. Mais parfois, vous souhaitez disposer des outils d'édition de forme d' After Effects pour les éléments que vous avez dessinés dans Illustrator, car vous souhaitez animer certaines propriétés ou les appliquer . différents opérateurs que nous avons examinés dans les leçons précédentes de ce chapitre. Ce que je vais vous montrer maintenant, c'est d' importer un document Illustrator , puis de convertir cette illustration Illustrator en formes After Effects. Donc, ce que je vais faire, c'est simplement double-cliquer sur un espace vide dans le panneau de projet ici. Et cela va ouvrir la boîte de dialogue d'importation. Et dans les fichiers d'exercices, vous trouverez 4.14 formes issues de calques vectoriels. Et je vais simplement cliquer sur Importer ici. Ensuite, je vais l' importer en tant que composition avec Footage Dimensions, taille de calque. Et une fois que j'aurai cliqué sur OK, cela me donnera une nouvelle composition. Et ce que vous verrez également dans le panneau Projet, c'est que ce dossier a été créé et contient tous les calques individuels de ce document Illustrator. Je vais donc ouvrir cette composition en double-cliquant dessus dans le panneau Projet. Et nous avons ici ces calques d' illustrateur, que vous n'avez vus dans une leçon précédente sur la parentalité ? Je crois que c'était, hum, mais ce document était basé sur un document Illustrator, que vous pouvez voir ici. J'ai donc ici toutes ces différentes couches. Et le fait d'avoir ces éléments sur différents calques me permet de les animer individuellement dans After Effects. Imaginons maintenant que je souhaite créer des formes réelles à partir de ces calques d'illustrateur dans After Effects. Je peux donc utiliser tous les outils et opérateurs d'édition de formes d'After Effects. Ce que je peux faire ensuite, c'est sélectionner tous ces calques en cliquant et en faisant glisser ou en contrôlant a ou en commandant J sur le Mac pour tout sélectionner. Ensuite, je peux cliquer avec le bouton droit de la souris sur l'un d' eux, puis aller dans Créer. Ensuite, je peux choisir Créer des formes à partir d'un calque vectoriel. Et une fois que j'ai cliqué dessus, After Effects trace les calques de l'illustrateur et les transforme en formes After Effects. Ici. Et j'ai maintenant la possibilité de changer cet objet, de le remplir ou de le tracer, ou d'ajouter différents opérateurs si je le souhaite afin de pouvoir y appliquer un plissement et un gonflement pour obtenir une forme d'anneau différente ici. Vous pouvez donc utiliser tous ces outils par défaut pour les formes de ces calques d'Illustrator, car ils sont maintenant convertis en vecteur After Effects. Ce que je fais maintenant, c'est simplement sélectionner ces calques d'illustrateur qui sont automatiquement masqués lorsque vous utilisez cette fonction lorsque vous convertissez en formes d'effets secondaires. Parce que je n'en ai plus besoin dans ma composition. Je vais donc sélectionner tous les calques de l'illustrateur , puis appuyer sur la touche Suppr pour m'en débarrasser. Et puis j'ai juste mes séquelles, mes formes. 51. 4.15-formes à partir du texte: Dans cette dernière leçon de ce chapitre, je souhaite simplement vous montrer rapidement que vous pouvez également convertir du texte modifiable en formes réelles afin de pouvoir leur appliquer des opérateurs ou animer leurs différentes propriétés. Donc ici dans la composition pour 0,15 formes à partir de textes, j'ai ce calque de texte qui dit simplement After Effects, comme vous pouvez le lire. Maintenant, je veux vous montrer que vous pouvez simplement modifier ce texte en double-cliquant dessus si vous le souhaitez. Comme je l'ai dit, nous reviendrons là-dessus dans le chapitre suivant. Mais pour l'instant, je vais simplement revenir à l'outil Sélection afin que le calque soit sélectionné et non le texte lui-même. Maintenant, pour convertir ce texte en formes afin que nous puissions commencer à appliquer nos opérateurs et nos animations. Nous pouvons cliquer avec le bouton droit sur le calque, dans les contrôles de calque, puis aller dans Créer, puis vous pouvez choisir Créer des formes à partir du texte. Il existe également la possibilité de créer des masques à partir de textes, mais nous y reviendrons dans le chapitre sur l'ajout de masques. Créez donc des formes à partir de textes. En fait, il masque le calque de texte lui-même. Et maintenant, il affiche ces contours des séquelles. Et After Effects outlines est le nom de ce calque, car c'est ce que dit le texte lui-même. Dit, du moins parce que maintenant ce n' est plus du texte modifiable. Il s'agit simplement d'un ensemble de formes qui ressemblent à du texte. Donc, si je développe le contenu de ce calque de forme , car il s'agit d'un calque de forme. Vous voyez maintenant les lettres individuelles ici. Maintenant, ces lettres individuelles sont en fait composées de plusieurs formes en raison fonctionnement du masquage ou de la construction de formes dans After Effects. Donc ce a n'est pas seulement la forme d'un a, il contient également un triangle pour ce trou dans le a, disons que des formes composites comme celle-ci contiennent en fait plusieurs aspects différents. Donc en élargissant ce a, vous pouvez voir que je peux cacher celui du haut. Et ça va juste me montrer le triangle. Et je peux cacher celui du bas. Et cela va en fait cacher le triangle. Il s'agit donc d'une forme composite, laquelle nous avons déjà examiné les différents modes d'ajout de formes à d'autres formes. Et c'est ainsi que ces couches de forme sont composées. Maintenant que vous avez ces contours de forme ou ces contours de texte, vous pouvez modifier leur couleur de remplissage. Vous pouvez aller dans le menu Ajouter et ajouter différents modificateurs si vous souhaitez y ajouter des effets géniaux. Et cela vous donne juste un peu plus de flexibilité pour animer certains types de choses qui sont différentes de ce que vous pouvez réellement animer en utilisant les animateurs de texte, que nous verrons dans le prochain chapitre. 52. 5.1-type aperçu des outils: Dans ce chapitre, je vais vous apprendre comment travailler avec du texte dans After Effects. Et pour commencer, j' ai ici la vue d'ensemble du calque de texte composition 5.1 dans le fichier de projet, chapitre cinq, fichier principal. Maintenant, avant de commencer avec les textes, je veux juste m'assurer que notre texte aura la même apparence lorsque nous commencerons à le saisir. Donc, ce que je vais faire c'est simplement activer l' outil Type ici en haut. Et si vous êtes dans l'espace de travail par défaut, vous aurez un panneau de caractères et un panneau Paragraphe. Et ce que je veux faire, c'est réinitialiser les panneaux de caractères et de paragraphes dont nous disposons pour la mise en forme par défaut du texte. Pour ce faire, je peux aller dans ce petit menu de hamburgers en haut à droite du panneau de caractères, puis aller jusqu'en bas où il est écrit « réinitialiser les caractères ». Si vous faites cela, vous obtenez le Times New Roman normal par défaut en 36 pixels. La couleur du texte par défaut doit également être définie sur le noir. Si ce n'est pas le noir, vous pouvez toujours cliquer sur la couleur de remplissage du texte et placer simplement le sélecteur de couleur en bas à gauche. Je vais cliquer sur OK pour sortir de là. Ensuite, j'ai également voulu réinitialiser les options de paragraphe. Je vais donc aller dans le panneau des paragraphes, aller dans le menu, puis choisir Réinitialiser le paragraphe pour obtenir les options par défaut. Maintenant, en passant, vous pouvez maintenir la souris enfoncée sur l'outil de texte ici en haut, et également choisir un outil de texte vertical. Donc, si vous voulez taper du texte verticalement, vous pouvez le faire en utilisant cet outil au lieu d'avoir à placer chaque caractère sur sa propre ligne avec l'outil de texte horizontal. Il existe désormais deux manières de saisir du texte dans After Effects. Ce que je peux faire, c'est soit cliquer sur la composition et cela me donnera une ligne de texte infinie. Cette ligne continuera donc à aller à l'infini et elle ne se brisera pas vers une nouvelle ligne. Supposons que je veuille annuler ma saisie de texte pour le moment en appuyant sur Échap. Et cela supprime simplement le calque de texte. Donc ça me débarrasse juste des textes que je saisissais. Au lieu de simplement cliquer, vous pouvez également cliquer et faire glisser pour obtenir un cadre de texte. Il s'agit donc d'un texte de paragraphe et le texte va passer à une nouvelle ligne, à la ligne suivante. Lorsqu'il atteint le bord de cette zone de texte, vous pouvez toujours modifier la taille et l'orientation de cet extrême si vous le souhaitez, tout en continuant à saisir le texte. C'est donc quelque chose d' utile si vous souhaitez que le texte ne couvre qu'une certaine zone. Pour l'instant, je vais appuyer à nouveau sur Échap , puis cliquer une fois. Ensuite, je vais simplement taper After Effects, CC 2022. Maintenant, supposons que je veuille mettre en forme un peu ce texte. Ce que je vais faire ensuite, c'est cliquer trois fois dans le texte pour sélectionner tout le texte de cette ligne. Ensuite, nous allons examiner le panneau des personnages. Le panneau Caractère contient bon nombre des options que vous connaissez peut-être dans Illustrator, Photoshop et InDesign, à quelques exceptions près. Maintenant, la première boîte de dialogue consiste à choisir une police. Vous pouvez élargir cette liste pour obtenir une liste gigantesque de polices, toutes les polices disponibles sur votre système ou via Creative Cloud, polices Adobe, que j' aborderai dans une vidéo ultérieure. Vous pouvez également cliquer à l'intérieur de la police actuelle , puis rechercher des polices. Je vais donc chercher Myriad Pro, et c'est moi, vous êtes un D. Et je vais faire défiler vers le bas jusqu'à Myriad Pro Regular pour le moment. Et vous montrerez ensuite que vous pouvez également modifier la couleur du texte ici. Je peux donc cliquer sur ce remplissage noir qui va me faire apparaître le sélecteur de couleur et ensuite je peux choisir un bleu plus clair comme ça. Ce que vous pouvez également faire dans After Effects, et je vais juste zoomer un peu en utilisant la molette de la souris, c'est appliquer un trait de texte pour qu' il y ait un trait le long de chaque caractère. Donc pour cela, je vais mettre le trait au premier plan ici en cliquant dessus puis en cliquant à nouveau dessus pour obtenir le sélecteur de couleurs. Et je vais juste choisir un rouge plus clair ici, puis cliquer sur OK. Comme vous pouvez le voir, le texte est maintenant surligné d'un trait rouge. L'épaisseur de ce trait est déterminée un peu plus bas dans la boîte de dialogue. Il est actuellement défini sur un pixel. Vous pouvez également modifier la taille du trait. Pour l'instant, je n'ai pas vraiment envie d'un coup sur mes textes. Je vais juste m'en débarrasser en le faisant glisser complètement vers la gauche. Nous avons maintenant la taille du texte, qui dans After Effects est basée sur les pixels. Il n'est donc pas basé sur des points comme dans les autres programmes Adobe, mais sur des pixels. Et je peux augmenter la taille du texte à environ 125 pixels. Et ça va donner un texte légèrement plus gros. La boîte de dialogue à côté de la taille du texte est la hauteur de ligne, que nous ne pouvons pas voir actuellement car nous n'avons qu'une seule ligne. Pour le démontrer, je vais simplement entrer dans le cadre de texte en cliquant une fois pour que le curseur de texte soit juste en face de CC, puis appuyez Entrée pour placer ce texte sur sa propre ligne. Maintenant, en les sélectionnant. Des lignes. Encore une fois, je peux maintenant augmenter ou diminuer la hauteur de ligne en cliquant et en faisant glisser cette valeur ou en saisissant quelque chose manuellement. Et je vais juste revenir aux étapes utilisant Control Z. Ensuite, nous arrivons au crénage du texte. Et le crénage est un concept un peu étrange pour la plupart. Fondamentalement, avec le crénage, vous pouvez déterminer les distances entre les caractères. Disons donc que je pense que ces deux lettres sont trop proches l'une de l'autre. Ce que je peux faire, c'est simplement saisir cette valeur et cliquer dessus et la faire glisser. Ensuite, je peux modifier les distances entre les personnages. Donc, si le texte ne vous semble pas tout à fait correct et que vous souhaitez modifier la distance individuelle des caractères. C'est quelque chose que vous pouvez utiliser avec la boîte de dialogue de crénage. Maintenant, vous pouvez également utiliser les touches Alt pour cela. Donc, si vous maintenez la touche Alt enfoncée, puis utilisez les touches fléchées gauche et droite. Vous pouvez également modifier le crénage tant que les textes ne sont pas sélectionnés. Maintenant, en sélectionnant à nouveau le texte en cliquant trois fois, je vais regarder le suivi du texte. En modifiant le suivi, vous modifiez les distances de tous les caractères sélectionnés. Je peux donc les espacer en même temps. Lorsque vous avez une sélection de textes, comme je le fais actuellement, vous pouvez utiliser Alt et les touches fléchées pour modifier le suivi du texte. Il s'agit donc d'un raccourci contextuel qui dépend de la sélection ou non d' un texte. Nous avons déjà examiné les options de course. Nous allons maintenant examiner les options de mise à l'échelle, ce que je n'ai jamais utilisé dans aucun des programmes Adobe. Ils offrent tous la possibilité de mettre à l'échelle les caractères. Mais si vous ne redimensionnez pas la largeur en même temps que la hauteur, vous obtiendrez du texte déformé. Ça n'a pas l'air bien. Donc, si vous voulez des textes plus grands, augmentez simplement la taille en pixels et n'utilisez pas les valeurs d'échelle. Disons donc que je vais mettre l'échelle verticale à 120 %, ou disons 150. Cela va simplement étirer le texte verticalement de 50 %. Il en va de même pour l'étirement horizontal. Je peux donc entrer un 150 et cela va juste textes à l'échelle sur l'axe horizontal. Nous avons ici un changement de base qui me permet de placer le texte plus haut sur la ligne de base. Et ce n'est pas particulièrement utile dans cette situation particulière. Mais si vous voulez que certains textes restent plus haut sur la ligne de base, c'est quelque chose que vous pouvez faire en sélectionnant simplement le texte pertinent. Ensuite, nous avons un Zoom, une valeur propre à After Effects. Et c'est essentiellement comme le tracking et le crénage. C'est basé sur un pourcentage, une valeur en pourcentage au lieu d'une valeur de pixel. La somme est donc actuellement fixée à 0 %. Si je commence à augmenter cette valeur, vous verrez que les espacements individuels des caractères sont réduits de 100 %. Ils sont donc 100 % plus proches uns des autres qu'ils ne le sont à une valeur de 0 %. Au fait, ce sont toutes des listes déroulantes. Vous pouvez donc également choisir des valeurs exactes si vous ne souhaitez pas les saisir manuellement. Maintenant, nous avons quelques boutons ici en bas, que vous pouvez également connaître d'autres programmes Adobe, je peux activer le faux gras, ce qui rend le texte un peu plus épais. Nous avons également un faux italique, qui fait pivoter le texte sur la ligne de base. Donc, si vous n'avez pas de variante en gras d'une certaine police, ou la plus audacieuse, pas assez audacieuse. Ou si vous n'avez pas de variante en italique d'un texte d'une police, vous pouvez utiliser ces options. Je vous déconseille de le faire. Si vous souhaitez utiliser du texte en italique, utilisez simplement la version italique de la police. Si vous n'en avez vraiment pas disponible et que vous insistez pour avoir du texte en italique, vous pouvez utiliser cette option. Nous avons ici toutes les majuscules, ce qui transforme toutes les lettres en majuscules. Nous avons également des petites majuscules, qui gardent les majuscules en majuscules ordinaires et minuscules en majuscules plus petites, ce que j'utilise assez souvent parce que j'aime à quoi ça ressemble. Nous avons également un exposant qui place le texte plus haut sur la ligne de base et réduit l'échelle de 70  %, je crois que c'est le cas. Et puis nous avons également un indice qui place les textes plus bas sur la ligne et les met également à l'échelle de 70 %. Vous les utiliseriez donc pour répertorier les sources ou vous utiliseriez le super script pour les mesures, par exemple, des mètres carrés ou des kilomètres cubes ou tout ce que vous voulez. Maintenant, nous avons également quelques options de paragraphe ici pour démontrer que c'est assez simple. Actuellement, le texte est aligné à gauche, ce qui signifie que si je le souhaite, je vais simplement contrôler C. Les textes, copiez-les. Entrez une nouvelle ligne en appuyant sur Entrée. Et je vais juste supprimer le cc de la ligne du bas et les effets de la ligne médiane. Juste pour que nous ayons une mise en forme différente ici afin que vous puissiez voir les différences de mise en forme. Désormais, les règles de paragraphe sont appliquées au paragraphe dans lequel vous vous trouvez actuellement. Ici, j'ai essentiellement trois paragraphes car chaque cœur entre est un nouveau paragraphe. Ce que je peux faire ici, c'est centrer le texte et le faire sauter vers la gauche, ce qui est un peu étrange, mais c'est exactement comme ça que fonctionne l'alignement des textes dans Photoshop et After Effects. Je peux également écrire aligner le texte, ce qui le fait sauter un peu plus loin, ce qui signifie que vous devez déplacer le cadre de texte pour l'amener là où vous voulez être. Nous avons également les options de justification qui ne sont actuellement pas disponibles car je travaille avec du texte ponctuel. Les textes de ligne s'étalent donc sur plusieurs lignes. Si j'avais une zone de texte, ces options seraient disponibles. Maintenant, nous avons ici quelques options pour les indentations. Je peux donc mettre les textes en retrait à partir de la gauche. Je peux également mettre le texte en retrait par la droite, ce qui ne fonctionne pas actuellement car il s'agit essentiellement d'un cadre de texte infini jusqu'en dehors de l'écran. Je peux également mettre en retrait l' espace avant un paragraphe, ce que je peux démontrer en plaçant le curseur de texte dans le deuxième paragraphe. L'augmentation de cette valeur augmente donc l'espacement avec le paragraphe précédent. Et puis nous avons également un espace après, qui augmente l'espace après le paragraphe actuel. Maintenant, je ne recommande pas de travailler avec beaucoup de texte ou de gros textes, des textes dans After Effects parce que vous voulez le garder lisible et ne pas trop faire lire les gens. Je veux dire, la vidéo est un outil de communication visuelle que vous pouvez utiliser et s'appuyer sur de nombreux textes a tendance à fatiguer les gens. Je recommande donc de ne pas utiliser de grandes zones de texte. Mais si vous devez utiliser beaucoup de textes, ces options sont à votre disposition. Maintenant, une fois que vous êtes satisfait de vos textes, vous pouvez passer à n'importe quel autre outil et cela validera le texte. Vous pouvez également appuyer sur Ctrl+Entrée pour confirmer un texte. Donc, si je me trouve dans une zone de texte, je peux appuyer sur Ctrl+Entrée, ce qui confirme ma saisie de texte. Si vous souhaitez modifier le texte, vous pouvez soit double-cliquer sur le calque de texte ici dans les commandes de calque. Vous pouvez également, lorsque l'outil de sélection est actif, double-cliquer sur un texte pour passer à l'édition. Ou vous pouvez simplement utiliser l'outil de saisie et cliquer une fois sur le texte. Et cela vous place également dans l'édition de texte. Ce sont essentiellement les options de texte que nous avons dans After Effects. Dans la prochaine vidéo, nous allons aborder l' animation de notre texte. 53. 5.2-Texte animer: Dans cette leçon, nous allons commencer à animer notre texte. Et l'animation des textes peut se faire de plusieurs manières. Dans After Effects. J'ai ici la composition cinq points pour animer des textes. Et voici ce cadre de texte que nous avons créé dans la leçon précédente. Et je vais regarder les contrôles de couche où nous avons deux listes déroulantes pour ce calque de texte, nous avons une liste déroulante de texte, que nous examinerons plus tard, et une liste déroulante Transformer. Je peux maintenant développer cette liste déroulante Transformer. Et nous voyons ici les mêmes commandes de calque que celles que nous avons eues pour toutes les autres couches de ce cours jusqu' à présent. Nous avons le point d'ancrage, la position, l'échelle, la rotation et l'opacité. Voici donc la touche T pour l'opacité. P pour la position, S pour l'échelle, R pour la rotation et a pour point d'ancrage. Ils ne sont donc pas différents des autres contrôles de calque que nous avons examinés jusqu'à présent. Ainsi, vous verrez qu'une fois que je commencerai à changer l'opacité, l'opacité de l'ensemble du calque de texte change, donc tout est influencé en même temps. Maintenant, ce qui est souvent fait dans After Effects pour un type d' animation un peu plus dynamique est d' animer en fonction caractères, de mots ou de lignes. Et c'est quelque chose que vous pouvez absolument faire sans ajouter d'effets réels à ce calque en ajoutant des animateurs à nos calques de textes. Les animateurs peuvent être ajoutés en cliquant sur ce bouton dans les contrôles de calque où il est écrit « animer ». Et lorsque vous cliquez sur Animer, vous pouvez choisir différents types d'animateurs. J'ai ici l'animateur spatial, de rotation et d'opacité. Ainsi, l'opacité, la position et l'échelle sont asymétriques. Skew est en fait en train de l' incliner sur la ligne de base. Ou je peux ajouter un animateur pour toutes ces propriétés. Je peux animer, la couleur de remplissage, couleur du trait, la largeur du trait et différentes propriétés de texte telles que le suivi ou l'interligne, que vous pouvez également utiliser pour rendre les textes d'animation plus dynamiques . Pour l'instant, nous allons rester simples et je vais simplement choisir Opacité. J'ai donc envie d'animer ces personnages, interviewer les uns après les autres et pas tous en même temps, comme je ne serais pas capable de le faire avec les contrôles de calque. J'ai donc ici un animateur, et l'animateur contient deux éléments, le sélecteur de plage et une valeur d'opacité. Actuellement, l'opacité de tous les caractères est définie sur 100 %. Donc quand je commencerai à diminuer ce chiffre, vous verrez tous les personnages disparaître. Et c'est ce que nous voulons. Et ce n'est pas non plus ce que nous allons utiliser ici parce que je veux les animer séparément et pas toutes en même temps. Nous allons maintenant examiner le sélecteur de plage. Et cela revient à ce que je vous disais avec l'opérateur de tronçonnage avec lequel nous avons travaillé dans le chapitre précédent, car nous avons une valeur de départ et une valeur finale. Maintenant, lorsque ces propriétés sont disparates, donc lorsqu'elles ne sont pas les mêmes, le texte a juste la valeur d'opacité que nous avons choisie ici. Mais quand je commencerai à les rapprocher, donc quand je commencerai à augmenter la valeur de départ, vous verrez qu'elle augmente quel pourcentage, quel pourcentage du texte est réellement visible ? Donc, quand je le mets à 50, 50 % de tous les personnages sont actuellement visibles. Et c'est quelque chose que nous pouvons créer une image clé parce que nous avons un chronomètre ici. Donc, au début de la chronologie, je vais simplement cliquer sur le chronomètre Démarrer. Je vais passer à 1 seconde dans la chronologie, puis je vais changer la valeur à 100. Et maintenant, quand je joue la timeline, vous verrez que tous les personnages animent les uns après les autres, au lieu d'être en même temps, ces animations fonctionnent comme n'importe quelle autre animation. Si vous voulez l'allonger, je peux simplement déplacer cette image-clé vers la droite. Et si je veux raccourcir l'animation, je peux la déplacer vers la gauche. Bien que. Je vais simplement annuler ces deux dernières étapes à l'aide de Control Z. Maintenant, je vais ajouter une animation secondaire pour laquelle j'aimerais avoir un animateur secondaire. Je ne veux donc pas que cet animateur ait le même sélecteur de plage, car je voudrais peut-être faire quelque chose de légèrement différent avec le timing de l'animation. Et le sélecteur de plage est ce que nous saisissons. Je ne peux donc pas avoir deux sélecteurs de plage différents pour le même animateur. Donc, ce que je vais faire, c'est aller à l'endroit où il est dit animer et m'assurer que l'animateur n' est pas sélectionné. Je souhaite donc que cet animateur ne soit pas sélectionné. Je vais donc simplement cliquer sur le texte en haut. Ensuite, je peux aller animer et choisir la position. Maintenant, j'ai un animateur secondaire ici dans les commandes de calque avec son propre sélecteur arrangé. Et ce que je vais faire, c'est placer tous les textes légèrement plus haut qu'ils ne l'sont actuellement. Par souci de clarté, je vais faire avancer légèrement la chronologie pour que le texte soit réellement visible. Donc, après l'endroit où l' animation d'opacité a lieu, je vais cliquer et faire glisser la valeur y. Donc la valeur de la position secondaire. À gauche jusqu'à environ moins 140 pour le placer plus haut, car une valeur y plus faible pour la position signifie qu'elle est plus élevée dans la composition. Et maintenant je vais revenir au début de la chronologie et saisir le sélecteur de plage. Et quand je déplace la valeur de départ, attendez, laissez-moi juste avancer un peu pour que le personnage soit réellement visible. Vous verrez que je peux les animer vers le bas en utilisant cette valeur de départ. Ainsi, le fait de ramener les valeurs de début et de fin à la même valeur annule fondamentalement ce que vous faites avec ces animateurs. Je vais donc créer une image clé du début ici. À 0 seconde. Je vais passer à 1 seconde, puis je vais changer la valeur de départ à 100. Et ce que vous allez maintenant voir, c'est que pendant l'animation d' opacité, l'animation de position a également lieu. Ces deux animateurs travaillent donc en même temps. Maintenant, ce que je pourrais faire, c'est démarrer l'animation de position un peu plus tard que l'animation d' opacité, ce qui nous donnera ce genre d'effet comme si le Texas tombait vraiment de rien. C'est donc une petite astuce sympa que vous pouvez faire et vous pouvez ajouter des animateurs pour n'importe quelle propriété, propriété que vous voulez. Cela anime toujours leur position. Je pourrais toujours animer leur échelle si je le voulais. Vous pouvez ajouter ces animateurs et simplement jouer avec les images clés que vous ajoutez au sélecteur de plage pour obtenir des résultats variés. Et la variation que vous pouvez faire avec cela est fondamentalement infinie car vous pouvez ajouter plusieurs animateurs avec la même propriété, par exemple. Je pourrais donc d'abord animer leur position de cette manière, puis plus tard dans la timeline, je peux animer leur position d'une autre manière en utilisant un animateur différent. C'est donc très flexible, un peu transparent en tant que nouvel utilisateur. Mais une fois que vous avez compris ce que fait réellement ce sélecteur de plage, c'est-à-dire les valeurs de début et de fin, il devient si utile qu'il n'y a fondamentalement rien concernant les textes que vous Je ne peux pas animer. Une autre chose que je veux vous montrer est que nous animons actuellement en fonction des personnages. Chaque personnage s' anime individuellement. Il est également possible d'animer en fonction mots ou de lignes. Et pour cela, il faut aller dans les options avancées du sélecteur de plage. Je vais donc aller dans l'onglet Avancé du sélecteur de plage. Et ici, j'ai basé sur deux caractères, qui est la valeur par défaut. Je vais donc simplement développer cela et ensuite je pourrai choisir des mots. Parce qu'il y a une animation secondaire. Je veux aussi que cet animateur, ce sélecteur de plage soit réglé sur des mots. Je vais donc développer l' animateur pour passer à avancé et également définir cela des caractères aux mots. Et maintenant, nous obtenons cet effet. Ce n'est pas très lisse. Je pourrais ajouter un peu d'assouplissement à cette position, par exemple. Mais c'est la base du fonctionnement de ces animateurs dans After Effects. Maintenant, pour plus de clarté, je vais supprimer l'animateur, un animateur en fait, donc je vais cliquer sur Animer ou deux, appuyer sur Supprimer, et nous n' aurons plus que notre animation d'opacité. Maintenant, je veux vous montrer ce qui se passe lorsque vous choisissez différentes valeurs avec ces points de début et de fin. Disons que je vais supprimer, supprimer les images-clés pour commencer. Je vais donc simplement cliquer sur le chronomètre et regarder ce qui se passe lorsque je clique et que je fais glisser la fin vers 0 au lieu de commencer vers 100. Vous verrez que je suis en train d'animer de droite à gauche. C'est donc tout à fait quelque chose que vous pouvez faire. Une fois que ces valeurs sont toutes deux à 0, vous pouvez animer à nouveau le début pour le faire repartir de gauche à droite. Ainsi, tant que vous placez des images-clés sur ces valeurs, vous pouvez simplement jouer avec elles et les faire apparaître et les sortir de vous de différentes manières. 54. 5.3-Préréglages: After Effects contient une vaste bibliothèque de préréglages d'animation textuelle que vous pouvez utiliser depuis le programme. Et vous les trouverez dans le panneau Effets et paramètres prédéfinis, qui devrait faire partie de votre espace de travail par défaut. Si ce panneau n'est pas présent dans votre interface, vous pouvez toujours aller dans le menu Fenêtre, puis choisir Effets et préréglages pour l'intégrer aux panneaux de droite. Donc les préréglages de textes, vous trouverez dans les préréglages d'animation le dossier supérieur ici. Ensuite, vous pouvez aller dans les préréglages, puis vous pouvez aller dans le texte. Ensuite, vous pouvez accéder à l'une de ces différentes catégories. Mais nous allons nous concentrer sur l'animation dans. Malheureusement, ces effets ne peuvent pas être prévisualisés. Vous devez les appliquer pour voir ce qu'ils font réellement ici dans After Effects. Donc ce que je peux faire ici, c'est saisir le centre, centre, la spirale par exemple. Et je vais simplement cliquer dessus et le faire glisser ce cadre de texte ici. Et cela va automatiquement appliquer l'animation. Cette animation ressemble à ceci. Ce n'est pas quelque chose que j' utiliserais dans un contexte pratique, mais ce n'est qu'un exemple. Vous ne pouvez pas savoir ce qu'ils font réellement avant de les appliquer à moins d'avoir installé Adobe Bridge. Au fait, j'utilise simplement Control Z pour annuler l'application de l'effet. Maintenant, je veux vous montrer comment vous allez, comment vous pouvez les prévisualiser au lieu de parcourir toute la liste à la recherche de quelque chose qui vous plaît. Et au fait, il n'y en a pas beaucoup dans cette liste que j'aime. Je trouve que beaucoup d'entre eux sont trop occupés, un peu PowerPoint, si vous voyez ce que je veux dire. Mais ils sont mis à votre disposition dans le programme à des fins différentes. Je veux donc vous montrer ceci dans un souci d'exhaustivité. Donc pour accéder à l'aperçu, je vais aller dans le menu hamburger du panneau Effets et préréglages. Ensuite, je peux choisir Parcourir les préréglages. Et cela va ouvrir Adobe Bridge et m'amener au dossier Effects, le dossier des préréglages. Ici, je peux cliquer sur Texte et animer. Et maintenant, j'ai ici ces différents éléments et je peux cliquer dessus pour avoir un aperçu dans le panneau d'aperçu. Ici, je peux chercher quelque chose qui me plaît. Disons que je vais choisir les caractères de fondu en haut, qui sont une simple animation d' opacité. Et quand je veux l'utiliser, je peux retourner dans After Effects et rechercher simplement les personnages en fondu. Ensuite, je clique dessus et je le fais glisser vers le calque de texte. Maintenant, l'animation est déjà appliquée. Donc, lorsque je joue l'animation, nous obtenons ceci et cela se déroule en deux secondes. Maintenant, ce que je voudrais vous montrer, c'est que ces préréglages sont basés exactement sur les mêmes principes que ceux que nous avons examinés dans la leçon précédente. Ce sont donc des animateurs et des sélecteurs de plage qui sont automatiquement appliqués pour vous. Ainsi, lorsque je développerai le menu texte, je peux aller dans l'animateur. Et ici, j'ai un sélecteur de gamme. Et c'est la valeur qui est en fait des images-clés. Il s'agit donc essentiellement de la même animation que celle que nous avions créée dans la leçon précédente. Au départ, au moins avec l'animation d'opacité, sauf qu'elle se déroule sur deux secondes au lieu d'une. Donc, si je veux augmenter la vitesse de l'animation, il suffit de cliquer et de faire glisser l'image-clé secondaire jusqu'à 1 seconde. Permettez-moi d'être un peu plus précis avec ces valeurs. OK, on y va. Maintenant, même si ce préréglage est appliqué, je peux toujours ajouter des animateurs supplémentaires pour obtenir des résultats différents. Imaginons que je choisisse Animate, puis que je choisisse la mise à l'échelle. Maintenant, j'ai un animateur séparé et je vais animer à partir de 0 %. Je vais donc simplement modifier les valeurs d'échelle à 0. Et si vous en changez un, vous pouvez changer l'autre automatiquement grâce à cette icône de maillon de chaîne. Ensuite, je vais aller dans le sélecteur de plage et je vais sur image-clé pour commencer. Passez à 1 seconde, puis passez à 100. Vous verrez que les personnages passent désormais de 0 à 100 % individuellement. Cependant, il s'agit d'une mise à l'échelle à partir du centre même de notre composition. Vous ne pouvez pas vraiment le dire parce que l'animation se déroule si rapidement. Mais ces personnages, comme depuis le côté gauche de l'animation, sont mis à l'échelle d'ici. Et quand nous atteignons la barre des 50 %, ils commencent à évoluer de cette façon, qui n'est pas exactement ce que j'aimerais. Donc, ce que je vais faire, c'est entrer dans les options de chemin ici. Excuse-moi. Nous allons passer à d'autres options. Et je vais changer le regroupement des points d'ancrage de ligne en caractère. Et maintenant, ils s'adaptent individuellement. C'est quelque chose que j' avais prévu de vous montrer dans une autre vidéo, le regroupement de points. Mais en fait, cela fonctionne très bien. Je peux aussi choisir un mot. Et ce que vous verrez alors, c'est qu'ils se mettent à l'échelle à partir du centre du mot, ce qui peut également être un effet cool. Tant que les mots ne sont pas trop longs. Mais je pense que pour l'instant, je les préfère au niveau des personnages. Cela ne s'applique en fait qu'à l'animation et rotation, car le regroupement des points d'ancrage détermine l'emplacement point d'ancrage de chaque personnage. Ainsi, lorsqu'il est défini sur caractère, il se trouve en bas de chaque caractère individuel. Et quand elle se dirige vers elle se trouve au centre du mot. Et quand il est sur la ligne, il est réglé au centre de la ligne. C'est donc un petit addendum comme vous pouvez le voir, mais il est utile de savoir d' où viennent réellement ces animations viennent réellement et ce que font réellement ces préréglages. Je n'utilise pas ces préréglages. J'ai également d'autres moyens d' animer des textes en plus de ce que nous avons vu jusqu'à présent. Mais je vais vous les montrer dans le chapitre sur les plug-ins pour After Effects, où nous examinerons Animation Composer. 55. 6.1-À propos de la 3D dans After Effects: Dans ce chapitre, nous allons travailler avec la 3D. Et dans cette première leçon, je vais simplement vous donner une brève introduction sur le fonctionnement réel de la 3D dans After Effects. Essentiellement, nous obtenons un troisième axe le long duquel nous pouvons transformer des objets. Nous avons déjà examiné l'axe des abscisses pour les valeurs horizontales et l'axe des y pour les valeurs verticales. Donc la troisième dimension, la dimension va nous donner de profondeur dans nos compositions pour les calques que nous créons en 3D. Et c'est quelque chose que nous devons faire activement , et nous allons commencer par ici dans la composition 6.1 sur la 3D dans After Effects. Pour créer un calque, un calque 3D, nous allons regarder ce petit interrupteur ici dans les contrôles de calque, c'est ce petit cube, la dernière colonne de ces icônes, disons une fois que je bascule ceci et la forme est réellement sélectionnée, vous verrez ce widget pop-up. Maintenant, ce widget me permet de contrôler directement l'objet dans les trois dimensions. J'ai ici la flèche verte pour l'axe Y. J'ai la flèche rouge pour le Z, pour l'axe des x, nous avons ici une flèche bleue, qui n'est actuellement pas très bien visible. Il est pointé vers notre appareil photo. Il est donc pointé vers notre point de vue, c'est pourquoi nous ne pouvons pas le voir avec précision pour le moment. Maintenant, avant de poursuivre, je vais jeter un coup d'œil à certains contrôles de calque. Je vais donc d'abord appuyer sur P pour la position. Et vous remarquerez qu'en plus des valeurs X et Y, nous avons maintenant une troisième valeur pour l'axe Zed. Maintenant, la position Z déplace les objets plus loin de nous si nous l'augmentons et plus près de nous ou de la caméra lorsque nous la diminuons. Ainsi, lorsque je commencerai à augmenter cette valeur de zed, vous verrez l'objet se réduire. Et ce n'est pas parce que son échelle est en train d'être modifiée. Sa position dans l'espace Z, dans l'espace 3D est en train d'être modifiée, donc elle s' éloigne de plus en plus de nous en ce moment. Une fois que je commencerai à me rapprocher, vous verrez que la taille semble augmenter et c'est parce qu'elle est rapprochée de la caméra. Je vais donc simplement contrôler Z, ces étapes pour revenir à la position Z précédente de 0. Et maintenant, nous allons examiner la rotation. Et une fois que nous appuyons sur R pour la rotation, vous verrez des valeurs très différentes. La valeur de rotation pour les couches 2D n'a qu' une valeur de rotation pour le nombre de rotations et une valeur pour le nombre de degrés. Maintenant, nous avons ici l'orientation et la rotation des x. Maintenant, dans l'un des exemples de ce chapitre, je vais développer un peu la différence entre l' orientation et la rotation supplémentaire. L'orientation est essentiellement un moyen d' orienter plusieurs objets vers un certain angle. Et il se termine également à 360 degrés. Ainsi, après 360, il revient à 0. Et la valeur de rotation peut être n'importe quelle valeur que je veux. Maintenant, ce que vous remarquerez, c'est qu'une fois que je commencerai faire pivoter cet objet le long de l'axe , par exemple, vous verrez qu'il a de la profondeur. Maintenant, il pivote de 68 degrés sur l'axe Y. Cela me donne un angle de vue sur l'objet, et c'est quelque chose que nous n'avions jamais vu auparavant. Et cela nous permet également de voir la flèche de l'axe z. Ainsi, avec l'outil de sélection, je peux cliquer et faire glisser cette flèche et déplacer le long de cet axe. Je peux également le faire pivoter le long de n'importe quel axe de mon choix en saisissant cette partie du widget, le cercle. Je peux également le faire pour l'axe des ordonnées et l'axe des abscisses. Je peux donc le faire pivoter dans l'espace 3D. Je peux également le mettre à l'échelle dans l'espace 3D. Je peux donc le mettre à l'échelle avec cette petite icône de cube. Je peux également le faire sur l'axe Zed, mais cela ne fonctionne pas avec nos paramètres de composition actuels, que nous aborderons dans une vidéo ultérieure. Mais je peux le mettre à l'échelle selon les axes pour obtenir des résultats différents. Et c'est essentiellement ce qu'est la 3D. Nous ajoutons une troisième dimension le long de laquelle nous pouvons transformer des objets. Maintenant, vous pouvez toujours désactiver la 3D sur un calque spécifique en le basculant simplement pour le transformer en calque 2D. Une fois que vous l'avez réactivé, il ne se souvient plus de ses options de transformation précédentes. Cela réinitialise toutes les transformations et animations possibles que vous avez appliquées avec des images clés. Une fois que vous avez désactivé la 3D et que vous l'avez réactivée. C'est donc comme si vous ajoutiez des images clés. Une fois que vous aurez cliqué sur un chronomètre contenant des images-clés, vous supprimerez ces images clés et va de même pour les transformations 3D. Voilà donc les bases de la pensée en 3D, ajoutant un troisième axe. Et dans la prochaine vidéo, je vais vous parler de la navigation dans l'espace 3D. 56. 6.2-naviguer dans l'espace 3D: Lorsque vous travaillez dans une scène 3D, tout n'est pas toujours comme il paraît. Et pour le démontrer, j'ai créé la composition 6.2, naviguant dans l'espace 3D, afin que nous puissions réellement commencer à nous déplacer dans l'espace 3D. Maintenant, j'ai ici ce rectangle que nous avons également vu dans la leçon précédente. Il s'agit déjà d'un objet 3D et ses options de transformation sont toutes définies par défaut. Ce que je veux vous montrer, c'est qu' il y a en fait quelque chose dans la composition que nous ne voyons pas actuellement à cause de notre point de vue, parce que nous regardons directement ce rectangle . Et une fois que nous commencerons à changer d'angle de vue, vous verrez qu' il y a en fait autre chose dans la scène. Vous ne seriez pas en mesure de le savoir au départ en regardant le panneau des calques car j' ai mis en place certaines options pour masquer le calque du mieux que j'ai pu. Mais ce que je vais faire ici, c'est récupérer cet outil en haut, l'outil Orbit Around Scene. Vous pouvez également saisir l'orbe autour curseur ou l'outil de point d'intérêt de la caméra. Mais nous allons juste, je vais juste utiliser l'outil Orbit, Orbit Around Siem pour le moment. Et à l'aide de cet outil, je peux cliquer et faire glisser et changer ma perspective de la scène. Nous voyons donc ici qu' il y a en fait un deuxième rectangle devant ce rectangle, qui est légèrement plus petit, mais dont la position z est plus basse. C'est donc plus proche de la caméra. Et selon votre angle de vue, il semble que ce soit le même rectangle, mais il s'agit en fait de deux rectangles dont l'un est déplacé dans l'espace 3D. Maintenant, j'ai fait ça en faisant en sorte que le gars timide ici soit actif. Donc, une fois que j'ai cliqué sur ce petit gars timide, le calque redevient visible. Et j'avais également verrouillé le calque pour m'assurer que vous ne l'aviez pas sélectionné. Utilisation de l'outil Orbit around scene. Je peux simplement tourner autour de la scène et la regarder sous différents points de vue. Maintenant, il n'existe aucun moyen vraiment rapide de réinitialiser cette caméra par défaut à la position par défaut. Mais je peux aller dans le menu des calques en haut, puis choisir caméra, puis réinitialiser la caméra par défaut. Et ça va me donner la vue par défaut normale. Donc, si vous orbitez autour de la scène avec cet outil, juste pour voir différemment où se trouvent les objets dans l'espace 3D, vous pouvez toujours revenir à la caméra par défaut en allant sur la caméra calque, puis en réinitialisant caméra par défaut. Maintenant, il existe également différentes vues que nous pouvons aborder ici dans la vue de composition. Ainsi, actuellement, la fenêtre contextuelle de la vue 3D est définie sur la caméra active. s'agit donc de la caméra After Effects par défaut sur laquelle nous n'avons que très peu de contrôle. Dans l'une des prochaines vidéos, je vais vous apprendre comment ajouter nos propres caméras et modifier leurs propriétés. Mais je peux passer ici à une vue de dessus. Et cela me donne ce point de vue. Et ici, dans cette vue, je peux également voir les rectangles séparés. Voici donc le plus grand rectangle et le plus petit rectangle ERC, qui est déplacé vers la caméra active. Ici, dans ces vues, je peux également les manipuler comme je le souhaite, afin de pouvoir la rapprocher ou l' éloigner de la caméra active. Je peux les faire tourner. Je peux les mettre à l'échelle , comme je veux. Vous pouvez également regarder une scène dans deux vues différentes. Je peux donc aller là où il est dit une vue et je peux aller à deux vues. Et au départ, cela me donne une vue de dessus ou une vue de face. Mais ce que je peux faire, c'est d'aller ici où il est écrit Default. Et je peux choisir une vue de dessus pour l'un et la vue de face pour l'autre. Et je peux y naviguer séparément. Je peux donc regarder la scène sous différents angles pour voir ce que font réellement mes couches. J'ai donc ici une vue orthographique, et ici j'ai la vue de dessus. Et si je commence à le déplacer dans la vue de dessus, vous le verrez également se déplacer dans l'autre vue. C'est donc très utile si vous essayez de créer une scène plus complexe. Et vous voulez voir exactement quelles sont les distances des objets les uns par rapport aux autres dans l'espace 3D. 57. 6.3-Configuration d'une caméra: Il est temps de passer en revue comment nous installons nos propres caméras dans une scène donnée. J'ai ici la composition 6.3, mise en place d'un appareil photo. Et j'ai prédéfini les paramètres de cette scène de manière à ce que nous les recréerons plus tard. En gros, ce que nous allons faire est de prendre ce fichier Photoshop, qui se compose d'un arrière-plan avec quelques dés, et de faire croire que ces dés sont lancés vers la caméra au ralenti. C'est donc quelque chose que nous allons faire dans ce chapitre en guise d'exercice final. Mais ce que je veux vous montrer, c'est comment configurer une caméra dans une scène comme celle-ci. Et pour vous montrer ce qui se passe dans cette scène, je vais passer en vue de dessus. Donc je vais aller là où il est écrit « caméra active » et ensuite je vais aller en haut. Et je vais juste faire défiler un peu vers le bas pour faire un zoom arrière. Ici, vous verrez l'image d'arrière-plan réelle et je peux cliquer dessus, puis confirmer dans le panneau des calques qu'il s'agit bien du bon calque. J'ai ici le dé numéro quatre, 321. Ainsi, plus le chiffre est bas, plus l'objet est proche de la caméra, selon la façon dont j'ai construit cette scène. Et la façon dont j'ai construit la scène s'est faite via Photoshop. J'avais plusieurs images de mon ami lançant ces dés, et j'ai isolé les dés dans Photoshop et je les ai placés sur leurs propres calques, ce qui m'a permis de les animer séparément dans After Effects. Maintenant, pour configurer une caméra que nous pouvons déplacer dans cette scène, je vais aller dans le menu des calques en haut, puis aller sur Nouveau, puis choisir caméra. Sinon, sous Windows, vous pouvez appuyer sur Ctrl Alt Shift C ou Command Option Shift C sur le Mac. Et cela nous amène dans cette nouvelle boîte de dialogue de l'appareil photo. Et cette boîte de dialogue peut être un peu intimidante, surtout si vous ne connaissez rien aux appareils photo. Mais ce n'est vraiment pas aussi compliqué que cela puisse paraître au départ. La première chose que nous voulons faire est de déterminer le type d'appareil photo que nous voulons. Et nous pouvons choisir entre une caméra à un nœud et une caméra à deux nœuds. Maintenant, une caméra à un nœud s' oriente autour d'elle-même. Donc, si vous faites pivoter, la caméra à un nœud tournera simplement sur place comme si elle était sur un trépied. Maintenant, la caméra à deux nœuds s'oriente autour d'un soi-disant point d'intérêt. Et c'est la caméra que je préfère utiliser parce qu' il est plus facile manipuler ce point d'intérêt au lieu de manipuler la caméra elle-même. J'ai donc l'habitude d'opter pour la caméra à deux nœuds. Je vous encourage à expérimenter les deux types et à jouer avec leurs rotations pour voir comment ils fonctionnent réellement et ce que vous pouvez en faire. La deuxième option importante est le préréglage que vous choisissez. Le préréglage vous permet de choisir une distance focale. Les chiffres inférieurs sont des objectifs très grand angle. Les chiffres les plus élevés sont plus zoomés. Ainsi, avec un nombre inférieur tel que le 20 millimètres, par exemple, vous obtiendrez un champ de vision beaucoup plus large. Vous obtiendrez donc plus de cadrage qu'avec un appareil photo de 50 millimètres. Maintenant, la 3D dans After Effects consiste très souvent à cacher les coutures de votre illusion, disons. J'ai donc tendance à opter pour un préréglage de 50 ou 80 millimètres. Vous n'avez donc pas vraiment à dépenser beaucoup d'efforts cacher le fait qu' il ne s'agit pas vraiment de 3D, car la 3D dans After Effects crée par défaut une version découpée en carton d'un objet 3D. Ce n'est pas vraiment de la 3D. C'est ce que nous appelons 2,5 D parce qu'il n'a aucune dimension sur l'axe z. Ces objets 3D, du moins pas dans le moteur de rendu 3D classique, dont je parlerai dans une prochaine vidéo. J'ai donc tendance à être un peu plus zoomé, pas pour briser l'illusion de l'effet 3D, mais à des fins de démonstration, je vais juste opter pour un préréglage de 20 millimètres qui détermine le zoom, la taille du film, la distance focale, etc. Tout est prédéterminé pour moi de cette façon. Donc maintenant, lorsque je clique sur OK, nous allons passer à cette autre caméra. Et la vue bascule également sur cette caméra. La caméra que nous venons d'ajouter remplace la caméra par défaut. Comme vous pouvez le constater, nous pouvons voir beaucoup plus de notre scène de cette manière. Une fois que j'ai saisi l' orbe autour de l'outil siem, vous verrez que nous avons un très large champ de vision. Et même si nous sommes très proches de ce dé, nous pouvons encore voir une grande partie de l'arrière-plan. Je vais juste passer à Control Z, ce mouvement de caméra. J'aurais aussi pu aller sur la couche de caméra, puis réinitialiser la caméra 1. Et maintenant, je veux vous montrer ce qui se passe une fois nous passons à un préréglage de 50 millimètres. Nous n'avons pas besoin de créer un nouvel appareil photo pour cela. Je peux simplement double-cliquer sur la caméra qui se trouve ici dans les calques. Ensuite, je peux aller dans les préréglages et choisir un 50. Ensuite, je clique sur OK. Et maintenant, nous avons cette configuration ici. La caméra est un peu trop poinçonnée. Ce que je peux faire, c'est saisir la position de la caméra et simplement cliquer dessus et la faire glisser vers la gauche jusqu'à ce que tout apparaisse à nouveau dans la scène. Je ne veux pas aller trop loin. Je ne veux pas aller trop loin parce qu'alors on commence à voir les coutures, comme je l' ai dit tout à l'heure. Mais vous remarquerez que lorsque je clique dessus et que je le fais glisser vers la droite, encore une fois, il semble que nous nous déplaçons dans cette scène et c'est quelque chose que je vais vous apprendre à faire dans la prochaine vidéo. 58. 6.4- Configurer une scène en 3D: Dans cette leçon, nous allons configurer une scène en 3D. J'ai donc ici la composition 6 pour la mise en place d'une scène en 3D, qui est fondamentalement le même document que précédemment. Il ne contient que ces calques Photoshop, mais ces calques ne sont pas encore en 3D. La scène ne contient pas de caméra. Et comme ces objets ne sont pas encore en 3D, ils n'ont pas non plus de positions Z différentes. Donc ça, mais nous pouvons animer à travers la scène. C'est ce que nous allons faire dans cette leçon. La première chose que je veux faire est de créer les calques 3D. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser la colonne 3D ici pour rendre ces calques 3D. Au fait, il s'agit d'un document Photoshop que j'ai placé dans After Effects et qui place les points d' orientation, donc le point d' ancrage l'objet au centre de la composition. Et cela nous aide vraiment pour cette scène en particulier. Et vous remarquerez pourquoi dans un instant. Je vais aussi créer la caméra parce que je pourrai voir où je dois réellement placer ces objets. Je vais donc passer à la nouvelle couche de caméra. Et je vais juste choisir le préréglage de 50 millimètres et le nommer Camera one dans une configuration de caméra à deux nœuds. Alors je vais juste cliquer sur OK, donc maintenant nous avons notre appareil photo. Nous voyons également à travers cette caméra actuellement, que je peux également voir ici dans les commandes de la caméra. Et maintenant, je veux passer à une vue de dessus de la scène dans une deuxième fenêtre pendant un moment. Donc je vais juste aller ici où il est écrit « une vue », puis je vais passer à deux vues. Et l'autre vue est automatiquement une vue de dessus. C'est donc utile dans ce cas. Tous ces calques ont la même position pour le moment, soit 0 pixel. Et je peux visualiser qu'en sélectionnant tous ces calques, en cliquant et en faisant glisser les commandes de calque et en appuyant sur P pour la position, ils ont tous exactement la même position. Donc 960 sur l'axe des x, 640 sur l'axe des y et 0 sur l'axe des z. Et pour les créer, cet effet de parallaxe 3D, dont je parlerai un peu plus dans une prochaine vidéo. Nous devons déplacer ces couches dans l'espace 3D. Et ce que nous allons faire, c'est mettre le calque d'arrière-plan, l'image réelle de mon ami Michael lançant les dés jusqu' au fond, puis créer de la profondeur en plaçant ceci, ces dés sur plusieurs différentes positions Z. Ensuite, nous déplacerons la caméra dans la scène. Je vais donc cliquer sur le calque d'origine, le calque d'arrière-plan. Ensuite, je vais simplement cliquer sur la position Z. Et je vais déplacer cela au début, disons un millier, et cela l' éloigne davantage de la caméra. Et je remarque que je pourrais le déplacer un peu plus loin. Passons donc à 2 000 en fait. Maintenant, évidemment, cette image ne remplit plus le cadre et c' est quelque chose que nous devons prendre en compte et corriger. Et au fait, ici, sur la vue de dessus, vous verrez maintenant que cette couche est complètement à l'arrière. Donc, pour corriger cela, je vais mettre à l'échelle le calque jusqu'à ce qu'il remplisse à nouveau le cadre. Je vais donc appuyer sur S pour mettre l'échelle avec ce calque d'origine sélectionné. Et je vais juste le mettre à l'échelle pour remplir à nouveau le cadre, côte à côte. OK, et c'est notre première configuration de couche. Ensuite, je vais passer aux premiers dés et je vais travailler de haut en bas pour ces couches. Donc je vais donner à die un très bas, comme je l'ai dit, position die à un dé légèrement moins lent, légèrement plus haut voici cette position. Et il en va de même pour les trois autres. Je vais donc créer différentes couches de profondeur pour accentuer l'effet. Donc je vais mourir un, et je vais mettre ça à moins 1 000. Et cela va le rapprocher de la caméra, comme nous le verrons ici dans la vue de dessus de notre scène. Alors je vais mourir aussi, et je vais donner ce moins 750. Il est donc légèrement plus proche de la caméra. Et puis je vais donner trois morts moins 500 et mourir pour moins 250. Ces valeurs sont arbitraires. Ils ne sont pas exacts, disons. Mais je dois aussi corriger leurs échelles pour mieux correspondre à cette scène car avec Dye One sélectionné, je peux effectuer un petit zoom arrière cette vue de face de la caméra 1. Et je vais voir que le cadre de sélection du calque est beaucoup trop grand. Je vais donc simplement saisir l'échelle de ce calque. Et je vais juste le réduire jusqu'à ce qu'il remplisse à nouveau la composition dans sa largeur. Ensuite, je vais aller au dé numéro deux, et je vais appuyer sur S pour la mise à l'échelle. Et je vais le réduire jusqu'à ce qu'il remplisse à nouveau la largeur de ma scène. Ensuite, je vais mourir trois et faire la même chose. à l'échelle et la mise à l'échelle inférieure nécessitent le moins de mise à l'échelle, inférieure nécessitent le moins de mise à l'échelle car c'est la plus éloignée de la caméra. Et maintenant, nous avons notre configuration de scène. Et dans la prochaine vidéo, je vais vous montrer comment animer la caméra. 59. 6.5-Animer l'appareil photo: Dans cette leçon, nous allons commencer à animer notre caméra à travers la scène et animer les dés pour donner l'impression qu'ils tournent un peu. Pour cela, je vais juste saisir la caméra ici et je vais saisir sa position. Et comme une caméra est un objet 3D par défaut, nous avons une position x, position y et une position z. Maintenant, la position zip de cette caméra est bien inférieure la position de nos couches ici à 20 moins 2666,7. Et cela est dû aux réglages de l' appareil photo que nous avons choisis avec le préréglage de 50 millimètres. Maintenant, ce que je vais faire, c'est simplement créer une image clé de la position ici, puis passer à cinq secondes et à la chronologie, parce que disons que je veux créer une animation de 5 secondes. Je vais également saisir la position Z. Et je vais continuer à cliquer et à le faire glisser vers la droite jusqu'à ce que les deux dés soient au premier plan ou presque hors cadre. Donc à peu près ici à moins 1900, disons. Je vais donc entrer moins 1900 pour que les choses soient simples. Et maintenant, ce que vous verrez quand je jouerai la chronologie, c'est que nous avons l'air de passer à travers les dés, ou que les dés passent devant nous et que nous nous dirigeons légèrement vers eux. Et vous le verrez également ici en haut de la composition, dans la vue de dessus. Nous passons donc des couches de dés à l' arrière-plan, disons. Maintenant, pour donner un peu de rotation aux dés, je vais juste commencer par teindre un et saisir la valeur de rotation. Et ce que je veux, c'est ne pas les faire tourner autour du centre de la composition. Je veux les faire pivoter autour de leur propre centre. Donc ce que je vais faire, c'est récupérer l'outil de point d'ancrage. Et je vais simplement déplacer le point d'ancrage à l'aide du widget à l'écran vers ce qui serait approximativement le centre de gravité de ce dé. Ensuite, je vais créer une image clé de la rotation z. Pourquoi la rotation z et non les x et y. Je vais vous montrer quand je commencerai à faire pivoter la valeur x, elle apparaît plate car il s' agit d'une véritable 3D. C'est comme une découpe en carton, comme je l'ai dit dans la leçon précédente. Il en va de même pour l'axe Y. Et je peux jouer un peu avec ces valeurs, mais dès que vous allez trop loin, vous brisez l'illusion qu'il s'agit réellement de 3D. ne faut donc pas en faire trop. Et en parlant de ne pas en faire trop, je vais juste créer une image clé de la position Z depuis le début, puis passer à cinq secondes. Et je vais juste le faire tourner légèrement. Disons quelque chose comme 15 degrés. Environ 15 degrés. Ensuite, je vais juste prévisualiser, prévisualiser l'animation en allant au début et en la jouant. OK, c'est assez juste. Ensuite, nous allons mourir numéro deux. Donc je vais juste saisir la rotation. Et encore une fois, je veux que le point d'ancrage soit au centre du dé. Je vais donc simplement cliquer dessus et le faire glisser. Maintenant je peux le faire pivoter en place. Je vais donc créer une image clé de la rotation de zed, de zed et de passer à cinq secondes et de la faire pivoter légèrement. Celui-là, je vais aller à environ 60 degrés, quelque chose comme ça. Ensuite, la lecture de l' animation donne l'impression que le colorant tourne. Je vais faire la même chose pour numéro trois et le numéro quatre. Je vais donc simplement saisir l'image-clé de rotation, la rotation z. Mais il faut d'abord corriger son point d'ancrage. Et je vais juste vérifier quel dé, mourir il s'agit réellement en désactivant l'icône pour di three afin être sûr de travailler sur le bon calque. Ensuite, je vais simplement cliquer et faire glisser le point d'ancrage à l'endroit approprié pour le faire avant de commencer à animer la position ou la rotation d'un objet. Je vais donc créer une image clé de la position Z à 0 seconde, passer à cinq secondes, et je vais la faire pivoter, disons environ 60 degrés également. Disons 45. OK. Ensuite, nous avons ceci. Et le dernier dé, le numéro quatre. Je vais juste saisir la rotation avec R. Ensuite, je veux corriger ses points d'ancrage sur la bonne matrice. Le singulier de dice est dy, ce que beaucoup de gens ne connaissent apparemment pas. Ensuite, je vais créer une image clé de la rotation en z du dé numéro quatre. Ensuite, je vais juste le faire pivoter dans l'autre sens, je suppose, d'environ 45 degrés. Nous avons maintenant cette animation. 60. 6.6-profondeur de champ: Dans cette leçon, je voudrais vous parler de la profondeur de champ dans After Effects. La profondeur de champ est un sujet relativement complexe qui a trait au fonctionnement réel des appareils photo et des objectifs de caméra. Fondamentalement, le champ vous permet de flouter un arrière-plan ou un premier plan, en fonction des paramètres de la caméra et dans After Effects, vous pouvez simuler ces paramètres et modifier façon dont les objets apparaissent floue. Ce que vous devez savoir à propos de cette image c' est qu'elle a déjà beaucoup de profondeur. La profondeur de champ. Je l'ai photographié sur un objectif, je crois, de 12 millimètres. C'est donc un angle extrêmement large avec une ouverture de f 2,8. Si ces termes signifient quelque chose pour vous, par exemple, il s'agit d' un objectif très grand angle avec une profondeur de champ relativement grande ou une grande profondeur de champ. Je vais donc vous montrer comment simuler cela dans After Effects. Et ce que nous allons faire, c'est faire de cette teinture, cette teinture ici, les objets de mise au point. Je souhaite donc que cet objet reste net. Maintenant, la première chose que je dois faire est d'aller dans les options de la caméra 1, puis d'activer la profondeur de champ qui est actuellement désactivée. Elle est désactivée par défaut. Et puis en cliquant sur cette valeur , rien ne semble changer au départ Même si je zoome, vous ne voyez pas vraiment le focus de la scène changer. Maintenant, cela est déterminé par la quantité définie pour l'ouverture, qui est actuellement réglée à 25,3 pixels. Maintenant, remarquez ce qui se passe lorsque je commence à augmenter cette valeur. La scène semble donc de plus en plus floue. La quantité de flou est donc déterminée par la manière dont l'ouverture est actuellement réglée. L'objet de la mise au point dépend de la distance de mise au point. Je peux donc modifier cette distance de mise au point pour que les objets soient plus ou moins bien visibles. Avec une distance plus faible. Les dés à l'avant deviendront plus nets. Et une fois que je commence à augmenter la valeur, l'arrière-plan réel devient plus net. Vous avez donc beaucoup de contrôle sur la profondeur de la mise au point. Maintenant, notez que la mise au point ne changera pas ou que la distance de mise au point ne changera pas par défaut, moins lorsque les objets semblent se déplacer dans l'espace. La distance de mise au point reste donc constante quelle que soit la position des caméras. Nous passons donc à différents niveaux de mise au point car la distance de mise au point est définie sur cette valeur. Et si la position de l'appareil photo change, cela ne change pas distance de mise au point car il n'y a pas de mise au point automatique ici, comme c'est le cas sur un appareil photo. Dans d'autres programmes 3D tels que Blender, vous pouvez très facilement créer un autofocus. Et After Effects en a, quelque chose de similaire. Mais il fonctionne de manière moins, légèrement moins flexible car il dépend des expressions. Donc, ce que je vais faire ici, c'est appuyer sur Ctrl a puis sur U pour réduire toutes les options de calque. Et je veux relier la mise au point de la caméra au dé numéro deux. Donc je ne mourrai pas numéro deux pour être toujours concentré. Ou en fait, ce que nous pourrions faire est lié à l'arrière-plan, disons. Je vais donc sélectionner l'appareil photo dont la profondeur de champ est activée, puis sélectionner l'original. Et ce que je vais faire maintenant, c'est aller dans le menu Calque, puis aller à la caméra ici en bas. Ensuite, liez la distance de mise au point au calque. Et puis quand je clique sur OK, vous verrez que les dés sont extrêmement flous et que l'arrière-plan est aussi net que possible. Il ne semble pas être net, mais c'est exactement comme ça que la photo a été prise. Ce que je vais faire maintenant, c'est changer légèrement l'ouverture pour réduire le flou sur les dés parce que je veux qu'ils soient en quelque sorte nets, puis qu'ils se déplacent hors focus lorsqu'ils se rapprochent de l'appareil photo. Je vais donc étendre à nouveau les options de l'appareil photo. Et je vais réduire l'ouverture jusqu'à ce que les dés soient à nouveau mis au point. Et au fur et à mesure qu'ils passent devant la caméra, passent la mise au point du plan focal, comme on l'appelle, ils deviendront plus flous, ce qui est l'effet que je recherche. Et vers la fin, à cinq secondes, l'effet est encore un peu trop fort. Je vais donc réduire un peu plus l'ouverture. Quelque chose comme ça a l'air bien. Donc maintenant, lorsque je joue l' animation et la vue agrandie, vous verrez qu'au début, ils sont relativement nets, puis qu'ils se déplacent hors focus au fur et à mesure que la caméra se rapproche d'eux. À cause de ce que nous venons de faire. Liaison du plan de mise au point au calque d'arrière-plan, au calque d'origine. Le calque d'origine restera toujours net quels que soient les paramètres. 61. 6.7- Le rendu Cinema 4D: Jusqu'à présent, nous n'avons travaillé que dans un monde de 2,5 D, ce qui signifie que tout était découpé en carton. Et même si nous pouvions placer des objets en trois dimensions, nous ne pouvions pas appliquer une troisième dimension à un objet pour lui donner plus de profondeur, par exemple. Et c'est là que le moteur de rendu Cinema 4D entre en jeu. Parce que là où nous avons travaillé avec la 3D classique jusqu'à présent, nous allons passer le moteur de rendu 3D à cinema 4D et examiner certaines des options dont nous disposons. Donc ici, dans le comp 6.7, le moteur de rendu Cinema 4D, j'ai ce bloc de texte et je vais simplement transformer ce cadre de texte en calque 3D. Et comme vous pouvez le voir, nous avons maintenant une troisième dimension à notre disposition afin que je puisse la faire pivoter le long de l'axe Y, par exemple. Et vous verrez qu' il s'agit de 3D, bien que de la 3D plate. Donc je vais juste passer à Control Z, cette rotation. C'était juste pour vous donner une démonstration de ce qui se passe réellement. Nous avons maintenant un calque 3D. Maintenant, je vais passer au moteur de rendu Cinema 4D allant là où il est indiqué 3D classique et en développant ce menu, puis en le basculant sur Cinema 4D. Au départ, rien ne change. Et selon votre système, cela peut prendre une seconde ou quelques secondes pour remplacer ce moteur de rendu cinema 4D, car cela consomme plus de processeur, disons. Mais maintenant, lorsque je développe les options de calque, je n'ai plus que du texte et de la transformation. J'ai également des options de géométrie et des options de matériaux. Maintenant, la première chose que nous allons faire est de faire pivoter légèrement ce texte pour que nous puissions vraiment voir ce qui va se passer. Je vais donc appuyer sur R pour faire pivoter. Et je vais juste faire pivoter ça le long de l'axe Y. Ainsi, nous pouvons réellement voir la profondeur appliquée. Il fait donc environ 75 degrés. Ensuite, je vais développer les options de géométrie de la couche. Et ici, nous verrons un style de biseau de profondeur de biseau, une profondeur de biseau de trou et une profondeur d'extrusion. Et la première chose que nous allons examiner est dernière, la profondeur d'extrusion. Donc, une fois que je commencerai à augmenter cela, vous verrez qu'une mise à l'échelle est appliquée à l'axe Y ou à l'axe Z. C'est donc en fait en train de prendre de la profondeur. Et si je saisis l'outil Orbit vu, vous verrez que le texte est maintenant en 3D. Maintenant, ce n'est pas encore très visible. Ce n'est pas très lisible. Et cela est dû au fait qu' aucun éclairage n'est appliqué à la scène. Lorsque vous travaillez avec Cinema 4D, vous devez ajouter une lumière pour rendre les choses réalistes, de sorte que nous ayons réellement des ombres et des gouttes d'autres éléments nécessaires pour faire en sorte que les choses ressemblent réellement à 3D Donc ce que vous devriez imaginer, imaginez, c' est que la scène est actuellement éclairée exactement de la même manière dans toutes les directions. Tout semble donc complètement plat. Je vais donc ajouter une lumière à la scène et je parlerai un peu plus loin des lumières dans ce chapitre. Mais c'est juste pour que nous puissions voir ce qu'il advient réellement de notre texte. Je vais donc aller dans le menu des calques haut, puis aller dans Nouveau et choisir Light. Je vais laisser ce réglage à 0 lumière dans une couleur blanche. Et juste à des fins de démonstration, je vais régler l' intensité sur 100 %, puis choisir des ombres projetées juste à choisir des ombres projetées juste des fins de démonstration plus loin dans ce chapitre. Je vais donc cliquer sur OK. Et maintenant, nous avons de la lumière qui tombe sur notre scène. Et la lumière n'est pas exactement là où je le souhaiterais. Donc ce que je vais faire, c'est récupérer l'outil de sélection. Et je vais juste m' en rapprocher un peu plus pour que nous puissions vraiment voir ce qui se passe. Maintenant, le texte a une profondeur réelle. Comme tu peux le voir. L'une des autres options consiste à ajouter un biseau. Et un biseau coupe essentiellement le coin de chaque forme ou de chaque lettre, chaque caractère dans ce cas, d'une certaine manière. Je vais donc changer le style de biseau en angulaire. Et comme vous pouvez le voir, nous avons maintenant un petit coin ici. Je suis sur chaque bord de la forme et cela change la façon dont la lumière interagit avec elle, ce que je peux démontrer à nouveau en la commutant sur aucune. Et puis Angular. Ainsi, ces coins, ces biseaux, captent la lumière d'une manière différente, ce qui rend la forme en 3D plus prononcée. C'est donc aussi quelque chose que vous pouvez utiliser. Vous pouvez modifier la profondeur du biseau pour extruder encore plus les textes de l' arrière-plan. Vous pouvez également modifier le style des bulles. Angular n'est donc qu' un bord droit. Ensuite, nous avons concave qui découpe la partie dégroupée de la forme principale. Ensuite, nous avons convexe qui fait le contraire. Et cela, pour nos objectifs, semble juste, c'est ce que je voulais réaliser. Je vais changer la profondeur d'extrusion à environ 20 pour la rendre un peu plus fine. Et vous pouvez simplement l'animer en 3D si vous le souhaitez. Je vais donc simplement saisir la rotation de ce calque, de ces calques de texte Cinema 4D. Je vais animer la rotation pour la faire tourner sur place comme ceci. Et puis en fait, je vais maintenant saisir la rotation Y dans les deux secondes. Disons que je vais passer à deux secondes dans la chronologie. Je vais lui donner une rotation. Je vais donc le faire pivoter une fois. Vous verrez maintenant que nos textes 3D tournent réellement, ce qui nécessite beaucoup de processeur. C'est beaucoup plus difficile à rendre pour votre système que la 3D classique, car il calcule en fait les valeurs de lumière lorsqu'il atteint chaque pixel. Je vais donc simplement passer la résolution de prévisualisation à une troisième. Et cela va réduire le temps de rendu, mais aussi diminuer la qualité évidemment. Mais cela rend ces animations beaucoup plus faciles à prévisualiser. Il m'a déjà fallu environ dix secondes pour rendre une animation de 2 secondes. Mais c'est exactement comme ça que ça fonctionne dans After Effects en 3D. Je dois dire qu'en ce qui concerne le rendu, After Effects utilise à peine la carte graphique, même pour ce genre de choses. Donc, si vous avez une carte graphique robuste, cela ne vous aidera pas vraiment vous aidera pas vraiment lorsque vous essayez de rendre des scènes comme celle-ci. Si vous voulez en faire plus avec la 3D et surtout ce type de 3D. D'autres programmes tels que Cinema 4D ou Blender, ou beaucoup plus adaptés à cela. C'était donc les options de géométrie des calques 3D dans le moteur de rendu Cinema 4D. Dans la vidéo suivante, nous allons examiner certaines des options de matériaux qui nous permettent de modifier davantage l' apparence de notre texte et façon dont il interagit avec la lumière et les ombres. 62. 6.8-Options matérielles: Dans cette leçon, nous examinons les options de matériaux avec lesquelles nous pouvons modifier la façon dont nos objets 3D interagissent avec la lumière et les ombres. Pour cela, j'ai la composition et 6.8 Material Options. Et je vais simplement développer ces contrôles de calque et nous allons examiner ces options de matériaux. Maintenant, la première bascule peut être importante. C'est pour les ombres projetées et il est désactivé par défaut. Cet objet ne projette donc actuellement aucune ombre sur les autres objets. Et juste pour vous montrer comment cela fonctionne, je vais dupliquer ce calque à l'aide commande D ou de la commande D sur Mac. Et je vais déplacer cette copie un peu en arrière le long de l'axe z. Comme vous pouvez le voir, l' objet avant ne projette actuellement pas d'ombre sur l'objet arrière, mais cela devrait être fonction de la position de cette lumière et des calques eux-mêmes. Donc, ce que je peux faire, c'est aller dans les options de matériau de cette copie, puis choisir sauf que les ombres sont activées. J'étais juste en train de vérifier ça. Et puis les ombres projetées doivent être activées pour le calque avant. Maintenant, lorsqu'il est allumé, vous pouvez voir qu'il projette une ombre sur le calque à l'arrière, et cela est dû à la position de cette lumière. Ainsi, une fois que je déplace cette lumière, vous verrez également les ombres changer et comment les biseaux et les formes eux-mêmes captent la lumière. est donc ce que fait Except Shadows. Je vais juste cacher le deuxième calque pour l'instant, le cinéma 4D. Nous y reviendrons peut-être dans un moment. Nous avons donc projeté des ombres et acceptons les ombres, et celles-ci doivent être en accord les unes avec les autres pour des calques séparés. Pour obtenir de la lumière, pour projeter des ombres réelles. Vous pouvez choisir si un objet accepte ou non la lumière. Et lorsque vous désactivez cela, vous verrez que nous n' obtenons que la lumière ambiante. Ainsi, les mêmes valeurs de lumière dans toutes les directions. C'est donc généralement quelque chose que vous ne voulez pas. Vous pouvez activer les réflexions si vous le souhaitez, car vous pouvez déterminer le degré de réflexion d'un objet en jouant avec ces paramètres ici en bas. Nous pouvons déterminer dans quelle mesure un objet est affecté par la lumière ambiante. Mais pour le démontrer, je dois désactiver, accepter les lumières ici en haut. Donc ambiant, si je commence à diminuer cette valeur, vous verrez l'objet s'assombrir. Ce n'est donc pas quelque chose dont nous avons besoin pour cette scène en particulier. Nous avons une valeur diffuse et avec une valeur de diffusion plus élevée, vous verrez que l'objet réfléchit réellement plus de lumière, sorte qu'il paraît plus lumineux. Nous avons une intensité spéculaire qui rend les objets plus brillants et plus lumineux, donc cela devient beaucoup plus contrasté. Vous pouvez déterminer la brillance de ces reflets spéculaires. Ce que vous verrez, c'est que la position réelle de la lumière est mieux reflétée dans la couche réelle, sorte qu'elle devient plus réfléchissante. Nous avons des valeurs de métal afin déterminer la métallicité d'un objet. métallicité détermine essentiellement la façon dont un objet réfléchit la lumière. Si un objet est 100 % métallique, le reflet prend la couleur de l'objet lui-même. Donc, si vous réfléchissez quelque chose dans une sphère métallique parfaite, le reflet ressemblera à cette couleur. Maintenant, avec une valeur de métal de 0, ce ne sera pas le cas. Et vous verrez en fait la couleur de la lumière réfléchie et non la couleur du métal lui-même. C'est donc ce que cela signifie. Vous pouvez modifier l'intensité de réflexion afin de rendre un objet plus réfléchissant. Et cela enlève en fait la couleur de l'objet lui-même. Et vous ne voyez que la couleur de l'environnement parce qu' elle est parfaitement réfléchissante. Vous pouvez modifier la netteté de la réflexion et de l'atténuation. Ce sont des paramètres que vous n' avez généralement pas beaucoup à changer, mais ce sont les options matérielles générales. Maintenant, je veux juste vous montrer quelques mots sur la réflectivité. Je vais donc changer la résolution de la scène à pleine résolution. Et je vais réactiver cette autre couche. Et je vais cliquer sur le calque arrière et le déplacer vers l'avant. Alors devant cette autre couche, je vais jouer avec la toxicité réflexe ou la valeur de réflexion de cette première couche. Et vous verrez qu'il reflète réellement l'autre couche. Maintenant, si je fais pivoter ce calque, par exemple, ou si je le place légèrement différemment. Oh attends, ce n'était pas la bonne couche. En fait. Je vais juste prendre cette couche. Vous verrez qu'il reflète maintenant l'autre couche. Une fois que je commence à faire pivoter ce calque ou à le placer différemment, vous verrez qu'il change également de reflet. Cela vous permet donc également de faire des choses assez intéressantes, surtout si l'on considère que vous pouvez également animer toutes ces valeurs car elles ont un chronomètre. Et bien entendu, vous pouvez également animer les propriétés habituelles de n'importe quel calque 3D. Ainsi, la rotation, la position, l'échelle, etc. Voici donc un aperçu rapide toutes les options de matériaux disponibles dans le moteur de rendu After Effects Cinema 4D. 63. 6.9- Importation de fichiers 3D: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment importer des fichiers Cinema 4D dans After Effects afin de pouvoir les utiliser dans vos compositions. Et cette façon de travailler comporte quelques limites. Tout d'abord, vous ne pouvez pas éditer une œuvre d'art 3D directement dans After Effects si elle a été réalisée dans Cinema 4D. Et quelque chose à propos de cinema 4D est qu'il s'agit programme 3D très complet, qui est fondamentalement la norme de l'industrie pour l'animation 3D. Il s'agit donc d'un programme très complet qui a une courbe d'apprentissage très abrupte, même si je dois dire que de tous les programmes 3D, ensuite, le blender, est probablement le plus facile à apprendre. Mais vous devez avoir une connaissance pratique de base de Cinema 4D pour travailler avec les fichiers Cinema 4D dans After Effects. Cela dépasse donc le cadre de ce cours, mais je veux juste que vous voyiez ce qui se passe lorsque vous importez des fichiers cinema 3D Cinema 4D et comment vous pouvez toujours les éditer dans After Effects, aussi limitée que puisse être cette capacité d'édition. Ainsi, pour un fichier 3D, nous ne pouvons utiliser que des fichiers Cinema 4D. Et c'est un format industriel assez standard que vous pouvez trouver assez facilement, d'une manière générale. Et un site que j'utilise pour les modèles 3D gratuits est turbo squid.com, qui appartient aujourd'hui à Shutterstock. J'ai donc cherché un avion puis j'ai filtré gratuitement. Et puis pour le format de fichier Cinema 4D. Ensuite, vous pouvez télécharger ce fichier ou tout autre fichier gratuit, puis l' importer dans After Effects. Je vais donc retourner dans After Effects et double-cliquer sur un endroit vide du panneau du projet pour obtenir les options d'importation. Et puis voici ce fichier avion Cinema 4D. Ensuite, je vais double-cliquer. Et je vais juste l'ajouter à ma composition active, qui consiste à importer des fichiers 3D 6.9. Je vais donc simplement cliquer dessus et le faire glisser vers le bas dans les calques. Et ça va me donner cet objet 3D, ce qui est plutôt cool. Comme si je pouvais effectivement voir cette grille qui provient du cinéma 4D. En fait. Ce que je peux maintenant faire, c'est changer la caméra pour la caméra maquette, car sinon, je ne peux même pas influencer mon angle de vue sur cet avion car il ne fait la caméra pour la caméra maquette, car sinon, je ne peux même pas influencer mon angle de vue sur cet avion car il copier ce qui se trouve dans le fichier Cinema 4D. Je peux donc choisir Comp Camera, puis ajouter une caméra réelle à utiliser. Je vais donc appuyer sur Ctrl+Shift Alt C et ajouter un nœud à. Disons un appareil photo de 24 millimètres. Je vais donc cliquer sur OK. Et cette caméra est maintenant placée sous ma scène. Donc je vais juste saisir l'outil orbital et je vais faire pivoter vers un autre endroit. Ensuite, je vais m' arranger un peu. Je vais donc saisir l'outil de caméra panoramique et reculer un peu. Ensuite, utilisez l'outil d'orbe pour voir l'avion. Comme vous pouvez le constater, ce n'est déjà pas une méthode de travail idéale. Et ce que nous n'avons pas non plus, c'est beaucoup de contrôle sur la position, la rotation, etc., de cet avion. Ce que je vais faire en fait, c'est simplement saisir les commandes de la caméra , puis les options de l'appareil photo. Et je vais faire un petit zoom arrière en faisant glisser le zoom vers le moins. On y va. Quelque chose comme ça. Notez que cela change également le fonctionnement de l' appareil photo. Peut-être qu'une meilleure option est de revenir en arrière, de saisir la transformation et de simplement changer la position de la caméra pour la déplacer un peu en arrière , puis de la faire pivoter là où je veux qu'elle soit. J'utilise donc la valeur de rotation pour voir le plan. C'était donc très difficile. Dans d'autres programmes. C'est beaucoup plus facile, comme je l'ai dit, comme Cinema 4D et Blender. Mais c'est exactement comme ça qu' After Effects fonctionne. Ce que je pourrais faire, c'est ouvrir ce fichier Cinema 4D puis, par exemple , faire tourner l'hélice. Et cette animation sera directement reflétée dans After Effects. Comme je l'ai dit, la partie Cinema 4D de ce processus n'entre pas dans le cadre de ce projet. Je voulais juste vous montrer comment importer ces fichiers et comment vous pouvez réellement utiliser la caméra Aftereffects au lieu de la caméra Cinema 4D. Si vous êtes un concepteur natif de Cinema 4D, vous choisirez évidemment de rester pour garder les caméras réglées sur Cinema 4D, car c'est là que vous réalisez vos animations. Mais ces animations peuvent ensuite être utilisées dans After Effects. Et c'était la totalité de 0,1. La dernière chose que je veux mentionner est qu' une fois que j'ai saisi les commandes de transformation ici, vous verrez que je suis extrêmement limité dans ce que je peux réellement faire. Il n'y a même pas de troisième dimension à proprement parler. Et vous ne pouvez pas transformer ces couches Cinema 4D, ces calques en calques 3D car cela ne fait qu' afficher ce qui se passe dans ce fichier Cinema 4D et rien de plus, rien d'autre. Vous n'avez aucun contrôle supplémentaire sur celui-ci. Certains plug-ins ont donné à After Effects plus de fonctionnalités en matière de 3D, comme Element 3D. Mais je vais vous donner un bref aperçu de cela dans le chapitre sur les plugins. 64. 6.10-Options lumineuses: Dans cette leçon, je vais vous parler des différentes lumières que nous pouvons utiliser dans After Effects dans le moteur de rendu Cinema 4D. J'ai donc ici la composition 6.10 lumières, et ici nous avons le même point lumineux que celui avec lequel nous avons travaillé dans une leçon précédente. Maintenant, la première chose que je veux faire est de vous montrer les différents types de lumière que nous avons. Je vais donc juste double-cliquer sur cette lumière ponctuelle, qui me permet de modifier les réglages d'éclairage et également de changer le type de lumière que nous avons ici. Il est actuellement défini sur 0. Je vais d'abord le transformer en projecteur. Et cela me donne un cône de lumière sur lequel je peux influencer. Je peux déplacer ce cône si j'appuie sur OK dans la fenêtre contextuelle. Ensuite, je peux prendre cette flèche rouge ici et je pourrai l'éloigner plus loin. Et comme vous le voyez, le cône de lumière se termine à un certain point. Et cela change la zone de la scène qui est réellement éclairée par ce cône de lumière. Permettez-moi donc de le rapprocher encore un peu. Et vous verrez que le cône de lumière est en train de remplir ce texte cinématographique. Si j'ai saisi le point d'intérêt ici, je change ce qui est réellement illuminé. C'est donc ce que fait le cône de lumière. Et parfois vous, les projecteurs le font. Parfois, ce que vous voulez, c'est d'accéder à une vue de dessus d'une scène afin de voir quelle zone est réellement éclairée. Ainsi, vous pouvez déplacer la lumière plus facilement et son point d'intérêt. Donc je vais juste revenir à la caméra active. On y va. Donc, si nous examinons les options que nous avons ici pour la lumière dans les contrôles de calque, nous pouvons modifier son intensité. On peut changer sa couleur. Nous pouvons modifier l'angle du cône afin d' augmenter sa taille. Donc, à 180, il met en lumière pratiquement tout ce qui se trouve devant la lumière. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit. Ainsi, en augmentant la taille du cône, j'augmente la distance de rayonnement de la lumière vers l'extérieur à partir de ce cône. Vous pouvez adoucir le cône pour créer un effet d'atténuation afin qu'il devienne plus foncé vers les bords du cône. Vous avez également un rayon pour le cône. Et vous pouvez changer si elle projette ou non des ombres. Donc, si vous avez des objets différents dans la scène, vous voulez des ombres. Ensuite, vous voudrez que ce soit sur lequel il se trouve par défaut. Ce sont donc les options les plus importantes pour le cône lumineux, le projecteur. Je vais donc double-cliquer sur cette source de lumière ici, puis aller dans Type de lumière et choisir parallèle. Maintenant, le parallèle est fondamentalement la même chose que le projecteur, sauf qu'il n'y a pas de cône. s'agit simplement d'une zone qui émet de la lumière depuis toute la surface de la source lumineuse. Les rayons sont en fait parallèles à notre scène ici. Je peux donc changer la position de la lumière. Mais ça ne fait pas grand-chose. Mais vous verrez qu'une fois que je commencerai à changer le point d'intérêt de la lumière, alors je pourrai changer la façon dont cet objet est illuminé. Maintenant, je peux double-cliquer à nouveau sur la source de lumière et choisir la dernière lumière différente que nous allons regarder, à savoir la lumière ambiante. La lumière ambiante, comme nous l'avons vu précédemment, n' est que de la lumière naturellement présente dans la scène. Imaginons que vous soyez dehors, le soleil créerait la lumière ambiante. Ce n'est pas très utile dans ce cas. Mais je voulais juste vous montrer que vous pouvez réellement modifier l'intensité de la lumière ambiante que je puisse la réduire, par exemple. Et cliquez sur OK, et je vais dupliquer cette lumière, qui double la quantité de lumière. Mais ensuite, je vais changer la lumière ambiante en un projecteur. Et ce que vous verrez, c'est que les ombres sont plus sombres parce que la lumière ambiante notre scène a été réduite d'une certaine manière. C'est donc quelque chose que vous pouvez contrôler avec ces différents paramètres. Et vous avez un certain contrôle, une mesure de contrôle sur la quantité de lumière ambiante dans une scène en ajoutant simplement votre propre lumière ambiante. Et cela remplace la lumière ambiante par défaut. 65. 7.1-Mouvement de voie: Dans ce chapitre, nous allons nous concentrer sur le caméra et le suivi des mouvements et le suivi des émotions de la caméra nous permet de mettre des éléments dans des équipes vidéo qui n'étaient pas là lorsque la vidéo a été créée. Pour commencer, nous allons travailler avec la forme la plus élémentaire de suivi de mouvement basée sur un tir de drone que vous trouverez dans les fichiers de cours de ce chapitre. Donc ici, dans After Effects, je vais simplement double-cliquer dans le panneau du projet pour accéder à la boîte de dialogue Ouvrir. Je vais au chapitre sept, suivre le mouvement. Dans les fichiers de cours, nous avons le suivi de la caméra 7.1 et je vais juste l'importer. Et maintenant je vais créer une composition basée sur cette séquence. Cette séquence est donc de 2,7 k à 60 images par seconde. Et je veux une composition qui corresponde à ces paramètres. Sinon, le suivi des objets dans une scène peut être compromis. Vous voulez donc toujours que vos séquences correspondent à vos paramètres de composition ce qui concerne le suivi des mouvements et la caméra. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser ce métrage dans le nouveau bouton de composition ici en bas du panneau de projet et relâcher la souris. Et voici à quoi ressemble le cliché. C'est juste un tir de fusée de base d'un drone qui décolle et la lecture n'est pas trop fluide. Je vais donc réduire la résolution moitié pour y parvenir un peu plus rapidement. Le drone est donc à peu près deux. OK. Je vais juste passer en revue la chronologie pour l'instant. Je ne suis pas sûr que ce qui se passe avec mon ordinateur portable puisse lire ces images. C'est donc un tir de drone qui décolle. Et puis la caméra va baisser et viser l'île, l'île de Bled en Slovénie, soit dit en passant, l'un de mes endroits préférés sur la planète. Maintenant, ce que nous allons faire, c'est attacher quelque chose à la flèche de l'église. Je vais donc placer un objet ici et je veux que l'objet reste en place pendant que la caméra se déplace. Donc, en gros, cela signifie que j'ai besoin d'After Effects pour analyser le mouvement de ce qui se passe réellement dans la prise de vue. Et choisissez un endroit sur la flèche où le suivi restera collé. Et pour ce faire, avec cette séquence sélectionnée ici dans la chronologie, je vais dans le menu Animation, puis je choisis Track Motion. Et cela ouvre les contrôles de calque. Nous sommes donc maintenant dans la couche. Je peux toujours revenir à la composition en cliquant ici pour la composition. Mais ensuite, nous avons cette toute petite cible ici. Maintenant, cette cible est très importante car nous allons devoir la placer sur ce dont nous aimerions After Effects suive réellement le mouvement. Je vais donc faire un petit zoom avant avec la souris à défilement. Et une chose importante pour ce tracker, c'est que si vous voulez le déplacer, vous devez trouver ce curseur de souris noir. Le curseur blanc n'est donc pas bon. Vous devez trouver le curseur noir, c'est souvent la raison pour laquelle vous voulez zoomer, car il n' apparaît que lorsque vous êtes à l'intérieur des limites de ces petites boîtes. Je vais donc cliquer et faire glisser ça. Et ça va en fait me donner un aperçu à côté de la souris. Et je vais le placer sur cette petite fenêtre sur la flèche de l'église , puis zoomer un peu plus. Et maintenant, je peux augmenter ce petit champ de recherche en saisissant l'un des coins , en le faisant glisser un peu vers l'extérieur et en changeant de position un peu plus loin. C'est donc ce qu'After Effects va essayer de suivre. Et quelle est cette zone plus vaste ? C'est dans cette zone que les effets secondaires rechercheront cet objet. Il s'agit de l'objet et la zone de recherche de l'objet. Donc maintenant, avant de continuer, je vais créer un objet qui va être suivi, qui restera collé à ce marqueur une fois que nous l'aurons composé. Je vais donc revenir dans la composition et récupérer l'outil de saisie. Je clique une fois dans la composition , puis je tape tracking. La mise en forme du texte. Le formatage n'a pas vraiment d'importance. Je ne veux pas qu'il soit beaucoup plus grand que la zone où je suis en train de suivre. Je vais donc simplement réduire la taille de celui-ci à 75 pixels. C'est ça. Et ce que je veux aussi faire, c'est placer le point d'ancrage là où je veux que l'objet reste. Ainsi, le point de suivi détermine où l' objet sera centré une fois le suivi appliqué. Je vais donc saisir l'outil panoramique derrière et je vais juste aller ici et le placer sur le côté gauche de la zone de texte. Revenons maintenant aux commandes de calque de la vidéo. Et voici notre tracker. n'avez pas le panneau du tracker dans le cadre ici à droite, vous pouvez simplement cliquer sur le tracker et cela nous ramènera. Cliquez maintenant sur la vidéo pour activer le module de suivi. Il existe différents types de suivi que vous pouvez consulter. Nous aborderons un autre type de suivi dans ce chapitre. Pour l'instant, nous allons simplement le laisser se transformer. Et je voulais seulement suivre la position, pas la rotation réelle de l'objet, parce que celui-ci ne va pas tourner, nous allons simplement nous déplacer dans l'espace. Donc, ce que je peux faire maintenant, c'est cliquer sur ce bouton ici pour analyser en avant. Et je vais juste faire un petit zoom arrière parce que pendant le suivi, vous ne pouvez pas zoomer. Et je vais juste jouer ici. Et je vais surveiller si After Effects le suit avec précision en déterminant s'il avec précision en déterminant s' bouge ou non avec le métrage. Maintenant, il s'agit de plus de 20 secondes d'images. Cela va donc prendre un certain temps. Mais vous verrez qu' au fur et à mesure que le drone montera, cette piste, 0,1 reste au même endroit sur la séquence. Il ne s'agit donc pas de rester au même endroit dans la composition. En fait, il se déplace en même temps que ce qui est suivi. Et nous allons simplement continuer comme ça. Ce qui est important pour placer vos points de suivi, c'est qu' il y a beaucoup de contraste et c'est pourquoi j'ai choisi cette fenêtre spécifique sur l'acheteur de l'église. Parce qu'il y a beaucoup de contraste. Par exemple, si j'avais choisi le sommet de la flèche, la vidéo aurait commencé avec beaucoup de contraste parce qu'elle était contre le ciel avec le lever du soleil. Il y aurait donc eu beaucoup de contrastes entre la flèche, mais au fur et à mesure qu'elle traverse la terre, il y a beaucoup moins de contraste. Il aurait donc perdu le suivi à un moment donné. C'est pourquoi j'ai choisi cette fenêtre spécifique sur la flèche. Je vais laisser tomber jusqu'à ce que nous atteignions environ 20 secondes. Quand il atteint 20 secondes, je clique sur le bouton d'arrêt pour arrêter le suivi. Ce que vous remarquerez, c'est que la fenêtre est encore à peine dans le cadre, mais que la caméra se déplace vers le bas et que le point de suivi est toujours verrouillé en place, ce qui est fantastique. Donc, une fois que nous aurons atteint 20 secondes, je cliquerai sur Stop. Et ce sera notre piste. Maintenant, nous devons encore confirmer la cible des données de suivi qui viennent d'être générées. Je dois donc modifier la cible. Et il n'y a qu'un seul autre calque dans cette composition pour le moment. Mais vous avez ici un aperçu de toutes les couches de la maquette. Il s'agit donc de la couche des textes de suivi. Je vais donc simplement cliquer sur OK, et je ne vais pas encore l' appliquer. Je veux juste vous montrer rapidement ce qui se passe dans une vue légèrement agrandie. Et je vais plutôt lire la chronologie ou la parcourir. Et vous verrez que ce point de suivi est simplement verrouillé en place sur cette fenêtre, même lorsqu'il est presque hors cadre et que la caméra se déplace vers le bas. Maintenant, après 20 secondes, il perd la piste parce que je me suis arrêté à 20 secondes. Donc, ce que nous allons faire après avoir appliqué la transformation à la cible, nous allons réduire la composition à 20 secondes. Maintenant, nous avons nos données de suivi, nous avons défini notre objectif. Maintenant, je peux simplement appliquer les données de suivi et ce sera x et y. Ensuite, je vais cliquer sur OK. Ensuite, je vais raccourcir la composition à l' image-clé de suivi finale, car elle ajoute simplement un ensemble d'images-clés pour la position du point de suivi et la position du calque de texte. Je vais simplement cliquer et faire glisser la zone de travail jusqu'à l' endroit où se trouve ma chronologie. Ensuite, je vais couper la composition de ma zone de travail en cliquant avec le ma zone de travail en cliquant bouton droit de la souris et en choisissant Découper la composition à la zone de travail. Maintenant, je vais lire la séquence et je vais la lire à un tiers de la résolution , par souci de brièveté. Et ce que vous verrez, c'est qu'au fur et à mesure que le drone décollera, le texte restera fermement en place. Je vais juste laisser ça se jouer jusqu'à ce qu'il atteigne 20 secondes. Ça ne se joue pas en temps réel. Je pense que je dois redémarrer un peu mon ordinateur portable pour effacer de la mémoire. Mais le suivi a très bien fonctionné. Le texte est donc complètement verrouillé sur cette zone pour me dire que la piste a réellement fonctionné. Il ne s'agite pas, il ne saute pas partout. Il ne perd la trace à aucun moment. Ainsi, le suivi reste précis tout au long. Jusqu'à présent, au moins, gardez un œil dessus. Le rendu est donc d'environ 13 secondes. Je vais juste faire un petit zoom arrière. 15. Je veux juste jeter un coup d'œil au mouvement de panoramique pour voir si les textes restent en place. Et cela semble être le cas. On y va. Et maintenant, il se jouera sans problème car la scène est maintenant pré-rendue. Et comme vous pouvez le voir, les textes de suivi flottent juste là dans les airs. Et on dirait que cela fait partie de la scène parce qu' il se déplace avec la caméra ou avec le mouvement de l'objet s'agit pas encore d'un suivi de caméra. Nous y reviendrons dans la prochaine leçon. est ainsi que fonctionne le suivi de mouvement de base. Vous définissez une zone cible sur ce que vous souhaitez suivre. Vous créez un objet qui sera collé à ce point. Vous placez son point d'ancrage à l'endroit où vous souhaitez placer l'objet. Ensuite, il vous suffit de cliquer sur suivre. Et After Effects détermine simplement pour vous quelle devrait être la position de cet objet par rapport au point de suivi. 66. 7.2-Track caméra: Dans cette leçon, nous allons commencer à travailler avec le suivi de caméra. Et le suivi de caméra est un processus dans lequel After Effects analyse le mouvement de la caméra d' une vidéo, puis est capable reproduire une caméra virtuelle qui suit le même mouvement. Maintenant, dans les fichiers d'exercices, vous trouverez un fichier appelé caméra à sept points pour suivre. Et je vais simplement l' importer et créer une composition basée sur ce métrage en cliquant et en le faisant glisser vers l'icône de nouvelle composition ici en bas du panneau de projet. Maintenant, il s'agit d'une séquence de drone inversée. Et quand je jouerai à ce jeu, vous verrez que l'eau monte réellement. J'ai donc édité cela au préalable. Je crois que j'ai posté ça sur mon Instagram à un moment donné pour cet effet plutôt cool. Donc le drone ne décolle pas, il est en train d'atterrir, il descend. Et j'ai inversé les images plus tard. Donc ce que nous allons faire, c'est récupérer environ 15 secondes de ce clip à partir du moment où le drone commence à monter. Donc ce que je vais faire, c'est mettre la chronologie à environ 7,5 secondes. Ensuite, je vais le découper depuis le début en cliquant et en faisant glisser le point de départ. Je vais le faire glisser jusqu'au début de la composition, puis découper la zone de travail. Je vais donc simplement réduire la zone de travail à la séquence. En fait, revenons un peu plus loin. Disons aussi. Quand ma femme disparaîtra de l'écran. Donc, à environ 14 secondes, je vais réduire la zone de travail, puis découper la composition à la zone travail en cliquant avec le bouton droit de la souris ici en haut, puis en choisissant Couper la composition à la zone de travail. Maintenant, je veux travailler en toute tranquillité. Je vais juste couper le son de ce clip en cliquant sur ce bouton Muet ici. Et maintenant, il sera lu sans audio. Maintenant, pour commencer à suivre notre caméra, je dois aller dans le menu Animation , puis choisir Suivre la caméra. Et cela va lancer un processus qui peut prendre plus ou moins longtemps en fonction de votre système disponible. Sur mon système, cela prend quelques minutes pour l' instant. Pour cette instance, je vais mettre l' enregistrement en pause jusqu'à ce qu'il soit terminé avec cette analyse en arrière-plan, première étape sur deux. OK, il reste environ 15 secondes. Et en effet, il a fallu environ deux minutes pour analyser ce clip vidéo de 14 secondes. Une fois ce processus terminé, une fois que cela atteint 100%, il passera à une notification orange indiquant la résolution de la caméra. Et c'est là qu'il analyse réellement le mouvement de la caméra. Et quelle est la caméra des effets secondaires que je devrais faire pour la reproduire. Et cela, encore une fois, peut prendre une minute, mais c'est beaucoup plus court que l'étape initiale du processus. Nous allons donc juste attendre que la caméra soit résolue. Et une fois que c'est résolu, nous obtenons ces points de suivi sur notre vidéo. Et si je lis la vidéo en avant, vous remarquerez que ces points de suivi, la plupart d'entre eux restent en place sur la vidéo elle-même. Cela ne se passe pas bien car il s'agit toujours d'un processus de rendu intensif. Mais ces points ont tendance à rester au même endroit. Quelqu'un dont certains disparaîtraient, de nouveaux apparaîtront au fur et à mesure de la progression de la séquence. Mais ces points de suivi indiquent qu' il existe une bonne solution. S'ils restent au même endroit, une bonne personne serait là où ces points de suivi restent réellement en place. Nous n'avons pas besoin de tous ces points de suivi, mais il ne sert à rien de les supprimer. Parce que je cherche quelque chose de très spécifique, que je trouverai probablement sur ce mur. Maintenant que je passe la souris sur cette zone, vous verrez cette cible, cette cible. Et ce que je recherche, c'est une cible qui a la bonne perspective. Sur cette paroi rocheuse. Je chercherais quelque chose qui soit légèrement incliné vers le haut et c'est exactement ce que je vois ici. C'est donc là que j'ai placé ma cible en cliquant une fois. Maintenant, ce que nous obtenons sont ces trois points cibles que je peux encore modifier si je le souhaite. Je ne vais pas faire ça pour le moment. Mais l'étape suivante serait d' ajouter une caméra et également un objet pour analyser si la piste est réellement active ou précise. Donc ce que je vais faire, c'est retrouver cette cible, puis cliquer avec le bouton droit de la souris. Ensuite, je peux créer du texte et une caméra, un solide et une caméra, ou un null et une caméra. Pour l'instant, je vais juste créer un solide et un appareil photo. Et cela crée un calque solide, qui n'est qu'un calque d' espace réservé, juste pour que je puisse voir si la piste est correcte ou non . Alors ce que je vais faire, c'est juste lire la vidéo. Et vous remarquerez que ce solide est en fait collé au mur, ce qui est fantastique parce que c'est exactement ce que je voudrais. Le solide est en place et il reste en place et il tourne réellement avec la caméra car il s'agit d'un objet 3D. Et cela indique, cela nous indique que lorsque nous ajoutons des objets 3D, deux scènes comme celle-ci. Et si nous obtenons leur bonne position, principalement sur l'axe des z, nous obtiendrons un résultat plutôt intéressant. Donc ce que je vais faire c'est juste aller dans la position de ce calque. Et je vais juste le copier pour le moment. Je vais donc simplement cliquer sur la position et je vais copier la position. Maintenant, je vais masquer ce calque solide, qui n'est pour moi qu'un calque de contrôle. Comme si je l'utilisais juste pour voir si la piste est vraiment bonne ou non. Ensuite, je vais saisir l'outil de saisie, cliquer une fois et saisir le suivi. Je vais augmenter légèrement la taille du texte et confirmer avec Control Enter. Ensuite, je vais transformer cela en objet 3D. Et au départ, il est en fait placé hors écran. Donc, ce qu'on va faire c'est appuyer sur P pour la position. Et je vais coller la position de ce solide sur les textes. Maintenant, il devrait être au même endroit. Mais comme il est plus éloigné de la caméra, parce que la position z de cette couche est maintenant supérieure à 41 000, elle apparaît beaucoup plus petite. Donc ce que je vais faire, c'est appuyer sur S pour l'échelle et la mettre à l' échelle à ce que je veux dans cette scène. Et maintenant, quand je commencerai à lire la chronologie, vous verrez que ce texte est parfaitement en place sur la paroi rocheuse. Ainsi, même si le drone pivote d'avant en arrière, il reste parfaitement en place sur la paroi rocheuse et c'est exactement ce que je recherchais. est un peu plus difficile de mélanger tels objets avec l'arrière-plan lui-même. Ce que vous pouvez faire, par exemple, c'est regarder le mode de fusion du calque. Les modes de fusion sont un sujet très complexe. After Effects propose plus de modes de fusion que tout autre programme Adobe. Vous pouvez généralement essayer quelque chose comme la superposition, ce qui lui donne l'impression de faire partie de la scène, disons, même si cela la rend également un peu trop transparente. Je peux donc dupliquer ce calque pour obtenir un meilleur résultat. Ou je peux regarder l'un des autres modes de fusion. Je peux peut-être opter pour Multiply. Oui, ça a l'air un peu mieux donc on dirait que c' est écrit sur le mur. Ce qui n'est pas parfait car il n'y a pas de distorsion individuelle le long de chaque caractère. Mais cela semble faire partie de la scène en ce qui concerne la couleur, moins je ne suis pas capable de l' enrouler ici avec cet effet. Pour cela, nous pouvons utiliser d'autres effets, mais c'est l'essentiel. C'est donc l'une de mes activités préférées dans After Effects en fait, pour mettre des choses dans des scènes qui n'existent pas. L'un des outils les plus puissants pour y parvenir est le suivi de la caméra. Et que vous soyez capable ou non de suivre le métrage avec précision dépend en grande partie la qualité de la séquence, rapidité avec laquelle elle se déplace, de la fréquence d'images du métrage et du mouvement de la caméra, car il s'agit d'un mouvement de caméra très simple. C'est juste un pan up. La caméra monte donc juste vers le haut et c'est tout. Mais si la caméra tourne également sur un ou plusieurs axes, le suivi devient beaucoup plus difficile. Et After Effects sera moins, ne sera pas en mesure de le suivre aussi précisément que possible pour quelque chose de simple comme celui-ci. C'est pourquoi lorsque vous filmez ce genre de choses, vous utilisez un drone ou vous jouez, donc les séquences sont belles et stables et le suivi est beaucoup plus facile dans After Effects, comme vous venez de le voir. 67. 7.3-Masquer les bases de base: Un autre outil très puissant que nous pouvons utiliser dans After Effects est le masquage. Le masquage nous permet de masquer certaines parties d' un calque de métrage tout en gardant d'autres parties du calque de métrage visibles. Et pour le démontrer dans les fichiers d'exercices, vous trouverez deux vidéos qui ne s'ouvriront pas maintenant en double-cliquant sur une partie vide du panneau du projet. Et ces clips sont appelés clip de masquage 7.3, clip de masquage 1.37, et je vais simplement sélectionner ces deux clips et les importer tels quels. Maintenant, ce que je veux, c'est que la composition sur laquelle nous allons travailler corresponde aux paramètres de la vidéo, c' est-à-dire 1920 x 1080 à une fréquence d' images de 30 images par seconde. Donc, ce que je vais faire, c'est cliquer et glisser l'un de ces clips dans la nouvelle icône de composition en bas du panneau de projet et relâcher la souris. Cela va également importer le métrage dans la chronologie. Et ce n'est qu'un clip de 10 secondes de ma fille s'éloignant de la caméra. Maintenant, l'autre clip que nous avons ici montre ma fille qui marche vers la caméra dans le même décor. Cette vidéo a été tournée à partir d'un trépied ou d'un cardan verrouillé, selon le cas , de sorte que les images correspondent exactement à l'angle et à la position de la caméra. Ce que je veux vous montrer, c'est ce qui se passe lorsque nous dessinons un calque de forme, lorsqu'un calque est sélectionné ici dans le panneau des calques. Ainsi, lorsqu'un calque n'est pas sélectionné, je peux le faire en cliquant simplement sur une partie vide du panneau des calques. Je peux simplement saisir l'un des outils de forme tels que l'outil Rectangle et simplement cliquer et faire glisser pour dessiner une forme, comme nous l'avons vu dans un chapitre précédent. Je vais juste annuler cela avec Control Z. Mais lorsque le calque est réellement sélectionné, nous pouvons cliquer et faire glisser. Et puis tout sauf les zones qui chevauchent cette forme que je dessine est masqué par un masque. Donc ce que je vais faire, c' est que cette fonction a la même fonction que les formes fortes. Je peux donc maintenir la barre d'espace enfoncée pour déplacer la forme pendant que je suis en train de la dessiner. Donc, avant de relâcher la souris, je vais passer à peu près à mi-chemin de la séquence , puis relâcher la souris. Et pour plus de clarté, je vais activer la grille de transparence ici en bas du panneau de composition, juste pour que nous puissions voir clairement ce qui est réellement transparent. J'ai donc dessiné une forme. Eh bien, cette couche a été sélectionnée. Maintenant, tout ce qui se trouve en dehors de cette forme est caché par un masque. Et cela est également visible dans les commandes de calque. J'ai ici un masque, qui comporte plusieurs options différentes, que nous examinerons brièvement. La première option ici est le mode Masque, qui est actuellement défini pour ajouter. Ajouter signifie que tout ce qui se trouve dans le masque, tout ce qui se trouve à l'intérieur de cette forme est actuellement visible. Lorsque je développe ces modes de masque, je peux aussi les éteindre, soustraire, ce qui va essentiellement inverser le masque. Désormais, tout ce qui se trouve à l'intérieur du masque est caché tandis que tout ce qui se trouve à l'extérieur du masque est visible. Nous avons également différents modes que nous verrons plus loin dans cette vidéo. Ils fonctionnent essentiellement de la même manière que les modes de forme que nous avions avec ADD, intersect et autres. Donc je vais juste en rester à l'annonce pour le moment. Nous avons également la possibilité d'inverser le masque, le mettant essentiellement en mode Soustraction. Je peux donc simplement activer ceci pour retourner le masque de l'autre côté. Je vais maintenant développer les commandes du masque. Et le chemin du masque est quelque chose que nous examinerons dans le chapitre du projet où nous rassemblerons tout. Nous allons animer la forme du masque. Je peux vous donner un bref exemple en activant simplement le chronomètre ici pour créer image clé du tracé du masque , puis passer à 1 seconde dans la chronologie et revenir à l'outil de sélection ici. Maintenant, je peux déplacer le masque en allant ici dans l'un des coins et en cliquant et en faisant glisser le coin vers l'extérieur. Comme vous le verrez lorsque je lis la timeline en utilisant la barre d'espace, le tracé du masque. La forme du masque est donc animée. J'utilise simplement Control Z pour revenir en arrière. La plume du masque nous donne un dégradé le long des bords du masque, sorte qu'elle brouille les bords du masque. Ainsi, lorsque je clique dessus et que je le fais glisser vers le haut, vous verrez que vous verrez que les bords du masque sont flous. Donc, si vous voulez une transition douce entre les calques, vous pouvez l' utiliser et vous voudrez avoir un chevauchement des calques qui s'étend au-delà du masque. Mais c'est quelque chose que nous aborderons dans le chapitre du projet. Je vais juste les remettre à 0. Nous avons un curseur d'opacité de masque qui nous permet de rendre partiellement un calque transparent ou le contenu d'un masque transparent. Et nous avons un curseur d' expansion de masque, qui nous permet d'augmenter ou réduire la taille de notre masque. Je peux donc cliquer dessus et le faire glisser vers la gauche pour réduire la taille du masque. Et je peux cliquer dessus et le faire glisser vers la droite pour augmenter la taille de la masse. Voici donc quelques paramètres que vous pouvez modifier lorsque vous travaillez avec des masques. Et vous pouvez également animer toutes ces propriétés car elles disposent d'un chronomètre. Maintenant, je veux vous montrer ce qui se passe lorsque nous ajoutons notre deuxième clip. Je vais donc simplement appuyer sur le Royaume-Uni pour réduire toutes les options de calque ici pour plus de clarté. Ensuite, je vais cliquer et faire glisser le clip de masquage 7.3 un vers le bas dans la timeline. Et je vais juste le placer sous le clip de masquage 1. Et maintenant, nous voyons que ces différentes moitiés de la séquence sont visibles. Ainsi, lorsque je cache, masque, masque et clipse un en cliquant sur l'icône, vous verrez ma fille disparaître. Lorsque je masque le clip de masquage 2 du calque inférieur 7.3, vous verrez à nouveau cette transparence. Ce calque vidéo se trouve donc en dessous de ce calque vidéo. Et comme la moitié du calque vidéo supérieur est masquée, nous pouvons voir le reste de la vidéo ici à droite, à gauche. Donc, quand je regarderai la vidéo, vous verrez un clone de ma fille marcher dans l'autre sens. Donc, si vous avez déjà vu cet effet, est ainsi qu'il est obtenu. Une partie de la vidéo est en fait masquée dans un calque supérieur, puis un autre calque est placé en dessous, dans lequel se trouve l'autre section de la vidéo. Nous l'avons fait avec un rectangle régulier, mais vous pouvez le faire avec n'importe quelle forme de votre choix. Je vais donc m' assurer que outil de clip de masquage 7.3 est sélectionné. Ensuite, je vais passer à l'outil Plume. Je vais prendre l'outil stylo. Et avec ce calque sélectionné, je peux ensuite dessiner une forme, n'importe quelle forme que je veux, et fermer la forme en cliquant sur le premier, puis tout ce qui se trouve en dehors de cette forme disparaîtra. Maintenant, je vais vous montrer rapidement que je peux toujours passer à un autre outil, l'outil ellipse par exemple. Et cliquez et faites glisser ici. Et cela va ajouter un masque secondaire à cette vidéo. J'ai donc maintenant deux masques actifs, que vous verrez également dans le panneau des calques. J'ai donc ici le masque deux. Maintenant, je peux changer le mode de cet autre masque pour le soustraire, et cela masquera ce qui se trouve à l'intérieur du masque. Et je peux alors saisir le masque ici et le faire glisser pour cacher tout ce sur quoi il est placé. C'est ainsi que fonctionnent ces différents modes. Et c'est aussi quelque chose que nous utiliserons dans le chapitre du projet pour supprimer quelque chose d'un masque que nous avons déjà. Si vous souhaitez supprimer le masque, vous pouvez simplement cliquer dessus dans commandes du calque et appuyer sur Suppr ou Retour arrière. Et cela va simplement nous débarrasser de ces masques pour que nous ayons notre résultat final. Et je vais juste y jouer encore une fois des fins de démonstration. Et enfin, je voudrais vous parler de la création de vidéos comme celle-ci. Comme je l'ai dit, cela a été pris à partir d'un trépied, essentiellement un cardan que je peux verrouiller pour que l'appareil photo reste exactement au même endroit. Mais ce n'est pas suffisant pour créer de telles vidéos car, comme vous voulez également verrouiller manuellement la mise au point, c'est sur l'autofocus, votre appareil photo. La mise au point change lorsqu'un sujet s' éloigne de l' appareil photo ou s'en approche. Je souhaite donc que la mise au point reste cohérente entre les prises de vue. Je souhaite également régler manuellement la vitesse d'obturation, l'ouverture et la sensibilité ISO si vous savez quelque chose sur les appareils photo, et la sensibilité ISO si vous savez au moins afin que les images correspondent exactement et qu'il n'y ait pas de coutures dans la vidéo . Lorsque je filme les deux clips, vous souhaitez que les paramètres d'enregistrement soient cohérents entre les prises de vue afin de pouvoir les combiner ultérieurement dans After Effects. Il est donc également important lorsque vous souhaitez créer des plans comme celui-ci, que les paramètres entre les clips soient réellement cohérents. 68. 7.4-Étirage de séquences: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment étirer notre séquence de manière à ce qu'elle apparaisse au ralenti. Dans cette leçon, je vais vous montrer comment procéder pour un calque entier. Et dans le prochain sur le remappage temporel, je vais vous montrer comment le faire uniquement pour certaines parties de nos couches. Donc seulement une partie de la chronologie. Dans les fichiers d'exercices de ce chapitre, vous trouverez des séquences d'étirement 7.4. Et je vais juste l'importer en double-cliquant dessus ici. Et je ne vais pas baser la composition sur ce clip car il fait 60 images par seconde. Et je veux en fait une chronologie de 30 images par seconde. Je vais donc cliquer sur le bouton Nouvelle composition dans le panneau Projet. Et je vais régler la fréquence d'images sur 30. Assurez-vous que la résolution est réglée sur 1920 x 1080 et que la durée est réellement de 20 secondes au lieu de dix secondes. Je vais donc cliquer sur OK. Ensuite, importez cette séquence dans cette chronologie. Maintenant, notez que cette séquence est de 60 images par seconde et que nous la plaçons sur une timeline de 30 images par seconde. La séquence ne dure en fait que dix secondes, donc la moitié de notre chronologie est actuellement vide. Maintenant, ce que je veux que vous remarquiez, c'est qu'ici, en bas à gauche, nous avons ces quatre commutateurs. Ces quatre commutateurs déterminent quels contrôles de couche sont réellement actifs. Je peux donc supprimer la colonne de cache de piste. Je peux ajouter ou supprimer les commutateurs de calque si je veux me donner plus d'espace d'écran ici dans la chronologie. Mais ce sur quoi je veux que tu te concentres, c'est la durée in-out, les douleurs d' étirement. Donc activer cela nous donne ces contrôles ici, la fin du calque, sorte que le point de départ du calque est actuellement défini sur 0 seconde, 0 image. La sortie est de neuf secondes et 29 images. Donc dix secondes, la durée est dix secondes et l'étirement est actuellement réglé sur 100 %. Et je veux que vous vous concentriez sur cet élément extensible ici parce que cela me permet de ralentir ou d'accélérer cette séquence. Disons donc que je vais augmenter l'étirement à 150 %. Cela va ralentir les images de moitié. Donc en cliquant sur cette valeur ici pour l'étirement, je peux le mettre sur 150. Et la nouvelle durée de la séquence est déjà affichée ici à 15 secondes car elle va être ralentie de 50 %. Donc, en cliquant sur OK, vous verrez que cet élément s'allonge également sur la chronologie, donc il dure maintenant 15 secondes au lieu de dix secondes par rapport à ce qu'il était auparavant. Et maintenant, regardez ce qui se passe lorsque je lis les images. Ma fille marche 50 % plus lentement, et comme nous avons un clip de 6060 images par seconde, le mouvement est toujours acceptable, donc il ne semble pas saccadé. Et nous pourrions utiliser ces images comme des séquences au ralenti. Et avec une vidéo de 60 images par seconde, vous pouvez en fait aller jusqu'à 200 avant de vraiment commencer à distinguer les images individuelles. Donc, mettre cet étirement à 200 % et appuyer sur Entrée me permettra de créer des séquences au ralenti comme celle-ci. Cela nécessite également que vous soyez capable de filmer des séquences au ralenti. De nos jours, la plupart des téléphones avec appareil photo sont capables prendre jusqu'à 120 images par seconde, ce qui vous permet de ralentir le métrage quatre fois pour obtenir les 30 images par seconde. C'est donc un élément à prendre en compte lorsque vous créez réellement la vidéo. Maintenant, c'est quelque chose que nous ne pouvons pas animer actuellement. La valeur d'étirement n'a pas réellement de chronomètre. Nous ne pouvons pas déterminer si certaines parties de la vidéo seront au ralenti et que d'autres parties seront mouvement normal ou même accélérées. Et c'est quelque chose que nous pouvons faire avec le remappage temporel, que nous verrons dans la prochaine leçon. 69. 7.5-Remappage du temps: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment animer la vitesse d'une vidéo à l' aide du remappage temporel et des effets secondaires. Et pour cela, je vais double-cliquer ici dans le panneau Projet et je vais importer le remappage temporel du clip 7.5, qui est essentiellement la même vidéo que celle que nous venons de voir en 7.4. Je vais donc importer cette vidéo et créer une nouvelle composition ici dans le panneau Projet. Et ce sera 1920 par 1080 à une fréquence d'images de 30 images par seconde avec une durée de 20 secondes. Ensuite, je vais cliquer sur OK pour créer cette composition, je vais importer le remappage temporel 7.5 du clip cette composition en cliquant et en le faisant glisser vers le bas dans les calques. Et voici la même vidéo que celle que nous avons vue dans la leçon précédente. Maintenant, disons qu'au bout de deux secondes, je souhaite que cette vidéo ralentisse à peu près à la moitié de sa vitesse normale. Ensuite, je veux qu'il reste au ralenti jusqu'à ce que la vidéo atteigne huit secondes. Ensuite, je veux qu'il revienne à sa vitesse normale. Pour cela, nous allons utiliser le remappage temporel. Et pour cela, nous devons activer le remappage temporel pour cette couche. Donc, ce que je vais faire, c'est cliquer avec le bouton droit sur le calque, puis monter ici où il est écrit l'heure. Ensuite, nous avons une bascule pour activer le remappage temporel. Et cela va ajouter deux images-clés pour le remappage temporel. Ces images clés ne sont pas importantes car cette première image-clé indique le début de l'heure pour le calque et cette image-clé, cette deuxième image-clé ou la dernière image-clé qui sera sur cette chronologie indique ou représente la fin de la vidéo. Donc, si je clique dessus et que je le fais glisser vers la gauche, vous verrez que la vidéo devient plus courte. Je vais donc passer à environ cinq secondes, et ce sera maintenant la fin de la vidéo. Ainsi, toute la vidéo est maintenant compressée dans le temps sur cette image-clé de 5 secondes. Maintenant, lorsque je lis la timeline, le métrage sera beaucoup plus rapide. Je peux maintenant déterminer où commence cet effet en modifiant la seconde, la première image-clé. Si je clique dessus et que je le fais glisser vers la droite, vous verrez que la vidéo ne bouge pas. Ensuite, il commence à se déplacer lorsqu'il atteint cette image-clé initiale. emplacement de cette image-clé détermine le moment où la vidéo démarre et où se trouve cette image-clé indique où se termine la vidéo. Cela signifie que si je fais glisser la deuxième image-clé vers la droite, vous verrez que le métrage ralentit au fur et à mesure, comme si je l'étirais. Ainsi, quand il atteindra dix secondes, ce calque se terminera. Mais comme le remappage temporel est activé, la vidéo continuera à fonctionner. Si nous en augmentons la longueur. Jusqu'à ce que nous atteignions ce point de la chronologie, nous pouvons l'augmenter un peu plus. Parce que c'est là que ça s'arrête. Il fonctionne donc comme un arrêt sur image à la fin, mais ce n'est pas quelque chose que nous voulons actuellement. Donc, ce que je vais faire, c'est passer à deux secondes dans la chronologie, puis je vais ajouter une image-clé de remappage temporel en cliquant sur l'icône d'image-clé ici. Ensuite, je vais passer à huit secondes dans la chronologie et ajouter une autre image-clé. Et maintenant, déplacer la valeur de ces images-clés va nous donner des résultats différents. Permettez-moi donc de remettre cette image-clé à dix secondes et de réduire à nouveau la longueur du calque à environ dix secondes. Maintenant, le métrage ralentit déjà ici lorsqu'il atteint cette image-clé et accélère en fait pour compenser ce ralentissement. J'aimerais donc augmenter légèrement la durée de la vidéo. Examinons maintenant ces valeurs. Ici. Je veux que le temps soit exactement de deux secondes. Ici, à l'image-clé de 8 secondes, je veux que ce soit exactement cinq secondes. Donc entre la seconde, la seconde, donc entre 2 secondes 8, il ne sera lu que pendant cinq secondes. Cela va donc ralentir les images pour compenser cela. Moi aussi parce que je veux qu'il revienne à sa vitesse normale. Après huit secondes, je dois déplacer cette dernière image-clé à environ 13 secondes. Je vais donc passer à 13 secondes dans la chronologie. Je vais faire un petit zoom avant et m' assurer que le calque se termine et que cette image-clé est sortie exactement 13 secondes. Maintenant, lorsque je lis la timeline, le métrage ralentit. En fait. Cela devrait être exactement deux secondes. Ça fait cinq. Maintenant, la lecture de la séquence est à la vitesse normale. Ensuite, ça ralentit. Et la lecture sera ralentie jusqu'à ce qu'elle atteigne huit secondes, puis elle accélère à nouveau à la vitesse normale, atteignant la fin de la vidéo à 13 secondes. Il suffit donc de cliquer et de faire glisser ces images clés et de modifier la valeur de remappage temporel pour animer la vitesse de votre métrage. 70. 7.6-Brosse Roto: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment découper un sujet dans une vidéo. Isolez donc un sujet de son arrière-plan à l'aide de l'outil Roto Brush, qui fonctionne essentiellement comme un outil de masquage automatique dans certaines situations en fonction du métrage que vous utilisez. Le Roto Brush nécessite en fait un sujet très clair dans une vidéo afin que son mouvement puisse être suivi avec précision. Mais heureusement, nous avons une telle séquence dans les fichiers de cours de ce chapitre dans 7.6 roto brush. Je vais donc simplement importer cette séquence. Cette fois. Je vais créer une composition basée sur cette séquence. Je vais donc cliquer et le faire glisser vers le bas dans l'icône de nouvelle composition dans le panneau Projet et relâcher la souris. Maintenant, voici une autre vidéo au ralenti de ma fille qui passe juste à travers le cadre. Il est ralenti à environ 50 % de sa vitesse. Et notez qu'à un moment donné, il y a un sujet de premier plan qui occulte la visibilité du sien. Elle est donc cachée derrière ce lampadaire à un moment donné. C'est quelque chose dont nous parlerons plus tard dans cette vidéo légèrement plus longue que d'habitude. Je veux l'isoler de l'arrière-plan afin de pouvoir placer des choses derrière elle, ce que je vais également vous montrer dans cette leçon. Donc, ce que je vais faire, c'est prendre l'outil Roto Brush ici ou le deuxième outil à la fin. Ensuite, j'ai besoin d' ouvrir le calque en mode Calque. Je vais donc simplement double-cliquer sur le métrage ici dans le panneau Projet, dans le panneau Montage. Et cela va m' amener à ce point de vue. Maintenant, l'outil Roto Brush Tool nous donne en fait un cercle vert pour le curseur de la souris. Et la taille des cercles est importante car elle est actuellement définie sur une taille assez petite. Vous pouvez faire varier cette taille en fonction ce que vous essayez réellement d'écrire une portée, parce que c'est ce que nous faisons actuellement, c'est ce que nous appelons la rotoscopie, découper un sujet d'une vidéo. Pour modifier sa taille, je peux maintenir la touche Ctrl de mon clavier , puis cliquer et faire glisser vers la droite pour augmenter la taille. Cliquez et faites glisser le pointeur vers la gauche pour réduire sa taille. Et je vais faire en sorte que ce soit à peu près aussi grand. Et ce que vous verrez, c'est qu' il y a aussi un signe plus vert dans le curseur de la souris indiquant que nous ajouterons à notre ligne une fois nous commencerons à cliquer ou cliquer et à faire glisser sur notre métrage, Ce que je vais faire, c'est commencer ici en haut , puis cliquer et faire glisser sur sa tête. Et cela va mettre un contour rose autour de cette zone. Maintenant, il y a aussi, une fois que j'ai zoomé un peu et saisi la barre d'espace pour me déplacer vers le haut. Il y a aussi une partie légèrement au-dessus sa tête qui est actuellement sélectionnée, dont je ne veux pas mon résultat final. Donc je veux vraiment peindre ça à partir de la Roto. Donc pour passer au moins. Donc, en retirant de la Roto, je vais simplement maintenir la touche Alt enfoncée, ce qui fait passer le curseur à un moins rouge, ce qui me permet de cliquer en haut ici. Et ça va lui remettre la sélection autour de la tête. Je peux zoomer en avant et en arrière et utiliser la souris qui maintient la barre d'espace pour me déplacer. Et encore une fois, j'ai cliqué et fait glisser ici pour sélectionner une partie de l'arrière-plan. Je vais donc maintenir la touche Alt enfoncée, cliquer et faire glisser sur cette zone pour la supprimer de la sélection. Je vais donc continuer à cliquer sur des zones distinctes de la séquence pour augmenter la taille et à apporter corrections à l'aide de la touche Alt et continuer à la développer. Et selon les images, ce processus peut être assez long. Mais le fait est que pour chaque image suivante, nous obtiendrons de meilleurs résultats en fonction notre performance avec notre ligne initiale. Pour cette section, pour son orteil, je veux en fait réduire la taille de mon pinceau, maintenant le contrôle et en le faisant glisser vers la gauche, puis en cliquant et en faisant glisser sur cette zone. Ensuite, je vais attraper sa jambe arrière et peindre dessus en une seule fois. Et cela me donne en fait une sélection relativement précise. Et voici notre sélection initiale. Donc une fois que je reviendrai à la composition ici, vous verrez que sur la première image, elle a déjà découpé cette vidéo pour la première image. Et tout ce que j'ai à faire pour me blesser découper les images suivantes, c'est de jouer la timeline. Avant de commencer à lire la chronologie, vous voulez vraiment vous assurer que toutes vos séquences sont visibles car elle va se déplacer dans l'image et vous ne pouvez pas zoomer pendant que la Roto est en cours d'application. Vous voulez donc vous assurer que tout est visible afin de pouvoir évaluer au fur et à mesure de la lecture de la séquence, où se trouve la piste. Ça va peut-être mal. Je vais donc simplement appuyer sur la barre d'espace pour lire la chronologie. Et vous verrez que le contour rose est en fait tracé pour chaque image. After Effects suit donc ce qui se passe dans ce contour rose. Et il fait de son mieux pour garder ce contour rose autour de notre sujet. Ce processus peut prendre beaucoup de temps en fonction de la vidéo sur laquelle vous travaillez et de la vitesse de votre système. Mais c'est beaucoup plus facile que d' animer manuellement un masque autour d'un sujet, ce que nous ferons également dans le chapitre du projet que j'ai déjà mentionné à quelques reprises. Maintenant, cette séquence est relativement facile à suivre. Nous avons un sujet très clair dans la vidéo, le ralenti, donc il n' y a pas beaucoup de flou directionnel ou il n'y a pas de flou de mouvement du tout en fait. Mais certains problèmes peuvent survenir. Et c'est quelque chose que nous verrons une fois que nous aurons atteint environ huit secondes lorsque ce lampadaire passera à travers le cadre. Parce qu'After Effects ne pourra pas suivre notre sujet lorsqu'il disparaîtra derrière un autre sujet. Nous allons donc simplement attendre d' arriver à environ huit secondes. Et puis corrigez. Le problème tel qu'il se pose. La piste a toujours l'air bien. Même ses pieds sont relativement bien suivis. Vous verrez dans le résultat final que cela fonctionne assez bien une fois que nous verrons les images isolées. Et nous arrivons sur notre lampadaire, nous voilà à sept secondes. Et une fois que nous aurons atteint environ huit heures, nous verrons le lampadaire apparaître. Et ce que vous verrez, c'est qu'au fur et à mesure qu'elle disparaîtra derrière le lampadaire, le contour rose disparaîtra également. Donc ça va juste se froisser et disparaître. Maintenant, ce que je veux faire, c' est continuer sur la piste. Quand elle apparaît de derrière le lampadaire, je mets la lecture en pause en utilisant la barre d'espace, et je vais juste maintenir la touche Ctrl enfoncée et appuyer sur les touches fléchées pour sauter d'une image avant jusqu'à ce que je voie son pied apparaît derrière la colonne. On y va, on y est. Maintenant, je vais zoomer un peu et m'assurer que le Roto Brush n'était pas actif. Je vais juste repeindre son pied. Cela va me donner une nouvelle zone qui va être suivie. Et vous pouvez toujours effectuer un petit zoom avant pour plus de détails. Modifiez la taille du pinceau si vous le souhaitez. Et je vais encore sauter un cadre en avant et un autre qui me donne une autre partie de son pied. Je vais donc simplement peindre dessus, en avançant jusqu'à ce que nous ayons plus de clics et de glissements pour l'ajouter à la Roto. En montant un peu, barre d'espace enfoncée, puis ça grandit un peu trop. Donc, en maintenant la touche Alt enfoncée, je peux faire glisser le pointeur sur cette zone et cela va la faire revenir en arrière. Avancer d'une autre image. Cliquez et faites glisser pour l'ajouter à la zone. Et je ne vais pas faire ce pixel parfait. Je vais juste prendre le contour approximatif parce que le bord du lampadaire est en fait assez flou. On y va, on avance d'un cadre et d'un autre. Elle arrive. Et je vais juste prendre petit avantage ici, sauter une image en avant. Et cela remettra la plupart de ma fille dans le cadre, donc je peux saisir la jambe arrière ici, cette zone, et cela pourrait aller un peu trop loin parce que les zones d'ombre se chevauchent, mais en fait, ça a l'air bien. Avancer d'une image à l'aide de la commande et des touches fléchées. Et un autre et un autre. Ça va me donner un aperçu complet une fois que je cliquerai et que je traînerai sur son pied. Maintenant, je pense que j'en ai peut-être un peu trop pris maintenant. OK. Ça a l'air bien. OK, nous pouvons maintenant recommencer à suivre en lisant simplement la chronologie à l'aide de la barre d'espace. Et nous allons simplement laisser cela terminer vers la fin. Tract a l'air bien. On y va. Je peux donc revenir à la composition en cliquant ici. Et vous verrez qu'elle est maintenant coupée de l'arrière-plan. Et cela sera rendu en direct d'ailleurs, en fonction de vos paramètres. Cela peut donc jouer un peu lentement. Mais elle est désormais isolée du fond. Maintenant, disons que je veux mettre quelque chose derrière elle dans cette vidéo. Je voudrais ajouter quelque chose qui n'était pas là. Ce que je peux faire ensuite, c'est dupliquer cette séquence en appuyant sur la touche Ctrl D. Ensuite, je vais aller au calque inférieur développer les commandes du calque et aller dans Effets. Ensuite, je peux cliquer sur le pinceau Roto et affiner le bord et simplement le supprimer en appuyant sur Supprimer. Et ça devrait. Une fois que l'effet est réellement rendu. Parce que le Roto Brush propage actuellement AB d'un 136. Donc, une fois que c'est terminé, cela devrait nous donner une vue du calque avec son arrière-plan. Et on y va. Alors maintenant, elle est coupée des images. Elle se trouve donc sur un calque séparé au-dessus de ce calque vidéo. Ce que je peux faire ensuite, c'est saisir l'un des outils de forme, m' assurer qu'aucun calque n'est sélectionné, puis cliquer et faire glisser. Et cela va créer la forme sur le dessus. Ce que je peux faire maintenant, c'est glisser vers le bas entre ces couches de métrage. Il semble donc maintenant qu'elle se tient devant ce calque de forme. C'est ainsi que nous pouvons ajouter des éléments à séquences qui n'étaient pas là, ce qui sera le projet proprement dit. Une fois que nous arrivons au chapitre du projet, le métrage n'est pas tracé, donc il n'est pas suivi de mouvement et il ne s'agit pas encore d' un objet 3D, il restera donc au même endroit dans la composition, mais on dirait qu'elle marche devant un objet alors que cet objet au départ, il n'était pas là. C'est ainsi que fonctionne la rotoscopie. Vous pouvez toujours revenir dans le calque en double-cliquant dessus. Et puis faire un, en fait, c'est la couche inférieure que je devrais regarder. Donc non, en fait c'est le calque avant sur lequel l' effet est appliqué. Ensuite, activez le Roto Brush. Vous pouvez modifier à nouveau cet effet une fois que vous avez cliqué ici et apporter des modifications au fur et à mesure que la chronologie progresse, si vous avez remarqué des erreurs commises par le programme pendant la lecture de la chronologie. Mais c'est essentiellement ainsi que vous découpez un sujet d'un arrière-plan. 71. 7.7-Remplir le contenu Aware: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment supprimer un objet d'une séquence vidéo en utilisant Content Aware. Remplissez pour cela dans les fichiers de cours de ce chapitre, vous trouverez la vidéo 7.7 Content Aware Fill. Et je vais juste l'importer dans ce projet ici. Et je vais créer une composition basée sur ce métrage en cliquant et en le faisant glisser vers le bouton de composition en bas du panneau de projet. Maintenant, cette séquence est en fait 60 images par seconde pour des raisons de brièveté. Et pour accélérer les choses, je vais modifier la fréquence d'images de la composition à 30 images par seconde. Je vais donc appuyer sur Ctrl K ou Commande K sur le Mac et passer à la fréquence d'images , puis entrer 30 et appuyer sur Entrée. Il ne doit donc analyser que la moitié des images. Dans cette vidéo, nous avons ces deux montgolfières. Et ce que je veux vous montrer, c'est comment nous pouvons retirer une ou plusieurs de ces montgolfières en utilisant le remplissage sensible au contenu. Et pour utiliser le remplissage sensible au contenu, nous devons d'abord dessiner un masque autour de ce que nous voulons supprimer , puis animer ce masque pour qu'il suive l'objet dont nous voulons nous débarrasser. Comme il s'agit d'un objet relativement simple avec un arrière-plan simple, je vais simplement saisir l'outil ellipse, assurant que le calque vidéo Content Aware Fill est bien sélectionné. Et je vais cliquer et faire glisser une ellipse au-dessus de cette montgolfière. Je vais mettre le mode sur aucun pour l'instant parce que je veux voir le masque et la vidéo elle-même. Et maintenant, je vais animer le masque pour suivre la montgolfière. Et c'est extrêmement simple. Je développe simplement les options de masque ici et je vais créer une image clé du chemin du masque à 0 image et 0 seconde. Ensuite, je vais aller à la fin de la séquence, puis déplacer le masque là où se trouve la montgolfière. Je vais donc simplement saisir l'outil de sélection et cliquer et faire glisser le masque sur la montgolfière. Et quand je parcourrai la chronologie, vous verrez que le masque suit la montgolfière exactement parce que la montgolfière suit une trajectoire définie. C'est en ligne droite. Ainsi, le tracé du masque n'a pas besoin d'animation complexe. Lorsque vous travaillez à découper une personne ou un véhicule et que l'angle change sur le sujet que vous souhaitez supprimer. Vous pouvez utiliser l'outil Plume au lieu de celui des outils de forme. Vous pouvez ainsi dessiner un cadre ou un masque autour d' eux avec plus de précision. Nous avons donc notre animation de chemin de masque et nous allons maintenant aller dans le panneau Remplissage adapté au contenu à droite de l'interface After Effects. Si vous n'avez pas ce panneau, vous pouvez toujours aller dans Fenêtre, puis Remplissage adapté au contenu pour accéder aux options du panneau. Et juste pour l'instant, je vais changer le mode du masque pour soustraire afin d'obtenir une représentation précise du masque dans cet aperçu, disons. Donc, en parcourant la chronologie, cela me donnera un aperçu de ce que fait réellement le masque et de ce qui est réellement transparent. Soyez ce qu'il sera rempli, Content-Aware Fill. remplissage sensible au contenu est en fait une fonction de Photoshop. After Effects peut s'appuyer sur ce point pour remplir les images individuelles. Et cela peut être un processus assez intensif en informatique, c'est pourquoi nous avons modifié la fréquence d'images de la composition à 30 au lieu de 60. Parce que cela signifie qu'After Effects ne doit parcourir que la moitié des images à la moitié du nombre d'images pour utiliser le remplissage sensible au contenu. Mais ça va quand même prendre quelques minutes. Du moins. Ce que nous pouvons ensuite faire, c'est choisir ce nous voulons réellement utiliser comme méthode de remplissage. Et Jen, neuralement parlant, tu veux aller chercher un objet parce que cette fonction est utilisée pour supprimer des objets d'une scène. Vous voudrez également faire, dans la plupart des cas, est de choisir pour la correction de l' éclairage, qui par défaut, vous pouvez laisser trop fort. En effet, lorsqu'il y a des changements d'éclairage dans la scène, vous souhaitez qu' After Effects en tienne compte lorsqu'il remplit cette zone masquée. Et je veux y aller pendant toute la durée du clip. Donc je vais juste le laisser sur toute la durée. Si vous avez une scène plus complexe, vous pouvez créer un cadre de référence qui vous fera entrer dans Photoshop. Et là, vous devrez éditer l' objet dont vous souhaitez vous débarrasser, qu' After Effects utilisera ensuite comme cadre de référence. Mais dans la plupart des cas, vous n'en aurez pas besoin sauf s'il s'agit d'une scène très complexe. Maintenant, je vais cliquer sur Remplir la couche, et cela va lancer le processus proprement dit. Et cela va créer une couche de remplissage en haut ici. Notez maintenant que nous avons dix secondes de vidéo à 30 images par seconde. After Effects doit donc encore éditer 300 images, 300 images distinctes pour ce processus soit réellement terminé. Et c'est pourquoi il faudra encore plusieurs minutes pour le terminer. Je vais donc simplement suspendre l'enregistrement jusqu'à ce que ce processus soit terminé. OK, le processus est apparemment terminé. Et juste à des fins de démonstration, je vais faire passer le mode masque de Soustraire à aucun. Et vous verrez que ce masque est maintenant vide. Et je n'ai plus besoin de masquer, donc je vais juste cliquer dessus et le supprimer. La montgolfière a donc disparu. Mais ce que vous remarquerez lorsque je nettoierai la chronologie, il réapparaîtra. Et aussi quand je commence à lire la chronologie, elle reste dans le cadre. Et une fois que j'aurai mis la chronologie quelque part et que j' attendrai un peu, vous verrez que le remplissage sensible au contenu rattrape son retard. Et cela va remplir cette zone ici. Mais cela peut prendre plusieurs secondes, même sur un ordinateur portable puissant comme le mien, cela peut prendre un peu de temps pour que cela se remplisse réellement. Cela peut donc être un peu déroutant lorsque vous commencez à l'utiliser pour la première fois, lorsque l'objet ne disparaît pas réellement. Le fait est qu'il disparaîtra si vous attendez un peu. Cela rend également difficile la prévisualisation de l'exactitude de vos résultats. Donc, généralement, une fois que j'ai terminé ce processus, je crée un rendu. Je crée donc une vraie vidéo, une référence pour voir si cela fonctionne correctement. Pour ce faire, je vais aller dans le menu Fichier, puis je vais aller Exporter, puis ajouter à la file d'attente Adobe Media Encoder. Cela va ouvrir Adobe Media Encoder, que nous utilisons pour créer de véritables vidéos à partir d'After Effects. Ensuite, il va se charger dans ce panneau au bout de quelques secondes. En fonction de la vitesse de votre système. Et je vais juste passer en revue quelques-uns des paramètres de rendu. Par défaut, ce format de fichier est défini sur H.264. Ne plaisante pas avec ça. Presque tout ce que vous voyez sur YouTube est exporté en H.264. C'est un format de fichier très efficace et très qualitatif que vous pouvez utiliser pour pratiquement tout. Donc tu n'as pas besoin d' aller ici et de jouer avec ça. Je vais vous dire ce que font réellement les paramètres de ce panneau dans le fichier du chapitre sur l'exportation. Mais vous n'avez rien à changer ici pour obtenir une vidéo de bonne qualité. Ce que tu vas changer, c'est la destination finale. Je vais donc simplement cliquer ici pour le nom du fichier. Et je vais le rendre sur mon bureau. 7.7, Remplissage sensible au contenu. Et H.264 est en fait un format de fichier MP4, ce qui est également utile à connaître. Je vais donc simplement cliquer sur Enregistrer, puis sur Jouer. Et cela va rendre ma vidéo dès qu'elle se connectera au serveur Dynamic Link, en lisant X et P. Et maintenant, elle va exporter le fichier vidéo. Et cela va prendre encore cinq secondes. Et une fois terminé sur mon bureau, j'aurai un fichier vidéo ici, 7.7 content aware fill. Une fois que j'aurai lu ce fichier, vous verrez que la montgolfière ici a complètement disparu. Cela ne fait donc plus partie de cette vidéo. Nos résultats étaient donc exacts. Il faut donc un peu de temps pour créer des éléments comme celui-ci dans After Effects jusqu'à ce que la chronologie complète soit réellement rendue en tant qu'aperçu. Je trouve utile dans de nombreux cas de créer un export comme celui-ci afin que nous puissions voir nos résultats un peu plus rapidement. C'est ainsi que vous supprimez quelque chose d'une vidéo. Tu dessines un masque autour de lui. Vous animez le masque pour suivre le sujet tout au long de la chronologie. Vous allez dans Content Aware, Fill et jouez avec les paramètres. Vous générez un calque de remplissage qui peut prendre beaucoup de temps, puis le métrage sera rempli. Et de tels résultats sont exceptionnellement faciles à obtenir. 72. 8.1-Suivi de nos images: Dans ce chapitre, nous allons créer un projet complet avec un suivi de caméra d'animation de base, une rotoscopie et un masquage. Donc, de nombreux aspects d' After Effects que nous avons examinés dans les chapitres précédents. Le résultat final ressemblera à ceci. Nous avons une caméra 3D suivie de la scène de ma fille. Elle a découpé l'arrière-plan à l' aide de l'outil Roto Brush. L'arrière-plan contient ces animations qui se limitent à ces triangles sur le mur. Ils sont donc masqués dans ces zones. Et évidemment, ce sont des objets 3D car ils se déplacent avec notre caméra. C'est donc à peu près ce que nous allons créer. Si vous consultez les fichiers de cours de ce chapitre, vous trouverez un projet After Effects. Et la seule chose que contient le projet Aftereffects sont les animations liquides que nous venons de voir en arrière-plan. À la fin de ce chapitre, nous serons en mesure d'insérer n'importe quelle animation que nous choisirons dans cet arrière-plan. J'ai simplement choisi d'utiliser les ressources de stock par souci de brièveté, mais vous pouvez insérer n'importe quelle animation une fois notre projet terminé. première étape consiste donc à importer les images dans nos projets. Je vais donc double-cliquer sur une partie vide du panneau de projet et je vais choisir le clip principal dans les fichiers d'exercices. Le mien s'appelle le clip principal un. Je viens de réinterpréter le métrage pour qu' il soit de 30 images par seconde au lieu de 60 images par seconde Mais pour vous, cela s' appellera le clip principal. Et je vais simplement baser une composition sur ce clip en cliquant et en le faisant glisser vers le bouton Nouvelle composition dans le panneau Projet. Donc, en allant dans les paramètres de composition appuyant sur Ctrl K, je peux voir que c'est 1920 x 1080 pixels à une fréquence d'images de 30 avec une durée de dix secondes, donc cela correspond exactement au clip. La première étape consiste maintenant à suivre nos images par caméra 3D. Ainsi, avec le calque de métrage sélectionné dans les calques, je vais monter dans l' animation, puis choisir Suivre la caméra à mi-hauteur. Cela va analyser les images. Il va falloir passer par 300 images. Et je vais suspendre l'enregistrement jusqu'à ce que ce suivi soit terminé. OK, il reste environ dix secondes au compteur. Il est toujours en cours d'analyse et de contexte. Il est sur le point de passer à la résolution de la caméra. Une fois la caméra résolue, nous commencerons à voir ces points de suivi que nous avons également vus dans le chapitre précédent sur les images du drone. Et encore une fois, ce que je recherche, c'est une cible, une cible, qui semble être en corrélation avec le bon angle de caméra. Donc ce que je cherche vraiment parce que je veux animer quelque chose sur le mur, c'est une vue de face exacte de cette cible. Cela semble être le cas ici. Je pourrais aussi choisir un autre endroit, mais ça me semble correct. Je vais donc cliquer une fois pour y placer la cible. Ensuite, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir créer un solide et une caméra. En gros, je n'ai besoin que d'une caméra, mais je veux que les objets 3D que je vais ajouter à la scène dans l'une des prochaines vidéos. Je veux que cela corresponde à la bonne position. J'ai donc voulu avoir la même distance par rapport à la caméra que cet objet. Ce que je vais faire maintenant, c'est simplement lire la chronologie et voir si le métrage suit exactement et qu'il est presque complètement collé au mur. C'est donc parfait. Je n'ai plus besoin de ce solide de suivi dans ma composition, donc je vais juste le cacher. Et une fois que nous avons sélectionné un calque différent, nous avons maintenant une scène suivie 3D qui ne contient pas encore d'objets 3D réels. C'est ce que nous ferons dans l'une des prochaines vidéos. Pour l'instant, on va commencer à rotoscoper ma fille hors de l'arrière-plan pour pouvoir placer des objets derrière elle. 73. 8.2-Rotoscope le modèle: La prochaine étape de notre processus sera de supprimer de l'arrière-plan à l' aide de l'outil Roto Brush. Cela fonctionne exactement de la même manière que nous l'avons fait au chapitre sept avec ce clip en particulier. La première chose que nous allons faire est dupliquer le clip sur la timeline. Je vais donc le sélectionner ici dans les calques et appuyer sur Ctrl D pour le dupliquer. Et nous allons rotoscoper le premier. Je vais donc double-cliquer dessus dans les calques pour accéder à la vue des calques. Ensuite, je vais prendre mon Roto Brush. Encore une fois. Vous pouvez modifier la taille du Roto Brush en maintenant la touche Ctrl enfoncée et en cliquant et en faisant glisser la souris vers la gauche et la droite. Ensuite, je vais juste commencer à peindre le premier cadre. Et cela fonctionne exactement de la même manière. Je vais donc zoomer si nécessaire et supprimer certaines de ces zones supplémentaires en maintenant Alt quand il le faut. Je vais juste peindre sur sa silhouette pour qu'elle soit sortie. Et si nécessaire, je peux simplement faire glisser Alt sur le métrage pour supprimer toutes les zones dont je n'ai pas besoin. Je vais juste attraper nos cheveux ici et passer à ses jambes et ses pieds. Pour cette zone, je souhaite réduire légèrement la taille de mon pinceau. Maintenez donc la touche Ctrl enfoncée et cliquez et faites glisser Prends juste le bout de son orteil ici. Est-ce exact ? Oui. OK. Ensuite, en passant à l'autre jambe, vous pouvez être assez généreux avec vos traits ici en fait, parce qu'il y a beaucoup de contraste entre notre sujet, ma fille, et l'arrière-plan. Ensuite, tout ce que j'ai à faire pour suivre la séquence est de la lire en appuyant sur la barre d'espace. Et je vais juste laisser ce processus se dérouler jusqu'à ce que nous atteignions environ huit secondes où environ huit secondes où le lampadaire va apparaître. ici là, je vais mettre l'enregistrement en pause. D'accord, nous sommes à environ 7,5 secondes et le lampadaire est sur le point d'apparaître ici. Et je vais juste attendre qu'elle disparaisse derrière ça et qu'elle passe à autre chose. Et là, je vais mettre la séquence en pause et maintenant le contrôle et en utilisant les touches fléchées, je peux me déplacer dans le clip image par image jusqu'à ce que son pied apparaisse ici de l'autre côté. Je vais choisir une image en avant à partir de ce point, en fait, puis recommencer à peindre par-dessus son pied. Je vais juste faire un petit zoom avant. Et dans cette vue agrandie, vous pouvez utiliser la barre d'espace. Maintenez la barre d'espace enfoncée. En fait, déplacez-vous sur la séquence. OK, maintenant je vais avancer d'une image en maintenant la touche Contrôle et la touche fléchée. Ensuite, nous obtenons un peu plus de son pied et de sa jambe, que je vais peindre avec le Roto Brush. Et dans le cadre suivant, nous pouvons aussi saisir plus de sa jambe et une partie de sa robe. Je surveille si la Roto est toujours précise ou non , qu'elle ne sélectionne aucun arrière-plan ici. On peut remonter son torse et lui attraper le bras. On peut juste y aller et prendre une partie de son visage. Et maintenant je vais passer à l'image suivante, en maintenant la touche Ctrl enfoncée et la flèche droite. Et il commence déjà à le suivre avec assez de précision. Donc je vais juste cliquer et faire glisser ici pour prendre un peu plus de sa robe. C'est juste une partie de ça. Passons à l'image suivante. Elle est dans le cadre presque exactement, presque complètement. Maintenant, il s'agit en fait de saisir une partie de l'arrière-plan ici. Donc je vais juste sur Alt, faire glisser sur cette zone pour m'en débarrasser, cette petite partie par ici. Ensuite, passez à l'image suivante. Il saisit sa jambe assez précisément. Et maintenant je peux peindre dans le bon pied avec son orteil. Et maintenant, le programme va trop loin. Je vais donc simplement faire glisser Alt sur cette zone. Ce n'est pas encore génial, donc je vais juste continuer à m'améliorer. Et plus vous vous améliorez réellement, plus vous apportez des modifications à cela, plus le programme devient précis. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit. Je viens de voir un petit problème avec son pied gauche, donc je vais juste revenir en arrière un cadre et vérifier si c' est toujours exact et ça semble l'être. Et puis attrape sa jambe à nouveau parce que quand tu reviens d'un cadre, il oublie en fait le cadre suivant. C'est donc aussi quelque chose à garder à l'esprit. Ensuite, je vais suivre le reste de la séquence, en zoomant légèrement en arrière, puis appuyant sur la barre d'espace pour continuer à jouer. Et je vais garder un œil sur sa silhouette pour voir si la piste est toujours précise ou non. Et cela semble être le cas. Alors maintenant le camion est terminé et nous pouvons maintenant revenir à la composition. Donc, en dehors de cette vue de calque, je vais simplement masquer le calque d' arrière-plan pour le moment. Donc on la voit séparément et en jouant la chronologie, on peut voir qu'elle est assez décemment découpée de l'arrière-plan. La prochaine étape sera donc d'ajouter les compositions où les animations réelles se dérouleront dans l'espace 3D. Passons donc à la leçon suivante pour commencer ce processus. 74. 8.3-Ajout de précomps 3D: Dans cette leçon, nous allons ajouter les pré-compositions que nous utiliserons pour créer nos animations réelles pour l'arrière-plan. Donc dans le projet, je vais juste réactiver la visibilité sur le clip principal. Et ce que je vais faire, c'est créer un calque de forme qui comprend l'ensemble de la composition de sorte que ce soit la taille réelle de la composition elle-même. Je vais donc monter dans les outils de forme et choisir le rectangle, m' assurant qu'aucun calque n'est sélectionné. Ensuite, il suffit de double-cliquer sur l'outil pour créer une forme, la taille de notre composition. Et la première chose que je vais faire est de pré-composer cette composition. Cela nous permet de modifier le contenu de la pré-composition à tout moment sans affecter la façon dont il apparaît dans notre animation finale. Je vais donc cliquer avec le bouton droit sur ce calque de forme et choisir précomposer. Et je vais juste nommer cette animation. Puis cliquez sur OK. Maintenant, je vais créer un objet 3D ici. Je vais transformer cette pré-composition en un objet 3D afin qu'elle commence à être affectée par la caméra. Je veux ensuite donner à cette pré-composition la même position que notre solide de camion de la première leçon. Je vais donc cliquer sur le solide de la piste et appuyer sur P pour la position. Cliquez ensuite sur la position du mot et appuyez sur la commande C pour copier cette position. Ensuite, je vais cliquer sur l'animation 1, notre nouvelle pré-composition et appuyer sur Ctrl V pour lui donner le même emplacement dans l'espace x, y et z. Et en jouant les séquences, je peux voir que la composition suit en fait assez précisément. Maintenant, c'est un peu plus grand que ce que je souhaite pour la composition. Au final. Je vais juste passer en S pour l'échelle pour l'animation. Et je vais mettre cela à environ 80 %, disons environ 70 %. Soyons exacts et faisons exactement 70 %. Maintenant, avec l'outil de sélection actif, je vais le déplacer un peu vers le bas et un peu vers la droite, puis un peu vers le haut parce que je veux qu' il le masque sur ce triangle en arrière-plan. Eh bien, derrière ici, il n'y a pas un triangle, mais une forme plus complexe, mais je veux la masquer à cette forme dans la section suivante. Ce que je vais faire ensuite, c'est dupliquer cette composition dans la composition du panneau de projet. Je vais donc le dupliquer deux fois parce que je veux animer sur trois rectangles. Ensuite, je vais avancer dans la chronologie un peu comme ça. Prenez le principal. En fait, j'ai pris la mauvaise pré-composition pour ça. Je vais donc passer à l'animation 1 et la dupliquer. Ensuite, je vais prendre l'animation et la faire glisser vers les calques. Je vais en faire un objet 3D. Ensuite, je vais récupérer sa position et coller la position que nous avons copiée précédemment. Maintenant, en passant à la chronologie, je vais la déplacer dans la bonne position. Je vais donc le déplacer vers la droite et vers le bas. Et comme je l'ai dit, nous masquerons cela plus tard dans ce chapitre afin qu'il n' apparaisse qu' à l'intérieur du triangle proprement dit. Et je vais le réduire à 70 % à nouveau pour qu' il soit légèrement plus petit , puis le déplacer un peu plus vers le bas. Ensuite, je vais le cacher pour que nous puissions travailler sur l'animation trois. Je vais donc encore avancer dans le temps. Ensuite, je vais récupérer l'animation trois et la placer sur la chronologie. Je vais transformer cela en calque 3D. Ensuite, je vais coller la position. Et encore une fois, je vais le déplacer vers la gauche, le déplacer vers le bas, puis le réduire à 70 % pour qu'il s'intègre en quelque sorte dans ce triangle ici. Maintenant, je vais réactiver la visibilité sur ces pré-compositions. Et vous verrez qu'ils suivront avec précision car ce sont des objets 3D dans une scène avec une caméra 3D. Maintenant, évidemment, ma fille est toujours derrière ces pré-compositions. Je peux changer cela très facilement en cliquant et en faisant glisser le clip principal, qui montre comment notre rotoscopie résulte en haut de la pile de calques. Et cela la placera devant ces pré-compositions. L'étape suivante consiste à masquer les pré-compositions. Et puis dans la vidéo qui suit, je vais vous montrer comment insérer n'importe quelle animation que vous souhaitez. Dans la prochaine vidéo, nous allons masquer ces objets aux véritables triangles en arrière-plan. 75. 8.4-Masquer les précomps: Dans cette leçon, nous allons masquer nos formes d'arrière-plan, ces pré-compositions aux panneaux muraux réels de ce mur. Et je vais juste commencer par l'animation 1, l' animation de pré-composition. Je vais donc cacher le numéro deux et le numéro trois. Ensuite, je vais récupérer l'opacité du calque de l'animation 1, et je vais la réduire à 40 %. Je peux donc voir l'arrière-plan que je veux tracer. Pour masquer uniquement cette zone de la forme. Je vais prendre l'outil stylo. Et je vais juste commencer ici, dans ce coin de rue. Et puis cliquez ici juste avant cette pince car nous ne voulons pas non plus que l'animation chevauche cette pince. Et je vais juste chercher une trace autour de ça. On passe au suivant. Et je ne clique pas et ne fais pas glisser pour créer des courbes, je crée simplement des lignes droites. Ensuite, je vais avancer un peu jusqu'à ce que cette pince soit visible. Et comme il s'agit déjà d'un tract de mouvement 3D et qu'il s'agit d'objets 3D, nous n'avons pas à nous inquiéter ces masques restent en place, car sont des objets 3D qui sont déjà suivis par la caméra. Donc je travaille juste autour de cette pince ici. Ensuite, je vais cliquer en bas. Ensuite, je peux fermer le masque en cliquant ici. Et maintenant, la visibilité de cette précomposition est limitée à cette zone que je viens de dessiner. Nous pouvons maintenant passer à la pré-composition numéro deux. Je vais donc trouver un cadre d'environ trois secondes où tout ce triangle est en vue. Ensuite, réactivez la visibilité sur l'animation pour la pré-compilation. Et je vais réduire son opacité à 40 % pour pouvoir commencer à tracer le panneau. Cliquez une fois sur ce coin ici, puis passez à cette pince, en traçant autour d'elle. Passons à la pince suivante, en traçant autour d'elle. Vous n'avez pas besoin d'être très précis ici. Évidemment, être plus précis donne de meilleurs résultats au final, mais ces arêtes ne seront pas visibles car nous allons uniquement créer nos animations au centre du pré -composition dans l'une des prochaines vidéos. Il s'est donc déplacé un peu plus loin dans le temps pour voir où je veux placer ces points de masquage. Et comme ces objets sont déjà suivis en 3D, nous pouvons simplement nous déplacer jusqu'à ce que ma fille soit devant eux ou les dépasse déjà. Cliquez ensuite sur le premier pour fermer le chemin. Et maintenant, nous avons un masque pour l'animation. passer à l'animation trois, encore une fois, je vais simplement la rendre visible, puis obtenir l'opacité de l'animation trois et la réduire à 40 %. Encore une fois, nous allons simplement décrire la forme de ce panneau. Donc, traçant autour de la pince, en cliquant sur la pointe. Ensuite, je vais avancer un peu dans le temps pour avoir une vue de cette pince ici et tracer autour d'elle. Pince suivante. On y va. Ensuite, je peux fermer le chemin en cliquant sur le premier. Et maintenant, il n'est visible qu'à l'intérieur du masque. Donc, en jouant l' animation maintenant, vous verrez que celles-ci restent bien en place grâce à notre suivi de caméra. Tout cela fonctionne assez bien jusqu'à ce que nous arrivions à huit secondes. Parce que ces pré-compositions, malgré le fait qu'elles aient des masques, sont au-dessus des images de fond réelles. Et cela signifie qu'ils vont s'afficher au-dessus du lampadaire se déplaçant à travers le cadre. Et c'est un problème pour les pré-comp trois et les pré-comp à quatre. Donc pour les deux couches d'animation. donc falloir que je répare ça. Je vais donc désactiver la visibilité sur l'animation également, afin de pouvoir me concentrer sur l'animation trois. Et puis je vais trouver un point dans la séquence où ça commence à poser problème. Disons donc exactement huit secondes. Je vais cliquer sur Animation trois, et l' outil Plume est toujours actif. Et ce que je vais faire maintenant, c'est ajouter un masque secondaire qui va être découpé dans ce masque. Donc ce que je vais faire, c'est simplement tracer la forme du lampadaire, puis avancer de quelques images. Ensuite, je vais prendre l'un de ces coins. Et juste un moyen, en fait, ce que nous devons faire, c'est entrer dans les masques, puis en masquer deux. Et nous devons créer une image clé du chemin du masque. Je vais donc revenir à huit secondes exactement. image-clé sur le tracé du masque, puis avancez de quelques images. Ensuite, je peux simplement cliquer et faire glisser le masque, ou simplement saisir l'outil de sélection, cliquer sur un espace vide ici, puis cliquer à nouveau sur le masque pour pouvoir me cliquer sur un espace vide ici, puis cliquer à nouveau sur le masque pour pouvoir déplacer coins individuels. Je vais avancer de quelques images puis cliquer et faire glisser à nouveau autour des points. Et ce que vous verrez n'est pas représentatif notre résultat final car le masque est actuellement configuré pour ajouter, ce qui signifie que tout ce qui se trouve dans ce masque sera visible. C'est quelque chose que nous allons changer pour soustraire une fois que nous aurons terminé ce processus. Et ce processus est en fait rotoscopie manuelle car nous découpons quelque chose d'une vidéo basée sur une animation de masque. Alors passe à autre chose. Et chaque fois qu'il y a un grand saut de position, j'arrête la lecture. J'ai arrêté de sauter en avant et je corrige le masque car le chemin du masque est encadré. Nous pouvons simplement cliquer et faire glisser ces points pour corriger l'emplacement de la chronologie. Maintenant, il est sur le point de quitter l'écran. Enregistrement automatique rapide. Je vais simplement continuer à cliquer et à faire glisser ces points. Vous n'avez pas besoin d'être très précis car le lampadaire est en fait assez flou au premier plan. Et il est sur le point de quitter l'écran une fois de plus. Maintenant, il est hors écran et il en va de même pour le masque. Donc, ce que nous avons maintenant, une fois que nous avons basculé le masque, du mode ajouter au mode soustraction, c'est ce résultat ici. Maintenant, la forme disparaît au fur et à mesure que le masque se déplace dans le cadre. Maintenant, c'est également un problème pour la précomposition de l'animation. Je vais donc tout réduire dans l'animation trois. Accédez à l'animation et réactivez sa visibilité. Ensuite, je vais trouver le point où cela commence à devenir un problème, soit environ huit secondes et 12 images. Ensuite, je vais prendre l'outil stylo. Et encore une fois, je vais juste cliquer pour tracer la forme du lampadaire. Maintenant, avant de passer à autre chose, je dois animer le chemin du masque vers. Je vais donc simplement ajouter une image-clé. Ensuite, je vais passer à l' endroit où le chevauchement commence à se produire, c' est-à-dire à peu près ici. Et avec l'outil de sélection, je peux cliquer sur un endroit vide puis cliquer sur le masque. Alors je peux juste le déplacer. Vous verrez que si j'ajoute ceci, si je le mets en soustraction, la forme disparaîtra au lieu d'être ici. Donc, en passant sur quelques images, je vais simplement cliquer et faire glisser le masque. Vous ne voulez pas aller trop loin, car vous ne serez au courant d' aucun problème tant que vous ne reviendrez pas en arrière et que vous n'aurez pas lu la séquence. Donc je suis juste en train de cliquer et de faire glisser votre, heureusement, j'ai marché à une vitesse assez constante. Je peux donc être relativement certain que ce masque restera bien en place. Et il est sur le point de quitter l'écran. Je peux donc déplacer le masque hors de l'écran. Je vais juste parcourir la chronologie pour m' assurer que cela fonctionne correctement. Et cela semble être le cas. Alors maintenant, en relisant la séquence, vous verrez qu' environ huit secondes, ces deux pré-compositions commenceront à disparaître derrière le lampadaire parce que nous avons animé un masque réglé en mode soustraction. OK. Travaille actuellement en pleine résolution. OK, on y va. Il va donc disparaître derrière le poteau, tout comme les autres. Notre masquage a donc vraiment fonctionné. Une autre chose que j'ai remarquée lorsque j'allais exporter ce tutoriel est qu'à un moment donné, la piste devient moins précise. Et c'est parce que la scène est en fait cachée derrière le lampadaire pour la plupart. Donc, ce que nous pouvons faire pour corriger cela est d' animer manuellement la position de ces masques principaux, disons sur les deux masques, sur ces deux calques d'animation pour contourner ce problème. Parce que comme vous pouvez le voir, une fois que j'aurai atteint environ huit secondes et cinq images, vous verrez que cela commence à se chevaucher avec les plis entre ces zones. Et ce n'est pas quelque chose que nous voulons. Je vais donc aller au cadre où il commence à perdre la piste. Et ce sera, disons, je dirais qu' il commence à agir environ six secondes et 17 images. Ensuite, je vais juste animer chemin du masque pour le masque 1. Ensuite, je vais avancer un peu. Avec l'outil de sélection. Je peux sélectionner le masque entier et déplacer à l'endroit où j'en ai besoin. Et je vais le refaire un peu plus loin. Actuellement, je ne fais cela que pour l'animation à superposer. Et puis cela semble assez correct pour la dernière image. Je vais donc simplement jouer l'animation. Et maintenant, il reste là où il devrait. Disons que j'ai vu un cadre trop loin ici. Voyons donc à quoi cela ressemble ici. OK. Sur ce cadre, c'est trop loin. Je vais donc simplement cliquer et le faire glisser jusqu'à ce qu'il soit là où j'en ai besoin. Revenez en arrière d'une image, assurez-vous que tout va bien. OK. Maintenant, ce fond noir, ce fond bleu va être caché dans l'animation, sera joué à l'intérieur de ces zones. Ce ne sera donc pas un gros problème, mais je voulais juste montrer l'un des problèmes courants que vous pouvez rencontrer lorsque vous essayez d'animer des choses comme celle-ci. Je vois que nous avons le même problème pour l'animation trois. Donc je vais juste prendre le masque, qui est le premier masque. Ensuite, je vais trouver le cadre où il commence à perdre la piste. Et cela représente environ huit secondes et 32 images pour ce calque. Et je vais saisir le chemin du masque et l'animer en cliquant sur le chronomètre. Avancez de quelques images et cliquez dessus, faites-la glisser à sa place où elle doit être sautée de quelques images. On y va. Maintenant, il est à nouveau légèrement décentré, donc je vais simplement cliquer et le faire glisser vers l'arrière. Avancez de quelques images. Et encore une fois, ce n'est pas là qu'il devrait être. Certains le déplacent un peu vers la droite. Nous voulons nous assurer qu'à la fin, lorsqu'il redeviendra visible, il se trouve à peu près au bon endroit. Et là, à la fin, nous ne semblons pas avoir de problèmes majeurs. Je vais donc le déplacer légèrement , puis prévisualiser l'animation. saute un peu, mais on ne pourra pas le voir dans le résultat final. Il s'agissait donc essentiellement de rotoscoper manuellement ce poteau. Et ce pôle affecte la précision du suivi. Vous devez donc vous assurer que vos masques restent au moins dans la même position qu'auparavant. Pour que vous n'obteniez aucun résultat étrange une fois que vous commencez à animer ces arrière-plans, ce que nous allons faire dans la prochaine leçon. 76. 8.5-Ajouter des animations: Il est temps d'ajouter de véritables animations à nos pré-compositions 3D suivies et masquées. Pour ça. Tout d'abord, je vais juste organiser un peu mes couches ici. Je vais appuyer sur Ctrl a pour sélectionner tout ce qui se trouve dans les calques, puis sur U pour tout réduire. Appuyez donc sur la touche Uber pour tout réduire. Maintenant que nous avons dupliqué ces pré-compositions d'animation dans le panneau de projet, il s'agit en fait d'éléments distincts. Donc, ce que nous allons faire dans l'animation ne sera pas reflété dans l'animation également, sorte que nous pouvons les animer séparément. Et ce que je vais faire maintenant, c'est me lancer dans l'animation. En fait. Débarrassons-nous de cette piste solide car nous n'avons plus besoin d'ici juste pour nettoyer un peu notre projet. Nous n'avons donc plus que six couches. Je vais donc passer à la pré-composition Animation One en cliquant ici et ici nous avons juste notre rectangle bleu. Je n'ai plus besoin de ce rectangle, donc je vais juste le supprimer. Et maintenant, quand je reviens au clip principal, au fait, cette zone apparaîtra vide, mais il s'agit en fait toujours la même précomposition et elle reflétera tout ce que nous avons mis ici. Maintenant, nous pourrions simplement commencer manuellement à créer des animations ici. Mais par souci de brièveté, nous allons utiliser ces pré-compositions de compositeurs d'animation pré-compositions dont je vous parlerai beaucoup plus en détail dans le chapitre sur les différents plugins. Voici donc ces chemises avec liquid one, liquid 79111624. Et nous allons simplement cliquer dessus et les faire glisser dans les calques afin pouvoir remplir la chronologie d'animation. Donc la première chose que nous voulons faire est cliquer et de faire glisser le liquide vers le bas. Et c'est cette animation liquide transparente. Je vais appuyer sur O pour passer à la dernière image de cette animation, puis ouvrir le dossier liquid seven. Ensuite, je vais cliquer et faire glisser jusqu'à la chronologie et je maintiens la touche Maj enfoncée pour l'accrocher à la fin de l'animation liquide de sorte que lorsqu' une animation se termine, la suivante, nous commençons. Il en va de même pour le liquide sept. Je vais juste appuyer sur O pour passer à la dernière image et développer le groupe liquid nine. Cliquez et faites-le glisser dans la chronologie tout en maintenant la touche Maj enfoncée pour l'accrocher vers la fin. Et le décalage est très important, l'accrochage ici est très limité, donc vous devez vous approcher assez près de l'endroit où se trouve la tête de lecture pour la mettre en place. Appuyez à nouveau sur O sur le liquide neuf, puis importez le liquide 11. Appuyez sur O sur le liquide 11 et passez au liquide 16. Et je fais glisser la pré-composition et non le dossier ici, d'ailleurs. Puis le liquide 16, je vais juste cliquer et faire glisser ça dedans. Et on y va. Nous avons donc ici cette animation de ces différents éléments de forme liquide qui s'animent en arrière-plan. Et en fait, je vais revenir à la composition du clip principal pour voir si cela fonctionne correctement. Maintenant, vous allez voir que ceux-ci sont en train de s'animer en place là-bas. Maintenant, nous allons faire de même pour l'animation, donc je vais juste ouvrir cette pré-composition en double-cliquant dessus. Supprimer le calque de forme 1. Ensuite, commencez simplement à faire glisser ces pré-compositions. Et encore une fois, nous pourrions placer n'importe quelle animation ici. Je veux juste quelque chose de rapide qui ait l'air chic pour le fond. C'est pourquoi j' utilise ces formes pré-animées . Liquide 16. On y va. Revenons au clip principal et nous avons maintenant ce résultat. Et je voulais juste m' assurer que tout se passe bien vers la fin. Et cela semble être le cas. Passons donc à l'animation trois. Supprimez simplement le calque de forme et commencez à faire glisser les pré-compositions 179 et je maintiens enfoncée pour l'accrocher à la fin du calque. Dans ce cas, en fait, nous allons liquide 16. OK. Revenons maintenant au clip principal. Supposons que je souhaite que les animations de l' animation à travers un 23 commencent un peu plus tard. Je vais juste les sélectionner et les faire glisser un peu vers l'avant dans le temps. Et il en va de même pour l'animation trois. Il suffit donc de sélectionner les calques, cliquer et de les faire glisser légèrement vers l'avant pour qu'ils ne se produisent pas tous en même temps. Maintenant, l'opacité de ces pré-compositions est toujours fixée à 40 %. Je vais donc les sélectionner toutes et appuyer sur T, puis modifier l'opacité à 100 %. Je vais modifier la résolution de mon aperçu de moitié, afin que l'aperçu s'affiche un peu plus rapidement. Ensuite, je vais en fait jouer toute la chronologie ici. Et le Roto Brush rend les choses un peu difficiles pour la lecture en direct. Mais vous verrez que ces animations se déroulent dans leurs masques respectifs respectés, ce qui est le résultat escompté. Pour le reste, je vais juste passer un peu en revue pour détecter les problèmes. Ils n'ont pas l'air d'être nombreux. Je pense donc que nous sommes presque prêts à créer un rendu final de cette composition de ce projet. Donc, ce que je vais faire, c'est aller dans Fichier, puis Exporter , puis ajouter cette composition à la file d'attente Media Encoder. Cela va ouvrir Media Encoder, ce qui peut encore prendre un peu de temps selon votre système. Il va apparaître dans la file d'attente. Et une fois qu'il sera importé, je ne toucherai pas à ce format de fichier. Je veux juste choisir un autre endroit. Et nous allons simplement afficher cela dans mon dossier AE en tant que résultats du projet. Maintenant, je vais être très curieux de connaître les résultats de votre projet. Alors n'hésitez pas à me les envoyer. Et je peux peut-être même vous faire part de mes commentaires. Je clique simplement sur le bouton de lecture et le projet sera affiché. Et cela peut prendre un peu plus de temps parce qu'il se passait pas mal de choses dans ce projet. Je vais donc simplement mettre la lecture en pause jusqu'à ce que le rendu soit terminé. OK, le rendu est sur le point de se terminer. Maintenant, je peux simplement cliquer sur ce fichier d'exportation qui va ouvrir le dossier. Et voici les résultats de notre projet. Fondamentalement, fonctionne exactement comme prévu. Félicitations pour votre première animation complète dans After Effects. 77. 9.1-CC vignette: Dans ce chapitre, nous allons enfin travailler sur certains effets d' After Effects. Et pour commencer, j'ai dans les fichiers d'exercices que vous pouvez ouvrir en double-cliquant dans le panneau projet, cette vignette vidéo 9.1. Et si vous importez cela et créez une composition basée sur celles-ci, basée sur cette vidéo en cliquant et en la faisant glisser vers l'icône de nouvelle composition dans le panneau de projet, vous verrez la même chose inversée vidéo de drone que nous avons vue dans un chapitre précédent lorsque nous avons commencé à travailler avec le suivi par caméra. Et ce que je veux vous montrer, c'est qu'il existe en fait plusieurs manières d'appliquer des effets dans After Effects. L'une des méthodes consiste à appliquer des effets directement sur le calque lui-même, ce qui l'applique à l'ensemble du calque. Donc, si je vais dans le panneau des effets et des préréglages ici à droite, qui s'il n'est pas visible pour vous, vous pouvez toujours aller dans Fenêtre puis aller dans Effets et préréglages. Et je vais chercher les vignettes V, D et e t, ce qui me donnera la vignette CC. Et c'est dans la catégorie stylisée. Cela signifie que si je vais dans le menu des effets puis que je vais dans Styliser, j'y trouverai également la vignette SCC. Maintenant, je peux cliquer dessus et le faire glisser sur le calque lui-même. Je peux le faire dans la composition ou dans le panneau des calques. Cela va appliquer l'effet. Et les effets deviennent visibles ici, dans le panneau de commandes des effets. Ainsi, une fois que vous appliquez un effet, en général, commandes d'effet s' ouvriront automatiquement. Et je vais juste rétablir la valeur par défaut et la vignette. Une vignette signifie généralement points de style d' instance pour votre vidéo, car elle ajoute simplement une bordure plus foncée, qui est cylindrique , cylindrique. Il est de nature elliptique sur les bords de votre vidéo pour la rendre plus stylisée. Disons que je peux modifier la quantité de vignettage en cours. Il s'agit donc essentiellement de simuler ce que font certains objectifs plus grand angle. Et cela est très souvent utilisé. On le voit partout. Beaucoup de personnes ajoutent cela à leur vidéo juste pour rendre le métrage un peu plus stylisé, je peux changer l'angle de vue, ce qui va presser la vignette vers le centre. Le centre, par défaut, est défini au centre de la composition, mais vous pouvez également cliquer dessus et le faire glisser pour obtenir une version différente de cette vignette. Et les hautes lumières épinglées signifient qu'il essaie de laisser les hautes lumières tranquilles. Donc, à assombrit moins les hautes lumières, mais cela ajoute quand même une vignette à la vidéo. Donc maintenant, vous verrez une fois que les points forts des épingles seront à 100 et l' augmentation de la quantité n'affectera pas vraiment points les plus clairs de cette vidéo car les surlignages des épingles sont à 100 Et si je diminue encore cette valeur, vous verrez que nous obtenons ce résultat. Maintenant, la quantité détermine essentiellement l'opacité de l'effet. Mais ce que je préfère faire lorsque je travaille avec des effets, c'est de les appliquer aux calques de réglage. Les calques de réglage sont essentiellement des calques invisibles que vous placez au-dessus des calques de métrage, puis que vous leur appliquez des effets. Et pour diminuer ou augmenter l'effet, vous pouvez toujours jouer avec l'opacité du calque de réglage pour rendre l'effet plus ou moins visible quand vous le souhaitez. Vous n'avez donc pas à vous plonger dans les commandes d'effet des différents calques de métrage. Mais vous avez l'avantage de pouvoir influencer les couches d' effet d' opacité et que cela affecte chaque calque en dessous. Alors laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Je vais simplement supprimer cet effet de vignette CC en cliquant dessus dans les commandes d'effet et en appuyant sur Supprimer. Cela me donne les images telles qu'elles étaient avant. Ensuite, je peux aller dans le menu Calque, puis aller sur Nouveau, puis créer un calque de réglage qui crée le calque de réglage au-dessus du calque. Et par défaut, elle dure toute la durée de la composition. Maintenant, je peux simplement renommer ce calque en appuyant sur la touche Entrée et en disant vignette. Ensuite, je peux appliquer l'effet de vignette CC à ce calque de réglage en cliquant dessus et en le faisant glisser. Et puis j'ai les mêmes commandes qu'avant. Mais j'ai l'avantage supplémentaire de pouvoir examiner l' opacité de cette couche de vignette et de réduire et même de la créer des images clés. Si je veux diminuer ou augmenter l'effet au fil du temps, je peux même l'appliquer. Je pourrais même appliquer des expressions telles qu'un tremblement à cette valeur d'opacité pour faire scintiller légèrement la vignette au fur et à mesure que la chronologie progresse. C'est donc une autre façon d'appliquer des effets. Et dans de nombreux cas, c'est ma préférence car c'est un peu plus flexible que d' appliquer des effets directement aux calques eux-mêmes. Avant de passer à la leçon suivante, je voulais simplement vous montrer une utilisation rapide de ce type de vignette. Lorsque vous ne faites que des animations graphiques, lorsque vous animez simplement du texte ou des formes. Je vais faire. Je vais juste supprimer ces calques ici. Ensuite, je vais simplement créer un calque de forme qui remplit toute la composition. Je vais entrer dans la couleur de ce calque de forme, et je vais en faire un orange vif. Puis cliquez sur OK. Et je vais me débarrasser du trait en cliquant trois fois sur la couleur du trait en appuyant sur la touche Alt trois fois sur la couleur du trait pour revenir à aucun trait. Ensuite, je vais simplement appliquer l'effet à ce calque en particulier. Je vais donc simplement cliquer dessus et le faire glisser dans la composition. Et vous obtenez immédiatement ce petit dégradé cool qui est beaucoup plus intéressant visuellement qu'une couleur unie de remplissage standard. Et encore une fois, je peux jouer avec le montant pour exagérer ou faire reculer la vignette. s'agit donc d'une petite astuce rapide et intéressante que vous pouvez utiliser pour rendre vos compositions plus plates un peu plus intéressantes visuellement. 78. 9.2-Courbes: Avant de poursuivre dans ce chapitre sur les courbes, dans cette leçon spécifique, j'aimerais expliquer quelque chose sur les effets dans After Effects. Il y en a des centaines et ils ont tous des résultats différents en fonction de ce à quoi vous les appliquez. Ces chapitres sont toujours très difficiles à développer en ce sens qu'il est difficile de choisir de quoi parler réellement parce qu' il y a tellement de ces effets et leurs résultats toujours varient en fonction de ce à quoi vous les appliquez. Pour ce chapitre, j'ai choisi de parler simplement des effets que j'utilise d'un point de vue pratique, les plus comparés aux autres effets. Et je vais vous laisser le reste des effets pour que vous puissiez les expérimenter sur vos propres séquences ou celles que je vous ai fournies pour ce cours. Alors sans plus tarder, commençons par regarder les courbes. Je vais donc simplement importer les images pour cette leçon et cela fera 9,2 courbes. Et je vais passer à la composition de base en cliquant dessus et en la faisant glisser vers le bouton Nouvelle composition. Et ici, nous avons les mêmes images de ma fille marchant devant le blob d'Eindhoven, qui est l'un des bâtiments emblématiques de ma ville, qui est pour la plupart obscurci. Mais c'est très joli, je vous assure. Je vais donc appliquer l'effet de courbes et je trouve que le moyen le plus simple d'accéder aux effets que vous souhaitez appliquer est le panneau Effets et préréglages. Vous pouvez également aller dans le menu des effets en haut, mais vous devez savoir exactement ce que vous recherchez et il n'y a pas de fonction de recherche ici. Il est donc beaucoup plus facile d'accéder aux effets et aux préréglages. Je vais donc chercher les courbes et cela se trouvera dans l'onglet Correction des couleurs. Et une chose que je tiens à souligner à propos de ces chiffres est que vous avez besoin d'une version spécifique de Windows pour pouvoir accéder à ces effets. Donc, c'est 32, ce qui signifie que vous avez besoin d'un système d'exploitation 32 bits pour pouvoir les utiliser. Donc, si votre système est assez vieux, vous ne pourrez pas utiliser d' effets tels que celui-ci. Et je vais d'abord créer un calque de réglage auquel nous allons appliquer cet effet. Je vais donc simplement aller dans le calque ici en haut, nouveau, puis choisir le calque de réglage. Je vais appuyer sur Entrée et nommer ces courbes, puis y appliquer l'effet de courbes en cliquant et en les faisant glisser l'effet de courbes en cliquant et en les faisant glisser dans le calque en bas à gauche. Et cela va appliquer l'effet de courbes ouvrant également les contrôles d' effet. Maintenant, courbes se trouve dans l'onglet Correction des couleurs, ce qui signifie qu'il s'agit d'un outil de correction des couleurs que nous pouvons utiliser. Nous pouvons corriger l'éclairage, augmenter le contraste et même modifier des canaux de couleur individuels si c'est quelque chose que nous voulons faire. Maintenant, nous avons ce diagramme et il s'agit d'une représentation de toutes les valeurs claires et sombres de cette vidéo en particulier, de cette image particulière. Le coin inférieur gauche présente le point le plus sombre de la vidéo. Ce serait donc du noir absolu. Et le coin supérieur droit représente en fait le point le plus clair de la vidéo, ou le blanc absolu lorsqu'il s'agit de cette image en particulier, vous pouvez en fait éditer toutes ces valeurs. Donc, si je commence à cliquer et à faire glisser ce point en bas à gauche vers la droite, je vais mapper davantage de tons sombres au noir absolu. Cela assombrit donc en fait l'ensemble de la vidéo. Et il en va de même pour les valeurs de lumière. Je peux donc tirer toutes les valeurs de lumière vers la gauche. Et il va en fait mapper de plus plus de tons clairs de l'image blanc absolu jusqu'à ce que nous soufflions tout en blanc lorsque nous le faisons glisser complètement vers la gauche. C'est ainsi que fonctionne ce diagramme. Essentiellement. Ce que vous voulez habituellement faire est simplement d'ajouter un point au milieu et de le faire glisser un peu pour obtenir un peu plus de contraste qu'il a regardé avec vos images. Ce que je peux faire ici, c'est cliquer une fois pour ajouter un point d'ancrage. Et puis cliquer et faire glisser cette ligne me permettra d'augmenter la luminosité de l'image. Si je clique et que je fais glisser vers le haut à gauche, ou que j'assombrit l'image lorsque je vais en bas à droite. Ce que je peux également faire, c'est déplacer ce point un peu vers le haut et le placer ici dans le coin du premier en haut à droite. Ensuite, je peux descendre ici dans les tons les plus sombres et simplement cliquer et faire glisser ceci vers le bas à droite pour obtenir une sorte d'idée de courbe en S, nous donnant plus de contraste dans l'image. J'ai donc assombri les ombres et éclairci un peu les hautes lumières de l'image pour obtenir ce plus de contraste qu'il regarde. Et juste à des fins de démonstration, je vais juste masquer ce calque de réglage des courbes. C'est donc mon image d'avant, et c'est maintenant l'image rémanente, qui est une image beaucoup plus intéressante visuellement car elle a plus de contraste, les couleurs éclatent un peu plus. Et c'est une correction que vous utiliserez tout le temps si vous travaillez avec de la vidéo, pas forcément même dans After Effects. Premiere contient également un réglage des courbes que vous pouvez appliquer pour la correction des couleurs. Et c'est généralement ainsi que vous souhaitez utiliser cet outil. L'effet de courbes dispose également d'un bouton automatique qui corrige automatiquement le contraste et les valeurs de luminosité de l'image. Donc, dans ce cas, cela l'éclaircit un peu. Et je préfère ma version ici. Je vais donc revenir un peu en arrière pour obtenir le look plus contrasté que j'avais avant. Et encore une fois, comme nous utilisons un calque de réglage, je peux simplement saisir l'opacité de ce calque de réglage des courbes et simplement cliquer dessus et faire glisser vers le bas si jamais je veux atténuer l'effet. Ce que vous constaterez lorsque vous filmez des vidéos avec une caméra de niveau professionnel, c'est que les couleurs et l' éclairage sont généralement très plats lorsque vous filmez avec certains profils de couleurs. Et le réglage des courbes est l'un des moyens de donner un aspect et une sensation plus intéressants à votre image, car vous avez un grand contrôle sur le contraste. Les courbes doivent donc absolument figurer en haut de votre liste si vous souhaitez rendre votre métrage un peu plus intéressant visuellement et corriger les couleurs pour un aspect spécifique. 79. 9.3-Lumetri couleur: Un effet absolument essentiel lorsque vous travaillez avec la correction des couleurs est le lumetri color, qui a été introduit pour la première fois dans Premier Pro et est désormais également disponible dans After Effects. Et c'est essentiellement un passe-partout pour presque toutes les corrections de couleur et d'éclairage de vos séquences. allons donc importer les images avec lesquelles nous allons travailler. Et vous trouverez cela dans les fichiers d'exercices 9.3 Lumetri color. Et c'est une vidéo légèrement plus petite car il s'agissait en fait d'un fichier proxy basé sur un montage plus long que j'ai fait. C'est Apple ProRes quatre contre deux. Il s'agit donc d'une vidéo à très haut débit, qui possède également une taille de fichier exceptionnellement grande pour ce type de format. Et c'est parce que cela a été essentiellement tourné au format vidéo brut. Et vous verrez ce que je veux dire une fois que nous aurons fini d'éditer les couleurs. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser ceci vers Nouvelle composition. Et voici la vidéo. La vidéo est une prise de vue au ralenti de moi en train de saisir du matériel photo en Croatie. Et ce que vous remarquerez, c'est que la séquence a l' air extrêmement plate, comme si elle était presque n'a pas l'air d' être de n'importe quelle couleur sauf l'orange. Peut-être un peu de bleu dans le ciel là-haut. Mais les images sont incroyablement plates. Et cela est dû au format de fichier dans lequel cette séquence a été tournée. Ces profils de couleurs plats, que vous pouvez généralement sélectionner si vous avez un appareil photo de niveau semi-professionnel comme un Sony A7 ou quelque chose comme ça, vous permettent de faire beaucoup plus avec les couleurs lorsque vous êtes en fait dans la salle de montage, où nous allons entrer. En fait, je vais simplement créer un calque de réglage afin que nous puissions appliquer l'effet à un calque séparé. Je vais donc simplement monter dans les calques, puis Nouveau, puis choisir Calque de réglage. Et je vais appeler celui-ci Lumetri en appuyant sur Entrée et en tapant simplement Lumetri. Ensuite, je vais rechercher l'effet Lumetri dans les effets et les préréglages. Lumetri. Lumetri est tellement vaste que je pourrais consacrer un chapitre entier à cet effet uniquement. Nous n'allons pas entrer dans tous les détails. Nous allons simplement examiner la correction de base et certains des boutons et cadrans les plus sophistiqués de cet effet. Lumetri Color Yours est donc appliqué et au départ il ne fait rien car tous les paramètres sont définis par défaut. Je vais donc simplement développer le panneau Correction de base ici dans les commandes d'effet. Et ici, nous avons la possibilité de choisir un lot ou une table de consultation. Maintenant, je n'ai pas grand-chose de spécifique pour ce type de séquence, mais en gros, il y a beaucoup de moyens de corriger automatiquement la vidéo en termes de couleur et d'éclairage en fonction de la caméra avec laquelle vous l'avez filmée. Par exemple, Canon publie lots pour la plupart de ses profils colorimétriques. Donc, pour Sony, vous pouvez les trouver sur son propre site Web ou via sites Web affiliés. Si vous recherchez un lot Canon ou un lot Sony sur Google, vous trouverez généralement un site lequel vous pouvez les télécharger. Je vais juste vous montrer ce que beaucoup de choses font réellement. Ce n'est pas le bon lot pour cette vidéo spécifique, mais cela change simplement les couleurs et l'éclairage et nous donne déjà une image bien meilleure. En fait, ce profil Alexa, qui est une sorte de blague par défaut. Donc je vais juste revenir à rien pour me débarrasser de tout ça. Et nous voici encore une fois cette vidéo plate. Nous avons d'abord ici une correction de la balance des blancs. Donc, ce que vous pouvez faire ici, c'est si vous savez que quelque chose dans cette vidéo est exactement une valeur en niveaux de gris. Ainsi, le noir parfait est parfaitement blanc, ou n'importe quelle valeur de niveaux de gris entre les deux. Vous pouvez utiliser ce sélecteur de couleurs pour corriger le métrage en fonction de cela. Cela ne nous donne pas un résultat très dramatique dans ce cas. Parce qu'il n'y a presque pas encore de couleur dans l'image. Mais c'est quelque chose que vous pouvez utiliser pour corriger automatiquement la balance des blancs. La température et la teinte sont également liées à la balance des blancs. Je peux donc simplement cliquer et faire glisser pour augmenter la température ou la réduire . L' augmenter la rend plus chaude et la diminution rend le métrage plus froid, donc il le rend plus bleu et lui donne une dominante de couleur bleue. Si la balance des blancs de votre caméra n'a pas été réglée correctement, vous pouvez obtenir des images vertes ou violettes en fonction des paramètres de l'environnement dans lequel vous filmez. Et vous pouvez corriger cela en utilisant le curseur de teinte. Donc, en allant vers la droite , cela lui donne une dominante de couleur violette. Et aller vers la gauche lui donne une dominante de couleur verte. Et le violet annule une dominante de couleur verte, et le vert annule une dominante de couleur violette. C'est pourquoi ces curseurs sont là. Et c'est ce qu'ils font. Je peux également saturer un peu plus les couleurs et c'est quelque chose que je vais faire à ce stade. Je vais mettre ça à environ soixante, cinquante. Une soixantaine pour nous donner un peu plus de couleur à l'image. Et déjà les images sont bien meilleures parce que nous avons des couleurs plus fortes ici. Ensuite, nous allons examiner la catégorie de lumière. Je peux modifier l'exposition et simple fait d'augmenter l' exposition rend le métrage plus lumineux sur l'image de la même valeur. Je suis donc en train de surexposer la photo avec un 1.8. Je vais juste mettre ça à environ 0,5, je pense. Oh, non, pas 0,5 virgule cinq. Quelque chose comme ça. Je peux augmenter le contraste, ce que je vais faire et je vais le mettre à environ 40. Et ces valeurs sont assez élevées pour les séquences standard. Mais lorsque vous travaillez avec des images brutes comme celle-ci, avec un profil de couleur plat, ces valeurs ne doivent pas être intimidées. Je peux rendre les hautes lumières plus claires ou plus foncées si je le souhaite. Et je vais en fait les assombrir, maintenant, les illuminer un peu. Disons jusqu'à 20. Ensuite, je vais rendre les ombres un peu plus sombres pour obtenir encore plus de contraste dans l'image plaçant à moins 30. Nous pouvons également modifier les tons les plus clairs de l' image avec les blancs. Je vais laisser ça tranquille pour l'instant. Et je peux également influencer les couleurs les plus sombres en diminuant ou en augmentant les noirs. Et je vais juste, je vais juste mettre ça moins dix pour nous donner ces résultats. Maintenant, essayez de repenser à l' apparence de cette séquence lorsque nous l'avons importée pour la première fois. Et maintenant, nous allons examiner cela en cliquant simplement sur ce bouton fx dans les commandes d'effets. C'est donc ce que nous avons commencé, et c'est ce que nous avons maintenant simplement en tournant quelques cadrans ici dans le panneau Couleur Lumetri. C'est incroyablement utile et incroyablement puissant, surtout lorsque vous l'appliquez à un calque de réglage, car vous pouvez influencer l' opacité individuelle et diviser en différentes sections. En fait, vous pouvez créer plusieurs calques de réglage différents pour différentes parties de votre métrage. Donc, cela vous dépasse juste Lee utile et il remplace la plupart des autres outils de réglage des couleurs simplement parce qu'il est si complet. Et il suffit de regarder l'onglet Corrections de base. Nous avons toujours de la créativité. Nous avons des courbes où nous ne pouvons pas simplement ajuster les courbes d'éclairage, mais aussi des courbes de couleur qui nous permettent de changer les couleurs d'une image. Nous avons des roues chromatiques, HSL secondaire, et même une vignette que nous pouvons appliquer via ce panneau Lumetri. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser la vignette vers la gauche, car la faire glisser vers la droite nous donne une vignette plus lumineuse. Et je vais mettre ça à environ moins 2,5. Je vais laisser les points médians à environ 50. Je pense que c'est là que c' était avant. Ce n'était pas 50. C'est très bien. Vous pouvez modifier la plume de la vignette pour la rendre moins ou plus prononcée. C'est exactement le look que je voulais pour cette vidéo. Nous allons donc laisser cette vidéo ici. Je vous encourage à vous rendre dans le panneau de création et à jeter un coup d'œil à ces différents looks que vous pouvez appliquer. Il s'agit essentiellement de filtres Instagram que vous pouvez appliquer à vos images. Je pourrais opter pour un Clean Kodak B par exemple, et cela me donne encore plus de contraste, l'image où les couleurs ressortent un peu plus encore. Et j'ai également le curseur d'intensité ici avec lequel je peux augmenter ou diminuer la façon dont cet effet affecte mes séquences. C'est donc aussi quelque chose qui peut être utile dans certains cas. En fait, je vais m'en tenir à la correction de base que nous avons faite parce que je pense que les images se sont déjà beaucoup améliorées. Mais je vous encourage à plonger dans ces panneaux lorsque vous avez des images que vous voulez juste donner un peu plus de soin et d' amour, disons pour meilleurs résultats et simplement tordre les boutons et voyez ce qu'il fait. Et vous aurez rarement à sortir de la correction de base de la vignette. Parfois, l'onglet Création est utile si vous recherchez un look spécifique que vous connaissez en parcourant cette liste. Mais seules ces deux catégories, Correction de base et Vignette, sont si puissantes que je ne saurais trop recommander d'utiliser cet effet. 80. 9.4-flou gaussien: Un autre effet absolument essentiel est le flou gaussien, que vous connaissez peut-être si vous avez déjà travaillé avec Premier Pro et/ou Photoshop. Mais cette fois-ci, nous allons travailler avec la version Aftereffects de cet effet. Je vais donc simplement importer la séquence de cette leçon et ce sera un flou gaussien 9.4. Et c'est encore une fois le bout inversé des images de drone à la cascade de la plage et livrées en Colombie où elles sont allées pour mes premières vacances avec ma femme, en fait. Et je vais simplement cliquer dessus et le faire glisser vers Nouvelle composition et créer une composition basée sur ce métrage. Encore une fois, nous allons créer un calque de réglage auquel appliquer cet effet, car je vais également vous montrer un avantage différent ou un avantage supplémentaire de travailler avec des calques de réglage, par opposition à appliquer les effets aux calques eux-mêmes. Et au lieu d'aller dans le menu Calques, je vais appuyer sur Ctrl Alt Y ou Command Option Y sur Mac. Et cela va simplement créer un calque de réglage. Et je vais juste nommer ce flou en appuyant sur Entrée et en tapant blur. Désormais, l'effet de flou gaussien se trouve dans le panneau Effets et préréglages ou dans le menu Effets en haut. Mais si vous tapez Flou, vous trouverez de nombreuses couleurs différentes que vous pouvez appliquer. Donc je vais juste chercher Gauss J, G, a, U, S. et ce sera dans la catégorie Flou et netteté. Et je vais simplement cliquer dessus et le faire glisser sur le calque de réglage pour appliquer l'effet. Désormais, le flou par défaut dans les commandes d'effet est défini sur 0. Mais vous verrez qu'une fois que je commencerai à augmenter cette valeur, le calque lui-même devient plus flou. C'est évidemment quelque chose que vous pouvez saisir. Je peux donc passer du flou à la mise au point pour cette séquence. Donc, au début de la chronologie, je vais simplement ajouter une image-clé. Je vais mettre le flou à environ 20. Ensuite, je vais passer à 1 seconde dans la chronologie. Ensuite, je vais simplement réduire le flou à 0. Et je vais maintenant appuyer sur U pour obtenir toutes les images clés ici. Donc u est la clé Uber, elle est connue et cela active simplement toutes les propriétés dans les contrôles de couche ont réellement images clés et je vais ajouter l'accélération appropriée. Ainsi, un Ease In pour la deuxième image-clé et un Ease Out à partir de la première image clé. Et ça va ressembler à ça. Ainsi, il passe du flou à la mise au point. Et je peux en fait augmenter la durée de cet effet pour le visualiser un peu mieux, il commence par devenir flou et en quatre secondes il devient flou. Et je vais juste mettre en sourdine cette séquence ici, cette cascade en arrière-plan. Voilà comment appliquer cet effet. Mais je voulais vous montrer une manière spécifique d' appliquer cet effet. Et pour cela, je vais simplement aller au début de la timeline et cliquer sur le chronomètre pour le flou afin de supprimer les images clés tout en gardant le métrage réellement flou. Maintenant, je vais m'assurer que ce calque de réglage, le calque de réglage du flou, est sélectionné. Ensuite, je vais passer à l'outil Ellipse, l'un des outils de forme. Ce que je vais faire maintenant, c'est trouver le centre de ma composition et commencer à cliquer et à faire glisser maintenant la souris enfoncée. Et je vais saisir la touche Ctrl pour dessiner cette ellipse à partir de son centre. Et je vais juste dessiner cette ellipse large qui est plus large que haute. Je ne veux donc pas maintenir le quart de travail pendant un cercle. Je voulais juste dessiner cette ellipse plus large. Maintenant, ce que vous voyez, c'est que nous avons un masque et que cet effet de flou n'est visible qu'à l'intérieur de ce masque car il est appliqué à ce calque de réglage. Cela signifie que nous pouvons réellement changer le mode du masque pour le soustraire. Et cela va mettre au point le centre de la séquence et les bords flous. Mais cette ligne est extrêmement dure. Ainsi, vous pouvez réellement voir le contour lorsque le masque n'est pas sélectionné. Et ce n'est pas quelque chose que je veux. Je veux que ce soit un peu plus doux en ce qui concerne la transition. Je vais donc simplement développer les options du masque et regarder la plume du masque. Et je vais juste augmenter cette valeur jusqu'à ce que j'atteigne quelque chose comme 250, quelque chose comme ça. Cela donne donc un côté beaucoup plus doux à l'effet de flou. Maintenant, quand je joue la séquence, elle lui donne ce genre d'aspect éthéré. Parce que cette eau qui monte est en fait floue vers les bords. Et j'aime bien à quoi ressemble cet effet. Et c'est juste pour montrer que lorsque vous travaillez avec des calques de réglage, vous pouvez réellement déterminer quelles parties de votre métrage sont affectées par l'effet en appliquant des masques de cette manière. 81. 9.5-Balayage de lumière: Un autre effet qui est un peu cornéen dans le monde d'aujourd'hui, mais qui est encore utilisé très souvent, est le balayage de lumière. Et cela peut en fait prédire une lumière à travers nos couches pour indiquer qu' elle est éclairée par une lumière brillante. Et pour le démontrer, je vais simplement créer une nouvelle composition ici dans After Effects. Et ce sera 1920 par 1080 avec une fréquence d'images de 32e 30 images par seconde, et la durée sera de dix secondes. Et juste à des fins de démonstration, la couleur de fond sera le noir. Je vais donc simplement créer cette composition. Je vais saisir l'outil de saisie haut de la page et cliquer sur ma composition. La taille de mon texte est actuellement définie 170 pixels et la couleur est définie pour lire. En raison de l'effet de ces paramètres sur la visibilité de l'effet, vous ne voulez pas de texte blanc avec une lumière blanche. Donc je vais juste entrer ici et taper Light Sweep. Et nous allons appuyer sur Ctrl Enter pour confirmer la saisie du texte. Saisissez l' outil de sélection et placez-le approximativement au milieu de la composition. Ensuite, dans les effets et préréglages, nous allons rechercher balayage de lumière et cela va donner un balayage de lumière CC. Et je vais simplement cliquer, faire glisser et déposer ceci sur le calque. Et cela va mettre en valeur ces personnages ici. Je vais juste passer en pleine résolution pour que vous puissiez le voir un peu mieux. Ici, dans les commandes d'effet, nous avons les paramètres de cet effet avec lesquels vous pouvez créer des images clés. Je peux donc cliquer et faire glisser la position X pour la faire glisser sur le calque. Je peux changer l' angle de la lumière. Ainsi, lorsque je le règle sur 0, la lumière brille directement vers le bas. Je peux changer la forme de l'effet et je vais juste le rendre lisse. Je peux changer la largeur, ce qui affectera plus ou moins les caractères. L'intensité du balayage est la force de la lumière qui tombe réellement sur ce sujet. L'intensité des bords rend les bords un peu plus définis et leur donne plus d'effet de gaufrage. Et puis nous avons l'épaisseur des bords, qui augmente également la portée de l'effet dans nos formes. Et nous pouvons également changer la couleur de la lumière. Donc, ce que je peux faire, c'est cliquer sur cette couleur, puis sur le sélecteur de couleur et choisir ce rouge. Et je vais juste faire une version plus légère de ce rouge. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser la couleur ici un peu vers la gauche et cliquer. OK, et ça va être mon moment fort. Pour animer cela, il suffit d'ajouter quelques images-clés. Je vais donc d'abord le placer complètement à gauche, en dehors du texte lui-même. Et au début de la chronologie, je vais juste créer une image clé du centre. Ensuite, je vais passer à 15 images, donc c'est 2,5. Ensuite, cliquez et faites glisser le centre sur la forme ici. Et je vais le placer à l' extérieur, sur le côté droit. Il va donc simplement balayer ces formes. Nous avons donc maintenant ce point fort qui balaie nos textes. Je n'utilise donc pas cet effet très souvent, mais c'est quelque chose que vous verrez très souvent lorsque vous regardez beaucoup de YouTube, par exemple. C'est donc ainsi que cet effet est obtenu. 82. 9.6-Écrire sur: Le prochain effet que nous allons examiner est l'effet d'écriture, qui donne l' impression qu'un calque est cours de dessin ou d'écriture au fur et à mesure que la chronologie progresse. Ici, dans After Effects, je vais juste créer une nouvelle composition. Et ce sera le même réglage que le précédent. Donc 1920 par 1080, fréquence d'images 30 et une durée de dix secondes sur fond noir. Et je vais juste cliquer sur OK ici. Et je vais créer un calque de texte. Et je vais juste cliquer sur la composition ici et je vais taper un 123. Je vais juste prendre une police fine, quelque chose comme la lumière des sables mouvants. Vous pouvez également passer de Myriad Pro, Light ou quelque chose comme ça, tant qu' il s'agit d'une police fine, ce qui est simplement plus facile à des fins de démonstration. Et je vais augmenter la taille à, disons 300. Et avec le texte sélectionné, je vais utiliser la touche Alt et la touche fléchée droite pour augmenter la distance entre les caractères afin de les placer un peu plus loin l'un de l'autre. Je vais également changer la couleur en blanc juste à des fins de démonstration et cliquer sur OK, puis sur Control Enter pour confirmer la saisie du texte. Je veux que cela soit centré sur ma composition. Je vais donc saisir le panneau d'alignement et je vais simplement cliquer dessus pour aligner les options afin de le placer exactement au centre. Maintenant, je veux écrire ce texte au fur et à mesure que la chronologie progresse. Et pour cela, je vais passer aux effets et préréglages. Et puis je vais chercher le bon WR IITE. Et ça va me donner le droit d'effet dans la catégorie Generate. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser ceci sur le texte. Et ça va nous donner ces contrôles dans les contrôles d'effets. Et la première chose que nous allons faire est de changer la couleur de mon pinceau pour il soit mieux visible sur ce fond et sur le texte que nous allons écrire. Je vais juste cliquer sur le sélecteur de couleurs et je vais choisir un rouge vif. Ensuite, augmentez la taille du pinceau pour qu' elle soit plus large que la ligne de caractères réelle du texte. Il doit donc être plus large que le texte lui-même. Je peux ensuite cliquer et faire glisser cette position du pinceau. Et c'est ce que nous allons créer des images clés. Et je vais juste le placer juste en dehors du premier caractère de ce texte. Et c'est ce que nous allons animer. Je vais donc simplement cliquer ici sur le chronomètre pour la position du pinceau pour ajouter une image-clé. Et vous pouvez voir que lorsque j'appuie sur la touche U de mon clavier, j' obtiens immédiatement la propriété keyframes, qui est actuellement la position du pinceau. Ensuite, je vais utiliser Ctrl et flèche droite pour sauter trois images. Ensuite, je vais simplement cliquer et faire glisser cette position du pinceau ici. Ensuite, je vais sauter cinq images, 12345, Ctrl et la touche fléchée droite enfoncée, et je vais la faire glisser vers le bas. Maintenant, plus vous les faites glisser loin, plus les coups de pinceau individuels seront visibles. Ceci est déterminé par l'espacement des brosses. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser l'espacement des pinceaux jusqu'à 0,001. Juste pour obtenir un meilleur ajustement pour les coups de pinceau. Je vais le faire glisser vers le bas de celui-ci, puis passer trois images 123. Ensuite, je vais passer au numéro deux. Je vais donc simplement cliquer dessus et le faire glisser vers le haut. Sautez trois images, allez ici, 123, allez ici. Et je vais juste suivre tout ce texte ici. 123. Notez que si vous travaillez avec une police un peu plus délicate à utiliser, vous pouvez également créer un cadre clé sur la taille du pinceau afin de pouvoir tracer autour d'autres objets. Et 123, passant à la 3123, skip avait trois images. Cliquez dessus et faites-le glisser sur 123. Et je descends ici, 123. On y va. Je le fais glisser vers le bas, 123 par ici. Et la dernière sera composée de deux images. OK, on y va. Et maintenant, quand je lis la chronologie, vous verrez qu'elle trace réellement ce texte. Mais je ne veux pas qu'il trace simplement le texte. Je souhaite faire apparaître ce texte lorsque la position du pinceau se déplace sur le calque. Et pour cela, nous devons regarder le style de peinture. Donc je vais juste aller ici où il est écrit « style de peinture », puis choisir «  Révéler l'image originale ». Et au début de la chronologie, les textes seront désormais invisibles. Lorsque j'ai lu la chronologie en utilisant la barre d'espace, vous verrez que le texte est en train d'être dessiné. Il s'agit donc essentiellement d' un effet de trajectoire de coupe sur lequel vous avez beaucoup de contrôle. Et si vous l'animez sur un calque, vous pouvez donner l'impression que le calque est en train d'être dessiné au fur et à mesure que la chronologie progresse. Maintenant, un petit effet amusant est que nous pouvons réellement utiliser les choses des parents dans cette position de brosse. Et pour le démontrer, j'ai ici une image d'archive, que je ne peux malheureusement pas mettre à votre disposition car elle provient d'Adobe Stock. Et ce que je vais faire ici, c'est créer une sélection dans Photoshop de cette main avec ce stylo. Je vais donc simplement saisir l'outil de sélection d'objet et cliquer et faire glisser un cadre de sélection sur la main, bras et le stylo. Et ça va me donner une bonne sélection de ce sujet. Cette fonction fonctionne très bien dans Photoshop et je l'utilise tout le temps. Ensuite, je vais le copier un nouveau calque en utilisant Control J. Ensuite, je vais masquer le calque d'arrière-plan et je vais enregistrer ce calque en tant que fichier PNG avec un arrière-plan transparent. Je vais donc appuyer sur Ctrl Alt S, aller sur mon bureau. Et je vais nommer ce stylo Panza ou cette main avec un stylo. Et dans Enregistrer sous, je vais choisir un PNG, donc j'obtiens l' arrière-plan transparent et je clique sur OK. Et je vais importer cette image dans After Effects allant dans le panneau Projet et en double-cliquant sur un endroit vide, allant sur mon bureau, puis en recherchant le document ici, avec stylo. Et je vais l' importer dans ma composition en cliquant et en faisant glisser vers le bas et en le plaçant au-dessus du texte. Maintenant, la taille de cette couche pose un problème, donc je vais juste la réduire à environ 30 %. Disons 35. Ce que je veux faire maintenant, c'est placer le point d'ancrage sur la pointe du stylo. Je vais donc saisir l'outil point d'ancrage cliquer et faire glisser le point d'ancrage du centre du calque jusqu'à ce point précis. Maintenant, ce que je veux , c'est associer la position du stylo à la position de la brosse. La position du pinceau est déjà visible ici. Je peux donc simplement cliquer sur le soin du stylo et appuyer sur P pour la position. Ensuite, je peux utiliser la propriété link pour aller à la position du pinceau. Je vais donc cliquer et faire glisser le lien, sélectionner le fouet à la position du pinceau. Et cela va le parent à la position du pinceau. Et maintenant, lorsque je joue la timeline, vous verrez que ce stylo suit réellement l'effet. 83. 9.7-Contrôle du curseur: Le prochain effet que nous allons examiner est un curseur, qui est très souvent utilisé dans les infographies animées. Donc, ce que je vais faire ici dans After Effects, c'est simplement créer une nouvelle composition avec les mêmes paramètres que précédemment. Donc 1920 x 1080 avec une fréquence d'images de 30 et un fond noir d'une durée de dix secondes. Cliquez ensuite sur OK pour créer cette nouvelle composition. Maintenant, je vais saisir l'outil de type, et je vais juste cliquer ici dans ma composition et je vais entrer un 0. La valeur numérique réelle n'a pas d'importance. Ce que nous allons faire, c'est animer les chiffres. Imaginons que vous puissiez saisir du texte ici. Ça n'a pas vraiment d'importance. Nous allons simplement animer un nombre allant de 0 à environ 79 %, disons. En parlant de pourcentage i, nous ajouterons le marqueur de pourcentage en tant que calque de texte séparé. Je vais simplement appuyer sur la touche Ctrl Entrée pour entrer mon texte, puis aller dans Effets et préréglages, puis rechercher le curseur. Et ça va me donner le contrôle du curseur dans les contrôles d'expression. Je vais donc simplement cliquer dessus et le faire glisser sur le calque pour l'appliquer. Et cela ouvre les contrôles d' effet. Maintenant, le fait de cliquer et de faire glisser cette valeur n'aura aucun effet car la valeur doit être liée à une propriété de couche. Donc je vais juste m' assurer que c'est à 0. Ensuite, je vais développer les contrôles de calque car nous devons ajouter une expression. Je vais donc simplement développer la catégorie des textes pour que le texte source soit visible et les effets dans lesquels nous avons le contrôle du curseur, qui doit également être développé. Maintenant, ce que nous allons faire est de lier le texte source à cette valeur de curseur. Je vais donc simplement saisir le lien, sélectionner, fouetter, cliquer et le faire glisser sur le curseur. Et la valeur du curseur détermine la valeur du texte dans ce calque de texte. Vous pouvez donc aller en moins, vous pouvez aller en plus, et vous pouvez animer cette valeur pour obtenir des nombres différents. Alors ce que je vais faire, c'est l'animer. Et je vais en fait m' assurer que l' expression du texte source ici, que nous avons créée lorsque nous avons lié la propriété au curseur, est également visible car nous devrons travailler un peu dans ici. Je vais animer la valeur du curseur de 0 seconde à 1 seconde. Donc je vais juste passer à une période , puis passer à quelque chose comme 79. Et cela va porter la valeur à 79. Mais notez que lorsque nous jouons la chronologie, nous obtenons des résultats inattendus. Nous obtenons également beaucoup de décimales, ce que nous ne voulons pas dans notre résultat final. Nous devons donc arrondir ces chiffres à des chiffres complets. Donc pas de décimales en entrant dans l'expression et en ajoutant un peu de code. Ici, au début, je vais taper math, puis appuyer sur Tab pour compléter automatiquement la période, puis taper round, puis toucher pour compléter automatiquement. Ensuite, je dois mettre ce crochet fermant à la fin de l'expression. Je vais donc me débarrasser de ce support de fermeture et ensuite le mettre à la fin. Et cela me donnera les résultats souhaités. Donc, tout ce qui se trouve dans cette fourchette ronde mathématique est maintenant arrondi à 79. Je vais assouplir un peu les choses. Je vais donc aller dans l'assistant d'images clés pour la deuxième image-clé et choisir une accélération. Et puis choisissez une sortie facile pour le début. Donc ça va me donner ça où ça accélère et ralentit jusqu'à 79. Le chiffre est si élevé que vous ne voyez pas vraiment le ralentissement, mais cela correspond parfaitement à nos objectifs. Maintenant, supposons que nous allons réellement animer un élément infographique. Ce que je vais faire alors c'est vraiment aller ici. En fait, je vais d'abord centrer ce cadre de texte dans la composition. Je vais donc sélectionner le texte et les calques vont s' aligner et m'assurer qu'il est au centre. Ensuite, je vais dessiner un cercle autour de ce calque de texte. Je dois donc m'assurer que rien n'est sélectionné. Sinon, je l'ajouterai en tant que masque, puis je double-cliquerai sur l'outil Ellipse. Ensuite, je vais aller dans le contenu de l' ellipse 1 et aller dans la trajectoire de l'ellipse, dissocier la largeur et la hauteur. Et je vais juste faire ça, disons 500 x 500 pixels. Ensuite, je vais me débarrasser du remplissage en appuyant sur Alt, en cliquant sur la couleur de remplissage jusqu'à ce que nous n'ayons plus de remplissage. Et puis rendez le trait blanc. Et l'épaisseur du trait me semble à peu près correcte, donc je ne vais pas m' embêter avec ça. Ensuite, nous allons ajouter une animation de trajectoire de coupe. Je vais donc aller dans Ajouter ici en haut avec le calque de forme sélectionné et aller dans Couper les tracés. Nous avons déjà travaillé avec le chemin de coupe lorsque nous travaillions avec des calques de forme dans le chapitre sur les formes. Ce que je peux faire maintenant, c'est animer cette valeur avec le début et la fin à 100. Je vais créer une image clé du début et passer à 1 seconde. Ensuite, je vais réduire la valeur de départ à 21 parce que cela me donne 79 à l'autre bout. Ensuite, je vais appliquer un peu d'assouplissement à cela, donc Ease In pour la fin et il est absent pour le début. Et maintenant, lorsque je lis la chronologie, vous verrez non seulement le compte en pourcentage, mais vous verrez également cette barre se remplir à cause de l'effet de trajectoire de coupe. Il s'agit donc de deux choses. J'ai beaucoup aimé cet effet. C'est très utile si vous voulez illustrer des chiffres, les rendre un peu plus dynamiques et les utiliser. ce faire, utilisez le curseur et pour la barre de progression, disons celle que nous avons ici en cercle, nous utilisons un effet de trajectoire de coupe car il fonctionne avec les mêmes valeurs numériques. 84. 9.8-Systèmes à particules: L'effet suivant que nous examinons est l' effet des systèmes de particules que nous pouvons utiliser créer des particules pour quelque chose comme la pluie explosions, la neige ou tout ce que vous souhaitez en fonction des paramètres. Ici, dans After Effects, je vais simplement créer une nouvelle composition, les mêmes réglages qu'auparavant. Donc 1920 par 1080, fréquence d' images 30, une durée de 10 secondes et une couleur de fond noire. Ensuite, je clique sur OK pour créer cette composition. Maintenant, pour utiliser l'effet des systèmes de particules, nous avons besoin d'une couche pour appliquer également cet effet. Et pour ce genre de choses, vous utilisez généralement un calque solide, qui est juste un calque de remplissage solide le plus souvent utilisé pour les effets. Je vais donc appuyer sur Ctrl Y. Ou bien vous pouvez aller jusqu'à Calque nouveau puis solide. Et je vais juste donner un nom à cette particule. Le nom n'a pas vraiment d'importance. Mais mieux vous organisez vos couches, mieux il est facile de travailler dans un projet donné. Nous pouvons spécifier la taille de ce solide. Je vais juste en faire la taille de la composition ici, et tu peux choisir une couleur. La couleur n'a pas d'importance car le solide lui-même disparaîtra une fois que nous appliquerons l'effet. Je vais donc simplement cliquer sur OK. Et là, nous avons un solide. Ensuite, je vais aller dans Effets et préréglages et rechercher le tick de partie de particule. Et ça va me donner ces trois systèmes. Et pour l'instant, je vais aussi opter pour les systèmes CC Particle. Je vais donc cliquer dessus et le faire glisser sur le calque solide. Et cela va appliquer l'effet. Et maintenant, quand je commencerai à lire la chronologie, vous verrez une explosion de ces particules jaunes. Et ces particules sont évidemment affectées par les réglages des effets. Onglet Options d'effet. Le premier paramètre ici est le taux de natalité, qui détermine le nombre de particules qui naissent chaque seconde. Nous avons également une longévité. Et la longévité détermine quand les particules meurent, donc quand elles disparaissent, donc quand je la mets à 0,5, les particules meurent après 2,5. Maintenant, ce sont également des valeurs que nous pouvons utiliser comme keyframe. Disons qu'à 1 seconde dans la chronologie, je veux qu'une seule explosion de particules se produise. Ensuite, je vais juste créer une image clé du taux de natalité ici. Et je vais commencer le taux de natalité à 0. Ensuite, je vais poursuivre d'une image. Donc, en utilisant Ctrl et la touche fléchée droite, nous allons simplement mettre le taux de natalité à dix. Ensuite, dans l'image suivante, je vais remettre le taux de natalité à 0. Et maintenant, lorsque j'appuierai sur U, vous verrez également ces images clés ici. Une fois que je zoome un peu sur ma chronologie en utilisant le défilement Alt. Et maintenant, dans une image, nous avons cette petite explosion. Je peux également étaler un peu plus ces images-clés afin de pouvoir les sélectionner toutes les trois, maintenir la touche Alt enfoncée, puis cliquer et faire glisser pour les espacer légèrement. Et ça va me donner une explosion un peu plus longue. Je vais donc simplement passer à la deuxième image-clé ici, puis me débarrasser des images clés en cliquant sur le chronomètre. Et maintenant, nous allons examiner les paramètres du producteur. Je vais juste avancer un peu dans le temps. Nous avons donc quelques particules à l'écran. Ici. Nous avons la position du producteur ou de l'émetteur. Vous pouvez donc modifier l'endroit où les particules naissent dans la composition. Nous pouvons également modifier la valeur du rayon, qui les répartit sur une plus grande surface. Si vous voulez donner l' impression qu'il pleut dans une composition, c'est quelque chose que vous pouvez faire. Et vous pouvez également le faire sur l'axe des ordonnées pour remplir toute la composition lorsque je la joue maintenant, vous verrez que nous obtenons cet effet. Il suffit de passer à Control Z pour revenir en arrière. Ensuite, nous avons un onglet Physique dans lequel nous pouvons modifier le type d'animation. Je peux passer d'explosif à Turley, par exemple. Et cela va donner aux objets une rotation. Passons à un tourbillon complet pendant une seconde et ensuite nous aurons ce genre de vortex. Ce qui peut être intéressant. Nous pouvons modifier la vitesse des particules, ce qui signifie qu'elles seront projetées beaucoup plus loin du centre. Nous pouvons modifier la vitesse ou la gravité de la scène. Ainsi, avec la gravité réglée sur un, les particules tomberont inévitablement. Maintenant, quand je change la gravité à 0, ils vont simplement se disperser dans toutes les directions. Vous pouvez changer la résistance, la résistance, vous pouvez changer la direction des particules. Ensuite, vous avez les paramètres de particules eux-mêmes. Nous avons maintenant cette ligne et nous pouvons la changer pour, par exemple, une sphère ombrée. Et ça va nous donner cet effet. Nous pouvons modifier la taille des particules à la naissance, et nous pouvons modifier la taille des particules à la mort. Ainsi, lorsqu'ils cessent d'exister, ce qui est déterminé par la longévité, nous pouvons modifier la variation de taille afin de pouvoir offrir un peu plus de variété dans leur taille. Et la palette de couleurs est définie de la naissance à la mort, c'est-à-dire. Et puis nous avons ces couleurs ici. Ils vont donc commencer par être jaunes et à mesure qu'ils meurent, ils deviennent rouges. Vous pouvez donc également modifier ces valeurs. Je peux leur donner un bleu clair à la naissance et un bleu plus foncé à la mort. Disons. Ça va me donner, je vais juste baisser le taux de natalité un peu à cinq parce que ce dix était un peu exagéré. Et je vais réduire la vélocité de 2,5. Disons. Ça va me donner cet effet. Vous pouvez donc jouer avec ces paramètres pour toutes sortes de résultats différents. Notez que ces particules ne sont pas en 3D, il s'agit donc simplement d'un effet plat. En gros, vous jouez un film de cela, ces particules naissant dans un cadre de référence plat. Donc, même si je transforme ce calque en calque 3D et que je saisis la rotation et que je le fais pivoter le long de l'axe des y, vous verrez que l' effet est plat, donc ce n'est pas de la 3D. Il n'interagit donc pas avec les objets 3D que vous placez dans votre scène. Si vous voulez faire quelque chose comme ça, vous allez devoir regarder un plugin tel que trap code particular, qui interagit avec la caméra et avec les lumières de manière native. 85. 10.1-Compositeur d'animation: Dans ce dernier chapitre, nous examinerons quelques éléments différents qui ne correspondaient pas vraiment aux autres chapitres. Et nous allons commencer par une petite présentation de quelques plug-ins que j'utilise tous les jours. Le plus important d'entre eux est le compositeur d'animation. Animation Composer est créé par Mr Horse et vous pouvez le trouver sur Mr. Horse.com. Il suffit donc d'aller sur leur site Web et de cliquer ici où il est indiqué produits, produits pour After Effects ou produits pour Premiere Pro. Et vous arriverez à l'écran en savoir plus et télécharger ici. Animation Composer est un plug-in freemium, donc son installation est gratuite. Et il est livré avec tout un tas de préréglages d'animation, de graphiques animés et d'autres choses de ce genre que vous pouvez utiliser sans payer un seul centime. Mais vous pouvez également payer pour ces packs étendus qui vous offrent beaucoup plus de transitions vidéo et d'animations de texte et d'effets que vous pouvez appliquer deux calques, ce qui est incroyable facile à utiliser et complètement changé la façon dont j'utilise After Effects, que je vais vous montrer dans cette vidéo. Vous pouvez donc le télécharger pour Windows. Vous recevrez un programme d'installation. Dans le programme d'installation, vous devrez créer un compte pour Mr Horse, que vous devrez activer, et ils l'utiliseront pour valider la licence de tous les packs de produits que vous avez achetés, qui sont en fait assez abordables. Donc, si je vais ici où il est dit produits et produits pour After Effects, nous avons ces préréglages de mouvement, que vous pouvez acheter pour 70$. Nous avons ces textes prédéfinis ce que vous pouvez, que vous pouvez acheter pour 60$. Ils ont également ces transitions cinéastes qui sont extrêmement faciles à appliquer. Nous avons ces éléments de forme animés, effets spéciaux 2D, ces arrière-plans animés , ces textures, ces illustrations animées et même des effets sonores essentiels, dont nous parlerons également un peu dans ce chapitre dans quelques vidéos distinctes car ce plugin est tellement important pour mon travail quotidien avec After Effects que je veux juste m' assurer que vous comprenez sa proposition de valeur. Dans les fichiers d'exercices, j'ai préparé un fichier Illustrator. Une fois que vous avez installé Animation Composer Vous pouvez simplement suivre en important ce document Illustrator à partir des fichiers d'exercices. Et ce sera le compositeur d'animation 10.1. Je vais l'importer en tant que composition avec Footage Dimensions, taille de calque pour placer les points d'ancrage au centre des calques eux-mêmes. Cette illustration, une fois que je l'ai ouverte, la visionneuse de composition, n' est que cette petite icône d'une manette de jeu, qui se compose de plusieurs couches différentes. Nous avons un calque d'arrière-plan, nous avons ce calque d'ombre. Nous avons le corps du contrôleur lui-même. Et les boutons séparés sont tous des calques séparés afin que nous puissions les animer séparément. Je vais donc faire apparaître Animation Composer en allant dans Window, puis choisissant Animation Composer trois, il y a actuellement une mise à jour, mais quoi, je vais l'ignorer pour l'instant. Et ici, j'ai beaucoup de catégories différentes que je peux utiliser parce que j'ai acheté pratiquement tout ce qu'ils ont sorti juste à des fins de démonstration. Et parce que j'aime utiliser ce plugin, mais vous aurez les préréglages de démarrage disponibles. Et cela se décline en différentes catégories. Nous avons des transitions de calques 2D, des transitions de calques 3D, des transitions de calques de textes, des effets de calque 2D et des effets pour les calques de textes Et ce qui est cool avec ces catégories, c'est que vous obtenez un aperçu instantané de ce que l'effet va réellement faire. Et c'est relativement unique dans After Effects, car tous les effets et préréglages d'After Effects lui-même ne seront pas visibles tant que vous les aurez pas réellement appliqués à vos calques. Nous avons donc ici un aperçu de ce à quoi cela va ressembler. Je vais donc réduire légèrement le niveau de zoom pour avoir une meilleure vue d'ensemble. Et je vais m'assurer que le calque d' arrière-plan est sélectionné. Ensuite, je vais aller dans le préréglage le plus bas , puis cliquer sur Animer dans. Vous pouvez animer des objets dans la composition, dehors de la composition, ou vous pouvez animer les deux en même temps. Pour l'instant, je vais juste aller à l'intérieur. Et cela applique immédiatement l'animation. Et vous avez également certains paramètres que vous pouvez toujours influencer pour le nombre de rebonds et l' échelle réelle animée. Et maintenant, lorsque je joue la timeline, vous verrez que le calque d'arrière-plan est maintenant animé avec cette très belle animation de rebond dynamique et fluide. Je vais donc simplement mettre ce calque en solo pendant un moment en cliquant sur en solo pendant un moment en cliquant le bouton Solo ici dans les commandes de calque afin que nous puissions mieux voir l'effet lui-même. Nous avons donc ce Bounce vraiment cool et propre. Maintenant, il est arrivé quelque chose à cette couche. Il y a eu ce marqueur ajouté qui dit ARNt, et qui signifie transition in. La position de ce marqueur détermine le moment où l'animation est terminée. Ainsi, plus elle est loin dans le calque, plus l' animation sera lente, plus elle sera proche du début du calque, plus l' animation sera lue rapidement. Ainsi, lorsque je le mets plus en avant, l'animation sera lue plus rapidement. Et je vais simplement annuler ces deux étapes en utilisant Control Z. Ensuite, je vais annuler le solo de ce calque d'arrière-plan. J'obtiens donc les autres calques, puis nous allons passer au calque d'ombre d' arrière-plan. J'ai donc cliqué sur Ombre d' arrière-plan et je vais juste choisir un centimètre cube fondu pour le faire apparaître en fondu. Ensuite, appuyez sur Entrée pour appliquer l'animation. Ensuite, nous allons voir le contrôleur corporel. Et disons que je vais choisir une rotation de dépassement ici, et que je souhaite qu'elle s'anime par le haut. Je vais donc cliquer en haut ici. Ensuite, cliquez dessus pour appliquer l'animation que nous avons déjà, quelque chose comme ça qui ne s'est pas bien joué. Maintenant, c'est le cas. Ça a déjà l'air cool. Ensuite, nous avons ces quatre boutons. Et à ces quatre boutons, je vais appliquer la même échelle de dépassement que l'arrière-plan. Je vais donc sélectionner ces quatre couches en cliquant sur celle du haut et cliquant sur la couche inférieure, puis en choisissant l' échelle de dépassement à partir du point d'ancrage et en cliquant dessus. Passons ensuite au BMD. Disons que je vais choisir celui-ci. Le ys tourne et je vais le faire venir de la gauche en fait, puis cliquez sur OK. Maintenant, lorsque je jouerai l'animation, vous verrez que nous avons cette belle animation fluide dynamique pour toutes ces couches. Maintenant, je pourrais facilement le faire manuellement, mais c'est un processus qui prendra au moins 15 minutes. Et en utilisant Animation Composer, je peux simplement choisir un préréglage, l' appliquer et avoir immédiatement ce type d' animation. Fabrication. Compositeur d'animation extrêmement utile pour les animations de base. Donc la mise à l'échelle, le positionnement, la rotation, les animations d'opacité tout est là et vous avez beaucoup de contrôle sur la façon dont ces effets apparaissent avec les contrôles d'effet. Et alors que la liste des presets de la version freemium, la version gratuite du plugin est assez limitée. Le pacs contient tellement d' animations que pour moi, c'est toujours un achat instantané et je ne saurais trop le recommander car cela ne fait que faire fonctionner le standard dans After Effects, tous ces animations, un jeu d'enfant à parcourir et tellement plus faciles à utiliser. Maintenant, ces animations se jouent exactement au même moment. En effet, le début de l'animation est lié au début du calque. Donc si je veux retarder ces animations, je dois les décaler. Je déplacerais donc chaque calque de quelques images et dans le temps. Maintenant, c'est quelque chose qui peut prendre beaucoup de temps. Dans la prochaine vidéo, qui traite toujours de Animation Composer, je vais vous montrer comment utiliser Animation Composer pour décaler vos calques. Vous avez donc beaucoup de contrôle sur le moment où les animations se jouent réellement. 86. 10.2-Animation composer-transition shifter: la continuité de la leçon précédente, je vais vous montrer comment déplacer ces calques sur la chronologie afin de rendre notre animation un peu plus dynamique, car je ne veux pas que toutes ces couches couches à animer en même temps. Je souhaite retarder l'animation d'environ cinq images. le compositeur d'animation installé, je peux monter dans le menu Fenêtre, puis choisir le sélecteur de transition à trois transitions du compositeur d'animation. Et ça va me donner cette petite fenêtre contextuelle. Et maintenant je vais sélectionner tous les calques que je veux décaler. Et puis je vais regarder en bas où il est écrit « décalé ». Je veux donc décaler les calques eux-mêmes, et je veux le faire de cinq images. Je souhaite donc déplacer chaque calque de cinq images dans temps par rapport au calque précédent. Et je veux le faire ordre croissant parce que je veux passer de l'arrière-plan au calque D-pad. Ensuite, je clique simplement sur faire. Et c'est tout. C'est tout ce que j'ai à faire pour décaler ces couches. Maintenant, lorsque je joue la timeline, ces animations commencent à cinq images intervalle à cause de cette fonction de décalage. Et c'est incroyablement utile. Je ne saurais trop insister sur la fréquence à laquelle vous devez faire ce genre de choses dans After Effects. Je vais juste annuler cela et vous montrer la manière manuelle de procéder sans compositeur d'animation. Donc, ce que je devrais faire, c'est aller sur le calque d'ombre d'arrière-plan et passer à cinq images dans la timeline. Je zoomais un peu et je décalais, je glisser le calque vers l'avant. Ensuite, je passais à dix images, puis je passais au calque suivant, je cliquais et je le faisais glisser vers l'avant du calque suivant. Je passais donc à 15 images et je le faisais glisser vers l'avant. Et j'ai déjà tout gâché. Il s'agit donc d'un processus très manuel que vous devrez effectuer pour chaque calque individuel et compositeur d'animation le rend si factice et si facile que je ne saurais trop le recommander. Encore une fois, comme je l'ai déjà dit dans la leçon précédente. Il suffit donc de sélectionner vos calques. Saisissez le levier de transition dans le menu de la fenêtre, cliquez sur Faire, et c'est tout ce que vous avez à faire. 87. 10.3-Précomps de Composer-Precomps d'animation: Animation Composer est également livré avec de nombreuses pré-compositions que vous pouvez utiliser pour les transitions entre les clips que vous pouvez utiliser pour animer, ajouter des illustrations animées ou effets spéciaux 2D ou autres des choses à vos compositions, ce qui facilite grandement la vie dans After Effects. À des fins de démonstration, j' ai mis deux clips vidéo dans les fichiers d'exercices que je vais juste importer maintenant dans Osha Walking, 12 osha walking aussi. Je vais donc simplement sélectionner ces clips et les importer. Ces clips sont, voyons voir, 30 images par seconde, d'une durée de dix secondes. Je vais donc créer une composition qui dure 20 secondes. Je vais donc simplement créer une nouvelle maquette. Et je vais m' assurer que la durée est réglée sur 20 secondes, donc 20 points, puis appuyez sur OK. Maintenant, je vais les importer dans la chronologie en cliquant et en les faisant glisser ici et en les plaçant. Ensuite, je vais les décaler en sélectionnant simplement un, en cliquant dessus et en le faisant glisser vers la droite. Et je vais m' assurer qu'ils se chevauchent en zoomant et en les plaçant exactement l'un sur l'autre. Ainsi, quand l'un se termine, l'autre commence. Maintenant, je veux vous montrer comment fonctionnent ces pré-compositions de Animation Composer. Je vais donc monter dans le menu Fenêtre et choisir Animation composer trois. Ensuite, vous pouvez jeter un œil aux pré-comps de démarrage que nous avons disponibles ici. Nous avons différentes catégories. Nous avons ces superpositions que vous pouvez ajouter. Nous avons ces éléments de forme que vous pouvez ajouter, qui sont également extrêmement faciles à utiliser. Nous avons ces icônes animées de réseaux sociaux, nous avons des zones de texte et nous avons des transitions que nous pouvons utiliser. Imaginons que je veuille ajouter une transition entre ces deux couches. Je vais placer la chronologie exactement là où ils se sont divisés et je peux l' accrocher à ce point, à cette image en maintenant la touche Maj enfoncée. Et disons que je souhaite simplement ajouter cette transition de zoom et de rotation arrière. Je vais juste cliquer sur la maquette. Et à des fins de démonstration, je vais ajouter du son à cette transition, puis cliquer sur Ajouter pour le mettre dans ma composition. Maintenant, il va me demander de sauvegarder le projet, ce que je vais faire très rapidement. Je vais donc cliquer sur OK. Et puis appuyez sur Ctrl S. Et je vais juste enregistrer ceci mon bureau en tant que projet sans titre pour le moment. Il existe déjà un projet sans titre, comme c'est souvent le cas. Je vais donc simplement cliquer sur Oui. Et maintenant c'est sauvegardé. Et je peux utiliser cette transition qui s' est produite car elle fait référence à un fichier son. Vous devez donc l'enregistrer manuellement pour que ce fichier audio soit référencé. Je peux maintenant cliquer sur Ajouter, et cela va ajouter une pré-composition à mes calques. Maintenant, une fois que nous en sommes arrivés à ce point de la chronologie, vous verrez que nous avons cette transition qui doit d' abord être rendue avant de la voir réellement. Je vais en fait le placer au-dessus de la pile de calques pour le moment. Celle-ci est centrée sur cette coupe, la coupe entre ces deux clips. Donc je vais juste laisser ce pré-rendu. J'attends donc la fin de la transition. Je peux maintenant le prévisualiser en vitesse normale. Et maintenant, nous avons cette transition super douce qui n'a nécessité aucun effort pour être ajoutée à la chronologie. Donc, au lieu d'animer la rotation des calques, le flou et la distorsion, nous choisissons simplement cette précomposition gratuite, nous l'ajoutons à la timeline et nous avons cette transition vraiment cool. Et vous avez en fait beaucoup de contrôle sur cette transition en allant dans les paramètres ici, les paramètres d'édition de la transition. Vous pouvez modifier la force de la forme. Vous pouvez modifier l'orientation automatique, la quantité de flou, la quantité de distorsion des couleurs et les paramètres de distorsion des couleurs eux-mêmes. C'est donc extrêmement facile à utiliser. Je l'utilise tout le temps pour passer de l'un à l'autre. Ce que je fais souvent, c'est créer des animations basées sur les photos que je fais. J'ai donc créé une bobine pour Instagram et j'ai fait la transition entre les images avec ces transitions parce que c'est juste factice, rapide et facile. Et cela a l'air fantastique par rapport à ce que vous pouvez faire vous-même dans le même laps de temps. Ainsi, vous pouvez également entendre le son en arrière-plan. Si vous voulez supprimer le son, vous pouvez simplement désactiver la composition en cliquant sur ce commutateur dans les commandes de calque. C'est donc l'une des transitions. Regardons un autre élément des pré-compositions, des compositions gratuites. Je vais juste aller dans Parcourir, puis je vais aller dans les zones de texte. Et encore une fois, nous avons instantanément un aperçu ici. Et disons que je veux celui-ci, en ligne, un en bas. Ensuite, je peux simplement cliquer sur Ajouter ici dans la chronologie. Et il va placer le point final où la chronologie a été placée. Ensuite, je peux changer la couleur du texte. Je peux contenir, changer la couleur du contenant. Je peux changer le remplissage du contenant. Et ce que vous pouvez également faire, c'est simplement cliquer ici pour modifier le texte afin que je puisse taper After Effects. Appuyez sur Entrée pour le confirmer, ou cela va réellement ajouter une ligne. Il suffit donc de cliquer en dehors de la zone de texte et de fermer les paramètres. Et maintenant j'ai cette animation de textes vraiment cool, douce et facile sans avoir à ajouter de cadre de texte. C'est donc tellement rapide par rapport à l' animation manuelle de tout cela. Je l'utilise tout le temps. Je l'utilise essentiellement pour chaque projet que je crée. Et ce ne sont que des préréglages gratuits. Donc, si vous allez sur M. Horst.com et que vous regardez les pacs, vous pouvez voir quel type de valeur ajoutée Ils ont pour vous en particulier. Et je recommanderais la future couche. préréglages de mouvement, les transitions et les animations de texte, et les effets spéciaux 2D parce que je les utilise tout le temps, juste de simples éléments d' arrière-plan. Et je ne suis pas sponsorisé par un compositeur d'animation, je ne suis pas sponsorisé par M. Horse. Je vous le recommande simplement parce que cela a complètement changé la façon dont j'utilise le programme, donc je ne saurais trop recommander ce plugin. Une dernière chose que je vais vous montrer est le moteur du point d'ancrage. J'ai donc sélectionné ce cadre de texte ici. Et maintenant je vais juste passer à Window, puis à Animation Composer 3, Anchor Point Mover. Et cela me donne cette petite fenêtre contextuelle, que j'ai à l'écran la plupart du temps lorsque je n'enseigne pas. Et avec cela, je peux simplement déplacer rapidement et facilement le point d'ancrage d'un calque, une pré-composition dans ce cas, à la position que je choisis pour le centrer. Je peux le mettre en haut. Je peux le mettre en bas. Et notez que ce n' est en fait pas la taille de la composition de cette pré-composition qui est en fait la résolution complète de la composition principale. Elle est donc plus grande que cette zone de texte. Il remplit en fait toute la composition. Donc si je voulais déplacer le point d'ancrage du cadre du texte, il faudrait que je me lance dans cette précomposition. Maintenant, c'est aussi extrêmement simple. Bien entendu, lorsque vous souhaitez centrer un point d'ancrage sur un calque, vous pouvez toujours double-cliquer sur l'outil de point d'ancrage touche Ctrl ou Commande enfoncée sur le Mac. Mais si vous souhaitez le déplacer vers un autre endroit, vous pouvez le faire très rapidement et facilement à l'aide du point d'ancrage. Jetez un œil à Animation Composer. Cela vous facilitera grandement la vie et les séquelles. 88. 10.4-Newton 3: Un autre plugin que j' aimerais présenter dans cette vidéo est celui de Newton a0b0 ou Newton three, que vous pouvez acheter sur a0b0 scripts.com. Ce n'est donc pas un plugin gratuit, mais il est extrêmement utile pour les animations graphiques, dont je vais vous faire la démonstration dans cette vidéo. A0b0 scripts, soit dit en passant, est un site où vous pouvez télécharger nombreux types de plugins et de presets pour After Effects. Si vous recherchez quelque chose de spécifique, comme l'animation de texte dynamique, etc., vous pouvez consulter ce site. Je vais donc simplement rechercher Newton ici et appuyer sur Entrée. Et cela va faire apparaître Newton trois, donc je peux cliquer dessus. Newton est un moteur physique d'After Effects. Et je vais me plonger dans After Effects dans une minute et vous montrer comment il fonctionne et ce qu'il fait. Ils ont ici un contenu de démonstration très intéressant que vous pouvez regarder et qui montre ce que le plugin peut faire. C'est assez cher, donc c'est 250$. Ce n'est donc certainement pas bon marché. Mais cela dépend vraiment de la valeur de votre temps. Parce que si vous travaillez avec de nombreuses animations basées sur la physique où des objets entrent en collision, tournent ou tombent. Cela peut vraiment faire gagner beaucoup de temps. Je vais donc simplement retourner dans After Effects et créer une nouvelle composition. Et notez que vous pouvez suivre ce que je fais actuellement car vous n'avez probablement pas ce plugin. Je vais donc simplement cliquer ici sur OK, pour créer cette nouvelle composition. Et je vais rapidement créer une scène basée sur des calques de formes. Je vais donc cliquer et dessiner, cliquer et faire glisser pour dessiner un sol. Et je vais juste me débarrasser de l' AVC qui était là. Ensuite, je vais dessiner un rectangle ici en haut. Ensuite, je vais dessiner une étoile. Ensuite, je vais dessiner un cercle en cliquant, en faisant glisser et en maintenant la touche Maj enfoncée. Et ce sont tous sur leurs couches séparées, le jus de l'esprit. Il s'agit donc de calques distincts dans le panneau Calques. J'ai donc tout désélectionné avant de dessiner la nouvelle forme. Et maintenant, avec cette composition mise en place avec cette mise en scène, je vais passer à Newton. Je vais donc passer à la composition, puis choisir Newton trois. endroit où se trouvent ces plugins peut varier un peu car vous avez également des plug-ins qui vont dans File puis Scripts quand il s'agit de faire du navire, par exemple. Ils peuvent également se retrouver dans leurs propres panneaux lorsque vous accédez à Window. Mais cela ouvre en fait un programme dans After Effects. Je vais donc passer à la composition, puis à Newton trois. Maintenant que nous avons cette configuration de scène et la configuration de la scène, je peux simplement jouer en cliquant sur ce bouton Play ici. Et une fois que j'ai frappé, joué, tout tombe. Et notez que tout tombe à une vitesse de 9,8 secondes au carré. Cela se comporte donc comme la gravité se comporterait sur Terre. Maintenant, ce que je peux faire, c'est cliquer sur le sol ici et je peux aller en haut à gauche où il est écrit « taper ». Et je peux changer le type de dynamique à statique. Et cela ne va pas tomber. Maintenant, lorsque je clique sur Jouer, vous verrez ces objets tomber de manière réaliste. Vous verrez également qu' ils rebondissent car ils possèdent certaines propriétés sur lesquelles j'ai beaucoup de contrôle. Maintenant, ce que je vais faire c'est déplacer ces objets un peu. Et je vais faire de cette étoile un objet de type dormant. Cela signifie qu'il ne bougera pas tant qu'il n'interagira pas avec un autre objet. Ce qui va réellement se passer, c'est ce cercle va s'effondrer. Il va toucher l'étoile, puis déplacer l'étoile au fur et à mesure qu'elle descend. Maintenant, lorsque je clique sur Jouer, nous obtenons ceci. En conséquence. Cette opération est entièrement automatique. Tout ce que j'ai à faire est de cliquer et de faire glisser les formes, leur donner leurs différentes propriétés et de cliquer sur Jouer et tout se comporte exactement comme il se doit. J'ai un contrôle de la gravité ici, donc je peux changer la direction de la gravité si je le souhaite. Mais je vais juste le remettre là où il était avant de maintenir Shift enfoncé. La force de gravité est également déterminée par la distance de ce cercle. Donc le rayon de ce cercle. Donc je vais juste laisser ça là où il était. Et la prochaine chose que je vais faire est de rendre ce cercle, cette balle un peu plus rebondissante. Je vais donc entrer dans le bounciness et le remplacer par 0,9 au lieu de 0,3, puis cliquer sur Play. Et maintenant, c'est beaucoup plus rebondissant. Et il rebondit sur d'autres objets. Et c'est l'une des choses les plus importantes ce plug-in. Il permet l'interaction avec les objets dans After Effects, vous ne pouvez pas vraiment dire, d'accord, quand cet objet frappe cet objet, je veux que cet objet se comporte exactement comme il le ferait dans la vraie vie. Newton automatise donc tout cela et il anime tout pour vous. Tout ce que vous avez à faire c'est de cliquer sur Play. Une autre chose que nous pouvons faire est de donner aux choses une vitesse inhérente. Donc, ce que je peux faire, c'est cliquer sur ce rectangle , puis aller à l'endroit où il est indiqué outil de vélocité. Ensuite, je peux cliquer et faire glisser quelque chose comme ça. Et puis je vais aussi faire du poids. En fait, ce que je veux faire, c'est ça. Ensuite, vous devez d'abord revenir à un autre outil. Et je vais aussi faire en sorte que ces cercles soient dormants. Et maintenant, quand je clique sur Play, ça va toucher le cercle et l'étoile et tout rebondit l'un sur l'autre. Ce plugin a, je pourrais développer un cours distinct sur ce plugin car il a du magnétisme, il a des pistons que vous pouvez ajouter pour faire bouger les objets de manière statique. Juste un tas d'options différentes que vous pouvez utiliser pour créer des animations sympas. Mais c'est aussi loin que va cette démo. Je vais donc simplement afficher cette animation en cliquant sur le rendu ici. Et ça se terminera sur la trame 300. Il s'agit donc simplement de lire l'animation. C'est sur le point de fermer Newton. Et maintenant, dans le panneau de projet, j'ai une maquette. ouvrant la maquette sur, vous verrez l'animation se dérouler. Tout ce que j'avais à faire était de configurer la scène et de cliquer sur Play. Et maintenant, ce que je veux vous montrer, c'est lorsque je sélectionne ces calques et que j'appuie sur U, vous verrez que la position et la rotation de ces objets, objets n'étaient que des images-clés automatiquement pour moi. Ces images clés ont donc été ajoutées de manière entièrement automatique. Je peux toujours les changer si je veux. Je peux donc cliquer et faire glisser la position de ces calques si je le souhaite. Et je peux également partager ce projet avec des personnes qui n'ont pas Newton. C'est donc un plug-in très utile si vous travaillez avec de nombreux graphiques animés basés sur la physique. 89. 10.5-Projets d'effets après dans Premiere: Dans cette leçon, je souhaite vous montrer comment utiliser les animations que vous avez créées dans After Effects dans un autre programme, tel que Premiere Pro, qui est principalement utilisé pour le montage vidéo. Donc ce que je vais faire ici c'est créer une nouvelle composition. Et ce sera 1920 x 1080 à dix secondes avec une fréquence d'images de 30 images par seconde. Ensuite, je clique simplement sur OK. Et je vais simplement utiliser le compositeur d'animation pour créer une animation de texte rapide. Je vais donc aller dans Window, puis dans Animation Composer. Et à des fins de démonstration, je vais utiliser les pré-compositions gratuites démarrées , puis aller dans les zones de texte et utiliser la même zone de texte que celle que j'ai utilisée dans la vidéo sur Animation Composer. Ensuite, je clique sur Ajouter. Et parce que la vidéo que je vais vous montrer dans Premiere Pro et je ne peux pas mettre ce projet à votre disposition car il s'agit de plusieurs gigaoctets de vidéo. Je vais juste taper tsar, saisir la Croatie, saisir la Croatie, parce que c'est là que la vidéo a été tournée. Et puis j' ai déjà cette animation. Ensuite, je vais enregistrer ce projet en appuyant sur Ctrl+Shift S pour enregistrer sous. Et je vais juste mettre ça sur mon bureau pour le moment. Et je vais simplement appeler cette animation de texte. Il s'agit donc évidemment d'une animation très simple. Mais cela vaut pour tous les projets que vous créez dans After Effects. Maintenant, dans Premiere Pro, je peux importer l'animation en allant dans le fichier. Et puis importez. Ensuite, je peux trouver ce fichier de séquelles sur mon disque dur, qui est ici une animation de texte. Et je vais juste double-cliquer dessus. Et cela me donnera le choix de la composition que je souhaite réellement importer. Et ce sera la composition principale. Je vais donc simplement cliquer sur OK, et cela va placer cette composition dans le panneau de projet. Et tu devras peut-être chercher ça un peu. Ici. Il se trouve dans le dossier des animations graphiques. Je vais donc simplement cliquer et faire glisser ceci dans la vidéo. Lisez la chronologie. Vous verrez maintenant que l'animation du texte se déroule au-dessus de toute la vidéo qui s'y trouve. Cela est en fait lié dynamiquement à After Effects. Ainsi, une fois que j'aurai modifié ce texte ou son apparence dans After Effects, ces modifications seront automatiquement répercutées dans Premier Pro. Pour en revenir à After Effects, je vais ouvrir l'animation, recomposer notre panneau et passer à l'édition. Cliquez sur la couche. Ensuite, je vais changer la couleur de la zone de texte. Alors je vais juste le rendre bleu. Ça va le rendre bleu. Et en revenant à Premiere Pro une seconde plus tard, il sera mis à jour et apparaîtra également en bleu. Ainsi, toutes les modifications que vous effectuez dans Aftereffects seront reflétées dans Premier Pro, ce qui est extrêmement utile car vous n'avez pas à réimporter quoi que ce soit ou à relier quoi que ce soit. Il vous suffit d'effectuer les modifications dans After Effects et elles seront automatiquement répercutées dans Premiere Pro. 90. 10.6-Package: Il est temps de commencer à travailler exportation d'une vidéo depuis After Effects. créons donc une vidéo à partir de nos compositions. Et pour le démontrer, j'ai le package de fichiers 10.6. Et avant d' exporter réellement un projet, j'aime créer un package de projet. Et un package signifie essentiellement qu'After Effects crée un dossier sur votre disque dur dans lequel tous les fichiers externes utilisés dans ce projet sont collectés de sorte que lorsque vous ouvrez le plus tard, aucun des liens ne manquera. Vous n'aurez pas à corriger aucune d'entre elles. Et tout sera beau et rassemblé en un seul endroit, disons, pour créer un package à partir d'un fichier, je vais juste aller dans le menu Fichier ici en haut, puis aller à mi-chemin deux dépendances, puis choisissez Collect Files. Maintenant, lorsque vous collectez des fichiers, vous accédez à cette fenêtre contextuelle où vous pouvez choisir ce qui va réellement être collecté. Et d'habitude, j'opte pour tout. Mais vous pouvez le faire pour des compositions spécifiques si vous le souhaitez, ou vous pouvez simplement collecter le projet lui-même sans aucun lien externe. Maintenant, je vais simplement choisir Tout. Et je vais cliquer sur Collecter. Ensuite, il vous sera demandé de choisir un emplacement pour ce forfait. Et je vais juste mettre ça sur mon bureau pour le moment. Et je vais cliquer sur Enregistrer, et cela va créer le package et ouvrir le dossier. J'ai ici un rapport du paquet, qui est un fichier texte qui montre ce qu'il contient réellement . Et s'il y avait des erreurs, j'ai le projet aftereffects lui-même et j'ai un dossier de métrage dans lequel le fichier de package 10.6 est collecté, qui ne contient que ce document Photoshop que nous travaillé avec dans le chapitre six. Maintenant, je peux le mettre dans un dossier zip, le mettre sur ma Dropbox ou Google Drive pour référence ultérieure. C'est donc un moyen très pratique d' archiver vos projets afin que lorsque vous les ouvrez, vous ne manquiez aucune séquence réelle. 91. 10.7-La file d'attente du rendu: L'un des moyens de rendre une vidéo à partir d' After Effects est d' utiliser la file d'attente de rendu interne. After Effects peut donc créer des vidéos pour vous à partir du programme. C'est juste que le moteur de rendu est assez limité dans les types de fichiers que vous pouvez choisir. Les fichiers, les fichiers vidéo qui en sortent sont généralement absolument énormes, ce que je vais montrer dans cette leçon. Donc ici, dans la composition 10.7 Render Queue, je vais juste monter dans le menu Fichier , puis aller à l'export. Et ici, la deuxième option est Ajouter à la file d'attente de rendu. Et nous reviendrons sur la file d' attente d'Adobe Media Encoder dans la prochaine vidéo. Je vais donc simplement cliquer sur Ajouter à la file d'attente de rendu. Et cela va ouvrir la file d'attente de rendu ici en bas. Vous pouvez cliquer ici pour modifier les paramètres de votre vidéo. Les paramètres de rendu. Je peux cliquer ici pour accéder à ce menu contextuel. Et je peux choisir la qualité de rendu de la vidéo . Habituellement, vous voulez au mieux le laisser, sauf si vous souhaitez réellement afficher un brouillon rapide de votre projet, vous pouvez réellement générer un aperçu du brouillon. Mais généralement, vous voulez opter pour le meilleur et le faire en pleine résolution, mais vous pouvez également opter pour la moitié si vous le souhaitez. Et il va afficher les dimensions de cette demi-taille ici derrière la taille réelle. Mais je vais juste le rendre en taille réelle pour le moment. Et ce sont essentiellement tous les paramètres que vous souhaitez consulter dans cette fenêtre contextuelle. Donc je vais en fait, une autre chose que vous voudrez peut-être examiner est les commutateurs solo. Ainsi, lorsque vous travaillez sur un projet, vous mettez parfois des choses en solo. Vous pouvez donc utiliser un calque en solo pour masquer tous les autres calques. Maintenant, il est parfois possible que vous oubliiez de lire, activer ou de désactiver ces commutateurs. Donc, ce que vous pouvez réellement faire ici dans les commutateurs solo, c'est les désactiver tous. Cela n'arrive pas très souvent et vous le verrez généralement immédiatement une fois le rendu terminé. Mais le rendu des tiques peut prendre beaucoup de temps. Donc, par mesure de précaution, des choses comme celle-ci peuvent être une bonne idée à examiner. Je vais donc simplement cliquer sur OK pour sortir de là. Ensuite, nous allons regarder le module de sortie où nous choisissons réellement le format de notre vidéo. Maintenant, le format est sélectionné ici en haut, et actuellement le mien est réglé sur quicktime, ce qui est également le format par défaut sur les systèmes Apple, sur lequel je ne travaille pas d'ailleurs, j'utilise évidemment un Windows système. Il n'y a en fait que quelques formats vidéo ici. Nous pouvons donc choisir AVI ou AVI, ou QuickTime, ou toutes ces différentes séquences d'images. Je peux donc générer une séquence JPEG basée sur cette composition, une séquence PNG, une séquence E XR ouverte, qui est en quelque sorte un format brut, ou même une séquence Photoshop. Si vous voulez une séquence d'images comme une simple série d'images issues de votre projet, vous pouvez le faire. Mais AVI et QuickTime ne sont généralement pas de bons formats de fichiers à choisir car ces fichiers sont absolument énormes par rapport aux autres formats de fichiers que nous pouvons choisir dans Adobe Media Encoder. Ce n'est donc pas quelque chose que je recommanderais, mais c'est quelque chose que vous pouvez faire si vous le souhaitez. Le format ici est le paramètre le plus important. vous n'avez pas vraiment à regarder manière générale, vous n'avez pas vraiment à regarder autre chose. Je vais donc simplement cliquer sur OK. Ensuite, le réglage final est la sortie vers réglage où nous choisissons un emplacement pour notre rendu. Et je vais simplement l' afficher sur le bureau sous forme de fichier AVI et cliquer sur Enregistrer. Et maintenant je peux cliquer sur Render ici. Et cela va démarrer le rendu et créer une vidéo basée sur cette animation. Et nous avons ici une petite barre de progression élégante où nous voyons un pourcentage et nombre d'images déjà rendues. Et au bout d'un moment, vous verrez également le temps restant pour le rendu réel. Il s'agit d'un projet relativement simple, même s'il contient des éléments 3D. Cela ne prend donc pas plus de 45 secondes au total. Maintenant c'est fait. Nous recevons ce petit ping dont j'aime vraiment ce son, même s'il peut être un peu fort. Je vais donc aller sur le bureau. Et ici je devrais avoir ma vidéo 10.7 Render Queue. Il s'agit d'une vidéo de 10 secondes, taille de près de 3,5 gigaoctets. Ce n'est donc pas exactement quelque chose que vous pouvez télécharger sur Instagram où je crois que la limite est d'environ 64 mégaoctets. Avi et QuickTime sont donc tous deux de très grands formats de fichiers. Et vous ne voulez pas les utiliser pour ce genre de choses parce que c'est trop grand pour être manipulé. Vous pouvez désormais utiliser un logiciel de post-traitement tel que Hand Brake ou Adobe Media Encoder pour le réencoder dans un format de fichier différent. Mais il s'agit d'une étape supplémentaire que vous pouvez ignorer en accédant directement à Adobe Media Encoder. Vous pouvez effectuer le rendu vidéo à partir d'After Effects, mais les fichiers sont absolument énormes, sauf si vous optez pour une séquence d'images telle qu'une séquence JPEG ou PNG. Je recommande donc de ne pas utiliser le rendu réel d' After Effects lui-même. 92. 10.8-file d'attente d'encodeurs multimédias: Il est maintenant temps de regarder Adobe Media Encoder, qui produit les fichiers les plus utiles car nous avons une liste beaucoup plus longue de formats de fichiers parmi lesquels nous pouvons choisir. Ici dans la composition 10.8 Media Encoder. Je vais simplement aller dans le menu Fichier, puis accéder à Exports, puis choisir Ajouter à la file d'attente Adobe Media Encoder. Et cela va lancer Adobe Media Encoder, ce qui peut prendre une minute selon les spécifications de votre système. Et nous avons déjà participé à ce dialogue lorsque nous travaillions sur notre projet au chapitre huit. Et la séquence, la composition va en fait être chargée dans ce panneau une fois la connexion au projet établie. Et encore une fois, cela peut prendre quelques secondes. Et maintenant, nous allons examiner les paramètres réels que nous pouvons influencer ici, car la dernière fois, nous avons choisi H.264, la valeur par défaut qui est la meilleure à choisir. Dans la plupart des cas, lorsque vous cliquez sur H.264, qui est un codec vidéo MP4, ce qui est extrêmement efficace. Il produit donc des fichiers de très haute qualité, mais la taille du fichier est en fait assez petite. Ici, nous pouvons choisir le type de format de fichier que nous voulons. Je peux donc créer un gif point. À partir d'ici. Je peux également créer un fichier AVI. Je peux simplement choisir MP4, qui sera également assez grand. Je peux choisir QuickTime, une séquence PNG, un Blu-ray H.264 et le format de fichier qui remplacera le H.264 dans quelques années. H.265, qui est encore plus petit et qualitativement correct que le H.264, mais il n'est pas aussi universellement adopté que le H264. H264 est en fait toujours la norme, le préréglage que vous pouvez laisser à la source. Voilà, cela correspond aux paramètres de la composition. Ce n'est donc pas quelque chose que vous devez entrer ici où il est dit vidéo, nous pouvons en fait choisir une largeur et une hauteur différentes pour notre vidéo si nous le voulons, mais cela va être recadré à l'écran. Cela va donc déformer la séquence, ce qui n'est pas quelque chose que vous voulez. Vous pouvez modifier la fréquence d'images du rendu par défaut, elle est définie sur la fréquence d'images de la composition, qui est définie sur 60. Il y a une petite case à cocher ici que vous pouvez activer pour utiliser profondeur de rendu maximale ou la qualité de rendu, vous pouvez l'activer, mais il n'y aura pas de différence visuelle. Il faudrait vraiment regarder les pixels pour voir une différence significative. Et ce n'est pas quelque chose que la plupart des gens font lorsqu'ils consomment du contenu vidéo. Ce n'est donc pas quelque chose que tu dois faire. Ce sont essentiellement tous les paramètres que nous devons examiner. Voici un aperçu de notre vidéo. Nous voyons une estimation de la taille du fichier en bas. Cela va donc faire 12 mégaoctets. Je vais donc simplement cliquer sur OK pour fermer cette boîte de dialogue. Ensuite, nous pouvons choisir l'emplacement de nos exportations. Je vais juste cliquer dessus et le mettre sur le bureau. Et je vais le rendre en tant que 10.8 Media Encoder, puis cliquer sur Enregistrer. Ensuite, je vais cliquer sur le bouton Render ici, ce bouton Play, et cela va créer le rendu réel. Cela va donc créer le fichier vidéo. Nous allons donc simplement attendre que cela soit terminé. Nous n' entendons pas vraiment le petit carillon que nous avons entendu dans Media Encoder, mais ce n'est pas grave. Nous pouvons, nous pouvons vivre sans elle. Je vais donc aller sur mon bureau et ensuite j'ai ce fichier vidéo ici, qui ne fait que neuf mégaoctets par rapport au fichier vidéo précédent, qui était de 3,5 gigaoctets. Donc, si vous mettez ces vidéos côte à côte, vous ne pourrez pas faire la différence. Je vous garantis que vous ne serez pas en mesure de distinguer visuellement les vidéos les unes des autres. Même si celui-ci est beaucoup plus petit, la qualité est exactement la même. Il s'agit simplement d'une méthode différente, d'une méthode différente d' encodage des vidéos. Il est donc juste dans une boîte différente, qui est beaucoup plus petite que l'autre boîte, qui serait Avi, alors que Media Encoder est ce que nous utilisons pour créer notre vidéo réelle. Et vous y arrivez en allant dans le menu Fichier, puis en choisissant Exporter et ajouter à la file d'attente Adobe Media Encoder. 93. 10.9-Régler la couleur de fond: Avant de terminer le cours, je voulais simplement souligner un élément inhérent à Media Encoder lorsque vous commencez à effectuer le rendu d'une vidéo avec un arrière-plan transparent ou des éléments transparents sur votre vidéo. Pour le démontrer, ici dans la composition 10.9 Media Encoder, je vais simplement masquer le calque d'arrière-plan. Et vous remarquerez que la composition est en fait définie sur un fond blanc. Donc, si j'appuie sur Ctrl K pour les paramètres de composition, vous verrez que la couleur d'arrière-plan est définie sur blanc. Maintenant, regardez ce qui se passe lorsque je vais dans Media Encoder et que je restitue réellement cette animation. Je vais simplement aller dans Fichier, puis Exporter et l'ajouter à Media Encoder Queue. Cela me ramène à Media Encoder. Ensuite, je peux choisir l'emplacement d'exportation ici. Et ce sera à nouveau le bureau. Eh bien, en fait, si je peux vraiment aller au pour choisir le fichier. Ouais. OK. Je vais juste choisir celui-ci et appuyer sur Entrée. Fermez tout ça. En fait, j'ouvre les précédents, donc je dois choisir l'emplacement du fichier ici. Je vais donc simplement l'exporter à nouveau sur le bureau, et je vais simplement nommer ce tiret Media Encoder pour noter que cet élément a un arrière-plan transparent. Je vais donc choisir une couleur de fond blanche. Ensuite, je vais simplement démarrer la file d'attente en cliquant sur le bouton ici. Et ce que vous verrez, c'est que Media Encoder remplit la transparence de noir. Il ignore donc la couleur de fond de la composition et la remplit simplement de noir, ce qui n'est pas quelque chose que vous souhaitez généralement. Il se peut que vous vouliez qu'il soit noir, mais je veux vous montrer comment obtenir autre chose que du noir. Si vous voulez autre chose que du noir , vous devez simplement vous assurer qu'aucun calque n'est sélectionné , puis double-cliquez sur l'un des outils de forme. L'outil Rectangle de préférence. Et cela va me donner un calque de forme que je peux déplacer vers le bas de la pile de calques, puis donner un nom différent en appuyant sur Entrée et Entrée uniquement BG pour l'arrière-plan. Et je vais m'assurer que ce calque est verrouillé afin de ne pas le modifier plus tard. Maintenant, il a un fond bleu. Si je veux changer cela en blanc, disons, je vais juste aller ici où il est écrit Remplir et verrouiller à nouveau le calque, puis revenir à la file d'attente Media Encoder. Je vais donc aller dans File Export Media Encoder Queue. Et je vais simplement retourner sur le bureau et le rendre en tant que Media Encoder trois. Cliquez ensuite sur Démarrer la file d'attente. Et maintenant, il va en fait être rendu avec un fond blanc parce que j'ai ajouté cet arrière-plan moi-même. Donc si vous avez de la transparence dans votre composition et que vous ne voulez pas qu'elle soit remplie de noir. C'est ainsi que vous résoudriez ce problème particulier. Problème, il suffit de mettre votre propre arrière-plan, lui donner une couleur, puis de le verrouiller pour ne pas l'influencer accidentellement plus tard. 94. 10.10-Outro: Et avec cela, nous sommes arrivés à la fin de ce neuf parcours. J'espère qu'au cours des 90 dernières vidéos, j'ai réussi à vous montrer ce que vous vouliez apprendre sur After Effects et que j'ai répondu à vos attentes , voire les ai dépassées. Si vous avez des commentaires sur le cours, ou si vous souhaitez partager votre propre travail ou regarder certains des miens, vous pouvez soit me suivre et me contacter sur Instagram à Martin from vagal, soit vous Vous pouvez m' envoyer un e-mail directement à info at easy dash 123 et l. N'hésitez pas à me contacter à tout moment pour toute question concernant le cours ou les commentaires que vous pourriez rechercher. Comme je suis toujours intéressé à m' engager avec mes étudiants. Je vous remercie donc beaucoup de votre attention. J'apprécie vraiment. Et si vous êtes arrivé jusqu'ici, dites-moi ce que vous avez pensé du cours.