Adobe After Effects CC - Formation aux fondamentaux

1. Introduction: Bonjour, je suis Daniel Walter Scott, et j'ai fait équipe avec le brillant motion designer Kyle Hamrick pour ce cours After Effects Essentials Ensemble, nous avons créé le meilleur cours After Effects au monde. Tu vas adorer. Êtes-vous prêt à faire quelque chose totalement différent de ce monde ? Eh bien, c'est une bonne nouvelle, car After Effects rend cela possible. Mais ne t'inquiète pas. Ce n'est pas de la science des fusées. Ce sont des animations graphiques, ce qui est peut-être encore plus cool. Salut, voilà. Je suis Kyle Hamrick, concepteur de mouvements, monteur vidéo, créateur de contenu et formateur de longue date monteur vidéo, créateur de contenu et formateur J'utilise After Effects plus de 20 ans pour créer du contenu pour de gros clients, petits clients et uniquement pour moi-même. J'adore créer avec After Effects, et j'aime aussi aider les autres à aimer ça. Ce cours s'adresse aux personnes qui découvrent After Effects et les animations graphiques. Nous allons commencer par le tout début et suivre le processus étape par étape. Dans ce cours, je vais vous aider à vous familiariser avec l'interface utilisateur d' After Effects et les outils et flux de travail essentiels qu'il contient. Mais surtout, nous expliquerons également pourquoi vous cliquez sur quoi vous cliquez, vous aider à comprendre les principes fondamentaux de l' animation graphique et à animation graphique et temps en tant qu'élément de votre boîte à outils de création, afin de créer des projets multimédias à fois efficaces et attrayants pour votre public Comme je l'ai dit, je vais vous guider étape par étape à travers tout, et nous vous avons fourni des ressources et des liens afin que vous puissiez créer vos propres projets avec moi. Vous pourrez utiliser ce que nous avons fourni ou vous pourrez trouver ou créer vos propres éléments pour donner touche unique à chaque projet. Si vous êtes déjà habitué à concevoir Adobe Photoshop ou Illustrator, je vais vous montrer comment structurer correctement vos designs pour animation et comment les importer facilement dans After Effects. Si vous avez déjà travaillé avec la vidéo, After Effects s'intègre parfaitement à Adobe Premiere. J'aborderai également cette fonctionnalité plus tard. J'espère donc que vous avez hâte de découvrir si vous n'avez jamais ouvert After Effects avant aujourd'hui, ou si vous l'avez essayé et vous vous êtes senti un peu dépassé. Quoi qu'il en soit, je suis là pour vous aider à vous sentir aise et à vous sentir en confiance ici afin que vous puissiez créer des projets animés qui attireront l'attention des gens et ouvriront un tout nouvel univers de possibilités pour votre travail. Alors attachez votre ceinture. Nous sommes autorisés à décoller de manière créative dans trois, deux, 2. Commencer dans After Effects: Tout d'abord, bienvenue au cours. Je suis ravie que vous soyez prête à apprendre toutes ces nouvelles choses intéressantes, et j'ai hâte de vous guider dans ce voyage. Tout d'abord, assurez-vous qu' Adobe After Effects est installé sur votre système. Ce cours est conçu pour être suivi de près, vous n'irez donc pas trop loin sans lui. Vous n'avez pas besoin d' installer d'autres applications Adobe pour suivre ce cours, mais les projets de classe vous offrent plusieurs possibilités travailler sur vos propres designs si vous le souhaitez. Donc, si vous voulez en profiter, vous devrez évidemment utiliser une application appropriée pour le faire. After Effects s'intègre parfaitement à Adobe Photoshop et Illustrator , ainsi qu'à Adobe Premiere. Et je recommande d' en installer au moins certains si vous prévoyez de travailler beaucoup sur After Effects au-delà de ce cours. D'autres applications peuvent également être utiles en fonction du type de projet que vous réalisez. Pour vous aider à réussir, nous avons inclus de nombreux fichiers de projet que vous me verrez utiliser pendant les leçons. Vous recevrez également mes exemples complets et plusieurs ressources que vous pourrez utiliser pour vous entraîner et pour réaliser vos propres projets de classe. Les fichiers seront téléchargés sur votre machine sous forme de fichier ZIP, que vous devrez décompresser avant de pouvoir les utiliser. Une remarque très importante à propos de ces fichiers téléchargés. Vous pouvez placer ces fichiers où vous le souhaitez sur votre propre machine, mais vous devez absolument tout conserver ensemble. Ne divisez pas les éléments et ne modifiez du tout la structure des dossiers , car vous risquez de perturber certains liens entre les fichiers. Tous les fichiers utilisés dans un projet After Effects sont simplement des liens vers ces fichiers sur le disque dur de votre ordinateur. Ainsi, si vous les déplacez, changez leur nom ou tout autre élément susceptible de modifier ce lien, After Effects ne saura pas où se trouve ce fichier et il sera remplacé par ces barres de couleur. Si cela vous arrive ou si vous devez télécharger éléments de projet que je ne pourrais peut-être pas inclure directement pour des raisons de licence, laissez-moi vous montrer comment y remédier. Si vous ouvrez un projet et que vous recevez ce message indiquant que des fichiers sont manquants, vous devrez les relier à nouveau avant de pouvoir commencer à travailler. Il suffit donc d'appuyer sur OK. Vous verrez probablement cette version délirante de votre animation sous forme de barre de couleur que vous vous attendez à voir. Et ici, dans le panneau de votre projet, vous verrez des ressources avec l'icône de la barre de couleur. Cela signifie qu'ils sont absents. Ce que vous devez faire est de sélectionner l'un de vos actifs, de cliquer avec le bouton droit de la souris et de choisir Remplacer le fichier de métrage. Il ne vous reste plus qu'à naviguer jusqu'à l'endroit de votre disque dur où se trouve ce fichier. Dites-lui quel fichier vous voulez et choisissez Importer. Si d'autres fichiers sont absents du même projet au même endroit, After Effects les trouvera et les reliera pour vous . S'ils ne sont pas regroupés de cette manière, vous devrez peut-être répéter ce processus pour chaque élément. Je tiens également à souligner que je enregistre avec After Effects 2026, mais presque tout ce que je couvre devrait être disponible au moins dans les quelques versions précédentes Si vous utilisez une version beaucoup plus ancienne, félicitations pour avoir conservé cet objet de collection, mais il se peut que vous rencontriez quelques endroits où l'interface utilisateur ou les fonctionnalités ont légèrement changé Sachez également qu' After Effects peut être une application exigeante. Et si vous avez une machine plus ancienne ou conçue pour un flux de travail de conception plus statique, votre système peut parfois rencontrer des difficultés. manière générale, vous avez besoin d'un processeur décent et relativement moderne, d'une quantité de RAM décente, d' un espace approprié sur un disque dur rapide et, idéalement, d'une carte vidéo dédiée. Plus tard, je vous donnerai quelques conseils sur la façon de maximiser tout ce avec quoi vous travaillez. Mais comme la définition du terme décent change constamment en ce qui concerne le matériel informatique, vous pouvez trouver sur le site d'Adobe des recommandations pour les spécifications système appropriées et actuelles. Celles-ci évoluent évidemment au fil du temps, ce qui peut être un bon point de départ. Vous constaterez généralement que plus vos projets sont complexes, plus votre machine devra probablement travailler dur. Si vous utilisez un grand nombre de couches, créez quelque chose en très haute résolution, utilisez des fichiers vidéo volumineux ou si vous travaillez avec des fonctionnalités en trois dimensions, vous pourriez commencer à ressentir ces limites sur les anciennes machines. Comme je l'ai dit il y a une minute, je suis très heureuse d'être votre guide alors que vous commencez votre voyage avec After Effects. J'adore cette application, et je l'utilise presque tous les jours depuis plus de 20 ans pour créer des œuvres pour des clients du monde entier et pour des projets créatifs personnels. Je le vois comme un immense terrain de jeu créatif où presque tout est possible. Certaines parties de cette application nécessiteront, bien entendu, un peu d'apprentissage. Mais si vous débutez également dans le domaine de l'animation, gardez à l'esprit qu'il ne s'agit pas uniquement d'un logiciel Vous apprenez une toute nouvelle façon de penser. Soyez donc patient avec vous-même et soyez prêt à apprendre, et je vous promets que vous créerez nouvelles choses incroyables avant même de vous en rendre compte. 3. Aperçu de After Effects: Avant de passer aux leçons, je voudrais vous donner un bref aperçu de ce qu'est After Effects et de ce que vous pouvez en faire. La réponse à ces deux questions est beaucoup. Vous trouverez souvent une description telle qu' After Effects est le logiciel standard du secteur pour les animations graphiques, les effets visuels et la composition numérique OK, mais qu'est-ce que cela signifie ? After Effects vous permet de combiner des images, de la vidéo , du son, deux D, trois D, des éléments numériques et des éléments du monde réel. Mais l'essentiel est que cela vous permet d' animer ces éléments au fil du temps. Bien que cela ne soit pas obligatoire, peu près tout ce que vous allez créer dans After Effects bougera, changera ou évoluera probablement d'une manière ou d'une autre. Et cela en soi peut être une nouvelle façon de penser pour vous. Voici une liste très incomplète des types de projets que vous pourriez utiliser After Effects pour créer. Publicités sur les réseaux sociaux. Vidéos expliquant un produit ou un service. La séquence de titre d'un film ou d'une émission de télévision, la typographie animée, l'animation de personnages, suppression d'un logo ou d'un élément d'arrière-plan indésirable d'une vidéo Création d'arrière-plans animés pour une performance ou un événement sportif, placement d'une personne dans un environnement virtuel. Création de maquettes animées pour le développement d'applications, attribution de super pouvoirs à une personne et utilisation de l'automatisation pour créer des centaines de versions personnalisées d'un After Effects est en quelque sorte une combinaison de plusieurs applications de design numérique que vous avez peut-être utilisées auparavant avec de nombreuses fonctionnalités issues d'une suite de montage vidéo et de post-production, et c'est probablement la moitié de ce qu'il fait. Vous pouvez créer 100 % d' un projet directement dans After Effects, ou il peut s'agir uniquement d'un endroit où vous assemblez des pièces que vous avez créées dans d'autres applications. Comme il fait partie de la suite Adobe, vous constaterez qu' After Effects s' intègre bien à de nombreuses autres applications, et vous devez absolument continuer à utiliser ces applications pour ce pour quoi elles sont douées et vous devez absolument continuer à , surtout si vous êtes déjà à l' aise avec elles. Si vous découpez des photos ou faites la peinture numérique, faites-le dans Photoshop. Créez de magnifiques illustrations vectorielles dans Illustrator et modifiez vos vidéos dans Premiere. Ensuite, After Effects est peut-être l'endroit où vous pouvez combiner tous ces éléments dans un seul projet cohérent Mais écoutez, vous n'avez pas besoin d'être bouleversé ici. After Effects est peut-être un couteau suisse, mais cela ne signifie pas que vous devez vous soucier de chaque outil immédiatement. Je parie que 10 % du programme est probablement ce que vous finirez par utiliser pour environ 90 % du travail que vous faites ici. Et puis il existe plusieurs outils spécialisés que vous pouvez utiliser tous les jours ou jamais, selon ce que vous fabriquez. Ce cours est conçu pour vous aider à vous familiariser avec les fonctions de base et les concepts sous-jacents à ces fonctions , puis pour vous présenter le vaste éventail des possibilités offertes par After Effects, qu' il s'agisse de vous aider à trouver des moyens d'étendre le travail que vous faites déjà ou de vous aider à découvrir un tout nouveau domaine de possibilités créatives. Commençons. 4. Votre fiche de design: En plus des leçons, des projets vous seront également confiés qui vous permettront de mettre en pratique vos nouvelles connaissances. Pour nous assurer de ne pas nous retrouver avec une tonne d' animations identiques, nous avons créé ce générateur de projets aléatoires, qui vous fournira un brief créatif unique vous pourrez utiliser comme point de départ. Il vous suffit de trouver le nom de ce cours, After Effects Essentials, de cliquer dessus, et il ne vous reste plus qu' à répondre une question. Quelle est ta couleur préférée ? Je vais taper en rouge et cliquer simplement sur Générer mon projet. Et boum, c'est aussi simple que cela. Vous recevrez un brief créatif, comme celui-ci. Vos coordonnées seront cependant un peu différentes des miennes. Examinons cela et voyons à quoi nous avons affaire. On nous a donc demandé de créer matériel promotionnel animé pour Sagitta Star Lines Félicitations. Vous avez été choisi comme motion designer pour Sajoa Starlines . Quel honneur ! Une marque de tourisme spatial de premier plan s'apprête à faire la promotion d'une nouvelle offre de voyage pour Jupiter, le géant des gaz orageux L'entreprise est spécialisée dans les voyages orbitaux de luxe et les excursions interplanétaires Ça a l'air marrant. Votre objectif est d'utiliser After Effects pour créer des ressources multimédias centrées sur la couleur rouge emblématique de la marque Il vous sera demandé de produire divers actifs numériques tels que des animations, des vidéos, des scènes d'effets visuels composites, des infographies animées et d'autres supports marketing Vous pensez pouvoir les préparer à temps pour le grand lancement ? Je suis très heureuse de commencer, mais si pour une raison ou une autre vous n'aimez pas ce que vous avez, vous pouvez cliquer sur ce bouton de réessayer ici Mais je vous préviens que si vous réessayez trop de fois, disons trois ou trois fois, de mauvaises choses risquent de se produire Cela provoquera-t-il la fin de l' univers ? Peut-être, peut-être pas. Mais je ne testerais pas ça à ta place. Si vous êtes satisfait de votre brief, il vous suffit de cliquer ici pour le télécharger sous forme de P et G, et vous pourrez désormais facilement y faire référence lorsque vous travaillerez sur vos projets plus tard dans le cours. Je vous encourage vivement à faire preuve de créativité et à donner votre propre touche à chacun des projets, mais ce brief unique vous donnera un excellent point de départ. Bonne chance 5. Naviguer dans l'interface: Cette section est juste destinée à être une visite guidée d' After Effects et de certaines fonctionnalités de base. Vous pouvez donc tout à fait regarder ces prochaines leçons et être prêt à partir. Mais je sais que certains d'entre vous aiment apprendre avec leurs mains, donc vous êtes libres de suivre si vous le souhaitez. Je n'expliquerai évidemment pas chaque bouton dès le départ. Donc, si vous cassez quelque chose, ne vous inquiétez pas, nous y reviendrons plus tard. Et tant que vous n' économisez rien, vous ne pouvez vraiment pas faire trop de dégâts ici de toute façon. Lorsque vous ouvrez After Effects, cet écran d'accueil s'affiche. Et si vous avez des projets que vous avez déjà ouverts, vous les verrez répertoriés ici. Agréable et pratique. Avant d'ouvrir ce projet, je tiens à attirer votre attention sur cet onglet d'apprentissage ici. Si vous cliquez dessus, vous aurez accès aux didacticiels disponibles auprès d'Adobe, soit sur leur site Web, soit directement dans l'application. Cela peut donc être un excellent moyen de compléter certaines des choses que je vous enseigne, ou cela peut être une bonne petite pause si vous en avez assez de ma voix. J'ai un projet que j'ai préparé spécifiquement pour faire un petit tour d'horizon de cette application Je vais donc venir ici pour ouvrir projet et choisir ce projet, qui s'appelle Welcome to AE. Et ouvert. La première chose que je tiens à souligner est cette barre en haut à droite. Voici les espaces de travail. Je travaille actuellement dans l'espace de travail par défaut. Si vous êtes sur autre chose, vous pouvez simplement cliquer sur le nom pour choisir celui-ci. Dans l'ensemble, je pense que vous constaterez que cette interface utilisateur est en fait un peu plus familière que ce à quoi vous vous attendiez. Et il y a plusieurs fonctionnalités ici qui ne sont pas différentes des autres Adobeaps si vous y êtes déjà habitué Nous allons commencer ici, sur le côté gauche, dans ce que l' on appelle le panneau de projet. Bref, c'est ici que vous placez vos affaires pour pouvoir les utiliser. Une fois que vous avez créé des compositions, c'est-à-dire les éléments dans lesquels vous travaillez , elles vivent ici. Et lorsque vous importez des éléments tels que des images ou des fichiers vidéo, ils se trouvent également ici. Vous pouvez également voir que j'ai la capacité d' organiser ces ressources, et lorsque vous sélectionnez quelque chose, vous obtiendrez des informations à ce sujet ici dans cette petite zone miniature Cette zone principale au centre est notre visionneur, particulier le visualiseur de compositions, car il en existe d'autres. Bref, c'est ici que vous examinez les éléments que vous créez, soit en les considérant comme des designs, soit en les prévisualisant sous forme d'animation . Vous pouvez sélectionner et manipuler des couches directement ici. Encore une fois, comme dans les applications de design où vous pouvez simplement faire glisser des objets. Je vais juste annuler ça. Et l'une des choses les plus importantes sur lesquelles je veux attirer votre attention est cette petite zone dans le coin inférieur gauche. Maintenant, After Effects est un programme basé sur les pixels. Donc, si je clique ici et que je modifie le grossissement, cela aura évidemment un impact sur ce à quoi cela ressemble Si je choisis un nombre plus petit, je vais être zoomé complètement, n'est-ce pas ? Et si je choisis un nombre beaucoup plus grand exemple 800 %, je suis bien zoomé Et comme ce sont des pixels, bien sûr, ça a l'air mauvais, non ? Parce que je suis zoomé à 800 %. Donc, si jamais vous vous approchez de trop près, si vous vous perdez ou si vous vous demandez pourquoi les choses semblent de mauvaise qualité, c'est probablement un bon endroit pour vérifier. Je vais laisser cet ensemble s'adapter à 100 %, afin qu'il s'adapte toujours à afin qu'il s'adapte toujours l' espace disponible que je lui donne, mais il ne dépassera pas 100 % à moins que je ne le lui demande. Juste à côté, vous verrez une autre liste déroulante. Il s'agit de votre qualité ou de votre résolution, car After Effects peut devenir un peu lourd lorsque vous commencez à avoir de nombreuses couches et de nombreux effets. Cela vous donne donc la possibilité de réduire temporairement la résolution afin ne pas avoir à attendre trop longtemps pour les aperçus heure actuelle, je l'ai réglé sur complet, donc il m'affiche chaque pixel, en pleine résolution. Mais disons que je travaille sur quelque chose et je n'ai pas besoin de voir chaque détail, je me concentre simplement davantage sur le mouvement. Cela pourrait en fait le ramener à quelque chose de inférieur, comme un trimestre. Je vais maintenant pouvoir travailler et prévisualiser beaucoup plus rapidement, mais avec une résolution inférieure. Il n'exportera pas votre animation de cette façon. C'est juste pour la prévisualisation. Mais encore une fois, si vous regardez votre audience et que vous vous demandez pourquoi les choses ne se présentent pas tout à fait comme vous le souhaitez, c'est un bon endroit pour vérifier. Je recommande de laisser celui-ci en mode automatique. De cette façon, il gardera toujours la résolution adaptée au grossissement que vous avez défini En bas se trouve notre chronologie, et c'est là que vous effectuerez la majeure partie de votre travail. La chronologie correspond aux couches et au temps. Nous avons donc des couches d'éléments ici, à la fois des éléments importés et des éléments que nous avons créés, et ils sont empilés de haut en bas, comme dans les applications de conception Ensuite, à droite de celui-ci, nous avons une chronologie. Celui-ci dure 8 secondes, comme vous pouvez le voir ici. Et au fur et à mesure que vous vous déplacez dans le temps, différentes couches peuvent apparaître ou disparaître, se déplacer ou changer d'une autre manière. Revenons ici à environ 1 seconde où j'ai placé ce marqueur, et nous pourrons voir comment cela fonctionne. J'ai ici ces trois planètes de différentes couleurs, et si je prends la violette et que je la déplace sur la rouge, l'impression qu'elle est au-dessus, parce que dans la pile de couches, elle l'est. Déplaçons ce bleu ici et jetons un coup d'œil. C'est en bas parce que c'est en dessous des deux. Mais si je devais prendre cette couche dans la pile de couches et la faire glisser au-dessus des deux autres, elle semble maintenant être au-dessus parce qu'elle se trouve au-dessus d' eux dans la pile de couches. Défaisons. Dans cette chronologie, différentes choses peuvent exister ou être visibles à différents moments. Vous verrez que toutes ces planètes sont coupées de manière à ce qu'elles n' existent pas avant 1 seconde Ensuite, chacun d'entre eux a son point de départ découpé afin qu'ils disparaissent à un moment légèrement différent Ici, au début de ma chronologie, aucune d'entre elles n'est encore visible, et puis pouf, toutes en même temps. Et puis un, deux, trois, ils disparaissent. Au fur et à mesure que je progresse dans le temps, d'autres couches disparaîtront, puis, éventuellement, certaines animations. Le dernier panneau principal que nous allons examiner s'appelle le panneau Propriétés , sur le côté droit. Ce qui s' affiche ici dépend de ce que vous avez sélectionné, car c'est contextuel Si je sélectionne cette couche vidéo, elle me montre que la couche se transforme, ce qui me permet d'ajuster la position, l'échelle, etc. Mais si je sélectionne cette couche de texte, elle m'indique également toutes les propriétés de texte que je peux ajuster. Ou si je sélectionne cette forme, elle m'indique toutes sortes de propriétés que je peux ajuster ou animer pour cette forme After Effects peut également gérer trois couches en D, y compris trois modèles 3D réels. Celui-ci possède donc plusieurs propriétés supplémentaires, y compris une troisième dimension sur les transformations, puis des options supplémentaires pour des éléments tels que l'éclairage, les ombres et même les matériaux. After Effects contient de nombreux autres panneaux, et nous aborderons plusieurs d' entre eux plus tard dans le cours. abord, je vais profiter de ce temps pour personnaliser un peu mon espace de travail afin de simplifier les choses pour les prochaines leçons. Je vais désélectionner cette couche pour que vous puissiez remarquer que nous avons en fait plusieurs autres panneaux ici disposés dans cette pile pliable. Et j'aime bien ça. Vous pouvez cliquer sur n'importe lequel d'entre eux, et cela expose ce panneau Cliquez à nouveau dessus pour le fermer. Mais en fait, nous n'en avons pas besoin pour nos leçons, alors je vais juste les cacher pour que les choses soient un peu plus propres. Si vous trouvez le petit menu à trois barres ou le menu hamburger, si vous avez faim, vous pouvez cliquer ici et choisir Fermer le panneau Au revoir, audio, une ligne est pratique, mais nous n'en avons pas vraiment besoin pour le moment non plus, alors au revoir. Et nous regarderons l'aperçu plus tard. Mais pour l'instant, je vais juste fermer celui-ci aussi. Maintenant, j'ai juste des propriétés, des effets et des préréglages. Avec seulement deux panneaux ici, personnellement, je n'aime pas la disposition d'empilage, et si vous n'aimez pas l'un ou l'autre, voici comment vous pouvez changer cela Revenez à ce menu Hamburger et regardez sous les paramètres du groupe de panneaux Si vous ne voulez pas qu'ils soient empilés, décochez simplement le groupe de panneaux empilés C'est logique, non ? Allons-y. Je voudrais que ce soit un peu plus large pour pouvoir simplement faire glisser ce séparateur ici Parfait Maintenant, ils partagent toujours cet espace, mais avec des onglets cliquables comme celui-ci Si cela ne vous plaît pas, vous êtes libre de les laisser empilés Nous effectuerons quelques autres personnalisations mineures au fur et à mesure, et vous êtes toujours libre d'utiliser la mise en page qui convient le mieux à votre écran et à votre Cependant, je recommanderais de garder le vôtre assez similaire au mien, juste pour faciliter le suivi. Si vous souhaitez enregistrer une disposition d'espace de travail, vous pouvez accéder à Window Workspace. Ici, vous pouvez réinitialiser l'espace de travail actuel, enregistrer les modifications que vous avez apportées à celui-ci, bien que je ne recommande pas d'enregistrer par rapport à l'espace de travail par défaut, ou vous pouvez enregistrer cette mise en page un nouveau nom qui vous convient. Dans les prochaines vidéos, vous remarquerez peut-être que j'ai plusieurs espaces de travail personnalisés dans ma liste, ce qui peut être très utile pour différents types de projets utilisant plusieurs moniteurs ou simplement selon vos préférences personnelles 6. Comprendre les compositions et les projets: I Tout ce que vous créez dans After Effects sera intégré à une composition. Les compositions font partie du projet After Effects. Donc, si vous considérez un projet After Effects comme un magazine, une composition est une page. Vous pouvez avoir plusieurs compositions au sein d'un même projet, mais vous pouvez également en avoir une ou littéralement des centaines. Vous pouvez créer des compositions à partir de zéro, puis vous devrez prendre des décisions pour déterminer la taille, la durée et d'autres spécificités de cette composition. Vous pouvez également créer des compositions à partir de ressources importées, et celles-ci hériteront simplement des propriétés telles que la taille du cadre de cette ressource Vous pouvez même imbriquer des compositions dans d'autres compositions. C'est ce qu'on appelle des pré-compositions. Si je devais prendre celui-ci nommé Transform et le déposer dans mon visualiseur, il a maintenant été ajouté à la pile de couches comme n'importe quelle autre couche. Mais si vous regardez ici, il y a une icône de composition. Je peux le manipuler, le déplacer, le traiter comme n' importe quelle autre couche. Mais je peux double-cliquer dessus, et maintenant je peux voir toutes les couches à l'intérieur qui constituent cette composition elle-même. Cela peut être un moyen très utile d'organiser les choses, ou parfois vous devez le faire par nécessité. Conceptuellement, ils sont similaires au regroupement ou aux symboles dans Illustrator ou aux composants dans Figma, où vous pouvez créer des éléments réutilisables que vous pouvez utiliser plusieurs fois au cours de votre projet Nous en profiterons dans certaines de nos prochaines leçons. 7. Propriétés de transformation: Chaque calque visible dans After Effects comporte des transformations de calque qui vous permettent modifier la position, la taille, etc. Que vous choisissiez de les modifier directement dans le visualiseur, dans le panneau des propriétés ou en bas dans la chronologie, où vous pouvez y accéder en faisant tourner le calque de cette façon, ces chiffres expriment ces valeurs par rapport à la composition ou par rapport au calque position, par exemple, indique où se trouve la couche par rapport au système de coordonnées de ces compositions. La première valeur est X horizontal, et la seconde est Y, verticale. Vous pouvez faire glisser des couches dans la visionneuse, ou vous pouvez également cliquer et faire glisser le pointeur sur une valeur. Cela peut être très pratique si vous ne voulez vous déplacer que dans une seule direction, par exemple. échelle exprime la taille d'une couche en pourcentage par rapport à sa taille par défaut. Donc, si je veux que ce soit la moitié de la taille, je pourrais faire baisser cette valeur à 50 %. L'échelle est liée par défaut, mais vous pouvez la dissocier en cliquant sur cette petite icône en forme de chaîne Vous pouvez désormais les redimensionner de manière non proportionnelle. Je vais annuler. Comme il s'agit d'un programme basé sur les pixels, si vous redimensionnez une couche à plus de 100 %, vous commencerez à constater une perte de qualité cause, encore une fois, des pixels, n'est-ce pas ? Comme il s'agit d'un programme d'animation, la rotation est exprimée en deux valeurs. Vous avez à la fois des rotations complètes, puis des degrés. Si je clique dessus et que je le fais glisser, vous verrez qu'il passe en degrés positifs. Une fois que j'ai atteint 360 degrés, il clique sur une rotation et zéro degré, puis il remonte à zéro. Finalement, j'arrive à deux rotations complètes et je me réinitialise à nouveau. Le point d'ancrage est un peu plus facile à expliquer une fois que vous comprenez les trois autres , car le point d'ancrage est en fait le point autour duquel se produisent la position, l' échelle et la rotation. Et une fois que vous êtes en train d'animer ces valeurs, c'est très important Regardez ce petit réticule au milieu de ma couche, c'est le point d'ancrage autour duquel il tourne et s'écaille. Mais si je le déplaçais ici ? Maintenant, lorsque je fais pivoter la couche, c'est le point autour duquel elle pivote Et si je redimensionne la couche, c'est à partir de là qu'elle est redimensionnée. Voyez la différence que cela pourrait faire une fois que je commencerai à animer. Enfin, nous avons l'opacité, c' est-à-dire le degré d'opacité ou de transparence de cette couche Chacune de ces propriétés possède un raccourci clavier, comme vous pouvez le voir ici, A indique point d' ancrage, P pour la position, pour l'échelle, R pour la rotation et T pour opasa. Si vous voulez en voir plusieurs à la fois, vous pouvez simplement maintenir la touche Shift enfoncée, puis appuyer sur cette lettre pour afficher une autre propriété En ce moment, j'ai de l'opacité. Je peux maintenir la touche Shift enfoncée et appuyer sur P pour révéler la position. Maintenez la touche Shift enfoncée et appuyez sur R pour voir également la rotation. Pour masquer l'un d'entre eux, faites de même. Maintenez la touche Shift enfoncée et appuyez sur T, maintenant l'opacité est masquée Les propriétés existent toujours. Ils ne sont tout simplement pas révélés pour le moment. Au fur et à mesure que vous commencez à traiter de plus en plus de couches, l'espace vertical devient très précieux ici Il est donc bon de pouvoir sélectionner ce qui est actuellement visible. 8. Animer avec les images-clés de rotation: images-clés sont un concept fondamental de l'animation par ordinateur. J'aime les considérer comme détenant une valeur spécifique à un moment précis. Une fois que vous avez créé deux valeurs différentes à deux moments différents, animation se produit entre les deux. Prenons cette couche planétaire et déplaçons-la ici. Je vais accéder à mon panneau de propriétés, et juste à côté de la position du mot, il y a cette petite icône de chronomètre Lorsque je clique dessus, cela active l'animation pour cette propriété. After Effects m' écoute maintenant pour lui donner une autre valeur. Je vais revenir à ma chronologie et remarquer que c'est elle qui a créé cette petite forme de diamant. C'est une image-clé. Il détient cette valeur de position spécifique à ce moment précis, zéro, dans ce cas. Et si je clique et fais glisser ce curseur horaire bleu, il est appelé CTI ou indicateur de temps actuel, et je le fais glisser jusqu' à 2 secondes. Maintenant, dans le visualiseur, faisons glisser cette planète ailleurs pour lui attribuer une valeur de position différente. Remarquez comment After Effects a créé une deuxième image-clé plus bas dans la chronologie Maintenant, j'ai deux valeurs différentes à deux moments différents. Si je ramène mon CTI au début, vous verrez qu'il s' agit d'une animation en mouvement J'ai réajouté le panneau d'aperçu pour cette leçon, juste pour souligner qu'il possède un bouton de lecture que vous pouvez utiliser pour déclencher des aperçus Mais il existe un moyen bien plus pratique de le faire. Appuyez simplement sur la barre d'espace. Je vais donc appuyer sur la barre d'espace pour faire un aperçu, et nous verrons que la planète se déplace pendant ces 2 premières secondes, puis rien d'autre ne se passe car il n'y a aucune autre valeur vers laquelle elle peut se déplacer après l'image-clé au bout de 2 Une fois la chronologie atteinte, elle revient au début et s'affiche à nouveau jusqu'à ce que j'appuie sur la barre d'espace pour l'arrêter Si je souhaite modifier quelque chose à propos de cette animation, je peux soit modifier l'une de ces valeurs, soit l'heure à laquelle elle se produit. Revenons à cette deuxième image-clé au 2 secondes et modifions sa valeur de position Je peux à nouveau simplement saisir la couche dans le visualiseur et la déplacer ici. Maintenant, mon animation ressemblera davantage à ceci. Ou je peux modifier l'heure à laquelle cette valeur apparaît. Si je fais glisser l'image-clé vers le haut, même animation va maintenant se produire très rapidement Ou je peux saisir la deuxième image-clé et la faire glisser jusqu'à la fin de la chronologie Maintenant, l'animation se déroule beaucoup plus lentement. Bien sûr, ce n'est pas très excitant, alors peut-être pourrions-nous ajouter d'autres arrêts en cours de route. N'oubliez pas que cette propriété ne fait qu' écouter les nouvelles valeurs que je lui donne. Peut-être que je vais venir jusqu'à cette heure et traîner la planète ici. Déplacez-vous encore quelques secondes vers le haut, faites-le glisser ici. position en particulier est pratique pour cela, car vous pouvez réellement visualiser où elle est allée et où elle va. Faisons un autre aperçu et examinons cette animation légèrement plus complexe que j'ai créée. Ce n'est qu'un début, bien sûr, mais ces idées sont à la base de presque tout ce que nous ferons dans le reste du cours. 9. Préférences, raccourcis et résoudre les problèmes: Si vous devez apporter des modifications aux préférences d'After Effects, sous Windows, vous les trouverez dans les préférences du menu Edition. Sur Mac, vous le trouverez dans les paramètres d'After Effects. Si vous utilisez une ancienne version d'After Effects, 2025 ou antérieure, celles-ci peuvent être organisées dans un ordre légèrement différent, mais les options sont les mêmes. En tant que nouvel utilisateur, il n'y a encore trop de choses que vous devriez probablement aborder, mais je tiens à souligner certaines choses , car elles peuvent affecter le fonctionnement d' After Effects sur votre machine. Voyons la mémoire et le processeur. Cela vous permet de définir la quantité de RAM utilisée par After Effects et celle réservée aux autres applications. C'est quelque chose que vous devrez peut-être déterminer en fonction de votre système et fréquence à laquelle vous utilisez d'autres applications telles que Photoshop ou Illustrator en même temps. Si vous regardez sous le disque, vous pouvez indiquer à After Effects où placer ce que l' on appelle le cache. Lorsque After Effects crée des aperçus, il utilise à la fois votre RAM et l'espace de votre disque dur pour les conserver Par défaut, il le place simplement dans les fichiers temporaires de votre système, ce qui remplira lentement votre disque dur jusqu'à ce que vous l' autorisez à utiliser Donc, si vous avez beaucoup travaillé dans After Effects et que vous remarquez que votre disque dur est très plein, ce serait un bon endroit pour vérifier, et vous pouvez le vider si nécessaire. Encore une fois, vous devrez vous y retrouver vous-même, en fonction de la taille du disque dur sur lequel vous l'avez configuré et des types de projets sur lesquels vous travaillez. Vous n'avez probablement pas encore besoin d'apporter d'importants ajustements à l'un ou l'autre de ces éléments, mais si vous commencez à rencontrer des problèmes, ce sont de bons endroits à vérifier. Je tiens à signaler que je travaille la version anglaise d' After Effects avec un clavier anglais. Tous mes raccourcis seront donc basés sur cela. Si vous travaillez dans une autre langue d'installation ou avec un clavier dans une autre langue, vous devrez peut-être personnaliser les éléments. Vous pouvez donc modifier les raccourcis clavier, et vous verrez cet excellent éditeur visuel de raccourcis clavier, qui peut à la fois servir de référence pratique et vous permettre d'apporter les personnalisations que vous souhaitez Si vous rencontrez des problèmes avec After Effects, vous pouvez également déclencher un mode de démarrage sécurisé l'ouverture du programme. Vous cliquez sur l'application puis, pendant son démarrage, maintenez la touche Ctrl Alt Shift sous Windows ou la touche Commande Shift sur Mac Vous verrez ensuite ces options de réparation au démarrage, vous permettant de continuer à ouvrir normalement ou en mode sécurisé, réinitialiser vos préférences ou de gérer les plugins tiers que vous avez peut-être installés. 10. Créez votre première composition.: Pour ce premier projet, nous allons faire en sorte que vous puissiez vous habituer à tout. Je vais venir ici et cliquer sur Nouveau projet. Et maintenant, on nous présente une interface vide. Avant de pouvoir animer quoi que ce soit, nous devons créer une composition dans laquelle nos œuvres puissent vivre After Effects propose souvent plusieurs emplacements où vous pouvez exécuter les mêmes commandes, et c'est le cas ici. Vous pouvez accéder à la composition, à Nouvelle composition, ou en bas du panneau de votre projet, vous pouvez cliquer sur cette petite icône de composition. Ou bien, en plein milieu de votre écran, trouve un énorme nouveau bouton de composition. Nous allons donc nous contenter de celui-ci. Une fois que vous avez cliqué dessus, certains paramètres vous sont proposés pour vos compositions. Ce premier champ est le nom des compositions. Je vais aller de l'avant et nommer cette destination Animation. Nous devons décider des paramètres que notre composition va avoir, et c'est généralement le plus simple à faire en choisissant simplement dans cette liste de préréglages Je vais choisir le paysage des réseaux sociaux HD 192-010-8030 Je vais donc simplement cliquer dessus et tout sera réglé pour moi. Cela signifie que notre composition a une largeur de 1 920 pixels et une hauteur de 1 080 pixels. Nous travaillerons à 30 images par seconde, et je parlerai plus en détail de la signification de tous ces paramètres un peu plus tard. La seule autre chose dont nous devons nous inquiéter pour le moment, c'est notre durée ou la durée de cette composition. Réglons ce délai à 10 secondes. Vous pouvez donc simplement surligner ce texte, puis taper dix, zéro, zéro. Cela n'aura pas trop d'importance pour ce projet, mais vous pouvez choisir une couleur d'arrière-plan lorsque vous créez une composition. Vous pouvez donc simplement cliquer sur cette puce de couleur ici et choisir une autre couleur si vous ne voulez pas de noir. Une fois que vous êtes prêt, cliquez simplement sur OK. Maintenant que nous avons une composition, nous sommes prêts à commencer à créer. 11. Créez une couche de caractères: Nous allons commencer par créer simplement une couche de texte simple. Si vous regardez tout en haut de votre fenêtre, vous verrez tous ces outils ici. Nous recherchons ce T qui est notre type d'outil. Il suffit donc de cliquer dessus, puis de descendre votre lecteur et de cliquer pour pouvoir saisir du texte. Je vais taper le nom de ma destination, qui est Jupiter. Une fois que vous avez fini de taper, vous pouvez cliquer ailleurs ou appuyer sur la touche Ctrl ou Command Enter pour confirmer ce type de saisie. Une fois ce type de couche sélectionné, regardez votre panneau de propriétés et vous verrez que non seulement les couches sont transformées, mais que vous disposez également de toutes les propriétés du texte que vous pouvez ajuster. Je vais choisir une autre police de caractères. J'en ai beaucoup installé, donc je vais juste commencer à taper le nom de la police de caractères que je veux, qui est Museo Je cherche une dalle Museo, et je vais en choisir une version plus grosse ici J'aimerais que mon texte soit un peu plus grand, donc je vais simplement cliquer et faire glisser sur cette valeur jusqu'à ce qu'elle atteigne la taille que je recherche. Je souhaite également remplacer ce texte par la couleur rouge que j'ai choisie pour ma marque. Je vais donc cliquer sur cette petite puce de couleur de remplissage ici. se trouve que je connais le code hexadécimal du rouge que j'ai choisi Donc, au lieu de chercher ici, ce que vous pouvez faire en cliquant et en faisant glisser le pointeur, je vais sélectionner ce texte ici et saisir le code hexadécimal, qui pour moi est ef3f2 E. Je vais simplement appuyer sur Maintenant, si je souhaite apporter des modifications supplémentaires à ma couche de texte, je dois juste m'assurer que j'ai récupéré mon outil de sélection , car je travaille toujours avec l'outil de saisie, que vous pouvez voir en regardant mon curseur. Je pourrais donc revenir à la barre d'outils et cliquer sur l'outil de sélection, ou vous pouvez simplement appuyer sur V pour revenir à celui-ci. Vous êtes maintenant libre de faire glisser ce type de couche et repositionner où vous le souhaitez jusqu'à ce que vous obteniez le bon résultat 12. Importer des médias: Pour un petit intérêt visuel, nous allons ajouter une image de fond. Et si vous regardez dans vos dossiers étudiants, vous verrez que je vous en ai fourni quelques-uns. Vous êtes donc libre d' utiliser l'un d'entre eux, mais vous pouvez également en trouver ou en créer un vous-même. After Effects importera tous les types d' images les plus courants tels que les fichiers JPEG, PNG et même PDF. Il fonctionnera également avec la plupart des formats professionnels et intermédiaires tels que Targa, TIF et Open EXR Vous pouvez importer des documents Photoshop et Illustrator en couches . Ils ont des fonctionnalités supplémentaires dont nous parlerons plus tard, et ils seront également compatibles avec d'autres formats vectoriels tels que EPS et SVG, bien que ceux-ci fonctionnent un peu différemment des images normales La chose la plus importante à retenir est que chacune de ces ressources doit être en mode couleur RGB. Pour importer l'un de ces fichiers, il suffit d'accéder au fichier, d'importer le fichier, puis de naviguer jusqu' d'importer le fichier, à l' endroit de votre disque dur le fichier souhaité est stocké. Je vais récupérer cet arrière-plan A ici et cliquer simplement sur Importer. Une fois le fichier ajouté à votre projet, vous pouvez simplement le récupérer depuis le panneau du projet et le déposer directement dans le visualiseur. Eh bien, cela a masqué mon type, et c'est logique, car n'oubliez pas que ces couches fonctionnent de haut en bas. Je peux donc simplement prendre cette image et faire glisser sous ma couche texte pour voir ce que je fais. Je vais revenir vers le spectateur ici et simplement ajuster cela visuellement ici. Je trouve que ça a l'air plutôt bien. Vous verrez que cette image est plus grande que mon canevas. Si j'utilise ma molette de défilement pour effectuer un zoom arrière sur le visualiseur, je dispose en fait d'une certaine flexibilité, ce qui est bien. Je vais juste revenir en arrière et nous sommes maintenant prêts à commencer à animer. 13. Introduire des images clés: Je vais ajouter une animation simple ici. Commençons par la couche de type. Je vais donc sélectionner cette couche et vous verrez qu'elle l'ouvre dans le panneau des propriétés. Nous pouvons simplement travailler sur place si nous le voulons. Je veux juste que ça se mette en place ici. Je vais donc simplement prendre ma couche et la faire glisser vers le bas. Si vous voulez qu'il reste parfaitement vertical, vous pouvez maintenir la touche Shift enfoncée pour le limiter J'ai mon CTI juste au début de ma chronologie, image zéro, et je vais accéder au panneau des propriétés et cliquer sur le petit chronomètre juste ici pour obtenir la position nécessaire pour l'activer Vous verrez qu'il modifie l'icône présente dans le panneau des propriétés et qu'il crée une image-clé ici dans la chronologie Je vais faire avancer mon CTI un peu jusqu'à environ 1 seconde, puis le remettre en place Vous pouvez voir qu'il laisse une petite ligne derrière sa destination. C'est ce qu'on appelle la trajectoire du mouvement, et encore une fois, nous en reparlerons plus tard. Je vais également ajouter une animation simple à mon image. Dans ce cas, je pense que c'est logique de gauche à droite. Allons-y et ramenons le CTI au début de la chronologie Je vais sélectionner ma couche d'arrière-plan , puis revenir et créer une image-clé de position. Je pense qu'il est peut-être logique d'avoir ce mouvement en 5 secondes environ. Je vais donc y amener mon CTI et déplacer cette couche un peu sur le côté ici Il s'agit donc simplement de créer un peu de mouvement. Je vais ramener mon CTI au début de la chronologie une fois de plus et appuyer sur la barre d'espace pour prévisualiser D'accord, nous avons une animation en cours. Oh, après 5 secondes, il n'y a plus d'images-clés, donc il n'y a plus d'animation. Permettez-moi d'appuyer sur la touche moins en haut de mon clavier pour dézoomer, vous montrer la chronologie complète et vous pourrez voir ce qui se passe. Notre couche de texte se déplace donc pendant la première seconde, puis elle cesse de bouger, et la couche d'arrière-plan se déplace pendant les 5 premières secondes, puis elle arrête de bouger. Alors, tu sais quoi ? Je ne pense pas que nous ayons réellement besoin des 5 dernières secondes de cette chronologie. Mais c'est toujours flexible. Nous pouvons toujours changer cela. Je vais ramener mon CTI ici à 5 secondes. Ensuite, cette zone s' appelle votre zone de travail, et vous pouvez la modifier au fur et à mesure, que ce soit pour la prévisualisation ou pour votre éventuelle exportation Je vais prendre cette petite zone bleue juste ici et la faire glisser dessus. Et encore une fois, vous pouvez maintenir la touche Shift enfoncée pour la mettre en place. Si vous êtes du genre à utiliser les touches de raccourci, vous pouvez le configurer uniquement avec des touches de raccourci. Vous pouvez définir le début de cette zone avec B. Je vais simplement l'annuler, ou vous pouvez définir la toute fin avec la touche N. Maintenant, lorsque nous ferons des aperçus, cela ne nous montrera que cette zone. Je vais le prouver très rapidement en appuyant simplement sur la barre d'espace. Et vous verrez qu'à la fin, il tournera à nouveau en boucle. Appuyez à nouveau sur la barre d'espace pour arrêter l'aperçu. Et si je décide de réduire ma composition à cette longueur, je peux simplement cliquer avec le bouton droit de la souris ici dans la barre de la zone de travail et choisir Découper la composition en fonction de la zone de travail Vous pouvez donc toujours le modifier au fur et à mesure. Il faut encore quelques étapes pour l'allonger, mais c'est également possible. Je vais garder mon animation assez simple ici car nous allons en ajouter d'autres dans les prochaines leçons. Mais je vous encourage vivement à faire quelques expérimentations ici et à faire preuve d'un peu de créativité. C'est juste que vous avez une idée de la façon dont cela fonctionne et que vous vous habituez à Keyframe. Une fois que vous serez satisfait de votre travail, nous veillerons à le sauvegarder. Nous allons donc simplement passer au fichier, à l'enregistrer, puis à choisir un emplacement et un nom de fichier qui vous conviennent. 14. Exporter votre animation: Enfin, nous devons exporter cette animation afin de pouvoir la partager ou la publier en ligne. Si vous passez à la composition, ajoutez deux files d'attente de rendu, vous verrez qu'il existe en fait un autre panneau qui partage l'espace avec votre visionneur de composition, et ici, nous sommes en train de configurer ce que l'on appelle une file d'attente de rendu. Vous pouvez en fait mettre plusieurs articles ici en même temps, puis les exporter tous en un seul lot. Mais nous n'en faisons qu'une pour le moment, et c'est très bien. Il y a toutes sortes d'options ici, et nous en parlerons plus tard. Mais si la valeur par défaut de ce h264 correspond aux paramètres de rendu de 15 Mbits/s, c'est parfait J'ai juste besoin de venir ici où il est écrit «  Pas encore spécifié » et choisir un emplacement pour ce fichier. Donc, si je clique dessus, mon navigateur de fichiers s' ouvrira. Je ne peux que le confirmer. Vous pouvez modifier le nom du fichier ici si vous souhaitez, puis cliquer sur Enregistrer. Une fois que c'est prêt, vous venez ici et vous appuyez sur ce bouton de rendu. Ce carillon signifie que tout est prêt. Vous pouvez maintenant trouver ce fichier, ouvrir et regarder votre animation. Nous allons devenir plus complexes à partir de là, mais s'il s'agit de la première animation que vous ayez créée, félicitations 15. – Projet 01 – Animation de destination.: Très bien, les gars, c'est l'heure des projets de classe. Ces projets de cours sont des exercices amusants que nous avons créés pour vous afin de renforcer ce que nous venons d'aborder, et ils contribuent réellement à ce que les informations restent bien afin de renforcer ce que nous venons d'aborder, et ils contribuent réellement à ce que ancrées dans votre cerveau. Regarder quelque chose c'est bien, mais le faire soi-même c' est encore mieux. Ce premier projet est juste censé être un simple exercice d'échauffement, mais au fur et à mesure, vous créerez plus belles choses que vous pourriez même inclure dans votre portfolio, si vous le souhaitez Assurez-vous donc de suivre, et j'adorerais vous voir apporter votre propre touche à chacune d'entre elles. N'oubliez pas de récupérer votre propre brief à partir du générateur de projets aléatoires si vous ne l'avez pas déjà fait. J'ai fini par choisir SaguaStarlines comme client. J'utiliserai le rouge comme couleur principale de ma marque et je crée des matériaux sur les voyages vers Jupiter. Maintenant, pour ce premier projet, je veux que vous créiez une courte animation. Il devrait être de 1920 x 1080 à 30 images par seconde. Assurez-vous de vous simplifier la vie et d' utiliser ces préréglages. Je veux que vous créiez votre propre design avec au moins une police de caractères et une image de fond. Vous êtes libre d'ajouter d'autres éléments si vous le souhaitez, mais nous développerons le même concept dans la section suivante. Il est donc normal de garder celui-ci assez simple. Le but de ce premier projet est juste de vous habituer à travailler dans After Effects avant que nous ne commencions à ajouter trop d'autres éléments au mix. Je veux que vous imagiez et animiez la propriété de position d' au moins une couche pour créer une courte Si vous souhaitez ajouter d'autres images-clés ou plusieurs couches d'images-clés, encore une fois, c'est tout N'hésitez pas à explorer et à essayer de vous amuser ici. Je veux que vous soyez bref afin rester concentré sur ce que nous essayons de faire ici. 5 secondes, c'est probablement une bonne durée pour quelque chose comme ça, mais si vous voulez le rendre un peu plus long ou un peu plus court, c'est très bien aussi. Tout ce qui convient le mieux à votre animation. Pour rappel, voici ce que j'ai construit pour ce premier projet. N'hésitez pas à utiliser certaines des images que j'ai fournies, ou ce serait une excellente occasion de trouver certains de vos propres visuels intéressants pour votre propre brief et de voir ce que cela vous inspire à créer J'ai partagé quelques liens vers des sites contenant des tonnes d' images gratuites que vous pouvez utiliser pour vos propres projets. Maintenant, pour ce qui est des livrables, je veux que vous exportiez un MP4 de votre animation en utilisant la file d'attente de rendu C'est exactement ce que je viens de vous montrer, et l'utilisation de ce paramètre par défaut est parfaite ici. Assurez-vous simplement de nommer correctement votre fichier et de l'exporter dans un endroit où vous le trouverez. Je recommanderais probablement créer un dossier spécialement pour contenir toutes les exportations pour le reste de vos projets de classe, mais choisissez le système qui vous convient le mieux. Maintenant, nous ne pouvons pas héberger vos vidéos directement sur le site du cours. Nous vous demandons donc de télécharger les vidéos que vous créez sur un site d'hébergement de vidéos. YouTube est une excellente solution gratuite, mais si vous avez déjà un compte ailleurs et que vous souhaitez l'utiliser, c'est très bien aussi. Je sais que YouTube vous permet de créer plusieurs comptes. Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez même créer un compte spécial uniquement pour ce cours. Vous allez donc publier votre vidéo le site d'hébergement vidéo, puis partager un lien vers cette vidéo dans la section des projets ou des missions de ce site Web. Juste pour être clair, ce lien doit aller directement vers une vidéo hébergée. Ne créez pas de lien direct vers un site de partage de fichiers tel que Dropbox ou Google Drive ou quelque chose comme ça, car cela obligerait quelqu'un à télécharger le fichier pour le consulter. Si vous le faites accidentellement, ce ne sera pas la fin du monde, mais pour obtenir le mérite du projet, vous devez vous assurer qu'il se trouve sur un site vidéo hébergé, comme l'une des options ci-dessus. projets futurs, je vous encouragerai également à les publier sur vos propres réseaux sociaux, afin que vous puissiez également obtenir des commentaires sur ces derniers vos propres réseaux sociaux En ce qui concerne les projets futurs, je vous encouragerai également à les publier sur vos propres réseaux sociaux, afin que vous puissiez également obtenir des commentaires sur ces derniers. Mais pour ce premier épisode, encore une fois, il ne s'agit que d'un échauffement. Donc, le publier sur le site de la classe est tout à fait acceptable. Bien, il est temps de vous lancer, de amuser et de faire bouger les choses 16. Configuration du projet: J'ai développé ce design précédent avec une mise en page mise à jour. J'ai quelques couches de texte supplémentaires, y compris un slogan complet et le nom de l'entreprise. J'ai apporté une image de ma destination, qui pour moi est Jupiter et j'ai ajouté de la couleur à l'arrière-plan. Je vous ai fourni ce projet de démarrage ici même dans vos fichiers de projet, en boucle promotionnelle Start Et vous verrez le fichier After Effects ici, que vous pourrez suivre si vous le souhaitez. J'ai également importé un élément de texture que j'aimerais ajouter à mes compositions. Je vais donc simplement vous en faire part depuis le panneau de projet ici. Mais vous verrez que lorsque je le fais glisser directement dans le visualiseur comme ça, cela le place tout en haut de la pile de couches, ce qui, dans ce cas, n' est pas ce que je souhaite. Bien sûr, je pourrais l'ajuster, mais nous pourrions aussi nous épargner un clic. Je vais donc simplement annuler ou appuyer sur Supprimer puisque c'est déjà sélectionné. Je vais plutôt le faire glisser du panneau du projet directement vers le bas dans la chronologie. De cette façon, je peux le placer exactement où je le souhaite dans la pile de couches, ce qui pour moi se situe juste entre les couches cinq et six. Vous verrez qu'il le centre dans le visualiseur qu' il le place exactement là où vous le souhaitez dans la pile de couches. Pour mon design, je souhaite ajuster un peu l'opacité Je vais donc cliquer dessus et la régler à 80 Juste pour que vous puissiez voir sur quoi nous travaillons, je vais passer aux paramètres de composition. Et vous pouvez toujours venir ici pour vérifier ou ajuster ces paramètres pour votre composition. Vous verrez que je travaille dans le même préréglage que le projet précédent, 1920 x 108030 images par seconde, et j'ai réglé cette durée à 6 secondes. Si tu veux que le tien soit un peu différent, c'est bon. Comme nous avons plus de couches, je pense qu'il vaut la peine de prendre le temps d'organiser un peu notre projet pour ne pas nous perdre. Les couches de type sont en fait créées avec une étiquette rouge par défaut, ce qui fonctionne très bien la plupart du temps. Mais ici, c'est de la même couleur que le texte, et cela ne me semble pas aussi clair qu'il pourrait l'être. J'aimerais donc que ce soit une couleur différente. Si vous cliquez sur la petite pastille de couleur à côté du nom de votre couche, vous pouvez le définir comme vous le souhaitez. Je vais choisir le jaune. Cela ressort beaucoup mieux dans le spectateur et dans la chronologie également. Je vais en sélectionner deux et maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée sélectionner Jupiter également et les mettre également en jaune. Je pense que le nom de mon entreprise peut rester rouge Je vais donc laisser celui-ci de côté et sélectionner cette image téléchargée. Hein, c'est un nom horrible. Renommons-le en appuyant sur Entrée, et je vais taper Planet. Appuyez de nouveau sur Entrée pour confirmer. Ensuite, je mettrai cette couche en orange. Je pense que c'est beaucoup plus clair pour moi de suivre ce que je fais et probablement beaucoup plus facile pour vous de suivre également. Juste pour éviter de saisir accidentellement les couches de texture ou d'arrière-plan pendant que nous travaillons sur les autres éléments, je vais regarder ici sous cette colonne de verrouillage et cliquer sur un clic pour verrouiller ces deux couches. Et même si cela n' affectera pas vraiment notre animation, revenons au panneau Projet. Je sais que nous n'avons que quatre objectifs dans ce projet, mais nous ne voulons pas que ce soit une décharge en désordre, n'est-ce Vous pouvez en fait créer des dossiers dans lesquels placer vos éléments. Il y a une icône en bas du panneau du projet, ou vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur Nouveau dossier. Je vais simplement nommer ces actifs, puis sélectionner ces éléments et les mettre directement à l'intérieur. Vous pouvez le rouvrir ou le laisser fermé si vous le souhaitez. Pour ce projet, cela ne fera pas une grande différence, mais c'est une bonne habitude à prendre tant que les choses sont encore simples. Maintenant que tout est bien organisé et codé par couleur, nous sommes prêts à animer. 17. Ajouter des cadres-clés: Avant de commencer à animer, réfléchissons à notre concept Je veux que ce soit une promotion en boucle, qui signifie que je devrais probablement commencer par aucun de ces éléments principaux à l'écran, les mettre en place, les laisser reposer ici un petit moment, puis les animer de nouveau hors Donc, si je devais commencer à animer dès maintenant avec mon curseur au début de ma chronologie, je pourrais tout déplacer, mais il serait assez difficile de les remettre dans les bonnes positions, n'est-ce pas ? Et j'ai passé du temps à travailler sur cette mise en page. Alors annulons cela. Au lieu de cela, vous devriez peut-être penser à le faire à l'envers s'il est plus facile de le faire de cette façon Je vais commencer par placer mes images clés sur le cadre lorsque je veux les faire atterrir. Je vais porter mon CTI à environ 1 seconde ici. Et pour ce projet, je vais travailler dans la chronologie plutôt que dans le panneau Propriétés, mais vous êtes libre de l'utiliser si vous le souhaitez. Je pourrais ouvrir cette couche et voir toutes ces transformations ici, mais cela occupe déjà beaucoup d'espace à l'écran Je prévois uniquement d'animer la position de cette couche Je vais donc appuyer sur P, ce qui en fera la seule propriété visible Je clique sur le chronomètre pour créer une image-clé de position, puis je veux revenir au tout début de ma chronologie, bien sûr glisser le CTI ou simplement appuyer sur la touche d'accueil pour et faisons-le glisser vers la gauche sur le côté de l'écran, encore une fois, touche Maj enfoncée, si vous voulez que tout reste parfait et qu'il en ait un aperçu rapide. Ce n'est pas encore très excitant, mais c'est un début. Et nous allons utiliser la même idée toutes les autres pièces. Je pense qu'il est probablement logique tous ces éléments se déplacent à peu près à la même vitesse. Il est donc parfois plus facile de réaliser toutes vos animations , puis de décaler le timing une fois que vous avez une idée de la façon dont elles se déplacent ensemble. Et c'est exactement ce que nous allons faire ici. Je vais ramener le CTI à 1 seconde pour qu'il corresponde à cette deuxième image-clé Allez-y, sélectionnez-en deux, appuyez sur P pour révéler la position et activez ce chronomètre, sur Home pour revenir au début, et nous allons simplement faire glisser celui-ci vers la droite Remarquez comment vous pouvez toujours voir exactement où ils se trouvent même lorsqu'ils sont en dehors de cette toile visible , c'est très pratique, non ? Revenez à 1 seconde, sélectionnez notre couche Jupiter, appuyez sur P pour révéler la position, activez le chronomètre, revenez à la première image, et retirons celle-ci, je ne sais pas, du bas Je sais que cela va se chevaucher avec le nom de l'entreprise, mais nous le découvrirons dans une minute. Revenons à 1 seconde. Et je pense que pour le nom de cette entreprise, utilisons l'opacité. Je vais donc appuyer sur T pour révéler celui-ci. Créez une image-clé, revenez au début et faites-la simplement glisser jusqu'à zéro Je pense que pour la planète, essayons quelque chose d'un peu différent. Nous allons faire à la fois la mise à l'échelle et la rotation. C'est peut-être le bon moment pour le panneau des propriétés, car n'oubliez pas que lorsque vous créez des images-clés là-haut, il affiche ces propriétés en bas de la chronologie Je vais donc simplement cliquer sur « cliquer », et les deux sont maintenant révélés dans la chronologie. Appuyez sur la touche d'accueil pour revenir au début. Je vais légèrement effacer cette valeur de rotation vers l'arrière, peut-être autour de -50 Vous n'avez probablement pas besoin d'être précis. Cliquez ensuite sur l'une des valeurs d' échelle et mettez-la à zéro. Faites un aperçu et voyez ce que vous ressentez. Bien, c'est l'idée de base que je recherche, mais tout se passe en même temps Nous en reparlerons dans une minute. Mais c'est à peu près ce que je recherche. heure actuelle, nous passons beaucoup de temps à examiner les parties de la chronologie où rien n'est encore animé. Allons-y et supprimons temporairement cela, afin de ne pas perdre de temps. Je vais placer mon curseur ici environ 3 secondes et appuyer sur N pour couper cette zone de travail. Nous allons utiliser le reste de cette chronologie, nous n'avons pas besoin de la regarder pour le moment. 18. Ajuster la synchronisation des calques: Lorsque vous introduisez plusieurs couches à la fois de cette manière, vous devez réfléchir à l'expérience des spectateurs et à la manière dont ils vont l'interpréter. En particulier lorsqu'il s'agit de couches de caractères, vous devez penser à les présenter spectateur dans l'ordre dans lequel il les lirait, ce qui, dans ce cas, est, bien entendu, Journey to Jupiter with Sagitta Donc, si nous faisons en sorte que chaque mot un peu plus tard que le précédent, cela facilite vraiment cette présentation. Alors, montons ici et regardons peut-être, essayons dix images. Je suis donc à l'image dix, et je vais sélectionner ces deux couches et les faire glisser dessus pour qu'elles commencent à l'image dix au lieu de l'image zéro. Maintenant, je tiens à souligner que vous ne voulez pas traîner depuis le tout début. Voyez comment le curseur a changé, car cela reviendrait en fait à découper la couche, qui n'est pas ce que nous voulons ici Nous voulons le déplacer dans le temps, juste comme ça. Et maintenant, ça commence un peu plus tard. Allons-y, essayons dix autres images et déplaçons Jupiter ici. Voyons ce qu'ils ressentent. Ces autres vont en quelque sorte nous gêner. Mais pour y travailler quelque sorte entraîner votre œil à regarder les pièces sur lesquelles vous travaillez et à ignorer certaines de celles sur lesquelles vous ne travaillez pas. C'est mieux J'ai l'impression que comme Journey se déplace un peu plus loin que les autres, cela me semble un peu plus rapide. Déplaçons donc peut-être cette deuxième image-clé un peu plus tard, sélectionnons-les deux, maintenons la touche Shift enfoncée pour le faire, puis balayons les images un peu plus loin et voyons ce que vous ressentez Oui, j'aime bien ça. Maintenant, bien sûr, lignes Saga to Star doivent se produire un peu plus tard. Amenons-le donc ici pour qu' il ne soit pas recouvert par Jupiter au fur et à mesure qu'il apparaît. Allons-y. Cela fonctionne probablement. Et déterminons le calendrier pour cette planète. Je ne sais pas, peut-être là-bas. s'agit en grande partie de faire des bêtises Il s'agit en grande partie de faire des bêtises , puis de les regarder, de faire des ajustements, de les regarder à nouveau, continuer à les peaufiner jusqu'à ce que vous soyez heureuse Et je pense que ça fait du bien. 19. Créez un loop: Maintenant, c'est censé être une promotion en boucle, ce qui signifie que je dois les animer toutes arrière hors écran à la fin Je vais donc appuyer sur la touche de fin pour passer à la toute dernière image de ma chronologie, puis appuyer sur N pour étirer cette zone de travail afin de couvrir l'ensemble de la chronologie. Puisque nous nous concentrons uniquement sur la fin, nous pourrions en fait aborder le début de la zone de travail un peu plus tard, peut-être par ici, 315. Je vais appuyer sur B, et maintenant nous ne regarderons que cette deuxième partie de la chronologie. Nous avons créé nos animations précédentes en une seconde environ, donc c'est probablement une bonne estimation pour les décaler. Je vais donc placer mon curseur vers la droite pendant environ 5 secondes. Et je pourrais sélectionner ces trois couches supérieures, revenir à n'importe laquelle d'entre elles et cliquer sur le petit losange vide ici pour créer une autre image-clé Découvrez comment il fonctionne dans les trois cas puisqu'ils sont sélectionnés. Ensuite, je pourrais passer à la fin de ma chronologie. Cliquez simplement sur l'un d'entre eux ici , sélectionnez-le et déplacez-le à nouveau hors de l'écran où vous le souhaitez. Essayons peut-être de déplacer Jupiter sur le côté cette fois, juste pour un peu de variété. Voyons ce que l'on ressent. Cela me semble un peu rapide. Donc, prenons chacun d'entre eux. Essayons juste de tous les faire reculer. Disons cinq images. Vous pouvez en fait utiliser les touches de page précédente et de page suivante pour déplacer un cadre à la fois. Je vais donc simplement cliquer sur la première page, une, deux, trois, quatre, cinq, puis déplacer ces trois images-clés et voir ce que l'on ressent Pas trop mal. Je remarque que deux un peu plus lents parce que cela ne bouge pas aussi loin, alors peut-être que l'un d'eux pourrait revenir là où il se trouvait ici Et nous pourrions même envisager décaler légèrement chacune de ces images-clés Je pourrais faire glisser une boîte autour de ces deux premiers, les déplacer un peu comme ça. Cela crée donc, encore une fois, une sorte de sensation de haut en bas. Je pense que cela va peut-être dans la bonne direction. Allons-y et faisons disparaître notre couche de lignes Sagitta Star. Nous pouvons sélectionner ces deux images-clés en faisant glisser une case, puis je vais arriver ici, copier ou Controller Command C. Ensuite, vous pouvez les coller à l'envers pour les effacer à nouveau Control Shift V ou Command Shift V. Et maintenant, nous avons ces mêmes images-clés d'opacité collées en sens inverse pour disparaître. OK, pas trop mal. Faisons également en sorte que cette planète s'éloigne en fonction de sa position. Je vais donc maintenir la touche Shift enfoncée et appuyer sur P pour révéler la position sans réduire l'échelle et la rotation Créez une image-clé pour la position, appuyez sur N pour passer à la dernière image de ma chronologie, et peut-être mettez-la sur le Voyons ce que l'on ressent dans tout cela. OK, pas trop mal. Appuyons d' accueil pour passer au début de la chronologie. B, pour étendre cette zone de travail. Et maintenant, nous pouvons regarder l' intégralité de notre chronologie en une seule fois. Je pense que l'animation sortante semble peut-être un peu rapide. Je vais donc faire glisser un cadre autour de chacune de ces images-clés ici au début de ce mouvement sortant et les faire simplement glisser un peu vers l'arrière, pour qu'elles se produisent un peu plus lentement Appuyez sur Accueil et effectuez un autre aperçu. OK, je pense que ça fait du bien. Si vous souhaitez décaler un peu plus le timing de ces images-clés finales, vous pouvez continuer à peaufiner et prévisualiser jusqu'à ce que vous en soyez satisfait J'aime bien cette sensation, mais je remarque qu' il y a cette partie au milieu où rien ne bouge, et c'est un peu ennuyeux, mais il existe un moyen simple de résoudre ce 20. Animer la texture: Donnons-nous un peu d'espace pour travailler ici. Je vais sélectionner toutes mes couches en appuyant sur ou Commande A, puis Ctrl ou Commande A, puis en faisant tourner n'importe laquelle d'entre elles pour les fermer ici, et tout s'effondrera Nous allons animer cette texture. Je vais donc déverrouiller cette couche, puis appuyer sur la touche d'accueil pour revenir à la première image de notre animation Nous allons animer la propriété position Je vais donc sélectionner cette couche, appuyer sur P, puis créer une image-clé Maintenant, souvenez-vous que cette couche est un peu plus grande que notre composition, ce qui était très intentionnel. Cela nous permet de le déplacer facilement et de donner un peu de vie à cette texture elle-même. Maintenant, n'oubliez pas que vous pouvez utiliser la page précédente et la page suivante pour déplacer un cadre à la fois. Eh bien, si vous maintenez la touche Maj enfoncée, vous pouvez déplacer dix images à la fois. Je vais donc maintenir la touche Shift enfoncée et appuyer sur la page vers le bas pour passer à la dixième image. Je vais juste faire glisser cette texture vers un nouvel endroit. Peu importe où je cherche juste quelque chose d'un peu aléatoire. Et puis déplacez la page vers le bas pour sauter dix images supplémentaires et une autre position aléatoire. Continuez ainsi jusqu'à ce que vous ayez rempli toute la chronologie et que tout soit plutôt beau et aléatoire. Tu n'as pas besoin d'être trop précieux avec ça. Assurez-vous simplement de ne pas avoir la même position dos à dos. En fait, vous n'avez pas besoin d'en créer un à la toute fin, car vous ne verrez jamais ce cadre de toute façon. Vous pouvez voir que j'ai une belle position aléatoire ici, alors zoomons et faisons un aperçu Hein ? Eh bien, ce n'est pas vraiment ce que je recherchais, mais c'est exactement ce que j'ai demandé à After Effects de faire. images-clés After Effects passe d'une valeur de position à l'autre entre chacune de ces En fait, je veux qu'il conserve ces valeurs jusqu'à ce qu' il en obtienne une nouvelle, crée une sensation de staccato à faible fréquence d' Nous voulons sélectionner toutes ces images-clés de position afin que vous puissiez soit faire glisser un cadre autour de chacune d'elles soit cliquer sur le mot position ici Et puis cliquez avec le bouton droit sur l'un d'entre eux. Et dans ce menu contextuel, nous allons choisir cette commande ici, en maintenant l'image clé enfoncée Vous remarquerez que la forme des images-clés change et qu'elle conservera désormais cette valeur jusqu'à ce qu' elle en obtienne une nouvelle Et lorsque vous ferez un autre aperçu, vous verrez que cela, même s'il est subtil, fait vraiment un excellent travail pour que tout reste vivant, même lorsque les principaux éléments ne bougent pas. 21. Fluidifier le mouvement: En parlant d'images-clés plus fluides, j'ai l'impression que les principaux éléments sont un peu maladroits dans leur façon bouger et de s'arrêter brusquement, mais il existe également un moyen simple de corriger ce problème Arrêtons mon aperçu, et pour afficher toutes les images-clés de tous les calques, j'appuierai sur la touche U. Maintenant, je veux sélectionner toutes les images-clés de chaque couche, à l' exception de la texture Je peux donc cliquer et faire glisser pour m'assurer que je les obtiens tous. Oups, je t'ai oublié, je vais juste maintenir la touche Shift enfoncée et m' assurer de les avoir aussi Notez que toutes ces images-clés sont sélectionnées, et je peux cliquer avec le bouton droit sur n'importe laquelle d' entre elles et obtenir le même menu contextuel Cette fois, je veux regarder dans Keyframe Assistant et trouver cette commande, Easy Es, ou vous pouvez appuyer sur la touche F neuf Encore une fois, vous verrez que la forme des images-clés change, ce qui les arrêtera toutes en douceur au lieu de les arrêter brusquement Voyons ce que l'on ressent. Voyez à quel point cela donne une sensation différente. Voici une comparaison entre les images-clés linéaires créées par défaut et les images-clés Easy Ease que créées par défaut et nous venons Maintenant, cela peut légèrement modifier la perception de l'animation. Donc, si vous souhaitez ajuster un peu plus le timing , c' est le moment de le faire. J'en suis plutôt content Je vais donc commencer par archiver, enregistrer, enregistrer mon projet, puis l'envoyer la file d'attente de rendu et exporter mon animation. 22. Projet de cours 02 - Promo en boucle: Bien, encore une fois, c'est l'heure du projet de classe. Nous allons transformer ce projet de première classe en une promotion en boucle courte plus conçue Vous pouvez donc développer ce premier projet ou créer un nouveau design si vous le souhaitez, dans les deux cas. Je veux que ce soit toujours 1920 x 1080 à 30 images par seconde. C'est un joli chiffre rond qui vous facilitera certaines techniques d'animation. Il doit mettre en évidence la couleur principale du client Vous devez avoir plusieurs éléments de texte, y compris le nom du client Vous devriez avoir une image d' arrière-plan quelconque et un élément de texture animé. Vous trouverez plusieurs options pour les deux dans votre dossier Téléchargements, mais vous êtes bien entendu libre de trouver la vôtre. Il doit également contenir une image ou une icône quelconque. J'ai évidemment utilisé une photo de ma destination, mais si vous souhaitez créer un logo pour votre entreprise ou utiliser une autre image pertinente pour elle, c'est très bien aussi. Je veux que vous utilisiez la position, l' échelle et la rotation quelque part dans votre animation. Si vous voulez faire plus que cela, c'est très bien. n'est pas nécessaire que chaque élément soit animé, mais je veux que vous en animiez la majeure partie et que vous vous assuriez d'utiliser au moins ces trois propriétés. Votre animation doit également fonctionner correctement. Faites donc attention à la façon dont vous animez les choses. Faire en sorte que les choses démarrent hors de l'écran, apparaissent, s'assoient pendant une minute et repartent est probablement l'approche la plus simple. Mais si vous voulez être plus ambitieux et trouver d'autres moyens de faire du loop, c'est bien aussi. Pour rappel, voici à quoi ressemble le mien. Animation de position principalement. Nous avons une certaine échelle et une certaine rotation sur cette planète, puis la texture animée. concerne vos livrables, cela va commencer à être un peu répétitif, En ce qui concerne vos livrables, cela va commencer à être un peu répétitif, mais veuillez exporter votre animation MP4 en utilisant le même préréglage que celui que nous avons utilisé auparavant Téléchargez votre vidéo exportée un site d'hébergement vidéo tel Vimeo ou YouTube ou autre, et partagez le lien vers celle-ci dans la du projet de classe ou du devoir Pour rappel, ne soumettez pas de liens vers des sites de stockage dans le cloud tels que Google Drive ou Dropbox. De plus, puisque nous commençons à créer des choses réelles et pas seulement de simples exercices d'échauffement, nous aimerions que vous les partagiez également sur les réseaux sociaux , notamment Instagram, Facebook, LinkedIn, etc. Votre design peut ressembler beaucoup au mien, ou vous pouvez créer quelque chose de totalement vôtre. Quoi qu'il en soit, nous avons vraiment hâte de voir votre créativité et ce que vous apporterez à ce projet. 23. Travailler avec la vidéo: Nous créons des fichiers vidéo lorsque nous exportons nos animations, mais nous allons commencer à utiliser des fichiers vidéo comme source pour certains des projets à venir. Je voulais donc m'assurer que nous sommes tous sur la même longueur d'onde concerne certains des principes techniques fondamentaux du monde de la vidéo. Tout d'abord, la vidéo est toujours mesurée en pixels. n'y a ni DPI ni PPI ici, juste les valeurs réelles des pixels qui déterminent la taille de l'image. Ce que vous regardez en ce moment est une vidéo HD standard, largeur de 1 920 pixels ou hauteur de 1 920 x 1 080 pixels ou 1 080 Vous prononcez d'abord la valeur horizontale ou X, donc 1920 x 1080. Vous entendrez également ce terme appelé 16 par neuf ou 169, qui fait référence au rapport hauteur/largeur de ce rectangle, 16 unités de large sur neuf unités de haut. Ces numéros de pixels correspondent également au système de coordonnées After Effects que nous avons utilisé pour les mouvements de position dans les leçons précédentes. Le coin supérieur gauche d'un cadre est toujours zéro X, zéro Y. Il s'agit du même système de coordonnées que celui utilisé par Photoshop et Illustrator Le coin inférieur droit correspond à la largeur totale de votre composition sur X , puis à la hauteur totale de votre composition sur Y. Le milieu de toute composition sera toujours exactement la moitié de la taille du cadre Donc, dans ce cas, c'est 96540. Si nous regardions le format vidéo vertical standard souvent utilisé sur les réseaux sociaux, c'est la même chose qu'une rotation de 90 degrés. Dans ce cas, nous parlons de 1080 en 1920 ou de neuf sur 16. Et le milieu de cette composition est 54960. Vous pouvez également avoir des projets dans lesquels on vous demande de travailler en quatre K ou d'utiliser des éléments vidéo en quatre K dans le cadre de votre projet. La taille standard pour cela est 38 40 x 21 60. termes de chiffres, cela représente le double de 1920 par 1080, mais en raison de la façon dont la surface est calculée, c'est en fait une, deux , trois ou quatre fois plus grande. Cela va donc être d'autant plus exigeant pour votre machine. Vous pouvez créer des objets presque n'importe quelle taille dans After Effects, jusqu'à 30 000 pixels dans les deux sens. Vos seules limites réelles sont votre machine et le format que vous utilisez lors de l'exportation. Lorsque nous parlons de vidéo, nous devons également être conscients de la fréquence d'images. Nous en avons utilisé 30 jusqu'à présent, mais nous n'avons pas vraiment parlé de ce que cela signifie. Un fichier vidéo n'est en réalité qu'une série d' images regroupées dans un seul conteneur. Lorsque vous parlez de film ou de vidéo, ces images sont appelées images, et le nombre d'images que vous voyez chaque seconde s'appelle la fréquence d'images. Plus ce chiffre est élevé, plus vous avez d'informations visuelles à chaque seconde. Si vous vivez en Amérique du Nord, vous avez probablement l'habitude de voir la norme de diffusion de 30 images par seconde à la télévision. Bien que cela soit techniquement 29,97 pour des raisons qui ne vous intéressent probablement pas Dans de nombreuses autres régions du monde, la norme de diffusion est de 25 images par seconde, et la norme pour les films que vous voyez au cinéma est de 24. Vous pouvez voir des fréquences d'images plus élevées comme 60 lorsque vous regardez du sport, des jeux vidéo ou d'autres contenus d' action ou encore plus si vous travaillez avec des séquences au ralenti. Et vous pouvez constater des fréquences d' images plus faibles dans les animations, que ce soit pour des raisons créatives ou pour gagner du temps en particulier dans les bannières Internet et les cadeaux animés, où la réduction du nombre d'images permet de réduire la taille du fichier. Voici un exemple de ce à quoi ressemblent ces différentes fréquences d'images les unes à côté des autres. Comme vous pouvez le constater, 30 et 24 ans peuvent sembler assez similaires à vos yeux. Mais au fur et à mesure que vous pénétrez dans les fréquences d'images inférieures, cela devient très instable très rapidement. Même à deux images par seconde, alors n'y a littéralement rien entre ces deux extrêmes, votre cerveau peut toujours saisir ces informations et vous pouvez toujours comprendre ce qui se passe. Cool, hein ? Vous m'avez vu faire référence à ce petit chiffre qui indique à quel moment nous sommes dans nos délais C'est ce que l'on appelle le code temporel, qui est le moyen standard utilisé par les vidéos pour suivre le temps en heures, minutes, secondes et images. Et le moment où il passe à la seconde suivante dépend de la fréquence d'images à laquelle vous travaillez. Si vous travaillez à 30 images par seconde, une fois que vous atteignez l'image 29, l'image suivante durera 1 seconde et aucune image. Maintenant, bien que nous puissions travailler avec la vidéo et After Effects, je tiens à souligner que ce n'est pas vraiment destiné à être utilisé comme une application de montage vidéo. C'est à cela que sert Premiere Pro, peu comme vous pouvez découper une image dans After Effects à l'aide des outils fournis, mais c'est souvent beaucoup plus facile et rapide de le faire dans Photoshop, n'est-ce pas ? Parce que c'est pour cela qu'il a été conçu. After Effects peut absolument utiliser des fichiers vidéo dans le cadre de vos projets d'animation ou de composition. Mais si vous faites principalement du découpage et qu'il ne s'agit pas que de quelques clips, vous voudrez probablement le faire dans une application de montage vidéo dédiée After Effects prend en charge la plupart des formats de fichiers vidéo que vous pouvez utiliser, qu' ils soient grand public ou professionnel. Mais vous devez généralement éviter d'utiliser ce que j'appellerais des formats de livraison tels que les fichiers MP Four que nous avons créés plus tôt comme entrées pour votre projet. Ces fichiers sont fortement compressés afin de réduire leur taille pour le téléchargement ou le transfert de fichiers Ils ne constituent donc pas une entrée idéale si vous pouvez l'éviter Vous pourriez penser à cela comme travailler avec une photo brute prise avec un bel appareil photo. Vous avez un énorme potentiel de retouche et de nombreux pixels sur lesquels travailler , par rapport à une version JPEG beaucoup plus petite de cette même photo, qui peut très bien fonctionner comme miniature sur un site Web, mais pas très bien si vous souhaitez effectuer n'importe quel type de Vous devez également éviter d' utiliser ce que l'on appelle séquences à fréquence d'images variable comme entrée. Vous les rencontrerez le plus souvent avec des fichiers enregistrés sur l'appareil photo d'un téléphone ou à partir d'un logiciel de capture d'écran. Dans les deux cas, lors de l'enregistrement, vous devez essayer de vous assurer que vous êtes bien réglé sur ce que l' on appelle une fréquence d'images constante, et non variable. Une fréquence d'images constante signifie exactement ce à quoi cela ressemble. Il resterait exactement à 30 images par seconde ou peu importe en permanence, alors qu'une fréquence d' images variable peut en fait modifier légèrement la fréquence d'images au cours la durée de vie du clip , ce qui constitue un autre moyen d' économiser de l'espace dans ce fichier pendant son enregistrement. Dans After Effects, les fichiers vidéo fonctionnent comme n'importe quel autre actif. Lorsque vous les sélectionnez dans le panneau de projet, vous pouvez voir des éléments tels que la durée, fréquence d'images et des informations techniques supplémentaires. Lorsque vous les ajoutez à une composition, ils fonctionnent comme n'importe quel autre calque, sauf qu'ils ont une durée définie, ce qui signifie qu'ils ont un début et une fin définis. Comparez cela à ce JPEG ici. Remarquez qu'il n'y a pas ce petit coin noir. Le clip vidéo comporte ce petit coin noir pour vous montrer qu'il s'agit de l' étendue maximale de ce clip, dans ce cas, du début, et que vous ne pouvez pas le prolonger au-delà sans un rechronométrage spécial. Si je commence à découper des calques, vous verrez que lorsque je découperai l'image, elle disparaît en quelque sorte. Mais le clip vidéo laisse derrière lui cette sorte de zone fantôme qui montre que le clip existe là Vous venez de découper cette partie pour qu'elle ne soit plus visible. Vous pouvez manipuler des clips sur la timeline et, au fur et à mesure que vous les déplacez vers l'avant ou vers l'arrière dans le temps, vous verrez ces différentes parties du clip se refléter dans le visualiseur. Si votre projet ne contient pas encore de composition et que vous souhaitez utiliser les paramètres d'un clip vidéo importé, vous pouvez simplement la déposer sur le bouton de nouvelle composition, et cette nouvelle composition sera créée avec les paramètres et la durée exacts de ce clip. Lorsqu'une composition existe déjà, vous suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris sur un clip et de sélectionner Nouvelle composition dans la sélection clips vidéo incluent souvent du son , comme le montre la petite icône représentant un haut-parleur. Si vous souhaitez désactiver un clip vidéo, cliquez simplement dessus pour désactiver le son. Il existe également différentes manières d'étirer dans le temps et même d'inverser des clips vidéo de manière simple et complexe, et nous allons faire l'une d' entre elles en une minute. Nous y voilà. Maintenant, vous êtes officiellement au courant. J'espère que cela vous aidera à démystifier certaines choses à propos de la vidéo et à vous donner bons conseils pour Il est temps de démarrer notre prochain projet. 24. Choisir les ressources et la configuration du projet: Pour ce prochain projet, j'utiliserai cette photo découpée d'une puce de fusée, ainsi que ce fond d'étoile Cependant, vous pouvez voir que je vous ai proposé quelques options supplémentaires. Et puis nous avons aussi ceci, qui est un clip de tirs de roquettes et de fumée que j'ai créé. Si vous me suivez, vous pouvez absolument utiliser ce que j'ai fourni, et je vous donnerai quelques conseils pour changer les couleurs plus tard, si nécessaire. Mais je vous encourage vivement à commencer à réfléchir à la recherche de vos propres actifs à l'avenir. Il existe plusieurs sites Web proposant de bonnes options totalement gratuites et, plus important encore, avec des licences qui vous permettent d'utiliser librement ces actifs dans votre propre travail, même à des fins commerciales. À moins que vous ne créiez tout vous-même à partir de zéro, approvisionnement en actifs est une partie importante de ce processus, et il est bon de commencer à une idée de ce qu'il faut rechercher. Nous allons commencer par créer un tout nouveau projet. Si vous êtes sur l'écran d'accueil, vous pouvez simplement cliquer sur Nouveau projet ici, ou si un autre projet est déjà ouvert dans After Effects, vous pouvez accéder à File New New Project. Nous allons créer une nouvelle composition à partir de zéro, je peux donc simplement cliquer ici sur ce gros bouton. Je vais réutiliser l'un des préréglages. Essayons cette fois le portrait sur les réseaux sociaux pour une mise en page verticale. Nous allons régler la durée à 3 secondes. Elle est courte. Et nommons ce vol en fusée. Je vais importer les actifs que je viens de vous montrer. En plus des autres méthodes d'importation que j'ai déjà montrées, vous pouvez simplement faire glisser des éléments directement depuis votre navigateur de fichiers. Je vais donc contrôler ou cliquer sur la commande pour attraper la fusée, ce feu, et j'utiliserai étoiles A et je les ferai simplement glisser directement dans le panneau du projet. Nous y voilà. Encore une fois, il ne s'agit que de quelques éléments, mais il n'est jamais mauvais d'être organisé. Pendant qu'ils sont toujours sélectionnés, je vais les faire glisser jusqu'à l'icône de ce dossier et nommer ces actifs. Maintenant, allons-y et intégrons-les à notre composition. Je vais commencer par le fond, les étoiles. OK. Ensuite, je vais apporter la fusée découpée. Allons-y et réduisons ce chiffre d'environ 25 %. Nous allons peaufiner cela dans une minute. Et puis notre tir de roquette, qui va en fait se trouver au-dessus de la roquette. Je sais que nous ne voyons pas très bien cela, mais nous allons régler cela dans une minute. Maintenant que tout est dans les compositions, examinons la chronologie et voyons s'il est nécessaire de les recolorer ou de les renommer Je vais changer l'étiquette de ce feu. L'orange peut avoir du sens ici, mais je pense à l' avenir et je sais que je veux probablement une couleur que je puisse voir par rapport à la couleur réelle du feu dans ce clip. Je vais donc choisir le violet. Ma fusée est rouge, je vais donc la mettre en rouge, et je pense que la couleur par défaut convient à l'arrière-plan. Je pourrais mettre à jour les noms un peu, donc sur Stars, j'appuierai sur Entrée et je changerai cela en Stars BG. Pour la fusée, nettoyons un peu les choses en supprimant les découpes et en éliminant le MOV sur le feu Génial. Je pourrais tout aussi bien enregistrer mon projet, mon fichier, ma sauvegarde et lui donner un bon nom, comme Rocket Flight. OK, je suis prêt à commencer à travailler. 25. Composer et générer un clip vidéo: Il y a deux choses que je dois faire pour configurer cette pince à feu comme je le souhaite, en commençant par déplacer le point d'ancrage vers un meilleur endroit. Je vais accéder à ma barre d'outils et trouver ce petit objet ressemblant à un réticule, appelé outil panoramique derrière ou outil à point d'ancrage. Vous pouvez également appuyer sur Y pour l'activer. De retour dans le visualiseur, lorsque je passe le curseur sur cette couche, vous verrez que mon curseur est légèrement différent Maintenant, je peux cliquer et faire glisser le pointeur pour déplacer ce point d'ancrage. Je vais donc l'apporter ici, exactement d'où vient en quelque sorte ce feu. Ouais. Et maintenant, lorsque je fais pivoter cette couche ou que je la redimensionne, c'est à partir de là que cela se produit. Je vais le faire pivoter exactement de 90 degrés. Je peux juste cliquer et taper celui-ci. Je vais appuyer sur V pour revenir à l'outil de sélection et je vais simplement réduire d'ici. Je maintiens la touche Shift enfoncée pour m' assurer que je fais une mise à l'échelle proportionnelle, et je pense qu'environ 50 %, c'est probablement une bonne chose Bien entendu, nous ne pouvons pas vraiment voir ce que nous faisons. Nous devons donc utiliser un mode de fusion pour bien composer cette couche. Je vais passer à ma chronologie, et par défaut, vous ne verrez probablement pas vos modes de fusion Mais il y a un petit bouton en bas qui permet de basculer entre les commutateurs et les modes Si vous cliquez dessus, vous verrez les commutateurs disparaître, et vous avez maintenant deux colonnes de menus déroulants, mode et track Mat. Celui de gauche correspond à vos modes de fusion. Et si vous cliquez sur ce menu déroulant, vous obtenez une longue liste de modes de fusion, probablement plus que jamais auparavant Nous voulons un écran, situé à environ un tiers du sol. L'écran rend toutes les zones noires transparentes, ce qui est exactement ce dont nous avions besoin ici. Je vais aller de l'avant et revenir aux interrupteurs, et maintenant je peux zoomer et peaufiner ce feu OK, je prévois d'animer cette fusée en survolant le cadre comme ça, et je veux évidemment que la couche de feu se déplace en même temps Mais cela semble un peu stupide et désordonné de devoir les animer tous les deux. Heureusement, After Effects possède une fonctionnalité appelée parentalité, qui vous permet de connecter une couche à une autre, et elle suivra cette dernière partout où elle ira. Je pense qu'il serait peut-être plus simple de le faire et de vous montrer comment cela fonctionne. Donc, sur notre couche de tir de roquettes, vous venez ici sous la colonne parent et la colonne d'encre. Assurez-vous que vous êtes bien là et que vous ne regardez pas encore Track Matt si vous l' avez encore ouvert. Je peux soit utiliser ce menu déroulant, qui serait facile car il n'y a que quelques choix dans celui-ci et il suffit de sélectionner Rocket soit il existe un autre moyen de le faire, qui devient plus utile dans un projet comportant beaucoup plus de couches Vous avez aussi cette petite queue frisée ici. C'est ce qu'on appelle un Pick Whip. Il vous suffit de cliquer dessus et de le faire glisser pour pointer vers l'autre couche à laquelle vous souhaitez associer cette couche Une fois que j'aurai lâché prise, vous verrez qu' il est écrit qu'il est apparenté à Rocket Maintenant, je peux sélectionner cette couche de fusée et la déplacer. Et partout où cela va, le feu suit. Si nous faisons une rotation, si nous redimensionnons , si nous changeons de position, ce feu se produira pendant le trajet. 26. Ajouter un masque: Je remarque que ce feu chevauche le propulseur de roquettes d'une façon étrange ici parce que, bien sûr, la couche de feu se trouve au-dessus de la fusée dans la pile de couches, mais je l'ai fait exprès parce que si nous mettions le feu en dessous de la fusée, nous aurions un problème avec cet aileron arrière Nous allons donc utiliser un masque pour nettoyer tout cela. Tout d'abord, prenons une minute pour expliquer le fonctionnement des masques. Je vais prendre l'image de cette étoile et déposer dans une nouvelle composition, pour avoir une sorte de petit terrain de jeu sûr ici Vous avez sélectionné une couche, vous pouvez utiliser les outils de forme ou les outils Stylo de la barre d'outils pour dessiner un masque sur cette couche. L'outil de mise en forme est celui-ci et lorsque vous appuyez longuement dessus, vous pouvez voir tous les choix. Vous pouvez choisir entre des rectangles, des ellipses, des polygones Je vais choisir une ellipse pour le moment. Je vais revenir vers le visualiseur et il me suffit de cliquer et de faire glisser. Vous pouvez le voir dessiner depuis le coin où j'ai commencé, mais si vous le souhaitez, vous pouvez maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée pour dessiner depuis le centre. Dans ce cas, cela n'a pas vraiment d'importance car je dois juste vous montrer comment cela fonctionne. Une fois que j'ai lâché prise, vous verrez que la majeure partie de la couche a été coupée et abaissée dans la chronologie Cette couche possède désormais ce que l'on appelle le masque 1. Si je l'ouvre, il existe des options supplémentaires, comme le plumage pour adoucir ces il existe des options supplémentaires comme le plumage pour Vous pouvez définir l'opacité du masque indépendamment de l'opacité de la couche, et vous pouvez modifier l' extension du masque, afin de pouvoir l'insérer ou l'extraire sans avoir à modifier le masque lui-même Notez qu' ils sont dotés de chronomètres, ce qui signifie qu' ils peuvent tous être animés comme le tracé du masque lui-même. Si nous tournons un peu vers la droite, nous pouvons consulter cette liste déroulante, qui est notre mode masque Par défaut, le masque est configuré pour ajouter, ce qui signifie qu'il n'ajoute que le masque et supprime tout le reste. Il y a un bouton d'inversion rapide si vous voulez le contraire. Mais si je clique sur ce menu déroulant, vous verrez plusieurs autres options. Régler ce paramètre pour soustraire nous donne la même chose que nous venons de voir C'est le contraire de l'ajout. Redéfinissons-le pour l'ajouter et le renvoyer au visualiseur. Vous verrez que l'outil de masque est toujours sélectionné je peux cliquer et faire glisser un autre masque sur le même calque. C'est là que ces autres modes deviennent beaucoup plus puissants. heure actuelle, les deux masques sont configurés pour Nous pouvons donc voir ces deux zones et tout le reste est supprimé. Notez également que ces deux masques sont de couleurs différentes et qu'ils correspondent aux petits éclats de couleur situés à côté des masques dans la chronologie. Vous pouvez donc dire lequel est lequel. De plus, tout comme les couches, nous pouvons les modifier pour qu'elles soient plus ou moins visibles, selon ce qui est utile pour ce que vous faites. OK, comme je l'ai dit, j'ai deux masques, et ils sont tous deux prêts à être ajoutés. Mais que se passerait-il si je mettais le second à soustraire ? Maintenant, ce premier masque ajoute la zone à l'intérieur du masque et supprime tout le reste. Le deuxième masque permet de soustraire ce résultat. Mais si je change l'ordre et que je place le masque deux par-dessus, cela revient à soustraire cette zone de masque de l'image d'origine, puis le masque 1 ajoute sa zone à nouveau Remettons-les tels que nous les avions et changeons le masque 2 pour qu'il se croise Désormais, nous ne voyons que les zones où ces deux masques se chevauchent. Ça a du sens ? OK, supprimons les deux et examinons comment dessiner un masque personnalisé avec l'outil Stylo. Outre les formes, vous pouvez également utiliser cet outil Stylo ou appuyer sur G pour le sélectionner. Encore une fois, assurez-vous que votre couche est sélectionnée, puis l'outil Stylo fonctionne exactement comme celui d'Illustrator. Si vous cliquez, cela crée un coin difficile. Si vous cliquez et faites glisser, poignées de Bézier seront créées, que vous pourrez ensuite ajuster Une fois que vous avez tracé un tracé personnalisé, vous pouvez appuyer sur V pour revenir à cet outil de sélection, puis cliquer sur l'un des points pour effectuer des ajustements. N'oubliez pas que vous pouvez animer les tracés des masques eux-mêmes, mais il est important de noter que les masques bougeront toujours avec le calque auquel ils sont appliqués de cette manière Maintenant que nous avons terminé notre quête secondaire sur les petits masques, je vais aller de l'avant et revenir au panneau des projets. Cet exemple de composition que j'ai créé est toujours sélectionné, je peux donc simplement appuyer sur Supprimer pour m'en débarrasser Et revenons à notre fusée. Très bien, je vais sélectionner ma couche de tir de roquettes, zoomer, et je parie que je peux probablement m'en sortir en utilisant simplement un rectangle ici Je vais donc prendre cet outil et dessiner dessus. En fait, je dessine la zone que je veux découper parce que cela semble plus facile dans ce cas, puis je vais descendre et soit l'inverser, soit simplement la régler pour la soustraire Je pourrais voir à quoi cela ressemble avec juste un peu de plumes, alors je vais l'ouvrir et le faire glisser un peu vers le haut Ouais. Si je souhaite apporter des modifications au masque, je peux revenir vers le visualiseur à l'aide mon outil de sélection et double-cliquer sur le masque. Vous obtenez maintenant une petite boîte de transformation pour le masque lui-même. C'est bon. Enfin, vous pouvez masquer masques s'ils vous gênent. En bas du panneau de visualisation, vous pouvez voir quelques boutons supplémentaires dont je n'ai pas encore parlé, et celui-ci ressemble à un petit masque. Cliquez dessus pour augmenter la visibilité des masques dans le visualiseur Vous pouvez toujours voir les résultats, mais de cette façon, vous pouvez réellement voir à quoi ressemble tout sans ces masques ne vous gênent. Pour les faire revenir, il suffit de cliquer à nouveau dessus. Je pense que nous sommes prêts à animer. 27. Animer votre scène: N'oubliez pas que nous avons déjà défini le feu, donc je peux juste animer la fusée et le feu suivra Comme il s'agit d'une courte animation, je ne prévois pas de la faire sortir complètement du cadre. Nous allons juste le faire passer comme ça, et nous allons animer l'arrière-plan pour aider à vendre l'effet global Je vais donc commencer ici et créer une image-clé de position. Appuyez ensuite sur Fin pour passer à la dernière image et la faire monter et traverser comme ceci. Je l'ai souligné tout à l'heure. Lorsque vous animez une position, vous pouvez voir ce que l' on appelle une trajectoire de mouvement, qui indique où se trouve la couche et/ou où elle va Nous les aborderons plus en détail plus tard, mais même une simple ligne droite comme celle-ci peut être très utile comme référence. Cela va être un bon guide pour faire tourner cette fusée. Il existe des moyens de faire pivoter automatiquement une couche dans le sens du déplacement, mais je pense que pour celui-ci, nous pouvons simplement rester simples. Je vais juste essayer de faire correspondre cela assez étroitement. Et si vous avez besoin d'être plus précis, lorsque vous ajustez ces propriétés, vous pouvez maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée pour les affiner. Voyons un aperçu et voyons ce que vous ressentez. D'accord, je pense que c'est plutôt bien. Je pense qu'un peu de mise à l'échelle subtile serait probablement bien ici aussi. Je pense que l'échelle actuelle est probablement un très bon point final. Terminez donc et créez une image-clé. Revenez au début avec la page d'accueil et réduisez-la un peu, prévisualisez. Tu sais quoi ? Peut-être juste un petit ajustement ici. Et c'est toujours le processus. Ajustez, prévisualisez, ajustez, prévisualisez jusqu'à ce que vous en soyez satisfait. Parfois, lorsque vous ajoutez d'autres éléments plus tard, cela peut changer la sensation et vous devrez y revenir et y toucher à nouveau. Maintenant, pour ce qui est des stars, ce sont elles qui vont vraiment faire le plus gros du travail ici. Molette de défilement pour effectuer un zoom arrière. Si vous devez ajuster le placement dans le visualiseur, vous pouvez maintenir la barre d' espace enfoncée pour obtenir un outil manuel temporaire et simplement le relâcher. Revenons au point de départ. Et abordons cette question de manière à ce que le coin inférieur gauche corresponde presque à cet endroit, positionnons l'image-clé, sautons jusqu'au bout et optons pour une sorte de mouvement en diagonale Mais cela ne correspondra pas au mouvement de la fusée. C'est donc ici que nous pouvons utiliser cette trajectoire de mouvement pour nous assurer qu' ils semblent aller de pair. Ce ne sera probablement pas parfait, mais comme nous avons déjà aligné la rotation des fusées, cela devrait être un très bon guide. Maintenant, je pourrais faire des allers-retours et ajuster les images-clés elles-mêmes, mais vous pouvez également le faire sur la trajectoire de mouvement elle-même. Ces sommets représentent ces images-clés Je peux donc simplement les faire glisser dans le visualiseur pour les aligner. Vérifions-le. OK, cet angle me semble correct, mais je pense que ça avance trop lentement. Je prévois d'ajouter un peu de flou à cet arrière-plan plus tard Je pense donc que nous pouvons contourner un peu les règles et les augmenter jusqu'à 200 % Bien, maintenant je vais revenir en arrière et ajuster ces images-clés de position pour cette nouvelle taille Zoomez en arrière, prévisualisez. Oui, c'est beaucoup mieux. 28. Trouver et ajouter des effets: Je pense que cet arrière-plan rivalise visuellement un peu trop avec la fusée ici, donc je vais utiliser quelques effets pour l'ajuster. Nous allons venir ici pour trouver le panneau Effets et préréglages Pour moi, il s'agit de partager un espace avec des propriétés. Si, pour une raison ou une autre, vous ne l' avez pas dans votre interface, vous pouvez toujours accéder à Window et le trouver dans la liste des panneaux ici, Effets et préréglages After Effects possède littéralement des centaines d'effets. Après tout, c'est la moitié du nom du programme. Et même si je les ai assez bien mémorisés, ce n'est probablement pas une chose normale ou nécessaire à faire Heureusement, ils nous ont donné une barre de recherche rouge en haut du panneau. Je cherche juste à régler la luminosité et le contraste général de l'arrière-plan des étoiles. Je pense donc que les courbes ou les niveaux seraient un bon choix ici. Il s'agit essentiellement des mêmes effets que ceux que vous trouverez dans Photoshop. Donc, si vous les connaissez déjà, je vais utiliser des courbes, mais si vous êtes plus à l' aise avec les niveaux, c'est très bien aussi. Je vais juste taper des courbes. Et voilà, dans le cadre de la correction des couleurs. Si le calque est déjà sélectionné, je peux double-cliquer sur le nom de l'effet pour qu'il l'applique, ou je peux le faire glisser sur ce calque dans la chronologie. Dès que vous appliquez l'effet, regardez sur le côté gauche de l'interface utilisateur où se trouvait auparavant le panneau de projet Vous verrez maintenant des commandes d' effet, qui exposent toutes les propriétés de l' effet pour tout ce qui est appliqué au calque sélectionné Curves fonctionne avec cette petite interface graphique où le coin inférieur gauche représente le noir et le coin supérieur droit représente le blanc. Je veux réduire la luminosité globale, je vais donc faire glisser ce point supérieur vers le bas. Et j'aimerais assombrir le tout dans son ensemble, afin de pouvoir le placer au milieu et d' en faire une courbe douce Je garde un œil sur le spectateur pendant que je fais cela afin de voir les résultats de ce qui se passe. Je l'utilise simplement de manière simple, mais si vous le souhaitez, cet effet vous permet d' effectuer le même type de réglages sur des canaux de couleur individuels. Vous êtes donc libre de l'explorer si vous le souhaitez. Faisons un autre aperçu et voyons ce que l'on ressent. Oui, ça m'aide beaucoup. Ça aide vraiment la fusée à sortir. Si vous utilisez l' une de mes fusées et que vous devez changer de couleur, vous êtes bien sûr libre de retoucher ces images dans Photoshop si vous êtes déjà à l'aise là-bas. Mais ici, dans After Effects, vous avez plusieurs options différentes. Selon l'image sur laquelle vous travaillez, il est possible que changement de couleur ou le changement de couleur soit un bon choix. Ces deux éléments sont un peu plus complexes que ceux que je vais utiliser, mais je tiens à souligner qu'en cliquant sur cette petite icône d'information, vous accédez au site d'aide d'Adobe contenant plus d'informations sur l'effet sélectionné. Je vais choisir quelque chose d'un peu plus simple, comme le tritone. Et je peux aussi simplement le faire glisser directement sur la fusée dans mon visualiseur. Vous voyez le cadre de délimitation ici ? Maintenant que je l'ai appliqué, vous verrez que j'ai de nouveau des commandes d' effets. Cette fois, l'apparence est très différente des courbes. Ici, nous avons des commandes de couleur pour les reflets, les tons moyens et les ombres Et pour cette image, je pense que cela fonctionnera très bien. Par défaut, il applique un aspect sépia, mais il suffit de cliquer sur ce contrôle de couleur des tons moyens et de choisir quelque chose de différent, comme, je ne sais pas, du vert vif Maintenant, vous pouvez voir ici que je aussi beaucoup de vert dans les parties blanches. Mais puisque nous venons juste d'en apprendre davantage, je ne m'en occuperais pas trop. Cela peut nécessiter quelques essais et erreurs car, encore une fois, cela dépend l'image sur laquelle vous travaillez réellement. N'ayez donc pas peur d'explorer. Dans le pire des cas, vous pouvez toujours rétablir les paramètres par défaut d' un effet ici, ou vous pouvez activer ou désactiver un effet avec ce petit bouton FX Ou si vous ne l'aimez vraiment pas, vous pouvez simplement cliquer sur le nom de l' effet et appuyer sur Supprimer. Ensuite, j'aimerais ajouter un peu de flou à mon animation pour promouvoir l'idée de vitesse Je pourrais utiliser certains effets pour le faire, mais il existe en fait une meilleure approche 29. Appliquer un flou de mouvement: After Effects possède une autre fonctionnalité appelée flou cinétique. Vous pouvez l'appliquer à un calque, et il calcule le flou approprié en fonction de la vitesse à laquelle le calque se déplace Vous l'utiliserez souvent si vous essayez de faire correspondre un élément graphique à une séquence dans laquelle un flou cinétique est déjà intégré à la caméra Mais vous pouvez également l'utiliser sur une pièce animée comme celle-ci . Vous allez le trouver dans vos commutateurs. N'oubliez pas que si vous ne les voyez pas pour le moment, vous pouvez utiliser ce bouton pour basculer entre les commutateurs et les modes Vous pouvez également appuyer sur la touche Quatre de votre clavier pour les activer Maintenant, je vais regarder ma colonne d' interrupteurs et trouver celle-ci qui ressemble un peu à une petite balle rebondissante Ce commutateur active le flou cinétique pour ces couches. Je veux que toutes mes couches le contiennent pour que je puisse simplement cliquer sur celle du haut et la faire glisser vers le bas tout en maintenant le bouton de la souris enfoncé, et cela l'active pour toutes les couches sur lesquelles je fais glisser le pointeur. Vous avez probablement remarqué la différence immédiatement, mais si ce n'est pas le cas, c'est parce qu'il existe en fait un autre interrupteur qui contrôle si cela est visible pour l'ensemble de la composition. Et c'est juste là, dans cette petite rangée de boutons. Remarquez cet autre interrupteur de flou cinétique ici, en cliquant dessus pour l'activer ou désactiver pour l' ensemble du composite Si nous avons beaucoup de couches, cela peut s'avérer long à calculer. After Effects vous permet donc de l' activer et de le désactiver rapidement lorsque vous souhaitez travailler plus rapidement. instant, je veux qu'il soit activé, donc je vais juste m'assurer qu'il est activé. Le fond de l'étoile se déplace beaucoup plus rapidement, il est donc plus flou que celui de la fusée, qui ne bouge pas autant Juste pour faire une comparaison plus directe, voici une fusée qui se déplace beaucoup plus loin dans le même laps de temps, comme vous pouvez le voir sur ces trajectoires de mouvement. Cela signifie que la couleur rose se déplace plus rapidement, elle est donc beaucoup plus floue. Ça a du sens ? 30. Ajuster la vitesse des clips vidéo: Je pense que ça a l' air plutôt bien. Mais maintenant que je regarde ça, surtout avec ce flou cinétique, le feu semble un peu lent en comparaison Nous allons donc accélérer ce clip, le faire jouer plus rapidement et, espérons-le, faire en sorte qu'il corresponde mieux. Je vais arrêter l'aperçu. Pour appliquer cela, nous pouvons soit cliquer avec le bouton droit sur ce clip dans la chronologie , soit accéder au menu des couches. Vous aurez les mêmes options d'un endroit à l'autre et en regardant dans le temps. Nous recherchons ici cette option appelée timestretch. Il vous propose ce petit menu contextuel avec quelques options supplémentaires, et le principal que nous voulons rechercher est le facteur d'étirement. heure actuelle, il joue à 100% à une vitesse normale, et nous pouvons voir que ce clip a une durée de 18 secondes. OK ? Donc, si je tape 50 ici dans le facteur d'étirement, cela signifie que je joue 50 % du temps, soit le double de la vitesse. Remarquez que la durée est désormais de 9 secondes. D'accord, ça marche pour moi, alors je vais juste appuyer sur OK. Sur ces courtes compositions, nous ne voyons vraiment rien de différent à propos de la couche, mais si elle était plus longue, nous pourrions voir que cette couche fait maintenant la moitié de sa longueur. En faisant un aperçu, nous pouvons voir que, oui, c'est définitivement plus rapide Je pense que cela semble plutôt bon, mais nous pourrions totalement expérimenter cela. Même à double vitesse, ce clip dure encore 9 secondes, et notre composition n'en compte que trois. Nous avons donc en fait une grande marge de manœuvre ici. Si vous souhaitez l'ajuster à nouveau, vous pouvez bien sûr continuer à entrer et sortir de ce menu, mais vous pouvez également exposer cette propriété d' étirement temporel directement dans la chronologie. Si vous arrivez ici dans cette zone de votre chronologie, où se trouvent les étiquettes des colonnes et que vous cliquez avec le bouton droit de la souris quelque part ici, il existe en fait d'autres colonnes que vous pouvez activer et personnaliser celles qui sont visibles. Je vais activer Stretch, et maintenant je peux le voir dans ma chronologie. Si je clique et fais glisser, je peux maintenant le modifier très facilement. Bien sûr, si je vais trop bas, vous finirez par constater que ce clip se joue si vite que maintenant il est trop court pour la chronologie, ne serait probablement pas beau de toute façon. Mais environ 20 % seraient tout de même sûrs. Je pense que c'est un peu trop rapide. Je vais juste annuler et laisser cette option à 50, mais je voulais que vous voyiez cette option au cas où vous voudriez expérimenter. Une fois que cela vous convient, si vous ne voulez plus que cette colonne prenne de la place, vous pouvez simplement cliquer avec ne voulez plus que cette colonne prenne de la place, le bouton droit sur le nom et choisir de la masquer. Soulignons que si vous allez dans la direction opposée et que vous essayez de ralentir un clip pour qu'il soit diffusé plus lentement que sa vitesse d'origine, il est probable qu'il commence à avoir l'air agité parce que vous dupliquez images pour y parvenir Il existe des moyens de faire en sorte que cela paraisse correct, mais d'une manière générale, vous devez essayer d'éviter cela, sauf si vous y êtes obligé. Une dernière remarque concernant l'utilisation de clips dans vos projets. Si vous avez examiné attentivement la fusée à trois D, vous avez peut-être remarqué qu'elle possède plusieurs cônes d'amplification, ce qui signifie que nous avons probablement besoin plusieurs exemplaires de notre pince à feu pour que cela ait l'air correct. C'est assez facile. Une fois le clip sélectionné, je vais accéder au menu d' édition et trouver doublon ou simplement appuyer sur Ctrl ou Commande D. Nous avons maintenant une deuxième copie de ce clip dans la chronologie. Je vais juste le mettre en place. Maintenant, sans tenir compte du fait que je n'ai pas fabriqué les masques ici, il y a un autre problème : ces clips ont l'air identiques, ce qui n'est pas très crédible Mais comme même à cette vitesse plus rapide, ce clip reste un peu plus long que nos compositions, cela signifie que nous avons beaucoup de marge de manœuvre pour nous adapter. Notez qu'à l'heure actuelle, ces deux clips commencent exactement au même moment sur la chronologie. Mais si je prends cette copie supérieure et que je la fais glisser vers la gauche, je la déplace à un autre moment juste pour ce clip. telle compensation signifie que même s'ils utilisent toujours le même clip comme source, ils auront un aspect suffisamment différent pour ne pas avoir l' impression d'être des copies Si vous le souhaitez, vous pouvez certainement effectuer quelques ajustements d' échelle, peut-être même inverser l'un d'entre eux pour qu'il soit inversé. C' est vraiment un excellent moyen de mélanger les choses et de créer une variété visuelle sans avoir besoin d'une tonne de ressources. 31. Créer une vignette animée: Supposons que nous ayons un effet que nous voulons appliquer à toutes les couches au lieu d'une seule. Bien sûr, vous pouvez appliquer le même effet à chaque couche, puis continuer à ajuster les paramètres d'avant en arrière, mais cela semble assez ennuyeux. Heureusement, il existe un moyen d'appliquer un effet à plusieurs couches. C'est ce qu'on appelle une couche de réglage. Il s'agit d'un type de couche différent qui ne fait rien d'autre que des effets de maintien. Pour en créer un, je vais passer au calque , nouveau calque de réglage. Vous verrez que cela le crée en haut de ma pile de calques, et maintenant je peux y ajouter un effet directement, et cela affecte tous les calques situés en dessous. Juste pour le démontrer rapidement, j'ai toujours Tritone ici et mon panneau d'effets et de préréglages Je vais donc l'apporter et l' appliquer au calque de réglage, et vous pouvez voir que cela applique maintenant cet effet triton à tous les autres Mais si je devais prendre cette couche de réglage et la faire glisser sous le feu de ma roquette, elle n'aura plus d'effet triton, elle retrouvera sa couleur d'origine tout le reste étant Donc je suppose que si vous voulez créer une animation de fusée à l'ancienne, c'est un moyen facile de le faire, non ? Mais ce n'est pas ce que je recherche, donc je vais supprimer cet effet triton Je vais revenir à la section Effets et préréglages, et j'en cherche un appelé CC Vignette Je vais l'appliquer à la couche de réglage. Très bien, sympa. Et un aperçu rapide. OK, je trouve que cela ajoute une belle apparence, mais il fait un peu sombre au-dessus la fusée au début et à la fin. Vous avez probablement remarqué que la plupart des commandes d'effets que nous avons vues sont accompagnées d'un chronomètre. Bien entendu, cela signifie que nous pouvons les animer. Je vais appuyer sur la touche d'accueil pour m'assurer que je suis au début de ma chronologie, puis dans les commandes d' effets, je trouverai cette propriété appelée Center. Vous pouvez le déplacer en faisant glisser les valeurs, ou vous pouvez simplement cliquer sur cette petite commande en forme de croix, et maintenant vous pouvez cliquer dessus dans le visualiseur pour le placer à un point précis Vous voyez comment cela change le look ? Je vais revenir et cliquer sur le chronomètre, et maintenant j'anime cette propriété d'effet Sautez jusqu'à la fin de ma composition, prenez ce petit réticule et faites-le glisser vers le haut, pour qu'il soit de nouveau au-dessus de la fusée. Je pense que c'est un peu intense, alors changeons ce montant à peut-être 75, puis nous reviendrons ici et renommerons cette couche en vignette Très bien, je trouve que ça a l'air génial. Cette vignette suit ma fusée tout au long de la scène. Aide vraiment le spectateur à se concentrer sur cet élément de héros. 32. Touches finales: terminer, je pense que ce serait bien d' ajouter un peu de secousse à cette fusée pour augmenter la puissance du moteur-fusée. Et il y a deux manières différentes de le faire. Le premier est un panneau spécial, qui est peut-être un peu plus intuitif pour les débutants, mais il n'est pas aussi flexible. La deuxième méthode est beaucoup plus flexible, mais peut sembler un peu plus intimidante Je vais vous montrer les deux , mais vous n'êtes pas obligé d'utiliser l'un ou l' autre si vous ne le souhaitez pas. Voici le premier moyen. Je vais aller voir Window Wiggler Cela ouvre un panneau appelé Wiggler, et ouvrons-le un peu plus pour voir ce que nous faisons Vous verrez qu'une grande partie de cela est en train de disparaître en ce moment. Je dois en fait sélectionner la propriété à laquelle je veux que cela s'applique Je vais donc choisir la propriété de position de ma fusée. Cliquez simplement sur le nom de cette propriété ici. Et maintenant, les commandes situées dans le panneau Wiggler sont actives Trajectoire spatiale. Ouais, c'est bon. Lisse. Tu sais quoi ? Essayons de Jagged, et tout ira bien indépendamment. Cette fréquence correspond à la fréquence laquelle cette propriété va se tortiller, et la magnitude, c'est à quel point Il s'agit souvent d'essais et d'erreurs. Essayons donc, je ne sais pas, 15 et 5 et cliquez sur Appliquer. Remarquez qu'en bas de la chronologie, cela a ajouté un tas d'images-clés à cette couche de fusées Et si vous regardez dans le visualiseur, vous pouvez voir toutes ces images-clés supplémentaires La trajectoire du mouvement est maintenant complètement irrégulière. Eh bien, il a fait ce qu'il avait dit, non ? Très bien, voyons à quoi ça ressemble. OK, je pense que ce n'est pas trop mal. Le seul problème ici est qu'il s' agit en quelque sorte d'une solution du tout ou rien. Donc, si ça ne me plaît pas, je dois juste annuler, essayer de nouveaux numéros et réessayer. Une fois que j'avance, toutes ces images-clés sont en place Il devient donc beaucoup plus difficile réajuster cette trajectoire de mouvement Cela fonctionne donc parfaitement, mais je vais annuler et vous montrer l'autre itinéraire. Et je vais fermer ce panneau. After Effects possède une autre fonctionnalité appelée expressions, qui sont de petits morceaux de code que vous pouvez ajouter à une propriété pour apporter modifications à l'animation que vous avez déjà ajoutée ou même animer des propriétés sans ajouter d'images-clés Vous pouvez l'ajouter à pratiquement n'importe quelle propriété ici en accédant au chronomètre, en maintenant la touche Alt ou Option enfoncée, puis en cliquant sur le chronomètre Maintenant, si le mot code vous a fait paniquer, détendez-vous. Les expressions sont en effet un terrier à lapin assez profond, mais celui-ci est très sympathique. Nous n'avons pas besoin du code qui est déjà là. Cela fait en quelque sorte référence à la propriété elle-même. Nous voulons utiliser un tortillon. Donc, si je commence juste à taper le mot Wiggle, vous verrez que cette fonction est automatiquement terminée pour moi Maintenant, je peux simplement appuyer sur Entrée et cela s' ajoute dans ma petite boîte de code. Et comme dans le panel précédent, il suffit d'ajouter quelques valeurs pour nous indiquer comment nous voulons que cela fonctionne. Cela prend deux chiffres. abord, vous entrez une fréquence, le nombre de fois par seconde cette ondulation se produit et une amplitude, quelle mesure elle se tortille. Pour la fréquence, essayons à nouveau 15, puis je dois taper une virgule, et pour l'amplitude, nous allons refaire cinq Il suffit de cliquer hors de cette case et le code a été appliqué, en gros au-dessus des images-clés que nous avons créées Mais vous remarquerez qu'elle n'ajoute pas d'autres images-clés et que la propriété elle-même est toujours modifiable OK, donc ça a l'air pareil, ce à quoi je m'attendrais. Juste pour prouver mon point de vue, soyons un peu fous. Je vais cliquer de nouveau ici et changer ce paramètre en 30 30. D'accord, c'est évidemment beaucoup trop, mais j'espère que cela ne vous fait pas trop peur maintenant que vous le comprenez un peu, et que vous pouvez vous sentir libre de jouer avec cela et de trouver des valeurs qui vous conviennent. Je pense que mes précédents étaient plutôt bons, donc je vais simplement les annuler. Ou si vous décidez que vous n'en voulez plus, revenez simplement et modifiez l'option cliquez à nouveau sur ce chronomètre pour supprimer l'expression Bien, je considère que celui-ci est prêt à être lancé, il est donc temps de sauvegarder et d'exporter mon projet 33. Projet de cours 03 - Vol de fusée: temps de passer à un autre projet de classe, et celui-ci est très excitant, je trouve. Nous vous demandons de créer une courte scène représentant une fusée volant dans l'espace en direction de votre destination. Cette fois, nous travaillons à 1080 x 1920, donc ce devrait être ce format vertical, mais c'est à vous de décider de la fréquence d'images et de la durée globale. Nous avons fourni quelques images de fusées différentes, mais vous pouvez également trouver ou créer les vôtres si vous le souhaitez. Votre fusée doit être marquée d'une manière ou d'une autre. La couleur est évidemment la chose la plus facile à modifier, mais si vous souhaitez ajouter une image de marque client supplémentaire à cette fusée, allez-y. Nous voulons que vous utilisiez un clip vidéo pour créer cette traînée de gaz d'échappement derrière la fusée. Nous vous en avons fourni un, mais si vous voulez parcourir sites de stock et essayer de trouver le vôtre, encore une fois, c'est très bien. Et puis pour l' arrière-plan, que nous vous avons proposé quelques options ou que vous pouvez trouver vous-même, vous devriez utiliser ce mouvement pour vraiment créer cette illusion de vitesse dans cette courte animation. Pour rappel, voici à quoi ressemble le mien. C'est plutôt amusant. Et pour des livrables, vous connaissez maintenant le fonctionnement Exportez votre animation au format MP4 en utilisant le même préréglage, téléchargez votre vidéo exportée un site d'hébergement vidéo et partagez ce lien. Ne soumettez pas de liens provenant de sites de stockage dans le cloud, puis assurez-vous de les partager sur les réseaux sociaux. Les jeux de mots sont encouragés. 34. Comment penser comme After Effects: Hey, j'espère que vous appréciez le cours jusqu'à présent. Avant de passer au prochain groupe de leçons, je voudrais aborder un concept important, à savoir que la façon dont vous créez ou structurez la façon dont vous créez ou un élément dans After Effects ou dans une application de design avant de l'importer dans After Effects est déterminée par la manière dont vous comptez l'animer Disons que nous sommes dans Photoshop et nous voulions ajouter de la texture à cette forme. Un flux de travail assez courant consiste à contrôler ou à cliquer sur la forme pour effectuer une sélection, saisir le pinceau et à peindre dessus. Donc ça a l'air bien. Mais réfléchissons à ce que nous venons de créer. Cette texture n'existe que dans cette forme. Du point de vue de l'animation, c'est donc très limitatif. Si vous souhaitez avoir la possibilité animer les traits de pinceau individuellement, vous devez plutôt placer chaque trait sur un calque complètement distinct et vous assurer que le trait complet existe indépendamment de cette autre forme Dans After Effects, vous aurez toujours la possibilité de découper ces traits pour qu'ils ne soient visibles que par-dessus la forme. Mais vous avez maintenant la possibilité d' animer chacune de ces pièces comme bon vous semble, ce qui rend le résultat final beaucoup plus dynamique Vous voyez les possibilités ici ? Ou disons que nous créons le bras d'un personnage d' astronaute Pour un design statique, vous pouvez simplement le faire et c'est terminé. Mais si c'est tout ce que vous devez utiliser, vous ne pourrez pas faire grand-chose au moment de l'animation. Vous devriez plutôt y penser presque comme une poupée en papier, en vous assurant que chaque pièce couvre suffisamment les zones susceptibles d'être exposées lorsque vous la déplacez plus tard. Ce type de réflexion peut être très important lors de la création d' objets dans After Effects two. Vous avez déjà vu qu'il y a souvent plusieurs emplacements pour la même commande sorte que vous pouvez utiliser celui qui vous convient le mieux pour ce que vous faites actuellement. Mais souvent, vous découvrirez également qu'il existe plusieurs manières de configurer un aspect ou un design particulier, qui peuvent sembler identiques avant le début du déplacement, mais qui peuvent vous offrir des fonctionnalités très différentes en termes d'options d'animation et de flexibilité globale. Et celui qui est le bon peut dépendre de ce que vous essayez de faire, nécessité de le mettre à jour facilement plus tard, votre intention de le réutiliser souvent et d'autres facteurs Pour ce prochain projet, j'ai créé des cadres dans Photoshop et Illustrator. Dans le monde réel, vous pouvez probablement tout obtenir au même endroit, mais il n'est pas rare non plus de combiner des éléments provenant de plusieurs sources au sein d'une même composition After Effects. Et bien entendu, il s'agit vous exposer à ces différents flux de travail. Nous allons même recréer certains des principaux éléments directement dans After Effects, ce que vous devrez peut-être faire si vous ne disposez pas de designs modifiables ou cela facilite simplement leur animation Il existe souvent plusieurs manières de créer une œuvre en particulier. Nous espérons donc que ces exemples vous aideront à vous préparer à l'avenir lorsque vous n'animerez créer une œuvre en particulier Nous espérons donc que ces exemples aideront à vous préparer à l'avenir pas exactement ces infographies Bien sûr, pour le moment, vous serez libre de choisir la méthode qui vous convient le mieux. 35. Importer un fichier Photoshop en couches: Examinons quelques stratégies pour créer du contenu dans Photoshop que vous souhaitez animer dans After Effects Tout d'abord, tout ce que vous allez importer dans After Effects doit être en mode couleur RGB. Si vous travaillez dans Photoshop et que vous devez effectuer une conversion, vous pouvez simplement passer à l'image, mode et le régler sur la couleur RVB. Si vous travaillez avec un modèle fourni, assurez-vous d'enregistrer une copie de l'original et de ne pas l'enregistrer par-dessus. De cette façon, vous pouvez toujours regarder en arrière et vous assurer que vous n'avez rien gâché. J'aime utiliser un nom de fichier qui indique clairement lequel est lequel. Si vous créez du contenu à partir de zéro, vous trouverez ici de bons préréglages films et vidéos sont généralement un bon endroit où aller, et vous pouvez choisir celui qui vous convient , la télévision haute définition, par exemple La seule chose que je voudrais souligner, c'est que vidéos n' ont généralement pas de fond blanc, vous pouvez donc choisir entre le noir et le transparent. Et cela est créé à l'aide de guides correspondant à ce que l' on appelle la zone de sécurité, afin de garantir que tout contenu ou texte important soit conservé dans une zone visible et sûre. Lorsque vous créez des designs dans Photoshop, chaque calque Photoshop peut devenir un calque After Effects une fois importé ultérieurement. Toutes les couches faisant partie d' un groupe tel que ces quadrillages seront importées en tant que précomposition dans After Effects. Ils seront donc toujours modifiables individuellement. Ils seront juste nichés. Remarque importante : After Effects ne reconnaît pas les plans de travail. Donc, si vous concevez plusieurs images au même endroit, ce qui est assez courant, vous devrez les enregistrer individuellement pour les importer dans After Effects. Et vous pouvez le faire facilement en accédant à un fichier, en exportant des plans de travail, vers des fichiers Lorsque vous importez un fichier Photoshop dans After Effects, cette fenêtre contextuelle vous indique comment vous souhaitez l'importer. Cette liste déroulante de type d'importation vous permet de choisir parmi des séquences, ce qui reviendrait essentiellement importer une image plate comme un JPEG si vous mettez à jour votre design dans Photoshop, il sera actualisé. J'aime généralement recommander que la composition conserve la taille des couches. Chaque couche Photoshop sera donc importée en tant que couche After Effects, mais elle comportera un cadre de la taille de cette ressource Si vous choisissez cette option, chaque couche comportera un cadre de la taille de l'ensemble du document Et bien que cela ait son utilité, cela signifie surtout que vous allez passer beaucoup de temps à fixer les points d'ancrage. Je vais donc choisir la composition, conserver les tailles des calques, et vous pouvez décider si vous souhaitez que les options des calques restent modifiables ou soient fusionnées dans votre métrage Je vais juste appuyer sur OK. After Effects crée maintenant une composition pour moi, c' est-à-dire ce document, puis un dossier contenant toutes les couches qu'il contient. Double-cliquez sur ces compositions, et vous verrez, en effet, que tous les calques de mon document Photoshop ont été transférés. Ces deux groupes de Photoshop ont été importés sous forme de précompositions, comme je l'ai dit, et je peux double-cliquer sur l'un d' entre eux pour voir tous les calques individuels qu'ils contiennent. Voici une autre fonctionnalité vraiment utile. Les calques de texte Photoshop peuvent être convertis directement en calques de texte modifiables After Effects Reprenons simplement les quatre premiers ici, et je peux cliquer avec le bouton droit de la souris ou choisir cette option dans le menu des couches. Mêmes options aux deux endroits. Et vous allez chercher à créer, convertir en texte modifiable Regardez la petite icône à côté de chacune de ces couches. Il passera d'un fichier Photoshop à un T, ce qui signifie qu'il s'agit d'un calque de texte actif, et maintenant le panneau des propriétés m'indique propriétés du texte que je peux modifier pour chacun de ces calques. Une dernière chose à noter est que les dessins importés depuis Photoshop ou Illustrator seront toujours importés pendant la durée de la dernière composition que vous avez créée. Si c'était vraiment court, parfois ce ne serait pas une très bonne solution. Mais une petite astuce que j'aime faire est de créer une nouvelle composition avec la durée que je souhaite donner à ce fichier entrant et de cliquer simplement sur OK. Maintenant, lorsque vous importez ce fichier, choisissez vos options, cliquez sur OK, il arrivera exactement avec la même durée, et vous pouvez simplement supprimer ces compositions factices 36. Importer un fichier Illustrator en couches: Examinons maintenant quelques stratégies pour créer du contenu dans Illustrator que vous souhaitez animer dans After Effects Cela reprendra en partie la leçon Photoshop, mais il existe également plusieurs différences clés. Le plus important est que nous adaptons des illustrations vectorielles pour soient utilisées dans un environnement basé sur des images matricielles ou des pixels. Cela sera un peu technique, mais je vais essayer de rester aussi convivial que possible. Tout d'abord, tout ce que vous allez importer dans After Effects doit être en mode couleur RGB. Si vous travaillez dans Illustrator et devez convertir un document existant, vous pouvez le faire dans le mode couleur du fichier. Si vous travaillez avec un modèle fourni, assurez-vous d'en enregistrer une copie et de ne pas enregistrer par-dessus l'original. Ainsi, vous pouvez toujours regarder en arrière et vous assurer que vous êtes fidèle au design original. Dans Illustrator, en particulier, vous allez probablement restructurer le fichier pour le préparer à l'animation. J'aime donc utiliser un nom de fichier qui indique très clairement lequel est lequel. La flexibilité des illustrations vectorielles signifie que vous pouvez concevoir des objets à peu près n'importe quelle taille, puis les agrandir ou les réduire sans perte de qualité. Mais lorsque vous concevez pour une vidéo, il est préférable de vous assurer que vous créez réellement à une taille adaptée à la façon dont vous allez l'utiliser. Même si AfterVX fonctionne avec des pixels, il existe un moyen de conserver la netteté de vos graphiques vectoriels lorsqu'ils sont redimensionnés à plus de 100 %, mais cela ne signifie pas que vous devez être imprudent Bien sûr, vous pouvez créer un tout petit dessin pendant que vous zoomez à 1 600 %, et cela fonctionnera techniquement, mais cela signifie que vous travaillerez à une échelle vraiment incroyable dans After Effects, et ce n'est tout simplement pas une Comme nous concevons pour les pixels, il est également conseillé d'utiliser cette commande Snap two pixel dans le menu Affichage afin de ne pas créer accidentellement des éléments qui se situent entre les pixels, ce qui peut donner un aspect un peu étrange. Lorsque vous créez un nouveau fichier, vous trouverez des tailles appropriées sur le Web, mais je vous recommande d'utiliser les préréglages du film et de la vidéo Cela est particulièrement important si vous créez un dessin qui s'étend au-delà des bords de la toile et que vous souhaitez avoir accès à cette forme complète. Découvrez-les dans After Effects. J'ai créé ces deux mises en page similaires en utilisant le préréglage Web 1920 x 1080 et le préréglage film et vidéo 1920 x 1080 la version Web, observez ce qui se passe lorsque j' éloigne cette forme du bord. Euh oh. Mais la version film et vidéo me donne tout. Voici à quoi ressemblent ces deux designs dans Illustrator. D'abord, le web, puis le film et la vidéo. Ceux d'entre vous qui ont de l'expérience avec Illustrator ont peut-être remarqué tout de suite, mais le secret réside dans le fait que le préréglage du film et de la vidéo crée en fait un plan de travail supplémentaire . Techniquement, aucun contenu n'en est exclu OK, créons donc un autre nouveau fichier ici avec le préréglage vidéo. Certaines personnes n'aiment pas ces étranges règles vertes. Vous pouvez donc les désactiver sous visualisation et masquer les règles vidéo. Nous avons toujours ces guides verts qui indiquent la zone de sécurité. C'est un peu un vestige des anciens types d'affichage, mais c'est tout de même un bon guide pour vous assurer que vos éléments importants restent visibles à l'écran Cela dit, si vous voulez les désactiver , c'est un peu plus masqué. Dans votre panneau Propriétés, trouvez ce bouton Modifier les plans de travail, mais assurez-vous que le plan de travail est sélectionné avant de cliquer dessus Vous recherchez maintenant des options de plan de travail, puis ces trois cases à cocher permettent désactiver ou de réactiver ces éléments Bien entendu, maintenant que vous savez ce qui se passe dans les coulisses, vous pouvez simplement créer un plan de travail supplémentaire en utilisant les préréglages de votre choix Mais ce qui est peut-être un peu confus, que si vous avez un document contenant travail distincts qui ne se chevauchent pas, exemple pour concevoir cadres de style différents ou des rapports hauteur/largeur différents pour le même design, After Effects ne les importera pas correctement Au lieu de cela, vous devrez à nouveau enregistrer chacun d'entre eux dans un fichier distinct, qui fait partie de la boîte de dialogue de sauvegarde. Si vous avez déjà enregistré votre document, vous devrez peut-être effectuer une sauvegarde pour le déclencher. Dans le menu contextuel, c'est ce que vous recherchez ici. Enregistrez chaque plan de travail dans un fichier distinct. Une fois que vous aurez cliqué sur OK, Illustrator s'en chargera pour vous et les enregistrera sous forme de plusieurs fichiers. Bien, dans Illustrator, vous devez donc être un peu plus attentif à la manière dont vos couches sont structurées Cette fois, chaque couche de niveau supérieur peut devenir une couche After Effects. Ainsi, chacune des couches que vous voyez deviendra une couche dans After Effects. Mais tous les objets contenus dans l'une de ces couches sont regroupés en une seule entité. Ce point ne contient donc qu' une seule forme, et c' est ce que je vais trouver dans After Effects. Mais ce résultat plus les ticks contient plusieurs formes, et celles-ci apparaîtront sous la forme d'une seule couche toutes ces formes étant traitées comme un seul objet. Bien sûr, ce n'est pas vraiment ainsi que la plupart des designers structurent les choses ici. J'ai découvert qu'il est assez courant que les gens travaillent principalement sur une ou deux couches, même s'ils savent bien regrouper et nommer. Donc, si vous héritez d'un dessin de quelqu'un d'autre, vous devrez probablement subir une petite intervention chirurgicale avant qu'il ne soit prêt à être animé Et cela va plus loin que je ne peux vraiment entrer ici, mais j'ai un gros conseil pour gagner du temps. Décomposer cela en couches individuelles serait assez fastidieux Mais si vous sélectionnez l'ensemble du dessin , puis que vous regardez dans ce petit menu hamburger haut du panneau des calques et que vous choisissez de passer à la séquence des calques, il place chacun d'entre eux dans son propre petit dossier de calques, et vous pouvez simplement les faire glisser vers l'extérieur Vous voudrez tout de même prendre le temps de renommer, mais cela vous permet certainement d'économiser beaucoup d'étapes En passant à After Effects, je vais importer la version correctement structurée de mon graphique linéaire, et nous verrons apparaître cette fenêtre d'importation, bien que certains détails soient légèrement différents de ceux de Photoshop. Dans la section Type d'importation, encore une fois, nous pourrions l'importer sous forme de séquence, ce qui nous donnerait un seul fichier Illustrator pris en sandwich, ce qui pourrait convenir à quelque chose de simple ou lorsque vous n'avez pas besoin d' aucune pièce individuelle pour déplacer Si vous apportez des modifications au fichier dans Illustrator, vous les verrez ici. Ce que vous devez généralement choisir, c'est la composition, ce qui signifie que vous aurez un accès complet à tous les calques de haut niveau d'Illustrator. Ensuite, en ce qui concerne les dimensions du métrage, vous voudrez généralement choisir taille de la couche, sauf si vous souhaitez que chaque couche ait un la taille du document complet, ce qui signifie généralement simplement que vous devrez fixer un grand nombre de points d'ancrage Remarque rapide : toute composition créée à partir de ressources fixes de ce type utilisera en fait la durée de la dernière composition que vous avez créée. Donc, une petite astuce que j'aime utiliser avant d'importer est de créer une composition factice et de définir ma durée. Ça a l'air bien. Maintenant, lorsque j'importe mon fichier Illustrator, il utilisera la même durée et je peux simplement supprimer cette composition supplémentaire. Même si nous travaillons actuellement en pixels, oubliez pas que j'ai dit qu'il existe un moyen de redimensionner correctement vos calques Illustrator, mais ce n'est pas le cas par défaut Saisissons ce point de 2016 pour le démontrer. Augmentons-le , et je vais le rendre jaune pour qu'il soit facile de le suivre. Si vous regardez sous les interrupteurs et que vous trouvez le second en partant de la gauche, cela ressemble un peu à un soleil. activation de cette option permet ce que l'on appelle la rastérisation continue, ce qui signifie qu'elle reste désormais propre et nette, quelle que soit sa taille Encore une fois, vous pouvez faire une pile complète en maintenant bouton de la souris enfoncé tout en faisant glisser le pointeur sur chacune d'elles. Réduisons cette échelle. Il y a une autre fonctionnalité qui vous donnera encore plus d'options. After Effects possède ses propres calques vectoriels natifs appelés calques de forme, que vous pouvez dessiner directement ici, mais vous pouvez également convertir fichiers ou des calques Illustrator importés en calques de forme. Essayons-le en ligne ici. Pour ce faire, cliquez simplement avec le bouton droit sur la couche ou regardez dans le menu des couches en haut Vous trouverez la même option aux deux endroits, et nous cherchons à créer des formes à partir d'une couche vectorielle. Vous verrez que mon calque Illustrator d'origine est toujours là, mais qu'il est désactivé, et maintenant j'ai un nouveau calque avec cette petite icône en forme d'étoile. C'est une couche de forme. Maintenant, mon panneau de propriétés m' offre des options supplémentaires. Dans ce cas, il sait qu'il s'agit d'un trait, donc je peux changer la couleur ou même la largeur du trait. Et encore une fois, remarquez que vous verrez chronomètres près de la plupart d'entre eux, ce qui signifie qu'ils peuvent être animés, y compris le chemin lui-même. Maintenant, si vous convertissez un calque plus complexe comme le bas de page et les ticks, il connaît toutes les formes individuelles qui ont été utilisées pour créer ce calque dans Illustrator, et il les a toutes transformées en petites formes distinctes pour moi, ce qui signifie que je peux les modifier ici, mais elles sont toutes contenues dans une seule couche au sein de ces groupes individuels, donc il faut beaucoup plus de choses à naviguer. Bref, même si vous envisagez de convertir de cette manière, vous devez être intentionnel quant à la façon dont ces fichiers sont structurés afin ne pas perdre une fois de plus un temps à essayer de décortiquer vos conceptions ici maintenant nous verrons comment utiliser et prochaine leçon, nous verrons comment utiliser et créer davantage de couches de formes. Mais une dernière chose avant de le faire. Malheureusement, le texte Illustrator ne peut pas être converti comme le texte Photoshop. Mais si votre design est ouvert dans Illustrator, sélectionnez votre texte et copiez-le. Revenez à After Effects, sélectionnez l'outil Texte et cliquez pour créer une nouvelle couche de texte. Collez, et vous avez maintenant le même bout de texte avec les mêmes paramètres, entièrement modifiable 37. Introduction aux couches de formes: Les couches de formes sont l'une de mes fonctionnalités préférées d'After Effects. Ils ressemblent à une mini-version d'Adobe Illustrator, mais ils sont contenus dans une seule couche. Cela signifie qu'ils peuvent devenir un peu complexes, mais vous pouvez également les utiliser de manière basique. Nous avons déjà étudié la possibilité de convertir des illustrations à partir d'Illustrator, mais cette méthode est parfois plus simple et vous permet mieux contrôler la création vos éléments directement dans After Effects. Je vais revenir à ma barre d'outils, saisir nouveau l'outil de forme et choisir un rectangle. Oui, le même outil de mise en forme que celui que nous avons utilisé précédemment pour créer un masque. Avant de dessiner, remarquez les commandes de remplissage et de trait situées ici même dans la barre d'outils. Vous pouvez cliquer sur ces pastilles de couleur pour changer de couleur. Modifiez la largeur du trait avant même de dessiner, ou vous pouvez cliquer sur les mots eux-mêmes ici pour choisir entre solide, dégradé ou aucun. Cette fois, aucune couche n'est sélectionnée. Ainsi, lorsque je place mon curseur dans le visualiseur, vous pouvez voir cette petite icône en forme d'étoile à côté de mon curseur. Cela signifie que je suis sur le point de créer une couche de forme. Si une couche est sélectionnée, s'affiche sous forme de curseur de masque. Vous voyez la différence ? Cliquez et faites glisser pour dessiner cette forme. Si je veux un carré parfait, je peux appuyer sur Shift. Si vous préférez dessiner à partir du centre, n'oubliez pas que vous pouvez maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée pour le faire, ou maintenir les deux en même temps, si vous le souhaitez. Mais je vais garder le mien ici pour le moment. Maintenant, j'ai une couche de forme avec un rectangle en bas dans ma chronologie, et en regardant mon panneau de propriétés, vous pouvez également voir le même rectangle juste là. Examinons ces propriétés de forme. Je viens de dessiner ce que l'on appelle une forme paramétrique, ce qui signifie que ces valeurs déterminent l'apparence de cette forme Je peux cliquer et faire glisser dessus pour les redimensionner. Vous pouvez cliquer sur cette petite chaîne pour les dissocier et modifier cela en une seule dimension Vous avez également la rondeur des coins ici. Et, bien entendu, n'importe lequel d' entre eux peut également être animé. Nous avons des paramètres pour le contour et le remplissage, et encore une fois, nous pouvons les remplacer par un dégradé ou par aucun dégradé, mais je vais simplement laisser cela comme solide pour le moment. autres formes auront des propriétés différentes ici, ou vous pouvez également créer des formes de Bézier composées de points de trajectoire Il peut s'agir de formes régulières comme des rectangles et des ellipses, ou nous pouvons revenir et récupérer notre ami l'outil Stylo Encore une fois, cliquez pour créer un coin dur, cliquez et faites glisser pour créer un coin arrondi. Et maintenant, j'ai dessiné une forme totalement personnalisée. Comme il ne s'agit que d'une forme de Bézier, elle n'a qu'une seule propriété de chemin ici, mais je pourrais toujours la modifier ou l'animer. Maintenant, remarquez que j'ai créé la deuxième forme sur le même calque le premier rectangle que j'ai dessiné. C'est exact. Les couches de formes peuvent être totalement constituées d'un seul objet ou contenir plusieurs formes, qui peuvent être regroupées. Vous pouvez ajouter des modificateurs pour modifier leur apparence et leur comportement Tout cela est totalement procédural, super flexible, totalement non destructif et peut être animé C'est assez dingue. Le secret réside dans le fait qu' une couche de forme n'est en réalité qu'un contenant. Si vous avez l'œil aiguisé, vous remarquerez probablement que deux ensembles de propriétés de transformation sont actuellement deux ensembles de propriétés de transformation visibles dans le panneau des propriétés. La couche se transforme en haut et la forme en bas. C'est exact. Chacune de ces formes que je viens de dessiner possède en fait son propre ensemble de transformations indépendamment de la couche sur laquelle elle vit. Donc, si j'ajuste la rotation de la couche, les deux formes pivotent et cela se produit à partir du point d'ancrage de la couche juste au milieu des compositions Mais lorsque je sélectionne le premier rectangle, cet objet a ses propres transformations de forme. Je peux donc ajuster la position ou l'échelle et faire pivoter et remarquer que cela se produit à partir du point d'ancrage de cette forme elle-même. Bien, prenons un peu de recul. Si vous êtes une personne moins technique et que cela vous fait déjà peur, vous pouvez généralement ignorer ce niveau supplémentaire de complexité Dessinez simplement une chose, puis utilisez les transformations de couches comme n'importe quoi d'autre. En fait, si vous regardez dans la section « Composition des préférences », y trouverez même un paramètre qui centrera le point d'ancrage sur la forme vous dessinez, peu importe où vous la placez. Donc, si cette approche vous semble plus logique , vous pouvez l'utiliser. Je vais sélectionner la première forme et changer la couleur de remplissage. Cela devrait vous aider à suivre ce qui se passe au fur et à mesure que nous explorons cette page. Bien entendu, vous pouvez effectuer de nombreuses modifications et même créer des animations uniquement à partir du panneau des propriétés, mais le véritable pouvoir des couches de forme se cache en fait dans la chronologie Prenons ce petit séparateur et agrandissons le panneau de chronologie afin que vous puissiez vraiment voir ce que je fais ici Encore une fois, nous avons le rectangle 1 et la forme 1. Si j'ouvre le premier rectangle, vous verrez une variété de choses à l'intérieur La couche de forme n'est qu'un conteneur, et Rectangle One n'est en fait qu'un groupe, que je pourrais renommer si je le voulais . Mais je ne le sais pas pour le moment. After Effects m'a juste aidé. Lorsque j'ai dessiné une forme, elle l'a automatiquement placée dans un groupe pour moi et a nommé le groupe en fonction de l'objet qu'elle contient. À l'intérieur de ce groupe se trouvent un tracé rectangulaire paramétrique, ainsi qu'un trait et un fond. En les faisant virevolter, vous découvrirez encore plus d'options. Ensuite, ce groupe possède ses propres propriétés de transformation, ce que nous avons vu et ajusté dans le panneau des propriétés. Et juste pour prouver que je dis la vérité, voici les transformations de couches totalement séparées. Je vais les fermer pour que vous ne vous y trompiez pas. Ajustons cette position pour que nos deux formes se chevauchent. Formez un rectangle. La première forme se trouve en haut, elle ressemble donc à l' objet situé en haut dans le visualiseur. Mais si je prends le premier rectangle et que je le place en haut, c'est logique. Très similaire à la pile de couches. Eh bien, attendez, car il y en a d'autres. Consultez ce dépliant publicitaire. C'est là que se trouvent toutes les bonnes choses. Il regorge de ces modificateurs supplémentaires que vous pouvez ajouter aux formes Je vais m' assurer que le contenu du mot est sélectionné au lieu de l'un ou l'autre de ces groupes , puis je contenu du mot est sélectionné au lieu de l'un ou l'autre reviendrai ici et trouverai des chemins de fusion. Cela vous permet de combiner les formes ci-dessus différentes manières pour créer une forme plus complexe et unifiée avec son propre contour et son propre fond. L'ouverture de chemins de fusion comporte différents modes. Et si je le règle pour soustraire, cela coupe maintenant cette deuxième forme de la première Et si je replaçais la forme 1 vers le haut ? Cette sensation vous est-elle familière ? Modifions-le à nouveau , puis définissons-le pour qu'il se croise. Bien que cela soit similaire aux modes de masque que nous avons vus précédemment, il ressemble également à l'outil Pathfinder d' Illustrator, mais totalement non destructif Et, bien sûr, il s'agit d'un programme d'animation, donc toutes les pièces qu'il contient peuvent bouger. Bien, avant d'examiner certaines de ces autres fonctionnalités, je vais simplifier un peu. Supprimons cette couche et je ne créerai qu' un petit carré, environ 100 x 100. L'un de mes éléments préférés dans ce menu publicitaire est le répéteur Cela vous donne un nombre contrôlable de copies de l'objet ou des objets que vous y introduisez Disons que nous voulons huit copies, et oui, cette chose a ses propres transformations qui ne s'appliquent qu' aux copies répétées. Mettons-le à jour. Chaque copie est donc décalée 130 pixels en X et de dix pixels en Y, et peut être pivotée de cinq degrés pour chacune d'entre elles. Et essayons de régler l'échelle à 95 %. Peut-être augmenter cela à dix exemplaires. Devenons fous. Sélectionnez mon groupe, ajoutez un autre répéteur et remplacez cette position par 0200 Et tout cela fait référence à l' unique tracé du rectangle paramétrique ci-dessus. Donc, si j'ajuste la taille, cela affecte toutes les copies. Mais que se passerait-il si j'appuyais sur commande D du contrôleur pour dupliquer le tracé de ce rectangle , en changer la taille, et oh, ouah , ils ont aussi leur propre position interne , donc je vais juste l'ajuster un peu. C'est super cool ou quoi ? Maintenant, je pourrais jouer ici toute la journée, mais revenons à ce dont vous aurez réellement besoin pour le prochain projet. Je vais supprimer cette couche , utiliser le stylo, désactiver ce remplissage. Et cliquez sur glisser, cliquez sur faire glisser pour créer un petit chemin souple. Plus bas dans ma chronologie, je vais ouvrir cette couche, ouvrir le contenu, ouvrir la forme 1 Bien, nous avons donc un tracé, un trait et un remplissage qui sont désactivés. C'est logique. Animons cette ligne pour qu'elle se dessine d'elle-même Je vais revenir dans AD et trouver des pistes de découpe. À l'intérieur, vous trouverez un point de départ et une fin qui tracent le chemin que je viens de tracer de chaque côté. Pour animer cela, réglez la fin sur zéro et cliquez sur le chronomètre, avancez un peu et réglez ce paramètre sur 100 % Tara, nous utiliserons peu près exactement cela dans les prochaines leçons, mais une dernière idée que je voudrais vous faire part est que l'ordre de ces modificateurs est important Chacun d'eux s' applique en fait au résultat de tout ce qui s'y trouve. Ajoutons également un zigzag puis des tracés décalés, et revenons ici où c'est à peu près à moitié terminé heure actuelle, ce chemin est tronqué , puis zigzagué Ajustons ça. Puis en étant décalé. Ajustons cela également. Voici donc quoi cela ressemble lorsqu'il bouge. Une sorte de frite chouette. Mais si je déplace les tracés de découpe en dessous des deux, le chemin est maintenant en zigzag, puis décalé, puis il est découpé le chemin est maintenant en zigzag, puis décalé, puis il est découpé Sensation totalement différente, non ? Comme vous pouvez le constater, les shaplers regorgent de possibilités créatives, et je n'étais encore qu'à peine en train d' animer quoi Nous allons tirer parti de certaines des utilisations les plus simples dans le prochain projet, mais je vous encourage vivement à y aller et à explorer. Jouez. Vous pouvez créer des choses vraiment incroyables une fois que vous comprenez comment elles fonctionnent. 38. Configurer un graphique en barres: Avant d'importer notre premier design, je vais créer cette maquette comme je l'ai recommandé Je vais simplement appuyer sur Nouvelle composition et la régler sur 24, régler la durée sur 10 secondes, et au lieu de cliquer sur OK, je peux simplement appuyer sur Entrée. Nous pouvons également importer des éléments en double-cliquant simplement dans la zone vide du panneau de projet Je vais donc le faire et prendre ce graphique à barres PSD est mon premier Importez, et j'aurai le même dialogue que nous avons vu plus tôt. Je veux m'assurer que cette composition conserve la taille des couches. Je ne pense pas avoir besoin de modifier les styles de calque sur celui-ci, mais cela ne fait jamais de mal de les laisser modifiables. Je vais donc appuyer sur OK Nous voyons que c'est effectivement 24 images par seconde et 10 secondes, comme je le voulais, donc je peux supprimer cette composition factice Double-cliquez dessus pour l'ouvrir. Génial. Voici tous mes calques de Photoshop. Faisons un petit code couleur ici. Je pense que je vais commencer par ces deux couches de titres en haut. Le jaune fait du bien. Ils vont occuper une place importante. Et allons-y, cliquez avec le bouton droit de la souris et définissez-les comme du texte modifiable Je pense que les barres seront en quelque sorte les pièces principales. Configurons-les donc pour créer quelque chose de beau et de visible. Et puis ces chiffres semblent également très importants. Alors mettons-les peut-être en rose pour qu'ils correspondent en quelque sorte à la fussia Et vous savez quoi, pendant que nous y sommes, allons-y et déplaçons-les. 24 vont avec la Terre et dix avec Jupiter. De cette façon, ils passent un peu plus de temps avec leurs amis. En fin de compte, je pense, il faut rester au courant de tout cela pour s'assurer que tout semble propre en bas Nous allons donc en rester là. Couleur BG. Mettons-le en bleu et allons-y, verrouillons-le. Je ne pense pas que nous ayons besoin d'en faire quoi que ce soit. Et je peux voir que les deux groupes de Photoshop sont devenus des précompositions lorsqu'ils ont été importés. Je peux double-cliquer dessus pour regarder à l'intérieur et voir que, oui, nous avons toutes ces couches individuelles Nous pourrons donc les animer séparément ultérieurement si nous le voulons. Je vais juste fermer ça. Maintenant, lorsque je travaille avec quelque chose d' un peu plus précis, comme un graphique, et que je veux m' assurer de ne rien déplacer accidentellement, je trouve souvent utile d'apporter une image de référence à laquelle je puisse la comparer Heureusement, j'en ai déjà exporté un depuis Photoshop et Illustrator pour les autres graphiques. Nous allons donc simplement l'apporter. Et il existe différentes manières de travailler avec cela. Selon ce qui vous convient, vous pouvez simplement le déposer juste au-dessus de votre design et l'activer et le désactiver pour vérifier pendant que vous travaillez. Maintenant, parfois, lorsque vous avez affaire à de nombreuses couches, il est facile d'oublier quelque chose. Une étape importante consiste donc cliquer avec le bouton droit sur cette couche, ou encore une fois, vous pouvez la trouver dans le menu des couches et trouver cette option ici, couche de guidage. Lorsque vous activez cette option, vous verrez cette petite sorte de symbole de hachage bleu sarcelle juste ici, qui signifie que cette couche ne s'affichera pas lorsque vous exporterez votre animation ultérieurement Ainsi, même si vous laissez accidentellement cette option activée lorsque vous l'exportez, elle ne sera pas visible dans cette exportation. Très utile. Peut-être que vous ne voulez pas continuer à activer et désactiver cette couche pendant que vous travaillez, et je ne vous en veux pas. Il peut donc parfois être utile simplement le réduire et de le placer dans un coin si vous vous souciez un peu moins de la position exacte et que vous vous souciez simplement de conserver la même composition, ou cela peut être un bon moyen de coller coin si vous vous souciez un peu moins de la position exacte et que vous vous souciez simplement de conserver la même composition, les yeux ou de colorer les couleurs plus tard si vous en avez besoin Mais en parlant de couleurs, j'ai en fait exporté des puces de couleur. Donc, si c'est tout ce dont nous avons besoin, nous pourrions simplement les faire. Supprimons simplement cette couche, importons nos puces de couleur ici. Et vous pourriez travailler avec eux de la même manière. Vous pouvez les coller ici, sur le côté de votre composition, les déplacer, les redimensionner, selon ce qui vous convient. Mais si vous ne voulez pas qu'ils occupent une partie de votre précieux espace de composition, je vais simplement le supprimer. Il y a une autre option. Lorsque vous double-cliquez sur un élément ici, qu'il s'agisse d'une image ou d'une séquence vidéo, il s'ouvre dans ce que l' on appelle la visionneuse de séquences. Notez que cela est différent de la visionneuse de composition. Voici la visionneuse de vidéos. Cela vous permet de ne regarder qu'un actif spécifique. Vous ne pouvez pas travailler ou animer ici. C'est juste pour examiner cet actif. Mais cela peut être une bonne façon de regarder d'avant en arrière et de s'assurer que vous gardez tout au bon endroit. Une façon dont j'aime parfois l'utiliser est pour les puces de couleur. Si je double-clique dessus, quelqu'un était assez intelligent pour en faire un bel alignement vertical qui fonctionne parfaitement Si je voulais régler ce panneau pour en faire un panneau vraiment fin qui se trouve juste ici, l' écart, et que je pourrais regarder ou utiliser ces couleurs plus tard Maintenant, si vous aimez travailler avec les bibliothèques CC, vous pouvez également le faire. Je vais passer aux bibliothèques Windows. Et cela s' ouvrira simplement dans votre interface. Vous pouvez en saisir les couleurs et passer la souris dessus pour voir les codes hexadécimaux Donc, si vous avez déjà configuré des bibliothèques pour vos projets, c'est un excellent moyen de le faire. Si vous avez une bibliothèque qui inclut des images, vous pouvez également les faire glisser directement dans le panneau de votre projet. Je pense que cette petite configuration de visionneuse de vidéos sera parfaite pour ce projet. Je vais donc simplement fermer ce panneau. En regardant ma composition, je pense que je vais travailler de haut en bas et de gauche à droite. Cela semble logique lorsque vous présentez des informations telles que des mots et des chiffres. Et au moins dans les cultures occidentales, c'est ainsi que les gens lisent. Il est donc logique de présenter ces choses. Maintenant, les titres présentés ici vont être importants, mais je ne pense pas que ce soient les héros. Ils ont l'impression d'être à la deuxième place derrière ces barreaux. Ce seront nos principaux centres attention pour nos téléspectateurs. Et je vais prévoir que toutes les pièces se dévoileront d'elles-mêmes, peut-être en 3 secondes environ. Ensuite, nous allons simplement laisser les éléments reposer afin que notre spectateur ait temps de digérer réellement ces informations avant de passer au graphique suivant. Donc, même si la majeure partie de notre travail se déroulera ici, j'ai fait une composition légèrement plus longue juste pour nous donner une marge de manœuvre Une grande partie de cette composition ne comportera aucune animation, nous allons donc probablement raccourcir notre espace de travail à peu près ici Et chacune de nos avant-premières débutera au tout début de notre chronologie Il existe donc un paramètre que nous pouvons modifier dans notre panneau de prévisualisation pour nous éviter d' avoir à appuyer sur Accueil à chaque fois que nous voulons faire un aperçu. Venons-en ici pour l'aperçu de Windows. Il y a en fait beaucoup de paramètres ici, et nous en explorerons certains plus tard dans le cours. Mais pour le moment, je voudrais regarder cette pièce telle qu'elle est aujourd'hui. C'est le paramètre par défaut ici, ce qui signifie que chaque fois que vous appuyez sur la barre d'espace, votre animation sera prévisualisée depuis emplacement actuel de votre CTI Mais si vous travaillez sur quelque chose dont tout commence par le début, chaque fois que vous souhaitez prévisualiser, vous devez appuyer sur la touche d' accueil, puis sur la barre d'espace Au lieu de cela, changeons ce paramètre ici en passant de l'heure actuelle au début de la plage. Désormais, mes aperçus commenceront toujours au début de la composition tant que je ne déplace pas le début de mon espace de travail Allez-y, fermez ce panneau, et je pense que nous sommes prêts à commencer à animer. 39. Animer un graphique à barres: Voyons comment animer ces barres. Ce sont là un excellent exemple de ce dont je parlais tout à l'heure, à savoir que l'apparence que nous voulons leur donner détermine en quelque sorte l'approche qui fonctionnera le mieux dans ce domaine. Je pense qu'il est logique que ces barres augmentent à partir du bas du graphique. C'est assez facile. Il existe différentes approches ici. Ce que nous voulons faire avec les chiffres peut déterminer la meilleure façon de procéder. Allons-y et examinons quelques exemples ici. Donc, si je sélectionne cette barre bleue, vous verrez que le point d'ancrage se trouve juste au milieu de celle-ci, ce qui est logique car je les ai importées à la taille d'une couche. Maintenant, un moyen simple de le faire est d'appuyer sur Y pour obtenir mon outil de point d'ancrage et de placer ce point d'ancrage tout en bas de cette couche. Vous pouvez en fait maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée pour qu'elle s' enclenche immédiatement. Je vais appuyer sur V pour récupérer mon outil de sélection. Et maintenant, si j'ajuste l'échelle Y les dissociant et ajustant simplement l'échelle, regardez-vous là Parfait, non ? D'accord, d'accord. Allons-y, créons quelques images-clés ici et voyons à quoi cela ressemble Je pense qu'une seconde et demie, c'est probablement bien. Je vais appuyer sur S et le révéler ici même dans la chronologie puisque je suis déjà là. Créez cette image-clé, revenez au début et réglez la valeur Y à zéro OK, voici l' animation de mon bar. Parfait. Allons-y, élevons ce 24 ici et euh oh. Eh bien, oui, c'est logique parce que je place la barre plus haut, et 24, c'est parenté à la Donc, à l'heure actuelle, ce n'est qu'environ 27 %, et ce chiffre est donc en train de chuter. Et, bon sang, ça n'a tout simplement pas l'air bien, ce qui signifie que cette approche ne fonctionnera pas si je veux que les chiffres soient joints. Maintenant, peut-être que ça ne vous intéresse pas, et les chiffres pourraient s'estomper une fois que la barre aura augmenté. Si tel est le cas, cette approche serait géniale. Mais essayons quelques autres choses juste pour vous montrer quelques options. Je vais désactiver cette animation en cliquant simplement sur le chronomètre et en supprimant toutes ces images-clés Maintenant, cette approche suivante n'a pas autant de sens ici puisque nous n'avons que 2 barres. Mais imaginez que nous ayons un graphique avec peut-être 10 barres. Il est alors utile de penser à le faire d'une manière très reproductible et modulaire Et pour moi, cela signifie des couches de forme. Venons ici et prenons notre outil de mise en forme, un rectangle, sur lequel se trouve déjà le mien. Je vais zoomer un peu et m' assurer qu' aucune couche n'est sélectionnée. Notez que j'ai un curseur de couche de forme juste là. Je pourrais essayer de le dessiner parfaitement du haut vers le bas de ce graphique et voir si je peux correspondre à cette largeur. OK, super. Bien sûr, celle-ci n'est pas de la bonne couleur, mais ce n'est grave pour la visibilité pour le moment. En fait, je vais choisir ce rouge juste pour qu'il se démarque vraiment de notre vrai rouge. Maintenant, il existe différentes manières de l'animer, mais la plus simple serait de sélectionner cette couche, récupérer votre outil de point d'ancrage et d' utiliser la même stratégie Animez l'échelle ici. Encore une fois, dans ce cas, joindre les numéros ne fonctionnerait pas. Mais si vous y réfléchissez, nous avons maintenant cette barre modulaire simple que nous pourrions facilement dupliquer pour couvrir rapidement chacune d'entre elles. Faisons donc un doublon et faisons-le simplement passer ici pour couvrir cette autre barre et ajustons l'échelle jusqu'à ce que ce soit le bon choix Encore une fois, ici avec seulement 2 barres, cela n'a pas beaucoup de sens. Mais dans un graphique contenant tout un tas de ces éléments, cela peut être un moyen facile de le répéter. Ou si c'est quelque chose où vous devez mettre à jour ce graphique chaque semaine. Cela pourrait être un très bon moyen de rendre ces valeurs très flexibles. Et imaginez que nous ayons un graphique où 100 est le maximum et zéro le bas. Si tel était le cas, eh bien, échelle est juste une valeur comprise entre 0 et 100 Donc, cette valeur Y ici serait exactement la valeur sur le graphique. Bien sûr, ce n'est pas le cas ici, et nous avons déjà montré pourquoi ce n'est probablement pas la meilleure approche, mais maintenant vous l'avez dans votre poche au cas où cela se produirait. Allons-y donc et supprimons les deux. Et essayez une autre approche. J'aimerais que les chiffres suivent le trajet avec ces barres au fur et à mesure qu'elles augmentent. Je pense donc que la seule option ici est d'animer la position de la barre et que nous pouvons attribuer le numéro à celle-ci Mais nous devons trouver comment gérer cette zone ici car évidemment, si nous sélectionnons cette barre et que nous la déplaçons vers le bas, cela ne semble pas vraiment correct. Annulons cela. Allons-y et animons cette barre, puis nous pourrons résoudre ce problème de visibilité J'appuierai sur P pour révéler la position. Et comme les graphiques ont tendance à être assez précis, je veux m'assurer que je ne puisse pas accidentellement vers la gauche ou la droite Vous pouvez donc cliquer avec le bouton droit sur la position du mot, et ici, vous pouvez séparer les dimensions, ce qui permettra à vos X et Y de fonctionner comme deux propriétés distinctes Maintenant, je peux faire glisser ceci et n'affecter que cette position Y. Créons une image-clé, revenons au début et faisons-la glisser jusqu'au bas du graphique jusqu'à ce que la barre et le chiffre soient situés en bas du graphique Mais bien sûr, ils sont toujours visibles. OK. Eh bien, comment pourrions-nous aborder cela ? Venons-en un peu au milieu. Nous savons que les masques peuvent modifier ce qui est visible sur une couche. Je vais donc venir ici et prendre mon outil rectangulaire, et j'ai sélectionné la couche, donc je vais créer un masque. Et voilà, sauf que les masques bougent avec la couche à laquelle ils sont attachés. Bien sûr, vous pouvez animer ce tracé de masque, mais ce n'est pas très flexible Alors annulons. Nous avons plutôt besoin de quelque chose qui puisse restreindre visibilité sans être attaché à cette couche, et c'est ce que l'on appelle un tapis de course. Vous pouvez en fait utiliser une couche séparée pour déterminer la visibilité de cette couche. Allons-y et revenons ici jusqu' à l' endroit où cela se trouve, et je désélectionnerai cette couche J'ai toujours sélectionné mon outil rectangle, qui sera parfait ici, et je vais en fait dessiner une forme qui commence ici au-dessus du haut de mon graphique se terminer parfaitement sur cette ligne inférieure. Nous y voilà. Et si j'en ai besoin, je peux simplement zoomer et utiliser mes touches fléchées haut et bas pour simplement le mettre en place Je vais changer cette couleur un peu dingue pour plus de visibilité ici. Vous pouvez donc vraiment voir ce qui se passe. J'ai donc ce grand rectangle orange ici, et ce sera le tapis à travers lequel cette autre couche sera visible. Allons-y et renommons-le en Mt. Et je vais simplement désactiver cette visibilité pendant une seconde afin que nous nous souvenions de ce avec quoi nous travaillons ici. C'est ce bar. Ensuite, je vais passer à ma chronologie et basculer entre mes commutateurs et mes modes N'oubliez pas que les tapis de course se situent entre vos modes de mixage et votre rôle parental Il s'agit d'une toute autre colonne de ces listes déroulantes, et elles contiennent également à nouveau ce fouet Donc, pour cette barre terrestre, j'ai ce menu déroulant et je peux sélectionner MAT là-haut, ou encore une fois, vous pouvez utiliser le fouet et pointe de la couche que vous souhaitez Dès que je relâcherai le bouton de ma souris, vous verrez que la visibilité de la couche de tapis est désactivée et que le petit menu du tapis de piste est mis à jour pour indiquer MT. Maintenant indiquer MT. Maintenant, cette couche utilise cette couche que nous avons appelée tapis de piste, ce qui signifie qu'elle n'est visible que dans les limites de cette couche. Vous remarquerez que la visibilité de la couche de tapis est désactivée et qu'elle a maintenant cette petite icône supplémentaire juste ici indiquant qu'elle fonctionne comme un tapis de course. Et la couche qui est emmêlée comporte également une petite icône. Maintenant, observez ce qui se passe au fur et à mesure que nous avançons dans le temps. Cette barre bleue n'est visible que dans les limites de cette couche de tapis. Revenons au début. Notez que nous pouvons toujours voir le 24 en ce moment. Bien sûr, nous n'en avons rien fait. Mais l'un des avantages de la flexibilité réside dans le fait que plusieurs couches peuvent toutes utiliser la même autre couche comme tapis. Je vais donc le mettre sur le même tapis. Et maintenant, ces deux couches sont révélées. Génial. Allons-y et animons la barre Jupiter. Nous pouvons également utiliser J et K pour passer à l'image-clé visible précédente ou suivante. Je vais donc appuyer sur K pour sauter jusqu'à l'endroit où se trouve cette deuxième image-clé Sélectionnez mon rectangle de Jupiter ici, appuyez sur P pour révéler la position, cliquez avec le bouton droit de la souris, séparez les dimensions, créez une image-clé pour ma position Y. Je vais m'occuper de mes dix enfants maintenant avant de déménager dans ce bar. Appuyez ensuite sur J ou sur Accueil pour revenir à la première image-clé ou à la première image de la composition Ils sont identiques dans ce cas, et il suffit d'ajuster cette position Y jusqu'à ce qu'ils soient tous deux situés en bas du graphique. Sélectionnez ces deux couches à l'aide du contrôle ou de la commande pour effectuer une sélection multiple. Cliquez sur ce menu déroulant et choisissez Matte et ils utiliseront tous les deux ce paramètre À présent, ces quatre couches utilisent la même couche pour déterminer leur visibilité. Allons-y et définissons-le sur une autre couleur, peut-être juste aucune pour préciser qu'il fait son travail, mais nous n'avons pas vraiment besoin de le toucher à nouveau. Regardons cette animation. Hé, pas trop mal. Maintenant, nous perdons beaucoup de temps sur un aperçu dont nous n'avons pas vraiment besoin, et nous appuyons sur N pour réduire cette zone de travail en 4 secondes environ. OK, ça n'a pas l'air trop mal. Allons-y, sélectionnons les deux et appuyons sur la touche F 9 pour Easy Ease. OK, ça va déjà mieux. Et n'oubliez pas, j'ai dit que je travaillerais de haut en bas et de gauche à droite. Je pense donc que le simple fait de les compenser un peu serait vraiment sympa Je vais appuyer sur Accueil pour revenir au début, appuyer sur la page suivante pour aller, disons six images, un, deux, trois, quatre, cinq, six, et je peux sélectionner ce numéro et cette barre, et je peux les faire glisser dessus, ou vous pouvez également appuyer sur la touche crochet ouvert pour déplacer les couches sélectionnées afin qu'elles commencent maintenant à l'image actuelle. Et maintenant, nous avons juste un petit décalage, qui, je pense, fonctionne très bien. Si vous deviez ajouter des barres supplémentaires ici, elles pourraient toutes utiliser le même tapis et être très flexibles. Si vous commencez à combiner certaines de ces techniques, vous pourriez peut-être avoir une barre de couches de forme très modulaire qui vous permettrait de changer facilement et rapidement la couleur ou la taille finale, puis de combiner cela avec cette technique de tapis de course pour la rendre très flexible. 40. Animer les éléments secondaires.: Maintenant que les barres sont en mouvement, abordons les titres et tous les autres éléments de soutien. Je vais arrêter cet aperçu et y sélectionner ce titre principal. Nous allons y appliquer un préréglage d'animation de texte. Nous allons donc passer aux effets et aux préréglages, et vous êtes libre de les parcourir vous-même, mais il se trouve que je sais ce que je veux . Je vais donc simplement le saisir dans la barre de recherche ici, qui se fait glisser vers le bas par personnage Maintenant, avant de l'appliquer, je veux m'assurer que mon CTI est au bon moment, car les préréglages d'animation appliqués au moment où vous vous trouvez actuellement Dans ce cas, je veux m' assurer de revenir au tout début de ma chronologie afin que cela soit appliqué correctement. Encore une fois, une fois ma couche sélectionnée, je pouvais double-cliquer dessus ou la faire glisser vers la couche. Vous verrez ce texte disparaître parce qu'il est animé dessus. Au fur et à mesure que nous avancerons dans le temps, vous verrez ces lettres apparaître. Et nous serons en mesure de l' ouvrir et d'ajuster ces propriétés. Cela pourrait être ouvert, mais comme il y a déjà un peu de monde ici dans la chronologie, examinons d'autres raccourcis Je pourrais appuyer sur vous pour faire apparaître les images-clés de cette couche. Et c'est utile. Cela me montre que le timing correspondait parfaitement à celui des autres images-clés Mais j'aimerais pouvoir ajuster l'intensité de ce mouvement, ce qui signifie que j'ai besoin d'une commande légèrement différente. Si vous appuyez deux fois rapidement sur U, toutes les propriétés de la couche sélectionnée qui ont été modifiées à leur valeur par défaut s'afficheront, ce qui est parfait ici. En regardant ici, vous verrez que j'ai en fait une valeur de position distincte qui est en quelque sorte insérée ici C'est ce que l'on appelle un animateur de texte, et nous en apprendrons davantage à ce sujet plus tard dans le cours Mais pour le moment, nous allons juste y apporter un petit ajustement. Je le souligne parce que c'est différent de la position des couches. Cela n'affecte que ces caractères de texte ici. Cela déplace donc ce personnage de -73. Je vais passer à 20 points positifs, et voyons ce que l'on ressent. OK, j'aime bien ça. Agréable et subtil. Je pense que cette même animation fonctionnerait plutôt bien pour l'autre titre. Je vais donc revenir au début de ma chronologie, sélectionner toute cette diapositive vers le bas par personnage et la commande C pour copier, faire défiler la page vers le bas, sélectionner en quelques heures et la commande V pour coller. Je vais sélectionner ces deux couches et appuyer pour voir ces images-clés. Et jetons-y un coup d'œil. D'accord. J'aime bien ça. Encore une fois, essayons de décaler la deuxième couche de six images. Vous pouvez simplement le faire glisser. Et si vous maintenez la touche Shift enfoncée, elle s'accrochera à autre extrémité de couche existante, ce qui est très pratique ici. D'accord. Je pense que cela fonctionne vraiment bien. Allons-y et animons tous ces éléments secondaires, puis nous pourrons établir notre chronométrage final Je vais arrêter cet aperçu, et commençons par animer les lignes de la grille Je vais faire défiler la page vers le bas et constater que les lignes de la grille précomposées et je double-clique pour l'ouvrir. De cette façon, nous examinons simplement ces lignes de quadrillage isolées et chacune constitue sa propre couche. Je vais revenir au début de ma chronologie, et je vais en fait créer les mêmes images-clés sur toutes ces images en même temps J'appuierai sur T pour révéler l'opacité, puis allons-y et passons de 12 images vers le haut Il suffit de cliquer sur chacun d' eux et de les faire glisser vers le bas pour activer tous ces chronomètres en même temps Revenez à la page d'accueil, et comme ils sont toujours sélectionnés, je vais simplement cliquer et faire glisser l'un d'entre eux vers le bas jusqu'à zéro, et il les ajuste tous. Aperçu rapide. Ils sont tous en train de s'estomper, ce n' est pas si excitant que ça. Nous allons les compenser à nouveau, afin de créer un petit intérêt visuel. Je vais appuyer sur la touche d'accueil pour revenir au début de ma chronologie , puis pour zoomer un peu afin que nous puissions voir ce que nous faisons. Et je pense que ce serait chouette si nous décalions chaque couche de deux images. Nous pourrions donc appuyer sur page suivante, page suivante, déplacer cette page, page vers le bas, page vers le bas. N'oubliez pas que vous pouvez également appuyer sur le crochet ouvert, la page suivante, la page suivante, le crochet ouvert, la page suivante, la page suivante, le crochet ouvert. Réglons cette zone de travail ici en appuyant sur N et vérifions-le. Allons-y. Ce n'est pas très excitant en soi, mais dans l'ensemble, ce sera parfait. Avant de quitter cette composition, prenons un ensemble de ces images-clés et copiez-les , car nous pouvons simplement coller sur certaines de nos autres couches Nous allons clore cette précomposition et passer aux étiquettes latérales. Lorsque vous collez des images-clés, vous devez également vous assurer que votre CTI se trouve au bon endroit Je vais donc appuyer sur Accueil, sélectionner toutes ces couches, puis contrôler ou commander V pour les coller. Appuyons sur U pour les afficher. Allons-y. Encore une fois, je vais installer mon espace de travail ici. Et nous allons les compenser à nouveau. Maintenant, la stratégie que je viens de vous montrer est parfaite, et elle fonctionne très bien lorsque vous n'avez que quelques couches. Mais supposons que vous ayez plusieurs couches de ce type et que vous ne vouliez pas avoir à continuer à cliquer dessus de cette manière fastidieuse Vous pouvez en fait maintenir la touche Ctrl ou commande et Alt ou option enfoncée en même temps et remarquer que mon curseur change ici. Maintenant, je fais ce que l' on appelle le décalage rapide, et je peux cliquer et faire glisser le pointeur sur n'importe quel groupe de couches pour les décaler progressivement comme ceci. Maintenant, vous devez vous assurer qu'ils sont sélectionnés dans l'ordre dans lequel vous souhaitez qu'ils emménagent, ce que je n'ai pas fait ici. Alors annulons cela. Désélectionnez, je vais sélectionner la couche supérieure, maintenir la touche Maj enfoncée et sélectionner la couche inférieure Maintenant, je peux maintenir les touches Ctrl et Alt enfoncées pour moi, commande et option si vous êtes sur Mac, puis commencer à faire glisser le pointeur Notez qu'il vous indique en fait jusqu'où chaque couche est déplacée et le décalage total Je veux deux images par couche, qui est exactement ce que je fais en moment, donc je vais juste publier. Et maintenant, j'ai exactement le même décalage que dans les autres compositions. Parfait Clôturons cela et voyons comment tout se passe maintenant. OK, j'aime bien la direction que ça prend. Bien sûr, tout se passe en même temps, nous devons donc commencer à travailler sur ce point. Je pense également que nous aurons besoin d'un peu plus d'espace ici. Alors abordons cette question. Et comme le grossissement de mon spectateur est réglé pour s'adapter, il s'adapte parfaitement à moi. Allons-y. Ajoutez ces mêmes images-clés d'opacité à cette ligne inférieure : Terre et Jupiter Je suis juste en train de cliquer sur Contrôle ou Commande pour les sélectionner plusieurs fois. Et avec mon CTI activé au début, je vais coller ces images-clés d' opacité, pour qu'elles apparaissent toutes aussi Désélectionnez-les, et maintenant, si j'appuie sur U, images-clés de toutes les couches seront révélées Comme j'en ai d'abord ouvert, il les fermera d' abord, puis appuiera à nouveau, et maintenant il les révélera tous. Maintenant, nous pouvons déterminer notre calendrier. Nous avons donc déjà fait un décalage de six images, un, deux, trois, quatre, cinq, six, pour arriver à la première étape. Il serait peut-être judicieux de commencer les lignes de quadrillage et les lignes latérales juste là, alors je vais appuyer sur le crochet ouvert. Et j'aurais probablement dû faire attention au timing interne parce que je dois baser le chronométrage final sur cette base. Revenons donc ici et trouvons le dernier. Allons-y. Je vais aller de l'avant et déplacer de deux images plus loin. Et quand je reviens à mes compositions principales, mon CTI reste au même endroit C'est donc l' heure de départ pour mes résultats financiers Parfait Passons peut-être à six autres cadres, un, deux, trois, quatre, cinq, six. C'est là que devraient commencer la barre de Jupiter et son numéro. Peut-être six de plus. Pour la Terre et son bar. Et je n'en suis pas sûr. Est-ce le moment où ces labels devraient commencer ? Essayons juste deux images plus et voyons ce que l'on ressent. Personnellement, je pense que cela fonctionne plutôt bien. Nous voyons les titres apparaître, puis les lignes graphiques guident notre œil jusqu' à l'endroit où ces barres vont se révéler. Sympa. 41. Créez un graphique linéaire: Il est temps de passer au deuxième graphique, alors allons-y et importons-le. C'est notre graphique linéaire ici. Il s'agit d'un fichier Illustrator en couches, je vais donc m'assurer de l'importer en tant que composition, taille de calque. OK. Maintenant que nous avons rassemblé quelques éléments ici, prenons une minute pour organiser notre panel de projets. Voici la structure que j'aime utiliser, une composition pour les compositions, deux pré-compositions, que nous utiliserons ici, puis trois actifs De cette façon, tout est trié dans un ordre particulier parce que, par ordre alphabétique, ils ne s' aligneraient pas tout à fait comme je le souhaiterais, mais vous êtes libre de faire ce que vous voulez ici Et je vais prendre ces deux compositions et les mettre en version préliminaire, car nous allons utiliser comme scènes individuelles dans nos compositions d'exportation finales. Je vais juste récupérer toutes ces autres informations et les mettre dans des actifs. Nous pouvons les ouvrir de sauvegarde juste pour tout voir. Très bien, regardons ce graphique linéaire. Maintenant, cela ressemble beaucoup au précédent. Il y a donc une bonne quantité de copier-coller que nous pouvons faire, mais les lignes et les points sont uniques ici. Ouvrons donc cette sauvegarde pour que nous puissions voir, et peut-être rendons ces points roses à nouveau. Et je passerais la ligne en rose, mais nous sommes en fait sur le point de remplacer cette couche, donc nous pourrions commencer par le faire. Cette ligne est déjà un trait d'Illustrator, elle sera donc parfaitement convertie. Si ce n'était pas le cas, vous pourriez sortir l'outil Pen et en tracer un nouveau. Mais heureusement, cela a été conçu comme un trait Je vais donc simplement cliquer avec le bouton droit sur Créer des formes à partir d'une couche vectorielle. Nous en avons maintenant notre version esquissée. Vous pouvez jeter un coup d'œil sur le panneau des propriétés et constater qu'il a reconnu qu'il s' agit d'un trait, il sait donc qu'il s' agit d'un tracé tracé Maintenant, je vais passer à Fuchsia. Nous pourrions conserver cette autre copie pour nous assurer ou simplement appuyer sur Supprimer pour nous en débarrasser. Très bien, ouvrons notre ligne ici. Nous pourrions l'ouvrir, et nous verrons, oui, nous avons trouvé un chemin et un coup Génial. Nous allons tracer cette ligne de gauche à droite, ce qui signifie découper les tracés. Nous allons venir ici et ajouter des tracés de découpe. Et allons-y et isolons cette couche en cliquant ici, juste pour que nous puissions nous concentrer là-dessus pour le moment. Ouvrez des tracés de découpe et voyons ce qui se passe. Parfois, selon la manière dont le tracé a été dessiné dans Illustrator, début et la fin peuvent fonctionner à l'envers par rapport à ce à quoi vous vous attendiez Dans ce cas, nous pourrions simplement animer la valeur de départ à la place, et cela fonctionnerait très bien Ou voici une petite bascule qui vous permet de changer la direction du chemin Si je clique dessus maintenant, inversez ce chemin et cela fonctionnera exactement comme je le souhaite. Parfait. Allons-y, passons à zéro, créons une image-clé, et je vais porter cela à, disons, 2 secondes, pour le porter à 100 % Réglons notre zone de travail à environ quatre , réduisons-la en appuyant sur N. Et voilà. Génial. Appuyons sur U pour pouvoir le réduire, gardant les images-clés, et il est maintenant temps de régler ces points Nous pouvons continuer et simplement faire glisser le pointeur vers le bas pour les intégrer également dans le groupe solo. Je pense que le simple fait d'avoir ces échelles est probablement tout à fait logique. Alors laissez-moi ouvrir l'un d'entre eux, ouvrir la balance. Et je dois dire que huit images sont peut-être appropriées. Allez-y, créez cette image-clé à échelle, appuyez sur Accueil pour revenir au début, mettez-la à zéro Je vais les surligner et appuyer sur F neuf pour Easy Es. Tant que je les ai sélectionnées, nous pouvons les copier, sélectionner le reste et les coller. Allons-y et appuyons sur U pour les ouvrir également. Je pense que nous allons avoir besoin d' un peu de temps pour que le texte et certains autres éléments soient publiés. Je pense donc que je vais déplacer ma ligne pour qu'elle commence peut-être à la dixième image. Alors, déplacez le curseur et la page vers le bas pour passer directement à cet endroit, sélectionnez le crochet ouvert pour déplacer le point de la couche directement à cet endroit. Maintenant, je peux sélectionner tous ces points. Comme j'ai un code couleur, je pourrais cliquer avec le bouton droit sur le jeton de couleur et choisir Select Label Group. Je vais les déplacer un tout petit peu. Je pense qu'il est logique que la première se termine juste au moment où la ligne commence, de sorte que les points indiquent visuellement la ligne. Ensuite, j' utiliserai Quick Offset. Donc, Contrôlez plus Alt et faites glisser ou Commande+option et faites glisser. Et je vais juste essayer de l'aligner pour qu' il se termine exactement là où il se termine. Désélectionnons et jetons un coup d'œil. Hé, sympa. C'est bon. Ça suffit. Nous allons les découvrir en solo. Pour le type, n'oubliez pas que type Illustrator ne peut malheureusement pas être modifié ici Heureusement pour nous, nous venons de construire quelque chose avec exactement le même schéma. Je vais donc prendre ces deux titres, les copier, revenir dans notre composition graphique linéaire et les coller ici, peut-être appuyer sur T pour réduire l'opacité afin que nous puissions voir ce que nous faisons Et ceux-ci sont modifiables, il suffit donc de mettre à jour le texte lui-même Euh, parfait. Ouaip. C'est bon. Nous allons rétablir cette opacité et désactiver cette couche de texte d' origine ou la supprimer Si vous êtes sûr, vous n'aurez pas besoin d'y regarder en arrière. Vous avez peut-être remarqué que ces couches de texte n'était pas mis à jour titre de ces couches de texte n'était pas mis à jour lorsque j'en ai modifié le texte. Comme ils ont été convertis à partir de calques Photoshop, ils en retirent toujours le nom. Mais si vous sélectionnez la couche, appuyez sur Entrée pour mettre à jour le nom et supprimez simplement ce qui s'y trouve, puis appuyez sur Entrée. Ils tireront leur nom du texte réellement saisi dans la couche. Très bien, revoyons un aperçu. Il ne nous reste plus qu'à aborder ces éléments du graphique. Arrêtons donc cet aperçu et jetons-y un œil. faisant défiler la page vers le bas, prenons en solo ces éléments du graphe, et il s'avère qu'ils ne sont pas vraiment regroupés comme nous le souhaiterions pour l'animation Eh bien, nous pourrions certainement les remettre dans Illustrator et les y réorganiser. C'est probablement assez facile de s' y attaquer ici dans After Effects. Et encore une fois, vous obtiendrez parfois des designs qui ne sont pas tout à fait structurés comme vous le souhaitez. Vous devrez être capable de passer à certaines de ces stratégies directement dans After Effects. Je vais donc sélectionner les lignes de fond, le résultat net, les années et les numéros AU, et nous allons tous les regrouper sous forme de précomposition, puis utiliser des masques pour les diviser en couches individuelles que nous pourrons ensuite décaler le chronométrage. Une fois ces quatre éléments sélectionnés, je vais passer à la couche, à la précomposition. La première chose à faire est de lui donner un nom, que j'appellerai lignes et étiquettes. Il existe quelques autres options que nous n'avons pas besoin de modifier pour le moment, et vous pouvez ouvrir directement ces nouvelles compositions dès que vous les aurez créées. Mais dans ce cas, je ne pense pas que ce soit vraiment nécessaire. Je vais donc appuyer sur OK. Maintenant, toutes ces couches ont été regroupées en un seul élément. Nous pourrions double-cliquer et les voir tous individuellement, mais je ne pense pas que nous en ayons besoin. Je vais donc juste fermer ça. Dissolons cette étiquette Au. C'est juste ce titre à l'extrême gauche. Et si nous voulons adopter la même approche que le graphique précédent, il suffit que le premier chiffre et la première ligne s'estompent en même temps, puis que chaque chiffre et chaque ligne suivants s'estompent sur deux images plus tard. Bien que nous puissions faire des allers-retours entre toutes ces couches, il semble plus facile de les regrouper en une seule couche, puis d' utiliser des masques pour les graver dans les pièces avec lesquelles nous voulons réellement travailler Alors que cela s' appelle déjà lignes et étiquettes, renommons-le en lignes et labels un Ensuite, je vais appuyer sur Ctrl ou Commande D pour que nous ayons cinq copies au total de cette couche. Génial. Faites défiler l'écran un peu vers le bas. J'aime que mes affaires soient dans l'ordre dans lequel je vais y penser, alors je vais les mettre que mes affaires soient dans l'ordre dans lequel je vais y penser, rapidement dans l'ordre. Maintenant, lignes et étiquettes, l'une d'elles sera la première ligne, donc je vais juste prendre mon outil de masque et le faire rapidement. Maintenant, nous pouvons toujours voir les autres éléments car ils se trouvent sur les autres copies de cette couche. Mais comme nous n'en faisons que quelques-unes, je pense que nous pouvons rapidement résoudre ce problème sans trop nous embrouiller. Nous allons sélectionner deux lignes et deux étiquettes et dessiner un masque rapide ici. Lignes et étiquettes : trois ici, quatre ici, et cinq seront celles du bas. Nous y voilà. C'est un bon moyen de prouver que plus rien d'autre ne copie cela. En y réfléchissant, cela peut sembler agréable de voir les années se révéler de gauche à droite comme ça, mais ce n'est peut-être pas nécessaire. Mettons tout le reste en marche, et nous pourrons décider si cela semble nécessaire. Maintenant qu'ils sont gérés, nous pouvons tous les sélectionner et les fermer à nouveau. Nous pouvons aller de l'avant et les démonter. Et il suffit de récupérer les images-clés d'opacité des compositions précédentes, les coller dessus, ainsi que sur le label AU, et de faire un petit décalage Revenons donc à cette autre composition. Trouvez l'une de ces couches qui utilise ces images-clés d'opacité, sélectionnez-les, Contrôle ou Commande C pour copier, revenez à notre composition, ajoutez l'étiquette Au à notre sélection et revenez au début, Controller Command V pour coller Génial. Dévoilons ces images-clés en appuyant sur U, et il ne nous reste plus qu'à les décaler Je pense qu'il est probablement logique de commencer l'étiquette Au à la huitième image. Je peux donc ouvrir le support pour les déplacer tous là. Je vais contrôler ou cliquer sur Au label pour le retirer de ma sélection. Et maintenant, je peux décaler chacune d'entre elles de deux images, comme avant. Et voyons ce que nous avons. En y repensant une fois de plus, je pense que j'aimerais les années soient révélées de gauche à droite, mais nous pouvons le faire rapidement dans les précompositions. Je vais juste arrêter cet aperçu et faire défiler la page vers le bas. Ce sont toutes des copies de la même précomposition unique, je pourrais donc double-cliquer sur n'importe laquelle d'entre elles. Ça m'emmène à l'intérieur, et je cherche juste la couche de cette année. Nous pouvons simplement utiliser rapidement la même stratégie. J'ai juste besoin de faire suffisamment de copies pour ce dont j'ai besoin. J'aime bien aller de l'avant et ajouter un numéro un à ce premier exemplaire. C'est juste un peu plus facile à suivre . Je vais donc le renommer Nous avons donc 2010, 2012, 2014, 2016, 2018, 2022. Lorsque vous avez une pile de couches dont vous souhaitez rapidement inverser l'ordre, vous pouvez le faire rapidement en utilisant du couper-coller. Si je sélectionne la couche que je souhaite placer en haut, puis que je déplace la touche Shift sélectionnez la couche que je souhaite voir apparaître en bas, la commande X du contrôleur pour couper, puis la commande V du contrôleur pour coller inversent maintenant cet ordre Je vais simplement les faire glisser vers le bas, et je vais rapidement sélectionner chacun d'entre eux. ai toujours mon outil de masque, je vais donc sélectionner le premier dans Mask 2012, 2014. Et tu vois, même si ça prend une minute, ce n'est vraiment pas si mal. Nous y voilà. Et maintenant, chacun d'entre eux peut être sélectionné. Nous allons fermer ces masques en appuyant sur M pour le révéler , puis en appuyant une fois de plus dessus pour le masquer. Reviens chez toi. Je dois aller chercher ces clés d'opacité, alors revenons les chercher n'importe laquelle de ces couches Copiez, collez, U pour les ouvrir, contrôlez et alt ou commandez une option pour obtenir un décalage rapide et appuyez sur celles-ci jusqu'à ce qu'elles soient décalées de deux images, et cela devrait être exactement ce que nous voulons. Magnifique. Ah, 42. Créer un graphique circulaire: Bien, maintenant il est temps de faire le graphe en anneau. Faisons donc importer ça. Composition, taille du joueur. Oui, et triez-les ici dans notre panneau de projets. Ouvrez-le et euh oh, il semblerait que quelqu'un ne l'ait pas correctement structuré dans Illustrator. Mais je ne pense pas que ce le pire, car nous aurions probablement dû reconstruire ce graphe en anneau toute façon afin de pouvoir le contrôler comme nous le souhaitons. concerne l'arrière-plan et les titres, nous pouvons de toute façon copier-coller depuis l'une des autres compositions, et ces étiquettes intermédiaires ne devraient pas poser de problème non plus. Commençons donc par récupérer les titres et l'arrière-plan de cette autre composition Copiez, revenez ici et collez. Nous allons maintenant avancer un peu vers le haut et désactiver cette couche d'arrière-plan. Sélectionnez les deux et appuyez sur T, réduisez l'opacité afin que nous puissions voir quels sont les mots censés être Mettez rapidement à jour ce texte. Jupiter et compositions élémentaires. Génial. Je vais rétablir cette opacité. Et ils sont déjà animés, donc c'est fait. Parfait. Bien, évaluons ce graphique en anneau. Maintenant, nous avons un cercle ici, donc je pense qu'une couche de forme sera la solution la plus simple. Je vais venir ici chercher mon outil d'ellipse. Je pourrais certainement essayer de dessiner un cercle centré. Mais comme notre composition est déjà un carré, 1080 x 1080, si je double-clique dessus, cela créera une ellipse exactement de la taille de la composition, qui est déjà un cercle parfait Maintenant, il ne me reste plus qu'à le réduire. Je vais donc passer à mon panneau de propriétés , réduire cette taille. Nous n'avons pas besoin de ce coup, alors désactivons-le. Nous pouvons vraiment voir ce que nous faisons ici. On dirait que j'ai compris , et je suis vraiment contente que cette couleur soit différente, donc je vais pouvoir voir ce que je fais Ajustons la position de la couche pour l'aligner. Je pense que c'est probablement autour de 674, c'est ce que je veux. Je vais juste appuyer dessus avec mes flèches. Et ajustez la taille jusqu'à ce qu'elle vous convienne parfaitement. Nous y voilà. Il y a un effet que nous pourrions utiliser pour obtenir le look que je recherche. Nous allons donc passer à nos effets et préréglages, rechercher effacement radial et l'appliquer à mon cercle. Vérifions-le. Il a une durée de transition comprise entre 0 et 100. OK, eh bien, ça semble être la bonne idée, mais au mauvais endroit. Découvrons-le. L'angle de départ, ce ne sera pas ça. OK, allons-y. Nettoyez le centre. On dirait que oui, cela ajustera d'où vient le nettoyage Par défaut, cela se passe à 5h45 40, soit le milieu de la composition OK, eh bien, c'est logique. Mais notre cercle n'est pas centré sur les compositions. Il est en fait situé à 5h46 74. Donc, si nous mettons à jour notre centre d' effacement à 54674, il est désormais parfaitement centré sur cette couche OK ? Voyons donc si c'est ce que nous voulons. y regarder, je pense que c'est en fait l'inverse de ce que je souhaiterais, nous devons donc probablement régler cela pour qu'il se produise dans le sens antihoraire OK ? Ouaip. Nous y voilà. Ensuite, il suffit de décaler cet angle de départ. On dirait qu'il fait 90 degrés juste là. Et c'est parfait. OK, donc je vais juste peaufiner ça. Maintenant, je remarque que ces chiffres peuvent sembler un peu en arrière par rapport à ce que je souhaiterais qu'ils soient. Il s'animera très bien. Ce ne sera tout simplement pas aussi intuitif. Mais je pense que ça va bien fonctionner ici. Je vais créer une image-clé , revenir au début et la porter à 100 % Et puis au fur et à mesure que nous avançons, il s'essuie et se remplit exactement autant que nous le voulons Ici, il suffit de mettre à jour la couleur, puis de créer des doublons pour les autres Bien entendu, nous avons un problème en ce sens que ce cercle intermédiaire doit être découpé ou masqué. C'est assez facile. Allons-y et appelons cela un effacement radial. Et faites une copie de ce cercle, je peux appuyer sur E pour faire apparaître cet effet, et nous allons simplement supprimer le chiffon radial sur celui-ci. Renommons-le en Blue center. Et en regardant dans le panneau des propriétés, nous pouvons mettre à jour cette couleur et réduire la taille jusqu'à ce que le point central soit censé être. Et maintenant, nous avons ici un graphique en anneau joliment animé. Cependant, cette approche pose un autre problème. En plus du fait que la fin de la transition semble un peu rétrograde, regardez ceci Si je devais déplacer la couche elle-même, centre d'effacement ne se déplacerait pas avec le cercle. Par défaut, tout effet possédant une position interne telle que cette propriété ne suit pas le calque lorsque vous utilisez des transformations de calque. Il existe un moyen de lier cela, que je vais rapidement vous montrer. Allons-y et annulons ce mouvement de la couche. On en revient donc au 54674. Et je vais faire défiler quelques éléments ouverts ici dans la chronologie pour que je puisse voir tout ce que je Voici donc ce centre d'effacement, et voici la position de mes couches. Vous avez peut-être remarqué que dans les colonnes parent et lien, outre le fait que chaque couche peut être parentée, chaque propriété possède en fait un petit fouet, qui signifie que vous pouvez lier propriétés similaires les unes aux autres Donc, la solution ici, si vous voulez pouvoir déplacer ce cercle, est de trouver ce petit fouet ici et de le lier à la position des couches Regarde comment le chiffre devient rouge. C'est After Effects qui a créé une petite expression pour nous, juste pour lui demander de regarder la propriété de position de cette couche. Et maintenant, si je mets à jour la position de la couche, centre d'effacement se déplace en même temps. C'est une excellente solution. Je pourrais faire des doublons pour les autres couleurs, et ce serait Je pense que j'aimerais vous montrer une autre approche, car je n'aime pas que ce chiffre soit rétrograde, car il s'agit d' un graphique, ce qui rend les choses un peu plus difficiles si nous devions le mettre à jour à nouveau plus tard Alors, fermons ça. Je vais continuer, en faire une autre copie et désactiver mon effacement radial. Sur cette nouvelle copie, j' appuierai à nouveau sur E, supprimerai le blanc radio, puis je vais donner un nom à cette garniture. Juste pour que je puisse voir ce que je fais, je vais également désactiver le centre bleu, et nous verrons que nous en sommes revenus à un cercle plein. Mais si nous devions utiliser un cercle tracé et découper des tracés, ce serait également un moyen très simple créer exactement l' effet que nous recherchons Voyons donc comment cela fonctionne. Revenons au panneau des propriétés et activons notre trait. Éteignez notre remplissage. Laissons After Effects faire quelques calculs pour nous ici. Je vais cliquer sur cette valeur de taille, appuyer sur ma flèche droite pour dépasser le chiffre, puis taper divisé par deux. Et si je devais dire que la largeur du trait doit être la même valeur, soit 290,9 Hé, regardez-vous Cela correspond exactement au cercle que nous avions. en venir à notre chronologie, je vais ajouter un chemin de découpage juste là, puis nous verrons si cette valeur finale, oui, répond exactement à nos besoins C'est bon. C'est peut-être un peu plus flexible si vous préférez travailler de cette façon et que les chiffres sont corrects. Donc, si je le mets à environ 80 %, cela représente 80 % de ce cercle, ce qui, dans ma tête, étant donné que nous faisons un graphique, est un peu plus logique. Nous devons à nouveau décaler cet angle de départ, qui se trouve ici, cette propriété de décalage, de 90 degrés. Et maintenant, il ne nous reste plus qu'à égaler cette valeur finale, qui semble être juste là, 89 % Animons-le, revenons au début et mettons-le à zéro. OK, parfait. Maintenant, j' aurais certainement pu observer la taille du cercle et créer un trait correspondant exactement à l'épaisseur de l'anneau, ce qui aurait été très efficace Je pense que pour rendre les choses un peu plus dynamiques, je vais animer ce centre bleu pour qu'il y ait un peu plus de mouvement ici Mettons donc à jour le nom de Trim en rouge et en pipe-gouttes cette couleur de trait rouge Dupliquez-le, nommez-le pêche. Et nous pouvons travailler à partir du panneau des propriétés 2. Nous allons simplement prendre cette couleur pêche, appuyer sur U pour afficher ces images-clés finales, J pour passer à l'image-clé Cela va être un peu plus difficile à voir, mais je pense que nous pouvons le trouver car il est probablement parfaitement à 99 %. Ensuite, nous avons besoin d'une autre copie du gris. Prends cette couleur. Appuyez sur vous pour l'ouvrir et le régler à 100 %. Maintenant, j'ai juste besoin du rouge sur le dessus, de la pêche au milieu. Allons-y, colorions-les pour savoir quels sont nos héros et pressons vous pour les ouvrir. Nous allons aller de l'avant, les simplifier facilement et voir à quel point cela se sent vraiment rapidement. OK. Désactivons notre couche de référence afin de pouvoir nous concentrer uniquement sur ce cercle. OK, je pense que ça fait du bien. Peut-être un peu vite. Sélectionnons-les donc tous et déplaçons-les. Allons-y et compensons-les peut-être comme l'ont été nos autres éléments. OK. Et réactivons ce centre bleu. Et je parie que si nous adaptons celui-ci, qui peut être soit l'échelle de la couche soit la propriété de taille du cercle, nous augmenterons la taille, car pourquoi pas ? Revenez au début et mettez-le à zéro. Je vais facilement les atténuer à nouveau, et voyons ce que l'on ressent. OK. Ça pourrait être intéressant. Activons cette couleur d' arrière-plan afin de pouvoir la situer dans son contexte. Oh, je ferais mieux de définir mon espace de travail. Je pense que cela se produit un peu trop vite, et peut-être que cela devrait déjà se produire un tout petit peu au fur et à mesure. Juste une sorte de peaufinage au fur et à mesure. Il vous suffit de continuer à adapter jusqu'à ce que vous en soyez satisfait. Je pense que ça fait du bien. C'est bon. Faisons en sorte que cette couleur soit différente de celle de l'arrière-plan. Ce cyan fait du bien. Nous avons commencé les autres couches un peu après les titres. Alors peut-être que, disons, cadre dix est un bon point de départ pour tout cela. Je n'utiliserai pas le support ici parce que je ne veux pas qu'ils commencent tous à ce moment-là. Je les fais donc simplement glisser en groupe. Je vais aller de l'avant et le mettre en dessous des titres , juste pour que nous ayons une belle marche d'escalier visuelle ici Cliquez dessus, et je vais appuyer une fois sur U pour que tout se dévoile. Je vais aller de l'avant et me débarrasser de ma version radio blanche. Vous êtes libre d'utiliser cette approche si vous le souhaitez. Je voulais juste vous montrer les deux. Nous sommes donc assez proches d'ici, je pense. Nous avons juste besoin de faire ces étiquettes au milieu. Je vais donc juste le placer au-dessus mon centre bleu et le rallumer. Et une fois que nous aurons masqué cela, cela ne dissimulera rien d'autre d'important de toute façon. Juste pour vous montrer une approche légèrement différente, nous pouvons également placer plusieurs masques sur une couche et animer l' opacité de chacun d'entre eux Essayons-le donc juste pour vous donner des options. Je vais zoomer et, une fois cette couche sélectionnée, prendre mon outil rectangulaire et dessiner trois masques, chacun ayant juste une étiquette. Nous y voilà. Remarquez qu'ils sont devenus les masques un, deux et trois au fur et à mesure que je les ai dessinés. Et si vous les ouvrez, n'oubliez pas que les propriétés du masque contiennent une opacité Nous pourrions donc animer chacune de ces animations. Ramenons donc notre CTI à zéro et cliquons sur le chronomètre sur ces trois propriétés d' opacité du masque Cela prend déjà beaucoup de place, mais si j'appuie sur U, nous ne regardons plus que ces trois propriétés. En fait, je veux ces images 100 % clés ici à 12 images, donc je vais simplement les faire glisser les trois, revenir à la page d'accueil et les faire glisser jusqu'à zéro Maintenant, le décalage rapide fonctionne également sur les images-clés, mais il ne s'agit que de quelques-unes. Nous pouvons donc simplement déplacer une ou deux images vers le haut , les sélectionner les déplacer par-dessus, une , deux, les sélectionner et les Et maintenant, nous avons notre joli petit décalage, et tout cela est contenu dans une seule couche, il est donc un peu moins difficile de le régler. Je ne sais pas exactement où celui-ci doit aller en termes de timing, peut-être quelque part par ici. Essayons ça et voyons ce que l'on ressent. Effectuez un zoom arrière, affichez-le et faites un aperçu. Peut-être juste quelques images plus tôt. OK, je pense que ça fait du bien. Lorsque nous voyons cela dans le contexte des autres graphiques en une minute, nous pouvons apporter des ajustements temporels à n'importe lequel d'entre eux, mais je pense que cela fait du bien. 43. Assembler plusieurs scènes: Il est maintenant temps d'assembler nos trois graphiques, que nous traitons comme des scènes en un seul endroit. Maintenant, nous pourrions simplement créer une nouvelle composition, mais il existe un moyen simple de toutes les assembler. Je vais simplement les sélectionner tous les trois et les faire glisser vers le bas vers le nouveau bouton de composition. Et dans cette fenêtre contextuelle, nous pouvons choisir si tout ce que nous avons sélectionné doit être regroupé dans une seule composition, ce que nous voulons, ou créer plusieurs compositions avec chaque élément distinct. Nous n'avons pas besoin de nous occuper de ces autres éléments, mais notez que vous pouvez séquencer automatiquement les couches. Vous pouvez définir des durées fixes. Il y a donc beaucoup d'options ici. Maintenant, je veux renommer ces compositions. Je vais donc appuyer sur Ctrl ou Commande K pour obtenir paramètres de ma composition et renommer cette Et allons-y et actualisons cette durée car nous aurons besoin d' espace pour la compenser un peu. 20 secondes devraient suffire. Nous pouvons faire un petit zoom arrière sur notre chronologie, et allons-y et passons à autre chose. Comme il s'agit de notre composition principale que nous allons exporter, c'est ce que nous allons placer ici dans le dossier comp, et nous allons lui donner une autre couleur, juste pour vraiment ressortir ici dans la chronologie Parfait Nous avons donc maintenant notre composition d'exportation principale ainsi que les scènes individuelles qui la composent. Maintenant, en avançant un peu, accord, il semblerait que notre graphique à barres soit le premier. Nous allons le faire glisser un petit peu pour voir les noms. Je pense qu'il serait logique d' inverser cet ordre Nous allons donc placer un graphique à barres en bas, puis un graphique linéaire, puis un graphique en anneau. L'idée est de décaler légèrement chacune d'entre elles dans le temps afin de voir le graphique se révéler, rester là pendant une seconde pour l'absorber, puis de passer au graphique suivant. Et puis le dernier. Je prévois déplacer chacun de ces éléments vers la gauche pour révéler le prochain graphique à venir Nous utiliserons donc des images-clés de position pour cela Allons-y, regardons environ 4 secondes ici et voyons ce que l'on ressent. Je vais commencer par le graphique à barres, puisque c'est le premier. En fait, je vais vous les révéler tous les trois, et une fois ceux sélectionnés, je pourrais accéder à mon panneau de propriétés, cliquer avec je pourrais accéder à mon panneau de propriétés, le bouton droit de la souris et séparer les dimensions. Nous allons uniquement utiliser la position à ce sujet, donc cela semble un peu plus facile. E pour révéler ces propriétés de position ici dans la chronologie. Je vais créer une image-clé ici, puis avancer d'une seconde, ce qui représente 24 images par seconde puisque je travaille à 24 images par seconde Je vais donc maintenir la touche Maj enfoncée et appuyer sur la page suivante, sur la page suivante, relâcher la touche Maj et appuyer sur la page suivante un, deux, trois, quatre. Ça fait 1 seconde. Je veux m'assurer que mes mouvements sont précis et qu'ils suivent exactement la bonne distance. N'oubliez pas qu'After Effects peut faire ce calcul pour nous. Maintenant, je sais que cette composition mesure 1080 pixels de large, donc je pourrais simplement demander à After Effects déplacer ces 1080 pixels vers la gauche, ce qui est négatif, donc moins 1080, hé, regardez bien. Voir le cadre de délimitation. Parfait Maintenant, nous étions en train de le recouvrir avec l'autre couche, mais voilà . Cela bouge exactement comme nous le souhaitons. Parfait Réactivons-le. Maintenant, nous savons que nous allons vouloir les associer afin que celle-ci soit intégrée à l'autre couche ici. Mais vous devez vous assurer que lorsque vous êtes parent, vous le faites au bon moment car si je suis parent de cette couche ici, par exemple, elle va juste au-dessus de la première lorsqu'elle glisse hors de l'écran. Je vais donc appuyer sur K pour m'assurer que ce déplacement est terminé, sorte que le graphique à barres soit ici, graphique linéaire juste ici, et je vais procéder à l'édition. Maintenant, nous devons déterminer notre calendrier. Je veux probablement l'aligner sur cette première image-clé. Nous allons aller de l'avant, les atténuer facilement et voir ce que vous ressentez. OK, donc je vois quelques petits ajustements que je voudrais faire. Je pense que pour commencer, je vais faire passer ces images-clés sur 12 images, juste une demi-seconde, mais cela nous donnera un peu plus de temps pour assimiler cela, puis nous pourrons en quelque sorte établir cela comme Je vais donc sélectionner les deux. Et vous pouvez réellement déplacer les images-clés en maintenant touche Alt ou Option enfoncée, puis en utilisant les flèches gauche et droite Je vais donc appuyer sur Alt et les pousser un, deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit, neuf, dix, 11, 12 Appuyez sur K pour sauter là-haut, sélectionnez notre graphique linéaire et ouvrez le crochet pour le déplacer. OK, maintenant je remarque un autre problème, et c'est que ce graphique est déjà à moitié animé avant que nous ne le voyions Il existe donc deux approches différentes. Nous pourrions simplement commencer plus tard, mais nous aurons alors une sorte de lacune ici. Donc, tu sais, ça pourrait marcher. Nous pourrions simplement mettre une couche bleue en bas et faire en sorte que celle-ci commence par ici, ou je vais simplement annuler l'autre approche qui consiste à revenir rapidement à cette précomposition et à simplement déplacer ou je vais simplement annuler en sorte que celle-ci commence par ici, ou je vais simplement annuler l'autre approche qui consiste à revenir rapidement à le tout sur environ 12 images pour qu' il soit légèrement décalé Faisons-le simplement. Vous allez entrer ici, verrouiller la couleur de mon arrière-plan pour qu'elle reste en place, je sélectionnerai tout le reste et je les ferai simplement glisser pour qu'elles commencent à l'image 12. Tous nos délais actuels sont donc toujours en place. Nous l'avons juste déplacée un peu plus tard. Voyons si cela est suffisant pour que cela fonctionne. Oui, ça a l'air bien mieux. De toute évidence, le graphique en anneau apparaît un peu trop tôt, mais maintenant que nous avons déterminé notre calendrier général, nous pouvons simplement effectuer ces mises à jour. Faisons le point pour voir ce que nous faisons. Si notre autre mouvement se produisait en 4,5 secondes, cela signifie que le prochain mouvement devrait avoir lieu en 9 secondes . Je vais sélectionner le graphique linéaire, créer une image-clé et avancer d'une seconde, 24 images Et nous pouvons utiliser la même approche, même s'il s'agit d'un nombre différent ici parce qu'il est parent et que les valeurs de position deviennent donc relatives C'est un peu plus complexe que ce quoi vous voulez probablement penser pour le moment, mais les calculs fonctionnent toujours de la même manière. Nous pouvons simplement taper moins 1080, et cela se déplacera parfaitement hors de l'écran. Facilitez facilement ces images-clés, déplacez celle-ci, maintenez la touche Maj enfoncée pour qu'elle s'enclenche et assurez-vous que nous sommes alignés avec cette deuxième image-clé ou une version ultérieure, puis parentez-la maintenez la touche Maj enfoncée pour qu'elle s'enclenche et assurez-vous que nous sommes alignés avec cette deuxième image-clé ou une version ultérieure, puis parentez-la Encore une fois, nous devrons accéder à ce graphe en anneau. Verrouillons cet arrière-plan, sélectionnons tout le reste, obtenons notre CTI à l'image 12 et ramenons-les simplement pour que ce soit là qu'ils commencent Et regardons le tout et voyons si tout semble être correctement collé. Si nous voulons créer une boucle parfaite, nous pourrions refaire la même idée une fois de plus. Je pense qu'en fait, 13,5 secondes semblent à peu près correctes. Nous pourrions donc créer d' autres images-clés ici. Et cette fois, nous pourrions simplement saisir la valeur manuellement, car elle serait identique au graphique linéaire. Le 540 devrait donc le déplacer parfaitement du côté gauche. Sélectionnez ces E faciles. Maintenant, je vais reculer d'une image, appuyer sur Fin, et c'est la fin de mon espace de travail. Et cela devrait créer une boucle parfaite. Nous avons juste besoin d'un peu de tampon à la fin. Utilisons donc notre outil de rectangle, double-cliquez dessus pour créer un rectangle exactement de la taille des compositions. Débarrassez-vous de ce trait, ajoutez un collyre de remplissage ou cette couleur bleu foncé Nous allons simplement le mettre à jour en couleur BG. Déplacez-le vers le bas et fermez-le. Regardons l' aperçu une fois de plus. Ah, parfait. Nous avons juste besoin d'ajouter un peu d'image de marque, puis je pense que nous sommes bons. Zoomons un peu et j'ajouterai le nom de mon entreprise, qui pour moi est Saget à Starlines Je vais donc prendre mon outil de saisie et cliquer ici. Sélectionnez ce texte. Allons-y, mettons-le au rouge, puis je dois m' assurer de trouver ma dalle Museo Je vais en essayer un bien épais ici. Je pense que 36 ans, c'est bien. Je vais juste le mettre au coin de la rue. Je pense que cela ne gênera pas tous les éléments de mon graphique. Ouais, ça a l'air bien. Et puis peut-être dessinons une petite boîte rapide sur laquelle elle sera posée à peu près comme ça. Difficile à voir, évidemment. Nous allons le mettre en dessous du texte et peut-être prendre, je ne sais pas, cette couleur grise. Essayons juste de l' assombrir un peu. Voyez ce que vous ressentez. Oui, on dirait que ça va faire l'affaire. C'est bon. Allons l'agrandir. Assurez-vous que cela est réglé pour s'adapter et effectuez un dernier aperçu. Génial. Je pense qu'il est prêt à être exporté et publié sur les réseaux sociaux de l'entreprise. 44. Projet de cours 04 - Infographie animée: Encore une fois, Class Project et cette fois, nous recevons toutes les infographies L'équipe des réseaux sociaux de votre client aimerait avoir quelques courtes infographies animées pour aider à informer le public sur les avantages de la destination Nous recherchons ici au moins deux scènes différentes et nous veillons à ce que vous donniez au spectateur le temps nécessaire pour lire certaines de ces informations. Cette fois, vous pouvez personnaliser la taille de la composition et la fréquence d'images, si vous le souhaitez, à condition que cela soit relativement convivial pour les réseaux sociaux. Et nous aimerions que vous créiez au moins deux infographies différentes avec différents types de graphiques que vous animerez ensuite Si vous voulez faire quelques recherches et obtenir des informations complètement précises sur votre destination, c'est super cool, mais ce n'est pas obligatoire ici. Cela peut aussi simplement être joli. Vous pouvez créer vos designs dans Photoshop ou Illustrator, si vous êtes à l'aise avec l'un d'entre eux, ou vous pouvez travailler entièrement dans After Effects si vous préférez. Ou, bien sûr, vous pouvez faire une combinaison des trois. Nous voulons nous assurer que vous intégrez couleur principale de votre marque et le nom du client d'une manière ou d'une autre. Bien que les graphismes individuels devraient être animés, je souhaite également que vous créiez une transition fluide entre les scènes. vôtre n'a pas besoin d' être une boucle parfaite, mais si vous voulez le faire, allez-y. Et surtout, cette exigence est un peu floue , mais je veux vraiment que vous envisagiez utiliser le mouvement pour guider regard de votre spectateur à travers vos créations de manière significative et réfléchie Pour rappel, voici à quoi ressemble le mien. Nous avons ces trois types de graphes différents, pensant vraiment aux éléments du héros, ces éléments secondaires, puis à la façon dont le mouvement se déroule pour attirer l'attention des gens. Encore une fois, vous savez à quoi vous attendre en ce qui concerne les livrables  : exportez votre animation sous forme fichier MP4 en utilisant le même préréglage, téléchargez-la sur un site d'hébergement vidéo et partagez le lien avec nous N'utilisez aucun site de stockage dans le cloud. Et assurez-vous de le partager sur les réseaux sociaux. Surtout si vous utilisez des faits réels concernant votre destination, quelqu'un d'autre pourrait apprendre quelque chose. 45. Créer la planète: Pour ce prochain projet, nous changeons de vitesse, abandonnant la précision de ces graphes au profit de quelque chose de beaucoup plus souple et plus artistique Jusqu'à présent, nous avons principalement importé des actifs, mais ce projet n' implique en fait aucun élément importé. En fait, nous allons créer 100 % de celui-ci ici même dans After Effects en utilisant des calques solides, un tout petit nombre de calques de forme et plusieurs combinaisons d'effets différentes pour créer une scène spatiale. Commençons. Avant de créer quoi que ce soit, je vais réorganiser un peu mon espace Vous pouvez voir que le panneau de ma bibliothèque est ouvert pour quelques pastilles de couleur, et je vais prendre les propriétés et les faire glisser ici. Cela me permet de garder mon panneau d'effets et de préréglages exposé à tout moment, mais aussi de travailler dans les propriétés sans avoir à cliquer continuellement d'avant en arrière Nous allons commencer par créer une nouvelle composition. Je vais nommer cette scène planétaire. Et j'utilise simplement ce préréglage HD 24 images par seconde. Si vous voulez une fréquence d'images différente, c'est très bien. Et 10 secondes me conviennent. La prochaine chose que nous allons faire est de créer une autre composition vide pour construire quelque chose qui figurera dans celle-ci. Je vais cliquer sur cette nouvelle icône de composition. Et nommez cette planète. Cette fois, je souhaite modifier la taille de cette composition. En fait, je veux que celui-ci soit deux fois plus large que haut Je vais donc décocher cette petite case à cocher qui verrouille les proportions, puis laisser After Effects faire le calcul à Je vais simplement taper 1080, puis utiliser l'astérisque pour multiplier 1080 fois deux Et puis une fois que j'ai cliqué n'importe où, ça fait le calcul pour moi, 21 60. Parfait. Il se peut que nous ayons besoin d'un petit zoom arrière pour voir le tout. Nous y voilà. Nous pourrions utiliser des couches de forme pour la plupart des tâches que nous allons effectuer dans ce projet, mais elles offrent en fait plus de fonctionnalités que ce dont nous avons besoin dans la plupart des cas. Je vais donc utiliser ce que l'on appelle une couche solide, qui n'est qu'une couche de couleur plate d'une taille spécifique, idéale pour conserver les effets. Je vais passer à la couche, nouvelle, solide, ou vous pouvez appuyer sur Ctrl ou Commande Y. Je vais nommer cette planète base, et vous verrez qu'elle est créée à la taille de la composition, et vous pouvez choisir la couleur, qui n'a pas vraiment d'importance pour cette première Je vais donc appuyer. OK. Et même si cela n'a pas l'air différent, vous pouvez maintenant voir un cadre de délimitation et voir la couche vers le bas dans ma chronologie Nous allons y ajouter un effet appelé bruit fractal, afin de pouvoir passer à autre chose Vous pouvez le rechercher si vous le souhaitez, ou vous pouvez le trouver sous bruit et bruit fractal à grains Cet effet vous permet de générer des modèles de bruit dans toutes sortes de combinaisons intéressantes, juste pour vous donner un aperçu très rapide. En haut, vous avez un type fractal, mais changer crée toutes sortes de combinaisons complètement différentes. Choisissez peut-être des chaînes, par exemple. Tu vois, c'est déjà un look complètement différent. Et vous pouvez modifier le type de bruit pour qu'il soit différent. Nous dirons blocs. Et sans même toucher aux autres propriétés, vous verrez que c'est déjà assez différent de ce qu'il était au départ, n'est-ce pas ? Je vais juste le réinitialiser . Nous allons l'utiliser pour créer une texture terrestre qui s'enroulera ensuite autour d'une sphère pour créer une planète. Et nous n'utiliserons que le type fractal de base, mais le contraste de luminosité est généralement un bon point de départ contraste de luminosité est généralement un bon point de départ Nous pourrions augmenter un peu les choses ici. Il sera en fait plus facile de voir ce que nous faisons une fois que nous aurons appliqué un autre effet pour le recolorer Et je vais opter pour Tritone. Alors saisissons-le et appliquons-le à la couche. Tout d'abord, le bruit fractal se produit, puis le triton Si c'était le contraire, nous ne verrions pas les effets du triton parce que le bruit fractal le masque. Réglons les tons moyens sur ce type de bleu moyen et les ombres sur ce bleu foncé, puis les tons sur ce type de couleur pêche. Cela ressemble à une terre avec des océans, mais vous êtes bien sûr libre d' utiliser les couleurs de votre choix. Et maintenant, je peux vraiment voir ce résultat. Maintenant, je peux jouer avec le contraste et la luminosité pour décider quelle mesure je veux que ce soit épais la luminosité baisse, plus j'ai d'océans, plus je m'élève, plus j'ai de terres. Quelque part au milieu, c'est probablement bien ici, et je pourrais ouvrir cette transformation et simplement changer un peu l'échelle pour que cela ressemble un peu plus à de plus grandes masses continentales. Si vous me suivez, je ne pense pas que vous ayez à vous soucier trop de l'utilisation de mes valeurs exactes. Déterminez simplement ce qui fonctionne bien pour votre exemple et allez-y. Maintenant, je ne vais pas essayer de créer une version réaliste de ma planète, Jupiter. Je veux juste une ambiance de planète fantastique en ce moment. Je vais créer un autre solide que je vais utiliser comme couche de nuages. Alors, superposez du nouveau solide. Nommez ce nuage et le noir conviendra à nouveau à celui-ci. Nous utiliserons à nouveau le bruit fractal pour celui-ci. Nous allons beaucoup l'utiliser dans ce projet. Je pense que dans ce cas, augmenter légèrement le contraste et peut-être diminuer légèrement la luminosité , ce sera probablement une bonne chose Et je vais venir ici et changer mon mode de fusion. N'oubliez pas que si vous ne le voyez pas pour le moment, vous pouvez basculer entre les commutateurs et les modes Je vais régler ce mode de fusion sur écran afin que toutes les zones sombres deviennent transparentes, et maintenant j'ai une couche de nuages au-dessus de ma masse continentale Je vais peut-être baisser un peu plus cette luminosité pour qu'elle ne soit pas aussi intense. Et juste pour donner un peu de vie à cela, examinons certains des paramètres ici. Sous Transform, vous avez la possibilité non seulement de redimensionner cette couche, mais également de décaler cette couche. Maintenant, si nous modifiions la position de la couche, celle-ci aurait bien sûr des bords, mais vous pouvez l'utiliser pour continuer à générer de nouvelles textures au fur et à mesure qu'elle défile Je vais donc juste le saisir, sauter jusqu'au bout et le déplacer un peu de cette façon Cela crée donc un léger mouvement des nuages. Sympa. Revenez au début, et je vais également animer cette commande d'évolution, qui fait changer le modèle de bruit lui-même au fil du temps Très utile pour donner vie à cet effet. Je vais créer une image-clé, sauter jusqu'à la fin et la tourner légèrement ici Je ne sais pas, peut-être environ 1h20. Dévoilons ces images-clés. D'accord. Je pense que cela va être assez subtil, mais je préférerais que ce soit subtil. Je peux toujours revenir et ajuster cela si je le souhaite. Pour le moment, nous avons terminé cette composition. Nous pouvons donc soit la fermer, soit simplement cliquer sur l'autre onglet et nous assurer que mon panneau de projet est là pour que je puisse récupérer ce que je viens de créer. J'ai donc ces compositions de planètes, et je vais simplement les ajouter à la planète CN, puis nous allons utiliser un autre effet pour en faire une planète. Je cherche une sphère CC. Et dès que je l'aurai appliqué, vous verrez Poof Instant Planet. Il dispose d'un contrôle du rayon. Augmentons un peu ce chiffre pour agrandir la planète. Et nous pouvons utiliser ce décalage ici ou simplement déplacer la couche elle-même. Dans ce cas, cela ne changera pas vraiment notre résultat final. Je veux que ma planète soit un peu ici, à environ un tiers de la droite. Je pense que cela créera une belle mise en page dynamique une fois que nous aurons intégré davantage d'éléments. 46. Créez l'arrière-plan: R Nous avons besoin d'un arrière-plan pour notre planète. Vous pouvez également créer des solides en cliquant avec le bouton droit sur la zone vide de votre chronologie ici. Vous verrez cette fenêtre contextuelle et nous pourrons passer à New Solid. Nous allons juste l'appeler BG, et je pense que le noir convient bien ici. OK, mettez-le en dessous de notre planète. Ensuite, nous allons en faire un autre. Donc, un nouveau solide, que nous appellerons étoiles. Mais cette fois, il faut s' assurer que la couleur est blanche. Et nous allons retourner à notre panneau Effets et rechercher CC Starburst Il suffit de déposer ce rouge sur mon calque et vous pourrez voir ce qu'il fait. Si vous prévisualisez, c'est en fait assez intense. Nous allons le recomposer un tout petit peu. Nous pouvons venir ici et peut-être réduire un peu cette taille. Je veux vraiment réduire la vitesse. Je ne veux pas que ce soit jusqu'à zéro, mais peut-être 0,01, c'est à peine quelque chose J'ai l'impression qu' ils sont assez denses, je pourrais essayer, de les disperser et de les relâcher J'espère que vous voyez déjà plusieurs autres possibilités intéressantes si vous animez cette propriété Cela me fait du bien. Allons-y et déplaçons-le sous ma planète. Tu sais, le blanc c'est bien, mais je vais essayer un autre effet juste pour leur donner une petite touche de couleur. Il existe un effet appelé color ama. Notez que je n'ai pas besoin de saisir le nom complet. Je vais l'ajouter à ma couche d'étoiles. Par défaut, tout devient rouge, pas ce que je veux. Mais si je passe au cycle de sortie et que je choisis l'une de ces palettes prédéfinies pour le feu, redeviendra presque tout redeviendra blanc. Mais j'ai découvert que si j'augmente légèrement la valeur d'ombrage de CC Starburs, Colama fonctionne réellement sur les valeurs blanches et noires de tout ce qui lui est transmis, qui est actuellement Donc, si nous lui donnons un peu d'ombrage, il commencera à y mettre un peu de couleur C'est peut-être un peu subtil sur votre enregistrement, mais vous ne pouvez voir que de petits baisers jaunes et oranges ici, de sorte que les étoiles ne sont pas simplement d'un blanc pur Laisse-moi peut-être changer ça. Cela les renforce un peu et leur donne juste un peu de personnalité, ce que j'aime beaucoup Ce ne sera donc pas une œuvre très animée, mais encore une fois, avec un aperçu, nous pouvons voir un peu de fluage sur ces étoiles Et avec ce petit et le mouvement vers le cloud, nous donnons déjà vie à la scène avec très peu de travail. 47. Ajouter des anneaux 3D: Que ce soit scientifiquement exact ou non, tout le monde aime les planètes avec des anneaux, alors ajoutons-en quelques-uns. Je vais créer un autre nouveau solide et le nommer anneaux. Et dans ce cas, la couleur n'a importance. Je vais appuyer sur OK. Celui-ci aura toute une série d'effets pour obtenir le résultat final, commencer par notre ami le bruit fractal. Et je vais en quelque sorte vous donner une idée de la direction que cela va prendre. Mais encore une fois, nous ne verrons pas vraiment le résultat tant que nous cumulé certains des autres effets. Maintenant, dans ce cas, nous allons utiliser propriétés de transformation du bruit fractal, et vous pouvez faire en sorte que la mise à l'échelle ne soit pas uniforme Par défaut, la mise à l'échelle est uniforme comme le font les couches, mais vous pouvez désactiver cette option et vous pouvez désormais redimensionner la largeur et la hauteur séparément Donc, si je fais en sorte que cette largeur très grande et que la hauteur soit très petite, vous commencerez à avoir un motif de lignes striées, Venons maintenant ici et cherchons les coordonnées polaires. Jetez un œil à ceci. Nous l'ajoutons à notre couche et je vais le modifier pour réagir en polaire, donc ça va le faire passer d'un rectangle à un polaire. Et quand j'augmente cette valeur, elle se replie sur elle-même jusqu'à devenir un cercle Et je parie que vous pouvez déjà voir où cela va nous mener. Maintenant, il y a une couture. Dans ce cas, cela ne posera aucun problème. Nous allons simplement le cacher derrière la planète, mais il existe des moyens de résoudre ce problème lorsque vous en avez besoin. Bien entendu, à l'heure actuelle, nous avons un gros disque de séries, ce qui n'est pas tout à fait ce que nous voulons Je vais donc utiliser un autre effet appelé effacement linéaire. Pour arriver là où nous voulons aller, nous allons simplement le déposer sur cette même couche. Et comme nous l'avons vu avec d'autres fonctionnalités, l'ordre dans lequel les choses sont appliquées fait une énorme différence sur le résultat final. Le nettoyage linéaire est censé être une transition, un peu comme le nettoyage radial que nous avons vu auparavant. Donc, si je le lance, il disparaîtra lentement comme ça, comme ça, comme un nettoyage standard sur toute la scène, non ? Mais si je le place plus haut dans la pile de couches, disons , avant les coordonnées polaires, cela aura un effet très différent. Parce que n'oubliez pas que les coordonnées polaires enveloppent ce rectangle dans un cercle. Donc, si je modifie la fin de cette transition et que je change l'angle d'effacement, regardez ceci. C'est un peu farfelu, non ? J'espère que vous allez déjà commencer à voir idées intéressantes que vous pourriez utiliser pour d'autres choses abstraites. Mais si je le règle à exactement 180 degrés, je peux activer la fin de la transition jusqu'à ce que j' obtienne parfaitement le nombre de bagues que j'aime. Il y a une petite propriété en forme de plume ici, si je veux adoucir ce bord intérieur, ce qui me semble joli Et maintenant, il ne nous reste plus qu'à le placer correctement sur la planète. Nous pouvons donc déplacer cette couche, mais nous avons un petit problème de perspective, non ? Mais After Effects peut résoudre ce problème pour nous en utilisant trois D. Maintenant, ne vous inquiétez pas. Nous allons simplement utiliser une version très simple de trois D. Nous allons basculer entre nos commutateurs et nos modes afin de voir les commutateurs de couche et de rechercher celui-ci juste ici, sous ce petit cube Cliquez dessus pour une couche pour activer trois D. Permettez-moi de sélectionner cette couche afin que vous puissiez voir dans le panneau des propriétés, puis lorsque j'active les trois D, observez ce qui se passe dans le panneau des propriétés. Soudainement, nous avons une troisième dimension sur plusieurs propriétés, et la rotation passe d' une propriété à quatre. Vous pouvez maintenant les ajuster absolument dans le panneau des propriétés si vous le souhaitez. Vous verrez également dans le visualiseur que nous disposons désormais de cette commande Gizmo à trois axes, qui vous permet de contrôler cette couche sur trois axes Maintenant, cela peut toujours se déplacer en X et Y, mais maintenant en Z, qui est vers et loin de nous, mais nous n'avons pas besoin de le faire pour le moment. Plus important encore, il vous permet de le faire pivoter en trois dimensions. Je vais prendre celui-ci rouge ici et simplement cliquer dessus et le faire glisser vers le haut jusqu'à ce que je trouve le bon angle, qui se situe probablement autour de 65 pouces. Et remarquez que lorsque je fais glisser ceci, cela change en fait la première valeur, la valeur X de la propriété d'orientation dans mon panneau de propriétés Maintenant, dans ce cas, la rotation ferait en fait la même chose. Vous avez en quelque sorte deux manières différentes de faire pivoter les objets, que vous les régliez simplement ou que vous les animiez . Je vais juste annuler ça. Pour ce projet, nous voulons juste le faire pivoter pour qu' il ait l'air correct, puis je pourrais simplement le faire glisser pour le mettre en place, peut-être le modifier un peu plus, ce peut-être le modifier un peu qui me fait du bien Bien entendu, nous avons un petit problème de superposition car ces anneaux devraient se trouver derrière la planète. Eh bien, nous pourrions essayer de faire glisser cette couche sous la planète, mais ce n'est pas correct non plus. Ce dont nous avons réellement besoin, c'est que la planète elle-même soit également trois D. Même s'il s'agit d'une couche plate qui ne sera pas du tout pivotée, activation de trois D pour cette couche indique à After Effects que nous voulons qu'il réfléchisse correctement à cette perspective Activons donc cela et maintenant cela résout ce problème de superposition Permettez-moi de vous donner rapidement un exemple de la façon dont After Effects voit cela. Notez que la planète n'est qu'une couche plate. C'est un peu comme si vous teniez une carte postale, puis l'anneau est en fait dans un espace en trois D autour d'elle. Même s'il est plat, cela lui donne une apparence correcte. Nous parlerons plus en détail des trois D vers la fin du cours. C'est une toute autre boîte de vers. Donc, pour l'instant, sachez simplement qu'il s'agit d' une autre option pour aider à ajuster la perspective de quelque chose. Je veux ajuster la couleur de ces bagues, alors reprenons Tritone Et il semblerait que ma couche planétaire soit sélectionnée. Je vais donc m'assurer de le mettre plutôt sur les bagues. Et réglons ces tons moyens sur mon rouge principal et peut-être faisons-nous un peu dingue avec ça. Prenons ce bleu foncé et définissons les ombres pour qu'elles soient, je ne sais pas, violettes. Peut-être que nous pouvons zoomer un peu. Ce serait le bon moment maintenant que nous pouvons vraiment voir le résultat. Nous pouvons augmenter ce contraste si nous voulons nous embrouiller avec les couleurs, car plus vous créez de avec les couleurs contraste ici, plus le le triton 48. Dessiner une nébuleuse d'arrière-plan: Je pense que notre arrière-plan est un peu simple, nous pouvons donc créer une sorte de nébuleuse de nuages de gaz en arrière-plan pour lui donner de la personnalité Vous pouvez tout à fait utiliser une couche solide et des masques pour obtenir le même effet, mais je vais dessiner une couche de forme. C'est juste un peu plus souple pour cette coque. Je vais juste dézoomer un peu, prendre mon stylo. Je vais peut-être régler mon remplissage sur le violet que j'ai aligné ici. Je pourrais l'ajuster plus tard et dessiner une sorte de grosse forme, presque en forme de nœud papillon. Il n'est pas nécessaire d'être super parfait ici pour créer un objet coloré qui peut vivre en arrière-plan. Allons-y, renommons ce nuage de gaz et je le déplacerai juste en dessous des étoiles Nous allons le diviser un peu avec un autre bruit fractal Alors retrouvons ça. Et, hein ? Eh bien, cela m' a en quelque sorte ôté la couleur que je viens de créer. Nous pourrions utiliser un effet colorant pour y arriver. Mais le bruit fractal possède également un mode de fusion intégré à l'effet lui-même, qui permet toutes sortes de choses intéressantes Mais pour le moment, nous allons simplement le configurer pour multiplier afin de voir la couleur d'origine, mais aussi d'obtenir le motif intéressant du bruit fractal. Ouvrons Transform et jouons un peu avec cette échelle. Je cherche juste ça pour mettre fin à tout ça. Je vais peut-être augmenter le contraste, mais vous savez, c'est abstrait Je veux adoucir tout ça. Passons donc à la recherche d' un effet de flou comme Fast Box Blur Et nous allons appliquer cela à mon nuage de gaz et augmenter un peu jusqu'à ce que je m'en sente assez bien Désélectionnons cette couche. OK. J'aime bien, mais j'ai l'impression que c'est peut-être un peu trop fort au milieu. Je vais donc sélectionner à nouveau cette couche, accéder à mon outil de mise en forme et saisir une ellipse. Vous pouvez en fait dessiner un masque sur une couche de forme. Tu dois juste t' assurer de dire à After Effects que c'est ce que tu veux faire. Il y a un petit sélecteur juste ici. Lorsque vous travaillez déjà sur une couche de forme, vous pouvez lui indiquer que vous souhaitez plutôt créer un masque. Et je vais juste créer une sorte d' ellipse lâche ici au centre En fait, je veux que cet ensemble soit soustrait, donc nous allons le faire, l'ouvrir et lancer cette plume vers le haut, cherchant juste à abattre ce centre pour que ce ne soit pas si intense Je voudrais peut-être qu'elle soit un peu plus grande pour pouvoir jouer avec l'extension et décider quand je suis heureuse. Je trouve que ça a l'air plutôt bien. Peut-être encore un peu trop visible. Réduisons cette opacité. Peut-être environ 50 %. Nous y voilà. Cela aide juste à briser tout le noir sans trop attirer l'attention. 49. Ajouter un soleil: C'est bon. Une bonne scène spatiale a besoin d'un soleil et tout le monde aime les lentilles, n'est-ce pas ? Nous avons donc besoin d'un autre solide nouveau solide. Nous l'appellerons soleil. Et nous devons nous assurer que notre couche est noire cette fois. Ce sera important pour les modes de fusion dans une minute. Allons-y et définissons-le en jaune pour le soleil. Et je recherche un autre effet appelé lens flare. OK, déposons ça ici, et c'est parti. Maintenant, ces fusées éclairantes par défaut indiquent un peu leur âge, mais vous pouvez toujours en tirer quelque chose de beau Venons ici et choisissons un type d'objectif à focale fixe de 105 millimètres OK. Je pense que ça a déjà l'air mieux. Et ajoutons peut-être un effet de niveau à cela afin de pouvoir le modifier un peu Il faudra peut-être l'ajuster juste au toucher pour que nous puissions en voir le haut. Maintenant, vous pourriez en quelque sorte modifier le contraste, peut-être le réduire pour qu'il n'y ait pas de bord trop dur autour de certains de ces artefacts de l'objectif. Nous pouvons prendre ce centre de fusée et le déplacer légèrement, mais bien sûr, nous ne pouvons pas voir notre planète pour le moment. Passons donc à notre chronologie et définissons le mode de fusion pour cette couche afin qu'elle soit correctement composite. Revenez à nos modes et réglez celui-ci à l'écran. Tout ce noir deviendra donc transparent, et maintenant nous pouvons voir notre soleil. Orientons cette fusée vers le centre pour qu'elle soit un peu là, ça fait du bien Je vais me pencher sur le rouge qui est ma couleur. Donc, en ce qui concerne les niveaux, je vais régler ça sur mon canal rouge et jouer un peu avec ça pour lui donner une un peu plus rougeâtre. Maintenant, je pourrais aller très loin si je le voulais, mais je pense qu'un tout petit peu suffirait probablement. Si je le souhaite, je peux modifier luminosité de cette torche. Tu sais quoi ? En fait, j'aime ça un peu plus subtil. Ce n'est pas aussi accablant. Oui, ça fait du bien. 50. Ajuster l'éclairage: Maintenant que nous avons un soleil, l'éclairage de notre planète ne semble plus très réaliste. Voyons donc quelques-unes des options supplémentaires concernant les effets sur cette planète. Ici, nous avons en fait de la lumière et de l'ombrage pour cette sphère OK ? Vérifions-le. Vous pouvez donc modifier l' intensité de la lumière. Je pense que 100 c'est probablement bien. Je ne veux pas trop exagérer, mais le fait de pouvoir changer la couleur la hauteur et la direction fait une énorme différence. Changeons donc cette direction. Nous y voilà. Tu vois ? D'où vient la lumière sur cette sphère ? Essayez de faire correspondre la position du soleil ici, puis de changer la hauteur jusqu'à ce que je trouve que j'aime bien cet endroit où nous avons un beau rétroéclairage cinématographique sur la planète Zoomons peut-être un peu. Ça fait du bien. Nous pouvons également ouvrir cet ombrage et décider quantité de chaque type de lumière que nous voulons Vous pouvez aller beaucoup plus loin avec cela. Je vais juste ajuster un peu l'ambiance. Nous pourrions en parler pour mieux voir la planète ou la détruire. Pour qu'il soit totalement noir si nous le voulons. Je pense qu'environ sept ou huit, c'est bien. Nous pouvons toujours voir ce qui se passe, mais nous avons ici un bon rétroéclairage cinématographique Bon, maintenant, nous allons devoir traiter les bagues un peu différemment parce qu'elles sont fabriquées différemment. Voyons ce que nous pouvons y faire. Nous pouvons peut-être faire quelque chose avec le masquage, mais une fois que vous avez fait pivoter une couche en trois D, les masques sont un peu moins intuitifs à utiliser Je pense que nous pourrions utiliser cet effacement linéaire pour créer un côté obscur de nos bagues. Vérifiez ceci. Clôturons certains de ces autres effets. Puis dupliquez cet effacement linéaire en appuyant sur Ctrl ou Commande D, faites glisser cette nouvelle copie vers le bas et réinitialisez-la. Maintenant, je vais recommencer cette opération jusqu'à OK, OK. Nous y voilà. Et puis jouez avec cet angle. Regarde ça. Maintenant, pensez à ce qui se passe. Nous générons un schéma de bruit dont en effaçons une partie. Les coordonnées polaires enroulent le résultat d'un rectangle dans un cercle, puis le tout est pivoté en trois D. Nous ajoutons de la couleur, puis effaçons le résultat final, conservant cette perspective en trois D. Si cela vous a un peu époustouflé, vous savez quoi ? Nous essayons juste de le faire paraître correct. Ce n'est pas grave si vous ne comprenez pas encore exactement comment tout cela fonctionne. Plus vous jouez avec, plus vous aurez d'expérience, plus cela deviendra intuitif. Je vais donc augmenter un peu le nombre de plumes ici, puis continuer à jouer avec cette finition jusqu'à ce que je me sente bien Je pense qu'avoir une belle sorte de point chaud sur mes bagues me fait du bien. Mais bien sûr, je ne veux pas qu'ils disparaissent ici. Je veux juste qu'ils soient plus foncés. Vous pouvez également ajuster l'opacité pour un effet spécifique, ce qui, je pense, nous donnera probablement le look que je recherche ici . Plus bas dans la chronologie, appuyons sur E pour afficher tous les effets sur cette couche et regarder ce deuxième effacement linéaire. Si je l'ouvre, vous verrez que j'ai les mêmes commandes que celles que vous pouvez voir ci-dessus dans les commandes d' effet Mais il existe également ce que l' on appelle les options de composition. Et si vous l'ouvrez en faisant tourner, vous obtenez un contrôle appelé effet Vous pouvez donc réduire légèrement l'opacité de cet effet pour que l'effet d' effacement linéaire ne soit appliqué qu'à 78 % d'opacité, ce qui signifie que nous retrouvons un peu ce que nous avions avant Nous avons donc juste besoin de composer le numéro. Je pense que quelque chose dans les années 80 donne une belle obscurité sans trop de transparence ici, et cela me fait du bien. Nous avons un joli rétroéclairage cinématographique. Nos bagues sont belles et chaudes sur le devant, mais le dos est foncé ici. Notre planète est belle et chaude ici, mais sombre ici. Oui, ça fait du bien. 51. Animer la scène: Nous avons un peu d' animation subtile ici, mais je pense qu'il est possible d' en ajouter un peu plus. Arrêtons cet aperçu. Commençons par examiner à nouveau notre planète, et en haut de cet effet, il y a en fait des commandes de rotation. Vous pouvez donc le faire pivoter dans les trois dimensions, comme nous l'avons fait avec notre couche annulaire. Mais maintenant, comme il s'agit d'une sphère, elle tourne en fait sur tout le pourtour pour nous Maintenant, lorsque vous irez trop loin, vous commencerez à voir une certaine bizarrerie lorsque le motif converge ou qu'il y a une couture Mais tant que vous ne faites qu'une petite rotation, voyez, il y a le joint ici Tant que nous ne tournons que légèrement sur Y, nous pouvons réellement faire tourner la planète. Ce qui, je pense, sera beau. Passons donc au début de notre chronologie, créons une image-clé, passons à la fin et augmentons-la Je ne sais pas. 13 %. Voyons ce que l'on ressent. Juste assez pour lui donner vie avec ces nuages. OK. Voyons peut-être les bagues. OK, encore une fois, nous n' avons pas les mêmes types de contrôles ici, mais en cas de bruit fractal, je pense que nous pourrions compenser les turbulences, comme nous l'avons vu Zoomons et voyons à quoi cela ressemble réellement. Hé, c'est plutôt intéressant. OK, je pense que c'est la voie à suivre pour obtenir la valeur X de cette turbulence décalée Je vais donc créer une image-clé, passer à la fin et la nettoyer un peu Je ne sais pas si c'est trop, il suffit donc de faire quelques essais et erreurs. OK, je pense que c'est juste assez pour lui donner un peu de vie. J'aime bien ça. Maintenant, notre nébuleuse, de façon réaliste, est-ce que ces nuages évolueraient d'une manière que nous Non, mais bon, nous inventons tout ça au fur et à mesure, pour pouvoir faire ce que nous voulons, non ? Peut-être ce curseur d' évolution. Hey, allons-y. OK. Revenons donc au début, créons un image-clé pour l'évolution Je peux le remettre à zéro. Peu importe. Tout est abstrait de toute façon. Ouvrez jusqu'à la fin et lancez-le simplement. Je ne sais pas, 114 ? Bien sûr. Voyons ce que l'on ressent. C'est assez lent pour qu' on ne puisse même pas le dire, mais je pense que cela donne juste un peu de vie à la scène. Ces étoiles s' animent déjà d'elles-mêmes à partir du décor que nous avons créé lorsque nous les avons créées, donc je pense qu'elles sont prêtes à être utilisées Et je ne pense pas que le soleil ait vraiment besoin d'attention. Je pense donc que celui-ci est prêt à être utilisé. Il a une belle vie, mais il reste subtil, à peine assez animé pour retenir votre attention. 52. Touches finales: Juste quelques touches finales nous allons vraiment faire passer ce truc au-delà de la ligne d'arrivée. Créons une couche de réglage pour y apporter une touche finale. Je vais donc cliquer avec le bouton droit sur Nouvelle couche de réglage, et je vais donner à ce look le nom ajouter des niveaux fonctionnerait bien, mais pour mélanger les choses, ajoutons des courbes. Et peut-être juste ajouter une petite touche de contraste. Je vais en quelque sorte cliquer ici et faire glisser un peu vers le bas, cliquer ici et faire glisser un peu vers le haut, ajouter une petite courbe en S subtile. Activons et désactivons simplement cela . Nous y voilà. Ça fait juste ressortir les choses un peu. J'aime bien ça. Essayons à nouveau une vignette. Si je peux l'épeler correctement, c'est parti. Vignette CC. Maintenant, par défaut, c'est juste au centre. pourrais jouer avec ce montant et voir quelle quantité nous voulons ajouter. Cela dépend du degré d'obscurité que vous souhaitez donner à votre scène. Je pense qu'une centaine me convient probablement. Nous pourrions ajuster le centre, peut-être autour du soleil ici ou peut-être sur la planète, selon vous. Je vais exposer le mien au soleil. Et juste pour un peu de stylisation et pour m' assurer que certains dégradés soient beaux, si nous le publions en ligne, j'ajouterais un peu de Je recherche donc un effet appelé bruit HLS. Ce qui me permet de répartir le bruit sur différents canaux en fonction de la teinte, de la luminosité ou de la saturation. Je vais ajouter quelques pour cent à la légèreté, peut-être quatre ou cinq ici. Et si je zoome de plus près, vous pouvez en quelque sorte voir ce que cela fait. Laissez-moi l'activer et le désactiver pour vous. Je pense que pour cette scène, elle sera belle, donnera juste un peu de texture au tout pour qu'il ne soit pas si artificiel. Et honnêtement, je pense que la scène est prête, nous pouvons donc l'enregistrer et l'exporter. Bien sûr, si vous le faites vous-même, je vous encourage vivement à explorer, essayer d'autres effets, essayer différents réglages. Ce n'est qu'un petit aperçu de ce qu' il est possible de faire avec les centaines d'effets de ce programme 53. Projet de cours 05 - Scène planétaire: Projet de classe Encore une fois, je pense que c'est vraiment amusant. Nous voulons aider nos clients à imaginer les merveilles du cosmos en créant une scène spatiale stylisée Tu peux essayer d'être précis si tu veux. Je sais que ce sera plus facile avec certaines destinations que d'autres. Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez simplement créer quelque chose d'amusant et de coloré. De toute évidence, je n'ai pas trop essayé d'être réaliste. J'étais juste en train de m'amuser ici. La taille et la fréquence d' images de votre composition dépendent de vous. Vous pouvez le personnaliser légèrement pour l'adapter à votre scène. Je veux que vous créiez une scène spatiale stylisée avec au moins une planète, un fond étoilé et un soleil Si vous voulez ajouter des éléments d'arrière-plan, comme une nébuleuse, si vous voulez ajouter des anneaux à votre planète, ce sont tous de bons bonus Si vous le souhaitez, vous pouvez essayer d'ajouter encore plus de détails, comme vous pouvez l'imaginer. Mais la plus grande exigence est que tous ces éléments soient créés directement dans After Effects. Nous voulons que vous essayiez de le faire sans utiliser d' images ou de vidéos importées. Construisez tout en utilisant des effets sur des solides ou des couches de forme. Je veux vraiment que vous exploriez certains de ces différents effets et autres fonctionnalités ici et que vous voyiez ce que vous pouvez créer simplement en les utilisant. Assurez-vous d'inclure la couleur principale de votre marque, et si vous avez d'autres indices de marque supplémentaires pour lesquels vous trouvez des opportunités, ce serait formidable. Et celui-ci porte beaucoup plus sur l'utilisation d'After Effects comme outil de conception. Vous pouvez donc garder n'importe quelle animation un peu plus subtile et minimale ici. Pour rappel, voici à quoi ressemble le mien. J'ai cette grande planète que j'ai créée avec un bruit fractal. Nous avons des bagues. Nous avons un éclairage cinématographique sympa. Nous avons un soleil, un fond d' étoiles, une nébuleuse, le tout ce qui concerne les livrables, comme d'habitude, exportez votre animation au format MP4 en utilisant ce préréglage Téléchargez votre vidéo sur un site d'hébergement vidéo et partagez ce lien avec nous afin que nous puissions la voir Assurez-vous de la partager sur les réseaux sociaux afin que les gens puissent vous suivre et voir ce que vous avez fait. Bonne chance Amusez-vous bien avec celui-ci, et j'espère que Fractal Noise sera votre nouveau meilleur ami 54. les explications du Text Animator: Vous savez déjà que nous pouvons déplacer calques de texte comme n'importe quel autre calque, mais After Effects dispose d'un système spécial d'animation de texte qui vous permet d'en faire bien plus Nous avons déjà appliqué un préréglage d'animation de texte dans une leçon précédente. Voici cette diapositive par personnage que nous avons utilisée plus tôt. Maintenant que nous l'avons appliqué , ouvrons-le complètement et examinons ce qui se passe réellement Dans la couche, vous trouverez un titre nommé texte, et à l'intérieur de celui-ci, vous trouverez un animateur qui, après les effets, a déjà été nommé lors de l' application du préréglage À l'intérieur de ce sélecteur de plage, qui contient une section avancée, et juste en dessous, nous avons une valeur interne de position et d'opacité n'affectent spécifiquement que cet animateur de texte Un peu comme des couches de forme. Elles sont distinctes des propriétés de transformation de couche réelles. Si nous avançons dans le temps, vous verrez que les lettres seront révélées. Chaque lettre se déplace vers le bas pendant qu'elle s'estompe. Il s'agit de ces changements de position et d'opacité internes en action Bien entendu, elles peuvent être modifiées, alors ajustons cette valeur à une valeur négative plus élevée, ce qui la déplacerait plus haut dans Y. Maintenant, chaque lettre se déplace beaucoup plus loin avant d'atterrir Si nous changeons cela par une valeur positive, chaque lettre sera désormais mise en place. Et tout cela est géré par seulement deux images-clés sur cette propriété de décalage Intéressant Avec les connaissances que vous possédez déjà, vous pouvez certainement apporter quelques ajustements de base à la position et à l' opacité et rechronométrer ces images-clés jusqu'à ce que vous soyez satisfait Mais examinons de plus près le fonctionnement réel ce système d'animation de texte Nous allons créer quelques éléments à partir de zéro, et même si vous décidez finalement de ne pas aller aussi loin, cela vous permettra de mieux comprendre ce que font réellement les préréglages . Mais nous allons commencer simplement. Supprimons l'intégralité de ce préréglage de ma couche. Vous pouvez ajouter des animateurs de texte à partir de ce petit menu déroulant de la chronologie ou à partir de ce bouton en bas de votre panneau de propriétés lorsque vous avez sélectionné une couche de texte Pour ce premier exemple, je prévois d'animer le suivi. Vous pouvez ajuster cela ici dans les propriétés du texte, ce qui modifie l'espacement entre tous les caractères, mais il s'agit simplement d'une modification statique que j'apporte à la mise en page Pour animer cette propriété au fil du temps, je vais me contenter de ce bouton d' ajout d'un animateur, qui me donne un gros menu déroulant avec de nombreuses propriétés parmi lesquelles choisir. Nous y voilà. Ing. Une fois que je l'ai sélectionnée, examinons la chronologie et voyons que notre couche possède désormais ce que l' on appelle Animator One, Range Selector One et ces propriétés de suivi Pour le suivi, vous pouvez obtenir de bons résultats en animant simplement directement la propriété Ajoutons une image-clé pour le suivi à zéro, déplaçons un peu vers le haut et définissons-la sur un nombre plus élevé Nous y voilà. Notre suivi évolue au fil du temps, et vous pouvez déjà voir à quel point cela est utile par rapport à la quantité de travail qu'il faudrait pour animer tous ces personnages s'il s' agissait de couches individuelles Et ce qui est cool, c'est que ce texte est toujours entièrement modifiable. Je vais double-cliquer sur ma couche de texte et taper d' autres caractères. Cela change en quelque sorte la donne, non ? Examinons d' autres propriétés pour mieux comprendre le fonctionnement du reste du système. Je vais repartir à zéro dans cette autre composition, où j'ai ma couche de texte principale et quelques autres couches de soutien pour vous aider à mieux comprendre ce qui se passe sous le capot. Je vais ajouter un nouvel animateur cette fois pour le poste. Encore une fois, vous pouvez voir que nous avons l'animateur 1 et le sélecteur de plage 1, puis une propriété de position dans cet Cela indique à After Effects comment nous voulons modifier ce texte par rapport à ses paramètres d'origine. Si je définis la valeur Y de cette propriété de position sur environ moins 360, vous verrez que nous avons déplacé tous nos personnages vers cette nouvelle zone, mais que le point d' ancrage de la couche est toujours là où il se trouvait auparavant. Et si j'active et désactive cet animateur, tout revient à sa position initiale OK, donc je suppose que nous pourrions animer cette propriété de position, mais pour le moment, ce n'est pas très différent de la simple animation de la couche elle-même C'est là qu'intervient le sélecteur de gamme. Ouvrons-le et voyons ce que nous faisons. À l'intérieur, nous avons une propriété de départ et d'arrivée. To devrait me sembler un peu familier à ce stade. Si je change la valeur finale, c'est parti. Maintenant, certains personnages reçoivent ce changement de position, tandis que d'autres ont conservé leurs réglages d'origine. Ainsi, le début et la fin déterminent en fait quelles parties de cette couche de texte sont modifiées. Si nous changeons plutôt la valeur de départ à environ 60 %, les premiers 60 % de cette ligne ne sont plus affectés tandis que les 40 % restants sont modifiés. Vous pouvez également voir les valeurs de début et de fin directement ici dans le visualiseur. Vous pouvez en fait cliquer et faire glisser dessus directement dans la fenêtre de visualisation, et ces valeurs vers le bas de la chronologie s'ajusteront d'elles-mêmes au fur et à mesure que je le fais. Utilisons-le pour isoler quelques caractères ici. Nous avons également cette propriété de décalage qui vous permet de déplacer partie affectée d'avant en arrière sur la ligne de texte. Annulons cela. Réinitialisons-les et ajoutons rapidement quelques images clés à la propriété de départ, de zéro à 100. Voici à quoi cela ressemble. Ces propriétés de début, de fin et de décalage sont en fait des animations qui changent par rapport aux paramètres d'origine. Je peux donc facilement ajouter d'autres propriétés dans cet animateur, et que je modifie une ou plusieurs propriétés, elles peuvent toutes être modifiées en utilisant le même ensemble d'images-clés Très similaire à ce que vous avez vu avec les couches de forme, nous avons un petit menu déroulant publicitaire qui nous donne des propriétés supplémentaires qui peuvent être incluses dans cet animateur Ajoutons la propriété, l'échelle, et je vais le ramener à environ 30 %. Maintenant, la position Y de chacune de ces lettres est modifiée et réduite, puis elles retrouvent leurs valeurs d'origine pour ces deux propriétés Ajoutons la rotation des propriétés et modifions-la légèrement. Ajoutons l'opacité des propriétés et réduisons cela un peu. Je vais le laisser un peu visible pour que vous puissiez voir ce qui se passe. Encore une fois, nous avons cet ensemble d' images-clés qui modifient la position, l'échelle, la rotation et l'opacité de chaque lettre , et nous pourrions continuer à modifier ces valeurs jusqu'à ce que nous soyons satisfaits exactement de l'apparence Simplifions-nous en le ramenant à nouveau en position, puis en ouvrant cette section avancée Jusqu'à présent, nous y avons pensé en termes de pourcentage, de zéro à 100, ce qui facilite la visualisation et permet de l'aligner sur certaines des autres fonctionnalités que nous avons vues précédemment. Soit aucune des choses retrouvé sa valeur initiale, soit elles le sont toutes, soit quelque part entre les deux. Mais vous pouvez également les remplacer par un index, ce qui signifie qu'il compte réellement les unités, caractères dans ce cas, et vous permet d'être très précis quand vous le souhaitez. Remarquez, j'ai pris soin de préciser qu'il ne s'agit pas uniquement de personnages, car la commande suivante vous permet de choisir si l'animateur travaille avec des caractères, des mots ou des lignes Lorsque vous êtes configuré pour indexer, il évidemment de valeurs très différentes, mais le pourcentage fonctionne de la même manière, peu importe ce qui est compté. Si je mets cela à des mots, observez comment cela change l'animation. Maintenant, il traite chaque mot comme une unité, mais chaque caractère est individuellement affecté par les modifications que nous avons mises en place ici. Mais même cette fonctionnalité peut être modifiée si vous le souhaitez. Un autre rappel à ce que vous avez vu plus tôt, ces animateurs ont en fait un mode. Par défaut, il est configuré pour ajouter, mais vous pouvez en fait soustraire ensemble de cet animateur et inverser le processus dans son intégralité Vous pouvez également utiliser plusieurs animateurs ou plusieurs sélecteurs, puis vous pouvez utiliser ces autres modes pour commencer à les croiser de manière encore plus complexe Nous avons également un montant, qui correspond plus ou moins à un interrupteur marche/arrêt pour l'ensemble de l'animateur, mais vous pouvez le cadrer au clavier ou vous pouvez définir ce négatif pour inverser le tout, ou simplement animer cette propriété au lieu des autres ci-dessus. Ensuite, il y a la forme, qui est généralement la plus difficile à comprendre pour les gens. Pour vous aider à mieux visualiser, je vais remplacer ce texte par un ensemble de ces caractères en forme de tube vertical. Débarrassez-vous de ces images-clés et je vais composer le début et la fin afin qu'il n'y ait pas de caractères partiellement modifiés La forme est un peu plus abstraite, mais vous pouvez la visualiser directement en utilisant la position comme celle-ci. heure actuelle, la forme est définie sur un carré, et en regardant vers le haut dans le visualiseur, on dirait qu' un carré ou au moins un rectangle se fraie un chemin à travers cette ligne de caractères de texte. Ajustons le décalage et vous verrez ce carré être poussé d'avant en arrière le long de la ligne. Amp up crée un changement progressif entre la valeur d'origine et la valeur modifiée. début et la fin déterminent essentiellement le nombre de caractères à modifier. Je pourrais modifier cela pour créer une rampe plus large ou pour la rendre vraiment plus étroite, afin que cela ne se produise que sur quelques personnages. Encore une fois, le décalage vous permet de déplacer cette modification dans le texte. Ainsi, si vous utilisez une forme de rampe, vous allez généralement animer cette propriété de décalage et utiliser début et la fin de manière plus statique pour déterminer la netteté de cette modification La réduction de l'amplitude est exactement le contraire, bien sûr, nous revenons de la valeur modifiée à la valeur d'origine Les trois formes suivantes vous font passer des valeurs d'origine aux valeurs modifiées, puis inversement. Triangle fait passer, oui, un triangle de changement à travers votre ligne de texte Et encore une fois, début et fin, déterminez en quelque sorte sa largeur pendant que le décalage le déplace le long de la ligne. Round fait à peu près la même chose. C'est juste plus circulaire. Et le rendu lisse donne un résultat très similaire, mais plus lissé, comme une courbe de Bézier Donc, en gros, pour toute forme autre que le carré, vous allez probablement principalement animer la propriété offset Pour explorer Es high et Es low, redéfinissons-le pour accélérer. De la même manière que nous avons assoupli les images-clés, vous pouvez appliquer l'assouplissement ici à ces modifications Es high s'adapte facilement à cette valeur modifiée. Es low s'éloigne de la valeur initiale. Vous pouvez les augmenter pour les rendre super fluides, ou vous pouvez les régler en négatif pour créer un changement vraiment brusque Mettons les deux à zéro pour le moment. Et bien sûr, si vous voulez vraiment pimenter les choses, vous pouvez tout organiser de manière aléatoire Vous êtes toujours en train de changer la façon dont les personnages sont affectés, mais maintenant, ce n'est plus simplement une simple disposition de gauche à droite. Notez que l'ensemble de ce sélecteur de plage possède en fait son propre interrupteur oculaire, nous pouvons donc tout désactiver Et essayons d'ajouter un autre sélecteur, Wiggly. Cela fait déjà beaucoup. Ouvrons donc ça. Cela modifie automatiquement la propriété que j'ai ajoutée du montant que j'ai établi, fois positivement et négativement, puis tous ces autres paramètres déterminent exactement le fonctionnement de cette torsion. Oh, et à l'aide de la liste déroulante des modes, vous pouvez maintenant déterminer comment cela interagit avec les autres sélecteurs que vous avez OK, je sais que ça devient probablement un peu intense, alors prenons du recul. Je vais annuler plusieurs fois jusqu'à ce que nous revenions à ces mots. Et supprimez simplement cet animateur dans son intégralité. Outre ces animateurs, vous pouvez également faire en sorte que votre texte suive un chemin Je vais prendre mon stylo et j'ai sélectionné ce calque Je vais donc commencer à dessiner un masque sur ce calque. Mais au lieu d'utiliser le masque pour découper une partie de la couche, je peux simplement l'utiliser comme chemin. En regardant vers le bas dans la chronologie, vous verrez que cette couche de texte comporte désormais des options de tracé. Et si je l'ouvre, je peux choisir l'un des masques de ce calque sur lequel le texte sera appliqué. Une fois cela fait, vous obtenez des propriétés supplémentaires, notamment la possibilité d' animer facilement le texte le long de ce chemin Et tous les animateurs que nous avons vus auparavant peuvent en fait être empilés juste au-dessus de Terminons en créant quelques animations de texte pratiques pour tous les jours. Je vais juste retirer ce masque. Disons que nous voulions créer un look de machine à écrire simple J'ajouterais donc un animateur pour l' opacité et je le mettrais à zéro Nous allons ouvrir le sélecteur de plage, et ici nous allons simplement animer la valeur de départ Mais vous avez probablement remarqué que ces lettres estompent au lieu d'apparaître comme le ferait une Nous avons en fait tous ces endroits où c'est peu à mi-chemin entre les personnages, et cela suppose que nous voulons que tout se passe bien, ce que nous ferions probablement pour la plupart des autres propriétés. Pour que les lettres passent de complètement cachées à complètement révélées en une seule fois, nous pouvons regarder dans Advanced et trouver cette propriété de lissage, qui n'existe en fait que pour la forme carrée Mets-le à zéro et oui, c'est parfait. Bien sûr, il existe un préréglage de machine à écrire que nous aurions pu simplement utiliser, mais vous comprenez maintenant comment il fonctionne Poussons les choses un peu plus loin. J'aimerais le transformer en un fadon plus fluide Je vais donc supprimer ces images-clés de démarrage, remplacer par une accélération, et nous utiliserons à la place la propriété offset Vous voyez comment c'est en quelque sorte révélé à moitié ici ? Si je ramène cela à -100, la ligne entière est maintenant masquée Imaginons cela, avançons un peu et ramenons-le à 100 positifs Nous y voilà. Pas mal. Ajoutons un peu de mouvement de position à ces deux éléments. Ça a l'air mieux, mais ça un peu gros, pas les escaliers Voyons ce que nous pouvons faire à ce sujet. Puisque j'utilise ramp up, je vais utiliser Es low pour résoudre ce problème. Si vous avez du mal à vous rappeler lequel est lequel, vous pouvez également jouer avec eux jusqu'à ce que tout vous semble correct. Sympa. Cela permet un atterrissage beaucoup plus fluide. Et tu sais quoi ? J'aime bien, mais j'aurais aimé qu'il soit émouvant en mots complets plutôt qu'en personnages. Mettons-le à jour. Oui, regardez cette petite révélation fluide et rapide que nous venons de faire. Et n'oubliez pas que cela est toujours entièrement modifiable. Je pourrais taper quelques nouveaux mots. Et toutes mes animations existantes fonctionnent toujours, ce qui les rend extrêmement flexibles et personnalisables. Nous ne faisons qu'effleurer la surface. Vous pouvez également utiliser trois propriétés D pour des caractères individuels, animer les propriétés de polices variables, et bien plus encore Si cela vous intéresse ne serait-ce qu'un tout petit peu, je vous recommande vivement de venir ici pour explorer. Jouez simplement avec ce système et voyez ce que vous pouvez faire. Bien entendu, nous allons passer en revue un exemple étape par étape dans les deux prochaines leçons. Si vous n'avez pas entièrement suivi toutes les étapes de cette leçon, c'est bon. Le système est assez profond et même de nombreux utilisateurs expérimentés ne l'utilisent pas à son plein potentiel. N'oubliez pas que vous avez des tonnes de préréglages d'animation de texte qui vous attendent Au-delà des effets et des préréglages, il suffit de regarder sous les préréglages d'animation, le texte et l'animation, c'est un excellent point de départ si vous souhaitez simplement révéler un type de texte, comme nous venons de le faire Essayez d'appliquer certains de ces préréglages, puis ouvrez-les et apportez quelques ajustements Même si vous ajustez simplement le timing et modifiez les valeurs, cela peut vous permettre de créer vos propres animations de texte personnalisées. 55. Animer une carte de titre: Mettons ces idées en pratique en créant une carte de titre animée. Vous pouvez voir que j'ai déjà mis en place ce projet, et si vous souhaitez suivre, vous le trouverez ici sous le titre Animated Title Start. Je travaille dans une composition HD 24 images par seconde d'une durée de 7 secondes. Couleur de fond noir. Comme vous pouvez le voir ici, j' ai déjà créé quelques couches de texte. J'ai un clip vidéo que j'ai déjà découpé à la bonne longueur, et nous avons un fichier audio qui contient de la bonne musique orchestrale Faisons un rapide aperçu pour avoir une idée de tout. C'est la première fois que nous travaillons avec de la musique , une méthode très courante pour accélérer votre animation. alignement de votre animation, de votre timing et de votre ambiance générale sur cette musique joue un rôle important pour que tout soit cohérent Commençons par trouver et souligner quelques-uns des moments clés de ce court morceau de musique afin que nous puissions travailler plus facilement avec lui. Si j'ouvre cette couche, vous constaterez qu'il n'y a qu' un titre audio ici À l'intérieur, nous avons un endroit pour définir nos niveaux, ce que nous n'avons pas vraiment besoin de faire cette fois-ci, mais vous pouvez les modifier et même les définir si vous le souhaitez Cela dit, je ne recommande pas vraiment After Effects comme outil de montage audio sérieux. Vous pouvez également afficher la forme d'onde, qui est la représentation visuelle du son dans ce fichier Plus ces petites ondes sont hautes, plus le son est fort à ce moment précis. Donc, même en y jetant un coup d'œil, vous pouvez déjà voir quelques moments importants du morceau ici Avec ou sans cette ouverture virevoltante, vous pouvez prévisualiser uniquement le son appuyant sur la touche point de votre pavé numérique Mais surtout lorsque vos projets deviennent de plus en plus complexes, il peut être agréable de vous rafraîchir sur le son sans avoir à attendre qu'un aperçu visuel plus volumineux soit également créé. Je vais m'en servir pour trouver et marquer les moments clés du morceau de musique. Vous pouvez créer des marqueurs dans After Effects, soit sur des calques spécifiques soit pour l'ensemble de votre composition. C'est un excellent moyen de vous laisser de petits rappels ou de marquer un endroit sur lequel vous souhaitez aligner d'autres calques ou images-clés pendant un endroit sur lequel vous souhaitez aligner que vous travaillez aucune couche n'est sélectionnée, si j'appuie sur la touche astérisque de mon pavé numérique, un marqueur sera créé ici même sur ma composition Lorsque je double-clique dessus, je peux ajouter un nom ou une description. Vous pouvez également les coder par couleur Il peut s'agir d'une seule image ou avoir une durée si vous souhaitez marquer une courte période. J'adore ces marqueurs, et je les utilise tout le temps. Pour vous débarrasser d'un marqueur existant, vous suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris et de le supprimer ici. Je vais placer quelques marqueurs directement sur ce morceau de musique afin pouvoir facilement faire référence à ces deux points importants de la musique. Sur ce morceau, je pourrais probablement faire en regardant la forme d'onde, mais vous pouvez également supprimer des marqueurs pendant que vous prévisualisez Je vais sélectionner cette couche de musique, puis appuyer sur la touche point , puis sur l' astérisque pour supprimer ces marqueurs. Voyons voir comment je vais. Maman, hum. Assez proche. Sur un morceau de musique aussi court, il est assez difficile de disposer de suffisamment de temps pour l'appréhender de manière totalement précise. Normalement, il suffit de l' écouter quelques fois et peaufiner jusqu'à ce que vous ayez l' impression qu'ils sont définitivement au bon endroit. Mais j'ai déjà réglé le problème plus tôt. Je veux le premier à l'image 12 et le second juste à 5h07. C'est bon, parfait. Maintenant, même si cette forme d'onde ne prend pas beaucoup de place dans ma chronologie, je peux facilement référencer ces images exactes Rappelez-vous également que nous utilisions J et K pour passer d'une image clé à l'autre plus tôt Ils s'arrêtent également aux marqueurs. Maintenant que nous avons créé ces marqueurs, ajoutons de l'animation aux couches de texte. En commençant par cette grosse couche de Jupiter, je vais ajouter un animateur pour le suivi Je n'ai pas vraiment besoin du sélecteur de plage sur celui-ci, donc je vais simplement le supprimer Je vais m'assurer que mon CTI est à zéro et saisir le montant de suivi Ensuite, je vais passer à 5,5 secondes, cinq, 12, et régler ce suivi à cinq. Je sais déjà que je vais couper le bout de cette couche plus tard, donc c'est normal que nous en ayons un petit bout sans bouger Cette musique est belle, mais pour les besoins de cette leçon, je vais simplement la désactiver pour le moment en cliquant sur la petite icône du haut-parleur. Nous le réactiverons une fois que nous aurons composé notre animation textuelle OK, ça a l'air bien. C'est assez simple. Je pense que je peux simplement copier-coller ceci sur l'autre couche. Mais d'abord, renommons cet animateur, car je vais en ajouter d' autres à ces deux couches Comme pour toute autre chose, il suffit d'appuyer sur Entrée , puis de saisir un nouveau nom de suivi. Cette option étant toujours sélectionnée, je vais contrôler ou commander C pour copier et m'assurer que mon CTI est à zéro, contrôler ou commander V pour le coller dans King of planets Je vais appuyer sur U pour confirmer que c'est collé. Oui, allons-y et zoomons un peu pour mieux voir ça Bien beau, il reste assez subtil, mais il ajoute une petite touche de mouvement juste assez pour le maintenir en vie et le rendre visuellement intéressant. Je pense que je vais également ajouter un peu de mise à l'échelle pour compléter cela. Encore une fois, il faut rester subtil. Apparentons le roi des planètes à Jupiter. Sélectionnez ensuite Jupiter et vérifiez le point d'ancrage. Oui, ça a déjà l'air d'être un bon endroit. J'appuierai sur S pour afficher mon échelle. Créez une image-clé ici au début. Appuyez plusieurs fois sur K pour passer à l'autre image-clé que nous avons déjà créée à Notez que j'ai dû dépasser les marqueurs ici, et je vais régler ce chiffre à 104 % Sympa. Cela reste subtil, mais efficace et met en valeur la taille et la présence de Jupiter, je pense. Je cherche également à apporter le rouge de ma marque sur celui-ci. Je pense que ce que je vais faire, c'est révéler cette deuxième ligne de texte de gauche à droite et en douceur, mais aussi faire passer un peu de rouge au fur et à mesure qu'elle est révélée. Et je ne pense pas que je vais faire une telle révélation sur le titre principal de Jupiter, mais je peux toujours apporter un peu de la même saveur. Sélectionnons donc cette deuxième ligne et créons un animateur d'opacité, soit depuis la chronologie, soit depuis le panneau des propriétés Je vais renommer cette opacité parce que c'est ce qu'elle fait Si vous voulez y laisser le mot animateur, vous pouvez bien sûr le faire également. Je vais l'ouvrir et réduire l'opacité à zéro. Je vais utiliser une rampe pour celui-ci afin de le rendre agréable et fluide. Oui, c'est exactement l'ambiance que je recherche. Comme nous l'avons vu dans la leçon précédente, me suffit d'animer le décalage de -100 à 100 Nous allons donc créer cette première image-clé. Et je pense qu'un peu plus de 2 secondes, c'est bien pour l'autre. Oui, ça me semble juste. Ajoutons de la couleur au mélange. Pour la couche Jupiter, je vais créer un animateur pour le RVB plein de couleurs Vous pouvez voir que vous avez en fait plusieurs choix si vous souhaitez modifier une couleur existante. Mais je veux pouvoir contourner complètement cela avec un peu de contrôle des couleurs, ce que le RGB m'apportera Cela crée un nouvel animateur. Je vais le renommer en couleur. Et celui-ci, encore une fois, n'a pas besoin du sélecteur de plage, donc je vais simplement le supprimer Je vais choisir cette couleur rouge pêche pour celui-ci. Imaginons cette image à huit images, passons à 2 secondes, puis saisissons le blanc de la marque Je vais aller de l'avant et les assouplir facilement, et voyons ce que l'on ressent. Ouais. Maintenant, je prévois également de réduire un peu le début. Au fur et à mesure que cette deuxième ligne sera révélée, je pense que nous aurons juste un petit aperçu de cette couleur avant qu' elle n'apparaisse sur le blanc. Appuyons sur U pour le réduire aux images-clés uniquement. Vous verrez qu'un contrôle des couleurs à base de touches affiche réellement ces couleurs au fil du temps, ce qui peut être très utile, ou vous pouvez simplement le fermer si vous n'avez pas besoin qu' il occupe Pour la couleur de cette deuxième ligne, je vais simplement réutiliser l'animateur que j'ai déjà créé pour l'opacité et simplement échanger les propriétés Sélectionnez cette opacité sur l' animateur et sur Control ou Command D pour dupliquer Je vais aller de l'avant et nommer cette nouvelle couleur. Ouvrons-le, ajoutons une propriété, remplissons la couleur, RVB, sélectionnons simplement l'opacité et supprimons-le Oui, donc ce n'est pas encore le bon rouge, mais c'est la bonne ambiance Mettons la bonne marque rouge au compte-gouttes. Et je pense que nous pourrions améliorer les choses en décalant légèrement ces images-clés, peut-être six N'oubliez pas que nous pouvons les sélectionner et déplacer les images-clés elles-mêmes en maintenant la touche Alt ou Option enfoncée, puis en utilisant les touches fléchées Donc un, deux, trois, quatre, cinq, six, oui, ça fait du bien. 56. Peaufiner l'animation du titre: Nous avons pris soin de l'animation du texte. Nous devons maintenant peaufiner le timing et faire un peu de composition pour terminer le tout Commençons par ajuster le contraste de notre clip. Je vais prendre un effet de courbes ici et simplement créer une subtile courbe en S pour le faire ressortir. OK. J' aimerais vraiment imiter cet éclairage sur le texte et ajouter quelques effets pour unifier l'apparence, et je pense que la meilleure façon de gérer cela sera de précomposer mes couches Sélectionnons-les donc tous les deux. Passez à la superposition, à la précomposition, ou vous pouvez également appuyer sur Ctrl ou Commande plus Shift plus C. Je vais simplement nommer ce titre Pre Et oui, allons-y et ouvrons-le après l'avoir créé. OK. Et dans mon panneau de projet, je vais simplement le déplacer vers le bas dans le pré-dossier. Il existe différentes manières d' ajouter de l'ombrage à ces lettres, mais je pense que j'obtiendrai beaucoup de flexibilité en utilisant des couches de forme Je vais simplement prendre mon outil rectangulaire et dessiner une boîte qui couvrira certainement les deux, même lorsqu'ils seront complètement développés. Je vais procéder et définir cela comme un dégradé linéaire. Cliquez sur la petite pastille de couleur ici et assurez-vous qu'elle est réglée sur un dégradé de noir à blanc. OK. Je vais revenir à mon outil de sélection, et en m'assurant que le groupe de formes est sélectionné, vous verrez que j'ai maintenant ces deux petites poignées qui me permettent de personnaliser ce dégradé. Je vais simplement cliquer dessus et les faire glisser pour me retrouver dans la bonne position. Je ne peux évidemment pas voir le texte pour le moment. Renommons-le en ombrage, puis utilisons un mode de fusion pour qu'il s'applique aux deux couches de texte situées en dessous. Je vais m'assurer que nous pouvons voir nos modes de fusion , puis configurer cette couche pour qu'elle se multiplie Et juste entre nos modes de fusion et nos tapis de course, il y a en fait un autre petit bouton issu de Photoshop, appelé Preserve Transparency Lorsque vous cliquez dessus, il examine la transparence de tout ce qui se trouve sous cette couche et l'utilise pour sa propre visibilité. Allons-y. Et même si nous ne pouvons plus vraiment voir la couche aussi directement, vous pouvez toujours sélectionner le nom de ce groupe de formes et voir ces petites poignées de dégradé pour effectuer des ajustements. qu'un peu de cet ombrage sur Je pense qu'un peu de cet ombrage sur le bord va vraiment être beau Bien sûr, comme je le précompose, je n'ai pas ce clip comme référence ici Voyons à quoi cela ressemble dans la composition principale. OK. Nous pouvons toujours cliquer d'avant en arrière pour le composer, et c'est le revers de la précomposition Vous trouverez des choses plus difficiles, voire impossibles, si vous ne précomposez pas ainsi, mais il peut être plus difficile de comprendre votre contexte complet C'est juste quelque chose que vous devez aborder au fur et prendre les décisions qui conviennent à votre projet. Je trouve que ce dégradé est plutôt beau. Je veux juste réduire un peu cette opacité , peut-être environ 80 % L'une des principales caractéristiques de Jupiter est son ampleur, et j'adorerais faire un petit clin d'œil à cela dans le traitement du titre. Pour ce faire, je vais ajouter un effet appelé bulge, qui nous permettra de déformer légèrement le texte d'une manière qui peut être très subtile, mais qui ne donne qu'un aperçu de notre sujet Lorsque vous appliquez un renflement pour la première fois, cela ne s'applique qu'à une très petite zone. Je vais utiliser ce centre de renflement pour le déplacer légèrement vers le haut, puis j'augmenterai ces paramètres de rayon jusqu'à ce qu'ils couvrent le tout Et même si cela semble intéressant, c'est assez exagéré, alors ramenons cette hauteur à peut-être 0,2. En activant ou en désactivant cette option, vous pouvez constater que cela fait vraiment une grande différence, mais ce n'est pas le cas comme l'était le réglage de hauteur par défaut J'ai juste l'impression que le texte fait le tour de la planète, ce que j'aime bien. Pendant que nous créons des effets, je remarque les ombres projetées par les lunes, et je parie que nous pouvons les imiter un peu Ajoutons donc une ombre portée. Réglez la distance à huit, augmentez légèrement notre douceur , peut-être autour de 85, et augmentons l' opacité à environ 65 Oui, ça fait du bien. Sensation similaire, mais donne en fait l' impression que le texte est plus proche de la planète que ne le sont ces lunes Cependant, je remarque que ce petit texte ne jette pas beaucoup d'ombre Je pense qu'il n' y a tout simplement pas grand-chose avec lequel le drop shadow puisse fonctionner, mais nous pouvons ajouter une ombre personnalisée supplémentaire pour renforcer un peu les choses. Je vais créer un solide noir en appuyant sur Ctrl ou Commande Y. Nous allons maintenant nommer cette ombre et nous assurer que la couleur est réglée sur le noir complet Déplaçons cette couche sous le titre, puis ajoutons un masque elliptique Ouvrez ces propriétés du masque en faisant tourner la souris. Faisons comme ça et voyons à quoi ça ressemble, peut-être environ 130 Maintenant, je peux utiliser mon outil de sélection, saisir ces sommets et les déplacer jusqu'à ce que la forme me au panneau Propriétés, et réduisons cette opacité à environ 25 % Activez et désactivez cette option. Ouais Vous n'avez même pas vraiment l'impression que c'est là, mais cela ajoute une belle séparation. Ajoutons un fondu rapide. Je vais arriver à environ 2 h 06. Retournez à l'écran d'accueil et revenez à zéro. Allons-y. Cela semble assez naturel. Maintenant que tout est configuré, réactivons cette musique afin de pouvoir tout relier. Ce premier marqueur est un grand succès orchestral, et je pense que le fait que notre texte y apparaisse de façon spectaculaire serait vraiment agréable Sélectionnons donc à la fois le titre et l'ombre, et je vais découper ces couches pour qu'elles commencent directement à ce marqueur. Si vous survolez le tout début d'une couche comme celle-ci, observez l'évolution de mon curseur Vous pouvez simplement les cliquer et les faire glisser pour les découper. Et comme il s'agit d'une pré-composition, elle a une durée. Cette zone me montre donc que cette couche existe, mais qu'elle n'est tout simplement pas visible ici . Ou si vous préférez, il existe également un raccourci que vous pouvez utiliser pour ce faire. N'oubliez pas que vous pouvez déplacer les couches à l'aide des crochets ouverts. Mais si vous maintenez la touche Alt ou Option enfoncée et que vous appuyez sur le crochet ouvert, l'extrémité de toutes les couches sélectionnées sera ajustée à l'image actuelle. OK, voyons si c'est aussi agréable que je l'imagine. Oui, c'est sympa. Il y a aussi cette belle arrivée à la fin, et je pense que ce serait bien et spectaculaire de voir tout passer au noir ici. Passons donc à ce marqueur. En fait, je veux que le noir touche directement ce marqueur Je vais donc reculer d'une image, puis sélectionner les trois couches visibles, puis appuyer sur toutes les options de visite et sur le crochet pour supprimer ces points. Oui, j'adore. Nous sommes si proches. Il y a juste une autre petite touche que j'aimerais ajouter. Sélectionnons notre précomposition du titre et veillons à ce que je puisse voir mes modes de fusion, réglons celui-ci sur Superposition, ce qui nous donne un joli look où vous pouvez vraiment le voir un peu Ça a l'air cool, mais c'est peut-être un peu plus transparent que je ne le souhaiterais. Créons donc une copie de cette couche avec Controller Command D. Je vais remettre cette copie supérieure à la normale. Allons-y et désactivons l'ombre portée sur celui-ci pour ne pas avoir le double d'ombre. Ensuite, j'ouvrirai mon opacité et réduirai celle-ci d'environ 70 %, ça fait du bien Nous avons toujours une partie de cette saveur transparente, tout en gardant tout beau et lisible. Regardons cet aperçu final dans toute sa splendeur de Jupiter. Vous pouvez optimiser n'importe quel panneau en plaçant simplement votre curseur dessus et en appuyant sur la touche accent ou Tilda en haut à gauche de votre clavier Je vais m'assurer qu'il est réglé pour s'adapter afin que nous puissions le voir très grand. Magnifique. Je pense que c'est terminé. 57. Projet de cours 06 - Titre animé: Bien, j'espère que vous avez apprécié l'apprentissage de l'animation de texte, et il est maintenant temps de le mettre en pratique dans le cadre d'un autre projet de classe L'équipe marketing de votre client a demandé une introduction animée à une courte vidéo sur laquelle il travaillait Cela devrait inclure le nom de votre destination et une sorte de slogan pour susciter l'intérêt des spectateurs Et nous voulons vraiment que le texte soit la vedette ici. Assurez-vous donc d'inclure une animation de texte attrayante. La taille de la composition et fréquence d'images peuvent à nouveau dépendre de vous. Mais puisque vous allez utiliser un clip vidéo quelconque comme arrière-plan, cela peut aider à le déterminer. Mais comme le texte est l'étoile, pensez-y lorsque vous établissez les éléments, et si vous souhaitez recadrer votre clip de plus près et modifier le rapport hauteur/largeur, ce n'est pas grave non plus. Assurez-vous donc d'inclure un clip vidéo en arrière-plan de votre scène. Encore une fois, nous avons inclus quelques options pour vous, ou vous pouvez trouver la vôtre. Je sais que certaines destinations peuvent être un peu plus faciles à trouver que d'autres. Donc, si vous voulez simplement utiliser un fond d'étoile, par exemple, c'est très bien. Dans votre texte, assurez-vous d'inclure nom de votre destination, puis une sorte de ligne secondaire avec un sous-titre ou un court slogan ou quelque chose comme ça Et nous voulons que vous animiez ce texte pour rendre la scène dynamique et intéressante Ce texte est le héros, et il devrait faire quelque chose de cool. Idéalement, une scène qui aide vraiment à unifier la scène dans un concept. Si vous vous sentez un peu intimidé par le système d'animation de texte, vous pouvez utiliser des préréglages . Assurez-vous de le personnaliser pour le personnaliser Et je veux que vous pensiez à utiliser des effets supplémentaires et des techniques de composition, comme des modes de fusion ombres supplémentaires ou quoi que ce soit d'autre, juste pour que tout se mette en place et donne l' impression que tout est et donne l' impression que tout est Si vous voulez utiliser de la musique, c'est parfait. De toute évidence, la piste que j'ai utilisée a été incluse dans le fichier de projet que vous avez téléchargé. Mais j'ai inclus quelques liens vers d'autres sites où vous pouvez trouver de bonnes options gratuites. Il vous faudra juste un peu de travail pour en trouver un qui vous convient. Si vous utilisez de la musique, veillez à ce que les choses prennent du sens ensemble. Je recommande vraiment d'utiliser des marqueurs et de regarder ces formes d'onde pour trouver les bons moments de la musique Mais cette mission ne concerne pas le montage musical, alors ne vous sentez pas obligé de passer beaucoup de temps à réaliser un montage musical parfait. Encore une fois, voici mon exemple. très amusant, et j'ai hâte de voir votre interprétation de cette mission. concerne les livrables, encore une fois, ce qui concerne les livrables, encore une fois, vous savez comment procéder : exportez En ce qui concerne les livrables, encore une fois, vous savez comment procéder : exportez votre animation au format MP4, téléchargez votre vidéo sur un site d' hébergement vidéo et partagez ce lien avec nous dans la section des projets de classe ou des devoirs Ne créez pas de liens vers des sites de stockage dans le cloud et assurez-vous de partager cette exportation sur les réseaux sociaux. Vous commencez à constituer une bonne collection de projets. J'espère donc que vos abonnés en ligne sont impatients de voir le prochain. Comme toujours, bonne chance et amusez-vous bien avec celui-ci. 58. Le mouvement c'est du sens: Nous avons appris beaucoup de fonctionnalités, et j'aimerais prendre quelques minutes pour prendre du recul et réfléchir aux raisons qui se cachent derrière les boutons sur lesquels nous cliquons. Permettez-moi donc de vous présenter quelques concepts. Si vous créez un design statique, d' accord, tous les éléments sont fixés en place, et vous devez en quelque sorte négocier le dimensionnement et le placement de ceux-ci, car tout est visible en même temps et il ne peut pas être déplacé Vous devez donc utiliser des concepts de design pour aider votre spectateur à comprendre quels sont les éléments les plus importants à regarder pour lui. Mais vos spectateurs peuvent mettre un peu plus de temps à regarder les choses, les analyser et à les explorer eux-mêmes. Lorsque vous travaillez en mouvement et dans le temps, c'est vrai, éléments peuvent entrer et sortir, et vous pouvez modifier cette mise en page au fil du temps pour mettre en valeur différents éléments à différents moments. Cela vous permet d'attirer l' attention du spectateur différentes choses à différents moments. L'objectif peut donc changer et il n'est pas nécessaire qu'il soit statique en permanence. Vous commencez également à avoir accès à d'autres pouvoirs, comme le temps passé à l'écran qui peut aider à communiquer à votre spectateur l' importance de cet objet, en plus des repères visuels évidents, tels que sa taille ou sa luminosité. Comme vous l'avez vu dans l'une de nos leçons précédentes, vous pouvez souvent utiliser le son pour communiquer des informations ou des émotions supplémentaires, qu' il s'agisse d'une voix off ou Ensuite, je vais passer le reste de cette vidéo à parler du fait que le mouvement lui-même est en fait une autre forme de communication. Vous pouvez utiliser le mouvement pour créer un rythme, un timing. Vous pouvez créer du ton, des sensations et des émotions en fonction de la façon dont un objet bouge, sa rapidité ou de sa lenteur, sa rigidité ou de sa souplesse. Tout cela communique énormément à votre spectateur. Et cela se résume vraiment au fait que le mouvement a du sens Bien sûr, l' apparence des choses est très importante, mais la façon dont elles bougent peut être tout aussi importante. Si je vous montre ces deux cercles et que je vous demande de trouver la différence entre eux, je n'attendrai pas très longtemps car ils sont en fait identiques. Mais si je regarde cette vidéo ici, il est maintenant assez facile de voir quelle est la différence. La plupart des gens diraient que l'un d'eux est plus lourd. Mais bien sûr, ce ne sont que des pixels sur un écran, et ils n'ont pas vraiment de poids, mais la façon dont j'ai déplacé ces cercles reflète cette relation. Et cela fournit également beaucoup de contexte supplémentaire. Ces deux cercles sont évidemment des objets rigides car ils ne se déforment pas du tout lorsqu'ils rebondissent sur la surface inférieure Et oui, cette forme en bas est désormais également une surface rigide au lieu d'une simple boîte de couleur. Et cette scène se déroule dans un endroit où la physique est semi-réaliste. Nous nous attendrions donc à ce que cela se reproduise dans le reste de cette animation. Et juste pour vous faire réfléchir d' autres concepts, un principe de conception assez basique est le contraste. Cela aide les gens à savoir où chercher. Une zone avec un contraste élevé aura tendance à attirer l'attention de quelqu'un. Vous ne l'avez probablement même pas remarqué ici, n'est-ce pas ? Maintenant, lorsque nous parlons de contraste, cela signifie beaucoup de choses différentes, même simplement dans le domaine de la conception statique. Cela peut être un contraste de valeur, clair au foncé, mais cela peut aussi signifier des couleurs. Les choses peuvent être contrastées en taille, et cela vous indique laquelle est la plus importante. En parlant de texte, vous pouvez avoir un contraste de poids. Et encore une fois, l'une de ces choses semble plus importante que l'autre. Et bien sûr, vous pouvez combiner ces éléments pour vraiment mettre en valeur l' élément le plus important à retenir d'un design Maintenant, lorsque nous parlons de contraste dans le mouvement, toutes ces idées visuelles s'appliquent toujours. Mais maintenant, vous devez également vous demander si ce truc bouge, est-ce que j'aurai le contraste approprié partout où il passe ? Si ce n'est pas le cas, vous devriez peut-être penser à changer les choses. Mais vous pouvez également penser au contraste du mouvement lui-même. Ici, l'une de ces planètes attire vraiment votre attention. C'est en fait un signe de la main, non ? Mais si vous regardez cet exemple, ils vous saluent tous les deux Vous n'avez donc vraiment aucune idée de laquelle est censée être la plus importante. C'est un peu distrayant en fait, n'est-ce pas ? Vous pouvez également utiliser ces idées pour créer une tension où quelque chose peut visuellement vous donner un signal moins important, mais la façon dont il se déplace indique le contraire. En fin de compte, tout dépend du contexte de ce que vous créez. Si le ton de quelque chose est censé être très sérieux, est peu probable que choses rebondissent un peu partout Ils vont se déplacer plus lentement et plus facilement. Mais si vous créez quelque chose de plus ludique, vous pouvez déplacer ces éléments d'une manière très différente. Les prochaines vidéos vous expliqueront d' autres concepts et vous expliqueront comment les mettre en œuvre. Mais au fur et à mesure, je veux que vous réfléchissiez aux raisons pour lesquelles vous faites les choix que vous faites. Quels éléments choisissez-vous de déplacer et comment choisissez-vous de les déplacer ? Et qu'est-ce que cela communique à votre téléspectateur ? 59. Ajouter de l'anticipation et du dépassement: L'anticipation et le dépassement sont deux principes d'animation qui peuvent vraiment vous aider à donner beaucoup plus de personnalité à vos mouvements Ce sont essentiellement des moyens de donner à vos mouvements une sensation plus organique plutôt que d'être aussi mécaniques et parfaits. Ces trois objets ne font que monter et diminuer, et maintenant ils s'agrandissent avec un peu de dépassement Ce petit rebond ajoute vraiment beaucoup d'énergie, non ? Voici un exemple basé sur la position suffit d'un mouvement rectiligne avec un petit dépassement Voyez comment il dépasse légèrement son point d'atterrissage puis s'immobilise L'anticipation est le contraire de cela. C'est comme une petite recharge juste avant le mouvement. Ici, nous avons à la fois de l'anticipation et du dépassement, ce qui donne à cela une sensation beaucoup plus naturelle Et voici les trois pour les comparer. Dans le monde réel, la plupart des objets le font dans une certaine mesure. L'animation, en particulier les dessins animés, a tendance à exagérer ce point Mais si vous pensez aux types de mouvements que vous effectuez tout au long de la journée, chacun d'entre eux est un peu anticipé et exagéré, et en les ajoutant à vos animations, vous les rendrez et en les ajoutant à vos animations, vous les rendrez beaucoup plus réalistes et plus ancrés Passons à After Effects et voyons comment vous pouvez l'ajouter à vos projets. Voici donc une simple couche qui ne fait que s'agrandir. Ce n'est pas très excitant. Je vais les sélectionner et appuyer sur F neuf pour Easy Es. est un peu mieux, mais ajouter un peu de dépassement à ce mouvement peut faire une énorme différence Je trouve qu'avec l'échelle, cela fait généralement du bien de faire environ les deux tiers du déménagement. Sélectionnons cette dernière image-clé à 100 %, et je vais simplement la copier-coller ici Maintenant, le même mouvement va se produire, mais en fait un peu plus vite. Et puis, bien entendu, ces deux images-clés sont identiques, nous n'y voyons donc aucun mouvement Mais que se passerait-il si nous prenions cette image-clé et que nous la faisions monter un peu plus haut, peut-être autour de 110 ? Maintenant, vous obtenez cette belle touche d'énergie au fur et à mesure que la couche s' agrandit, et c'était assez facile, non ? Nous pouvons tout aussi bien transformer cela en anticipation. Pour ce qui est de l'échelle, je pense qu'il serait logique d'ajouter un peu d'anticipation au fur et à mesure que cela diminue. Maintenant, je pourrais me frayer un chemin pour revenir à 100 %, monter un peu, 110, puis revenir à zéro. Mais jetez un œil à ceci. Si je sélectionne les trois images-clés, je peux accéder au menu d' édition et les copier, puis vous pouvez coller ces mêmes images-clés, mais en Nous passons donc maintenant de zéro à 110 , puis à 100. Ensuite, il reste là à 100 jusqu'à ce qu'il atteigne cette deuxième image-clé où il remonte à 110, puis redescend à zéro Jetons un coup d'œil. Vous voyez la différence que ces deux images-clés supplémentaires peuvent faire ? Jetons un coup d'œil à cela sur place. Voici un autre exemple tout aussi intéressant. Waouh. OK, ça se déplace de gauche à droite. Sélectionnons ces images-clés et modifions-les facilement. OK, ça va un peu mieux, non ? Essayons à nouveau d'ajouter un petit dépassement. Environ les deux tiers, peut-être un peu plus près de la fin sur ce point. Sélectionnons cette image-clé et copiez-la ici, puis emmenons cette couche un peu plus loin vers la droite Je pouvais le faire avec ma souris ou simplement en utilisant mes flèches, maintenant la touche Shift pour les pousser encore plus loin Maintenant, j'ai mon image-clé d'origine. Il se déplace un peu au-delà son point d'atterrissage , puis se remet en place. Et encore une fois, quelle différence cela fait, non ? Et si nous faisions la même chose au début pour ajouter un peu d' anticipation à ce déménagement ? Nous allons parcourir à peu près la même distance, copier et coller cette image-clé, puis la déplacer vers la gauche Découvrez à quel point ce mouvement est plus énergique lorsqu'il se recharge un peu puis qu'il dépasse légèrement Bien entendu, nous pourrions aller encore plus loin en affinant la vitesse de ces mouvements, mais nous le ferons en une minute. Encore une fois, ils ne conviendront pas à tous les projets, mais lorsqu'ils le sont, ils font une énorme différence. 60. Ajustement de la trajectoire de mouvement: Une autre façon d'ajouter plus d'intérêt visuel et de réalisme à vos animations consiste à donner à vos mouvements un léger arc de cercle. Dans le monde réel, la plupart des choses ne bougent pas parfaitement en ligne droite. Ils sont affectés par la gravité et la physique, et à moins qu'il ne s'agisse d' une machine, une ligne parfaitement droite n'existe tout simplement pas vraiment dans la nature. Sa création ne nécessite en fait aucune image clé supplémentaire. Passons à After Effects et vérifions-le. J'ai créé des images-clés de position simples sur cette couche Encore une fois, rien de spécial. Revenons au début, et vous pouvez voir ces deux images-clés et la ligne qui les sépare, appelée trajectoire de mouvement Par défaut, il s' agira simplement d'une ligne droite. Mais si je prends mon stylo, je peux cliquer et faire glisser l'un ou l'autre de ces carrés, qui ne sont en fait que des sommets sur cette trajectoire de mouvement Regardons donc cette animation maintenant. Et j'ai créé une sensation totalement différente. Il y a maintenant un arc dans cette animation, mais vous remarquerez que je n'ai pas ajouté d'images-clés supplémentaires J'ai en fait modifié ce que l'on appelle l'interpolation spatiale entre ces deux images-clés Les deux valeurs sont identiques, mais j'ai changé la façon dont After Effects passe de l'une à l'autre. Cela n'est en fait possible qu'avec la position. Je pourrais également modifier cette deuxième image-clé. Et maintenant, une fois de plus, j'ai créé une sensation très différente simplement en modifiant cette trajectoire de mouvement elle-même. Pour un mouvement vraiment complexe comportant plusieurs angles, vous aurez bien sûr besoin de plusieurs images-clés, mais vous serez peut-être vraiment surpris de ce que vous pouvez réellement faire en modifiant simplement les trajectoires de mouvement Ce sera un exemple assez extrême, mais si je tire ces deux poignées tangentes vers l'extérieur, je peux créer une boucle en plein milieu Maintenant, est-ce que ça a l'air génial ? Pas nécessairement, mais je voulais juste illustrer le fait que vous disposez d'une énorme flexibilité ici si vous êtes prêt à expérimenter. 61. Les cadres-clés: Au début du cours, nous avons appris qu'une image-clé est une valeur à la fois, et qu'une fois que vous avez créé plusieurs valeurs, After Effects passe de l'une à l'autre. Nous venons d'apprendre qu'au moins lorsqu'il s'agit de position, vous pouvez modifier l'interpolation spatiale, c'est-à-dire la façon dont After Effects se déplace dans l'espace entre ces deux valeurs Mais nous avons également la possibilité de modifier interpolation temporelle ou la façon dont After Effects passe d'une valeur à l'autre dans le temps En langage normal, cela signifie que nous pouvons modifier la vitesse de ce mouvement. Avant de trop nous éloigner du concept des trajectoires de mouvement, je tiens à souligner que lorsque vous examinez cette question, chaque point de cette ligne correspond en fait la position de cette couche sur une image donnée. Si je rapproche les images-clés, il y aura moins de points sur la ligne, car il faut moins d'images pour parcourir cette distance. Je vais juste annuler ça. heure actuelle, chaque point est régulièrement espacé car la couche parcourt une distance constante à chaque image. Si je simplifie facilement ces images-clés, vous verrez que les points situés au milieu sont un peu plus espacés et qu'ils se regroupent Si je personnalise ces deux images-clés, observez ce qu'il advient des points Tout d'abord, je vais appliquer un assouplissement supplémentaire au second. Et puis au premier. Découvrez à quelle distance les points se trouvent maintenant au milieu et à quel point ils sont groupés aux extrémités Ce mouvement va commencer et se terminer très lentement et avoir un mouvement très rapide au milieu Jetons un coup d'œil à ce qui se passe ici. Lorsque vous créez des images-clés, elles sont par défaut dites linéaires Ils ont les petites icônes en forme de losange sur la chronologie. Ils se déplacent entre les valeurs à une vitesse constante, et ils s'arrêtent d' une manière mécanique abrupte Nous savons que nous pouvons facilement assouplir ces images-clés, ce qui leur donne la forme d' un petit sablier et facilite un peu leurs atterrissages Mais à l' aide de l'éditeur de graphes, vous pouvez le personnaliser encore plus et modifier radicalement la vitesse à laquelle After Effects passe d'une valeur à l'autre. Voici les trois côte à côte. Ils ont exactement les mêmes valeurs X, ils se déplacent donc sur la même distance dans le même laps de temps, dans le même laps de temps, et certains graphiques à l'extrême droite illustrent ces changements au fil du temps Si une ligne horizontale plate ne change pas, regardant le mouvement linéaire ici, nous voyons qu'il s'agit d'un mouvement constant, ce serait donc une ligne droite entre ces deux valeurs. Alors que l'Easy Ease présente une petite courbe en S car elle est légèrement ralentie au début et à la fin du mouvement. concerne le mouvement hautement personnalisé en bas, remarquez que le graphique au début et à la fin est presque horizontal, puis qu'il présente un angle beaucoup plus raide au milieu, ce qui indique qu'il se déplace beaucoup plus rapidement Si vous visualisiez l'emplacement de ces couches à chaque image, même manière que ce que nous venons de voir avec la trajectoire du mouvement, vous verriez quelque chose comme ceci. Dans l'exemple linéaire, chaque image est à une distance constante de la précédente. Avec l'Easy Ease, vous constaterez qu' il y a un léger regroupement aux extrémités, mais qu'il est assez constant au milieu Mais avec cet exemple très personnalisé, vous verrez qu'il est très groupé aux extrémités et qu'il se déplace si vite au milieu que certaines de ces images ne se chevauchent même pas Encore une fois, jetons un coup d'œil à After Effects et découvrons comment le faire vous-même. Nous avons ici deux carrés. Dans les deux cas, leur rotation est animée de zéro degré à 90 degrés une seconde exactement. Le carré rouge de gauche utilise des images-clés linéaires tandis que le carré violet de droite utilise Easy Ease. Voici à quoi cela ressemble. Comme vous pouvez le voir, ils sont assez similaires, mais le violet est un peu plus lisse. Sélectionnons la propriété de rotation de la couche rouge, puis ouvrons notre éditeur de graphes en cliquant sur cette petite icône graphique juste au-dessus de la chronologie. Nous examinons actuellement le graphique des valeurs, qui représente l'évolution de cette valeur au fil du temps Donc, dès le début des compositions, il n'y a aucun changement, ce qui signifie une ligne horizontale. Dès que nous arrivons à cette première image-clé, s'agit d'une image-clé linéaire. Elle commence immédiatement à se déplacer à une vitesse constante et passe de zéro degré à 90 degrés à cette deuxième image-clé ici Passé ce point, il n'a plus de valeurs supplémentaires vers lesquelles se déplacer, il reste donc inchangé. Sélectionnons le carré violet et voyons à quoi il ressemble. C'est très similaire, mais maintenant comporte une légère courbe en S le changement comporte une légère courbe en S, car elles ont été atténuées, de sorte qu'ils passent de l' absence de mouvement à leur mouvement en douceur. Ils atteindront leur point le plus rapide ici au milieu, puis ralentiront fur et à mesure qu'ils s'arrêteront. Mais cet éditeur de graphes ne sert pas uniquement à regarder cela, vous pouvez réellement modifier des éléments. Si je clique sur l'une des images-clés, vous verrez maintenant que j'ai des poignées que je peux manipuler Si j'utilise cette poignée, je peux désormais modifier librement la façon dont After Effects interprète ce changement de valeur au fil du temps faire glisser vers la gauche de cette façon crée une facilité beaucoup plus extrême Donc, dans ce cas, ce mouvement ralentira très progressivement jusqu'à s'arrêter. Si je devais appliquer un assouplissement similaire au début, vous pouvez maintenant constater que presque tous les changements se produisent dans une bande très étroite au centre, tandis que les points de départ et d'arrivée de ce mouvement seront extrêmement proches de zéro aussi longtemps que possible. Voici à quoi cela ressemble. Et maintenant, vous pouvez voir à quel point cela semble très différent du carré rouge Mais n'oubliez pas que les deux ont les mêmes valeurs. Nous pouvons en fait les voir tous les deux ici, et vous verrez que les points de départ et d'arrivée de ces mouvements sont les mêmes. La seule différence réside dans la façon dont After Effects passe d'une valeur à l' autre . Vous pouvez également consulter ce graphique en termes de vitesse, si vous préférez. En bas, il y a un petit menu qui vous permet de passer valeur au graphique de vitesse. Si l'on considère l'exemple linéaire et la rapidité de son évolution, depuis le début y a aucun changement depuis le début des compositions. Et puis, dès que nous atteignons cette première image-clé, cette couche change constamment à exactement 90 degrés par seconde, car elle passe de 0 à 90 degrés en une Dès qu'elle atteint cette deuxième image-clé, elle ne change plus, donc la vitesse revient immédiatement à zéro Si nous examinons la vitesse de l'assouplissement, vous pouvez constater que c'est très extrême. Permettez-moi de sélectionner ces images-clés et d'appuyer sur F neuf pour les remettre à la version standard, et c'est un peu plus ce à quoi nous nous attendions Encore une fois, pas de changement, accélérant progressivement jusqu'à ce qu' il trouve son point le plus rapide Ici, à mi-chemin du mouvement, puis ralentissant jusqu'à ce que la vitesse atteigne zéro. Comme précédemment, vous pouvez sélectionner ces points et modifier la façon dont After Effects entre et sort de ces valeurs. Plus vous faites glisser l'une de ces poignées, plus elle sera facile. heure actuelle, comme je n'ai assoupli que la deuxième image-clé, la première reste légèrement assouplie tandis que la seconde change très progressivement partie la plus rapide de ce mouvement se situe donc maintenant un peu plus tôt. Et voici à quoi cela ressemble. Je pourrais aussi ajuster le début. Maintenant, comme avant, nous avons un mouvement extrêmement rapide au milieu, puis un mouvement d'entrée et de sortie très progressif. Voyons comment l' utiliser pour la position. Encore une fois, j'ai ici deux couches se déplacent sur la même distance sur le même laps de temps, la couche supérieure étant linéaire et la couche inférieure étant facile à utiliser. Il est un peu plus facile de voir la différence entre les deux en fonction de leur position. Arrêtons cet aperçu et jetons un coup d'œil à l'éditeur de graphes. Vous devez sélectionner une propriété pour la voir ici. Voici à quoi ressemble la version linéaire. Vous pouvez voir le changement progressif de la valeur X, c' est-à-dire la ligne rouge, alors que la valeur Y ne change pas du tout, elle reste donc complètement horizontale. En sélectionnant la version allégée comme précédemment, vous verrez qu'il y a une légère courbe en S par rapport à la valeur X, cette ligne rouge, tandis que la valeur Y, reste inchangée. Comme les valeurs X et Y de la position sont liées entre elles, vous ne pouvez pas les modifier directement dans le graphique des valeurs. Vous pouvez toutefois les modifier dans le graphique de vitesse. Voyons à quoi cela ressemble. En le remplaçant par le graphique de vitesse, j'ai la couche violette, la couche inférieure étant sélectionnée pour le moment. Et comme prévu, cela ressemble beaucoup à ce que nous avons vu il y a une minute. Aucun mouvement ne se produit, puis nous accélérons lentement jusqu'à atteindre notre point le plus rapide, puis nous ralentissons jusqu'à ce que nous arrivions à un arrêt. Comme précédemment, nous pouvons modifier ces points. Donc, si je fais glisser le premier vers la droite, encore une fois, nous aurons un mouvement très rapide la partie la plus rapide se produisant près des trois quarts du mouvement Nous allons simplement annuler cela. Et juste pour référence, voici le linéaire, qui n'est encore une fois qu'une ligne horizontale plate à une vitesse particulière. Dans ce cas, environ 937 pixels par seconde. Comme les valeurs X et Y de position sont unifiées en une seule propriété, afin de les ajuster dans le graphique des valeurs, vous devez séparer les dimensions comme nous l'avons fait précédemment. Si je clique avec le bouton droit sur la position du mot et que je choisis des dimensions distinctes, X et Y sont désormais traités comme deux propriétés distinctes. Pour en revenir au graphique des valeurs, je peux maintenant modifier librement l'un ou l'autre de ces éléments. Sélectionnons uniquement la position car la valeur Y ne change en fait pas du tout. Cela est devenu linéaire lorsque j'ai séparé les dimensions Je vais donc appuyer sur F neuf pour atténuer ces valeurs. Et encore une fois, nous obtenons cette subtile courbe en S. Sélectionnons cette première image-clé, et cette fois, je vais faire glisser la poignée vers le haut Maintenant, ce que j'ai créé n' est aucun mouvement, changement extrêmement brusque qui s'accélère très rapidement puis s'arrête très lentement Sensation complètement différente. Si je le souhaite, je pourrais faire glisser la deuxième image-clé vers quelque chose de très similaire Je vais également ajuster légèrement le premier, mais là, j'ai un départ extrêmement brusque Au milieu, ça va presque cesser bouger, puis c'est une fin extrêmement abrupte Pour y remédier, je vais simplement ajuster ces poignées de maintien pour qu' elles restent parfaitement horizontales. Et maintenant, une fois de plus, j'ai créé un démarrage et un arrêt très fluides grâce à un mouvement rapide au milieu Maîtriser l'éditeur de graphes temps et de la pratique, mais il faut surtout être prêt à expérimenter, à regarder les résultats et ajustements jusqu'à ce que vous en soyez satisfait 62. La promotion de la boucle revisitée: J'ai rouvert mon précédent projet de promotion en boucle pour essayer certaines de ces techniques Pour rappel, voici à quoi ressemble la version précédente. Pas mal du tout, mais il y a certainement matière à amélioration, surtout si l'on tient compte de ces nouvelles techniques. Je vais commencer par accéder à mon panneau de projet et appuyer sur Ctrl ou Commande D pour dupliquer les compositions existantes. Je vais le renommer en looping promo refined , puis m' assurer d'ouvrir ces compositions Je vais fermer l'original. Nous allons simplement nous en tenir à cela comme référence. Je n'ai pas l' intention de modifier quoi que ce soit à cette texture en boucle J'ai donc déjà verrouillé cette couche, mais je vais sélectionner les autres et appuyer sur vous pour afficher ces images-clés Je pense que nous avons ici de bonnes opportunités pour ajouter un peu de dépassement, un peu d'anticipation, modifier certaines trajectoires de mouvement et apporter quelques ajustements dans l' Commençons par nous concentrer sur l'animation entrante Je vais donc afficher mon CTI ici et appuyer pour découper cette zone de travail afin que nous puissions nous concentrer uniquement sur cette section Je vais ajouter un peu de marge à chacun de ces mots entrants Je vais juste prendre dix images et copier-coller l'image-clé précédente, cinq autres, copier-coller celle-ci, cinq autres, copier-coller celle-ci Ensuite, sur chacune d' elles, je vais juste leur donner un coup de pouce tout en maintenant la touche Shift enfoncée Cette couche est donc arrivée par la gauche, donc je vais simplement la pousser vers la droite pour qu'elle dépasse un peu Cette couche arrive par la droite se déplace vers la gauche. Je vais donc la déplacer vers la gauche Et ces couches viennent du bas, donc je vais leur donner un bon coup de pouce vers le haut. Voyons ce que cela nous apporte. Oui, ça ajoute un peu d'énergie. Je parie que notre planète pourrait également en avoir besoin. Nous allons donc à nouveau déplacer dix images vers le haut, copier-coller ces deux images-clés Utilisez J pour revenir aux images-clés précédentes. Augmentons légèrement notre échelle à environ 105 et ramenons notre rotation légèrement au-dessus de zéro. Donc, dans les deux cas, nous dépassons légèrement la valeur , puis nous revenons à notre atterrissage. OK, pas trop mal du tout. OK, ajustons un peu ces courbes. Je pense que ces valeurs pour notre icône de Jupiter seront un bon point de départ. Je vais en sélectionner quelques-unes avant d' ouvrir l'éditeur de graphes De cette façon, elles seront déjà sélectionnées lors de ma transition vers cet éditeur. En l'ouvrant, vous pouvez voir que je suis en train de regarder le graphique des valeurs, et ces deux couleurs de ligne correspondent aux propriétés ici. J'ai déjà sélectionné ces deuxièmes images-clés. Vous pouvez voir qu'il s' agit de carrés complets non de carrés ouverts. Je pourrais donc faire glisser un peu ces poignées tangentes. Je maintiens la touche Maj enfoncée pour les garder horizontaux en ce moment, et je pourrais faire les deux , si je le souhaite. Vous pouvez également sélectionner des images-clés directement ici. Si je voulais vraiment y arriver, je le pourrais. Je pense que je vais juste les annuler un peu. Et voyons ce que l'on ressent. J'ai l'impression que ça pourrait être un peu plus rapide. Sélectionnons donc ces deux premières images-clés et je vais peut-être les appuyer un peu vers la droite pour rendre mouvement un peu plus rapide. Oui, je pense que ça fait du bien. Maintenant, n'oubliez pas que je ne peux pas ajuster la position ici dans le graphique des valeurs, mais sélectionnons la propriété de position pour ces trois couches, et c'est un peu long à examiner de toute façon. Mais si je change cela pour le graphique de vitesse, cela a un peu plus de sens. Nous pouvons observer les changements dans chacune de ces trois couches. Certains bougent plus que d'autres, donc ils se déplacent un peu plus vite. Je pense qu'il serait difficile de les sélectionner car ils sont décalés dans le temps. C'est donc à ce moment-là qu'il est beaucoup plus judicieux de sélectionner vos images-clés dans la vue chronologique normale Je vais simplement sélectionner cette image-clé, maintenir la touche Maj enfoncée, sélectionner cette image-clé tout en maintenant la touche Maj enfoncée , et maintenant elles seront toutes sélectionnées lorsque je passerai dans l'éditeur de graphes Encore une fois, vous pouvez voir ces images-clés surlignées juste là, et je pourrais les tirer toutes légèrement vers la gauche, encore une fois, en maintenant la touche Maj enfoncée Oui, je ne pense pas qu'ils aient eu besoin d'un gros ajustement. Cela leur a simplement donné un peu plus de rapidité à l'arrivée et les a aidés à atterrir un peu plus facilement . Tu n'as pas toujours besoin de devenir fou avec ça. Souvent, un petit ajustement fait toute la différence. OK, je me sens plutôt bien à ce sujet. Fermons ça. En fait, je peux simplement faire glisser mon espace de travail vers la moitié arrière de notre animation et peut-être simplement ramener ce point de départ un peu afin que nous nous concentrions sur l'animation sortante. Rappelons-nous à quoi cela ressemble . OK, pas trop mal. Je pense que notre planète pourrait être une bonne candidate pour modifier légèrement la trajectoire du mouvement. Dans cette animation, la plupart des éléments se déplacent sur des lignes assez droites, ce qui est normal car il s'agit de texte et il n'est pas nécessaire que cela paraisse aussi organique. Je pense que si nous nous laissions trop emporter par grandes trajectoires sinueuses cela pourrait sembler un peu stupide Mais pour cette planète, je pense que ce serait bien d' avoir ne serait-ce qu'un petit arc ici. Il existe plusieurs options différentes. Nous pouvons en fait modifier la trajectoire du mouvement directement ici dans le visualiseur faisant glisser l'autre image-clé. Je vais juste annuler ça. Ou, comme je l'ai indiqué précédemment, je peux sélectionner mon outil de stylet et faire glisser le pointeur sur l'une de ces images-clés pour créer une poignée tangente qui me permet de l'ajuster Je pense que je vais créer un petit arc à cet endroit, appuyer sur V pour revenir à mon outil de sélection et faire glisser d'un simple toucher vers le bas, puis peut-être ajuster cette poignée vers le haut. Comme je n'arrête pas de le dire, il s'agit en grande partie d'expérimenter, observer et d'ajuster. J'aime bien ça. C'est subtil, mais cela donne une sensation légèrement différente par rapport à la planète qui se déplace simplement horizontalement. Je pense que nous pourrions ajouter un peu d'anticipation à ces mouvements de texte. À partir de ces images-clés, reculons peut-être de six images, peut-être huit Je peux en fait les sélectionner toutes les trois et les copier, les coller, et il collera les valeurs appropriées pour chaque couche, appuyer sur K pour revenir en arrière, puis encore une fois, je vais donner un petit coup de pouce à chacune d'entre elles pour leur donner un peu d' anticipation avant ce déplacement Voyons ce que l' on ressent. Oups. J'ai fait fausse route sur Jupiter. Corrigeons cela et déplacons-le plutôt vers la gauche. Tu vois, même les pros font des erreurs, eux aussi. Ce n'est pas trop mal. Regardons peut-être un peu ces images-clés Et comme je les ai toujours sélectionnés, je vais ouvrir mon éditeur de graphes et les faire glisser un peu vers l'extérieur. Nous verrons ce que l'on ressent. J'aime bien ça. Cela leur permet de démarrer plus lentement , puis ils prennent vraiment de l'élan. En regardant ça, je remarque à quel point deux se déplacent plus lentement Alors fermons-le et prenons peut-être la deuxième image-clé deux et évoquons-la un peu plus tôt Elle se rapproche donc un peu plus de la même vitesse que les autres couches. Mais cela me donne envie de les compenser un peu à titre d'expérience. Je vais donc maintenir la touche Alt ou Option enfoncée et appuyer plusieurs fois sur la touche fléchée. Sélectionnez-les. Mm. Avec toute cette impatience, cela semble un peu exagéré, donc je vais simplement annuler cela Mais ça ne fait jamais de mal d'essayer, non ? Dans cette optique, je pense qu'il serait judicieux ramener ces autres images-clés à celles de leurs amis ici présents les copier-coller, appuyer sur K pour sauter, donner un petit coup de pouce aux lignes de Saga to Star, et peut-être utiliser les touches fléchées sans Shift pour Vous pouvez les copier-coller, appuyer sur K pour sauter, donner un petit coup de pouce aux lignes de Saga to Star, et peut-être utiliser les touches fléchées sans Shift pour notre planète afin de lui donner un peu d'anticipation Je vais appuyer vers le haut et vers la droite, vers le haut et droite, juste pour le pousser légèrement dans cette direction loin de l'endroit où il est sur le point de se déplacer Oui, pas trop mal. Nous avons ici un grand nombre d' images-clés de position Je vais à nouveau les sélectionner. En regardant ce graphique, je pense qu'il peut réellement désélectionner toutes mes couches de texte rouges Je vais donc maintenir la touche Ctrl enfoncée et cliquer sur la position de chacune d'entre elles Mais j'ai toujours sélectionné les lignes Saget of Sar et ma planète, et je vais juste les aborder un peu Cela devrait être à peu près conforme aux autres. Ouais. D'accord, je pense que ça fait du bien Je vais donc fermer, appuyer sur Accueil, B pour agrandir mon espace de travail, et regardons le tout. Et pour rappel, voici à quoi ressemblait l' original. Bien entendu, il s'agit d'un exemple assez simple, et si j'avais fait une mise en page légèrement différente ou changé la direction dans laquelle ils se dirigeaient, cela aurait pu avoir un impact énorme sur la façon dont je les ai ajustés. La chose la plus importante que je veux que vous retiriez de cette leçon est de commencer à développer votre œil pour voir ces différents types de mouvements et de réfléchir à la manière dont les différents éléments devraient se déplacer dans différents contextes. Cela vous aidera à comprendre les cliques que vous devez faire, et le plus important à retenir est que vous ne pouvez vraiment rien casser Vous pouvez toujours annuler. Vous pouvez toujours créer une copie de votre travail. Vous pouvez même enregistrer un projet distinct dans son intégralité. N'ayez pas peur d' entrer ici et d'expérimenter, vous salir un peu les mains, car la meilleure façon d'apprendre ces choses est de s'entraîner. 63. Projet de cours 07 - Promo affinée: Hey, encore une fois, le projet de classe, notre directeur artistique vous a demandé si vous pouviez revoir cette promotion en boucle que vous avez créée Ils aiment vraiment ce que tu as fait, mais ils pensent que tu pourrais peut-être aller un peu plus loin, et heureusement, tu viens d'apprendre comment faire. Nous vous demandons donc de rouvrir votre précédent projet de promotion en boucle que vous avez déjà réalisé Si vous décidez de mettre à jour le design, ce n'est pas grave, mais vous pouvez tout à fait utiliser celui que vous avez déjà créé. Je vous recommande vivement de faire une copie de votre composition originale afin pouvoir toujours la considérer comme une référence ou même de recommencer à zéro si vous gâchez vraiment les choses. Essayez d'intégrer un assouplissement personnalisé, d' accéder à l'éditeur de graphes, de vous en faire une idée, de modifier certaines trajectoires de mouvement là où cela vous semble approprié, essayez d'ajouter un peu de dépassement, un peu d'anticipation, encore une fois, là où cela vous semble approprié J' adorerais vraiment que vous essayiez de faire au moins une de ces activités, si vous le pouvez, mais uniquement si cela vous semble approprié pour votre projet. Ne le forcez pas. Et bien sûr, parfois, l'objectif est simplement de le rendre plus beau. Mais si vous le pouvez, essayez de réfléchir à ce que cette motion raffinée dit à propos de ces éléments et de votre projet dans son ensemble. En quoi cela représente-t-il votre client ou votre destination ? Pour rappel, voici à quoi ressemblait mon exemple par rapport aux versions précédentes. Et, bien entendu, en ce qui concerne les livrables, nous vous demandons d'exporter votre animation sous forme de fichier MP4, télécharger votre vidéo exportée sur un site d' hébergement vidéo tel que Vimeo, YouTube, Behance ou autre, et, bien entendu, de partager ce lien avec nous dans la section des projets ou des devoirs de votre classe Encore une fois, ne soumettez pas depuis des sites de stockage dans le cloud. Et, bien sûr, partagez-le sur les réseaux sociaux. Je pense que celui-ci en particulier serait excellent pour peut-être même publier votre version originale et votre version mise à jour. Et vous pouvez parler de tout ce que vous avez appris et de la différence que cela fait dans votre travail. Il est très facile de voir tout le travail sur réseaux sociaux et de se comparer à cela, mais je pense qu'une meilleure mesure de vos propres progrès est de revenir sur votre travail antérieur et de voir à quel point vous vous êtes amélioré, même pendant le peu de temps que nous avons passé ensemble. Alors, bonne chance. Amuse-toi bien avec. Encore une fois, salis-toi un peu les mains, et j'ai hâte de voir ce que tu vas gagner. 64. Animer avec l'outil Puppet: Plus tôt, nous avons vu cet exemple de bras illustré, et si vous souhaitez animer un personnage construit de cette manière, vous pouvez bien sûr adopter différentes approches Cette œuvre d'art particulière a été correctement préparée Nous avons donc séparé les pièces et chacune d'elles se chevauche de manière appropriée. Pour ce qui est de l'animation, nous pourrions penser à une poupée en papier, laquelle nous relions chacune des couches en utilisant la parentalité, assurant que leurs points d'ancrage se trouvent au bon endroit, puis en créant des images-clés rotatives pour animer chacune d'elles Je vais annuler cela et configurons-le rapidement. Nous voudrions que la main soit attachée à l'avant-bras et l'avant-bras biceps. Nous voulons nous assurer que les points d'ancrage sont correctement définis J'appuierai donc sur Y pour obtenir le point d'ancrage afin sélectionner mon biceps, puis nous déplacerons ce point d'ancrage vers l'épaule Nous allons sélectionner l' avant-bras et le déplacer probablement vers l'intérieur du coude, puis nous allons sélectionner la main et déplacer le point d'ancrage à l' endroit où devrait se trouver le poignet Revenons à l'outil de sélection en appuyant sur V. Ensuite, je sélectionnerai toutes mes couches et sur R pour exposer les propriétés de rotation. Et vous pourriez vous asseoir ici et animer chacune de ces rotations individuellement. Ou si vous recherchez une approche légèrement plus intuitive, il existe un outil de rotation que vous pouvez utiliser pour cliquer sur ces éléments et les faire glisser vers le haut dans le visualiseur. Dans la barre d'outils, trouvons cette petite flèche arrondie qui est votre outil de rotation, vous pouvez également obtenir en appuyant sur W pour faire pivoter, je suppose Avec cet outil de rotation, il vous suffit de cliquer et de faire glisser les couches dans votre visionneuse pour les faire pivoter. À partir de là, vous pouvez simplement créer des images-clés et les animer comme vous le souhaitez Bien entendu, toutes les œuvres d'art ne peuvent pas être préparées de cette façon, et vous aurez parfois besoin d'une sensation plus organique un peu moins rigide. C'est là qu'intervient le Puppet Tool. Voyons donc comment celui-ci fonctionne. L'outil Puppet vous permet de créer un maillage de distorsion sur une couche et fonctionne de la même manière que les outils Puppet ou Puppet Warp que vous trouverez dans Bien sûr, comme il s'agit d' After Effects, nous pouvons les animer. Pour utiliser l'outil Puppet, vous allez vous rendre sur le côté droit de votre barre d'outils et vous trouverez cette petite icône en forme de punaise ici Vous pouvez cliquer dessus pour créer les épingles de position standard, ou vous pouvez cliquer longuement pour voir une liste d'autres types d'épingles, que je vais aborder dans les prochaines minutes. Vous pouvez également appuyer sur Ctrl ou Commande P pour sélectionner cet outil sans accéder à la barre d'outils. Une fois l'outil sélectionné, il vous suffit de cliquer sur votre couche pour créer des épingles aux endroits où vous souhaitez qu'elles soient placées. Une fois que les épingles existent, vous pouvez cliquer et faire glisser le pointeur sur l'une d'elles pour commencer à déformer votre couche Faisons une animation rapide. J'appuierai sur U pour exposer les images-clés, qui sont créées lorsque vous insérez les épingles dans le cadre sur lequel se trouvait votre CTI lorsque vous les avez créées Pour cet exemple, je vais juste avancer un peu dans le temps, prendre celui du milieu et le ramener vers le bas, puis monter ici. Comme toutes les autres images-clés, je peux copier-coller la première J'appuierai sur N pour délimiter mon espace de travail et créer une petite boucle rapide. C'est assez facile, non ? Et même avec cet exemple très basique, j'espère que vous pouvez déjà voir des possibilités vraiment intéressantes. Retournons à la page d' accueil et supprimons ces images-clés supplémentaires pour regarder de plus près ce qui se passe Vous avez peut-être remarqué que c' est un peu gros ici en haut, là où je l' ai le plus plié Pour comprendre et résoudre ce problème, nous devrons examiner le maillage. Ici, dans cette zone contextuelle de la barre d'outils, nous avons actuellement des propriétés de marionnette supplémentaires, comme cette case à cocher qui vous permet de voir le maillage créé sur la En gros, cet outil crée tout un tas de triangles, puis vous permet de simplement les étirer. D'où les coins, car ce sont en fait les coins où ces triangles se rencontrent. Si vous souhaitez atténuer cela, il existe un paramètre de densité ici où vous pouvez augmenter pour créer plus de triangles et ainsi une distorsion plus douce. Ou si vous voulez que cela paraisse vraiment grossier et primitif, vous pouvez le réduire complètement et créer une distorsion très basse fidélité, ce qui peut être intéressant pour certains looks. Je vais juste le réinitialiser. Nous avons également une propriété d' expansion qui vous permet de pousser le maillage plus loin. Cela est particulièrement utile si vous constatez qu' un petit morceau reste derrière vous lorsque vous commencez à déplacer vos épingles. Mais parfois, l'étendre un peu en combinaison avec la densité peut également aider à aplanir les choses. En regardant ici dans la chronologie, nous pouvons voir que chacune de ces épingles possède sa propre propriété de position. Lorsque j'ai plus d'une image-clé sur l'un d'entre eux, nous obtenons en fait une trajectoire de mouvement visible Malheureusement, ces trajectoires de mouvement ne sont pas directement modifiables comme le sont les trajectoires standard. Il existe des moyens de les lier à d'autres couches lorsque vous en avez besoin, mais c'est un peu plus avancé. Parfois, vous constaterez que ces épingles de position de base ne suffisent tout simplement pas à faire le travail. Même après avoir ajusté la densité, elles peuvent parfois être un peu trop pincées ou trop noueuses Lorsque vous aurez besoin de mieux contrôler la façon dont cette couche est déformée, nous souhaiterons explorer les autres types d'épingles. Nous avons constaté que d'autres types d'épingles étaient disponibles dans ce menu de barre d'outils, mais vous pouvez également modifier les épingles existantes dans la chronologie. Fermons cette couche puis ouvrons-la complètement pour voir sur quoi nous travaillons Lorsque vous créez des épingles à marionnettes sur un calque, cela crée en fait un effet appelé Marionnette, dont vous verrez qu'il comporte quelques options ici À l'intérieur se trouve ce que l' on appelle un maillage avec les propriétés de densité et d'expansion que nous avons ajustées ci-dessus, et à l'intérieur se trouve un groupe appelé deform, qui contient chacune des broches que nous avons créées Chacune de ces épingles possède une propriété de position qui est réglable ou animée. Vous verrez que chaque épingle possède également ce petit menu déroulant, vous pouvez utiliser pour modifier le type d'épingle une fois qu'il a déjà été créé. Disons que je voulais changer la position de la goupille centrale en la pliant. Cela supprime maintenant la propriété position et me donne plutôt l'échelle et la rotation. Donc, si je devais déplacer l'une des autres épingles à la fin, ce centre apparaîtrait en quelque sorte pour le trajet au lieu d'être coincé en place comme il l'aurait fait auparavant. Mais cela crée une autre sorte de virage au milieu maintenant. Vous pouvez modifier l'échelle et la rotation vers le bas ici. réglage de la rotation nous donne déjà un effet assez intéressant, qui est un peu différent de ce que faisaient les goupilles de position. Ou bien, le fait de changer d'échelle crée une sorte d'effet de pli et de gonflement, qui peut être utilisé pour une distorsion amusante des dessins animés L'une de mes manières préférées de l'utiliser est de créer une échelle subtile et lente, échelle subtile et lente, ce qui est un excellent moyen de donner l' impression que le torse d'un personnage respire Supposons que j'aimerais que la première épingle ait ces propriétés d'échelle et de rotation, sans perdre sa position. C'est à ce moment-là que vous voulez le code PIN avancé. Vous verrez que cela possède les trois propriétés, et vous remarquerez dans le visualiseur qu'elles sont également codées par couleur, jaune pour la position, marron pour le pli et vert pour les options avancées. Vous pouvez également contrôler chacun d'entre eux directement dans le visualiseur. Saisissez l'épingle pour vous déplacer dans la position, cliquez et faites glisser le pointeur sur cette petite case pour l'agrandir ou la réduire, ou lorsque vous placez le pointeur au bon endroit, vous obtiendrez cette petite flèche arrondie pour Et bien entendu, toutes ces propriétés peuvent être définies autant ou aussi peu que vous le souhaitez Annulons pour revenir à notre point de départ. Vous constaterez parfois que vous avez besoin de niveaux de contrôle supplémentaires à des endroits spécifiques de votre maillage. Supposons qu'il s'agisse de l' avant-bras d'un personnage et que vous ne vouliez pas qu'il se plie autant au milieu comme ça parce qu'il est probablement censé avoir des os, ou que vous trouviez simplement un endroit qui vous pince étrangement et que vous vouliez apporter une plus grande fidélité à cet endroit C'est là qu'interviennent les épingles en amidon. Vous pouvez utiliser cette liste déroulante chronologique pour placer une épingle existante sur une épingle en amidon, mais je trouve généralement qu' il est préférable de déterminer les endroits où vous en avez besoin , puis de les créer à ces endroits. Je vais donc revenir à ma barre d'outils, cliquer longuement et sélectionner l'outil Puppet Starch Pin Si vous le faites sur quelque chose comme le bras d'un personnage, il est souvent judicieux de créer cette épingle assez près de vos autres épingles existantes, quelque sorte juste à l'intérieur de celles-ci. Notez que cela crée en fait des points avec un maillage beaucoup plus dense. Et même si ces segments intérieurs ne resteront pas parfaitement droits, cela limite vraiment toute la flexion dans les zones spécifiques que nous avons choisies. Sympa, non ? OK, annulons encore une fois, revenons à notre point de départ. Et je vais juste rapidement le plier en forme de bretzel pour que les extrémités se Vous tomberez souvent sur quelque chose comme ça où la main d'un personnage finit par se retrouver derrière le corps, mais vous aimeriez évidemment qu'elle soit devant. Dans le menu Puppet Tool de la barre d'outils, l'option inférieure est l'épingle de superposition Cela vous permet de créer des points de superposition spécifiques et de contrôler ce qui se trouve en haut à un endroit précis du maillage. Celui-ci peut être un peu déroutant car vous devez créer ces points sur la disposition d'origine de la couche, non sur le résultat déformé que vous pouvez voir. Donc, si je veux que cette extrémité de la flèche se trouve au-dessus, je dois créer cette épingle superposée là où se trouvait la couche d'origine. Je vais créer une épingle ici, mais vous constaterez souvent que cela ne change rien du tout de suite. Mais je peux le déplacer et commencer à trouver des endroits où il illumine des zones du maillage comme ceci. C'est moi qui trouve les intersections de ces petits triangles qui constituent le maillage, c' est ce que cela recherche Je trouverai un endroit en quelque sorte au milieu, et vous verrez que je crée un chevauchement, mais pas assez , non ? avez peut-être envie de commencer à créer tout un tas de ces épingles, mais vous n' avez pas vraiment besoin de le faire. Si vous recherchez encore une fois vers le haut dans la barre d'outils, ou si vous pouvez également le faire vers le bas dans la chronologie en ouvrant les propriétés de superposition, vous aurez une propriété d'étendue, qui vous permettra davantage et d'occuper une plus du maillage jusqu'à ce qu'il crée un chevauchement suffisant pour répondre à vos besoins. Maintenant, si je fais tourner le bout de cette flèche, je pourrais probablement trouver un endroit où cette extension ne suffirait pas à tout couvrir Vous devrez donc déterminer la quantité de ce mouvement dont vous avez réellement besoin par rapport au mouvement que vous effectuez avec les autres épingles et le régler en conséquence OK, je vais annuler tout cela une dernière fois et retourner à mon outil de sélection. Comme je l'ai indiqué précédemment, ces propriétés sont des images-clés par défaut lorsque vous les créez. Vous pouvez bien entendu modifier ces valeurs par défaut ou supprimer ces images-clés si vous ne souhaitez pas que ce stylo soit animé Mais il vous suffit de déplacer dans le temps et de faire des ajustements, et ils créeront de nouvelles images-clés pour vous Bien entendu, le fait d'avoir un tas de ces épingles sur une seule couche peut être difficile à suivre, et essayer de créer une animation organique peut parfois être un défi. Ils nous ont donc donné un autre moyen d'animer ces épingles. Cela ne fonctionne que sur la propriété de position des épingles de position ou avancées, mais j'appuierai sur Ctrl ou Commande sur Mac en le faisant glisser, et cela enregistrera mes mouvements Vois ça. Faisons-le aussi pour l'autre camp. Et laissons un peu vaciller au milieu. OK, désélectionnons cette couche et regardons-la en arrière. Plutôt sauvage, non ? Écoutez, est-ce que cela a encore besoin d'être peaufiné ? Absolument. Mais pour la première fois, j'ai réussi à obtenir un bon aperçu avec seulement quelques points nécessitant une attention individuelle, et ce ne sont que des images-clés, donc je peux toujours apporter les ajustements dont j'ai besoin Examinons rapidement certaines de ces techniques sur un exemple plus réaliste. Voici ce bras d'avant sur fond transparent. Je pense que nous pouvons probablement le faire avec juste des épingles de position pour celui-ci, donc je vais prendre cet outil d'épingle de position. Essayons trois épingles au poignet, au coude et près de l'épaule. Parfois, vous devrez peut-être essayer quelques endroits jusqu'à ce que vous trouviez les bons endroits. Maintenant, je peux juste faire glisser cette épingle. Vous devez vous assurer que vous maintenez peu près la même distance par rapport à l'autre épingle. Si vous vous approchez trop près ou trop loin, c'est à ce moment-là que l'appareil commence à devenir trop serré ou trop extensible. Mais je trouve que ça a l'air plutôt bien. C'est peut-être juste un peu mou au niveau des biceps ici. Je pourrais donc essayer d'ajouter quelques épingles en amidon. Puis ajustez à nouveau cette épingle. n'est peut-être pas une énorme différence par rapport à cet exemple, mais je pense que cela a un peu raffermi les choses Et honnêtement, je me sens plutôt bien. Essayons donc de l'animer. Je vais maintenir la touche Contrôle ou Commande sur Mac et faire un simple geste ici. Et regardons ça en arrière. Tu sais, pas mal. Il y a certainement des points que j' aimerais aplanir, mais pour un premier pass, je vais m'y prendre. Et comme il s'agit d'un effet contenu dans le calque lui-même, je peux toujours animer le calque, de manière traditionnelle également. Cependant, je tiens à souligner que vous voudrez probablement faire votre travail de marionnettes avant de faire cette partie, simplement parce que cela prête un peu à confusion Je vais donc appuyer sur Y pour obtenir mon outil de point d'ancrage et le déplacer ici, près de l'épaule là où il serait normalement connecté au corps. Appuyez sur W pour obtenir mon outil de rotation, et je vais juste saisir quelques images-clés rapides ici Easy Ease, ceux-là et aperçu. Tu sais, pas mal. Une dernière remarque à propos de Puppet Tool est que lorsque vous trouvez ou créez des œuvres d'art, si vous envisagez d' utiliser ces techniques, vous devez réfléchir à leur fonctionnement J'ai donc ici ce personnage que j'ai téléchargé sur un site de stockage, et en général, vous mettriez probablement, disons, une épingle sur la tête, le cou, le milieu du torse, les épaules, les coudes, les poignets, peut-être une à la taille ou aux hanches, peut-être une au sommet de chaque cuisse, des genoux et des Ce ne sera pas la solution pour tous les personnages, mais c'est généralement un bon point de départ. Cependant, il va y avoir un problème ici. Cette main fonctionne plutôt bien, mais regardez ce qui se passe si je saisis ce coude. Et l'autre main n'a aucune utilité. Il s'agit donc d'un cas où, même avec Puppet Tool, je devrais encore passer du temps à bien préparer l'œuvre afin de pouvoir déplacer certaines pièces sans en gâcher d' autres l'œuvre afin de pouvoir déplacer certaines pièces sans en gâcher d' Voici un exemple un peu plus raffiné d'un personnage à corps entier. Comme vous pouvez le constater, en utilisant une combinaison de techniques comme celle-ci, vous pouvez trouver un assez bon équilibre entre une sensation organique et le niveau de contrôle que vous souhaitez. Puppet Tool est évidemment idéal pour les animations de personnages, à condition que votre dessin le permette, mais n'oubliez pas que vous pouvez également l'utiliser pour mais n'oubliez pas que vous pouvez également l'utiliser déformer des images ou des vidéos, pour ajouter une touche caoutchouteuse à une couche de texte lorsqu'elle se déplace, ou pour tout ce que vous pouvez imaginer Comme toujours, n'ayez pas peur d' entrer ici et d'explorer. 65. Projet de cours 08 - Animation de marionnettes: C'est à nouveau cette fois où je te fais faire des choses, presque comme si j'étais un marionnettiste ou quelque chose Mais ce ne sont que des projets de classe, et tu adores les réaliser. Donc je n'ai rien à vous obliger à faire quoi que ce soit, n'est-ce pas ? OK, donc des sorties dans l'espace. Ils constituent un excellent moyen de passer le temps lors du long voyage vers la destination. Nous aimerions donc que vous créiez une courte animation pour montrer à quel point cela peut être amusant. En termes d'exigences, celui-ci sera assez ouvert, en taille de composition et de fréquence d'images . Cela dépendra de vous. Et la durée dépend aussi vraiment de vous, mais je dirais probablement environ 5 secondes. Nous recherchons une courte animation mettant en scène un personnage. Nous avons inclus ce petit astronaute ici, mais vous pouvez bien sûr trouver ou créer le vôtre, trouver ou créer le vôtre, et ce personnage doit être animé principalement à l'aide de l'outil Puppet Maintenant, ce que cela signifie exactement peut dépendre dans une large mesure de ce qu'est votre art. Peut-être avez-vous trouvé une photo réaliste ou peut-être avez-vous dessiné un extraterrestre avec un tas de tentacules Ils seront animés de manière très différente et tireront probablement parti des différentes fonctionnalités de l'outil Puppet N'ayez donc pas peur d' explorer, d'essayer des choses et n'hésitez pas à consulter cette leçon si vous avez besoin d'un rappel sur l'un des points Votre animation doit utiliser une image ou une vidéo comme arrière-plan. Nous vous avons fourni un arrière-plan spatial, ou vous pouvez, bien sûr, également inspirer d'une leçon précédente. Nous avons de nombreuses options, ou encore une fois, vous pouvez trouver vos propres éléments ou créer. Nous aimerions également que vous trouviez un moyen créatif d'intégrer certains éléments de marque ou votre destination ou l' ensemble de celle-ci, bien sûr. Pour rappel, voici ce que j'ai créé, un petit astronaute bonjour Et pour ce qui est des livrables, vous avez tout compris, mais assurez-vous d'exporter votre animation au format MP4 en utilisant le préréglage que nous avons vu plus tôt Téléchargez votre vidéo exportée un site d'hébergement vidéo, puis partagez ce lien avec nous sur ce site Web. Comme toujours, n'utilisez aucun lien de stockage dans le cloud. Ils ne fonctionnent tout simplement pas. Et, bien sûr, partagez ce truc sur les réseaux sociaux. L'animation de personnages est toujours très amusante. Les gens adorent le voir , surtout s'il s'agit d'un personnage que vous avez créé vous-même ou que vous avez trouvé une œuvre d'art intéressante à donner vie. C'est formidable de partager ce que vous faites, tenir les autres informés de vos progrès et de demander aux gens ce qu'ils en pensent. Ces commentaires vous aident vraiment à vous développer. Alors, passez un bon moment avec celui-ci. Je pense que ce sera un projet vraiment amusant, et j'ai hâte de voir ce que vous allez réaliser. 66. Qu'est-ce que la composition ?: Jusqu'à présent, nous nous sommes principalement concentrés sur l' aspect graphique animé d'After Effects, mais il y a un tout autre aspect que nous n'avons vraiment fait qu'évoquer jusqu'à présent, celui de la composition J'ai déjà utilisé ce terme à quelques reprises, mais prenons une minute pour parler de ce que cela signifie réellement dans ce contexte. composition consiste à combiner plusieurs éléments pour donner l' impression qu' ils appartiennent au même espace, généralement dans le but de créer quelque chose qui n'existait pas ou ne pourrait pas exister dans la vie réelle Si l'objectif est de créer quelque chose qui semble réaliste, s'il est bien fait, les spectateurs ne se rendront peut-être même pas compte que quelque chose a été fait. Bien entendu, vous pouvez également exagérer intentionnellement ces éléments pour obtenir une sensation plus surréaliste ou fantastique Les films et les émissions de télévision le font, bien entendu, depuis des décennies, plaçant les personnages dans des environnements dans lesquels les acteurs ne se trouvaient pas réellement. Cela peut être plus abordable ou plus pratique sur le plan logistique, et c'est ainsi que Hollywood place vos acteurs préférés sur d'autres planètes, leur confère des super pouvoirs et crée scènes passionnantes qu'il serait difficile voire impossible de tourner Réaliser un composite crédible à partir images fixes demande déjà une certaine expertise, mais le faire avec une vidéo animée ajoute un niveau de complexité supplémentaire Bien entendu, elles varieront en fonction de ce que vous essayez de faire. Mais d'une manière générale, nous avons trois phases principales pour réfléchir à l'extraction ou à la suppression du sujet Nous avons déjà mis en pratique certaines techniques utilisant les modes de masquage, de trackmat et de fusion, et elles fonctionnent toutes bien pour les éléments fixes ou les fichiers vidéo spécialement conçus pour être utilisés de cette Mais si vous essayez de découper un objet en mouvement dans un clip vidéo, nous devrons peut-être envisager de nouvelles techniques. Le suivi est souvent nécessaire lorsqu'un sujet se déplace dans une prise de vue ou lorsque l' appareil photo bouge, ou les deux. Pouvoir extraire ces données de position nous permet de créer un composite crédible sans tous les éléments ne glissent de façon étrange Enfin, nous combinons ou intégrons ces éléments à l'aide de techniques de composition. modes de fusion, la correction des couleurs et les effets jouent souvent un rôle important pour que tout soit un rôle important crédible Pour réussir avec ces techniques il ne suffit pas de travailler après l' effet. planification et de prise de vue appropriées Les techniques de planification et de prise de vue appropriées sont souvent un élément important, et cela dépasse largement le cadre de ce cours. Mais je vais vous donner quelques conseils pour vous aider à trouver des clips qui fonctionneront, ou si vous participez à un tournage utilisant ces techniques, pour, espérons-le, vous aider à détecter ces problèmes potentiels avant qu'ils n'entrent en post-production, car c'est à ce moment-là que cela devient votre problème. 67. Ajouter du texte derrière un élément vidéo: Isoler un élément d'une vidéo vous permet d'explorer de nouvelles options créatives, comme ajout de graphismes sans obstruer votre sujet ou peut-être le placer dans une scène complètement différente Il existe différentes techniques que vous pouvez utiliser pour y parvenir, et nous allons commencer par les découper comme nous pourrions le faire dans Photoshop. Mais bien sûr, c'est une vidéo. Cela signifie donc qu'il faut le supprimer au fil du temps. Cette technique est souvent appelée rotoscopie et, jusqu'à récemment, elle impliquait un travail de découpe entièrement manuel image par image, ce qui, oui, est tout aussi long et fastidieux qu'il y paraît et, jusqu'à récemment, elle impliquait un travail de découpe entièrement manuel image par image, ce qui, oui, est tout aussi long et fastidieux Parfois, vous aurez encore besoin de le faire pour nettoyer, mais heureusement, les récentes avancées technologiques ont permis de transformer ce type de découpe vidéo en un seul clic Ces outils de découpe automatisés sont devenus assez courants, et vous les trouverez dans les applications de montage vidéo telles que Premiere conviennent à de nombreuses tâches, mais lorsque vous devez vraiment affiner cette découpe, c'est le vraiment affiner cette découpe, travail d'After Je tiens à souligner que le clip que j'utilise pour ma démo est disponible sur Adobe Stock, mais qu'il n'était pas gratuit au moment de cet enregistrement. Je vous ai proposé d' autres options pour le prochain projet de classe, mais je ne pensais pas qu'elles fonctionnaient aussi bien pour un exemple pédagogique. Vous pouvez télécharger des aperçus filigranés gratuitement, mais ils ne sont pas vraiment adaptés à ce type de travail car leur résolution est bien inférieure et ils ne fournissent pas vraiment aux outils suffisamment d' informations pour les Vous pouvez voir par le nom du fichier que j' utilise juste la version HD de ce clip. Il existe un clip à quatre K, et je tiens simplement à le souligner, car si vous avez la possibilité d'avoir un clip à plus haute résolution, cela signifie plus de pixels, plus d'informations, ce qui signifie que vous obtiendrez une meilleure découpe Donc, tant que votre machine peut le gérer, vous devez toujours utiliser la version haute résolution du clip si possible. J'utilise celui-ci juste pour aller un peu plus vite, car ce n'est qu'une démo, et je n'en ai pas besoin pour être parfait. Vous pouvez voir que je l'ai déjà mis dans une composition, mais je tiens à souligner que j'ai utilisé ce clip pour créer cette nouvelle composition simplement en la faisant glisser vers le bas ou en appuyant sur le bouton qui se trouve habituellement au milieu de l'écran En cliquant sur cette composition, vous pouvez voir qu'elle contient les mêmes informations ici, la même taille d'image, la même fréquence d'images. Et c'est important, car les outils nous allons présenter exigent que votre clip soit dans une composition avec exactement les mêmes paramètres. Vous pouvez ensuite toujours placer cette composition dans une autre avec des réglages différents. C'est très bien. Mais pour que cela fonctionne, il faut qu'il se trouve dans le bon contenant. En regardant la chronologie, vous pouvez voir que j'ai déjà réduit ce clip et la zone de travail à une partie spécifique de mon C'est tout ce dont j' ai besoin pour ce que je fais. Et il n'y a aucune raison de perdre du temps tout découper si vous n'en avez pas besoin. Je vais donc cliquer sur Zone réseau et choisir Trim Comp to Work area afin que nous ne travaillions qu' avec ce segment Maintenant, pour supprimer cela, je dois double-cliquer sur ce clip, et il va l'ouvrir dans ce que l'on appelle la visionneuse de couches ici. La plupart d'entre vous devraient l' avoir ouvert à côté de votre visionneuse de composition dans votre espace de travail, mais je tiens juste à le signaler au cas où ce ne serait pas le cas. Cela peut s'ouvrir directement au-dessus de votre visionneuse de composition. Et si tel est le cas, vous devez simplement vous assurer de faire attention à celui dans lequel vous vous trouvez. Notez que l' afficheur de couches contient une partie de ce contenu supplémentaire en bas, ce sera votre cadeau. Et si vous travaillez avec d'autres calques de votre composition, vous ne les verrez pas ici dans la visionneuse de calques car, comme son nom l'indique, cela ne concerne que ce calque. Je vais le remettre ici juste pour savoir lequel est lequel, mais je vais l'ajuster afin que nous puissions nous concentrer sur celui sur lequel nous travaillons réellement. Les outils que nous allons utiliser tous disponibles ici, dans la barre d'outils. Comme pour beaucoup d'entre eux, un long clic ouvrira toutes les options qui existent ici. Nous allons commencer par le haut et descendre. Je vais donc choisir Object Mat. Et celui-ci est assez simple. Tout ce que j'ai à faire est de passer sur mon clip, et il commence à chercher les objets qu'il pense être ceux que je veux découper. Il suffit de cliquer dessus et vous verrez un contour rose autour de cette forme. Cela signifie qu'After Effects examine cet objet, et il va le résoudre pour moi. Si j'ai choisi ce clip, c'est en partie parce qu' il nous donne l'opportunité d'utiliser les autres outils. Vous verrez que cela a fait un très bon travail pour trouver la personne, mais il a oublié un peu de son sac à dos. C'est juste devenu confus et ai pensé que cela faisait peut-être partie du contexte. Maintenant, si j'avance, cela me permettra vraiment de continuer à suivre cet objet, cette personne, à travers le temps. Mais avant cela, je veux m'assurer de sélectionner ces autres pixels ici afin qu' Aftereffects sache tout ce que je recherche Et cela me ramènera à la barre d'outils, appuyez à nouveau longuement et choisissez Outil de sélection rapide. Si vous utilisiez After Effects dans d'anciennes versions, l' outil de sélection rapide était auparavant connu sous le nom de Roto Brush Je vais donc choisir cela, et je vais en revenir à mon spectateur, et je peux simplement peindre par-dessus cette forme. Maintenant, vous remarquerez que je n'ai pas besoin d'être précis sur le bord. J'ai juste besoin de dire : « Hé, regarde ce truc. Dès que je relâcherai ma souris, vous verrez qu' After Effects a trouvé le reste de cette forme, et maintenant c'est parti. En bas, vous verrez que j'ai cette petite section qui va me montrer ce que l' on appelle la propagation, car After Effects traite chaque image. Maintenant, je peux simplement appuyer sur la barre d' espace ou utiliser la page de haut en bas pour avancer et reculer, ou vous pouvez également simplement faire glisser votre curseur After Effect va prendre une seconde pour y réfléchir, et vous verrez que c'est en fait assez rapide Je pourrais simplement le faire glisser dans l'ensemble du clip, et celui-ci fonctionnera assez rapidement. C'est en partie la raison pour laquelle j'ai choisi la HD pour ce clip afin que vous n'ayez pas à attendre. Prenons une minute pour passer en revue et voir ce que nous avons. Maintenant, nous voyons ce contour rose, puis sur la gauche, nous en voyons réellement le résultat final. Vous pouvez donc voir à quel point cette découpe est belle en elle-même ou si nous avions d'autres couches en dessous, vous la verrez dans ce contexte Et il semble que cela ait fait du bon travail. Encore une fois, l'une des raisons pour lesquelles j'ai choisi ce clip est qu'il ne contient que quelques images, ce qui va créer difficultés pour que nous puissions examiner les autres outils. Zoomons un peu, et je vais passer en revue ce document image par image pour identifier ces opportunités. Maintenant, il se peut que vous n'ayez pas toujours besoin de le faire en fonction de ce que vous faites avec votre clip. Mais parfois, vous trouverez des endroits comme celui-ci, en particulier un endroit comme celui-ci où une ouverture peut être créée. Il est possible qu'il y ait un cadre où vous deviez décider si vous souhaitez découper cette petite zone ou non. Je vais donc simplement passer en revue cette question. Honnêtement, ces sangles sont vraiment la seule chose qui a causé trop de problèmes avec ce clip. Je veux donc les examiner et voir si nous devons peut-être faire du travail supplémentaire ici. Nous pourrions zoomer et essayer d' utiliser le même outil de sélection rapide. Si je maintenais la touche Alt ou Option enfoncée, le pinceau devient rouge et je peux maintenant l'utiliser pour peindre des sections. Il suffit de cliquer ici et de voir ce qui se passe. Très bon travail. Ici, je dois aussi travailler un peu plus, mais cette zone est plus petite que mon pinceau. Je peux donc passer aux pinceaux pour fenêtres , puis il y a un panneau de pinceaux que je peux utiliser pour modifier la taille de mon pinceau. Passons à une forme plus petite et voyons si je peux simplement mettre cette forme ici et faire un petit meilleur travail. Maintenant, en ce moment, je dis à After Effects, c'est une forme que je veux que vous suiviez. Au fur et à mesure que j' avance dans le temps, il fera de son mieux pour suivre cette forme et s'assurer qu'il fait la découpe du mieux possible Vous pouvez trouver d'autres endroits où vous devez effectuer une correction qui ne s'applique qu'à un seul cadre. Par exemple, je vois cet endroit sur le gant où l'on peut voir un peu de l'arrière-plan. Je suis juste un peu confuse, et ce n'est pas le cas sur les autres cadres, donc je n'en ai vraiment besoin que pour un seul. L'outil de sélection rapide fonctionnerait probablement bien ici, mais il existe un autre outil spécialement conçu pour ce type de nettoyage d'une seule image. Revenons à la barre d'outils et trouvons le pinceau de sélection. Le pinceau de sélection fonctionne de la même manière, mais il ne fonctionne que sur un seul cadre. Cela vous donne donc la possibilité d' ajouter en cliquant et en faisant glisser ou de nouveau touche Alt ou Option enfoncée, et vous pouvez simplement peindre un endroit spécifique . Maintenant, celui-ci ne regarde que ce que mon coup de pinceau a fait. Donc, si je veux me débarrasser de cet autre morceau, je dois soit utiliser un pinceau plus gros soit simplement revoir cette section Le reste, c'est juste passer en revue image par image et voir s'il y a autre chose que je voudrais nettoyer. Je vais donc le faire rapidement pour que vous n'ayez pas à attendre. Voici un cadre qui, comme vous pouvez le constater, nécessite un certain travail individuel, et je voulais juste le souligner, car il peut parfois être plus facile de couper un peu plus que ce il peut parfois être plus facile dont vous avez besoin , puis de repeindre le bord comme ça. Je pense que ça fait du bien. Et encore une fois, n'oubliez pas que c' est à vous de décider de la précision dont vous avez besoin en fonction de ce que vous faites réellement avec cet élément. Parfois, vous pouvez être assez lâche, parfois vous devez être extrêmement précis. Il s'agit donc simplement de savoir combien de temps vous voulez y consacrer. Lorsque vous avez terminé, il y a un bouton magique qui demande à After Effects d'arrêter de penser à ce truc, et c'est ce que l'on appelle freeze, en bas de la page. Si je ne clique pas dessus, Aftereffects pense que je veux tout de même réfléchir aux éléments à supprimer. va donc continuer à être traité et tout va vraiment ralentir. Mais lorsque je clique sur ce bouton de blocage, After Effects réfléchit une seconde à tout ce que je viens de faire réfléchit une seconde à tout ce , puis bloque toutes ces informations, de sorte qu'il n'a plus besoin de les traiter. Vous remarquerez qu'il y a un petit drapeau ici qui indique que c' est figé et que vous ne pouvez pas le modifier pour le moment. Si vous sentez que vous devez revenir et apporter des modifications, vous cliquez à nouveau sur le bouton de blocage pour le débloquer, puis vous pouvez effectuer les ajustements souhaités J'en suis plutôt content , alors revenons en arrière et examinons notre composition actuelle. Vous verrez qu'il a réussi à éliminer ce problème, même avec certaines de ces zones de rotation à lanières qui étaient un peu plus résistantes Et ici, sur le côté gauche, vous avez quelques options pour le tapis d'objets. Cela existe en fait sous forme d'effet sur la couche, et vous verrez que vous disposez d' options supplémentaires ici qui vous permettent d'affiner ces bords pour que tout ait l'air correct. Pour cet exemple, je pense que je n'aurai probablement pas besoin de les ajuster, mais nous allons mettre en place certains des autres éléments de notre plan avant même de nous en préoccuper. Notre amie astronaute n'a pas vraiment besoin de l'outil Refine Edge, mais cette jeune femme est en quelque sorte l'étui parfait Ces cheveux seraient pratiquement impossibles à couper avec autre chose. Je vais revenir à la barre d'outils et choisir l'outil Affiner les bords. Et je veux m' assurer d'avoir un pinceau de bonne taille ici. Allons-y avec celui-ci. La façon dont cela fonctionne est d'utiliser ce pinceau sur les bords que vous souhaitez qu' il regarde avec plus de détails. Et je dois vous dire que cela fonctionne mieux si vous utilisez plusieurs coups pour faire le tour cette surface entière au lieu d'un seul coup. Je vais donc peindre toute cette zone autour de ses bords, et vous verrez que j' essaie de m'assurer d'éliminer tous ces petits frisottis afin qu'After Effects dispose toutes les informations nécessaires pour déterminer ce qu'elle doit conserver et ce dont elle doit se débarrasser Une fois que vous l'aurez intégré, vous le propagerez simplement vers l'avant ou vers l'arrière, comme pour les autres outils, il sera simplement plus lent car il y a évidemment beaucoup plus d'informations auxquelles il doit réfléchir ici en revenir à notre astronaute, vous pouvez voir que j'ai ajouté du texte, et je vais le prendre et faire glisser sous notre astronaute Renommons cette couche en astronaute cutout. Ensuite, je vais créer une copie de cette couche en appuyant sur Controller Command D. Renommer cette deuxième version arrière-plan ou j'aime bien la plaque J'appuierai sur E pour révéler cet effet mat de l'objet et je le supprimerai simplement de la plaque. Nous allons le mettre en bas. Nous avons maintenant notre version découpée du clip, quelques graphismes intermédiaires, puis la version originale du clip Easy Ps. Maintenant que cela est en place, c'est le moment de vraiment examiner votre découpe et de voir si vous voulez faire quelque chose avec ces bords Si c'est le cas, il suffit de passer aux commandes des effets, et vous pourriez modifier la plume, le contraste, modifier le bord Si vos bords semblent beaucoup danser , c'est ce que l' on appelle le bavardage, et c'est là que vous pouvez utiliser ce paramètre pour l' augmenter petit à petit Plus vous en ajouterez, plus les choses seront lentes. Comme il ne s' agit que d'un exemple rapide et stupide de réseau social, je ne vais pas trop m'inquiéter d' avoir des bords super parfaits Je pense que cela fonctionne bien tel quel. J'ai ajouté un peu d' animation à notre texte, alors activons-le et voyons à quoi cela ressemble. est bon, je me sens bien. 68. Projet de cours 09 - Découpe: C'est le moment de votre projet préféré en classe horaire. Nous recherchons donc une courte promotion sociale incorporant des éléments graphiques à l'origine de l'élément héros de votre clip, ce qui signifie que vous devrez utiliser les outils de découpe que nous venons d'examiner La taille de la composition et la fréquence d'images seront donc dictées par le clip vidéo que vous avez choisi N'oubliez pas que votre clip doit être dans une composition avec la même taille d'image et fréquence d'images pour que ces outils de tapis d' objets fonctionnent. Bien que le clip que j'ai utilisé pour la démo était malheureusement pas disponible gratuitement, je vous fournis des liens vers une poignée d'autres options ici, et bien sûr, vous pouvez trouver votre propre clip n'importe où sur Internet ou filmer quelque chose vous-même. Une chose à surveiller est que plus votre élément est contrasté par rapport à l'arrière-plan, meilleurs seront les résultats de ces outils. Vous allez donc découper cet élément héros de votre vidéo ou plusieurs éléments si vous le souhaitez, puis utiliser cette découpe pour placer des graphismes Cela peut être du texte, quelque chose d'autre entre cela et une copie non affectée du clip en bas, comme vous m'avez vu le faire dans ma démo Bien sûr, vous êtes libre de faire preuve de créativité, et si vous souhaitez ajouter une autre couleur ou un autre effet visuel à l'ensemble de autre effet visuel à l' votre œuvre, c'est très bien aussi. Vous pouvez envisager de le faire sur une couche de réglage en haut, afin que cela affecte tout de manière cohérente. En ce qui concerne votre livrable, comme toujours, vous souhaitez l'exporter sous fichier vidéo MP4 en utilisant le préréglage que vous avez vu au début du cours, puis le télécharger un site d'hébergement vidéo afin de pouvoir partager le lien dans la section des projets de classe ou des devoirs de ce site Web Comme toujours, ne soumettez aucun lien vers le stockage dans le cloud. Et bien sûr, cet article est déjà destiné à être une courte promotion sociale, alors partagez-le sur les réseaux sociaux, ajoutez une légende amusante et découvrez ajoutez une légende amusante et découvrez type d' interactions amusantes que vous pouvez avoir. Nous voulons simplement que vous découvriez ce que ces outils rendent possible et, idéalement, que vous vous y amusiez aussi. Bonne chance, et nous allons découvrir d' autres techniques dans la prochaine série de leçons. 69. Supprimer un écran vert: Les cinéastes s'appuient depuis longtemps sur d'autres techniques offrant des résultats plus prévisibles, principale étant la saisie des couleurs L'écran bleu puis l'écran vert sont utilisés depuis des décennies dans la production cinématographique, télévisuelle et vidéo pour placer les acteurs dans de nouveaux environnements et pour ajouter des éléments qui n'existaient pas ou ne pouvaient pas exister au moment du tournage. Lorsqu'elle est correctement éclairée, la post-production peut en fait être assez simple peut en fait être assez simple. Bien que ce cours ne porte pas sur l'éclairage d'écran vert, je vais prendre quelques minutes pour souligner quelques points à éviter lorsque vous recherchez des clips ou si vous les filmez vous-même. Cette technique est entièrement basée sur l'isolation d'une couleur spécifique, généralement une nuance de vert volontairement éloignée du teint humain. Ce vert doit donc être aussi uniforme que possible. Cela signifie un éclairage uniforme distinct de l' éclairage du sujet principal. éclairage irrégulier et des arrière-plans froissés créent une vaste gamme de couleurs, qu'il sera très difficile d' isoler et de supprimer ultérieurement Et le fait que votre sujet soit trop près de l'arrière-plan crée des ombres sombres, ce qui, encore une fois, se traduit par un trop grand nombre de nuances de vert. Attention toutefois, car de nombreux clips ont déjà été traités pour rendre ce vert artificiellement cohérent, puis le clip est compressé pour réduire la taille du fichier Cela signifie qu'il peut être facile de se débarrasser du vert, mais le clip a déjà été traité, vous n' avez donc aucun contrôle, et la compression signifie qu'il sera difficile, voire impossible, d'obtenir des bords nets autour du sujet. En général, plus vous pouvez conserver d'informations sur les couleurs , mieux c'est. Téléchargez donc le meilleur format de fichier possible. Et si vous enregistrez quelque chose vous-même, évitez les formats compressés. Et, bien entendu, l'écran vert ne fonctionne que si votre sujet se trouve réellement devant lui. Vous pouvez voir les bords d'un écran vert sur une photo. Vous pouvez toujours masquer cette partie du cadre. Mais la main et le téléphone de cette femme tombent complètement hors de portée, ce qui signifie que la seule façon de les isoler sera la rotoscopie J'espère que ces conseils vous aideront à choisir des clips avec lesquels travailler ne sera pas un véritable cauchemar. Voyons maintenant les techniques nécessaires pour réellement supprimer cet écran vert et After Effects. Nous utiliserons ensuite des effets et ajouterons des éléments composites pour créer une scène cohérente Voici le clip sur lequel je vais travailler. Il présente quelques aspects non idéaux et n'est malheureusement pas disponible gratuitement, mais c'est le meilleur que j'ai pu trouver fois thématique et bon pour une démonstration pédagogique. J'ai déjà commencé un projet, importé mon clip et l'ai intégré à une composition. Ils ne doivent pas nécessairement correspondre, contrairement à la rotoscopie J'ai également déjà isolé une partie spécifique de ce clip qui, selon moi, est tout ce dont j'ai besoin. Je peux donc continuer, cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir Trim Comp pour la zone de travail Avant d'appliquer des effets, je suis curieux de savoir dans quelle mesure l'écran est cohérent , car il est très similaire Je vais accéder à Window et choisir info, ce qui ouvre le panneau d'informations. Et entre autres choses, cela vous montre la couleur exacte qui se trouve sous votre curseur. Je remarquerai que cela ne change pas du tout. Parfois, cette valeur rouge ne bouge que légèrement. Mais cela me dit que ce clip a probablement déjà été traité et qu'une seule couleur verte plate a été remplacée derrière lui. C'est un peu trop parfait pour être vrai. Bien que cela me permette de me débarrasser très facilement de la couleur verte, il se peut que je doive faire un peu de travail pour obtenir des bords qui me conviennent vraiment. En regardant mon panneau Effets et préréglages, il y a une catégorie complète pour la saisie, donc je vais simplement l'ouvrir Et vous verrez qu'il existe une variété d'options. Certains d'entre eux sont très simples : il suffit choisir une couleur et peut-être d' obtenir un curseur ou deux Le plus complet s'appelle Key Light, et il propose de nombreuses options. En fait, je vais utiliser un préréglage qui applique Kelte ainsi que quelques autres effets pour aider à adapter les choses Je vais simplement taper Key Lite et récupérer ce préréglage ici, Kelte Plus Key Cleaner et Advanced Display Suppressor, et l'appliquer à mon clip Vous verrez que cela applique en fait trois effets, mais rien ne se produit immédiatement car nous n'avons pas encore choisi la couleur pour indiquer à After Effects lequel supprimer. Parce que c'est tellement constant, il suffit trouver ce petit compte-gouttes ici, cliquer dessus puis de choisir la couleur verte Vous devriez généralement choisir quelque chose qui se rapproche le plus possible de votre sujet, mais comme j'ai trouvé que tout est déjà de la même couleur, je peux cliquer n'importe où. Dès que je clique, vous verrez que ce fond vert disparaît. Et si j'active mon interrupteur de transparence, tout devient transparent Il est souvent utile d'avoir une bonne couleur contrastante en arrière-plan pour que vous puissiez vraiment voir ce que vous faites. Vous pouvez donc appuyer sur Ctrl ou Commande K et choisir cette couleur de fond. Et si vous vouliez régler ce paramètre sur quelque chose de différent qui rendrait tout plus visible, c'est toujours à vous de décider. Je vais laisser le mien sur ce gris parce que nous allons bientôt mettre un arrière-plan différent. Je remarque que beaucoup de choses sont entourées d' un petit contour vert, et c'est un sous-produit du fait qu'elles sont déjà traitées Je pense que l'effet du bas de cette liste aidera probablement à s'en débarrasser en grande partie. Essayons donc ça. C'est ce qu' on appelle un suppresseur de déversement Souvent, lors de la saisie, vous constaterez que vous vous renversez sur d'autres surfaces, en particulier celles de couleur claire Si votre sujet porte une chemise blanche, par exemple, elle peut devenir légèrement verte au fur et à mesure que la couleur rebondit sur cette surface physique Je vais donc l'activer, et cela fait en fait un très bon travail dans ce cas. L'un des aspects les plus importants de la saisie est que vous voulez regarder le clip en mouvement et en arrière-plan que vous êtes en train d'utiliser, car vous pouvez intégrer ces effets et vous risquez d' aller trop loin ou pas assez loin avant d'avoir vraiment compris le contexte Je vais donc ajuster quelques paramètres, mais il se peut que nous les revoyions après avoir intégré l'arrière-plan De retour dans Key Lite, l'endroit où vous allez faire la plupart de votre travail trouve sous cette section du tapis d'écran. Et pour le moment, je vais désactiver ces deux autres effets afin que nous puissions nous concentrer sur ce que fait réellement cet effet. Vous remarquerez que vous pouvez choisir parmi une variété de vues, et j'aime beaucoup regarder cet ensemble de tapis d'écran afin que vous puissiez réellement voir le tapis que vous créez avec celui-ci. Ce clip en particulier ne nécessite pas beaucoup de réglages car, encore une fois, il a déjà été traité. Mais vous devrez souvent ajuster légèrement le clip noir et le clip blanc juste pour équilibrer les choses. Pour le contexte, voici à quoi cela ressemble sur l'un des autres clips que vous avez vus il y a une minute. Je vais régler ce paramètre sur Screen Mat, et vous pouvez voir maintenant que cette zone n'est pas parfaitement blanche et que cette zone n'est pas parfaitement noire. Ainsi, avec un petit ajustement, nous pouvons les intégrer et assurer que nous obtenons une séparation nette. Bien entendu, vous ne voulez pas travailler exclusivement dans cette vue, car il est très facile d'aller trop loin. Vous pouvez donc faire un peu de travail ici, puis remettre à final ou intermédiaire, selon ce que vous faites. Et observez à quoi cela ressemble avec votre arrière-plan en place, puis apportez d'autres ajustements si nécessaire. Dans les deux cas, vous devez vraiment accorder le plus d'attention à votre sujet et à la zone qui l' entoure, car toutes ces informations peuvent de toute façon être supprimées avec des masques. Pour ce clip, je vais revenir au résultat intermédiaire et zoomer un peu pour résultat intermédiaire et zoomer que nous puissions avoir un bon aperçu de ce qui se passe ici. Et je vais réactiver ces deux-là. Je remarque que j'ai juste un petit avantage autour de ma silhouette, et je pense que je vais devoir en tenir compte un tout petit peu Voyons ce qui se passe si nous réglons le rétrécissement de l'écran et le passons à moins deux et la douceur à deux Cela permet de réduire un peu l' écart autour mon astronaute, et surtout ici, en bas de l'échelle Il n'est pas rare non plus que différentes parties d'une prise nécessitent des réglages de saisie légèrement différents Vous devrez donc créer plusieurs copies de votre clip ou utiliser des masques pour isoler ces différentes parties et utiliser différentes instances de votre effet de saisie pour les intégrer Juste pour souligner certains des problèmes que j'ai rencontrés avec ce clip, mis à part le fait qu'il était déjà en cours de traitement, j'ai l'impression que le verre existait autrefois sur ce casque mais qu'il avait déjà été retiré. C'est donc un bon exemple de quelque chose qu'il n'y a vraiment aucun moyen de corriger à ce stade. Mais lorsque nous ajouterons d'autres éléments plus tard, vous ne les verrez pas trop de toute façon. Il y a quelques endroits où vous pouvez réellement voir les bords de ce bac à sable qu'ils ont installé ici, et qui n'a pas l'air très beau. Et surtout, ici, l' astronaute marche sur ces boîtes qui pourraient devenir des pierres ou quelque chose comme ça plus tard, puis il passe juste devant celle-ci Et évidemment, il n'y a aucun moyen de le résoudre. Donc, si je voulais que cela ressemble un rocher mais qu'il ait son pied devant, encore une fois, il faudrait le rotoscoper Je vais mettre des pierres devant son pied pour que nous ne voyions pas ce problème. À partir de là, je pense que nous devons vraiment mettre en place notre expérience afin de voir à quoi cela ressemble dans son contexte et de savoir si nous devons apporter des ajustements supplémentaires à ces paramètres de saisie 70. Arrière-plan et éléments d'avant-plan composés: Il est maintenant temps d'ajouter un arrière-plan et quelques éléments de premier plan pour commencer à en faire une scène plus réelle J'ai importé des roches qui seront placées au premier plan et une plaque d'arrière-plan qui ressemble à ce paysage planétaire Allons-y, intégrons-le dans ma composition tant que couche inférieure et renommons-la en arrière-plan Et allons-le un peu vers le haut jusqu'à ce qu'il semble être à peu près au bon endroit. Je pense que quelque chose comme ça fonctionnera probablement. Nous devrons effectuer une petite correction des couleurs pour uniformiser les choses. Et puis ces pierres passeront au premier plan. Allons-y et introduisons-le. Bon sang, elles sont grandes. Réduisons-le. Sûrement quelque chose comme ça. Vous pouvez voir qu'elles nécessiteront beaucoup de travail en couleur, mais nous utiliserons ce côté pour couvrir ces boîtes probablement les couper en deux et apporter celle-ci peut-être comme ça. Je vais renommer ces rochers et les désactiver pendant une minute. Nous devons évidemment faire correspondre les couleurs. Mais honnêtement, en regardant ma scène, je pense que nous pourrions probablement couper le côté droit avec le cadre parce que, si je me souviens bien, notre astronaute n'arrive jamais vraiment là-bas Il se promène, prend une minute pour admirer ce magnifique paysage d'un autre monde puis recommence à bouger, mais il n'arrive pas aussi loin Donc, cette partie du cadre qui sera probablement l'une des plus difficiles à égaler, nous pouvons simplement nous en débarrasser. Nous allons donc sélectionner cette couche, utiliser l'outil Stylo, et je vais effectuer un petit zoom arrière. Créez simplement quelques points, peut-être quelque chose comme ça. Et j'ai l'intention de m' y attarder un peu. Je vais donc emprunter cette voie le bord gauche pour ne pas perdre accidentellement depuis le bord gauche pour ne pas perdre accidentellement une partie du cadre ici. Quelque chose comme ça. Ouvrons ce masque. Dissociez mes plumes et montez simplement la plume X à environ 300 Oui, je trouve que ça a l'air plutôt sympa. Je vais revenir à mon outil de sélection et peut-être l'utiliser jusqu' à ce que j'aie l'impression gagner une bonne somme sans perdre aucun de mes astronautes Vous pouvez voir que si je vais trop loin, il commencera également à disparaître à cause de ces plumes Il vous suffit donc de chercher le bon endroit où vous le gardez, tout en vous débarrassant de ce que vous ne voulez pas. Il y a quelques autres endroits sur le bord de ce set que je n'aime pas particulièrement, et je pense que nous devrons peut-être y revenir et y faire un peu de masquage Ajoutons certains de ces autres éléments et voyons ce que nous abordons. Je pense également que nous voudrons probablement ajuster un peu ces paramètres de saisie Maintenant que nous l'avons, vous pouvez voir qu'il y a une ligne assez claire autour de cette touche, fois autour de l'astronaute et sur les bords du set Et avant même que je fasse ma correction des couleurs, allons-y et voyons si nous pouvons résoudre ce problème. Je vais revenir au panneau des commandes d' effets. Et je peux essayer de désactiver ce nettoyeur de clés. Cela permet généralement de nettoyer votre bord, mais sur un clip comme celui-ci qui a déjà été traité, cela fait parfois plus de mal que de bien. Je vais essayer de réduire ce rayon d' arête à environ cinq et peut-être de réduire la force à 50. C'est bon. Vous pouvez voir que cela a adouci certaines zones, mais nous en avons encore un petit aperçu Je vais voir ce qui se passe si je le désactive et que je place cette vue sur le résultat final. C'est ce que nous utiliserions si nous utilisions juste ke lite sans les autres effets ajoutés. Honnêtement, je pense que ça a l'air mieux. Vous pouvez voir que nous avons perdu un peu plus d'avantage ici. Dans l'ensemble, c'est devenu plus souple , mais je pense que dans ce cas, sera probablement le meilleur jeu. Honnêtement, il se peut que certains paramètres fonctionnent mieux pour le bord du plateau, alors que d'autres paramètres peuvent nous aider à mieux comprendre notre astronaute Mais je pense que pour cet exemple, c'est probablement juste. Nous pourrons revenir et les ajuster davantage lorsque nous aurons place nos autres corrections de couleur et nos autres superpositions, mais nous garderons cela à l'esprit au fur et à mesure que nous continuerons à travailler Si nous avions toujours ce verre et qu'il n'avait pas déjà disparu avant même que le clip ne me tombe entre les mains, je voudrais faire très attention à ne pas le perdre , et cela nécessiterait en particulier son propre groupe de réglages de saisie Mais pour le moment, j'en suis assez content. Faisons un peu de correction des couleurs et voyons si nous pouvons unifier ces deux éléments de la scène Remettons ce chiffre à 100 et je vais passer à mes effets et préréglages et à rechercher les courbes, que nous allons appliquer à nos deux clips Ajoutons cela à notre clip d'écran vert, et nous pouvons continuer et fermer ces autres effets pour Je pense que le fait de réduire un peu les ombres aiderait et peut-être de relancer les choses. Nous aurons donc une subtile courbe en S qui fait déjà beaucoup ressortir le rouge , ce que j'aime bien. Et si nous le voulons, nous pourrions même le remplacer par le canal rouge et peut-être lui donner un petit coup de pouce. Voyons si nous pouvons reproduire ces paramètres sur l'autre clip Les paramètres devront probablement être légèrement différents pour qu'ils soient cohérents. Mais je pense qu'un bon point de départ serait de copier cet effet puis coller sur ce clip d'arrière-plan Assez proche. Je pense que nous devons juste faire un petit ajustement. Revenons au RGB et voyons si nous pouvons égaler ce look. Peut-être évoquer un peu ces ténèbres. Voyons ce qui se passe dans nos rouges ici. Je vais y revenir un peu, mettant un peu plus nos blancs dans l'espace rouge , puis en mettant simplement tous les rouges. Juste un petit peu. Souvent , dans ce genre de situation, il ne s'agit que d'une petite négociation et parfois, une petite partie contribue à donner l' impression que tout est unifié. Regardons ça en mouvement une fois. Je pense que nous sommes sur la bonne voie. Ici, il reste clairement deux choses différentes, mais nous verrons ce qui se passera lorsque nous aurons mis en place nos autres éléments. Fermons ça et allumons nos pierres. Je vais commencer par le plus grand sur la droite, et je sais que je vais en utiliser au moins deux couches. Allons-y, renommons-le par un, dupliquez-le et désactivons le numéro deux Donc, pour le premier bœuf, trouvons un emplacement. J'ai probablement l'intention de couper ça ici. Trouvons donc un placement qui masque les autres cases et aide à créer un peu de profondeur. Je vais zoomer. Et je prévois d'utiliser mon outil Pen pour masquer le bas de cette page et simplement pour que tout soit plus unifié. Je vais donc appuyer sur G pour obtenir mon stylet et simplement zoomer, et je vais faire de mon mieux pour tracer cette ligne ici. Je vais cliquer et faire glisser, ce qui me donnera une courbe avec laquelle travailler. Je vais utiliser beaucoup de courbes dans celui-ci et probablement en découper certaines en coins, que nous puissions entrer dans tous ces petits coins et recoins Je vais donc commencer ici et simplement faire glisser, faire le tour d'ici et faire glisser, et je veux créer un coin ici. Je vais donc maintenir l' option Alter enfoncée, puis la réduire pour la casser et prendre un corner. Viens ici et fais encore glisser le pointeur, peut-être le ramener un peu. Je vais juste continuer à me frayer un chemin jusqu'ici. Je vais casser celui-ci. Je n'ai pas besoin de comprendre absolument tous les petits détails. Il s'agit en quelque sorte d'une simple négociation pour obtenir autant de détails que vous le souhaitez et décider quels petits détails sont importants pour vous. Vous pouvez même en couper une partie si cela ne vous plaît pas. Et c'est certainement quelque chose que vous vous ferez une idée avec plus d'expérience, sachant jusqu'où vous pouvez aller avec chaque petite courbe, où vous devez placer des coins, où vous avez besoin d'un autre sommet Et encore une fois, je peux toujours revenir ici et modifier l'un de ces points plus tard si je pense qu'il n'est pas au bon endroit. Pendant que je travaille, je tiens parfois la barre d'espace enfoncée pour déplacer l'ensemble de ma vue afin de continuer à l' ajuster à l'endroit que je dois chercher Et nous sommes presque arrivés à l'autre rocher sur lequel je compte m'arrêter. Alors, prenons encore quelques points au coin de la rue et prenons un avantage. Faisons un petit zoom arrière pour que je puisse voir ce que je fais. On dirait que ça arrive par ici. Donc, en quelque sorte ici, puis nous aurons un coin presque droit vers le haut, pour le déplacer. Maintenant que je suis à nouveau sur le qui-vive, je peux être très lâche avec ça. Je dois juste m'assurer d'avoir la forme complète et de me reconnecter Boom, on y est. J'appuierai sur M pour ouvrir les propriétés de mon masque, ou je pourrais appuyer sur MM pour les ouvrir toutes, car, bien entendu, j'ai besoin du plumage Je vais essayer de commencer un peu plus bas, peut-être vers cinq. Il est un peu difficile de voir ce que vous faites lorsque vous l'avez sélectionnée. Donc, si vous le souhaitez, vous pouvez cliquer sur ce bouton ici pour activer la visibilité de vos masques afin de voir ce bord plus clairement sans que le masque ne vous gêne Essayons de le porter à dix et parfois vous pouvez faire une plume plus grosse puis jouer un peu avec l'extension. En fait, il vaut mieux avoir un peu plus de plumes et ensuite retrouver cet avantage pour l'adoucir afin de ne pas vous retrouver avec un excès comme dix et parfois vous pouvez faire une plume plus grosse puis jouer un peu avec l'extension. En fait, il vaut mieux avoir un peu plus de plumes et ensuite retrouver cet avantage pour l'adoucir afin de ne pas vous retrouver avec un excès Je pense que quelque chose comme ça va probablement faire du bien. Et en regardant ça, je remarque que ce rock est probablement un peu plus tranchant que tout le reste Je vais donc utiliser des courbes correspondant à la couleur, mais probablement aussi un peu de flou pour unifier le tout. Commençons. En appuyant sur E puis saisissant ces courbes depuis l'arrière-plan, Ctrl ou Commande C pour copier et contrôler ou Commande V pour coller Cela va clairement nécessiter quelques ajustements supplémentaires, mais allons-y, passons ici et cherchons un flou rapide, qui est un excellent moyen d' adoucir les choses. Je parie que quelque chose autour de trois ou quatre va probablement aller mieux. Ouaip. Cela semble un peu exagéré lorsque vous zoomez ici, mais lorsque vous regardez l'ensemble de la scène, notre clip d'écran vert est en fait un peu flou. Et en regardant cela maintenant, je pense que le contexte en a probablement besoin également. Beaucoup trop de choses en arrière-plan. Revenons à un et un, deux et un. 1,5. Nous allons partager la différence. Et vous voyez, tout cela n'est qu'une négociation. Comme vous êtes en train de tout réunir, chaque pièce vous indique en quelque sorte ce dont elle a besoin. En parlant de cela, voyons si nous pouvons donner à cette pierre l'impression qu'elle appartient au même univers que les autres. Nous allons certainement avoir besoin de beaucoup plus de rouge. Alors, augmentons-le. Peut-être quelque chose de plus dans cet espace, et cette roche est un peu plus lumineuse Je vais donc revenir au RGB et peut-être simplement faire glisser ces points d' ici pour recommencer sur ma courbe RVB, diminuant un peu la luminosité globale. En regardant mes antécédents, je constate que c'est probablement mon point le plus brillant, donc je ne veux pas que ces roches soient vraiment plus brillantes que cela Je vais donc créer un autre point, peut-être un peu dans son souhait. Ensuite, nous reviendrons à ce rouge. s'agit en grande partie de bricolages jusqu'à ce que vous vous sentiez bien C'est évidemment beaucoup trop, mais je pense que nous pouvons obtenir juste assez de rouge pour donner l'impression que c'est dans la même situation. Peut-être transformer ce point blanc en un peu plus rouge, mais pas trop. Je pense que cela peut encore nécessiter un peu de travail, mais je pense que c'est suffisamment proche pour le moment pour que nous puissions passer à l'autre pierre et voir ce que l'on ressent. Allumons donc celui-ci. Cela finira par vivre derrière cet autre rocher, mais éliminons-le d'abord. Je vais le positionner approximativement. Je pense que je pourrais avoir besoin de déplacer ce point d'ancrage et de le faire pivoter légèrement. Peut-être quelque chose comme ça. Nous verrons ce que l' on ressent en mouvement. Allons-y, éliminons ce type et voyons ce que cela nous apportera. Ce côté peut probablement être assez rude sur ce point. Je n'aime pas cette couleur, alors ouvrons-la et voyons si nous pouvons trouver quelque chose avec lequel il nous sera un peu plus facile de travailler. Hmm. Peut-être quelque chose là-dedans. C'est bon pour moi, ce n'est peut-être pas génial pour vos yeux, mais celui-ci contient un peu moins de détails en bas, mais aussi quelques opportunités où vous pourriez en créer si vous le souhaitez. Et encore une fois, lorsque vous atteignez le bord, vous pouvez simplement être rude ici. Nous y voilà. Mettons cela derrière nos autres éléments, et nous pouvons commencer par copier-coller ces effets Assez proche. Je pense que cette pierre a peut-être besoin d'une touche légèrement différente. Ajustons ce plumage à peu près au même niveau, désactivons-le et ajoutons peut-être cette extension également Fermez-les pour que nous puissions voir nos couches, choisissez peut-être une couleur de couche différente pour qu'elles ressortent. Que diriez-vous du rose ? Je pense que notre rocher gauche a peut-être juste besoin d'un peu d' attention, du point de vue de la couleur. Peut-être l'assombrir un peu sur les rouges. Voyons ce que le simple fait d'accorder un peu d'attention au RGB peut nous apporter. C'est bon. Voyons ce qui se passe lorsque notre astronaute passe dessus Je pense que nous voudrions peut-être repositionner cela un peu, mais nous devons en quelque sorte voir ce qui se passe réellement Je pense que cette première étape fait du bien. Bien sûr, dans un monde idéal, j'adorerais voir ses pieds passer devant elle, mais cela représente encore beaucoup de travail. Je pense que j'en suis assez content. Je pourrais essayer un peu plus ces rouges sur celui-ci, pour donner l'impression que cela fait partie du sable au fond. Et nous allons ajouter plus correction des couleurs en plus de tout cela, donc je pense que nous reviendrons et les ajusterons un peu plus à la fin. Mais je pense que pour l'instant, jusqu'à ce que nous ajoutions certains de ces autres éléments, cela semble plutôt bon. 71. Ajouter des effets atmosphériques: Maintenant, j'aimerais ajouter de la poussière et des effets atmosphériques pour vraiment aider à vendre l'ensemble de la scène. J'ai ce clip qui montre juste de la fumée qui se déplace lentement, et je pense que cela aidera tout le monde à se sentir bien. Et mieux encore, j'ai ce clip de poussière tourbillonnante qui va vraiment aider à prouver à quel point cette planète est inhospitalière Vous pouvez voir que cette poussière se déplace en fait dans la direction opposée à la fumée, et je pense qu'il vaudrait mieux que les deux soient en quelque sorte soufflés sur notre personnage pour lui donner l'impression qu'il a du mal à marcher. Revenons donc à notre visionneuse de compositions, et je vais commencer par cette poussière. Je vais juste l'apporter comme couche supérieure. Et allez-y, renommez-le en poussière et mettez-le peut-être en orange Maintenant, je vais vouloir inverser ça. Je vais donc dissocier mon échelle, la régler sur négative, puis je pourrais la rétablir pour pouvoir maintenant augmenter un peu et les faire rester ensemble, peut-être environ 130 Maintenant, je peux utiliser les modes de fusion pour les superposer ou utiliser des effets pour obtenir le même Il y a un effet appelé Unmolt qui sera probablement ma meilleure pièce ici. Cherchons donc cela. En fait, il vit aussi sous les effets de frappe, comme vous pouvez le voir, et je vais juste le déposer sur mon clip, et pouf, il se débarrasse de l'arrière-plan comme par magie Vous pouvez voir que ce clip est un peu bleu dans l'ensemble, ce qui le rend peu fonctionnel. Alors allons-y et débarrassons-nous de cela. Je pense que si ces particules de poussière sont essentiellement noires, cela fonctionnera plutôt bien. Je vais donc chercher du noir et blanc, les déposer sur mon clip. Ensuite, j'utiliserai Invert pour faire passer ces particules du blanc au noir Voyons à quoi ça ressemble. D'accord, pas trop mal. Encore une fois, je pense qu'elles sont un peu trop nettes, alors brouillons un peu Je pense que le même flou rapide fonctionnerait bien ici. Et juste une petite quantité peut faire beaucoup de chemin ici. Nous voulons juste prendre cet avantage. Nous y voilà. Et il semble qu'il essaie de traverser une tempête de poussière tourbillonnante, qui se vendra encore plus si nous ajoutons un peu de fumée Revenons donc à notre panel de projets et trouvons notre clip fumigène ici. Mettons-le sous silence. Et encore une fois, commencez par renommer cette fumée. Encore une fois, prenons Unmolt et voyons ce que vous ressentez. Là-bas, cette fumée est subtile, mais elle ajoute certainement une composante atmosphérique et donne simplement l'impression que l'air est épais. C'est un peu trop dans les deux cas. Je pense que je vais réduire l'opacité, mais ça fait du bien Augmentons l'opacité de ces deux couches, peut-être ramenons notre poussière à 40. Ce n'est donc pas si oppressant. Et en termes de vitesse, cela fonctionne plutôt bien avec la fumée. Réduisons cette fumée à environ 70 degrés. Et voyons ce qui se passe si nous ajoutons des courbes pour assombrir légèrement cette fumée Il suffit de trouver le milieu ici. Découvrez à quoi cela ressemble avant et après. Je n'en ai pas vraiment fait trop. Peut-être que je vais faire descendre ces blancs. Soyez un peu plus agressif en activant et en désactivant cette option. C'est exact. Essayons de faire une copie de notre fumée. Nous allons le mettre en dessous, peut-être réduire un peu plus cette opacité et l'agrandir pour en avoir deux copies, en apporter une ici, juste pour donner l'impression que l'air est encore plus épais Et nous allons utiliser cette astuce de tout à l'heure, décaler légèrement celle-ci pour qu'ils n' aient pas l'air d'être le même clip. Même si vous ne le voyez pas très bien, je pense que vous pouvez le sentir. Il peut être intéressant de parcourir certains modes de fusion et de voir si l'un d'entre eux permet de se sentir mieux ou s'il le fait simplement disparaître complètement. Découvrons-le. C'est assez subtil. Que se passera-t-il si nous optons, par exemple, pour une superposition ? Honnêtement, il ne s'agit parfois que d'essais et d'erreurs voir ce qui fonctionne avec votre combinaison particulière d'éléments. Et n'oubliez pas que la subtilité peut aller très loin. Je pense qu'ils se sentent plutôt bien. Ajoutons un objectif en arrière-plan, comme si le soleil venait de se lever au-dessus de ces montagnes et voyons ce que cela peut avoir sur l'ensemble de la scène. Nous allons donc créer un nouveau solide et nous assurer qu'il est réglé sur noir car ce sera le reflet de notre objectif. Nous aurons donc certainement besoin d' un mode de fusion ici. J'aurais pu le renommer lors de la création, mais je vais maintenant le renommer en tant que flare et le mettre en jaune parce que , bien sûr, les lumières sont jaunes, n'est-ce pas ? Nous trouverons Lens Flare. flares d'objectif sont certainement quelque chose qui assez bien fait par certains logiciels tiers, mais la solution par défaut est correcte avec un petit ajustement Je vais régler un peu cette luminosité, peut-être autour de 150, et nous allons procéder à la régler sur écran. Cela fait une grande différence dans l'ensemble de la scène, n'est-ce pas ? Cela fait une grande différence dans l'ensemble de la scène, n'est-ce pas ? Je pense que certaines courbes aideraient vraiment à le vendre. Alors enfilons-les. Nous pouvons peut-être ajuster un peu la luminosité. Et je pense que pour vraiment mettre en valeur le rouge de la scène, au lieu de renforcer le rouge, nous pourrions supprimer le vert et le bleu. Une petite quantité suffit pour y parvenir. Laisser tomber ce bleu le rend vraiment chaud et jaune, tu vois ? Mais un petit peu ici. Nous y voilà. Voyons ce que l'on ressent. Et juste pour rappel, c'est ce que nous avions avant d'ajouter tout cela. Ça fait toute la différence, non ? Vous voyez pourquoi nous voulions nous rapprocher suffisamment, puis vous ajoutez ces éléments. Ensuite, si vous voulez revenir et modifier la luminosité ou la couleur de certains éléments d'arrière-plan ou de premier plan, vous pouvez le faire avec un bien meilleur contexte maintenant que tous ces autres éléments sont en place 72. Ajouter un mouvement de caméra portable: On y arrive certainement, mais l'ensemble de la scène semble plutôt statique. Et si nous sommes dans ce monde extraterrestre avec cette tempête de sable tourbillonnante, je pense qu'il serait logique d'avoir un appareil photo un peu fragile Qu'il soit tenu par un autre astronaute ou sur une sorte de trépied, on pourrait penser que le vent l'affecte Voyons donc si nous pouvons intégrer cette idée à cette scène. Je vais arrêter mon aperçu et créer une nouvelle couche appelée objet nul, qui n'existe que pour créer d'autres couches ou pour quelques autres cas d'utilisation particuliers. Et je vais sélectionner toutes mes couches et les associer à cette valeur nulle. Maintenant, partout où ce zéro va, toute la scène va avec, non ? Si je dois ajouter un peu de shake, je veux m'assurer que je ne vois pas ces bords. Alors élargissons un peu les choses . Je crois notre clip fumigène. Oui, augmentons un peu ce chiffre pour nous assurer d'avoir des bords nets, et, bien sûr, notre clip d'écran vert également Il serait donc peut-être plus facile d'étendre tout un peu comme ça. Et maintenant, si nous contournons la position de ce zéro, nous ne devrions pas voir d'arêtes. Nous devons juste nous en assurer. Nous allons ajouter une autre expression simple à cette propriété de position. Je vais donc cliquer sur le chronomètre Alt ou Option, puis taper Wiggle à cette propriété de position. Je vais donc cliquer sur le chronomètre Alt ou Option, Je vais donc cliquer sur le chronomètre Alt ou Option puis taper Et entre parenthèses, faisons 0,7, huit Pour quelque chose comme ça, la plupart du temps, ce ne sont que des essais et des erreurs. Vous voulez appliquer cela et voir ce que vous ressentez. Et si vous avez besoin de modifier un peu ces chiffres, nous le ferons. Je pense que ça fait du bien. C'est juste suffisant pour donner une impression de vie à la scène, mais pas au point de nous sentir malades à cause du mouvement des joueurs 73. Composer les touches finales: Pour terminer, je pense que nous devons simplement effectuer dernier ajustement de l'apparence et une correction des couleurs. Créons donc un nouveau calque de réglage et nommons ce look. Allons faire une petite vignette. Vignette CC ici. Et je parie qu'un autre exemple de courbes nous achèvera probablement bien. Donc, pour notre vignette, je pense qu'il serait logique de placer ce centre là où se trouve notre soleil et nous pouvons jouer un peu avec cette quantité La valeur par défaut est peut-être correcte. Voyons où nous mènent les courbes, revenons arrière et ajustons à partir de là. Ajoutons juste un peu de contraste. Je pense donc qu'une belle courbe en S subtile réduira les ombres et fera légèrement ressortir les reflets. Ça donne l' impression que le soleil est beaucoup plus chaud. Et essayons de rendre toute cette scène un peu plus rouge. Nous pourrions augmenter cela ou, encore une fois, nous pourrions réduire le bleu et le vert et simplement voir ce que l'on ressent. Cela ajoute vraiment de la chaleur et de l'extrême à cette lumière du soleil. Je pense qu'il y a lieu de démontrer que le côté gauche du set est encore un peu plus sombre que je ne le souhaiterais. Mais honnêtement, maintenant que toutes ces autres corrections de couleur sont en place, elles correspondent assez bien à l'arrière-plan , donc je pense que c'est bon. J'espère que cet exemple vous aidera à avoir une bonne idée de la manière dont vous pouvez créer une couche par couche et apporter des ajustements au fur et à mesure. N'ayez pas peur revoir les choses au fur et à mesure que vous ajoutez d'autres éléments pour vous assurer d'avoir une scène bien cohérente 74. Projet de cours 10 - Scène sur écran vert: C'est à nouveau Class Project Time, et nous avons besoin de vous pour nous aider à saisir l'enthousiasme de exploration planétaire en créant votre propre scène réaliste l'aide de ces techniques de composition. Encore une fois, c'est à vous de décider de la composition et de la fréquence d'images. Ils peuvent être basés sur votre matériel source, mais ce n'est pas nécessaire à 100 % ici. Nous vous demandons d'utiliser au moins un clip d'écran vert, une couche d'arrière-plan et un élément de premier plan J'ai inclus des liens vers les articles que j'ai utilisés, mais je vous rappelle qu'ils ne sont pas tous gratuits. Pour des scènes comme celle-ci, je vous recommande vivement de passer du temps à regarder des clips disponibles sur Internet sur certains des sites que nous avons recommandés précédemment. Être capable de trouver du matériel approprié pour créer un écran vert fait en quelque sorte partie de ce processus Et même s'il peut être un peu difficile de parcourir le matériel en stock, je pense que c'est un élément important apprendre comment cela fonctionne et ce qu'il faut rechercher. Donc, comme je l'ai dit, au moins un clip sur fond vert, mais si vous trouvez plusieurs éléments que vous aimeriez ajouter à votre scène, c'est génial n'est pas nécessaire que votre scène ressemble exactement à la mienne, mais si vous avez quelque chose de similaire, ajouter des atmosphères telles que de la poussière et de la fumée contribue vraiment à rendre le tout plus tangible et réaliste Et honnêtement, ces types de clips peuvent généralement être trouvés assez facilement. En ce qui concerne les livrables, vous connaissez la marche à suivre : exportez votre animation au format MP4, téléchargez la vidéo exportée un site d'hébergement vidéo et partagez ce lien avec nous Ne soumettez aucun lien vers un espace de stockage dans le cloud et assurez-vous de le partager sur les réseaux sociaux lorsque vous aurez terminé. Ces techniques permettent beaucoup de créativité, et j'espère vraiment que vous vous amuserez avec celle-ci. Bonne chance. 75. Introduction au suivi de mouvement: Le sujet ou la surface d'un clip vidéo bouge souvent. Après tout, il s'agit d'une vidéo, ce qui ajoute une couche de complexité supplémentaire lorsque vous souhaitez modifier ou ajouter des éléments qui bougent avec ce sujet ou avec le reste de la prise de vue. Pour ce faire, vous devez utiliser ce que l'on appelle le suivi des mouvements, et After Effects propose différentes manières de l'aborder. Si vous avez un objet qui se déplace pendant une prise de vue mais qui ne change pas grand-chose par ailleurs, un simple masque de suivi peut être efficace. Dessinez votre masque, cliquez dessus avec le bouton droit et choisissez le masque de suivi. Autorisez After Effects à suivre l'objet tout au long de la prise Vous pouvez désormais l' utiliser pour supprimer cet élément ou appliquer des effets à cette zone. C'est la solution idéale pour les tâches plus simples telles que la suppression ou le flou d'un logo ou la correction des couleurs isolée dans une zone spécifique. Nous aborderons plus en détail les autres options de suivi dans les leçons suivantes. Mais en voici un bref aperçu. Lorsque vous devez suivre un seul point qui se déplace sur un plan, vous avez besoin du point tracker. Vous pouvez également suivre un deuxième point pour définir les modifications d'échelle et de rotation nécessaires pour suivre correctement cet objet. Lorsque vous devez suivre une surface plane ou un plan, vous avez besoin d'un traceur planaire C'est idéal pour remplacer les écrans des appareils ou pour ajouter des éléments supplémentaires sur des surfaces telles que des murs ou des arrière-plans. After Effects peut également recréer le mouvement réel d' un appareil photo dans une scène l'aide du tracker 3D , qui vous permet de placer des objets dans cette prise de vue dans un espace 3D Chacune de ces techniques a ses propres cas d'utilisation, ses forces et ses faiblesses, mais elles rechercheront toutes des zones présentant des détails clairs et cohérents avec un bon contraste. Cela signifie que pour obtenir les meilleurs résultats, vous devez obtenir des images d'une résolution raisonnablement élevée avec bon contraste visuel et idéalement, peu ou pas de flou 76. Suivez un objet avec le suivi de point: Le capteur de points After Effects vous permet de suivre un point précis tout au long d'une prise de vue. Cela fonctionne mieux lorsque vous avez une petite zone de contraste élevé, mais cela peut être n'importe quel situé au coin d'un panneau ou au bout d' un stylo à bille ou, dans ce cas, des étoiles ou des planètes Et je pense que c'est peut-être Jupiter, mais je n'ai pas vérifié. Vous pouvez voir que j'ai déjà créé une composition et que j'ai mis mon clip ici. J'ai en fait réduit un peu le tout début de ce clip parce que cet élément commence à peine hors écran, et c'est ce que j' aimerais suivre Avant de commencer le suivi, je vais créer un objet nul, que j'utiliserai plus tard pour conserver ces données de suivi et pour créer d'autres éléments. Je vais donc passer à la couche, nouvel objet nul. Nous avons vu précédemment qu' elles existent sous forme couches invisibles qui sont très pratiques pour élever d'autres couches, également très pratiques pour élever d'autres couches, et c'est exactement pour cela que nous allons les utiliser ici. Je vais changer le nom en Tract Point, et nous reviendrons l'utiliser dans une minute. Pour suivre ce clip, je dois double-cliquer dessus, ce qui l'ouvrira dans la visionneuse de couches, comme nous l' avons vu précédemment. Ensuite, je vais accéder à Windows et trouver tracker pour ouvrir le panneau de suivi dans mon interface. Vous verrez ici une variété d'options différentes, et celle que nous voulons pour le moment s'appelle Track Motion. Dès que je clique dessus, vous verrez apparaître quelque chose appelé Track 0.1 au milieu de votre clip. Il suffit de venir ici et de trouver cette zone à l'intérieur ce carré intérieur, de la faire glisser vers le point que vous souhaitez suivre. Assurez-vous que ce petit X l'accompagne, car c' est en fait le point que vous suivez. Zoomons et examinons cela de plus près. Ce carré intérieur désigne la zone que nous suivons réellement S'il s'agissait d'un petit point comme celui-ci, nous pourrions rendre cette boîte un peu plus petite, comme ça. Je pense que cette taille est probablement bonne. Ce carré extérieur indique à After Effects dans quelle zone rechercher cet élément à l'intérieur du carré intérieur dans chaque cadre. Celui-ci ne bouge pas tant que ça à chaque image, donc je ne pense pas que notre carré extérieur doive être aussi grand. S'il bougeait beaucoup, nous voudrions qu'il soit plus grand. Plus ce carré extérieur est grand, plus le suivi est long, car After Effects doit effectuer des recherches dans une plus grande partie de la zone. Je pense donc que quelque chose comme ça va très bien se passer. En l'état, cela ne fera que suivre la position de ce point. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez également suivre la rotation et l' échelle de ce point. En accédant au panneau du tracker, vous pouvez vérifier l'une ou l'autre de ces options, et dès que vous l'aurez fait, vous verrez un deuxième point là-haut, car pour suivre la rotation ou l'échelle, vous avez besoin d'un autre point pour créer cette référence. Je vais utiliser cet autre point positif ici. Nous pouvons zoomer. Celui-ci est un peu plus petit. Je pense que cela fonctionnera bien. Nous allons maintenant pouvoir suivre la position, la rotation et l'échelle de ce point ici. Dans votre panneau de suivi, vous pouvez effectuer un suivi en arrière ou en avant, et vous pouvez le faire image en cliquant sur ce bouton ici C'est une bonne chose si vous n' êtes pas certain qu'il tiendra cette trace, et vous souhaiterez peut-être effectuer des ajustements manuels au fur et à mesure. Je crois que ce clip va très bien fonctionner, alors je vais juste cliquer sur ce bouton ici et laisser After Effects faire tout le travail à ma place. Dès qu'il est terminé, vous devriez voir des traînées indiquant qu'il a suivi ces points pour chaque image de votre clip. Et si vous ouvrez le clip, vous verrez que vous disposez désormais de données de suivi que vous pouvez utiliser pour tout ce dont vous avez besoin. Je vais appliquer ces données de suivi à l'objet nul que j'ai créé. Je vais donc revenir à mon panneau de suivi et After Effects a déjà deviné ce que je voulais utiliser, mais je pourrais cliquer sur Modifier la cible et choisir un autre calque si je le souhaite Je vais simplement cliquer sur Annuler. Et comme cela pointe déjà au bon endroit, je vais simplement appuyer sur Appliquer. Et confirmez. Et vous pouvez voir qu'il a collé ces données de position, d' échelle et de rotation sur cet objet nul Fermons le panneau des couches et examinons-le dans notre visionneuse de composition Voilà ce que je veux dire. Fonctionne très bien. Nous pouvons en fait les fermer et intégrer les autres couches que nous voulons élever jusqu'à présent. J'ai ici ce graphique que j'ai créé. Dimensions-le. Et nous allons juste avoir ce flotteur ici et faire le trajet. Maintenant, c'est aussi simple que d' être parent jusqu'à ce point. Dans ce cas précis, je ne pense pas que l' inclusion de l'échelle et rotation fonctionne vraiment bien pour l'effet que je recherche Je peux donc simplement les désactiver. Revenons à la première image, ouvrons les propriétés de transformation sur Tract Point, et je vais simplement désactiver le chronomètre sur les deux Remettons la rotation à zéro. Et maintenant, vous pouvez voir notre graphique suivre le cours comme il se doit. Nous avons donc les éléments de base en place. Ajoutons un peu d'embellissement. J'aimerais également avoir un petit cercle d'appels à la suite de cela. Zoomons donc, utilisons notre outil de mise en forme, et je vais simplement dessiner un petit cercle. J'aimerais que ce soit un cercle tracé sans remplissage, alors configurons-le Et je vais extraire ce rouge de mon graphique ici et régler cette largeur à peut-être quatre. Pour garder les choses propres, je voudrais centrer le point d'ancrage de cette couche de forme dans la couche, et je peux le faire en appuyant sur Control Alt ou Command Option et sur la touche d'accueil. Et il centre ce point d'ancrage juste là , dans ce cercle. Maintenant, je peux juste m'y attarder un peu pour être parfaitement sur ce point Renommez-le en cercle et associez-le à ce zéro. On dirait que mon point d'ancrage s'est légèrement décalé, donc je vais le recentrer à nouveau, zoom arrière et vérifier cela avec un aperçu. Suivant parfaitement. J'aimerais que ce graphique apparaisse au fur et à mesure. Il apparaîtra donc peut-être ici environ 2 secondes plus tard, puis je tracerai une petite ligne entre ici et ce graphique, et c'est ce qui déclenche cette apparition Je vais donc appuyer sur Y pour obtenir mon outil de point d'ancrage et placer ce point d'ancrage ici, dans ce coin. Je peux maintenir la touche Ctrl ou Commande enfoncée pour qu'elle se trouve directement dans ce coin, car c'est à partir de ce point que je voudrais que cette couche soit trouve directement dans ce coin, car c'est redimensionnée. Allons-y et créons cette animation à grande échelle. Je vais revenir en arrière d'environ 20 images ici et le mettre à zéro, puis revenir deux tiers environ et le régler à peut-être 13. Voyons ce que l'on ressent. Juste un petit dépassement Simplifiez facilement ces images clés. Pas trop mal. Je vais continuer appuyer sur Alt et ouvrir le crochet pour découper cette couche. Maintenant, nous pouvons le faire glisser pour trouver le bon endroit, mais nous devons créer notre ligne et l'animer pour savoir ce que cela va être Fermons les deux. Il existe différentes manières créer notre ligne, mais je pense que la plus simple est utiliser ce que l'on appelle l'effet de faisceau. Cela vit sur un solide Je vais donc cliquer avec le bouton droit de la souris pour créer un nouveau solide et je vais nommer cette ligne. Et à cela, j' ajouterai l'effet de faisceau. Cet effet est destiné à la fabrication lasers, de sabres laser ou d'autres objets de ce genre, mais il peut aussi s' agir d'une belle ligne nette Passons ici aux commandes des effets et définissons la longueur jusqu'à 100. Nous pouvons l'utiliser pour l' animer en une minute. Et zoomons pour obtenir cette couleur rouge, et je vais simplement régler la couleur intérieure et extérieure sur ce rouge. Cet effet vous permet de définir un point de départ et un point d'arrivée, qui ressembleront à ceci, et nous voulons l'affiner Trouvons donc la douceur et réduisons-la à zéro. Maintenant, bien sûr, cela ne va pas suivre. Nous pourrions placer cette couche ici, et cela fonctionnerait plutôt bien dans ce cas. Mais il existe une solution légèrement plus avancée qui permet de relier les points de l' effet aux couches. Ouvrons cette couche et trouvons les points de départ et d'arrivée du faisceau. Je vais légèrement afficher ma chronologie afin de voir les autres couches. Et ce que nous voulons réellement rechercher , ce sont les points de position de ce point nul du tract et notre graphique. Au lieu de nous occuper de l'ensemble de la couche, nous pouvons relier une seule propriété en particulier en utilisant ce fouet sur la propriété elle-même. Si je lie cela à la position du point du tract, ce point devient rouge. Cela signifie qu'il a créé une expression, et qu'il suivra toujours parfaitement ce point du tract. Je pourrais faire de même pour le graphique, mais cela va en fait créer un problème. Et si cela ne fonctionne pas comme prévu, c'est parce que cette couche graphique, souvenez-vous, est en fait parenté jusqu'au point du tract Et si vous regardez la valeur de position qu'il a ici, ces chiffres n'indiquent pas où il se trouve dans l'espace de composition. Si je m'en débarrasse à partir de ce point du tract, vous allez voir ces chiffres changer. Et c'est là que cela se trouve en fait dans l'espace de composition. Lorsque vous associez une couche à une autre, sa position devient relative à la position de cette couche. Nous devrions donc en tenir compte dans cette expression pour que cela fonctionne correctement. Dans ce cas, c'est assez simple. Je peux cliquer ici et taper plus, puis utiliser cet autre petit fouet ici pour créer un lien vers ce point de départ Puisque le point de départ est lié à cet objet nul, cela va nous donner exactement ce dont nous avons besoin. Parfait. Affinons un peu plus le look en réduisant l' épaisseur de départ à zéro ou peut-être à un pour obtenir un joli cône. Et je remarque que le coin est un peu loin de l'endroit où je voudrais qu'il soit visuellement, et c'est assez facile à nettoyer En appuyant sur A pour trouver notre point d'ancrage puis en le poussant légèrement vers l'intérieur pour qu' il donne l'impression d'être au Je vais déplacer ce graphique au-dessus de la ligne, et maintenant tout semble parfait. Revenons à notre chronologie, voyons ce que l'on ressent. Oui, plutôt bien. Nous avons juste besoin d' animer notre ligne, ce que nous pouvons faire en utilisant simplement la propriété length ici Mettons-le donc à zéro, créons une image-clé, avançons un peu et définissons-la sur 100 Bien sûr, je les ai créés au mauvais endroit. Je vais donc les traîner un peu partout. Ici, c'est probablement bien. Facilité facile. Voyons ces images-clés sur cette couche et appuyons sur U pour voir ces images-clés. Ça a plutôt bien marché. Personnellement, je pense que cette ligne semble un peu chargée à l' intérieur du cercle, mais il existe un moyen simple de s'en débarrasser. Créons simplement une copie du cercle et utilisons-le comme tapis de course pour que la ligne ne soit pas visible à l'intérieur. Je vais appuyer sur la commande D du contrôleur pour créer un deuxième cercle, renommer en tapis circulaire et réactiver la couleur de remplissage à l'intérieur de celui-ci Peu importe la couleur. Nous avons juste besoin qu'il soit rempli. Activez ces commutateurs et ces modes, et je pourrai régler la ligne pour utiliser le tapis circulaire comme tapis de piste Et puis j'ai juste besoin de l'inverser en cliquant sur ce bouton ici Maintenant, cette ligne existe partout sauf là où se trouve ce cercle. Et voilà, notre animation est terminée. Vous pouvez voir ici comment ces techniques de suivi vous permettent de créer des graphiques à partir des connaissances que nous avons acquises plus tôt dans le cours et de les faire suivre parfaitement au mouvement du clip. 77. Projet de cours 11 - Graphique pop-up suivi: Encore une fois, Class Project, et avec autant de détails dans l'espace, il est toujours utile d'avoir des graphismes sympas pour les mettre en valeur. Nous aimerions que vous créiez une courte animation mettant en valeur certains détails spécifiques d' un clip à l'aide de graphiques intégrés à la prise de vue. La longueur, la taille et la fréquence d'images de la composition dépendront de vous. Ils seront probablement déterminés par votre clip, même s'il n'est pas nécessaire qu'ils correspondent à 100 % dans ce cas. Nous voulons que vous choisissiez un clip vidéo et que vous utilisiez le capteur de points pour suivre au moins un détail spécifique. J'ai inclus une poignée d'options de clips parmi lesquelles vous pouvez choisir ou, bien sûr, vous pouvez trouver les vôtres. Vous voulez simplement vous assurer que vous trouvez quelque chose avec des détails clairs et cohérents qui offre un détails clairs et cohérents qui offre contraste décent par rapport à la zone entoure afin que le tracker fonctionne bien. Vous devez ajouter au moins un appel graphique texte, une flèche ou quelque chose comme ça pour attirer l'attention sur cet objet. Vous pouvez faire un simple appel comme je l'ai fait ou faire quelque chose d'un peu plus complexe, si vous le souhaitez. J'ai en fait fourni une version PSD modifiable du graphique que vous avez Donc, si tu veux juste donner ta propre touche la mienne, c'est très bien. Ou si vous voulez créer quelque chose à partir de zéro, c'est génial aussi. Encore une fois, voici à quoi ressemble le mien. Vous pouvez voir qu'il y a un détail clair et un joli petit appel. Vous n'avez probablement pas besoin de moi pour vous parler des livrables, mais juste au cas où vous exportez votre animation sous forme fichier MP4 en utilisant préréglage que vous avez vu au début du cours, téléchargez votre vidéo exportée un site d'hébergement vidéo tel que Vimeo, YouTube, Behance ou autre, et partagez ce Mais ne soumettez rien depuis un site de stockage dans le cloud et assurez-vous de partager votre vidéo sur les réseaux sociaux afin que vos amis puissent voir toutes les choses intéressantes que vous créez. Amusez-vous bien avec celui-ci et bonne chance. 78. Remplacer un écran à l'aide du suivi planaire: Dans cet exemple, nous avons un écran de téléphone sur lequel nous allons suivre certains de nos propres contenus, et vous pouvez voir qu'ils bougent beaucoup. Nous devrons donc utiliser ces outils de suivi pour qu'il reste en place. Il existe probablement un monde où vous pourriez utiliser le Point Tracker plusieurs fois pour trouver les coins d' une surface comme celle-ci et placer les objets au bon endroit. Mais cela représenterait évidemment beaucoup plus de travail. Et nous avons des coins arrondis. Alors, quel point choisiriez-vous, n'est-ce pas ? Heureusement, After Effects dispose d'un outil spécialement conçu pour cette tâche. Pour commencer, vous pouvez voir que j'ai déjà créé une composition. Je l'ai créé directement à partir de ce clip en utilisant cette commande ici, il a donc exactement les mêmes paramètres que mon clip, qui est important dans ce cas. J'ai également ce graphique ici, que nous ajouterons à l'écran plus tard. Mais d'abord, trouvons cette piste. Je vais sélectionner mon clip , regarder dans le menu Animation et trouver une piste dans Boris FX Mocha Il s'agit en fait d'un outil tiers créé par une autre société appelée Boris FX, mais il est inclus gratuitement dans After Effects. Pour activer l' outil, vous devez cliquer sur ce Mocha juste ici où il est écrit Launch Mocha AE Et cela s'ouvre dans sa propre interface au-dessus d'After Effects. Cela fonctionne un peu différemment de ce à quoi vous êtes habitué, et certaines touches de raccourci sont un peu différentes, mais c'est par ailleurs assez familier. Nous devons utiliser un stylo pour isoler la zone que nous voulons que cet outil suive pour nous. Je vais m' assurer d'être à la première image, juste pour plus de facilité, puis je reviendrai ici pour trouver cet outil à stylo. Cela va en fait créer ce que l'on appelle une colonne vertébrale en X, qui fonctionne un peu comme l'outil de masque que nous avons utilisé, mais c'est juste un peu différent d'une manière que vous verrez très rapidement. Je peux juste cliquer pour prendre mes virages. Et cela se complète tout seul pour nous. Je vais juste cliquer ici pour terminer cette forme. Et vous verrez que chaque coin est déjà arrondi, mais vous pouvez tirer sur cette petite poignée pour déterminer dans quelle mesure il est arrondi. Ce qui est important ici, c'est de vous assurer de suivre toute la surface de cet avion. Il vaut donc mieux en avoir un peu plus que pas assez. Une fois que votre forme est en place, il vous suffit de suivre. Il y a un bouton en bas de la chronologie ou ici sur la gauche. Et je vais juste cliquer dessus et laisser Mocha faire son travail. Si vous effectuez un morceau plus complexe, vous avez la possibilité de le suspendre et de procéder à des ajustements manuels au fur et à mesure. Et vous pouvez utiliser ces mêmes outils pour réaliser des découpes rotoscopiques si Une fois votre morceau terminé, vous pouvez appuyer sur la barre d'espace qu'il soit joué en arrière ou en avant, selon l'endroit où il se trouve, et il suffit faire des allers-retours entre les deux Ça m'a l'air plutôt propre. Il ne nous reste plus qu'à définir la surface sur laquelle nous voulons placer quelque chose. Nous allons donc revenir en haut et trouver ce bouton bleu juste ici , appelé Afficher la surface plane Lorsque je clique dessus, vous verrez un rectangle bleu avec des coins, et il suffit de les placer au bon endroit. Je trouve que le mieux est généralement de les placer à peu près dans la bonne zone, puis de zoomer à l'aide de la molette de la souris. Et ajustez-les mieux. Pour un objet aux coins arrondis comme celui-ci, je trouve qu'il est préférable d'essayer de faire correspondre les zones plates ici et nous devrons probablement tout retoucher. Je vais utiliser l' outil manuel pour ajuster ma vue, et cette touche de raccourci est différente ici. Vous maintenez la touche X enfoncée pour obtenir cette main, puis vous pouvez la faire glisser. Procédez à cet ajustement. Maintenez la touche X enfoncée, faites glisser le pointeur vers le bas, relâchez X, ou vous pouvez appuyer sur C récupérer votre outil de sélection s' il ne le fait pas pour vous et essayez simplement de faire correspondre cette arête. Et nous allons simplement faire de notre mieux ici. Je vais faire un petit zoom arrière pour avoir plus de contexte, et voyons comment nous nous en sommes sortis. On dirait que cela suit assez bien cet avantage. En regardant de l' autre côté, je dois peut-être ajuster ça juste un peu en C pour adolescents. Le haut est beau, le bord droit est beau. Le bas a l'air bien. OK, faisons un zoom arrière, ajustons peut-être à nouveau cette vue. Et comme nous disposons déjà de ces données de suivi, cela va rester en place maintenant. Nous pouvons appuyer à nouveau sur la barre d'espace pour voir cela en action et nous assurer qu' elle s'adapte correctement à l' ensemble du clip. Ça a l'air génial. Si vous souhaitez vérifier davantage la piste, cliquez sur cette icône en forme de grille rose ici, et cela créera une grille située sur l'avion que vous avez créé. Vous pouvez maintenant le prévisualiser et vous assurer que tout semble se trouver dans le bon plan. Tout cela a l'air génial, je vais donc arrêter mon aperçu. Vous pouvez créer plusieurs pistes ici, mais nous venons de faire une seule. Je vais quand même le renommer juste pour être complet. Je vais double-cliquer dessus et le nommer phone face. Ensuite, il ne nous reste plus qu'à enregistrer notre projet et à sortir. Maintenant, nous avons toutes ces données de suivi et nous pouvons rester dans notre interface After Effects à partir de là. Dans l'effet Mocha, je vais ouvrir la zone où il est indiqué « données de suivi » et cliquer sur «   Créer des données de suivi Encore une fois, nous n'avons qu'un seul titre, donc il va le faire pour nous. Si nous en avions plusieurs, il y aurait une petite liste déroulante où nous pourrions choisir la piste pour laquelle nous voulons créer les données. Cela suppose que je veuille faire ce que l'on appelle une épingle d'angle, et vous pouvez voir ici c'est elle qui a créé les quatre coins de notre surface, comme nous l'avons fait dans le tracker. Vous avez la possibilité de simplement effectuer une transformation si vous souhaitez simplement en extraire les données de position Mais Corner Pin est exactement ce que nous voulons ici. Il suffit d'apporter la source à laquelle l'appliquer. Revenons donc à notre panel de projets, saisissons ce graphique et intégrons-le à nos compositions. Sélectionnez notre clip. Revenez à cet effet Mocha, indiquez-lui à quelle couche nous voulons appliquer les données Pin de ce coin et appuyez sur Appliquer Et hein ? En fait, il est correctement suivi, mais il n'est pas au bon endroit. Et c'est parce que ces deux couches n'ont pas la même taille. La façon dont l'effet d' épingle d'angle fonctionne, c'est qu'une fois cette autre couche, elle doit avoir la même taille que le clip dont nous avons obtenu les données. Nous devrons donc faire un peu plus de travail avant que cela ne semble correct. Je vais simplement annuler et le moyen le plus simple de résoudre ce problème est de précomposer cette couche Mais si nous voulons qu'il soit précomposé exactement au bon endroit et remplisse le cadre, nous devons d'abord faire autre chose Je vais donc cliquer avec le bouton droit de la souris, venir transformer et lui dire de l'adapter à la composition. Cela va paraître assez stupide pour le moment, mais une fois que nous l'aurons précomposé et que l'effet aura été appliqué, il retrouvera son apparence correcte Maintenant que nous avons ce set pour remplir le cadre, cela signifie qu'il aura la même taille que cette composition une fois que nous l'aurons précomposée Faisons donc un clic droit et choisissons précomposer. Et nous voulons nous assurer que nous intégrons tous ces attributs dans la nouvelle composition. Il faut donc cette stupide mise à l'échelle. Je vais procéder et le renommer fonction du contenu de l'écran parce que, bien sûr, c'est ce qu'il fait Et cliquez sur OK. Je n'en avais pas vraiment besoin pour ouvrir cette composition, mais comme vous pouvez le voir, elle l'a simplement rangée dans une composition de la même taille que la nôtre Revenons ici. Sélectionnez à nouveau notre clip. Assurez-vous qu'il recherche la bonne couche vers laquelle exporter ces données puis cliquez sur Appliquer. Et maintenant, regardez ça. Parfait. Nous avons un petit nettoyage des bords à faire, et bien sûr, nous devons terminer notre composition, mais ce morceau me semble plutôt bon Arrêtons cet aperçu et examinons ce qu' After Effects a fait pour nous. Sur notre couche de contenu d'écran, il a appliqué un effet appelé coin Pin, et il a appliqué toutes les données de position de Mocha à chacun de ces Cet effet prend donc en fait les quatre coins de cette couche et la déplace vers un nouvel endroit. Je pourrais en déplacer un, et vous pourriez l'utiliser pour déformer les choses, comme vous le souhaitez Bien sûr, je ne veux pas déplacer cela car elles sont toutes encadrées par des touches à chaque image. Alors si je les embrouille, je gâcherai la piste. Ça a toujours l'air bien. L'épingle d'angle est géniale, mais elle présente en fait quelques limites dans la mesure où vous ne pouvez pas effectuer de réglages, comme vous venez de le voir. Si je voulais réparer l'un des coins, je dois le réparer à chaque cadre, ce qui demande pas mal de travail. Donc, une technique que j' aime beaucoup utiliser consiste à utiliser un effet légèrement différent qui fait la même chose, mais qui est juste un peu plus puissant. Passons à nos effets et préréglages et cherchons CC Power Pin Et je vais simplement l'appliquer à ma couche. Vous pouvez voir que c'est essentiellement le même effet. Il a juste quelques options supplémentaires. Je vais donc appuyer sur la touche d' accueil pour revenir au début de ma composition et ouvrir CC Power Pin. Et je vais simplement copier-coller chacun de ces coins dans le coin correspondant sur PowerPin Donc en haut à gauche, copiez en haut à gauche, collez. Maintenant, bien sûr, cela ne semble pas correct parce que nous les examinons tous les deux. Je vais donc simplement désactiver ou supprimer cet effet d'épingle d' angle. Non seulement Power Pin vous offre plus d'options, mais il possède également un excellent visualiseur où il vous montre les bords de l'objet, ce que je trouve très utile Vous pouvez tester et voir que, oui, la piste est toujours là, mais surtout, vous avez cette petite propriété d'extension ici, et je trouve très utile de pouvoir la déplacer d' un pixel ou même d'un demi-pixel vers l'extérieur un pixel ou même d'un demi-pixel vers l' parfois pour masquer les bords Essayons simplement un demi-pixel dans chaque direction. Et désélectionnez cet effet et jetez-y un coup d'œil. Hey, allons-y. Ça a l'air parfait. Bien sûr, nous avons quelques recoins à nettoyer, et nous devons placer l'écran de notre téléphone par-dessus tout, mais nous y sommes presque. Je pense que le meilleur moyen de se débarrasser de ces coins de l'écran ici est de le faire dans cette précomposition graphique Alors allons-y ici et hum. Eh bien, ce serait un peu bizarre d'arrondir les coins ici parce que tout est étiré, et nous devons nous assurer que nos coins sont étirés de manière appropriée. Donc, même si ce n'est peut-être pas la chose la plus intuitive qui soit, je pense qu'il serait logique de le recomposer à nouveau à sa taille normale afin que nous puissions apporter modifications que nous voulons sans que cela paraisse stupide comme ça Nous allons donc sélectionner cette couche, cliquer avec le bouton droit de la souris et précomposer Cette fois, nous allons laisser tous les attributs, donc cette stupide mise à l' échelle restera présente dans cette précomposition Nous allons le renommer en tant que contenu d'écran original Nous savons maintenant que c'est ici nous pouvons apporter des modifications au graphique à un endroit qui a vraiment du sens. Voici donc à quoi ressemble réellement notre contenu. Et si nous faisions de l'animation, c'est là que nous voudrions travailler. Je veux juste arrondir ces angles, et je pense que le moyen le plus simple de le faire serait de créer un rectangle arrondi. Je vais donc sélectionner cet outil et double-cliquer dessus pour créer un rectangle arrondi la taille de cette composition. Maintenant, en pratiquant cela, je sais que je pense qu'environ 150, ce sera à peu près la bonne taille pour ces coins. Ensuite, je peux simplement indiquer ce graphique d'écran de l'utiliser comme tapis de course. Et il va juste couper ces coins juste là. Et lorsque nous repensons à notre composition principale, devrait sembler parfaite. Parfait. Il existe probablement un monde où vous pourriez simplement en avoir terminé ici, mais je veux m'assurer que les bords de notre écran sont parfaits, et il y a en fait une petite partie de l'écran du téléphone qui existe là-haut qui est recouverte par ce graphique. Alors, réglons ça. Nous avons notre clip original ici, et nous voulons que cette copie reste en bas. Allons-y et renommons-la en plaque de fond. Nous allons faire une autre copie pour nous asseoir au-dessus, puis nous débarrasser de cette zone d'écran. Je vais faire une copie de ce clip, renommer en façade du téléphone Appuyez sur E et débarrassez-vous de Mocha car nous n'en avons pas besoin sur cette copie Nous allons le mettre en haut, et maintenant nous aurons des bords de téléphone parfaits une fois que nous nous serons débarrassés de ce vert. Bien entendu, nous savons comment nous y prendre. Je pense que Key Lite à lui seul fera probablement l' affaire à merveille ici Alors mettons-le simplement sur le clip. Une pipette aussi verte. OK, eh bien, nous avons une très bonne clé. Nous devrons ajuster un peu les bords, mais comme nous sommes dans une forêt, cela a tué tous les arbres. OK, eh bien, on peut s'en occuper. Prenons d' abord nos avantages. Vous pouvez voir qu'il y a une sorte de lueur autour de celles-ci. Mais je parie qu' en venant à l'écran mat et peut-être juste en faisant apparaître le clip un peu en noir. Je vais juste le faire glisser jusqu'à ce qu'il arrive au bon endroit environ 30, c'est plutôt bien pour ce clip. Je pense que cela a assez bien nettoyé ce point positif. Regardons ça très vite. Et, hé, il a même conservé certains de ces reflets, ce que j'adore. J'ai ramené ce petit bout en haut de l'écran du téléphone. Et ça a l'air génial. Nous devons juste réparer le reste du monde en dehors de cet écran, non ? Maintenant, il existe un monde où vous pourriez passer votre vie masquer autour de l'écran de votre téléphone, et c'est faisable Mais en fait, nous avons déjà les pièces nécessaires pour que cela fonctionne. Maintenant, n'oubliez pas que nous avons déjà une autre couche qui a exactement la taille de l'écran du téléphone. Et si nous le prenions et que nous l'agrandissions un petit peu pour l'utiliser comme support pour cette copie supérieure du téléphone ? Eh bien, descendons ici, créons une copie de notre couche de contenu d' écran et renommons-la en Screen Matt Nous allons le placer tout en haut de nos compositions, et nous pouvons le voir maintenant au-dessus de tout, ce qui est une bonne chose. Examinons cette propriété d' extension et voyons ce que nous devons faire pour la mettre en valeur un peu plus afin d'avoir le reste de l'écran du téléphone, mais pas tous les arbres. On dirait qu'environ deux à trois de chaque côté , ce serait bien. Je sais que c'est un peu difficile à voir ici. Parfois, si vous effectuez un travail comme celui-ci et que vous avez besoin de le rendre plus visible, j'aime beaucoup utiliser l'effet de remplissage avec juste le rouge fort par défaut, qui permet de voir beaucoup plus facilement ce que vous faites. Mais il semble que j'ai fait du bon travail. Je vais peut-être apporter ce bas juste un petit peu. Et maintenant, nous pouvons l'utiliser comme tapis de ski pour la face avant du téléphone. Passons donc aux commutateurs et aux modes, disons à l'avant du téléphone d'utiliser un tapis d'écran comme tapis de suivi Maintenant, nous devrions avoir une piste parfaite, sans aucun virage, et le monde redeviendra vert. Ça a l'air génial. Et encore une fois, si vous vouliez animer le contenu à l'écran, vous pouvez le faire dans la précomposition originale du contenu de l'écran que nous avons créée, et tout apparaîtra parfaitement ici Si ce clip avait des doigts bougeaient devant l' écran, cela fonctionnerait également. Il suffit de les contourner à l'aide de certains des outils que nous avons déjà vus. Bien entendu, s'ils tapent et vous voulez faire correspondre l'animation à cela, que vous voulez faire correspondre l'animation à cela, cela devient encore plus complexe en termes de synchronisation des allers-retours et l'animation jusqu'à ce que tout corresponde. 79. Projet de cours 12 - Remplacement d'écran: Encore une fois, nous aimerions que vous mettiez ces nouvelles compétences en pratique dans le cadre d'un projet de classe. Laissez-nous vous aider à visualiser à quoi notre matériel promotionnel ressemblera notre matériel promotionnel sur les appareils des clients. Je sais que vous vous habituez à entendre cela, mais c'est à vous de décider de la longueur, de la taille et de la fréquence d'images de la composition . Cette fois, elles seront déterminées par votre clip car votre composition doit correspondre aux paramètres du clip. Vous pouvez, bien sûr, le couper pour qu'il soit plus court, si vous le souhaitez. Vous allez choisir un clip vidéo contenant un écran quelconque, qu'il s'agisse d'un téléphone, d'une tablette, d'un téléviseur, etc., à condition qu' il y ait un certain mouvement que vous deviez suivre. Nous vous avons fourni quelques suggestions, mais bien sûr, vous pouvez également trouver la vôtre. Ensuite, vous allez utiliser Mocha AE comme traceur planaire pour suivre cette surface, puis utiliser l'effet d'épingle en coin ou d'épingle CC Power pour coller votre contenu sur cet écran Pour rappel, voici ce que j'ai créé. Cet appareil se déplace un peu partout, mais nous avons une belle piste solide, et nous sommes en mesure de le remplacer par du contenu personnalisé et donner l'impression que tout va bien ensemble. Vous allez donc remplacer cet écran par votre propre contenu personnalisé. Encore une fois, j'ai inclus un PSD modifiable. Donc, si vous voulez simplement créer un écran de téléphone même dimension et mettre à jour mon design pour l'adapter à votre projet, c'est très bien. Mais vous pouvez tout à fait créer quelque chose à partir de zéro, si vous le souhaitez. Je veux juste m'assurer que ce que vous créez correspond approximativement aux dimensions de l'écran que vous remplacez, afin qu'il ne s'étire pas lorsque vous l' épinglez en place En ce qui concerne les livrables, comme toujours, exportez votre animation sous forme de fichier MP4, téléchargez-la sur un site d'hébergement vidéo et partagez ce lien avec nous vous avez terminé, ne soumettez pas de liens vers des sites de stockage dans le cloud et Lorsque vous avez terminé, ne soumettez pas de liens vers des sites de stockage dans le cloud et ne les partagez pas sur les réseaux sociaux. Peut-être pourriez-vous vraiment m'y prendre et faire en sorte que votre clip soit quelqu'un qui regarde le vôtre sur un site de réseau social sur l' appareil qui se trouve dans le clip Peut-être pas C'est probablement un peu trop profond. Mais amusez-vous bien avec. Bonne chance, nous vous verrons dans la prochaine leçon. 80. Suivez une scène avec le suivi de caméra 3D: Pour notre dernier exemple, j'ai trouvé cette vue aérienne panoramique prise dans un vaste paysage. C'est en fait tourné dans la Vallée de la Mort, pas sur une autre planète, mais bon, vous pourriez penser qu'il serait difficile retrouver quelque chose dans ce cliché, mais il faudra en fait moins de clics que certaines des techniques précédentes. Maintenant, il ne serait probablement pas trop difficile de zoomer ici et suivre quelque chose jusqu'à l'un de ces astronautes en utilisant l'un de ces points sur lui. Bien sûr, ils se déplacent un peu, mais je pense que vous pourriez entrer dedans et un petit coup de fil en utilisant leur nom leur grade ou quelque chose comme ça. Mais je cherche à intégrer des morceaux de texte dans la scène pour donner l' impression qu' ils vivent dans le même environnement et qu'ils suivent le mouvement de la caméra. Donc, une fois de plus, j'ai créé une composition à partir de ce clip, exactement comme celle-ci. Il a donc les mêmes paramètres , ce qui est important ici. Je l'ai déjà réduit à une zone légèrement plus courte. Je vais aller de l'avant et l' adapter à la zone de travail. Je pense que c'est suffisant pour la technique que je montre. Et il y a encore une chose que je tiens à souligner, c' est que j'ai effectivement téléchargé ce clip au format MP 4, mais avant de l'intégrer ici pour ce suivi, j'ai pensé que cela fonctionnerait mieux si je le convertisais en un format intermédiaire appelé Pro Rs. encodeur Adobe Media est également installé sur votre système, avec After Effects ou Premiere, et vous pouvez l'utiliser pour exporter depuis After Effects, mais également pour convertir des fichiers avant de les importer. Je vais juste faire glisser le fichier directement ici. Et je vais choisir QuickTime. Et ProRes 422 LT. Je pense que c'est un bon format pour ce cas d'utilisation. il est beaucoup moins compressé, After Effects n' aura pas à travailler aussi dur pour effectuer une partie de ce suivi. Je vais simplement cliquer sur ce bouton pour convertir, et c'est ce que je vais importer dans After Effects. J'ai déjà ce clip ici, donc je suis prêt à le suivre. Il me suffit de sélectionner le clip, puis de choisir Track camera dans le menu Animation ici ou dans le panneau du tracker. Dès que vous cliquez dessus, After Effects commence à fonctionner, vous pouvez voir un indicateur de progression dans le panneau Contrôles des effets. Et dès que c'est terminé, vous verrez ces petits X colorés partout sur vos images. Voici les marqueurs de suivi qu' After Effects a utilisés pour résoudre cette caméra. Vous en verrez quelques-uns disparaître au fur et à mesure. Ce ne sont que des points sur lesquels il n'a pas autant confiance. Mais la plupart restent en place pendant toute la durée du tournage. Si vous souhaitez qu'ils soient un peu plus grands, vous pouvez le faire ici sous Trackpoint Size. Je vais juste les dimensionner pour qu' ils soient plus faciles à voir pour vous. Il ne nous reste plus qu' à choisir certains des points que nous voulons utiliser pour placer un objet dans la prise de vue et créer une caméra virtuelle qui correspond à la vraie. Je prévois de mettre un bout de texte ici au premier plan, ainsi que dans le ciel Pour celui dans le ciel, je n' aurai évidemment aucun marqueur de repérage ici parce qu'il n'y a aucune information. Mais j'ai tout ce terrain en contrebas où je pourrai trouver le bon endroit et ensuite le remonter à partir de là. Passons donc à un peu plus tard dans la photo. Et vous remarquerez qu'au fur et à mesure que je passe mon curseur, une cible apparaît ici, After Effects qui essaie de trouver un avion à partir de ces points de trajectoire. Pour confirmer l'un d'entre eux, il me suffit de sélectionner un groupe de points. Nous en avons plusieurs ici, donc je vais en prendre plusieurs. Je peux simplement cliquer et faire glisser pour obtenir une belle sélection. Je veux juste m' assurer de ne pas en trouver sur cette falaise. Cela me semble plutôt bien, mais tu peux toujours redessiner si tu en as besoin Une fois que vous êtes satisfait de votre cible, il vous suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris et vous aurez ces options ici. Je prévois d'utiliser cette toute première où je vais créer un texte et une caméra, mais vous verrez que vous pouvez également créer un objet solide ou nul, ainsi qu'une version plus avancée qui crée ce que l'on appelle un capteur d'ombres , une caméra et une lumière C'est un peu plus avancé, et nous nous en occuperons plus tard. Je vais juste choisir l'option la plus simple, créer du texte et une caméra. Il créera donc pour moi un morceau de texte, texte en trois D, en fait, ainsi qu'une caméra qui l'aidera à suivre cette scène. Réglons ce texte en blanc pour qu'il soit plus visible et faisons un aperçu rapide pour voir ce que nous avons. Nous avons donc évidemment un problème de pose ici, mais j'ai l'impression que ce texte est correctement suivi dans la prise de vue. Arrêtons l' aperçu ici et je vais manipuler ce texte pour le faire apparaître dans le ciel. Comme ce texte est un objet en trois D, vous remarquerez que les commandes de calque un aspect légèrement différent. Nous parlerons plus en détail des trois couches D dans le groupe de leçons suivant. Donc pour le moment, nous allons vraiment le faire à l'œil nu. Vous pouvez le faire visuellement à l'aide des commandes situées directement sur la couche, ou vous pouvez également consulter votre panneau de propriétés et ajuster les propriétés de rotation ici. Vous verrez que, comme nous sommes dans un espace à trois D, nous avons des propriétés de rotation différentes pour les trois axes au lieu d'un seul. Votre axe X déplace l' objet comme suit. Votre axe Y déplace l'objet ainsi et votre rotation Z pivote ainsi, ce qui correspond en fait à la rotation à laquelle vous êtes habitué tant que l'objet est pointé directement vers vous Vous pouvez régler l' orientation ou la rotation. Comme nous n'animons pas ce morceau de texte, peu importe ce que nous voulons simplement lui donner. N'hésitez donc pas à effacer ces chiffres ou à vous rendre dans votre visionneuse et ajuster les commandes directement sur la couche En saisissant chacune de ces petites commandes à bille ici, vous pouvez faire pivoter chacun de ces axes et faire pivoter la couche jusqu'à ce qu'elle vous convienne parfaitement Vous pouvez également le déplacer dans les trois dimensions afin déplacer tout droit vers le haut sur Y, de gauche ou de droite sur X, ou vers ou loin de nous sur Z. Je vais le placer directement dans le ciel, puis le pousser un peu par-dessus sur X. Et voyons ce que vous ressentez. Plutôt bon. Pour vraiment prouver que cela fonctionne, j'aimerais ajouter un autre texte ici au premier plan Pour ce faire, je dois à nouveau sélectionner l'effet de suivi de caméra à trois dimensions qui apparaît sur mes images. Et cela rendra tous ces points de suivi visibles à nouveau. Trouvons juste une belle grande zone ici au premier plan. C'est un peu dense ici, mais vous pouvez voir cette cible. Je vais cliquer à nouveau avec le bouton droit de la souris et choisir Créer du texte. Nous avons déjà un appareil photo, donc nous n'avons pas besoin d'en fabriquer un autre. Désélectionnons-le Et vous pouvez voir que ce nouveau texte est correctement suivi au premier plan C'est juste un peu trop grand. Arrêtons cet aperçu, sélectionnons ce texte au premier plan Et encore une fois, je vais alterner. Allons-y et adaptons-le à une taille un peu plus appropriée. Je pourrais le réduire un tout petit peu. Et voyons ce que l'on ressent. Sympa. Vous devez être prudent lorsque vous faites quelque chose comme ça. Plus vous êtes proche du sol, plus vous devez être précis lorsque vous déplacez des objets, mais je pense que cela fonctionne plutôt bien. Allons-y et mettons à jour ce qu'ils disent réellement. Et il se peut que je doive à nouveau modifier les positions. Je pense que l'exploration est probablement un peu trop importante. Alors réduisons un peu ce chiffre. Peut-être le déplacer un peu vers la gauche. Génial. Nous allons terminer avec une petite animation de texte, et je pense que c'est terminé. Euh, 81. en 13 - Suivi de caméra.: temps de passer à un autre projet de classe, le numéro 13, et nous aimerions que vous trouviez et nous aimerions que vous trouviez un plan animé dynamique pour une prochaine promotion et que vous vous assuriez que texte soit inclus dans le plan d'une manière qui semble vraiment à sa place et qui aille de pair avec tout le reste. Encore une fois, c'est à vous de décider de la longueur , de la taille et de la fréquence d'images. Cette taille et cette fréquence d'images seront déterminées par votre clip. Votre composition doit correspondre aux paramètres du clip pour que le Camera Tracker fonctionne correctement. Mais c'est à vous de décider de la longueur, aussi longue ou courte que vous le souhaitiez. Nous aimerions que vous choisissiez un clip vidéo avec une sorte de mouvement de caméra dynamique. Nous avons inclus quelques options pour vous, mais comme toujours, vous pouvez trouver la vôtre. Vous constaterez que les images aériennes fonctionnent très bien pour cela, à condition d' avoir des détails cohérents. Donc, l'eau est probablement un mauvais choix et un grand ciel ouvert sans aucun détail à suivre, ce sera aussi un mauvais choix. Mais si vous pouvez trouver de belles photos de survol de montagnes, de canyons ou d'autres choses de ce genre, cela ressemblera à une autre planète avec peut-être un peu de correction des couleurs, et elle suivra vraiment très bien avec ce tracker à trois caméras D. Une fois cette piste terminée, vous allez ajouter au moins un texte ou un autre élément graphique, si vous avez envie de texte ou un autre élément graphique, relever un défi, dans la photo, et vous voulez vous assurer qu'elle se déplace correctement et semble intégrée. Il ne devrait pas être fragile, il ne devrait pas dériver ou glisser d'une façon étrange Si vous rencontrez cela, vous voudrez peut-être simplement réessayer votre morceau ou peut-être essayer un autre clip. Pour rappel, voici ce que j'ai créé. Une fois que vous avez terminé, exportez cette animation sous forme de fichier MP4, téléchargez la vidéo exportée sur un site d'hébergement tel que Vimeo, YouTube ou Behance, et partagez ce lien avec nous, s'il vous Mais veuillez ne rien soumettre depuis un site de stockage dans le cloud et assurez-vous de le partager sur les réseaux sociaux lorsque vous aurez terminé. Ces types de clips ont toujours une belle apparence, et je suis sûr que vous obtiendrez un excellent accueil sur les réseaux sociaux. Cette technique a l'air plutôt cool et ne demande pas autant de travail que les gens le pensent probablement. J'espère donc que tu as hâte de créer quelque chose. J'ai hâte de voir ce que tu vas créer. Bonne chance 82. Les calques 2D dans l'espace 3D: Vous avez reçu une brève introduction informelle aux trois D lors de la dernière leçon, mais prenons quelques minutes pour vous aider à bien comprendre ce qu'implique l'utilisation des trois D dans After Effects. Il est préférable de le décrire comme un programme à deux D avec des fonctionnalités en trois D. Certains l'appellent 2,5 D. Je dis cela pour le différencier une application dédiée en trois D comme Blender ou Cinema Four D. Cela dit, offre à peu près les mêmes After Effects offre à peu près les mêmes fonctionnalités. Vous pouvez déplacer et faire pivoter des couches dans un espace en trois D. Vous pouvez travailler avec des caméras et des éclairages, et vous pouvez même importer trois modèles en D ou créer de simples formes en trois D avec des textures modifiables Nombre de ces fonctionnalités s'accompagnent complexité supplémentaire et de limitations spécifiques, et elles peuvent être beaucoup plus exigeantes pour votre machine. Il est donc préférable de se familiariser d'abord avec les bases. Je travaille simplement avec quelques éléments de nos leçons précédentes à titre de démonstration, mais si cela vous aide à suivre, vous pouvez simplement choisir ce que vous voulez. Je travaille simplement avec quelques éléments de nos leçons précédentes. Si cela vous aide à suivre, vous pouvez simplement prendre ce que vous voulez. Cette couche planétaire est déjà ouverte pour que vous puissiez voir toutes les propriétés de transformation, et vous pouvez, bien sûr, également la consulter dans le panneau des propriétés. Je vais accéder à ma colonne d' interrupteurs ici et trouver cet interrupteur juste trouver cet interrupteur juste en dessous de cette petite icône en forme de cube. Cliquez dessus pour activer les trois D pour cette couche et observer ce qu'il advient des propriétés de transformation lorsque je le fais. Notez que le point d'ancrage, la position et l'échelle ont tous une propriété supplémentaire pour vos valeurs Z, et que la rotation est passée d' une propriété à quatre. En ce qui concerne la position, cela fonctionne généralement de la même manière. Vous pouvez vous déplacer à gauche et à droite en X. Vous pouvez vous déplacer de haut en bas en Y, mais maintenant vous pouvez également vous déplacer vers et loin de nous dans l'espace Z. Vous pouvez également redimensionner les choses en trois dimensions, bien que cela soit un peu moins courant ici pour des raisons qui apparaîtront clairement dans une minute. rotation est probablement le changement le plus important, car vous devez maintenant penser à plusieurs axes de rotation. Vous pouvez le faire ici dans le visualiseur utilisant ce que l'on appelle le Gizmo à trois D. Bien entendu, vous pouvez également ajuster les valeurs en les effaçant comme nous l'avons fait à de nombreuses reprises Je pense qu'il est un peu plus facile de voir ce que vous faites en manipulant le Gizmo, et vous avez en fait des retournements qui vous aident à voir ce que vous êtes Ce cercle rouge ici sera notre rotation en X. Et si j'attrape cette petite bulle dessus, je peux faire pivoter ma couche autour de l'axe X. Nous allons annuler cela et trouver l'axe Y. Nous tournons donc autour du Y de cet objet. Annulons et trouvons Z Lorsque le calque est pointé vers vous, il s'agit essentiellement de la rotation normale que vous avez l'habitude de voir en deux D. Vous remarquerez peut-être que j'ai en fait ajusté la propriété d'orientation lorsque je le fais glisser Et juste pour différencier, notez que l'orientation comporte trois degrés mais pas de rotations complètes s' agit essentiellement de définir une position de départ pour votre couche, puis vous pouvez animer la rotation de chacun des axes au-delà de cette Il est certainement possible d'animer l'orientation, mais vous devez généralement éviter cela car vous ne pouvez pas effectuer de rotations complètes Et une fois que vous aurez fait le tour, il vous suffira de cliquer pour revenir à zéro. Réinitialisons cette couche et replaçons-la ici. Je vais l'étendre un tout petit peu. La chose la plus importante à comprendre à propos des trois D dans After Effects est que vos calques sont généralement toujours plats. Allons-y et activons les trois D pour ces autres couches afin de mieux comprendre à quoi nous avons affaire. Si je prends cette couche et que je la déplace légèrement vers nous dans l'espace Z, puis que je fais pivoter ma couche sur X, je peux réellement trouver un endroit où des parties de cette couche sont en train de disparaître Comme nous sommes dans un espace en trois D, nous devons maintenant commencer à nous inquiéter couches qui se croisent Cela est un peu plus facile à voir en utilisant une vue secondaire. Si vous regardez en bas de votre panneau d'affichage, vous avez ce petit menu déroulant ici, et je vais choisir deux vues ici. Sur cette deuxième vue, je l'ai configurée pour en afficher une sur mesure. Vous pouvez en essayer d'autres et voir si cela vous aide. Cette perspective supplémentaire peut être très utile pour comprendre ce qui se passe réellement. Je vais sélectionner à nouveau ma couche planétaire, et maintenant regarder ce qui se passe lorsque je la déplace en Z. Elle se déplace maintenant par rapport à sa rotation actuelle Donc, en fait, ce n'est pas directement vers nous. Il est incliné vers nous. Et vous pouvez voir que lorsque je le déplace vers l'avant et vers l'arrière, il arrive à un point où il croise l' croise Mais il ne s'agit toujours que d'avions plats dans un espace en trois D ou de cartes postales dans l'espace, comme certains aiment à l'appeler. Ainsi, lorsque vous déplacez des couches, vous devez être attentif non seulement à leur position dans l'espace et dans votre pile de couches, mais aussi à leur position dans un espace tridimensionnel les unes par rapport aux autres. Ouvrons la propriété de position de ces deux éléments afin que vous puissiez mieux comprendre ce qui se passe. Si je prends cette planète et que j'ajuste cette valeur Z pour qu'elle soit un nombre positif, cela signifie qu'elle est plus éloignée de nous que notre couche de fond dont la valeur Z est nulle. Plus le chiffre est petit, plus il est proche de nous. Donc, à l'heure actuelle, cette couche planétaire n'est pas visible pour nous car elle se trouve en fait derrière cette couche spatiale dans l'espace Z, même si elle se trouve au-dessus d' elle dans la pile de couches Comme vous pouvez le constater, cela ajoute une toute autre dimension littérale aux éléments auxquels vous devez faire attention lorsque vous travaillez avec Vous devez également faire attention à mélanger deux couches D et trois couches D dans la même composition, ce que vous pouvez absolument faire. Si vous regardez maintenant, vous verrez que ces trois couches sont activées en trois D, et qu'elles sont entourées d'un petit contour indiquant qu'elles sont regroupées dans ce que l' on appelle un compartiment à trois D. Regardez ce qui se passe si je désactive trois D pour la couche Rocket. Maintenant, ce contour ne fait que le tour de la planète et l'arrière-plan. Mais si je prends la couche de fusée, qui est maintenant composée de deux D, et que je la place entre la planète et l' arrière-plan dans la pile de couches, cela brise en fait ce binning à trois D. Ces deux couches se trouvent donc toutes les deux dans un espace en trois D, mais comme j'ai placé une couche en deux D entre elles, j'ai maintenant rompu cette relation de rendu. C'est en fait quelque chose que vous pouvez faire intentionnellement quand vous en avez besoin. Mais puisque vous ne faites que commencer, je vous le déconseille probablement, car cela peut ajouter un peu de confusion. Revenons à une vue unique, et il y a encore une chose que je voudrais expliquer. Allons-y et redéfinissons cette fusée comme une couche tridimensionnelle, et vous verrez que notre planète disparaît parce que, encore une fois, elle est plus éloignée de nous que l'arrière-plan. Allons-y, ramenons cela vers nous, ramenons ce Z à négatif. C'est donc devant cet arrière-plan, et nous allons également déplacer la fusée un peu vers nous et peut-être la faire pivoter un peu. Donc, à l'heure actuelle, nous avons quelques couches qui ont toutes des valeurs Z différentes, la fusée et planète étant plus proches de nous que le fond d'étoiles. Si je sélectionne les trois couches et que je les précompose, elles sont, bien entendu, traitées comme une seule couche maintenant, comme on pouvait s'y attendre Et je peux activer les trois D pour ça et non ? Eh bien, ils sont redevenus plats. Si vous voulez avoir accès à trois éléments dans cette précomposition, il existe un petit interrupteur magique qui vous permet de le faire Ce petit interrupteur qui ressemble un peu à un soleil, nous l'avons utilisé plus tôt pour indiquer aux calques Illustrator de se rasteriser en permanence, n'est-ce qui ressemble un peu à un soleil, nous l'avons utilisé plus tôt pour indiquer aux calques Illustrator de se rasteriser en permanence, n' pas Vous pouvez également l'utiliser sur des précompositions pour effectuer ce que l'on appelle des transformations d'effondrement. Cela nous permettra de voir réellement cette couche en trois D ici sur cette seule couche, ainsi que d'autres choses que je vais expliquer dans une minute Regardez ce qui se passe lorsque je clique dessus. Soudainement, ces couches apparaissent devant l'arrière-plan et remarquez que les limites des couches ont désormais également de la profondeur Et quand je le fais pivoter , vous pouvez pleinement voir la profondeur à l'intérieur de cette précomposition, même si nous l'avons réduite en une seule couche Mais sachez que cela ne fonctionne que si les couches à l'intérieur ont déjà été définies trois D. Je tiens à émettre un autre avertissement concernant l'utilisation des transformations d' effondrement. Cela signifie également que des éléments tels que les effets, les modes de fusion et les tapis de course seront également concernés, ce qui peut ajouter beaucoup de confusion Encore une fois, c'est probablement quelque chose que je vous éviterais jusqu'à ce que vous ayez une meilleure idée de tout Enfin, vous devez comprendre que travailler en trois D signifie que vos trajectoires de mouvement peuvent désormais devenir un peu plus compliquées. Si j'active l'animation pour la position sur cette propriété et que je passe à un autre moment, bien sûr, je pourrais simplement travailler dans le même type d'espace X et Y, et ma trajectoire de mouvement sera assez simple. Mais si j'ajoute Z à cette partie, maintenant cette trajectoire de mouvement est en fait dans les trois dimensions, et cela devient un peu plus complexe de travailler de cette façon, surtout si plusieurs couches se déplacent dans plusieurs dimensions à la fois, ce qui rend les intersections possibles très élevées Comme vous pouvez le constater, cela peut devenir très complexe très rapidement. Maintenant, je ne veux pas que vous vous laissiez intimider, mais je voulais vous en exposer certaines au cas où vous commenceriez à explorer et que vous vous retrouveriez bien en dehors de votre zone de confort Mais comme pour les parties précédentes de ce cours, nous allons prendre du recul et aborder les principes fondamentaux pour vous mettre à l'aise. 83. Flux de travail de conception de mouvement: nous avons principalement travaillé avec des exemples courts Dans ce cours, nous avons principalement travaillé avec des exemples courts et isolés, car le mouvement peut prendre beaucoup de temps, mais je veux m' assurer que vous êtes prêt pour un vrai projet. Voyons donc à quoi ressemble ce flux de travail. Bien entendu, elles ne sont pas universelles, mais la plupart d'entre elles s'appliqueront à tout projet comportant plus d'une ou deux prises de vue. J'aime beaucoup utiliser la métaphore d'une cascade pour les projets en mouvement, car il est possible de revenir à une étape précédente, mais il est beaucoup plus facile de suivre le courant et de s'assurer que chaque étape est approuvée par les parties prenantes impliquées avant de passer à la Vous ne voulez certainement pas passer 40 heures à animer quelque chose pour ensuite faire dire que le script et designs originaux doivent être totalement refaits, sont donc certainement pas universels, mais cela donne un bon aperçu de ce que la plupart des projets standard impliqueront probablement et de l'ordre dans lequel ils devraient se dérouler. Vous allez généralement commencer par un concept quelconque, qu' il s'agisse simplement de puces ou d'exemples du type de look que vous recherchez. Et cela sera généralement développé sous forme de script, qui peut contenir des dialogues entièrement scénarisés et des descriptions des visuels afin que vous puissiez vous assurer que vous avez tous les éléments dont vous avez besoin dans les deux et que vous dans les deux et communiquez le message que vous recherchez Vos visuels réels peuvent commencer par des croquis au crayon, puis ceux-ci peuvent être développés pour former un storyboard complet, où chaque partie du dialogue ou de la description est alignée avec Ils sont approuvés, ils peuvent commencer à être affinés dans les cadres de conception finaux, affinés dans les cadres de conception finaux, et en même temps, les croquis ou les dessins finaux peuvent être utilisés pour créer ce que l' on appelle une animatique, où vous utilisez ces visuels, bruts ou raffinés, ainsi que n'importe quelle voix off, qui, encore une fois, peut être approximative ou définitive et représentatif de la musique finale pour vous donner le rythme et la sensation Une animation est très utile pour une idée de ce à quoi ressemblera la pièce finale sous une forme approximative avant de consacrer tout ce temps à l'animation Cela est utile à la fois pour vous et potentiellement pour vos parties prenantes. Une fois que cela est bloqué et/ou approuvé, vous pouvez passer à une animation approximative, dans vous pouvez passer à une animation approximative, laquelle vous pouvez simplement bloquer des passes ou simplement marquer les rythmes principaux du script. Vous pouvez affiner une ou deux prises de vue à ce stade, juste pour vous assurer que la sensation finale soit logique. Encore une fois, avant de passer à autre chose et d'animer l'ensemble du projet. Une fois que vos parties prenantes s'y sentiront bien, vous pourrez vous lancer et terminer de peaufiner le reste de l'animation pour que tout soit plus final. Ensuite, vous pourrez peaufiner votre visuel final et apporter la touche finale à la couche de réglage qui vous permettra de tout ramener à la maison. C'est également à ce moment-là que vous souhaiteriez effectuer votre mixage sonore final, car le timing est bloqué. Ainsi, vous ne perdrez pas de temps mixer le son sur un produit qui peut encore avoir des changements de synchronisation. Une fois tout cela fait, vous livrez les fichiers finaux dans le format approprié, archivez votre projet et vous passez au suivant. 84. Ajouter de la perspective à une image plate.: Nous allons utiliser certaines de ces nouvelles connaissances en trois dimensions pour créer un changement de perspective dynamique afin de rendre une image statique plus intéressante et plus attrayante. Mais au lieu de déplacer la couche elle-même, nous allons créer et animer une caméra virtuelle J'ai déjà importé cette image, qui n'est qu'une capture d'écran du site Web de la NASA, et vous pouvez voir que je l'ai capturée à quatre K. Nous allons travailler à 19h20 par 1080 fait d'avoir une image plus grande me donne donc beaucoup de flexibilité pour me rapprocher sans perte de qualité Je vais commencer par créer de nouvelles compositions. Et je vais juste utiliser ce préréglage de 1920 x 108030 images par seconde Vous pouvez utiliser quelque chose de similaire. 4 secondes semblent être une bonne durée pour cela, et la couleur de fond n'a pas d'importance. Donc je vais juste appuyer sur OK. Et je vais prendre cette image et faire glisser directement dans mes compositions. Vous verrez qu'il est trop grand pour le cadre en ce moment, mais c'est en fait une bonne chose. Ensuite, nous allons créer une caméra. Nous l'avons fait plus tôt dans le cadre d'une leçon de suivi, mais nous allons en créer une à partir de zéro et l' animer nous-mêmes Vous pouvez accéder au menu Layer et choisir une nouvelle caméra, ou vous pouvez appuyer sur Ctrl Alt Shift C ou, bien sûr, sur Command Option Shift C. Ou vous pouvez descendre dans la zone vide ici, cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir une nouvelle caméra. Vous obtiendrez cette fenêtre contextuelle qui vous offre toutes sortes d'options pour créer la caméra. Le premier endroit que vous voudrez probablement visiter est ce menu déroulant prédéfini. 50 millimètres est la distance focale la plus proche de l'œil humain, et c'est en quelque sorte un bon juste milieu Si vous optez pour les extrêmes, vous pouvez utiliser un objectif très grand angle ou un téléobjectif , auront un impact sur l'apparence de votre scène et sur le comportement de l' appareil photo Je vous recommande vivement de créer un exemple de scène comme nous l'avons utilisé dans la leçon précédente, et d'essayer différentes distances focales et de voir comment elles affectent l'apparence des choses. Laissez le set à 50. Je soulignerai également que, comme il s' agit d'une caméra virtuelle, vous pouvez définir n'importe lequel de ces paramètres à peu près n'importe quoi. Je pourrais régler cette distance focale à 2 millimètres. n'est pas nécessaire que ce soit possible dans le monde réel. Encore une fois, n' hésitez pas à expérimenter et à essayer toutes sortes de choses folles ici. L'autre paramètre que je dois souligner se trouve ici. La caméra par défaut est une caméra à deux nœuds, et je vais expliquer ce que cela signifie dans une minute à l'aide de quelques visuels. Vous pouvez régler cela sur une caméra à un nœud, laquelle certaines personnes trouvent qu'il est un peu plus facile de travailler. Mais je pense que pour cet exemple, deux nœuds seront beaucoup plus intuitifs. Ensuite, je vais simplement appuyer sur OK. Et avant de travailler avec notre caméra, nous devons nous assurer que cette autre couche est réglée trois D afin que les mouvements de la caméra nous montrent réellement quelque chose. Pour vous aider à comprendre ce qui se passe, je vais revenir à cette vue double et m'assurer que ma seconde est configurée sur une vue personnalisée. Mais encore une fois, vous pouvez choisir un point de vue différent ici si cela vous aide à mieux comprendre. Je vais faire un petit zoom arrière sur le côté droit pour que vous puissiez réellement voir ce que nous sommes en train de regarder. Sur la gauche, nous observons notre composition à travers la caméra. Et ici, sur la droite, vous pouvez voir fois notre couche dans un espace 3D et cette caméra virtuelle qui possède les mêmes commandes de couche en trois D que celles que nous avons vues dans la leçon précédente, ainsi que la zone qu'elle examine actuellement. Ainsi, lorsque nous utilisons les commandes pour déplacer la caméra, vous allez voir cette caméra bouger et s'ajuster dans un espace en trois D. Je vais sélectionner à nouveau ma composition de gauche, et j'ai accidentellement sélectionné mon calque en cliquant ici pour que vous puissiez voir qu'il a fallu ces trois commandes en D. Mais nous ne voulons pas animer la couche. En fait, pour des raisons de sécurité, je vais venir ici et verrouiller cette couche afin que nous ne puissions pas la déplacer accidentellement. Mais en regardant ici, dans cette visionneuse de gauche, je vais utiliser les outils de la caméra pour ajuster notre champ de vision. Vous pouvez trouver chacun d'entre eux ici dans votre barre d'outils. Voici l'outil Orbit qui fait pivoter la caméra, le PayNTOL qui vous déplace en X et Y, et l'outil Dolly qui vous déplace en Z. Vous verrez que chacun d'entre eux comporte des options supplémentaires en dessous, mais nous allons simplement utiliser celui du haut pour celui du haut Vous pouvez venir ici et cliquer sur ces boutons, mais bien sûr, ils ont des touches de raccourci. Vous pouvez parcourir chacune d'entre elles à l'aide de la touche C. Donc, en ce moment, je suis sur orbite. J'appuierai une fois sur C, et maintenant je suis sur l'outil Pan. Je vais appuyer dessus une fois de plus, et maintenant je suis sur le chariot, qui me permettra d'entrer et de sortir de la scène Vous pouvez également activer temporairement chacune d'entre elles en utilisant les une, deux ou trois touches situées en haut de votre clavier. Maintenir cette touche enfoncée me permettra temporairement à l'outil Orbit jusqu'à ce que je le relâche. Maintenez les deux touches enfoncées pour accéder à l'outil Pan, et maintenez les trois touches enfoncées l'outil Dolly si je ne l'ai pas déjà sélectionné Vous pouvez donc utiliser l'un ou l'autre, selon ce qui vous convient le mieux. Je vais commencer par utiliser l'outil Dolly, qui éloigne notre appareil photo de l'image lorsque je clique et fais glisser le Et si je reviens assez loin, vous verrez les bords de notre image, ce que nous ne voulons évidemment pas voir ici. Je vais créer un mouvement dynamique en zoomant depuis cette zone, puis en reculant pour voir l'ensemble du cadre Mais nous pouvons l'utiliser pour créer des angles intéressants, ce qui peut être un excellent moyen de donner vie à une image statique que vous devez inclure dans une vidéo et d'aider vos spectateurs à se concentrer sur une partie spécifique de l'image ensuite révéler le tout. Je vais utiliser cet outil Dolly pour nous rapprocher d' ici, puis passer à mon outil panoramique pour ajuster la vue, Dolly un peu plus mon outil panoramique pour ajuster la vue, Dolly un peu Outil Pan J'ai cette superbe petite zone encadrée, et je n'ai pas encore du tout ajusté mon outil d' orbite. Je suis donc toujours face à cette image. J'ai juste ajusté la position de la caméra et le chariot. Je vais sélectionner mon appareil photo et l'ouvrir. Et vous verrez que cette couche de caméra possède à peu près les mêmes commandes que celles auxquelles nous sommes habitués. Mais au lieu d'un point d'ancrage, il possède ce qu'on appelle un point d'intérêt. Et en regardant le bon spectateur, vous pouvez vraiment le voir. Voici la position de ma caméra, et nous pouvons la faire pivoter autour de son point actuel, mais vous pouvez également sélectionner le point d' intérêt et le déplacer pour changer ce que regarde votre caméra sans changer sa position. Plutôt cool, non ? Allons-y et annulons cela. Une caméra à un nœud n' aura aucun point d'intérêt. Ce contrôle n'existera tout simplement pas. Vous pouvez donc ajuster la position et la rotation de la caméra, mais vous n'aurez aucune commande pour déterminer précisément ce qu'elle regarde. Pour certains projets, ce sera plus simple, et pour d'autres, cela compliquera les choses. Il vous suffit de déterminer ce qui vous convient dans chaque contexte. Pour celui-ci, je veux être en mesure de déterminer ce que regardent les caméras. Ainsi, lorsque nous animerons cela, nous devrons saisir à la fois le point d' intérêt et la position Créons-les donc et progressons un peu. Disons environ 3 secondes ici. Je vais revenir ici et utiliser les outils de mon appareil photo pour ajuster la vue. Repartons Dolly pour voir ce que nous faisons. Poêle-toi. Et ça irait. Ce serait une sorte de simple zoom. Honnêtement, vous pouvez obtenir la même chose en redimensionnant simplement la couche. Ce n'est donc pas très intéressant. Utilisons l'outil d'orbite et donnons-nous ici un bel angle dynamique. Vous devrez probablement utiliser ces trois commandes en combinaison unes avec les autres jusqu'à ce que vous trouviez ce que vous recherchez. Et vous devez faire attention à ne pas montrer accidentellement certains bords lorsque vous effectuez ces réglages. Si vous utilisez une image différente, bien entendu, vos paramètres seront légèrement différents des miens. Essayons un aperçu rapide et voyons à quoi cela ressemble. OK, pas trop mal. Je pense qu'un angle légèrement plus dynamique serait encore plus intéressant. Je vais voir si je peux le faire sans perdre mon avantage. Continuez simplement à naviguer dans cette situation. Et si je trouve le bon endroit. Je pense que c'est plutôt bien. Affinons un peu ces images-clés. Je vais les déplacer, les sélectionner tous et Easy Ease, allons-y et ouvrons l'éditeur de graphiques. Maintenant, comme ces deux propriétés ressemblent à des positions, je ne pourrai pas utiliser le graphique des valeurs ici . Je dois donc m'assurer que je suis réglé sur le graphique de vitesse. Je vais sélectionner les deux en même temps. Apportez-les, apportons également ces clés d'atterrissage et voyons ce que vous ressentez. Sympa. C'est donc un excellent moyen de cadrer un domaine d' intérêt spécifique pour attirer l'attention du spectateur sur celui-ci , puis de le sortir pour montrer l'ensemble du cadre. Si vous décidez que vous n' aimez pas ce que vous avez fait, vous pouvez bien sûr réinitialiser l'appareil photo ici même. Il existe également une commande spéciale pour réinitialiser les caméras, que vous avez peut-être remarquée lorsque j'étais dans ce menu plus tôt. Vous pouvez en fait réinitialiser l'une des vues actuellement sélectionnées. Il se trouve que je suis sélectionné sur la vue personnalisée en ce moment, donc je peux la réinitialiser si j' y ai apporté des modifications. Ou je peux revenir, sélectionner ici et rétablir la vue par défaut si c'est ce que je voulais. Mais bien sûr, pour l'instant, je ne vais pas terminer, revenons à la vue unique. Zoomez et regardez notre aperçu final. Cette technique peut également être très efficace avec des séquences animées, en particulier une capture d'écran comme celle-ci. Vous devez simplement être beaucoup plus attentif au timing et coordination des mouvements afin de ne pas créer de distractions avec l'un ou l'autre. 85. Projet 14 - Mouvements de caméra en 3D.: Encore une fois, c'est l'heure des projets de classe, et nous avons une prochaine présentation qui nécessitera une poignée d'images statiques. Nous nous demandions donc s' il y avait quelque chose que vous pouviez faire pour les rendre plus intéressants. La longueur, la taille et la fréquence d'images de la composition dépendent à nouveau de vous. Je suggère d'utiliser un cadre de 1920 x 1080, car il est assez facile d'obtenir des images plus grandes que cela, ce qui vous donnera une grande flexibilité. Nous aimerions que vous recueilliez trois images différentes correspondant à votre destination. Et encore une fois, c'est idéal si vous pouvez les enregistrer au moins le double de la taille du cadre. Ce serait donc quatre K ou, si vous les trouvez encore plus grands, cela vous donne encore plus de flexibilité sans aucune perte de qualité. Nous vous demandons de créer un court mouvement de caméra dynamique pour chaque image, puis les assembler en une seule vidéo. Maintenant, vous pouvez faire chacune d'entre elles dans sa propre composition. Ou si vous le souhaitez, vous pouvez faire les trois dans une seule composition avec le même appareil photo. Vous devez juste faire un peu plus attention à votre découpage et à votre image-clé Ce sera une bonne occasion de s' entraîner à travailler avec des caméras de différentes manières. Entraînez-vous à peaufiner ces images-clés et, idéalement, trouvez un moyen de réaliser ces trois prises de vue, ayant l' impression qu'elles fonctionnent ensemble et en évitant sauts brusques entre elles Une fois que vous avez terminé, comme toujours, veuillez exporter votre animation sous forme de fichier vidéo MP4. Téléchargez votre vidéo exportée un site d'hébergement vidéo et partagez ce lien avec nous. Ne soumettez rien aux sites de stockage dans le cloud et partagez-le sur les réseaux sociaux lorsque vous avez terminé. Ce serait un excellent petit exercice pour se familiariser avec trois caméras D et seulement trois appareils photo en D en général. Bonne chance 86. Créez un effet de parallaxe: Pour cette leçon, nous allons travailler avec des illustrations que j'ai créées dans Illustrator. Jetons un coup d'œil aux couches avec lesquelles nous devons travailler. Nous avons un peu de ciel en arrière-plan, quelques lunes, cette fusée que nous prévoyons d' animer dans le ciel, quelques couches de montagnes, puis des bâtiments en arrière-plan, au milieu et Ici, dans After Effects, j'importe ce fichier en tant que taille de couche de composition. Et vous verrez que cette taille de cadre est un peu différente de celle sur laquelle nous travaillions normalement. Nous aborderons cette question dans un instant. Allons-y et ouvrons-le. Et bien sûr, il serait possible d'animer une scène comme celle-ci totalement en deux D. Il faudrait sélectionner chaque couche, ouvrir et ajuster ces positions Mais ensuite, nous devrions faire de même pour chaque couche, et pour chacune d'elles, nous devrions l'ajuster un peu moins, ce qui devient assez difficile lorsque vous avez affaire à un grand nombre de couches comme celle-ci. Il y a beaucoup de va-et-vient pour ajuster chacun d'eux, et il est possible que cela devienne assez compliqué. Dans la vraie vie, plus un objet est éloigné de votre œil, moins il semble bouger lorsque vous changez de point de vue. Nous pouvons reproduire cela ici dans After Effects en éloignant les calques de nous, puis nous utiliserons à nouveau l'appareil photo comme principal moyen d'animer cette scène Je vais en parler un peu pour nous donner plus de marge de manœuvre dans la chronologie. Faisons un peu de ménage avant de commencer à animer En parcourant nos couches, nous avons le fond du ciel et ces deux lunes qui n'auront pas vraiment besoin de se déplacer par rapport au ciel Comme je l'ai dit, je prévois d' animer cette fusée dans le ciel, mais elle est également si éloignée qu'elle se trouvera essentiellement sur le même plan que le ciel, et je ne pense pas avoir besoin de faire face à la complexité d'une trajectoire en trois D. Le plus logique est donc de sélectionner ces quatre couches et de les précomposer. Nous allons donc les traiter comme une seule pièce et animer la fusée contenue dans cette précomposition Faisons un petit code couleur rapide. Et définissez toutes ces couches sur trois D. Maintenant que tout est importé et configuré, je vais mettre à jour les paramètres de composition. Nous allons donc aborder les paramètres de composition, ou vous pouvez appuyer sur Ctrl ou Commande K, et je vais simplement régler ce paramètre sur l'un de ces préréglages de 1920 x 1080 J'utilise 24 images par seconde. Et comme ces couches sont toutes beaucoup plus larges que nos compositions, nous avons maintenant suffisamment d'espace pour glisser d'avant en arrière. Il suffit de créer une caméra. Je vais donc cliquer avec le bouton droit de la souris ici, nouvel appareil photo. Je pense que ce préréglage de 50 millimètres fonctionnera à nouveau très bien. Cette fois, une caméra à un nœud sera parfaite. Nous ne modifierons pas du tout l'orientation de cette caméra ni la direction qu'elle regarde. Nous déplaçons littéralement la caméra sur la scène. Nous ne profiterons donc pas tout d'un point d'intérêt, il est donc plus facile de ne pas en avoir un. C'est assez facile à faire dans une seule vue, mais je vais ouvrir la seconde pour vous aider à voir ce qui se passe. heure actuelle, vous pouvez voir que notre caméra regarde toutes ces couches, mais comme elles ont toutes la même position en Z, il s'agit simplement d'une scène plate. Je peux déplacer cet appareil photo, mais il semblerait que je ne me déplace que sur une seule image, n'est-ce pas ? Mais si nous commençons à déplacer ces couches dans l'espace Z, nous allons créer cette profondeur qui sera belle lorsque nous déplaçons la caméra Maintenant, nous pourrions tout à fait le faire manuellement en ouvrant les positions Z, et nous pourrions laisser les bâtiments un à zéro, mais reculer les bâtiments deux, peut-être 200, nous frayer un chemin à travers et régler les bâtiments suivants à 400. Peut-être que nous laisserons un petit écart entre les montagnes, alors nous les fixerons à 800 ou 11 200 Ensuite, nous créerons à nouveau de l'espace pour l'arrière-plan et le replacerons à 2000. Comme vous pouvez le voir dans la vue personnalisée, nous avons maintenant créé beaucoup de profondeur dans la scène. Et si vous regardez sur le côté gauche, vous pouvez voir cette profondeur, mais nous avons également créé un problème dans la mesure où, au fur et à mesure que les couches s'éloignent, nous devrons redimensionner chacune d'elles pour qu'elles reprennent leur position initiale. Vous pouvez tout à fait travailler de cette façon, et lorsque vous devez être précis, c'est la bonne solution. Mais si vous souhaitez déplacer facilement toutes les couches de manière proportionnelle, il existe un moyen très rapide de le faire. Je vais rapidement annuler pour revenir à nos valeurs de départ. Ensuite, je vais passer à ma chronologie, sélectionner les bâtiments 1, maintenir la touche Maj enfoncée sélectionner les bâtiments 1, maintenir la touche Maj et sélectionner Sky VG J'ai donc l'intention de les sélectionner dans cet ordre. Maintenant, si je maintiens Ctrl et Alt ou Commande et Option sur Mac et que je nettoie la valeur Z, cela va ajuster la valeur inférieure et tout changer entre les deux de manière proportionnelle Regarde ça. Je vais essayer de nettoyer cet arrière-plan jusqu'à environ 2000 et de remarquer que tout le monde entre les deux est progressivement modifié pour revenir à zéro changement sur cette première couche Maintenant que nous les avons tous sélectionnés, je peux simplement appuyer sur S pour afficher l'échelle et faire la même chose ici pour les ramener à la bonne taille Et en jetant un coup d'œil à notre outil Caméra, regardez cette magnifique parallaxe que nous avons maintenant Je pense que nous sommes prêts à animer. Je vais donc procéder et revenir à une vue unique. Je ne trouve pas celui-ci très utile pour ce que je fais en ce moment. Je voulais juste que vous compreniez cette profondeur que nous sommes en train de créer. Donc, en repensant à notre scène, je vais faire voler la fusée d'un endroit à un autre. Faisons peut-être suivre cette caméra. Je pense qu' il y a probablement un bon point de départ pour que nous ne perdions pas l' avantage ici. Nous pouvons ouvrir notre caméra. Et remarquez, encore une fois, que nous n'avons aucun intérêt ici, mais nous pouvons animer la position, sauter jusqu'à la fin de notre composition et simplement la faire glisser dessus à l'aide de cet outil de panoramique Faisons un rapide aperçu. Génial. Je vais juste vous presser de le supprimer. Allons-y et animons cette fusée. Je vais juste revenir au début. Je vais simplement l'ouvrir complètement parce que je prévois d' animer la position, la rotation de l' échelle et peut-être un peu l' opacité Je vais commencer ici , puis le déplacer comme ça. Utilisons notre outil Stylo pour créer un petit arc, puis j' ajusterai la rotation pour qu'elle donne l'impression qu'elle suit cette ligne. Il existe un paramètre qui permet suivre automatiquement un chemin, mais je trouve souvent qu'il est préférable de le faire soi-même Maintenant, je vais ajuster l'échelle un peu à la baisse pour donner l' impression qu' elle s'éloigne, et pour aider à vraiment vendre cela, si je réduis un peu l' opacité, j'aurai un peu l'impression qu'elle disparaît dans l'atmosphère au fur et à mesure qu'elle s'éloigne C'est assez simple, non ? Je pense que nous sommes bons avec cette fusée. Revenons à l'autre composition et voyons comment ils se sentent ensemble. Sympa. Maintenant, je n'en vois qu'un petit coup d' œil en bas Il semblerait que je sois coincé au bas de l'une de ces couches. Et cela se produit parfois lorsque vous avez tout déplacé et que vous l'avez agrandi. Il se peut que je doive ajuster légèrement la position de certains d'entre eux . Débarrassons-nous de ce contexte ici. Déplacez simplement ces montagnes juste assez bas pour qu'il n'y ait aucun problème et jetez un coup d'œil à chacune de nos autres couches. Je pourrais peut-être déplacer cette couche un peu plus haut. Je le fais en quelque sorte à la fois en regardant les boîtes de délimitation et en voyant ce qu'elles nous montrent réellement chez le spectateur D'accord, c'est plutôt solide. Nous en avons peut-être terminé ici, mais ces caméras virtuelles ont une autre fonctionnalité intéressante qui nous permet de tirer parti de la profondeur de champ. Si vous regardez ici, dans les options de caméra, vous verrez la profondeur de champ ici. Et il y a plein d'autres paramètres avec lesquels nous n'allons pas jouer aujourd'hui. Mais nous pouvons activer la profondeur de champ, puis nous aurons quelques commandes qui détermineront son apparence. Je vais augmenter un peu ces paramètres pour que ce qui se passe soit vraiment clair. Vous devriez généralement être un peu plus subtil ici que les chiffres que j'utilise. Je vais augmenter mon ouverture à environ 50, et régler le niveau de flou à 300, je ne sais pas Vous devriez déjà être en mesure de voir un certain adoucissement en arrière-plan Maintenant, pour cette distance focale, nous voulons nous assurer que la couche que nous voulons avoir le plus de mise au point se trouve exactement à cette distance de notre appareil photo. En regardant ici, nous voyons que notre caméra est à -2 666,7, et bien sûr, notre première couche de bâtiments est juste à zéro sur Z. Donc, cette valeur ici est celle que nous voulons Nous allons donc simplement le fixer à 2 666,7. La couche avant est désormais parfaitement nette. Amenons notre CTI à environ 2,5 secondes et créons une image-clé pour la distance de mise au point Vous pouvez modifier cette valeur au fil du temps et créer un sondage de focalisation pour déterminer quelles couches sont focalisées. Je vais venir ici pendant 5 secondes. Et maintenant, si nous voulons que la couche arrière soit nette, nous suffit de calculer cette distance. En regardant cette couche, nous nous sommes retrouvés à 1983 sur Z. Comme After Effects nous aide à faire le calcul, nous allons simplement taper plus 1983 Et maintenant, cette couche de fond de ciel est parfaitement nette et les bâtiments devant sont beaux et doux. Je vais régler cette ouverture encore un peu plus haut pour que cela soit vraiment clair. Et revenons ici, simplifiez facilement ces images-clés et essayez un aperçu rapide Nous utilisons à nouveau ces techniques pour aider le spectateur à se concentrer sur ce qui est important. En ajoutant simplement cette dimension, nous pouvons les aider à se concentrer sur le premier plan , puis à pointer leurs yeux vers cette fusée Je trouve que c'est plutôt sympa, mais j'ai juste quelques derniers détails. Une chose que je remarque, c'est qu'à l'avance, nous avons ce charmant BCA créé par nos stars, mais pour le moment, ce n'est qu' C'est parce que la forme de l' iris est réglée sur l'option la plus rapide possible , à savoir un rectangle. Nous pouvons définir cela comme un polygone avec plus de côtés pour le rendre un peu plus réaliste Je pense qu'un hexagone suffira probablement pour cet exemple Vous ne le verrez peut-être pas très bien dans l'enregistrement, mais les étoiles sont passées de petits carrés à une forme beaucoup plus ronde. J'ai aussi l'impression qu'avec cette jolie Boca que nous sommes en train de recevoir, fait d'avoir plus de stars aiderait vraiment à le mettre en valeur Je vais donc revenir sur cette composition et ajouter quelques étoiles supplémentaires en et ajouter quelques étoiles supplémentaires utilisant la technique que nous avons utilisée plus tôt. Fermons cela et créons un nouveau solide. Nous veillerons à ce qu'il soit blanc et lui donnerons le nom d'étoiles. Nous allons prendre CC Starburst. Réglez cette vitesse à zéro et réduisez peut-être la taille jusqu'à ce que vous vous sentiez bien. ce propos, nous allons le remettre ici, peut-être ajuster un peu l'espacement des grilles pour qu'elles ne soient pas aussi denses Allons-y. Maintenant, nous avons quelques héros vedettes et quelques bonnes étoiles en arrière-plan. Et regardez la différence que cela fait. Très bien, essayons un dernier aperçu. Je noterai que la modification de la forme de cet iris rend définitivement la création des aperçus plus longs Vous voudrez donc certainement effectuer la majeure partie de votre travail avec les paramètres les plus rapides et enregistrer cette modification pour la fin. 87. 15 - Scène en Parallaxe en 3D.: J'espère que vous aurez le temps de vous consacrer à un autre projet de classe, car nous sommes en train de préparer une proposition pour développement de futures colonies spatiales, et nous serions ravis que vous puissiez créer une brève visualisation de certaines des possibilités qui s'offrent à nous. Encore une fois, c'est à vous de décider de la longueur, de la taille et de la fréquence d'images de la composition . Je vous recommande d'utiliser quelque chose d'assez standard ici, mais si vous vouliez le rendre plus vertical, par exemple, ce serait très bien. Nous aimerions que vous créiez ou assembliez une scène avec au moins cinq couches disposées dans l'espace Z pour créer de la profondeur J'ai fourni le design de ma démo, que vous êtes libre de réutiliser et de recolorer comme bon vous semble ou, bien sûr, de créer le vôtre Une fois ce design configuré, créez et animez une caméra à un nœud se déplaçant sur la scène pour créer un effet de parallaxe N'hésitez pas à ajouter des bonus supplémentaires, comme la profondeur de champ ou certains objets se déplaçant sur l'écran. Vous pourriez avoir cette fusée ou d'autres vaisseaux spatiaux ou créer un peu plus de mouvement dans les couches de premier plan Cela dépend entièrement de vous. Pour rappel, c'est ici que j'ai fini par utiliser tout cela. Une fois que vous avez terminé, exportez votre animation sous forme de fichier MP4, téléchargez-la sur un site d'hébergement vidéo et partagez ce lien avec nous. Comme toujours, ne soumettez aucun lien vers des sites de stockage dans le cloud et assurez-vous de le partager sur les réseaux sociaux lorsque vous aurez terminé afin que d'autres personnes puissent voir tout votre excellent travail. J'espère que tu t'amuseras bien avec celui-ci. Bonne chance 88. Travaillez plus efficacement: Maintenant que vos projets sont de plus en plus complexes, à m'assurer que vous êtes au courant de certaines choses dans les préférences je tiens à m'assurer que vous êtes au courant de certaines choses dans les préférences. En regardant le disque, il y a ce que l'on appelle le cache disque dont After Effects tire parti lorsqu'il crée vos aperçus Idéalement, vous souhaiteriez qu'il se trouve sur un disque dur dédié et rapide. Si ce n'est pas le cas, sachez que le traitement d' After Effects prendra un peu plus de temps s' il partage le même lecteur avec votre système d'exploitation, vos fichiers de projet et votre média source. Il occupera également autant d'espace que vous le lui accordez. Donc, si vous n'avez qu'un seul disque dur sur votre ordinateur, After Effects va remplir cet espace, qui risque de vous retrouver avec un disque dur très surchargé Je vous recommande donc vivement de venir ici, jeter un œil et de vous assurer que vous êtes conscient de l' endroit où cela se trouve et de l'espace que vous accordez à After Effects. Si vous le déplacez ailleurs , je veillerai à vider votre cache disque avant laisser ces fichiers là où ils se trouvent déjà. Tu ne perdras rien ici. After Effects les régénérera simplement prochaine fois que vous créerez des aperçus Vous voulez également vérifier ici en mémoire et en processeur. After Effects utilisera pratiquement la quantité de RAM que vous lui donnez, mais vous devez être conscient de la quantité RAM que vous réservez aux autres applications que vous pourriez utiliser. Et surtout si vous prévoyez ouvrir Premiere ou Photoshop pendant que vous travaillez dans After Effects, vous devez vous assurer de ne pas priver ces applications de RAM, car elles seront alors très lentes et bloqueront peut-être votre machine manière générale, plus vous avez de RAM sur votre machine, plus vous voudrez probablement en allouer ici. Si vous avez 32 concerts, vous voudrez probablement en réserver six à huit Si vous en avez 64, vous voudrez probablement en réserver huit à dix. Encore une fois, ce chiffre peut varier légèrement en fonction de votre système, mais si vous rencontrez des problèmes de performances, c'est un bon endroit pour vérifier. Un autre bon moyen de travailler efficacement consiste utiliser à bon escient le panneau de prévisualisation. Nous avons examiné cette question sous une forme très simple plus tôt, mais comprendre certaines des options proposées ici peut vraiment vous faire gagner beaucoup de temps. Par exemple, vous pouvez prévisualiser uniquement la plage sur laquelle votre zone de travail est actuellement définie, ce qui est généralement ma préférence, mais vous pouvez également définir cette plage pour qu'elle prenne en compte toute la durée ou que votre zone de travail soit étendue à toute la durée ou l'heure actuelle, est-à-dire où se situe votre CTI s'il se trouve en dehors de votre zone de travail Vous pouvez également choisir de jouer dès le début de cette zone de travail. C'est la plage ou votre heure actuelle, où qu'elle se trouve. Voici ceux qui vous font vraiment gagner beaucoup de temps. Cette résolution est généralement définie sur automatique par défaut, mais vous pouvez également la définir sur une résolution spécifique, ce remplacera en fait votre visionneuse de compositions est actuellement configurée Donc, si vous réglez ce paramètre sur trimestriel, toutes vos aperçus seront en fait créés à une résolution trimestrielle, ce qui signifie qu'elles seront produites beaucoup plus rapidement, mais leur apparence sera un peu moins bonne. Pour certaines étapes de votre animation, cependant, c'est une façon vraiment intelligente de travailler. Vous pouvez également demander à After Effects de sauter les images si vous avez seulement besoin de voir l'idée principale et non chaque image individuelle pour le moment. sautez une image sur deux vos aperçus seront littéralement créés en deux fois moins de Remettons-le sur Auto. Et le véritable avantage réside ici : vous avez en fait plusieurs raccourcis différents que vous pouvez utiliser pour créer des aperçus, et chacun d'eux aura son propre ensemble d'options que vous configurez Peut-être que je veux que la barre d'espace soit un aperçu qui crée chaque image et le fasse à la résolution sur laquelle mon visionneur est déjà configuré Mais je pourrais configurer Shift plus la barre d'espace pour un aperçu d'un quart de résolution qui passe à une image sur cinq, ce qui signifie que ce sera très rapide sale mais très rapide Comme c' est le cas pour la plupart des contenus d'After Effects, prenez quelques minutes pour l'examiner explorer les options et faire en sorte que cela fonctionne pour vous. Je recommande généralement pas ajuster la fréquence d'images ici dans le panneau, sauf si vous êtes très intentionnel dans ce que vous faites. La plupart du temps, je considère que c'est une bonne recette pour semer la confusion. En parlant d'aperçus plus rapides, vous pouvez également utiliser une stratégie appelée pré-rendu lorsque vous avez un projet qui implique plusieurs éléments plus petits, et peut-être que certains d'entre eux arrivent au point où ils sont pratiquement terminés, mais ils vous ralentissent quand même lorsque vous devez créer des aperçus de l'ensemble de la chronologie Par exemple, supposons que cette section de graphique à barres de ce projet ait été entièrement terminée et verrouillée, mais que je travaille toujours sur les autres parties. agit évidemment d'un projet assez simple, mais s'il s'agissait d'une animation plus complexe, il serait peut-être plus rapide de passer à cette précomposition, rendre et de simplement ramener ce fichier ici en tant que couche supérieure Ainsi, After Effects n' aura pas à penser à générer l'aperçu à partir de toutes les couches présentes, il se contentera de regarder le fichier vidéo, qui vous permettra de travailler beaucoup plus rapidement dans cette chronologie pendant que vous créez le tout. Enfin, depuis After Effects 2026, nous disposons d'un excellent outil pour rechercher rapidement des effets, des commandes de menu, des préréglages, etc. Si vous appuyez sur Ctrl ou Commande Entrée, un menu appelé Application rapide s'affichera qui vous donnera accès à pratiquement tout ce qui est consultable dans ce programme Mais bien sûr, vous devez savoir ce que vous recherchez. Tout ce que vous avez à faire est de taper le nom, comme un bruit fractal Et vous verrez tout ce qui correspond cela ou qui s'en rapproche. Cette recherche est en fait assez souple, donc je pourrais aussi simplement taper Et le bruit fractal persiste, mais il en va de même pour tout ce qui correspond à FN, comme le numéro d'image Vous remarquerez que les commandes de menu se trouvent également ici. Donc, si j'ai tapé NF, le nouveau dossier est éligible pour Et comme pour la plupart des choses ici, vous pouvez réellement le personnaliser. Donc, si vous souhaitez modifier les éléments visibles ici, vous pouvez le faire. Et si vous souhaitez modifier le raccourci qui affiche ce menu, vous pouvez le modifier dans vos raccourcis clavier. 89. Conseils pour exporter: Les fichiers vidéo peuvent être volumineux, c'est pourquoi nous voulons nous assurer que nous utilisons les bons paramètres lors de l'exportation. Comme nous le savons déjà, lorsque vous êtes prêt à exporter une animation, il vous suffit de passer à la composition, ajouter au rendu Q et, dans de nombreux cas, les paramètres par défaut indiqués ici vous conviendront parfaitement. Mais voyons ce que vous pouvez faire si vous souhaitez les modifier. Ce menu déroulant vous donne plusieurs préréglages, y compris quelques options rapides pour un h264 de qualité inférieure ou un h264 de meilleure qualité Ils sont tous bons comme livraisons finales, ou vous pouvez utiliser d'autres préréglages, comme la haute qualité Cela va créer un format de fichier complètement différent. Il s'agira d'un fichier MOV utilisant un codec vidéo appelé Pro Rs. Il s'agit d'un bon format intermédiaire ou de travail que vous pouvez utiliser en interne, mais pas très intéressant à diffuser. La technologie d'encodage vidéo est un terrier à part entière, mais je tiens à vous montrer les options qui s'offrent à vous. Avec n'importe lequel de ces préréglages, vous pouvez simplement cliquer sur le nom après l'avoir créé pour le personnaliser Vous serez capable de choisir différents formats, définir des actions de post-rendu, comme la possibilité d'importer un fichier dès que le rendu est terminé, cela semble pratique, n'est-ce pas ? Et puis, si vous savez ce que vous faites, vous pouvez accéder aux options de format et choisir différents paramètres ici. De nombreux formats vous permettront également d'exporter en Alpha ou en transparence. Vous pouvez donc exporter des fichiers vidéo contenant des informations de transparence ou des fichiers contenant uniquement ces informations de transparence et non les canaux visuels. Que cela soit disponible ou non dépend des formats que vous utilisez. Vous avez des options supplémentaires pour redimensionner et recadrer, bien que je ne le fasse généralement pas ici, et puis en bas, vous avez des options supplémentaires pour le son Si vous trouvez que vous avez un paramètre personnalisé que vous souhaitez réutiliser, bas de ce menu prédéfini, vous pouvez créer un modèle et utiliser les mêmes paramètres que ceux que je viens vous montrer pour créer un nouveau modèle pour vous-même afin de ne pas avoir à le configurer à chaque fois. Vous pouvez exporter plusieurs vidéos à la fois depuis la file d'attente de rendu. Je vais juste dupliquer celui-ci quelques fois pour vous montrer à quoi cela ressemble. En général, vous le feriez avec différentes compositions, bien sûr. Et vous pouvez les aligner et cliquer sur Render, mais, bien sûr, After Effects est bloqué pendant que vous le faites. Ainsi, si vous disposez d'une machine suffisamment puissante, au lieu d' aligner les éléments dans la file d'attente de rendu, vous pouvez tirer parti d'Adobe Media Encoder Une fois la ou les compositions de votre choix sélectionnées, vous pouvez également choisir une composition ajouter à la file d'attente d'Adobe Media Encoder Une fois que vous l'avez sélectionnée, il ouvre Adobe Media Encoder et aligne toutes les compositions que vous avez sélectionnées dans une file d'attente ici dans Media Encoder Le flux de travail est très similaire. Il suffit de cliquer dessus ici, et maintenant nous allons obtenir une fenêtre contextuelle avec des paramètres supplémentaires que nous pouvons ajuster. Une fois que vous êtes prêt, il vous suffit de cliquer sur ce bouton vert pour afficher tous les éléments de la file d'attente, et vous pouvez retourner dans After Effects et travailler sur d'autres choses en attendant. 90. Archiver et partager les projets: Lorsque vous avez terminé un projet et que vous êtes prêt à l'archiver ou si vous devez le transférer quelqu'un d'autre ou sur une autre machine, quelques commandes peuvent être très utiles pour cela. En ce qui concerne les dépendances entre fichiers, vous trouverez quelques éléments ici. Collect files fait exactement ce à quoi son nom ressemble. Une fois que vous avez cliqué dessus, vous aurez plusieurs options. Vous voudrez généralement laisser le set à tout le monde, mais vous pouvez uniquement créer des compositions spécifiques si vous le souhaitez. After Effects vous indiquera la taille du fichier collecté, puis vous cliquerez sur Collect pour trouver un emplacement sur votre disque dur où l'enregistrer. Plus le fichier est volumineux, plus sa collecte prendra du temps. Dès que c'est fait, vous aurez un dossier contenant le projet After Effects, nommé footage, qui recréera la structure de votre dossier partir du panneau du projet et tous les fichiers que vous avez utilisés dans ce projet Vous voudrez retrouver le dossier qu'il a créé, et c'est ce que vous souhaitez transférer une autre machine ou dans vos archives. Si vous souhaitez nettoyer un projet existant avant de le collecter ou simplement pendant que vous travaillez, il existe quelques autres bonnes commandes sous dépendances. Ces trois éléments peuvent vous aider à mettre de l'ordre dans un projet. consolidation de toutes les séquences vidéo signifie que si vous avez importé le même fichier plusieurs fois dans un projet, il se débarrassera simplement de ces copies supplémentaires pour vous. Supprimer les séquences inutilisées fait exactement ce que son nom indique et élimine tous les fichiers que vous n' utilisez dans aucune composition. Reduce project en est la version la plus agressive, qui éliminera tout ce qui ne figure pas dans les compositions sélectionnées. Donc, avant d'utiliser Reduce, vous devez sélectionner quelque chose. Disons que je voulais uniquement sélectionner le contenu de cette composition de graphe linéaire. Ensuite, j'aborderais les dépendances entre les fichiers, je réduirais le projet, et cela supprimerait tout ce qui n'est pas inclus dans cette composition spécifique. Et il vous indique le nombre d'objets. Cela signifie des fichiers, des compositions et des éléments tels que des solides dont il s'est débarrassé. Réduire est très pratique, mais c'est évidemment destructeur. Assurez-vous donc de l' utiliser intentionnellement, et une fois que vous l'avez fait, n'économisez pas sur ce que vous vouliez conserver. 91. Intégrer avec Premiere Pro: Nous avons vu qu' After Effects s' intègre bien à Photoshop et Illustrator, mais qu'il fonctionne également très bien avec application de montage vidéo Premiere d' Adobe Si vous créez des graphismes pour une vidéo plus longue, nous pouvons bien entendu exporter ces éléments sous forme de fichiers vidéo, puis les importer dans Premiere et les utiliser comme n'importe quel autre clip. Mais si vous devez effectuer des mises à jour, cela devient beaucoup de va-et-vient et beaucoup de rendus inutiles. Vous pouvez en fait placer une composition After Effects directement dans Premiere sans effectuer de rendu. Si vous possédez déjà un projet After Effects avec une composition que vous souhaitez utiliser, Premiere, il vous suffit d'importer le fichier et d'accéder au projet After Effects que vous souhaitez utiliser. Vous pouvez également simplement faire glisser le projet After Effects depuis votre navigateur de fichiers directement dans le panneau Premiere Pro. Vous verrez alors cette fenêtre contextuelle et pourrez choisir la composition que vous souhaitez. Je n'en ai qu'un dans ce cas, et je vais appuyer sur OK. Et maintenant, cette composition est importée dans le projet. Si les deux applications sont ouvertes, dans After Effects, vous pouvez sélectionner la composition que vous souhaitez importer dans Premiere et simplement la faire glisser vers le bas jusqu'à ce que votre machine revienne à Premiere Faites-le glisser dans le panneau du projet et relâchez-le. Dans les deux cas, notez que vous avez cette petite icône de composition avec un lien. Cela vous indique que c'est lié en direct à ce projet. Je vais l'ajouter à ma chronologie, et vous verrez qu'il fonctionne comme n'importe quel autre clip. Voici mon animation. Mais regarde ça. Si je reviens dans After Effects et que j'apporte une modification, par exemple en désactivant cet arrière-plan, une fois que je reviens dans Premiere, je vois immédiatement cette mise à jour. Maintenant, je pourrais utiliser ce graphique sur ces clips en toute transparence. Cela fonctionne également dans l'autre sens. Si je voulais prendre cette modification et l'intégrer dans After Effects, je pourrais simplement la faire glisser vers mon dock et la déposer dans le panneau du projet After Effects. Et maintenant je reçois une séquence liée. Je pourrais le mettre dans une composition, et After Effects le traite comme un clip. Mais encore une fois, c' est lié en direct. Donc, si je modifiais quelque chose à ce montage ou si je remplaçais l'un des clips, je verrais cela immédiatement mis à jour dans After Effects. Supposons que vous travailliez sur un montage et que vous deviez transférer l'un des clips dans After Effects pour réaliser des animations supplémentaires. Vous pouvez simplement surligner un ou plusieurs clips, cliquer dessus avec le bouton droit de la souris et choisir remplacer par une composition After Effects. Cela permet de basculer dans After Effects ou de l'ouvrir si ce n'est pas déjà fait et crée une nouvelle composition partir de ce ou de ces clips Si j'y apporte des modifications, par exemple en ajoutant simplement une forme aléatoire ici, si je repense à la première, il s'agit exemple en ajoutant simplement une forme aléatoire ici, si je repense à la première, désormais d'une composition After Effects liée en direct qui se trouve dans mon montage là où se trouvait le clip précédent. Je veux que cela soit encore plus facile. Vous pouvez littéralement récupérer un ou plusieurs clips de votre timeline Premiere. Copiez-le, retournez dans After Effects, collez-le et le tour est joué. Votre clip est maintenant dans After Effects. Premiere dispose également d'un panneau appelé Modèles graphiques. Il est rempli de modèles animés personnalisables qui sont installés sur votre système Vous pouvez également en télécharger d'autres depuis Adobe Stock ou créer les vôtres. Il peut s'agir d' une animation en plein écran ou d' éléments plus petits, tels qu'un titre de nom animé. En voici une que j'ai créée moi-même. Nous allons simplement l'intégrer à notre chronologie de Premiere, comme n'importe quel autre clip. Et une fois que je l'ai sélectionnée, mon panneau de propriétés me donne accès à toutes les propriétés que je peux mettre à jour. Changeons le nom de l'invité. Ouvrez cette zone photo personnalisable, et je peux simplement ajouter une nouvelle image que j'ai importée dans mon projet , la déplacer légèrement et peut-être même mettre à jour les couleurs Maintenant, ce titre entièrement animé est prêt à être utilisé, entièrement personnalisé en quelques clics. Ces modèles d'animations graphiques sont parfaits pour rendre éléments animés raffinés accessibles à presque tout le monde Ils constituent également un moyen efficace de créer éléments répétés tels que les titres des épisodes, graphiques de noms, les graphiques, etc. Ils sont également plus faciles à utiliser et à personnaliser rapidement, pour vous ou pour votre équipe. 92. De plus à explorer !: Malgré tout ce que nous avons abordé, After Effects offre encore beaucoup de choses à explorer. Il y a des fonctionnalités que nous avons à peine abordées et bien d'autres dont nous n'avons même pas encore eu l'occasion de parler. Ce programme a littéralement des centaines d'effets, et vous pourriez probablement créer un cours complet traitant uniquement de leurs utilisations les plus évidentes, sans parler de toutes les manières intéressantes de les combiner. Comprendre les effets vous offrira des tonnes de nouvelles possibilités créatives de résolution de problèmes et améliorera vraiment votre jeu After Effects. Les trois D sont un autre sujet encore très complexe à explorer. Il existe plusieurs types de lumières que vous pouvez ajouter à vos scènes pour créer des ombres dynamiques. After Effects possède en fait plusieurs moteurs de rendu 3D dotés leurs propres capacités et limites Vous pouvez les utiliser pour extruder des couches de texte et importer des modèles en trois D existants, y compris des modèles animés. Vous pouvez également créer des formes 3D natives et leur appliquer des matériaux complexes que vous pouvez modifier sans quitter After Effects. Si vous avez un esprit plus technique, les expressions vont bien au-delà du simple fait de se tortiller Ils vous permettent de travailler plus rapidement et même d'automatiser de nombreuses tâches d'animation quotidiennes. Vous pouvez les utiliser pour connecter différents types de propriétés de manière dynamique et même piloter projets entiers avec les données d'une feuille de calcul Et, bien entendu, ils constituent la base de la création de modèles plus réactifs qui peuvent être exportés sous forme de Mgerts pour utilisés par vous ou votre équipe dans Les fonctionnalités les plus importantes pour vous dépendent probablement de la raison pour laquelle vous utilisez réellement After Effects. Nous aimerions donc savoir ce que vous aimeriez voir dans un futur cours. 93. Quoi faire ensuite ?: Tout d'abord, félicitations pour avoir suivi le cours. Je sais que cela représente une tonne d'informations, et je suis tellement fière que tu sois restée avec moi. Je suis sûr que ton cerveau est assez plein en ce moment et que tu mérites vraiment une petite pause. Mais lorsque vous serez prêt à continuer à progresser, cette vidéo explique ce qu'il faut faire ensuite pour continuer à développer ces compétences. Maintenant, évidemment, la meilleure façon de continuer à s' améliorer dans n'importe quel domaine est de continuer à le faire, est-ce pas ? Faites plus de travail. Cela peut impliquer de créer des projets pour les clients, et c'est toujours agréable d'être payé, non ? Vous pouvez également créer des projets personnels. Cherchez des collaborations et des concours en ligne. Ce sont d'excellents moyens de trouver de nouvelles idées et de nouvelles façons de se lancer des défis. La résolution créative de problèmes joue évidemment un rôle important dans tout cela, alors assurez-vous de prendre l'initiative continuer à vous dépasser et à continuer à apprendre. Internet regorge de ressources destinées aux personnes qui savent comment poser les bonnes questions. Bien entendu, en apprendre davantage sur After Effects lui-même est une bonne chose, mais comme cette application et toute cette discipline combinent plusieurs compétences différentes telles que le design, cinéma, l'animation, la narration, etc., il existe également de nombreuses façons de continuer à faire développement de vos animations graphiques avancer le développement de vos animations graphiques sans même être dans After Effects Ce site propose des cours sur de nombreuses applications Adobe connexes telles que Photoshop et Illustrator, qui sont très importantes pour pouvoir adapter éléments téléchargés ou créer des éléments pour vos propres designs. Vous pouvez également suivre un cours sur Premiere si vous souhaitez approfondir vos connaissances sur le montage vidéo. Si vous n'avez pas encore de formation en design graphique, apprendre davantage sur les principes de conception, une bonne composition et la théorie des couleurs améliorera encore davantage l' apparence de tous vos projets. Vous pouvez également en savoir plus sur trois applications D comme Blender, qui ouvriront littéralement une nouvelle dimension de possibilités pour vos projets multimédia. Et, hé, si vous voulez vraiment vous éloigner de l' ordinateur un jour, ce que je recommande, pensez à découvrir d'autres choses dans le monde qui vous intéressent et vous inspirent. On ne sait jamais ce qui pourrait déclencher la prochaine grande idée de projet. Si vous avez aimé ce cours, assurez-vous de faire savoir aux autres ce que vous en pensez et quels trucs intéressants ils pourraient créer s' ils le suivaient également. Peut-être pourriez-vous même vous trouver un nouveau collaborateur créatif de cette façon Je sais que vous l'avez probablement fait au fur et à mesure, mais assurez-vous de partager le travail que vous avez accompli dans le cadre de ce cours. Montrez-le et soyez fier de ce que vous avez fait. Obtenir les commentaires des autres est extrêmement utile, et donner du feedback aux autres est tout aussi utile. Assurez-vous donc de le faire également. Cela peut également être le moment idéal pour revenir sur vos travaux antérieurs, en particulier sur ce que vous avez fait au début de ce cours et pour voir le chemin que vous avez parcouru. Et n'oubliez pas qu'avec de la pratique et du dévouement, vous ne ferez que vous améliorer à partir d' ici. C'est bon, c'est ça Les essentiels d'After Effects, complets. J'espère que vous avez beaucoup appris, aimé passer ce temps avec moi et que vous êtes très heureuse de réaliser autant de nouveaux projets intéressants. Bienvenue dans l' univers incroyable de l'animation graphique. Prends soin de toi, j'ai hâte de voir ce que tu vas créer.