Abstraction 201 - Principes du design

1. Introduction: Salut, je suis Alexandra lu ou Lexi pour l'instant, je suis un artiste de médias mixtes et créateur de bijoux. J' adore enseigner la main sur l'apprentissage à la fois ici mon studio et sur Skillshare. Alors bienvenue dans mon abstraction de classe à un, principes de conception. Donc, cette classe est censée être une suite à ma classe d'éléments de conception abstraction 101 sur Skillshare. Les éléments de conception sont des blocs de construction utilisés pour créer une œuvre d'art. Donc, si vous n'avez pas encore eu la chance de suivre ce cours, je vous recommande fortement de le regarder d'abord parce que cette classe est destinée à construire sur les expériences de l'abstraction 101. Donc, cette série de cours est destinée aux débutants qui sont nouveaux dans la peinture abstraite ou aux artistes expérimentés qui cherchent à se détendre et à trouver de nouvelles avenues pour l'inspiration. Nous allons donc commencer par un aperçu des sept principes du design et de la façon dont ils fonctionnent avec les éléments du design. Après cela, nous allons plonger dans l'apprentissage de chacun des principes. Nous examinerons le modèle, le rythme, le mouvement, contraste, l'accent, l'équilibre et l'unité. Il s'agira donc d'une combinaison d'apprentissage du rôle de chaque principe et d'une activité pratique parce que le principe est plus approfondi. Donc, ce que vous allez apprendre dans cette classe vous donnera les compétences et la confiance nécessaires pour peindre de l'art abstrait unique et intuitif. Vous apprendrez à critiquer votre art et à poser des questions simples pour déterminer si votre travail est terminé. J' ai hâte de voir vos projets. On a beaucoup à couvrir. Alors nous allons sauter directement dans la classe et commencer à jouer avec principes de conception et créer un peu d'art abstrait amusant. On se voit dans la classe. 2. Présentation générale: Dans l'abstraction, les éléments de conception individuels, nous avons exploré la ligne, la valeur, la forme, l'espace et la couleur. La forme est généralement un élément tridimensionnel vu dans la sculpture, mais on peut considérer les ombres donnant forme aux formes. Nous allons regarder les textures partie du motif dans cette classe. Je trouve utile de considérer les éléments et les principes de l'art et du design comme les ingrédients et la méthode d'une recette alimentaire. Pour une peinture réussie, vous n'avez pas besoin d'inclure toutes les épices de votre placard, vos éléments, et vous n'avez pas besoin de baser Baker flam Bay vos principes tout le temps non plus. Vous pouvez penser à concevoir une peinture comme les choix que vous faites au cours de vos activités quotidiennes. Il peut s'agir de considérer ce que vous avez déjà dans votre placard tout en magasinant une nouvelle tenue. Planifier un repas à l'épicerie ou des stratégies d'entraînement basées sur les capacités et la position des joueurs. Comprendre comment les éléments et les principes fonctionnent ensemble vous permettra de faire des choix réfléchis tout au long de votre processus de peinture. Ensuite, nous allons explorer la texture. 3. Texture: La texture fait référence à la qualité de surface distinctive que l'on retrouve dans toutes les choses, ainsi que les motifs visuels globaux et la sensation tactile des objets et de leur environnement, fois simulés et réels. La texture peut être lisse, cahoteuse, rugueuse, dure, visuelle et tactile. C' est un élément qui ajoute de l'intérêt à votre travail. Les lignes répétées créeront des motifs qui peuvent ressembler à des cheveux ou à des lames d'herbe. Les brins de fil hochés dans un pull peuvent également former une texture visuelle. La texture visuelle est souvent considérée comme un motif, c'est pourquoi j'aime l'inclure avec les principes. Techniques utilisées dans la peinture servent à montrer la texture, IE, la technique de brosse sèche produit une qualité simulée rugueuse et une application lourde de pigment avec une brosse ou autre implant produit une qualité réelle rugueuse. C' est ce qu'on appelle impasto. La texture physique peut également être incluse avec des objets naturels ou trouvés pour des effets tactiles réels. Certains artistes utilisent la texture pour un effet maximal. Il est difficile de dire quelle est la meilleure façon de l'aborder. Comme pour les autres éléments de base, il y a généralement un mélange qui peut avoir de la couleur, la ligne, de la forme, en partenariat avec les qualités texturales de l'œuvre d'art. Ensuite, nous explorerons les textures réelles et visuelles. 4. Démo de texture 1: Dans cette démo, nous explorerons différents types de médiums et de gels acryliques. Ici vous pouvez voir les différents types de médiums et de gels que j'ai dans mon studio de Golden Liquitex et d'autres marques. Différentes marques du même milieu peuvent se comporter légèrement différemment. Donc, ici, nous allons explorer leurs qualités et faire quelques feuilles de texture pour référence future. D' abord, nous préparerons du papier aquarelle avec Jessup. Cela donnera au papier une dent pour que le médium colle pour donner au papier quelqu'un qui résiste aux médiums et gels plus humides. J' utilise un coin catalyseur de silicium pour répandre le Jess sur le papier. Mais vous pouvez également utiliser un couteau à palette pour la clé d'hôtel. Pour le faire. Laissez ces papiers sécher soigneusement. Suivant dans la classe s'applique il y a un document appelé le modèle de médiums de texture. Vous pouvez imprimer ceci comme un guide pour diviser votre papier Jessup à l'aide d'une règle. Divisez votre papier en huit sections. Ensuite, écrivez vos quatre titres. Plan de capacité, une teinte pâteuse, l'absorption et le dessin. Et sur cette feuille explorera deux médiums différents coups de pinceau de peinture acrylique dans les quatre premières sections, suivis d'une ligne tracée avec un marqueur Sharpie ou peinture. Laissez sécher la peinture. Ensuite, choisissez votre premier support acrylique. J' utilise un gel brillant lourd par Liquitex étaler une fine couche dans la première section. Dans la deuxième section fait un peu d' une peinture acrylique de couleur différente avec le gel pour teinter. Grattez le gel dans le premier panneau pour voir la couleur de la peinture et la ligne en dessous. Dans la troisième, quatrième section, étaler une fine couche de gel au niveau du gel teinté le deuxième panneau et gratter à travers elle pour voir la couleur de la peinture et la ligne en dessous. Réglez le côté jello et sélectionnez votre prochain support acrylique à utiliser. Pour ma prochaine, j'utilise un rythme de fibre par Golden. Répétez les mêmes étapes qu'avant d'étaler une fine couche du milieu dans les premier, troisième, quatrième panneaux. Selon l'épaisseur du support, vous devrez peut-être l'étaler plusieurs fois pour obtenir une couche uniforme sur le papier. Comme avant, vous pouvez maintenant ajouter de la peinture au milieu pour la teinter et l'étaler. Dans la deuxième section, grattez le milieu pour voir la couleur de la peinture en ligne en dessous. Laisser sécher le gel et le moyen pendant quelques heures jusqu'à la nuit. L' épaisseur ralentira le temps de séchage. Maintenant que le gel brillant lourd et la pâte de fibres sont complètement secs, vous pouvez voir à quel point ils sont transparents ou opaques lorsqu'ils sont secs. Le gel est clair et la pâte est opaque. Ensuite, ajoutez un coup de pinceau sur les zones de script. Et les deux premières sections, cela vous permet de voir la transparence ou l'opacité du support gel lorsqu'il est peint dessus. Ensuite, nous allons voir à quel point le gel ou la pâte est absorbant. Choisissez deux autres couleurs de peinture. J' utilise de la peinture acrylique liquide et j'y ajoute de l'eau pour les rendre plus dilués à un coup de pinceau de chaque peinture l'un à côté de l'autre. Dans les troisième sections, pulvériser un peu d'eau sur eux pour voir comment la, comment ils se mélangent ou saignent dans le gel ou la pâte. Vous pouvez voir comment la peinture juste perle sur le gel, mais se propage et pense qu'elle coule dans la pâte. Enfin, dans le quatrième panneau, sélectionnez des matériaux de dessin différents. Assurez-vous que la surface du gel ou de la pâte est complètement sèche. J' utilise un Noirs pour être baisé. Tout crayon, un crayon de couleur orange. Acceptez la couleur néo au crayon, un stylo à pointe de pinceau micron noir et un pastel à l'huile rouge. Le gel brillant ne saisit pas très bien les matériaux de dessin. Il est un peu glissant et la texture de la pâte de fibres est rehaussée par les matériaux de dessin. Ainsi, en utilisant cette approche, vous pouvez créer une bibliothèque de feuilles de texture à utiliser comme guides de référence pour vos futures peintures. 5. Démo de texture 2: Dans cette démo, nous explorerons à la fois la texture réelle et visuelle. Vous aurez besoin d'un morceau de papier aquarelle JSR et d'une pâte de moulage légère ou flexible. Vous aurez également besoin d'un pochoir avec une variété de découpes d'espacement. Ici vous pouvez voir comment j'organise mes pochoirs. Il s'agit d'un classeur de scrapbook de 12 x 12 pouces avec feuilles de protection de scrapbook en plastique et un morceau de papier scrapbook ajouté entre eux. Je recommande d'utiliser du papier rebut qui a été coloré des deux côtés et qui est plus facile de voir vos pochoirs à moins que vos pochoirs soient bien aimés et recouverts de peinture. Une fois que vous avez sélectionné votre pochoir à l'aide du ruban adhésif de peintre, fixez-le ensemble avec le papier aquarelle sur votre table. J' avais choisi une pâte de moulage souple de Liquitex, mais quand je l'ai ouverte, elle était sèche solide. Alors assurez-vous que vous êtes son couvercle est bien fermé. Donc, à la place maintenant, j'utilise une pâte de moulage légère par Golden, en utilisant un couteau à palette ou une clé d'hôtel étalée et même couche de la pâte sur le pochoir sur le papier. Grattez l'excès de pâte du pochoir. Et lorsque vous avez terminé de couvrir le papier, retirez soigneusement le pochoir et placez-le immédiatement dans un bac d'eau pour le nettoyage. Vous ne voulez pas avoir de la pâte ou du gel coincé dans les trous. Ton pochoir. Mettez de côté votre papier collé pendant quelques heures jusqu'à la nuit pour bien sécher. Maintenant, je vais vous montrer quelques façons d'utiliser ce papier texturé. La première est une technique de raclage de peinture en utilisant du papier carnet de croquis, en utilisant différentes couleurs de peinture acrylique liquide. Vous pouvez utiliser la clé d'un hôtel pour gratter la peinture sur le papier texturé. Cela capturera le motif et la peinture au pochoir, donnant une texture visuelle. Répétez ces techniques de raclage en utilisant du papier charcuterie, qui est également appelé papier cire sec. Ce papier est mince mais très solide, sorte que vous pouvez gratter un peu plus dur pour ramasser plus du motif. Maintenant, vous pouvez voir que nous sommes texture visuelle devient motif. Ensuite, on va faire une impression mono avec la plaque de gelée. Celui-ci mesure 8 x 10 pouces et je l'ai placé sur une palette de peinture jetable. Ou vous pouvez utiliser du papier congélateur blanc. J' utilise des peintures acryliques liquides et un liquide satiné de Golden. Cela aide la peinture à rester plus humide plus longtemps, ce qui est nécessaire lors de l'impression de Delhi. J' ai ajouté le mélange de peinture à la plaque de gelée, puis utilisé un brayer en caoutchouc pour étaler la peinture très finement et uniformément. Ensuite, j'utilise sont du papier pâte texturé pour agir comme un tampon sur la plaque de gelée. Vous pouvez voir que la peinture transfert sur la texture clairement. Maintenant, il y a des motifs sur l'assiette de gelée. J' utilise du papier carnet de croquis sur les deux surfaces peintes pour ramasser les motifs. Vous pouvez voir l'impression de gelée sur le papier , puis une légère impression fantôme à partir du papier texturé. C' est une bonne étape pour nettoyer votre assiette ou votre papier texturé. Je nettoie aussi la peinture de mon brayer sur ma feuille d'impression fantôme. Vous pouvez directement mélanger la peinture et le liquide de liaison sur la plaque de gelée avec votre prière. Cela accélère le processus d'impression de peinture, comme avant. Utilisez votre papier texturé comme tampon sur la plaque de gelée. Vous pouvez voir comment votre timbre devient visuellement plus intéressant à mesure que chaque couche de peinture y est ajoutée. Cette fois, j'utilise le papier épicerie pour retirer les impressions la plaque et du papier Dell et texturé. Et puis je nettoie ma plaque de gelée avec le papier imprimé fantôme. Vous pouvez utiliser cette combinaison de pâte et de pochoirs pour créer à fois la texture réelle et visuelle est en collant ces papiers imprimés dans vos peintures. 6. Motif et répétition: motif est la répétition planifiée ou aléatoire de couleurs, de lignes, valeurs et de textures pour créer des motifs et améliorer les surfaces des peintures. Les motifs apparaissent souvent dans la nature et les artistes utilisent motifs répétés similaires pour créer des motifs dans leur travail. Le motif augmente l'excitation visuelle en enrichissant l'intérêt de la surface. Vous pouvez avoir des motifs réguliers, un motif de goutte souvent vu dans les tissus et dans un motif régulier qui peut lire comme texture visuelle. La répétition de la ligne, de la valeur de couleur ou de la forme renforce quelle que soit votre idée que vous essayez de communiquer avec cet élément de conception. Votre spectateur simple souvent à une certaine couleur ou forme et tombe à travers la composition. Utilisez un bon jugement dans vos répétitions et évitez le placement aléatoire. Planifiez soigneusement des répétitions en place où elles amélioreront le rythme, le mouvement et le motif, et aideront les spectateurs à parcourir la composition. Userid avec répétition pour éviter l'ennui. Envisagez la répétition ou l'appareil à utiliser avec soin, qu'est-ce que vous répétez ? Une forme, aligner une couleur ou un motif. Qu' est-ce qui compte, c'est la répétition ? Pouvez-vous faire votre paix sans répétition du tout ? Comment une petite répétition pouvez-vous sortir avec combien de répétition et quels éléments pouvez-vous utiliser et encore avoir des choses maintenant vendredi pour rendre la pièce intéressante, cette ligne de questionnement se résume à combien ou combien peu de contraste vous veulent, dans quels domaines. n'y a pas de règle ou de solution qui fonctionne pour chaque peinture, ni de directives particulières. La répétition de certains éléments n'est qu'un aspect à considérer dans la composition. Ensuite, nous explorerons le modèle et la répétition. 7. Démo de motifs Démo de motif: L' une des façons les plus simples de créer des motifs est d'utiliser la ligne et la forme. Ici, je vous montre mon carnet de croquis de motif, qui est neuf par 12 pouces et une variété de tailles, un marqueurs Sharpie noir dans les documents que j'ai inclus un modèle de carte de modèle que j'imprimer et utiliser sous mon croquis page de livre pour deux choses. Premièrement, il empêche l'encre Sharpie de saigner sur la page suivante en dessous. Et 2. Ensuite, vous pouvez numériser votre page de carnet de croquis de motifs et l'imprimer sur un papier de carton blanc pour la découper comme cartes de motif pour référence future. Vous utilisez donc la bande de peintre pour sécuriser le modèle de carte de motif à l'arrière de votre page de carnet de croquis. Ensuite, en utilisant une combinaison différente de tailles de marqueurs, des lignes ou des formes répétitives et chacune des huit sections de modèles, vous pouvez les rendre aussi simples ou complexes que vous le souhaitez. S' il est coincé pour des idées, allez sur Pinterest ou Google Images et recherchez Zen enchevêtrement. Il s'agit d'une forme d'art gribouillé basée sur des motifs dessinés à la main en noir et blanc. C' est une bonne idée de mélanger la taille de vos motifs aussi. Il est bon d'avoir une variété de motifs dans vos peintures pour créer de l'intérêt pour le spectateur. Donc, une fois que vous avez votre deck un motif cartes, vous pouvez utiliser cet outil pour quand vous êtes coincé dans votre peinture et besoin de quelque chose pour sauter vous démarrer hors d'un bloc. Vous pouvez étudier les motifs existants dans votre peinture et mélanger à travers le deck, définir un nouveau motif à ajouter à celui-ci. Vous pouvez également inverser le motif dans votre peinture. Si votre carte affiche des taches sombres sur un fond clair à des taches claires sur un fond sombre. Ces cartes de motifs sont une excellente ressource à avoir sous la main en tant que peintre abstrait. 8. Démo de motifs 2: Dans cette prochaine démo, je vais vous montrer comment créer vos propres timbres personnalisés pour créer des motifs. La première technique consiste à sculpter un timbre à l'aide de la balle de vitesse, bloc sculpté facile. C' est presque comme une gomme rose géante, et il est vraiment facile de sculpter à l'aide de fraises de gamme. Je trouve qu'il est plus facile d'avoir des sculpteurs sur la route. L' une avec une plus grande lame de coupe pour enlever le vrac et l'autre avec une lame de coupe plus petite. Pour le travail détaillé, j'ai utilisé un Noir pour dessiner mon dessin sur le bloc. Une fois que vous avez fini de sculpter votre dessin, vous pouvez utiliser de la peinture acrylique ou de l'encre d'impression sur votre timbre. J' utilise de la peinture acrylique noire sur une palette jetable et un livre de croquis, du papier à imprimer. Vous pouvez modifier la direction du tampon pour créer une variété dans votre motif. L' onglet suivant que nous allons faire est d'utiliser des feuilles de mousse artisanale, du carton gator, qui est le carton ondulé en plastique, et du ruban adhésif double face. Vous pouvez trouver ces deux derniers articles dans une grande quincaillerie. Vous pouvez également utiliser un support de gel acrylique comme adhésif pour la mousse. Si vous ne trouvez pas de ruban adhésif et utilisez du carton épais comme base, vous pouvez enduire les deux côtés du carton pour le rendre plus durable pour l'impression. J' ai coupé une série de bandes de film et je les ai placées dans le gel. Cela devra sécher pendant plusieurs heures ou pendant la nuit. Ensuite, je coupe une variété de cercles de différentes tailles et les place sur le ruban adhésif de tapis. Vous pouvez également créer des motifs sont des lignes dans la mousse en utilisant la pointe du crayon. Encore une fois, j'utilise de la peinture acrylique noire pour tamponner mon carnet de croquis. Mettre le tampon directement dans la peinture donne parfois un revêtement inégal de peinture. Donc pour la prochaine impression, je peins la peinture sur le timbre avec un pinceau. Vous pouvez également créer des timbres individuels. Ici, j'ai de la mousse attachée à des bouchons de différentes tailles pour faire des timbres individuels. Vous n'avez pas besoin de tamponner avec tout le timbre non plus. Vous pouvez en avoir une partie hors de la page aussi. Vous pouvez remplir les espaces vides sur le papier avec un timbres de liège plus petits. C' est à vous de décider comment vous voulez créer vos motifs de timbre. Encore une fois, pensez à avoir un motif régulier, des motifs de chute ou des motifs irréguliers. 9. Rythme: rythme est la répétition du mouvement visuel, couleurs, des formes ou des lignes. La variété est essentielle pour garder les rythmes excitants et actifs, et pour éviter la monotonie mouvement et rythme travailler ensemble pour créer l'équivalent visuel d'un rythme musical. Il crée un tempo visuel dans les œuvres d'art et fournit un chemin pour les spectateurs oeil de suivre plus loin dans la peinture est défini comme la création de certaines marques, couleurs, lignes ou formes en elle, manière continue et répétée. En d'autres termes, un modèle. Vous allez avoir un rythme progressif ou fluide régulier. La répétition et le motif aident à déplacer le regard du spectateur autour d'un tableau d'une manière simple et fluide. Ils servent de facilitateurs pour orienter l'œil vers éléments que vous voulez mettre en valeur et encourager le mouvement, intérêts, la circulation et l'unité globale. Rythme établi en faisant varier les espaces entre les éléments apparentés d'une composition. Vous pouvez utiliser la ligne et la couleur pour aider le rythme, comme avoir un staccato, zigzag rose chaud ou un flux bleu élégant centriste. Évitez d'interrompre la progression arithmétique à moins que vous ne vouliez intentionnellement arrêter le mouvement. Soyez cohérent avec la séquence de formes et de couleurs, mais prévoir l'informatique. rythmes conflictuels perturbent l'unité. Alors n'essaie pas de t'emmêler au milieu d'une valse. Pouvez-vous sentir comment votre œil se déplace rapidement sur les verticales proches ? Le meilleur endroit pour un point focal est l'endroit où l'œil se déplace à un rythme tranquille. Le rythme fait que votre objet se déplace rapidement à travers éléments étroitement espacés et plus lentement sur des intervalles plus importants. donc varier vos espaces dans vos intervalles tout au long de votre composition pour garder l'œil en mouvement. Ensuite, nous explorerons le rythme. 10. Démo de rythme: Dans cette démo, allez-vous utiliser une feuille de Bristol blanc et différentes valeurs de papier cartonné et gris foncé et noir seront couper ces papiers colorés en formes simples, soit avec des poinçons de papier ou avec ciseaux. Les objectifs plonger variété de formes, de tailles et de valeurs. Une fois que vous avez vos formes découpées, vous pouvez commencer à les déplacer sur le fond blanc pour obtenir une sensation intuitive que rythme compose les tailles et l'espacement de ces formes. Vous pouvez choisir de coller les formes du bâton de colle si vous voulez garder les dispositions. Ou vous pouvez faire ce que je fais et simplement prendre des photos avec votre smartphone ou votre appareil photo numérique à regarder pour référence plus tard. Jouez avec la disposition des formes à différents angles les uns par rapport aux autres et mélangez les sombres et les lumières ou les tailles. C' est presque comme si tu essayais d'écrire visuellement un morceau de musique, d' avoir une idée des rythmes et du rythme. Ça va trop vite ou trop lentement ? C' est un rythme régulier ? Étudiez vos photos rythmiques et voyez quels arrangements vous plairont le plus. 11. Enregistrement des questions de conception Questions Fréquente.: Question de conception, enregistrement, répétition, rythme et modèle. Donc, votre rythme visuel qui aide ou empêche la visualisation de l'image. Et si oui, quel rôle joue-t-il dans la création de mouvements, d'humeur ou de structures ? Est-ce que l'utilisation de motifs, décoratifs ou de soutien ? Comment le motif est-il utilisé pour créer de l'échelle ou de l'espace ? Existe-t-il un écho visuel ou une répétition d'éléments qui soutiennent le thème de la pièce ? 12. Mouvement et gradation: Mouvement et rythme. Ils sont étroitement liés au modèle et à la répétition. La différence est l'espace entre les formes répétées, les lignes, la couleur. En plaçant des choses de différentes tailles autour de la composition, vous formez une merveilleuse danse d'éléments qui dégage un sens de la musique illusionnaire. Vous créez un rythme à l'intérieur de votre composition. Les objets uniformément espacés sont sédentaires, tandis que les placements irréguliers d'objets sur un angle créent l'excitation et du rythme en fonction de l'humeur que vous voulez exprimer. Comprendre ces principes peut déterminer une danse lente à un hip-hop où votre œil se déplace dans une peinture a beaucoup à voir avec le poids visuel. Et le poids visuel se réfère à combien d'attention les différentes parties de votre commande de pièce. Où va ton œil en premier et où va le suivant ? Le mouvement est utilisé par les artistes pour diriger les spectateurs à travers leur travail, souvent vers un domaine d'intervention. Un tel mouvement peut être dirigé le long des lignes, des bords, des formes, couleurs dans le travail, mais déplace l'œil le plus facilement sur des chemins de valeur égale. Les lignes diagonales semblent dynamiques et les lignes verticales et horizontales sont stables et apaisantes. Les lignes courbes créent un mouvement fluide tandis que les changements progressifs de valeur peuvent conduire l'œil vers les points centraux ou s'éloigner des points centraux. Les changements progressifs dans les éléments de conception indiquent un mouvement, fournissant une transition gracieuse d'une zone de couleur à une autre. Par exemple, vous pouvez changer progressivement la température de couleur de chaud à froid, ou changer les valeurs de couleur de la lumière à l'obscurité. Au fur et à mesure que les formes changent, modifier les couleurs en gradation prend mieux en charge l'unité que le changement brusque. Donc, à moins que vous ne vouliez exprimer un concept comme la violence ou la colère, réfléchissez à la façon dont vous pouvez utiliser la gradation avec des éléments de conception pour créer le changement et le mouvement. Les changements progressifs dans les éléments de conception peuvent être exécutés de nombreuses façons contribuant au mouvement rythmique à travers une pièce ou dans l'espace de fond. Comment pourriez-vous une partie de la gradation montrée avec votre sujet ? Ensuite, nous explorerons le mouvement. 13. Démo de mouvement: Dans cette démo, vous aurez besoin de papier carnet de croquis, de matériel de dessin. J' utilise un crayon de graphite et vos formes découpées de l'exercice précédent. D' abord se réchauffer avec des lignes de dessin dans des orientations différentes. Et vous pouvez varier la pression de la ligne sur le papier. Vous pouvez faire quelques-uns de ces dessins expriment différents types de promotions ou écouter de la musique et essayer de dessiner ce que vous entendez. Ensuite, expérimentez des lignes de dessin et faites-les interagir avec les formes de papier. Encore une fois, si vous voulez garder ces études même coller les formes vers le bas avec un bâton de colle ou prendre des photos numériques pour se référer à plus tard. L' idée ici est de déplacer votre œil autour du papier et si vous voulez utiliser la ligne pour conduire votre œil à une forme particulière ou loin de lui. 14. Enregistrement des questions de conception Questions Fréquente.: Question de conception, enregistrement, mouvement et direction. Comment l'œil du spectateur est-il conduit à travers la composition ? Où ou pourquoi ou je laisse l'image. Y a-t-il quelque chose qui gêne ou distrait mon mouvement ? Et si oui, est-ce intentionnel ? Sont leurs angles, courbes, flèches ou mouvements implicites sont des courants sous-jacents qui empêchent le spectateur d'explorer la pièce entière. 15. Contraste et variété: Le contraste se réfère à la disposition des éléments et des effets opposés. Par exemple, des couleurs sombres allégées, textures lisses et rugueuses, formes grandes et petites. Le contraste peut être utilisé pour créer de la variété, intérêt visuel pour le drame dans une œuvre d'art. Le contraste dynamique attire l'attention sur la zone la plus importante. Utilisez le contraste de valeur pour la sensation visuelle et le contraste des couleurs pour l'expression émotionnelle. Contrastez les bords, les lignes et les formes, changeant les couleurs pour générer de l'activité et du mouvement. Pour Donna, ses horizontales ajoutent des obliques doux aux couleurs analogues. Un contraste de scintillement complémentaire à une couleur de clé élevée, plus de contraste de valeur. Faites vibrer votre pièce avec une énergie contrastante à la couleur en utilisant des combinaisons de couleurs basées sur des différences plutôt que sur des similitudes. Exagérer les contrastes de couleur et de valeur pour l'impact. Vous pouvez regarder de nombreux aspects d'une peinture à travers l'objectif de combien ou quel peu de contraste vous avez. Et cela tient compte des options et aller de l'avant. Je ne veux pas dire que tu dois avoir beaucoup de contraste et faire une bonne composition. Mais si vous faites attention au degré de contraste dans un certain nombre d'aspects, vous pouvez grandement augmenter votre idée et votre compréhension de la composition. Combien ou quel peu de contraste vous injectez dans votre peinture, dans quels aspects de celle-ci dépend de vous et quelle uniformité et où, combien de différence dépend de ce que vous ressentez en tant qu'artiste pour une peinture particulière. L' ennuyeux d'une personne pourrait être méditative d'une autre personne. Par exemple, une personne excitante et convaincante peut être un fouillis accidentel à une autre. contraste très faible dans un aspect et un contraste élevé dans un autre pourrait être approprié pour une peinture alors qu'une peinture différente, mon appel à subtilement partout. Variété fait référence aux éléments de composition qui diffèrent les uns des autres. La variété crée un intérêt visuel pour l'énergie. Beaucoup de variété peut rendre une œuvre d'art occupé ou écrasante lorsqu'elle est jumelée à l'unité, la variété offre des points d'intérêt au spectateur. Ensuite, nous explorerons le contraste. 16. Démo de contraste: Pour cette activité, je veux que vous réfléchissiez à une série d' opposés en utilisant un élément de design pour votre inspiration. Pour rappel, les éléments de conception sont doublés, l'espace de valeur, la forme et la couleur. Et vous pouvez également considérer la texture. Donc, pour la ligne, vous pouvez avoir épais contre mince pour la forme, organique contre géométrique. Pour la valeur, la lumière contre l'obscurité pour la couleur. Et vous pouvez avoir doux et sourd contre audacieux. Pour la forme, le stylo peut être dimensionné, petit agrandir, et pour la texture aucun contre beaucoup. Je suis sûr que vous pouvez trouver beaucoup d'exemples, tels que les bords durs par rapport aux bords dentelés et ainsi de suite. Vous pouvez soit utiliser cette feuille de remue-méninges telle quelle, soit utiliser le modèle de carte et écrire ou taper vos contrastes d'opposés dans les cartes. Maintenant, vous avez une référence pour vous guider lors de la création votre peinture et vous pensez comment aller de l'avant avec elle. Vérifiez s'il y a un bon mélange de contrastes. Écrit votre pièce pour l'informatique crée des intérêts pour le spectateur. 17. Enregistrement des questions de conception Questions Fréquente.: Question de conception, enregistrement, variété et contraste. Y a-t-il assez ou trop de variation entre les éléments pour retenir l'attention du spectateur ? Ou est-ce qu'il semble y avoir une similitude globale qui rend les choses ennuyeuses ? Est-ce que les éléments se rapportent les uns aux autres d'une manière qui rend les choses à même sont prévisibles. Ai-je assez de variations de tailles, petites, moyennes et grandes ? Est-ce qu'un élément se distingue en étant unique ou différent de ceux qui l'entourent ? 18. Miquement: L' accent est utilisé par les artistes créent la domination et la concentration dans leur travail. Les artistes peuvent mettre l'accent sur la couleur, la valeur, les formes ou d'autres éléments artistiques pour atteindre la domination. Différents types de contraste peuvent être utilisés pour souligner un centre d'intérêt. Un point focal est le centre de l'action. Il existe trois outils principaux que le peintre dessinateur utilise pour souligner la domination. Notre contraste, notre placement et notre isolement. L' accent est mis sur la recherche de votre point focal ou sur ce que vous souhaitez attirer le spectateur sur l'élément que vous choisissez d'être dominant. Vous pouvez créer l'accent de différentes manières. Augmenter l'intensité des couleurs d'un objet, assombrir ou éclaircir le contraste grâce à l'utilisation de lignes convergentes ou même isoler l'objet qu'il aimerait porter le plus de poids visuel. La zone focale est l'endroit dans votre peinture lorsque votre œil est naturellement attiré au premier coup d'œil, vous peignez juste une seconde. Et que voyez-vous est parfois difficile d'avoir cette perspective sur votre propre travail. Donc, je trouve utile de prendre du recul à environ 10 pieds ou bien prendre une photo et vu sur un écran, puis coup d'œil pendant une seconde. Soyez honnête sur ce que vous voyez. Vous avez peut-être prévu qu'une zone soit votre point focal, mais la pièce peut ne pas être d'accord avec vous. Voir un point focal, c'est un travail de haut niveau. Il s'agit d'observation. Lorsque vous regardez une peinture ou une peinture et que vous progressez, que voyez-vous en premier ? C' est votre point focal ou la zone le plus grand poids visuel. Ensuite, nous explorerons l'accent. 19. Démo de Emphasis: Dans ma classe précédente, abstraction, les éléments de conception one-to-one, nous avons parlé de la règle des tiers et de la façon dont les centres d'intérêt ou les points focaux tombent sur les points d'intersection de ces lignes de division. Dans cette classe, nous avons appliqué une grille sur études de valeur R pour améliorer le contraste de ces points. Tous les points d'intersection n'ont pas besoin d'être un point focal. En fait, il ne devrait y avoir qu'une seule star du spectacle, les autres zones étant de soutenir les joueurs pour aider à déplacer l'œil autour du tableau. Un autre outil de composition très utile qui est utilisé tout au long de l'histoire pour conduire l'œil autour de la peinture jusqu'à votre point focal est appelé le rapport d'or. Il apparaît comme une spirale, spirale vers l'intérieur comme un coquillage. Le rapport d'or est dérivé d'une série mathématique appelée la série Fibonacci, où chaque nombre successif est ajouté à celui qui le précède. Ou si vous regardez les segments de ligne d'un plus b, cela vous donne une valeur numérique de 1,618. Si vous Google le ratio d'or et vous pouvez le voir appliqué tout au long de l'histoire à l'architecture, peintures, ou même les conceptions fractales modernes. Vous pouvez expérimenter l'utilisation de ce rapport pour créer un point focal dans votre peinture. 20. Enregistrement des questions de conception Questions Fréquente.: Question de conception, enregistrement, dominance dans l'accent. Qu' est-ce qui attire mon attention en premier ? Et pourquoi est-ce là que je veux que l'œil du spectateur aille ? Existe-t-il une hiérarchie visuelle qui le rend clair quand une chose est plus importante que quelque chose d'autre ? Y at-il un élément qui est la star du spectacle et il est soutenu par les autres éléments. 21. Équilibre et proportion: Bounce a art se réfère à l'utilisation d'éléments symétriques, de formes de poids égal de part et d'autre d'un point central, ou d'éléments asymétriques, de formes et de formes sont inégales, mais toujours équilibrées en termes de poids visuel. Trouver cet équilibre peut être un défi lorsque vous peignez, mais plus vous expérimentez et pratiquez, plus il sera facile d'avoir une idée de ce que signifie l'équilibre. Et notre travail avec l'équilibre symétrique est bien équilibré et semble même stable quand un côté de l'œuvre reflète l'autre a une symétrie absolue. Lorsque l'équilibre symétrique n'est pas exact, c'est ce qu'on appelle la symétrie bilatérale. Une œuvre d'art avec un équilibre asymétrique est plus lourde ou plus légère dans certaines zones, elle peut sembler instable et rendre le spectateur inconfortable. équilibre asymétrique comme un aspect dynamique des œuvres d'art et attire souvent l'attention sur les points focaux de la composition. Et les œuvres d'art avec équilibre radial sont disposées autour d'une composante centrale, les formes et les objets d'une composition d'équilibre radial semblent rayonner hors d'un point focal circulaire de l'œuvre. Les conceptions asymétriques sont généralement plus complexes que les conceptions symétriques, mais vous intéressent souvent plus longtemps car elles nécessitent une attention particulière pour identifier leur équilibre. Envisagez de combiner, contrairement aux éléments comme les plumes et le plomb, vous pourriez l'équilibrer très dense, zone visuellement lourde ne serait pas grand espace ouvert. Cette pièce ne serait pas symétrique, mais elle peut sembler équilibrée. Proportionné a à voir avec la taille et l'échelle des différents éléments d'une peinture. Chaque élément est par rapport à l'autre et aussi avec l'ensemble. Ces différents éléments ne devraient pas se battre pour l'importance s'ils le sont, le message global et la composition d'une pièce seront confus et peu clairs. Les artistes peuvent utiliser l'échelle et la proportion de Crète. Des sensations telles que la profondeur, le réalisme, la désorientation et le drame. Scale on ART décrit la taille d'un objet par rapport à un autre, et fait également référence à notre perception de la perspective et de la proportion. Oeuvres qui semblent réalistes ou mises à l'échelle de la même manière que les objets du monde réel. échelle de l'art peut également se référer à la taille globale de l'œuvre. L' échelle hiérarchique est une technique utilisée dans l'art, souvent utilisée dans la sculpture et la peinture, dans laquelle l'artiste dépeint des objets à l'intérieur d'une échelle naturelle pour montrer leur importance ou leur absence. Cette manipulation de taille attire l'œil du spectateur là où l'artiste veut attirer l'attention. Ensuite, nous explorerons l'équilibre. 22. Démo de équilibre: Dans cette activité, nous explorerons l'équilibre radial en dessinant des mandalas I Mandela, qui signifie cercle et sanskrit, est un motif géométrique circulaire qui est destiné à être un objet de méditation afin d'aider un développement spirituel, J' ai fourni trois modèles différents pour vous aider et commencer à dessiner votre Mandela, chacun divisé en huit sections. J' utilise du papier à croquis et un sharpie noir pour dessiner mes dessins. Encore une fois, regarder les motifs d'enchevêtrement Zen peut être une grande inspiration pour concevoir votre Mandela. Dans l'intérêt du temps, je ne dessine qu'un segment du cercle. Normalement, vous complétez chaque anneau du cercle en commençant par le centre et en travaillant votre chemin vers l'extérieur du cercle vers votre Mandela. Vous pouvez ajouter de la couleur à votre Mandela une fois terminé, ou la laisser en noir et blanc. Une fois terminé, vous pouvez admirer la symétrie radiale que vous avez créée comme un tournesol ou un flocon de neige. 23. Enregistrement des questions de conception Questions Fréquente.: Question de conception, enregistrement, proportion et équilibre. En regardant l'échelle et la proportion. Troisième façon de dire combien grand ou petit, distant ou fermer les images. Quel est le niveau des yeux du spectateur et comment cela affecte-t-il la réponse que nous avons à l'image ? Est-ce que nous ressentons la relation entre les parties de l'image et l'ensemble ? Comment le format du travail aide-t-il ou gêne-t-il l'image ? L' équilibre ? Y a-t-il un sentiment de poids visuel qui rend la composition asymétrique ? Y at-il un élément qui peut être éliminé sans affecter la composition à d'autres zones semblent inutilement encombré. Est-ce que d'autres zones se sentent vides à toutes les zones semblent causer des tensions en raison de la proximité d'un bord d'une forme globale de l'œuvre. 24. Unité et harmonie: unité est l'un des aspects les plus importants de l' art bien conçu et est planifiée par l'artiste. Unity fournit la qualité cohésive qui rend un champ d'illustration complet et fini. Lorsque tous les éléments d'une œuvre semblent appartenir ensemble, l'artiste est parvenu à l'unité. L' unité, également connue sous le nom d'harmonie, est un principe de signe pour la cohésion d'une œuvre d'art. Comme c'est tout, cohérent et complet. Il apparaît. L'unité dans l'art. Il ne s'agit pas nécessairement d'une répétition du même élément encore et encore, mais d'une combinaison agréable d'éléments pour créer une composition harmonieuse. L' harmonie résulte de relations entre des éléments et un design similaires tels que des lignes reposantes, couleurs monochromatiques ou analogues, mouvements de sérine, des valeurs proches ou des formes et tailles comparables. Tous ces éléments contribuent à un sentiment d'unité, ce principe directeur de conception. Certaines des façons dont un concepteur ou un artiste atteint l'unité comprennent l'utilisation de formes similaires, utilisation d'un motif similaire, harmonisation des couleurs, l'utilisation de l'espace, l' utilisation d'un seul fond. Créer l'unité et l'art est souvent basé plus dans un sens qu'un sens strict des règles. Il a deux autres résoudre les éléments conflictuels et faire en sorte que l'ensemble du travail se réunisse en harmonie. unité se produit lorsque l'œuvre a un sentiment d'achèvement et chaque élément sert son but par rapport à tous les autres. Ensuite, nous explorerons l'unité. 25. Démo d'unité: Dans cette activité, nous chercherons à créer l'unité en harmonisant les couleurs de peinture. Vous aurez besoin d'une variété de couleurs de peinture acrylique fluides ainsi que du support SAT et vitrage. Ici, je peins une série de coups de pinceau colorés sur du papier mixte. Vous pouvez voir à quel point les couleurs sont vibrantes saturées, ce qui les rend fortement contrastées les unes aux autres. Si je mélange un peu de chaque couleur dans un mélange, cela crée une couleur mère neutre, qui contient maintenant toutes les couleurs qu'il contient. Ensuite, si j'ajoute un peu de cette couleur Mère à chacune des couleurs de peinture d'origine. Il aidera à harmoniser ou à avoir les couleurs des peintures se rapportent les unes aux autres. Les nouvelles couleurs sont un peu muettes, mais lisez maintenant comme une famille de couleurs connexes. Une autre façon de manger, d'unir ou d'harmoniser les couleurs de peinture est de peindre un glaçage coloré au-dessus d'eux. Ici, j'utilise la quinacridone, or fait avec le liquide de vitrage pour créer un glaçage coloré. Glaze doit être transparent afin de travailler à l' harmonisation comme si vous regardiez à travers les vitraux. Maintenant, toutes les couleurs de peinture sous la glaçure ont été légèrement décalées ensemble vers une couleur plus dorée. 26. Enregistrement des questions de conception Questions Fréquente.: Question de conception, check-in, unité et harmonie. Est-ce que le travail vu est terminé ? Les éléments semblent-ils bien fonctionner ensemble pour soutenir le personnage principal ? Ils se battent les uns avec les autres ? Vous êtes en lice pour obtenir l'attention ? Est-ce que le travail se sentant la même personne l'a fait ? Ou est-ce que certaines parties semblent hors de caractère pour certaines zones semblent non résolues ou provisoires. 27. Questions critiques: Pourquoi critiquer votre travail ? Le but principal d'une critique est de vous aider à résoudre les problèmes qui causent des problèmes dans une œuvre d'art et de vous aider à décider si quelque chose est fait. L' objectif est d'identifier les zones problématiques, puis de déterminer les options pour les résoudre. Il y a sept étapes pour critiquer votre travail. abord, prenez une photo de votre image, sorte que vous êtes obligé d'objectiver le travail. Deuxièmement, l'inventaire, comment chaque élément fonctionne. Troisièmement, identifiez quels sont les problèmes. Quatrièmement, examinez les options de changement. Cinquièmement, faites un changement à la fois. Six, évaluez le fonctionnement des principes. Et septièmement, répétez le processus jusqu'à ce que vous sentiez que vous êtes arrivé à une bonne solution. Dans les documents, j'ai fourni un modèle de matrice de conception que vous pouvez utiliser lors de votre auto-critique. Vous ne pouvez pas avoir tous les éléments sont des principes dans votre peinture. Mais maintenant, vous pouvez vous poser des questions pendant que vous examinez votre peinture. En résumé, faites une liste de contrôle et étudiez vos illustrations récentes pour voir comment vous utilisez ces outils de conception importants, lesquels apparaissent le plus souvent votre travail, qui sont les plus efficaces, où vos points faibles. Les éléments et les principes de la conception sont censés être des lignes directrices, les mémoriser, les utiliser consciemment et finalement ils deviennent une seconde nature pour vous. 28. Conclusion: Merci d'avoir pris mon abstraction de classe à un seul principe de conception. Nous avons couvert beaucoup d'exercices en peu de temps pour explorer ces sept principes de conception. Nous avons appris comment utiliser ces principes pour renforcer nos œuvres d'art et critiquer ce qui pourrait manquer et comment les corriger. Ma prochaine classe portera sur la couleur. J' ai donc touché un peu la couleur pendant l'abstraction 101 et 21. Mais l'abstraction trois-à-un, l'exploration de la couleur se concentrera sur le mélange des couleurs et sur les relations de couleur. Qui que vous utilisiez vos compétences et vos techniques, j'aimerais voir ce que vous faites. Alors s'il vous plaît télécharger dans la section projet et connectez-vous avec moi sur Instagram à Lexi lit studio. Et si vous avez apprécié ce cours, n' oubliez pas de laisser un commentaire positif. Et j'espère que tu apprendras bientôt avec moi. Merci, et passez une belle journée.