Uso del análisis crítico para mejorar tus habilidades en el dibujo | Michelle Tabares | Skillshare
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Uso del análisis crítico para mejorar tus habilidades en el dibujo

teacher avatar Michelle Tabares, Cartoonist, Designer and Illustrator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:05

    • 2.

      Los beneficios del análisis crítico

      2:13

    • 3.

      La importancia de la observación

      3:03

    • 4.

      Mantén en cuenta antes de que You

      1:54

    • 5.

      Ejercicios de Tracing

      4:42

    • 6.

      Uso de referencia

      4:20

    • 7.

      Analiza arte antiguo

      5:29

    • 8.

      Redrawing arte antiguo

      9:29

    • 9.

      Comparación de dibujos antiguos y nuevos

      5:06

    • 10.

      Proyecto

      1:48

    • 11.

      Reflexiones finales

      1:05

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

479

Estudiantes

4

Proyectos

Acerca de esta clase

Cada artista que he conocido (yo incluido), tiene deseo de hacer mejor en su trabajo y superar los límites de sus limitaciones creativas. A veces puede ser desde o incluso imposible, pero es importante recordar que el dibujo es una habilidad; las habilidades que pueden perfeccionar y mejorar Hay pasos sencillos y prácticos para mejorar tus dibujos, y esta clase te ayudará a hacer eso eso.

La mayoría de de nosotros ya sabemos que la práctica es una clave importante para mejorar cualquier habilidad técnica, pero ¿qué más se puede hacer para ayudar a acelerar tu aprendizaje? Esta clase te mostrará cómo analizar críticamente tu trabajo, aprovechar tus habilidades de observación y demostrarán algunos ejercicios de calzado que te ayudarán a hacer tu dibujo sea lo que puede ser.

Si estás listo para empezar a mejorar tus habilidades de dibujo ¡Te veré en clase!

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Michelle Tabares

Cartoonist, Designer and Illustrator

Profesor(a)
Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Hola, me llamo Michelle Tabares. Soy dibujante, Illustrator, y viajero con sede en la soleada Tampa, Florida. Bienvenido a este video de introducción. En este video, vamos a hablar de la importancia de analizar críticamente tu obra de arte para que la puedas utilizar para mejorar tus habilidades de dibujo. Cuando eres principiante, a veces puedes enfrentarte a esta idea de que hacer arte es una especie de magia, y mientras a veces se puede sentir de esa manera, la verdad del asunto es, es que el arte es como cualquier otra habilidad. Se puede perfeccionar y mejorar. Cuando estás empezando, puede sentirse un poco abrumador porque puede haber muchas áreas sobre las que quieres mejorar y puede ser difícil averiguar por dónde empezar. El objetivo de esta clase es darte un poco más de dirección sobre tu crecimiento como artista, y afinar las áreas en las que realmente quieres mejorar, para que puedas crecer y desarrollar las habilidades necesarias para crear el tipo de arte que realmente quieres hacer. También es importante tener en cuenta que este es un proceso en curso. A pesar de que he usado muchas de las habilidades y técnicas que voy a discutir en esta clase, yo mismo no he parado mi viaje creativo, y con toda probabilidad, arte que estoy haciendo ahora será muy diferente al arte que lo estoy haciendo unos años. Eso está totalmente bien, normal incluso. Todo el punto de esta clase es ayudarte a averiguar cuáles son algunas de las cosas que podrías estar haciendo mejor y más exitosamente para ayudarte a crecer y desarrollarte de una manera que te satisfaga creativamente. En esta clase, te voy a estar mostrando algunas técnicas y métodos de mejora que he utilizado personalmente y he encontrado que me han ayudado mucho en mi propia práctica creativa. Si esta clase te apela y estás listo para empezar a aprender sobre algunas nuevas formas en las que puedes mejorar tu arte, pasemos al siguiente video. Gracias, y allí te veo. 2. Los beneficios del análisis crítico: Repasemos algunos de los beneficios de usar análisis crítico para mejorar tus habilidades de dibujo. Lo primero que hay que tener en cuenta es que al usar el análisis crítico para mejorar tus habilidades de dibujo, esto te ayudará a mejorar más rápido. Es cierto que la práctica hace perfecta y hacer muchos dibujos es la mejor manera de mejorar. Si quieres mejorar en poco tiempo, ser realmente selectivo y selectivo sobre lo que es que dibujas también puede ser realmente beneficioso. Otro beneficio de usar el análisis crítico para mejorar tus habilidades de dibujo es que te dará dirección en tu progreso. Este es el caso porque puedes afinar en áreas específicas para enfocar tu mejora. Por ejemplo, digamos que has identificado que realmente quieres mejorar dibujando patinetas. Ahora que has determinado esto, significa que en lugar de hacer un montón de dibujos de figura en un monopatín, y fondos, y otros detalles en los que tal vez estés menos interesado en mejorar, puedes enfocarte específicamente en dibujar patinetas una y otra vez. beneficio final del que quiero hablar es que al utilizar estos procesos de pensamiento de análisis críticomientras estás dibujando estos procesos de pensamiento de análisis crítico y mientras estás analizando tu trabajo, encontrarás que esto te ayudará a mejorar en general. Vamos a fingir una vez más que estás dispuesto a mejorar tus habilidades de dibujo de monopatín. Con el tiempo, puedes descubrir que a medida que te haces mejor y mejor dibujando patinetas, que también te vuelves mejor dibujando otras cosas también. Por ejemplo, tal vez has pasado mucho tiempo dibujando ruedas de patineta, como resultado, te vuelves mejor dibujando todo tipo de dibujos sujetos que también tienen formas circulares o redondas. Es de esta manera que a veces, darse un tema específico para mejorar en realidad puede ayudarte a mejorar de una manera más general y amplia. Espero que eso tenga sentido. Si tiene alguna pregunta, por favor hágamelo saber, y cuando esté listo, pasemos al siguiente video. 3. La importancia de la observación: Pasemos algún tiempo para discutir la importancia de mejorar tus habilidades observacionales. Ser más observador del mundo que te rodea es algo que te permitirá interpretar mejor las cosas con mayor precisión en tu arte. Nuestros cerebros son geniales, pero a veces no entienden completamente cómo debe verse algo. Cuando estamos dibujando, a veces nuestro cerebro llenará los vacíos adivinando. Es en esa adivinación que sucederán imprecisiones y errores. A menos que vayas por un estilo de dibujo intencionalmente abstracto, es mejor basar tu dibujo en la realidad versus una conjetura que tu cerebro está haciendo. A veces ayuda preguntarte, ¿cómo he estado dibujando esto versus cómo debería estar dibujando esto? ¿ O cómo debería verse este sujeto de dibujo suponiendo que existiera en la vida real? ¿ Cuáles son los errores que estoy cometiendo en mi dibujo que impiden que mi sujeto de dibujo se vea más realista o creíble? Creo que es realmente importante empezar a entrar en el hábito de estudiar las cosas que te rodean, incluso cuando no estés dibujando. Creo que es especialmente útil entrenarte para hacer esto si te dedicas a una tarea mundana. Al igual que digamos que te estás dando una ducha, presta atención a la forma en que se ve el agua, las diferentes sombras y reflejos. ¿ Cómo se ve contra el azulejo versus cómo se ve contra el metal. cualquier momento que te encuentres esperando en la cola en la tienda de abarrotes, limpiando tu baño, o en espera de que el servicio al cliente te ayude, tómalo como una oportunidad para estudiar cuidadosamente tu entorno para que puedas llevar lo que aprende sobre el mundo real y aplícalo a tu arte. Otras cosas por las que puedes estar atentos, tal vez notando qué colores se ven bien juntos, cómo las sombras y los reflejos cambian de intensidad dependiendo de la fuente de luz. También puedes prestar atención a cosas como la variación en la textura dependiendo de una superficie, o tal vez prestar atención a personas y animales en la vida real para determinar qué poses y posturas lucen más naturales. Creo que la importancia de las habilidades de observación se parece mucho a la importancia de las habilidades de escucha. En una conversación en la que queremos entender mejor lo que nos está diciendo una persona, a veces lo mejor es enfocarnos en lo que se está diciendo, internalizarlo y digerirlo, lugar de enfocarnos en llegar con lo mejor, más inteligente o respuesta divertida. Creo que esto también se aplica a hacer arte basado en la observación más que en lo que pensamos que un espectador podría querer o en lo que creemos que es real. Esperanza eso tiene sentido. Sé que es un poco abstracto, pero definitivamente deja un comentario si tienes alguna pregunta, y me pondré en contacto contigo lo antes posible. Gracias por ver y cuando estés listo, pasemos al siguiente video. 4. Mantén en cuenta antes de que You: Antes de empezar a usar el análisis crítico para mejorar tus habilidades de dibujo, quiero plantear un par de cosas que debes tener en cuenta antes de empezar. Este proceso implica mucho prestar atención a los defectos en tu trabajo y tomar nota de las cosas que estás haciendo mal para corregir esos errores y hacerlo mejor. Dicho esto, a veces puede ser desalentador mirar tan críticamente tu arte y enfrentarte a las cosas que estás haciendo mal. Quiero aprovechar esta oportunidad para animarlos a tratar de dejar a un lado sus sentimientos e inseguridades personales durante este tiempo. El punto de este ejercicio no es convertirse en maestro de la noche a la mañana o sentirse mal contigo mismo. Analizar críticamente los errores que cometes está destinado a ayudarte. Si te sientes abrumado, o molesto por la razón que sea, intenta tomarte un descanso, respiro, y recuerda, esto es para tu beneficio. Comer errores en el arte no significa que seas un mal artista. Simplemente significa que estás pasando por el mismo proceso de aprendizaje que pasa todo artista para poder mejorar. En esa nota, también es importante prestar atención a las cosas que estás haciendo bien. No sólo va a prestar atención a las cosas que estás haciendo bien te ayudará a sentirte más animado y mejor con tu arte, también te ayudará a examinar qué es lo que estás haciendo bien, puedas seguir haciendo lo mismo positivo opciones creativas en futuras obras de arte. Ahora que hemos repasado algunas cosas a tener en cuenta mientras estás analizando tu trabajo, pasemos al siguiente video donde empezaremos realmente a analizar. Te veré ahí. 5. Ejercicios de Tracing: En este video, quiero compartir contigo un útil ejercicio de rastreo que te permitirá poner a prueba tus habilidades de observación y también te ayudará a comprometer algunas de las observaciones que estás haciendo a la memoria muscular. Ahora es en sí, hay mucho beneficio por tomar un pedazo de papel de calco y trazar sobre fotografías y obras maestras. Pero creo que un ejercicio aún más útil es dibujar primero un objeto o sujeto por memoria, luego tomar un trozo de papel de calco y trazar sobre el mismo objeto o sujeto, y luego después de hacer el trazado, volver a dibujar el imagen de la memoria de nuevo. El grandioso de este ejercicio es que puedes ver a través tus dibujos cómo mejora tu memoria de un objeto después de trazarlo. Todo lo que necesitas es un simple papel de calco o papel de vitela. O si tienes una caja de luz, puedes usar eso en su lugar con papel regular. También puedes hacer este ejercicio digitalmente si lo prefieres, usando Photoshop y simplemente creando una capa que irá encima de la imagen que quieres trazar. Yo quiero darle crédito a @byelacey de Twitter quien primero compartió este ejercicio junto con ejemplos de sus dibujos por memoria y rastreo de un auto. Para demostrar esta idea y cada paso, el tema que he elegido para este ejercicio es un sillón basado en la memoria y sin material de referencia. Ahora lo bueno de este dibujo es que sí lee con éxito como silla, que es lo más importante para mí, que mi dibujo comunica con precisión el objeto. Dicho esto sin embargo, si echamos un vistazo más de cerca para analizar esta silla de brazo, sí se siente un poco apagado, tal vez un poco demasiado estático o rígido. Antes de analizar esto más allá sin embargo, voy a seguir adelante y tomar una hoja de papel de dibujo y trazar sobre fotografía de una silla de brazo que tengo de libro de muebles. Si ponemos mi primer dibujo y el trazado juntos, podemos ver de inmediato que hay algunas diferencias bastante significativas entre las dos imágenes. Por una parte, puedo ver que la perspectiva en mi primer dibujo está desactivada. La pierna trasera no se alinea correctamente con la esquina trasera del asiento de la silla. También estoy viendo muchas más curvas orgánicas dentro del sillón que trazé. Parte de eso tiene que ver con el estilo de la silla de brazo porque se trata más de un sillón de moda antigua o un sillón moderno tendría más líneas rectas. Pero lo otro a tener en cuenta es que como se trata de una fotografía de una silla real, fue diseñada para uso humano de una manera que mi rapido desde la memoria dibujo no es con mi primero desde el dibujo de memoria. A mí me preocupaba más la silla, sólo leer como silla y en realidad no dar mucho pensamiento a la función de la silla misma y cómo esa función se retransmitía en el diseño. Ahora que me he tomado el tiempo de analizar mi primer dibujo y el trazado, voy a volver atrás y sacar mi imagen final de la memoria. Este segundo dibujo va a ser mucho más exitoso que el primero. Porque ahora que me he tomado el tiempo de analizar algunos de los puntos débiles de mi primer dibujo e implementar algunas de las mejoras de mi trazado, he podido sacar una silla de la memoria que no es exactamente igual al trazado, pero sí tiene más curvas orgánicas y mejor perspectiva y en general solo se ve como una silla más cómoda, utilizable en comparación con el primer dibujo de la memoria. De verdad te recomiendo este ejercicio ya que te ayudará a poner atención a los diferentes detalles que puedes encontrar a partir de imágenes de referencia de la vida real y averiguar cómo puedes trabajarlo en tu propio arte de una manera que sea habitable y significativo. Ten en cuenta también que la idea no es crear una reproducción perfecta de la imagen de referencia que estás utilizando. El objetivo es ser consciente de los aspectos de la imagen trazada que son exitosos y encontrar formas de implementarlos una manera nueva y original en tu dibujo final a partir de la memoria. Si eres muy deliberado sobre este proceso y haces posible para comprometer esto a la memoria, ojalá, esto signifique que todos los dibujos futuros de este tema rastreado en particular serán mejores. Espero que este video sea útil, por favor avísame si tienes alguna pregunta y cuando estés listo, pasemos a la siguiente lección. 6. Uso de referencia: En este video, voy a demostrar la importancia de utilizar material de referencia y dibujo de la vida para realzar tu arte. Para ello, voy a dibujar el mismo tema dos veces. Para empezar, voy a dibujar dos veces un patín sobre hielo. La primera vez será sin referencia, y la segunda será con referencia. Este es mi dibujo sin referencia. Tomemos algún tiempo para analizar este dibujo y ver qué funciona y qué no funciona. A pesar de que este no es un dibujo perfecto de un patín sobre hielo, se puede decir que se trata de un patín sobre hielo. Por lo que al final del día, es habilidad para comunicar el mensaje de que esto sea un patín sobre hielo es exitoso. Todavía hay algunas cosas mal con esta imagen. En primer lugar, hay algo sobre el tardío del patín sobre hielo que me parece mal. No estoy exactamente seguro de qué es eso porque no tengo una comprensión completa y completa de cómo se ve un patín sobre hielo desde la memoria. Pero hice lo mejor que pude, adivina. Seguro que una vez que rehagamos esta imagen con referencia, la hoja se verá mucho mejor. También hay aspectos de la construcción de la propia bota que me parecen equivocados. Creo que esto podría deberse a que he hecho que el patín sobre hielo se vea más como una bota o un zapato en lugar de un patín real. Entonces por supuesto, también hay aspectos constructivos de este dibujo que no parecen del todo bien. Particularmente hay algo en el color de la bota parece mal de alguna manera, y también cosas pequeñas como aquí, el espaciado entre los ojales es inconsistente. Esta parte puedo arreglar fácilmente por mi cuenta, pero en cuanto al color azul onky, esto es algo que voy a tener que echar un vistazo a una foto para realmente clavar y ponerme bien. Ahora echemos un vistazo a mi dibujo que hice usando referencia. Como se puede ver, este patín de hielo es mucho más convincente Ahora que he aprovechado la oportunidad de mirar alguna referencia, aquí se ve que la construcción de la hoja se siente más sólida en comparación con el dibujo anterior, y incluye ciertos detalles como estas crestas aquí que se agarran al hielo. Incluso aquí tenemos un perno que conecta la cuchilla al zapato. Otra cosa que he notado en muchas de las fotos de referencia que eché un vistazo es que parece haber una costura por la mitad del dedo del pie de la bota. Por lo que estaba seguro de añadir eso. Los ojales o un poco más uniformemente espaciados aquí, y también noté que había islotes o bucles de cinturón en la parte superior de cada bota que vi. Por lo que seguí adelante y añadí esos y también hice diferente el cordón. Ya que este estilo de cordones parece estar más en línea con lo que vi en las fotos. También podrías notar el cambio en el color de la bota ya que hay más de una forma distintiva que contorna a la construcción del zapato, y además la lengua de la bota es más distintiva. Echemos un vistazo a los dos patines de hielo uno al lado del otro. Podemos ver que el patín de hielo de la izquierda, el hecho sin referencia, casi le tiene un aspecto bidimensional más plano. En tanto que el patín de hielo de la derecha parece como si se ajustara mucho mejor a un pie humano ya que tiene más contornos en los lugares correctos. Además de eso, también hay detalles que implicaban dimensión y profundidad en este patín de hielo que están ausentes en el primero. Por ejemplo, en la primera imagen, vemos que el talón está articulado con este tipo de forma rectangular plana. Pero el patín sobre hielo de la derecha implica más de un sentido de dimensión y profundidad y parece que realmente apoyaría el peso de un cuerpo humano. Creo que esta comparación ilustra claramente los beneficios de dibujar de la vida o usar la referencia para realzar la credibilidad y el realismo en su trabajo. También vale la pena mencionar que al mirar material de referencia, pude aprender que no todos los patines de hielo lucen igual. Se puede ver en esta imagen aquí que existen algunas diferencias bastante pronunciadas entre un escape de patinaje artístico y un patín sobre hielo de hockey. Ya que no me patino sobre hielo, esto es algo que sólo habría aprendido estudiando material de referencia. Espero que esto haya sido de ayuda. Cuando estés listo, pasemos al siguiente video. 7. Analiza arte antiguo: En este video, quiero seguir adelante y demostrar algunas de las cosas de las que ya hemos hablado analizando una pieza de arte más antigua para que podamos hacer una nueva pieza de arte que mejore sobre esta. Antes de empezar realmente a analizar esta pieza, voy a tomarme el tiempo para recordarme que esto es para mi beneficio, que está bien cometer errores, y cometer errores no significa que sea un mal artista. En cualquier momento que estés a punto de analizar críticamente tu trabajo, asegúrate de recordarte eso rápidamente. Recuerda también que si en algún momento comienzas a sentirte abrumado, está perfectamente bien parar y tomar un descanso y desconectarte de tu análisis antes de volver a él con la cabeza despejada. Ahora que lo hemos hecho, quiero empezar hablando de algunas de las cosas que me gustan en esta pieza que quiero seguir incorporando a la nueva pieza. En primer lugar, me gusta mucho la forma en que se renderiza el cabello en ambas figuras. Algo que me gusta aquí es que se puede ver que hay una alta densidad de líneas en cualquier lugar donde quiero implicar que hay sombra oscureciendo el cabello. Ya que creo que esto funciona bastante bien aquí, lo voy a seguir en el próximo dibujo. Otra cosa que me gusta de esta pieza también es que hay cierto mutinoso en ella. Si bien la siguiente pieza que hago después de esto, tengo un tono ligeramente diferente, sí quiero mantener algo de ese introspectivo, silencioso mutinoso que estoy sintiendo por estas dos figuras, y sobre todo esta figura aquí mismo. También me gusta la forma en que estas dos figuras están interactuando. Personalmente creo que es un reto, pero de una manera realmente gratificante dibujar figuras interactuando entre sí. Si bien la pose probablemente será por lo menos un poco diferente cuando redibuje esto, sí sé que quiero que estas dos figuras se abracen e interactúen de esa manera. Ahora que hemos hablado de algunas de las cosas positivas de este dibujo, pasemos a algunas de las cosas que creo que deben mejorarse. En primer lugar, vale la pena mencionar que este es un dibujo que hice sin material de referencia. Francamente, sí creo que muestra algunas de las proporciones aquí son simplemente incorrectas. Si echamos un vistazo al ancho de la pierna de las figuras masculinas aquí mismo y la comparamos con el ancho de su cintura, podemos ver que en realidad son casi lo mismo, lo cual es totalmente incorrecto. Por lo general, el muslo de una persona va a ser más delgado que su desperdicio. Ese es sólo un ejemplo de cómo las proporciones de los cuerpos necesitan ser adaptadas en esta imagen. Parte de la posación aquí también es un poco antinatural. Si le echamos un vistazo a esta mano aquí mismo, se puede ver que está descansando torpemente sobre el hombro del hombre y sus dedos apenas le están pastando la espalda al hombre. Ahora eso no es necesariamente algo malo, pero siento que podría haber hecho un mejor trabajo para que pareciera intencional. Por ejemplo, si dijéramos redibujar su mano para que esté colgando más lejos del hombro del hombre, creo que eso se vería más intencional y también transmitiría un poco más de emoción. Pero como ese no es el caso, la mano simplemente parece que está en este lugar incómodo entre apoyarse firmemente en la espalda del hombre y simplemente colgarse de forma coja. Adicionalmente, también es necesario fijar la colocación de algunas de las partes del cuerpo. Creo que la colocación de la oreja en la mujer necesita ser realmente movida a alrededor de aquí. Ligera diferencia, no una cantidad enorme, pero creo que todavía se vería mucho más realista y anatómicamente correcta si nos aseguráramos de que el oído esté en la posición correcta. Lo siguiente que me está molestando es la paleta de colores. Siento que es un poco soso, y si bien me gusta este suave color púrpura, no creo que sea realmente apropiado para el estado de ánimo que está tratando de ser transmitido aquí. Cambiar la paleta de colores para que sea más reflexiva del tono de la pieza es realmente importante. Por último, lo último que quiero mencionar de esta pieza es la falta de detalle. Esto podría significar que uno tenga un fondo más interesante para poner a los personajes para que se sienta más creíble. Incluso solo colocar a estos personajes al lado de una pared con tal vez un cuadro colgado de fondo nos daría más sentido de lugar, y tiempo, y haría que la pieza fuera un poco más visualmente interesante. Tampoco hay mucho detalle en sus dos atuendos, y más específicamente en el atuendo de la mujer. Creo que esa es una oportunidad perdida. Dibujar cosas como accesorios para el cabello y joyas también puede ayudar a contar una historia. Ni siquiera tienes que parar ahí, también puedes dibujar cosas axiomas o pliegues, y esa es otra forma de hacer que una imagen como esta sea más visualmente interesante, tal vez necesite algunos gemelos también. Se suponía que estos personajes estaban en un entorno formal, y creo que agregar esos detalles ayudará a transmitir ese mensaje más claramente a los espectadores. Ahora que hemos analizado esta pieza y abordado algunos de los temas, podemos seguir adelante y pasar a nuestro redibujo donde podemos incorporar las mejoras de las que hablamos y también practicar algunas de las otras cosas que aprendimos de videos anteriores, como usar ejercicios de rastreo e imágenes de referencia para ayudar a potenciar el realismo y la credibilidad en nuestro redibujo. Muchas gracias por ver y cuando estés listo, pasemos al siguiente video. 8. Redrawing arte antiguo: En este video, voy a descomponer el proceso de redibujar mis viejas imágenes paso a paso incorporando todas las cosas de las que ya hemos hablado como ejercicios de rastreo, usar imágenes de referencia y demás. Por lo general, cuando creo un dibujo, no sigo todos estos pasos. Podría sólo seguir uno o dos. Pero para los efectos de esta lección, quiero demostrar cómo puedes usar todas estas técnicas juntas y hacerlas funcionar para ti y hacer un dibujo más fuerte como resultado. El primero que voy a hacer es buscar imágenes de referencia o diversas poses donde dos personas se están abrazando. Lo primero que noto sobre todas las imágenes que se están acercando es que estos abrazos e interacciones físicas todas se ven diferentes y únicas, lo que va a mostrar que no tienes que dibujar un abrazo la misma manera o simplemente lo que piensas debería parecer. uso de imágenes de referencia como esta puede abrirte a diferentes posibilidades que ni siquiera habías considerado. También estoy jugando con diferentes palabras clave y aunque las dos figuras para mi primer dibujo no son necesariamente una pareja en mi mente, usar la palabra clave par y buscar me permite ver aún más interacciones entre dos personas. He ido adelante y guardado algunas de las imágenes que creo que son las más fuertes o las más interesantes para mí de alguna manera y hay algo en cada de estas imágenes que resuenan conmigo de una manera diferente. Por ejemplo, en esta imagen en particular aquí, me gusta mucho que este parezca un entorno formal y podemos ver que el hombre claramente lleva una chaqueta y una camisa, muy parecido a la figura masculina de mi primer dibujo. En esta imagen particular aquí mismo, pesar de que no necesariamente quiero que los cuerpos se posicionen de esta manera. Las dos figuras les tienen una expresión realmente tranquila, misteriosa que me parece realmente convincente e interesante. Ahora que he recogido mis imágenes en un documento de Photoshop, voy a crear una nueva capa y trazar sobre cada una de estas imágenes como un calentamiento y ver si puedo aprender algo nuevo trazando sobre ellas. Puedes hacer esto tradicionalmente con papel de calco si quieres pero como ya lo he demostrado en un video anterior, pensé que intentaría hacerlo digitalmente esta vez por ti. Cuando hice este ejercicio, decidí simplemente crear una nueva capa directamente sobre mis imágenes con la herramienta lápiz en verde pero creo que una forma aún mejor de hacer este ejercicio sería crear una nueva capa, construir un documento arriba completamente con un blanco de opacidad del 50 por ciento, lo que aún te permitirá ver las imágenes, pero las hará un poco menos contrastantes y luego toma una herramienta de lápiz o lápiz negro y traza encima en una nueva capa. Encuentro que hacer esto en su lugar realmente crea más una sensación de usar papel de calco ya que el papel de calco esencialmente hace que la imagen debajo semiopaca y así es como se ven mis trazados sin las imágenes debajo. Si bien algunas de estas imágenes no se van a traducir directamente a mi dibujo final, todavía era realmente importante para mí intentar experimentar cosas diferentes y meterme en el marco de la mente que abrazos y las interacciones físicas pueden mirar de manera diferente y significar cosas diferentes dependiendo de una situación o de un tipo particular de relación. Este ejercicio de rastreo me ayudó no sólo a experimentar con diferentes poses, sino que también me permitió obtener una mejor sensación de proporciones reales y movimientos corporales naturales. Ahora, voy a tomar lo que aprendí de los ejercicios de rastreo y material de referencia y usarlo para crear una variedad de bocetos en bruto de los dos personajes interactuando de diferentes maneras para tratar de tener una idea de cómo quiero la final posar para parecerse. Esto lo he hecho con papel y lápiz y lo he escaneado en Photoshop, pero si prefieres bosquejar digitalmente, eso también está perfectamente bien. Ten en cuenta que no quieres copiar de los trazados ni de las imágenes de referencia. En cambio, céntrate en hacer tus propias poses que estén inspiradas o basadas libremente en el material de referencia o los trazados que haces. He decidido por el que quiero basar mi último dibujo, y ese es éste de aquí. No estaba 100 por ciento contento con ello como era aunque, así que decidí modificar un poco la pose. Elegí esta pose porque me gustó la perspectiva de vista de pájaro y la forma en que se posicionan los brazos. Dicho eso sin embargo, no estaba 100 por ciento contento con ello, y decidí modificar las caras y también agregué el brazo colgado, que se puede ver aquí en este boceto. Aquí, he empezado a basar mis lápices digitales fuera de esta pose. Yo quería mantener el fondo simple porque el foco debería estar en las dos figuras. Rápidamente lapicé en un piso y algunas paredes para implicar que están en la esquina de una habitación pero me encontré sintiéndome incierto sobre la perspectiva. Porque quería asegurarme de que la perspectiva en esta imagen fuera correcta, lo que hice fue encontrar una esquina en mi departamento real y por ser una persona corta, decidí usar una silla y pararme encima de ella y mientras estaba de pie encima de la silla, enfrentó mi cámara hacia abajo y tomar fotos de este rincón en particular de mi habitación. Sólo un recordatorio rápido, si vas a pararte encima de los muebles, como yo tenía que conseguir este tiro en particular. Por favor ten cuidado. Si tienes problemas para encontrar imágenes de referencia existentes. Es una gran idea tomar las tuyas. Después de tomar algunas tomas de referencia desde diversos ángulos, pude incorporar la imagen de referencia que me pareció más apropiada y luego ajustar mis lápices en consecuencia, por lo que ahora la perspectiva en esta imagen se ve mejor. Dado que mis lápices son digitales, los he colocado en una capa separada encima de la foto de referencia pero si estás trabajando tradicionalmente, puedes colocar una hoja de papel de calco encima de tu imagen de referencia y hacer ajustes usando tu imagen de referencia de esa manera. Ahora que estoy más o menos satisfecho con la perspectiva y la composición. Voy a volver a mi imagen y enfocarme en algunos de los detalles, material de referencia para ropa formal y joyería, e incorporar algunos de esos detalles a los personajes y también me inspiraré en diversas fantasía interiores, salones de baile, ese tipo de cosas para tener una mejor idea del espacio que podrían estar ocupando los personajes. He ido adelante y limpié un poco mis lápices digitales y he añadido esos detalles que mencioné antes y así ahora es momento de empezar a entintar mi dibujo final. Al estar completando mis tintas, sentí como si las dos figuras se veían un poco cortas donde estaban colocadas. Por lo que ajusté esto moviendo las figuras hacia arriba para darles más sentido de altura. También recorté la imagen para que las dos figuras fueran más del punto focal de la pieza y así aquí están las tintas completadas. Una vez que las tintas estaban en su lugar, seguí adelante y puse algunos colores planos. En un principio, no estaba realmente seguro de qué tipo de paleta de colores quería, pero quería que hubiera un poco más de calidez en comparación con el último dibujo. A pesar de que aquí hay mucho blues, también traté de introducir algunos rojos y marrones cálidos también. Otra cosa que puedes hacer para agregar interés visual a tu pieza es introduciendo texturas y esto también te ahorrará algo de tiempo porque en lugar de tener que dibujar un piso de madera dura o un papel pintado estampado damasco en las paredes, Simplemente puedo encontrar imágenes libres de derechos de autor y utilizarlas para crear textura en el fondo y así así es como se ve la pieza con la textura del papel pintado y la textura del suelo de madera dura introducida a la pieza y sí ajusté los colores un poco en ambos. Ahora las dos figuras parecen estar un poco perdidas en la pieza porque todos los colores a su alrededor son de la misma saturación, por lo que quiero llamar la atención de nuevo sobre las dos figuras. Para ello, presenté primero algunos aspectos destacados que llaman la atención del ojo. Entonces también agregué sombras, que tienden a hacer que los objetos parezcan empotrados. Si bien sí agregué sombras en su cuerpo y ropa, también me aseguré de agregar una sombra alrededor de las esquinas del dibujo para dibujar la mirada hacia el centro donde están las dos figuras, agregué sombreado adicional a los cuerpos para hacerlos se ven un poco más dimensionales y también un ligero flush en cada uno de sus rostros. Para realmente asegurarme de que las figuras destacaran, decidí hacer retroceder un poco más el fondo y al hacer esto, tomé las líneas de fondo que estaban en las paredes que originalmente eran negras y las colorearon para ser más claras y creo que esto realmente hace estallar las figuras frente a ellas. Lo último que hice fue crear un cuadro para el marco en la esquina superior derecha. Quería introducir nuevas texturas en esta pintura y así usé un pincel digital que estaba destinado a parecerse a un pincel de pintor y me aseguré de no usar ninguna línea dura o demasiados negros para dar más de esa sensación pictórica y así aquí está la pieza terminada. En el siguiente video, compararemos y contrastaremos el dibujo original con el nuevo dibujo terminado para ver qué quedó igual, qué ha cambiado y para darles mis reflexiones personales sobre este nuevo dibujo comparado con el anterior. Sé que este video es un poco más largo de lo habitual, así que te agradezco que te quedes hasta el final y por favor siéntete libre de avisarme si tienes alguna duda. Gracias, y nos vemos en el siguiente video. 9. Comparación de dibujos antiguos y nuevos: En este video, vamos a estar comparando mi dibujo original con el redibujo que hice para esta clase. Antes de comenzar nuestra comparación, volvamos realmente a nuestro primer análisis del dibujo original y repasemos algunas de las cosas que queríamos mantener y mejorar. Las cosas que queríamos mantener en el redibujo eran; el estilo de renderizado del cabello, asegurándose de que haya más gruesas y una mayor densidad de líneas en las partes del cabello que deberían ser más oscuras para implicar más de una sombra. Queríamos aquí un tono general de humor, ambiguo y yo también quería asegurarme de que las cifras siguieran interactuando de alguna manera interesante. Ahora, hablemos de las cosas que queríamos mejorar o del resorteo. Para este dibujo en particular, no usé ninguna imagen de referencia, y creo que se muestra. Quiero asegurarme de que cuando rehiciera este dibujo, utilizaría imágenes de referencia. También sentí como si el posar entre las dos figuras fuera un poco estático y incómodo, así que quería arreglar el posar para que fuera más natural. También hay algunos problemas con la anatomía y la colocación de algunas de las partes del cuerpo. También quería mejorar el esquema de color porque este morado suave no ha transmitido realmente el ánimo que voy a buscar. Por último, quería también agregar más detalles en la ropa y en el fondo para ojalá que este dibujo sea un poco más interesante. Aquí están los dos dibujos uno al lado del otro, el primer dibujo se hizo originalmente en noviembre de 2017, mientras que el nuevo dibujo se completó en julio de 2018. En los ocho o nueve meses que transcurren entre estos dos dibujos, me he vuelto cada vez más cómodo con la pintura digital, que es sólo parte de la razón por la que creo que el segundo dibujo se ve mejor. Creo que eso es otra cosa que es importante tener en cuenta, solo practicar y mantenerse activo en tu práctica creativa te ayudará a mejorar. El segundo dibujo sí tardó más en completarse que el primero, eso se debe a que hay más detalles ahí. Ahora hablemos de las cosas que cambié del primer dibujo al segundo dibujo. Por una parte, creo que la posación es mucho mejor en el segundo dibujo y lo acreditaría al hecho de que hice varios bocetos preliminares antes hice varios bocetos preliminarespara tratar de averiguar cuál sería la mejor posación. También miré material de referencia para asegurarme de que la pose se sintiera natural. El posar en el primer dibujo es muy estático y muy plano, y debido a que estamos viendo las dos figuras a nivel de ojos y a perfil, no estamos consiguiendo un buen sentido de dimensión. En contraste, en la segunda imagen, la cámara está por encima del nivel de los ojos, por lo que estamos viendo dos figuras en ángulo. El modo en que se posicionan los cuerpos también están en más de un perfil de tres cuartos en lugar de un perfil completo, que creo que es visualmente más interesante y menos estático. Hablemos también de la posación por un momento. En la primera imagen, el posar aquí es un poco extraño. Casi se siente como si hubiera partes donde los dos cuerpos son aplastados juntos de una manera que es incómoda. Como se puede ver aquí en el primer dibujo, tenemos la cabeza del hombre chocando contra la cabeza de la mujer, que se está estrellando contra el hombro, y luego tenemos estos dos brazos apenas torpemente superpuestos entre sí. Si miramos el segundo contorno, podemos ver que las cabezas tienen más de una distancia cómoda entre sí para que ambas estén claramente articuladas. Los hombros están más separados, así que decimos la diferencia entre los dos y los brazos casi están cucharonados uno dentro del otro, por lo que podemos ver el brazo de la mujer con bastante claridad aquí mismo y luego el brazo del hombre volando de ella. El pose es mucho más claro de leer en el segundo en comparación con el primer dibujo. También hay muchos más detalles en la segunda imagen, como podemos ver por las texturas que introduje. En el segundo dibujo, los colores son más numerosos pero menos saturados y mucho más cálidos en tono. El primer dibujo realmente no cuenta con gran parte de un fondo. Es realmente sólo este suave gradiente morado, mientras que en el segundo dibujo, me ocupé de dibujar realmente paredes, y un piso, y una pintura. También me encargé de agregar más detalles en la ropa, específicamente la mujer; ahora tiene más joyas, tiene maquillaje de ojos y esmalte de uñas, y tiene costuras más visibles dentro de la bata que lleva. De igual manera, el hombre de la imagen también está luciendo algunos accesorios más también. Para cerrar, estoy realmente contento con cómo salió el redibujo. Creo que es mucho más exitoso que el primer dibujo y el segundo dibujo se siente mucho más pulido y completado de una manera que el primer dibujo simplemente no lo hace. Me he tomado el tiempo para analizar cuidadosamente el primer dibujo, tomar nota de las cosas que me gustaron, las cosas que no me gustaron, y luego usar los recursos de que dispongo para mejorar la idea. Para ser justos, siento que eso es cierto para la mayoría de la gente. El primer dibujo que haces de algo generalmente no va a ser tan bueno como el segundo, tercero, cuarto, quinto, o décimo. Seguro que si reintentara este dibujo una vez cada pocos meses, seguiríamos viendo mejoría con cada iteración. ¿ Qué opinas? Hazme saber o deja cualquier pregunta para mí si las tienes. Ahora, cuando estés listo, pasemos al siguiente video. 10. Proyecto: Hola de nuevo y bienvenido a tu video de asignación. Para su tarea, quiero que implementen algunas de las cosas de las que hemos hablado a lo largo de esta lección tomando una vieja pieza de arte, analizándola, deconstruyéndola, averiguando qué está funcionando, qué no funciona, y cómo se puede mejorar. A partir de ahí, volverás a crear la misma pieza de arte e implementar algunos de los consejos y técnicas de las que hemos hablado a lo largo esta clase para ayudar a mejorarla y mejorarla. Algunas de las cosas que tal vez quieras hacer para ayudar a mejorar esta nueva versión de tu antigua pieza de arte, serían usar materiales de referencia o de investigación a tu disposición, para sacar de la vida o para potencialmente probar algunas técnicas de rastreo de antemano para calentar. Es realmente importante recordar que a pesar de que quieras ser crítico con tu arte, intenta no escoger demasiado una parte de él y cortarte un poco de holgura. Recuerda que está bien cometer errores y ten en cuenta que confrontar y reconocer esos errores es la mejor manera de avanzar como artista. Puede ser aterrador y un poco intimidante a veces, pero trata de no tomarlo demasiado personalmente y recuerda que esto es en última instancia para tu beneficio. Si en algún momento comienzas a sentirte un poco abrumado o vulnerable, siéntete libre de alejarte de tu tarea por poco. Date un paseo, respira, y también ten en cuenta que estoy aquí para ti. Si tienes alguna inquietud o necesidad, algún estímulo o consejo, siéntete libre de dejar un comentario y te contestaré lo antes posible. Gracias por llegar tan lejos a la clase. Espero con interés ver todas sus tareas y buena suerte. 11. Reflexiones finales: Enhorabuena por llegar al final de esta clase. Espero que esta clase fuera beneficiosa para ti de alguna manera y me encantaría escuchar de ti y aprender sobre qué técnicas te pareció más útil, y si has aprendido alguna técnica adicional que tal vez no se mencionan en este clase. Entonces si tienes alguna opinión o insights adicionales de los que tal vez pueda beneficiarse toda la clase, siéntete libre de dejar un comentario, ya que me encantaría saber lo que pienses. Como ya se mencionó antes, si tienes alguna pregunta o preocupa lo que sea, por favor siéntete libre de llegar ya que estoy aquí para ayudarte. Espero que puedas seguir usando los consejos de los que hablamos en la clase de hoy para ayudar a avanzar en tu arte y ayudarte a crecer como creativo. Muchas gracias por acompañarme en este viaje hacia la superación personal y el descubrimiento creativo, no puedo esperar a ver el tipo de trabajo que ustedes vienen con, y realmente espero que se diviertan y sigan creciendo. Gracias, adiós.