Una introducción a la posproducción de sonido para cine

1. ¡Hola!: sonido no sólo se suma al cine sino que es una parte esencial de la narrativa Como diseñador de sonido, poder crear sonido para Film es realmente gratificante, pero si eres director o editor de video teniendo una comprensión básica de cómo funciona el sonido, en particular postproducción ayudará a llevar tu proyecto al siguiente nivel Hola a todos! Soy Gabby y, bienvenidos a “An Introduction to Audio Post-producción” en esta clase vamos a cubrir todos los aspectos básicos del post de audio que debes conocer para obtener los mejores resultados para tu trabajo. La posproducción de audio es donde se unen todos los elementos del sonido, y podría haber visto nuestros cursos previos sobre preproducción y producción de sonido y, en esta clase traemos juntos todos esos conocimientos y los resultados de esas etapas, para crear una pieza final pulida de película. Los componentes clave para el post de audio y las áreas sobre las que vamos a cubrir los conceptos básicos en esta clase son: la sincronización y edición de diálogos, ADR, edición de efectos de sonido y diseño de sonido, foley, edición y mezcla de música. La postproducción cinematográfica es una de las fases más largas de producir una película, hay muchos elementos que necesitan unirse, en diferentes etapas a lo largo del proceso de posproducción, con el fin de entregar un corte final listo para su distribución. A lo largo de esta clase, demostraré las técnicas discutidas y te daré ejemplos antes y después de cada paso y, por el bien de esta clase, todas mis demostraciones se llevarán a cabo dentro de Pro Tools ya que esto es estándar de la industria pero, si tú utilizar un programa o pieza de software diferente, lo que te muestro en Pro Tools es completamente transferible al software que estás utilizando siempre y cuando las características estén disponibles. También vale la pena mencionar que hay una versión gratuita de herramientas Pro que también puedes usar si lo necesitas. Para el proyecto de clase, llegarás a desbloquear tu yo creativo trabajando en una escena corta donde podrás practicar todas las técnicas aprendidas en este curso, desde la edición de diálogos hasta el diseño de efectos sonoros. Todo lo que necesitas lo puedes encontrar en los materiales de la clase. Ya sea que seas un cineasta, nuevo en esto o un cineasta que lleva mucho tiempo trabajando en películas pero que nunca has entrado el mundo de la posproducción de audio, esta clase te ayudará a intensificar tus conocimientos creativos. Estoy tan contenta de que te hayas unido a esta clase. Ahora, empecemos y gracias por mirar. 2. Lock Lock imagen y sesiones de divisas: Para poder iniciar la posproducción de audio para una película, necesario completar el bloqueo de imagen. Esto es para que puedas trabajar fuera de una pieza de metraje que no sufrirá ningún cambio. Esto se debe a que si, se realizan cambios visuales, decir, cortando escenas, entonces todo el audio previamente sincronizado ya no estará en la posición correcta en la línea de tiempo. Y en muchos casos, arreglar esto va más allá de simplemente mover todo el audio en la línea de tiempo. Afeitar marcos aquí y allá podría significar una modificación completa de efectos de sonido, foley y más. Una vez que tengas tu película bloqueada, es hora de iniciar las sesiones de manchado. En una sesión de avistamiento participan un director y el equipo de diseño de sonido. Y durante estas sesiones discutirán los elementos sónicos de la película viendo la película y, marcando puntos para grabación, edición y creación. Esta es una parte crucial del proceso ya que permite una clara comunicación de la visión del director al equipo de sonido. Cosas que deben discutirse con el director son: tono general y estética, mundo construyendo así, ¿cómo es el mundo con los personajes que viven? Cual es el marco temporal, cosas así. Cualquier momento específico para el diseño de sonido y señalando cualquier área problemática como mala producción de sonido o diálogo. He agregado una plantilla para la hoja de manchado a los materiales de la clase. Entonces, siéntete libre de usar esto para la clase o para cualquiera de las palabras que podrías hacer, también. 3. Sincronización de sonido: Antes del bloqueo de imagen y justo después de que el equipo de sonido de producción haya entregado audio al editor de películas, normalmente se produce la sincronización de sonido. La sincronización de sonidos suele ser realizada por el editor de películas. No obstante, si tu proyecto es un espectáculo unipersonal entonces podrías encontrarte haciendo esto por tu cuenta. Durante la película, el equipo de sonido y fotografía debió haber asegurado que ambos estaban capturando audio y video a la misma velocidad de fotogramas y, acordaron un sistema de sincronización. Un clapperboard es un must y tener esta referencia tanto para imagen más el tradicional aplauso, permitirá a los editores sincronizar audio a video sin problema, independientemente de cualquier otro implementado sistema de sincronización y cualquier problemática que pudiera surgir de su uso. uso de tecnologías que permiten sincronizar dispositivos de video y audio incluye la sincronización mediante una jam sync, que utiliza código de tiempo SMPTE en el que un dispositivo maestro informa la hora a un dispositivo que depende de él. Esto se puede hacer de diversas maneras, como usar un dispositivo como el tentáculo, que se comunica con la cámara y el dispositivo de grabación de audio a través Bluetooth o mediante la conexión de un cable BNC sólo por mencionar algunas. Todos estos funcionan muy bien, pero también pueden traer problemas inesperados por lo que, siempre tener un clapperboard de baja tecnología es clave. Una vez que el editor de cine tenga todo el metraje, utilizarán el software de edición de video de elección. Software como Premiere, te permitirá fusionar clips de video y audio identificando la forma de onda creada por la placa de clapper. Y ahora hay algunas otras características inteligentes, esa sincronización basada en código de tiempo. Sea cual sea el camino, si eres editor, llegando a un proyecto poco después de que haya iniciado la producción, o incluso un poco más tarde, asegúrate de pedir todas las notas. realizado por el equipo de sonido y el supervisor de guión. 4. Cómo editar y editar diálogo limpio: Una vez que has pasado por las sesiones de manchado con el equipo, o por ti mismo si estás dirigiendo y trabajando en la posproducción por tu cuenta, es momento de pasar a la edición del diálogo . Durante la etapa de bloqueo de imagen, el editor debió haber sincronizado todo el diálogo de producción junto con sus ediciones de video. Esto incluye idealmente no sólo una fuente como el micrófono de la escopeta, sino también cualquier otra fuente capturada como la radio o los micros de la habitación. En este punto, el editor de diálogos puede seleccionar qué diálogo de producción sigue, trabaja o suena mejor para la escena y comenzar a limpiarlos y editarlos según sea necesario. Dicho esto, no es raro el editor y director de cine tomen decisiones de tomas de audio. Esta también es una buena manera de trabajar sin embargo siempre es la mejor práctica poner estas tomas en la parte superior de la sesión y mantener el otro audio sincronizado en la parte inferior. Si tu equipo es lo suficientemente grande como para que estés trabajando con los cinco elementos audio por separado, entonces una sesión con solo diálogo organizado de la manera que acabo explicar se da al editor de diálogos sin efectos de sonido, ambiente o pistas de música requeridas. No obstante, si solo una persona está trabajando en el audio de tu película, entonces se aconseja codificar por color estas pistas de diálogo. Una vez que hayas comprobado la sincronización o hecho la sincronización del diálogo por ti mismo, debes asegurarte de que se elimine cualquier ruido no deseado de las pistas y que se recorten hasta la longitud requerida. Con la limpieza del diálogo, comenzaremos con lo que podría describirse como una solución de baja tecnología. En lugar de emocionarse demasiado y saltar al uso de plugins y otras herramientas auxiliares como EQs y compresores de inmediato . Primero necesitamos despejar el camino cortando bits de audio no deseados e innecesarios. Y realizando automatización de volúmenes. Siempre cuidando que no haya inmersiones de audio dramáticas, cortes que hagan que el diálogo suene excesivamente artificial. Un ejemplo de esto es este bit aquí mismo. Aquí la solución es bastante simple. Un corte de este bit al final del audio y un fundido muy corto hace el truco. Otro concepto muy importante y básico es el de sustituir las brechas por el tono de la habitación. A lo largo de nuestros otros cursos de preproducción y producción de audio. Te hemos comentado sobre el tono de la habitación y la importancia de capturar lo más posible al filmar. edición del diálogo no es la única razón, pero probablemente sea una de las razones más importantes por las que hacemos esto. Tomemos por ejemplo, esta sección aquí. Tendremos que eliminar este ruido. No obstante, si solo lo cortamos e incluso agregamos un fundido al final del clip de audio y un fundido al principio. El silencio es realmente notable y hace que el audio suene artificial. Afortunadamente, porque tenemos tono de habitación a nuestra disposición, podemos arreglar esto. Recuerde, el diálogo tiene que ser claro e inteligible. Si has encontrado durante la fase de manchado que este no es el caso para algunos del diálogo de producción. Es posible que tengas que pensar en hacer ADR, que es automatizado o Sustitución de Diálogo Adicional. Si hay algunos ruidos en el fondo del diálogo, la grabación puede ser posible quitarlos. Un buen mezclador de sonido asegurará que se tome una grabación de cualquier contaminante de ruido que no se pudo evitar durante la fase de filmación, por ejemplo, y una batería portátil ruidosa que se utiliza para alimentar las luces o el zumbido de una unidad de refrigeración. Capturar una grabación de estos sonidos por sí solos puede permitir a los editores de audio filtrar estos sonidos en post mediante plugins como el desruido espectral de Izotope. resolvimos Este es otro uso muy importante de tonos de habitación que resolvimos Con todo tu diálogo muy bien sincronizado y limpiado. Ahora puedes pasar a ADR si ese es un paso que se requiere para tu proyecto. 5. Cómo configurar una sesión ADR: Muy a menudo encontrarás que parte del inicio de audio grabado es demasiado ruidoso, corrupto, faltante, o simplemente no la calidad necesaria y ADR es la forma de resolver estos problemas. ADR es el proceso de grabación de nuevo diálogo en un entorno de estudio para sincronizar con el video. Se requerirá que el actor se sincronice con el rendimiento original lo más cerca posible. El actor debe asegurarse de intentar entregar la misma emoción y poder que expresaron durante la grabación original. En términos generales una sesión ADR se compone de un relé de pantalla y un micrófono de elección para el actor actúe con. El grabador ADR preparará una sesión con la imagen y sincronizará cualquier audio como referencia para el actor, así como instalará una sala para que el actor actúe. El cual suele estar vacío de cualquier ruido electrónico que provenga del equipo de audio. Una vez que tengas esto, el actor puede decidir si desean realizar escuchando su audio de referencia, o si prefieren hacerlo en silencio, solo viendo la pantalla como señal. Particularmente para proyectos de presupuesto más pequeño, es común que el director asista a estas sesiones para asegurarse de que el actor pueda ser guiado o entrenado, en un intento de entregar algo tan cercano a la actuación original como sea posible. Para preparar tu sesión de grabación de audio, considera los mismos aspectos que discutimos en el módulo de edición de diálogos. Deberás entregar solo nuestras pistas de diálogo con las tomas seleccionadas en la parte superior y el resto de ellas a continuación. Y si bien podrías estar informado sobre aspectos como profundidad de bits y la frecuencia de muestreo por el sonido de producción. Tenga en cuenta que los requisitos mínimos deben ser 24 bits y 48 kHz. En estos días los grabadores de sonido y los diseñadores de sonido sí tienden a utilizar 96 kilohercios como casi un estándar, ya que esto permite un mejor procesamiento de las grabaciones sin ruidos de artefacto y así sucesivamente. Si bien configurar una sesión ADR y ejecutarla podría ser una clase por sí sola. Me limitaré a retocar un par de los aspectos que deben tomarse en consideración. El más importante es contar con un sistema de colas. actualidad existen software como EdiPrompt o el sistema Colin Broad. En cualquier caso, puedes elegir entre usar pitidos de audio para hacer cola a tus actores antes de que se reproduzca la escena, o bien puedes usar toallitas visuales para hacer lo mismo. ir de tecnología realmente baja, podrías programar estas colas manualmente, pero esto podría llevar mucho tiempo, particularmente para una película que requiere mucho, de ADR. Sea cual sea tu elección, lo importante a recordar es que necesitas tener un sistema en lugar para que tus actores sepan cuándo está sucediendo la acción. Otros aspectos a tener en cuenta es el monitoreo. Como mencioné antes los actores suelen estar en una sala de grabación con un grabador en una sala de control. Por lo que es necesario crear una mezcla de monitoreo para que los actores puedan escucharse a sí mismos, así como cualquier retroalimentación de la sala de control y si es necesario, cualquier aspecto del audio grabado de la película que desean escuchar, como una actuación previa o efectos de sonido específicos o sonidos ambientales. Estaremos lanzando una clase enfocada ADR en que repasaremos a detalle cada paso de configuración. 6. Los fundamentos del diseño de sonido: diseño de sonido es el proceso de creación de efectos de audio para imagen. Los diseñadores de sonido agregarán pistas salvajes y grabaciones de campo para crear ambiente para cada escena. Y junto con eso, agregarán cualquier efecto de sonido específico o especial que se necesite. Los efectos de sonido se pueden crear de varias maneras. Normalmente se trata de una mezcla de sonido grabado que se estratifican y a veces tienen procesamiento ligero a pesado aplicado, dependiendo del efecto de sonido y el género de la película. Es trabajo de un diseñador de sonido dar vida a la escena a través del sonido. Y el sonido tiene una gran parte en contar la historia, y un gran diseñador de sonido puede agregar mucho más a la historia que lo que la imagen puede transmitir por sí sola. El diseño sonoro puede ser tan simple o tan detallado y elaborado como quieras, pero necesita tener sentido para el tipo de película. En esta clase, pasaremos por el diseño de sonido básico, que generalmente es la base de casi todas las películas que se producen. Eso es porque a algún nivel, todas las películas consisten en los mismos tipos de sonidos en mi propia experiencia y por lo que he escuchado y visto de otros diseñadores de sonido. La clave para crear un gran diseño de sonido es coleccionar y usar bonitos materiales orgánicos, por lo que los sonidos, que por su cuenta pueden no sonar como nada especial, pero una vez en capas juntas, crear un momento dinámico y sonóricamente interesante para el oyente. De igual forma, también se requiere una correcta comprensión y uso del silencio. Tomemos por ejemplo, este sonido aquí. Estas son las capas que están involucradas. La próxima vez que estés viendo tu película favorita. Escucha, particularmente aquellas escenas que son las más convincentes. ¿ Qué está sucediendo sonido-sabio? ¿ Cómo es la película usando capas o incluso silencio para transmitir movimiento o falta de las mismas? Ahora piensa en cómo puedes aplicar esto a tu trabajo. 7. ¿Qué es Foley y por qué lo necesitamos?: Foley es similar al diseño de sonido ya que es el proceso de creación de efectos de sonido para realzar la imagen y hacerla parecer más realista para el público. Foley sin embargo se refiere a efectos de sonido hechos por el hombre como pasos, movimiento de ropa, y manejo de utilería por parte de los personajes en pantalla. Los artistas de Foley realizarán acciones junto con el metraje. Y de manera similar a ADR, necesita estar sincronizado y coincidir con el rendimiento dado en pantalla. Después se puede editar para asegurarse de que el sonido coincida con la escena, no sólo en términos de sincronización, sino en términos de intención espacial y más. Muchos sonidos de Foley son relativamente sencillos y un foley artistas simplemente pueden usar objetos similares a lo que está siendo utilizado por el actor. Pero para algunos sonidos un artista de Foley necesita ser creativo con los materiales que tienen a su alrededor. Al igual que en muchos casos, el objeto real, puede que en realidad no suene como esperarías que lo hiciera. Justo cómo un diseñador de sonido hará capas múltiples grabaciones para obtener el sonido que necesitan. A los artistas de Foley pueden sostener múltiples objetos al mismo tiempo y moverlos para obtener el efecto de sonido deseado. Desde el mundo del foley obtenemos muchos de los trucos más conocidos en sonido cinematográfico, como cáscaras de coco para el sonido de caballos corriendo, tocino hirviendo para la lluvia. Y muchos otros trucos divertidos, pero súper útiles para pensar que los artistas de Foley se han desarrollado a lo largo los años y a los que nuestros oídos como espectadores acaban de acostumbrarse. Se podría estar preguntando si el grabador de sonido y el operador de boom hicieron un buen trabajo durante la fase de filmación, entonces ¿por qué necesitamos foley en primer lugar? Bueno, la realidad es que durante la fase de filmación el grabador sonoro intentará capturar todo el sonido al mejor de su capacidad. Pero siempre se dará prioridad al diálogo. Si has visto nuestras clases sobre producción y sonido de preproducción, sabrás que hay muchos elementos diferentes que podrían afectar al audio durante el rodaje, incluyendo ruidos de varias fuentes que no se puede controlar como el tráfico, transeúnte compra ruidos electrónicos, solo por mencionar algunos. Por lo que las técnicas de grabación y colocación del micrófono siempre estarán enfocadas en tratar de capturar un diálogo limpio y nítido. Significa que para esos entornos ruidosos, capturar pasos, ropa , movimientos, etcétera, simplemente no es una prioridad, pero no es recomendable ser honesto. Por esta razón, si un grabador de sonido hizo un buen trabajo, lo que a menudo escucharás es diálogo muy claro con poca ninguna otra fuente de sonido sobre él. En términos de presupuesto, crear foley es una parte muy estándar de la postproducción. Y significa que los costos no se elevan significativamente a diferencia de tener que hacer ADR, por ejemplo. También ten en cuenta que crear y foley en posproducción puede ser en realidad una ventaja ya que permite a los diseñadores de sonido controlar las circunstancias bajo las cuales se encuentran estos sonidos foley grabado, permitiendo un sonido limpio que luego puede transformarse de cualquier manera que se desee para los fines cinematográficos. 8. Edición musical: La música es un elemento muy importante de la narrativa. Cuando se compone y se usa correctamente, puede agregar a los elementos viscerales de una película. La edición musical es crucial, y es un papel que actúa como puente entre el equipo de sonido, el compositor musical y el cuadro. Un editor de música ayudará al director lograr su visión musical para la película. Y dependiendo del tamaño del proyecto, el editor musical trabajará estrechamente con el compositor, director e incluso con el editor para lograr un ritmo consistente que alinea video y la música al mismo ritmo. Algunas de las principales responsabilidades de un editor musical desde un principio es crear una hoja de referencia para que los músicos o compositor sigan al interpretar la música para que coincida con el ritmo de edición. Adicionalmente, elegir y entender dónde entra y sale la música de una escena en particular son decisiones que un editor de música puede ayudar a tomar. Esto también se extiende a utilizar el silencio de una manera inteligente y cuando hay música que se fuente de forma libre de regalías, el editor de música puede ayudar a decidir cuáles son las mejores piezas de música para adaptarse a cada escena y momentos narrativos importantes. En proyectos más grandes, el editor musical trabajará entonces con el supervisor de música para finalmente lograr esta tarea. Editar música es un proceso complejo y hermoso, que implica no sólo el conocimiento del ritmo, sino también de la composición musical y el estilo. Cortes y ediciones creativas para comprimir temas musicales relevantes, así como para acercar frases de música que normalmente no estén en secuencia de manera fluida, todos requieren de este conocimiento previo. Mira los recursos de clase para ver un ejemplo de edición musical y el impacto positivo en el cine. 9. Tratamiento de diálogos: Ya hemos discutido antes de limpiar y sincronizar el diálogo, pero ¿hay algo más que podamos hacer con él? La respuesta es sí. El trabajo de un editor de diálogo va más allá de asegurarse de que se llenen las lagunas de silencio y que el diálogo siempre sea inteligible. Como seres humanos, nuestros oídos están diseñados para reconocer unas sutilezas en otras voces de seres humanos. Podemos reconocer la intención, emoción, e incluso en ciertas situaciones, los niveles generales de salud y las condiciones médicas basadas únicamente en la voz. Al trabajar con el diálogo, hay muchos elementos creativos a tener en cuenta. ¿ Quiénes son los actores hablando en el escenario y cuáles son sus motivaciones? En una película reciente con la que mi equipo y yo tuvimos oportunidad de trabajar. Teníamos un personaje cuyas cualidades eran encantadoras, inteligentes, tranquilizadoras. Y esto a pesar de que el desarrollo de su historia terminó mostrando al público que el personaje no era tan bueno después de todo. Como tal, era importante asegurarse de que la voz de este personaje fuera atractiva y agradable a los oídos de los personajes. Para ello, nos aseguramos de que se creara una mezcla especial de ecualización para la voz de este personaje y una para cada fuente. Por lo que en este caso, un micrófono de escopeta y un micrófono de lavalier. El mix de EQ ayudó a reducir algunas de las frecuencias más estridentes como en la voz del actor. Si bien sutilmente aumentan las bandas de frecuencia media, media a alta para darle a la voz una textura cálida, similar a la miel. un par de opciones preestablecidas de También se crearonun par de opciones preestablecidas de reverberación y compresión para que este personaje se asegurara de que la voz fuera siempre suave pero presente. Por otro lado, un personaje diferente necesitaba para que el público se sintiera incómodo. Y las características fueron más molestas, petulantes, y conmovedora como tal, se tomó casi un enfoque opuesto usando compresión y ecualización para asegurarse de que hubiera un ligero impulso en esas bandas de frecuencia con las que resuenan nuestras cavidades nasales cuando las voces son más agudas y estridentes. Todo esto tuvo que hacerse de una manera sutil, sin embargo lo suficientemente grande se sintió el efecto pero el audio no se distorsionó ni modificó de una manera que lo hiciera sonar como si estos personajes estuvieran ambos en diferentes lugares. Esto es sólo un ejemplo de muchos sobre lo que se puede hacer en diálogo para transmitir más sobre los personajes. Si haces ADR, también debes tomar esto en consideración para que al grabar, elijas el micrófono y el equipo adecuado te ayuden con este proceso. 10. Sonidos ambientales: Antes de profundizar en la mezcla, quiero hablar un poco sobre los sonidos ambientales. Foley, efectos de sonido, y música reciben bastante atención cuando se trata de diseño de sonido. Y durante mucho tiempo, y particularmente en las primeras etapas del cine y también con el auge de la televisión. sonidos ambientales se veían como rellenos o porciones de audio que podrían utilizarse para conseguir una cama al resto de los sonidos y el diálogo, como una forma engañar al oído para que lo escuche todo en contexto. No obstante, al hablar de cine, ambientes pueden empujar la narrativa tanto como cualquier otro elemento sonoro. Porque el sonido ambiental es algo lo que nuestros oídos están acostumbrados a interactuar o a veces incluso a descuidar a favor de los sonidos hablados. Y se presenta oportunidad de utilizar ambientes para introducir un elemento menos obvio a la narrativa. Cambios suaves en el tono de la habitación, introducción de elementos específicos en espacio como el crujido de hojas o perros ladrando, grillos, o cualquier otro aspecto ambiental puede decirnos dónde estamos. Y nos cuéntanos inconscientemente cuanto a lo que está a punto de suceder a continuación. Fenómenos naturales expresados a través sonidos ambientales como lluvia, agua corriente, viento frío o caliente. puede hacernos empatizar con los personajes en pantalla y establecer el estado de ánimo para un cambio en el contenido emocional. Por otro lado, el sonido ambiental también se puede utilizar de una manera mucho más adelantada. Ambiencias creadas con suaves babas, retumbos e incluso cambios en el viento pueden ayudar a decirle abiertamente al público que algo malo está a punto de suceder. Más atmósferas artísticas son una parte enorme de lo que se hace películas de terror por ejemplo. Algo importante a recordar cuando se trabaja con ambientes es que similar a un diseño de efecto de sonido, configurar un ambiente para una escena podría requerir muchas capas de grabaciones para lograr lo deseado efecto. En la vida real, nuestros oídos están recibiendo constantemente muchas capas de información sonora compleja. Y nuestros cerebros hacen el trabajo o priorizando diferentes capas dependiendo de nuestro estado mental y contextos emocionales. Al trabajar con ambientes, estamos agregando estas capas y estamos haciendo la emocionante tarea de elegir lo que debemos priorizar para el público, agregando significado e incluso entrando en el psicología del personaje al hacer esto. 11. Mezclas: Una de las últimas etapas en posproducción es la mezcla. En este punto, todos los demás componentes que discutimos son reunidos y combinados por el mezclador de doblaje o mezclador de re-grabación. Durante esta etapa, el audio se equilibra para crear la mezcla de audio final. Esto requiere nivelación en cada sonido de todas las fuentes, efectos, foley, diálogo, música y ambientes necesitan mezclarse sin problemas. Se trata de un proceso arduo y largo, que requiere del amplio uso de automatización y otras herramientas como EQ y compresión para asegurarse que todos los sonidos relevantes puedan ser audibles, en lugar de un puré de ruido del que no se pueden separar detalles. Al lado de nivelar las decisiones sobre el uso del silencio, como comentamos anteriormente, también se hacen. El director estará involucrado en varias sesiones con el mezclador de sonido para asegurarse que se logre la visión general. El mezclador de sonido también es responsable de ajustes como el posicionamiento y los niveles de sonoridad. Este último aspecto es quizás uno de los más técnicos a tener en cuenta a la hora mezclar. El sonido para fines cinematográficos y cualquier material audiovisual que se presente en cualquier medio ya sea cines, televisores o plataformas de streaming necesita medirse en niveles de sonoridad. Se han desarrollado varios estándares y deben seguirse de acuerdo a la plataforma en la que se reproducirá la película y su ubicación geográfica. El cierto es que podríamos dedicar toda una clase a los estándares de sonoridad y a la preparación de mezclas para su reproducción en diferentes medios. Y tendremos un curso enfocado en esta área en el futuro. Pero por ahora, me centraré en dos estándares utilizados para la proyección cinematográfica en el cine. El EBU R 128, el ATSC. Antes de hacer eso, creo que es importante hablar de sonoridad y cómo es diferente al volumen. Volumen, que es un concepto que utilizamos en diferentes contextos y muy a menudo se pone simplemente, la medición científica del poder en el sonido. Hablamos de volumen cuando regulamos el nivel en el que se reproduce el sonido en nuestros ordenadores o televisores, podemos aumentar el volumen y como resultado, escuchamos que el sonido entra como más fuerte. sonoridad, sin embargo, es algo muy diferente. Se refiere a nuestra percepción subjetiva del sonido y es algo mucho más complejo de medir. Esto se debe a que no sólo mide la amplitud y potencia del sonido, sino también la frecuencia, composición y duración. Por ejemplo, la forma en que percibimos lo alto que es un sonido de tono alto versus un sonido de tono bajo es muy diferente. Y ten esto en cuenta. Eso es sólo un sonido, agrega los miles de sonidos juntos que estarás escuchando en una película. Y se convierte en un calvario totalmente diferente . sonoridad en salas de proyección de cine Ya se han desarrollado y probado estándares para medir la sonoridad en salas de proyección de cine. Lo mismo aplica para los estándares para plataformas de streaming en línea, reproductores de medios en computadoras y televisión. Lo que nos lleva de vuelta a la EBU, R 128 y la ATSC. Ambos son estándares de sonoridad que aseguran que los mezcladores de sonido sigan un protocolo para que todas las películas que se publiquen en cine tengan el mismo volumen percibido todo. El EBU R 128 es el estándar europeo. En tanto que el ATSC, que significa Advanced Television Systems Committee, es más comúnmente utilizado en América. Sus niveles de sonoridad se miden en LA UFS o LLF KS. que representa una unidad de sonoridad, sólo varían en uno o dos puntos. Es cierto que un par de puntos más fuertes en Europa que en América y esto tiene que ver con la construcción promedio las salas de cine y equipos de proyección y aspectos mucho más complejos que nosotros no se meterán en esta clase introductoria. Es suficiente saber que los plugins de sonoridad estándar de la industria vienen integrados con estas mediciones ya en. Por ejemplo, insight, que es un plug-in de Mastering de una empresa llamada Izotope, que niveles de mensaje en su proyecto de acuerdo con el estándar de su elección. Izotope no es la única empresa que produce este tipo de herramientas de medición. Tenemos Waves, Nugen Audio y muchos, muchos otros. Una película debe tener un nivel de programa promedio de alrededor de -27 LF KS con un pico verdadero de -1 dB máximo. Ambas mediciones se mostrarán en su plug-in, así que tenga cuidado con su película si se ha terminado o por debajo de estos niveles y ajuste si es necesario. oído y la experiencia también son útiles ya Eloído y la experiencia también son útiles yaque los ajustes requeridos por los estándares necesitarán que el mezclador de sonido haga uso de sus orejas para no perder el efecto deseado cuando es solo en el general niveles. Una vez que se mezcla la película. La siguiente parte depende de tu plataforma de distribución. Si tu película será exhibida en cines comerciales, entonces es muy probable que tu película pase por la codificación y se requiera la creación de un paquete de cine digital . Mira nuestros recursos del curso para conocer más sobre los detalles de un paquete de cine digital, que podría necesitar crearse si estás enviando tu película para decir, festivales internacionales de cine. Para una película de mayor presupuesto, tu película junto a la mezcla sincronizada se puede enviar a una instalación de codificación de cine digital para crear un DCDM o maestro de distribución de cine digital. Pero este es un tema más avanzado al que entraremos más en detalle en futuros cursos. 12. Reflexiones finales: Hemos llegado a la conclusión de esta clase. Enhorabuena y gracias por llevar este viaje conmigo. Espero que lo que hemos cubierto aquí les haya dado una visión general de lo crucial que es el sonido de la postproducción para el éxito de cualquier película. Pero también que has encontrado los conceptos aquí y el oficio tan interesantes y tan bonitos como yo. Hemos cubierto conceptos básicos sobre sincronización de sonido, cómo limpiar y tratar el diálogo, así como cómo funcionan el diseño de foley y efectos de sonido. También hemos aprendido sobre la mezcla y la preparación de una película para el sonido y su distribución. En el futuro, estaremos lanzando nuevas clases con conceptos mucho más avanzados sobre la posproducción de audio. Y entraremos aún más en profundidad sobre técnicas específicas de edición y diseño de sonido que se pueden utilizar cuando se trabaja en una variedad de géneros de cine. En nuestros ejercicios y recursos del curso, encontrarás los materiales para completar tu proyecto de clase, cual te veremos limpiando, editando, y realizando nivelación básica en una escena desde el documental 'Finding Sid'. Adicionalmente, encontrarás un par más de ejercicios opcionales para practicar efecto de sonido y estratificación ambiental. Por favor, comparta los resultados con el resto de la clase. Buena suerte y te volveré a ver muy pronto.