¿Terminé mi obra? Seis formas de saber si tu pintura está verdaderamente terminada

1. Introducción de la conferencia 1: Hola, soy Nancy Rainer. Bienvenido a mi estudio. Y gracias por acompañarme por esta presentación en vivo. Seis formas de conocer tu pintura está verdaderamente terminada. Entonces tengo una presentación de diapositivas. Ahora voy a compartir mi pantalla. A ver. Esto es que mi prueba técnica aquí. hoy te voy a mostrar cómo podrías agregar facilidad y flujo a tu proceso creativo. Visualiza con mayor claridad tus ideas y toma decisiones creativas con confianza. Estás en el lugar correcto. Si quieres aprender a terminar un cuadro más rápido y con mejores resultados. O tal vez este eres tú. Has llegado a un punto en tu cuadro donde estás atascado y no sabes qué hacer a continuación. Cualquiera que sea tu motivación para estar aquí ahora mismo, puedo ayudar. Yo quiero tomarme sólo un minuto para presentarme si no nos hemos conocido ya. Mi carrera artística comenzó en la ciudad de Nueva York donde dirigí un teatro de títeres. Lo creas o no, eso fue muy divertido. Pintar conjuntos teatrales, construir títeres y actuar en escena conducen a un BFA de la Rhode Island School of Design, luego un MFA de la Universidad de Columbia. Después me convertí en artistas trabajadores certificados para colores de artistas dorados. Hoy soy un pintor abstracto contemporáneo que vive en Santa Fe, Nuevo México. Estoy representado por varias galerías en ubicaciones como Santa Fe, Filadelfia, y Florida. Doy clases de talleres, creo cursos digitales, y cómo videos. Ofrezco paquetes individuales de coaching y he escrito una serie de libros sobre pintura. Mi primer libro, revolución acrílica, fue el libro de técnica de pintura número uno más vendido en EU desde hace varios años y ahora publicado en tres idiomas. Pero esto es lo que realmente quiero que sepas. He enseñado a miles de artistas de todos los niveles en los últimos 30 años. Y hoy voy a compartir los secretos que enseño a mis alumnos. Para que puedas enviar tus pinturas al mundo con confianza, sabiendo que están realmente terminadas. ¿ Está terminada mi pintura? Esta es la pregunta número uno que escucho de mis alumnos y sé que probablemente todos nos hemos hecho esta pregunta cuando estamos trabajando en un cuadro. Te voy a compartir algunas formas infalibles de mi nuevo curso, el arte de pintar más allá de la técnica, para ayudarte a decidir si estás pintando realmente está terminado. Y saber con certeza que tu pintura está comunicando visualmente tus ideas de la manera más poderosa posible. Empecemos. 2. Contenido principal de la lección 2: A menudo la idea de terminar una pintura se envuelve con la idea de perfección. perfeccionismo es la búsqueda de un ideal y a veces puede matar la creatividad y sabotear tu habilidad para terminar. Bajémoslo a la tierra. La pintura es realmente un proceso de resolución de problemas. Me encanta usar la analogía de una escalera, donde cada paso en el proceso de pintura es como dar un paso arriba de la escalera. El tope de la escalera indica que no hay más problemas que resolver. Para ahondar en la idea de terminar un cuadro. Echemos un vistazo a los pasos para crear uno. Un cuadro suele empezar con una idea. Algo que te motive a conseguir pintura. A continuación, haces un plan y esto podría estar escribiendo tu proceso o podrías esbozarlo o alguna otra forma de que tu pintura funcione a menudo. Entonces ven paso tres, empiezas a pintar. Ahora por supuesto, estoy simplificando demasiado este proceso. Por lo que podríamos pasar la mayor parte de nuestro tiempo en la parte de acabado. Pero este paso tres, el paso de pintura, cualquiera que sea tu estilo medio o contenido, generalmente implica un cambio del cerebro izquierdo para escribir. Una vez que te patea el cerebro derecho, estás en la zona de pintura y pintando. Pero, ¿qué pasa después? Por lo general hay un punto en el que naturalmente dejas de pintar y das un paso atrás para echar un vistazo. A lo mejor quieres solo comprobarlo, mirar el panorama general y ver a dónde va. A lo mejor está pasando algo en el lienzo que te gusta, tu idea toma forma y la imagen tiene presencia. ¿ Está terminada? Algunos artistas se detienen aquí y lo llaman terminado meramente por este punto de parada natural. Y este es el punto de que si añades un paso más, podrías llevar tu pintura de bueno a grande. Veo mucho buen trabajo por ahí en galerías, los museos se eligen en línea. Muy a menudo consigo artistas que vienen a mí preguntando por qué su trabajo es bueno pero no vendiendo y pidiendo asesoría de marketing. Su trabajo puede ser bueno. Pero aquí está el problema. Todos somos, cada uno de nosotros, no sólo artistas, sino todos bombardeados con imágenes todos los días, en todos los sentidos. Ahí afuera hay una tonelada de arte. Mucha competencia por la atención de la gente. Es necesario que tu trabajo destaque del resto. Bueno ya no lo corta. No necesitas cambiar cómo pintas ni qué pintas. Todo lo que necesitas hacer es agregar un simple paso a tu proceso de pintura, justo en el momento especial donde damos un paso atrás para mirar nuestra pintura. Probablemente has experimentado esos tiempos en los que estás pintando resulta increíble, mucho más allá de lo que imaginarías primero. Y entonces estoy seguro de que hay momentos en que tus pinturas nunca parecían alcanzar ese nivel. ¿ Cómo sería si tuvieras un método que permitiera que cada pintura que haces funcionara de la manera que querías y probablemente aún mejor. Bueno, eso es lo que hoy estaré compartiendo contigo. Un método seguro que te lleva a la línea de meta rápido. Y sabiendo con confianza que no solo es bueno sino genial. Ese método implica editar tus imágenes para una visualización óptima. Antes de saltar a lo que quiero decir con edición, quiero enfatizar que todo lo que hoy presento aquí se trata mejorar tus pinturas y no sólo por hacer que tu obra sea vendible. Son muchas las razones por las que pintamos, no sólo por ganar un ingreso. Algunos de nosotros pintamos para puro placer. Expresarnos, activar nuestra imaginación y nuestro lado creativo, experimentar alegría al ver nuestras visiones en forma tangible. Hay muchas razones, sin embargo, mayoría involucrada querer comunicar algo de ti mismo a través de tu trabajo. Encontrar formas de mejorar cómo se ven e interpretan tus imágenes es lo que quiero decir al mover tu trabajo de bueno a grande. Sí, las ideas que presenté aquí mejorarán tus ventas de pintura si ese es tu objetivo. Pero por todos los medios no limitados a eso. Entonces procedamos a esta idea de editar tus imágenes para una visualización óptima. Aquí te damos un ejemplo de cómo la edición me ayudó a mejorar una de mis pinturas. A la izquierda llegué a ese punto de parada natural. Me gustaron algunas cosas al respecto, pero mi intuición me dijo que no estaba terminada. Al pasar por mi proceso de edición, pude avanzar en él a su estado terminado. La edición implica dos pasos, analizar los temas y luego resolver esos temas. Escribir y pintar ambos comparten esta necesidad de edición. Si bien todos aceptamos la necesidad de que los escritores editen, es posible que algunos de ustedes no crean en el valor de la edición para su pintura. Se puede pensar que editar es a intelectual y miedo. Podría quitarle el espíritu de tu trabajo o demasiado pesado y estropeará tu diversión. Podrás pensar que estás pintando está terminado sólo porque se aplicó pintura y porque la hiciste. Si este eres tú y estás totalmente contento con tus pinturas, entonces genial. No hace falta escuchar el resto de lo que tengo que decir. Si de todas formas quieres mejores resultados, terminando tus pinturas más rápido, haciéndolas más altamente visibles para destacar entre la multitud, más vendibles. Entonces te alegrará aprender mi sencillo método de edición de imágenes que traerá resultados sorprendentes. Aquí te mostramos un ejemplo de cómo la edición ayudó a uno de mis clientes a mejorar su pintura. Tomó mi curso de maestría, el arte de la pintura más allá de la técnica. El lado izquierdo muestra el cuadro antes de que tomara mi curso. Es una buena pintura. Estaba colgado en una galería durante un espectáculo. Y se dio cuenta de que la gente simplemente pasaba por ahí sin siquiera prestar atención. Después de tomar el curso, decidió volver atrás y revisar el cuadro. Se puede ver la gran diferencia entre el antes y el después. Las revisiones no tardaron mucho, pero marcó una enorme diferencia. Y cuando lo volvió a colgar y espectáculos, se dio cuenta de que tenía mucho mejor respuesta de visualización. Aquí hay otro ejemplo de cómo puede mejorar la edición. Un cuadro. A la izquierda se encuentra un cuadro de Steve leído en proceso. Llegó a esta etapa pensando que puede estar terminado, pero usando el proceso de edición de cursos, lo revisó como se puede ver a la derecha, y me dijo que está mucho más feliz con el resultado. Como dije antes, edición implica dos pasos, analizar los temas y luego resolverlos. A medida que das un paso atrás para mirar tu pintura, para analizarla, estás mirando tres conclusiones posibles. Uno, está terminado, no está terminado. Hay algunas cosas que aún quieres agregar o cambiar para que sea mejor. O tres, fuiste demasiado lejos y lo mataste. Para averiguar en cuál de estas tres opciones estás pintando cae. Echemos un vistazo a dos grandes goles para que todas las pinturas sean consideradas terminadas. Generalmente queremos que un cuadro llame la atención de alguien y lo mantenga ahí. Cuanto más tiempo se mantenga la atención de un espectador, más profunda y significativa experiencia de visualización. O simplemente gol número 1, llama la atención. Gol número dos, manténgalo ahí. Un amigo mío justo el otro día me preguntó si estos siguen siendo objetivos válidos para un artista no interesado en mostrarle su trabajo a nadie, ¿ sólo pintar por sí mismos? Mi respuesta es un gran sí. La pintura es un medio visual. El mejor modo de mejorar la calidad de la pintura es entender su poder de visualización. Obtener la atención del ojo es la mejor prueba, aunque seas el único espectador. Para lograr ambos objetivos, captando la atención y manteniéndola ahí. Estás pintando necesita presentar algo inesperado. Esto tiene que ver con nuestros dos lados cerebrales, izquierdo y derecho. Seguro que todos saben de esta idea de que nuestro cerebro tenga dos lados distintos. El izquierdo es nuestro protector. Utiliza palabras y es consciente del tiempo. El derecho es espacial, imaginativo, y pierde la noción del tiempo. En otras palabras, el lado derecho es nuestra manera de meternos en la zona. La mayor parte del tiempo durante una actividad diaria normal. Y la mente está en el cerebro izquierdo. Su principal trabajo es mantenernos a salvo. A menudo se llama la mente del mono. Ofrece charlas mentales sin parar. Nuestro cerebro izquierdo inicia todas las actividades e intenta evitar que nos involucremos en lo que piensa como peligroso. Esto es algo bueno sin nuestro guardián del cerebro izquierdo, todos estaríamos fuera como el pájaro dodo. El problema que tenemos como pintores es que el cerebro izquierdo no es muy particular sobre cómo define peligroso. Y ve pintar es algo a evitar. Piensa que si nos distraemos demasiado en nuestro trabajo, puede que nos comamos un dinosaurio. Esta es una parte antigua de nuestro cerebro. Entonces una herramienta importante que necesitamos para pintar bien, es poder acceder a nuestro cerebro derecho a voluntad. Lo interesante es que sucede lo mismo cuando alguien está mirando nuestras pinturas. Un espectador comienza a ver pinturas con su cerebro izquierdo, cuyo único objetivo es evitar que miren nada por demasiado tiempo. No quiere desviar la atención y definitivamente no quiere permitir una experiencia de visualización profunda. Al conseguir que el espectador cambie de cerebro de izquierda a derecha mientras ve tu pintura, logras esos dos objetivos principales. Mencioné. Cómo hacer esto. Aquí está la llave. En primer lugar, la pintura necesita tropezar hasta la mente del mono de los espectadores. Tengo algo que llamaré un interruptor de patrón. Cualquier cosa inesperada que cambie un patrón alertará a nuestro lado izquierdo para que preste atención. Ahora has logrado la meta número 1. Llama la atención. Aquí. Nuestro cerebro no necesita enfocarse con la uniformidad y el patrón. Nada inesperado para captar nuestra atención. Es bonito, haría un bonito fondo de pantalla como una forma de agregar algo a una pared en una habitación sin llamar demasiada atención sobre ella. Aquí te dejamos un cuadro de Bernard. Tiene el mismo tema floral importa la diapositiva anterior, e incluso como una paleta de colores similar, pero con una gran diferencia, está cargada de interruptores de patrones. Entonces, ¿qué quiero decir con interruptores de patrones? La variación es lo inesperado que crea interruptores de patrones. Esto es lo que llama la atención y sostiene el poder. Por otro lado, aspectos en la pintura que aparecen muy similares con demasiada repetición, uniformidad, tu patrón no captará ni mantendrá la atención. Por ejemplo, veamos estos de lado a lado y compararlos empezando por mirar la imagen de la izquierda y mirando las flores rosadas. Las flores rosadas son ligeramente diferentes pero tan leves que realmente todas se ven iguales. Todos son del mismo rosa, mismo tamaño, iguales distantes el uno del otro y todos boca afuera. Al mirar el cuadro de la derecha, las flores rosadas y sobre todo las naranjas, todas difieren. Enfócate por un momento en las flores naranjas y puedes ver que cada una es de una calidad ligeramente diferente de naranja. Flores naranjas, más oscuras, una es más brillante, otra más roja. Algunos se esconden detrás de los rosados mientras otros se adelantan. Aquí hay muchos aspectos que crean variedad. Todos los aspectos de la pintura pueden variar, como color, forma, línea. Si hay suficientes interruptores de patrón en el trabajo, el espectador cambia al ver tu pintura de usar su lado izquierdo del cerebro hacia la derecha. El resultado es una experiencia de visualización más profunda para ellos. Ahora has logrado la meta número dos. Mantener la atención en el trabajo. Al pintar con el cerebro izquierdo, que utiliza atajos, estereotipos en generalidades, El resultado es uniformidad y aplicaciones aburridas. Si bien al cerebro derecho le gusta el detalle, agregando personalidad e individualidad a la obra. La pintura y el cerebro derecho añadirán naturalmente variación. Pero como nuestra mente usa ambos lados de nuestro cerebro, es inevitable que nuestro cerebro izquierdo en algún momento mientras pinta, agregue algunas de sus adiciones aburridas a la obra. Cuando damos un paso atrás para el análisis, nuestra principal tarea es encontrar estas adiciones del cerebro izquierdo, que podríamos llamar temas porque van a reducir los intereses de visualización y el movimiento de visualización. Volvamos a esta última idea que mencioné antes. Como dije, se crea un cuadro un paso a la vez. El primer paso en la escalera es tu primer problema. El lienzo es blanco y aburrido, Ese es el tema. Entonces le haces algo, le agregas pintura, Esa es la solución. Cada vez que haces este proceso de tres partes, encuentras un problema, lo resuelves, sigue adelante. Sube los escalones hasta llegar a la cima, el lugar de no más temas. Tu mejor pista, la pintura está terminada. A mí me gusta decir que no hay malos cuadros. Sólo hay pinturas con algunos temas por resolver. Atascado en uno de los escalones de la escalera. Edición, utilizando análisis para encontrar problemas y luego para resolverlos se puede utilizar a lo largo de esta subida por la escalera. Aquí en la parte superior de la escalera, agregué opciones de flecha para indicar que aún podríamos movernos de izquierda a derecha, incluso en la parte superior sin más problemas que resolver, aún podríamos jugar con el cuadro, haciendo pequeños turnos Llamé a retoques a tu preferencia. Yo quería ilustrar aquí que no hay un punto de acabado fijo para su pintura. Es más una idea suelta, llamo una ventana de acabado en la parte superior de la escalera. El ventanal tiene espacio de meneo para turnos pequeños. Si es en este punto sin embargo, reconoce que estás aquí o puedes arriesgarte a sobrecargar tu pintura y puedes matarla fácilmente. Si está en la parte superior de la escalera, esa pintura podría muy bien estar terminada como está. En otras palabras, ya no estás resolviendo problemas. Aquí te dejamos dos fases de un cuadro que hice para una comisión. A la izquierda es donde llegué a un punto de vista de parada natural. Había algunas cosas que me gustaban pero sentí que no estaba terminado. Pasé por mi proceso de análisis para encontrar cualquier problema y luego supe mejorarlo. La versión terminada está a la derecha. Los cambios más obvios en el cielo donde ahora está menos abarrotado y un campo más abierto. Si miras de cerca, puedes ver que las montañas de fondo también se cambian, así como muchos otros cambios menores o retoques que pueden ser sutiles pero aún así agregan la fuerza de visualización de la pieza. Voy a tomarme un descanso para beber. Aquí hay otro ejemplo de una pintura mía, una más abstracta usando hoja de oro. Igual que antes. la izquierda verás una fotografía del mismo todavía en proceso donde llegué a ese punto de parada natural. También como antes, me gustaron algunas cosas al respecto pero aun así no sentí que estaba terminado. A mí me pareció demasiado plano. Entonces a pesar de que me gustaron algunas cosas como la textura, no fue suficiente para conseguir y mantener la atención de visualización. Pasé por mi proceso de edición primero con análisis para problemas, luego resolverlos. Se puede ver la versión terminada mejorada a la derecha. El análisis me mostró que necesitaba cambiar la relación de cálido a fresco. También me di cuenta de que necesitaba romper el campo uniforme del tercio inferior así como el borde muy superior. Tomar tiempo para editar tu pintura tiene varias ventajas. Las dos partes principales a edición, análisis, para encontrar problemas que resolverlos te permite avanzar cuando te atascas y mejorar las pinturas impacto visual en general, ganas confianza para saber que tu pintura está terminada. Entonces nuestra siguiente pregunta, ¿cuál es la mejor manera de encontrar temas durante el análisis? Tus ojos, tus ojos son tu mejor herramienta. ¿ Sabías que tus ojos tienen una increíble capacidad de ver y no solo de una manera, sino de muchas maneras. Por ejemplo, si te pido que mires la imagen de la izquierda y me digas dónde están los blancos más anchos. En realidad puedes sentir que tus músculos oculares cambian de enfoque. Si entonces te pregunto, ¿ Hay algún borde duro en la mitad inferior, podrías sentir que tus ojos cambian de enfoque otra vez. Nuestros ojos pueden enfocarse son discernidos de muchas maneras. No obstante, al igual que otras partes de nuestro cuerpo, los ojos se racionalizan o automatizan para facilitar la vida. Pero al mismo tiempo limita cómo vemos nuestras pinturas. Esto significa que nuestros ojos están programados para enfocarse automáticamente de una manera. Tu preferencia de visualización para ver. Por ejemplo, a algunos de nosotros nos gusta ver contraste o buscar textura, mientras que a otros les gusta encontrar la historia en una imagen , sean cuales sean tus preferencias, así es como normalmente ves el mundo. Tus pinturas y todas las imágenes de esta sola manera. Para ver no solo de tu manera de preferencia y de todas las formas posibles. Aprende a cambiar tus lentes de visión mientras analizas tu pintura. Si solo utilizas tu única forma de ver, te perderás esos problemas que solo se pueden descubrir a través de tus otras lentes. Visualiza tus pinturas usando todas tus lentes. Entonces tienes todas tus bases cubiertas y serás un maestro en terminar cómo encender tus otras lentes de visión. Es tan sencillo como hacer una pregunta. Cada pregunta le dice a tus ojos que se vuelvan a enfocar para la respuesta. Haz una pregunta mientras miras activamente una imagen. Y en realidad puedes sentir que tus ojos cambian el foco. Al igual que lo ocurrido unas cuantas se desliza hacia atrás cuando te pedí que te enfocaras en aspectos específicos de esa foto en blanco y negro de los ojos de la mujer. El truco es, no hagas cualquier pregunta, sino que usa las que afinen tu ojo a áreas importantes donde es probable que los temas se oculten. Mi curso de maestría, el arte de la pintura más allá de la técnica, ofrece 10 preguntas clave que hacer con muchas más sub-preguntas para llevar el análisis aún más allá. A partir de esto, he seleccionado mis tres mejores aquí, que siento son los más útiles. ¿ Cómo se siente? ¿ A qué miras primero? ¿ Y el movimiento fluye o se detiene? Haz estas preguntas de una a la vez mientras miras tu pintura. Espere a que el foco ocular o la lente cambie. Dale tiempo y obtendrás tu respuesta. Veamos algunos ejemplos para cada una de estas tres preguntas. El primero es, ¿cómo se siente? ¿ Esta pinturas sobre hoja de plata? Por lo que mucho del gris aquí es realmente metálico. Yo quería que fuera mínimo y abstracto y hábitos. Por lo que la cubierta pintada demasiado de la plata. Dejé de pintar justo en este punto y no pude averiguar qué hacer a continuación. De hecho lo dejé así durante varios meses. Trabajé en varias pinturas al mismo tiempo. Entonces si algo se siente atascado, a veces solo lo dejo y trabajo en los demás. Pero eventualmente me cansé de verlo en este estado inconcluso. Entonces me senté frente a ella y lo miré un rato y le pregunté ¿cómo se siente? ¿ Mi respuesta? Se sintió deprimente. Entonces me pregunté entonces, no que deprimente siempre sea malo, pero eso no es lo que pretendía con la pintura. Entonces me pregunté por qué se sentía deprimente y mis ojos en realidad subieron directamente al cielo. Los cielos pesados pueden sentirse ominosos y deprimentes. Además ese verde amarillo en la parte superior derecha se sintió horrible. Entonces así es como lo terminé a la derecha. A mí me gusta este tipo. Añadí un montón de azul brillante y el centro de la línea del horizonte. Puse un glaseado sobre el blanco en el horizonte para suavizar el contraste y tuiteé y varias otras áreas, sobre todo ese borde muy inferior. Yo hago la pregunta, cómo se siente y mirándola profundamente para la respuesta, pude moverla hacia adelante y terminarla. Nuestra segunda pregunta es, ¿ qué miras primero? Aquí una pintura de Pieter Bruegel el Anciano llamada paisaje con caída de Ícaro, hecha en los 15 años sesenta. ¿ A dónde va primero tu ojo o qué notas primero? Creo que es justo decir que la mayoría de la gente señalaría las figuras centrales, las mangas de camisa roja. A esto también se le conoce como punto focal y me gusta llamar a estos rubros. Se trata de formas, formas, perdón, líneas o áreas que llaman tu atención primero. En este caso, es color. Tomar un momento para notar a dónde va primero tu ojo es muy importante porque esto te dirá cuál es la pintura principal par de opuestos y así es como se descubren la mayoría de los temas. A modo de ejemplo, revisitemos este cuadro de ross Davis. El par principal de opuestos en este cuadro es fresco y cálido, o podemos decir azul y naranja. El artista notó que no obtuvo mucha atención de visualización con la izquierda en su etapa de pre edición a la izquierda, análisis le mostró que si el azul es el color predominante que el naranja, cuando se coloca estratégicamente y en pequeñas cantidades, creará puntos focales. El cuadro terminado de la derecha tiene más poder de visión debido a la adición de colores naranja más fuertes colocados alrededor de la forma principal en la pintura, la rueda de vagones. Nuestra tercera pregunta, ¿fluye o se detiene el movimiento? Son muchos los factores que crean movimiento visual a lo largo de una pintura. Estos pueden ser ángulos, líneas direccionales, contrastar la ilusión de los detalles espaciales. No obstante, hay un factor significativo que a menudo se pasa por alto, y que es el sondeo visual creado con pares de opuestos. Para mirar más a fondo esta idea, volvamos al cuadro de Bruegel que mirábamos antes. Señalamos que el primer o principal punto focal es la manga de camisa roja. Y se puede crear un emocionante movimiento visual a medida que pasamos de este primero a otro y continuando siguiendo los puntos focales. A menudo pienso en el cuento de hadas Hansel y Gretel, donde dejan un rastro de migas de pan a seguir para que no se pierdan. Con pinturas, podríamos seguir el rastro de puntos focales como pan rallado mostrándonos el camino. Nuevamente, este no es el único aspecto que crea movimiento visual, pero es muy significativo porque nuestro cerebro tiene sensores incorporados para pares de opuestos. Si quieres probar esto por ti mismo después de esta presentación, solo tienes que mirar algo rojo por un minuto. Después cierra los ojos y verás aparecer verde detrás de tus párpados en la forma exacta del rojo. Eso se debe a que el rojo y el verde son un par de colores opuestos. Lo que ustedes pares de opuestos tienen que ver con el movimiento de visualización. Digamos que estás caminando por una playa blanca. Tus ojos escanearán naturalmente en busca de conchas negras. Si estás en una playa de arena negra, tus ojos escanearán naturalmente en busca de conchas blancas. A lo mejor esto se debe a que pensamos en la escasez como rara y digna de encontrar. Entonces si estás en una playa de Pebble en blanco y negro que tienen estos igualmente distribuidos, tus ojos nacen incluso se molestan en escanear en su lugar verás en otro lugar. Transferimos esta idea al cuadro que acabamos de ver. El principal punto focal rojo se crea porque está rodeado de una paleta predominantemente verde. Al igual que la analogía de la playa, nuestros ojos se mueven directamente al rojo. El par predominante de opuestos en este cuadro es de verde a rojo, su mayoría verde con una pequeña cantidad de rojo. Podríamos darle a esto una relación real para la relación y decir que es 80, 20 de verde a rojo, o tal vez incluso 90, 10, lo que sea más pequeño. Y la relación como el rojo en este caso, es a donde va nuestro ojo. Una vez que aterrizamos en nuestro primer punto focal, entonces naturales buscamos algo similar a él. Otra forma roja si hay una, pero no como en este caso. Entonces en cambio vamos a ir a los cálidos marrones. A partir de ahí. Los otros aspectos como las líneas direccionales o la ilusión de espacio que mencioné antes, patearán Para continuar el movimiento ocular. En este cuadro, el movimiento ocular sigue fluyendo. No hay parada de verdad aquí. En esta diapositiva, el original que acabamos de ver está en la esquina superior izquierda para la comparación. Se altera la imagen más grande de la derecha en Photoshop. Por lo que la relación verde a rojo es ahora más de un 5050 con el verde y el rojo visualmente aproximadamente igual. Similar a la playa de Pebble en blanco y negro a la que me referí antes. Aquí no está tan claro a dónde va primero el ojo. Es un poco confuso y puede detener el flujo del movimiento visual. Más puntos focales no crean más interés, y en este caso, crea más confusión y disminuye el poder de los puntos focales en el original. Aquí hay otra versión alterada con el original en la parte superior izquierda. Nuevamente, para la comparación. Éste se altera para eliminar todo el rojo. Por lo que ahora nuestro par predominante sigue siendo de verde a rojo. Pero en una proporción de 1000, esto es igual de difícil de ver, tal vez más aún sin ningún rojo en absoluto. El par predominante de opuestos, verde a rojo, con su relación de 1000. Esto va a detener tanto todo movimiento visual que yo llamo a esto una salida rápida. O como a un estudiante mío le gusta llamarlo un walk-away, cualquier espectador que vea esto se moverá tan rápido, la imagen ni siquiera se registrará. Repasemos esas tres preguntas que acabamos de cubrir que te ayudaron a ver tu pintura para determinar si está terminada o si aún hay algunos temas que al resolverse, pueden mejorar la experiencia de visualización, ¿cómo se siente? ¿ A qué miras primero? ¿ Y el movimiento fluye o se detiene? Hacer la pregunta es una cosa, pero es conseguir las mejores respuestas a esas preguntas que realmente importan. Echemos un vistazo a las formas seguros de garantizar respuestas honestas y precisas para su proceso de edición. Estas son diferentes perspectivas. Recortar secciones, mantenerse objetivo y fingir que está terminado. Ver usando diferentes perspectivas. Una de mis formas favoritas de analizar es simplemente dar la vuelta al cuadro en las cuatro direcciones, girándolo para que cada lado tenga la oportunidad de estar arriba. Si es demasiado grande o pesado para moverse. Tome una foto de ella y visualícela girada en su computadora u otro dispositivo. Y también puedes sostener un espejo para voltearlo en vista de espejo. Entonces aquí hay un cuadro en un punto donde me detuve a analizar. Al usar esta idea, pude averiguar qué me estaba molestando. En esta posición al revés. Fue fácil para mí ver la pesada tira oscura que está en la parte superior de aquí, pero en realidad está corriendo por la parte inferior del cuadro. Un lugar al que quizá no siempre preste atención cuando está en su orientación normal. Aquí está la pintura terminada con los resultados del borde inferior. lo que este es un ejemplo de cómo ver tu pintura con diferentes perspectivas puede darte las mejores respuestas a nuestras principales preguntas de análisis. La siguiente forma de obtener buenas respuestas es recortar o aislar diferentes áreas de la pintura. En realidad no tenemos que cortarlo con las tijeras. Podemos sostener hojas de papel blanco junto a la pintura para bloquear algunas secciones. Ahora aísla a los demás. Mis formas favoritas de romper la pintura en cuatro cuadrantes. A modo de ejemplo, aquí hay una pintura terminada mía. Para analizarlo, lo recorté en cuatro cuadrantes iguales usando papel blanco. Esta es una diapositiva de aspecto extraño, pero quería darte una idea de lo que quería decir al sostener hojas de papel blanco para aislar una sección. Esto permite que tus ojos simplemente se centren en un área aislada específica. Cada cuadrante debe sentirse como una pintura terminada. Y se puede analizar cada cuadrante separado haciendo las preguntas de análisis. Además de ver cada cuadrante por separado, también me gusta aislar sólo el área central. Y si es un paisaje o un bodegón, también aislaré las secciones horizontales de primer plano, medio suelo, y fondo. Una tercera forma de obtener las mejores respuestas mientras ves tu pintura es mantenerte objetivo. Práctica, no juicio. Trata de atrapar cualquier autocharla negativa, agendas ocultas o creencias poco útiles que surjan mientras ves tu pintura, que las que te impidan ser objetivo. Echemos un vistazo a una creencia limitante común, que es que te debe gustar que estás pintando para que sea bueno o terminado. Bueno, ¿adivina qué? No tienes que gustarte tu pintura para que esté terminada y bien ejecutada. Esto va a sonar raro, pero es un punto importante a destacar. Aquí hay una analogía. Digamos que eres un chef bien conocido y estás trabajando en un restaurante de cinco estrellas, sucede que prefieres la cocina francesa, pero qué, solo vas a cocinar comida francesa, puedes eliminar a tu público de restaurantes. Necesitas saber hacer una buena pintura, aunque no esté en tu estilo o preferencia. Si crees que tienes que amar todo lo que creas, tu limitarte. La mayoría de los artistas quieren seguir evolucionando su trabajo al salir de tu zona de confort en ocasiones, permitirás que eso suceda. A modo de ejemplo, aquí están dos de mis cuadros. El de la izquierda es más mi estilo habitual con una sutil paleta de colores y una sensación abstracta con énfasis en la atmósfera más que en un paisaje específico. Pero a veces tengo ganas de pintar de manera diferente con una paleta de colores más rica o imágenes más realistas como la pintura que hice a la derecha. Haciendo un cuadro que está fuera de mi zona de confort habitual. Puede que me detenga y piense, Oh, ¿por qué estoy pagando esto? No es mi habitual. Entonces en el análisis, puedo cometer el error de pensar cuando no es mi estilo es un tema. En lugar de verlo objetivamente, para ser un pintor exitoso, no te apegues demasiado a lo que te gusta. En cambio, analice una edición con ojo crítico para mover el cuadro hacia la línea de meta. Otra gran manera de obtener las mejores respuestas es simplemente simple viejo pretender que está terminado. Cuélgalo en una pared limpia y bien iluminada. Colócala temporalmente en un marco o simplemente limpia y pinta los lados para que sea fácil ver si se siente terminado. A mí me gusta pensar en la pintura como una conversación activa entre yo y la pintura. Un buen indicio de que la pintura está terminada es cuando la conversación se siente como si hubiera llegado a su fin. Al mismo tiempo que finge que está terminado. A ver si se siente como si todavía hay algo sin decir. ¿ Se siente la conversación como si aún estuviera activa? En otras palabras, ¿el cuadro sigue pidiendo algo más por hacer? ¿ Tu me sigo moviendo a una zona que se siente fuera de lugar? Si la respuesta es sí a alguno de estos, esto significa que puede que no esté terminada. Si tus ojos se siguen moviendo en un movimiento fluido y no se atascan en ninguna parte, esto puede indicar que no hay problemas y probablemente esté terminado. Entonces fluidez y movimiento, y la pintura deja de pedir más o cierra la conversación. Estos son un fuerte indicio de que está terminado. A estas alturas. Puedes ver que tomarte el tiempo para editar tu pintura antes de declararla terminada, inconclusa o muerta te puede ahorrar tiempo, dinero y agravación. También te dará la confianza para saber que está verdaderamente terminado. Sin tomarse el tiempo para analizar una edición, corre el riesgo de sobrecargar la pintura. Una de las formas de fuego seguro para matar a uno. 3. Resumen de la lección 3 y puntos clave: Repasemos los puntos clave para editar tu pintura. Analizar en un buen punto de parada. No analices demasiado pronto. Haga preguntas para una visualización enfocada para ver de formas que normalmente no usa. Vista con ojos frescos para obtener las mejores respuestas. Encuentra problemas a menudo creados por el cerebro izquierdo. Utilice los interruptores de patrones para reducir la uniformidad y resolver cualquier problema. En resumen, editar tu pintura involucra dos partes, análisis de problemas y luego resolverlos. La edición mejorará tu poder de visualización de pinturas. Y para repetir lo que enfatizé al principio, esto es a su favor, si le interesa exhibir, vender, o pintar puramente para usted, para mantenerlo privado o compartir con familiares y amigos. Tómate el tiempo para editar y tu pintura mejorará y terminará rápidamente. Y ahora revisemos las seis formas de saber que tu pintura está verdaderamente terminada. Se llama la atención para mantener la atención. Recuerda que estos dos primeros son tus principales objetivos. Tres, queremos que la pintura invite a la visualización derecha-cerebro para, queremos que fluya el movimiento de visualización. Cinco, nada de salidas rápidas. Seis, se siente bien. El cuadro expresa la calidad de sentimiento que quieres y en todas las perspectivas de visión. Y así aquí están nuestras seis formas de saber que una pintura está terminada. Espero que encuentres los conceptos que acabamos de cubrir útiles para tu obra de arte y proceso de arte. cual te gustaría aprender más conceptos como este. Más formas de mejorar el poder de visualización de tus pinturas, y desarrollar tu visión en un estilo único de firma. Para llevar estas ideas más allá, invito a mi nuevo curso de maestría, el arte de la pintura más allá de la técnica. Incluye una serie de videos y ejercicios, proyectos y asignaciones que haces por tu cuenta para fortalecer tus ojos para ver imágenes, y afilar tu mente para analizarlas mejor. Aprenderás a desplazar tus lados izquierdo y derecho del cerebro para pintar. Aprenderás todos los aspectos para revisar tu trabajo y muchas formas de resolver problemas. Este curso es para cualquier artista que quiera echar un vistazo más profundo a conceptos significativos de pintura. 4. En tiempo en grabado en la lección 4: Y hemos llegado a nuestra Q en vivo y a. preguntándonos como una forma de meternos rápidamente en nuestra Q y a. le preguntaré a mi asistente, Bonnie. Ella ha estado revisando a Bonnie, tú has estado revisando el chat para preguntas. Déjame parar mi parte por aquí. ¿ Hay alguna pregunta que mucha gente ha estado haciendo o pregunta frecuente? Tengo tengo varias preguntas. El primero es de Diane Paris y dice, hago todas mis pinturas mientras toda la pintura sigue mojada. ¿ Cómo edito rápidamente? Wow, esa es una pregunta realmente buena y una gran manera de pintar. O lo haces, ¿pintas una pintura al óleo? Yo sólo tengo curiosidad. Diana, si aún estás aquí, quizá quieras desenmudarte y saber trailing o en acrílico. Vaya, eso está bien. Sí, Entonces esa es una buena pregunta. Y aún cuando estás pintando mientras está mojado, ¿te encuentras dando un paso atrás para mirarlo? Esos momentos donde es casi como si estuviéramos en la zona y entonces ya me he dejado escuchar esta cosa del chat está en mi cara aquí. Está bien. Entonces para responder a tu pregunta, déjame ver si puedo sacar esto del camino para que no me distraiga. Está bien, eso está bien. La idea es, es fortalecer tus ojos. Es casi como yo lo llamo yo yoga, es que nuestros ojos son como estos músculos mágicos que realmente tienen. Y tienen una conexión directa con nuestro cerebro derecho. Si miramos lo suficiente y hacemos una pregunta , activa el cerebro derecho. Y hay un dicho del que lo he oído. Ahí hay un tipo llamado Nick damas que escribió un libro llamado la forma natural de dibujar. Era un libro muy conocido utilizado en las escuelas de arte en los años 80. Y dice que no hay errores en el cerebro derecho. Cuando estás en el cerebro correcto, todo es perfecto. Entonces el análisis de temas es realmente cuando entra ese cerebro izquierdo. Entonces dos cosas. Una es responder a tu pregunta. 1 es permanecer en el cerebro derecho es tanto como sea posible cogerte cuando estás en el cerebro izquierdo y volver a moverte a la derecha. Y una de mis formas favoritas de conseguir si reinicias, el cerebro izquierdo usa palabras. Entonces si estás empezando a hablar y a tener diálogo, esa es una buena señal de que estás en el cerebro izquierdo. Si tu cerebro izquierdo está diciendo palabras que te ayudan a pintar como más rojo por aquí o esto es divertido, entonces tu quemador izquierdo y derecho en realidad trabajando juntos como un buen equipo. Pero si el cerebro izquierdo empieza a decir cosas saboteadas, negativas como, oh, esto no está bien, me estoy quedando sin pintura. ¿ Por qué estoy haciendo esto? Ese es el cerebro izquierdo que se hace cargo para sacarte de las pinturas. Entonces cuando encuentro mi cerebro izquierdo tratando de sacarme, respiro, golondrina porque el cerebro izquierdo te detiene por respirar. Y y es sostén tus ojos así. Entonces si respiras, parpadea de golondrina, y mira tu trabajo cuando das un paso atrás para mirarlo. Entonces aunque estés trabajando mojado y mojado todo el tiempo y quieras terminarlo todo a la vez. Todavía vas a estar dando un paso, estoy asumiendo que todavía vas a dar un paso atrás y especie de analizar cómo las partes están trabajando juntas en su conjunto. Quieres verlo en derecha-cerebro también, y entonces tus ojos naturalmente, te llevará un segundo. Caminas hacia atrás y vas, Oh, Hay demasiados oscuros. Oh, está demasiado ocupado. Ah. Entonces no sé si eso ayudó. ¿ Quieres respuesta? Se puede desmutar. Creo que Bonnie permite que la gente desmute ahora. Sí, ¿me oyes? Sí, puedo hacerlo. ¿ Eso respondió a tu pregunta? ¿ Eso ayudó a alinearse? Sí. Y sí paso atrás durante ella. Entonces eso sí ayuda. Tengo una cosa más que añadir a eso, que es si estás pintando en esa sesión, húmeda y húmeda, Es muy importante que tu configuración te permita crear la máxima variedad. Por lo que hay que tener una paleta completa. Entonces eso es un cálido y un fresco de cada una de las tres primarias. Tienes que tener todo ahí mismo. Porque si no lo haces, sólo te va a gustar digamos que solo tienes dos colores fuera. Tu tema va a ser que no tengas suficiente color. Quiero decir, correcto. Sí. Entonces sí, estoy con un acrílico de secado rápido o usando el acrílico de secado rápido o el lento, uso el acrílico regular. Son fuertes. Entonces mi truco es mezclar premezclado mis primarias por dos rojos, dos amarillos, dos azules, cálido y fresco de cada uno en uno o dos tarros de onza con tapas. Yo los mezclaré. Añado un poco retardado o un poco de líquido de acristalamiento, un poco de agua porque no me gusta tan grueso. Si empiezo con el cerebro y luego muestro la parte superior y se vuelve a poner la tapa. Yo les hago eso a todos ellos. Entonces cuando estoy listo para pintar, todo lo que hago es desenroscar las tapas. Poner las vidas en un arco. A mí me gusta trabajar en un arco. Yo los sacaré. Saqué las tapas para ver cuáles son los colores porque es diferente a qué, ya sabes, cuando está mojado. Y luego hago mi mezcla y si me estoy tomando un descanso, acabo de hacer estallar el solo me pego las tapas de nuevo en muy rápido así que no voy a dejar que se sequen. ¿ Eso ayuda un poco. Utilizo un cuchillo paleta, pero hago una tapa final oliva mi pintura al mismo tiempo. Por lo que se hace antes de un inicio porque de lo contrario se tarda demasiado. Sí. Eso es lo que quise decir es, ya sabes, sin embargo pintes, juntando todas tus cosas para que puedas trabajar rápido así. Sí. Y eso sí ayuda. Gracias. Oh, eres bienvenido. Gracias por la pregunta. ¿ Hay alguna otra pregunta que alguien quiera hacer? Simplemente desmuértate o le pediré a Bonnie que me dé otra. Bueno, todos están siendo tímidos, así que voy a dar un paso arriba listas, listas hace. Entonces Gatto preguntó, ¿cómo se combina la hoja de oro y la pintura acrílica? Y luego también preguntó: El curso enseñará las técnicas de la hoja acrílica? Sí, lo que hay, ya sabes, el plato principal, el arte de pintar más allá de la garrapata. Altamente preguntado por cierto, el plato principal, arte de la pintura más allá de la técnica. decir, está más allá de las técnicas. Entonces por eso estoy incluyendo el curso de baster acrílico, que es todo técnicas. Por lo que casi como la primera parte y la segunda parte, la guía completa de la pintura acrílica es de 30 videos que tiene todas las técnicas en ella, incluyendo cómo dorar la hoja y cómo trabajar con acrílico en la hoja. Porque hay algunos trucos. Porque el acrílico empañará la hoja a menos que la selle correctamente. Y hay algunas formas interesantes de pintar usando la hoja. Entonces eso definitivamente es en el curso de acrílico que va a venir con la pat todo el paquete Datos listados, ¿tu pregunta? Sí, lo hizo. Sí. Muchísimas gracias. Gracias por compartir su experiencia y pericia. Tengo una pregunta. ¿ Puedo sí? Margaret o mag Margaret. Margaret. Hola Margaret. Utilizo un abierto dorado casi exclusivamente. Pero a veces soy como mezclar en el lienzo y luego llego a eso estoy termina como cagando porque son raspaduras. Me pongo como, vale, hoy está trabajando como un supuesto pájaro morado y verde. Yo decido que eso no me gusta. Yo quería ser todo verde y amarillo, tal vez un poco de azul ahí dentro. Entonces es poner la nueva pintura encima y en su mayoría se había ido. Está bien. Pero entonces de repente tuve este agujero en la pintura verde en el morado estaba ahí. Es como un empujón demasiado duro en el folleto. Ya sabes, no lo sé. Es como si siempre fuera como cuando trabajo con artistas, lo único número uno que surge es cómo sujetan el pincel. Y cuando lo sostienes verticalmente, ya sabes, piensa en ponerle guinda a un pastel, ¿verdad? Digamos que tu pastel está todo desmenuzable y aún así quieres ponerte glaseado ahí y esconder el hecho de que actualmente tienes pastel. No vas a, no vas a bajar tu cuchillo directamente hacia abajo e ir así. Vas a estar cavando en el pastel. Entonces es lo mismo cuando sostienes tu pincel. La mayoría de las personas lo sostienen verticalmente y lejos. Elimina verticalmente la pintura. Está bien. Entonces como tú y el abierto para aquellos de ustedes que no saben, el abierto es una pintura de secado muy lento, pintura acrílica. Es como el petróleo. Y así si lo sostienes más cerca del, ya sabes, un pincel. Esto es un esto es un Photoshop a todos lo siento. No tengo mis herramientas ni la derecha aquí frente a mí. Pero si lo sostienes y ves cómo si voy en un ángulo como este? Sí. Entonces cuando aplique pintura, si estás trabajando mojado en mojado y la pregunta anterior, ella estaba trabajando mojada en mojado. Aplicas pintura y luego aplicas otro color encima de ella. Tienes que sostenerlo en un ángulo como este, casi paralelo al, un toque más suave. Por lo que muchas veces realmente sostengo mi pincel así. A la gente le parece realmente raro. Al igual que cuando la gente viene a ella delicada, cuando la gente, me agarro la mano y sólo lo pruebo, ya sabes. Pero la cosa es que si lo sostengo suelto así, puedo crear bastante variedad mientras aplico. De acuerdo, para líneas y pinceladas. De acuerdo, así que prueba eso. Si no funciona, si no funciona, a ver cuál es la segunda cosa? Quizás quieras traducirlo para chasquear, para parar hasta el día siguiente. ¿Sabes qué? Ese acrílico funciona en capas. Incluso el acrílico de secado lento todavía es necesario trabajar con capas. Y yo, por eso trabajo en varias pinturas al mismo tiempo. Porque si yo, si aún quiero trabajar y está mojado y se quiere secar antes de aplicar algo, lo arruinaré si así solo trabajo en otra cosa y lo dejo secar. Ahora, soy horrible a menudo manejando cosas y restregándolo y teniendo que estar bien. No lo sé, como limpiarte eso. Las células son divertidas. Entonces creo que hay mucha diversión. Pero la única forma en que puedo hacer los colores es que tengo que ponerlo ahí para mirarlo. No puedo imaginar mis colores de la manera que algunas personas pueden. Ya sabes, sin embargo, el color, el color no existe. Sólo existe en referencia a lo que hay al lado. Entonces si te imaginas, solo lo dejaré ir. Eso es tan natural. Cuando lo mezclas en el paladar, quién sabe si va a tratar de acercarlo lo más que puedas y luego lo pones en el cuadro y vas, Oh, está demasiado oscuro, vuelve a ponerlo, raspador, retroceso. Se ponen más ligeros. Eso es parte de la pintura es, es responde a lo que eres, lo que estás haciendo en el lienzo. Entonces es bueno. Está bien. Muy servicial. Tengo que probar lo de mi pincel. Tengo que aguantarlo así. Pero supongo que no te gusta, muy bien. ¿ Alguien tiene otra pregunta aquí? Tengo un par de preguntas. Sí. Es bueno verte. Tú también, Rona, ten uno. Entonces esa es, ¿es mejor tener sólo un punto focal en un cuadro, o depende? En realidad, esa es una salida rápida. Un punto focal es una salida rápida. Déjame explicarte. Recuerda que hablé de los Hansel y Gretel pasando de miga de pan a miga de pan. Ese movimiento visual. Si dejas que estos días recuerden las huellas a seis pies de distancia con el COVID. Es como si solo hay un pie, ¿ adónde vas después? Si hay un punto focal, es la izquierda. Recuerda, el espectador ve primero una pintura con el cerebro izquierdo. Y la pintura necesita tener algún tipo de un, algo ahí dentro para permitir que se transfiera al cerebro derecho para una experiencia de visualización más profunda, el cerebro izquierdo busca salidas fáciles. No quiere ir al cerebro correcto. Entonces cualquier cosa que sea si es una cosa como, oh, hay un rojo un círculo rojo, sobre verde. Lo tengo. Ya me he ido. Entonces si es demasiado fácil, si es demasiado de un patrón, si es demasiado fácil para el cerebro izquierdo etiquetar Un jarrón con fondo azul. Lo tengo. Pero si el azul varía y si las flores varían, el cerebro izquierdo no está tan seguro de etiquetar y ahí es cuando se transfiere a la derecha. Tan raramente se tiene un punto focal. Es decir, si hay un par de opuestos, si sólo tienes uno de los, ya sabes, ese sería un punto focal. Pero no te confundas con la forma. Si tienes un retrato de alguien con fondo en blanco, ese no es un punto focal. Esa es una forma con forma y fondo. Y hay muchos puntos focales emocionantes que destaque en el labio, pero, ya sabes, así que un punto focal no es una forma representacional. Un punto focal es lo que rastrea tu ojo. Entonces un punto focal no es necesariamente lo mismo que lo que es el centro de atención. Como si estás haciendo un paisajismo, escoges esto es a donde van mis ojos y se va a este árbol o se va a esta cabaña o casa. Eso es diferente al punto focal. ¿ Recuerdas la rueda de vagones en el cuadro de Ross Davis, había un cuadro azul con una rueda de vagones. El volante de vagones no es un punto focal. Esa rueda de vagones es el principal tema de contenido. Y cualquier tema puede ser ya sea una salida rápida o una cosa atractiva dependiendo del punto focal. Entonces por eso cuando puso la naranja, la naranja iluminada, iluminó el contenido principal. Entonces esa es una pregunta realmente buena que si miramos el tema representativamente, podríamos decir que el contenido podría llamar la atención de alguien. Pero recuerda dije que cada persona tiene preferencia por ver. Entonces digamos que alguien es Preferencias textura. Y no tienes textura en tu pintura, pero tienes un retrato pintado increíblemente detallado. No van a mirar porque están buscando otra cosa. Por eso es tan importante usar tus ojos en todas estas diferentes lentes de visión. En el ojo, en el libro crear pinturas perfectas, que es la base de todo el nuevo curso, pero va, el nuevo curso va más profundo. Yo digo que hay 10 porque ¿quién quiere decir un 100? ¿Tanto? Pero diez maneras básicas que tu ojo puede ver. Y así si ves tu pintura para que funcione de las 10 maneras, vas a aumentar tu audiencia. También tienes que aumentar el poder de visualización de la misma. ¿ De acuerdo? Sí, El contenido es una visualización, una de cada diez. Entonces hay que mirar la textura, luego hay que mirar el contraste y el, sí, y así cuando hablabas de variación en una pintura, eso también significa que el contraste es incluye contrastes. La variación podría ser texturizada, lisa. Podría ser espacio y forma. También podría ser realismo y abstracción. ¿ Y si tienes 80 por ciento de pintura abstracta y 20 por ciento de realismo? El foco van a ser las partes realistas. El foco es, si nos fijamos en mi idea de 820, el foco siempre es el más pequeño del bolso de la relación. Y lo del por ciento 1820 no es la única manera de crear movimiento de visión y puntos focales. Pero si tienes un par principal de opuestos, podría ser de color, podría ser de borde, borde duro, borde suave, realista, textura abstracta, lisa. Cualquiera de esos de color blanco y negro y no de color. Miras tu pintura, decides con el par principal es que tus puntos focales serán los más pequeños. Al igual que la analogía de la playa , ya sabes, los ojos de la gente naturalmente van a buscar lo que es raro. El rojo en esa pintura verde. Esa es buena pregunta. Al igual que estas preguntas y a eso le responden. Sí, yo no lo ejecuto. Gracias. Seguro. 00 00 00 00, 00 empezando a trabajar. Y me preguntaba ¿cuál sería la textura media en tu aceite? Estás haciendo aceite sobre acrílico. ¿ Y quieres agregar textura en el con el acrílico para el aceite? Sí. El aceite irá sobre el acrílico. Es decir, si lo piensas, mayoría de la gente acaba de ver con un chorro de acrílico. Por lo que en estos días, por lo que la pintura al óleo irá sobre cualquier acrílico. Esperaría a que se seque por lo menos unos días. Textura hay cualquier cosa que sea un gel o una pasta es lo suficientemente gruesa como para crear una textura. ¿ Has trabajado con alguno de esos antes? Pero te prometo que lo recomendaste. Es más alto con SOC viendo. Entonces sí. ¿ O más como un pastoso? Sí. El pómez es el más difícil porque es gris y es grande y ardiente. Yo diría si ya sea pasta de moldeo o pasta de moldeo ligera, dependiendo de si querías que fuera absorbente o no absorbente. Entonces si querías hacer lavados con tu pintura al óleo, la pasta de moldeo ligera es genial. Crea como una superficie como papel. Pero la pasta de moldeo está hecha con polvo de mármol. Entonces si querías la pintura al óleo un deslizamiento más en la parte superior, entonces usa la pasta de moldeo y ambos hacen muy buena textura. Eso es lo que quería saber. Gracias. Tenemos tiempo para una o dos preguntas más. ¿ Alguna otra alma valiente quiere desmutar y preguntar? Bonnie alguna otra pregunta en el en el chat? Yo sí. Aguanta solo 1 segundo. Está bien. Paul Bear adolescente pregunta asociado, tu libro habla de la fase de juego y de la fase crítica. No hay tendencia a ir a la fase crítica desde el inicio, por ejemplo, asegurarse de que la regla 80 20 se utilice desde el principio. Gracias por preguntar eso. Esa fue una gran decisión del, de la mente poner ahí la fase de juego para asegurarse de que la gente no usara el análisis demasiado pronto. Entonces si ahora, diría análisis, si se supone que las fases de juego son donde te metes en el cerebro derecho. Y el cerebro correcto no siempre piensa analíticamente. Entonces si quieres pensar estrategia mientras estás en la fase de juego y no te está molestando, entonces eso es genial. Todo el mundo va a tener un proceso diferente. Pero descubrí que una vez que enseñé estos conceptos, el primer tema que surgió fue la gente encontrando que estaba interfiriendo con su pintura. Y yo soy como, bueno, asegúrate de que no lo hagas y analiza demasiado pronto. Entonces por eso también enfatizé ese punto natural donde dar un paso atrás para mirar, ese es un buen momento para pensarlo. A mí me gusta usar las estrategias como la 1820 en mi quizá comienzo cuando estoy planeando como, vale, digamos que estoy usando principalmente colores cálidos y fríos. Ahora no lo sé No creo que pueda tener un plan al principio, pero me dejo me gusta ver lo que surge naturalmente en derecha-cerebro antes de empezar a analizar. No sé si eso tiene sentido o no, pero creo que depende de cada persona individual. Si te gusta analizar y tienes ese tipo de cerebro y eso te hace producir más de lo que te gusta con buenos resultados, entonces funciona para ti. Si quieres probar el otro enfoque que va a jugar cara, mira lo que obtienes y luego analiza. Entonces puedes ver cuál te gusta más. No sé si esa persona sigue aquí o no. Es cuarto Es cuarto después. Tomo uno más y luego lo llamaremos noche. ¿ Y ese más? Bonnie's son otro. Donde ustedes tienen demasiado miedo para desmutar. Reese Williams, se te pregunta, ¿cómo reconoces los temas en tu cuadro? ¿ Cómo reconozco los temas de mi pintura? De acuerdo, un tema que defino como algo que el cerebro izquierdo puso, en, en aplicación aburrida o repetición o algo que va a mantener el cerebro izquierdo del espectador comprometido para que se alejen. Entonces en cuestión es cualquier cosa que sea, es no involucra el ojo en un movimiento fluido es como lo que toda la presentación, ¿cómo reconoces los temas? Tienes que hacer diferentes preguntas. Y cada pregunta reenfoca tu ojo para ver. Entonces digamos, digo, Digamos una mirada a la pintura y vamos, ¿Dónde están mis valores de luz? Si miro una es blanca y 10 es negra, y tengo una escala para 10 pasos, 1 a 10 blancos y valores de luz r, donde r me gusta mucho ir. Le gusta ir a luces y brights. Para que pudiera dar un paso atrás y mirar y decir, ¿tengo un problema en las luces? Bueno, ¿dónde están las luces si sólo están atrapadas en una esquina o si tengo nueve, eso podría ser un problema, entonces tengo que mirar todo el cuadro para ver. ¿ Eso me va a detener el ojo o eso va a ayudar a mi ojo a moverse por él? Entonces si digo, bueno, creo que se ve bastante bien. Mis luces están en lugares interesantes, mi ojo sigue moviéndose, buscando luces. Es decir, se puede tener un movimiento de visualización con cada pregunta. Y si te quedas atascado en cierta pregunta, entonces ahí hay un tema. Entonces no sé si eso contesta o no la pregunta. Pero una segunda pregunta. Como pintores, no hay reglas. Estas son solo herramientas a usar para decidir. Si sientes que el movimiento de visualización en todas las diferentes lentes de visión está fluyendo. Si sigues atascado, entonces te preguntas en qué movimiento de visualización estás. ¿ Estás en los oscuros, las luces, los bordes duros, los brillantes, ya sabes, las formas, las líneas direccionales, cada cosa que te preguntas, ves si fluye o no. Y si no lo hace, entonces hay un tema ahí. Ese es todo el curso es ¿cómo encuentras temas? Y luego una vez que encuentres la resolución del GCD, si dices: Oh, tengo demasiados valores oscuros, entonces solo eliminas algunos. Esa es la forma en que lo resuelves. La parte difícil es encontrar los temas. Nancy, no tengo más preguntas en este momento y ahora estamos en 617, así que es buen momento para cerrar. Gracias, Bonnie, y gracias a todos por aguantar todo el tiempo. Bien. Resto de tu día. Te voy a dar las gracias. No voy a cerrar. Esto es demasiado divertido. Maravilloso, Nancy. Muchísimas gracias. Me alegra que te guste. Gracias por venir. Muy bien, todo el mundo. Voy a terminarlo. Voy a terminarlo.