Sube el nivel de tu juego artístico: elementos y principios de diseño

1. Sube de nivel: introducción: Oigan, chicos. Soy Dylan Mierzwinski, ilustrador y diseñador de patrones de superficie que vive en Phoenix, Arizona. En esta clase de Skillshare, estamos guardando nuestros atajos de teclado y tabletas para hablar de las herramientas del oficio, no de su equipo, no de sus plataformas de redes sociales, sino de los elementos y principios que pueden ayudarle finalmente explora y desarrolla tu estilo personal, interpreta la inspiración interminable sin robar ni pisar los dedos de los pies de otros artistas, y evalúa y critica tu obra y la de otros. En resumen, estamos llevando tu identidad de artista al siguiente nivel. Agarra tu cuaderno y tu iluminador favorito y empecemos. 2. Proyecto de clase: Para este proyecto de clase, vas a ir a una búsqueda del carroñero con los elementos y principios del diseño en mente, seguido de una exploración práctica de esos mismos elementos y principios en cualquier forma de marca haciéndote elegir. A lo mejor querrás explorar línea con bolígrafos de carbón, jugar con el color a través de la pintura, y considerar el equilibrio con un conjunto de bloques de madera. Depende totalmente de ti. La mejor parte es que esto no sólo hará que tus jugos creativos fluyan y estén listos para tu próximo proyecto, sino que esto puede servir como el inicio de un libro de jugadas creativo para que puedas sacar ideas de a mezclarlas y combinar en esos días en que te sientes atascado. Todos los detalles se pueden encontrar en la pestaña del proyecto incluyendo las descargas de recursos. 3. ¿A quién va dirigida esta clase?: Hablemos de quién concibo que esta clase sea de ayuda. Probablemente ya hayas tomado un puñado de clases de Skillshare y has empezado a construir esas habilidades técnicas. Has empezado a compartir tu trabajo y a querer crecer tu siguiente, pero aún ves una clara desconexión entre tu obra de arte y las que tienen comillas “lo hizo”. Has hecho mucho trabajo, pero todo se ve diferente o parece una estafa de alguien que admiras o simplemente simplemente no te sientes como tú. Quieres empezar a construir un portafolio del que te enorgulleces y alcanzar esos grandes sueños, pero siéntete como si estuvieras girando tus ruedas para siempre. A lo mejor te sientes consciente de no tener entrenamiento formal o como si fueras un impostor. A lo mejor es tan simple como sentirse abrumado cuando alguien te pide tu aporte sobre su trabajo o no saber cómo pedir retroalimentación sobre tu propio trabajo. Si alguna combinación de esos suena como tú, entonces antes que nada podemos llamarnos amigos. Porque he estado en todos esos lugares varias veces, y segundo de todo, creo que te vas a quitar mucho de este curso. No estoy a punto de volarte la cabeza con secretos de arte. Esto es art 101 cosas. Pero para los creativos autodidactas, es exactamente esta fundación la que puede ser una pieza faltante cuando estás enfocado en aprender habilidades técnicas e incluso si tuviste un profesor de arte cubriendo este material, hace un mundo más de sentido una vez que en realidad tienen algún contexto al que aplicarlo. Hay una razón por la que es parte del arte 101, es bastante esencial. 4. Elementos de diseño: En primer lugar, vamos a hablar de los elementos del diseño, que podemos pensar como los bloques de construcción que conforman todo el arte. pintor y teórico del diseño Maitland E. Graves lo resumió muy bien diciendo: “Estos elementos son los materiales a partir de los cuales se construyen todos los diseños”. Hay cierta ambigüedad sobre cuántos elementos hay que van desde como 6 hasta 10 dependiendo de a quién preguntes pero voy a ir con un sólido siete. Empecemos con el biggie que probablemente conozcas bien, el color. El color es un elemento de diseño que establece el estado de ánimo o proporciona una sensación o emoción para la pieza. color en sí mismo es un mundo a explorar con relaciones de color, significados psicológicos y sociales atados a colores y armonías de color y paletas que los humanos tienden a encontrar agradables. Pero principalmente es importante saber que el color juega un papel importante en el establecimiento de estado de ánimo. Podemos tomar una obra de arte y cambiar solo los colores y toda la sensación de la pieza pueden cambiar drásticamente. Piggyback off de color es valor, que se refiere a la ligereza u oscuridad de un color dentro de una composición. Similar al color o matiz, uso intencional del valor puede realzar o seguir transmitiendo un estado de ánimo o emoción. Por ejemplo, el color rosa puede establecer un estado de ánimo de feminidad, amabilidad y suavidad, pero si el rosa es un rosa bebé o una rosa polvorienta cambia el tono considerablemente. Tocaremos más sobre esto más adelante pero el valor juega un papel valioso en la creación de profundidad, creación de contraste, o la conducción de énfasis. A modo de ejemplo rápido, todo el texto aquí es del mismo tamaño, fuente y tono, pero el cambio más drástico en el valor es decir el más claro y oscuro es lo que ordena y dibuja primero la vista. A continuación tenemos textura, que por supuesto se refiere a la forma en que una superficie se siente o se percibe para sentirse así que piensa suave, vieja, granulada, natural, sintética, áspera etc. texturas reales son texturas físicas que podemos tocar, por lo que el punto del jersey que llevas puesto en este momento, o la corteza de un árbol fuera de tu ventana. Simulaciones de texturas, por lo que una imagen de corteza de árbol o un dibujo en textura verde de madera se conoce como textura implícita. Entonces, la mayor parte de la textura de la que hablamos en ilustración es textura implícita. La textura puede agregar contraste y ayudar a enfatizar un punto focal, equilibrar una composición o simplemente crear interés visual. Elemento número cuatro es línea. El complejo descripción es un punto que se mueve en el espacio pero los conocemos como líneas rectas, líneas curvas, líneas diagonales, líneas rotas, líneas fuertes, líneas borrosas, líneas implícitas. Pueden variar en ancho y textura, se pueden crear por dos formas tocando, se pueden cerrar o abrir. Hay toneladas de formas en que las líneas se abren paso al arte y con las líneas viene formas, lo que son áreas planas encuadernadas por valor de línea o color. Pueden ser geométricos como ladrillos y hexágonos, o orgánicos como hojas y curvas. Pueden ocupar espacio positivo y negativo, pueden ser simples o complejos y así sucesivamente y así sucesivamente. Yo diría que los primeros cinco elementos son todos fáciles de entender y relacionarse. Pero con seis y siete empezamos a ponernos un poco menos concreto. número seis es el espacio en todo el diseño trata con espacio ya sea intencional o no como se refiere al área que ocupa una forma y los espacios entre esas formas son los elementos espaciados uniformemente, se superponen. Observe cómo se puede usar una gradación de valor, por lo que una gradación de oscuridad a luz para crear una sombra de gota, que puede crear la sensación de espacio 3D en el espacio 2D. El espacio es un elemento muy flexible y tiene muchas avenidas que se pueden explorar. Por último, tenemos la forma, que tradicionalmente se refiere al arte 3D que ocupa el espacio y tiene masa. Es la versión 3D de la forma. Forma se puede jugar dentro del trabajo 2D aunque. Entonces, sólo porque una escultura tenga forma no significa que no haya forma en un dibujo. Una persona que hace un dibujo de figura puede prestar mucha atención a la forma y asegurarse de que se retrate la forma de ese cuerpo. Entonces, nada de cerebro destrozando hasta ahora en nuestros elementos base de color, valor, textura, líneas, formas, espacio y forma. Pero empecemos a ver las implicaciones y relaciones de estos elementos como relacionados con los principios del diseño. 5. Principios de diseño: Si los elementos son los bloques de construcción o los componentes de base, entonces los principios son los vehículos para, y las relaciones entre ellos. Algunas personas les llaman reglas, pero creo que eso es un mal etiquetado. Para relacionarlo con los alimentos, los elementos son los ingredientes, y los principios son las técnicas. primer paso es el equilibrio, que es la distribución del peso visual de; objetos, colores, texturas, y espacio. Entonces, puedes pensar en ello como si cada elemento de tu pieza estuviera agregando peso a la pieza, y ese peso debería estar intencionalmente equilibrado o desequilibrado intencionalmente, dependiendo del efecto que vayas por. Por ejemplo, un círculo amarillo muy claro grande puede igualar el mismo peso visual que un círculo negro mucho más pequeño. El equilibrio puede ser simétrico, asimétrico o radial. Si tomas un lienzo en blanco y agregas un cuadrado en un lado de él, qué lado se siente más pesado? Eso es equilibrio, y se puede lograr a través interminables combinaciones de los elementos del diseño. siguiente paso es un clásico, y eso es contraste, que se refiere a crear interés visual yuxtaponando elementos opuestos. Entonces, piense en valores claros y oscuros, formas grandes y pequeñas, texturas lisas y ásperas, colores brillantes , y opacos, frente y atrás, o cerca y lejos en el espacio, etcétera. Áreas de contraste se encuentran entre los primeros lugares en los que se dibuja el ojo de un espectador, por lo que se puede utilizar de manera muy intencionada para dirigir la línea del ojo. O en el lado opuesto, podrías usar bajo contraste para evitar que los elementos menos importantes compitan con los importantes. Esto nos lleva al énfasis o al dominio, que es cuando la atención se centra en un solo área dentro de un diseño, creando un punto focal, muchas veces a través de un contraste de algún tipo. Tradicionalmente, esto se refiere al elemento importante único literal en una pieza, pero me gusta pensarlo más como una idea general de crear una jerarquía en tu diseño. ¿ Cuál es la parte más importante? ¿ Cuál es la segunda parte más importante? Entonces y así sucesivamente, ¿ y qué se puede hacer para asegurarse de que se esté prestando atención a esos elementos como se pretendía? Los tres siguientes todos tienen nombres que te mezclarán por un tiempo porque todos suenan familiares, pero sí tienen aplicaciones particulares en cuanto se trata del arte, y esos son ritmo, repetición, y movimiento. El ritmo es como un ritmo real, creado por un espaciado igual de elementos visuales, a menudo empleando repeticiones. Entonces, en este cuadro de Andy Warhol, el cuadro de Marilyn Monroe se repite varias veces, creando un constante uno uno uno uno uno uno uno visual beat. Incluso con la varianza de color de iteración a iteración, todavía hay un ritmo ahí. Pero el ritmo también puede tener variación dentro de las repeticiones, así que piensa uno dos tres uno dos tres o uno dos uno dos, esos también son ritmos aunque varíen. Esta repetición no sólo tiene que ser con forma sin embargo, puede ser cualquier elemento o combinación de elementos, por eso el ritmo es tan emocionante. La repetición entonces es fácil, y es literalmente sólo el vehículo de elementos repetidos para crear unidad. En esta pieza de Luli, usó la repetición de la forma para crear unidad mientras dejaba que el color y el valor variaran. Entonces tenemos movimiento, y el movimiento se refiere a la línea que tu ojo sigue a través de una pieza de trabajo. Entonces, esta pintura de Kandinsky exhibe movimiento y dibuja tu ojo por todas partes y a través de la pintura, pero en realidad no hay un ritmo discernible para ello, aunque hay alguna repetición de color y forma. Por último, tenemos unidad. La unidad es una especie de biggie, es lo principal que estamos filmando aquí, que es un sentido de integridad que resulta de la combinación tanto de armonía como de variedad. Ahora bien, si estás creando una pieza para representar el sufrimiento o arrojar luz sobre un tema difícil, puede que la unidad perfecta no sea lo que estás buscando, pero en general con el diseño y la ilustración sí quieres un sentido de unidad. Quieres que tu trabajo se sienta unificado de tal manera que todos los elementos encajen cómodamente. Sé consciente, sin embargo, demasiada unidad crea monotonía, y demasiada variedad crea caos. Necesitas un equilibrio de ambos. Por lo que en revisión, nuestros siete principios que dan vida a nuestros elementos son el equilibrio, contrastes, el énfasis, el ritmo, la repetición, el movimiento, y la unidad. 6. Más ejemplos: Antes de ponernos pesados en las aplicaciones de lo que acabamos de pasar, echemos un vistazo rápido a algunas piezas de arte para que podamos empezar a usar estas palabras e ideas. En primer lugar está esta ilustración a la izquierda de Natalia Z. Hay tantas cosas grandiosas que suceden a la vez que casi no sé por dónde empezar. En primer lugar, utiliza el espacio creando una escena que da la dimensión de ilustración. Parece que el bote de remos avanza hacia la casa, en lugar de estancarse, o hacia atrás, o alguna otra dirección. A pesar de que, el agua azul ocupa la mayor parte de la escena, no distrae tu atención de la casa y de la figura, pues utilizó magistralmente la repetición para enfatizar los otros elementos importantes. ¿ Te das cuenta de cómo se repiten las formas en el agua por todas partes? Esto ayuda a que nuestros ojos no se centren tanto en ello e vayan a los otros elementos. Además de un fuerte contraste en valor, ve qué tan ligera es la casa en comparación con todo lo demás en la escena. Ella creó una interesante textura de agua, mediante el uso de líneas curvas orgánicas. Nuevamente, las líneas no contrastan tan fuertemente con el agua que distraen el ojo. El modo en que ha creado el espacio también ayuda a guiar el ojo del espectador, lo que ayuda en el movimiento. A continuación, tenemos esta ilustración puesta por Blanca Gomez, y me encanta esto como ejemplo para el contraste y el énfasis. Mi ojo dispara derecho al autobús escolar en ambas imágenes. Porque el autobús escolar es tan diferente de las repetidas formas a su alrededor. Observe en la parte superior sin embargo, cómo el autobús escolar no destaca con tanta fuerza como en la parte inferior, y eso es debido a que los elementos circundantes están más cerca en color y valor al autobús que en el caso del autobús escolar en el árboles. Además las formas de los árboles son más diferentes del autobús que los edificios son al autobús de arriba. Observe cómo los elementos repetidos no son copias perfectas sin embargo. Blanca mantuvo la pieza visualmente interesante variando ligeramente los tonos de verde y los árboles, y suministrando textura sutil. Entonces, tenemos unidad sin monotonía, e interés sin distracción. Esta siguiente pieza es otro gran ejemplo del espacio como la perspectiva utilizada, nos da una sensación de estar en una habitación. Establece el espacio que nos rodea. Esta perspectiva también ayuda con el movimiento de la pieza ya que guía nuestro ojo por la habitación y por la puerta. Se utilizó la repetición en las camas para mantener el ojo moviéndose por el pasillo, en lugar de tener que detenerse y distraerse con diferentes edredones, o diferentes formas de cama pudieron simplemente moverse justo ahí arriba. Con tanto patrón y textura en esta pieza, pensarías que sería fácil que se volviera demasiado caótico. Pero la paleta de colores cohesiva y limitada impide que todo se vuelva abrumador. El trabajo de línea es menos preciso. Entonces, el ojo no se cuelga de detalles permitiendo que se siga moviendo libremente. Por aquí tenemos este banano ampersand, hábilmente titulado bandana, y me encanta como ejemplo de textura juguetona y efectiva. Entonces a pesar de que, la forma no es lo que estamos acostumbrados a ver en un plátano, el color y la textura punteante conducen el punto a casa sin problema. Siento que puedo oler el plátano a través de la escena. Gracias a esa textura. La textura también crea profundidad al jugar con los cambios de valor a medida que el punteado se vuelve más o menos denso. Da al plátano un falso pero exitoso sentido de la forma 3D. Tengo dos ejemplos más que quería señalar en mi propio trabajo. Entonces vamos a hablar de inspiración de estilo y crítica. Entonces, en primer lugar, quiero mostrar uno de mis ramos florales junto a un clásico ramo botánico. Si bien, ambos están tratando con un énfasis de ramo floral que vive en el centro de la página, botánicos tradicionales usan valor, textura, y color para mostrar la forma de las flores. Entonces, la forma real de la flor en la naturaleza, tratan de transmitir eso. En tanto que en mi trabajo, me gusta despojar la forma de la flor a favor de una forma plana, y luego utilizo la línea sólo cuando es necesario mostrar textura o forma. Entonces, ese es un gran ejemplo también de cómo la forma difiere de la forma como elemento. Aquí tenemos un patrón de regadera que hice. El cual sale como un divertido y dulce patrón de verano. Parte de eso proviene de la paleta de colores y el bajo contraste entre la figura y el suelo, y las propias figuras. Pero lo que impulsa ese hogar divertido es el ritmo. A pesar de que, tomé tiempo para equilibrar el espacio entre las formas en su conjunto, por lo que se siente transpirable y cómodo. Las regaderas no están todas perfectamente espaciadas entre sí, o incluso orientadas en la misma dirección. Esta ligera varianza forma el ritmo irregular que agrega algo de energía al patrón. Piénsalo como un beat de jazz en lugar del beat lineal 1 1 1 que vimos en el cuadro de Andy Warhol de antes. 7. Considerar el estilo: Ahora que tienes un lenguaje y una base para interpretar nuestro trabajo en el mundo que te rodea, puedes mirar las cosas que amas con ojos recién educados. Ahora, en lugar de que haya misterio, puedes clavarte con las piezas que amas tienen en común y lo que todas las cosas que no amas tienen en común, y luego puedes llevar eso a tu propia obra de arte. Voy a usarme como ejemplo. Tengo aquí un tablero de humor que es una colección destilada de lo que cubro en mi proyecto de clase de ejemplo. Entonces, si quieres ver más de lo que estoy hablando aquí e imágenes más grandes puedes ir a ver eso. Encontré estos volviendo en mi tablero de ilustración en Pinterest, vuelta a antes de sentir que había desarrollado un estilo y todavía estaba como girando mis ruedas y tratando de hacer algo que me gustaba, y es muy divertido para mí mirar atrás ahora para ver que algunos de los pilares de mi estilo de hoy se presagiaron en este material que estaba coleccionando hace años. Entonces aquí es una especie de donde entra en juego la magia de que seas tú porque nadie más va a combinar estas imágenes igual que yo no voy a hacer un tablero de humor que se vea exactamente como el tuyo. Vamos a encontrar combinaciones extrañas que juegan fuera de nuestras propias preferencias. Todos son de diferentes artistas y diferentes tipos de trabajo y sin embargo el mismo hilo que los conecta somos nosotros y nuestro amor por ellos. Esa combinación de preferencias particulares y cosas por las que te atraen es exactamente lo que quieres clavar y jugar. Ese es tu mojo artista. Es por eso que tener algunos elementos y principios a considerar puede ayudar a guiar tu interpretación a través de diferentes medios e informarte. Pero echemos un vistazo a esto específicamente para que puedas ver a qué me refiero. Estos son algunos de los patrones principales que he encontrado al echar un vistazo a estos viejos alfileres que coleccioné. En primer lugar es el color. Todos los alfileres para los que guardo, su color tenía negrita, contraste, y matiz. A veces incluso un choque en tono. Las paletas tendieron a ser mínimas. También noté que guardar para mi amor por el amarillo, mayoría de los colores a los que he dibujado son en realidad más oscuros u opacos en valor que la mayoría de los trabajos contemporáneos que veo. Entonces por ejemplo, donde veo mucho uso de corales realmente, realmente brillantes que están realmente saturados, los corales que tiendo a usar en mi trabajo y que me atraen son un poco más a tierra, sus más oscuros son un poco menos saturado. Por lo que puedo notar eso como preferencia personal mía y algo que me diferencia. Como dije, son estas preferencias las que son las gemas que estaban cuidando. A continuación están los pasadores que me llamaron la atención por la línea. Noté que casi nunca me gustó la línea y solía delinear una forma rellena. Prefiero la colocación de líneas reservadas y reflexivas para los detalles esenciales y en realidad tiendo a preferir que la línea se use para crear textura en lugar de ayudar a formar una forma. Entonces eso es bastante interesante. Siguiente arriba son mis preferencias de forma. Como acabo de decir, normalmente no me gusta crear mis formas cuando en combinación con rellenos de color. Me gusta el borde de los rellenos de color para crear las formas o líneas implícitas y formas a partir de rellenos de textura. Es menos importante para mí mirar esto y conocer mi propio trabajo para que las formas para que cada una tenga límites claros, y en cambio quiero que la idea de la forma o el grupo de formas encuentre con solo un rápido énfasis en lo necesario sólo detalles. Entonces, sé que es pequeño, pero si nos fijamos en esta forma aquí mismo, esta forma en realidad no está delineada. El único que está dictando esta forma es donde esta textura donde aparece esta raya, todo el resto es espacio negativo pero obtenemos una línea implícita ahí por donde se coloca la textura. Esa es la misma jugada que está pasando en esta gabardina de aquí. El gabardina está siendo dictado por un patrón que es del mismo color que el fondo en negro y así cualquiera de los lugares donde podemos ver el corte negro es donde podemos asumir que la línea es de ese objeto. Entonces aquí arriba con este gato no hay una línea que delinee a este gato, hay un relleno de crema que dicta dónde está la forma del gato con algunas líneas de acento encima. Entonces ese es el tipo de cosas por las que me parece realmente atraído cuando estoy viendo todo esto. Por último, tengo mi equilibrio y énfasis. Tiendo a gustarme los diseños lineales claros. No es que no me guste el trabajo abstracto, pero tiendo a no gustarme el arte o a ser atraído por el arte donde realmente no puedo entender por qué está ahí o qué está trayendo a la mesa. mí me gusta saber, “Está bien, estoy mirando esta pieza y puedo decir que esto es un botánico o puedo decir cuál es la figura y cuál es el suelo”, ese tipo de cosas. También tiendo a gustarme mi equilibrio para sentirme simétrico. Entonces, si fuera a cortar este botánico por aquí a la mitad, y de nuevo, sé que es pequeño. Si lo cortara a la mitad, medio largo camino, veríamos que hay igual peso a ambos lados. Tiene equilibrio simétrico. No obstante, los elementos mismos no son exactamente los mismos. Entonces este helecho no es el mismo helecho que está por aquí. Entonces me gusta que haya un equilibrio simétrico donde como los elementos reales y las formas mismas sean variadas. puedas ver que simplemente coleccionando y prestando atención a lo que amas, puedes reunir una tonelada de Intel sobre tus propias preferencias y una combinación que es totalmente tuya. Esto no sólo se aplica a las obras de arte. ¿ Hay ciertos autos en la carretera a cuyas formas gravitas hacia? ¿ Prefieres películas que sean sencillas en naturaleza o más vanguardistas? ¿ Te encanta cuando tu casa está oscura y mal humor por la noche? Cuando tomas en consideración todos los elementos y principios en juego y cómo se pueden usar para crear una cierta experiencia, puedes revertir esa ingeniería para crear un estilo que sea dinámico y siempre en crecimiento en lugar de hacinados y rígido. 8. Utilizar la inspiración: Entonces, estás sentado a trabajar en una ilustración. ¿ Cómo entra en juego toda esta información en realidad aquí? Gran pregunta. Creo que se presta de dos maneras. En primer lugar, hazte un favor y pregúntate qué estás tratando de lograr. Esto puede ser algo sencillo como una bonita ilustración floral que exhibe flores de abril, o algo profundo y reflexivo como usar profundidad y valor para crear una escena que represente un episodio depresivo. De cualquier manera, al establecer incluso una dirección amplia puedes hacer que tu cerebro encienda qué herramientas quieres usar para lograr eso. Para una escena caótica y oscura, probablemente no usarías líneas limpias y colores brillantes, o tal vez por eso, quieres yuxtaponar colores brillantes con imágenes oscuras o formas pesadas. Entonces, es un ejercicio rápido para eliminar lo que no va a funcionar, lo que va a funcionar, y qué reglas podrías querer romper. Pero la segunda forma en que se presta es cuando se considera cómo usar la inspiración sin robar. No muchos artistas son fuertes en crear 100 por ciento a partir de su imaginación. Entonces, ¿cómo se utilizan las referencias sin estafar al fotógrafo? ¿ Cómo se admira a otros artistas sin intentar inconscientemente emularlos? Cuando no seas dueño de los derechos de las imágenes que estás mirando, debes interpretar los elementos y principios en juego en lugar de las ideas y ejecución que el artista creó y renderizó. Entonces sigamos adelante con mi ejemplo de querer crear una bonita ilustración floral de April Flowers. Primero, haría algo como Google lo que florecen las flores en abril, y luego después de mi fase de investigación básica probablemente acercaría las peonías y decía: “Está bien, quiero hacer algo en peonías y así iría y empezaría a cobrar imágenes de referencia de Google y Pinterest y sitios de stock, etcétera. Entonces a veces encontraré o solo tendré en mente algunas piezas de arte terminadas que me encantan bastante y quiero tener en cuenta de mi trabajo. Entonces, aquí es donde tenemos que ser realmente cuidadosos. Quiero asegurarme de que no estoy copiando su contenido. Entonces, cuando miro estas piezas que me encantan, no voy a probar los colores y dibujar la misma composición de ramo, ni siquiera mirarlas una vez que empiece a trabajar. En cambio, voy a preguntar qué me gusta de ellos. En este caso, me encanta que haya una obra de teatro con formas rellenas y formas sin rellenar. Me encanta que haga que la composición se sienta estratificada en lugar de plana como normalmente trabajo. Me encanta el alto contraste en color. Entonces de nuevo, puedes ver que no estoy quitando el contenido de este artista. Estoy tomando lo que respondo en su trabajo y luego puedo llevar eso a mi cuenta. Si encuentro una pieza de letras que me encantó, entonces no tomaría la cita y la escribiría en el mismo estilo o letra una cita diferente en el mismo estilo. Señalaría lo que disfruté de su pieza en términos más amplios, luego trabajar dentro de ese contexto en mi pieza. Adicionalmente, cuando se trata de referencias, ¿no es solo lo peor cuando recolectas fotos de digamos tres flores y luego solo puedes dibujar esas exactamente tres flores y nada más? Odio sentirme limitado así. Aplicando los elementos y principios a las fotos de referencia sin embargo, podemos empezar a sacar unas cuantas flores más de ellas, y más importante en casos en que no somos dueños los derechos de las referencias como en esta situación, Saqué estas fotos de Pinterest. Puedo evitar por completo pisar los dedos de los pies del fotógrafo. Por ejemplo, en estas fotos de peonías y sé que son pequeñas y un poco difíciles de ver en la pantalla, realmente estoy evaluando su forma. En general son redondos. Puedo ver una forma común de pétalo aunque varían en tamaño. En ocasiones las puntas de pétalos se voltean hacia afuera de la masa de la flor. Las hojas a veces se agrupan en un solo lugar. Entonces, aquí puedes ver que todos están creciendo en un solo lugar, y a veces están más escasamente distribuidos. En la visualización del perfil, la forma general es más áspera que cuando estás mirando uno de frente. Puedo prestar atención a cómo los pétalos o formas interactúan entre sí cuando entran en contacto. Puedo ver los valores son más oscuros más cerca del centro de la flor. Nuevamente, al mirar más ampliamente lo que estamos viendo, ahora puedo usar estas referencias para crear una pieza que no sea línea por línea de mis referencias, pero aún sin depender del 100 por ciento de mi imaginación para el levantamiento pesado tampoco. Al mirar el resultado final, definitivamente se pueden ver similitudes entre mi trabajo y la inspiración y referencias, pero ninguna de las flores se dibujó pétalo para pétalo. Mis colores no fueron sampleados de la obra de arte que me encantó, y me esforzé por mantenerme fiel a mí mismo dentro los confines que establecí en base a mi inspiración. Aquí hay una regla de oro Me gusta pasar si no puedo decir si estoy tomando demasiado de mis referencias. Es para preguntarme, si este pintor fotógrafo artista que hizo mi inspiración o mis referencias viera mi pieza, ¿cómo nos sentiríamos los dos al respecto? A veces hay esta actitud de, nunca lo sabrán, o quién podría decir, o cómo pudieron demostrarlo, y hacer esta pregunta eluda eso porque realmente no importa cuál sea el riesgo, si el artista paseó y vio tu pieza, ¿ podrías apoyarla con integridad? O te encogerías un poco en un momento incómodo y esperar que no se vean demasiado de cerca? Una última nota que quiero agregar aquí antes de pasar a la crítica, y eso es no ir por la borda con sensación de que cada elemento y principio necesita ser considerado e intencional y perfectamente calculado. Mucho hacer arte es accidentes felices, intuición, y decisiones rápidas. Siéntase libre de usar estos cuando necesite ayuda con la dirección. A veces, ni siquiera los considero hasta que casi termino con el proyecto y no puedo entender por qué algo no está haciendo clic. Estos son grandes lineamientos, pero no dejes que aguanten la parte más importante, la elaboración. 9. Cómo hacer una crítica: Por último, como si deconstruir tu estilo y pavimentar un camino a seguir en tu obra no fuera ya suficiente, los elementos y principios del diseño nos dan lenguaje para hablar de arte con otras personas. ¿ Sabes cómo es realmente aterrador pedir entrada en tu obra de arte? Bueno, es bastante incómodo saber acerca de esa vulnerabilidad y aún no sentir seguro qué decir en respuesta a que alguien te pregunte. Querer dar una buena retroalimentación pero no herir sentimientos o hablar fuera de turno, puede ser realmente difícil navegar ¿No te sentiría genial poder ofrecer algo que no sea tu opinión subjetiva de que te guste o no? Aquí tienen la espalda los elementos y principios. Al igual que todos los casos de los que hemos hablado antes, pregúntate qué te gusta al respecto. ¿ Qué está dando énfasis en la pieza cuando la miras? ¿ Está equilibrado? ¿Funcionan los colores? Incluso si tus preferencias personales varían de otros artistas. Simplemente arrojar luz sobre lo que estás viendo en términos que pueden entender, le das al artista y a otros otra perspectiva valiosa para considerar que ni están bien ni mal. Si no estás listo para preguntar a los demás, puedes usar la misma técnica para criticar y evaluar tu propio trabajo. Pedí a unos valientes voluntarios que me enviaran alguna obra de arte para hacer una crítica en vivo aquí mismo en este momento, puedan escuchar lo que es para mí personalmente pasar por este proceso. Entonces, saltemos a la derecha. En primer lugar tengo este bonito azulejo estampado de Anne Lafollette y lo primero que estoy notando es el color. Mis ojos parecían estar contentos de que haya esta cómoda varianza de la luz a la oscuridad. De ese amarillo claro a ese naranja oxidado oscuro y el gris oscuro y un equilibrio y distribución uniforme de los pesos de color. Entonces, por ejemplo esta flor amarilla sostiene el peso visual más ligero de todas ellas y por eso hay más de ellas. Dado que las flores anaranjadas y grises oscuros son más pesadas, hay menos para ayudar a igualar las cosas. Entonces, Anne lo clavó en esa distribución y equilibrio ahí. Esta distribución también mantiene mis ojos fluyendo cómodamente alrededor del azulejo en lugar de ser dibujado o atascado en un solo punto lo cual es una de las cosas principales que estás tratando de evitar cuando estás haciendo tu patrón. Si tuviera que ofrecer algo constructivo a considerar, diría el muy bajo contraste entre las flores sin rellenar de color amarillo claro, así que no las rellenas solo las sin llenar, y el fondo hace que mis ojos zumben un manera incómoda, y los hace tensos para ver si me falta algo. A lo mejor las instancias de las flores amarillas sin rellenar podrían tener un tono ligeramente alterado de amarillo que proporciona contraste más cómodo contra el fondo mientras aún encajan con la paleta actual o tal vez todo el amarillo las flores deben llenarse. Observe cómo no dije, oh me encanta esto o odio esto porque si bien Anne puede querer saber mi opinión quizá quiera que me guste y lo hago, Anne creo que este es un patrón encantador. Esa respuesta realmente no le da mucho a Anne de qué irse. Ahora bien, eso no quiere decir que ya que estoy haciendo un mejor trabajo criticando que ella tenga que tomar mis sugerencias. Pero ahora ella al menos tiene una nueva perspectiva de lo que está siendo visto por otra persona. Muchas gracias Anne. Puedes consultar más de las delicadas flores de Anne en annelafollette. A continuación tenemos un cuadro de Alanna Cartier. Entonces, justo del bate mi ojo va al centro del plato y eso no es sólo porque es el centro de la página sino porque los artículos con el contraste más fuerte en valor están ahí. Por lo que la nuez moscada real y los clavo de olor, proporcionan mayor contraste que cualquier otra cosa en la página. Entonces, yo diría que eso es exitoso y probablemente donde Alanna quiere que mi atención se centre. Entonces tengo esta bonita placa de tono medio que rodea el énfasis sin competir con ella, y luego el ojo se vuelve más interesante con cada línea de flecha y pieza de texto que etiqueta las especias que ayuda con el movimiento de la pieza. Mi parte constructiva es ésta: así que mi ojo empieza en el centro, se mueve alrededor y hacia afuera, y luego está algo así atrofiado por el borde de la página, y creo que eso hace que la armonía y el equilibrio general se sientan incompletos o indecisos. Estoy muy feliz Alanna me dio esta pieza porque cuando la abrí por primera vez, sentí ese movimiento inestable o espacio pero realmente no pude encontrarla de inmediato porque al moverme por todas las formas pensé que todo era realmente bonito, nada realmente se veía fuera de lugar. Por lo que a veces tenemos que dar un paso atrás del contenido real de la página y mirar el formulario. En este caso, mira la diferencia que hace apenas reformular el espacio en blanco alrededor de la pintura. De pronto el texto y las flechas tienen espacio para respirar lo que da a mi ojo espacio para volver a entrar y salir del centro cómodamente. En realidad, ahora que no me distrae el encuadre, puedo apreciar la sutil profundidad creada por los valores y sombras que realmente no estaba viendo antes. Puedo disfrutar de la línea orgánica creada por el pincel y todo se siente más completo con solo reformularlo. Muchas gracias Alanna. Si ustedes quieren seguir junto con sus viajes de pintura, pueden encontrar en Instagram en alannacartier. De acuerdo, aquí tenemos un dibujo a lápiz de Rebecca Espana y oh Dios mío, mis ojos simplemente sintieron al instante la unidad de esta pieza. El contraste de colores fríos en colores cálidos es tan satisfactorio y realmente el equilibrio perfecto de armonía y varianza como estábamos hablando antes. Si todo fuera analagoso colores cálidos, la pieza podría ser aburrida y monótona. Si los colores fríos y cálidos se dividieran 50 50 y se distribuyeran con ritmo más parejo, podría ser súper caótico pero su err en el lado de cálido con un cumplido de cool es justo justo. Todas las formas parecen ser orgánicas lo que les ayuda a pertenecer en la pieza juntas. Lo que más noté es que parece que te has propuesto ilustrar esta escena sobresaliente y la colocación de la escena en la mitad inferior en lugar de estar perfectamente centrada ayuda a jugar con el espacio para empezar a llevarme allí. Pero sólo hay algo al respecto que se siente incompleto. Tenemos esta escena feliz y dulce y luego nada, sólo una página en blanco. De ninguna manera todas las escenas necesitan ocupar cada pulgada cuadrada de la página o tener una escena de fondo o algo por el estilo pero, en este caso, sí creo que incluso tener un sutil elemento de diseño añadido podría atar esta pieza al fondo mejor. Recuerda cómo la paleta erra en el lado cálido. ¿ Y si el color de fondo fuera un neutro cálido en lugar del neutro más frío que actualmente es? ¿ O qué pasaría si la más pequeña sugerencia de un árbol o una colina o textura estuviera en el fondo? Simplemente cualquier cosa que nos dé un paso entre la fría página de fondo y la cálida escena que has creado. Gracias un millón de veces, Rebecca. Podrás seguir junto con su trabajo en beejoyart. Por último, pero ciertamente no menos importante, tenemos este adorable retrato de gato de Corri Sheff. Al igual que el cuadro de AiAnna, Corri lo clavó con darle al gato la mayor cantidad de contraste para sacar nuestro ojo directamente hacia él. Las delicadas flores en forma orgánica son coloridas y ligeras pero no compiten con la estrella del espectáculo lo cual es un difícil equilibrio encontrar cuando hay tantos elementos en una pieza. También me encanta que la forma del gato sea tan sólida y pesada en peso mientras que las formas florales son delicadas y aireadas con mucho juego entre el primer plano y el fondo lo cual probablemente también ayuda a el borde floral sea de cortesía en lugar de distraer o pesado. Ha creado texturas encantadoras con colores y líneas suaves y realmente ningún elemento siente como si no perteneciera. Mi ojo empieza en el gato se mueve por toda la pieza y vuelve al centro. Mi comentario constructivo para esta pieza es igual que el de AiAnna, no hay ningún elemento ni principio en el cuadro que me está echando a menos que el balance general. Creo que un ajuste de encuadre podría perfeccionarlo y ayudar a que se sienta más completo. Se puede ver incluso sin centrar al gato en la composición, solo darle a la pieza un ligero espacio de respiración alrededor del borde ayuda a relajar la pieza. Obviamente con una pintura terminada, no siempre se tiene el lujo de volver a recortar o moverse alrededor de elementos pero tal vez Corri lo tenga en cuenta para la próxima vez y trate juzgar el equilibrio a lo largo de toda la vida del cuadro. Otra cosa a considerar sería el espacio de esta pieza, en la parte inferior de la ilustración tenemos algunos tallos de flores cayendo de la página lo que los hace sentir que están creciendo en la escena. Pero todas las otras flores están muy bien dentro del borde de la composición. Ahora bien, esto no tiene que resolverse pero siempre es mejor ser intencional sobre esas decisiones en lugar de dejar que se decidan por casualidad. A lo mejor ayudaría si los que estaban alrededor del borde salieran todos del marco, o ninguno de ellos, o alguna otra solución. Ahora, que hemos agregado algo de espacio en blanco alrededor del borde en realidad podría funcionar que esas flores que vienen de abajo salgan todo el camino desde fuera de escena solo para ayudar al movimiento ascendente hacia el gato. Corri, me encanta esto. Muchísimas gracias por compartir. Podrás seguir junto con su viaje de ilustración en corri_sheff. 10. Reflexiones finales: Entonces, eso es todo chicos, la conferencia Art 101 que te dará tracción y todo el trabajo arduo que ya has estado poniendo en aprender tus habilidades técnicas, y haciendo el trabajo real. Espero que estés encantado de que estas simples definiciones e ideas puedan usarse en tantas aplicaciones funcionales, no son solo palabras. Nada puede reemplazar el poder de comprometerse a hacer y explorar regularmente su obra de arte, pero combinar ese cuerpo de trabajo con el lenguaje y las herramientas para descomponerlo, y entenderlo mejor, ahí es cuando realmente pasar de ser técnicamente competente a una fuerza creativa. Por supuesto, muchas gracias por tomar esta clase. No olvides mirar los recursos que he compartido en la pestaña del proyecto y empezar en tu búsqueda del carroñero. Es un pequeño paso en el camino de tener claro quién eres como artista. Por último, el amor Instagram. Sígueme en BYDYLANM para más consejos y comparte sobre mi flujo de trabajo, y proceso creativo. Ah, y muchos premios.