Propiedades de la acuarela: todo sobre los pigmentos de la acuarela, la mezcla de colores y la configuración de tu propia paleta

1. Te damos la bienvenida a la clase.: [ MÚSICA] Conocer las características y propiedades de los pigmentos de acuarela, nos ayudará a largo plazo, a crear las composiciones perfectas y mezclas de colores significativas, además de que nos permita utilizar esas propiedades a nuestra ventaja en una pintura. Hola a todos. Soy Geethu, Ingeniero Aeroespacial o Artista de Acuarela e Instructor de Arte originario de la India, pero con sede fuera del Reino Unido. La acuarela es mi medio favorito para pintar con y es casi como una adicción para mí. Bienvenido a esta clase de Skillshare sobre propiedades de pigmentos de acuarela y mezcla de colores. Aprender sobre estas propiedades de los pigmentos de acuarela, y cómo puedes usar ese conocimiento para mezcla de colores puede ayudarte a tu propio estilo de pintura y encontrar ese conjunto único de colores que entran en tu paleta de todos los días. Pasaremos por los conceptos básicos de la mezcla de colores, creando la rueda de color, entendiendo la temperatura del color, y aprenderemos a crear colores saturados y neutros usando el color primario dividido rueda. También te daré sugerencias sobre cómo puedes crear tu propia paleta de colores, así como darte una idea de cómo puedes recopilar más información sobre pigmentos de acuarela. Al final de esta clase, trataremos de pintar un paisaje sencillo usando solo los colores de fundición para ayudarte a entender totalmente los conceptos de mezcla de colores introducidos en esta clase. Sin más preámbulos, saltemos a la clase. 2. Descripción de la clase: [ MÚSICA] Cuando estamos pintando con acuarelas, hay varios factores involucrados lo que facilita el proceso de pintura, además de hacer que tus pinturas se vean más reales y naturales. Estos incluyen el uso de los materiales adecuados, las técnicas, una buena comprensión de las propiedades de la acuarela, así como tener una armonía de color en la imagen. Entre estos, una de las más importantes se trata de las propiedades del pigmento de la acuarela, y de ahí esta clase se trata especialmente de eso. Pero sé que aprender sobre colores y pigmentos, todo al escuchar una clase en línea, puede ser bastante aburrido y engorroso. De ahí que he tratado de hacer que esta clase sea lo más corta e interesante posible para ayudarte a entender los conceptos introduciendo esta clase. Había cubierto muchos conceptos básicos de la teoría del color en mi clase de elementos de paisajes urbanos, pero esta clase cubrirá más ampliamente la teoría del color y las propiedades de los pigmentos de acuarela. Si ya has tomado la clase de elementos de paisajes urbanos, entonces podrás cepillar tus conocimientos sobre el mismo, y sumar a tu comprensión existente de la teoría del color. Si eres nuevo aquí y aún no te has unido a mi otra clase, entonces encontrarás esta información sobre colores y pigmentos valiosa y útil para profundizar tu comprensión del medio. Te recomiendo mantener un cuaderno de bocetos o cuaderno para anotar cada onza de información que veas valiosa. Tengo varios libros que he conservado para fines específicos como estos. Tengo un cuaderno de bocetos de acuarela para anotar mis estudios de teoría de colores y pigmentos, así como un diario de muestras o un libro de recetas para mis mezclas de colores. Si ya tienes un cuaderno de bocetos lado para tus aprendizajes y notas, puedes usarlo. Si has tomado la clase de elementos de paisajes urbanos entonces definitivamente tienes uno. De no ser así, este es el mejor momento para tener un cuaderno de bocetos o cuaderno listo para este fin. Recomiendo usar un cuaderno de dibujo de acuarela en lugar de un simple cuaderno, ya que sería capaz de agregar algunos trazos de color en su cuaderno de bocetos y no se abrocharía ni arrancaría las páginas. Comenzamos la clase mirando las propiedades básicas de los pigmentos de acuarela y sobre cómo y dónde encontrar esta información. También compartiré contigo cómo elijo mis colores y cómo los compro. Entonces vamos a echar un vistazo a los conceptos básicos de la teoría del color pasando por la rueda de color y entendiendo términos básicos como matiz, valor, saturación y temperatura. Trataremos de entender los colores cálidos y fríos, armonía del color en una pintura, y el sesgo de temperatura de la mayoría de los colores que conocemos. También veremos algunos de los colores y pigmentos que los artistas han elegido en su paleta y trataremos de entender por qué se han elegido esos colores específicos. Por último, trataremos de entender sobre pigmento de acuarela negra antes de pasar al proyecto de clase. 3. Pigmentos en acuarela: [ MÚSICA] Entendamos primero qué es la acuarela. pintura acuarela consiste básicamente en el pigmento y el aglutinante. El pigmento suele estar en forma de polvo y pueden ser pigmentos orgánicos o inorgánicos. En los tiempos pasados en que todavía se estaban descubriendo compuestos sintéticos, los pigmentos orgánicos eran muy comunes. Por ejemplo, el índigo solía extraerse de las plantas. Amarillo indio de la orina de vacas que se alimentaban solo de mangos y carmín de insectos secos. Después del descubrimiento de compuestos sintéticos, la mayoría de estos pigmentos orgánicos han sido reemplazados por alternativas sintéticas. pigmentos inorgánicos son aquellos que se derivan de metales o rocas que se encuentran en nuestro planeta Tierra, y se extraen directamente de ellos. También podrían ser los pigmentos fabricados en un laboratorio utilizando diversos métodos. Los pigmentos de la Tierra incluyen los ocres, siennas y ambers mientras que los fabricados en un laboratorio son los pigmentos de cadmio y cobalto. El primer componente en acuarela es el pigmento que tiene muchas propiedades que estaremos mirando en las próximas lecciones de esta clase. El otro componente que une estos pigmentos juntos y le da acuarela la estructura cremosa y como cubo que conocemos es el aglutinante. Esta es la mediana que hace que los pigmentos se peguen y se comporten como acuarela. Esto es exactamente lo que distingue a las acuarelas de los otros medios. Para la acuarela, el medio de unión suele ser goma arábiga, que es la savia producida a partir de árboles de acacia mientras que algunos fabricantes también podrían usar miel natural. También las pinturas acuarelas disponibles en tubos y tortas es completamente diferente a las acuarelas líquidas. acuarelas líquidas están hechas de tintes más que pigmentos y no poseen estas propiedades únicas de las acuarelas. De ahí que, personalmente, no prefiero pintar con lo mismo en lugar de experimentos divertidos ocasionales para mis lecturas de Instagram. Los fabricantes también podrían usar otros componentes para mantener intactas la fluidez y la plasticidad de las acuarelas. Para aumentar la plasticidad o disminuir la viscosidad de las pinturas, generalmente se agrega un plastificante como la glicerina. Para aumentar la humedad o humedad en la pintura, agrega un humectante como la miel. Si la miel se usa como medio de unión, entonces probablemente los fabricantes necesitarán usar un humectante adicional. Se trata de información adicional que es bueno conocer y profundiza tu comprensión de las acuarelas. Si alguna vez estás pensando en hacer tus propias acuarelas a partir de pigmentos, entonces esta información para empezar. La fabricación de pintura es en sí mismo un proceso muy satisfactorio pero no nos metamos en demasiado de eso. pigmentos de acuarela se definen utilizando un número específico conocido como el Nombre del Índice de Color. Cada pigmento tiene un número único para distinguirse entre sí y conocer este número de pigmento puede darte mucha información sobre la pintura que estás usando. Este nombre de índice es un nombre estándar internacional que es utilizado por todos los fabricantes. El nombre en un tubo de acuarela simplemente no significa nada cuando se trata de entender sobre los colores. Es simplemente un nombre genérico elegante que los fabricantes han utilizado para hacer su color o conocido de otro modo como el nombre de marketing. Incluso si los fabricantes han utilizado un mismo pigmento y el aglutinante, el nombre de marketing o el nombre genérico utilizado podrían ser completamente diferentes. Por ejemplo, el amarillo indio de White Nights, lago amarillo de Sennelier, y el amarillo transparente de Schmincke y Winsor & Newton son todos iguales. Tiene el mismo pigmento PY150 en cada uno de ellos. Podemos ver en la etiqueta aquí dice PY150. Lo mismo para el Lago Indio de Sennelier y el amarillo transparente de Schmincke. la misma manera tener el mismo nombre genérico no implica que sean exactamente iguales. Por ejemplo, esto es amarillo indio de White Nights y esto es amarillo indio de Sennelier. Como ya discutimos, el amarillo indio de White Nights es PY150. Pero si nos fijamos en la composición pigmentaria del tubo Sennelier, dice PY154 y PY153. Esto significa que el mismo nombre no implica que el color sea exactamente el mismo. Pero en su mayoría los fabricantes tienden a usar el nombre común para los pigmentos. Ahora comprendamos cuáles son estos números de pigmento. El nombre del índice comienza con la P para pigmento, seguido de la categoría de color. Las categorías de color son Y para amarillo, R para rojo, O para naranja, B para azul, V para violeta, G para verde, BR para marrón, BK para negro, y W para blanco. Estos números de pigmento te dirán el pigmento exacto que se ha utilizado para fabricar un color específico. Como decía, los fabricantes suelen usar el nombre común para estos pigmentos pero no se engañan por lo mismo. Revise siempre los números de pigmento. Por ejemplo, tradicionalmente, los azules de cobalto son pigmento PB28 y el azul ultramar es PB29. Aquí está el azul cobalto de Schmincke, es PB28 y este es el ultramarino francés PB29. Schmincke ha utilizado los nombres correctos para los pigmentos que han utilizado pero este no siempre es el caso. También notarás que algunos pigmentos tienen un colon al final del número de pigmento, seguido de otro número. Por ejemplo, la PB15 azul ftalo está disponible como PB 15:3, y PB 15:6. Estos son simplemente pigmentos diferentes originalmente, pero bastante similares al PB15 original ahí nombrado de esta manera. PB 15:3 es Taylor azul, sombra verde, y PB 15:6 es Taylor azul, sombra roja. Discutiremos más sobre esto y el sesgo de color más adelante. Para resumir, los pigmentos de acuarela se representan con una P, seguidos por la categoría de color y luego un número. Este número es el número que se le asigna en la Norma Internacional de Color. azul ultramarino PB29 simplemente significa que es el color azul 29 que se define en ese estándar de color. conocimiento de los números de pigmento utilizados en tus tubos de color o pasteles te va a ayudar mucho a la hora de mezclar colores. Discutiremos más sobre eso en las próximas lecciones. 4. Pigmentos de tierra: [ MÚSICA] Los pigmentos de la Tierra son minerales naturales que se utilizan como pigmentos. Dado que se producen de forma natural y provienen de rocas y minerales en nuestro planeta Tierra, se les conoce como pigmentos de la Tierra. Los tipos primarios de pigmentos de la Tierra son ocres, siena y umber. El ocre amarillo es un pigmento natural que consiste en sílice y arcilla y se incluye en la mayoría de las paletas de artistas. Sienna es otro pigmento Tierra que contiene óxido de hierro y óxido de manganeso. Cuando se utiliza en su estado natural, se le conoce como siena cruda o siena natural. Los fabricantes calientan este pigmento natural y se convierte en un color marrón más rojizo para ser conocido como el pigmento de siena quemada. De ahí que, a veces cuando miras los números de pigmento de siena cruda y siena quemada, probablemente veas exactamente el mismo número. Es sólo que la siena quemada es la versión calentada de la siena cruda y de ahí el mismo número. De igual manera, el umber crudo es la versión natural del pigmento y umber quemado es su versión calentada o quemada. pigmentos de tierra son buenos para tener en una paleta de acuarela para crear una mirada natural a las pinturas del paisaje debido a los marrones naturales en ella. 5. Propiedades de pigmentos en acuarela: [ MÚSICA] Ahora comprendamos las propiedades de la acuarela atribuidas por los pigmentos utilizados en el mismo. Conocer estas propiedades te ayudará en tus composiciones de acuarela y en la elección efectiva de los colores que deseas seleccionar en tu paleta. También te ayudará a entender por qué algunos pigmentos se comportan manera diferente a otros y por qué algunos pigmentos muestran características únicas. Las principales propiedades de las acuarelas son la transparencia y la obesidad, tinción y el no sustento, la granulación y la no- granulación, fugitiva, y no fugitividad. Ahora comprendamos cada una de estas propiedades en detalle. 6. Transparencia y opacidad: [ MÚSICA] La primera propiedad de las pinturas de acuarela son la transparencia y la opacidad. Si has tomado mis clases anteriores, entonces podrías haber escuchado esto mucho de mí y podrías haber visto también cómo uso este conocimiento para mi ventaja mientras pinta. En general, la acuarela se conoce como un medio transparente, a diferencia del gouache, que se conocen como acuarelas opacas. Puede colocar fácilmente acuarelas una encima de la otra y aplicar hermosos efectos como acristalamiento y diferentes texturas. No obstante, los pigmentos de acuarela tienen una estructura diferente y no son similares entre sí. Algunos de ellos son más gruesos o más densos y algunos son más finos y crujientes. Esto les permite tener diferentes cualidades o características. Las pinturas de acuarela pueden ser transparentes o semitransparentes, opacas o semiopacas. Ahora comprendamos qué es realmente esta propiedad. acuarelas transparentes son, como su nombre indica, transparentes. Significa que permite que la luz pase y hace que los colores brillen en el papel. Cuando pintes con una pintura de acuarela transparente, verás que brilla sobre el papel, principalmente porque refleja el blanco subyacente del papel. Por la misma razón, no podrás usar un color transparente encima de un color oscuro. Simplemente permitiría pasar el color oscuro y tu color transparente no será visible en absoluto. Ejemplos de colores transparentes son, amarillo indio o amarillo transparente, típicamente PY150, Quinacridrone Rose o PV19, etc. Los colores opacos, por otro lado, no permiten pasar toda la luz a través, es decir, bloquear la luz desde abajo haciendo que el color aparezca en la parte superior. Se ven más gruesas en el papel y aparece como una mezcla turbia. Esto significa que puedes aplicar un pigmento opaco encima de un color oscuro y dominará el color oscuro debajo y será visible en la parte superior. No obstante, también entiende que podrás aumentar la transparencia de un color opaco diluyéndolo con agua. Los colores semitransparentes y semiopacos están en algún lugar intermedio. Pero la cuestión de qué lo hace más transparente en lugar opaco es un poco vaga y difícil de determinar. Supongo que cuanto más se inclina el pigmento hacia él, se le llama así. Por ejemplo, si un pigmento es transparente pero no 100 por ciento transparente, entonces se etiqueta como semitransparente, y de la misma manera, si un pigmento es algo opaco pero no completamente opaco, entonces se vuelve semiopaco. En conclusión, semitransparente y semiopaco no son exactamente lo mismo. Ahora, para saber si tu pigmento es transparente u opaco, puedes seguir una simple prueba. Dibuja una línea negra con un marcador permanente y luego aplica el trazo de pintura en la parte superior. Verás que los colores no aparecen en la parte superior, mientras que los colores opacos sí. Esto es simplemente por el hecho de que el color transparente permitió pasar la luz negra, mientras que el color opaco no lo hizo. El pigmento opaco siendo más denso que el pigmento transparente ha dejado depósitos en la parte superior de la línea del marcador bloqueando así la luz para pasar. En general, los helios, la salsa de caza, los colores de quinacridona son transparentes, mientras que los pigmentos de cadmio y algunos colores artísticos son opacos. Sólo tenemos que ser cautelosos al usar acuarelas opacas en nuestra mezcla de columnas porque pueden conducir a mezclas fangosas debido a las partículas densas involucradas. 7. Tinción y no mancha: [ MÚSICA] La siguiente propiedad de la acuarela que vamos a discutir es que es propiedad de tinción. Esta propiedad se refiere a cuánto mancha la pintura el papel de acuarela que usas. acuarelas tintas simplemente penetran las fibras subyacentes del papel y lo manchan mientras que los pigmentos no tintores se asientan mayormente en la superficie superior más grande del papel. Los pigmentos tintores también pueden manchar otras superficies como una mesa blanca o tus pinceles de acuarela. Por lo que hay que usar pigmentos tintores con precaución, sobre todo si vas a usar la técnica de salpicado con un pigmento tintivo. He hecho ese error y salpicado azul pálido por toda mi mesa blanca y me tomó mucho tiempo y varios agentes de limpieza hacer que se saliera de la mesa. Esta propiedad de tinción es realmente útil para determinar la capacidad de su pintura para ser levantada del papel de acuarela. Si tu pigmento está manchando, entonces es muy difícil para ti aplicar la técnica de elevación y sacar el color del papel para revisar el blanco del papel debajo. Esto es simplemente porque tan pronto como aplicaste tu trazo, la pintura ha penetrado en las fibras subyacentes del papel , lo que hace imposible levantar completamente el color de la superficie. Los pigmentos no sostenidos, por otro lado, permiten que la pintura sea levantada y revele en su mayoría el blanco del papel debajo. El simple test para averiguar si tu pigmento es tinción o no tinción es realizar la prueba de elevación. Simplemente aplica un trazo de pintura en tu papel y tan pronto como se deje de secar, prueba a levantar la pintura con un pincel seco. Además, intenta levantarlo con un pincel húmedo después de que tu trazo se haya secado por completo, la cantidad de pintura que eres capaz levantar para revelar la blancura del papel te hablará la calidad de tinción del pigmento. La propiedad de tinción es útil para construir sus capas y retrasos unos encima de otros y para pintar diversos temas como nubes usando la técnica de elevación o para pintar luz en ciertas áreas. En general, los pigmentos pálidos son altamente manchados. Otro pigmento de tinción es la violeta de dioxazina. Los colores cobalto generalmente no son tinción. pigmentos de acuarela se clasifican a partir una propiedad de tinción de 1-4, siendo uno no tinción y cuatro siendo altamente tinción. 8. Granulación y no granulación: [ MÚSICA] Tal y como se discute en transparencia y opacidad, algunos pigmentos pueden ser más densos que otros, mientras que algunos tienen partículas finas. De ahí que, dependiendo del pigmento, estas partículas en la pintura pueden ser pesadas y densas o delgadas y ligeras, y esto afecta la forma en que se comportan en el papel. granulación se refiere a la propiedad por la cual la acuarela pinta con partículas más pesadas, separándose en el agua, y asentándose en los pequeños cerros y valles del papel. Esto es mayormente visible en un papel que tiene una buena textura, como un papel prensado en frío o con superficie rugosa. Las partículas más pesadas se separan y crean una hermosa textura en el papel también conocida como propiedad sedimentaria porque el pigmento se sedimenta en sí mismo en los abrevaderos del papel. De ahí que los pigmentos de acuarela se clasifican en granulación y no granulación, dependiendo de si se separan y crean sedimentos en el papel o no. Uno de los pigmentos de granulación más comunes es el azul ultramarino PB 29. Para probar la granulación, simplemente aplique un lavado húmedo del pigmento sobre el papel y observe. Verás si las partículas se separan y se depositan en sedimentos en el papel o no. Por ejemplo, echa un vistazo a la granulación de esta apatita verde genuina de Daniel Smith y el pigmento negro lunar BB K 11, también, de Daniel Smith. Muchos artistas tienden a mantenerse alejados de granular acuarelas, ya que pueden no preferir la forma en que la pintura se separa y no es plana en el papel. Pero una vez que entiendas qué colores se están granulando y cuáles no lo son, creo que podemos usarlos a nuestra ventaja para pintar ciertos elementos que realmente podrían tener un efecto positivo con la textura de granulación. También probablemente observarás que al mezclar un color granulador y un color no granulador, en la mayoría de los casos se separarán cuando se sequen, y también a veces se separarán en la paleta. Esto se debe principalmente el pigmento más pesado va a crear sedimentos, mientras que el pigmento no más pesado se extenderá uniformemente, creando así el efecto de colores que se separan de la mezcla. A veces uso esta propiedad para representar algunas texturas. Por ejemplo, esta montaña aquí tiene un look mejor texturizado con un lavado de azul ultramarino para las sombras. Esta pintura para la superficie de la luna, el azul ultramarino se ha separado de la mezcla gris, creando una apariencia única propia. Daniel Smith acuarelas tiene la mayor cantidad de pigmentos granuladores con los que puedes crear muchas mezclas con. 9. Fugitivo y no fugitivo: [ MÚSICA] Una propiedad fugitiva de las acuarelas se refiere a cuán rápido desvanecen los colores con el tiempo cuando se exponen a la luz También se le llama solidez a la luz de un pigmento, y cuanto más tiempo se tarda el pigmento del destino, se le conoce como extremadamente ligero o no fugitivo. Cuando sucede que se desvanece su color rápidamente, se le conoce como menos ligero o pigmento fugitivo. Desafortunadamente, esta es una de las propiedades que es difícil de probar ya que tendrías que esperar meses o años para ver el color se desvanece gradualmente, y de ahí poner a prueba la fugitividad del pigmento. El American Society of Testing and Materials, o estándares ASTM para el fugitivo de un pigmento, va desde una escala de 1-4, siendo uno el más ligero rápido y cuatro siendo el arrendador, eso es fugitivo . PR83 o Alizarin carmesí y PY40 Aureolin, son uno de los pigmentos más fugitivos, y se desvanecen fácilmente con el tiempo y por lo tanto los artistas que venden pinturas suelen mantenerse alejados de estos colores como sus pinturas podrían desvanecerse con el tiempo si se utilizaban. 10. Intensidad en tos, rewetting y la variación de colores: [ MÚSICA] Ahora veamos algunas de las otras propiedades de las acuarelas como la fuerza de tintado, re-humectación, y la variación de color de los pigmentos. fuerza de tinte se refiere a la fuerza del pigmento para teñir tus mezclas de colores. Cuando estés mezclando ciertos colores, observarás que algunos colores a pesar de sumar en enormes cantidades, no aparecen en la mezcla y hay que agregar más en la mezcla para estar creando un cambio de color. Estos son colores con una fuerza de tinte muy baja. Por otro lado, algunos colores tienden a teñir tu mezcla a su tonalidad tan pronto como le agregas una cantidad muy pequeña de ella. Se trata de pigmentos con una alta fuerza tintante. A continuación se rehumedece. Notarás que una vez que las acuarelas en tu paleta estén completamente secas, te lleva un tiempo reactivar algunos de los colores a diferencia de otros. Esto se debe a que algunos pigmentos se pueden volver a mojar rápidamente mientras que otros pueden tardar un tiempo. Un hackeo que normalmente hago para activar rápidamente mis pinturas es rociar un poco de agua sobre mi paleta al principio para que si hay algunos pigmentos que tiene un tiempo de reactivación más largo, entonces el spray de agua habría hecho la mitad del trabajo por mí mientras me acerco a ese pigmento. A continuación, comprendamos la variación de color de ciertos pigmentos. Quizás hayas notado que algunos fabricantes tienen el mismo número de pigmento para una serie de colores diferentes como estos de Sennelier, tienen el mismo número, PV19 en todos ellos. Esto se debe a que PV19 es uno de esos pigmentos que tiene una propiedad de variación de color donde puede aparecer en diferentes formas cuando se usa de manera diferente. Pueden variar de una rosa a un color violeta. Estos pigmentos se conocen como pigmentos multipersonalidad. Otros pigmentos de este tipo incluyen PB36 que puede variar de un color turquesa o verde azulado a un color azul verdoso, y PBr7 que varía de un amarillo terroso a un marrón fresco oscuro. 11. Comprender las etiquetas en acuarela: [ MÚSICA] Ahora, como hemos pasado por las diversas propiedades de los pigmentos de acuarela, comprendamos dónde podemos encontrar esta información en nuestras pinturas. Desafortunadamente, aquí hay una captura, algunas acuarelas no tendrán esta información en ninguna parte de ellas, sobre todo si se trata de acuarelas en pasteles o sartenes y paletas pre hechas como estas. La mayoría de los fabricantes que producen acuarelas de grado estudiantil, no ponen esta información en sus pinturas y por lo tanto, podría ser difícil para ti obtener esta información. Esto no significa que tu conjunto de acuarela sea malo, o que no puedas usarlos. Simplemente no podrás ver estas etiquetas en tus pinturas si no tienes un tubo de marca de acuarela que muestre esta información. No obstante, a veces se puede ir a la página web del fabricante y descargar la información del pigmento si han compartido la misma públicamente. Ahora veamos cómo decodificar las etiquetas en un tubo de acuarela. Una cosa a tener en cuenta es que cada marca muestra esta información de manera diferente, y no existe un estándar o regla internacional aplicable para su definición en el tubo. De ahí que lo que aparezca en la marca de acuarelas que estoy usando puede no ser mismo que en lo que estás usando. En el tubo de pintura, lo primero que vemos es el nombre genérico de la pintura, que ha explicado antes es el nombre dado por ese fabricante específico para ese pigmento. Este nombre suele estar en negrita, letras más grandes en el tubo comparación con la otra información sobre el mismo. Ahora, si conviertes tu tubo en diferentes direcciones, notarás mucha información en letras bastante pequeñas. Esta es la información que probablemente te guiará en cuanto a los números de pigmento y las propiedades de la acuarela. En algún lugar del tubo, encontrarás el número de pigmento empezando por la P, seguido de la categoría de color. Algunos colores estarán hechos de un solo pigmento y algunos pigmentos más. Después se puede encontrar la información de transparencia, por medio de un cuadrado o círculo que difiera entre diversos fabricantes. Por lo general, un cuadrado o círculo vacío implica un pigmento transparente, y un cuadrado lleno como opaco. Semi transparente suele ser un cuadrado o círculo medio lleno en el lado derecho, mientras que semi opaco está medio lleno en el lado izquierdo. A continuación, se puede encontrar la calificación de solidez a la luz como uno a cuatro usando los números romanos, y el otro como una clasificación de estrellas como en este tubo pchmincke. Solidez a la luz uno se refiere a extremadamente ligero rápido, y cuatro se refiere a un pigmento fugitivo. Con la clasificación por estrellas, cinco estrellas implica que tiene extremadamente ligero rápido, y una estrella implica que es un pigmento fugitivo. Algunos fabricantes evitan mostrar esta información ya que no quieren mostrar cuál de sus pinturas es fugitiva y cuál no, por lo que es posible que tenga que tener precaución, y utilizar estas pinturas si tiene la intención de vender su obra. Acerca de la propiedad de tinción y granulación, posible que no lo encuentre en mayoría de las marcas de tubos de acuarela sin embargo si se muestra la información, será en una escala de 1-4 para la tinción, un Y para granulación, y una N para no granulación. Última es la calificación de serie en cierto tubo como el Daniel Smith. Esta calificación se refiere específicamente al rango de precios de este pigmento, serie uno implica un pigmento más barato, donde la serie cinco, implica un pigmento costoso. Esta guía de precios simplemente se refiere al costo de fabricación de la misma y por lo tanto tiene un precio en consecuencia. 12. Rude de color: [ MÚSICA] Empecemos con lo último básico, eso es la comprensión de los colores primarios. Los colores primarios son amarillo, rojo y azul. Se les conoce como colores primarios simplemente por el hecho de que no se puede mezclar y crear estos colores. Estos tres colores son la base de mezcla de colores e incluso se puede crear toda una pintura con solo estos tres colores. Los primeros y más importantes fundamentos de la teoría del color se pueden entender con la comprensión de la rueda de color. Cada artista al menos una vez en su vida, debería haber visto la rueda de color. Esencialmente, deberías poder visualizar la rueda de color en tu cabeza. Veamos ahora la construcción de una rueda de color. Tradicionalmente, una rueda de color consiste en colores primarios, secundarios y terciarios. Dibuja dos círculos concéntricos y divida lo mismo en 12 secciones iguales. Empecemos con las primarias. Los colores primarios son amarillo, rojo y azul. Colocarlos en la rueda de color separada por tres secciones de colores. A continuación están los colores secundarios. Estos son los colores que se obtienen mezclando dos colores primarios juntos. Mezcle partes iguales de las primarias para crear los colores secundarios. Así que el amarillo y el azul formarán verde, amarillo y rojo harán naranja, y el azul y el rojo harán púrpura. Coloque los colores exactamente en las secciones medias de los respectivos colores utilizados en la mezcla. Ahora, como se puede ver justo con los tres colores, tenemos seis colores en total. Ahora hagamos los colores terciarios. Los colores terciarios se hacen mezclando los colores primarios con los colores secundarios. Llenaremos cada una de estas secciones mezclando el color primario y secundario adyacente a ella. Amarillo y naranja darán un color amarillo-naranja, rojo más naranja dará un color rojo-naranja, rojo más púrpura dará rojo-púrpura, azul más púrpura dará azul-púrpura, azul más púrpura dará azul-púrpura, azul y verde, un azul- verde, amarillo y verde, una hoja amarillo-verde. Como se puede ver, con solo tres colores primarios, hemos creado 12 colores. Todavía hay mezclas que aún no hemos probado. Por ejemplo, ¿qué pasa cuando mezclamos las tres primarias juntas? Así es como puedes crear grises y marrones. Puede variar la cantidad de un color primario que agregue a la mezcla de tres colores para crear una variedad de grises y marrones. Esta rueda de color es lo básico de la teoría del color incrustada en tu cerebro. 13. Colores cortados y analógicos: [ MÚSICA] Los colores complementarios son los colores que son opuestos en una rueda de color. Los principales pares complementarios consisten en una combinación de color primaria y una secundaria. Estas son amarillas y moradas, azules y anaranjadas, rojas y verdes. Se les llama como colores complementarios porque se complementan entre sí y ofrece el más alto contraste. Esto significa que si los usas juntos en una pintura, crean el mayor contraste visual y crean composiciones fuertes. colores análogos son los colores que están adyacentes entre sí en una rueda de color. Elegir dos o más colores sentados uno al lado del otro crea un resultado común en tu pintura debido al uso de colores análogos. Por ejemplo, amarillo, naranja y rojo juntos son colores análogos mientras se sientan uno al lado del otro en la rueda de color. Discutimos brevemente sobre greens y marrones mezclando los tres colores primarios juntos. Se está mezclando efectivamente colores complementarios juntos. Mezclar amarillo y morado creará un color marrón apagado porque el púrpura, que es una mezcla de rojo y azul, ya contiene las otras dos primarias. Del mismo modo, se pueden crear marrones a partir de los otros dos pares complementarios. Mezclar rojo y verde crea un marrón opaco similar a esto, pues el verde ya contiene amarillo y azul, que son las otras dos primarias aparte del rojo. Puedes crear más greens y marrones mezclando los otros pares complementarios, como amarillo-naranja con azul-púrpura, rojo-naranja con azul-verde, etcétera. Adicionalmente, también puedes crear más greens y marrones mezclando los colores terciarios con los colores primarios. Por ejemplo, amarillo-naranja con azul, o amarillo-verde con rojo. Ahora, puedes ver claramente las interminables mezclas posibles que puedes crear con solo estos tres colores primarios básicos. 14. Tono, valor y saturación: [ MÚSICA] Entendamos lo que significan estos tres términos. Empecemos primero con el matiz. Es lo que describe el color. Esto significa que el matiz es el término describe la dimensión del color que vemos. Por ejemplo, los amarillos, rojos, naranjas, etc. Corresponde a la posición de un color en el espectro de color. Si entramos en términos científicos, matiz es la composición espectral de un color que hace que nuestros ojos perciban ese color tal como es, como amarillo, rojo, azul o verde. Cuando decimos que algo tiene un tono amarillo, simplemente significa que ese objeto tiene un tono amarillo. Ese es el color que vemos con nuestros ojos. ¿ Cuál es su importancia en la pintura de acuarela? Algunos fabricantes se refieren al matiz en el nombre común o genérico de su tubo de color para representar que es un color que se ha obtenido utilizando algunos pigmentos para lograr ese tono particular. Significa que no es la versión original de ese nombre pigmentario. Por ejemplo, Schmincke tiene quinacridona tono oro, que se compone de PY150 y PR101. Se llama como tonalidad porque el tono dorado original de quinacridona solía ser PO49, pero este pigmento ya no está disponible. De ahí que Schmincke haya intentado hacer una coincidencia exacta de P049 utilizando estos dos pigmentos. De esta manera la palabra hue sumada a su nombre. Todos los fabricantes no siguen esta convención de nomenclatura. Pero sobre todo si encuentras que el nombre genérico consiste en la palabra hue, significa que posiblemente sea una alternativa de la composición pigmentaria original de ese nombre de color. Ahora, comprendamos el valor. valor se refiere a la ligereza o oscuridad de un color. En las acuarelas, puedes diluir un color agregando más y más agua hasta que eventualmente se vuelve tan ligera que casi parece blanca. Cuando nos referimos a pigmentos de acuarela, los valores oscuros con negro se llaman sombra, los valores claros agregados con blanco se llama como tinte y cuando se agrega con gris, se llama como tono. Aquí, he usado el gris de Payne. El gris de Payne en su forma más oscura es como el negro. Entonces si sigo agregándole agua, se ilumina cada vez. Existen diferentes formas de obtener la escala de valor tonal. O bien puedes agregar blanco a tu color, pero solo puedes seguir agregando agua y luego golpearla. Con el blanco, no es el escenario perfecto. Es el método de agua que mayoría de los artistas van porque agregar blanco tiende a hacerlo más ligero y más pesado en lugar de disminuir su valor. Pero hay ciertos colores, no importa cuánto lo intentes, no podrás obtener el tono más oscuro porque en realidad es más claro. Un ejemplo principal es el amarillo. Este es el amarillo indio que he usado aquí. Este amarillo indio es el valor más oscuro. No puedes ponerte más oscuro que esto. Pero cuanta más agua añada a tu amarillo, podrás hacerlo más ligero y ligero y conseguir tu escala tonal. ¿ Cómo se hace un color como un amarillo, más oscuro, o tiene un valor más saturado? Es muy sencillo. Todo lo que tienes que hacer es agregarle una versión más oscura de esto. Eso sería o puedes agregar Alizarin carmesí o un color como la siena quemada. Aquí he hecho exactamente esto. Añadí siena quemada a este amarillo indio y ahora se puede ver que eso hizo mi amarillo más oscuro y más oscuro. Aquí de nuevo, esta es la siena quemada, pero esto es otra vez, no el color más oscuro posible. A la siena quemada, he añadido umber quemado y lo tengo más oscuro. De nuevo, esta aquí es la versión más oscura del umber quemado, pero aún no es tan oscuro como el negro. Le agregué el gris de Payne y obtuve mi color más oscuro, que era negro. Así es como se puede aumentar el valor de un color. Pasemos a la saturación de un color. La saturación de un color es la intensidad del color. Se refiere a la brillantez o la riqueza del color. Si has editado algunas imágenes en tu teléfono o PC, habrías observado lo que sucede cuando aumentas la saturación. Los colores se vuelven más intensos y brillantes. Otro término para la saturación de un color es el croma. Por ejemplo, el naranja cadmio es un color de alta saturación y siena quemada es un color de baja saturación, pero ambos colores son del mismo tono, que es naranja. De igual manera, el ocre amarillo está menos saturado que el amarillo cadmio, pero ambos son de tono amarillo. Cuando miras un objeto como una manzana roja en tiempo real, en realidad no se ve exactamente rojo en su conjunto. Tiene muchos colores en ese objeto específico por la forma en que la luz cae sobre él y cómo lo ven nuestros ojos. Es por eso que probablemente tengas que silenciar un color o reducir eficazmente la saturación del color. Es absolutamente necesario silenciar un color en la vida real cuando estás pintando, porque en realidad no puedes encontrar un objeto en una sola saturación de color cuando miras con tus ojos desnudos. Siempre serán diferentes tonos de la misma en diferentes niveles de saturación y como dije, es principalmente por cómo cae la luz sobre ese objeto. ¿ Cómo silenciamos un color? La forma más fácil de silenciar un color es agregarle el color complementario. Hay dos opciones. Puedes agregarle un color complementario o puedes agregarle un tono gris o negro para silenciar el color. La mayoría de los artistas prefieren usar el color complementario para silenciarlo porque cuando le agregas negro, se pone más oscuro y más oscuro hacia el negro. tanto que cuando agregas un color complementario, el nivel de saturación de ese color comienza bajar y luego lo ves cada vez más oscuro. Aquí he tomado rojo rubí y le he añadido verde savia. Verde porque es el color de cortesía al rojo. Se puede ver aquí desde la segunda columna sobre rojos, ya que he añadido verde, el color disminuye gradualmente su valor de saturación hasta que alcanza casi tan verde. Así es como silenciarías un color o disminuirías la saturación de un color. Lo mismo se puede hacer con todos los demás colores. Por ejemplo, con el azul aquí he añadido el color complementario, que es naranja, y he silenciado el color para meterme en esa escala de gris marrón, eventualmente llevando a naranja. He hecho lo mismo con verde y rojo rubí. Como se puede ver, este verde y este verde no es exactamente lo mismo, aunque he añadido exactamente el mismo verde savia. Esto se debe a que en esta escala, este verde savia todavía está contaminado con el rojo rubí. Es decir, este es un valor desaturado del verde savia. Es decir, está casi en algún lugar por aquí. Creo que esto y esto coincide juntos porque este es el verde savia, que es el desaturado con el rojo rubí. la misma manera que tenemos esta escala de saturación para el verde savia. 15. Temperatura de color: Ahora entendamos qué es la temperatura del color. Debió haber tenido artistas que hablaran de colores fríos y cálidos. Esta es la temperatura de color. Se refiere a la calidez o frescor de un color. Volvamos a echar un vistazo a la rueda de colores y determinar cuáles son los colores cálidos y fríos. En general, en una rueda de colores, los amarillos, naranjas y rojos son los colores cálidos, mientras que los azules y verdes son los colores fríos Veamos cómo podemos dividir la rueda de colores para representar el lado cálido y el lado frío Uno que necesitamos entender es que la calidez y frescura de un color se basa en la percepción, y cada artista podría ver algunos colores de manera diferente Necesitas mirar la rueda de colores tú mismo y determinar qué es lo que sientes con respecto a la calidez y frescura de cada uno de los colores Déjame explicarte esto. Los colores cálidos son aquellos colores que te dan una sensación de calidez, como el color del sol, fuego, etc. Esto hace que los amarillos, naranjas y rojos sean los colores cálidos De igual manera, los colores fríos dan una sensación de frescor o sensación de frío Sería el color de la naturaleza del océano, el hielo, etc. que hace que los verdes y azules sean los colores fríos. En esta rueda de colores, voy a agregar una línea aquí separando la rueda de colores en dos mitades. El lado izquierdo sería el lado cálido ya que todos los amarillos y rojos están ahí, y el lado derecho sería el lado frío ya que todos los azules y verdes están ahí Es muy importante aprender sobre la temperatura del color porque ayuda a crear el estado de ánimo y profundidad en una pintura. En general, los colores cálidos tienden a avanzar o presentarse en una pintura, mientras que los colores fríos retroceden o retroceden en el espacio Es solo un elemento de ilusión a nuestros ojos. Esto se debe principalmente a que en el espectro de luz, la longitud de onda de los colores cálidos más larga que las longitudes de onda de los colores más fríos Ves los colores cálidos antes que los colores fríos. Esto crea una ilusión de profundidad en una pintura. Imagina que pintas una manzana roja sobre un fondo verde oscuro. Este esquema de color realza la pintura en dos pliegues. Uno, el uso de colores complementarios para dar un contraste máximo. Segundo, el color verde frío para el fondo hace que el rojo cálido de la manzana aparezca hacia adelante, dando una sensación de profundidad. Eso sí hace que la pintura se vea tridimensional. Se trata de los colores en la rueda de colores. Pero, ¿y si te dijera que hay versión cálida y fresca para todos los colores? Esto se debe a que la temperatura del color está relacionada. Entendamos cómo es esto. Un color puede parecer cálido junto a un color, pero fresco junto a otro color. Tomemos primero el ejemplo de los amarillos. Tengo amarillo limón o Aureolin, y amarillo indio aquí Como puedes ver, estos tres colores son completamente diferentes. Si nos fijamos en el amarillo limón, es ligeramente un amarillo verdoso, y comparado con el origen y amarillo indio junto a él, no lo hace el limón amarillo más fresco Entonces como puedes ver, el amarillo indio es más amarillento pero se inclina más hacia o sesgado hacia el naranja o el rojo, y de ahí es un amarillo cálido Podemos ver claramente que relacionado con otro color similar, cada color puede tener un sesgo cálido o frío. De ahí que el amarillo limón y la aureolina sean amarillos fríos y el amarillo indio o amarillo transparente por P/150 es un Ahora sobre los rojos, ¿qué es un rojo cálido o frío? Si un rojo está sesgado hacia o inclinado hacia el púrpura o el azul, entonces es un rojo frío, y si se inclina hacia naranja o el amarillo, es un rojo cálido Considera el rojo cadmio, el carmín y la rosa reina juntos Como puedes ver, este carmín y Reina Rosa tiene un tinte de púrpura, lo que hace que se vea más como un tono de rosa Así, el carmín y la Reina Rosa son rojos fríos. El rojo cadmio, por otro lado, se ve más cálido y sesgado hacia el naranja o el amarillo y de ahí es un rojo cálido De igual manera, puedes mirar todos los rojos que tengas y determinar por ti mismo si es un rojo frío o un rojo cálido. Ahora veamos el blues. Es bastante difícil entender la calidez del blues. En caso de azules, si se inclina hacia el morado o el rojo, es un azul cálido, y si se inclina hacia el verde, es un azul frío. azul Taylor o el azul brillante de White Nights y los azules Pthalo, que se parecen más a un azul verdoso, son azules geniales ¿Cómo se ve un azul como rojo? Significa que estará inclinado hacia el púrpura, o es de color más oscuro, como este ultramarino azul ultramarino, de ahí, es un azul cálido, y como se puede ver que el azul cobalto está justo aquí en el medio Relacionado con el azul brillante, azul cobalto sería más cálido que el azul brillante o el azul ftalo Mientras que con respecto al ultramarino, azul cobalto sería Para resumir, temperatura del color es lo frío o cálido que es un color Usando este concepto, podemos hacer un color más cálido o más fresco. Tomemos a Aurelion, por ejemplo. es un amarillo frío, pero no lo pienses como un amarillo fresco y cálido en este momento. Sólo piensa en ello como un amarillo. Ahora queremos hacer esto más cálido. ¿Cómo lo haces más cálido? Para que sea más cálido, debemos agregarle más naranja o algo que le parezca rojo. Eso significaría agregar un tono naranja o un color rojo a tu Aurelion para hacerlo más hacia el lado más cálido Así es como harías un amarillo más cálido. Es decir, añadiéndole un tono naranja o rojo. Ahora, ¿cómo lo haces más fresco? Para hacerlo más fresco, le agregamos un azul. Es tan sencillo como eso. Aquí, he añadido azul cobalto a este lado. Si sigues agregando más azul, puedes ver que has hecho este amarillo un color más fresco. Así es como en realidad puedes hacer que un color sea cálido o fresco. Para el caso del rojo, colóquelo en la caja del medio y veamos cómo podemos hacerlo más cálido o más fresco. ¿Cómo podemos hacer que el rojo se caliente o se enfríe? Es así como entra en juego el conocimiento de la rueda de colores. Si miras esta línea, el lado más cálido está aquí y el rojo está aquí. Para que una lectura sea más cálida, debemos estar agregándole más naranja y amarillo para que se mueva más hacia arriba hacia el lado más cálido en la rueda de colores. Se puede ver a medida que añadimos más amarillo a rojo, se vuelve cada vez más cálido. Ahora, ¿cómo lo hacemos más fresco? Nuevamente, para hacerlo más fresco, vemos que en el lado fresco es morado y azul junto al rojo. Para que se enfríe, debemos estar agregándole más púrpura o azul y se volverá más fresco. Vuelve a ver aquí, he añadido un azul a mi rojo y se está volviendo cada vez más fresco. Para resumir, para hacer un rojo más cálido, le agregamos más amarillos, y para hacerlo más fresco, agregamos azul Ahora veamos el azul. ¿Cómo harías que se vea más cálido? Con el caso del blues, como puedes ver, está justo en medio de la rueda de colores, y de ahí que tenga ambas percepciones, puedes agregarle más amarillo o puedes agregarle más rojo. ¿Cómo diferenciamos entre lo que la hace fría o cálida, porque el rojo y el amarillo son ambos colores cálidos? Veamos qué está pasando. Cuando agregas más amarillo a un azul, se dobla hacia los greens, lo que de hecho es fresco Pero cuando le agregas más rojos, se vuelve hacia el morado, eventualmente convirtiéndose en un lado rojo, haciéndolo más cálido. De ahí que eso signifique que si le agregas más amarillos a tu azul, se vuelve más fresco, y si le agregas rojos a tu azul, se vuelve más cálido Como pueden ver aquí, cuanto más amarillo le he agregado a mi azul, lo ha hecho más fresco, y cuanto más rojo le he agregado, lo ha hecho más cálido. Consideremos también un color secundario verde. ¿Cómo se hace esto más cálido o más fresco? Es muy sencillo. Si miras el verde en la rueda de colores, a la izquierda de ella están los amarillos, y a la derecha de él están los azules, lo que significa que si agregas más amarillos a tu verde, se volvería más cálido y más cálido eventualmente haciendo un color amarillo, y si agregas azul a verde, se volverá más y más fresco, eventualmente convirtiéndose en un color azul Esto es tan simple como eso y como puedes ver claramente, todo lo básico radica en la rueda de colores y el posicionamiento de los colores cálidos y fríos 16. Dividir una rueda de color primario: [ MÚSICA] Ahora que has visto la rueda de color y la temperatura de color que representa un color tan cálido o fresco, comprendamos lo que significa una rueda de color primario dividida. Si nos fijamos en la rueda de color que hemos hecho, verá que no importa cuánto mezcle en cualquier relación, ciertos colores no hacen vibrantes colores secundarios. Consideremos la mezcla azul y la roja por ejemplo. Como se puede ver, el violeta o morado es menos vibrante y no para nada agradable a los ojos. Esto se debe principalmente a que el azul y el rojo que hemos utilizado no tiene el mismo sesgo de temperatura. En general, todos los colores primarios están sesgados hacia un color secundario. Por ejemplo, un rojo cálido está sesgado hacia una naranja, que es un color secundario, y un rojo frío hacia el púrpura. Del mismo modo, un amarillo cálido hacia naranja y un amarillo frío hacia el verde, y azul cálido hacia el púrpura, y un azul frío hacia el verde. Ahora, imagina si fueras a mezclar un azul frío y un rojo cálido, el azul fresco está sesgado hacia verde y el rojo cálido sesgado hacia el naranja. Si estás mezclando estos dos juntos, esencialmente estás mezclando todas las tres primarias juntas, porque el naranja contiene un poco de amarillo así como verde contiene un poco de amarillo. No están sesgados hacia el mismo color. Sólo veamos la mezcla. De ahí que un rojo cálido y un azul frío le darán un morado apagado porque no están sesgados hacia el mismo color. Para mezclar una naranja vibrante, necesitamos estar usando dos colores con el mismo sesgo. Eso sería un amarillo cálido y un rojo cálido, que ambos están sesgados hacia el naranja. Si quieres mezclar un morado muy vibrante, entonces necesitas mezclar un rojo frío, que por supuesto está sesgado hacia el púrpura, y un azul cálido, que también está sesgado hacia el púrpura. Aquí es donde entra en imagen la paleta de colores primarios dividida . Simplemente significa dividir los colores primarios en dos; es versión cálida y fresca, y luego crear la rueda de color a partir de ella usando el mismo sesgo de temperatura. Voy a tomar amarillo limón para mi amarillo fresco y amarillo indio, también conocido como amarillo transparente para mi amarillo cálido. Carmín para mi rojo frío, y rubí para mi rojo cálido. Azul azulado, también conocido como azul brillante para mi azul fresco, y ultramarino para mi azul cálido. Veamos ahora la colocación de estos colores. En primer lugar, coloquemos los dos amarillos lado a lado en la parte superior. El amarillo frío, que es el amarillo limón en el lado izquierdo, el amarillo cálido, amarillo indio en el lado derecho. Ahora por el rojo, ¿qué rojo está sesgado con naranja como el amarillo cálido? Ese sería el rojo cálido, ahí, colocaremos el rojo cálido, rubí, aquí y el rojo frío, que es carmín del otro lado. Ahora, ¿qué azul está sesgado hacia el morado como el rojo frío? Ese sería el azul cálido y, de ahí, se coloca azul ultramarino en ese lado. Como se puede ver, el único azul restante, que es el azul frío, se colocará en el otro lado, y automáticamente se sesga hacia el verde junto al amarillo limón, que es el fresco amarillo, también sesgado hacia el verde. Ahora dividamos esta rueda de color en tres segmentos. Esta aquí es la rueda de color primario dividido, una vez que rellenas los colores secundarios y terciarios. Para mezclar colores vibrantes, lo único que hay que recordar es mezclar primarias que pertenecían a los segmentos correspondientes. Para crear una naranja vibrante, mezcla estas dos primarias juntas, en lugar de mezclar con un amarillo fresco. De igual manera, se puede mezclar un verde vibrante mezclando estos dos juntos y un púrpura vibrante con estos. Coloquemos también las otras mezclas fuera esta rueda de color solo para ver cuáles serían los colores. Se puede ver claramente que los colores formados mezclando primarias fuera de su segmento correspondiente son menos vibrantes. Esta rueda de color primario dividida es lo básico de la rueda de color y es todo lo que necesitas para configurar tu paleta. Ahora ya sabes que con seis colores primarios, tanto las versiones cálidas como frescas de cada uno de los colores primarios te dan una amplia gama de colores, tanto vibrantes como descoloridos, y además te darán un sinfín mezclas grises y marrones. 17. Mezcla de colores Saturados: [ MÚSICA] Ahora que hemos visto la rueda de color primario dividida, ahora conocemos la base de mezclar colores saturados y vibrantes. Sólo tenemos que apegarnos a mezclar los colores en los segmentos correspondientes que esta mezcla colorea con el mismo sesgo. De ahí que, para mezclar una naranja saturada, usaríamos un amarillo cálido y un rojo cálido, que ambos están sesgados hacia el naranja. Púrpura saturado con un rojo frío y un azul cálido ambos sesgo hacia púrpura, y verde saturado con un azul fresco y un amarillo frío ambos sesgo hacia el verde. 18. Mezcla de colores neutrales: [ MÚSICA] Ahora veamos cómo podemos mezclar colores neutros o apagados. Hay dos formas de mezclar colores neutros. Una sería mezclar las primarias que están más lejos en la rueda de color primario dividida. Eso es colores de sesgo opuesto juntos. Todas las combinaciones de mezclar las primarias juntas a excepción de los pares saturados, crearían colores apagados. De ahí que una naranja apagada se pueda mezclar mezclando amarillos y rojo, que están más lejos en la rueda de color y no pertenecen en el mismo segmento de color. De ahí que una naranja silenciada se pueda mezclar mezclando amarillos y rojo, que están más lejos en la rueda de color y no pertenecen en el mismo segmento de color en la rueda de color primario dividida. Por ejemplo, el amarillo limón y este rojo rubí, que es un amarillo frío y rojo cálido, pueden hacer una naranja apagada. A estos se les llama colores compuestos neutralizados porque estas mezclas contienen trazas de las tres primarias debido al aumento de la temperatura. Por ejemplo, mezclar un rojo cálido con un azul fresco da un morado desaturado, neutralizado y menos vibrante, que efectivamente consiste las tres primarias por el sesgo naranja del rojo cálido y así contiene rastros de amarillo en ella. Efectivamente estamos mezclando las tres primarias juntas para obtener una variedad de grises y marrones que son de colores neutros. El segundo método de mezcla de colores neutralizados es mezclar los colores complementarios juntos. Discutimos anteriormente que mezclar el color complementario de un color disminuye la saturación del color. Si mezclamos lo mismo en proporciones iguales, se crea un color gris o marrón neutralizado. De ahí que al mezclar los colores complementarios en la rueda básica de color así como la rueda de color primario dividida, podemos crear una gama de grises y marrones. 19. Crea tu propia paleta de colores: [ MÚSICA] Crear tu propia rueda de color requiere mucha práctica y ejercicios de mezcla para determinar los mejores colores que se adapten a tu estilo de trabajo y mezclas que necesitas crear. Si eres principiante, el mejor lugar para empezar son los colores primarios. Apenas con tres colores, puedes crear una amplia variedad de colores. Pero una paleta aún mejor sería usar las primarias divididas que te da un número interminable de mezcla de colores como sea posible, ahí que escojas las versiones cálidas y frescas de cada una de las primarias. Esta puede ser tu paleta básica. Se puede construir a partir de eso. La mejor manera de conseguir todas las mezclas posibles sería hacer tu paleta con una mezcla de amplia variedad de rojos, amarillos y azules. Adicionalmente, puedes agregar algunos pigmentos de Tierra como ocre amarillo, siena cruda y siena quemada a nuestras paletas porque estos son pigmentos de origen natural que son buenos para tener en la paleta. Algunos artistas también prefieren agregar algunos greens y otros colores a su paleta. Estos son conocidos como colores de conveniencia. Se pueden mezclar fácilmente usando los colores primarios divididos, pero si sí usas mucho un verde específico, entonces es mejor agregarlo a tu paleta para que no tengas que seguir mezclándolo cada vez que quieren usarlo. Lo mismo ocurre con colores como el gris de Payne, índigo, tinte neutro o umber quemado. 20. Pigmento negro de acuarela: [ MÚSICA] La mayoría de los artistas no usan el negro en su paleta, sino que usan alguna versión del negro como el tinte gris o neutro de Payne. Esto probablemente se deba a que los pigmentos negros tienen una alta fuerza de tintado, lo que significa que pueden vencer otros pigmentos cuando se mezclan juntos. Otra posible razón podría ser que los pigmentos negros suelen opacos y por lo tanto pueden no funcionar en capas o en la técnica de acristalamiento. No obstante, depende totalmente una determinada elección de artista si deben usar pigmento negro o no. Dicho esto, Lunar Black de Daniel Smith, PBK11 es un maravilloso negro granulado transparente, que es realmente genial para mezclas oscuras, útil para representar textura en pinturas de paisaje urbano. Lámpara Negro de Noches Blancas, PbK7, y Marfil Negro PbK9 pigmentos, otro lado, no son tan transparentes. Una cosa que no discuto hablando de desaturar o silenciar un color fue sobre cómo se puede usar un pigmento negro para silenciar un color. Yo no entré a propósito en eso porque silenciar un color usando el negro no es ideal y puede ser bastante antinatural. La mejor manera de desaturaze un color es usar los colores de cortesía en lugar de mezclarse con el negro. A menos que estés buscando una mezcla específica con el negro mismo, siempre es mejor pegarse con la rueda de color para crear maravillosos grises oscuros, marrones y negros. 21. Selección de colores específicos por artistas profesionales: [ MÚSICA] Debes haber visto artistas prefieren un cierto color más en su palet. Este puede no ser un color primario en sí, sino más bien un color diferente, probablemente un color conveniente. Por ejemplo, algunos artistas prefieren tener más marrones en su palet y podrían recurrir a usar CNS quemados y se mezcla con diferentes colores lo largo de su estilo de pintura. Algunos de nosotros podrían usar el verde más oscuro o la lavanda. Es bastante difícil entender por qué han elegido estos colores, principalmente porque no llegaron a esa elección de color durante la noche a la mañana. Años de práctica podrían haberlos llevado a esa decisión. En general, si estás tratando de aprender de otros artistas, dale importancia a las técnicas enseñadas más que a los colores. Entonces, elige tus propios colores. De esta manera, podrás desarrollar tu estilo único y elección de colores únicos igual que esos artistas descubrieron el suyo. Tomemos la lavanda por ejemplo. Muchos artistas tienen esto en su paleta y lo usan como un color de mezcla. Podría haber varias razones para ello. La lavanda es perfecta para sombras en edificios amarillos. También porque el violeta es un color complementario de amarillo. Al ser lavanda una mezcla de violeta y blanco, silencia el amarillo perfectamente para las cosas que recorren la ciudad y al mismo tiempo dando tonos cálidos o fríos según sea necesario. Tengo esto en mi paleta para ciudad escapando cosas por esta razón específica. Es bueno para usar en mezclas así como directamente fuera del tubo. El pigmento blanco en lavanda le da al lavado lavanda alguna sustancia que esto hace que el trazo opaco y por lo tanto muy útil en pinturas con la técnica de opacidad. La lavanda también es perfecta para pintar cielos, ya que le da un aspecto natural apagado al cielo en lugar de azules irrealistas y perfectos. También se puede utilizar para pintar sombras de áreas blancas en una pintura. Por ejemplo, las sombras de los pliegues y [inaudible] en camisetas en una pintura de figura humana, o puede ser utilizada directamente para su apariencia de color, como por ejemplo para campos de lavanda. Otro color similar que generalmente usan los artistas es Amatistas Genuino de Daniel Smith. Su uso es bastante similar a la lavanda, excepto por el hecho de que ofrece las mismas posibilidades de mezcla sin la presencia del pigmento blanco. Esto asegura que las mezclas con Amatista no se vuelvan innecesariamente más ligeras, como es el caso de la lavanda. Horizon blue y shell pink son otros de este tipo de colores utilizados por los artistas. Todo se reduce a la preferencia personal. De ahí que necesites trabajar a tus propias técnicas y elección de colores. Mi punto de explicar esto fue asegurar que no seguimos ciegamente la elección de color de otro artista al aprender de ellos. Debemos aprender a experimentar por nuestra cuenta y decidir nosotros mismos los colores más adecuados. 22. Guía para comprar los mejores colores: Muchos de ustedes podrían poseer un conjunto básico de acuarela como este, que se compone de algunos colores [RUIDO] según lo escogido por el fabricante. Pero a medida que avanza por la etapa de comprensión de las mezclas de columnas y los mejores colores para hacer la rueda de color primario dividida, te darás cuenta de que siempre es mejor comprar tus propios colores en lugar de consiguiendo un conjunto de acuarela prefabricado. hay absolutamente nada de malo en usar paleta de acuarela como esta si eso es lo que prefieres, pero elegir tus propios colores individuales tiene muchas ventajas. Uno, estarás seleccionando esos colores, de ahí que ya conozcas las mejores mezclas de colores posibles, o ¿cuáles son las mezclas que estás esperando de ella? Segundo, podrás elegir el mejor pigmento que se adapte a tu estilo. Tercero, no tienes que quedarte con una marca de acuarelas. Puedes ampliar tu búsqueda y escoger los mejores pigmentos de todas las marcas que hay. [ RUIDO] Por supuesto, para mí, el placer de pasar por la composición del pigmento y decidir sobre cada color. Sé que los conjuntos de acuarela son más baratos que conseguir los colores individuales, pero eventualmente aprenderás que conseguir tus propios tonos es mucho más útil en tu viaje de acuarela. Para empezar, puedes comenzar con las acuarelas White Nights, que es la más barata de todas las marcas profesionales. Se trata de una marca rusa llamada Nevskaya Palitra White Nights. Algunos artistas dicen que White Nights son acuarelas verdes estudiantiles, pero personalmente, creo que son de calidad profesional y han visto artistas profesionales cuya paleta entera es con White Nights acuarelas. La mayoría de los colores en mi paleta son de White Nights, sobre todo el amarillo indio PY150 que utilizo. Ahora, te contaré algunos consejos rápidos para ayudarte a seleccionar los mejores colores para tu boleta. Siempre es mejor ir por colores de pigmento único. Algunos fabricantes podrían hacer varios pigmentos juntos para obtener un tono específico, ahí que cuando los obtienes y los uses en tus mezclas, estás mezclando efectivamente más de dos pigmentos juntos, por ejemplo, el pigmento naranja transparente es P071. Schmincke tiene este color en una sola forma de pigmento. No obstante, una versión transparente de la naranja de Sennelier es el color rojo anaranjado. Pero este color es una mezcla de PO43, y PY83. De este modo, se puede ver que aunque un matiz similar, la composición de estos dos colores son diferentes. Uno es un pigmento naranja puro, mientras que el otro es una mezcla de un pigmento naranja, PO43, y un pigmento amarillo PY83. De ahí que siempre cuide los colores de pigmento único en lugar de los colores multi-pigmentos. Como los colores multi-pigmentos pueden conducir a mezclas fangosas, a menudo debido a la mezcla de más pigmentos. Como sugerí antes, haber quemado siena en nuestra paleta básica, es bueno ya que es un maravilloso color tierra tener en una paleta. Nos hace con blues para crear una gracia increíble. Pero aquí de nuevo, al comprar, debes mirar la composición del pigmento. Siena quemada de Mijello es un increíble color marrón, perfecto para pintar techos de casas o emparejar con el amarillo indio para pinturas al atardecer. No obstante, no se puede utilizar lo mismo para crear un buen color gris cuando se mezcla con azul. Esta es la mayor composición pigmentaria de este color es pBr25, PR112 y PY150. PY150 es un pigmento amarillo, y por lo tanto contribuirá a un tono verde cuando se mezcla con azul. De ahí que se necesita buscar una siena quemada que no tenga un pigmento amarillo en ella. No estoy diciendo que este color no sea bueno, no, es uno de los colores más bellos. Simplemente que no es genial para mezclar gris. El mejor es pBr7 o PR101. Siena quemada de Daniel Smith y White Nights es PBr7 y Winsor y Newton es PR101. Si eres una persona que prefiere pintar más natural, y colores de aspecto apagados, entonces incluye siena cruda en tu paleta. Puede contribuir hacia un amarillo cálido en tu paleta. Otro color que tengo a menudo en mi paleta es el verde de White Nights. Es pigmento PG8. Me encanta absolutamente. No es un color primario, pero es como un color conveniente para mí. Si tengo este verde, entonces no necesito ningún otro greens en mi paleta. Puedo mezclar fácilmente un verde savia mezclando PY150 amarillo indio o un verde oliva mezclando con siena cruda o siena quemada. También puedes optar por tener un color gris o neutro en tu paladar, como el tinte gris o neutro de Payne. Los tonos más oscuros de tales colores suelen ser similares al negro y es el sustituto perfecto del negro en tu paleta. Esto no usan generalmente el negro en sus paladares. Te diré la razón en breve. A continuación, sugeriría tener algunos pigmentos opacos en tu paleta. A veces trabajar con la técnica de opacidad, es decir, capas de un color más claro sobre un lavado oscuro podría ser útil. pigmentos opacos son útiles para este propósito así como para agregar algunos acentos de color a tus pinturas. Estos incluyen amarillo cadmio PY35 naranja cadmio PO20, rojo cadmio, lavanda, amarillo Nápoles, etcétera Por último, con la práctica, probablemente habrás llegado a un color estandarizado para tus fondos o tienes una cierta preferencia de color para tus cuadros. Puedes agregarlos a tu paleta como tu conjunto de pigmentos de conveniencia, debes haber visto a los artistas utilizar color lavanda o turquesa de esta manera. 23. Recursos de aprendizaje: [ MÚSICA] Una vez que empieces a mirar los pigmentos de acuarela y sus propiedades, probablemente podrías obsesionarte y entrar en esta imparable búsqueda de más información sobre esta tinta. Encontrar esta información en libros o línea es una tarea difícil, ya que hay miles de opciones de libros y blogs en línea por ahí. Puedo ayudarte a empezar. Si buscas más información sobre un pigmento específico, simplemente puedes introducir el número de pigmento en tu buscador como Google, y te darán un golpe con 1.000 resultados de búsqueda. El mejor para llegar sería Hand Print de Bruce MacEvoy o Parka Blogs. Ambos sitios web cubrieron extensamente sobre cada uno de los pigmentos y te darán mucha información al respecto. Otro sitio web en el que confío para mirar los números de pigmento en sí es Jackson's Art, que en realidad es una tienda de suministros de arte en línea. No obstante, si visita la gama de colores marcas individuales en el sitio y hace clic en cada color, podrá obtener los números de pigmento y otra información útil. A veces cuando estoy comprando nuevos colores o pienso en un color y necesito conocer la información del pigmento, Jackson's es mi sitio de visita. Por ejemplo, ya podría ser dueño de cierto pigmento como ocre amarillo de Sennelier y no puedo recordar el número de pigmento, inmediatamente me dirijo a la página de gama de colores Sennelier de Jackson para revisa esta tinta. Es mucho más fácil para mí y accesible en unos pocos clics en mi teléfono en lugar de dirigirse a mi estudio y encontrar el tubo de pintura. Ahora, todas estas fuentes son donde tendrías que ir y buscar esta tinta. Obviamente, a menos que estemos pensando en ello o en desesperada necesidad de saberlo, no pasaríamos nuestro tiempo en estos sitios web. Ahí es donde tengo esta otra opción, que me mantiene actualizada y mejora mis conocimientos sobre pigmentos de acuarela sin que yo la busque. Cuenta con información sobre sus boletines mensuales o semanales, y vienen directamente a tu bandeja de entrada. Puedes darle una lectura en tu tiempo libre, y eso mejora tus conocimientos sobre colores y diversos pigmentos. Por ejemplo, me he suscrito a los emails de Winsor y Newton y vez en cuando consigo estos colores, focos, correos electrónicos que son realmente geniales leídos y ofrece mucha información que yo de lo contrario no tendría cuidado de averiguarlo. Apúntate a buenos blogs y boletines de buenas marcas que te encantan para que tengas más información a tu alcance. No obstante, recuerda también no desorden tu bandeja con boletines y correos electrónicos de todas las marcas y blogs por ahí. Podría ser abrumador y podrías terminar ignorando estos correos electrónicos. Elige algunos de los mejores y sigue adelante con él. Siempre puedes optar por recibir o no recibir estos correos electrónicos. 24. Materiales para el proyecto de clase: [ MÚSICA] Echemos un vistazo a todos los suministros de arte que necesitarás para pintar el proyecto de clase. Recuerda, como siempre he mencionado, no necesitas los suministros de arte exactos que estoy usando. Puedes usar cualquier material que tengas que seguir a lo largo de los proyectos de clase. En primer lugar, necesitamos papel de acuarela. Como ya sabrás por ahora, si has tomado mis clases anteriores, siempre recomiendo usar un papel que tenga un grosor mínimo de 300 gsm o 140 lb, y 100 por ciento de algodón. Para el proyecto de clase, estaré usando este papel acuarela de Arches, que es prensado en frío, 100 por ciento de algodón con un peso de 300 gsm. Pero dado que la base de esta clase es sobre los colores más que las técnicas, puedes seguir y usar tus propios métodos, y por lo tanto pintar sobre cualquier tipo de papel. Incluso puedes pintar en un cuaderno de bocetos si eso es lo que se adapta a tu estilo. A continuación, pinceles de acuarela, estaré usando el pincel Silver Velvet serie tamaño ocho para el proyecto. Pinturas de acuarela, estaré usando pinturas de acuarelas White Nights, particularmente seis colores de mi rueda de color primario dividido, que son amarillo indio PY150, amarillo limón PY3, rojo rubí PR170, carmín PR19, PB29 azul ultramar, y PB15 azul brillante. No se necesitan los mismos pigmentos que yo estoy usando. Consigue las versiones cálidas y frescas de los colores primarios que poseas para hacer la paleta para este proyecto. Estaré grabando mi papel en este propio bloque de papel. Ten lista una cinta adhesiva si quieres tener un borde limpio para tu pintura. Dos frascos de agua para limpiar y lavar tus pinturas. Por último, una paleta para mezclar tus colores. 25. Proyecto de clase: Vamos a traer a todo el paisaje solo usando los colores primarios. Voy a aplicar agua a la totalidad de mi papel primero porque vamos a trabajar en la técnica húmeda sobre húmeda. Aplicando el agua al conjunto de mi papel, estoy usando mi cepillo plano grande. Se trata de pincel de merluza atelier plateado. Esto cubre una gran superficie de mi papel, esta es la razón por la que lo uso. Asegúrate de aplicar el agua. Mi papel es un papel prensado en frío 100 por ciento de algodón, 300 GSM lo que significa que permanecerá húmedo durante mucho tiempo. Si no estás usando un papel 100 por ciento de algodón, asegúrate de aplicar el agua varias veces para que puedas trabajar en la técnica mojada sobre mojada. Además, voy a sostener mi papel aquí en un ángulo así para que toda el agua fluya hacia abajo y no formará albercas grandes en la superficie del papel. Ahora que hemos aplicado el agua, empecemos a pintar. Vamos a empezar con azul ultramarino, que es el azul cálido que estoy usando. Voy a empezar con ella en la parte superior para mis nubes. Sólo voy a aplicar mi azul ultramarino en la parte superior en forma de nubes. Creo que voy a tener un ángulo para mi papel. Eso es mejor para obtener los mejores efectos cuando estás pintando con mojado sobre mojado. Sólo voy a mantener mi cinta debajo y eso me daría un ángulo en mi papel. Tomando azul ultramarino y agregarme a mi cielo por mojarse un poco sobre nubes húmedas en el cielo. Mi azul ultramar más oscuro pasaría a la cima. Nuestro papel está mojado y como se puede ver, está contribuyendo hacia estas nubes más suaves en el cielo. Tomando mi pintura oscura y aplicando en la parte superior porque quiero que los colores más oscuros estén en la parte superior. A medida que avanza hacia abajo, el color puede ser más claro y más claro. Se puede ver, mi color se está volviendo más claro. Este es un solo color para el cielo que estamos usando ahora. Es sólo azul ultramarino. He pintado casi hasta la mitad de mi papel. Ahora, vamos a sumar las siguientes cosas. Voy a tener una montaña al fondo. Es mejor tener siempre este ángulo para que toda tu pintura simplemente fluya hacia abajo en lugar de fluir hacia arriba. Para pintar la montaña, voy a mezclar un tono verde. Voy a tomar mi azul cálido y mi amarillo cálido. Como se puede ver, no están en el mismo segmento, por lo que van a dar un verde apagado. Aquí está mi azul, y aquí está mi amarillo. Como pueden ver, los he mezclado y no consigo un verde perfecto, es un verde muy apagado. Pero quiero silenciar esto más. Silenciar esto más sería agregar el color complementario para ello. El color complementario al verde es rojo, así que voy a añadir un poco mi rojo a eso. Ahora, eso está silenciado mucho. Se puede ver cómo he desaturado ese color. Eso es azul, amarillo y rojo juntos, pero no mucho. Voy a tener mi montaña aquí de fondo. Todavía está mojado, puedes ver mi pintura. Estoy usando mi pintura húmeda y aplicando. Sólo sigue agregando. A medida que llego hacia el fondo, creo que me gustaría conseguir un verde más natural, así que he mezclado un poco de amarillo a eso. Vamos con un poco más azul ultramarino y amarillo, para que se parezca más a verde savia. Eso está en la base. Se puede ver, hemos mezclado esa sombra juntos. No vayamos hacia este lado derecho por ahora, solo me voy a quedar fuera del lado derecho. Además, si en algún momento encuentras que tu papel está empezando a secarse, puedes seguir adelante y volver a aplicar el agua, siempre y cuando estés aplicando solo hacia el fondo porque no quieres aplica el agua en la parte superior donde tu agua puede ir hacia la parte superior y arruinar tus trazos existentes. Justo en la parte inferior, puedes seguir adelante y seguir regando, lo que aseguraría que tu papel permanezca mojado. Esto se debe a que vamos a pintar de arriba hacia abajo. Hemos agregado el hermoso trazo verde. Esa era la montaña de fondo, y como se puede ver, por eso es más ligero. Ahora vamos a llegar al primer plano. Para pintar el primer plano, necesito un verde más bonito, hermoso. Para eso, voy a mezclar mi amarillo con el otro color. Eso va a mezclar mi amarillo limón y mi azul azulado o mi azul brillante, y eso me daría un hermoso verde. ¿ Se puede ver el verde que estoy recibiendo? Eso es muy vibrante y este verde, pero como saben, estoy tratando de pintar un paisaje que sea de aspecto más natural. En realidad, no hay esos greens involucrados en la naturaleza, así que lo silencio usando mi rojo y obtengo un color verde oliva. Ahí, creo que eso es mucho mejor, conseguir ese tono verde oliva. Acabo de silenciarme, eso ha desaturado mi verde para conseguir ese tono verde oliva y aplicaríamos eso al aplicarlo en la base. Como pueden ver, debido a que esta región había comenzado a secarse, estoy recibiendo mi trazo línea separada por ahí. También lo aplicaré aquí y hacia esta región. Aquí es donde va a estar nuestro camino, y aquí. Tenemos que seguir mezclando ese color, obviamente. La belleza de mezclar es que no usas el mismo color todo el tiempo. Cada vez que mezcles, tu color va a variar ligeramente y piensas que es malo, pero no es porque solo agrega belleza a tus pinturas en las que tienes una mezcla tan variable en el papel que tiene frente a usted. Estoy tomando mi verde y agregando. Ahora, hagamos algo de verde oscuro. Para mezclar un verde más oscuro, lo que significa que necesitamos agregarle más de nuestro azul. Ese es mi amarillo. Tomando más de mi azul, ese es el azul brillante. Tomando más azul brillante y añadiendo, así que eso es un verde oscuro, pero de nuevo, voy a silenciarlo abajo porque en realidad, no hay colores tan reales. Simplemente usando mi rojo y desaturándolo. Desaturado eso en este color. Creo que lo voy a desaturar más porque siento que es demasiado. Ahora, ese es el color que busco. Vamos a agregar formas pequeñas y espesas al borde ahí. Mi papel sigue mojado. Por eso estoy recibiendo estos golpes suaves [inaudible] lado. Agregaré un poco más de rojo y trataré de silenciar ese color en un tono marrón hacia este lado derecho. Creo que eso es eso. Vamos a seguir adelante. Tenemos que estar trabajando más rápido. Ahora, necesitamos mezclar un tono gris como en un color como una siena cruda. Eso sería más así, lo que significa que necesito mezclar mis amarillos y rojos juntos, amarillo cálido y rojo cálido juntos. Tomando juntos mi amarillo cálido y mi rojo cálido. He creado un bonito tono naranja dorado, pero necesito desaturar esto. El color opuesto al naranja en la rueda de color es obviamente azul o morado, lo que significa que solo necesito agregar un poco más azul a mi mezcla. Voy a poder desaturarlo y meterlo en un tono más grisáceo pero necesito más amarillo y rojo. Ese es un bonito tono gris y eso es lo que voy a aplicar hacia el borde aquí por el camino. Estamos aplicando eso. Ahora necesito volver al verde que ya mezclamos para este color. Eso sería amarillo y mi azul ultramarino o [inaudible] azul, puedes mezclar lo que ocurra. Sólo hay que tratar de tonificar el color como se considere conveniente. Ahora, vamos a aplicar eso en el centro. Ahí es donde está el camino. Ahora volviendo a mi color, color amarillo. Quiero tonificar esto hacia abajo, así que voy a recoger mi azul y agregarle. Tomando más mezcla amarilla y roja, creando ese tono marrón ahí. Ahora, he creado un tono marrón más oscuro que el que usamos antes, y esto es lo que queremos aplicar en la parte superior porque necesitamos hacer que el arte sea más realista. Está llegando allí. Ahora necesito mezclar un color marrón oscuro. Para eso, voy a mezclar el amarillo a su color complementario para conseguir un bonito color marrón. Aquí está el amarillo y el color complementario del amarillo es violeta. Necesito una violeta muy hermosa. Voy a mezclar aquí la violeta que pertenecen al segmento correspondiente. Ese sería mi azul cálido con mi rojo frío. Entonces obtengo el tono violeta perfecto y voy a mezclar esto con mi amarillo. Eso significa que tenía más azul en ella. Quiero tomarlo un poco más rojo, y lo agregó. Ya ves que tengo un color marrón oscuro, que quiero. Este color marrón oscuro. Podría agregarle un poco más de rojo para que consiga el color como siena quemada. Eso es lo que voy a añadir a este borde aquí y algunos a estas áreas aquí, y se alternan algunos colores más oscuros para el verde. Ahí va mi verde. Ahora me llevaré más de mi verde que mezclé. Eso sería amarillo y el azul juntos y desaturándolo con mi rojo. Ahí creo que necesita ser un poco más amarillo y azul. Ese color es perfecto. Ahora lo aplicaré al final aquí y en mi pastizal de nuevo. Mi pastizal comenzó a secarse. Sólo voy a mezclarlo con mi pincel. Está absolutamente bien volver con tu pincel si puedes asegurarte de que no introduzcas mucha agua ni arruinas los golpes. Sólo estoy reaplicando mis trazos. Lo mismo hacia este lado, empezó a secarse. Sólo voy a repasarlo con mi pincel otra vez. Ahora hemos agregado un trazo verde. Creo que necesito hacer verde un poco más, desaturándolo con el rojo. Esto se debe a que como dije, la naturaleza en la realidad nunca es estos greens. Tenemos que desaturarlo. Necesitamos colores como el verde oliva y tal para paisajes en real. Eso es lo que estamos tratando de hacer. Ahora déjame volver a ese color bronceado oscuro que creé. Eso sería mezcla del amarillo, rojo y mi rojo. Mi rojo frío podría darme este enlace de color ámbar y aplicaré eso hacia la base. Sólo agregando algunos golpes como ese. Creo que ahora el fondo es bueno para ir. Sólo voy a esperar a que todo esto se seque para que podamos agregar en algunos elementos de primer plano. Aquí ahora está completamente seco, así que vamos a seguir adelante y empezar a agregar algunos elementos de primer plano. Para eso, voy a hacer ese marrón quemado [inaudible], por lo que sería mezclar mi amarillo indio, que es el amarillo cálido. El amarillo cálido, el azul cálido. Como ya puedes ver, mezclar el amarillo cálido y el azul cálido crea el verde desaturado que queremos. Amarillo cálido y azul cálido y luego desaturándolo aún más con mi rojo, así que eso crea marrón y ese es mi rojo frío, que es mi sombra carmín. Ahora tenemos un bonito golpe de umber quemado. Voy a agregarle un poco mucho más azul y eso lo hará más oscuro. Ahora este tono más oscuro es lo que voy a añadir, así que voy a añadir aquí un árbol. Simplemente usa cualquier trazo o forma en tu pincel y agrega las ramas de los árboles. Pero tenemos que trabajar rápido y vamos a sumar en el árbol. Para agregar en el árbol, podemos hacer diferentes greens. Uno es el verde usando mi amarillo fresco, azul frío, y desaturándolo, así que te pusiste como un color verde desaturado aquí. Entonces voy a hacer un verde oliva usando mi amarillo indio, y mi azul ultramarino. Ahora empecemos, así que sólo voy a añadir esto mi árbol. Simplemente va a colocar esto y crear estos trazos aleatorios, así que no se estresen en los trazos. Como se puede ver, es sólo correr mi pincel a lo largo. Voy a mezclar un poco más. Esa es la magia de mezclar porque no siempre obtendrás el mismo color cada vez que estás mezclando. Simplemente crea esa idea de tonos. Además, cuando corres tu pincel así, crea estos huecos entre los árboles, dando la ilusión perfecta del cielo a través del árbol. Estoy tomando ese pigmento oscuro y agrego eso en la parte superior para algún bonito efecto de sombra, sobre todo a las áreas en la parte inferior. Tomas un poco de marrón también y encajas eso en el árbol. Ve por unos trazos más pequeños en ciertos lugares, así que ahí. Como se puede ver, ese árbol tiene unos bonitos trazos oscuros. Ahora tenemos que sumar en las sombras. Si agrega en las sombras, vuelta a la misma mezcla, desaturándola con rojo. Volvamos a sumar. Necesito mucha agua porque quiero que la mezcla sea ligera. Voy a añadir eso aquí. Esa sería la sombra. Voy a suavizar el borde de esa región. Yo también voy a suavizar esta región. Voy a tomar ese color verde apagado, y sólo voy a crear algunos trazos en el lado derecho. Esta podría ser la sombra de algún otro árbol. Simplemente agregando agua, y relleno, así que el amarillo indio y el azul ultramarino juntos. Amarillo indio, azul ultramar, y silenciar con el rojo frío. Entonces solo cayendo aquí en el camino. Apenas unos trazos secos para el camino. Va a necesitar algunos golpes secos en el centro también. Para eso, ahí está mi amarillo frío, mi verde frío y luego mezclándose con mi rojo saturado. Necesitamos más de los colores. Ahí. [ inaudible] agregando eso. Ahora, lleguemos a sumar más detalles a las áreas de pastizales. No estoy tratando de mezclar nada para esta pintura. Creo que está perfectamente bien incluso si me dan algunas pinceladas secas o golpes secos y así es exactamente como lo quiero. Aquí, voy a tratar de crear algo de textura herbácea para eso solo creando estas líneas hacia arriba. Estoy usando el verde oscuro que mezclamos. Creo que podemos crear un verde más oscuro aquí al final y crear algún trazo así. Parecerá como si fuera pasto creciendo en el camino, mismo aquí, y los hará más pequeños medida que avanza hacia la cima. Más pequeño y más ligero hacia la parte superior. Ahora, déjame hacer un poco más aquí de este lado. [ RUIDO] ¿Qué más podemos añadir? Creo que voy a añadir aquí una barda. Para eso, voy a volver a mezclar ese marrón. Eso sería mezclar mi amarillo indio, mi azul cálido, que es mi azul ultramarino, y eso crea un bonito tono verde y a eso, voy a desaturarlo agregando mi rojo frío. Eso crea un color marrón oscuro. Aquí está el color marrón oscuro. Casi parece sepia, pero aquí voy a crear un efecto de dos tonos. Añadiré un poco de amarillo a una esquina aquí, un poco de rojo. Eso me dará un bonito color naranja. Vamos a crear esta fantasía. No debería ser más alto que el árbol, así que ten cuidado y también tenemos que mirar perspectiva así. Tuve que hacer estos más gruesos porque accidentalmente hice esto más grueso obviamente. [ MÚSICA] Añadamos algunas líneas de lujo. Esto es como una pintura áspera solo para acostumbrarte con los colores primarios, y la mezcla de colores. No te preocupes demasiado por agregar detalles y golpes perfectos. Este es un paisaje áspero. Creo que tenemos eso. Ahora vamos a llegar a agregar ese efecto de tono más oscuro. Para eso estoy mezclando mi color más oscuro. Déjame tomarme un poco más azul. Ese es el color como sepia ahora. Añadiré ese uno a un extremo. Me dará un efecto de tono oscuro. Además, voy a dejar caer estos suelos oscuros que creé, solo voy a dejar caer algunos puntos en mi cuadro en lugares aleatorios. Probablemente sea como la roca. Ahora, ¿qué más? Creo que quiero crear un color más verde oliva mezclando azul ultramarino, y el amarillo indio juntos, dándome el color verde oliva apagado. Puedo moverlo más abajo agregando rojo y tal vez un anuncio como tierra de este lado. Añade algunos tonos marrones en la parte inferior para la sombra y los tonos más oscuros. Ahora, como pueden ver he pintado todo esto con un solo pincel porque el foco estaba en los colores y no en el pincel que estamos usando. A lo mejor vamos a añadir algunas salpicaderas. Solo voy a tomar todos esos colores en mis reseñas de paleta y agregando algunas salpicaderas. Tenemos que asegurarnos de que no caiga sobre el cielo. Déjame cerrar eso. A lo mejor agregaré aquí una salpicadura verde. Tal vez alguna salpicadura verde aquí. Estamos bien para ir. Como se puede ver, hemos creado un bonito paisaje solo usando los colores primarios. Puedes crear diversos efectos. Porque es lo mismo así que solo estoy agregando un poco más de marrón a mi árbol después de que se seque y sea mucho mejor. Creo que tal vez puedas añadir algunos tonos fríos a tu pintura. Para eso, puedes tomar algo azul y dejarlo caer en algunos lugares. Como aquí, en este borde aquí, tengo unos tonos azules que estoy agregando así que es el azul ultramarino. Anuncio ahí y tal vez agregaré algunos tonos con mi azul. Sólo para agregar lo frío a nuestra pintura. Algo de frescura. Dejando caer un poco de ese azul en mi árbol también. Creo que eso es suficiente. Estamos absolutamente terminados. Después de que esto se seque por completo, podemos quitar la cinta. Vamos a quitar la cinta. Aquí está la pintura final. Hemos pintado esto solo con los colores primarios, tanto las versiones cool como cálidas. Estos colores son los que hemos utilizado. Ojalá os guste esto y disfrutadlo. Ahora ya sabes cuáles son las posibilidades usando los colores primarios y todo lo que necesitas esos colores primarios en tu paleta y puedes crear todos los colores increíbles por ahí.