Transcripciones
1. Introducción: Cámara, luces, sonidos
y acción [RUIDO]. Quieres convertirte en cineasta, dominar esa cámara tuya y hacer los videos más
cinematográficos. Pero no tienes idea de por
dónde empezar. Bueno, has llegado a la dirección correcta
porque esta de aquí es la clase
fundamental más completa para cineastas principiantes. La información exacta
y los secretos que enseñan en
costosas escuelas de cine. Olvidé presentarme. Hola, soy Jordy. Hace unos 10 años, me gradué de la escuela de cine, que después, comencé mi carrera como
cineasta y soy dueño un estudio cinematográfico con el que
siempre he soñado. Comparto mi pasión a través de clases
en línea y a través una audiencia de más de dos millones de
suscriptores en YouTube. En este momento, estoy súper
emocionada de traerte una nueva y actualizada clase de
cine para principiantes. Vamos a comenzar
con lo básico
y tomar el control manual de nuestra cámara. De esa manera, puedes
tomar decisiones creativas. En la segunda mitad
de esta clase, exploraremos
las reglas del cine como el encuadre, narración
visual, el
B-roll y más. Por último, en el último capítulo, te
presentaré algunas de las
herramientas de cámara más populares como el trípode, el cardán y más. Al final de la clase,
podrás filmar un video completo que se verá como
lo
hubiera hecho un profesional. Eso es porque te
convertirás en ese cineasta profesional. Esta clase está curada de
una manera que enseñarían
las escuelas de cine. Eso significa que aprenderá
todo, desde lo básico de
una manera muy estructurada para mantener la experiencia de aprendizaje
emocionante y atractiva. A lo largo de la clase,
si estás atascado con alguna pregunta, solo
métalas en la
discusión
a continuación ya que estaré encantado de ayudarte. Realmente espero
verte en mi clase y comenzar juntos este nuevo viaje
cinematográfico. Estoy súper emocionada y
espero que tú también lo estés. Te veré de vuelta en un momento.
2. Introducción de la cámara: [MÚSICA] Oh, hola. Buen día. Te apuntaste a la clase de
cine. Bueno, ¿puedo decir que estoy súper emocionada de comenzar este
viaje junto a ti? Como el tipo de mantenimiento de esta muy antigua unidad de almacenamiento de
equipo de cámara abandonada, he visto casi todo. Las primeras cámaras
que entraron aquí tenían
una tira de película real en su interior. Entonces cuando llegó la
revolución digital, todo
este trastero se
amontonaba con
cámaras digitales como esta. ¿Sabes qué vino entonces? [RUIDO] Las cámaras fotográficas, que tenían una increíble funcionalidad de
video. Lo más probable es que
tengas uno de estos. Ha habido
tanto cambio
desde que el cine se convirtió en
una verdadera profesión. Pero ya sabes lo que no
ha cambiado, la forma en que hacemos videos. Al final del día, no
importa qué tipo de cámara
estés usando. Tal vez tengas una
de esas SLR, o tal vez una cámara digital
más grande, o tal vez solo estés
usando tu teléfono. Francamente, los teléfonos en estos días tienen cámaras de video bastante buenas. Todo lo que digo es que el
cine se trata la persona detrás de la cámara
y no de la propia cámara. Una mejor cámara no te
convertirá en un mejor cineasta. La teoría y las reglas artísticas
de la narración visual, por otro lado, lo harán. Ahora, tenemos que elegir un tipo de cámara como
demo a lo largo de esta clase. Estaremos trabajando con
la Panasonic Lumix GH5, una cámara SLR muy popular. Consiste en un cuerpo, el cerebro y el sensor, y una lente, que va a convertir la luz que
captura en una imagen. Cada cámara tiene
estas dos cosas, un cuerpo y una lente. A veces la lente se
fija al cuerpo. Esto significa que no
se puede cambiar la lente. Ahora, en la mayoría de las cámaras fotográficas, sí
tenemos la capacidad de
quitarle la lente, lo que significa que podemos
colocarle otras lentes siempre que
encajen en el cuerpo. A esto se le llama montura de lente. Cada marca tiene sus propias monturas. Eso es algo
importante a tener en cuenta si planeas
comprar una nueva lente. Ahora, he puesto esa
cámara en una plataforma. No es necesario, pero sí facilita
ciertas cosas. Las plataformas son como
conexiones, como los Legos. Los construiste de
la manera que quisieras. No hay reglas para ello. Mi primer equipo fue
incluso algo que
construí en un garaje
para ahorrar algo de dinero, y funcionó muy bien. Pude poner mi
cámara en mi hombro. Pensé en un
contrapeso y donde montaríamos un monitor
externo. Hoy esa plataforma se ve
mucho más pequeña. He aprendido que una plataforma grande
no siempre es tan útil. Me gusta mantener las cosas compactas. Alrededor del GH5 hay una
jaula que me da un asa superior y permite
unir varillas. En la parte posterior,
tengo una batería grande, que está alimentando
tanto la cámara el monitor externo. A veces puedes comprar
tales plataformas como un paquete. Los fabricantes te
recomendarán algo, pero también podrías comprar
piezas de diferentes marcas y armar algo completamente
personalizado como yo lo he hecho. Eso es
lo hermoso de estas plataformas. La mayoría de estas conexiones
son estándares de la industria. Al igual que estas varillas, tienen un grosor de
15 milímetros. Eso es lo mismo en todas partes. Ahora bien, para esta clase, tal plataforma obviamente no
es necesaria. Yo solo quería
explicarte eso porque, después de todo, tienes
que mirarlo toda la clase, y así no necesitas
hacer preguntas raras. Ahora, los videógrafos profesionales conocen su cámara de adentro hacia afuera, así que recomiendo
encarecidamente que abran el menú de su cámara y pasen por
los diferentes ajustes. Familiarízate con tu cámara y no
tengas miedo de explorar. Siempre debe
haber una opción de reinicio ahí en alguna parte si
te equivocas. De todos modos, no te preocupes demasiado. Lo vamos a hacer juntos. Nos vamos a tomar las manos
unos a otros y hacerlo agradable y acogedor. Lo estoy haciendo raro otra vez. Si estás atrapado en una unidad
de almacenamiento como esta, no
puedes
conocer a mucha gente. Gracias por verlo,
y exploraremos el primer escenario dentro ese complicado menú
en la siguiente lección.
3. La apertura: Hay tres ajustes que controlan la exposición
de tu cámara. La apertura, la ISO y la velocidad de obturación. Cada una de estas configuraciones permitirá capturar
más o menos luz. La exposición en otras palabras. Al comenzar, probablemente
tenga su cámara
establecida en modos automáticos. Tu cámara cambiará los ajustes de
apertura, ISO automáticamente
los ajustes de
apertura, ISO
y velocidad de obturación para capturar una buena exposición. Eso parece
algo bueno. Bueno, no lo es. El arte del cine es
tomar el control sobre los escenarios. Entonces pongamos esa cámara
en modos manuales. Cada uno de estos ajustes de exposición
viene con un efecto secundario. Por eso tenemos tres ajustes de exposición
y no solo uno. Depende del cineasta
decidir qué efectos
secundarios quieres
ver más prominencia o no. Empecemos por la apertura, que en realidad son una serie
de aspas dentro de la lente. Las cámaras digitales
controlan estas cuchillas a través de un dial en
el propio cuerpo. En los viejos tiempos,
este era un anillo físico al
que había que darle la
vuelta sobre la propia lente. A medida que abres la abertura, entra
más luz, más exposición en otras palabras. A medida que cierras ese anillo, pasa
menos luz, el centro está siendo menos
expuesto. Creo que eso es bastante obvio. el sensor se encuentra dentro
del cierto, el sensor se encuentra dentro
del cuerpo de
la cámara detrás de la lente. A medida que quitas la lente
del cuerpo de la cámara, en realidad
puedes ver el
sensor. Está justo ahí. Este plano es el que captura
la imagen que viene a través la lente y la
transforma en un video digital. Ahora, aparte de
cambiar la exposición, la apertura también cambia
la profundidad de campo. Esos son los efectos secundarios. Como probablemente sabrás, hay
un anillo de enfoque en la lente. medida que lo giras, puedes poner
las cosas en primer plano, en el foco, o en los fondos. El resto estará entonces
desenfocado, borroso. Nuevamente, puedes dejar que tu
cámara lo haga automáticamente, lo cual no es lo ideal, pero eso es
para más adelante en esta clase. Por ahora, ese anillo de enfoque es algo que puedes controlar. Puedes empujarla hacia atrás o hacia adelante. Lo que está en foco se
llama el campo de enfoque. Ese campo puede ser
grande o pequeño. Tienes a dos personas enfocadas, pesar de que no
se paran a la misma distancia de la cámara. Pero también podrías tener
solo uno de ellos en foco, esencialmente el campo de enfoque
se hace más grande o más pequeño. El tamaño de ese campo de enfoque, que es la profundidad de los campos se
puede controlar
con la apertura. Cuanto más
abres la abertura, más pequeña
se vuelve esa profundidad
de campo. En términos cinematográficos, hablamos de una
profundidad de campo poco profunda. A menudo, se considera que una profundidad
de campo poco profunda es más cinematográfica ya que el fondo
estará más desenfocado. Ahora a medida que cerramos la apertura, pasa
menos luz
a través de la lente, pero el campo de enfoque
también se hace más grande. Más elementos estarán enfocados, pero también afecta
el aspecto general de, de ahí los
antecedentes desenfocados. Aquí están las mismas tomas
donde tenemos al talento parado a la misma
distancia hacia la cámara. Uno de ellos es disparado en una abertura abierta y el
otro tendido abertura cerrada. Mira lo que eso hace
al fondo. La apertura es más
que un ajuste de exposición, también
es una opción creativa. ¿Quieres más o
menos profundidad de campos? Al igual que con todo lo demás, la apertura también se
expresa en una unidad. Se llama el f-stop. A veces verás estos
valores en la propia lente. Si no,
probablemente los verás en la pantalla de tu cámara 2.8, 5.6, 8, 11. Todos estos son diferentes valores
F-stop. Cuanto menor sea este número, más abierta será su apertura. Cuanta más luz
pasa menor
es la profundidad en la que se vuelve
el campo. Ahora, cuanto mayor sea este número, más cerca está la apertura, menos luz
pasa, y mayor es
la profundidad se vuelve
el campo. Eso es en pocas palabras,
la apertura. En la siguiente lección,
exploraremos la configuración ISO.
4. Configuración de ISO: Tres ajustes, la apertura, la velocidad de obturación y la ISO. Estos controlan la exposición, pero cada uno de ellos
también controla los efectos secundarios. Para ISO, eso
va a ser ruido, que lo convierte en el control de
exposición más fácil de los tres. ISO no es más que un control de brillo
digital,
véalo como hacer que una imagen oscura más brillante a través de
un simple deslizador. Desafortunadamente, esto
introduce ruido. Definitivamente cuando está muy oscuro y el ISO necesita ser
bombeado al tomar una foto con tu teléfono en entornos con poca
luz, también
ves mucho ruido. Por lo general estas fotos
no se ven tan bien. Es la configuración de
exposición automática en tu teléfono lo que está encendiendo el ISO para exponerlo mejor. Con el video, es lo
mismo en una escena oscura, la exposición automática
controlable aumenta el ISO, lo que resulta en demasiado
ruido en tu video. Como cineasta, ¿qué podemos hacer? Bueno, antes que nada, tratar de mantener el ISO lo más bajo
posible y exponer mejor
el sensor usando
otras técnicas como abrir la abertura o
cambiar la velocidad de obturación, que veremos
en el siguiente lección. Pero también puedes intentar hacer que tu entorno sea
más brillante usando luces o si estás filmando una película posterior
acércate a las luces de fiesta, cualquier cosa que ayude a
mantener la ISO al mínimo. Ahora, cuando grabe en ambientes
luminosos como afuera durante un día soleado, atento a
la configuración ISO. He visto que pasó
demasiado que los aspirantes a cineastas pasan por alto este escenario y realidad están filmando
a un ISO muy alto. Tienen muchos
problemas para disminuir
la entidad de exposición video
va a ser muy ruidoso. Trate de acostumbrarlo para verificar
siempre los tres ajustes de
exposición con cada cambio en su
entorno cuando vaya de adentro a exterior
o viceversa, verifique estos tres ajustes
y no solo uno de ellos. Ahora, ¿qué podemos
hacer como cineastas? ¿Simplemente mantenemos la ISO
al mínimo en todo momento? Bueno, claro que no. Ves que cada cámara es un
poco diferente. Algunos pueden producir un video bastante
limpio a ISO más altos, mientras que otras cámaras
producen ruido bastante rápido. Es importante saber qué puede manejar
tu cámara y cuál
es la ISO máxima que debes buscar. Si tu cámara es capaz de
subir a un ISO 128,000, no
significa que realmente
debas usar eso, tal vez 6,400 ya sea un máximo
aceptable. Quiero que lo
averiguaras para tu propia cámara, pero en el
modo manual y grabes algún video en diferentes configuraciones
ISO. Ve por ti mismo lo que sigue siendo aceptable y en qué
momento ya no lo es. Vamos a echar un vistazo a la
velocidad de obturación en la siguiente lección, y luego es hora
de que tomes un descanso rápido y
practiques estos ajustes.
5. Velocidad de obturación: Acabo de tener un cliente
que viene aquí con esta cámara y me dijo
que ya no funciona. Lo investigué, hice alguna investigación, y parece [RUIDO] que no hay batería
adentro. Ahora, no estoy seguro. ¿Debo decirle
sobre la batería o simplemente decirles
que está muerta, que la cámara está rota? Porque a lo mejor es momento de
invertir en uno nuevo. Esta es una cámara bastante vieja. De todos modos, la velocidad de obturación, la última de las
tres configuraciones de exposición. La velocidad de obturación también
se puede ver como la frecuencia de actualización. Por eso se expresa
en un valor de tiempo
como 1/50 de segundo
o 1/100 de segundo. A medida que la luz viene
a través de la lente, está siendo capturada
por el sensor. El sensor espera un
poco a medida que está siendo expuesto y finalmente
decide
escribir esa información
y limpiar ese sensor para que
quede expuesto nuevamente. La velocidad a la que
está sucediendo
este refrescante es
la velocidad de obturación. En los viejos tiempos, ese era un disco físico real giraba frente a la tira
de película, que ahora es el sensor. Hay un agujero en el disco
y cuanto más grande ese agujero, más tiempo quedó expuesta la película. Ahora no podíamos cambiar la velocidad de
giro de ese disco ya que va junto
con la velocidad a la que
se está rodando para filmar. Esa es la velocidad de fotogramas de la que
hablaremos más adelante, pronto. Ahora, cuando el sensor está
expuesto 30 veces por segundo, obviamente
está más
expuesto que si
tuviéramos una frecuencia
de actualización de 60 veces por segundo. Hablamos de una velocidad de
obturación más lenta que deja entrar más luz o una velocidad de obturación
rápida que captura menos luz. Entendemos cómo funciona la velocidad de
obturación, pero ¿cuál es su efecto secundario? Bueno, desenfoque de movimiento. A medida que el sensor está
capturando luz, lo que sucede
frente a la lente se mueve así que si agitas tu brazo, el sensor captura toda
la onda, luego se refresca para
tomar una nueva muestra. Una
velocidad de obturación lenta capturará un movimiento más largo ya
que con
una velocidad de obturación más rápida, solo captura una pequeña
parte de ese movimiento. Es por eso que a menudo se ven
estas líneas borrosas cuando gente o algo más
rápido se mueve en la escena. Por cierto, funciona exactamente igual a la hora de
tomar fotos. Esto es desenfoque de movimiento. Tener una velocidad de obturación lenta
a veces puede crear diversión y efectos de
cámara como este aquí
mismo o puedes
hacer que todo se vea súper nítido con una velocidad de obturación
rápida. Las películas de acción como las escenas de
lucha menudo
se filman
a velocidades de obturación rápidas, ya que hacen que la acción se sienta más difícil
con menos desenfoque de movimiento. De nuevo, se puede ver la elección creativa
que tenemos ahí. Otra razón por la
que debemos filmar en exposición
manual
y no automática. En escenas oscuras, podríamos
incrementar la ISO para exponer más las tomas
que introduzcan la luz. ¿Y si tuviéramos que
disminuir la ISO y establecer una velocidad de obturación más lenta que
introduce más desenfoque de movimiento? lo mejor ponemos la cámara
en un trípode para que
no se mueva y pedimos a los
talentos que se queden quietos. Esencialmente, estamos disminuyendo el
movimiento en los disparos, lo que significa que
el desenfoque de movimiento
no va a ser tan notorio. Ahora, cuando estamos al aire libre,
disminuimos el ISO y cerramos la apertura
y afortunadamente, nuestra profundidad de campo
se vuelve más profunda. Me gustaría conservar una profundidad de campo
más superficial. Y si tuviéramos que
abrir la abertura hacia atrás y hacer que la
velocidad de obturación fuera rápida, esa es una forma de
compensar la exposición. Dependiendo de los efectos secundarios que te gustaría tener, puedes cambiar la apertura, ISO y velocidad de obturación. Cada escenario
cambia el aspecto de tu video y esa es la elección creativa
del cineasta. No dejes que una función automática te
quite esa
elección creativa. Ahora es el momento de practicar. Entra en un cuarto oscuro y cambia los tres ajustes de
exposición, mira cómo funcionan juntos,
luego sal al aire libre y vuelve a cambiar
los ajustes. Ahora intenta familiarizarte con
estos ajustes y también recuerda averiguar el ISO
máximo para tu cámara. Vea cuál es el umbral
capturando un video con
diferentes configuraciones ISO. Diviértete practicando, y
espero verte de
nuevo en la siguiente lección. Mientras tanto, me
voy a peinar porque va a
todas partes. [RUIDO]
6. Velocidades de cuadro: Al parecer la gente todavía
compra una de estas cámaras. Tu teléfono graba mejor video. De todos modos, espero que hayas tenido
una buena práctica y hayas familiarizado más con los
tres controles de exposición. Las velocidades ISO, apertura
y obturación. En esta lección
no hablemos de mi cabello que todavía se ve
muy mal sino que en cambio, hablemos de la velocidad de fotogramas ya que hay mucho más. En resumen,
las velocidades de fotogramas son la cantidad de fotogramas que
registra por segundo, los valores
comunes son 25 o
30 fotogramas por segundo. En definitiva hablamos de FPS, que significa fotogramas
por segundo. Buen trabajo. Ahora hay principalmente
tres valores FPS que estamos grabando, 24 FPS, que es el
estándar para el cine. Si vas a las salas de cine, probablemente
estés
viendo 24 FPS. Se considera más cinematográfico. Al hacer videos para
la web como YouTube, muchas veces
grabamos
en 25 o 30 FPS. La razón por la que tenemos dos estándares
diferentes viene de los viejos tiempos cuando los
videos aún
se mostraban en televisores CRT antiguos. Ahora no voy a profundizar
en lo que es eso. Es en el pasado,
está detrás de nosotros, pero se reduce a la frecuencia de actualización de
esos televisores, que estaban ligados a la
frecuencia de la electricidad. Eso es diferente en
varios continentes. En Europa, tenemos una red
eléctrica de 50 hercios, y en EEUU es de 60 hercios. Voy a ahorrarles todas
las cosas técnicas detrás eso porque ya no tiene sentido en
el mundo digital. Pero es bueno saber es que muchas cámaras en estos días todavía
filman en 29.97 FPS. Eso se debe a que la frecuencia
eléctrica en EU no es en realidad de 60 hercios, sino 59 puntos algo. Esa es la historia de fondo. Ahora bien, ¿qué velocidad de fotogramas
debes grabar? Bueno, eso es un gusto personal o lo que te
está pidiendo tu cliente. A pesar de que soy de Europa, sí grabo todo en 30 FPS ya que personalmente me
gustan mis videos un poco más suaves
y nítidos
que si fueran a filmar a 25 FPS. Espera, ¿
videos más suaves y nítidos a medida que aumenta mi
velocidad de fotogramas? Bueno, más suave; podemos
entender que un video de 10 FPS se ve muy nítido
en comparación con un video de 30 FPS. Este de aquí se ve
mucho más suave pero más nítido? ¿Por qué es eso? Bueno, eso tiene que ver con
la velocidad de obturación, que hablamos
en una lección anterior. Su velocidad de fotogramas y velocidad de
obturación están un
poco unidas. Se ve cuando su cámara está capturando 30 fotogramas por segundo, significa que no puede refrescar el sensor más de
30 veces por segundo. La
velocidad de obturación más baja que puedes tener es 1/30 de segundo. Muchas cámaras tienen
esa opción bloqueada. Solo prueba eso por ti mismo. Ajusta tu cámara a 30
fotogramas por segundo e intenta ir por debajo de 1/30 de segundo. Lo mismo es con 25 FPS, no se
puede ir por debajo de
1/25 de segundo. Ahora algunas cámaras sí te
permiten ir más bajo, pero eso es algo de
procesamiento digital que nos pone en marcha. En realidad vamos a bajar el FPS sin decírtelo. Naturalmente, las cámaras
no pueden hacer eso. Ahora, la
velocidad de obturación en realidad tiene una
correlación aún mayor con el FPS. En el mundo real
también hay desenfoque de movimiento. Simplemente agite la mano
frente a sus ojos, verá desenfoque de movimiento. Esto es obviamente una cantidad
natural de desenfoque. Cuando queremos recrear
ese desenfoque de movimiento natural, tomamos el doble
de las velocidades de fotogramas. Al disparar a 25 FPS, establecemos la
velocidad de obturación en 1/50 de segundo. Para 30 fotogramas eso va
a ser 1/60 de segundo. De esa manera, el desenfoque de movimiento se siente natural dependiendo de la velocidad de
fotogramas que elijas. Por eso dije que mis videos se
ven a fondo más suaves pero también más nítidos al
aumentar esa velocidad de fotogramas. Pongo mi velocidad de obturación en 1/60 de segundo,
menos desenfoque de movimiento, así mis videos son más nítidos
y el movimiento sigue
siendo natural porque
coincide con las velocidades de fotogramas. Tal vez eso es mucho para
asimilar así que no te preocupes
demasiado por la velocidad de obturación y tu velocidad de fotogramas todavía. Estos son ajustes que puedes tomar con un grano de sal. Cuanto más te
familiarices con
la realización cinematográfica, más vas
a prestar atención a detalles tan menores. Pero hablemos muy
rápido sobre cámara lenta. Obviamente, vamos
a necesitar más fotogramas por segundo, 60 FPS, tal vez incluso 120 o quizás
10,000 fotogramas por segundo. Sí, eso existe por cierto, aunque las cámaras switch
son súper caras. Tener esos
fotogramas adicionales por segundo significa que podemos
estirar nuestros videoclips. Solo necesitamos 30 fotogramas, pero tenemos 60 fotogramas
disponibles por cada segundo. Esto significa que podemos
estirar el club, doblar el tiempo y
vamos a tomar 60 fotogramas por dos segundos. Hemos creado cámara lenta. O si tuviéramos que hacer eso
con un clip normal de 30 FPS, obtendríamos 30 fotogramas por dos segundos o 15
fotogramas por segundo. Al reproducir el video de Bagdad,
empieza a verse entrecortado, un problema que no
tenemos con 60 FPS. Cuanto más cámara lenta quieras, más fotogramas por segundo
vas a necesitar. La mayoría de las cámaras ya transforman sus FPS capturados en
algo así como 25 o 30 FPS, como mi Panasonic Lumix GH5. Puedo grabar en 120 FPS pero
va a procesarlo en un clip de 30 FPS. Cuando reproduzca el video, ya está en cámara lenta. No tengo que estirar el clip en
la edición de video. Eso es algo
a tener en cuenta. qué fotogramas
captas y en qué marco tu cámara la
procesa también. A veces eso podría ser lo
mismo grabando en 60 FPS y procesándolo en
un videoclip de 60 FPS, pero también puede grabar en
120 FPS y procesarlo en un archivo de 30 FPS. Cada cámara tiene
diferentes opciones, así que échale un vistazo
para tu cámara. Eso es la mayor parte de las velocidades
de fotogramas. Más adelante en esta clase,
vamos a aprender más sobre cuándo disparar a cámara
lenta y cómo puede
ayudarnos a filmar mejor video. Pero primero tenemos que
exponer nuestras tomas correctamente y eso es
para la siguiente lección.
7. El histograma: Hemos aprendido sobre los
diferentes ajustes para cambiar la exposición y también lo que
cada efecto secundario esto, pero puramente mirando la exposición, cuándo mi tiro está subexpuesto
o sobreexpuesto? Subexpuesta significa que
es demasiado oscuro e incluso al aire libre durante
un día soleado las tomas pueden parecer demasiado oscuras. Has cerrado demasiado la
apertura o has establecido la velocidad de
obturación en alta. Decidir si tu toma está bien
expuesta o
no se puede hacer simplemente mirando la pantalla
de tu cámara. Es como salir a la calle y adivinar qué
temperatura es. Puedes tener una idea
si hace calor o frío, pero para saber la temperatura
exacta, usamos un termómetro, y eso es
lo mismo con tu cámara. Utilizamos una herramienta llamada
histograma para medir la exposición para que podamos tomar
mejores decisiones sobre lo que
necesitamos para establecer los anuncios de apertura, ISO o velocidad de obturación. Ese histograma se ve
algo así. Antes de continuar
con la lección, pausa este video solo por un breve momento e intenta encontrar ese ajuste
en tu cámara. asegura de que se
muestre en el monitor. Para algunos modelos de cámara, debe presionar el
botón Display un par de veces. Para otros, podría ser
un escenario que necesite ser activado
dentro de los menús. Estamos viendo un diagrama. Esta información muestra la
luz o la exposición. En el lado izquierdo se sientan las zonas oscuras y en el lado
derecho está el brillante. Cuando cierre mi apertura, verás que el
diagrama se mueve hacia la izquierda y cuando
abro la abertura, la información
se mueve hacia la derecha. Idealmente
quieres asegurarte de que el histograma tenga su gráfica
en algún lugar dentro del medio, y no tocar uno
de los exteriores. De esta manera noté que no
hay partes en mi tiro subexpuestas y ninguna
parte está sobreexpuesta. En ambientes de estudio
como este es fácil porque tengo el control total sobre la luz y el paisaje, pero al salir
esto se vuelve más complicado. Tenemos una fuerte luz solar y reflejos
blancos en
la toma así como la persona parada
en la sombra. Este es un gran contraste y al mirar el
histograma parece
haber dos picos tanto en las zonas
oscuras como en las brillantes. A la izquierda se encuentra la información de los telones y la sombra, y a la derecha la información
del reflector blanco. Es imposible
meter el diagrama en el medio debido a
ese contraste, situación
a la que te
enfrentarás mucho por cierto. Aquí es importante
tomar una decisión. ¿Quieres ver detalle en el reflector o en los telones? Bueno, creo que en este caso
los telones son más importantes, así que abramos la apertura. De ahí que
suelte el diagrama del
lado izquierdo del histograma. Ahora, aunque no lo pongas en
el medio, los telones se paran
en las sombras. Está oscuro, así que manténgalo oscuro, simplemente no lo subexponga
perdiendo todo detalle. Ahora bien, este ha sido
un ejemplo extremo. Otra
situación más probable es donde rellenas tu tema
frente a un cielo brillante. Se podría argumentar que el
tema es demasiado oscuro cuando tratamos
de apuntar toda la información en medio del diagrama, por lo que exponemos más. Ahora mismo en un cielo
quedarán sobreexpuestos. Esta es una toma muy típica que realiza un cineasta principiante. No obstante, el cielo es demasiado prominente que
no recomendaría hacer esto. Intenta llegar a las zonas luminosas sueltas de los
histogramas de los lados derechos, trayendo de vuelta detalles en el cielo. Se quiere ver la estructura de las nubes y no
sólo las manchas blancas. Sí, tus telones son un
poco demasiado oscuros, pero aún quedan detalles. Podemos ver la cara
y si se puede, siempre
es mejor
subexponer que sobreexponer. Eso es lo que separa a un
profesional de un principiante. Ahora, ¿qué pasa con los telones
y los tonos de piel en general? Ahora podíamos ver el histograma
como una barra porcentual. Donde a la izquierda, por
lo que es cero por ciento negro y en el lado derecho se asienta
sobre un 100 por ciento de blancos. Los tonos de piel más brillantes
como yo deberían estar alrededor del 70 por ciento así que cuando
haga una toma de mis telones, podría
acercarme un
poco más para ver solo la información
de la cara, e intentaré obtener el
diagrama en algún lugar alrededor este 70 por ciento cuando vuelvo a
salir para hacer mi
tiro medio o lo que sea, sé que he expuesto mis tiros correctamente
por los tonos de piel. Cuando se trabaja con un telón
a como tonos de piel oscuros, se podría apuntar a
alrededor del 50 por ciento, pero sí tómalo con
un grano de sal. Este 70 o 50 por ciento es
académicamente correcto, pero es bueno conocer
estos estándares académicos. Así es como funciona el histograma. Definitivamente úsalo todo
el tiempo para verificar si algo ha
terminado o subexpuesto o no. Tu pantalla no representa correctamente
la exposición, razón por la
cual tienes que
usar esa herramienta.
8. Autofoco: Lo conseguimos chicos. Exposición. Vamos a parar con eso. Basta hablar de exposición. Hablemos de
las cosas divertidas ahora. [RUIDO] Enfoque y me refiero
al enfoque de tu cámara, pero también a tu enfoque, por
supuesto, dos tipos de enfoques. En definitiva, decimos que un sujeto está enfocado cuando es agudo. Cualquier otra cosa en
el fondo o primer plano que sea
poco nítida está fuera de foco. Es como yo. Estoy enfocado y eso de allá
está fuera de foco. Ahora, al girar ese anillo de enfoque en tu lente, el
enfoque retrocederá y retrocederá. Cuanto más grande sea tu campo
de enfoque depende de la apertura. Ya hemos hablado de esto antes. Ahora hay dos
formas de enfocar. O lo haces manualmente
girando el anillo de enfoque, o dejas que la cámara lo
haga automáticamente. A menudo tienes un interruptor
en tu lente para eso, AF significa enfoque automático y MF significa enfoque manual. Si tu lente no
tiene esa opción, puedes configurarlo desde
los menús y elegir el enfoque
manual o una de las
diferentes técnicas que fuera de foco necesita usar
porque el enfoque automático puede hacer una detección de rostros y siempre
trate de tener una cara enfocada, o se puede ajustar a un punto
elegido para que
puedas usar los
sticks para el pulgar para elegir
un punto específico al que la lente
necesita enfocar. Cada opción tiene
su propio caso de uso. No es que uno sea mejor
que el otro, depende. Ahora bien, el enfoque automático puede parecer
una mala elección en general. Es decir, hasta ahora les he estado
diciendo que no usen auto pero
hay excepciones. Es decir, el enfoque manual sí te
da más control. Sin embargo, no
siempre es fácil
mantener el tema enfocado
al hacerlo manualmente. Si tu objetivo era
mantener a tu sujeto enfocado mientras corres
con tu cámara, ¿por qué no configurarlo en enfoque automático
con detección de rostros? Te permite enfocarte
más en el encuadre, los movimientos de la
cámara, o el
histograma, y demás. Cuando no tienes a una
persona en tu encuadre, incluso
podrías optar por
la opción de enfoque puntual. Usando los thumbsticks,
puedes moverlo a ese punto para enfocarte
ahora, incluso mientras filmes. Podrías comenzar filmando, por
ejemplo, un
objeto, correr o hacer lo que quieras, y luego mover ese punto de
enfoque a otro
lugar,
cambiando el enfoque. Creo que esta es una gran manera de
practicar con cambios de enfoque sin tener que preocuparse
demasiado si tu tema
es realmente agudo o no. enfoque automático definitivamente
tiene sus beneficios, pero también viene
con algunas desventajas. No tienes control sobre
lo que hace el foco. Sucede automáticamente. Eso significa que el
bombeo de enfoque podría ocurrir. Aquí es donde la cámara
ha viajado para enfocarse en un sujeto y comienza a
bombear hacia atrás y hacia adelante. O al cambiar
el enfoque a través esa técnica con
los thumbsticks, no
tienes control sobre
qué tan rápido cambia el enfoque. Si tienes las agallas y
quieres un control absoluto, entonces configura tu cámara
en enfoque manual, y hablaremos más sobre
eso en la siguiente lección.
9. Enfoque manual: Estoy completamente desenfocada. Eso es porque mi cámara de
allá está puesta a enfoque manual y
mi mesita, ahí mismo, mi
carro de producción está enfocado. Pero estos son mis antecedentes y
ni siquiera debería estar aquí. Por eso tengo mi
cámara puesta a enfoque manual. Deja que me quede aquí atrás. Los cineastas profesionales
rara vez usan el enfoque automático a menos que realmente tenga una ventaja sobre
hacerlo manualmente. Al principio, podrías pensar que enfoque automático siempre puede
tener la ventaja. Eso es porque necesitas
entrenarte para enfocarte manualmente. Se necesitan varios meses
o incluso años para dominar. Una vez que lo
dominas, es mucho mejor
que el enfoque automático. Comienza por
familiarizarte más con tu lente. Elige un tema
y camina
hacia atrás y adelante mientras intentas mantenerlo enfocado, necesitas tener idea de
cuánto tienes que girar el anillo de enfoque para la
distancia que caminas. Al principio, caminarás despacio y a medida que te pongas cada vez más cómodo, entrarás un poco más rápido. Ahora bien, es bueno
grabar eso también, para que puedas revisar tu
práctica después. A veces parece que
nuestro tema estaba en foco, pero en realidad no lo estaba. Ahora, al igual que el histograma, también
hay una herramienta para
ayudarte a medir el enfoque. A éste se le llama pico de
enfoque. Ahora bien, no todas las cámaras tienen esa opción,
pero si la tienes, es esa opción la que
necesitas
buscar y encenderla,
enfocarte en pico. Esto mostrará
un montón de puntos o líneas en tu visor. Las áreas marcadas están enfocadas, por lo que de esa manera puedes ver más fácilmente si tu
sujeto está enfocado o no, cual no siempre es tan fácil
en un visor pequeño. Un
operador de cámara capacitado puede incluso enfocar sin mirar
a través del visor. Cuando giras la lente
todo el camino hacia un lado, ellos saben exactamente
cuánto tienen que darle vuelta para
que su
sujeto esté enfocado. Pero eso es ordenar los maestros, eso es para los senseis
del cine, que resulta que soy yo. Ese es un aspecto del enfoque, tratar de mantener tu
tema enfocado, pero el enfoque manual también viene
para elecciones creativas. Por ejemplo, estás
tomando tus tomas finales y quieres que tu video
tenga un final. Lo que a menudo se hace es simplemente
sacar el foco hacia atrás, hacer que todo esté fuera de foco, y puedes hacerlo sin problemas a la velocidad exacta que quieras, cambiando el enfoque
de un sujeto a otro también
irá mucho mejor. Estamos filmando un tema
y tiro medio o girando esa rueda de enfoque para que
otro tema entre en foco. Esta técnica
también se llama enfoque tirando o rack focus. En la industria cinematográfica, un
extractor de enfoque como un trabajo de tiempo completo, te paras al lado del tipo de la cámara mientras mantienes al sujeto enfocado realizando
racks de enfoque y lo
que no, eres el extractor de enfoque. Muchas veces esto también se puede hacer a través de un
sistema inalámbrico, donde el
extractor de enfoque puede estar un poco alejado del operador de
la cámara. El extractor de enfoque controla entonces un motor que está
unido a la lente, pero eso es para el futuro. Por ahora, quiero que
practiques con el enfoque y una herramienta útil para eso es
en realidad una de estas cosas. Esta es una tabla de enfoque. Puedes encontrar esto en línea
e imprimirlo. Te permite ver mejor si el avión está enfocado o no. Dicha tabla de enfoque se
usa a menudo para sostener al lado
del sujeto muy rápido, manera que el
operador de la cámara pueda ver si el sujeto está enfocado o no
antes de comenzar a filmar. Pensabas que solo
necesitabas la cámara. La fabricación de películas viene
con miles de herramientas
diferentes que
en realidad no necesitas, pero de todos modos la compras. Ahora ve a practicar tu
enfoque, privado. paso atrás y adelante mientras intentas mantener esa tabla de enfoque, o lo que sea también
golpea grabar en tu cámara, para que puedas revisarla
en tu computadora más tarde, y luego te veré
de vuelta en la siguiente lección.
10. Equilibrio de blancos: Hola chicos. Bienvenida de nuevo.
Algo está mal. El balance de blancos. Permítanme ponerle eso correcto. Ahí vamos. diferentes tipos de
luces en este mundo. Tienes luces cálidas de tungsteno como esta de
aquí o velas, o una luz solar muy baja y cálida. Pero al otro lado
del espectro hay luces
frías como
esta de aquí, pero también las luces
sobre el dentista. Incluso las luces del sol también pueden ser
muy azuladas frías. Durante un
día nublado, por ejemplo. Las nubes cambian el
color de la luz solar, o cuando el sol se pone
después de la hora dorada, obtenemos la hora azul. La diferencia en estos colores de iluminación
natural se conoce como la temperatura del
color y aquí hay una toma que lo
muestra muy bien con ejemplos de tipos de luces que puedes encontrar
en el espectro. Una vela en el lado izquierdo
donde están
los colores anaranjados y un día nublado a
la derecha en tono azul. Incluso podemos darle un valor específico a
la temperatura de color, que se expresa en Kelvin. Una vela se asienta alrededor de
2,000 Kelvin. Una luz de tungsteno es de 3,200. A menudo puedes encontrar estos
valores al comprar una bombilla. Las luces LED no tienen Kelvin
específico, por lo que pueden ser de cualquier valor. En el medio alrededor de los
5.500 y 6.500 Kelvin, podemos encontrar de nuevo la luz
natural. Aquí es donde la
luz del sol no está bloqueada por las nubes y está en
lo alto del cielo. Alrededor del mediodía y
en el lado derecho alrededor de
las 7 o 8,000 Kelvin, podemos encontrar de nuevo el día
nublado y además también se sienta
el cielo azul mismo. Ahora bien, ¿por qué es tan
importante entender esto? Bueno, nuestros ojos se
adaptan automáticamente a estos colores. Por eso ni siquiera nos damos cuenta o ni nos
molesta esto. Pero una cámara
no hace esto automáticamente. Es necesario establecer
el valor Kelvin. Estoy filmando en una habitación
con luces de tungsteno, que se sitúan alrededor de 3.200 Kelvin. Busco el
menú de balance de blancos y entro ese valor. Hacer eso hará que
la luz del tungsteno aparezca como blanca o neutra. Esta técnica se llama
tomar un balance de blancos. Estamos equilibrando
el color de la luz para que aparezca blanco en la cámara. Ahora establecer ese valor
Kelvin exacto te da, por
supuesto, el mayor control. Pero también puedes elegir
entre una serie de presets. Verás algunos iconos en tu menú de balance de blancos que representan las luces
que tienes. Estos son valores preestablecidos y mayoría de las veces debido al
truco, igual de buenos. hay una opción Sin embargo, hay una opción
que
nunca debes elegir, y esa es AWB, o balance de blancos automático. Aunque un
balance de blancos automático parece una buena idea, hace que los colores
cambien y cambien. Los colores en tus
tomas deben permanecer iguales a menos que tengas una
muy buena razón para eso. Entendemos lo que balance de
blancos esto ahora. La idea de hacer que un avión blanco
aparezca como blanco en cámara. Algunas cámaras, definitivamente las cámaras de video
profesionales te
permiten incluso
capturar un punto blanco. Entonces simplemente
apuntas un libro blanco hacia la cámara y
podrás hacer un balance de blancos. La cámara
calculará el Kelvin por ti y se
asegurará de que el papel aparezca blanco y
va a guardar ese valor y no cambiará más
automáticamente después. Ahora no todas las SLR o
videocámaras de consumo pueden hacer eso, así que nos saltaremos esa parte. Además, en realidad no
necesitas ser tan preciso. Ves que una toma como esta
no se siente natural, aunque el blanco es blanco. Sentimos que
algo anda mal. El calor de los colores de
tungsteno interior se han ido y la luz del día que viene a través de la ventana
es dos azulada. A lo mejor en lugar de 3.200, deberíamos establecer el
Kelvin en alrededor de 6.000. Apunta a los colores de luz diurna. Bueno, eso hace que las luces de las
ventanas sean mejores, pero en interiores es demasiado naranja. En un escenario como este, quiere dar
la impresión de que la luz azulada del exterior entra por la
ventana y que
tenemos luz cálida en el interior. En cambio, escojamos
algo entre 4,500. Esto hace que la luz de la ventana sea
un poco más azul y las luces interiores sean
más cálidas naturales. No importa si estás
disparando a 4,200 o 4,800. Siempre y cuando
estés en algún lugar entre el tungsteno
y la luz del día. Al filmar únicamente en interiores sin ninguna luz de colores mezclados, tampoco
recomendaría establecer el
balance de blancos a tungsteno. Quieres mantener ese tono
cálido ahí dentro. Quizás lo puso alrededor de 4 mil. disparar afuera durante el día, esto se considera luz
natural, por lo que esta es una buena idea para
establecer su balance de blancos consecuencia y hacer que
los blancos aparezcan como blancos. Por último, un día nublado
es de mal humor y podrías tomar la decisión creativa para mantener tu balance de blancos a
la luz del día, haciendo que ese día nublado sea
un poco más azul. Se suma a la apariencia, pero eso depende del
cineasta decidir. Ahora por supuesto, una vez
que vas a
saltar a la fase de edición, también
está la parte de
corrección de color en la que
podemos cambiar el balance de blancos
y otros colores también. No se
preocupe demasiado por el
balance de blancos mientras se filma. Solo trata de
pensarlo un
poco para que tus
talentos no aparezcan como una calabaza o algo así
porque cuanto mayor sea la diferencia, más difícil
será corregir
el color. Siempre quieres
asegurarte de estar de alguna manera correcta. Ahora no cubriremos la
edición de video en esta clase, pero sí ofrezco una
edición y Adobe Premier Pro así como una clase de corrección de
color. Si te interesa, siempre
puedes echarles un vistazo. Ahora gracias por
mirar y nos
vemos de vuelta en la siguiente lección.
11. Perfiles de imagen: Ahora he visto muchas cosas,
incluso un balance de blancos muy equivocado, pero esto, donde están mis colores, anuncios y anti contraste. Esto se ve tan lavado. Oh, está de vuelta. Derecha, el perfil de la foto.
Bienvenidos de nuevo chicos. Casi has pasado
por todas las lecciones sobre la configuración de la
cámara. Después de este, ya estás listo
para comenzar con el cine. La idea de las primeras
lecciones era que
entendieras tu cámara dentro
y fuera y lo hemos
logrado. Buen trabajo. Están
haciendo un trabajo increíble. Puedes darte una palmadita
en el hombro, pero detente, no te dé demasiadas palmaditas todavía porque todavía hay
mucho más por aprender. Perfiles de imagen. Dependiendo de las
marcas de cámara que tengas, esa opción de perfil de imagen está escondida en algún lugar
dentro de esos menús. Así que solo hojea
hasta que lo encuentres. Te encontrarás con algunos perfiles de imagen
diferentes, como estándar, neutros,
vívidos, tal vez incluso en blanco
y negro, o monocromáticos. El uso de una de estas opciones
cambiará la forma en que se ve tu video. Vivid te dará un aspecto muy
saturado con mucho contraste mientras que el neutro
va a ser más plano y desaturado. La mayoría de las marcas de cámaras
incluso te permiten
entrar en estos
perfiles de imagen y ajustar allí se ven un
poco más cambiando el contraste o la
saturación individualmente. Ahora viene la misma
pregunta de siempre. ¿Por qué? Bueno, hay dos razones por las que quieres
cambiar un perfil de foto. En primer lugar, no
sabes lo que te está
configurado cuando tu cámara
sale de la caja, eres cineasta, así que eliges el aspecto
de tus videos. O quieres una buena foto
directamente de la cámara, entonces puedes elegir
algo como estándares o
tal vez vívido. Pero si quieres
tener un poco más de control con la corrección de color más
adelante en la edición, lo mejor es elegir algo lo más plano
posible para que elijas neutro y
marques el contraste hacia abajo, la saturación abajo y
la nitidez también. Tenemos una imagen plana fea
pero podemos agregar contraste, colores y nitidez
en la edición. Nos da mucho más control. Eso es lo que viste al
principio de este video. Ya ves, esta de aquí es la imagen plana que está siendo grabada por la cámara y esto es con alguna corrección de
color encendida. Eso lo hacemos porque no
podemos eliminar contraste o
los colores saturados sólo hasta cierto punto. Es por eso que
a los cineastas les gusta rodar plano para tener esa posibilidad de grado de color y obtener ese aspecto cinematográfico. Las cámaras de video profesionales
e incluso un poco de SLR
prosumidores tienen
la capacidad filmar en un perfil de imagen de registro. Por lo general,
es un escenario que está aún más escondido, pero es esencialmente
una imagen súper plana, como puedes ver aquí mismo. Pero contiene toda la
información que necesitamos. Un tiro como ese puede ser fácilmente clasificado por color a
algo como esto, de hecho ese aspecto plano. Esto de aquí mismo es en realidad
un perfil de imagen de bloqueo y me da la posibilidad colocarlo a
cualquier cosa que quiera, como esto o esto, tal vez esto. Verás, puedes simplemente hacer lo que
quieras con esto, lo cual es mucho más difícil
y tal vez incluso imposible con algo
así como un perfil de imagen vívido. Ahora, cada marca tiene su propio sabor de este perfil de imagen de
registro. Las cámaras Sony lo llaman S-Log, cámaras
Panasonic llamadas V-Log, para Canon es C-Log, etc. pero todo se baja
por lo mismo. Si perfiles de imagen o algo lo
que ya estás
familiarizado,
definitivamente juega con definitivamente juega con un perfil de imagen de registro y echa un vistazo a mi clase
sobre gradación de color. Todo esto es nuevo para ti, entonces no te molestes en
disparar registro todavía. Solo pon tu cámara a
estándares o neutral, lo que prefieras, y
enfócate primero bajo el resto del cine, porque hay mucho que aprender y el espectáculo acaba de comenzar, pero estoy súper emocionada de
te llevará en este viaje. Lo que me gustaría que
hicieras ahora es pasar por todos los ajustes de tu
cámara, si aún no lo has hecho. Asegúrate de
sentirte cómodo con las diferentes herramientas y controles manuales y
cuando te sientas listo, vuelve porque en las próximas lecciones
vamos a empezar con un nuevo y aprender sobre el
lado creativo del cine, que comienza con
la regla de los tercios.
12. Regla de los tercios: Hoy en día si
grabas un video, simplemente sacas la
tarjeta SD de tu cámara, conectas a tu computadora y podrás empezar a verla. En los viejos tiempos, en realidad
tenías que
sacar la tira de película
de tu cámara, desarrollarla, [RUIDO] ponerla
en esta cosa de aquí mismo, que luego proyectaría
la película para verla. Hablar de esto me
hace sentir muy viejo, pesar de que esto
fue antes de mi tiempo. De todos modos, ahora viene la parte divertida. Las siguientes lecciones te
separarán de un principiante porque conocer tu cámara de
adentro hacia afuera es una buena base. Pero si no sabes
cómo usarlo correctamente, sigues haciendo las cosas mal. Empecemos con el encuadre. Esta es la forma en que apuntas tu cámara a tus sujetos. Probablemente ya hayas oído
hablar de una composición. Esta es la forma en
que posicionas diferentes elementos en un disparo. Tenemos esta roca justo aquí, y algunos árboles en la
parte de atrás al movernos, y la forma en que apunto mi cámara a estas cosas,
puedo colocarlas de manera diferente
en el marco de mi cámara. Un cineasta sabe lo que es un buen
encuadre o composición. En otras palabras,
saben dónde colocar esos árboles y las rocas para
que la toma sea interesante, y agradable de ver. Ahora bien, existen diferentes
tipos de técnicas de encuadre, pero casi todo se reduce a la
regla básica de los tercios. Divides tu tiro
en tres partes, tanto horizontal
como verticalmente, la regla del nombre de los tercios. Es posible que esté familiarizado con esta cuadrícula, como
puede llamarla, ya que una superposición en casi
todos los dispositivos de cámara, incluido su teléfono,
generalmente se conoce como cuadrícula. Esta es una guía que podemos usar para alinear diferentes objetos, y comencemos con lo básico. Estamos filmando un paisaje que se divide
con el horizonte. La idea es colocar el horizonte ya sea
en la
directriz superior o en la inferior. Eso va a depender lo que más quieras mostrar, son esas las nubes o
quizás es el paisaje mismo? Si es el paisaje, obviamente pones el
horizonte en la línea superior. Este es un tiro equilibrado. Es agradable verlo porque lo hemos alineado
a la regla de los tercios. Ahora vamos a traer un sujeto al encuadre
como un árbol.Un árbol es alto así que no podemos posicionarlo en las pautas del
horizonte. Vamos a usar una
de las verticales, ya sea la izquierda
o sobre los derechos. Al mismo tiempo,
vamos a mantener el horizonte en la línea superior o quizás en la inferior. Una composición
siempre van a ser múltiples objetos o sujetos
que necesitan ser alineados. Al igual que con el horizonte, piensa en qué área
es más importante
mostrar es que el lado izquierdo o
derecho del árbol, dependiendo elegirás a qué pauta
alinearás el árbol. Ahora a veces tu tema o foco
principal es mucho
más pequeño que el entorno, como el Terence aquí, que está sentado en una roca
en la distancia lejana. En un caso como este,
podríamos posicionarlos tanto en una línea vertical como en
una horizontal, básicamente eligiendo
una de las cruces. Ahora bien, si algunas áreas realmente
no tienen ningún sentido, podrías optar por una composición
central, básicamente centrando el tema, ya sea perfectamente en el centro o aún tenerlas sentadas en una de las
lineamientos horizontales, esto también funciona. Haciendo una
composición tan centrada, aunas toda la
atención al tema. Filmando el tema
desde una distancia más cercana, podemos hacer lo mismo. Colocar un sujeto ya sea a la izquierda o
a la derecha o al centro. Pero, ¿qué ponemos en
la línea horizontal? El punto de intereses. ¿Dónde mira el público para una persona que
va a ser sus ojos? Nosotros jugamos sus ojos en
la línea horizontal superior. El fondo también podría funcionar, pero entonces necesitas una muy
buena razón para eso. Algo está pasando
por encima de la cabeza de Terence. Entonces en cuanto a las líneas verticales, siempre y cuando la
persona que esté mirando a la cámara, puedes elegir. A menudo, se usa una
composición centrada, pero cuando el Terence
está apartando la mirada de la cámara,
algo sucede. De repente, se produce una
dirección de visión. El Terence o mira a
la izquierda o a la derecha. En nuestra composición,
necesitamos darle algo de espacio a esta dirección de
visión. Cuando tu Terence
mire a la izquierda, colocará a esa persona en la guía vertical derecha con el
espacio de visualización a la izquierda, y por supuesto viceversa. Ahora bien, esta regla no
sólo se aplica a las personas, sino básicamente a cualquier cosa
con rostro como animales y estatuas
o ositos de peluche. De hecho, funciona con cualquier cosa que tenga un
frente y un trasero. Piensa en un auto, no tiene cara,
pero sí tiene un frente, así que asegúrate de darle a ese
auto algo de espacio de visualización. Por último,
también hay espacio para caminar. Si un humano camina en
cierta dirección, dele espacio para caminar. Es lo mismo que ver el espacio. Si caminaban
de izquierda a derecha, colocas a esa persona
en la pauta izquierda, y sigues sus movimientos. Nuevamente, esto funciona con
cualquier cosa que se esté moviendo, incluyendo autos, aviones,
animales y otras cosas. Por supuesto, esto solo implica cuando estás siguiendo una asignatura, cuando tienes un encuadre
fijo y eliges dejar que la asignatura estudiantes
borrachos tomas, no
tienes que darles espacio para
caminar obviamente. Pero así es como funciona la
regla de los tercios, y dependiendo de qué áreas
sean las más interesantes, a
dónde esté
mirando o trasladándose el tema, colocas en una
o más pautas. En la siguiente lección,
vamos a trabajar un poco más con la regla de los tercios y enfocarnos
únicamente en las personas.
13. Enmarcado de talento: Entendemos la regla
de los tercios y cómo usar las pautas para enmarcar diferentes
objetos en una toma. Pero el objeto más común o mejor establece sujeto
es el ser humano. Ya sea que estés filmando
una presentación, un diálogo entre dos personas, una escena de acción, no
importa. Filmar a la gente viene
con reglas de encuadre. Hay tres encuadres principales; el primer plano, el tiro medio y el plano largo. En el medio tenemos sub-encuadres
como planos extremos de primer plano,
o planos medio-largos , planos
extremos largos. Se trata de sub-encuadres
y, por lo tanto,
no son tan importantes de recordar. También se puede decir,
hagamos un tiro largo, que está un poco más cerca. Realmente no
importa siempre y cuando entiendas los tres marcos
principales. Empecemos con un tiro largo. Esto quiere decir que vamos a
enmarcar para que el talento sea completamente visible en
tiro de pies a cabeza. Como aprendimos en una lección
anterior, podríamos ir por una composición
central si están mirando
a la cámara. Si están
apartando la mirada de la cámara, dale a tu talento espacio de
visualización y
alinéalos en el lado adecuado de
las pautas verticales. El uso de
las pautas horizontales se vuelve más complicado. Estamos mirando a la cara, así que tal vez queramos alinear eso con la directriz
horizontal. Pero en un tiro largo, eso crea demasiado
espacio de cabeza por encima del sujeto. Ese espacio se llama espacio de
respiración. Necesitas algo de eso,
pero no demasiado. Lo justo para que tu sujeto se
suelte del encuadre. En la parte inferior donde están
los pies, también
quieres dar
algo de espacio para respirar, espacio entre los pies
y el marco inferior. Si pegarías los
pies al marco, se ve muy extraño. Esto se llama el efecto
títere, por cierto, solo no
me preguntes por qué es solo esto. Lo mismo con la cabeza de
tu talento, pegarlo al encuadre
superior es extraño. Crea ese efecto títere, que quieres evitar, dale
algo de espacio para respirar. Ahora vamos a
acercarnos un poco más al talento. Esto se considera
un tiro medio-largo. Vamos a cortar a los
pies del talento fuera. Quiero decir, no de verdad, sólo por enmarcarlo. Ahora aprendimos sobre
el efecto títere. No quieres que nadie se
pare en tu encuadre. Lo mismo ocurre
con cualquier articulación. Eso significa tobillos,
rodillas, pelvis, etc. Evite cortar en
cualquier cosa que pueda doblarse. Un tiro medio-largo como este es extraño ya que estamos cortando
en las rodillas. Sé que hacer cine es cruel, hay mucho
corte involucrado. [Risas] De todos modos,
no quieres hacer eso, siempre cortar por encima o
por debajo de una articulación. Esto se siente mucho más natural. Ahora vamos a tomar un tiro medio. Vamos a cortar
por encima de la pelvis. Interesante ahora es
que nuestro tema se
ha vuelto más
prominente en una toma. Ocupa más del encuadre. De hecho, podemos
colocar ahora los ojos del sujeto sobre los lineamientos
horizontales. Ten en cuenta dar
espacio para respirar por encima de las cabezas, definitivamente, para un disparo medio. Podemos volver a acercarnos un
poco más y tomar un primer plano medio. Esencialmente estamos cortando
debajo de los hombros. Nos estamos acercando tanto que ahora es
imposible dar espacio para
respirar por encima de la cabeza. Cortaremos en la cabeza, evitando el efecto títere, y nos aseguraremos de cortar también en
la frente. Estamos entendiendo
esto, chicos. Vamos por un primer plano. Quieres estar por encima de
los hombros ahora, pero debajo del cuello, ya que eso también es una articulación. Los ojos van a estar por encima de la
pauta superior, de lo contrario, vamos a cortar
demasiado el cuello y la barbilla para dejar un
espacio no deseado por encima de los ojos. Las frentes ya no se vuelven
tan importantes, nos estamos enfocando en los ojos, la nariz y la boca en primer plano. Por último, está el primer plano
extremo. Básicamente, puedes elegir en qué
quieres enfocarte ahora. O eso va a ser sus ojos o boca o lo que sea. La mayoría de las veces lo vas
a enmarcar en el medio a menos que tengas una buena
razón para mostrar otras áreas. Como si vas por los
ojos pero también por la nariz, puedes poner luego los ojos
en la pauta superior o un poquito arriba y dejar
espacio abajo para la nariz. Eso es en pocas palabras
cómo enmarcar un talento. Al igual que con el espacio de
visualización, también
puedes encontrar caras
en otros objetos. Un osito de peluche también es un talento que se puede enmarcar por
los mismos principios. Hasta objetos opacos
como una nevera. Antes te estás preguntando,
qué pasa con las juntas, bueno, esas son las intersecciones
entre las dos puertas. Eso también se considera
un conjunto. Muchos objetos tienen
algo así. Piensa por ejemplo aquí
mi luz en la parte de atrás. Esto aquí mismo en los
soportes de luz donde puedo
inclinarlo hacia arriba y hacia abajo, eso se considera un porro. O cortas en encuadre justo encima de él o justo debajo. Ahora hay un
último tipo de encuadre que aún no hemos
hablado, y esa es la toma de
establecimiento. Ni siquiera es un encuadre real, sino más bien una toma de narración. Una toma de establecimiento
se utiliza a menudo en el comienzo mismo de una
película o de una nueva escena. Muestra la ubicación y
a veces también la hora. Por ejemplo, un
plano amplio de una casa. Lo que sigue a continuación es una escena de una familia
cenando en esa casa. Pero esa toma estableciendo de la casa le dice al
público que la familia está en casa de papá y que se nota durante el día,
el sol brilla. Ayuda a localizar
donde estamos, y podemos usar ese principio
para hacer trampa un poco, porque ese tiro de establecimiento no tiene por qué ser una reubicación. Pero puedes engañar a tu
audiencia haciéndole pensar es el lugar en
el que se reproduce la escena. Un ejemplo aquí son estos rascacielos donde de repente ocurre
una explosión en. Luego cortamos a un disparo
mío donde pretendo
haber intentado desactivar la
bomba, pero eso falló. Obviamente, en realidad no estoy sentado en ese edificio en
particular, sino desde el
punto de vista de la historia, lo estoy. Ahí es donde los clips de stock también
vienen muy útiles. Usamos una biblioteca llamada
Storyblocks para eso. Por cierto, habían sido un
socio de nosotros desde hace mucho tiempo. Básicamente es una biblioteca
llena de más de
un millón de videos de archivo de
varios géneros y temas. Puedes utilizarlos
comercialmente y descargar activos de video
ilimitados con
una suscripción activa. Por eso se lo puedo
recomendar encarecidamente a cualquiera. Por ejemplo, me encontré con esta
toma de establecimiento de un planeta. Eso es algo que obviamente no
puedo filmar, pero lo puedo descargar desde aquí, y me permite
señalar una escena específica que se reproduce en diferentes
planetas como Marte. Luego cortamos a estos
disparos aquí mismo y
parece que estos
tipos están en Marte, lo que por supuesto no lo son. Esto es en algún desierto aquí
mismo en el planeta Tierra. Estos también son
clips de stock de Storyblocks, pero ya entiendes la idea. ¿Sabes qué?
Dejaré un enlace aquí abajo en las notas de clase. Si quieres echar un
vistazo a Storyblocks, ese es un
enlace especial, por cierto, que apoya nuestro negocio y estos cursos que
estamos haciendo aquí. De todos modos, un
tiro establecido realmente no tiene reglas en cuanto a lo
ancho que es tu tiro. Quiero decir, puede ser
un planeta entero. Importante es que muestra la ubicación y tal vez
también a una hora del día. Asegúrate de tratar
tu objeto como un sujeto. Toda la casa y todo
el planeta
se convierte en un sujeto. Como hemos aprendido sobre cómo enmarcar un sujeto a
la regla de los tercios, darle algo de espacio para respirar, y algo de
espacio de visualización si no eliges una composición central. Ahora aún no hemos terminado
con el encuadre. Hay dos lecciones más
sobre enmarcar con objetos de
primer plano y
una sobre fondos. Después de eso, puedes
tomarte un pequeño descanso. Hasta entonces, sigan vigilando, chicos.
14. Foregrounds: Hasta el momento sólo hemos estado
enmarcando a una persona pero ¿y si hay una conversación
entre dos personas? Al disparar desde
un lado podemos colocar cada talento en las pautas
verticales y además aplicar
las reglas de encuadre dependiendo de si
se trata de un tiro largo, tiro
medio o un primer plano. Tener a dos personas en el tiro
también se conoce como un disparo de dos. Esencialmente nos estamos
enfocando en los dos talentos. Ambos son igualmente
importantes, un disparo de dos. Pero en el momento en que uno
de ellos empieza a hablar, a menudo cortamos a un tiro
por encima del hombro. Aquí tenemos un talento
enfocado y el hombro de la otra persona
desenfocado en el lado del encuadre. En otras palabras, el hombro está actuando como un objeto de primer plano. Al mirar la
regla de los tercios, vamos a enmarcar
el hombro en este ejemplo en
el lado derecho de la línea vertical no
sobre sino al lado de ella. El tema en sí puede
enmarcarse normalmente en los lineamientos
verticales. Recuerda que estas
pautas están ahí para llamar la atención sobre un tema. No queremos que el hombro
llame la atención, solo
está ahí como elemento de
primer plano. El tiro por encima del hombro
te da más idea de
dónde estamos. Podemos ver que el talento es
platicar con otra persona. Este es un encuadre
que podríamos usar para intercambiar entre las dos
personas mientras están hablando. Trasladamos la cámara de
una persona a otra. Esta es una forma muy
típica pero una forma de capturar una conversación. Los objetos de primer plano no
siempre tienen que ser un hombro. También puede ser una roca
o un árbol, cualquier cosa. Tener un
primer plano fuera de foco en realidad crea más
profundidad en tus tomas. Empiezas a ver mayor paralaje entre los sujetos
y los primeros planos. Esta es una manera muy fácil de hacer tus tomas simplemente
más interesantes. Ahora a veces ese
objeto de primer plano sí se vuelve
más importante. Vamos a volver a
trabajar con un talento y esa persona está mirando
a lo lejos. Ahora, podríamos optar por hacer
un encuadre sobre el hombro, esta manera demostramos que la persona está mirando el paisaje. Pero también podemos colocar
el talento en uno de los lineamientos verticales
aunque el primer plano
esté fuera de foco. Se convierte en una
parte más importante de los disparos. Alternativamente, incluso podrías optar por una composición central. Una toma como esta suele
utilizarse para contar una historia visual. El paisaje es grande
y el talento está listo para explorarlo e
ir a una aventura. Estas son obviamente técnicas de cámara más
avanzadas pero quiero que sepas que encuadre de
cámara a
un nivel avanzado se reduce a la
narración visual. Hay dos formas de enmarcar un sujeto ya sea para hacer
una toma natural que sea agradable para el
público o llevarla un paso más allá para contar
una historia visual. El arte de crear historias
visuales en la realización cinematográfica
se llama cinematografía. En las películas,
vas a ver una mezcla
tanto de tomas normales como de tomas de narración
visual. Por ahora, centrémonos en los encuadres básicos y una buena sensación de esos primero, y luego podremos pasar
al siguiente nivel.
15. El fondo: Hay una última
cosa que aún no hemos cubierto a la
hora de enmarcar, y son los fondos. ¿Qué sucede
en los fondos? Ahora, tenemos un
bonito tiro medio del talento enmarcado por
la regla de los tercios. A pesar de que esta es una buena toma, nos olvidamos de pensar en lo que está pasando en el fondo. En realidad,
este no es un gran tiro. Tenemos un árbol justo detrás del talento y se
destaca por detrás de
la cabeza del talento. Esto se siente muy extraño y algo que siempre
quieres evitar. Si hay un árbol, un poste, o cualquier otra cosa que pueda sobresalir por
detrás del sujeto, asegúrese de evitarlo. Siempre coloca un árbol como este al lado del
tema o tal vez córtalo un poco
fuera del marco si no quieres llamar
la atención sobre él. Aparte de enmarcar, el fondo también nos
dice dónde estamos. En un tiro medio como este, el tema es muy prominente en los planos y no vemos
mucho de los fondos, pero sí sentimos que
estamos en un bosque o en algún parque porque podemos ver árboles
en el fondo. Por eso nosotros, como cineasta,
tenemos que pensar en
lo que sucede en el fondo y lo que
queremos en los fondos, ¿qué encaja mejor para mi historia? ¿Tiene sentido que
estemos rodeados de árbol, o es mejor
entrar y tener una
sala de estar al fondo? Eso es para que nosotros decidamos. Con esta lección, solo
quería que estuvieras al tanto de los antecedentes. Mírelo y hágase
la pregunta de si hay o no algo molesto
y si tiene sentido, también los elementos en el fondo necesitan
ser enmarcados correctamente. Ahora, tomemos
ese pequeño descanso. Coge tu cámara o
incluso tu teléfono, y prueba algunas de estas técnicas de
encuadre. Pregúntale a un amigo o si no
hay nadie disponible, solo rellena tu osito de peluche, practica esos tiros largos, medianos y primeros planos mientras sigues
la regla de los tercios. Si puedes, incluso habilita esa arena como una superposición en
tu cámara y finalmente, ve qué puedes lidiar
con los objetos de primer plano. Practica eso un poco, y
cuando te sientas listo, regresa y
continuaremos con el resto.
16. Distancia focal: Hola, bienvenido de nuevo.
Hay dos tipos de lentes que puedes
conectar a tu cámara. O es una lente prime
o es una lente zoom. Los lentes Prime tienen una distancia focal
fija como 50 milímetros. objetivo zoom puede cubrir un rango
completo, por ejemplo, de 24 milímetros
a 70 milímetros. Girar el anillo en la
lente le permite acercar, o en otras palabras, cambiar
las distancias focales. Ahora los lentes prime tienden a ser de mejor calidad ya que son más fáciles de construir y mantener
esa mejor calidad óptica. Por eso son más económicos que los lentes
zoom de igual calidad. Esa es la historia de fondo. Pero ahora, ¿cuáles son esos
milímetros de los que estaba hablando y cómo
afecta a nuestros disparos? Bueno, hay tres diferencias focales
distintas. Tienes gran angular. De manera extrema podemos incluso
llamar normal a este ojo de pez, que está justo cerca de
cómo vemos el mundo o la distancia
focal de nuestros ojos. Finalmente tele, que
se amplía, podemos ver las cosas más cerca de lo que
aparecen en la vida real. Ahora, el ojo humano
se encuentra
en algún lugar alrededor de 50 milímetros. Por eso es tan popular una
lente de 50 milímetros. Cualquier cosa por debajo de eso
es gran angular, por lo que una lente de 20 milímetros
se ve algo así. Una vista de ángulo muy amplio. El lado opuesto, lente de
100 milímetros se amplía. Hablamos de un
teleobjetivo en tomas, y hay mucho más que hacer al cambiar
la distancia focal. De hecho, vamos
a echar un vistazo a tres efectos secundarios diferentes con los que viene cualquier distancia
focal. Aquí tenemos una toma media de nuestro talento a distancias focales de 100
milímetros. Aquí está esa misma toma otra vez, un encuadre medio
a 20 milímetros. Lo primero que notamos es el fondo y
en plano gran angular, podemos ver mucho más
del entorno que
con la tele lente. Esto se debe al
campo de visión que cambia. Comenzando en gran angular, tenemos un gran campo de visión
y a medida que nos acercamos, se vuelve más estrecho. Hacer este truco aquí mismo con los
brazos realmente ayuda a
visualizar lo que sucede. Cuando un fondo
es menos importante, posible
que desee acercar
un poco más, cuando sea más
importante y
desee mostrar más
del entorno,
tal vez alejar el zoom y estar
más cerca del sujeto. Es muy importante estar
al tanto de esto. No se limite a acercar
porque es más fácil, porque tal vez la mejor
opción es alejar el
zoom y de hecho estar
más cerca de los sujetos. Este mismo efecto
del campo de visión se
puede encontrar de nuevo en
el talento mismo. ver lo que le hace a la cara. Amplía más el rostro en un plano amplio y
lo comprime más en un teledisparo. Es por eso que las
tomas de belleza siempre se filman a 50
milímetros y más. Ochenta milímetros por
ejemplo es algo que muchas veces
se usa en la moda porque te hace lucir más
bella, más agradable. Un plano amplio te hace
ver gracioso y raro, entonces ¿estás filmando comedia o algo más
serio como la moda? Ahora ya sabes qué tipo de
distancia focal elegir. Eso fue
lo primero, el campo de visión. Lo segundo
es la profundidad de campo, y ya hablamos de esto antes. Tener una abertura abierta crea una
profundidad de campo más superficial. El área que está en
foco es menor. Ahora encerrando la apertura de ese campo de enfoque o profundidad
de campo se hace más grande, podemos poner más cosas en foco. Lo mismo ocurre al
acercar o alejar el zoom. Alejado, o en gran angular, tenemos una gran profundidad de campo, lentes
muy gran angular como tu ojo de pez para que pongas
todo en foco. Esa es una de las
razones por las que esas cámaras de acción como la GoPro tienen
una lente tan gran angular. No hay opciones de enfoque por lo que
estas cámaras de acción necesitan
tener una lente gran angular para
que todo esté enfocado. Pero entonces cuanto más
empecemos a acercarnos, menos profunda se vuelve la profundidad
de campo. A menudo un
camarógrafa cerrará su apertura un poco más
cuando filma una tele lente, ahí es donde puedes
hacer
que tu campo de enfoque un poco más grande nuevamente, sea
un poco más grande nuevamente,
facilitando
mantener las cosas adentro enfoque. Si quieres lograr esa profundidad de campo
cinematográfica, simplemente
filmes desde una
distancia focal más grande o acercas. Eso nos lleva
al último efecto que tiene la distancia focal, que es la
perspectiva de la audiencia. El público o las
personas que ven tus videos ven todo
a través de la cámara. Eso es obvio. Ellos experimentan la historia que estás contando desde la perspectiva de la cámara. Ahora bien, si filmamos nuestros temas
a distancia y acercamos
el zoom, el público también siente
que están muy lejos. Están viendo algo
desde la distancia y esta de nuevo es una técnica de
narración visual que hablamos antes. Mirar algo
desde la distancia crea ese mismo sentimiento. Ahora no estamos involucrados
ya que estamos viendo la situación sin embargo
no somos parte de la situación. Ahora frente,
podríamos alejarnos e ir a gran angular y quedarnos muy
cerca del sujeto. De pronto el público se sitúa
justo al lado del tema. Ahora son parte de
la situación. Durante una escena de acción, el público también se siente
en peligro. La distancia focal te permite colocar
a la audiencia
donde quieras. Una herramienta muy poderosa dentro de la narración
visual. Bien, así es como funcionan las
diferentes distancias focales. Pero ahora cuando sales
a la tienda y compras esa lente de
50 milímetros muy elegante, podrías notar que
en realidad no se compara
con el ojo humano. De hecho, podría ser más tele. Se siente tal vez algo
así como 80 milímetros. ¿Cómo es eso posible? ¿He estado mintiendo todo
el tiempo? No te preocupes, no lo he hecho. El caso es que
para poder ver la lente completa de 50 milímetros, en realidad
necesitarás
un sensor de fotograma completo. Ese es el pequeño
chip que se encuentra dentro del cuerpo de tu cámara. Aguanta, déjame
agarrar uno de esos. Tiene cierto tamaño físico. Cuanto mayor sea el tamaño, más
cubrirá de la lente real. Si tienes un sensor más pequeño, solo
estás capturando una porción
más pequeña de esa lente. Básicamente, estás
recortando en el video. Ahora, los sensores de fotograma completo como este de aquí son
definitivamente una cosa, pero algo así como un sensor APS-H o un sensor APS-C como esta
cámara también son súper populares. En estos sensores los tamaños
se pueden encontrar en cualquier cosa
como una
cámara Sony, una Nikon, y Canon, no importa. En términos de tamaño, todos
tienen su propio sabor, pero se
reduce aproximadamente a lo mismo. Ahora, Micro Cuatro Terceros también es un tamaño de sensor muy popular, que es incluso
más pequeño que este. Ahora, estos se sientan en las cámaras
Panasonic Lumix. Eso significa que para
tener una vista de 50 milímetros, en realidad
necesitas comprar una lente de 35 milímetros si tu cámara tiene
un sensor de tamaño APS. La razón por la
que sé eso es porque
puedo buscar el factor cosecha. Se trata de un número multiplicador
como uno y medio, que es para sensores APS-C. Una lente de 35 milímetros
por 1.5 se reduce a aproximadamente 50
milímetros en un sensor APS-C. Para un sensor Micro Four Third, es
necesario multiplicar por dos. Quieres mirar
una lente de 25 milímetros o 24 milímetros, que es más fácil de encontrar. De esa manera podrás tener ese campo de visión de
50 milímetros. Ahora para hacerlo aún más complicado de lo que ya
es, lo siento chicos, no
inventé esto, pero también se podrían hacer
lentes específicamente para un tamaño de sensor
específico. Eso significa que
tienes lentes de montura completa, tienes lentes APS-C,
tienes lentes Micro
Four Third. Ahora, su factor de cosecha
sigue siendo el mismo, así que eso no es nada
de qué preocuparse, pero su cobertura, por
otro lado, es diferente. Una lente APS-C es
tan grande que cubre el tamaño de un sensor APS-C
y todo lo que se encuentra debajo. Pero eso también significa sensores Micro
Four Third, pero no un sensor de fotograma completo. Si pones una lente APS-C en
un sensor de cámara de fotograma completo, comenzarás a ver una
viñeta de la lente real. Eso es porque
no es lo suficientemente grande como para cubrir todo el sensor. Esto es muy importante
saber cuándo vas a
buscar una nueva lente. Si eliges comprar una lente
para un cierto tamaño de sensor, significa que ya
no puedes usarla cuando vas a comprar
una cámara en el futuro, lo que podría tener un tamaño de sensor
más grande. Idealmente, compras lentes
de montura completa, pero son mucho más caras. Son más grandes y
son más pesados. Esa es una elección que
tienes que hacer por ti mismo. Tengo un juego de lentes
APS-C ya que mayoría de las cámaras utilizan
ese tamaño de sensores. El fotograma completo se usa con más frecuencia en fotografía y no
tanto dentro de la videografía. Eso es lo que necesitas
saber sobre las lentes. Si tienen alguna pregunta, o tal vez están pensando en comprar una nueva lente o
algo de eso, háganme saber en la
discusión abajo, chicos, y estoy feliz de
darles algunos consejos al respecto.
17. Posición de la cámara: Ahora bien, aunque una cámara
puede tomar cualquier posición, básicamente
hay
tres distintas. ¿Filmas para mí, ángulo bajo, o vas a gran altura, o vas por encima de los ojos
y tomas un tiro alto? Eso significa que
cualquier cosa inferior a la altura del ojo se considera
un disparo de ángulo bajo. Cualquier cosa por encima del ojo se
considera un ángulo alto. Pero comencemos
con el ángulo bajo y por qué deberías usar eso
o por qué no deberías. Ahora, antes que nada,
la posición de la cámara crea
una historia visual. Cuenta algo
sobre el personaje. Recuerda que el público
siempre percibirá el video que están viendo desde
la perspectiva de la cámara. Hablamos de eso
antes al colocar la cámara cerca del
talento o lejos. Ahora al disparar por debajo de la
altura de los ojos del talento, estamos mirando hacia arriba
al personaje. Aparecen más grandes en pantalla, pero también en estatus. De pronto mi talento es alguien que significa algo. Tienen la ventaja, tienen el control, ellos son el jefe. Incluso al filmar
ligeramente por debajo del nivel de los ojos, ya
estás
contando esa historia. Por eso es tan importante estar
al tanto de esto. Ahora por supuesto, solo ir
ligeramente por debajo del nivel de los ojos, no
hará que ese
efecto sea tan prominente, pero la diferencia de estado
está ahí solo ligeramente. Ahora en el caso extremo, hablamos de una
perspectiva de vestir. Esto se usa cuando
quieres mostrar que tu personaje es
el verdadero jefe, el rudo, el que
lo tiene todo y el control. Entonces tenemos la altura de los ojos. Esto es cuando nivelas
con tu público, haces que tu personaje sea igual. Nada especial, una posición
neutral de cámara
, muchas veces utilizada en entrevistas. Entonces finalmente, tenemos
la alta perspectiva. El personaje
parece ser pequeño en pantalla y su estatus
también disminuye. Estamos
despreciando los talentos. Parecen más vulnerables
y en el caso extremo, podemos llamar a esto incluso una perspectiva de ojo de
pájaro. Ahora bien, cosas bastante
comprensibles, pero ¿cómo implementamos
esto en un proyecto de video? Bueno, digamos que tenemos a
dos personas hablando entre sí. Uno de los personajes es el empleado y el
otro es el patrón. El empleado se acerca
al jefe para pedirle una carrera. Al principio, el empleado
se siente vulnerable, un poco asustado de preguntar. Disparamos a los talentos desde
una perspectiva superior. Al disparar un hombro por encima del hombro, incluso
vinculamos esa perspectiva con la persona con la que está hablando el
talento. Cuando el jefe empieza a hablar, cambiamos el ángulo de la cámara y
disparamos desde un poco más abajo. El patrón tiene
los motivos altos. Ellos pueden tomar la decisión, pero de repente el
empleado aumenta su juego. Cambiamos las posiciones de la cámara
y filmamos ligeramente desde abajo, haciendo que el talento
parezca más fuerte. A lo mejor el empleado está
amenazando con renunciar, así que el jefe podría tener
un poco de miedo. Disparamos desde un ángulo
ligeramente más alto, haciendo que el jefe
se sienta ahora vulnerable. Pero ese es un gran
ejemplo de cómo puedes establecer y cambiar el
estatus de un personaje. Esto también se extiende a
trabajos creativos o videos de eventos. Una vez conocí un video corto sobre alguien que hace artes de pintura en
aerosol. Creé una mezcla de
ambos disparando desde un ángulo bajo para hacerlo
aparecer como un gran artista, pero también desde un ángulo alto
para visualizar
lo pequeño que es frente a la gran pared
que está a punto de pintar. Eso nos dice algo sobre el lienzo en el que está trabajando. Piensa siempre en la posición de la
cámara y cuál es el estatus
que quieres
darle al personaje
o talentos.
18. La regla de 180 la regla: La regla de los 180 grados
es probablemente una de las reglas más importantes para cualquiera que esté
comenzando con el cine. En el momento en que tengas a dos personas conversando entre sí, entonces
podemos rellenar esto
desde múltiples ángulos para hacer el video más interesante, como ya lo hemos aprendido, podemos hacer una toma de dos o
tal vez un sobre hombro, tal vez un tiro largo desde un ángulo, tal vez cambiar la posición de la
cámara e ir un poco más bajo. A pesar de que tenemos la libertad de colocar la cámara
donde queramos, usted quiere asegurarse de no
desorientar al espectador. Ahí es donde entra en juego la regla de los
180. Ves como el cineasta, sabemos cómo es la
ubicación. Lo hemos visto con
nuestros propios ojos y nuestro cerebro puede
decir de inmediato dónde está todo. Pero el público sólo ve la ubicación verdadera a la
vista de la cámara. Esto es algo muy
importante a tener en cuenta. Podemos dibujar una línea invisible a través de los dos caracteres, estamos cortando en la dirección
que están buscando la
dividimos en dos partes ambas, 180 grados, de ahí viene
el nombre. Ahora, es importante
elegir uno de esos sitios y quedarse allí. Eso significa que podemos
colocar la cámara aquí y luego cortar a este
ángulo o a aquí. Pero no se pueden mezclar tomas de
un sitio con el otro. Eso va a
desorientar al público. Déjame mostrarte por qué es eso. aquí el talento está mirando hacia el lado derecho del marco. Mientras nos mantengamos del
lado de la regla de 180 grados, el talento seguirá
mirando los derechos. Pero una vez que pasamos por encima de la línea, el talento ahora de repente
mira a la izquierda. Para el público,
parece que el talento ha dado la vuelta
pero no lo han hecho. Esto se vuelve aún más
confuso con dos personas. Uno está orientado a la derecha mientras que el otro
está orientado hacia la izquierda. Esto es normal ya que se
paran uno frente al otro. Pero cuando cruzamos la línea, su dirección de visión ahora
es diferente, y perdemos la
sensación de que están parados uno frente al otro. Esta regla también se extiende
a diferentes lugares donde tenemos los mismos
temas como un auto de conducción. Si el auto
se aleja de un lugar, elegimos una dirección determinada. Por lo general eso es de izquierda
a derecha al seguir ese auto o realizar múltiples disparos desde él
en diferentes ubicaciones, nos aseguramos de quedarnos de
ese lado de la regla 180. De esa manera el auto siempre conduce de
izquierda a derecha, independientemente de la ubicación. Si dispararas
desde el otro lado, el auto conduciría hacia
el otro lado. Ahora parece que dio la vuelta en algún lugar entre dos disparos. Por eso es tan importante
filmar desde un lado de la regla de 180 grados para mantener a
tu audiencia orientada. No obstante, a veces sí se quiere desorientar a
la audiencia. Piensa en una escena de lucha. Obviamente es una pelea falsa
y quieres evitar eso, el espectador ve eso. Constantemente saltaremos por encima la línea de 180 grados para desorientar a la audiencia
y encubrir errores. Pero también esto crea caos y confusión que
encaja en la escena. Es una forma de narración
visual. Romper las reglas de la realización
cinematográfica es a veces
para mejor, pero solo puedes romper las reglas si las
entiendes primero. Por eso quiero que
sigas primero la regla de los 180
grados, hagas algunas tomas y las
edites juntas, veas cómo influye en
tu escena. Una vez que lo hayas cogido, entonces estás listo
para romper esa regla. Por supuesto, por una razón
específica, todo lo que hagas
dentro del cine necesita tener una razón.
Gracias por mirar.
19. Movimiento de mano: Movimientos de cámara de mano. Estamos empezando a tener una idea
de cómo funciona el cine. Hemos cubierto la mayoría de las reglas, así que estamos listos para
comenzar a disparar. Para la mayoría de la gente empieza es simplemente sosteniendo su
cámara en sus manos. Absolutamente nada
malo en eso. Incluso las grandes producciones de Hollywood son a menudo tomas de mano. Sin embargo, disparar
de mano es una opción y no algo que hagas solo
porque es conveniente. Como ya hemos hablado antes, el público percibe tu
video a través de la cámara, y la sensación que le
das a la audiencia depende de lo que esté haciendo
la cámara. Así, tener algo de
sacudida en la cámara, le
dará una
sensación diferente al público que si filmarías
desde un robusto trípode. Handheld es más dinámico, más agresivo, más vivo,
más enérgico, juguetón. una escena de acción
como una persecución de autos o Por lo tanto, una escena de acción
como una persecución de autos o
una escena de pelea se filma con
mayor frecuencia de mano Si hay una
presión de tiempo, por ejemplo, una simple acción como marcar un número y
llamar a alguien, podría filmarse de mano
para enfatizar el estado de ánimo. Pero también cosas
como una entrevista, que necesita sentirse más
informal y personal, que también se pueda filmar de mano. Muchos casos de uso diferentes. Por supuesto, hay una diferencia en los tipos de movimiento de mano. Puedes hacer movimientos grandes
y rápidos,
o movimientos suaves y lentos. Donde una escena de lucha
obtendrá mucho más movimiento de cámara, para hacerla más agresiva, una entrevista casual obtendrá un movimiento portátil más
suave y suave para hacerla más dinámica. Pero en cualquier caso de movimiento
portátil, siempre
está bajo control. Repasemos dos extremos, una escena de lucha y
una entrevista casual. Empezando por esa entrevista. La idea no es llamar la
atención sobre el movimiento de la cámara, sino más bien sobre el
talento y su historia. Quieres comenzar por encontrar una posición cómoda para
poder filmar por mucho tiempo. Lo más probable es que dispares
con una de estas cámaras SLR. Sosténgalo con el agarre, y sostenga el cuerpo con las otras
manos, así. Tus codos entran en
tu pecho o vientre. Importante es tu columna vertebral. No se incline hacia atrás así, como si la escena
estuviera pasando todo el tiempo. Si necesitas inclinarte
así por alguna razón, entonces simplemente ponte derecho
y da un paso atrás. Es lo mismo. Ponte de pie
con ambos pies, robusto en el suelo, y ahora estás listo para disparar. No es necesario realizar movimientos casuales de mano a propósito. Ya está ahí. Simplemente respira y
exhala y deja que tu cámara
se mueva con tus respiraciones. Al inhalar, la
cámara sube, y al exhalar,
la cámara baja. Por supuesto, estoy
exagerando un poco. Pero entiendes la idea. Aquí hay un mejor ejemplo. Sigue enfocándote en el encuadre. Quieres evitar
que tu
encuadre suba y baje. Hazlo gentil. En un ejemplo más extremo, como una escena de lucha, quieres hacer pequeños
pero rápidos movimientos alrededor de tu sujeto. Mantienes la misma
pose así, pero vas con la
corriente de los sujetos. Cuando hacen un movimiento
específico, puedes seguir ese movimiento, generalmente para hacer que sus
impactos sean más poderosos. Pero es importante que
te pongas sobre un sujeto, hagas un encuadre correcto y hagas movimientos pequeños y
rápidos. Cuando cambias de
tema durante una toma, haces un movimiento rápido hacia él y te encajas sobre los nuevos sujetos. Es ese chasquido de
un sujeto a otro, lo que hace que tus controles de
movimiento portátiles. Dale a tu audiencia el tiempo para entender lo que están viendo. Así que no te alejes
del tema demasiado rápido. Hablaremos más sobre soportes de
cámaras como los trípodes
más adelante en esta clase. Como arrancador, ir de mano
es definitivamente una buena idea, siempre y cuando lo estés
haciendo correcto y controlado.
Gracias por mirar.
20. Cámara lenta: Cuando disparas a 60
fotogramas por segundo, puedes
agregarle cámara lenta porque puedes estirarlo a 30
fotogramas por segundo. Ya hemos hablado de esto antes en la lección sobre las velocidades de fotogramas. Pero aparte de esa explicación
técnica, también
hay una regla creativa. Cuándo debemos filmar cámara
lenta y cuál es el impacto
que tiene en nuestro video? Nuestro talento salta sobre una roca, hemos visto lo que pasa, pero no vimos los detalles
porque fue muy rápido. Volvamos a disparar eso, pero esta vez en cámara lenta. Esto le da al
público el tiempo para mirar más los detalles, como ¿qué expresión
es una creación de talento? Si hay opacidad
haciendo en el aire? ¿Cuál es su
posición corporal, etc? Automáticamente un
espectador comenzará a
mirar esos detalles
porque
parece que estamos obteniendo más
tiempo para mirar incluso si el clip en sí no es
realmente más largo. Esas son las partes interesantes. Una toma de primer plano normal donde ni siquiera
está pasando algo emocionante en. A velocidad en tiempo real
vemos a una persona, un clip de cinco segundos. Ahora vamos a mostrar esa misma toma, también de cinco segundos de duración, pero en cámara lenta. El público comenzará
automáticamente a prestar atención a los
detalles y al rostro. Debido a que miramos más a
fondo la cara de alguien, percibimos mucho más sus
emociones. En esta toma, el talento
inclina la cabeza hacia arriba. Nada especial, justo cuando
jugamos esto en cámara lenta, de
repente su
emoción se vuelve más fuerte. Dependiendo de la historia
que estés contando, enfatizarás eso. Esa es una esencia
lo que hace la cámara lenta. No siempre tienen que
ser tomas de acción rápidas, incluso los movimientos pequeños
o
las emociones de los personajes se pueden mejorar
con cámara lenta. Así que no la uses todo el tiempo, sino usa sabiamente esta poderosa
técnica.
21. edicion A/B roll: El nombre B-roll proviene de
los viejos tiempos donde tenías un rollo de película real
dentro de la cámara. La cámara principal tenía el
A-roll. Aquí está. La segunda cámara
tenía el B-roll. Ahora ese nombre seguía
pegando por ahí. Pero claro, la función de la cámara B-roll
no ha cambiado tanto. Ahora, no te preocupes, no
necesitas una segunda cámara real. De hecho, podrías hacer un video completo con
solo tomas B-roll. Empecemos simple,
una entrevista. El talento que está hablando en cámara es filmado con el A-roll. Por lo general nos referimos a ella
como la cámara principal. La cámara B-roll
generalmente se sienta más a
los lados tomando un encuadre
diferente. Ahora bien, esto no es necesario, pero sí hace que la
entrevista sea más dinámica. Esta cámara B-roll podría incluso tomar fotos de las manos del
talento. Eso significa que si
solo tienes una cámara, podrías tomar esas fotos
después de la entrevista. Los puedes editar de
tal manera que parezca que los gestos con
las manos para el B-roll fueron tomados
durante la entrevista. Pero B-roll
también podrían ser tomas tomadas fuera de la entrevista o del mensaje principal que
estás presentando. Por ejemplo, nuevamente tenemos
esa entrevista pero luego
mostramos clips de lo que está hablando la
persona, que podrían ser filmados en
un lugar diferente, tal vez incluso algunos clips de stock. Otro ejemplo es
donde cortas a una secuencia B-roll
después de una entrevista. De pronto
comienza la música y se ve un montaje de tomas creativas. B-roll en esencia solo hace que tus videos se vean más dinámicos. No cuentan una historia directa o al menos no una historia
importante, pero sí visualizan
mucho haciendo que tus videos sean más
agradables de ver. Es como en esta clase, también
podría simplemente
platicar todo el tiempo sin
mostrarles nada. Obtienes toda la información, pero sería bastante aburrida. Todos los ejemplos que
muestro son B-roll, lo que hace que esta clase sea
más interesante. Pero como dije antes, también puede existir
un video
de solo tomas B-roll. Piensa en un video creativo, quizás un video de viajes. Tocas una canción
de fondo y muestras una bonita edición
de tomas de B-roll. No hay tomas A-roll como una entrevista o un
monólogo o algo así. Ahora, a veces B-roll es tan corto que también podemos
llamarlo un tiro de inserción. Básicamente es B-roll,
pero tiene un propósito específico. Tenemos a alguien mirando aquí un objeto tendido sobre la mesa, y lo
que suele decir un cineasta es, tomemos un
gráfico de inserción de ese objeto. Harás un primer plano de eso
y lo editarás de tal manera que vayas de un plano lejano al primer plano de ese objeto. Después vuelve al tiro largo. Se siente como si hubieras
insertado un disparo en el medio. Este tipo de tiro B-roll
se utiliza muchas veces para mostrar más detalles sobre
algo que es importante. Agrega
información adicional a la escena. Mientras que el rollo B normal
podría no ser tan importante, una toma de inserción lo es. Por último, tenemos el corte, también una forma de rollo B, pero nuevamente, caso de uso muy
específico. recortes son básicamente insertos
que no son tan importantes, como las manos de la persona que
habla durante una entrevista. Es B-roll, pero más específicamente
referido como un corte. Esto también podría ser una toma
completamente diferente sobre algo de lo que la
persona está hablando. Pero siempre es una oportunidad. Cortamos por un breve
momento del rollo A. Cuando tienes más tomas, básicamente, unas pequeñas ediciones, ya no lo llamamos
corte, solo una secuencia B-roll. Ahora esto fue un poco
complicado, no me culpes. Estos son términos cinematográficos
inventados en los viejos tiempos. Simplemente es bueno saber
que estas cosas existen. Secuencias de rollo B, tomas de inserción y cortes, pero
también puedes nombrarlos a todos ellos B-roll. No hay nada malo en eso. Solo asegúrate de pensar B-roll al momento de filmar un proyecto. No se limite a dejar la sesión después de la entrevista o el diálogo
o lo que sea que se haga. Piensa siempre en los
tiros extra que necesitas para que
tus ediciones sean más dinámicas e interesantes, las tomas B-roll. Antes de terminar esta lección, me gustaría mencionar
un recurso muy útil, nuevamente, Storyblocks del que
también hablé antes. Pero una biblioteca de valores como
ellos es súper útil, freaky, no tienen
el B-roll correcto. Storyblocks tiene más de un millón de clips
de stock
libres de regalías y resolución HD y 4K. Esto significa que
puedes usar tus descargas incluso
con fines comerciales, lo cual es genial. A veces
siento que no disparé B-roll. Es un error
que todos cometen en algunos momentos. Puedes arreglarlo
descargando un video de archivo. O tal vez necesites
una toma de inserción. Podrías filmarte mientras te das la
vuelta
para mirar un reloj, por ejemplo, pero no
tienes ese reloj elegante. Simplemente busque el reloj
en Storyblocks y utilícelo como las
tomas de inserción. Ahí vas. Siempre puedes
consultar Storyblocks. De nuevo, te dejaré un enlace aquí en las notas de clase si
quieres
echarle un vistazo para más información.
22. Toma para la edición: El único problema de
mi unidad de almacenamiento de cámaras aquí
mismo es que
una de estas luces aquí funciona con baterías. Eso significa que necesito
pensarlo para cambiar esa luz, que olvidé por completo. ¿Eso me convierte en
un mal cineasta? No, porque un buen cineasta comienza con la edición y
luego graba sus videos. Sé que suena imposible,
pero escúchame. Se te pide que llenes una simple acción como si alguien
estuviera vertiendo en un vaso de agua y luego
beben de él y antes incluso de presionar ese
botón de grabación en tu cámara, deberías
pensar primero en las ediciones. Digamos que disparaste todo
desde un ángulo, básicamente solo
tienes un disparo. En la edición
notarás que realmente no
puedes hacer mucho con eso. Como operador de cámara, necesitas hacer tomas
que el editor pueda usar. O si tú mismo eres el
editor, asegúrate de
no
enfadarte contigo mismo por no
hacer suficientes tomas. ¿Cómo te va en ello? Bueno, cortas cada escena o acción en múltiples tomas. Importante es que siempre
hagas diferentes encuadres. Por ejemplo, comienzas con un tiro largo ya que el [inaudible]
recoge la botella, luego haces un primer plano de verter el agua
en el vaso. Entonces das un
paso atrás para hacer tomas
medianas del [inaudible]
bebiendo de ese vaso. Hemos cortado la
acción en tres tiros. Eso significa que
también podemos tocar un poco con la longitud de la escena
cortando más rápido, toda
la acción se vuelve más rápida o podemos alargar
toda la escena. Nos estamos dando a nosotros mismos o a las opciones
del editor para editar. Eso es lo que siempre
quieres intentar hacer
haciendo tres
tomas individualistas de la escena. Ahora claro, podría haber más tomas que depende de ti. Ahora bien, ¿no podríamos simplemente
hacer tres tiros largos, por ejemplo, no
sería más fácil? Se toma un tiro desde este ángulo, uno desde aquí y
otro desde ahí. Todos los tiros largos. Desafortunadamente, tiros
como estos no cortan. Vas del
mismo encuadre a otro. Lo que sucede son los cortes de salto. Vemos un salto en el
movimiento o en otras palabras, el espectador nota los cortes y en todo momento se
quiere evitar eso. Aunque definitivamente es
más aceptable estos días en el cine
profesional, todavía hay que
evitar los
saltos a menos que haya
una elección creativa. Básicamente podrías romper
cualquier regla cinematográfica, pero necesitas una
buena razón para eso. Por cada toma que sigue, cambias tu encuadre. Tiro medio, primer plano, tiros
medianos, tiro largo, primer plano extremo, tiro
medio largo,
primer plano, tiros largos, etc. creo que se entiende la idea. Ahora digamos que se
te pide que
filmes un evento de negocios. Están
pasando todo tipo de cosas y podríamos filmar algunos lanzamientos de nuevos productos
allá en la otra esquina, vienen
invitados. Hay un bar donde
hacen cocteles. Por cada escena haces suficientes tomas y quiero decir,
diferentes encuadres. También es más fácil
cortar de una escena a otra y
es menos probable que termines con cortes de salto. Comprender eso me lleva a la segunda parte
de esta lección. Disparar para la edición también significa buscar ganchos interesantes. De hecho, rodé muchos eventos
de
negocios cuando empecé con. Es algo que a menudo
haría es tomar una foto de un comedor
vacío. Yo entonces más tarde
en la noche,
tomaría esas mismas fotos de
alguna manera desde el mismo ángulo y enmarcando cuando esa habitación
estaba llena de gente. Sé que esto es un salto cortado, algo que
acabo de decirte que no hagas. Pero tenía una razón. Podría agregar como una pequeña
transición de falla en el medio o simplemente incluso mantenerlo como un corte de salto y agregar una playa a la
música debajo. Pensé que era una idea genial
cortar de una
habitación vacía a una habitación llena. Ahora, eso solo fue posible
teniendo en mente esa
idea de edición mientras
estaba filmando. Te animo a que hagas
exactamente lo mismo. Mientras estás grabando un video, piensa en algunas
transiciones geniales que
podrías hacer o tal vez
una secuencia de tomas. En pocas palabras, siempre haz múltiples tomas de una misma
escena que se filmen en diferentes encuadres
pero también trata de filmar algo que puedas usar
creativamente en tus ediciones. Lo que ayuda es mirar el trabajo de otras personas como una inspiración. Si te encuentras con alguna buena secuencia de
transición o edición, escribe eso y llévala
contigo en tu próxima sesión que te ayude a recordarte qué tomas necesitas tomar.
23. PRACTICA: Hemos pasado por la mayoría de las
reglas fundamentales del cine. Ha sido mucho y
más por procesar. Salgamos ahora y practiquemos
lo que hemos aprendido hasta ahora. Si voy a ser
honesto, me
vendría bien un descanso también, chicos. El cine es un viaje
sin fin, incluso después de más de 10 años, sigo aprendiendo cosas
nuevas sobre cine todos los días. No se sienta abrumado por
toda esta información. Llévala paso y lo
más importante,
disfruta de ese viaje. Lo primero que
quiero que hagas es
hacer un cortometraje de acción. Con la acción, literalmente me
refiero a cualquier cosa. Eso podría ser cortar
verduras para hacer sopa, limpiar el auto o hacer
algo de jardinería afuera. Acciones guionadas como estas te
permiten prepararte. Quiero que esboces un storyboard de las diferentes tomas
que quieres tomar. Mientras preparas
estas tomas, repasa las lecciones
de esta clase, especialmente las lecciones sobre las reglas del
cine y la narración
visual. Trate de
pensarlo tantas cosas como sea posible ya que esté
haciendo su preparación. Entonces pídele
a un amigo que sea tu talento y simplemente sigue
tu propio storyboard. Tus elecciones creativas ya
estaban hechas, así que ya no necesitas
pensar en eso. Sólo tienes que seguir esos storyboards. Eso permite
prestar atención a los aspectos técnicos
de la realización cinematográfica. Las lecciones con las que
empezamos, cosas como establecer la
exposición correcta en tu cámara, enfocar, balance de blancos
y otras cosas. Este es un gran ejercicio para practicar habilidades
tanto técnicas como creativas. Definitivamente si estás
haciendo esto con un amigo, entonces no hay necesidad de estresarte por hacer algo malo. Hablando de hacer las cosas mal, en realidad
quiero que te equivoques porque si siempre
intentas nunca equivocarte, te limitarás. Atrévete a experimentar y
atrévete a cometer errores. Solo se pueden aprender
cosas nuevas cometiendo errores. Esta clase ha sido
un gran error. Has estado aprendiendo
tantas cosas nuevas. Eso salió muy mal. Espero que estén disfrutando, chicos. De todos modos, sal ya y empieza en ese proyecto de video
antes de continuar con la clase. Puedes publicar ese
video aquí a Skillshare, si quieres, y
ya sea yo o alguien de mi equipo lo
miraremos para recibir comentarios. La clase aún no está terminada, también
vamos a hablar herramientas de cámara
muy importantes la siguiente lección. Pero sí te aconsejo que primero practiques lo
que has aprendido hasta ahora. Llévala paso. Gracias por mirar y nos volveremos a
ver muy pronto. Voy a servir un poco de
café nuevo en mi taza. [Risas]
24. Filtros ND: Hola, bienvenido de nuevo.
Espero que hayas disfrutado haciendo tu primer video
teniendo en cuenta
las reglas de realización cinematográfica. Nos
quedan unas seis lecciones que creo que serán sobre [inaudible]
y soportes de cámara. Una vez que te sientas más
cómodo con el cine, rápidamente
empezarás a buscar invertir en algunos equipos más. Por desgracia, he visto muchas malversaciones de cineastas
principiantes. Por eso me gustaría
darte algunos consejos al respecto, pero también enseñarte
sobre cómo
usar correctamente algo como un
trípode por ejemplo. Pero vamos a empezar primero
con el filtro ND. Probablemente sea lo
primero que recomiendo conseguir, ya que estás listo para
gastar algo más de dinero. El filtro ND es una pieza de vidrio muy
simple, un filtro redondo que se
atornilla a su lente. ND significa densidad neutra, pero esencialmente estas son
gafas de sol para tu lente. El propósito de este filtro
es bloquear la luz. Pero, ¿por qué necesitamos eso? ¿Podemos simplemente cerrar
la apertura si el video es demasiado brillante?
Por supuesto, se puede. Pero también hemos aprendido sobre los efectos secundarios que trae la
apertura, que es una mayor
profundidad de campos. Una toma simple como esta tiene
casi todo en foco. El primer plano simplemente no está separado del
fondo por eso. Si tuviéramos la capacidad de
bloquear la luz a través de un filtro ND, podemos volver a abrir la
abertura, haciendo que la profundidad de
los campos sea más superficial, y así conseguimos una toma
más cinematográfica. Eso ya hará que tus
videos se distingan del resto. Ahora, dado que el
filtro ND está diseñado para bloquear una cierta
cantidad de luz, también
hay diferentes
tipos de filtros ND. Ahora, la cantidad de
luz que bloquean se anota en su número ND. Cuanto mayor sea este número, más luz
se bloquea, o más fuertes son tus
gafas de sol. Empezando por ND2, que bloquea la mitad de la luz. O en otras palabras, vamos a pasar la
mitad de las luces. ND4 deja pasar una cuarta parte o 25
por ciento de las luces. Si saltamos algunos
números hacia adelante, un ND100 solo deja pasar el uno
por ciento de las luces. En realidad, es bastante fácil. El número ND se refiere
a la fracción, por lo que un ND16, vamos a través de una
decimosexta parte de las luces. Entonces hay una cosa que
hicieron fácil de entender. Pero ahora que conocemos las matemáticas
detrás de estos filtros ND, ¿qué filtro ND necesitamos
realmente ahora? Porque la mitad o una cuarta parte de la luz es simplemente algo que
no es fácil de visualizar. Bueno, los filtros ND se utilizan con
mayor frecuencia al aire libre, donde hay muchas luces. En tal caso, en su mayoría
estarás mirando un ND8 para días
nubosos y luego ND32 para cuando el sol está
alto en un cielo despejado. los conjuntos populares de ND Por lo tanto, los conjuntos populares de ND generalmente
consisten en un ND8, un ND16 y un ND32. A veces también hay
un ND64 ahí dentro. Antes de preguntar, ¿puedes atornillar múltiples
filtros ND en tu lente? A pesar de que no es
recomendable. Sí, puedes. El motivo por el que no es recomendable, y voy a sacar los filtros
ND de su estuche
que no pensé es a través, [Risas] es porque
la luz tiene que viajar a través de dos piezas de vidrio. De ahí que cuantas más piezas de vidrio
tenga que atravesar la luz, más
disminuirá la calidad óptica y empezarás a ver cosas como el efecto ghosting
o una imagen más suave. Es por eso que estos
filtros ND fijos son tan populares. Suelen darte la
mejor calidad óptica. Es como una lente prime, como ya hemos cubierto antes. Al igual que este de aquí, una
lente fija de 50 milímetros suele estar en
mejor calidad que una lente zoom del mismo precio aproximadamente. Esto se debe a la mayor cantidad de elementos
de vidrio que se necesitan en una lente zoom por lo que la
calidad disminuye. Aunque, toma eso
con un grano de sal. La tecnología ha llegado
muy lejos en estos días. Los lentes de zoom son definitivamente
una gran opción. Ahora con filtros ND como este, tenemos lo mismo
pasando aquí. Esto de aquí es un filtro ND
variable. Estos son los
lentes zoom de los filtros. Consisten en dos filtros y más específicos a
los filtros polarizadores para que
puedas girarlos y de esa
manera dejarán pasar más o menos luz,
¿no es genial? Déjame sostener eso
justo aquí frente esta luz para que veas
lo que realmente hace. ¿No es eso increíble? Básicamente, obtienes un rango de
alrededor de ND2 a ND400. De hecho, ya ni siquiera
necesitas pensar en
los números ND enteros y la cantidad de luz que
bloquea o deja pasar. Simplemente gira el filtro, mira tu monitor, vigila el
histograma, y eso es todo. Por esa sencillez, también te sugiero que
te consigas uno de estos. De hecho, la única vez que trabajo con
filtros ND fijos como este, es cuando disparo contenido con
guión donde tengo tiempo para intercambiar filtros y realmente quiero obtener
la mejor calidad posible. Eso suele ser durante un
cortometraje por ejemplo. Pero para todo lo demás,
utilizo un filtro ND variable. Entonces has elegido tu filtro
ND, buen trabajo. Pero ahora viene el tamaño del diámetro; 73 milímetros o
77 o quizás 82. Ese es el tamaño del filtro que
amenaza aquí en la parte posterior. Cuando mires tu lente, deberías ver un símbolo como aquí con un número al lado. Esto se refiere al
tamaño de filtro que tiene tu lente. Pero entonces te das cuenta de que tus otras lentes tienen
diferentes tamaños de filtro. ¿Compra
ahora dos filtros ND? Por supuesto que no. Lo mejor es comprar un
filtro ND con un diámetro grande, por ejemplo, 82 milímetros. Ese es el tamaño que a menudo
se elige. Puedes atornillarlos
en tu lente, pero no puedes encontrar adaptadores
para que encajen. Estos se llaman anillos de aumento, se pasa de un tamaño de
filtro a otro. Estos anillos, aquí mismo, solo
cuestan un
par de dólares así que equipé todos mis
lentes con ellos. Como aquí mismo
se puede ver que vamos de 52 milímetros
a 82 milímetros. De esa manera, puedo colocar este filtro ND muy grande
en una lente muy pequeña. Solo tuve que gastar dinero para una lente ND y se
ajusta a todas mis lentes. Esa es la historia
del filtro ND. En pocas palabras,
te recomiendo comprar un filtro ND
variable de 82 milímetros y obtener anillos de aumento para
cada lente que tengas. Es la solución más barata y
versátil.
25. El trípode: Los trípodes. La forma más básica de soporte de
cámara aún que es mucho más compleja de
lo que piensan la mayoría de los
aspirantes a cineastas. Esencialmente
tienes tres trípodes: los de plástico baratos,
los trípodes fotográficos y luego los trípodes de video. Ahora, ya podemos eliminar
esos trípodes de plástico baratos. Veinte dólares parece un buen negocio por un
trípode pero en realidad, solo
estás tirando
esos 20 dólares. Luego nos quedamos con
ese trípode fotográfico y el trípode de video. Un trípode fotográfico suele ser
muy ligero. Tiene un diseño sencillo y
mantiene robustas las cámaras pequeñas. Están destinados a
sostener cámaras fotográficas, que también podrían ser tu cámara de
video. Pero si estás planeando
construir tu SLR como hicimos con nuestra
Panasonic Lumix GH5, entonces ese trípode fotográfico podría ya
no ser tan fuerte. El lanzamiento rápido es raro. La cámara
se bloquea en los trípodes y es bastante pequeña
en los trípodes fotográficos. Por lo tanto, las cámaras más grandes se moverán más. Ahora, un trípode siempre
consta de dos partes. Tienes las piernas y
tienes la cabeza. De hecho, puedes comprar estas dos cosas por separado
si quieres. A veces te gusta
cierta cabeza y un conjunto de piernas muy específico. Entonces puedes combinarlos
juntos, súper fácil. Ahora, una cabeza de trípode
tiene tres ejes. Se puede doblar que es
un movimiento horizontal, se
puede inclinar que
va verticalmente, y finalmente, inclinar
o rodar la cámara. Esto es necesario para
hacer fotos verticales. El video profesional casi
nunca se muestra vertical así que es por eso que un trípode de video solo
puede doblarse o inclinarse. Ahora, mirando más
cerca de la cabeza del video, puedes ver que tiene
una base mucho más grande,
una base de
liberación rápida mucho más grande. De hecho, en los segmentos
de gama
alta de las cámaras de video y cine, incluso
podemos encontrar
trípodes como este. Mira lo grande que es [RUIDO] esa placa de liberación
rápida. Eso definitivamente hará que
nuestra cámara se sienta robusta. Hay una razón por la que existe un
trípode de
video porque el video se mueve, por lo que un trípode de video está diseñado para
hacer tomas en movimiento, mientras que un trípode fotográfico está
diseñado para hacer fotos fijas. De hecho también
desatenderemos el trípode fotográfico. Ahora, echemos un
vistazo más de cerca al trípode de video. Déjame llevarme éste. Este es un poco más ligero. Encontrarás tres
controles aquí. Ahí están los controles de arrastre o
fricción, el contrapeso
y las cerraduras. Ahora bien, no todos los trípodes de video tienen las tres funcionalidades y ahí es donde está la
diferencia de precio. Ahora las cerraduras
suelen estar siempre ahí. Los puedes encontrar aquí atrás en tu pan control bloqueando eso. Se asegurará de que ya no
puedas hacer pan. Lo mismo con
la inclinación también. Si trabas eso, no
puedes inclinarte más. [RISA] Tenga en cuenta que el arrastre
o la fricción deben ser fluidos y esto lo puede encontrar nuevo en la descripción
de los trípodes. Si no puedes encontrar las
palabras cabezas fluidas, entonces no
tiene esa característica. Una característica que es esencial. Un cabezal de fluido hace
posible que
pueda hacer que los fluidos se doblen
y se inclinen movimientos. Dentro de trípodes más baratos, esto a veces está integrado en
la cerradura de tus trípodes. Es una manera de
hacer ese arrastre. Cuanto más lo trabas, tienes arrastre, pero
no es realmente buen arrastre. Si quieres hacer movimientos muy
pequeños y suaves, tener un arrastre más grande te
facilita hacerlo. Haga que sus cámaras también necesiten más arrastre o
fricción también. Aunque
parece una buena idea, el control de bloqueo de fluidos no
es tan confiable. Después de un uso moderado, también
te encontrarás rápidamente con
problemas en los que, por
ejemplo, el
control de panorámica puede disparar hacia adelante. O incluso cuando bloqueaste casi
por completo una sartén, aún
puedes
moverla y no es suficiente arrastre. Idealmente, quieres tener un
control de arrastre separado y un candado. Girar esa rueda
también agrega más arrastre a la sartén para que así pueda
hacer movimientos más precisos. Donde sí necesito
hacer movimientos más rápidos, solo
puedo disminuir el arrastre. Un trípode como este
durará mucho más, aunque son un
poco más caros. Eso depende de usted
decidir cuál obtener. Por último, tenemos
el contrapeso. Esta es la característica que
no todos los trípodes de video tienen y por lo general solo se necesita
para lo que tienen tus cámaras. Aunque si tu presupuesto lo permite, entonces consigue esa característica
así como hará que
tu trípode esté listo
para usar en quizás
una cámara futura que va a ser más pesada. Un trípode no es un dispositivo electrónico por
lo que podría durar toda la vida. Por eso no
reduciría algo así. El contrapeso
es un resorte en las cabezas que empuja hacia atrás
cuando se está inclinando. Tienes diferentes ajustes de
fortalezas aquí. La idea es ponerlo en la cantidad correcta para que
tu cámara siempre permanezca en la posición en la
que se está
inclinando sin tener que
usar el candado. Eso es realmente necesario para evitar el movimiento de la cámara cuando
necesitas llenarlos desde un ángulo y tienes que hacer esfuerzos para mantener
las cámaras quietas. Es por eso que esta es una característica opcional que es más importante para las cámaras
más pesadas. Ahora, echemos un
vistazo a las piernas, que o vienen con
o sin esparcidor, que está justo aquí
en el medio. El esparcidor
se asegura de que las piernas permanezcan en su lugar y solo hace que todo sea
más resistente en general. Ahora hay unos esparcidores medios
como este de aquí mismo, pero también hay esparcidores de
tierra o esparcidores fondo como los derechos de trípode
pesados aquí. Ambos hacen bien el trabajo, pero sí sugiero conseguir un esparcidor medio porque si
tienes una superficie irregular, ese esparcidor no se
meterá en el camino cuando vas a poner
tu trípode en alguna parte, como en una escalera o cuando hay muchas
rocas fuera sitios. Los esparcidores de fondo
son realmente utilizados en ambientes de
estudio donde
siempre se tiene una superficie plana. Por último, echemos un
vistazo a la conexión entre las patas
del trípode y
las cabezas de video. Puedes tener una cabeza de tazón, también llamada medio tazón,
o monturas planas. En la mayoría de los casos, tienen cuencos de las cabezas también se
pueden quitar para que de esa manera
tengas dos en uno. En los estándares de la industria, siempre
trabajamos con cabezales de tazón. Hay algunas excepciones donde una montura plana va
directamente sobre las patas, pero eso no lo recomendaría. Lo bueno de las cabezas de
los tazones es
que se colocan con cualquier cuenco de las patas y la parte inferior puedes luego
bloquearlo en su lugar. Tener ese tazón te permite nivelar las
cabezas de video como puedes ver. Casi
siempre hay algún tipo de herramienta de nivel y una parte superior
para ayudarte con eso. Esto significa que
puedes extender las patas de los trípodes muy rápidamente de
la manera que quieras. No necesitas preocuparte por si tu trípode es recto o no. Simplemente puedes usar un candado
aquí en la parte inferior. Usa los cabezales de tazón para
nivelar tu cámara. Las cabezas de los tazones vienen en dos tamaños, 75 y 100 milímetros. Siempre se puede adaptar un 100 a 75 igual que con el step up trae de los que
hablamos antes. Pero no se puede pasar
del 75 al 100. De nuevo, eso es algo
a tener en cuenta. Esa es una historia
sobre los trípodes. En la siguiente lección,
vamos a hablar cuándo usar un trípode
y además
tengo un muy buen ejercicio para que
practiques tu paneo e inclinación.
26. Panning, inclinación: Un trípode nos permite realizar movimientos
horizontales o hacer una curva o un movimiento vertical, decir, hacer una inclinación. Ahora se podía ver el trípode
como lo opuesto al portátil. Handheld se considera más dinámico, lúdico,
a veces caos. Tiene una forma de realidad a ello. Mostraste una profundidad de escena más por ese movimiento de
cámara. Un disparo de trípode quieto tiene
el efecto contrario. Es estático pero también
fuerte y confiado, limpio, podemos crear movimientos
bronceando o inclinando, pero ese es un movimiento
controlado. Las escenas rodadas en un trípode
son más relajadas. De hecho, puedes mezclar estas tomas con un propósito
narrativo. Digamos, tenemos a alguien sentado en una habitación víctima
leyendo algo. Rodamos esto desde un trípode porque es un ambiente
relajado. Pero entonces de
repente
empieza a temblar el suelo ,
quizá un terremoto. El tono de la escena
cambia a más dramático, y para enfatizar que vamos de
mano y agregamos un
poco de movimiento de cámara. Hay una razón por la
que elegimos filmar de mano o en un trípode. Eso es algo muy
importante a tener en cuenta. El corporativo generalmente se filma en un trípode porque
muestra confianza. Es como estar de pie con los
dos pies firmes en el terreno. No obstante, lleva
algún tiempo configurarlo. Necesitas traer ese trípode. Lo configurarías a
la altura correcta, conectarías tu cámara a ella, etc. Podrías ir de mano, pero la razón por la que vas de
mano no es por contar historias, sino porque es
más conveniente para ti y esa es una elección equivocada. La razón por la que digo eso
es porque este es un error que
muchas veces se comete. Lo he visto demasiadas
veces en pequeñas producciones, donde empiezan a
rodar en un trípode, pero a medida que avanza el día, empiezan a rodar de mano
para ahorrar tiempo y ser más rápidos. Piensa en qué técnica de
filmación beneficia mejor tu historia
o proyecto. Ahora vamos a ponernos al
paneo y a la inclinación. Es importante
que practiques para comenzar y y tal
movimiento sin problemas. Una vez que empezaste con una sartén, por ejemplo,
tienes que seguir adelante. No se ve bien si
te ves ajustar. Si notas que
vas demasiado rápido, simplemente disminuye la velocidad hasta que
el sujeto se ponga al día. Aunque parezca tan sencillo, paneo y la inclinación es algo que hay
que practicar. Aquí está la mejor manera de hacerlo. Toma nueve hojas de papel
y cuélgalas a la pared. Cada papel está numerado del
1 al 9. Ahora, haz zoom en él. Solo tienes un
papel en el marco. La idea ahora es empezar con el paneo de un
número a otro. Intenta comenzar suave, continuar un movimiento sólido, y detente sin tener
que reajustar tu encuadre. Después de eso, haces
lo mismo para inclinar también. Una vez que se sienta listo, vaya de lado,
panoramizando e inclinando al mismo tiempo. Ahora en realidad es bueno tener
a alguien más parado detrás de ti
gritando un número. De esa manera es más una
sorpresa y aprenderás a actuar más rápido
manteniendo un movimiento suave. Además, experimenta con
diferentes niveles de fricción. Los movimientos lentos tuvieron una fricción
mucho mayor permitiendo realizar movimientos
muy suaves. Si quieres ir más rápido, necesitas
bajar la fricción, tratar de encontrar un buen punto de
fricción que se sienta muy suave pero que te permita realizar movimientos
rápidos de pan e inclinación. Los niveles de fricción
no tienen que ser los mismos tanto para el
pan como para la inclinación. De hecho, a veces es una preferencia personal donde a
alguien le gusta tener
una mayor fricción, alguien más podría no. El nivel de fricción también
podría apagarse completamente. Hablamos de disparar con
la cabeza suelta. Obviamente, verás
mucho más movimiento de cámara, pero eso es exactamente
lo que quieres. En realidad, es una forma de
disparar de mano, pero es un movimiento
portátil más controlado porque el trípode está
anclado a un punto fijo. Haz
bien los ejercicios de pan e inclinación con la cabeza suelta, trata de hacer movimientos suaves. Definitivamente cuando
empiezas y
paras, va a ser mucho
más complicado aunque. Disparar en cabeza suelta también te
da la
posibilidad de cambiar mejor entre los disparos
semisintéticos y los movimientos más pesados. También es más fácil seguir a alguien en un trípode mientras se tiene esa sensación de mano o puedes verlo como el disparo de
mano perezoso, pero no lo veas tan negativo. No hay nada malo en
disparar con la cabeza suelta. De hecho, tiene
sus propios beneficios. Así que sal ahora y practica tus movimientos de trípode con
esa técnica de nueve papeles. Espero
volver a verte en la siguiente lección.
27. La plataforma de cámara: Básicamente hay
dos tipos de cámaras. Tienes, las cámaras de cine, estas suelen ser muy
grandes y tienen un montón de severidad sass y como gablones que
sobresalen por todas partes. Entonces tienes la
cámara de video, como aquí mismo. Las cámaras de video suelen tener una buena ergonomía y
todo está incorporado. Funciona directamente
de la caja. Las cámaras de video o
videocámaras vienen en pequeñas, pero también en grandes tamaños. Eso ya lo hemos visto anteriormente
con esa de allá. Esencialmente, son lo mismo. Un código de
entrada de películas de deuda ladrillo es audio. Pero entonces un día este
pequeño compañero de
aquí vino a lo largo de la cámara
réflex o foto, que al parecer puede elegir videos
bastante de alta calidad. Lo más probable es que
tengas uno de estos. Pero, ¿dónde
encajan estas cámaras con las cámaras de cine,
las cámaras de video o
algo entre ellas? Bueno, en
realidad no son cámaras de video, son cámaras fotográficas y no realmente cámaras de cine porque miramos
la diferencia. Entonces, sí tenemos
su propia categoría. No obstante, esa
categoría media en realidad hacer significa más hacia
las cámaras de cine. Estas dos cosas
son bastante similares. Sé que es una locura, pero recuerda que las cámaras de
video funcionan fuera de la caja mientras que las SLR, realidad
no, o
depende de tus necesidades. Por ejemplo, ergonómicamente,
esto no es genial. Tampoco tienes un
micrófono utilizable, muchas veces primero necesitas
sumergirte en la configuración, cambiamos un
montón de cosas para que funcione mejor para video. Su pantalla es muy pequeña. Aquí no hay tope alto,
como lo tiene la cámara de video. Ni siquiera todas las SLR
tienen la capacidad inclinarse o desplazarse
correctamente para mostrar, aunque eso fue
en su mayoría un problema con la primera generación
de estas cámaras. Entonces considerando que las SLR se
inclinan más hacia las cámaras de
cine porque estas cámaras son
esencialmente cubos que no ofrecen mucha funcionalidad
como esta de aquí. Es la cámara de
cine digital roja utilizada para filmar Hollywood
y producción de alta gama. Pero si sacas esta
cosa de la caja, no puede hacer nada. Ni siquiera tiene pantalla. Diablos, ni siquiera tiene la capacidad de conectarle
una batería. Suena muy extraño,
pero la idea es que construyas esta
cámara según tus propias necesidades. Puedo comprar un display y
adjuntarlo a este ladrillo, pero eso significa que puedo obtener un tipo de display que me guste. Y hablemos de lo que me da
el fabricante. Eso es muy diferente a una cámara de video donde
todo está incorporado. Una cámara de cine puede
tomar muchas
configuraciones diferentes. Si estás filmando solo, esa configuración
podría ser compacta. Entonces aquí tenemos una
lente, una pantalla, y el asa del sitio, y
una batería grande. Eso es. Pero también puedo construirlo a
algo más grande, lo que me da más control al trabajar
con un equipo. Y van a repasar todos los
componentes aquí mismo, pero se ve
algo así. Y, dado que a la mayoría
de las SLR también les
faltan este tipo de características, puedes encontrar
esta misma evaluación donde hay
necesidad de cámaras de cine, pero luego de SLR. Para que te hagas una
idea, puedo adjuntar un asa superior a
mi cámara de cine, lo cual no puedo hacerle a mi SLR. Pero si lo meto en una jaula, obtengo más opciones de montaje, incluida esa opción
para agregar un asa superior. Sostendrás la mayoría de las tuercas finas como evaluar las severidades
para las videocámaras, razón por la
cual
sus SLR son tan especiales. Un mercado completamente nuevo ha explotado y encontrarás muchas marcas que hacen tales severidades de evaluación. Incluso hay configuraciones locas
posibles lo que hace que tu pequeña
SLR pareciera una gran cámara de
producción de Hollywood. Pero ya sea que haya agregado menor severidad de evaluación a
su SLR o la construya a lo grande, siempre
hablamos de
crear una plataforma de cámara. No es necesario, pero una
buena plataforma definitivamente facilita las cosas y
no hay reglas a la hora
de hacer una plataforma. Entonces voy a compartir mi idea
personal al respecto. Y eso comienza con la jaula, lo que te da la
posibilidad de montar un asa superior así como una mejor manera de
conectar un micrófono. Este es el corazón de la plataforma. En la parte inferior, podrías optar por un juego de varillas de 15 milímetros. Estos son
estándar de la industria y le permiten unir cosas como
un tazón de enfoque. Esta cosa se desliza sobre
las rocas y
te permite controlar el anillo de
enfoque más fácilmente, o más podrías agregar
un lado manejado a través estas varillas o incluso
quizás una caja de medicamentos. Esto es útil tanto para
bloquear la luz como ligera y los filtros aquí
como ese filtro ND. Tenga en cuenta que dichos filtros rectangulares no
son más fáciles de usar. Yo me pegaría a los de tornillo. Med-box está en
filtros rectangulares se
utilizan con mayor frecuencia en la producción de estudio donde se trabaja con todo
un equipo. De todos modos, y la pantalla externa, no
es mala idea. Es monitor más grande
siempre es más agradable de tener y hay muchas
opciones para elegir. Tener esa jaula inicial me
permite conectar
la batería también. Y luego aquí atrás se sienta un plato. También se desliza sobre las varillas de
15 milímetros. Le puedo conectar una
batería grande,
que alimenta tanto la cámara
como el monitor externo. Batería grande como esta me da energía durante casi todo el día. Entonces esta es mi plataforma personal. Es compacto y agrega un montón de
características adicionales que quiero. Pero, ¿dónde te deja eso? Puede que te quedes atascado
con la pregunta ahora, [inaudible], ¿qué me
recomiendas ahora? Eso desafortunadamente es
muy difícil de
responder porque aparte de las muchas
opciones diferentes que tienes, también
hay una gran diferencia de
precio entre estas diferentes marcas, y eso es por qué no puedo dar consejos a través de una
clase como esta. No obstante, un gran consejo que te
puedo dar es que
empieces sencillo. Nunca compre una plataforma completa
ni haga una gran inversión. Comience con una
jaula de cámara y un asa superior. En el camino ve por ti mismo
qué característica que
aún podrías perder y luego
compra esas cosas más adelante, o que podría ser un monitor
externo quizás. Pero dale algunos buenos pensamientos si aún necesitas o
no un monitor grande o uno más pequeño.
Quizás qué discoteca. Ves que las opciones
son infinitas así que tómate tu tiempo para
hacer la investigación, pero también para
conocer tus propias necesidades. Probablemente, todo, los productos y las marcas cambiarían. Si hoy me pidieras
que busque una nueva plataforma, tendría que
volver a buscar en Internet para ver qué ha cambiado. Y si pudiera haber algún
nuevo producto
o marca innovadora en los mercados. Pero al menos ahora tienes
una idea sobre los soportes de las cámaras SLR, qué es una plataforma de cámara y para
qué está destinada. Entonces sí espero que hayas aprendido
algo de esta lección. Si lo deseas,
siempre siéntete libre de
pedir consejo en la
discusión a continuación, tal vez explique qué
tipo de filmación haces y cuál es tu presupuesto. Y voy a ver qué
puedo
recomendarte . Gracias por mirar.
28. El muñeco: Dicen que hacer cine es un pasatiempo
caro o un trabajo. Eso no es cierto. El problema es que cuando
entramos en una tienda de cámaras, se
siente como si estuviéramos
en una tienda de dulces. No necesitas todas
las cosas extra, pero realmente las quieres, y el cardán es
probablemente una de las herramientas extra más populares que nadie necesita,
pero todos compran. [Risas] A lo mejor ya
tienes uno o tienes los
ojos puestos en uno y si aún no has
pensado en un cardán, créeme, ese momento
llegará. ¿Qué es un cardán? Es un dispositivo en el que metes tu cámara y
al
encenderla, los motores van a tratar
de mantener tu cámara estable. Eso significa que
podrías caminar, pero tu cámara conservará un movimiento suave
a través de la escena. Se han vuelto muy asequibles, razón por la
cual a muchos cineastas les
encanta trabajar con ellos. Al igual que con las cámaras, los cardán también vienen en diferentes
formas y tamaños. Tienes cardán
diseñados para teléfonos o los grandes para cámaras de cine
más pesadas. Pero los principios
son siempre los mismos. Aunque hay
dos diseños distintos, tienes los cardán de palo
y los cardán colgantes. Los cardán de palo se pueden operar con una mano y son más pequeños, por lo que los hace
más amigables para viajar. Los cardán colgantes
deben operarse con las dos manos y son más anchos. Tales cardán quienes
sean más fáciles de
operar ya que el peso
está colgando de la parte inferior, esos cardán de piruleta tienen
su peso por encima de tu agarre, por lo que ocurrirá más sacudida. Por supuesto, ese batido se ve
reducido por el propio cardán, lo que no va a ser tan notorio. Ahora también hay híbridos
que le permiten cambiar fácilmente entre el diseño de
palo y colgante. Eso te da una
idea del cardán que hay
en los mercados. Pero ahora cómo
operamos correctamente uno de estos,
como con todo, se necesita práctica,
pero ya
hay algunas cosas que puedes
tener en cuenta como principiante. En primer lugar, no
esperes que el cardán mantenga su cámara
perfectamente estable. No hay estabilización de arriba y
abajo a menos que consigas uno de estos
con algún tipo de resorte. Siempre camine con las rodillas
ligeramente dobladas e intente colocar primero
los dedos de los pies en el suelo. Al caminar o correr
a un ritmo más rápido, es mucho más difícil bajar primero los
dedos de los pies. En tal caso, tu brazo
se vuelve más importante, ve tu brazo como un resorte
natural. Doblarlo en un
ángulo de 45 grados y mantenerlo suelto. Mueve tu cuerpo y
tus brazos por separado. Debes tratar de mantener tu
cámara a una altura fija. Sin embargo, también es
importante mover ligeramente brazo hacia arriba y hacia abajo para atrapar los golpes de
sus pasos. Ahora doblar e inclinar
o se vuelve automático
torciendo el cardán o
se puede controlar
a través de un joystick. Ese joystick sin embargo no
es una buena idea. Tendrás un control mucho
más preciso sobre el movimiento si
solo giras el cardán, dirigiéndolo en la dirección
correcta. Esta dirección tiene
que hacerse sin problemas, al igual que usted abarcaría
o inclinaría sobre un trípode, le daría un empujón suave, dejaría que los motores hagan su
trabajo y se detengan lentamente. Nunca solo saquen el cardán
para hacer un movimiento rápido. Por último,
hablemos de dónde
usar un cardán y dónde no. La idea del cardán
es caminar por ahí, si estás planeando
pararte en el mismo lugar y ya sea ir de mano o
disparar desde un trípodes. Los cardán están diseñados
para explorar el espacio, senderos para
caminar, objetos o paredes, mostrar gran profundidad en la escena. No tengas miedo de
experimentar también con movimientos
verticales. Usa el espacio que te rodea, camina por él y encuentra ángulos
interesantes. El cardán es probablemente una
de las herramientas más dinámicas, así que úsalo de manera
dinámica también. Eso es en pocas palabras, qué se trata el cardán
y cómo usar uno. Ahora el cardán por sí solo podría
usar su propia clase separada. Sólo he arañado la superficie, pero al menos tienes
una introducción.
29. El deslizante: Aunque podría continuar
durante horas sobre diferentes herramientas
y accesorios de cámara, voy a terminar a enumerar con el control deslizante de la cámara en
esta última lección. Este es por cierto, mi
primer slider que obtuve cuando recién comencé
con la realización de películas. deslizadores de cámara son gadgets
muy simples, un riel y una plataforma
que puedes deslizar sobre ese riel de
izquierda a derecha, eso es todo. Ahora,
ya no son tan populares desde atrás en mi época. Creo que el cardán se
ha apoderado muchas herramientas diferentes
como también el
foque, que no voy a cubrir
en esta clase. El deslizador sin embargo sigue siendo
algo a lo que le gusta algo de atención ya que es
muy subvalorado. Donde un cardán necesita hacer movimientos
más rápidos y
suele ser un poco más áspero, un deslizador es muy preciso. Puedes hacer
movimientos lentos mientras retienes ese movimiento suave. Los deslizadores podrían incluso
estar equipados con un motor que le permite ir aún más lento con un movimiento mucho más
controlado y preciso. Esa es la gran diferencia
entre un cardán y un deslizador. Si estás grabando videos de
productos, un control deslizante es una gran opción ya que tu sujeto es pequeño y
generalmente se sienta sobre una mesa, el
movimiento de cámara más pequeño es visible. Solía disparar todo
el tiempo en un deslizador. Este de aquí en particular
porque es muy cinematográfico. Lo cual es genial tanto
para empresas, comerciales, cortometrajes, o cualquier cosa de eso. Los deslizadores se pueden
colocar sobre una mesa o en el suelo lo que le permite
realizar disparos de ángulo muy bajo. Pero también podríamos
montarlo directamente en un trípode y esto
abre un mundo completamente nuevo. Vamos a
necesitar una segunda cabeza para montar encima del deslizador. De hecho, te sugiero que consigas un cabezal fotográfico porque puede paneo, inclinarse, pero también rodar o inclinarse. Verás podemos ir de lado sobre un deslizador o podemos empujar la
cámara hacia adelante y hacia atrás. Esto por cierto se llama un
track in o track out shot. Pero aquí empieza a
volverse interesante. Podemos inclinar este deslizador ya que lo
tenemos
montado en un trípode de todos modos. Aquí es donde ese cabezal fotográfico
viene muy bien ya que podemos
nivelar la cámara
con el tercer eje. Ahora podemos hacer
movimientos de foque o levantamientos subiendo y bajando. Algo que hacía tantas veces ya que realmente me
gustaban estas tomas. Ahora, podemos agregarle un movimiento
extra. Dado que el deslizador está
montado en un trípode, podemos desplazarnos con eso
así como estamos haciendo
estos ligeros movimientos. Se pueden cambiar objetos. Esto funciona especialmente
bien con videos de productos donde quieres ir en un
arco alrededor del producto. Ten eso en cuenta que tienes el trípode de video y
un deslizador juntos. Combinar esos dos puede rastrear docenas de movimientos
diferentes. Movimientos
relajados, dinámicos, controlados, precisos
y muy cinematográficos. Eso es todo para los deslizadores de cámaras
y les mostré tanto equipo de cámara diferente
ahora que tal vez todavía se estén preguntando por qué necesitamos
mover la cámara. Eso es algo que
me gusta mostrarles en la última lección de esta
clase, Creando Profundidad. Que es toda la esencia pura
de la cinematografía y son también los siguientes pasos hacia las avanzadas técnicas
de realización cinematográfica.
30. Crear profundidad: Probablemente ya hayas oído hablar de la palabra,
cinematografía. Es un arte visual, y un proyector de cine
también es director de fotografía, y su papel es tomar decisiones creativas
tanto a la cámara como a las luces. En proyectos más pequeños, también
podrían ser el tipo de la
cámara, pero la mayoría de las veces
no tocan la cámara. El operador de cámara hace eso, y escucha lo que el
director de fotografía les pide que hagan. En lo que va de esta clase, hemos estado aprendiendo sobre
los fundamentos de la realización cinematográfica. este momento tienes una bolsa
técnica de conocimiento lo que te convierte en un
gran operador de cámara. Ya sabes cómo configurar
la cámara correctamente, hacer un bonito
encuadre académico del objeto. Entiendes cuando un
director de fotografía
te pidió que dispararas de mano en
lugar de en un trípode. Ya sabes cómo funciona un trípode y por qué deberías o no
deberías usar un cardán. El papel del director de fotografía
va más allá de eso. narración visual
a través de la iluminación, encuadre de la
cámara y los movimientos, contar mil palabras
a través de tomas de una cámara, y lo más importante,
crear profundidad. Creando profundidad, esto es
lo que es todo empieza con. Es el siguiente capítulo de
tu carrera cinematográfica. Podría hacer una nueva
clase sobre eso, hasta entonces, aquí hay
una introducción. Lo que mucha gente olvida, es que el video es
bidimensional, es plano. Podrías proyectar un video
en una hoja de papel, así de plano es el video. Ahora, no me malinterpretes, sí
capturamos un mundo 3D, pero lo miramos
en una pantalla 2D. Por eso es tan
importante crear profundidad para que
podamos mostrar el mundo
bidimensional en el plano 2D. Ahora, una forma de hacerlo es
simplemente agregando movimientos de cámara. Ya sea que vayas de mano, dispares en un cardán
o en un control deslizante. Estás moviendo la cámara
a través de la escena, y así vemos un paralaje. En otras palabras,
el público obtiene una mejor comprensión del espacio en
el que se
encuentran las cámaras. Otra forma de crear algo
más de profundidad es tener los
objetos de primer plano y fondo fuera de foco. Abrimos la abertura, el área de enfoque se hace
más pequeña y así el fondo
se vuelve más borroso. Incluso podríamos colocar un objeto en primer plano para obtener
los mismos resultados. Podemos ver estas tomas
aquí en tres capas ahora. Los
objetos de primer plano, los sujetos y los fondos, están
separados entre sí. Esto crea profundidad. El encuadre es otra herramienta
para crear más profundidad. Digamos que tenemos todo enfocado y disparando
desde un trípodes. La forma en que
enmarca tu escena o sujetos puede hacer que parezca
plana o mostrar profundidades. Sucede que tengo toda una clase sobre
el marco de cámara
cinematográfica en la que puedo
recomendar encarecidamente echarle un vistazo. Voy a vivir enlace aquí en las notas de clase así como
en una descripción de clase. Ahora sin entrar en detalles, podemos usar iluminación
y sombras para mostrar mucho mejor
los rollos bidimensionales. Colores y contraste tantas formas diferentes
de crear profundidades. Ahora no es necesario
que crees profundidad a través de todas las formas
posibles. Escoges una o dos técnicas, siempre y cuando estés buscando
activamente al
menos una forma de crear
profundidad con cada disparo. Eso me lleva al
final de la clase. Ahora me queda una última lección de
conclusión, así que no te vayas todavía.
31. Conclusión: Ahora, comencemos con un
gran aplauso para ti mismo. Enhorabuena por
completar esta clase. Ahora tienes una
sólida comprensión de cómo funciona la
cinematografía profesional. El fundamento está ahí y ustedes están listos para construir
más sobre eso. Ahora, tengo algunas clases
avanzadas que te
recomiendo encarecidamente que revises. Los enlaces a esos se pueden encontrar
en la descripción de esta clase así como
aquí en las notas de clase. Pero dale algo de tiempo aunque. Como se mencionó muchas veces antes, cine necesita práctica, así que sal y dispara, implementa las técnicas que has aprendido de esta clase, pero también
te reto a experimentar. Al cometer errores, aprenderás qué
funciona y qué no. Ahora, en algún lugar de la
mitad de esta clase, te
pedí que hicieras un video
corto con guión. Si aún no lo has hecho, entonces ahora es el momento. Crea un storyboard para
ti mismo para que
tengas mucho tiempo para pensar en las
diferentes técnicas que quieres implementar. Planifica tus tomas y quizás vuelve a verlas con
las lecciones mientras haces eso. Tener una buena preparación significa que puedes enfocarte en otras
cosas mientras tomas, como la configuración de la cámara. Haz un video corto, un video de producto, una simple acción de
alguien haciendo café, o tal vez un mini cortometraje. No tienes que
editarlo tanto, solo pon las tomas
en una secuencia y publica tu trabajo aquí para
que yo pueda dar retroalimentación. Te deseo buena suerte con eso, mucha diversión y disfrute, y entonces supongo que es un
adiós por ahora. Estos son siempre momentos
muy duros. Ve ahora, sé libre, busca tus propios caminos en la vida. Sólo prométeme una
cosa, nunca me olvides, sobre todo cuando eres
el director de fotografía en algún plató muy grande de Hollywood entonces espero que sigas
pensando en mí. De todos modos, muchas
gracias por ver chicos. Fue un verdadero placer
darte esta clase, y como siempre
decimos, mantente creativo.