Producción cinematográfica: de principiante a profesional | Jordy Vandeput | Skillshare
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Producción cinematográfica: de principiante a profesional

teacher avatar Jordy Vandeput, Filmmaker and Youtuber

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:38

    • 2.

      Introducción a la cámara

      3:38

    • 3.

      La apertura

      3:41

    • 4.

      Configuración de ISO

      2:35

    • 5.

      Velocidad del obturador

      3:57

    • 6.

      Velocidades de cuadro

      5:37

    • 7.

      El histograma

      4:21

    • 8.

      Autofoco

      2:49

    • 9.

      Enfoque manual

      3:30

    • 10.

      Equilibrio de blancos

      5:33

    • 11.

      Perfiles de imagen

      3:54

    • 12.

      Regla de los tercios

      4:54

    • 13.

      Encuadre de talentos

      6:51

    • 14.

      Primeros planos

      2:44

    • 15.

      El fondo

      1:50

    • 16.

      Distancia focal

      8:06

    • 17.

      Posición de la cámara

      3:16

    • 18.

      La regla de 180 la regla

      3:09

    • 19.

      Movimiento de mano

      3:32

    • 20.

      Cámara lenta

      1:38

    • 21.

      B Roll

      4:10

    • 22.

      Toma para la edición

      3:45

    • 23.

      Práctica

      2:12

    • 24.

      Filtros ND

      5:50

    • 25.

      El trípode

      6:23

    • 26.

      Panorámica e inclinación

      4:05

    • 27.

      El equipo de la cámara

      6:05

    • 28.

      El cardán

      3:22

    • 29.

      El regulador/control deslizante

      2:55

    • 30.

      Crear profundidad

      2:55

    • 31.

      CONCLUSIÓN

      1:44

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

2800

Estudiantes

11

Proyectos

Acerca de esta clase

Aprender los conceptos básicos fundamentales de la cinematografía profesional que se enseñan en escuelas de cine. Esta guía completa te enseña todas las reglas técnicas y de artista de la videografía para comenzar como cineasta.

¿Qué voy a aprender?

Al final de la clase, tendrás una comprensión fundamental completa de las reglas de la cinematografía. Esto significa que puedes comenzar a crear videos como lo haría un profesional.

Estos son los temas que dominarás al final de la clase:

  • Control manual de la cámara
  • Composiciones
  • El arte de la cinematografía
  • Soporte de cámara

¿A quién está dirigida esta clase?

Esta clase es para cualquier creativo que quiera comenzar con la cinematografía. No necesitas experiencia, ya que esta clase está enfocada a principiantes.

La misma información de esta clase se enseña en escuelas de cine caras. Así que incluso si ya tienes algo de experiencia básica, siempre es bueno pasar por esta clase para aprender sobre el arte de la cinematografía.

¿QUÉ NECESITO?

Para sacar el máximo provecho de esta clase, se aconseja que tengas una cámara de video de algún tipo. ¡Esto podría ser una réflex o incluso tu teléfono! Siempre y cuando tengas una forma de grabar video, estás bien. El cine es un arte, no necesitas una cámara cara.

RECURSOS DE CLASE

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Jordy Vandeput

Filmmaker and Youtuber

Top Teacher

Hi, I'm Jordy and I hosts one of the biggest YouTube channels about filmmaking & video editing; Cinecom.

With more than 2.5 million subscribers, we publish weekly tutorial videos. After graduating from film school in 2012, I immediately began teaching online where my real passion lays.

I've never liked the way education works. So I wanted to do something about it. With the classes I produce, I try to separate myself from the general crowd and deliver a class experience rather than some information thrown at a student.

Take a look at my unique classes, I'm sure you'll enjoy :-)

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Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Cámara, luces, sonidos y acción [RUIDO]. Quieres convertirte en cineasta, dominar esa cámara tuya y hacer los videos más cinematográficos. Pero no tienes idea de por dónde empezar. Bueno, has llegado a la dirección correcta porque esta de aquí es la clase fundamental más completa para cineastas principiantes. La información exacta y los secretos que enseñan en costosas escuelas de cine. Olvidé presentarme. Hola, soy Jordy. Hace unos 10 años, me gradué de la escuela de cine, que después, comencé mi carrera como cineasta y soy dueño un estudio cinematográfico con el que siempre he soñado. Comparto mi pasión a través de clases en línea y a través una audiencia de más de dos millones de suscriptores en YouTube. En este momento, estoy súper emocionada de traerte una nueva y actualizada clase de cine para principiantes. Vamos a comenzar con lo básico y tomar el control manual de nuestra cámara. De esa manera, puedes tomar decisiones creativas. En la segunda mitad de esta clase, exploraremos las reglas del cine como el encuadre, narración visual, el B-roll y más. Por último, en el último capítulo, te presentaré algunas de las herramientas de cámara más populares como el trípode, el cardán y más. Al final de la clase, podrás filmar un video completo que se verá como lo hubiera hecho un profesional. Eso es porque te convertirás en ese cineasta profesional. Esta clase está curada de una manera que enseñarían las escuelas de cine. Eso significa que aprenderá todo, desde lo básico de una manera muy estructurada para mantener la experiencia de aprendizaje emocionante y atractiva. A lo largo de la clase, si estás atascado con alguna pregunta, solo métalas en la discusión a continuación ya que estaré encantado de ayudarte. Realmente espero verte en mi clase y comenzar juntos este nuevo viaje cinematográfico. Estoy súper emocionada y espero que tú también lo estés. Te veré de vuelta en un momento. 2. Introducción de la cámara: [MÚSICA] Oh, hola. Buen día. Te apuntaste a la clase de cine. Bueno, ¿puedo decir que estoy súper emocionada de comenzar este viaje junto a ti? Como el tipo de mantenimiento de esta muy antigua unidad de almacenamiento de equipo de cámara abandonada, he visto casi todo. Las primeras cámaras que entraron aquí tenían una tira de película real en su interior. Entonces cuando llegó la revolución digital, todo este trastero se amontonaba con cámaras digitales como esta. ¿Sabes qué vino entonces? [RUIDO] Las cámaras fotográficas, que tenían una increíble funcionalidad de video. Lo más probable es que tengas uno de estos. Ha habido tanto cambio desde que el cine se convirtió en una verdadera profesión. Pero ya sabes lo que no ha cambiado, la forma en que hacemos videos. Al final del día, no importa qué tipo de cámara estés usando. Tal vez tengas una de esas SLR, o tal vez una cámara digital más grande, o tal vez solo estés usando tu teléfono. Francamente, los teléfonos en estos días tienen cámaras de video bastante buenas. Todo lo que digo es que el cine se trata la persona detrás de la cámara y no de la propia cámara. Una mejor cámara no te convertirá en un mejor cineasta. La teoría y las reglas artísticas de la narración visual, por otro lado, lo harán. Ahora, tenemos que elegir un tipo de cámara como demo a lo largo de esta clase. Estaremos trabajando con la Panasonic Lumix GH5, una cámara SLR muy popular. Consiste en un cuerpo, el cerebro y el sensor, y una lente, que va a convertir la luz que captura en una imagen. Cada cámara tiene estas dos cosas, un cuerpo y una lente. A veces la lente se fija al cuerpo. Esto significa que no se puede cambiar la lente. Ahora, en la mayoría de las cámaras fotográficas, sí tenemos la capacidad de quitarle la lente, lo que significa que podemos colocarle otras lentes siempre que encajen en el cuerpo. A esto se le llama montura de lente. Cada marca tiene sus propias monturas. Eso es algo importante a tener en cuenta si planeas comprar una nueva lente. Ahora, he puesto esa cámara en una plataforma. No es necesario, pero sí facilita ciertas cosas. Las plataformas son como conexiones, como los Legos. Los construiste de la manera que quisieras. No hay reglas para ello. Mi primer equipo fue incluso algo que construí en un garaje para ahorrar algo de dinero, y funcionó muy bien. Pude poner mi cámara en mi hombro. Pensé en un contrapeso y donde montaríamos un monitor externo. Hoy esa plataforma se ve mucho más pequeña. He aprendido que una plataforma grande no siempre es tan útil. Me gusta mantener las cosas compactas. Alrededor del GH5 hay una jaula que me da un asa superior y permite unir varillas. En la parte posterior, tengo una batería grande, que está alimentando tanto la cámara el monitor externo. A veces puedes comprar tales plataformas como un paquete. Los fabricantes te recomendarán algo, pero también podrías comprar piezas de diferentes marcas y armar algo completamente personalizado como yo lo he hecho. Eso es lo hermoso de estas plataformas. La mayoría de estas conexiones son estándares de la industria. Al igual que estas varillas, tienen un grosor de 15 milímetros. Eso es lo mismo en todas partes. Ahora bien, para esta clase, tal plataforma obviamente no es necesaria. Yo solo quería explicarte eso porque, después de todo, tienes que mirarlo toda la clase, y así no necesitas hacer preguntas raras. Ahora, los videógrafos profesionales conocen su cámara de adentro hacia afuera, así que recomiendo encarecidamente que abran el menú de su cámara y pasen por los diferentes ajustes. Familiarízate con tu cámara y no tengas miedo de explorar. Siempre debe haber una opción de reinicio ahí en alguna parte si te equivocas. De todos modos, no te preocupes demasiado. Lo vamos a hacer juntos. Nos vamos a tomar las manos unos a otros y hacerlo agradable y acogedor. Lo estoy haciendo raro otra vez. Si estás atrapado en una unidad de almacenamiento como esta, no puedes conocer a mucha gente. Gracias por verlo, y exploraremos el primer escenario dentro ese complicado menú en la siguiente lección. 3. La apertura: Hay tres ajustes que controlan la exposición de tu cámara. La apertura, la ISO y la velocidad de obturación. Cada una de estas configuraciones permitirá capturar más o menos luz. La exposición en otras palabras. Al comenzar, probablemente tenga su cámara establecida en modos automáticos. Tu cámara cambiará los ajustes de apertura, ISO automáticamente los ajustes de apertura, ISO y velocidad de obturación para capturar una buena exposición. Eso parece algo bueno. Bueno, no lo es. El arte del cine es tomar el control sobre los escenarios. Entonces pongamos esa cámara en modos manuales. Cada uno de estos ajustes de exposición viene con un efecto secundario. Por eso tenemos tres ajustes de exposición y no solo uno. Depende del cineasta decidir qué efectos secundarios quieres ver más prominencia o no. Empecemos por la apertura, que en realidad son una serie de aspas dentro de la lente. Las cámaras digitales controlan estas cuchillas a través de un dial en el propio cuerpo. En los viejos tiempos, este era un anillo físico al que había que darle la vuelta sobre la propia lente. A medida que abres la abertura, entra más luz, más exposición en otras palabras. A medida que cierras ese anillo, pasa menos luz, el centro está siendo menos expuesto. Creo que eso es bastante obvio. el sensor se encuentra dentro del cierto, el sensor se encuentra dentro del cuerpo de la cámara detrás de la lente. A medida que quitas la lente del cuerpo de la cámara, en realidad puedes ver el sensor. Está justo ahí. Este plano es el que captura la imagen que viene a través la lente y la transforma en un video digital. Ahora, aparte de cambiar la exposición, la apertura también cambia la profundidad de campo. Esos son los efectos secundarios. Como probablemente sabrás, hay un anillo de enfoque en la lente. medida que lo giras, puedes poner las cosas en primer plano, en el foco, o en los fondos. El resto estará entonces desenfocado, borroso. Nuevamente, puedes dejar que tu cámara lo haga automáticamente, lo cual no es lo ideal, pero eso es para más adelante en esta clase. Por ahora, ese anillo de enfoque es algo que puedes controlar. Puedes empujarla hacia atrás o hacia adelante. Lo que está en foco se llama el campo de enfoque. Ese campo puede ser grande o pequeño. Tienes a dos personas enfocadas, pesar de que no se paran a la misma distancia de la cámara. Pero también podrías tener solo uno de ellos en foco, esencialmente el campo de enfoque se hace más grande o más pequeño. El tamaño de ese campo de enfoque, que es la profundidad de los campos se puede controlar con la apertura. Cuanto más abres la abertura, más pequeña se vuelve esa profundidad de campo. En términos cinematográficos, hablamos de una profundidad de campo poco profunda. A menudo, se considera que una profundidad de campo poco profunda es más cinematográfica ya que el fondo estará más desenfocado. Ahora a medida que cerramos la apertura, pasa menos luz a través de la lente, pero el campo de enfoque también se hace más grande. Más elementos estarán enfocados, pero también afecta el aspecto general de, de ahí los antecedentes desenfocados. Aquí están las mismas tomas donde tenemos al talento parado a la misma distancia hacia la cámara. Uno de ellos es disparado en una abertura abierta y el otro tendido abertura cerrada. Mira lo que eso hace al fondo. La apertura es más que un ajuste de exposición, también es una opción creativa. ¿Quieres más o menos profundidad de campos? Al igual que con todo lo demás, la apertura también se expresa en una unidad. Se llama el f-stop. A veces verás estos valores en la propia lente. Si no, probablemente los verás en la pantalla de tu cámara 2.8, 5.6, 8, 11. Todos estos son diferentes valores F-stop. Cuanto menor sea este número, más abierta será su apertura. Cuanta más luz pasa menor es la profundidad en la que se vuelve el campo. Ahora, cuanto mayor sea este número, más cerca está la apertura, menos luz pasa, y mayor es la profundidad se vuelve el campo. Eso es en pocas palabras, la apertura. En la siguiente lección, exploraremos la configuración ISO. 4. Configuración de ISO: Tres ajustes, la apertura, la velocidad de obturación y la ISO. Estos controlan la exposición, pero cada uno de ellos también controla los efectos secundarios. Para ISO, eso va a ser ruido, que lo convierte en el control de exposición más fácil de los tres. ISO no es más que un control de brillo digital, véalo como hacer que una imagen oscura más brillante a través de un simple deslizador. Desafortunadamente, esto introduce ruido. Definitivamente cuando está muy oscuro y el ISO necesita ser bombeado al tomar una foto con tu teléfono en entornos con poca luz, también ves mucho ruido. Por lo general estas fotos no se ven tan bien. Es la configuración de exposición automática en tu teléfono lo que está encendiendo el ISO para exponerlo mejor. Con el video, es lo mismo en una escena oscura, la exposición automática controlable aumenta el ISO, lo que resulta en demasiado ruido en tu video. Como cineasta, ¿qué podemos hacer? Bueno, antes que nada, tratar de mantener el ISO lo más bajo posible y exponer mejor el sensor usando otras técnicas como abrir la abertura o cambiar la velocidad de obturación, que veremos en el siguiente lección. Pero también puedes intentar hacer que tu entorno sea más brillante usando luces o si estás filmando una película posterior acércate a las luces de fiesta, cualquier cosa que ayude a mantener la ISO al mínimo. Ahora, cuando grabe en ambientes luminosos como afuera durante un día soleado, atento a la configuración ISO. He visto que pasó demasiado que los aspirantes a cineastas pasan por alto este escenario y realidad están filmando a un ISO muy alto. Tienen muchos problemas para disminuir la entidad de exposición video va a ser muy ruidoso. Trate de acostumbrarlo para verificar siempre los tres ajustes de exposición con cada cambio en su entorno cuando vaya de adentro a exterior o viceversa, verifique estos tres ajustes y no solo uno de ellos. Ahora, ¿qué podemos hacer como cineastas? ¿Simplemente mantenemos la ISO al mínimo en todo momento? Bueno, claro que no. Ves que cada cámara es un poco diferente. Algunos pueden producir un video bastante limpio a ISO más altos, mientras que otras cámaras producen ruido bastante rápido. Es importante saber qué puede manejar tu cámara y cuál es la ISO máxima que debes buscar. Si tu cámara es capaz de subir a un ISO 128,000, no significa que realmente debas usar eso, tal vez 6,400 ya sea un máximo aceptable. Quiero que lo averiguaras para tu propia cámara, pero en el modo manual y grabes algún video en diferentes configuraciones ISO. Ve por ti mismo lo que sigue siendo aceptable y en qué momento ya no lo es. Vamos a echar un vistazo a la velocidad de obturación en la siguiente lección, y luego es hora de que tomes un descanso rápido y practiques estos ajustes. 5. Velocidad de obturación: Acabo de tener un cliente que viene aquí con esta cámara y me dijo que ya no funciona. Lo investigué, hice alguna investigación, y parece [RUIDO] que no hay batería adentro. Ahora, no estoy seguro. ¿Debo decirle sobre la batería o simplemente decirles que está muerta, que la cámara está rota? Porque a lo mejor es momento de invertir en uno nuevo. Esta es una cámara bastante vieja. De todos modos, la velocidad de obturación, la última de las tres configuraciones de exposición. La velocidad de obturación también se puede ver como la frecuencia de actualización. Por eso se expresa en un valor de tiempo como 1/50 de segundo o 1/100 de segundo. A medida que la luz viene a través de la lente, está siendo capturada por el sensor. El sensor espera un poco a medida que está siendo expuesto y finalmente decide escribir esa información y limpiar ese sensor para que quede expuesto nuevamente. La velocidad a la que está sucediendo este refrescante es la velocidad de obturación. En los viejos tiempos, ese era un disco físico real giraba frente a la tira de película, que ahora es el sensor. Hay un agujero en el disco y cuanto más grande ese agujero, más tiempo quedó expuesta la película. Ahora no podíamos cambiar la velocidad de giro de ese disco ya que va junto con la velocidad a la que se está rodando para filmar. Esa es la velocidad de fotogramas de la que hablaremos más adelante, pronto. Ahora, cuando el sensor está expuesto 30 veces por segundo, obviamente está más expuesto que si tuviéramos una frecuencia de actualización de 60 veces por segundo. Hablamos de una velocidad de obturación más lenta que deja entrar más luz o una velocidad de obturación rápida que captura menos luz. Entendemos cómo funciona la velocidad de obturación, pero ¿cuál es su efecto secundario? Bueno, desenfoque de movimiento. A medida que el sensor está capturando luz, lo que sucede frente a la lente se mueve así que si agitas tu brazo, el sensor captura toda la onda, luego se refresca para tomar una nueva muestra. Una velocidad de obturación lenta capturará un movimiento más largo ya que con una velocidad de obturación más rápida, solo captura una pequeña parte de ese movimiento. Es por eso que a menudo se ven estas líneas borrosas cuando gente o algo más rápido se mueve en la escena. Por cierto, funciona exactamente igual a la hora de tomar fotos. Esto es desenfoque de movimiento. Tener una velocidad de obturación lenta a veces puede crear diversión y efectos de cámara como este aquí mismo o puedes hacer que todo se vea súper nítido con una velocidad de obturación rápida. Las películas de acción como las escenas de lucha menudo se filman a velocidades de obturación rápidas, ya que hacen que la acción se sienta más difícil con menos desenfoque de movimiento. De nuevo, se puede ver la elección creativa que tenemos ahí. Otra razón por la que debemos filmar en exposición manual y no automática. En escenas oscuras, podríamos incrementar la ISO para exponer más las tomas que introduzcan la luz. ¿Y si tuviéramos que disminuir la ISO y establecer una velocidad de obturación más lenta que introduce más desenfoque de movimiento? lo mejor ponemos la cámara en un trípode para que no se mueva y pedimos a los talentos que se queden quietos. Esencialmente, estamos disminuyendo el movimiento en los disparos, lo que significa que el desenfoque de movimiento no va a ser tan notorio. Ahora, cuando estamos al aire libre, disminuimos el ISO y cerramos la apertura y afortunadamente, nuestra profundidad de campo se vuelve más profunda. Me gustaría conservar una profundidad de campo más superficial. Y si tuviéramos que abrir la abertura hacia atrás y hacer que la velocidad de obturación fuera rápida, esa es una forma de compensar la exposición. Dependiendo de los efectos secundarios que te gustaría tener, puedes cambiar la apertura, ISO y velocidad de obturación. Cada escenario cambia el aspecto de tu video y esa es la elección creativa del cineasta. No dejes que una función automática te quite esa elección creativa. Ahora es el momento de practicar. Entra en un cuarto oscuro y cambia los tres ajustes de exposición, mira cómo funcionan juntos, luego sal al aire libre y vuelve a cambiar los ajustes. Ahora intenta familiarizarte con estos ajustes y también recuerda averiguar el ISO máximo para tu cámara. Vea cuál es el umbral capturando un video con diferentes configuraciones ISO. Diviértete practicando, y espero verte de nuevo en la siguiente lección. Mientras tanto, me voy a peinar porque va a todas partes. [RUIDO] 6. Velocidades de cuadro: Al parecer la gente todavía compra una de estas cámaras. Tu teléfono graba mejor video. De todos modos, espero que hayas tenido una buena práctica y hayas familiarizado más con los tres controles de exposición. Las velocidades ISO, apertura y obturación. En esta lección no hablemos de mi cabello que todavía se ve muy mal sino que en cambio, hablemos de la velocidad de fotogramas ya que hay mucho más. En resumen, las velocidades de fotogramas son la cantidad de fotogramas que registra por segundo, los valores comunes son 25 o 30 fotogramas por segundo. En definitiva hablamos de FPS, que significa fotogramas por segundo. Buen trabajo. Ahora hay principalmente tres valores FPS que estamos grabando, 24 FPS, que es el estándar para el cine. Si vas a las salas de cine, probablemente estés viendo 24 FPS. Se considera más cinematográfico. Al hacer videos para la web como YouTube, muchas veces grabamos en 25 o 30 FPS. La razón por la que tenemos dos estándares diferentes viene de los viejos tiempos cuando los videos aún se mostraban en televisores CRT antiguos. Ahora no voy a profundizar en lo que es eso. Es en el pasado, está detrás de nosotros, pero se reduce a la frecuencia de actualización de esos televisores, que estaban ligados a la frecuencia de la electricidad. Eso es diferente en varios continentes. En Europa, tenemos una red eléctrica de 50 hercios, y en EEUU es de 60 hercios. Voy a ahorrarles todas las cosas técnicas detrás eso porque ya no tiene sentido en el mundo digital. Pero es bueno saber es que muchas cámaras en estos días todavía filman en 29.97 FPS. Eso se debe a que la frecuencia eléctrica en EU no es en realidad de 60 hercios, sino 59 puntos algo. Esa es la historia de fondo. Ahora bien, ¿qué velocidad de fotogramas debes grabar? Bueno, eso es un gusto personal o lo que te está pidiendo tu cliente. A pesar de que soy de Europa, sí grabo todo en 30 FPS ya que personalmente me gustan mis videos un poco más suaves y nítidos que si fueran a filmar a 25 FPS. Espera, ¿ videos más suaves y nítidos a medida que aumenta mi velocidad de fotogramas? Bueno, más suave; podemos entender que un video de 10 FPS se ve muy nítido en comparación con un video de 30 FPS. Este de aquí se ve mucho más suave pero más nítido? ¿Por qué es eso? Bueno, eso tiene que ver con la velocidad de obturación, que hablamos en una lección anterior. Su velocidad de fotogramas y velocidad de obturación están un poco unidas. Se ve cuando su cámara está capturando 30 fotogramas por segundo, significa que no puede refrescar el sensor más de 30 veces por segundo. La velocidad de obturación más baja que puedes tener es 1/30 de segundo. Muchas cámaras tienen esa opción bloqueada. Solo prueba eso por ti mismo. Ajusta tu cámara a 30 fotogramas por segundo e intenta ir por debajo de 1/30 de segundo. Lo mismo es con 25 FPS, no se puede ir por debajo de 1/25 de segundo. Ahora algunas cámaras sí te permiten ir más bajo, pero eso es algo de procesamiento digital que nos pone en marcha. En realidad vamos a bajar el FPS sin decírtelo. Naturalmente, las cámaras no pueden hacer eso. Ahora, la velocidad de obturación en realidad tiene una correlación aún mayor con el FPS. En el mundo real también hay desenfoque de movimiento. Simplemente agite la mano frente a sus ojos, verá desenfoque de movimiento. Esto es obviamente una cantidad natural de desenfoque. Cuando queremos recrear ese desenfoque de movimiento natural, tomamos el doble de las velocidades de fotogramas. Al disparar a 25 FPS, establecemos la velocidad de obturación en 1/50 de segundo. Para 30 fotogramas eso va a ser 1/60 de segundo. De esa manera, el desenfoque de movimiento se siente natural dependiendo de la velocidad de fotogramas que elijas. Por eso dije que mis videos se ven a fondo más suaves pero también más nítidos al aumentar esa velocidad de fotogramas. Pongo mi velocidad de obturación en 1/60 de segundo, menos desenfoque de movimiento, así mis videos son más nítidos y el movimiento sigue siendo natural porque coincide con las velocidades de fotogramas. Tal vez eso es mucho para asimilar así que no te preocupes demasiado por la velocidad de obturación y tu velocidad de fotogramas todavía. Estos son ajustes que puedes tomar con un grano de sal. Cuanto más te familiarices con la realización cinematográfica, más vas a prestar atención a detalles tan menores. Pero hablemos muy rápido sobre cámara lenta. Obviamente, vamos a necesitar más fotogramas por segundo, 60 FPS, tal vez incluso 120 o quizás 10,000 fotogramas por segundo. Sí, eso existe por cierto, aunque las cámaras switch son súper caras. Tener esos fotogramas adicionales por segundo significa que podemos estirar nuestros videoclips. Solo necesitamos 30 fotogramas, pero tenemos 60 fotogramas disponibles por cada segundo. Esto significa que podemos estirar el club, doblar el tiempo y vamos a tomar 60 fotogramas por dos segundos. Hemos creado cámara lenta. O si tuviéramos que hacer eso con un clip normal de 30 FPS, obtendríamos 30 fotogramas por dos segundos o 15 fotogramas por segundo. Al reproducir el video de Bagdad, empieza a verse entrecortado, un problema que no tenemos con 60 FPS. Cuanto más cámara lenta quieras, más fotogramas por segundo vas a necesitar. La mayoría de las cámaras ya transforman sus FPS capturados en algo así como 25 o 30 FPS, como mi Panasonic Lumix GH5. Puedo grabar en 120 FPS pero va a procesarlo en un clip de 30 FPS. Cuando reproduzca el video, ya está en cámara lenta. No tengo que estirar el clip en la edición de video. Eso es algo a tener en cuenta. qué fotogramas captas y en qué marco tu cámara la procesa también. A veces eso podría ser lo mismo grabando en 60 FPS y procesándolo en un videoclip de 60 FPS, pero también puede grabar en 120 FPS y procesarlo en un archivo de 30 FPS. Cada cámara tiene diferentes opciones, así que échale un vistazo para tu cámara. Eso es la mayor parte de las velocidades de fotogramas. Más adelante en esta clase, vamos a aprender más sobre cuándo disparar a cámara lenta y cómo puede ayudarnos a filmar mejor video. Pero primero tenemos que exponer nuestras tomas correctamente y eso es para la siguiente lección. 7. El histograma: Hemos aprendido sobre los diferentes ajustes para cambiar la exposición y también lo que cada efecto secundario esto, pero puramente mirando la exposición, cuándo mi tiro está subexpuesto o sobreexpuesto? Subexpuesta significa que es demasiado oscuro e incluso al aire libre durante un día soleado las tomas pueden parecer demasiado oscuras. Has cerrado demasiado la apertura o has establecido la velocidad de obturación en alta. Decidir si tu toma está bien expuesta o no se puede hacer simplemente mirando la pantalla de tu cámara. Es como salir a la calle y adivinar qué temperatura es. Puedes tener una idea si hace calor o frío, pero para saber la temperatura exacta, usamos un termómetro, y eso es lo mismo con tu cámara. Utilizamos una herramienta llamada histograma para medir la exposición para que podamos tomar mejores decisiones sobre lo que necesitamos para establecer los anuncios de apertura, ISO o velocidad de obturación. Ese histograma se ve algo así. Antes de continuar con la lección, pausa este video solo por un breve momento e intenta encontrar ese ajuste en tu cámara. asegura de que se muestre en el monitor. Para algunos modelos de cámara, debe presionar el botón Display un par de veces. Para otros, podría ser un escenario que necesite ser activado dentro de los menús. Estamos viendo un diagrama. Esta información muestra la luz o la exposición. En el lado izquierdo se sientan las zonas oscuras y en el lado derecho está el brillante. Cuando cierre mi apertura, verás que el diagrama se mueve hacia la izquierda y cuando abro la abertura, la información se mueve hacia la derecha. Idealmente quieres asegurarte de que el histograma tenga su gráfica en algún lugar dentro del medio, y no tocar uno de los exteriores. De esta manera noté que no hay partes en mi tiro subexpuestas y ninguna parte está sobreexpuesta. En ambientes de estudio como este es fácil porque tengo el control total sobre la luz y el paisaje, pero al salir esto se vuelve más complicado. Tenemos una fuerte luz solar y reflejos blancos en la toma así como la persona parada en la sombra. Este es un gran contraste y al mirar el histograma parece haber dos picos tanto en las zonas oscuras como en las brillantes. A la izquierda se encuentra la información de los telones y la sombra, y a la derecha la información del reflector blanco. Es imposible meter el diagrama en el medio debido a ese contraste, situación a la que te enfrentarás mucho por cierto. Aquí es importante tomar una decisión. ¿Quieres ver detalle en el reflector o en los telones? Bueno, creo que en este caso los telones son más importantes, así que abramos la apertura. De ahí que suelte el diagrama del lado izquierdo del histograma. Ahora, aunque no lo pongas en el medio, los telones se paran en las sombras. Está oscuro, así que manténgalo oscuro, simplemente no lo subexponga perdiendo todo detalle. Ahora bien, este ha sido un ejemplo extremo. Otra situación más probable es donde rellenas tu tema frente a un cielo brillante. Se podría argumentar que el tema es demasiado oscuro cuando tratamos de apuntar toda la información en medio del diagrama, por lo que exponemos más. Ahora mismo en un cielo quedarán sobreexpuestos. Esta es una toma muy típica que realiza un cineasta principiante. No obstante, el cielo es demasiado prominente que no recomendaría hacer esto. Intenta llegar a las zonas luminosas sueltas de los histogramas de los lados derechos, trayendo de vuelta detalles en el cielo. Se quiere ver la estructura de las nubes y no sólo las manchas blancas. Sí, tus telones son un poco demasiado oscuros, pero aún quedan detalles. Podemos ver la cara y si se puede, siempre es mejor subexponer que sobreexponer. Eso es lo que separa a un profesional de un principiante. Ahora, ¿qué pasa con los telones y los tonos de piel en general? Ahora podíamos ver el histograma como una barra porcentual. Donde a la izquierda, por lo que es cero por ciento negro y en el lado derecho se asienta sobre un 100 por ciento de blancos. Los tonos de piel más brillantes como yo deberían estar alrededor del 70 por ciento así que cuando haga una toma de mis telones, podría acercarme un poco más para ver solo la información de la cara, e intentaré obtener el diagrama en algún lugar alrededor este 70 por ciento cuando vuelvo a salir para hacer mi tiro medio o lo que sea, sé que he expuesto mis tiros correctamente por los tonos de piel. Cuando se trabaja con un telón a como tonos de piel oscuros, se podría apuntar a alrededor del 50 por ciento, pero sí tómalo con un grano de sal. Este 70 o 50 por ciento es académicamente correcto, pero es bueno conocer estos estándares académicos. Así es como funciona el histograma. Definitivamente úsalo todo el tiempo para verificar si algo ha terminado o subexpuesto o no. Tu pantalla no representa correctamente la exposición, razón por la cual tienes que usar esa herramienta. 8. Autofoco: Lo conseguimos chicos. Exposición. Vamos a parar con eso. Basta hablar de exposición. Hablemos de las cosas divertidas ahora. [RUIDO] Enfoque y me refiero al enfoque de tu cámara, pero también a tu enfoque, por supuesto, dos tipos de enfoques. En definitiva, decimos que un sujeto está enfocado cuando es agudo. Cualquier otra cosa en el fondo o primer plano que sea poco nítida está fuera de foco. Es como yo. Estoy enfocado y eso de allá está fuera de foco. Ahora, al girar ese anillo de enfoque en tu lente, el enfoque retrocederá y retrocederá. Cuanto más grande sea tu campo de enfoque depende de la apertura. Ya hemos hablado de esto antes. Ahora hay dos formas de enfocar. O lo haces manualmente girando el anillo de enfoque, o dejas que la cámara lo haga automáticamente. A menudo tienes un interruptor en tu lente para eso, AF significa enfoque automático y MF significa enfoque manual. Si tu lente no tiene esa opción, puedes configurarlo desde los menús y elegir el enfoque manual o una de las diferentes técnicas que fuera de foco necesita usar porque el enfoque automático puede hacer una detección de rostros y siempre trate de tener una cara enfocada, o se puede ajustar a un punto elegido para que puedas usar los sticks para el pulgar para elegir un punto específico al que la lente necesita enfocar. Cada opción tiene su propio caso de uso. No es que uno sea mejor que el otro, depende. Ahora bien, el enfoque automático puede parecer una mala elección en general. Es decir, hasta ahora les he estado diciendo que no usen auto pero hay excepciones. Es decir, el enfoque manual sí te da más control. Sin embargo, no siempre es fácil mantener el tema enfocado al hacerlo manualmente. Si tu objetivo era mantener a tu sujeto enfocado mientras corres con tu cámara, ¿por qué no configurarlo en enfoque automático con detección de rostros? Te permite enfocarte más en el encuadre, los movimientos de la cámara, o el histograma, y demás. Cuando no tienes a una persona en tu encuadre, incluso podrías optar por la opción de enfoque puntual. Usando los thumbsticks, puedes moverlo a ese punto para enfocarte ahora, incluso mientras filmes. Podrías comenzar filmando, por ejemplo, un objeto, correr o hacer lo que quieras, y luego mover ese punto de enfoque a otro lugar, cambiando el enfoque. Creo que esta es una gran manera de practicar con cambios de enfoque sin tener que preocuparse demasiado si tu tema es realmente agudo o no. enfoque automático definitivamente tiene sus beneficios, pero también viene con algunas desventajas. No tienes control sobre lo que hace el foco. Sucede automáticamente. Eso significa que el bombeo de enfoque podría ocurrir. Aquí es donde la cámara ha viajado para enfocarse en un sujeto y comienza a bombear hacia atrás y hacia adelante. O al cambiar el enfoque a través esa técnica con los thumbsticks, no tienes control sobre qué tan rápido cambia el enfoque. Si tienes las agallas y quieres un control absoluto, entonces configura tu cámara en enfoque manual, y hablaremos más sobre eso en la siguiente lección. 9. Enfoque manual: Estoy completamente desenfocada. Eso es porque mi cámara de allá está puesta a enfoque manual y mi mesita, ahí mismo, mi carro de producción está enfocado. Pero estos son mis antecedentes y ni siquiera debería estar aquí. Por eso tengo mi cámara puesta a enfoque manual. Deja que me quede aquí atrás. Los cineastas profesionales rara vez usan el enfoque automático a menos que realmente tenga una ventaja sobre hacerlo manualmente. Al principio, podrías pensar que enfoque automático siempre puede tener la ventaja. Eso es porque necesitas entrenarte para enfocarte manualmente. Se necesitan varios meses o incluso años para dominar. Una vez que lo dominas, es mucho mejor que el enfoque automático. Comienza por familiarizarte más con tu lente. Elige un tema y camina hacia atrás y adelante mientras intentas mantenerlo enfocado, necesitas tener idea de cuánto tienes que girar el anillo de enfoque para la distancia que caminas. Al principio, caminarás despacio y a medida que te pongas cada vez más cómodo, entrarás un poco más rápido. Ahora bien, es bueno grabar eso también, para que puedas revisar tu práctica después. A veces parece que nuestro tema estaba en foco, pero en realidad no lo estaba. Ahora, al igual que el histograma, también hay una herramienta para ayudarte a medir el enfoque. A éste se le llama pico de enfoque. Ahora bien, no todas las cámaras tienen esa opción, pero si la tienes, es esa opción la que necesitas buscar y encenderla, enfocarte en pico. Esto mostrará un montón de puntos o líneas en tu visor. Las áreas marcadas están enfocadas, por lo que de esa manera puedes ver más fácilmente si tu sujeto está enfocado o no, cual no siempre es tan fácil en un visor pequeño. Un operador de cámara capacitado puede incluso enfocar sin mirar a través del visor. Cuando giras la lente todo el camino hacia un lado, ellos saben exactamente cuánto tienen que darle vuelta para que su sujeto esté enfocado. Pero eso es ordenar los maestros, eso es para los senseis del cine, que resulta que soy yo. Ese es un aspecto del enfoque, tratar de mantener tu tema enfocado, pero el enfoque manual también viene para elecciones creativas. Por ejemplo, estás tomando tus tomas finales y quieres que tu video tenga un final. Lo que a menudo se hace es simplemente sacar el foco hacia atrás, hacer que todo esté fuera de foco, y puedes hacerlo sin problemas a la velocidad exacta que quieras, cambiando el enfoque de un sujeto a otro también irá mucho mejor. Estamos filmando un tema y tiro medio o girando esa rueda de enfoque para que otro tema entre en foco. Esta técnica también se llama enfoque tirando o rack focus. En la industria cinematográfica, un extractor de enfoque como un trabajo de tiempo completo, te paras al lado del tipo de la cámara mientras mantienes al sujeto enfocado realizando racks de enfoque y lo que no, eres el extractor de enfoque. Muchas veces esto también se puede hacer a través de un sistema inalámbrico, donde el extractor de enfoque puede estar un poco alejado del operador de la cámara. El extractor de enfoque controla entonces un motor que está unido a la lente, pero eso es para el futuro. Por ahora, quiero que practiques con el enfoque y una herramienta útil para eso es en realidad una de estas cosas. Esta es una tabla de enfoque. Puedes encontrar esto en línea e imprimirlo. Te permite ver mejor si el avión está enfocado o no. Dicha tabla de enfoque se usa a menudo para sostener al lado del sujeto muy rápido, manera que el operador de la cámara pueda ver si el sujeto está enfocado o no antes de comenzar a filmar. Pensabas que solo necesitabas la cámara. La fabricación de películas viene con miles de herramientas diferentes que en realidad no necesitas, pero de todos modos la compras. Ahora ve a practicar tu enfoque, privado. paso atrás y adelante mientras intentas mantener esa tabla de enfoque, o lo que sea también golpea grabar en tu cámara, para que puedas revisarla en tu computadora más tarde, y luego te veré de vuelta en la siguiente lección. 10. Equilibrio de blancos: Hola chicos. Bienvenida de nuevo. Algo está mal. El balance de blancos. Permítanme ponerle eso correcto. Ahí vamos. diferentes tipos de luces en este mundo. Tienes luces cálidas de tungsteno como esta de aquí o velas, o una luz solar muy baja y cálida. Pero al otro lado del espectro hay luces frías como esta de aquí, pero también las luces sobre el dentista. Incluso las luces del sol también pueden ser muy azuladas frías. Durante un día nublado, por ejemplo. Las nubes cambian el color de la luz solar, o cuando el sol se pone después de la hora dorada, obtenemos la hora azul. La diferencia en estos colores de iluminación natural se conoce como la temperatura del color y aquí hay una toma que lo muestra muy bien con ejemplos de tipos de luces que puedes encontrar en el espectro. Una vela en el lado izquierdo donde están los colores anaranjados y un día nublado a la derecha en tono azul. Incluso podemos darle un valor específico a la temperatura de color, que se expresa en Kelvin. Una vela se asienta alrededor de 2,000 Kelvin. Una luz de tungsteno es de 3,200. A menudo puedes encontrar estos valores al comprar una bombilla. Las luces LED no tienen Kelvin específico, por lo que pueden ser de cualquier valor. En el medio alrededor de los 5.500 y 6.500 Kelvin, podemos encontrar de nuevo la luz natural. Aquí es donde la luz del sol no está bloqueada por las nubes y está en lo alto del cielo. Alrededor del mediodía y en el lado derecho alrededor de las 7 o 8,000 Kelvin, podemos encontrar de nuevo el día nublado y además también se sienta el cielo azul mismo. Ahora bien, ¿por qué es tan importante entender esto? Bueno, nuestros ojos se adaptan automáticamente a estos colores. Por eso ni siquiera nos damos cuenta o ni nos molesta esto. Pero una cámara no hace esto automáticamente. Es necesario establecer el valor Kelvin. Estoy filmando en una habitación con luces de tungsteno, que se sitúan alrededor de 3.200 Kelvin. Busco el menú de balance de blancos y entro ese valor. Hacer eso hará que la luz del tungsteno aparezca como blanca o neutra. Esta técnica se llama tomar un balance de blancos. Estamos equilibrando el color de la luz para que aparezca blanco en la cámara. Ahora establecer ese valor Kelvin exacto te da, por supuesto, el mayor control. Pero también puedes elegir entre una serie de presets. Verás algunos iconos en tu menú de balance de blancos que representan las luces que tienes. Estos son valores preestablecidos y mayoría de las veces debido al truco, igual de buenos. hay una opción Sin embargo, hay una opción que nunca debes elegir, y esa es AWB, o balance de blancos automático. Aunque un balance de blancos automático parece una buena idea, hace que los colores cambien y cambien. Los colores en tus tomas deben permanecer iguales a menos que tengas una muy buena razón para eso. Entendemos lo que balance de blancos esto ahora. La idea de hacer que un avión blanco aparezca como blanco en cámara. Algunas cámaras, definitivamente las cámaras de video profesionales te permiten incluso capturar un punto blanco. Entonces simplemente apuntas un libro blanco hacia la cámara y podrás hacer un balance de blancos. La cámara calculará el Kelvin por ti y se asegurará de que el papel aparezca blanco y va a guardar ese valor y no cambiará más automáticamente después. Ahora no todas las SLR o videocámaras de consumo pueden hacer eso, así que nos saltaremos esa parte. Además, en realidad no necesitas ser tan preciso. Ves que una toma como esta no se siente natural, aunque el blanco es blanco. Sentimos que algo anda mal. El calor de los colores de tungsteno interior se han ido y la luz del día que viene a través de la ventana es dos azulada. A lo mejor en lugar de 3.200, deberíamos establecer el Kelvin en alrededor de 6.000. Apunta a los colores de luz diurna. Bueno, eso hace que las luces de las ventanas sean mejores, pero en interiores es demasiado naranja. En un escenario como este, quiere dar la impresión de que la luz azulada del exterior entra por la ventana y que tenemos luz cálida en el interior. En cambio, escojamos algo entre 4,500. Esto hace que la luz de la ventana sea un poco más azul y las luces interiores sean más cálidas naturales. No importa si estás disparando a 4,200 o 4,800. Siempre y cuando estés en algún lugar entre el tungsteno y la luz del día. Al filmar únicamente en interiores sin ninguna luz de colores mezclados, tampoco recomendaría establecer el balance de blancos a tungsteno. Quieres mantener ese tono cálido ahí dentro. Quizás lo puso alrededor de 4 mil. disparar afuera durante el día, esto se considera luz natural, por lo que esta es una buena idea para establecer su balance de blancos consecuencia y hacer que los blancos aparezcan como blancos. Por último, un día nublado es de mal humor y podrías tomar la decisión creativa para mantener tu balance de blancos a la luz del día, haciendo que ese día nublado sea un poco más azul. Se suma a la apariencia, pero eso depende del cineasta decidir. Ahora por supuesto, una vez que vas a saltar a la fase de edición, también está la parte de corrección de color en la que podemos cambiar el balance de blancos y otros colores también. No se preocupe demasiado por el balance de blancos mientras se filma. Solo trata de pensarlo un poco para que tus talentos no aparezcan como una calabaza o algo así porque cuanto mayor sea la diferencia, más difícil será corregir el color. Siempre quieres asegurarte de estar de alguna manera correcta. Ahora no cubriremos la edición de video en esta clase, pero sí ofrezco una edición y Adobe Premier Pro así como una clase de corrección de color. Si te interesa, siempre puedes echarles un vistazo. Ahora gracias por mirar y nos vemos de vuelta en la siguiente lección. 11. Perfiles de imagen: Ahora he visto muchas cosas, incluso un balance de blancos muy equivocado, pero esto, donde están mis colores, anuncios y anti contraste. Esto se ve tan lavado. Oh, está de vuelta. Derecha, el perfil de la foto. Bienvenidos de nuevo chicos. Casi has pasado por todas las lecciones sobre la configuración de la cámara. Después de este, ya estás listo para comenzar con el cine. La idea de las primeras lecciones era que entendieras tu cámara dentro y fuera y lo hemos logrado. Buen trabajo. Están haciendo un trabajo increíble. Puedes darte una palmadita en el hombro, pero detente, no te dé demasiadas palmaditas todavía porque todavía hay mucho más por aprender. Perfiles de imagen. Dependiendo de las marcas de cámara que tengas, esa opción de perfil de imagen está escondida en algún lugar dentro de esos menús. Así que solo hojea hasta que lo encuentres. Te encontrarás con algunos perfiles de imagen diferentes, como estándar, neutros, vívidos, tal vez incluso en blanco y negro, o monocromáticos. El uso de una de estas opciones cambiará la forma en que se ve tu video. Vivid te dará un aspecto muy saturado con mucho contraste mientras que el neutro va a ser más plano y desaturado. La mayoría de las marcas de cámaras incluso te permiten entrar en estos perfiles de imagen y ajustar allí se ven un poco más cambiando el contraste o la saturación individualmente. Ahora viene la misma pregunta de siempre. ¿Por qué? Bueno, hay dos razones por las que quieres cambiar un perfil de foto. En primer lugar, no sabes lo que te está configurado cuando tu cámara sale de la caja, eres cineasta, así que eliges el aspecto de tus videos. O quieres una buena foto directamente de la cámara, entonces puedes elegir algo como estándares o tal vez vívido. Pero si quieres tener un poco más de control con la corrección de color más adelante en la edición, lo mejor es elegir algo lo más plano posible para que elijas neutro y marques el contraste hacia abajo, la saturación abajo y la nitidez también. Tenemos una imagen plana fea pero podemos agregar contraste, colores y nitidez en la edición. Nos da mucho más control. Eso es lo que viste al principio de este video. Ya ves, esta de aquí es la imagen plana que está siendo grabada por la cámara y esto es con alguna corrección de color encendida. Eso lo hacemos porque no podemos eliminar contraste o los colores saturados sólo hasta cierto punto. Es por eso que a los cineastas les gusta rodar plano para tener esa posibilidad de grado de color y obtener ese aspecto cinematográfico. Las cámaras de video profesionales e incluso un poco de SLR prosumidores tienen la capacidad filmar en un perfil de imagen de registro. Por lo general, es un escenario que está aún más escondido, pero es esencialmente una imagen súper plana, como puedes ver aquí mismo. Pero contiene toda la información que necesitamos. Un tiro como ese puede ser fácilmente clasificado por color a algo como esto, de hecho ese aspecto plano. Esto de aquí mismo es en realidad un perfil de imagen de bloqueo y me da la posibilidad colocarlo a cualquier cosa que quiera, como esto o esto, tal vez esto. Verás, puedes simplemente hacer lo que quieras con esto, lo cual es mucho más difícil y tal vez incluso imposible con algo así como un perfil de imagen vívido. Ahora, cada marca tiene su propio sabor de este perfil de imagen de registro. Las cámaras Sony lo llaman S-Log, cámaras Panasonic llamadas V-Log, para Canon es C-Log, etc. pero todo se baja por lo mismo. Si perfiles de imagen o algo lo que ya estás familiarizado, definitivamente juega con definitivamente juega con un perfil de imagen de registro y echa un vistazo a mi clase sobre gradación de color. Todo esto es nuevo para ti, entonces no te molestes en disparar registro todavía. Solo pon tu cámara a estándares o neutral, lo que prefieras, y enfócate primero bajo el resto del cine, porque hay mucho que aprender y el espectáculo acaba de comenzar, pero estoy súper emocionada de te llevará en este viaje. Lo que me gustaría que hicieras ahora es pasar por todos los ajustes de tu cámara, si aún no lo has hecho. Asegúrate de sentirte cómodo con las diferentes herramientas y controles manuales y cuando te sientas listo, vuelve porque en las próximas lecciones vamos a empezar con un nuevo y aprender sobre el lado creativo del cine, que comienza con la regla de los tercios. 12. Regla de los tercios: Hoy en día si grabas un video, simplemente sacas la tarjeta SD de tu cámara, conectas a tu computadora y podrás empezar a verla. En los viejos tiempos, en realidad tenías que sacar la tira de película de tu cámara, desarrollarla, [RUIDO] ponerla en esta cosa de aquí mismo, que luego proyectaría la película para verla. Hablar de esto me hace sentir muy viejo, pesar de que esto fue antes de mi tiempo. De todos modos, ahora viene la parte divertida. Las siguientes lecciones te separarán de un principiante porque conocer tu cámara de adentro hacia afuera es una buena base. Pero si no sabes cómo usarlo correctamente, sigues haciendo las cosas mal. Empecemos con el encuadre. Esta es la forma en que apuntas tu cámara a tus sujetos. Probablemente ya hayas oído hablar de una composición. Esta es la forma en que posicionas diferentes elementos en un disparo. Tenemos esta roca justo aquí, y algunos árboles en la parte de atrás al movernos, y la forma en que apunto mi cámara a estas cosas, puedo colocarlas de manera diferente en el marco de mi cámara. Un cineasta sabe lo que es un buen encuadre o composición. En otras palabras, saben dónde colocar esos árboles y las rocas para que la toma sea interesante, y agradable de ver. Ahora bien, existen diferentes tipos de técnicas de encuadre, pero casi todo se reduce a la regla básica de los tercios. Divides tu tiro en tres partes, tanto horizontal como verticalmente, la regla del nombre de los tercios. Es posible que esté familiarizado con esta cuadrícula, como puede llamarla, ya que una superposición en casi todos los dispositivos de cámara, incluido su teléfono, generalmente se conoce como cuadrícula. Esta es una guía que podemos usar para alinear diferentes objetos, y comencemos con lo básico. Estamos filmando un paisaje que se divide con el horizonte. La idea es colocar el horizonte ya sea en la directriz superior o en la inferior. Eso va a depender lo que más quieras mostrar, son esas las nubes o quizás es el paisaje mismo? Si es el paisaje, obviamente pones el horizonte en la línea superior. Este es un tiro equilibrado. Es agradable verlo porque lo hemos alineado a la regla de los tercios. Ahora vamos a traer un sujeto al encuadre como un árbol.Un árbol es alto así que no podemos posicionarlo en las pautas del horizonte. Vamos a usar una de las verticales, ya sea la izquierda o sobre los derechos. Al mismo tiempo, vamos a mantener el horizonte en la línea superior o quizás en la inferior. Una composición siempre van a ser múltiples objetos o sujetos que necesitan ser alineados. Al igual que con el horizonte, piensa en qué área es más importante mostrar es que el lado izquierdo o derecho del árbol, dependiendo elegirás a qué pauta alinearás el árbol. Ahora a veces tu tema o foco principal es mucho más pequeño que el entorno, como el Terence aquí, que está sentado en una roca en la distancia lejana. En un caso como este, podríamos posicionarlos tanto en una línea vertical como en una horizontal, básicamente eligiendo una de las cruces. Ahora bien, si algunas áreas realmente no tienen ningún sentido, podrías optar por una composición central, básicamente centrando el tema, ya sea perfectamente en el centro o aún tenerlas sentadas en una de las lineamientos horizontales, esto también funciona. Haciendo una composición tan centrada, aunas toda la atención al tema. Filmando el tema desde una distancia más cercana, podemos hacer lo mismo. Colocar un sujeto ya sea a la izquierda o a la derecha o al centro. Pero, ¿qué ponemos en la línea horizontal? El punto de intereses. ¿Dónde mira el público para una persona que va a ser sus ojos? Nosotros jugamos sus ojos en la línea horizontal superior. El fondo también podría funcionar, pero entonces necesitas una muy buena razón para eso. Algo está pasando por encima de la cabeza de Terence. Entonces en cuanto a las líneas verticales, siempre y cuando la persona que esté mirando a la cámara, puedes elegir. A menudo, se usa una composición centrada, pero cuando el Terence está apartando la mirada de la cámara, algo sucede. De repente, se produce una dirección de visión. El Terence o mira a la izquierda o a la derecha. En nuestra composición, necesitamos darle algo de espacio a esta dirección de visión. Cuando tu Terence mire a la izquierda, colocará a esa persona en la guía vertical derecha con el espacio de visualización a la izquierda, y por supuesto viceversa. Ahora bien, esta regla no sólo se aplica a las personas, sino básicamente a cualquier cosa con rostro como animales y estatuas o ositos de peluche. De hecho, funciona con cualquier cosa que tenga un frente y un trasero. Piensa en un auto, no tiene cara, pero sí tiene un frente, así que asegúrate de darle a ese auto algo de espacio de visualización. Por último, también hay espacio para caminar. Si un humano camina en cierta dirección, dele espacio para caminar. Es lo mismo que ver el espacio. Si caminaban de izquierda a derecha, colocas a esa persona en la pauta izquierda, y sigues sus movimientos. Nuevamente, esto funciona con cualquier cosa que se esté moviendo, incluyendo autos, aviones, animales y otras cosas. Por supuesto, esto solo implica cuando estás siguiendo una asignatura, cuando tienes un encuadre fijo y eliges dejar que la asignatura estudiantes borrachos tomas, no tienes que darles espacio para caminar obviamente. Pero así es como funciona la regla de los tercios, y dependiendo de qué áreas sean las más interesantes, a dónde esté mirando o trasladándose el tema, colocas en una o más pautas. En la siguiente lección, vamos a trabajar un poco más con la regla de los tercios y enfocarnos únicamente en las personas. 13. Enmarcado de talento: Entendemos la regla de los tercios y cómo usar las pautas para enmarcar diferentes objetos en una toma. Pero el objeto más común o mejor establece sujeto es el ser humano. Ya sea que estés filmando una presentación, un diálogo entre dos personas, una escena de acción, no importa. Filmar a la gente viene con reglas de encuadre. Hay tres encuadres principales; el primer plano, el tiro medio y el plano largo. En el medio tenemos sub-encuadres como planos extremos de primer plano, o planos medio-largos , planos extremos largos. Se trata de sub-encuadres y, por lo tanto, no son tan importantes de recordar. También se puede decir, hagamos un tiro largo, que está un poco más cerca. Realmente no importa siempre y cuando entiendas los tres marcos principales. Empecemos con un tiro largo. Esto quiere decir que vamos a enmarcar para que el talento sea completamente visible en tiro de pies a cabeza. Como aprendimos en una lección anterior, podríamos ir por una composición central si están mirando a la cámara. Si están apartando la mirada de la cámara, dale a tu talento espacio de visualización y alinéalos en el lado adecuado de las pautas verticales. El uso de las pautas horizontales se vuelve más complicado. Estamos mirando a la cara, así que tal vez queramos alinear eso con la directriz horizontal. Pero en un tiro largo, eso crea demasiado espacio de cabeza por encima del sujeto. Ese espacio se llama espacio de respiración. Necesitas algo de eso, pero no demasiado. Lo justo para que tu sujeto se suelte del encuadre. En la parte inferior donde están los pies, también quieres dar algo de espacio para respirar, espacio entre los pies y el marco inferior. Si pegarías los pies al marco, se ve muy extraño. Esto se llama el efecto títere, por cierto, solo no me preguntes por qué es solo esto. Lo mismo con la cabeza de tu talento, pegarlo al encuadre superior es extraño. Crea ese efecto títere, que quieres evitar, dale algo de espacio para respirar. Ahora vamos a acercarnos un poco más al talento. Esto se considera un tiro medio-largo. Vamos a cortar a los pies del talento fuera. Quiero decir, no de verdad, sólo por enmarcarlo. Ahora aprendimos sobre el efecto títere. No quieres que nadie se pare en tu encuadre. Lo mismo ocurre con cualquier articulación. Eso significa tobillos, rodillas, pelvis, etc. Evite cortar en cualquier cosa que pueda doblarse. Un tiro medio-largo como este es extraño ya que estamos cortando en las rodillas. Sé que hacer cine es cruel, hay mucho corte involucrado. [Risas] De todos modos, no quieres hacer eso, siempre cortar por encima o por debajo de una articulación. Esto se siente mucho más natural. Ahora vamos a tomar un tiro medio. Vamos a cortar por encima de la pelvis. Interesante ahora es que nuestro tema se ha vuelto más prominente en una toma. Ocupa más del encuadre. De hecho, podemos colocar ahora los ojos del sujeto sobre los lineamientos horizontales. Ten en cuenta dar espacio para respirar por encima de las cabezas, definitivamente, para un disparo medio. Podemos volver a acercarnos un poco más y tomar un primer plano medio. Esencialmente estamos cortando debajo de los hombros. Nos estamos acercando tanto que ahora es imposible dar espacio para respirar por encima de la cabeza. Cortaremos en la cabeza, evitando el efecto títere, y nos aseguraremos de cortar también en la frente. Estamos entendiendo esto, chicos. Vamos por un primer plano. Quieres estar por encima de los hombros ahora, pero debajo del cuello, ya que eso también es una articulación. Los ojos van a estar por encima de la pauta superior, de lo contrario, vamos a cortar demasiado el cuello y la barbilla para dejar un espacio no deseado por encima de los ojos. Las frentes ya no se vuelven tan importantes, nos estamos enfocando en los ojos, la nariz y la boca en primer plano. Por último, está el primer plano extremo. Básicamente, puedes elegir en qué quieres enfocarte ahora. O eso va a ser sus ojos o boca o lo que sea. La mayoría de las veces lo vas a enmarcar en el medio a menos que tengas una buena razón para mostrar otras áreas. Como si vas por los ojos pero también por la nariz, puedes poner luego los ojos en la pauta superior o un poquito arriba y dejar espacio abajo para la nariz. Eso es en pocas palabras cómo enmarcar un talento. Al igual que con el espacio de visualización, también puedes encontrar caras en otros objetos. Un osito de peluche también es un talento que se puede enmarcar por los mismos principios. Hasta objetos opacos como una nevera. Antes te estás preguntando, qué pasa con las juntas, bueno, esas son las intersecciones entre las dos puertas. Eso también se considera un conjunto. Muchos objetos tienen algo así. Piensa por ejemplo aquí mi luz en la parte de atrás. Esto aquí mismo en los soportes de luz donde puedo inclinarlo hacia arriba y hacia abajo, eso se considera un porro. O cortas en encuadre justo encima de él o justo debajo. Ahora hay un último tipo de encuadre que aún no hemos hablado, y esa es la toma de establecimiento. Ni siquiera es un encuadre real, sino más bien una toma de narración. Una toma de establecimiento se utiliza a menudo en el comienzo mismo de una película o de una nueva escena. Muestra la ubicación y a veces también la hora. Por ejemplo, un plano amplio de una casa. Lo que sigue a continuación es una escena de una familia cenando en esa casa. Pero esa toma estableciendo de la casa le dice al público que la familia está en casa de papá y que se nota durante el día, el sol brilla. Ayuda a localizar donde estamos, y podemos usar ese principio para hacer trampa un poco, porque ese tiro de establecimiento no tiene por qué ser una reubicación. Pero puedes engañar a tu audiencia haciéndole pensar es el lugar en el que se reproduce la escena. Un ejemplo aquí son estos rascacielos donde de repente ocurre una explosión en. Luego cortamos a un disparo mío donde pretendo haber intentado desactivar la bomba, pero eso falló. Obviamente, en realidad no estoy sentado en ese edificio en particular, sino desde el punto de vista de la historia, lo estoy. Ahí es donde los clips de stock también vienen muy útiles. Usamos una biblioteca llamada Storyblocks para eso. Por cierto, habían sido un socio de nosotros desde hace mucho tiempo. Básicamente es una biblioteca llena de más de un millón de videos de archivo de varios géneros y temas. Puedes utilizarlos comercialmente y descargar activos de video ilimitados con una suscripción activa. Por eso se lo puedo recomendar encarecidamente a cualquiera. Por ejemplo, me encontré con esta toma de establecimiento de un planeta. Eso es algo que obviamente no puedo filmar, pero lo puedo descargar desde aquí, y me permite señalar una escena específica que se reproduce en diferentes planetas como Marte. Luego cortamos a estos disparos aquí mismo y parece que estos tipos están en Marte, lo que por supuesto no lo son. Esto es en algún desierto aquí mismo en el planeta Tierra. Estos también son clips de stock de Storyblocks, pero ya entiendes la idea. ¿Sabes qué? Dejaré un enlace aquí abajo en las notas de clase. Si quieres echar un vistazo a Storyblocks, ese es un enlace especial, por cierto, que apoya nuestro negocio y estos cursos que estamos haciendo aquí. De todos modos, un tiro establecido realmente no tiene reglas en cuanto a lo ancho que es tu tiro. Quiero decir, puede ser un planeta entero. Importante es que muestra la ubicación y tal vez también a una hora del día. Asegúrate de tratar tu objeto como un sujeto. Toda la casa y todo el planeta se convierte en un sujeto. Como hemos aprendido sobre cómo enmarcar un sujeto a la regla de los tercios, darle algo de espacio para respirar, y algo de espacio de visualización si no eliges una composición central. Ahora aún no hemos terminado con el encuadre. Hay dos lecciones más sobre enmarcar con objetos de primer plano y una sobre fondos. Después de eso, puedes tomarte un pequeño descanso. Hasta entonces, sigan vigilando, chicos. 14. Foregrounds: Hasta el momento sólo hemos estado enmarcando a una persona pero ¿y si hay una conversación entre dos personas? Al disparar desde un lado podemos colocar cada talento en las pautas verticales y además aplicar las reglas de encuadre dependiendo de si se trata de un tiro largo, tiro medio o un primer plano. Tener a dos personas en el tiro también se conoce como un disparo de dos. Esencialmente nos estamos enfocando en los dos talentos. Ambos son igualmente importantes, un disparo de dos. Pero en el momento en que uno de ellos empieza a hablar, a menudo cortamos a un tiro por encima del hombro. Aquí tenemos un talento enfocado y el hombro de la otra persona desenfocado en el lado del encuadre. En otras palabras, el hombro está actuando como un objeto de primer plano. Al mirar la regla de los tercios, vamos a enmarcar el hombro en este ejemplo en el lado derecho de la línea vertical no sobre sino al lado de ella. El tema en sí puede enmarcarse normalmente en los lineamientos verticales. Recuerda que estas pautas están ahí para llamar la atención sobre un tema. No queremos que el hombro llame la atención, solo está ahí como elemento de primer plano. El tiro por encima del hombro te da más idea de dónde estamos. Podemos ver que el talento es platicar con otra persona. Este es un encuadre que podríamos usar para intercambiar entre las dos personas mientras están hablando. Trasladamos la cámara de una persona a otra. Esta es una forma muy típica pero una forma de capturar una conversación. Los objetos de primer plano no siempre tienen que ser un hombro. También puede ser una roca o un árbol, cualquier cosa. Tener un primer plano fuera de foco en realidad crea más profundidad en tus tomas. Empiezas a ver mayor paralaje entre los sujetos y los primeros planos. Esta es una manera muy fácil de hacer tus tomas simplemente más interesantes. Ahora a veces ese objeto de primer plano sí se vuelve más importante. Vamos a volver a trabajar con un talento y esa persona está mirando a lo lejos. Ahora, podríamos optar por hacer un encuadre sobre el hombro, esta manera demostramos que la persona está mirando el paisaje. Pero también podemos colocar el talento en uno de los lineamientos verticales aunque el primer plano esté fuera de foco. Se convierte en una parte más importante de los disparos. Alternativamente, incluso podrías optar por una composición central. Una toma como esta suele utilizarse para contar una historia visual. El paisaje es grande y el talento está listo para explorarlo e ir a una aventura. Estas son obviamente técnicas de cámara más avanzadas pero quiero que sepas que encuadre de cámara a un nivel avanzado se reduce a la narración visual. Hay dos formas de enmarcar un sujeto ya sea para hacer una toma natural que sea agradable para el público o llevarla un paso más allá para contar una historia visual. El arte de crear historias visuales en la realización cinematográfica se llama cinematografía. En las películas, vas a ver una mezcla tanto de tomas normales como de tomas de narración visual. Por ahora, centrémonos en los encuadres básicos y una buena sensación de esos primero, y luego podremos pasar al siguiente nivel. 15. El fondo: Hay una última cosa que aún no hemos cubierto a la hora de enmarcar, y son los fondos. ¿Qué sucede en los fondos? Ahora, tenemos un bonito tiro medio del talento enmarcado por la regla de los tercios. A pesar de que esta es una buena toma, nos olvidamos de pensar en lo que está pasando en el fondo. En realidad, este no es un gran tiro. Tenemos un árbol justo detrás del talento y se destaca por detrás de la cabeza del talento. Esto se siente muy extraño y algo que siempre quieres evitar. Si hay un árbol, un poste, o cualquier otra cosa que pueda sobresalir por detrás del sujeto, asegúrese de evitarlo. Siempre coloca un árbol como este al lado del tema o tal vez córtalo un poco fuera del marco si no quieres llamar la atención sobre él. Aparte de enmarcar, el fondo también nos dice dónde estamos. En un tiro medio como este, el tema es muy prominente en los planos y no vemos mucho de los fondos, pero sí sentimos que estamos en un bosque o en algún parque porque podemos ver árboles en el fondo. Por eso nosotros, como cineasta, tenemos que pensar en lo que sucede en el fondo y lo que queremos en los fondos, ¿qué encaja mejor para mi historia? ¿Tiene sentido que estemos rodeados de árbol, o es mejor entrar y tener una sala de estar al fondo? Eso es para que nosotros decidamos. Con esta lección, solo quería que estuvieras al tanto de los antecedentes. Mírelo y hágase la pregunta de si hay o no algo molesto y si tiene sentido, también los elementos en el fondo necesitan ser enmarcados correctamente. Ahora, tomemos ese pequeño descanso. Coge tu cámara o incluso tu teléfono, y prueba algunas de estas técnicas de encuadre. Pregúntale a un amigo o si no hay nadie disponible, solo rellena tu osito de peluche, practica esos tiros largos, medianos y primeros planos mientras sigues la regla de los tercios. Si puedes, incluso habilita esa arena como una superposición en tu cámara y finalmente, ve qué puedes lidiar con los objetos de primer plano. Practica eso un poco, y cuando te sientas listo, regresa y continuaremos con el resto. 16. Distancia focal: Hola, bienvenido de nuevo. Hay dos tipos de lentes que puedes conectar a tu cámara. O es una lente prime o es una lente zoom. Los lentes Prime tienen una distancia focal fija como 50 milímetros. objetivo zoom puede cubrir un rango completo, por ejemplo, de 24 milímetros a 70 milímetros. Girar el anillo en la lente le permite acercar, o en otras palabras, cambiar las distancias focales. Ahora los lentes prime tienden a ser de mejor calidad ya que son más fáciles de construir y mantener esa mejor calidad óptica. Por eso son más económicos que los lentes zoom de igual calidad. Esa es la historia de fondo. Pero ahora, ¿cuáles son esos milímetros de los que estaba hablando y cómo afecta a nuestros disparos? Bueno, hay tres diferencias focales distintas. Tienes gran angular. De manera extrema podemos incluso llamar normal a este ojo de pez, que está justo cerca de cómo vemos el mundo o la distancia focal de nuestros ojos. Finalmente tele, que se amplía, podemos ver las cosas más cerca de lo que aparecen en la vida real. Ahora, el ojo humano se encuentra en algún lugar alrededor de 50 milímetros. Por eso es tan popular una lente de 50 milímetros. Cualquier cosa por debajo de eso es gran angular, por lo que una lente de 20 milímetros se ve algo así. Una vista de ángulo muy amplio. El lado opuesto, lente de 100 milímetros se amplía. Hablamos de un teleobjetivo en tomas, y hay mucho más que hacer al cambiar la distancia focal. De hecho, vamos a echar un vistazo a tres efectos secundarios diferentes con los que viene cualquier distancia focal. Aquí tenemos una toma media de nuestro talento a distancias focales de 100 milímetros. Aquí está esa misma toma otra vez, un encuadre medio a 20 milímetros. Lo primero que notamos es el fondo y en plano gran angular, podemos ver mucho más del entorno que con la tele lente. Esto se debe al campo de visión que cambia. Comenzando en gran angular, tenemos un gran campo de visión y a medida que nos acercamos, se vuelve más estrecho. Hacer este truco aquí mismo con los brazos realmente ayuda a visualizar lo que sucede. Cuando un fondo es menos importante, posible que desee acercar un poco más, cuando sea más importante y desee mostrar más del entorno, tal vez alejar el zoom y estar más cerca del sujeto. Es muy importante estar al tanto de esto. No se limite a acercar porque es más fácil, porque tal vez la mejor opción es alejar el zoom y de hecho estar más cerca de los sujetos. Este mismo efecto del campo de visión se puede encontrar de nuevo en el talento mismo. ver lo que le hace a la cara. Amplía más el rostro en un plano amplio y lo comprime más en un teledisparo. Es por eso que las tomas de belleza siempre se filman a 50 milímetros y más. Ochenta milímetros por ejemplo es algo que muchas veces se usa en la moda porque te hace lucir más bella, más agradable. Un plano amplio te hace ver gracioso y raro, entonces ¿estás filmando comedia o algo más serio como la moda? Ahora ya sabes qué tipo de distancia focal elegir. Eso fue lo primero, el campo de visión. Lo segundo es la profundidad de campo, y ya hablamos de esto antes. Tener una abertura abierta crea una profundidad de campo más superficial. El área que está en foco es menor. Ahora encerrando la apertura de ese campo de enfoque o profundidad de campo se hace más grande, podemos poner más cosas en foco. Lo mismo ocurre al acercar o alejar el zoom. Alejado, o en gran angular, tenemos una gran profundidad de campo, lentes muy gran angular como tu ojo de pez para que pongas todo en foco. Esa es una de las razones por las que esas cámaras de acción como la GoPro tienen una lente tan gran angular. No hay opciones de enfoque por lo que estas cámaras de acción necesitan tener una lente gran angular para que todo esté enfocado. Pero entonces cuanto más empecemos a acercarnos, menos profunda se vuelve la profundidad de campo. A menudo un camarógrafa cerrará su apertura un poco más cuando filma una tele lente, ahí es donde puedes hacer que tu campo de enfoque un poco más grande nuevamente, sea un poco más grande nuevamente, facilitando mantener las cosas adentro enfoque. Si quieres lograr esa profundidad de campo cinematográfica, simplemente filmes desde una distancia focal más grande o acercas. Eso nos lleva al último efecto que tiene la distancia focal, que es la perspectiva de la audiencia. El público o las personas que ven tus videos ven todo a través de la cámara. Eso es obvio. Ellos experimentan la historia que estás contando desde la perspectiva de la cámara. Ahora bien, si filmamos nuestros temas a distancia y acercamos el zoom, el público también siente que están muy lejos. Están viendo algo desde la distancia y esta de nuevo es una técnica de narración visual que hablamos antes. Mirar algo desde la distancia crea ese mismo sentimiento. Ahora no estamos involucrados ya que estamos viendo la situación sin embargo no somos parte de la situación. Ahora frente, podríamos alejarnos e ir a gran angular y quedarnos muy cerca del sujeto. De pronto el público se sitúa justo al lado del tema. Ahora son parte de la situación. Durante una escena de acción, el público también se siente en peligro. La distancia focal te permite colocar a la audiencia donde quieras. Una herramienta muy poderosa dentro de la narración visual. Bien, así es como funcionan las diferentes distancias focales. Pero ahora cuando sales a la tienda y compras esa lente de 50 milímetros muy elegante, podrías notar que en realidad no se compara con el ojo humano. De hecho, podría ser más tele. Se siente tal vez algo así como 80 milímetros. ¿Cómo es eso posible? ¿He estado mintiendo todo el tiempo? No te preocupes, no lo he hecho. El caso es que para poder ver la lente completa de 50 milímetros, en realidad necesitarás un sensor de fotograma completo. Ese es el pequeño chip que se encuentra dentro del cuerpo de tu cámara. Aguanta, déjame agarrar uno de esos. Tiene cierto tamaño físico. Cuanto mayor sea el tamaño, más cubrirá de la lente real. Si tienes un sensor más pequeño, solo estás capturando una porción más pequeña de esa lente. Básicamente, estás recortando en el video. Ahora, los sensores de fotograma completo como este de aquí son definitivamente una cosa, pero algo así como un sensor APS-H o un sensor APS-C como esta cámara también son súper populares. En estos sensores los tamaños se pueden encontrar en cualquier cosa como una cámara Sony, una Nikon, y Canon, no importa. En términos de tamaño, todos tienen su propio sabor, pero se reduce aproximadamente a lo mismo. Ahora, Micro Cuatro Terceros también es un tamaño de sensor muy popular, que es incluso más pequeño que este. Ahora, estos se sientan en las cámaras Panasonic Lumix. Eso significa que para tener una vista de 50 milímetros, en realidad necesitas comprar una lente de 35 milímetros si tu cámara tiene un sensor de tamaño APS. La razón por la que sé eso es porque puedo buscar el factor cosecha. Se trata de un número multiplicador como uno y medio, que es para sensores APS-C. Una lente de 35 milímetros por 1.5 se reduce a aproximadamente 50 milímetros en un sensor APS-C. Para un sensor Micro Four Third, es necesario multiplicar por dos. Quieres mirar una lente de 25 milímetros o 24 milímetros, que es más fácil de encontrar. De esa manera podrás tener ese campo de visión de 50 milímetros. Ahora para hacerlo aún más complicado de lo que ya es, lo siento chicos, no inventé esto, pero también se podrían hacer lentes específicamente para un tamaño de sensor específico. Eso significa que tienes lentes de montura completa, tienes lentes APS-C, tienes lentes Micro Four Third. Ahora, su factor de cosecha sigue siendo el mismo, así que eso no es nada de qué preocuparse, pero su cobertura, por otro lado, es diferente. Una lente APS-C es tan grande que cubre el tamaño de un sensor APS-C y todo lo que se encuentra debajo. Pero eso también significa sensores Micro Four Third, pero no un sensor de fotograma completo. Si pones una lente APS-C en un sensor de cámara de fotograma completo, comenzarás a ver una viñeta de la lente real. Eso es porque no es lo suficientemente grande como para cubrir todo el sensor. Esto es muy importante saber cuándo vas a buscar una nueva lente. Si eliges comprar una lente para un cierto tamaño de sensor, significa que ya no puedes usarla cuando vas a comprar una cámara en el futuro, lo que podría tener un tamaño de sensor más grande. Idealmente, compras lentes de montura completa, pero son mucho más caras. Son más grandes y son más pesados. Esa es una elección que tienes que hacer por ti mismo. Tengo un juego de lentes APS-C ya que mayoría de las cámaras utilizan ese tamaño de sensores. El fotograma completo se usa con más frecuencia en fotografía y no tanto dentro de la videografía. Eso es lo que necesitas saber sobre las lentes. Si tienen alguna pregunta, o tal vez están pensando en comprar una nueva lente o algo de eso, háganme saber en la discusión abajo, chicos, y estoy feliz de darles algunos consejos al respecto. 17. Posición de la cámara: Ahora bien, aunque una cámara puede tomar cualquier posición, básicamente hay tres distintas. ¿Filmas para mí, ángulo bajo, o vas a gran altura, o vas por encima de los ojos y tomas un tiro alto? Eso significa que cualquier cosa inferior a la altura del ojo se considera un disparo de ángulo bajo. Cualquier cosa por encima del ojo se considera un ángulo alto. Pero comencemos con el ángulo bajo y por qué deberías usar eso o por qué no deberías. Ahora, antes que nada, la posición de la cámara crea una historia visual. Cuenta algo sobre el personaje. Recuerda que el público siempre percibirá el video que están viendo desde la perspectiva de la cámara. Hablamos de eso antes al colocar la cámara cerca del talento o lejos. Ahora al disparar por debajo de la altura de los ojos del talento, estamos mirando hacia arriba al personaje. Aparecen más grandes en pantalla, pero también en estatus. De pronto mi talento es alguien que significa algo. Tienen la ventaja, tienen el control, ellos son el jefe. Incluso al filmar ligeramente por debajo del nivel de los ojos, ya estás contando esa historia. Por eso es tan importante estar al tanto de esto. Ahora por supuesto, solo ir ligeramente por debajo del nivel de los ojos, no hará que ese efecto sea tan prominente, pero la diferencia de estado está ahí solo ligeramente. Ahora en el caso extremo, hablamos de una perspectiva de vestir. Esto se usa cuando quieres mostrar que tu personaje es el verdadero jefe, el rudo, el que lo tiene todo y el control. Entonces tenemos la altura de los ojos. Esto es cuando nivelas con tu público, haces que tu personaje sea igual. Nada especial, una posición neutral de cámara , muchas veces utilizada en entrevistas. Entonces finalmente, tenemos la alta perspectiva. El personaje parece ser pequeño en pantalla y su estatus también disminuye. Estamos despreciando los talentos. Parecen más vulnerables y en el caso extremo, podemos llamar a esto incluso una perspectiva de ojo de pájaro. Ahora bien, cosas bastante comprensibles, pero ¿cómo implementamos esto en un proyecto de video? Bueno, digamos que tenemos a dos personas hablando entre sí. Uno de los personajes es el empleado y el otro es el patrón. El empleado se acerca al jefe para pedirle una carrera. Al principio, el empleado se siente vulnerable, un poco asustado de preguntar. Disparamos a los talentos desde una perspectiva superior. Al disparar un hombro por encima del hombro, incluso vinculamos esa perspectiva con la persona con la que está hablando el talento. Cuando el jefe empieza a hablar, cambiamos el ángulo de la cámara y disparamos desde un poco más abajo. El patrón tiene los motivos altos. Ellos pueden tomar la decisión, pero de repente el empleado aumenta su juego. Cambiamos las posiciones de la cámara y filmamos ligeramente desde abajo, haciendo que el talento parezca más fuerte. A lo mejor el empleado está amenazando con renunciar, así que el jefe podría tener un poco de miedo. Disparamos desde un ángulo ligeramente más alto, haciendo que el jefe se sienta ahora vulnerable. Pero ese es un gran ejemplo de cómo puedes establecer y cambiar el estatus de un personaje. Esto también se extiende a trabajos creativos o videos de eventos. Una vez conocí un video corto sobre alguien que hace artes de pintura en aerosol. Creé una mezcla de ambos disparando desde un ángulo bajo para hacerlo aparecer como un gran artista, pero también desde un ángulo alto para visualizar lo pequeño que es frente a la gran pared que está a punto de pintar. Eso nos dice algo sobre el lienzo en el que está trabajando. Piensa siempre en la posición de la cámara y cuál es el estatus que quieres darle al personaje o talentos. 18. La regla de 180 la regla: La regla de los 180 grados es probablemente una de las reglas más importantes para cualquiera que esté comenzando con el cine. En el momento en que tengas a dos personas conversando entre sí, entonces podemos rellenar esto desde múltiples ángulos para hacer el video más interesante, como ya lo hemos aprendido, podemos hacer una toma de dos o tal vez un sobre hombro, tal vez un tiro largo desde un ángulo, tal vez cambiar la posición de la cámara e ir un poco más bajo. A pesar de que tenemos la libertad de colocar la cámara donde queramos, usted quiere asegurarse de no desorientar al espectador. Ahí es donde entra en juego la regla de los 180. Ves como el cineasta, sabemos cómo es la ubicación. Lo hemos visto con nuestros propios ojos y nuestro cerebro puede decir de inmediato dónde está todo. Pero el público sólo ve la ubicación verdadera a la vista de la cámara. Esto es algo muy importante a tener en cuenta. Podemos dibujar una línea invisible a través de los dos caracteres, estamos cortando en la dirección que están buscando la dividimos en dos partes ambas, 180 grados, de ahí viene el nombre. Ahora, es importante elegir uno de esos sitios y quedarse allí. Eso significa que podemos colocar la cámara aquí y luego cortar a este ángulo o a aquí. Pero no se pueden mezclar tomas de un sitio con el otro. Eso va a desorientar al público. Déjame mostrarte por qué es eso. aquí el talento está mirando hacia el lado derecho del marco. Mientras nos mantengamos del lado de la regla de 180 grados, el talento seguirá mirando los derechos. Pero una vez que pasamos por encima de la línea, el talento ahora de repente mira a la izquierda. Para el público, parece que el talento ha dado la vuelta pero no lo han hecho. Esto se vuelve aún más confuso con dos personas. Uno está orientado a la derecha mientras que el otro está orientado hacia la izquierda. Esto es normal ya que se paran uno frente al otro. Pero cuando cruzamos la línea, su dirección de visión ahora es diferente, y perdemos la sensación de que están parados uno frente al otro. Esta regla también se extiende a diferentes lugares donde tenemos los mismos temas como un auto de conducción. Si el auto se aleja de un lugar, elegimos una dirección determinada. Por lo general eso es de izquierda a derecha al seguir ese auto o realizar múltiples disparos desde él en diferentes ubicaciones, nos aseguramos de quedarnos de ese lado de la regla 180. De esa manera el auto siempre conduce de izquierda a derecha, independientemente de la ubicación. Si dispararas desde el otro lado, el auto conduciría hacia el otro lado. Ahora parece que dio la vuelta en algún lugar entre dos disparos. Por eso es tan importante filmar desde un lado de la regla de 180 grados para mantener a tu audiencia orientada. No obstante, a veces sí se quiere desorientar a la audiencia. Piensa en una escena de lucha. Obviamente es una pelea falsa y quieres evitar eso, el espectador ve eso. Constantemente saltaremos por encima la línea de 180 grados para desorientar a la audiencia y encubrir errores. Pero también esto crea caos y confusión que encaja en la escena. Es una forma de narración visual. Romper las reglas de la realización cinematográfica es a veces para mejor, pero solo puedes romper las reglas si las entiendes primero. Por eso quiero que sigas primero la regla de los 180 grados, hagas algunas tomas y las edites juntas, veas cómo influye en tu escena. Una vez que lo hayas cogido, entonces estás listo para romper esa regla. Por supuesto, por una razón específica, todo lo que hagas dentro del cine necesita tener una razón. Gracias por mirar. 19. Movimiento de mano: Movimientos de cámara de mano. Estamos empezando a tener una idea de cómo funciona el cine. Hemos cubierto la mayoría de las reglas, así que estamos listos para comenzar a disparar. Para la mayoría de la gente empieza es simplemente sosteniendo su cámara en sus manos. Absolutamente nada malo en eso. Incluso las grandes producciones de Hollywood son a menudo tomas de mano. Sin embargo, disparar de mano es una opción y no algo que hagas solo porque es conveniente. Como ya hemos hablado antes, el público percibe tu video a través de la cámara, y la sensación que le das a la audiencia depende de lo que esté haciendo la cámara. Así, tener algo de sacudida en la cámara, le dará una sensación diferente al público que si filmarías desde un robusto trípode. Handheld es más dinámico, más agresivo, más vivo, más enérgico, juguetón. una escena de acción como una persecución de autos o Por lo tanto, una escena de acción como una persecución de autos o una escena de pelea se filma con mayor frecuencia de mano Si hay una presión de tiempo, por ejemplo, una simple acción como marcar un número y llamar a alguien, podría filmarse de mano para enfatizar el estado de ánimo. Pero también cosas como una entrevista, que necesita sentirse más informal y personal, que también se pueda filmar de mano. Muchos casos de uso diferentes. Por supuesto, hay una diferencia en los tipos de movimiento de mano. Puedes hacer movimientos grandes y rápidos, o movimientos suaves y lentos. Donde una escena de lucha obtendrá mucho más movimiento de cámara, para hacerla más agresiva, una entrevista casual obtendrá un movimiento portátil más suave y suave para hacerla más dinámica. Pero en cualquier caso de movimiento portátil, siempre está bajo control. Repasemos dos extremos, una escena de lucha y una entrevista casual. Empezando por esa entrevista. La idea no es llamar la atención sobre el movimiento de la cámara, sino más bien sobre el talento y su historia. Quieres comenzar por encontrar una posición cómoda para poder filmar por mucho tiempo. Lo más probable es que dispares con una de estas cámaras SLR. Sosténgalo con el agarre, y sostenga el cuerpo con las otras manos, así. Tus codos entran en tu pecho o vientre. Importante es tu columna vertebral. No se incline hacia atrás así, como si la escena estuviera pasando todo el tiempo. Si necesitas inclinarte así por alguna razón, entonces simplemente ponte derecho y da un paso atrás. Es lo mismo. Ponte de pie con ambos pies, robusto en el suelo, y ahora estás listo para disparar. No es necesario realizar movimientos casuales de mano a propósito. Ya está ahí. Simplemente respira y exhala y deja que tu cámara se mueva con tus respiraciones. Al inhalar, la cámara sube, y al exhalar, la cámara baja. Por supuesto, estoy exagerando un poco. Pero entiendes la idea. Aquí hay un mejor ejemplo. Sigue enfocándote en el encuadre. Quieres evitar que tu encuadre suba y baje. Hazlo gentil. En un ejemplo más extremo, como una escena de lucha, quieres hacer pequeños pero rápidos movimientos alrededor de tu sujeto. Mantienes la misma pose así, pero vas con la corriente de los sujetos. Cuando hacen un movimiento específico, puedes seguir ese movimiento, generalmente para hacer que sus impactos sean más poderosos. Pero es importante que te pongas sobre un sujeto, hagas un encuadre correcto y hagas movimientos pequeños y rápidos. Cuando cambias de tema durante una toma, haces un movimiento rápido hacia él y te encajas sobre los nuevos sujetos. Es ese chasquido de un sujeto a otro, lo que hace que tus controles de movimiento portátiles. Dale a tu audiencia el tiempo para entender lo que están viendo. Así que no te alejes del tema demasiado rápido. Hablaremos más sobre soportes de cámaras como los trípodes más adelante en esta clase. Como arrancador, ir de mano es definitivamente una buena idea, siempre y cuando lo estés haciendo correcto y controlado. Gracias por mirar. 20. Cámara lenta: Cuando disparas a 60 fotogramas por segundo, puedes agregarle cámara lenta porque puedes estirarlo a 30 fotogramas por segundo. Ya hemos hablado de esto antes en la lección sobre las velocidades de fotogramas. Pero aparte de esa explicación técnica, también hay una regla creativa. Cuándo debemos filmar cámara lenta y cuál es el impacto que tiene en nuestro video? Nuestro talento salta sobre una roca, hemos visto lo que pasa, pero no vimos los detalles porque fue muy rápido. Volvamos a disparar eso, pero esta vez en cámara lenta. Esto le da al público el tiempo para mirar más los detalles, como ¿qué expresión es una creación de talento? Si hay opacidad haciendo en el aire? ¿Cuál es su posición corporal, etc? Automáticamente un espectador comenzará a mirar esos detalles porque parece que estamos obteniendo más tiempo para mirar incluso si el clip en sí no es realmente más largo. Esas son las partes interesantes. Una toma de primer plano normal donde ni siquiera está pasando algo emocionante en. A velocidad en tiempo real vemos a una persona, un clip de cinco segundos. Ahora vamos a mostrar esa misma toma, también de cinco segundos de duración, pero en cámara lenta. El público comenzará automáticamente a prestar atención a los detalles y al rostro. Debido a que miramos más a fondo la cara de alguien, percibimos mucho más sus emociones. En esta toma, el talento inclina la cabeza hacia arriba. Nada especial, justo cuando jugamos esto en cámara lenta, de repente su emoción se vuelve más fuerte. Dependiendo de la historia que estés contando, enfatizarás eso. Esa es una esencia lo que hace la cámara lenta. No siempre tienen que ser tomas de acción rápidas, incluso los movimientos pequeños o las emociones de los personajes se pueden mejorar con cámara lenta. Así que no la uses todo el tiempo, sino usa sabiamente esta poderosa técnica. 21. edicion A/B roll: El nombre B-roll proviene de los viejos tiempos donde tenías un rollo de película real dentro de la cámara. La cámara principal tenía el A-roll. Aquí está. La segunda cámara tenía el B-roll. Ahora ese nombre seguía pegando por ahí. Pero claro, la función de la cámara B-roll no ha cambiado tanto. Ahora, no te preocupes, no necesitas una segunda cámara real. De hecho, podrías hacer un video completo con solo tomas B-roll. Empecemos simple, una entrevista. El talento que está hablando en cámara es filmado con el A-roll. Por lo general nos referimos a ella como la cámara principal. La cámara B-roll generalmente se sienta más a los lados tomando un encuadre diferente. Ahora bien, esto no es necesario, pero sí hace que la entrevista sea más dinámica. Esta cámara B-roll podría incluso tomar fotos de las manos del talento. Eso significa que si solo tienes una cámara, podrías tomar esas fotos después de la entrevista. Los puedes editar de tal manera que parezca que los gestos con las manos para el B-roll fueron tomados durante la entrevista. Pero B-roll también podrían ser tomas tomadas fuera de la entrevista o del mensaje principal que estás presentando. Por ejemplo, nuevamente tenemos esa entrevista pero luego mostramos clips de lo que está hablando la persona, que podrían ser filmados en un lugar diferente, tal vez incluso algunos clips de stock. Otro ejemplo es donde cortas a una secuencia B-roll después de una entrevista. De pronto comienza la música y se ve un montaje de tomas creativas. B-roll en esencia solo hace que tus videos se vean más dinámicos. No cuentan una historia directa o al menos no una historia importante, pero sí visualizan mucho haciendo que tus videos sean más agradables de ver. Es como en esta clase, también podría simplemente platicar todo el tiempo sin mostrarles nada. Obtienes toda la información, pero sería bastante aburrida. Todos los ejemplos que muestro son B-roll, lo que hace que esta clase sea más interesante. Pero como dije antes, también puede existir un video de solo tomas B-roll. Piensa en un video creativo, quizás un video de viajes. Tocas una canción de fondo y muestras una bonita edición de tomas de B-roll. No hay tomas A-roll como una entrevista o un monólogo o algo así. Ahora, a veces B-roll es tan corto que también podemos llamarlo un tiro de inserción. Básicamente es B-roll, pero tiene un propósito específico. Tenemos a alguien mirando aquí un objeto tendido sobre la mesa, y lo que suele decir un cineasta es, tomemos un gráfico de inserción de ese objeto. Harás un primer plano de eso y lo editarás de tal manera que vayas de un plano lejano al primer plano de ese objeto. Después vuelve al tiro largo. Se siente como si hubieras insertado un disparo en el medio. Este tipo de tiro B-roll se utiliza muchas veces para mostrar más detalles sobre algo que es importante. Agrega información adicional a la escena. Mientras que el rollo B normal podría no ser tan importante, una toma de inserción lo es. Por último, tenemos el corte, también una forma de rollo B, pero nuevamente, caso de uso muy específico. recortes son básicamente insertos que no son tan importantes, como las manos de la persona que habla durante una entrevista. Es B-roll, pero más específicamente referido como un corte. Esto también podría ser una toma completamente diferente sobre algo de lo que la persona está hablando. Pero siempre es una oportunidad. Cortamos por un breve momento del rollo A. Cuando tienes más tomas, básicamente, unas pequeñas ediciones, ya no lo llamamos corte, solo una secuencia B-roll. Ahora esto fue un poco complicado, no me culpes. Estos son términos cinematográficos inventados en los viejos tiempos. Simplemente es bueno saber que estas cosas existen. Secuencias de rollo B, tomas de inserción y cortes, pero también puedes nombrarlos a todos ellos B-roll. No hay nada malo en eso. Solo asegúrate de pensar B-roll al momento de filmar un proyecto. No se limite a dejar la sesión después de la entrevista o el diálogo o lo que sea que se haga. Piensa siempre en los tiros extra que necesitas para que tus ediciones sean más dinámicas e interesantes, las tomas B-roll. Antes de terminar esta lección, me gustaría mencionar un recurso muy útil, nuevamente, Storyblocks del que también hablé antes. Pero una biblioteca de valores como ellos es súper útil, freaky, no tienen el B-roll correcto. Storyblocks tiene más de un millón de clips de stock libres de regalías y resolución HD y 4K. Esto significa que puedes usar tus descargas incluso con fines comerciales, lo cual es genial. A veces siento que no disparé B-roll. Es un error que todos cometen en algunos momentos. Puedes arreglarlo descargando un video de archivo. O tal vez necesites una toma de inserción. Podrías filmarte mientras te das la vuelta para mirar un reloj, por ejemplo, pero no tienes ese reloj elegante. Simplemente busque el reloj en Storyblocks y utilícelo como las tomas de inserción. Ahí vas. Siempre puedes consultar Storyblocks. De nuevo, te dejaré un enlace aquí en las notas de clase si quieres echarle un vistazo para más información. 22. Toma para la edición: El único problema de mi unidad de almacenamiento de cámaras aquí mismo es que una de estas luces aquí funciona con baterías. Eso significa que necesito pensarlo para cambiar esa luz, que olvidé por completo. ¿Eso me convierte en un mal cineasta? No, porque un buen cineasta comienza con la edición y luego graba sus videos. Sé que suena imposible, pero escúchame. Se te pide que llenes una simple acción como si alguien estuviera vertiendo en un vaso de agua y luego beben de él y antes incluso de presionar ese botón de grabación en tu cámara, deberías pensar primero en las ediciones. Digamos que disparaste todo desde un ángulo, básicamente solo tienes un disparo. En la edición notarás que realmente no puedes hacer mucho con eso. Como operador de cámara, necesitas hacer tomas que el editor pueda usar. O si tú mismo eres el editor, asegúrate de no enfadarte contigo mismo por no hacer suficientes tomas. ¿Cómo te va en ello? Bueno, cortas cada escena o acción en múltiples tomas. Importante es que siempre hagas diferentes encuadres. Por ejemplo, comienzas con un tiro largo ya que el [inaudible] recoge la botella, luego haces un primer plano de verter el agua en el vaso. Entonces das un paso atrás para hacer tomas medianas del [inaudible] bebiendo de ese vaso. Hemos cortado la acción en tres tiros. Eso significa que también podemos tocar un poco con la longitud de la escena cortando más rápido, toda la acción se vuelve más rápida o podemos alargar toda la escena. Nos estamos dando a nosotros mismos o a las opciones del editor para editar. Eso es lo que siempre quieres intentar hacer haciendo tres tomas individualistas de la escena. Ahora claro, podría haber más tomas que depende de ti. Ahora bien, ¿no podríamos simplemente hacer tres tiros largos, por ejemplo, no sería más fácil? Se toma un tiro desde este ángulo, uno desde aquí y otro desde ahí. Todos los tiros largos. Desafortunadamente, tiros como estos no cortan. Vas del mismo encuadre a otro. Lo que sucede son los cortes de salto. Vemos un salto en el movimiento o en otras palabras, el espectador nota los cortes y en todo momento se quiere evitar eso. Aunque definitivamente es más aceptable estos días en el cine profesional, todavía hay que evitar los saltos a menos que haya una elección creativa. Básicamente podrías romper cualquier regla cinematográfica, pero necesitas una buena razón para eso. Por cada toma que sigue, cambias tu encuadre. Tiro medio, primer plano, tiros medianos, tiro largo, primer plano extremo, tiro medio largo, primer plano, tiros largos, etc. creo que se entiende la idea. Ahora digamos que se te pide que filmes un evento de negocios. Están pasando todo tipo de cosas y podríamos filmar algunos lanzamientos de nuevos productos allá en la otra esquina, vienen invitados. Hay un bar donde hacen cocteles. Por cada escena haces suficientes tomas y quiero decir, diferentes encuadres. También es más fácil cortar de una escena a otra y es menos probable que termines con cortes de salto. Comprender eso me lleva a la segunda parte de esta lección. Disparar para la edición también significa buscar ganchos interesantes. De hecho, rodé muchos eventos de negocios cuando empecé con. Es algo que a menudo haría es tomar una foto de un comedor vacío. Yo entonces más tarde en la noche, tomaría esas mismas fotos de alguna manera desde el mismo ángulo y enmarcando cuando esa habitación estaba llena de gente. Sé que esto es un salto cortado, algo que acabo de decirte que no hagas. Pero tenía una razón. Podría agregar como una pequeña transición de falla en el medio o simplemente incluso mantenerlo como un corte de salto y agregar una playa a la música debajo. Pensé que era una idea genial cortar de una habitación vacía a una habitación llena. Ahora, eso solo fue posible teniendo en mente esa idea de edición mientras estaba filmando. Te animo a que hagas exactamente lo mismo. Mientras estás grabando un video, piensa en algunas transiciones geniales que podrías hacer o tal vez una secuencia de tomas. En pocas palabras, siempre haz múltiples tomas de una misma escena que se filmen en diferentes encuadres pero también trata de filmar algo que puedas usar creativamente en tus ediciones. Lo que ayuda es mirar el trabajo de otras personas como una inspiración. Si te encuentras con alguna buena secuencia de transición o edición, escribe eso y llévala contigo en tu próxima sesión que te ayude a recordarte qué tomas necesitas tomar. 23. PRACTICA: Hemos pasado por la mayoría de las reglas fundamentales del cine. Ha sido mucho y más por procesar. Salgamos ahora y practiquemos lo que hemos aprendido hasta ahora. Si voy a ser honesto, me vendría bien un descanso también, chicos. El cine es un viaje sin fin, incluso después de más de 10 años, sigo aprendiendo cosas nuevas sobre cine todos los días. No se sienta abrumado por toda esta información. Llévala paso y lo más importante, disfruta de ese viaje. Lo primero que quiero que hagas es hacer un cortometraje de acción. Con la acción, literalmente me refiero a cualquier cosa. Eso podría ser cortar verduras para hacer sopa, limpiar el auto o hacer algo de jardinería afuera. Acciones guionadas como estas te permiten prepararte. Quiero que esboces un storyboard de las diferentes tomas que quieres tomar. Mientras preparas estas tomas, repasa las lecciones de esta clase, especialmente las lecciones sobre las reglas del cine y la narración visual. Trate de pensarlo tantas cosas como sea posible ya que esté haciendo su preparación. Entonces pídele a un amigo que sea tu talento y simplemente sigue tu propio storyboard. Tus elecciones creativas ya estaban hechas, así que ya no necesitas pensar en eso. Sólo tienes que seguir esos storyboards. Eso permite prestar atención a los aspectos técnicos de la realización cinematográfica. Las lecciones con las que empezamos, cosas como establecer la exposición correcta en tu cámara, enfocar, balance de blancos y otras cosas. Este es un gran ejercicio para practicar habilidades tanto técnicas como creativas. Definitivamente si estás haciendo esto con un amigo, entonces no hay necesidad de estresarte por hacer algo malo. Hablando de hacer las cosas mal, en realidad quiero que te equivoques porque si siempre intentas nunca equivocarte, te limitarás. Atrévete a experimentar y atrévete a cometer errores. Solo se pueden aprender cosas nuevas cometiendo errores. Esta clase ha sido un gran error. Has estado aprendiendo tantas cosas nuevas. Eso salió muy mal. Espero que estén disfrutando, chicos. De todos modos, sal ya y empieza en ese proyecto de video antes de continuar con la clase. Puedes publicar ese video aquí a Skillshare, si quieres, y ya sea yo o alguien de mi equipo lo miraremos para recibir comentarios. La clase aún no está terminada, también vamos a hablar herramientas de cámara muy importantes la siguiente lección. Pero sí te aconsejo que primero practiques lo que has aprendido hasta ahora. Llévala paso. Gracias por mirar y nos volveremos a ver muy pronto. Voy a servir un poco de café nuevo en mi taza. [Risas] 24. Filtros ND: Hola, bienvenido de nuevo. Espero que hayas disfrutado haciendo tu primer video teniendo en cuenta las reglas de realización cinematográfica. Nos quedan unas seis lecciones que creo que serán sobre [inaudible] y soportes de cámara. Una vez que te sientas más cómodo con el cine, rápidamente empezarás a buscar invertir en algunos equipos más. Por desgracia, he visto muchas malversaciones de cineastas principiantes. Por eso me gustaría darte algunos consejos al respecto, pero también enseñarte sobre cómo usar correctamente algo como un trípode por ejemplo. Pero vamos a empezar primero con el filtro ND. Probablemente sea lo primero que recomiendo conseguir, ya que estás listo para gastar algo más de dinero. El filtro ND es una pieza de vidrio muy simple, un filtro redondo que se atornilla a su lente. ND significa densidad neutra, pero esencialmente estas son gafas de sol para tu lente. El propósito de este filtro es bloquear la luz. Pero, ¿por qué necesitamos eso? ¿Podemos simplemente cerrar la apertura si el video es demasiado brillante? Por supuesto, se puede. Pero también hemos aprendido sobre los efectos secundarios que trae la apertura, que es una mayor profundidad de campos. Una toma simple como esta tiene casi todo en foco. El primer plano simplemente no está separado del fondo por eso. Si tuviéramos la capacidad de bloquear la luz a través de un filtro ND, podemos volver a abrir la abertura, haciendo que la profundidad de los campos sea más superficial, y así conseguimos una toma más cinematográfica. Eso ya hará que tus videos se distingan del resto. Ahora, dado que el filtro ND está diseñado para bloquear una cierta cantidad de luz, también hay diferentes tipos de filtros ND. Ahora, la cantidad de luz que bloquean se anota en su número ND. Cuanto mayor sea este número, más luz se bloquea, o más fuertes son tus gafas de sol. Empezando por ND2, que bloquea la mitad de la luz. O en otras palabras, vamos a pasar la mitad de las luces. ND4 deja pasar una cuarta parte o 25 por ciento de las luces. Si saltamos algunos números hacia adelante, un ND100 solo deja pasar el uno por ciento de las luces. En realidad, es bastante fácil. El número ND se refiere a la fracción, por lo que un ND16, vamos a través de una decimosexta parte de las luces. Entonces hay una cosa que hicieron fácil de entender. Pero ahora que conocemos las matemáticas detrás de estos filtros ND, ¿qué filtro ND necesitamos realmente ahora? Porque la mitad o una cuarta parte de la luz es simplemente algo que no es fácil de visualizar. Bueno, los filtros ND se utilizan con mayor frecuencia al aire libre, donde hay muchas luces. En tal caso, en su mayoría estarás mirando un ND8 para días nubosos y luego ND32 para cuando el sol está alto en un cielo despejado. los conjuntos populares de ND Por lo tanto, los conjuntos populares de ND generalmente consisten en un ND8, un ND16 y un ND32. A veces también hay un ND64 ahí dentro. Antes de preguntar, ¿puedes atornillar múltiples filtros ND en tu lente? A pesar de que no es recomendable. Sí, puedes. El motivo por el que no es recomendable, y voy a sacar los filtros ND de su estuche que no pensé es a través, [Risas] es porque la luz tiene que viajar a través de dos piezas de vidrio. De ahí que cuantas más piezas de vidrio tenga que atravesar la luz, más disminuirá la calidad óptica y empezarás a ver cosas como el efecto ghosting o una imagen más suave. Es por eso que estos filtros ND fijos son tan populares. Suelen darte la mejor calidad óptica. Es como una lente prime, como ya hemos cubierto antes. Al igual que este de aquí, una lente fija de 50 milímetros suele estar en mejor calidad que una lente zoom del mismo precio aproximadamente. Esto se debe a la mayor cantidad de elementos de vidrio que se necesitan en una lente zoom por lo que la calidad disminuye. Aunque, toma eso con un grano de sal. La tecnología ha llegado muy lejos en estos días. Los lentes de zoom son definitivamente una gran opción. Ahora con filtros ND como este, tenemos lo mismo pasando aquí. Esto de aquí es un filtro ND variable. Estos son los lentes zoom de los filtros. Consisten en dos filtros y más específicos a los filtros polarizadores para que puedas girarlos y de esa manera dejarán pasar más o menos luz, ¿no es genial? Déjame sostener eso justo aquí frente esta luz para que veas lo que realmente hace. ¿No es eso increíble? Básicamente, obtienes un rango de alrededor de ND2 a ND400. De hecho, ya ni siquiera necesitas pensar en los números ND enteros y la cantidad de luz que bloquea o deja pasar. Simplemente gira el filtro, mira tu monitor, vigila el histograma, y eso es todo. Por esa sencillez, también te sugiero que te consigas uno de estos. De hecho, la única vez que trabajo con filtros ND fijos como este, es cuando disparo contenido con guión donde tengo tiempo para intercambiar filtros y realmente quiero obtener la mejor calidad posible. Eso suele ser durante un cortometraje por ejemplo. Pero para todo lo demás, utilizo un filtro ND variable. Entonces has elegido tu filtro ND, buen trabajo. Pero ahora viene el tamaño del diámetro; 73 milímetros o 77 o quizás 82. Ese es el tamaño del filtro que amenaza aquí en la parte posterior. Cuando mires tu lente, deberías ver un símbolo como aquí con un número al lado. Esto se refiere al tamaño de filtro que tiene tu lente. Pero entonces te das cuenta de que tus otras lentes tienen diferentes tamaños de filtro. ¿Compra ahora dos filtros ND? Por supuesto que no. Lo mejor es comprar un filtro ND con un diámetro grande, por ejemplo, 82 milímetros. Ese es el tamaño que a menudo se elige. Puedes atornillarlos en tu lente, pero no puedes encontrar adaptadores para que encajen. Estos se llaman anillos de aumento, se pasa de un tamaño de filtro a otro. Estos anillos, aquí mismo, solo cuestan un par de dólares así que equipé todos mis lentes con ellos. Como aquí mismo se puede ver que vamos de 52 milímetros a 82 milímetros. De esa manera, puedo colocar este filtro ND muy grande en una lente muy pequeña. Solo tuve que gastar dinero para una lente ND y se ajusta a todas mis lentes. Esa es la historia del filtro ND. En pocas palabras, te recomiendo comprar un filtro ND variable de 82 milímetros y obtener anillos de aumento para cada lente que tengas. Es la solución más barata y versátil. 25. El trípode: Los trípodes. La forma más básica de soporte de cámara aún que es mucho más compleja de lo que piensan la mayoría de los aspirantes a cineastas. Esencialmente tienes tres trípodes: los de plástico baratos, los trípodes fotográficos y luego los trípodes de video. Ahora, ya podemos eliminar esos trípodes de plástico baratos. Veinte dólares parece un buen negocio por un trípode pero en realidad, solo estás tirando esos 20 dólares. Luego nos quedamos con ese trípode fotográfico y el trípode de video. Un trípode fotográfico suele ser muy ligero. Tiene un diseño sencillo y mantiene robustas las cámaras pequeñas. Están destinados a sostener cámaras fotográficas, que también podrían ser tu cámara de video. Pero si estás planeando construir tu SLR como hicimos con nuestra Panasonic Lumix GH5, entonces ese trípode fotográfico podría ya no ser tan fuerte. El lanzamiento rápido es raro. La cámara se bloquea en los trípodes y es bastante pequeña en los trípodes fotográficos. Por lo tanto, las cámaras más grandes se moverán más. Ahora, un trípode siempre consta de dos partes. Tienes las piernas y tienes la cabeza. De hecho, puedes comprar estas dos cosas por separado si quieres. A veces te gusta cierta cabeza y un conjunto de piernas muy específico. Entonces puedes combinarlos juntos, súper fácil. Ahora, una cabeza de trípode tiene tres ejes. Se puede doblar que es un movimiento horizontal, se puede inclinar que va verticalmente, y finalmente, inclinar o rodar la cámara. Esto es necesario para hacer fotos verticales. El video profesional casi nunca se muestra vertical así que es por eso que un trípode de video solo puede doblarse o inclinarse. Ahora, mirando más cerca de la cabeza del video, puedes ver que tiene una base mucho más grande, una base de liberación rápida mucho más grande. De hecho, en los segmentos de gama alta de las cámaras de video y cine, incluso podemos encontrar trípodes como este. Mira lo grande que es [RUIDO] esa placa de liberación rápida. Eso definitivamente hará que nuestra cámara se sienta robusta. Hay una razón por la que existe un trípode de video porque el video se mueve, por lo que un trípode de video está diseñado para hacer tomas en movimiento, mientras que un trípode fotográfico está diseñado para hacer fotos fijas. De hecho también desatenderemos el trípode fotográfico. Ahora, echemos un vistazo más de cerca al trípode de video. Déjame llevarme éste. Este es un poco más ligero. Encontrarás tres controles aquí. Ahí están los controles de arrastre o fricción, el contrapeso y las cerraduras. Ahora bien, no todos los trípodes de video tienen las tres funcionalidades y ahí es donde está la diferencia de precio. Ahora las cerraduras suelen estar siempre ahí. Los puedes encontrar aquí atrás en tu pan control bloqueando eso. Se asegurará de que ya no puedas hacer pan. Lo mismo con la inclinación también. Si trabas eso, no puedes inclinarte más. [RISA] Tenga en cuenta que el arrastre o la fricción deben ser fluidos y esto lo puede encontrar nuevo en la descripción de los trípodes. Si no puedes encontrar las palabras cabezas fluidas, entonces no tiene esa característica. Una característica que es esencial. Un cabezal de fluido hace posible que pueda hacer que los fluidos se doblen y se inclinen movimientos. Dentro de trípodes más baratos, esto a veces está integrado en la cerradura de tus trípodes. Es una manera de hacer ese arrastre. Cuanto más lo trabas, tienes arrastre, pero no es realmente buen arrastre. Si quieres hacer movimientos muy pequeños y suaves, tener un arrastre más grande te facilita hacerlo. Haga que sus cámaras también necesiten más arrastre o fricción también. Aunque parece una buena idea, el control de bloqueo de fluidos no es tan confiable. Después de un uso moderado, también te encontrarás rápidamente con problemas en los que, por ejemplo, el control de panorámica puede disparar hacia adelante. O incluso cuando bloqueaste casi por completo una sartén, aún puedes moverla y no es suficiente arrastre. Idealmente, quieres tener un control de arrastre separado y un candado. Girar esa rueda también agrega más arrastre a la sartén para que así pueda hacer movimientos más precisos. Donde sí necesito hacer movimientos más rápidos, solo puedo disminuir el arrastre. Un trípode como este durará mucho más, aunque son un poco más caros. Eso depende de usted decidir cuál obtener. Por último, tenemos el contrapeso. Esta es la característica que no todos los trípodes de video tienen y por lo general solo se necesita para lo que tienen tus cámaras. Aunque si tu presupuesto lo permite, entonces consigue esa característica así como hará que tu trípode esté listo para usar en quizás una cámara futura que va a ser más pesada. Un trípode no es un dispositivo electrónico por lo que podría durar toda la vida. Por eso no reduciría algo así. El contrapeso es un resorte en las cabezas que empuja hacia atrás cuando se está inclinando. Tienes diferentes ajustes de fortalezas aquí. La idea es ponerlo en la cantidad correcta para que tu cámara siempre permanezca en la posición en la que se está inclinando sin tener que usar el candado. Eso es realmente necesario para evitar el movimiento de la cámara cuando necesitas llenarlos desde un ángulo y tienes que hacer esfuerzos para mantener las cámaras quietas. Es por eso que esta es una característica opcional que es más importante para las cámaras más pesadas. Ahora, echemos un vistazo a las piernas, que o vienen con o sin esparcidor, que está justo aquí en el medio. El esparcidor se asegura de que las piernas permanezcan en su lugar y solo hace que todo sea más resistente en general. Ahora hay unos esparcidores medios como este de aquí mismo, pero también hay esparcidores de tierra o esparcidores fondo como los derechos de trípode pesados aquí. Ambos hacen bien el trabajo, pero sí sugiero conseguir un esparcidor medio porque si tienes una superficie irregular, ese esparcidor no se meterá en el camino cuando vas a poner tu trípode en alguna parte, como en una escalera o cuando hay muchas rocas fuera sitios. Los esparcidores de fondo son realmente utilizados en ambientes de estudio donde siempre se tiene una superficie plana. Por último, echemos un vistazo a la conexión entre las patas del trípode y las cabezas de video. Puedes tener una cabeza de tazón, también llamada medio tazón, o monturas planas. En la mayoría de los casos, tienen cuencos de las cabezas también se pueden quitar para que de esa manera tengas dos en uno. En los estándares de la industria, siempre trabajamos con cabezales de tazón. Hay algunas excepciones donde una montura plana va directamente sobre las patas, pero eso no lo recomendaría. Lo bueno de las cabezas de los tazones es que se colocan con cualquier cuenco de las patas y la parte inferior puedes luego bloquearlo en su lugar. Tener ese tazón te permite nivelar las cabezas de video como puedes ver. Casi siempre hay algún tipo de herramienta de nivel y una parte superior para ayudarte con eso. Esto significa que puedes extender las patas de los trípodes muy rápidamente de la manera que quieras. No necesitas preocuparte por si tu trípode es recto o no. Simplemente puedes usar un candado aquí en la parte inferior. Usa los cabezales de tazón para nivelar tu cámara. Las cabezas de los tazones vienen en dos tamaños, 75 y 100 milímetros. Siempre se puede adaptar un 100 a 75 igual que con el step up trae de los que hablamos antes. Pero no se puede pasar del 75 al 100. De nuevo, eso es algo a tener en cuenta. Esa es una historia sobre los trípodes. En la siguiente lección, vamos a hablar cuándo usar un trípode y además tengo un muy buen ejercicio para que practiques tu paneo e inclinación. 26. Panning, inclinación: Un trípode nos permite realizar movimientos horizontales o hacer una curva o un movimiento vertical, decir, hacer una inclinación. Ahora se podía ver el trípode como lo opuesto al portátil. Handheld se considera más dinámico, lúdico, a veces caos. Tiene una forma de realidad a ello. Mostraste una profundidad de escena más por ese movimiento de cámara. Un disparo de trípode quieto tiene el efecto contrario. Es estático pero también fuerte y confiado, limpio, podemos crear movimientos bronceando o inclinando, pero ese es un movimiento controlado. Las escenas rodadas en un trípode son más relajadas. De hecho, puedes mezclar estas tomas con un propósito narrativo. Digamos, tenemos a alguien sentado en una habitación víctima leyendo algo. Rodamos esto desde un trípode porque es un ambiente relajado. Pero entonces de repente empieza a temblar el suelo , quizá un terremoto. El tono de la escena cambia a más dramático, y para enfatizar que vamos de mano y agregamos un poco de movimiento de cámara. Hay una razón por la que elegimos filmar de mano o en un trípode. Eso es algo muy importante a tener en cuenta. El corporativo generalmente se filma en un trípode porque muestra confianza. Es como estar de pie con los dos pies firmes en el terreno. No obstante, lleva algún tiempo configurarlo. Necesitas traer ese trípode. Lo configurarías a la altura correcta, conectarías tu cámara a ella, etc. Podrías ir de mano, pero la razón por la que vas de mano no es por contar historias, sino porque es más conveniente para ti y esa es una elección equivocada. La razón por la que digo eso es porque este es un error que muchas veces se comete. Lo he visto demasiadas veces en pequeñas producciones, donde empiezan a rodar en un trípode, pero a medida que avanza el día, empiezan a rodar de mano para ahorrar tiempo y ser más rápidos. Piensa en qué técnica de filmación beneficia mejor tu historia o proyecto. Ahora vamos a ponernos al paneo y a la inclinación. Es importante que practiques para comenzar y y tal movimiento sin problemas. Una vez que empezaste con una sartén, por ejemplo, tienes que seguir adelante. No se ve bien si te ves ajustar. Si notas que vas demasiado rápido, simplemente disminuye la velocidad hasta que el sujeto se ponga al día. Aunque parezca tan sencillo, paneo y la inclinación es algo que hay que practicar. Aquí está la mejor manera de hacerlo. Toma nueve hojas de papel y cuélgalas a la pared. Cada papel está numerado del 1 al 9. Ahora, haz zoom en él. Solo tienes un papel en el marco. La idea ahora es empezar con el paneo de un número a otro. Intenta comenzar suave, continuar un movimiento sólido, y detente sin tener que reajustar tu encuadre. Después de eso, haces lo mismo para inclinar también. Una vez que se sienta listo, vaya de lado, panoramizando e inclinando al mismo tiempo. Ahora en realidad es bueno tener a alguien más parado detrás de ti gritando un número. De esa manera es más una sorpresa y aprenderás a actuar más rápido manteniendo un movimiento suave. Además, experimenta con diferentes niveles de fricción. Los movimientos lentos tuvieron una fricción mucho mayor permitiendo realizar movimientos muy suaves. Si quieres ir más rápido, necesitas bajar la fricción, tratar de encontrar un buen punto de fricción que se sienta muy suave pero que te permita realizar movimientos rápidos de pan e inclinación. Los niveles de fricción no tienen que ser los mismos tanto para el pan como para la inclinación. De hecho, a veces es una preferencia personal donde a alguien le gusta tener una mayor fricción, alguien más podría no. El nivel de fricción también podría apagarse completamente. Hablamos de disparar con la cabeza suelta. Obviamente, verás mucho más movimiento de cámara, pero eso es exactamente lo que quieres. En realidad, es una forma de disparar de mano, pero es un movimiento portátil más controlado porque el trípode está anclado a un punto fijo. Haz bien los ejercicios de pan e inclinación con la cabeza suelta, trata de hacer movimientos suaves. Definitivamente cuando empiezas y paras, va a ser mucho más complicado aunque. Disparar en cabeza suelta también te da la posibilidad de cambiar mejor entre los disparos semisintéticos y los movimientos más pesados. También es más fácil seguir a alguien en un trípode mientras se tiene esa sensación de mano o puedes verlo como el disparo de mano perezoso, pero no lo veas tan negativo. No hay nada malo en disparar con la cabeza suelta. De hecho, tiene sus propios beneficios. Así que sal ahora y practica tus movimientos de trípode con esa técnica de nueve papeles. Espero volver a verte en la siguiente lección. 27. La plataforma de cámara: Básicamente hay dos tipos de cámaras. Tienes, las cámaras de cine, estas suelen ser muy grandes y tienen un montón de severidad sass y como gablones que sobresalen por todas partes. Entonces tienes la cámara de video, como aquí mismo. Las cámaras de video suelen tener una buena ergonomía y todo está incorporado. Funciona directamente de la caja. Las cámaras de video o videocámaras vienen en pequeñas, pero también en grandes tamaños. Eso ya lo hemos visto anteriormente con esa de allá. Esencialmente, son lo mismo. Un código de entrada de películas de deuda ladrillo es audio. Pero entonces un día este pequeño compañero de aquí vino a lo largo de la cámara réflex o foto, que al parecer puede elegir videos bastante de alta calidad. Lo más probable es que tengas uno de estos. Pero, ¿dónde encajan estas cámaras con las cámaras de cine, las cámaras de video o algo entre ellas? Bueno, en realidad no son cámaras de video, son cámaras fotográficas y no realmente cámaras de cine porque miramos la diferencia. Entonces, sí tenemos su propia categoría. No obstante, esa categoría media en realidad hacer significa más hacia las cámaras de cine. Estas dos cosas son bastante similares. Sé que es una locura, pero recuerda que las cámaras de video funcionan fuera de la caja mientras que las SLR, realidad no, o depende de tus necesidades. Por ejemplo, ergonómicamente, esto no es genial. Tampoco tienes un micrófono utilizable, muchas veces primero necesitas sumergirte en la configuración, cambiamos un montón de cosas para que funcione mejor para video. Su pantalla es muy pequeña. Aquí no hay tope alto, como lo tiene la cámara de video. Ni siquiera todas las SLR tienen la capacidad inclinarse o desplazarse correctamente para mostrar, aunque eso fue en su mayoría un problema con la primera generación de estas cámaras. Entonces considerando que las SLR se inclinan más hacia las cámaras de cine porque estas cámaras son esencialmente cubos que no ofrecen mucha funcionalidad como esta de aquí. Es la cámara de cine digital roja utilizada para filmar Hollywood y producción de alta gama. Pero si sacas esta cosa de la caja, no puede hacer nada. Ni siquiera tiene pantalla. Diablos, ni siquiera tiene la capacidad de conectarle una batería. Suena muy extraño, pero la idea es que construyas esta cámara según tus propias necesidades. Puedo comprar un display y adjuntarlo a este ladrillo, pero eso significa que puedo obtener un tipo de display que me guste. Y hablemos de lo que me da el fabricante. Eso es muy diferente a una cámara de video donde todo está incorporado. Una cámara de cine puede tomar muchas configuraciones diferentes. Si estás filmando solo, esa configuración podría ser compacta. Entonces aquí tenemos una lente, una pantalla, y el asa del sitio, y una batería grande. Eso es. Pero también puedo construirlo a algo más grande, lo que me da más control al trabajar con un equipo. Y van a repasar todos los componentes aquí mismo, pero se ve algo así. Y, dado que a la mayoría de las SLR también les faltan este tipo de características, puedes encontrar esta misma evaluación donde hay necesidad de cámaras de cine, pero luego de SLR. Para que te hagas una idea, puedo adjuntar un asa superior a mi cámara de cine, lo cual no puedo hacerle a mi SLR. Pero si lo meto en una jaula, obtengo más opciones de montaje, incluida esa opción para agregar un asa superior. Sostendrás la mayoría de las tuercas finas como evaluar las severidades para las videocámaras, razón por la cual sus SLR son tan especiales. Un mercado completamente nuevo ha explotado y encontrarás muchas marcas que hacen tales severidades de evaluación. Incluso hay configuraciones locas posibles lo que hace que tu pequeña SLR pareciera una gran cámara de producción de Hollywood. Pero ya sea que haya agregado menor severidad de evaluación a su SLR o la construya a lo grande, siempre hablamos de crear una plataforma de cámara. No es necesario, pero una buena plataforma definitivamente facilita las cosas y no hay reglas a la hora de hacer una plataforma. Entonces voy a compartir mi idea personal al respecto. Y eso comienza con la jaula, lo que te da la posibilidad de montar un asa superior así como una mejor manera de conectar un micrófono. Este es el corazón de la plataforma. En la parte inferior, podrías optar por un juego de varillas de 15 milímetros. Estos son estándar de la industria y le permiten unir cosas como un tazón de enfoque. Esta cosa se desliza sobre las rocas y te permite controlar el anillo de enfoque más fácilmente, o más podrías agregar un lado manejado a través estas varillas o incluso quizás una caja de medicamentos. Esto es útil tanto para bloquear la luz como ligera y los filtros aquí como ese filtro ND. Tenga en cuenta que dichos filtros rectangulares no son más fáciles de usar. Yo me pegaría a los de tornillo. Med-box está en filtros rectangulares se utilizan con mayor frecuencia en la producción de estudio donde se trabaja con todo un equipo. De todos modos, y la pantalla externa, no es mala idea. Es monitor más grande siempre es más agradable de tener y hay muchas opciones para elegir. Tener esa jaula inicial me permite conectar la batería también. Y luego aquí atrás se sienta un plato. También se desliza sobre las varillas de 15 milímetros. Le puedo conectar una batería grande, que alimenta tanto la cámara como el monitor externo. Batería grande como esta me da energía durante casi todo el día. Entonces esta es mi plataforma personal. Es compacto y agrega un montón de características adicionales que quiero. Pero, ¿dónde te deja eso? Puede que te quedes atascado con la pregunta ahora, [inaudible], ¿qué me recomiendas ahora? Eso desafortunadamente es muy difícil de responder porque aparte de las muchas opciones diferentes que tienes, también hay una gran diferencia de precio entre estas diferentes marcas, y eso es por qué no puedo dar consejos a través de una clase como esta. No obstante, un gran consejo que te puedo dar es que empieces sencillo. Nunca compre una plataforma completa ni haga una gran inversión. Comience con una jaula de cámara y un asa superior. En el camino ve por ti mismo qué característica que aún podrías perder y luego compra esas cosas más adelante, o que podría ser un monitor externo quizás. Pero dale algunos buenos pensamientos si aún necesitas o no un monitor grande o uno más pequeño. Quizás qué discoteca. Ves que las opciones son infinitas así que tómate tu tiempo para hacer la investigación, pero también para conocer tus propias necesidades. Probablemente, todo, los productos y las marcas cambiarían. Si hoy me pidieras que busque una nueva plataforma, tendría que volver a buscar en Internet para ver qué ha cambiado. Y si pudiera haber algún nuevo producto o marca innovadora en los mercados. Pero al menos ahora tienes una idea sobre los soportes de las cámaras SLR, qué es una plataforma de cámara y para qué está destinada. Entonces sí espero que hayas aprendido algo de esta lección. Si lo deseas, siempre siéntete libre de pedir consejo en la discusión a continuación, tal vez explique qué tipo de filmación haces y cuál es tu presupuesto. Y voy a ver qué puedo recomendarte . Gracias por mirar. 28. El muñeco: Dicen que hacer cine es un pasatiempo caro o un trabajo. Eso no es cierto. El problema es que cuando entramos en una tienda de cámaras, se siente como si estuviéramos en una tienda de dulces. No necesitas todas las cosas extra, pero realmente las quieres, y el cardán es probablemente una de las herramientas extra más populares que nadie necesita, pero todos compran. [Risas] A lo mejor ya tienes uno o tienes los ojos puestos en uno y si aún no has pensado en un cardán, créeme, ese momento llegará. ¿Qué es un cardán? Es un dispositivo en el que metes tu cámara y al encenderla, los motores van a tratar de mantener tu cámara estable. Eso significa que podrías caminar, pero tu cámara conservará un movimiento suave a través de la escena. Se han vuelto muy asequibles, razón por la cual a muchos cineastas les encanta trabajar con ellos. Al igual que con las cámaras, los cardán también vienen en diferentes formas y tamaños. Tienes cardán diseñados para teléfonos o los grandes para cámaras de cine más pesadas. Pero los principios son siempre los mismos. Aunque hay dos diseños distintos, tienes los cardán de palo y los cardán colgantes. Los cardán de palo se pueden operar con una mano y son más pequeños, por lo que los hace más amigables para viajar. Los cardán colgantes deben operarse con las dos manos y son más anchos. Tales cardán quienes sean más fáciles de operar ya que el peso está colgando de la parte inferior, esos cardán de piruleta tienen su peso por encima de tu agarre, por lo que ocurrirá más sacudida. Por supuesto, ese batido se ve reducido por el propio cardán, lo que no va a ser tan notorio. Ahora también hay híbridos que le permiten cambiar fácilmente entre el diseño de palo y colgante. Eso te da una idea del cardán que hay en los mercados. Pero ahora cómo operamos correctamente uno de estos, como con todo, se necesita práctica, pero ya hay algunas cosas que puedes tener en cuenta como principiante. En primer lugar, no esperes que el cardán mantenga su cámara perfectamente estable. No hay estabilización de arriba y abajo a menos que consigas uno de estos con algún tipo de resorte. Siempre camine con las rodillas ligeramente dobladas e intente colocar primero los dedos de los pies en el suelo. Al caminar o correr a un ritmo más rápido, es mucho más difícil bajar primero los dedos de los pies. En tal caso, tu brazo se vuelve más importante, ve tu brazo como un resorte natural. Doblarlo en un ángulo de 45 grados y mantenerlo suelto. Mueve tu cuerpo y tus brazos por separado. Debes tratar de mantener tu cámara a una altura fija. Sin embargo, también es importante mover ligeramente brazo hacia arriba y hacia abajo para atrapar los golpes de sus pasos. Ahora doblar e inclinar o se vuelve automático torciendo el cardán o se puede controlar a través de un joystick. Ese joystick sin embargo no es una buena idea. Tendrás un control mucho más preciso sobre el movimiento si solo giras el cardán, dirigiéndolo en la dirección correcta. Esta dirección tiene que hacerse sin problemas, al igual que usted abarcaría o inclinaría sobre un trípode, le daría un empujón suave, dejaría que los motores hagan su trabajo y se detengan lentamente. Nunca solo saquen el cardán para hacer un movimiento rápido. Por último, hablemos de dónde usar un cardán y dónde no. La idea del cardán es caminar por ahí, si estás planeando pararte en el mismo lugar y ya sea ir de mano o disparar desde un trípodes. Los cardán están diseñados para explorar el espacio, senderos para caminar, objetos o paredes, mostrar gran profundidad en la escena. No tengas miedo de experimentar también con movimientos verticales. Usa el espacio que te rodea, camina por él y encuentra ángulos interesantes. El cardán es probablemente una de las herramientas más dinámicas, así que úsalo de manera dinámica también. Eso es en pocas palabras, qué se trata el cardán y cómo usar uno. Ahora el cardán por sí solo podría usar su propia clase separada. Sólo he arañado la superficie, pero al menos tienes una introducción. 29. El deslizante: Aunque podría continuar durante horas sobre diferentes herramientas y accesorios de cámara, voy a terminar a enumerar con el control deslizante de la cámara en esta última lección. Este es por cierto, mi primer slider que obtuve cuando recién comencé con la realización de películas. deslizadores de cámara son gadgets muy simples, un riel y una plataforma que puedes deslizar sobre ese riel de izquierda a derecha, eso es todo. Ahora, ya no son tan populares desde atrás en mi época. Creo que el cardán se ha apoderado muchas herramientas diferentes como también el foque, que no voy a cubrir en esta clase. El deslizador sin embargo sigue siendo algo a lo que le gusta algo de atención ya que es muy subvalorado. Donde un cardán necesita hacer movimientos más rápidos y suele ser un poco más áspero, un deslizador es muy preciso. Puedes hacer movimientos lentos mientras retienes ese movimiento suave. Los deslizadores podrían incluso estar equipados con un motor que le permite ir aún más lento con un movimiento mucho más controlado y preciso. Esa es la gran diferencia entre un cardán y un deslizador. Si estás grabando videos de productos, un control deslizante es una gran opción ya que tu sujeto es pequeño y generalmente se sienta sobre una mesa, el movimiento de cámara más pequeño es visible. Solía disparar todo el tiempo en un deslizador. Este de aquí en particular porque es muy cinematográfico. Lo cual es genial tanto para empresas, comerciales, cortometrajes, o cualquier cosa de eso. Los deslizadores se pueden colocar sobre una mesa o en el suelo lo que le permite realizar disparos de ángulo muy bajo. Pero también podríamos montarlo directamente en un trípode y esto abre un mundo completamente nuevo. Vamos a necesitar una segunda cabeza para montar encima del deslizador. De hecho, te sugiero que consigas un cabezal fotográfico porque puede paneo, inclinarse, pero también rodar o inclinarse. Verás podemos ir de lado sobre un deslizador o podemos empujar la cámara hacia adelante y hacia atrás. Esto por cierto se llama un track in o track out shot. Pero aquí empieza a volverse interesante. Podemos inclinar este deslizador ya que lo tenemos montado en un trípode de todos modos. Aquí es donde ese cabezal fotográfico viene muy bien ya que podemos nivelar la cámara con el tercer eje. Ahora podemos hacer movimientos de foque o levantamientos subiendo y bajando. Algo que hacía tantas veces ya que realmente me gustaban estas tomas. Ahora, podemos agregarle un movimiento extra. Dado que el deslizador está montado en un trípode, podemos desplazarnos con eso así como estamos haciendo estos ligeros movimientos. Se pueden cambiar objetos. Esto funciona especialmente bien con videos de productos donde quieres ir en un arco alrededor del producto. Ten eso en cuenta que tienes el trípode de video y un deslizador juntos. Combinar esos dos puede rastrear docenas de movimientos diferentes. Movimientos relajados, dinámicos, controlados, precisos y muy cinematográficos. Eso es todo para los deslizadores de cámaras y les mostré tanto equipo de cámara diferente ahora que tal vez todavía se estén preguntando por qué necesitamos mover la cámara. Eso es algo que me gusta mostrarles en la última lección de esta clase, Creando Profundidad. Que es toda la esencia pura de la cinematografía y son también los siguientes pasos hacia las avanzadas técnicas de realización cinematográfica. 30. Crear profundidad: Probablemente ya hayas oído hablar de la palabra, cinematografía. Es un arte visual, y un proyector de cine también es director de fotografía, y su papel es tomar decisiones creativas tanto a la cámara como a las luces. En proyectos más pequeños, también podrían ser el tipo de la cámara, pero la mayoría de las veces no tocan la cámara. El operador de cámara hace eso, y escucha lo que el director de fotografía les pide que hagan. En lo que va de esta clase, hemos estado aprendiendo sobre los fundamentos de la realización cinematográfica. este momento tienes una bolsa técnica de conocimiento lo que te convierte en un gran operador de cámara. Ya sabes cómo configurar la cámara correctamente, hacer un bonito encuadre académico del objeto. Entiendes cuando un director de fotografía te pidió que dispararas de mano en lugar de en un trípode. Ya sabes cómo funciona un trípode y por qué deberías o no deberías usar un cardán. El papel del director de fotografía va más allá de eso. narración visual a través de la iluminación, encuadre de la cámara y los movimientos, contar mil palabras a través de tomas de una cámara, y lo más importante, crear profundidad. Creando profundidad, esto es lo que es todo empieza con. Es el siguiente capítulo de tu carrera cinematográfica. Podría hacer una nueva clase sobre eso, hasta entonces, aquí hay una introducción. Lo que mucha gente olvida, es que el video es bidimensional, es plano. Podrías proyectar un video en una hoja de papel, así de plano es el video. Ahora, no me malinterpretes, sí capturamos un mundo 3D, pero lo miramos en una pantalla 2D. Por eso es tan importante crear profundidad para que podamos mostrar el mundo bidimensional en el plano 2D. Ahora, una forma de hacerlo es simplemente agregando movimientos de cámara. Ya sea que vayas de mano, dispares en un cardán o en un control deslizante. Estás moviendo la cámara a través de la escena, y así vemos un paralaje. En otras palabras, el público obtiene una mejor comprensión del espacio en el que se encuentran las cámaras. Otra forma de crear algo más de profundidad es tener los objetos de primer plano y fondo fuera de foco. Abrimos la abertura, el área de enfoque se hace más pequeña y así el fondo se vuelve más borroso. Incluso podríamos colocar un objeto en primer plano para obtener los mismos resultados. Podemos ver estas tomas aquí en tres capas ahora. Los objetos de primer plano, los sujetos y los fondos, están separados entre sí. Esto crea profundidad. El encuadre es otra herramienta para crear más profundidad. Digamos que tenemos todo enfocado y disparando desde un trípodes. La forma en que enmarca tu escena o sujetos puede hacer que parezca plana o mostrar profundidades. Sucede que tengo toda una clase sobre el marco de cámara cinematográfica en la que puedo recomendar encarecidamente echarle un vistazo. Voy a vivir enlace aquí en las notas de clase así como en una descripción de clase. Ahora sin entrar en detalles, podemos usar iluminación y sombras para mostrar mucho mejor los rollos bidimensionales. Colores y contraste tantas formas diferentes de crear profundidades. Ahora no es necesario que crees profundidad a través de todas las formas posibles. Escoges una o dos técnicas, siempre y cuando estés buscando activamente al menos una forma de crear profundidad con cada disparo. Eso me lleva al final de la clase. Ahora me queda una última lección de conclusión, así que no te vayas todavía. 31. Conclusión: Ahora, comencemos con un gran aplauso para ti mismo. Enhorabuena por completar esta clase. Ahora tienes una sólida comprensión de cómo funciona la cinematografía profesional. El fundamento está ahí y ustedes están listos para construir más sobre eso. Ahora, tengo algunas clases avanzadas que te recomiendo encarecidamente que revises. Los enlaces a esos se pueden encontrar en la descripción de esta clase así como aquí en las notas de clase. Pero dale algo de tiempo aunque. Como se mencionó muchas veces antes, cine necesita práctica, así que sal y dispara, implementa las técnicas que has aprendido de esta clase, pero también te reto a experimentar. Al cometer errores, aprenderás qué funciona y qué no. Ahora, en algún lugar de la mitad de esta clase, te pedí que hicieras un video corto con guión. Si aún no lo has hecho, entonces ahora es el momento. Crea un storyboard para ti mismo para que tengas mucho tiempo para pensar en las diferentes técnicas que quieres implementar. Planifica tus tomas y quizás vuelve a verlas con las lecciones mientras haces eso. Tener una buena preparación significa que puedes enfocarte en otras cosas mientras tomas, como la configuración de la cámara. Haz un video corto, un video de producto, una simple acción de alguien haciendo café, o tal vez un mini cortometraje. No tienes que editarlo tanto, solo pon las tomas en una secuencia y publica tu trabajo aquí para que yo pueda dar retroalimentación. Te deseo buena suerte con eso, mucha diversión y disfrute, y entonces supongo que es un adiós por ahora. Estos son siempre momentos muy duros. Ve ahora, sé libre, busca tus propios caminos en la vida. Sólo prométeme una cosa, nunca me olvides, sobre todo cuando eres el director de fotografía en algún plató muy grande de Hollywood entonces espero que sigas pensando en mí. De todos modos, muchas gracias por ver chicos. Fue un verdadero placer darte esta clase, y como siempre decimos, mantente creativo.