Filmación con DSLR: De principiante a profesional

1. Introducción al curso: Bienvenidos al curso de cine DSLR y estoy muy emocionado de que estés aquí. llamo Jordy, soy cineasta de Bélgica y en su mayoría realizamos comerciales, películas promocionales, y películas de eventos. Todo nuestro trabajo está rodado en DSLR ya que nos encanta trabajar con estas cámaras tanto. Son compactos, producen gran imagen y son súper versátiles. Ahora algunos de ustedes podrían conocerme de YouTube. Corremos también un canal con el nombre de Cinecom, donde compartimos todos los tutoriales premier, consejos de cámara, técnicas de iluminación, y más. Si aún no has visto nuestro canal, definitivamente echa un vistazo o simplemente visita cinecom.net. Ahora he estado en la escuela de cine, he aprendido cine de una manera muy académica, pero creé mi propio estilo muy rápidamente después. He hecho toneladas de películas promocionales a lo largo de los años y he creado más de 30 cursos en línea para cineastas, y ahora estoy muy emocionado de lanzar mi primer curso de videografía DSLR. Llevo mucho tiempo haciendo lluvia de ideas sobre este curso, y muchas horas, días y noches entraron en la preparación del mismo. Ahora soy muy positivo sobre la información y estructura del curso. Te voy a llevar en un increíble viaje de videografía DSLR profesional. Si bien estás siguiendo este curso, podría ser una buena idea tener también tu cámara en tus manos. Este curso también está diseñado de esa manera. Por ejemplo, mientras explico cómo funciona el encuadre, puedes practicar solo apuntando tu cámara a algo en tu escritorio también. El mejor modo de aprender cosas nuevas es practicándolo y por eso también encuentro algunas tareas durante este curso. Podría pedirte filmar algo y probar algunas de las técnicas explicadas. En el primer capítulo, cubriremos los ajustes básicos de una cámara DSLR. Si ya sabes cómo funciona la ISO y la velocidad de obturación, entonces puedes saltarte esto, pero es muy importante entender bien estos conceptos básicos antes de sumergirnos en las técnicas de narración visual. Además, puede que te encuentres con algunas cosas nuevas por lo que nunca puede doler repetir. En el Capítulo 2, repasaremos esas técnicas y veremos cómo funciona el encuadre y cómo conectar diferentes tomas juntas para agregar dos más dinámicas a tus películas. A partir del Capítulo 3, se manejarán algunas técnicas más avanzadas como la psicología profunda detrás del movimiento de la cámara. Te ayudaré a decidir si debes filmar en un trípode, o simplemente de mano, y cómo crear tomas de mano de buen aspecto también. Por último, encenderemos las luces y veremos cómo podemos sumar más profundidades y emoción a tus tomas. Ahora no encuentras luces caras para esto. La luz está en todas partes, ya sea que ese sea el sol o alguna iluminación práctica en tu salón. Al saber cómo funciona, sabes dónde colocar la cámara en posición de las luces disponibles. Ahora si te encuentras con alguna pregunta durante o después de este curso, por favor sí usa los foros de discusión y trataré de ayudarte más en cuanto pueda. Si estás viendo este curso desde 5daydeal o cualquier otra promoción, entonces siempre puedes ponerte en contacto con nosotros a través de redes sociales, ya sea en la descripción o en un archivo de texto que vino con este curso, encontrarás todos los enlaces ahí dentro. Pero basta con esta introducción ahora. Vamos a sumergirnos en el curso. 2. La apertura: Oigan chicos. Bienvenidos al primer capítulo. Tenemos aquí seis lecciones para ti que cubrirán la funcionalidad básica de tu cámara DSLR. Aquí las cosas podrían ponerse un poco técnicas, pero es importante que entiendas todo aquí antes de que podamos hablar de Cinematografía. El primer paso que tienes que hacer es poner tu cámara en modo manual. Se quiere tener el control de su cámara para que pueda tomar no sólo decisiones técnicas, sino también decisiones artísticas. Uno de los ajustes más importantes es la exposición, o en otras palabras, la cantidad de luz que se está captando. Si dejas entrar demasiada luz, tus tomas se verán sobreexpuestas y si dejas entrar muy poca luz están subexpuestas. Tu cámara DSLR tiene tres ajustes que controlan la exposición y esa es la apertura, ISO y las velocidades de obturación. Los tres pueden dejar entrar más o menos luces, pero al hacerlo, también generan algo extra. Por eso es muy importante encontrar el equilibrio adecuado entre estos tres. Por cada rodaje, estos tres controles serán diferentes dependiendo de la película mirada a la que quieras ir. Para esta lección, empecemos con la abertura. El apertura es una puerta mecánica dentro de la lente. La mayoría de las veces se controla electrónicamente mediante un dial en el cuerpo de la cámara. Si estás usando lentes manuales como yo, necesitas girar un anillo en tu lente demasiado cerca o abrir la abertura. Obviamente, cuanto más grande sea la apertura de la abertura, más luz entrará a la cámara y más cierres la abertura, menos luz pasará. Ahora la abertura también controla la profundidad de los campos y para visualizarlo mejor, hemos tomado una foto de una regla. Se puede notar que el disparo de la izquierda tiene un área de enfoque muy pequeña. Esta es la zona que es afilada o considerada en foco. El imagen de la derecha tiene un área de enfoque mucho mayor. Se puede leer más números, más cosas están afiladas. Esta imagen se toma con una abertura cerrada. Menos luz entrará en la cámara y tu campo de enfoque, o una profundidad de campo es más grande. El imagen de la izquierda tiene una abertura abierta blanca. Entra más luz a la cámara y la profundidad de campo es más pequeña. ¿ Qué significa esto en tomas reales en los campos? Bueno, conoce a Kim. Ella va a ser la modelo para la mayoría de las prácticas durante este curso. Ella está trabajando en su escritorio y nosotros estamos tomando varias tomas de ella, para capturar la escena. Aquí en este primer ejemplo, tenemos nuestra abertura cerrada. Ahora presta atención al fondo, notarás que casi todo está afilado o en foco. Entonces cuando usamos el segundo ejemplo, estoy filmando con mi abertura bien abierta. El trasfondo ahora está fuera de foco. Por lo general esto se verá mucho mejor como ese pequeño sentimiento más cinematográfico a él. Eso es simplemente porque estamos aislando a Kim poniéndola en foco y el fondo fuera de foco. Hablamos de tener más profundidad de campo en el tiro y su duradero y algo muy importante, creando más profundidad. Nos sumergemos en esto mucho más profundo. Pero es lo esencial de este curso. De eso se trata la cinematografía. Que esto no quiere decir que siempre tengas que llenarlos con tu abertura bien abierta. En algunos casos cerraremos la abertura y crearemos profundidad de una manera diferente. Esa es la parte interesante de la cinematografía. Eres el artista detrás de la cámara. Puedes combinar diferentes formas de crear profundidad en tus tomas. Pero es muy importante que esas sean decisiones y no estén definidas por el modo automático de tu cámara. Una conclusión rápida. Cuanto más cerca esté su apertura, menor será la luz que se captará y cuanto más grande sea su área de enfoque, ancha será la abertura más luz que entrará y pequeña será el área de enfoque o profundidad de campo. Esta es una primera y fácil manera de crear más profundidades en tus tomas, haciéndolas lucir más cinematográficas. 3. El ISO: El segundo control de exposición de una cámara DSLR es el ISO. Se ve completamente digital y también se llama la sensibilidad del sensor, o en otras palabras, qué tan sensible es el sensor a la luz. Cuanto más sensible, más luz se capta. Dependiendo del tipo de cámara que tengas, verás diferentes valores ISO. Algunas réflex digitales tendrán 100 como el valor más bajo, otras empiezan en 200. Cuanto menor sea el valor, menos sensible es la cámara. Al aumentar este valor se expondrán mucho más tus tomas. El efecto secundario de ISO es lamentablemente, ruido, ruido digital, que casi siempre es no deseado. Algunas DSLR tendrán mejores sensores que otras, lo que significa que se pueden establecer a un valor ISO más alto sin mucho ruido digital. Por lo tanto, es muy difícil decir cuál es el valor ISO máximo utilizable. Es diferente para cualquier cámara DSLR. Esto es algo que necesitas para averiguar tú mismo cuál es el ISO máximo que puedes ir. El mejor modo de probar esto es filmando a una persona en un ambiente oscuro. Aumenta lentamente tu ISO y comprueba hasta qué punto puedes ir. Si tu ISO máximo utilizable es de 1,600, entonces es importante nunca confiar en eso. Si el entorno es muy oscuro, entonces sólo manténgalo así. Es como está el medio ambiente, y quieres mantenerlo oscuro. El único gran consejo que te puedo dar aquí es rodar en siluetas. Esto significa buscar cualquier luz que puedas encontrar cualquier escena oscura y ponerla en el fondo de un sujeto. Pero vamos a cubrir esto mucho más profundo más adelante en este curso. En pocas palabras, la ISO aumenta digitalmente la exposición, pero también agrega ruido no deseado. Entonces encuentra tu ISO máximo utilizable y trata de no cruzarlo. 4. Velocidad de obturación: El tercer y último ajuste de tu cámara DSLR que altera la exposición son las velocidades de obturación. En los viejos tiempos, se trataba de un disco mecánico que rotaría frente a la película. aquel entonces se le refería como el ángulo de obturación. hoy tenemos cámaras digitales y ahora hablamos de la velocidad del obturador ya que es algo completamente digital. Sucede dentro de tu DSLR y define cuánto tiempo el centro está expuesto a la luz. Ahora al tomar una foto, que son DSLR, también se escuchaba un sonido de clic. Lo que realmente sucede dentro del cuerpo es un espejo que se asegura de que se puede mirar a través del visor sube por un breve momento a que el sensor puede quedar expuesto a la luz. Si ajustas tus velocidades de obturación a un valor lento, ese espejo tiene que permanecer arriba por más tiempo y si eliges unas velocidades de obturación más rápidas, el espejo subirá y bajará muy rápidamente. No todas las réflex digitales tienen un espejo tan mecánico. Bueno, en realidad lo hacen porque la cámara ansiosa solo tiene un obturador digital, se llama SLR sin espejo. Si estamos usando este tipo de cámaras para video entonces honestamente no me importa cómo las llame. Cuando veo algo con forma de cámara fotográfica, siempre lo llamaría DSLR. Mientras estás filmando, el sensor se abrirá digitalmente durante cierta cantidad de tiempo, cerrará, se volverá a abrir, etcétera. Es esa velocidad de velocidad la que define las velocidades de obturación. Cuando tu censurado exponga más tiempo a las luces, se capturará más luz, pero también veremos más desenfoque de movimiento. Si agitas las manos mientras la velocidad del obturador se y permanece abierta esa ola entera de tus manos, entonces captará también ese movimiento completo. Verías una raya muy borrosa. Ahora si harías tu velocidad de obturación muy rápida, solo capta un corto momento de tu onda y por supuesto reduciendo eso y desenfoque de movimiento. Pero como solo has dejado entrar la luz por un tiempo muy corto, también expondrás menos tus tomas. La gran diferencia entre tomar una foto o un video es que el video funciona con múltiples fotogramas por segundo. En Europa o Asia, eso son 25 fotogramas por segundo y en EU, son 30 fotogramas por segundo. Muchas cámaras DSLR también te permiten elegir 50 o 60 cuadros. Pero la razón por la que estoy diciendo esto es porque la velocidad del obturador va un poco unida, que son velocidades de cuadro. Cuando miras tus manos mientras la agita, también verás un cierto desenfoque de movimiento. Ya que estás viendo esto a través de tu propio ojo, es considerado como un desenfoque de movimiento natural. Para obtener un desenfoque de movimiento natural en el video, existe esta regla general para establecer tu velocidad de obturación en el doble valor de tu velocidad de fotogramas. Si estás grabando a 25 fotogramas por segundo, quieres establecer tu velocidad de obturación en un cincuentenario de segundos y si estás grabando a 60 fotogramas, quieres ponerlo en un vigésimo de segundo. Esta es una regla general para conseguir desenfoque del movimiento natural, pero no tengas miedo aquí de desviarte de esto. Si estás disparando a 30 fotogramas por segundo y tienes velocidades de obturación de una cuarenta de segundos, el desenfoque de movimiento antinatural no será tan notable. A veces ayuda con traer más luces. También mira a tus sujetos, si se trata de un auto conduciendo quizá quieras pegarte a esas velocidades de obturación, pero si solo es una persona sentada quieta, esa velocidad de obturación más lenta apenas se nota. En películas como Saving Private Ryan, incluso han aumentado la velocidad de obturación para conseguir explosiones más crujientes como movimientos de los actores para hacer las escenas de guerra aún más difíciles y sintiéndose y extrañamente haciéndolas lucir más realista. A pesar de que la velocidad de obturación tiene una regla sobre qué valor se necesita establecer. También es algo con lo que experimentar para crear un look único. Al aumentar la velocidad del obturador, disminuye el desenfoque de movimiento y las luces que se capturan. Hacer que las velocidades del obturador vayan más lentas agrega más desenfoque de movimiento y añade más luces a tus tomas. La regla general para lograr un desenfoque de movimiento natural es vendiéndolo al doble de tu velocidad de fotogramas. A pesar de que estos fueron los tres ajustes para cambiar tu exposición, la apertura, la ISO, y la velocidad de obturación. A continuación se presenta un pequeño quiz para poner a prueba tu conocimiento de lo que has visto hasta ahora. Buena suerte con eso, y nos vemos en la siguiente lección. 5. Quiz 1: exposición a la cámara: 6. El histograma: Bienvenidos de vuelta chicos. Ahora que entendemos cómo funcionan los tres controles para la exposición, podemos echar un vistazo al histograma. Es una opción que cualquier DSLR moderna debe tener, y se muestra como un gráfico en su monitor. Esta es una herramienta muy importante. Siempre debes dejarlo encendido. El histograma es una herramienta de medición para la exposición capturada. Es tu medidor de luces en cámara, y te dirá si tu disparo está o no sobreexpuesto. Nunca puedes confiar en la pantalla de tu cámara. Incluso monitores profesionales calibrados de gama alta aún se están utilizando junto con herramientas de medición para la exposición. Muy bien, ya lo conseguimos. Es importante, pero ¿cómo funciona? Bueno, digamos que las áreas oscuras completas y un tiro son cero por ciento, y las áreas blancas completas 100 por ciento. Bueno, mirando el histograma del lado izquierdo, podemos encontrar cero por ciento y en el lado derecho, 100 por ciento. El gráfico representa tus tomas y quieres asegurarte que se sienta entre el cero y el 100 por ciento. Al cerrar la abertura, verás que la información va a la izquierda. El disparo justo ahora subexpuesto y al abrir demasiado la abertura, el disparo está sobreexpuesto. Podemos ver toda la información ahora a la derecha. Idealmente, se desea utilizar el espacio del histograma y obtener tanta información como sea posible en el medio. Al mirar únicamente el histograma, sé que mi disparo ahora está bien expuesto. No obstante, en la práctica no siempre es así de conveniente. Este ejemplo aquí tenemos a Kim parado frente a una ventana. Podemos ver claramente un pico en el lado derecho del histograma. Esta es la luz del exterior. Es muy brillante y esta sobreexpuesta. Cerremos la abertura y saquemos esa espiga suelta del lado derecho. Al mirar el histograma ahora, el disparo está bien expuesto, pero en realidad, vemos que Kim en realidad ahora está subexpuesta. Todavía la podemos ver aunque no está en todo el camino desmayada, pero no se ve atractiva porque está subexpuesta. En términos generales, quieres que tus sujetos se enfrenten alrededor del 60-70 por ciento. Al analizar los disparos, podemos dividir los niveles de exposición en tres partes. Tenemos las sombras o áreas oscuras como la ropa de Kim, cara de Kim y su cabello son un poco más brillante y tenemos el fondo el cual es muy brillante. Estas áreas también vuelven en el histograma. De alguna manera hay espigas de árbol. Cuanto mayor sea la superficie de cada área, más recogerá también a la parte superior del histograma. Pero vamos a entrar en eso un poco más profundo en tan solo un momento. Sabemos que la cara de Kim es de alguna manera la parte media, que es la parte que pondrá en torno al 70 por ciento. Si notas que estás sobreexponiendo ciertas áreas con demasiada rapidez, puedes poner su rostro en 60 por ciento para preservar un poco de detalle en los aspectos más destacados. Esa no es realmente una regla general aquí sobre usar el histograma porque cada escenario es diferente. Es importante recordar es que quieres tener un buen equilibrio entre tener a tu sujeto expuesto correctamente y no ir demasiado por encima o subexpuesto. pesar de que a veces podemos ir un poco sobreexpuestos, si puedes por favor sí intenta evitar eso. La sobreexposición se considera muy videoish y no fílmica en absoluto. Si puedes capturar un hermoso cielo azul, tienes una toma cinematográfica. Bueno, echemos un vistazo al otro lado del histograma, las sombras. El tiro de aquí es extremadamente oscuro. Sólo hay una vela que ilumina la escena. Ya que la escena es oscura, quieres mantenerla de esa manera. Al mirar el histograma, notarás que esta es casi toda la información. Esto se debe a que un área muy grande en este tiro es oscura y sólo un diminuto punto da luz. Este ejemplo extremo que sí quieres subexponer, aunque en su momento no podemos seguir adelante bajo pantalla. A menudo parece que algo no está terminado o subexpuesto, pero el histograma nos dirá diferente. Utiliza la herramienta para comprobar dónde se encuentra la mayor parte de la información y tratar exponer al sujeto entre 60-70 por ciento para un disparo natural. Prueba eso tú mismo, dispara algo en la oscuridad y ve al sitio también. Usa tu histograma y comprueba si tus tomas fueron expuestas correctamente en tu computadora. 7. Enfocar: Tenemos la parte de exposición fuera del camino ahora, que es el trozo más grande. Te darás cuenta de que todo necesitará algo de práctica. No hay curso que puedas ver al instante producir mejor video. Quieres salir a disparar cosas, experimentos con la configuración, ver tus tomas en una computadora y ver dónde puedes mejorar. Aprende de tus propios errores. Concentrémonos ahora en esta lección. Una de las cosas que no entiendo esto por qué la gente siempre pregunta por el autofoco de una cámara. Seguro que hay aplicaciones donde el autofoco es muy necesario, pero cuando estás hablando de cinematografía, quieres tener control total sobre tus tomas. Auto focus significa no estar en control. A partir de ahora vas a poner tu lente en tu enfoque manual. Al principio va a ser muy difícil enfocar tus tomas. Te vas a frustrar si siempre has disparado con auto focus, pero va a dar sus frutos. Después de mucha práctica, te liberarás y para crear realmente algunos disparos impresionantes al tener este control. Tan rápidamente, un par de prácticas se centran tirando. Puedes decidir la velocidad y el ramping girando esa lente, revelando objetos desde el enfoque automático hasta el enfoque, o simplemente hacer tomas creativas y filmar completamente enfoque automático. Entonces nos sumergimos mucho más en estas prácticas cuando vamos a hablar de cinematografía, pero se podría pensar, entonces ¿cómo puedo enfocar mis tomas? Bueno, hay tres opciones que pueden ayudarte con eso. A veces es incluso una combinación de estas tres opciones para conseguir tu foco de atención, pero eso depende del proyecto y de tus necesidades. En primer lugar es el zoom digital, y estoy bastante seguro de que cualquier cámara tipo DSLR tiene esta opción. En un GH 5 pude establecer esto como una tecla de función. Lo que hará es agrandar digitalmente una porción de un disparo. Esto te hace ver mejor los detalles en una pantalla pequeña así ayudarte a enfocarte. Esta es probablemente la opción más importante. Lo uso muy a menudo y algunas cámaras como la Canon 5D incluso tiene un botón dedicado para ello. Si tienes una cámara DSLR más nueva, probable es que también venga con una opción llamada peaking. Sólo tienes que ir por los menús y ver si el tuyo tiene eso. Lo que haremos es mirar el contraste y definir si es agudo o no. puede ver como lo que hará el autoenfoque. Pero con el máximo, no se enfocará para ti, pero solo te diré si es afilado o no. Te lo dirá destacando las áreas de enfoque. De esta forma podrás ver al instante si es afilado o no. Sin embargo, el enfoque hablar no siempre es algo en lo que confiar, definitivamente en tiros muy amplios, pero eso es algo que puedes descubrir probándolo. No uso el foco máximo tanto, porque uso la opción número 3, y ese es un monitor externo. No necesitas tener esto, pero es un bonito artículo de lujo que hace que filmar una etiqueta sea más fácil. Casi cualquier cámara DSLR viene con un puerto HDMI en el que puedes conectar un monitor LCD de cinco o siete pulgadas. Ahora hay muchas marcas y modelos diferentes desde $50 hasta $3,000. No obstante, es importante no ser ovejas en esto. Si quieres buscar un monitor, busca algo que tenga al menos una resolución de 1,280 por 720 píxeles. Estoy usando uno de pequeño HD, que es una marcas muy populares y he elegido específicamente un monitor Full HD, lo que significa que tiene 1920 por 1080 píxeles. El motivo por el que necesitas esta resolución es para que puedas ver mucho detalle en un monitor. Cuanto más detalle tengas, más fácil es enfocarte. Pero de nuevo, sí me gusta señalar que no hace falta tener esto. La cámara anterior era una GH 4 y una rompió el puerto HDMI dentro del primer mes lo conseguí. No obstante, utilicé esa cámara durante casi tres años en muchos proyectos que van desde películas afro hasta películas corporativas e incluso comerciales de televisión. Tengo enlace en descripción de esta lección, que te llevará a uno de nuestros videos en YouTube que explican algunos consejos más avanzados para conseguir tu enfoque correcto. No tienes que verlo para continuar con este curso. Al principio, es importante que tengas zoom digital, enfoque máximo y un monitor externo opcional disponible para que tu enfoque sea correcto. Después sal a la sala o al patio y filma a tu familia. Sólo deja que hagan lo que estén haciendo y tienes que enfocarte en tu enfoque y simplemente practicar. 8. El balance de blanco: Ya sabes cómo configurar correctamente tu exposición. El enfoque justo y ahora cubriremos la configuración menos metálica de tu DSLR. Se trata de los cinturones blancos. Una cámara captura la luz, igual que nuestros ojos lo hacen. Si apagamos la luz, no vemos nada. Ahora las luces vienen en muchos colores y sabores. Aquí tenemos una rueda de color, es una forma que representa todos los colores disponibles y para mostrarla para que todos los colores fluyan muy bien entre sí. Ahora cada color tiene un color opuesto o negativo. Por ejemplo, aquí tenemos el naranja en un lado y el azul en el otro lado. Ahora, esta parte de la rueda de color se llama la temperatura de color. Es un escenario muy importante dentro de nuestra DSLR. Si ponemos en práctica esta rueda de color, podríamos decir que la iluminación de color naranja se puede encontrar a la luz de las velas, la luz de tungsteno, las bombillas, la puesta de sol, etcétera. estos llamamos iluminación cálida. Del otro lado del espectro, podemos encontrar iluminación de colores azules como un día nublado, luz de luna, o después de una puesta de sol. Estos se llaman luces frías. En el medio se sienta blanco, que se considera luz diurna superior, una hermosa luz solar alta. En tu cámara, encontrarás presets para estos estofado de iluminación. Pero, ¿qué hacen en realidad? Bueno, el nombre de la luz dice equilibrio de blancos. Cambiará la temperatura de su cámara para que el blanco se vea blanco puro. Si tu balance de blancos está mal establecido, las áreas blancas podrían verse demasiado anaranjadas o demasiado azules. Por supuesto, esto influirá en tus tomas enteras. Ahora estos presets son agradables de tener, pero no son realmente precisos. La mejor manera de establecer un balance de blancos es mediante una referencia o estableciendo el valor manualmente. Debajo de tus presets, también encontrarás una opción para tomar o establecer el balance de blancos. Algunas cámaras como la Panasonic GH cinco te permite hacer esto en tiempo real. Selecciona la opción y solo apunta tu cámara a un objeto blanco, presiona la tecla set, y la cámara ajustará su balance de blancos en consecuencia. Importante es que siempre uses un objeto blanco. Si pondría mi balance de blancos en un papel naranja, la cámara pensará que necesitará agregar mucho azul para compensar. En realidad, el tiro se ve demasiado azul ahora por supuesto. Para algunas réflex digital, es un poco más complicado establecer tu balance de blancos así. A menudo se requiere tomar una foto con objeto blanco primero. Después cargaremos esa imagen debido a la configuración del balance de blancos para las mediciones. Entonces una forma de establecer tu balance de blancos es haciéndolo manualmente. Nuevamente, no todas las DSLR soportan esto, pero esta opción le permite establecer el valor Kelvin. Cuanto menor sea este valor, más azules se verán tus disparos y cuanto mayor sea este número, más cálido se verá. Para una luz del día pura neutra. Se quiere recoger algo alrededor de 5,600 interiores, iluminación de tungsteno a 3,200 y un día nublado a unos 6,500. Aquí es importante que tengas un buen monitor para que puedas ver qué pasa y cómo se ven los colores mientras cambias el Kelvin. Si estabas sosteniendo tu DSLR en este momento entonces trataste de configurar el Kelvin tú mismo, mira las áreas blancas de un tiro y trata de hacerlas blancas puras. Quieres cambiar tu saldo de blancos cada vez que cambien las situaciones. Si estás filmando por dentro con iluminación de tungsteno, pones tu Kelvin a 3,200 en algún lugar. Si luego sales fuera, lo cambias a 5,600. Ahora estas fallas son muy relativas. Si tienes una luz de tungsteno en una ventana grande, puedes escoger algo entre medio, como 4,800. Pero al igual que con el autoenfoque, no quieres usar el balance de blancos automático. Tus colores lo cancelarán turnos. Si estás filmando una escena, quieres que todo sea igual. Si quieres hacer que su disparo sea más caliente o darle algún otro tono, entonces hazlo y posproducción, se llama gradación de color. Eso solo se puede hacer con un color neutro o un buen balance de blancos. No es tan fácil fijar el balance de blancos en la edición. A diferencia de las imágenes de rock, la información de un video DSLR se cuece en. Concluyamos. Por cada situación de aprendizaje, se quiere tomar un balance de blancos. Esto significa cambiar la temperatura de color de la cámara a ese blanco se ve blanco puro. No uses el balance de blancos automático e intenta evitar los presets que no siempre son precisos. La mejor manera de tomar un balance de blancos es midiendo un punto blanco o estableciendo el valor Kelvin usted mismo. Este fue el último control manual de tu cámara DSLR. Tenemos un pequeño quiz ahora para poner a prueba tus habilidades. Asegúrate de probar todas las funciones de esta charla para que puedas familiarizarte con ellas. Ya no vamos a hablar de la funcionalidad básica. Vamos a dar un paso adelante al juego y hablar de lo real cinematografía. Eso es para el próximo capítulo. Muchas gracias por ver. 9. Quiz 2: funciones de la cámara: 10. Regla de los tercios: Bienvenidos al segundo Capítulo de este curso. Ahora es el momento de llegar a la esencia de la narración visual. El material que hará que tus videos se vean pro, y que empieza con encuadre o composición. Esto significa saber dónde colocar los diferentes elementos, o al sujeto en un disparo. Aquí vemos a Kim en tres tramas diferentes. cuál debemos ir? Pero lo más importante, ¿por qué deberíamos elegir un encuadre sobre el otro? Al igual que con todo, primero necesitamos entender básico antes de poder pintar fuera del lienzo, y, estos conceptos básicos bajan a la regla de los tercios. Probablemente ya has visto esto antes. Es este ráster que a menudo puedes superponer en una cámara de video, tu teléfono inteligente o algunas réflex digitales. Este ráster definitivamente ayuda al principio, pero eventualmente verás que puedes enmarcar correctamente sin este ráster. Este ráster te ayudará a enmarcar bajo regla de tercios, tiene su nombre porque el disparo está dividido en tres partes, horizontal y verticalmente. Por ejemplo, aquí tenemos a Kim mirando hacia otro lado. Actualmente, no está bien posicionada ya que se sienta en medio del marco. Pero vamos a enmarcarla ahora en la línea vertical derecha. Esto se ve más atractivo y natural. Aquí tenemos un tiro paisajístico. No hay realmente un tema ahora, pero sí vemos el horizonte, que podemos poner en una de las líneas horizontales. Nuevamente, se ve mucho más equilibrado como reformular bajo regla de tercios. Aquí hay otro ejemplo de ese mismo paisaje, pero ahora vemos algunos árboles también. Podemos alinear el horizonte en la línea horizontal inferior, y los árboles en la línea vertical izquierda. Veamos un ejemplo más. Tenemos un primer plano de una flor. Nuevamente, estamos viendo cosas a las que queremos llamar la atención, y alinear eso a una de estas longitudes. A menudo también puedes usar las intersecciones cuando tienes un objeto pequeño. En este tiro, tenemos una vela sobre una mesa blanca. Hay mucho espacio alrededor de la vela, y a veces no es tan fácil enmarcarla correctamente. Por supuesto, no hay nada de malo en tener la vela en el medio. Pero también podemos poner esta vela tanto en la línea horizontal como en la vertical, haciendo que el disparo sea mucho más interesante. Aquí es donde entra tu creatividad, usa este ráster para alinear lo más posible hacia. Tenemos un montón de cosas aquí en estos tiros. Mira dónde cruzan las líneas cada vez sobre algo que es un tema. Se siente más equilibrado y atractivo a la vista que incluso cuando enmarcaríamos el tiro así, donde ninguno de los elementos está en estas líneas. Pintemos un poco fuera del lienzo ahora tenemos una vela aquí otra vez, y la estoy enmarcando en el fondo. La mitad de la vela es incluso corte y se podría pensar que no está enmarcada correctamente, pero aún así, sí parece funcionar de una manera extraña. Eso se debe a que sí usé la regla de los tercios. Vamos a superponer el ráster. Descubre cómo la franja horizontal inferior se alinea con la parte superior de la vela. Haciendo esto, sigue trayendo en esa armonía. Ahora, al hacer un sobre hombro o simplemente tener algo en primer plano, también quieres asegurarte de que este objeto se sienta en uno de estos lados, y que solo toque la línea vertical. Porque estamos usando esto como un objeto de primer plano. No le quieres poner demasiada atención. Si lo alinearías en la línea, entonces diríamos que el primer plano es demasiado pesado en el tiro. Esto se debe a que ahora estamos enfocados a mirarlo porque se sienta en esa línea. Pero el hombro del tipo está fuera de foco, por lo que no parece correcto. Es así como funciona la regla de los tercios. Usa las líneas de tu ráster para alinear tus objetos con él a los que quieres llamar la atención. Trata de practicar esto un poco. Mira a tu alrededor en tu habitación y solo apunta tu cámara a ciertos objetos. Incluso puedes usar tu teléfono aquí si tu DSLR está alrededor podría no tener este ráster, solo tienes que mirar alrededor de una línea los elementos y tal vez tomar una foto. Ya sabes cómo funciona ahora la regla de los tercios, alineas los objetos a las líneas, pero ¿a qué línea? Cuando veo a alguien, ¿ debo poner a esa persona en el lado izquierdo o derecho? Bueno, eso es para la siguiente lección. 11. encuadre: Probablemente has oído hablar de los términos tiros largos, tiro medio, y de cerca antes. Se trata de tipos de encuadre que caben dentro de la regla de los tercios. Ahora, estos encuadres son los fundamentos y vistos como académicamente correctos. Pero también se usan en la televisión, el cine, los comerciales, y cualquier otro frasco de cine. Uno de los mayores problemas que vi con mis alumnos y mis compañeros cuando estaba en la escuela de cine, fue que querían ser diferentes. Se quiere despegar el filo de estos marcos y crear algo por sí mismos. Esto es algo que nunca debes hacer como principiante. Sí, cineastas hábiles que no habían enmarcado por el libro, pero sólo serían unas cuantas tomas dentro de su trabajo. El otro 95 por ciento son sólo esos marcos estándar. Vayamos a los más importantes. Tenemos cuatro encuadres y el primero es el tiro estableciendo. Este es un tiro que dirá dónde estamos. Normalmente va a ser un tiro muy amplio. Si hay una escena pasando dentro de una casa, podríamos abrir la película con un disparo desde afuera y mostrar esa casa. Este es un tiro establecedor. En películas como Star Wars, y un tiro de establecimiento suele ser todo un planeta para definir dónde estamos. Como se puede ver, el tiro establecedor no está realmente definido, pero relativo a la escena, es el gráfico más amplio. Piensa en la regla de tercios aquí que hemos visto en la lección anterior mientras te encuadras estableciendo tomas. El segundo encuadre es el tiro largo. Aquí tienen todo el tema en el marco. No estás cortando tu reto. Este encuadre también tiene algunas variables, como el tiro largo extremo y el tiro medio-largo. Pero en el campo, esos nombres no se usan tanto. Cuando director pide un tiro largo, el chico de la cámara sabe a qué tiro largo quiere decir con sólo mirar la escena. Ahora aquí viene la respuesta a tu pregunta. ¿ Dónde colocamos al sujeto en la regla de los tercios en un tiro largo? Esto tiene que ver con la dirección de mira. Es un sitio al que está mirando tu talento. Si Kim aquí está mirando a la cámara, realmente no hay una dirección de visión. Podemos elegir ya sea colocar aquí en el lado izquierdo o en el lado derecho, está incluso bien ponerla también en el medio. Pero cuando Kim mira hacia el lado derecho del disparo, o estoy filmando sus sitios, necesitamos darle algo de espacio de visión. Por lo tanto, la colocará en la línea izquierda del ráster. Esto le da a Kim más espacio en sus sitios faciales y también se sentirá más natural para el espectador. Si la colocamos en el sitio opuesto, parece que la estamos atrapando. Esto da una sensación muy incómoda. Eso también parece como el lado izquierdo de la imagen ahora está vacío. Al igual que no se está utilizando, por lo tanto no es un buen encuadre. Dar el espacio de visualización del talento es una cosa. Otro elemento importante es el espacio de cabeza. Este es un espacio por encima de la cabeza de la persona. No quieres meter la cabeza del talento al marco, ni tampoco quieres cortarla. Actúa igual que el espacio de visualización. Se quiere dar alguna lectura alrededor [inaudible] de que el público no se sentirá incómodo de que lo [inaudible] esté atrapado en. Siempre asegúrate de tener un poco de espacio por encima de la cabeza del talento, y luego hay un último espacio al que prestar atención, y eso está en la parte inferior. También aquí, se quiere tener un poco de espacio para evitar los mismos temas. De lo que se habla aquí también son los efectos de las marionetas, y es algo que se quiere evitar. El efecto títere ocurre cuando tu sujeto está enmarcado justo debajo de tus pies. Parece que está caminando sobre el marco. Una conclusión rápida, dale a tus sujetos y espacio dentro de tu marco. [ inaudible] entender que podemos seguir con los otros encuadres. El siguiente son los tiros medianos. Vamos a cortar en el sujeto y sólo enmarcar la parte superior del cuerpo. Al igual que antes de colocarla en la línea vertical correcta y asegúrate de que tenga algún espacio de cabeza como si algo así como un tiro medio, puedes usar las líneas horizontales desde la regla de tercios, para colocar los ojos en. El motivo de ello es porque tendemos a mirar a los ojos de un actor o actriz. En tiros largos, no hicimos eso, y le damos demasiado espacio de cabeza al talento. Todavía quieres equilibrar a tu sujeto en el encuadre así que por eso típicamente quieres empezar a enmarcar los ojos en la regla de los tercios a partir de un tiro medio. Por último, quieres volver a prestar atención al efecto títere. Ya cortamos el tema por lo que realmente no podemos colocarla en la parte inferior del marco. ¿ Dónde podría tener lugar este efecto títere en un medio? Bueno, esta vez estamos mirando las articulaciones. Esos son los ángulos, las rodillas, la pelvis, el cuello, e incluso los codos para ciertos disparos. Se quiere cortar después de enmarcar justo arriba o debajo de esas articulaciones. Para una alternativa del tiro largo, se desea cortar el sujeto y su tamaño o en las espinillas. En un tiro medio que va a estar justo por encima de la pelvis en el estómago. Nunca corte en esas articulaciones ya que eso volverá a crear su efecto títere, y esto es algo realmente importante. Poner atención al espacio alrededor del sujeto y evitar que los efectos de marionetas una gran diferencia en el aspecto de tus tomas y esta aquí mismo es una toma profesional. Es algo que se podía ver en una producción de Hollywood de alta gama. Como puedes ver, todo está mal. El conocimiento, saber cómo funcionan las técnicas, y utilizarlos. Personas, sigamos con el primer plano, el último en línea y también viene con algunas alternativas como el primer plano medio, también llamado las cartas de pecho porque estamos cortando en el pecho y hasta el extremo close-up. Pero de nuevo, en el campo usos dicen tomar un primer plano de ojos. El concepto de un primer plano es a una caja, un marco intuitivo sujeto. Se quiere cortar en frentes y volver a colocar los ojos en la regla de los tercios ya que la idea de un primer plano es estrechar el tema y aislar a esa persona. Por lo tanto, podemos olvidarnos del espacio de cabeza. Todas estas cosas como el espacio de visualización, la regla de los tercios, y el efecto títere aún necesita tener atención metida en la frente y no en las articulaciones. Todas las cosas de las que hemos estado hablando ahora no sólo se aplican a los humanos. Había estado viendo sujetos mucho tiempo, así que todos respetamos a Kim, pero así es como necesitamos ver a nuestros elementos en una toma. Todo es un sujeto ya sea una persona, un edificio, un árbol, una taza de café, no importa. Una vez que apuntas tu cámara sobre algo, se convierte en un sujeto. Trata de ver las técnicas de encuadre en cualquier tema. De verdad te tomas una taza de café y un tiro largo. A ver cómo le estoy poniendo atención al espacio de cabeza de la copa. Evitar el efecto títere usando la regla de tercios e incluso dándole espacio de visualización. El vaso no tiene ojos, pero sí sentimos que la parte posterior de la copa es donde el iris porque lo sostenemos de esa manera para mirar el frente de la copa y esto se está volviendo subjetivo por supuesto, y por lo tanto la dirección de visión no es siempre tan importante con temas como este. Pero cuando hay una mejor visual como un edificio que tiene una entrada, definitivamente podríamos ver eso como la cara y darle dirección de visión desde ahí. Chicos, esto fue un gran trozo de información. A lo mejor apuntar estas palabras en un papel. Dirección de visualización, espacio de cabeza, efecto títere, y regla de tercios. [ inaudible] papel que tú ahora mismo, y ve a disparar algunas cosas en el patio trasero. Trata de hacer un tiro establecedor, un tiro largo, un tiro medio, y un acercamiento de algo. Una vez que hayas hecho eso, puedes volver adentro y seguir el resto de este curso. En la siguiente lección, vamos a abordar la posición de la cámara que irá mucho más fácil que sepas cómo funciona el encuadre. Muchas gracias por ver. 12. La posición de la cámara: Bienvenidos de vuelta chicos. Espero que haya tenido un poco de buen aire fresco afuera y también haya practicado las técnicas durante este curso. Es muy importante si toda esta información es nueva para ti. Lo mejor es aprender algunas cosas nuevas, luego practicar eso, volver a entrar y aprender algo más. En esta lección, hablaremos de la posición de la cámara. Tenemos un mundo tridimensional, lo que significa que podemos colocar la cámara en cualquier parte de la superficie, pero también en altura. Puedes colocar tu cámara sobre algo o usar un trípode, el cual puedes cambiar en alturas. Pero empecemos primero con la superficie plana. Aquí vemos un par de árboles. Podemos colocar la cámara donde está ahora, pero también podemos moverla un par de pies más allá, filmándola desde un ángulo diferente. Dos posiciones de cámara diferentes y ambos disparos también se ven diferentes. Si le pones buena atención a todo lo que hemos aprendido previamente sobre enmarcar, ambos tiros son buenos. Pero analicemos por un momento estas tomas. ¿ Cuál es la historia visual que estamos contando? ¿ Qué siente el público al mirar las dos tomas diferentes. En un solo tiro los árboles ocupan mucho del marco. Son muy prominentes, lo que significa que toda la atención va a ellos. Hay muchos detalles además haciendo que el disparo un poco agitado. Aquí puedes esconder cosas porque solo hay tanto entremisión. A medida que Kim está caminando a distancia, podría tardar un segundo o más antes de que el público se dé cuenta de eso. Los árboles son más prominentes que Kim. Ella resulta muy pequeña relativa a los árboles prominentes. A pesar de que analizar una toma como esta no es tan difícil, es algo que hay que practicar mucho. Simplemente ve y google Imagen Busca y mira cualquier tipo de foto que veas, o también puedes ir a un museo y simplemente mirar pinturas. Tómese un tiempo para pensar en qué historia visual se está contando. Esta es también la razón por la que estás consiguiendo artistas que van a la escuela de cine. Mucha gente lo odia, pero es algo súper importante, es donde comenzó la cinematografía. En la actualidad siguen aplicándose los principios utilizados en la edad media. Echemos un vistazo a la otra toma ahora. Los mismos árboles desde una posición de cámara diferente. Tómate un momento para analizar esta toma. Mira lo que es prominente o tal vez lo que no lo es. ¿ Hacia dónde se guía tu ojo y por qué es eso? Los árboles están a la derecha. Tenemos un amplio espacio abierto a la izquierda. Esto es todo lo contrario de lo que teníamos antes. Hay menos detalle, ya no tenemos nada demasiado prominente. A medida que Kim entra en el tiro ahora, te sientes atraído instantáneamente por ella. Tampoco está siendo intimidada por otra cosa. Ella tiene el espacio a su alrededor libre, haciendo que ella y el público respiren mejor. El moral de la historia, piensa en lo que está contando tu disparo. Si los árboles están demasiado juntos de nuevo, pero te gustaría crear un tono dramático, entonces toma tu cámara y reposiciónala para extender esos árboles. Esto es sólo un ejemplo, pero hay miles más. No tengo tiempo para eso, así que echemos un vistazo a una más. Aquí tenemos un tiro medio de Kim, y aquí tenemos otro tiro medio de Kim. Si bien ella sólo está parada en el mismo lugar exacto, solo muevo mi cámara a los lados opuestos para los otros disparos. Mira los fondos. Una de las cuales es muy luminosa y la otra es muy oscura por los árboles otra vez, y creo que no necesito explicarme más. ¿ Qué dicen los árboles? Está muy oscuro. Hay sombras, mucho detalle, así que un poco agitado o más dramático. A pesar de que estos árboles también podrían ser un edificio o algo más, la idea es que estamos teniendo algo más oscuro con más detalle en la parte de atrás. El otro tiro, todo es brillante, blanco y abierto, que es más positivo y relajante. Por lo tanto, es súper importante pensar en dónde se coloca la cámara. Lo siguiente son las alturas. En relación con el tema, básicamente hay tres niveles de alturas. Tienes ángulo bajo, alturas de ojo, y ángulo alto. Algunas de estas tienen nomenclatura alternativa, como la vista de pájaro para el ángulo alto, o aquí en Bélgica decimos perspectiva de rana a tiros de ángulo bajo. Estos ángulos siempre son relativos a los ojos de los sujetos o al punto al que se siente atraído el público. Ya está ocurriendo un disparo de ángulo bajo cuando estás justo debajo de los ojos. Por lo tanto, es muy importante entender lo que hace la diferencia de altura. Uno de mis trabajos recientes fue hacer un video promocional para un artista callejero. A menudo lo filmaría desde un ángulo bajo. La razón de eso es para que el público parezca admirar a este hombre. Hace que el artista se vea más grande en alturas y su estatus, que es exactamente la historia que quiero traer. Es un gran artista, al que admiramos. Durante ese mismo rodaje, también lo filmaría desde un ángulo alto. Esto hace lo contrario con él, lo estamos haciendo pequeño y que lo mire hacia abajo. Donde tenemos la obra de arte en primer plano mientras él está trabajando en ella, le está haciendo parecer pequeño, opuesto a la obra de arte. En la ficción esto se utiliza a menudo para hacer a alguien más pequeño en estatus. El gran jefe de una empresa suele ser filmado desde abajo y los empleados desde arriba, cuando están en la oficina del jefe. Filmar desde abajo o arriba le hace algo al tema. Cuanto más grande es este ángulo, más enfatizas eso, así que ten cuidado al usar esto. Para tomas naturales, quieres estar a la altura de los ojos igual que lo estamos ahora. No quiero intimidarte ni quiero parecer inseguro. Por eso me puse en el mismo nivel que tú porque estamos haciendo este curso juntos. Para concluir esta lección, analiza tus tomas y mira cuál es la historia visual. Es posible que desee tomar su cámara y reposicionarla para obtener una perspectiva o fondo diferente. Usa la altura de la cámara para establecer el estado de tus talentos. Cuanto más grande es este ángulo, más grande se vuelve ese estatus. En algunas ocasiones, solo quieres estar ligeramente más alto que los ojos de los sujetos. Pero si quieres estar en el mismo nivel de tu público entonces asegúrate de que la cámara esté quieta. Muchas gracias por mirar, y nos vemos en la siguiente lección. 13. Lentes: En esta lección, quiero hablar de las lentes y no tanto cuál debes conseguir o cuál es mejor. Pero sobre la distancia focal, ya sabes, esos milímetros en una lente, lo puedes ver como acercando o alejando. Por ejemplo, esta de aquí es una lente de 35 milímetros. Se llama prevalencia porque no puede hacer zoom. Tiene sólo una distancia focal, 35 milímetros en esta justo aquí y lente de 18 a 200 milímetros. Se llama lente de zoom y tiene un rango de distancia focal. En términos generales, las lentes primos se consideran mejores y de calidad que las lentes de zoom, pero todo es muy relativo. Hay muchas lentes de zoom por ahí en superarse, algunas lentes de primer nivel. Cuando se trata de comprar lentes y definitivamente como principiante, no llegues a tubo de lavado de cerebro rápidamente sobre la necesidad de gastar mucho dinero en esto. Mientras no estés en los mercados de producción de alta gama, entonces no te importen esos 5.000 dólares más lentes de cine. Una lente kit suele ser la mejor manera de empezar. Por lo general, quieres obtener una lente nueva si quieres una distancia focal diferente o una abertura más amplia para obtener una profundidad de campo más superficial y un rendimiento con poca luz. Hablemos nuevamente de las longitudes focales. Tienes dos opciones a la hora de hacer un tiro medio de alguien. Puedes pararte cerca de esa persona y alejarte, o puedes pararte más lejos y acercarte. En un disparo hablamos de un ángulo blanco y el otro, ¿es teleobjetivo o simplemente tele? Pero, ¿cuándo es una lente blanca o tele? Bueno, se compara con el ojo humano. El ojo humano se sienta en algún lugar a alrededor de 50 milímetros de distancia focal. Hay discusiones al respecto, por eso digo alrededor de 50 milímetros. Cualquier cosa por debajo que sugiera 24 se considera un gran angular y cualquier cosa por encima de 50 milímetros se considera tele. A 50 milímetros no es lo mismo en ninguna cámara y eso tiene que ver con el tamaño físico real del sensor. El tamaño más grande se llama cuadro completo. Las cámaras Bubbler como la Canon 5D o el pedregoso A7S tienen un sensor de fotograma completo. Dichos sensores hablamos de un factor de cultivo 1. Eso significa un multiplicar 50 por 1, que hace 50 milímetros. Pero cuando estás usando algo así como un Canon AD o Nikon 7,200, tienes un sensor de tamaño recortado. Químicos que APSC, es Nikon nombra, es DX. También tienes variaciones como APSH, super tele 5, etc. Pero como se llame, tiene un factor de cultivo que se asienta alrededor de 1.5. Puedes buscar eso para tus cámaras específicamente. Simplemente escribe la mielina de tu cámara en Google Plus o factor de cultivo. Multiplica 1.5 con 50 milímetros y obtienes una lente de 70 milímetros. Para tener una lente real de 50 milímetros, necesitas ponerte una lente de 35 milímetros, lo que en realidad dará como resultado una lente de 55 milímetros, pero no existe un 33.33 almuerzos. Entonces tienes micro cuarto tercer sensores, que creo son los sensores más pequeños para cámaras DSLR. Se trata de cámaras como la JH cinco, cubos mágicos negros cámara de cine, Olympus EM1 amd tienen un factor de cultivo de 2.0. Necesitas duplicar la distancia focal real. Existe adaptadores como el aumento de velocidad del hueso meta o que puedes conectar entre el cuerpo y la lente, lo que aumentará ópticamente un tamaño de sensor para que solo tengas un factor de cultivo de, digamos 1.5 en un micro sensor de cuatro terceras partes. Pero esa es una historia completamente diferente. Importante saber es qué cámara tienes y cuánto es las fábricas recortadas. Ahora que ya sabes cómo funciona eso, me gustaría responder a la pregunta que planteamos al inicio de esta lección. Deberíamos retomar y pararnos cerca como sujetos o acercarnos y pararnos lejos de los sujetos. Cuando acercamos o usamos una distancia focal de Tilly, entonces estamos comprimiendo todo y el fondo se desenfoca más. Cuando nos paramos cerca de Kim con el mismo encuadre, el campo de imagen es de blancos y captará mucho del entorno más el fondo está más enfocado, comparándolos uno al lado del otro también notamos lo que hace con la forma de la cara de Kim. El ángulo blanco no fue tan halagador ya que distorsionará la imagen. Cuanto más blanco vayas, más grande es la distorsión. Hasta que las lentes se vean más halagadoras y también algo que se usa más y fotos de belleza por lo tanto. Pero aparte de la distorsión U, también estamos diciendo un almacenamiento visual aquí. Si te paras cerca de tu sujeto en una lente gran angular, el espectador queda más arrastrado a la escena. Esto se usa a menudo en películas de guerra que ya quiere que el público se sienta como si estuviera sentado al lado de los soldados en los campos de batalla. Al tomar una distancia con la cámara y acercar, también llevas al público a una distancia, y esto tiene muchos efectos. Imagínate si miraras algo desde la distancia, una chica podría verse más bonita que si se parara frente a ti. Puedes mirar a alguien mientras esa persona no sepa que lo estás mirando. También es más relajante ya que simplemente puedes inclinarte hacia atrás y observarlo desde la distancia. Estas son las dos principales diferencias. Echemos un vistazo a esta escena por un momento. Empezamos con un tele-shot para crear una sensación relajante. Estamos conociendo al personaje pero como vio los cambios y Kim se detiene, acercamos al espectador o enviamos o ellos y sentimos la misma tensión en el disparo después de eso, volvemos a dejar al personaje. Esto la hace vulnerable ya que parece estar de vuelta sola. Vea cómo importa mucho el uso de esa distancia focal. En lugar de acercar y alejar, piensa también en dar un paso hacia atrás y hacia adelante. Es algo muy divertido para jugar durante una escena donde se pueden cortar dos longitudes focales diferentes. Gracias por mirar y nos vemos en la siguiente lección. 14. La regla de 180 la regla: La regla de 180 grados. Cuando vas a editar algunas tomas múltiples juntas, esta regla es súper importante. El divertido de esto es que incluso puedes romper esta regla por una muy buena razón. Pero primero empecemos por entender esta regla. Cuando estamos en un lugar determinado, sabemos cómo está ahí. Tenemos un sentido del espacio así que después de haber rodado unos clips ahí, también tenemos un sentido mucho mejor de la orientación. Ahora el público no estaba ahí, por lo que no tienen nada de esa orientación. Cuando una persona camina desde el lado izquierdo hacia el lado derecho, y el siguiente disparo de tu derecha a la izquierda, parece que esa persona se ha dado la vuelta en el medio. Pero en realidad, Kim Miller simplemente caminaba en la misma dirección. Sólo colocamos la cámara en el lado opuesto de ese camino. Al mirar este rápido dibujo aquí, el sujeto camina de izquierda a derecha en el primer disparo. En el siguiente disparo, colocamos la cámara al otro lado de la carretera. Ahora esa persona camina de derecha a izquierda. Al ver este dibujo, no se siente como si la persona caminando hacia atrás porque tenemos el sentido de orientación. Pero sin este dibujo, no lo harías y esta es la regla de 180 grados. Elige un lado en la dirección en la que camina la persona, nunca cruzó esa línea. Tienes 180 grados de espacio para colocar tu cámara, así que de ahí viene la regla de grado. Esto es algo súper importante si no quieres desorientar al espectador. Ahora esta dirección a pie es la básica, pero tu regla de 180 grados viene con más frecuencia de lo que pensarías. Aquí tenemos a Kim y a mi compañero de trabajo génico, parados uno frente al otro. Ellos sólo están hablando. Normalmente quieres filmar varios disparos como este sobre hombros o tenerlos a ambos en un tiro medio, etc. La misma regla se aplica a tus dos. Mira la dirección de visión de los actores y dibuja una línea visible entre ellos. Elige un sitio y no lo cruces. Aquí te dejamos un ejemplo donde cruzamos esa línea. Mira cómo la dirección de visión de Kim es igual que génica. Esto debe ser opuesto si se paran uno frente al otro. Llevemos esto a un nivel más avanzado. Tenemos un primer plano de Kim y cortamos a un tiro medio de Kim. Cámara sabia, aquí no estamos haciendo nada malo. Pero probablemente hayas visto cambiar la iluminación también. En el primer disparo, tuvimos iluminación en la parte posterior de Kim y en el segundo disparo esa misma luz ha cambiado de lugar y ahora está en el lado frontal de Kim. Esta vez no a cámara, pero la luz ha cruzado esa línea. Esto también crea confusión ya que esperamos la luz de la parte posterior. El público podría pensar que Kim se ha dado la vuelta. Ahora en un principio dije que se podía romper esta regla. Se hace bastante a menudo en realidad. El concepto de regla de 180 grados es asegurarse de que el público se mantenga orientado. Si lo rompíamos, el público se confunde sobre el espacio y la dirección que se están moviendo los actores. Esto se usa a menudo en escenas de lucha para hacerlas parecer más caóticas y realistas. Si el público tiene demasiada orientación, pueden ver los errores menores y quizás la pelea descuidada se mueve. Cuando el público no está orientado, tienen menos tiempo para enfocarse en eso y la escena de la pelea sería mucho más fuerte. Este es un uso de donde se podría cruzar esa línea. Pero hay más razones. Basta pensar en lo que implica la regla y qué efecto tiene en el público y ver si necesitas romperla o no. Gracias por ver. 15. Cámara lenta: Muchas cámaras DSLR en estos días pueden disparar a cámara lenta o a una mayor velocidad de fotogramas. Por ejemplo, puedes filmar a 60 fotogramas por segundo, pero eventualmente exportar a 30 fotogramas por segundo. Esto significa que puedes estirar el video para que tengas dos fotogramas disponibles para cada fotograma real. Mi GH5 incluso puede disparar a 180 cuadros por segundo. Eso es un poco más de siete veces más lento si exportara eso a 25 cuadros por segundo. De todos modos, si tu cámara puede hacer eso, definitivamente juega con ella. La cámara lenta se ve muy bien, pero también debe manejarse con cuidado. Vivimos en un mundo donde todo es tiempo real, no en cámara lenta. Se siente natural y estamos acostumbrados a eso. No hay nada especial al respecto. Ahora cuando miramos algo en cámara lenta, tenemos más tiempo para mirar el mismo clip. Nuestros ojos se preguntarán y empezarán a mirar detalles. Esta es una de las mayores ventajas de cámara lenta. Cuanto más grande es tu cámara lenta, más tiempo tenemos para mirar alrededor. Aquí vemos a Janic corriendo y saltando sobre esta roca. Vimos lo que pasa. Pero juguemos esto ahora en cámara lenta, tus ojos consiguen más tiempo para mirar lo que realmente está pasando y empiezas a mirar otras cosas como cómo se empujó por aquí. Cual es su expresión facial mientras está flotando la roca, y cómo está aterrizando. Obtienes muchos más detalles de tal disparo. La cámara lenta funciona muy bien para tomas de acción como esta, pero no siempre tiene que serlo. También es uno de los errores que comete la gente. Deseas mostrar el detalle, luego lento mo. Si no, entonces no lento mo. ¿ Hay un gran movimiento o acción en tu escena o simplemente un personaje que se queda quieto? En ambos escenarios, la cámara lenta tiene gran poder. Aquí vemos a Kim mirando a la cámara. pasa nada especial. El público percibe a Kim como sólo una persona que mira hacia la lente. Ahora si pusiéramos este clip a cámara lenta, mira lo que pasa. Esa emoción repentinamente se hizo más grande. No es que el clip sea más largo, sino porque es a cámara lenta, tendemos a mirar más los detalles, que en este caso es la emoción. Esto lo usamos muy a menudo en nuestras producciones para enfatizar ciertas emociones o para dibujar al público en la película. Como has visto, muchos de los clips venían de películas de acción o videos de eventos. Por lo general estas tomas son bureau, lo que agrega una gran dinámica a tus proyectos, pero eso es para la siguiente lección. 16. Importancia del rollo B: El naming B-roll viene de los primeros días en hacer cine donde tenías una película real en rollo. El A-roll fue la cámara principal y el B-roll fue la segunda cámara tomando diferentes tomas de la misma escena. Con el tiempo, esa definición evolucionó porque el cine en general también cambió a lo que hoy llamamos cine moderno. Pero el principio sigue siendo el mismo. Digamos que estás haciendo una entrevista, tienes una cámara y una persona mirando a esa cámara o justo al lado. Esta es la cámara principal y es como inicia tu configuración. En otras palabras, es tu A-roll. No obstante, ya no lo llamamos así. Por lo general, es solo una cámara principal. Ahora imagina si ese fue el único disparo que tuviste. Una cámara captando la entrevista. Este va a ser un video bastante aburrido. Es un mismo fotograma, por ejemplo, un tiro medio, y eso es todo. Por lo demás, sólo se puede escuchar a esa persona y no hay nada más que ver. Añadamos un segundo ángulo de cámara a la entrevista. Esta cámara se llama el B-roll y generalmente se considera más creativa. En este ejemplo también estoy sosteniendo las cámaras de mano y estoy haciendo diferentes encuadres a lo largo de la entrevista. El video tiene diferentes ángulos ahora a los que podemos cortar. Sigue dando detonadores de nueva información al público, manteniéndolos más interesados. Por lo que podemos concluir que durante una entrevista, siempre se debe disparar con una segunda cámara. Pero digamos que no tienes una segunda cámara. Bueno, aquí hay un proyecto más pequeño en el que he trabajado. Yo sólo tenía una cámara disponible, así que filmé toda la entrevista desde un tiro largo y luego volví a hacer la entrevista con un tiro medio. No es tan importante que una persona diga exactamente lo mismo. Se puede tomar una cotización de la primera entrevista y otra de la segunda. Pero hace que tu escena sea mucho más orgánica y probablemente la notes también aquí. También estamos trabajando con dos ángulos de cámara, que allá está la cámara principal, y por aquí tenemos el B-roll. Por lo que hacer que tus videos se vean más dinámicos es una razón. El segundo motivo por el que necesitas B-roll es para que tus cortes sean imperceptibles. Asume que tu sujeto dice algo mal o dile algo que quieras cortar después. Ya que estamos recortando esas partes, vemos el video saltando. Estos se llaman cortes de salto y es algo que odio ver. YouTube está lleno de eso e incluso les veo algunas producciones profesionales. A mis ojos, muestra pereza y trabajo muy descuidado. Lo menos que puedes hacer es recortar el video en el medio, para que puedas cortar digitalmente de una toma larga a una media. Cuando cambia el tamaño del marco, el público no nota ese corte demasiado. Esta es también la razón por la que estamos usando ese B-roll. Cada vez que el sujeto dice algo mal, cortamos al otro ángulo. Pero para asegurarte de que no está saltando, quieres asegurarte de que sea un tamaño de fotograma diferente y quieres tomar cierta distancia de la cámara principal también. Cuanta más diferencia de posición entre los dos o el ángulo, menos se notarán los cortes. Ahora, hemos estado hablando de la misma escena, dos cámaras capturando lo mismo. Ya sea que sean dos cámaras o repitiendo la escena con una cámara. Además de eso, también quieres llenar las cosas de las que está hablando la persona. Agrega los mismos beneficios. Puedes hacer que los cortes sean imperceptibles, además estás visualizando de qué está hablando la persona, y esto realmente lo hace interesante para el público. Ya has visto esos ejemplos de las entrevistas, que es un poco más dinámico con dos ángulos, pero sigue siendo sólo una persona hablando. Entonces sumemos tomas de la fábrica y de las papas que producen, que es de lo que están hablando, hace que todo el video se complete. Tienes una entrevista dinámica, tomas en la fábrica, las máquinas con las que trabajan, el personal, el stock, etcétera. Un buen consejo que te puedo dar es disparar tanto como sea posible B-roll. Notarás en la edición que siempre te falta algún B-roll, nunca podrás tener suficiente de eso. Entonces este fue un ejemplo bastante sencillo de una entrevista. Pero si estás haciendo algo más como un video de viaje, por ejemplo, entonces tu punto de vista de la cámara principal es el caminar. Trata de meter algo más ahí también, como los alrededores, una actividad de sitio, un cerco de un río. No importa. Si estás vlogging misma cosa. No solo hables todo el tiempo a través de la cámara. Asegúrate de tener algo de metraje extra que cubra las cosas de las que estás hablando. Ahora B-roll es algo con lo que puedes ponerte muy creativo. Eso también podría ser como las manos de la persona que habla. O también puedes cortar a tomas subjetivas de esa persona preparándose o pensando durante esa entrevista. En este estudio, podríamos hacer algunas tomas de las bombillas aquí y tal vez, y jugar con esas, hace que la vista sea divertida, juguetona y muy dinámica. Por lo que B-roll ayuda con los cortes para hacerlos invisibles para el público. Te ayuda a cortar a diferentes ángulos o a visualizar más, haciendo que sea más dinámico y ayuda a contar mejor tu historia porque la estás visualizando. A veces no es tan fácil saber qué B-roll vas a necesitar porque es algo que sucede en la edición. Así es como tienes que rodar para las ediciones, y te mostraré cómo hacerlo en la siguiente lección. 17. Toma para la edición: Si estás trabajando en un cortometraje o largometraje, probablemente seas medio preselector. Ya has pensado en los disparos antes de ir al cine, y se hace una lista de eso. Es muy bueno que lo hagas. Por lo que significa que ahora puedes enfocarte en esa lista y no pensar las tomas que necesitarás y enfocarte en otras tareas de producción como dirección, iluminación, sonido o logística. Pero para cualquier otro proyecto, probablemente no tengas una lista de preselección. Por ejemplo, estoy haciendo muchos videos de eventos. Uno de mis mayores clientes como franquicia BMW que organiza eventos muy a menudo. Yo traigo ese día a un divertido video que todos pueden ver en redes sociales después. Definitivamente hay algunas cosas que puedo preparar. Puedo preguntarle a la organización qué pasará ahí, y qué definitivamente quieren que se filmen. Pero eso es más como una lista de tareas pendientes. En un evento, las cosas pasan en vivo, te encontrarás con cosas que no sabías, las situaciones podrían cambiar e incluso el cliente podría pedirte filmar de repente algo nuevo. Por eso necesitas pensar en cómo vas a editar el video mientras estás filmando. Sólo al hacer eso, puedes saber con qué tipo de tomas conocerás. Lo primero que hay que hacer es pensar en el panorama global. Eso significa que asegúrate de tener una intro, un medio, y un final. Cierta toma que abre el video, luego tienes tus cosas entre medio y finalmente, una buena toma del video terminando donde puedes transitar muy bien al logo o algo así. Podrías prepararlo como en frentes, pero también puedes mirar lo que sucede en el evento, o lo que pase en tu día si estás vlogging o no importa lo que estés haciendo. Se quiere tener un principio, medio, final. Eso es lo primero que hay que tener en cuenta y ya te ayudara a poner ese panorama global. El siguiente a lo que hay que prestar atención son los pequeños acontecimientos. Por ejemplo, se quiere filmar un bar de cócteles. Ahora, antes de hacerlo, primero piensa en las ediciones. ¿ Cómo editarás esa escena? ¿ Cómo quieres que se vea? lo mejor quieres abrir con un tiro largo, después ir a un primer plano del vaso que se está llenando, y finalmente, un tiro medio del vaso que se está dando a un invitado. Visualizas eso primero y luego empiezas a disparar. Esto realmente es lo básico del rodaje para las ediciones. Si entras a una habitación donde algo está pasando, lo primero que haces como operador de cámara es mirar alrededor y disparar esa escena en diferentes tomas, memorizarla, visualizarla y luego disparar lo que se necesita. Llevemos esto a un siguiente nivel. No quiero sobrecargarte con información porque primero se necesita mucha práctica y experiencia. Por lo general, si obtienes los conceptos básicos de disparar para las ediciones, encontrarás esas técnicas más avanzadas tú mismo. Una de esas técnicas avanzadas son las transiciones de escena. Esto no tiene nada que ver con la edición, sino puramente con la cámara. Si estás filmando una escena en particular, ¿cómo pasarás de esa escena a la siguiente? Hay muchas maneras de hacerlo. En una fiesta, podrías filmar justo en las luces, creando esta luz estalló en tu lente. En ese flash, puedes cortar a la siguiente escena. También puedes hacer cosas como toallitas. Si limpias el final de tu primer disparo y luego inicias tu siguiente disparo con esa misma toallita, puedes conectarlos solo colocando esos dos clips uno al lado del otro y te tienes una bonita transición. Ahora, hemos hecho un video completo sobre eso también en YouTube. Puedes encontrar el enlace a la misma desde la descripción de las lecciones hasta ella. Pero una transición también puede ser muy sencilla, como pasar de un primer plano, o un tiro medio a un repentino tiro largo muy blanco. Tener este gran cambio en el tamaño de cuadro funciona como una agradable transición entre las dos escenas. También tienes cosas como transiciones de caminar por donde alguien camina frente a tu lente, ya que oscurece, luego puedes cortar a la siguiente escena, y sigue así. Pero hay cosas en las que deberás pensar durante el rodaje. Entonces chicos, comiencen primero con el panorama global y piensen en una apertura, media y final, luego dividan escenas individuales en diferentes tomas antes de que empiece a rodar esa escena. Si quieres llevarlo al siguiente nivel, intenta pensar en cómo vas a pasar de escena a escena. Esta fue la última lección del capítulo y en realidad ya has pasado por todos los conceptos básicos. Ya sabes cómo funciona tu cámara y cómo hacer el disparo perfecto sobre un sujeto. Lo que quiero que hagan ahora es hacer una lista de las diferentes lecciones de este capítulo. Esa es la regla de los tercios. Encuadre, posición de la cámara, lentes, regla de 180 grados, cámara lenta , buró, y disparo para las ediciones. Ahora encuentra un bonito proyecto que puedas filmar, tal vez sea como juegan tus hijos, pasando el rato con tus amigos en el parque, o simplemente pídele a alguien que haga algo sencillo como hacer un café. Importante es que tengas un sujeto real o un evento determinado que puedas tomar múltiples tomas fuera. Mientras estás filmando, tómalo despacio y para pasar por esa lista para comprobar si estás haciendo todo bien. Haz eso primero y luego vuelve a hacer un pequeño quiz, que viene justo después de esta lección. Si notas que cometiste demasiados errores, lo cual es perfectamente normal, entonces intenta volver a ver algunas de las lecciones. Algo que siempre hay que tener en cuenta es que el arte del cine toma práctica. Lleva años de práctica, y estás obteniendo un montón de información de este curso. Entonces la clave es practicar y nunca rendirse. Gracias por ver y buena suerte con tu pequeño proyecto cinematográfico ahora mismo. 18. Quiz 3: el lenguaje de video: 19. Introducción al movimiento de la cámara: Bienvenidos de vuelta amigos. Espero que haya tenido una buena práctica y haya anotado bien en el quiz. A lo mejor estás viendo este curso en un solo strike. Bueno, eso también es bueno. Me imagino si estás sentada cómoda en un sofá en este momento, que no quieres levantarte a las cosas del cine. Pero es importante que practiques durante este curso. Si optas por ver primero todo el curso, entonces sí intenta volver a ver algunas de las lecciones después de alguna práctica. Vamos a intensificar el juego y hablar de movimiento de la cámara. Existe tantas herramientas para hacer que tu cámara se mueva. Hay grúas, dolly, leva estable, deslizadores, gimbals, campamentos de alambre, etc. Esta lista sólo sigue continuando. Entonces también tenemos las cosas convenientes como un trípode o simplemente sujetando las manos de la cámara. Cada herramienta hará que la cámara se mueva de manera diferente. Eso es lo que hay que entender. ¿ Por qué debería elegir entre un deslizador, mano o un trípode? En las próximas lecciones, vamos a hablar de estas tres categorías. Trípodes para control de movimientos. Creo que debes aprender a hacer eso primero. Entonces de mano, que tiene mucho más en ella de lo que la mayoría de la gente piensa. Por último, los movimientos de cámara en general. Y tener que mirar dos dispositivos populares, el slider y el gimbal, que ambos cubren ya muchos movimientos posibles. Si no tienes un slider o gimbal, entonces no te preocupes. Siempre es algo que puedes conseguir en el futuro si quieres. También tienes que mirar tus proyectos, el trabajo que estás haciendo. Definitivamente es interesante conocer la historia detrás de los movimientos de la cámara independientemente, si tienes el equipo adecuado o no. Lo que sí aconsejo sin embargo, es primero conseguir un trípode. Es el soporte de cámara más básico y más usado. Entonces vayamos a la siguiente lección y veamos por qué debes usar un trípode o no. 20. El trípode: Creo que todos sabemos lo que es un trípode. Tres piernas y una cabeza. Encima de esa cabeza colocas tu cámara. Es la herramienta más básica para conseguir un disparo estable y para eso es exactamente para lo que está destinado un trípode, para obtener un disparo estable. Un tiro estable neutro en un trípode se ve profesional. El motivo de eso es porque los disparos de mano requieren alguna técnica y necesitas enfocarte en tus movimientos manuales. Cuando no estás enfocado en eso, es mejor usar un trípode. Un trípode significa control. Es muy natural y actúa un poco como confianza. Con las cabezas podemos hacer un movimiento de pan, que está balanceando tu cámara de izquierda a derecha. O podemos hacer un movimiento de inclinación, estamos balanceando la cámara hacia arriba y hacia abajo. También podemos combinar estos dos movimientos e ir de una esquina de arriba a abajo. Estos movimientos requieren una cabeza fluida en tu trípode. Básicamente, hay tres tipos de trípodes. Tienes los trípodes de plástico baratos que no tienen cabezales fluidos y quieres evitarlos. Después están los trípodes de fotos de RD o trípodes de semi video, que definitivamente son un buen comienzo. Basta con prestar atención que diga cabeza fluida. Después tienes los trípodes profesionales con cabezas de tazón, pero esos te darán el mejor rendimiento y tendrán toneladas de grandes opciones para equilibrar tu cámara o en diferentes niveles de fricción. Si estás empezando y tienes un presupuesto ajustado, entonces te recomiendo empezar con un trípode de video semiprofesional. Posteriormente por el camino, notarás que un segundo o incluso un tercer trípode es útil. Por eso no recomiendo el mejor trípode para empezar. Esa es una rápida introducción a los trípodes. No quiero enfocarme demasiado en eso. Tan solo asegúrate de que diga cabeza fluida si quieres comprar uno y estarás bien. Tan solo haz algunas investigaciones en Google para averiguar cuáles son los mejores trípodes para tu presupuesto. Como ya he dicho antes, un trípode muestra estabilidad en tus tomas. Agrega un tono de confianza, neutralidad, ser, en el control de la situación. Eso va para tu movimiento también. Si estabas siguiendo a alguien con un bolígrafo, es bastante fácil mantener a esa persona en la regla de los tercios con alguna práctica. Lo mismo vale para las tomas de producto. Haz una pequeña banda sobre su para agregar más profundidad al disparo. Nos meteremos en eso en un momento, pero es muy controlado, muy neutral y vuelve a demostrar ese profesionalismo. También es necesario practicar mejores movimientos de inclinación. Se quiere tratar de iniciar, suavemente, hacer un movimiento constante y parar lentamente. Una gran manera de practicar esto es colgando tres por tres papeles en una pared y numerarlos del 1-9. Después dobla, inclina o haz ambas cosas de número a número. Para desafiarte un poco, puedes pedirle a alguien más que llame a los números y necesitas intentar actuar rápido. Ahora bien, si rodarías una película de acción donde esos movimientos de span o inclinación podrían ser mucho más rápidos, seguimos siendo esa controlancia y que reflexiona sobre los temas. Alguien con un estatus alto que está ganando la pelea, ese personaje tiene control sobre una situación y podemos reflejar eso filmando en un trípode. Esto es básicamente lo que representa un trípode. Antes hablaba de profundidad, y también lo he mencionado en el inicio de este curso. La esencia de la cinematografía es crear profundidad. Aquí está la razón por la que. Vivimos en un mundo tridimensional. Esto significa que hay profundidad a nuestro alrededor, pero en video eso es plano. Estás viendo video en una pantalla plana. Esta es también la razón por la que inventaron películas 3D. Para crear la ilusión de profundidad. En la lección sobre la apertura de la lente, hemos hablado un poco de cómo un fondo borroso agrega más profundidad a la escena ya que creará una diferencia en primer plano y fondos. Ahora, al hacer un movimiento de panorámica, tendrás que tus objetos de primer plano se muevan más rápido que los objetos de fondo. Esto crea esa sensación de profundidad cuando se reduce a los movimientos de la cámara. Esa es una de las grandes razones por las que siempre debes agregar movimiento a tus tomas. Crear profundidad, que de nuevo es la esencia de la cinematografía. A partir de ahora, daré ejemplos claros de cómo crear tal profundidad en cada una de las siguientes lecciones, porque la profundidad se puede crear de miles de maneras. Se hace qué movimiento de cámara, iluminación, diseño de sonido, composiciones, dirección de arte, gradación de color , efectos visuales, esas gafas 3D, etc. Un buen cineasta va a intentar crear tanta profundidad como pueda. Por supuesto, no podemos tomar todos los elementos. Es ese proceso creativo de combinar diferentes elementos juntos para crear profundidad lo cual es tan interesante. Aunque como dije antes, va muy profundo y ya vas a necesitar años de experiencia para dominar realmente esto. Vamos a dar algunas de las esencias en este curso para que empieces. Está bien. La siguiente lección es todo sobre movimientos de manos fuera. Entonces los veré a todos por ahí. 21. El movimiento del Handheld: De mano es lo contrario de lo que significa un trípode, obtienes metraje inestable, inestable. No obstante, existen múltiples variaciones de los movimientos de mano que todos tienen su propio significado. Empecemos con el suave movimiento de mano. La idea es realmente tratar de conseguir su tiro estable sin trípode. Quieres buscar una buena manera de sostener la cámara apretada. Cosas como poner los codos contra el pecho funciona muy bien o apoyándose contra una pared o árbol. Ahora como vas a tocar ese botón de grabación, quieres prestar atención a tu respiración. Puedes contener la respiración para reducir el movimiento, o bien respirar suavemente dentro y fuera, y empujar la cámara alrededor de tu respiración. Tu respiración controla la velocidad de los movimientos de la cámara. Este es un movimiento de mano muy relajante, pero quita esa ventaja de ese disparo de trípode. Cuando se hace correctamente, definitivamente agrega algo más dinámico, pero no siempre es tan conveniente. Si estás en una lente larga o lente tele, que hemos hablado anterior, es más difícil mantener tu video estable. Esto funciona mejor en lentes de gran angular, donde notas ese movimiento menos. Cosas como estabilizaciones de lentes o en civilizaciones de sensores de cámara como la GH5 tiene, también funciona muy bien para estas tomas. Nuevamente, la razón por la que quieres ir por unos tiros de mano es para crear más profundidad en tus tomas. Un aspecto importante aquí es buscar objetos de primer plano, y eso puede ser literalmente cualquier cosa. Aquí tenemos a Kim sin un objeto de primer plano, y aquí está Kim con unos objetos de primer plano. Muy sencillo, pero crea más profundidad. Se pueden buscar objetos que tengan algo que ver con los temas como esta latas de pintura en aerosol aquí que tenemos con el artista en los fondos, o algo vago que se sienta frente a la lente. Ten cuidado aunque usando estos en ficción. También crea un punto de vista plano de alguien que se ve muy astuto a otra persona por esos movimientos de mano y vagos primeros planos. Pero para cosas como disparos de productos, videos de eventos, etcétera, definitivamente es una gran manera de agregar detalles y profundidad a tus tomas. El movimiento de mano no es tan controlado como barras rayadas. Agrega un poco más de tensión. Reflexiona sobre el personaje de que ellos mismos no son súper estables. Por eso a menudo se ven movimientos más grandes durante una escena dramática donde alguien ha sido atrapado o durante una película de guerra, y el tipo de la cámara camina con los soldados en la batalla. Esos personajes ya no tienen el control. Su situación no es estable, y se puede enfatizar eso con el movimiento de las manos. Pero muy importante es que sepas lo que estás haciendo. No solo empieces a girar tu cámara. Incluso con movimientos más grandes, aún quieres moverte suavemente. Si vas a sacudir con la cámara, entonces parece que está filmado por un aficionado, turistas de desastres o algo así. Esas sacudidas repentinas: trata de evitar eso. Si quieres conseguir un caos movimientos de mano, entonces sí intenta bombear arriba y abajo solo una vez. Mira los movimientos en este ejemplo. Es bastante agitado, lo cual es impresionante para las películas de acción y esas cosas, pero está controlado. Aquí hay un ejemplo de movimiento de mano que no está controlado. Muy típico, verás ese metraje tembloroso donde la cámara sube y baja demasiado rápido y demasiado. Un último ejemplo de vincular tus movimientos a la tensión de la escena es este aquí. Vemos Boxeo Genico. Eso son movimientos pesados. Pero cuando de repente se detiene a descansar, el movimiento de la cámara también va a descansar. Es muy importante que hagas eso. Trata de añadir primer plano durante disparos de mano para conseguir un poco de movimiento entre los diferentes objetos, y presta mucha atención a tu movimiento. Asegúrate de que esté controlado que no estés sacudiendo la cámara, y que te adaptes a la escena. Una cosa que no recomiendo para principiantes es caminar con una cámara, definitivamente no es fácil, pero algo que puede ayudar con eso son gimbales, y llegaremos a eso en la siguiente lección. Gracias por ver. 22. El deslizador y el cardán: En esta última lección de este capítulo, vamos a hablar del resto de movimientos de cámara. Ahora bien, no podemos hablar de todo porque eso requeriría un curso completamente nuevo. Además lo he dicho al principio, que es importante enfocarse únicamente en ti y en tu cámara como principiante. Pero es importante notar qué hay todo ahí fuera y cuál es el significado detrás de ciertos movimientos. En esta última categoría, podemos encontrar todo tipo de equipos que nos permiten mover la cámara en el espacio, pero muy controlados. Para que puedas verlo como un trípode y de mano en uno. Estas son cosas como grúas o mini jibs que son más adecuadas para nosotros los cineastas DSLR. Cámaras estables o estabilizadores tipo glidecam, gimbales motorizados, que incluso son muy populares entre los usuarios de móviles para videos amateur. Los conjuntos de deslizadores vienen en todo tipo de formas y accesorios, lo que permite que tu cámara se deslice sobre un riel y esa lista continúa. Seguro que ya has oído hablar de estas cosas antes. Echemos un vistazo más de cerca a este deslizador. Se trata de un riel en el que se puede deslizar de izquierda a derecha o de atrás hacia adelante. Con algo de creatividad, realmente puedes hacer algunos movimientos impresionantes con ella. Pero de nuevo, está controlado y le pone ese mismo tono a la escena. Un deslizamiento lateral normal crea mucha profundidad. Nuevamente, quieres buscar esos objetos de primer plano. También revela mucho espacio. Este es también un gran ejemplo cuando se utiliza una lente gran angular donde todo está enfocado. Realmente no podemos crear esa profundidad con un fondo borroso. Usando un deslizador, estamos creando profundidad de una manera diferente. Echemos un vistazo a los gimbales ahora, ya que son tan populares. Estos están hechos de diferentes motores que asegurarán que la cámara sea estable. Puedes correr con un gimbal y tener un buen disparo fluido. En ella hay un poco más de movimiento como deslizador, ya que vamos de lado y arriba y abajo. Tiene más de un toque de mano a ella. Está menos controlado que un deslizador. Si sí deseas tener la misma libertad que un gimbal, pero más control, vas a tener que mirar grúas o jibs. Por lo que a menudo se usan los gimbales para seguir a alguien. Se puede tipo de deslizarse por el espacio. Tiene más de eso estar en estado de control a la misma. Porque se coloca así, es un movimiento bastante cool. También tienes toda la libertad con un gimbal. Casi cualquier movimiento es posible. A continuación te presentamos algunos movimientos comunes. Se puede hacer una pista en un tema. De esta forma estás aislando al tema, centrándote más en los talentos. También puedes hacer una pista para dejar el tema. Por ejemplo, cuando un personaje tiene el corazón roto por la pérdida de algo, o se pierde en medio de la nada y se siente sola. Al rastrear, el público deja al personaje enfatizando esa emoción. Otros movimientos geniales están corriendo alrededor de alguien. Esto funciona muy bien en lentes tele así como hace que los fondos se muevan rápido. No se puede usar esto durante un logro del personaje ya que está aislando enormemente al personaje de una manera muy dramática. Pero independientemente del movimiento que estés haciendo, siempre intenta buscar objetos en primer plano, en los fondos, o en el lateral. Mientras haces tus movimientos, quieres traer movimiento en los elementos del espacio 3D que estás capturando. Empieza con practicar en un trípode. Cuelga esos nueve pedazos de papel a la pared y gira e inclina de número a número. Después prueba varias tomas de mano diferentes. Comience con movimientos suaves y luego movimientos de mano más grandes. Si tienes un slider o gimbal, estoy bastante seguro de que ya has jugado por ahí con él. Pero lo que puedes hacer a continuación es pensar en lo que tu movimiento está diciendo primero. ¿ Estás dejando al personaje o te acercas? ¿ Tu movimiento es rápido o lento? Pero recuerda siempre, la clave del movimiento de la cámara es crear profundidad. Esta lección sigue con un pequeño quiz para comprobar si has estado prestando atención. En el siguiente y último capítulo, vamos a echar un vistazo a la luz. Te voy a mostrar el principio básico de iluminación y cómo eso se aplica a cualquier entorno. Ya sea que estés configurando luces extra o no. Muchas gracias por ver y buena suerte con el quiz. 23. Quiz 4: movimiento de la cámara: 24. introducción a la luz: Bienvenidos de vuelta amigos. Hasta el momento, has aprendido cómo funciona tu cámara, cómo hacer tomas de aspecto profesional y cómo agregarle una gran dinámica con movimientos de cámara. Ya casi estás listo para empezar en tu proyecto cinematográfico porque hay una cosa más que no podemos pasar por alto y eso son las luces. Si apaga las luces, está oscuro. Una pantalla negra. Te imaginas lo importante que es la luz, ¿verdad? Hay dos cosas que vemos al analizar la luz, esa es la luz misma y la sombra que crea como se puede ver aquí en mi cara también. A menudo, se pasa por alto, pero las sombras son tan importantes como la luz. Recuerda que estamos tratando de crear profundidad en nuestros tiros. Bueno, la iluminación podría ser los elementos más importantes para crear profundidad. Si dibujaras un cubo 3D, pongas un lápiz, ¿qué harías para hacerlo lo más real posible? Exactamente. Dibujarías a diferentes intensidades de sombra sobre él. Si dibujarías una pelota, obtendrás este gradiente de sombra sobre ella para que parezca un verdadero objeto redondo. Las sombras son lo esencial para definir la textura o profundidad de un objeto y es por ello que debes prestar atención a dónde coloques esas sombras en tus tomas. Las siguientes lecciones no van a ser específicas sobre cómo configurar la iluminación, pero les voy a explicar cómo funciona la iluminación para un video. Una vez que entiendas eso, también sabrías cómo lidiar con los satélites o dónde posicionar a tu sujeto en una habitación que tenga iluminación casual. Como si tuvieras la opción de moverte o despegarte a las luces, colocar velas, o cerrar las cortinas, entonces sabrás qué hacer para crear más profundidad cinematográfica en tus tomas. 25. La iluminación de 3 puntos: El alumbrado de tres puntos es un principal que define lo esencial de crear profundidades. Estaremos usando unas luces de cine reales para explicar esto, pero notarás que es una técnica que se puede aplicar a cualquier objeto que dé luz. Estas son ventanas, un televisor, luces decorativas, velas, etc. Al igual que dice el nombre, la iluminación de tres puntos existe en un tres fuentes de luz. El primero se llama las luces de llenado. El propósito de la luz de llenado es llenar la sala y el tema para una iluminación global. Ahora como he mencionado antes, las sombras son muy importantes, es lo que crea profundidad. Profundidad colocará esta luz en el sitio del sujeto, para que no pueda crear una sombra sobre el rostro de Kim. Ahora muy importante para una luz de relleno es que no es demasiado intenso. Idealmente, quieres tener una luz suave, algo muy suave que crea una sombra suave, iluminando toda la habitación, así que por eso estoy poniendo un filtro suave frente a las luces, que no prestan demasiada atención al equipo que se está utilizando. Simplemente recuerda demasiado grande unas luces globales suaves. Siguiente luz se llama la luz clave. Se sienta al otro lado de la cara de Kim y funcionará como luces más artísticas. Puedes usar un punto duro si quieres, pero por lo general las caras son literalmente unas luces de software. Una cosa es segura que la luz clave va a ser más intensa. Si una luz clave y una luz de relleno son ambos iguales, no tendrás esas sombras que comercian profundidad. Pondremos un spot más grande, más intenso para las luces clave. Ahora, verás que tenemos una hermosa degradación sobre la cara de Kim. Su lado izquierdo está más iluminado que el sitio de los derechos creando profundidades. Entonces la luz final y tercera es la luz de fondo, que es las luces más poderosas para crear profundidad. Si solo tienes una luz disponible, entonces utilízala como retroiluminación. Pero vamos a entrar en eso mucho más profundo en la siguiente lección. El retroiluminación se sienta en la parte posterior del sujeto, y siempre en el lado opuesto de las luces clave, y brillará en la parte posterior del sujeto, creando este bonito halo, como también puedes ver aquí en el estudio. Dado que la luz clave es la iluminación frontal más brillante, queremos asegurarnos de que la retroiluminación brille en el sitio de las luces de relleno, crea más contraste esta profundidad más visual. El retroiluminación puede ser una luz muy dura e intensa, por lo que no necesitamos suavizar esto. Tener unas luces calientes desde la parte posterior crea un bonito halo alrededor del sujeto, haciéndolas salir. Esta es la iluminación de tres puntos, y contiene lo esencial de lo que se trata la luz. Recuerda que el propósito es crear sombras y contraste entre diferentes fuentes de luz. Vamos a trabajar más en este principio en la siguiente lección y utilizar fuentes de luz todo el día como el sol cuando esas luces decorativas, etc, para crear más profundidad en nuestros disparos. 26. Luz natural: El ajuste de iluminación de tres puntos contiene muchas prácticas, pero no siempre necesitamos las tres luces. Se puede elegir perfectamente solo una luz de fondo o solo una luz clave, y muchas veces la luz de relleno ya está ahí. Por ejemplo, dame de pie en nuestra sala, a través de las ventanas, ven toboganes. Por lo que ahí están nuestras luces de llenado. Voy a añadir una luz clave en el costado de su cara para crear algún contraste sobre ella. Esta es ahora una configuración de iluminación de dos puntos, que también es perfectamente posible, que la posición de la luz clave es muy importante. Esto tiene que ver con la dirección de visión de los talentos. Ya hemos hablado de esto antes. Cuando el talento mire hacia el lado izquierdo, vamos a posicionar esas luces clave también en el lado izquierdo. Esto asegurará que la luz clave funcione un poco como retroiluminación, que he mencionado antes, sea una posición de iluminación muy potente para crear profundidad. Si esa luz se sienta del otro lado, simplemente se aplanará como el sujeto. Con cualquier tipo de fuente de luz, siempre quisiste estar en la parte posterior del tema, aunque eso sea solo por un grado muy leve. Aquí Kim está mirando por fuera de una ventana. Cuando estoy tomando una toma frontal de eso, le voy a pedir que ponga un poco a un lado para que la luz de la ventana rebote hacia su lado y que pueda filmar desde sus sitios de sombra. Este es un principio súper importante y vamos a sumergirnos un poco más en eso en la última lección. Pero primero voy a hablar de la luz solar, probablemente la fuente de luz más utilizada por todos. El sol es una fuente de luz y brilla en el medio ambiente como el suelo. Este medio ambiente refleja esa luz que ahora actúa como una segunda fuente de luz. Estas van a ser las luces de llenado. Observe que la luz solar puede funcionar como la luz de fondo o la luz clave, pero debido a que la luz solar es tan intensa, usualmente la colocará como la luz de fondo. También crea un halo muy bonito de nuevo alrededor del sujeto. En ocasiones esta retroiluminación es tan intensa que necesitamos crear una luz clave. La forma más fácil de hacerlo es reflejando la luz solar. Se pueden utilizar reflectores profesionales o simplemente un tablero de espuma blanca del depósito de casa. Cualquier cosa que tenga una superficie blanca de entrada hechos, luces funciona. Al igual que hemos visto en la lección anterior, queremos la retroiluminación en el lado opuesto de la luz clave. En este ejemplo, reflejará la luz del sol en el lado izquierdo de Kim. Ya que la retroiluminación viene de su hombro derecho desde nuestra perspectiva. Como puedes ver, puedes tomar los principios de la iluminación de tres puntos y aplicarlos a cualquier situación. Incluso puedes ir con una configuración de luz de dos puntos, donde solo tienes una luz de fondo o una luz clave. Importante recordar siempre, es que estás creando sombras con tu luz clave y un bonito halos con la luz de fondo. 27. Iluminación práctica: En una iluminación especial podemos encontrar muchas fuentes de luz. Al hacer configuraciones más avanzadas, esto va a tener mucho más sentido. Pero ya me gusta darles algunos de los conceptos básicos al respecto. Estamos hablando aquí de iluminación práctica. Al principio esto no tiene nada que ver con la configuración de iluminación de tres puntos, pero no puede tener influencia en ello. Las luces prácticas son fuentes de luz que son visibles en tu toma, como estas bombillas de aquí a mi alrededor. Esas son luces prácticas. Tener una fuente de luz en tus tomas vuelve a crear una enorme profundidad, porque tienes una mancha que crea más exposición que su entorno. Esta bombilla de aquí es más brillante que sus fondos. Es una retroiluminación que no brilla directamente en tus sujetos. Aquí te dejamos otro ejemplo de un video que hemos hecho por bit premium, uno de nuestros patrocinadores en YouTube. Observe cómo tenemos esa fuente de luz en los fondos. Simplemente da vida a toda la escena mientras rompe esa sombra plana en los fondos. Pero dame tus sentados en una mesa, y solo hay unas luces de llenado de la lámpara por encima de ella. Para que la escena sea más interesante, encenderemos las prácticas luces detrás de ella. Ahora es importante que tengas prácticas que tiene sentido. Si estás filmando en una sala de estar, asegúrate de tener una fuente de luz en ese fondo que cabe dentro de una escena, como una postura [inaudible] de desinflar. Si estás haciendo una entrevista en una fábrica industrial, entonces podrías agregar una luz de alarma roja en los fondos. Estás haciendo visible la luminaria en tu toma por lo que debe caber dentro de nuestra escena. Una rápida conclusión de este capítulo. El principio de una configuración de iluminación de tres puntos es crear sombras. Quieres tener tus luces viniendo de un sitio y crear un alto bajo, poniendo una luz de fondo más dura en la parte posterior. Utilice este principio en situaciones cotidianas, ventanas, la luz del sol, velas, etc., todos funcionan como fuente de luz. Trata de posicionarlos a tu sujeto para que puedan caber dentro de este principio de iluminación de tres puntos. La deuda se crea al tener sus luces viniendo de atrás, aunque eso sea un ángulo corto, lo que significa poner primero a tu sujeto y luego la luz clave. El alumbrado frontal se considera pisos. Por último intenta experimentar con lo práctico. Estas son luces que apenas son visibles en tu toma. Si tuvieras un pequeño quiz pop viniendo ahora mismo para poner a prueba tus conocimientos y después de eso una conclusión final y consejos de vida. Muchas gracias por ver y buena suerte. 28. Quiz 5: luz para el video: 29. Conclusión: Entonces aquí estamos chicos. El último y último video de este curso. En primer lugar, felicitaciones por completar su. También es impresionante que todavía estés aquí para ver este video de conclusión. Esto significa que estás verdaderamente dedicado a llegar a ese siguiente nivel de realización cinematográfica. Para todo el mundo va a necesitar práctica. No esperes estar mejor de repente después de un solo curso. Ya vas a necesitar meses de práctica. Por suerte, tienes este curso, para que sepas en qué practicar. Definitivamente has dado un gran salto adelante. Es así como me gustaría terminar el curso, con tres palabras que se volvieron a mí y a un cineasta, y a un emprendedor, y a un YouTuber de tiempo completo y a alguien que sea capaz emplear y trabajar en proyectos cinematográficos por reclamos enormes. Nunca te rindas. Eso es un secreto para este curso y para la vida. Tienes acceso de por vida a este curso. Entonces por favor hagan volver a ver algunas de las lecciones y tal vez todo de nuevo, practiquen todos los principales. Siéntete en su aprende de tus errores y haz que tu trabajo sea mejor. Pero nunca te rindas y quiero agradecerles tanto chicos por participar en este curso. Puedes mantenerte en contacto conmigo más en YouTube, solo tienes que suscribirte a Cinecom o visita cinecom.net y te inscribes a nuestro newsletter para recibir una notificación cada vez que subamos un nuevo video de consejos y trucos. Siempre hay esta cosa que decimos al final de nuestros videos. Gracias por ver. De ahí que permanezcan creativos.