Dominio de las composiciones cinematográficas en video y película | Jordy Vandeput | Skillshare
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Dominio de las composiciones cinematográficas en video y película

teacher avatar Jordy Vandeput, Filmmaker and Youtuber

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Class Introduction

      1:24

    • 2.

      What is a Composition?

      3:17

    • 3.

      The Rule of Thirds

      2:41

    • 4.

      The Golden Ratio

      3:37

    • 5.

      Depth of Field

      3:31

    • 6.

      Colors & Exposure

      4:43

    • 7.

      Perspective & Focal Lengths

      4:55

    • 8.

      Center Composition

      2:03

    • 9.

      Leading Lines

      2:59

    • 10.

      Point of Interest

      3:46

    • 11.

      Picture Motion

      3:12

    • 12.

      Camera Movement

      3:42

    • 13.

      Conclusion

      1:01

  • --
  • Beginner level
  • Intermediate level
  • Advanced level
  • All levels

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Projects

Acerca de esta clase

Lleva tus habilidades de videografía al siguiente nivel y aprende a crear composiciones cinematográficas que cuenten una historia visual.  Aprende a equilibrar tu encuadre a una composición, crear un flujo dinámico y agregar una historia visual.

Al final de la clase podrás usar la regla de los tercios y la proporción áurea.  Así como expresar tu historia a través de un montaje visual usando varias técnicas como líneas principales, colores, punto de interés y más.

¿Para quién es esta clase?

Esta clase es para aquellos que ya están familiarizados con los fundamentos de la videografía, pero luchan por llegar al siguiente nivel. Ya seas un profesional o un entusiasta, esta clase es perfecta para aprender una nueva visión de la cinematografía. La clase está diseñada para aprender muchas técnicas nuevas en poco tiempo.

Objetivos de la clase

Aprenderás una base sólida de cómo crear composiciones interesantes:

  • Conocer las reglas de composición
  • Usar la profundidad de campo, los colores, la exposición, la perspectiva y las distancias focales
  • Crear tomas dinámicas con líneas principales y puntos de interés
  • Agregar fluidez a tus vídeos mediante técnicas de edición y movimiento
  • Contar una historia visual mediante el tipo de composición que realices

Meet Your Teacher

Teacher Profile Image

Jordy Vandeput

Filmmaker and Youtuber

Top Teacher

Hi, I'm Jordy and I hosts one of the biggest YouTube channels about filmmaking & video editing; Cinecom.

With more than 2.5 million subscribers, we publish weekly tutorial videos. After graduating from film school in 2012, I immediately began teaching online where my real passion lays.

I've never liked the way education works. So I wanted to do something about it. With the classes I produce, I try to separate myself from the general crowd and deliver a class experience rather than some information thrown at a student.

Take a look at my unique classes, I'm sure you'll enjoy :-)

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Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Introducción: Has cogido una cámara y has empezado a filmar videos, pero te cuesta llegar a ese siguiente nivel y lograr esas mismas tomas que hacen los cineastas profesionales. Déjame contarte un secreto, no se trata de tu cámara, se trata de la persona detrás de la cámara. Hola chicos, me llamo Jordy y soy cineasta de Bélgica, pero la mayoría de ustedes me podrían conocer desde el canal Cinecom YouTube donde compartimos todo tipo de videos tutoriales sobre edición de video y cinematografía a más de dos millones de suscriptores. Ahora, la composición y el arte lo es todo. Esto es lo que hace que los grandes pintores destaquen, por qué buscas horas en una sola imagen y dejar caer la mandíbula al ver un video precioso. Eso es lo que me encanta ayudarte. En esta clase encontrarás 12 lecciones cortas las cuales son muy prácticas y prácticas, que puedas aprender a hacer una gran composiciones en poco tiempo. No te voy a molestar con la aburrida teoría. Después de todo, el cine es sobre la experiencia, y esto viene de alguien que pasó tres años en la escuela de cine. Vamos a ver cómo poner a práctica la regla de los tercios así como la relación dorada. Vamos a crear diferentes composiciones, trabajar con movimientos, y ver la historia detrás de ellas. Al final de la clase podrás hacer grandes composiciones basadas en tu elección creativa. Únete a mi clase ahora mismo y aprendamos a hacer juntas esas composiciones cinematográficas. Espero verte de vuelta en la primera lección. Gracias por ver. 2. ¿Qué es una composición?: Bueno, hola ahí. Tan genial que te has unido a la clase. Estoy muy emocionado de trabajar junto a ustedes y sumergirme en el mundo de las composiciones. Pero antes de que podamos hacer eso, primero tenemos que entender qué es exactamente una composición y por qué es tan importante. Entonces tienes algo que quieres capturar, lo llamaremos el tema. Ya sea una persona o un paisaje, no importa, es tu tema. Ahora, hay diferentes formas en que puedes capturar ese tema. Puedes colocar tu cámara baja al suelo, puedes acercar o alejar, tal vez incluso mueve la cámara. ¿ Dónde colocas a tus sujetos en el encuadre y cuántos elementos involucras en tus tomas? Tantas preguntas. Por ejemplo, mi tema es Lucía. Ella va a asistir a lo largo de toda la clase. Por lo que Lucía, estudiante, estudiante, Lucía. Ahora puedo elegir ponerla en medio del marco sola o junto con un árbol. A pesar de que mi tema principal es Lucía a quien me piden filmar, puedo optar por agregar más o menos otros elementos a los tiros. Tienes miles de formas diferentes de capturar tu tema en el video, pero solo algunas de esas son la elección correcta. Una vez que entiendas cómo funciona la composición, tomar esa decisión puede ir súper rápido. Con mucha práctica, se convierte más en un sentimiento que en seguir un conjunto de instrucciones. Que una forma en que se dispongan diferentes elementos en tus tomas puede sentirse bien y relajado o simplemente extraña e irritante. A con ayuda con ese sentimiento, hay un conjunto de reglas, algunas de las cuales quizá ya habrías oído hablar, como la regla de tercios o la espiral de Fibonacci, también llamada la relación dorada, que lleva líneas, la Teoría de los Colores, etc. Ahora estas reglas te ayudarán a definir dónde debe aparecer tu sujeto dentro del marco, como la regla de tercios, que es uno de esos conjuntos de reglas más básicos que te ayudarán a mejorar drásticamente tu trabajo de videografía, y así tendremos una mirada extendida a eso en la siguiente lección. Siguiente arriba es el flujo, también un ingrediente importante de una composición. A pesar de que tus elementos podrían colocarse correctamente por la regla de tercios, el flujo podría estar completamente apagado. Flujo significa, ¿a dónde miraron los ojos y a dónde guiamos los ojos? Ahora por ejemplo, tenemos a Lucía, muy prominente en el tiro, así que eso es lo primero que miramos. Pero ahora le está mirando por encima del hombro a Lorenzo. Ah, sí, Lorenzo, estudiante, estudiante, Lorenzo. Es posible que lo conozcas también es de nuestro canal de YouTube. De todos modos, lo segundo que nuestros ojos hacen ahora es avanzar en la dirección que Lucia está mirando hasta llegar a Lorenzo. Entonces esa es una forma de usar el flujo, guiando a los ojos para explorar los tiros. Podemos incluso llevar esto un paso más allá en la forma en que editamos, pero eso es para más adelante en esta clase. Hasta ahora tenemos las reglas y el flujo. El último es historia, o más específica, la historia visual. Si tu personaje se siente solo y triste, podemos jugar eso. Pero nosotros como cineasta, también podemos mostrar visualmente eso. Por ejemplo, podemos colocar a Lorenzo muy pequeño en un tiro con mucho espacio vacío a su alrededor. Se puede ver lo que estoy haciendo aquí mismo, ¿verdad? En función de la historia que trato de contar, cambio mi composición. Estos son los tres ingredientes que vamos a abordar dentro de esta clase para crear una composición, que son las reglas, el flujo, y la historia. Gracias por ver. En la siguiente lección, vamos a empezar con la regla de los tercios. 3. La regla de los tercios: Las reglas. Como persona creativa, puede que no te gusten las reglas. Pero confía en mí, la regla de los tercios está ahí para ayudarnos a entender mejor dónde colocar a nuestro sujeto y a los diferentes elementos en una toma. Básicamente dividimos el disparo en tres partes, tanto horizontales como verticales. Este ráster es la regla de los tercios y muchas veces podemos establecer esto como una superposición en nuestra cámara. Incluso los teléfonos inteligentes tienen estos. Por lo que probablemente ya estés familiarizado con él. Ahora la forma en que usamos estos lineamientos es alineando elementos importantes a estas líneas. Por ejemplo, colocar el horizonte de un paisaje en una de estas líneas horizontales. Dependiendo de lo que sea más interesante o lo que esté pasando en los tiros, eliges la parte superior o la inferior. Cuando tienes nubes interesantes, por ejemplo, solemos escoger la pauta inferior para colocarla a horizonte. Cuando eres cielo no es tan interesante o tienes algo pasando en el fondo de tu marco, en los terrenos, haces lo contrario. Esa es una elección que tienes que hacer. ¿ Tienes cosas como un árbol o una montaña o algo más prominente en tus tomas? Entonces intenta alinear eso a una de las líneas verticales también. Equilibra los elementos en los tiros. Lo que estamos haciendo aquí es crear una composición siguiendo la regla de los tercios, filmando a una persona que mira directamente a la cámara, podemos colocarlos en medio de los disparos, pero los ojos van a la línea superior. Cuando esa persona está mirando lejos de la lente, existe una dirección de visión, La dirección que esta persona está mirando. Importante es darle espacio a esta zona de visualización, y así colocamos a esa persona bajo la guía correcta en este ejemplo. Colocar a tu sujeto en una línea llama la atención. Si disparas a dos personas al mismo tiempo, puedes elegir colocar a una persona en la línea vertical y la otra entre dos líneas. En este caso, Lucía es más prominente que Lorenzo, nos enfocamos en ella. Ya se puede ver cómo podemos jugar con la regla de los tercios. Ahora volviendo a esa idea de colocar a alguien en medio de un tiro, no es la composición de un murciélago. Pero la forma en que esto funcionó es que pones el foco en la mitad del disparo. Ahí es donde mirará el público. Esto es genial para presentaciones o donde tienes a alguien comunicándote directamente con el público como lo estoy haciendo ahora mismo. Pero si quieres agregar algo más de historia, más fluye en tu composición, colocas tu tema ya sea en la línea izquierda o en la derecha. Esto crea espacio y permite que se introduzcan más elementos. Ya veremos cómo funciona exactamente la historia y el flujo más adelante en esta clase. Por ahora, esta es la regla de los tercios. Te animo a salir a practicar esto un poco. Puedes usar tu teléfono para eso. Toma algunas fotos o dispara algún video de tus gatos o de la calle o de un amigo, no importa, crea un tema y crea diferentes composiciones usando la regla de tercios. Gracias por ver. 4. La proporción áurea: Al igual que la regla de los tercios, la relación dorada es una segunda pauta para alinear elementos a una cuadrícula. Esta vez, esa grilla se ve algo así, que estoy seguro de que ya has visto antes. El ratio dorado es una ecuación matemática, con la que no te voy a molestar, pero en definitiva, estamos dividiendo un marco de tal manera que la parte izquierda es aproximadamente 1.6 veces mayor que las contrapartes, y nosotros seguir dividiendo eso. Ahora la parte derecha se dividirá verticalmente por la misma relación 1.6. La siguiente parte se divide horizontal por la misma proporción, y esto sigue y sigue. Por último, podemos dibujar una espiral a través de todos estos rectángulos, y esta es esa famosa espiral de Fibonacci, el nombre del matemático que se le ocurrió esta ecuación. Pero, ¿qué hay en él para nosotros? Bueno, la relación dorada se puede ver en cualquier lugar. La parte inferior de tu brazo es 1.6 veces más grande que tus manos. Lo mismo vale para la posición de tus ojos, que yacen en la misma proporción en tu cabeza, la forma de una flor, la concha de un caracol (que muy a menudo se usa en este ejemplo), incluso el sistema solar, galaxias, o las cosas más pequeñas como nuestro ADN. Todo en el universo parece alinearse con la relación dorada. ¿ Y si hacemos una composición que también siga los lineamientos de la relación dorada? Bueno, terminaríamos con un tiro muy equilibrado. La regla de los tercios es algo similar y definitivamente se originó a partir de la relación dorada, pero tener esa espiral extra nos ayuda a alinear elementos con un mayor espacio vacío. Por ejemplo, estamos colocando nuestro sujeto a la relación dorada, y podemos voltearlo para que la espiral vaya a la zona más importante, que son los ojos de Lucía. Usando el resto de la espiral, puedo buscar cosas de fondo o en primer plano para seguir esa línea. Otro ejemplo es donde le pedimos a Lorenzo que se siente. Él es el sujeto, así que voy a voltear la superposición para asegurarme de que la espiral se alinea de nuevo con los demás elementos. También podemos aplicar esta regla a los primeros planos donde elegimos un punto de enfoque y alineamos el resto de los elementos de tal manera que siga la espiral. Te darás cuenta de que en realidad va bastante fácil, ya que la relación dorada es algo que vuelve a nuestra vida cotidiana. Eso es en pocas palabras la relación dorada. Ahora, podría estar atascado con la pregunta: ¿qué regla debo seguir ahora, la regla de los tercios o la relación dorada? Bueno, ambos son buenos, así que realmente no hay respuesta a eso. Al principio, es importante practicar ambos. Cuanta más experiencia ganes, más sientes qué regla tienes que seguir o incluso mezclar. A partir de ahora, también vamos a mezclar diferentes técnicas juntas para crear tomas aún más interesantes y dinámicas. Ahora, la regla de los tercios se usa mayoritariamente en trabajos televisivos, noticias, videos de eventos producción diaria que no requieren una cinematografía específica, porque alinearse con la regla de los tercios es fácil. Con un poco de práctica, puedes memorizar las pautas y sin pensar, estás alineando tus tomas correctamente. El ratio dorado es un poco más complejo y también se ve como una forma más cinematográfica de composición, ya que se abre mucho más para contar una historia visual. Esas son las dos mayores diferencias. Está bien. Te voy a invitar de nuevo a salir a practicar la relación dorada, y si tu cámara no puede superponer eso, hay varias aplicaciones para tu smartphone las cuales pueden. Mientras estés practicando, tu teléfono es una gran herramienta para eso. De nuevo, toma fotos o videoclips cortos de cosas que se están tirando o pregúntale a un amigo y practica un poco la relación dorada antes de regresar. Porque en la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a la profundidad del campo y cómo podemos incorporar eso a estas nuevas reglas de composición de las que acabamos de aprender. Gracias por ver. 5. Profundidad del campo: Con nuestra cámara, podemos enfocarnos en un tema, haciendo a esa persona nítida y el fondo sin filmar. Hablamos de tener nuestro tema en foco, y el resto fuera de foco. Toda la idea detrás del enfoque es que puedes crear más adepto en tus tomas. Después de todo, estamos viendo un video plano 2D. Puede que no parezca que lo estamos filmando nosotros mismos, pero el público definitivamente percibe el video como bidimensional. Por eso nosotros, como cineastas tenemos que crear la ilusión de que nuestra escena es tridimensional, y el enfoque es una de las formas de hacerlo. Tener tu tema en foco y el fondo no, separa a dos capas, el público obtendrá un sentido más tridimensional ya que Lorenzo estaba suelto de fondo. Actualmente, tenemos dos capas, pero también podríamos agregar una tercera ahí adentro trayendo también un objeto de primer plano. Ahora vamos de fuera de foco a enfoque y de vuelta a fuera de foco. O incluso podemos capturar un gradiente y tener una parte media en foco. Nos caemos con la regla de los tercios y la relación dorada, sólo hemos estado trabajando bidimensional. Con la profundidad de campo, podemos agregar una dimensión extra a la composición. Con la regla de los tercios, estamos definiendo dónde debe mirar el público colocando los ojos en la línea horizontal. Con enfoque, podemos hacer que el tema sea nítido y así el público mira ese punto. Combinando estas dos técnicas, podemos colocar nuestro punto de enfoque en las pautas y realmente definir dónde debe mirar el público. Pero también, vamos a evitar tener un elemento de primer plano fuera de foco para colocarse en los tercios. En un tiro como este, se siente como si quisiéramos llamar demasiada atención el objeto de primer plano, que es una roca. Está fuera de foco. En este tiro se siente irritante. Por eso lo vamos a colocar junto a la directriz vertical y utilizar el primer plano para llenar el espacio vacío, pero no llamar la atención sobre él. Ahora, en algunas excepciones, el objeto de primer plano fuera de foco en realidad puede ser importante. Al igual que en este ejemplo, tenemos a Lorenzo mirando al paisaje y a los fondos. El fondo no está enfocado ya que ese es mi tema. Quiero mostrar el paisaje a mi público. Pero al mismo tiempo, también quiero mostrar que Lorenzo está mirando este paisaje y disfrutando de esto. Se convierte en algo más que un simple elemento de primer plano. Por eso no podemos colocarlo más prominente en los tiros los lineamientos sobre la regla de tercios o incluso en el centro como en este ejemplo. Trabajando con la relación dorada, podemos usar esta espiral para colocar eso en un hombro fuera de foco y donde va la espiral, reemplazar eso y el ojo de los personajes, que tenemos en foco. Este es un disparo típico por encima del hombro. Pero también podemos trabajar con una rama de árbol u otros elementos como objeto de primer plano y alinearlo a la regla de tercios o a la relación dorada. Lo bueno de un elemento de primer plano es que a menudo es fácil para las artes, y no siempre tiene que tener sentido porque está borroso, no llama la atención, y realmente no se puede ver lo que es. Los antecedentes suelen ser un poco más complicados, pero hay que preguntarte, ¿qué tan importante es mi fondo, es distraer? Entonces hazlo fuera de foco. ¿ Es importante o interesante? Entonces no lo pongas fuera de foco y crea profundidad usando otras técnicas. Para recapitular, los elementos fuera de foco suelen ser una forma crear profundidad y agregar un relleno al espacio vacío. Por eso los estamos alineando con las reglas de composición, para que no llamen demasiada atención, a menos que haya una excepción como la hemos visto antes. Es así como la profundidad de los campos juega un papel importante en la elaboración de una composición. En la siguiente lección, vamos a trabajar con colores y exposiciones para ayudar a hacer una composición más interesante. Gracias por ver. 6. Colores y exposición: Los colores y los niveles de exposición funcionan un poco similares a la profundidad de los campos. Aparte del color de la psicología, su propósito es también crear profundidad en tu escena. Empecemos con la exposición ya que es la más fácil de entender. Si tienes un fondo oscuro y tu sujeto también usa algo oscuro, todo tiene el mismo tono y nada realmente separa uno de otro. Si le pedimos al talento que se ponga algo brillante, inmediato le sacamos la atención. Ella aparece porque está siendo separada del fondo. Este ejemplo funciona exactamente igual que un fondo fuera de foco. Para que podamos empezar a aplicar las mismas técnicas. Al igual que antes, nos enfocamos en los antecedentes y encabezamos nuestro talento prominente en la regla de los tercios. Esta vez, mantendremos todo enfocado pero en su lugar, asegurarnos de que el talento esté vistiendo algo brillante y opuesto a los fondos. Al trabajar con elementos de primer plano para crear más profundidades, también sería bueno hacerlos menos brillantes que el sujeto. En este ejemplo, tenemos una rama de árbol que está doblando la relación dorada hacia los sujetos. Si esto fuera demasiado brillante, obtendría demasiada atención, así que trabaja con sombras en tus primeros planos para separarlo más. Creo que esto es bastante obvio. Ahora con colores, funciona un poco similar. Si tienes cierta paleta de colores que tus camisas como esta amarillenta de las arenas, y eso simplemente pasa a ser que Lorenzo llevaba un suéter de color similar, toda la paleta de colores es muy similar de ahí que nada sobresale realmente por eso . Si cambiamos los colores en los fondos o por ejemplo quizá cambiamos los colores de la ropa del sujeto, verás que Lorenzo sale mucho mejor ahora con sus chaquetas azules. Creo que esto es bastante obvio. Pero una vez que empezamos a mezclar en más colores, es importante saber qué significan para que podamos tomar una decisión si un color es prominente o no. Los colores prominentes suelen ser los colores cálidos, como el amarillo, naranja, rojo, y los podemos encontrar de nuevo en tonos de piel, fuego, la luz del sol, etc. Estos son colores vibrantes brillantes y llaman la atención. Al mirar la rueda de color, podemos ver que todos estos colores yacen de cerca. En el lado opuesto, podemos encontrar los colores opuestos. Estos son los colores fríos, como el azul, el morado, el verde. Podemos encontrar esos de vuelta en los árboles, el cielo, pero también sombras, las noches. Normalmente no nos atraen hacia esos colores. Al ver este ejemplo, tenemos unos ambientes azulados y el talento está sosteniendo una luz cálida. Estamos instantáneamente atraídos hacia los sujetos, no sólo porque hay una diferencia de color, sino también por el contraste de color. El cálido color naranja pone en contraste con el azul opuesto. Al disparar frente a un árbol verde o un arbusto, podemos hacer estallar a nuestros sujetos dándole una bufanda de color rojo, lo contrario al verde, que tira al sujeto hacia adelante y llama la atención. Este es el mismo básico de la teoría del color. Ahora bien, ¿cómo nos ayuda esto a hacer una composición? Bueno, por ejemplo, tomando esa bolsa de ambiente azul y el talento sosteniendo una luz cálida, podemos usar la relación dorada y usar la espiral para guiar los ojos del público hacia el talento. Lo que básicamente estamos haciendo ahora es hacer que todo el tiro sea más interesante y dinámico ya que el público tendrá más que mirar. El espiral guía los ojos a los talentos, y voy a romper aún más la escena, pero también agregando una luz rojiza púrpura al fondo. Esto va a ser menos prominente porque este color se acerca más al azul, hay menos contraste de color, pero aún destaca. El público sigue la espiral al tema, luego volviendo a los fondos rojizos, y de vuelta a la espiral, vuelta al tema. Estamos guiando al público a través de todos los tiros. Esa es una de las cosas más fuertes que puede hacer una composición, podemos optar por enfocarnos en un elemento específico o podemos elegir guiar a los ojos en cierto camino a través del tiro. Ahora vamos a jugar mucho más con esto una vez que vamos a empezar a trabajar con líneas líderes y técnicas de edición con el punto de interés. Pero, eso es para después. Por ahora, quiero que recuerden que las áreas más brillantes y los colores cálidos tienen una atracción más grande que los tonos más oscuros y los colores fríos. Conocer estas dos diferencias te ayudará a decidir a dónde debe ir el ojo del público. Ahora, pinté azul la pared detrás de mí. Eso fue por una razón clara, me hace pop ya que mis tonos de piel están en contraste, también mi camisa roja. Pero para hacer el tiro un poco más interesante, también he dejado que ese color cálido reaparezca en los fondos junto con otros colores como el verde, te hace mirar alrededor. Yo he elegido hacer eso porque después de todo, también necesitas verme por mucho tiempo, así que tienes algo que ver. No quiero que te aburras y te hagas click de distancia. Este es uno de esos pequeños trucos para mantener enganchado al público. Muy bien, gracias por mirar. En la siguiente lección, vamos a jugar con perspectivas. 7. Perspectiva y longitudes focales: El punto de vista de la cámara, y esto se reduce a, ¿ dónde coloco mi cámara, pero también, desde qué perspectiva estamos mirando al sujeto o a la escena? Empecemos de nuevo con lo básico, y probablemente ya hayas oído hablar de esto. En cuanto a altura, generalmente hay tres puntos de gradas. El primero es la altura del ojo, solo tener la cámara a la misma altura de tu sujeto. Esto significa que no tenemos que inclinarnos hacia arriba o hacia abajo. Un tiro muy neutro sin demasiadas historias detrás de él, nos nivelamos con el personaje, y no enfatizamos nada ni tiramos ninguna atención a algo específico. Va a estar a la altura de otras técnicas de composición para subsanar eso. El segundo es de baja perspectiva. Vamos a mirar hacia arriba al tema, que ahora parece ser más grande. No sólo visualmente, sino también sabia historia la persona muestra confianza por eso. Estamos literalmente mirando hacia arriba a Lucía. Por lo general, el cielo va a ocupar una parte más grande del tiro y menos del medio ambiente, lo que significa que nos atraen más a los talentos. El tercero es de alta perspectiva. Esto es lo contrario, miramos hacia abajo al talento, estamos haciendo a Lucía más pequeña, más vulnerable, más del terreno es visible, lo que también actúa sobre eso. Ahora, cuando se filma arquitectura o naturaleza, por lo general siempre estás en baja perspectiva. Aquí suele ser cuestión de distancia. Cuanto más cerca te acerques a un árbol por ejemplo, más necesitas inclinarte hacia arriba y así el árbol parece más grande y más imponente. Este tiro de aquí se siente muy diferente a si nos alejamos de ese árbol. Ahora cuando se trata de tu composición, podríamos hacer algunas cosas diferentes. Por ejemplo, al filmar desde una perspectiva alta haciendo pequeño tu sujeto, podríamos colocar los ojos del talento en la guía superior de la regla de tercios, pero también podríamos colocarlo en la guía inferior. Esto se considera una composición incorrecta ya que estamos creando demasiado espacio para la cabeza. Pero por una razón narrativa podría funcionar. Estamos reprimiendo aún más al personaje enmarcándola en la parte inferior. Podríamos incluso panear para enmarcarla también en el costado del marco, revelando más del entorno, haciendo que ese entorno sea más prominente y el personaje más pequeño. Se puede ver cómo podemos aprovechar una composición equivocada para una mejor narración. También se puede hacer la misma técnica con una perspectiva baja, enmarcando al sujeto en la guía inferior o en el centro del tiro o dando más espacio al entorno. Entonces no sólo Lorenzo ahora es impresionante, el entorno es aún más. Esta toma no sólo se trata del personaje sino también del entorno. Ahora, interesante, es que en realidad podemos hacer que nuestro sujeto se sienta pequeño desde una perspectiva baja, por el tipo de composición que estamos creando. Los árboles en la parte posterior retoman tanto en el encuadre que Lorenzo parece muy pequeño en su contra. Pero muestra confianza porque estamos filmando desde un ángulo bajo, algo que no obtenemos al filmar desde arriba. Esa es en esencia la altura de la cámara y cómo podemos aprovecharla hacia una composición narrativa. La segunda parte de la perspectiva es la distancia focal o, en otras palabras, cuánto acercamos o alejamos con tu lente. Piensa en lo siguiente, puedes alejarte, ir en gran angular y estar cerca del sujeto. O puedes acercar, ir tilly y pararte lejos del tema. Ambos tienen un encuadre similar pero se ven muy diferentes entre sí. En la toma gran angular vemos mucho más del fondo y eso se debe a que nuestra lente se abre a medida que nos alejamos. Lo que me encanta del gran angular, es cómo agrega mucho más del ambiente al disparo. Esto va a ser más fácil a la hora de agregar más elementos a tu encuadre, para alinearlos con una regla de composición. Ahora, por ejemplo, aquí tenemos un elemento de primer plano en el tiro, y están dispuestos en la relación dorada. Esto va mucho más fácil en una lente gran angular, además el entorno también adquiere más protagonismo y juega un papel más importante en el disparo. Al acercar o ir tilly, la perspectiva se contrae, y vemos menos del entorno. Estamos aislando mucho más al sujeto y como nuestro campo adaptativo se vuelve más superficial, esto es genial para trabajar con objetos de primer plano o un disparo sobre el hombro. Cualquier cosa donde el enfoque se ponga en el tema y los ambientes juega menos papel. Ahora, en cuanto a la edición, esto es algo genial con lo que jugar. Podríamos introducir un ambiente en un disparo gran angular, quizás disparar es un poco desde abajo, y colocar al personaje en la parte inferior. Ella está explorando los alrededores, y luego cortamos a un tiro de tilly de un primer plano de ella, porque ahora podría estar diciendo algo o queremos mostrar su emoción como reacción al medio ambiente. Podríamos incluso subir un poco la cámara, haciéndola un poco más pequeña, y opuesta a lo que está viendo, y su reacción ante ella. Por lo que una opción en términos de perspectiva de cámara nunca es el caso. Siempre es una combinación de estos para crear una edición interesante, pero sí piensa en la historia que estás tratando de contar con cada disparo que tomas. Gracias por ver. 8. Composición central: Composición del centro, una lección corta pero necesita tener su propia historia. Hasta el momento, hemos visto dos reglas principales de composición, la regla de los tercios y la relación dorada, y aparte de estos dos, hay más, pero sería abrumador y honestamente no tan interesante cubrirlas todas ya que todos se originaron a partir de la relación dorada o la regla de los tercios. Pero hay uno que sí necesita su propia atención y esa es la composición del centro. Súper fácil, solo pones a tu sujeto en el centro de los disparos. Al igual que aquí Lorenzo se encuentra en medio del marco. Por lo tanto, es muy prominente y todo se trata de él. Pero pongamos sus ojos en el medio también, y ahora se pone interesante. El disparo está desequilibrado. Hay demasiado espacio de cabeza ya que el medio ambiente lo capsula y se vuelve tan importante como el sujeto, por lo que o alineamos el sujeto de un lado para hacer espacio al medio, o simplemente colocamos al sujeto en el medio, haciéndolo mucho más fuerte y más prominente. Colocar los ojos también en el medio da otra vez espacio para que el medio ambiente cuente su historia, y un tiro como este también se consideraría una toma más creativa. No verás mucho este tipo de tomas en la televisión, pero los verías en el cine. En tiros largos, me encanta trabajar con composición central. Definitivamente, si podemos agregar algún contraste de color ahí dentro, veamos lo prominente que es el sujeto, pero al mismo tiempo cómo el ambiente juega su papel en torno al sujeto. Eso es básicamente. Solo quería que supieras que la composición del centro no es una mala elección después de escucharme hablar de usar la regla de los tercios y la relación dorada, así que definitivamente haz uso de ella si quieres que tu tema sea prominente. Por eso también estoy sentado en medio, te estoy hablando. No se trata de otros elementos, se trata de ti y yo. Estamos teniendo una conversación. Si tuviera un objeto conmigo como este cubo, entonces podría colocarme en la regla de tercios así como ese cubo, algo así como hablaría de esta cosa. Para que veas cómo ambos nos estamos comunicando ahora contigo. Esperanza que todo tenga sentido. Gracias por ver. 9. Líneas principales: Las composiciones bajan a guiar los ojos del público. ¿ Queremos que vean un tema fuerte o que se pregunten por el cuadro? Líneas de liderazgo es probablemente una técnica que es la más fuerte para hacer esto. ¿ Qué es una línea de liderazgo? Esencialmente, es un elemento visual que actúa como una línea, y al seguir esa línea, terminamos con el sujeto, por lo que hemos llevado los ojos del público a los sujetos. Ahora, claro, ese tema puede ser cualquier cosa. Podría ser una persona donde tengamos un ramal que conduce hacia ellos, pero también podría ser un camino que conduce hacia esta entrada del parque. Ahora bien, como las líneas principales son un elemento tan fuerte para enfocarse en los sujetos, por lo tanto se utiliza a menudo para establecer para tiros largos donde no es tan fácil localizar a los sujetos. Está bien. Lo conseguimos, líneas imaginarias que llevan los ojos del público. Pero al igual que cualquier otra cosa en tus tomas, las líneas principales también son elementos. Son o bien un objeto o algo visualmente que llama la atención, y como hemos visto antes, tenemos dos reglas de composición, la regla de los tercios y la proporción dorada. ¿ Y si colocaríamos estas líneas de liderazgo en una de estas composiciones? Entonces obtenemos una toma muy interesante. Tomemos por ejemplo la regla de los tercios. Tenemos un par de líneas de liderazgo aquí hacia el tema. Como podemos ver, estas líneas principales yacían en las guías de la regla de los tercios. Es un encuadre equilibrado, pero donde realmente se pone interesante es si utilizaríamos la relación dorada. El espiral que estamos viendo aquí mismo es una línea de liderazgo, así que si podemos encontrar un objeto que de alguna manera se ajuste a esa espiral, obtenemos un tiro súper interesante. En este ejemplo, tenemos a Lorenzo como sujeto, y este camino aquí mismo forma una línea de liderazgo que entra en una espiral hacia él, y conforme lo descubrimos en el tiro, nuestros ojos están siendo guiados de regreso al inicio de ese espiral con esta rama justo aquí que forma otra línea de liderazgo. Estamos volviendo al inicio de la espiral, que nos guía de regreso a Lorenzo, y así el espectador ha visto todo el disparo. A través de una técnica de composición muy sencilla, hemos hecho que el disparo sea tan interesante que miramos cada rincón de la imagen. Esto también significa que somos capaces de tener este disparo más largo en la edición sin que se vuelva aburrido. Mira a tu alrededor en tu entorno. ¿ Se puede utilizar ver elementos que forman una línea o una espiral? Genial. Ahora alinea eso a la regla de los tercios o a la relación dorada y te tienes un tiro súper interesante. Ahora, ten en cuenta que todas las demás técnicas que hemos visto anteriormente siguen aplicándose. Trabajar con profundidad de campo, color, exposición, y la perspectiva de la cámara. Ahora hasta ahora, en su mayoría hemos estado trabajando con imágenes fijas, por lo que todo también se aplica a la fotografía. En las próximas lecciones, vamos a ver cómo llevar el movimiento a nuestra toma o cómo funciona la edición de video con diferentes composiciones. A lo mejor, tómate un descanso. Salga y practica las técnicas de las líneas principales junto con todos los demás consejos que has visto antes, y te veré de vuelta en la siguiente lección. Gracias por ver. 10. Punto de interés: El punto de interés, ahora como cineasta y editor yo mismo. Esta me parece una de las técnicas más interesantes porque realmente podemos empezar a jugar ahora con los ojos del público. ¿ Qué es un punto de interés? Bueno, es un punto en tus tomas donde el público está mirando. Es así de sencillo. Ya hemos visto cómo podemos utilizar diversas técnicas de composición, como líneas de liderazgo para determinar dónde debe mirar el público. Por lo general ese va a ser tu tema, el punto de interés. Cuando estamos editando y tenemos dos tomas que se siguen, podemos usar ese punto de interés para jugar con. Por ejemplo, cuando el punto de interés se pone justo aquí en el primer disparo, significa que también comenzará en que puntos en este segundo tiros y podemos hacer fácil al público asegurándonos también de que los sujetos yacan en el mismo área como el punto de interés de los disparos anteriores o de los opuestos. Aquí es donde realmente se vuelve interesante. Podemos tener al sujeto en el segundo estar del otro lado del encuadre. El público primero tiene que buscar dónde está el tema o aún mejor, vamos a utilizar líneas de liderazgo para guiar al público al nuevo punto de interés. Por supuesto, no siempre tenemos que trabajar con líneas de liderazgo. También hemos visto otras técnicas. Echemos un vistazo a una secuencia pequeña. Con cada toma cambiamos el punto de interés, pero usamos líneas de liderazgo, profundidad de campo, colores, perspectiva, y exposición para hacer eso. Ahora un cambio de punto de interés también es un cambio psicológico. ver que estamos disparando un clásico sobre el hombro, mientras cortamos a la otra persona, ese punto de interés se desplaza hacia el otro lado. No sólo estamos cambiando el punto de interés, también estamos diciendo, hey, esta es una persona diferente, hay un cambio, y puedes usar esa misma técnica también para diferentes escenas. Vamos de un bosque donde el punto de interés pone justo aquí a una superficie de arena donde cambiamos el punto de interés. Ahora, ¿siempre tenemos que hacer eso? No, claro que no. Mantener el punto de interés en la misma área también tiene sus beneficios. No hay cambio. Por lo que hemos vinculado más los dos tiros juntos. Aquí tienes a Lucia suelta mirando profundamente a los ojos de Lorenzo. Filmar esto de una manera clásica todavía como que los separa unos de otros. Vamos a disparar esto directamente y ambos tienen que mirar a la lente ahora. Su punto de interés es el mismo y así su amor está aún más conectado también. Cosas pequeñas como estas pueden hacer una cinematografía increíble. Por supuesto, hay mucho más que una típica historia de amor. Echemos un vistazo a esos típicos videos de viaje donde tienes esta edición de ritmo rápido. ¿Por qué funciona esto? ¿ Cómo es que entendamos lo que está pasando en cada toma a pesar de que va tan rápido. El contestación, punto de interés. Ya ves, cuando cortas a una toma donde el punto de interés se pone en otro lugar, toma algún tiempo para que el espectador se dé cuenta de eso. Tenemos que asegurarnos de sostener ese disparo lo suficiente, donde cortamos a un tiro para que el punto de interés se mantenga igual. El espectador también entiende mucho más rápido de qué se trata la nueva toma, y esto es lo que hace posibles esas ediciones de ritmo rápido. Cada disparo se vincula entre sí a través del punto de interés. Durante una toma podemos mover ese punto de interés alrededor. Eso es lo hermoso del video. Podemos mover la cámara o el sujeto, y de esta manera podemos mantener la edición interesante y no tener al espectador mirar la misma zona todo el tiempo. Pero con cada recorte que hacemos, el punto de interés sí se queda en la misma zona. Entonces ese es el punto de interés y cómo podemos jugar con él. Es importante saber es que primero necesitamos crear un punto de interés a través de diversas técnicas de composición que hemos visto antes. Podemos entonces cortar a una nueva toma y o bien guiar al espectador a un nuevo punto de interés o cortar a una toma que tenía su punto de interés en una misma zona. Úsalos sabiamente y a tu favor. Gracias por ver. 11. Movimiento de la imagen: El director más notable es probablemente Akira Kurosawa cuando se trata de movimientos en sus tiros. Hay un enlace a un video de YouTube en las notas de la clase aquí abajo que definitivamente deberías ver. Escogió el trabajo de Kurosawa y cómo convierte el movimiento en una composición. Es realmente interesante. Existen dos formas de tratar los movimientos. O mueves la cámara y básicamente cambia la perspectiva de los disparos, o mantienes las cámaras quietas y deja que tus objetos se muevan. Este podría ser tu talento caminando o la lluvia cayendo, humo saliendo de una chimenea, etc. Tener movimiento en tu tiro cambia la forma en que compuestas, por ejemplo, líneas de liderazgo. En este ejemplo, tenemos a Lucía mirando hacia la izquierda. Detrás de ella, a la derecha, se levanta Lorenzo. Ahora, cuando le pedimos a Lucía que mire hacia el otro lado sobre su hombro, sus ojos funcionan como líneas de liderazgo que van hacia la dirección de donde se encuentra Lorenzo. Durante un disparo, estamos creando nuevas líneas de liderazgo. La lluvia también podría funcionar como líneas de liderazgo. Permite tener un cielo muy prominente, pero el foco aún va sobre el sujeto hasta la parte inferior del marco. hora de agregar movimiento a tus tomas, estamos cambiando el punto de interés, y podemos usar eso para nuestra ventaja. Aquí tenemos nuestro talento parado en un estanque. Estamos mirando a Lucía. Pero a medida que lanza una roca al agua, automáticamente estamos doblando profundidades y el punto de interés va a un área nueva y diferente. Esto nos permite cortar a una nueva toma o el punto de interés se pone en el mismo sitio, quizá. El movimiento también llama la atención. Digamos que tenemos a dos personas en un tiro. Uno de ellos de repente empieza a moverse. Apuesto a que lo viste. Tu punto de interés estaba justo aquí. Esa es otra gran manera de cambiar el punto de interés. Aquí, tenemos una toma de Lorenzo. Es el único en el encuadre, pero de repente alguien entra en el tiro, un nuevo movimiento. Al instante, tu punto de interés cambia a eso son puntos. Piensa en ello como renuncia. Si quieres tener atención en las grandes multitudes, empiezas a saltar y a agitar tu brazo, haces movimientos. Sabemos que podemos manipular el punto de interés a través del movimiento, pero el movimiento también permite algo más, el cambio de encuadre. También una de las increíbles técnicas de Kurosawa. Podemos tener un talento en un tiro largo y les pide correr hacia la cámara haciendo un tiro medio. Hay un comienzo y final distintos a los tiros. Podríamos tener cortes entre los dos marcos, o podríamos haber llevado al movimiento, conectarlos juntos, creando un flujo. Ahora, una de las últimas cosas que me gustaría mencionar es que también se podría hacer uso de efectos de superposición como lluvia, bengalas, o humo para crear movimiento en la posproducción. Un gráfico como este se vuelve más interesante al agregar movimiento en ella es como la niebla que fluye por la escena. Estos movimientos te hacen preguntarte más alrededor del disparo ya que tus ojos están siendo empujados hacia la dirección de la niebla. De repente, el ambiente se vuelve más importante por ese simple movimiento. Estamos haciendo video, no fotos. A la mayor ventaja que podríamos tener es la capacidad de agregar movimientos reales a nuestros tiros. Hacer uso de eso. Deja que tus actores se muevan. Crea unas nuevas líneas de liderazgo, o usa los movimientos ambientales a tu favor. Gracias por ver. 12. Movimiento de la cámara: La segunda forma de agregar movimiento a tus tomas es moviendo realmente la cámara. Lo que está pasando es un cambio de perspectiva, donde primero miramos a nuestro talento desde una perspectiva baja, ahora podría cambiar a una perspectiva alta, y como hemos visto antes esto también cambia la historia visual. El movimiento de la cámara es mucho sobre historia y emoción. Ahora puedes escribir libros sobre esto. Para esta lección, sólo quiero enfocarme en el movimiento de la cámara y las composiciones. En esta toma, estamos siguiendo nuestro talento. Se coloca en la regla de tercios con el espacio vacío frente a ella. Este es el espacio para caminar y da razón al porqué está caminando hacia adelante. Ahora ante un movimiento repentino se detiene, pero me aseguro de ajustar la cámara, enmarcándola en el lado opuesto. Por lo que hemos cambiado la composición durante un disparo a través del movimiento de la cámara, al tener el espacio vacío detrás de ella, estamos diciendo: “Oye, ella olvidó algo y necesita regresar”. Estamos cambiando la historia visual de ella queriendo ir adelante a ella queriendo volver atrás. En el siguiente ejemplo están siguiendo a nuestro talento caminando por un camino. Ahí hay una composición central porque todo se trata de estos temas, en un momento dado entra un segundo talento. Tenemos dos opciones aquí, o bien prohibimos un poco la cámara para hacer espacio al segundo talento de ahí que ambos caminen a ambos lados de la regla de tercios. Ahora, ambos son igualmente importantes pero y si dejamos que el talento se mantenga centrado, la nueva persona que entra se siente apagada. No encaja en una composición. Es esa incomodidad que es tan grande, el nuevo tema no es bienvenido, por lo tanto, mantenemos a la persona más importante en el centro y la otra es mejor no aquí para quedarse. Estamos vendiendo una historia visual completamente diferente simplemente cambiando o no cambiando la composición. Los movimientos de cámara no siempre tienen que ser la cámara real en movimiento. También puede ser un cambio de enfoque. Aquí está Lorenzo de nuevo, y mientras mira detrás de él, tiramos de foco que dependiendo de tu disparo, podrías necesitar ajustar el encuadre, pero es el pull de foco lo que creó un movimiento en primer lugar. También podemos añadir nuevos elementos a la escena con movimientos de cámara. Aquí mismo tenemos un buen tiro donde el talento se alinea con la relación dorada. Todavía no estamos usando realmente la espiral, pero podemos hacer un cambio a eso, ya que movemos la cámara hacia atrás, introduciendo un nuevo elemento que va a funcionar como esa espiral, interesante sobre esto es que primero tenemos el punto de interés sobre el tema. A medida que nos movemos hacia atrás, introduciendo nuevos elementos, cambia el punto de interés. Esto forma una espiral que seguimos y el punto de interés está de vuelta en el tema. Hemos guiado los ojos a través de todos los tiros, haciéndolo muy dinámico. También podríamos enfatizar las líneas de liderazgo. Aquí tenemos una línea de liderazgo que va hacia el tema. Al seguir la dirección de esas líneas de liderazgo, las hacemos mucho más fuertes. Lo que también me gusta hacer mucho es cambiar la perspectiva de las líneas de liderazgo. Aquí tenemos un tiro bastante plano donde el talento se sienta en un banquillo. Está correctamente balanceado a una composición y el banquillo está funcionando como líneas de liderazgo. Pero a medida que me acerco a esa bancada, se vuelve más tridimensional, apuntando hacia el talento mientras se levanta y se va. Nuevamente, estamos haciendo más fuerte una línea de liderazgo, ¿por qué deberíamos hacer eso? Bueno, al principio el talento está parado todavía no hay razón real para tener líneas de liderazgo yendo hacia ella pero cuando decide alejarse, cambiamos la perspectiva de la cámara, haciendo más fuertes esas líneas de liderazgo, lo que apunta a su dirección. Existe un flujo más dinámico dentro de la composición. El movimiento de la cámara es genial para agregar profundidad y más dinámica a tus videos, pero piensa también en la composición y que puedes cambiar la composición a través del movimiento de la cámara. Gracias por ver. 13. Conclusión: Hemos llegado al final de la clase y realmente espero que la hayas disfrutado y aprendido una nueva visión cinematográfica. Ahora hacer composiciones es algo que necesitas practicar, por lo que muy importante es salir y hacer videos. Me he asegurado de que cada lección de esta clase sea corta para que puedas volver a verlas fácilmente mientras practicas con estas técnicas. La mejor manera de hacerlo es viendo una lección y luego practicando esa técnica. Quieres hacer eso por cada lección dentro de esta clase, y una vez que te sientas listo, puedes empezar a combinar múltiples técnicas juntas en un video completo. aquí en Skillshare, puedes subir tus propios proyectos, y para esta clase, quiero que hagas un pequeño video de alrededor de un minuto en el que creas diferentes composiciones. Preste atención a los colores y la exposición, pero también piense en los movimientos y en el punto de interés. Cuando termines, sube tu video a aquí y estaría encantado de proporcionar cualquier comentario. Te deseo todo lo mejor en el futuro con tu pasión por el cine. Muchas gracias por ver esta clase, y como siempre, mantente creativo.