Transcripciones
1. Introducción: Todos conocemos los
fundamentos del arte. Batir la iluminación, la
perspectiva, la televisión en color. Se habla
bastante de todos en la comunidad
artística. Y si te lo dijera, hay una pieza de este rompecabezas que a menudo la mayoría de nosotros pasa
por alto. Los principios de diseño son
el eslabón perdido que conecta los fundamentos con el proceso de pintura
real. Y lo vamos a
aprender en esta clase. Hola ahí. Soy un artista de la India. He estado trabajando en la industria
del
entretenimiento casi
casi una década. Yo creo visuales para juegos
y animación como una vida. Y me gusta
pasear por lugares cambiantes. A lo largo de los años de
estudiar arte idealizado solo aprender sobre los fundamentos no
es suficiente para mejorar mi arte. Tenemos que ser más estructurales y reflexivos
sobre todo el proceso. Y siento que
los principios de diseño nos dan la herramienta para ayudar y aplicar los fundamentos hacia la pintura
de manera constructiva. Esta clase tratará sobre la
comprensión de los principios del diseño, cómo funcionan y cómo
se utilizan en las pinturas. Repaso cada uno de
ellos uno por uno. Usando
pinturas maestras como ejemplo. Los
desglosaré y te mostraré cómo se utilizaron para
crear estas obras maestras. Si estás familiarizado
solo con los conceptos básicos de los fundamentos como la
iluminación, la perspectiva, etc. deberías ser lo suficientemente bueno como para comenzar la
clase de inmediato. Ahí está la primera clase de la serie fundamental
que voy a publicar. Habrá dos
clases más después de esto. Empezamos con
los principios de diseño, esta clase. A continuación pasamos a los
fundamentos del arte. Y después de eso, te
mostraré cómo pintar un paisaje usando todo
lo que hemos aprendido hasta ahora. Con todo lo dicho,
espero que estés tan emocionado como yo por
empezar. Todo bien.
2. Proyecto de clase: Por lo que las asignaciones para esta
clase serán de
naturaleza muy ligera porque la mayor parte
tiene que ver con la mera
observación en general. Lo que estoy haciendo es
que tengo una selección de pinturas
maestras que realmente disfruto y voy a estar
compartiendo eso contigo. Entonces tu tarea
sería ir a través de ellos. Y donde quiera que encuentres
ciertos aspectos
del principio de diseño más dominantes en esas
pinturas son los diseños. Tu trabajo es
averiguar por qué es dominante y qué
principios solía soportar. Entonces es básicamente después de
que revisas todos
y cada uno de los principios que te
he mostrado aquí, solo estarás
recogiendo esas imágenes. Y como dije, como donde quiera que encuentres uno
de los giros de anillo dominante, solo
estarás
tomando esa foto. Simplemente marque sobre él cómo, cómo se
utilizan los principios y dónde se utilizó para lograr ciertos
aspectos de la pintura. Digamos como si hubiera
un personaje en cierto, en una pintura y
realmente sale a relucir. Entonces tu trabajo es
descifrar por qué fue por qué es que enfatizas
eso arriba en tu cara. Y lo que significa que
se utilizaron billetes y cómo. Esa es tu tarea. Y cuando haces esto, lo estás, deberías estar publicándolos
en la sección de asignación. Y voy a echarles un vistazo. Y te diré como si
vas por el camino correcto, si realmente estás tomando el proceso de pensamiento
para lograrlos, estás simplemente
confundiendo en alguna parte, como hacer un
giro equivocado en otro lugar. Yo estaré ahí para guiarte
en la dirección correcta. Entonces pasemos a la lección.
3. Principio I - contraste: ¿Alguna vez has pintado
algo que
te parezca un poco plano
o vigilar la enfermedad? Entonces, en mi experiencia, eso es muy probablemente un
problema con el contraste. Entonces, en esta lección, aprendamos
qué es el contraste y cómo podemos
usarlo en nuestro beneficio. contraste es idealmente
la diferencia que creamos entre
elementos, sujetos, y todo básicamente como
aquí en la primera imagen, se
puede ver mucho
contraste en valores, valores realmente brillantes aquí. Y aquí también. Aquí tenemos un contraste en tonalidad o color si quieres
decirlo de esa manera. Entonces, en la primera imagen, tienes muchos valores
oscuros y mucho valor de orgullo
enfrentándote a ellos. Entonces eso crea una sensación
de contraste como esta. Volviendo de oscuro a brillante,
brillante a oscuro. Estás diferenciando
las formas y creando una sensación de
contraste en la escena. Y al hacer eso, básicamente
estás llevando al
espectador a donde quieres lucir de oscuro a claro
o de claro a oscuro. Y enfatizando
¿qué quieres que vean? En los segundos debates verás obviamente mucho contraste de
valor, pero también mucha saturación
y contraste de color también. En el fondo,
obviamente tenemos un valor más oscuro. Pero no lo es, no solo eso porque hay mucho
contraste de color y además creando un valor separado
para mostrar una línea principal que lleva al espectador a
lo largo de la escena. Entonces, como tarea
para esta lección, estarás viendo pinturas
maestras que he puesto en
la caja de ejemplo. Y tratarás de averiguar
dónde se utilizó el contraste, cómo se usó. No obstante, he hecho
una demostración en el video. Para que puedas seguir esa ruta. Es bastante conveniente para tu propia toma de notas y
como todas esas cosas. Entonces lo que puedes hacer
es simplemente tomarlas, tomar las imágenes, mirarlas, averiguar dónde se
ha utilizado el contraste. Y trata de escribirlos tomando notas
mentales o mejor aún, toma una nota adecuada sobre
las propias imágenes. Entonces es más fácil para
tu mente registrar todas estas cosas así la próxima
vez que mires algo, digamos buena pintura
que realmente te guste. Y de inmediato
podrá averiguar cómo se ha
utilizado
el contraste en ese sentido. Entonces con esto, pasemos
a la siguiente lección.
4. Principio II: equilibrio: Entonces esta es una parte muy sutil
pero muy importante en los principios de diseño. Pasemos a la demo
y tratemos de averiguar como qué tan equilibrado está en el trabajo
en la mayoría de las pinturas, realidad, en todas las pinturas. Así podrás reconocer
cómo utilizan
los equilibrios en la composición, y podrás
utilizarlos en tus propios cuadros. Entonces, a continuación, tenemos tarimas. Generalmente la idea de distribuir formas y
volúmenes en escena. Entonces creamos un sentido de equilibrio. En esta escena. Básicamente tenemos hacer formas
más grandes aquí, una a la derecha y
otra a la izquierda. Por lo que los colocó como tales para crear un
equilibrio en la escena, para crear una sensación de
estabilidad en la escena. Y pasando a la siguiente imagen, su mayoría
tenemos los sujetos
puestos hacia el lado izquierdo, se
puede ver a la mujer y
al tigre, Jaguar, lo que sea. Tienes que ordenar
científicos en el laboratorio, luego vas a un satélite. Ahí hay un personaje. Idealmente poseía ser liderado con tanta fuerza como
lo está en la escena. Pero solo para
equilibrar la composición, estaba literalmente con
una luz realmente fuerte. Y eso es crear, que en realidad es
equilibrar el, todos los temas que tenemos a
la izquierda con el derecho. Entonces hemos visto que
es equilibrado y bienvenido post Sobre la siguiente imagen. Aquí lo ideal es que tengamos
para masas de robots, no
estoy contando en
las nubes porque ese es un tema diferente. Basta con mirar las casas por ahora. Así que tenemos algunas formas medianas a grandes y algunas
formas pequeñas dentro de ellas también. Entonces generalmente voy de
izquierda a derecha por ese instrumento de la
forma que tenemos aquí. Si solo quitas la casa en el extremo
derecho, la casita, tenemos, nuestro iser, solo ve ahí y
sal de la competencia. Al poner una forma pequeña para impedir que el espectador
salga. Generalmente los guiamos de regreso a
la clase de composición. La tarea para esta
lección sería simplemente repasar imágenes
mismas que el último tono. Básicamente todas estas
tareas serían las mismas. Pero quiero que sigas
haciéndolas y sigas tomando
notas por separado, hagas una carpeta con
cada uno de los principios de diseño y
los mantengas para que quede categorizado
dentro de tu cabeza. No es como si
hicieras todas esas en una sola pintura y todo
está revuelto en tu mente. Entonces, no hagamos eso. Tratemos de encontrar cómo se utilizó el
equilibrio. Cómo se
utilizó el desequilibrio en el proceso de
creación de imágenes para transmitir mejor la
emoción de la historia. Bien, pase a
la siguiente lección.
5. Principio III: énfasis: Seguro que has
mirado todo oído hablar de La Última Cena de
Leonardo da Vinci al menos
una vez en tu vida. Entonces en eso entre todos los
diferentes personajes, tus ojos generalmente
irán directamente a Jesús. Eso es énfasis,
énfasis y sujeto o un
objeto en tu composición. Entonces guías a tus
espectadores hacia él. Y ese, en mi opinión, es uno de los
principios más importantes en el diseño, como la forma de enfatizar los objetos. Vamos, vamos a sumergirnos en
la lección y ver cómo los maestros la logran y cómo
podemos tomar nota de eso
y lograrlo nosotros mismos. Entonces, a continuación, tenemos énfasis. Es muy similar al
contraste en la naturaleza. Porque solo ve aquí, el personaje obviamente se
destaca porque cómo se ha colocado contra
el telón de fondo, telón de fondo realmente
saturado. Se pueden ver realmente las tasas de bits solo en disminuir todo
el carácter. Nuevamente, contrastando valores
o colores o iluminación, o en general a
mucho énfasis. Entonces, cómo los uses, depende de ti. Aquí también. Podemos ver el más corto,
realmente brillante. Y entonces tenemos una sombra
que nos lleva a la cara. Porque la cara tiene un contraste muy alto
resalta ahí. Y eso crea una sensación
de contraste y énfasis. En la siguiente imagen. Tenemos un auto contraste en color y valores en
el personaje principal. Porque se ha
enfatizado de tal manera. Estamos obligados a mirar primero
al personaje, obligados a mirar
el post actual. Mira cuánta saturación
tiene su vestido. Y una C bordes afilados también. Eso nos lleva a los ojos. Nuestros ojos van primero
al propio vestido por
el alto contraste. Entonces tenemos un cambio de valor. E idealmente es liderar
que la forma nos está llevando a los personajes secundarios
y a los personajes terciarios después de mirar
el tema principal. Entonces, cómo enfatizas a tus
sujetos en una pintura determinará cómo el espectador
ve la imagen también. cuanto a la tarea
para esta lección, quiero que encuentres tres obras maestras que
realmente disfrutes y que sientas, que sientas que el énfasis es
realmente padre en esas. Y quiero que te sumergas en
ellos y descubras cómo y por qué funciona e intentes
tomar nota de esos. Y sólo para que
los puedas aplicar en tus propios cuadros. Pasemos a
la siguiente lección.
6. Principio IV: patrón: El patrón puede ser cualquier cosa,
desde patrones técnicos, botones
físicos o texturas. Entonces se usa en todos los
lugares, digamos por ejemplo usas textura
para tu ropa, usas textura para esas rocas. Entonces hay un cierto
patrón en todos esos. Algunos de ellos son muy irregulares, algunos de ellos son
muy repetitivos. Entonces pueden ser texturas, puede
ser la forma en que
arreglas tus objetos. Incluso esos tienen
patrones en ellos. Entonces, profundicemos en
ellos y veamos cómo funcionan. El siguiente paso es el patrón. Patrón es básicamente unificar
o interpretación grasa de cualquier objeto o forma. Así que solo puedes repetir objetos. Eso también es un patrón, y también puede ser una
repetición también. Entonces la repetición también
es parte del patrón. Al menos me
gustaría pensar que sí. También puede llevar personajes,
repetir texturas. Entonces, todos estos son
parte del patrón. Aquí en esta imagen
se puede ver mucha textura, muchos patrones en la
imagen y el piso. Eso nos da un
sentido de material, así
como un sentido de escala. A medida que desaparece, el patrón se desvanece,
se vuelve más pequeño. Y quiero que
veas las mesas,
los puntos suspensivos que tenemos. Entonces eso también es
crear una repetición. Y nos está dando un sentido
de escala así como
va más lejos de la
vista, se hace más pequeño. Entonces eso es perspectiva y
objetos como combinados. Entonces tenemos una sensación de
profundidades en la escena. También tenemos a los
personajes ahí dentro. Y también
forman parte del patrón. mí me gustaría sentarme
porque en general también nos dan
sentido de escala. Aquí en esta imagen tienes muchos
objetos repetidos como las sillas. Y aquí, aquí también. Muchos patrones como
a través del objeto, estamos creando un
movimiento y
básicamente estamos guiando
al espectador alrededor. Entonces en esta imagen, patrón podría no
ser tan evidente. Pero es sobre todo tiene
que ver con texturas. Se pueden ver los
labios en la parte inferior. Es cierto flujo para ellos, pero también tienen
un patrón para ellos. Obtienen textura.
Fluye así y crea una sensación de textura y detalle sobre lo
mismo por aquí. Patrones
fluidos, texturas fluidas y mucha
repetición de formas. Entonces eso generalmente
nos da una sensación de movimiento. Entonces los deberes para el oyente
sean los mismos que los últimos, como ya les dije anteriormente. Todos estos son trabajos a domicilio
basados en la observación, así que solo necesitas seguir observando lo que sea que estés
aprendiendo en esta lección. Tendrás que
entenderlos en
las imágenes de ejemplo y tomar nodos
mentales y físicos. Entonces, la próxima vez que veas
algo podrás acomodarte
mejor
para usar estas características, usa estos principios
a tu favor. Con esto, pasemos también a
la siguiente lección.
7. Principio V: proporción: Ya sabes, esos cuadros en los que no sabemos si
algo anda mal, no
todo está igualando. El personaje se ve un
poco demasiado grande o demasiado pequeño en relación con
el entorno. Entonces ese es sobre todo el
tema con proporción. La proporción es muy
importante para arrodillarse. Si quieres que tus imágenes, tu competencia sea
más creíble. Las proporciones pueden
jugar un papel muy importante. Puedes usar proporciones para casi todas partes como si hubiera
proporción en textura. Esta proporción en como, puedes usar el océano
para mostrar perspectiva. Entonces,
profundicemos en el tema y veamos cómo lo
han usado los maestros y cómo algunas de las formas comunes en las que
podemos usarlo para mejorar nuestra composición y hacerla más creíble y fantástica. Vamos. Proporción.
Nuestra escala es la relación
entre los sujetos u objetos que ponemos en
escena o composición. Básicamente es diferenciar o identificar los objetos en
la escena y dar a nuestros espectadores una idea de la
escala de la imagen. ¿Qué tan grande es la semilla? ¿Qué tan pequeña es la escena? Aquí en esta imagen se puede
ver que tenemos un planeta aquí. Parece que Saturno tiene anillos. Entonces podemos
relacionarnos instantáneamente con el objeto allí, e instintivamente sabemos
cuán grande es el objeto. Comparado con eso. Tenemos la nave espacial
también para el espectador. ¿Qué tan grande es la
nave espacial en la escena? Porque tenemos un planeta gigante. Y tenemos la nave espacial
y tenemos otros elementos que nos dan el sentido de
la inmensidad del mar. Así que ahí también la luz. Falsey es simplemente demasiado rápido, sólo porque hemos introducido
al planeta en la escena. Simplemente instantáneamente nos hace tarde. Y siempre podemos decir qué tan grandes son otros sujetos
u objetos en la ciudad comparados con lo
que reconocemos. Como puedes ver aquí, eso es repetición y forma
y generalmente mostrar la perspectiva ahí para darnos un sentido
de escala también. Bien, mira la segunda imagen o las dos primeras
cabezas ¿verdad? Ahora. Quiero que
veas de cerca las texturas. En el paso de montaña tenemos. Y entonces puedes echar un
vistazo a los personajes. Ya que estamos familiarizados
con el personaje y
sabemos lo grandes que son generalmente los humanos y
los caballos. Entonces podemos relacionarlo con
el resto de la escena. Y podemos medir instantáneamente una
idea de qué tan grande es la escena, qué tan grandes son esas texturas, qué tan grandes son esas rocas, y así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces esa es una forma de
lograr la escala. Pones objetos familiares
en la escena y ayudas al espectador básicamente a
reconocer cuán grandes son los CNAs. Y en general podemos
ir a partir de ahí. Como si tuviera que poner a un humano, agreguemos ahí un humano. Entonces, una vez que pones algunos objetos
familiares, ayudas al espectador a darse cuenta de
lo que estás tratando mostrar cuán grandes son los objetos comparados con las cosas familiares. podamos sacar eso de la escena
y pasar a la siguiente.
8. Principio VI: movimiento: Entonces sería pensar el
movimiento en una imagen fija. ¿Cómo funciona eso? Bueno, vamos a sumergirnos para escuchar y
averiguar cómo funciona. El movimiento o flujo es un
gran problema en una composición. Generalmente es una idea para dar una impresión de acción
o de lo que está sucediendo. ¿La escena es estable? Inestable, ¿dónde quieres que mire el
espectador y todo eso? que podamos lograr
el movimiento de muchas maneras. Nuevamente, pasa por los colores. Podemos introducir formas activas. Pero idealmente en una composición, quieres tener
muchas líneas principales. Se generan líneas principales. Líneas que van así. Puntos básicamente solo apunta lo puro hacia un objeto o sujeto que
queremos que vean. Aquí en esta escena. Tenemos muchas líneas de liderazgo en primer plano, como aquí. Aquí. Y aquí. Todo lo que conduce
hacia el tema. Y el tema es
muy centralizado. Y todas las líneas, todas las formas básicamente nos
llevan a Él. Y las cervezas. Hasta las montañas son básicamente fealdad diciéndonos que miremos de
esta manera, que vayamos por aquí. Y tenemos una superficie inclinada. Así que eso nos da una
sensación de desequilibrio también. Aquí, la escena está equilibrada. Y al abollar el lienzo estamos diciendo la superficie
podemos crear una sensación de desequilibrio en la escena y darle una sensación de
movimiento o acción. Así que muchas formas hacia adentro
apuntando hacia el personaje, y muchos seis huevos también. Siempre puedes introducir algunas formas
en zigzag en primer plano. Y básicamente simplemente
crear una sensación de movimiento. Y los niños, cuando
pueden ver las formas básicamente solo llevan
al tema. E incluso su paso
a la siguiente imagen. Ya se puede ver. La superficie está ligeramente inclinada, a pesar de que tenemos una sensación
de equilibrio en el horizonte. Todavía tenemos una superficie inclinada
que nos da una sensación de desequilibrio y asistencia de acción o movimiento en la escena. Obviamente se puede ver el personaje y las
medias de red por aquí. Lo ideal es que se
equilibren entre sí. Pero se puede ver que el personaje está ligeramente
desequilibrado. Entonces eso crea un sentido de lucha y nos da
un sentido de acción. También se puede decir que el sello
no está tranquilo solo
por las formas que dijo que inst y
con la superficie está apuntando. Entonces eso también nos da una idea de su
lucha en la escena. Entonces quiero que consideres
todo esto cuando la planeación es C, agregues mucho movimiento
en la escena
para encabezar las formas y ver. Necesitas planear
cómo quieres que mire
el espectador, para ver más. Pero es una gran manera
de lograrlo.
9. Principio VII: variedad: Seguro que puedes adivinar
qué variedad y colas. Es bastante obvio
por la noción de ello. Pero estoy aquí para
mostrarte cómo puedes incorporar en tu obra de arte el
diseño, y la composición. Creo que algo de eso
podría incluso sorprenderte. Así que vamos a sumergirnos. Entonces, a continuación pasaremos
a la variedad. variedad puede ser diferentes
instancias de elementos visuales. variedad puede ser con colores, puede ser con valores. Como aquí, se pueden ver camionetas oscuras contra valores brillantes,
realmente brillantes. Lo mismo aquí. Y lo mismo aquí. Las formas se
leen unas contra otras, creando énfasis
y contraste. Y lo mismo aquí. Se puede ver variedad en temas. Como si tuvieras muchos
personajes aquí. Tienes personajes adultos, y luego también
tienes hijos aquí mismo. Bueno. Entonces esa es también una forma de
traer variedad
a una escena también. Aquí tienes mucha
variedad en tonalidades y valores. Entonces aquí tienes un
tono más cálido, su general, entonces el fondo
ha cedido a que juega uno contra el otro y
cerebros variedad en el mar. También puedes ver
aquí las sombras son carpeta contra servicios
más brillantes. Incluso en la canasta, se
puede ver variedad
entre temas. Todas las manzanas no son iguales. Tienen diferentes texturas. Y eso también trae relacionados. Yo también quiero echar un
vistazo a los libros. No todos son iguales. Tienen variedad entre ellos. Algunos de ellos tienen
diferentes texturas. Lo mismo en todas partes. Incluso sus alineaciones, como si no estuvieran
alineadas de la misma manera. Tienes textura separada
ahí, ahí también. Se puede ver el flujo
del arreglo. Si verías una
perspectiva diferente, diferentes ángulos. Entonces esos van así. Estos también van así. E incluso no todos los libros
están alineados de manera similar. Así que eso también crea una variedad. Entonces en esta imagen
tienes muchos arbustos
cálidos o para
lesiones alrededor. Pero para contrastar eso y
traer alguna variedad. Generalmente tratas de traer
algunos tonos más fríos aquí. Como aquí, se pueden ver variedades de
empujones
más oscuras y frías para crear una sensación de
diferenciación, si se quiere.
10. Principio VIII: armonía: Aprendimos sobre la variedad, pero la variedad sin armonía ni unidad es tan carente de sentido
como cualquier otra cosa. Entonces básicamente hay dos
caras de una misma moneda. Uno sin el
otro no puede existir. Así que vamos a entrar en esta lección y
descubrir cómo podemos combinarlos para entender
más sobre la armonía y cómo
podemos combinar esto con variedad para crear
algo más atractivo. La armonía o unidad es básicamente el polo
opuesto de la variedad. Es el acto de
reunir diferentes
elementos del arte. O puede ser repetición
de objetos también. Entonces la armonía, se podría
lograr de muchas maneras. Armonía, Lago,
colores unificadores, formas, patrones. Y esta imagen de aquí mismo, tenemos mucha
armonía y colores. Tonos similares de colores, reuniendo
toda la composición cromática de la imagen,
como aquí, aquí. Y aquí, el mismo
tono de naranja o rojo. Y entonces tienes colores más atrevidos. Además, tenemos muchos amarillos, así
como el
telón de fondo es más frío. Eso también actúa como elementos unificadores
naturales. En la mayoría de las imágenes. Aquí tienes un tono
más frío de azul. Y aquí también. Entonces es básicamente un telón de fondo
para todos los temas. Y al hacer
eso, también está unificando
toda la escena también. Entonces esa es una
manera de hacerlo. Aquí en esta imagen, tenemos armonía en el estilo o más
trazos o la
eficiencia del pincel, ¿quién lo hará? Eso es generalmente lo
que puedes ver aquí. La interpretación de los pastos son muy similares aquí y aquí. Entonces, idealmente, quieres que la imagen tenga
un factor unificador en el estilo. Cómo renderizas elementos, cómo representas tales cosas. Entonces otra forma de
traer armonía a la UC es usar un conjunto de colores
análogos. Puedes ver aquí, estos colores están todos residiendo Vedic demasiado cerca uno del otro en
la rueda de colores. Aquí puedes ver hola y tonos de verde
e incluso el cielo. Quiero que le pongas
atención específica al cielo porque el cielo aquí
también está muy desaturado. Y esto complementando
los colores que hemos utilizado en la escena. Y esta escena. La armonía se logra a través de
una repetición de sujetos. Mucho caracterizar aquí, mucha persona, mucha gente. Entonces estos temas están
reuniendo todo. Pero mira la parte superior aquí y separa el tono de azul
que se utilizó aquí. Entonces entre todas las vacas que están
pasando en la escena, como aquí, persona aquí. Se puede decir como el factor diferenciador y lo que los está uniendo, incluso las cruces aquí. También están trayendo armonía
en el mar, formas similares. Y luego
sólo hay un tema que está separado del resto del tema que tenemos aquí. Y también fíjese aquí el color
arminiano. Bien, pasaremos
al siguiente. En esta escena, tenemos
armonía y valores. En general, los CDS realmente expuestos
a valores realmente altos. Y esa es la acción objetivo. Y mira, puedes ver como todo excepto
eso, es realmente brillante. Entonces usando un conjunto de valores, cambia en tu escena
y definiéndolos. Es una alta exposición,
baja exposición, cosas como esas también pueden
traer armonía a tu escena.
11. Principio IX: Rythm: El ritmo es un patrón dispuesto de ciertas maneras que crea
movimiento en la escena. Entonces, ¿qué
quiero decir realmente con esto? Así que veamos los
ejemplos e intentaré
desglosar cómo funciona y cómo se
puede usar en compilación. Así que vamos a meternos en ello. El ritmo puede describirse como una combinación de
movimiento y mejor. Así que ya ves datum es básicamente crear un flujo dentro la imagen que es agradable
a la vista así. En esta van Gogh, los gametos
pueden ver muchos patrones, pero están siguiendo a través, su seguimiento
a través de la emoción. Se puede sentir el movimiento. Entonces en esta imagen también, muchas formas fluidas básicamente promulgan movimiento. Aquí. Aquí ahí es donde se
obtiene la idea general
es idealmente crear una variación no uniforme de patrones que nos dé una sensación
de movimiento en la imagen. Es un tema un poco difícil
de definir correctamente. Pero ya sabes, como
una vez que lo ves aquí, puedes ver todas las
formas que siguen por aquí también. Es una reputación de
sujetos como este, siguiendo una perspectiva que
crea un sentido de movimiento. También es una forma de ritmo. Una parte no uniforme
es muy crucial. Porque al igual que la música cue, pero en un
patrón no uniforme en la imagen. Así. Para crear
una sensación de movimiento, fluye dentro de la composición. Se puede ver aquí también. Formas que fluyen a través que en última instancia conducen a menos
al tema principal que estamos
tratando de enfatizar. Aquí hay muchos
turnos que van hacia adentro. Y aquí también
terminando en los personajes. Entonces es básicamente otra forma de
promulgar inosina de movimiento. Entonces esto nos lleva
al cierre de todos, todos los principios de diseño
que he mencionado aquí. Hay más, como dos o tres más
que puedes encontrar si
buscas en Google sobre ellos. Pero lo cierto es que
todos los principios de diseño
están correlacionados y son solo variantes
entre sí o simplemente lo mismo como
en diferentes empaques. Entonces solo entiende esto. Todos están relacionados. Todos
interactúan entre sí. Y a medida que sigas profundizando, sigue
profundizando en estos temas. Llegarás a entender que uno no puede
existir realmente sin el otro. Entonces con esto,
vamos, pasemos al final de la lección y te
veré ahí.
12. Conclusión: Bien, así que esto concluye
todo lo que
necesitas saber sobre los principios de
diseño. Trate de no pensar los principios como
algo para plantearlos. En realidad, es
todo lo contrario. Los principios, en mi opinión, son de naturaleza muy flexible. Están muy interconectados
entre sí. Y muchos de los, muchos de los principios
pueden y no pueden influir entre sí de
una manera que es de naturaleza muy
cohesiva. Entonces como cuanto más
intentes seguir esto, trata de notar, trata de observar
este tipo de cosas. Qué n, lo que va a terminar pasando es que
tratarás de notar. Lo intentará,
empezarás a notar muchos más matices en sus relaciones que
eso pasa todo el tiempo. Entonces, cuanto más
notes estas cosas, más
podrás
aplicarlas en tu pintura. Entonces mi objetivo aquí es simplemente presentarte el
concepto de los principios. Y al presentarte estos,
tú , ojalá
pudieras pensar en
estos activamente. Y mientras notas algo,
observas algo, o simplemente intentas
llegar a una solución de diseño, estarás
pensando activamente en ellos. Y eso a su vez,
en realidad
te ayudará mucho con el proceso de toma de decisiones y hacer y llegar a
mejores diseños por todas partes. Mediante el uso de principios de diseño, podrías analizar y quitar mucho más de las pinturas son diseños
que realmente disfrutas e implicarlos activamente. Implétalos en
tus propios cuadros. Entonces con esto, ya estás listo para pasar a la siguiente clase, que será sobre
fundamentos. La razón por la que elegí introducir
los principios de diseño antes que los fundamentos
es que hay una razón. La razón principal por la que elegí
hacer esto es básicamente el principio de diseño te
introduce en muchos matices
nuevos que se aplican
a los fundamentos. Entonces estos son los parámetros
que vamos a
utilizar para aplicar fundamentos
a nuestras obras de arte. Entonces por eso pensé que es
mucho mejor conocer estos, conocer los principios antemano antes de
saltar a los fundamentales. Y en mi clase de Fundamentos, que viene pronto, estarás usando muchos de estos para analizar cómo funcionan
los fundamentos. Al igual que cómo el
énfasis, énfasis, contraste, etc, se
puede utilizar en la iluminación, se
puede utilizar junto a la iluminación. Cómo se puede utilizar la iluminación para
enfatizar ciertas cosas. Cómo se podrían
usar los colores para enfatizar ciertas cosas o algo así. En la línea, como
todos los fundamentos, usa
activamente
los principios de diseño de una manera védica, cohesiva y
realmente unida. Digamos. Si no estás seguro de
algo, solo trata de pasar por
la clase una vez más. Sé que para algunos de
ustedes así
sería un territorio completamente nuevo. Y tardará
algún tiempo en absorber, tomará algún tiempo
simplemente
pensar activamente en estas cosas. Entonces solo si
no estás seguro de las cosas, solo pasa por la
clase una vez más. E incluso entonces algo
no tiene sentido. Siempre eres bienvenido a
simplemente dejarme una línea y voy a intentar lo mejor
de mis habilidades para solo
responderles también. Entonces con eso, voy a
tomar mi hoja y nos vemos muy pronto
en la siguiente clase. Pintura feliz. Y espero que te cuides
bien.
Ayan Nag, Artist / Wanderer
