Pongámonos críticos: cómo corregir tu propio tu trabajo

1. Vamos a ser crítico: [ MÚSICA] ¿ Eres artista, creador, o diseñador gráfico? ¿ Quieres mejorar tu trabajo pero no sabes por dónde empezar? Hola, me llamo Shayna South. Soy Artista, sobrepensador, y tu instructor para la clase de hoy. Pero con toda seriedad, ser artista, creador o diseñador viene con mucho miedo y duda de sí mismo. Pero ponerse crítico con tu trabajo de manera productiva es una habilidad que te hará un mejor artista a la larga. A menos que tengas a un director de arte en espera, o actualmente en la escuela de arte, puede ser difícil encontrar comentarios de otros, sobre todo si estás presionado de tiempo. En esta clase, quiero mostrarte cómo puedes aplicar un lente crítico a tu palabra, y editarte. Podrás tomar mejores más rápido decisiones mientras estás trabajando, usando cosas como los Principios del Diseño, los Principios del Arte, y algunos consejos y trucos que he ideado ya que he afinado mi proceso. Te mostraré algunos ejemplos aplicando este proceso a mi propio trabajo con una pieza terminada, y algunos trabajos en curso. Critical no significa negativo. Significa poder apartarse de tu propio ego e inspeccionar objetivamente una obra de arte. Mi esperanza es que no sólo puedas editar tu trabajo tú mismo, sino que podrás apreciar lo que hace que tu trabajo sea tan grande. Incluso con todas estas herramientas, a veces simplemente no puedes competir con la retroalimentación externa. También te voy a mostrar cómo puedes preguntarle a familiares y amigos, quienes pueden o no ser creativos, cómo pueden ver tu trabajo de una manera crítica que realmente sea productivo. Preparen esos bolígrafos rojos, y pongámonos críticos. [ MÚSICA] 2. Tu crítica: [ MÚSICA] Para el proyecto de clase, escogerás una pieza propia que aplicarás este proceso para pasar por la lista de comprobación de esta clase, tomando notas a medida que avanzas. Puedes hacer esto después de ver la clase o pasar por el proceso junto con las lecciones. En la galería de proyectos, publica una imagen de tu trabajo y comparte a qué conclusiones llegaste después de tu crítica. Puedes agregar tanto o tan poco detalle como quieras, siempre y cuando incluyas algunos positivos junto con cualquier área a mejorar. A modo de aguinaldo, los primeros cinco alumnos en publicar un proyecto de clase obtendrán una crítica completa de mi parte. Adelante y empecemos. [ MÚSICA] 3. Stages de edición: [ MÚSICA] Justo al bate. Yo quiero aclarar una cosa muy importante, y es que no debes esperar hasta que termines con el proyecto para mirarlo críticamente. A lo largo de tu proceso, deberías estar haciéndote las preguntas que vamos a repasar hoy. Al final les voy a mostrar una crítica a un proyecto terminado. [ RUIDO] También te voy a mostrar algunas muestras de algunas obras en curso, y proyectos inconclusos para mostrarte mi lógica y cómo puedes aplicar lo que aprenderás en esta clase a trabajos en curso, no piezas recién terminadas. [ RUIDO] El proyecto terminado con el que hoy voy a estar trabajando, es una tarjeta de felicitación que hice para el trabajo. Esto es lo que estaré usando como línea de paso en cada lección. Entonces integraré algunas obras diferentes en curso a medida que avancemos. A la hora de editar para diseño gráfico o ilustración u otras formas de arte, lo pensaría como escribir. Tienes tu esquema, un borrador en bruto, tal vez un segundo borrador en bruto que compartes con alguien. Entonces tienes algo que está cerca de final. Es así como miro la edición a medida que voy a lo largo de mi trabajo. En la siguiente lección, hablaremos de acercar y meternos en el espacio de cabeza adecuado para mirar críticamente tu trabajo. [ MÚSICA] 4. Zoom de salida: [ MÚSICA] Antes de meternos en la tontería de nuestra crítica, voy a pedir que hagan una cosa muy importante y que es alejarse de su trabajo. Queremos alejarnos ahora estamos físicamente pero mentalmente. Eso significa alejarse de su proyecto y despejarse de la cabeza. Eso significa ir a dar un paseo, limpiar la casa, cocinar la cena, pintarte las uñas, solo haz lo que tengas que hacer para sacarte un poco de la cabeza. Se quiere entrar en la crítica, refrescado, y con una nueva perspectiva. Lo más posible es que hayas estado trabajando en tu proyecto por un tiempo. Queremos salir de ese espacio de cabeza, entrar en esto como si fuera algo que nunca habías visto antes. Después de que hayas terminado de despejar la cabeza, es hora de sumergirte. El primero que me gusta hacer es imprimir mi trabajo. Ahora si estás trabajando digitalmente y tu proyecto final va a ser digital, tal vez imprimirlo, no tiene sentido. Pero me gusta tener ese pedazo de papel físico en la mano. A mí me gusta físicamente dar un paso atrás de mi trabajo. Pero por supuesto, también puedes alejar el zoom en Photoshop o Illustrator o en cualquier programa en el que estés. Pero el punto es tomar en tu proyecto de una vez. En lugar de enfocarnos en un pequeño detalle en esta esquina, queremos empezar mirando todo el asunto. A mí me gusta moverme desde afuera y así llegaremos a esos pequeños detalles más adelante. Ahora estamos listos para entrar en la parte crítica de este proceso. 5. Misión/objetivo: [ MÚSICA] Ahora debes tener la cabeza despejada para mirar críticamente tu trabajo. Lo primero que me gusta hacer es mirar mi pieza general y ver si está cumpliendo con la misión del proyecto. Si estás mirando el trabajo del cliente, la pregunta sería, ¿cumple esto el breve que recibí de mi cliente? Si no tienes cliente y simplemente estás trabajando para ti mismo, así que tal vez has creado una nueva pieza para tu portafolio, escribe cuál es el objetivo de esa pieza de cartera. A lo mejor es para mostrar tus habilidades de letras, o tal vez estás mostrando tus habilidades de diseño gráfico creando un logotipo y una guía de estilo. Aunque se trate de un proyecto confeccionado, adelante y anote su breve, así que ahí tenemos alguna estrella del norte que seguir. Por último, podrías tener una pieza que acabas de crear para ti. Solo estás tratando de mejorar tus habilidades o tal vez estás haciendo arte por el bien del arte. Al final del día, el objetivo es asegurarte que estás logrando lo que te propones hacer. Este es mi ejemplo. Es una tarjeta de felicitación que hice para el trabajo. Solo quiero señalar que he bloqueado el logo, así que eso es lo que son estos cuadrados negros. Donde están esos, habría un logotipo, así que finge que eso está ahí. De todos modos, esta fue una asignación en el trabajo donde buscaban una tarjeta de felicitación para enviar para el nuevo año, y esto fue a finales de 2020. Siento que no tengo que explicar por qué todos estaban contentos de ver salir 2020, pero es importante notar el tiempo. El encargo fue crear una tarjeta de año nuevo que refleje la víspera de Año Nuevo después de 2020. Algo que está mareado pero no sordo a la realidad de cómo se ve la vida durante una pandemia. En la tarjeta se debe sentir como insertar el nombre de la marca y utilizar los colores de la marca. personal, quería diseñar algo que pudiera compartir mi punto de vista como artista sin distraer demasiado de la marca. Quería crear algo que también pudiera exhibir en un portafolio, cómo trabajo dentro de pautas o estándares de marca. El concepto aquí se desarrolló junto a mi equipo y uno de mis colegas tuvo la idea de hacer una tarjeta de felicitación que pareciera una videollamada. Ese es el concepto con el que terminamos yendo, y este fue el resultado final. A pesar de que estamos separados, todavía podemos celebrar juntos. La primera pregunta que me haría es, ¿logra esto el objetivo? ¿ Recibes ese mensaje? Para este proyecto, puedo decir que sí, estoy muy seguro de que logré todos esos puntos de bala. Es divertido, está mareado. Reconoce la pandemia sin enfocarse demasiado en ella y enfocarse en la sombría del año pasado, pero tampoco es demasiado frívola. No sólo estamos fingiendo que no pasó nada y todo fue igual que de costumbre. Esto definitivamente logra los objetivos de la asignación. La segunda parte de mi objetivo, mi objetivo personal, era crear algo en mi estilo que aún funcionara dentro de las pautas de marca, y creo que definitivamente lo logro. Todos estos son colores de marca, pero solo hay algunos pequeños toques que son un poco más personales, como los dibujos de pequeñas líneas para las caras. También agregué textura aquí y allá. Podría ser un poco difícil de ver aquí, así que superpondré una imagen de mi computadora. Esto es sólo algo que imprimí para mi impresora doméstica, por lo que no se ve exactamente cómo terminó la pieza final. Puedo decir con confianza que sí que logré mis metas personales también con este proyecto. Ya respondí a esto un poco, pero otra pregunta importante que me haría, ¿qué emociones evoca este proyecto? Mirando esto con la cabeza despejada, saliendo de lo que ya sé, me parece muy alegre. Todos sonríen y saludan, celebrando, todos lo están pasando bien. Los colores son alegres. Estoy consiguiendo sólo una escena realmente feliz, alegre aquí. Algunas de estas preguntas podrían sonar tontas preguntarte si realmente estás invertido en un proyecto, pero son importantes porque tienes que entender cómo otras personas percibirán tu trabajo una vez que esté fuera en el mundo. La 3ª pregunta que me haría que se relaciona con el objetivo general es sobre el estilo. ¿ Esto coincide con el estilo previsto, y es consistente? En general, diría que sí. No cambio de repente de un poco de sombreado a áreas muy sombreadas. Las únicas líneas aquí son para los detalles necesarios, por lo que distinguen los dedos aquí. El renglón que separa la parte superior e inferior de la parrilla. Sólo cosas esenciales. Esa parte, definitivamente, sí. Tenía un estilo específico con el que estaba trabajando, y seguí eso. A la 2da parte de la pregunta, sí creo que podría haberlo hecho un poco mejor con, porque el estilo no es totalmente consistente en algunas áreas. Por ejemplo, aquí, se supone que esto es Detroit. Tenemos un edificio aquí, el Centro Renacentista. No tenía ventanas. Este edificio tiene ventanas por todas partes, así que realmente solo guardé estas luces que cambian en la parte superior de los edificios, pero luego aquí tengo ventanas, tengo ventanas que están iluminadas. Aquí, en realidad tengo ventanas que son oscuras, que están desiluminadas, y veo más de esas de aquí, así que eso no es súper consistente. Si volviera y volviera a hacer esto, podría actualizar eso agregando quizá algunas ventanas aquí y allá, aunque sean ventanas oscurecidas. Algo más que podría haber hecho tal vez es agregar un poco más de textura en algunos de estos fondos. Son muy planos, lo cual está bien porque eso sí crea algunos contrastes entre las figuras en primer plano, pero mirándolo ahora me pregunto si alguna textura pudo haber ayudado a establecer el escena un poco más. Eso es algo que podría hacer de manera diferente la próxima vez. Pero en general, todavía estoy muy contenta con cómo resultó esto. A veces no se puede pasar demasiado tiempo en un proyecto, hay que evaluar lo importante que es. Tengo muchas otras responsabilidades en mi trabajo, así que a pesar de que hay algunas cosas tal vez podría haber mejorado, sigo siendo feliz con la tarjeta en general. Ahora voy a echar un vistazo a una obra en curso. [ RUIDO] Estoy trabajando en crear una colección de patrones para mi cartera. Estoy tratando de pasar más a una carrera de ilustración y diseño de patrones. Eso es algo que he estado construyendo. Apenas más patrones y colecciones de patrones. La colección en la que estoy trabajando en este momento está inspirada en un ciclo de vida de jardín. Este es un patrón que voy a hacer inspirado en paquetes de semillas. Mi objetivo general con toda la colección de patrones es crear algo que represente el ciclo de vida de la jardinería y el trabajo de un jardinero. Quiero que mi patrón de paquete de semillas refleje un estilo específico que incluiría algunos elementos dibujados a mano como estas líneas de tinta que ven aquí. También me gustan las cosas que no son del todo perfectas, así que me gustan algunos de los bocetos de estos bocetos iniciales que hice. Estos eran simplemente bocetos sueltos basados en paquetes de semillas reales. A pesar de que no estoy aplicando todo mi proceso crítico en este momento, siempre estoy pensando en mi objetivo para este proyecto. A pesar de que me gusta mucho el aspecto más desordenado de estos, ese no es el look definitivo que quiero. Estos son solo algunos bocetos de práctica. Después de esos bocetos de práctica, tengo estos. Aquí puedes ver que estoy jugando con diferentes estilos. Aquí, tengo algunos garabatos para representar texto, pero sí digo que son rábanos. Aquí, no hay texto en absoluto, se puede ver eso. Es sólo bloques de color, líneas de tinta desordenadas sobre él. Entonces aquí, esto es solo de todo color, no hay líneas en absoluto. Esto representa algo que se parece casi a una pieza impresa con capas de color sólido. Básicamente, solo estaba jugando con diferentes enfoques para ver qué dirección se destacó para mí y cómo podría verse este patrón al final. Además, por favor disculpen estas locas mantas de tinta de aquí abajo, puede que haya derramado o no toda una nueva botella de tinta. Ahí vamos. Todos somos humanos. Creo que puedes ver aquí que en realidad solo estoy trabajando las cosas a medida que voy para que no termine con un patrón final que no se parezca en nada al resto de los patrones de la colección. Siempre estoy evaluando y evaluando y viendo en qué dirección debo ir. Creo que tenemos esta sección de objetivos cubierta y vamos a pasar a la siguiente lección y hablar un poco más sobre legibilidad y textos. [ MÚSICA] 6. Readability, legalidad y texto: Al final de la última lección, dije que vamos a hablar de legibilidad y textos. También vamos a discutir la legibilidad. Ahora quizá te estés preguntando por qué hablo de eso con esta tarjeta de felicitación. Cuando digo legibilidad, estoy hablando de cómo se lee algo, aka cómo se interpreta. A pesar de que el único texto en la página es este botón que dice salir, aquí abajo, estoy mirando cómo alguien interpretaría esto. ¿ Están interpretando lo que quiero que hagan? Algunas preguntas para este proyecto que me haría serían, una, ¿lee esto para la marca para la que lo estoy creando? Sé que podría ser complicado con los logotipos desmayados, pero creo que claramente lo hace con esos colores de marca y las múltiples colocaciones de los logotipos, también es un diseño muy limpio y sencillo como muchos de nuestros diseños de marca. Otra pregunta para esta pieza en particular es, ¿se ve esto como una videollamada? Yo diría que sí, creo que sí. Por eso este bar de aquí abajo es tan necesario. Si no tenía ese bar, esto sólo se verá como tal vez un collage de personas en diferentes lugares diciendo hola, pero al tener ese bar ahí, eso indica que se trata de una videollamada. Estoy usando símbolos muy comunes aquí para reflejar eso. Otra pregunta importante es, ¿está claro que estas personas se encuentran en diferentes lugares? Eso fue algo de lo que yo estaba conociendo mientras estaba trabajando. Aquí es de noche, esto está en algún lugar de la costa este, tal vez la ciudad de Nueva York, pero se puede ver que desde el fondo en las ventanas, también se puede ver que aquí, se supone que es el Detroit skyline. Aquí tenemos palmeras, parece que tal vez se está poniendo el sol pero definitivamente el sol está fuera, y entonces aquí podemos ver esta ventana de fondo está mostrando un clima frío, y no es bastante tan oscuro como estos dos lugares. A lo mejor está en algún lugar justo en el centro del país. Entonces sí, para mí se lee que estas personas están todas en diferentes lugares. Aquí voy a hacer una distinción entre legible y legible, técnicamente esas palabras son intercambiables, pero voy a usar legible en este contexto para describir cómo se interpreta algo, y voy a usar legible para describir lo claro que es algo en el texto particular. Aquí, si fuera a decir, es esta legible, esta pequeña palabra dejar aquí abajo. Te pregunto, ¿hay suficiente contraste que pueda ver salir la palabra? El contraste entre el color de la palabra y el color del fondo, ¿acaso es demasiado pequeño? ¿ Es difícil de leer? A eso me refiero cuando veo legible. Pero aparte de eso, creo que estoy listo para pasar a uno de mis trabajos en curso. Volvamos a los paquetes de semillas. Con estos paquetes de semillas, quiero que sea muy obvio eso es lo que son. Yo me voy a preguntar, ¿estos leen como paquetes de semillas? ¿ Alguien mirando un patrón hecho a partir de estos diseños entendería que se supone que estos son paquetes de semillas? Si estoy siendo totalmente honesto conmigo mismo, no creo que algunos de estos lo hagan. Por ejemplo, este paquete de semillas de tomate aquí parece justo tan fresco viñeta de tomates. No creo que alguien que no conociera ya mis intenciones entendiera que se supone que esto es un paquete de semillas. Pero tampoco quiero que este proyecto sea súper pesado de texto. Aquí tenemos una marca de un paquete de semillas y el tipo de semillas que son. Creo que eso es un poco demasiado, no quiero que las palabras distraigan del diseño, por eso estaba probando algunas de estas sin palabras en absoluto. Al hacerme estas preguntas, decidí llegar a un compromiso y eso es lo que tenemos aquí abajo. Esta calabaza de mantequilla, dice lo que es, sigue siendo un diseño sencillo. Tengo mis elementos dibujados a mano de tinta pero sigue siendo simple y no tan ocupado. No me opongo a algún ajetreo, pero realmente no quiero que los textos superen a los paquetes de semillas. Al hacerme estas preguntas, he evitado algunos dolores de cabeza más adelante, y luego pude hacer estos bocetos más refinados que combinan ambos elementos. El único texto sobre estos será o bien el nombre de la planta y luego tal vez algunos precios aquí y allá que en realidad ni siquiera creo que haya añadido esos. Simplemente va a ser el nombre de las plantas y luego mis ilustraciones. En este punto, creo que deberías tener un buen manejo de lo que estoy hablando cuando hablo de legibilidad, así que hablemos ahora un poco más de legibilidad. Cuando me estoy preguntando, es algo es legible, estoy preguntando si está claro. Siento que estos son dos ejemplos realmente buenos, uno al lado del otro. Se trata de dos pinturas ilustrativas que hice como parte de un proyecto de 100 días el año pasado, 100 días de contenedores. la izquierda, está muy claro aquí esto dice Gumption, y luego hay como un pequeño tagline que dice ser audaz en esto, ya sea botella de cerveza fría o cerveza o lo que sea tu veneno, pero tú puede ver claramente la palabra Gumption. Es distinto del fondo, sabemos exactamente lo que dice así que es legible. Aquí, éste es un poco más difícil. La palabra de la que estaba jugando era Gusto para este contenedor de especias, sé que eso es lo que dice pero si estuviera haciendo esto para un proyecto real, no estaría muy bien. Es difícil ver lo que dice. No sé si alguien mirando esto sin ningún contexto, sin que yo se lo diga, sabría que eso es lo que dice. Este G parece un C. Este S tiene este remolino extra aquí, eso es tal vez un poco inconsistente, y esto fue solo un proyecto de práctica así que no estoy demasiado desgarrada por ello, me gusta el look en general, pero ¿Es esto legible? En realidad no. No es muy legible para mí. Eso es algo a tener en cuenta. Especialmente si estás creando para un cliente o para una pieza de cartera, tienes que asegurarte de que la gente pueda leer tus palabras. Hay algunas instancias artísticas en las que tal vez esté bien si no lo hacen, pero en su mayor parte, el objetivo es que la gente pueda leer palabras si las estás incluyendo en tu trabajo. Entonces tengo un par de ejemplos más para ti los cuales son aún mejores. Al hablar de legibilidad aquí, creo que es muy obvio que ambos no son muy legibles, no están muy claros. Esta palabra, Stubborn, se ve bien. Eso lo veo pero aquí dice cemento de goma y estas líneas de fondo o realmente distraen. No hay una tonelada de contraste y tampoco ayuda que el caucho y el cemento no sean formas de letra súper gruesas, por lo que es difícil de leer. Entonces aquí, este es un ejemplo diferente pero la palabra Abundante. No hay nada realmente pasando en el fondo pero el tema aquí es que este rosa y este verde son muy similares en valor y vitalidad. Estos colores aquí, están vibrando uno contra el otro para que lo veas pero también me recuerda esas ilusiones de obstáculos que solían mirar cuando eres un niño. Del tipo que tienes que acercarte y luego tirar hacia atrás para que puedas ver la escena, eso es lo que me recuerda. No, yo diría que esto no es muy legible, tampoco lo es esto. Como dije antes, estos son proyectos de práctica así que estoy de acuerdo con eso, pero si fuera a escanear tal vez esto y convertir todos estos en otra cosa, eso es algo que tendría que arreglar porque qué es el punto de tener la palabra ahí si nadie puede leerla? Ya he estado hablando de texto, pero hablemos un poco más del texto en sí y copiemos. Como mencioné al inicio de esta clase, vamos a movernos hacia afuera. Desde esa perspectiva alejada para acercar. Esto se va a aplicar más al diseño gráfico que tal vez otros tipos de arte o ilustración, pero definitivamente es importante. Cuando miro el texto, podría empezar con mirar la jerarquía. ¿ Cuáles son las cosas más importantes de esta invitación? Al mirar esto ahora mismo, los nombres sobresalen primero para mí, luego veo esta cena y bailando para seguir, y luego veo la fecha aquí. Ahí es de forma natural a donde se fue mi ojo. Estas palabras muy grandes, la fuente de guión es no sólo es guión el cual es diferente al resto del texto sino que es audaz, tiene estas líneas más gruesas así que es a donde mi ojo se fue primero. Si fuera a rediseñar esto, no sé si tal vez cambiaría esto un poco más, pero cenar y bailar a seguir no parece tan importante como algunos de estos otros artículos de aquí. A lo mejor hay algo que podría haber hecho para ayudar con la jerarquía. Si estás trabajando con texto, tal vez estás creando un póster o un volante, tal vez es una portada de libro, eso es algo que vas a tener que considerar. ¿ Cuál es la jerarquía? ¿ A dónde va mi ojo primero? Si mi ojo sí va a algún lugar primero, es a la pieza de información más importante o es sólo algo que quizá no sea irrelevante, pero no tan importante como algo como la fecha, digamos. Algo más que es realmente importante es si estás recibiendo textos de otra persona para un proyecto, si eres el diseñador gráfico, tal vez no es tu responsabilidad pensar en la gramática o la ortografía, pero es tu responsabilidad copiar algo sobre la forma en que se supone que debe copiarse. Si algo necesita cursiva porque es el título de un libro, posible que tenga que reformatear eso porque transfirió sobre algo de un documento de Word a InDesign. Eso es parte de las listas de comprobación que es realmente importante para cualquier diseño con texto, asegurándose de que coincida exactamente con lo que se le suministró. Entonces aunque no sea tu responsabilidad, también me gusta buscar errores ortográficos por si acaso. Si tu cliente o tu jefe o alguien te manda algún mensaje de texto, sigue siendo probablemente una buena idea revisarlo y ver si hay algo que te destaque. Como dije, sobre todo si se trata un cliente y estoy seguro de que tendrías algo en tu contrato que diga que no eres responsable errores ortográficos si proporcionaran textos que tuvieran un error en ello, pero sigue siendo una cosa agradable que hacer. Eso siempre es parte de mi lista de chequeo. Pero por ahora, voy a pasar a la siguiente lección y hablar de qué son los puntos ciegos y cómo cuidarlos. 7. Blinds: Esta siguiente lección puede ser una de las más importantes para la autoredición. Esto implica buscar puntos ciegos en tu trabajo. Los puntos ciegos son básicamente cosas diferentes que tal vez no te veas a ti mismo. Cuando estás trabajando en un proyecto, estás involucrado en cada paso del camino, es un proyecto personal. Estás viniendo en tu trabajo desde tu propia perspectiva única, tu propia cosmovisión, tu propia cultura, tu propio sentido del humor, tu propia comprensión del mundo. Básicamente, eres parte de tu trabajo y como puede ser difícil distanciarte de él, podría haber cosas que simplemente no ves. Pero al final del día, es tu responsabilidad velar por cualquiera de estos puntos ciegos porque estás poniendo trabajo en el mundo y cuando pones trabajo en el mundo, eso significa que la gente puede reaccionar ante ello e interpretará las cosas tanto si se refiere a ellas como si no. Mi primer ejemplo de un punto ciego sería un significado no deseado. Tengo aquí una pieza en la que llevo un tiempo trabajando y simplemente no he llegado a terminarla. Debí haberme dado cuenta de esta manera antes en mi proceso. Creo que esto reforzará para ustedes la importancia de revisar su trabajo a medida que avancen. Tengo esta cita aquí de una película y se supone que es te gustaría vivir deliciosamente. No fue hasta que en realidad se lo mostré a otra persona y se sintieron confundidos y dijeron, parece que dice, vivirías como si vivieras para deliciosamente o quisieras vivir. Se puede ver la confusión aquí y este es un ejemplo donde estoy tan familiarizado con la cotización. Yo había hecho una serie de bocetos. Me gustó mucho el diseño y el diseño y solo extraño que se pudiera leer de otra manera y creo que es solo porque ya estaba tan familiarizado con la cotización. Pero para alguien como yo que no es diseñador gráfico primero, soy más artista e ilustrador, me envolvió tanto en el diseño. me echaba de menos por completo. Probablemente veas ejemplos de esto fuera en la naturaleza. Un buen ejemplo que he visto en internet, estoy filmando esto durante la temporada de Halloween es el letrero en una tienda de artesanía y dice truco o trato o eso es lo que se supone que diga. Sólo voy a insertar aquí una foto de la misma. No creo que te lleve mucho tiempo averiguar qué parece que está diciendo. Ambos son buenos ejemplos de puntos ciegos. Por suerte para mí, no compartí esto en ninguna parte. Ni siquiera he terminado con el diseño todavía. Lo cogí temprano y aunque no lo cogiera, no creo que sea tan gran cosa. No cambia totalmente el significado. Creo que a mucha gente todavía le sacaría la idea. No obstante, el letrero probablemente se esté vendiendo en miles de tiendas a lo largo de EU por lo que las apuestas son un poco más altas ahí. Algunas otras cosas a tener en cuenta son nuestras imágenes o símbolos. A lo mejor un símbolo que signifique algo que no quieres que te vean en tu diseño y tal vez ni siquiera creaste ese símbolo a propósito. A lo mejor es solo la forma en que ciertas formas se ven juntas. A lo mejor parte de un diseño termina pareciéndose a alguna anatomía humana. Eso sucede de vez en cuando. Si has visto ese documental sobre la empresa legging, tal vez sepas de lo que estoy hablando con esos leggings de hamburguesa. Categorizaría a todos aquellos bajo significados no intencionados que tienen probablemente soluciones bastante simples. Hay dos puntos principales a los que voy a pegarle cuando se trata de representación e inclusividad. Una pregunta importante a hacer ya que estás trabajando, como estás haciendo una crítica es, estás reforzando involuntariamente cualquier estereotipo o tropos relacionados con la raza, la edad, el género, la sexualidad, la religión, todo lo anterior. Probablemente me faltan algunas cosas, pero eso es algo de lo que quieres estar al tanto. A mí me gusta pensar en algunas de esas cosas que a veces se volverán virales. Podría haber una publicación en redes sociales o una ilustración en un sitio web para una empresa realmente grande y todos lo miran y dicen, ¿quién aprobó esto? ¿ Cómo pasó esto? Esas son las pruebas que quieres hacer con tu trabajo. ¿ Hay algo que pudiera ser malinterpretado? Algunos de esos ejemplos virales, nada se malinterpreta. A lo mejor alguien tomó una decisión insípida y es tan simple como eso. Pero voy a entrar con esta clase que tienes intenciones puras y quieres asegurarte de que tus puras intenciones se mantengan así. Porque las intenciones realmente no significan nada una vez que pones el trabajo en el mundo. Entonces en cuanto a la inclusividad, eso solo significa estar al tanto de las personas que estás representando en tu trabajo. Ahora dependiendo de una asignación, si estás trabajando para un cliente, eso puede variar. Si estás diseñando un folleto para una cuenta de ahorro para el retiro, probablemente vas a tener una audiencia bastante clara y probablemente todos vayan a estar quizás en el mismo rango de edad. Pero tal vez hay algunas maneras en que puedes tener representaciones más amplias o mejores así que en lugar de mostrar, abuela y los abuelos con el pelo blanco, llamando a los nietos, y sosteniendo agujas de tejer, tal vez puedas ir más allá de esos estereotipos. Son muchas las personas, 60-up, 70-up, que viven estilos de vida completamente diferentes. De verdad te animo a que recuerdes pensar en la gente como gente y hay diferentes formas de demostrarlo en tu trabajo, ya sea que estés trabajando con ilustraciones o fotografías. El tercer punto ciego que voy a cubrir es la tergiversación. Creo que éste es bastante sencillo y éste aplica tal vez un poco más estricto plomo al trabajo del cliente o cualquier trabajo de marca. Para mi posición actual, tenemos pautas muy claras sobre cómo usar nuestro logotipo. También tenemos reglas muy específicas sobre los colores en los que puede estar nuestro logotipo o los colores que podemos usar. Trataríamos de evitar combinaciones de colores que pudieran parecerse a nuestros rivales. También tratamos de evitar cualquier combinación de colores con nuestro logotipo encima de fondos de colores específicos por lo que a veces nuestro logotipo podría parecer uno para otra empresa porque es muy sencillo. cuanto a la tergiversación en un sentido más amplio, eso podría significar asegurarse de que tu trabajo tal vez no copie el trabajo de otra persona o que se parezca mucho a él. O tal vez estás trabajando en un proyecto de letras y tienes una fuente de guión que es blanca y está sobre un fondo rojo y crees que se ve increíble. Estás tan contenta con cómo resultaron tus letras y la gente lo mira y piensan que se supone que debe parecer alguna parodia del logo de Coca-Cola, tal vez el blanco sobre el rojo. Algunos de tus detalles de estrellita terminan haciéndolo parecer una tarjeta de felicitación navideña. Este es sólo un ejemplo sencillo de cómo una combinación de cosas puede sumar para parecerse a algo que no estás intentando crear. Es por eso que estos puntos ciegos son tan importantes de tener cuenta porque eso es algo que fácilmente podrías perderte, pero arreglarlo fácilmente con un par de pequeños ajustes. Entonces el punto ciego final al que voy a tocar son las tendencias. Todos sabemos tendencias van y vienen. Hay tendencias en las opciones de colores, hay tendencias en los estilos de ilustración. Hay tendencias en logotipos. Los vemos todo el tiempo y son fáciles de aspirar. A veces sin siquiera darse cuenta. Especialmente si todavía estás trabajando hacia un estilo establecido, puede ser más fácil caer dentro y fuera de las tendencias también. Diremos que estas ilustraciones siguen un poco una tendencia. Creo que con las líneas curvas, esto es muy común en muchos espacios digitales. Siento que tienen muchas ilustraciones como esta que son divertidas, pero la gente es un poco inestable. No están destinados a lucir súper realistas. No hay mucho linework , son muchas formas. Diré que sí tengo algo de textura aquí, que ahora mismo seguimos en esta tendencia de diseño muy plano en este momento. Yo sí me mezclé un poco agregando algo más de textura. Pero estoy cayendo en una tendencia aquí. Y eso está totalmente bien siempre y cuando lo sepas. Para esto, se trata de una obra de arte temporal. Esta es una tarjeta de felicitación que hice por un año para un lugar y hora específicos. A mí me parece bien seguir la tendencia. No obstante, si estás trabajando en un logotipo y creando una guía de estilo para un negocio, digamos que es un banco que lleva 100 años por ahí y planean quedarse por otros 100. Ahí es cuando te alejas de las tendencias y estás tratando de encontrar algo un poco más atemporal. Por lo que mucho depende del trabajo en cuestión. Incluso si estás creando para ti mismo, ¿quieres destacar y desarrollar más tu propio estilo? O estás tratando de jugar a una tendencia? Parte de mi trabajo es ejecutar cuentas de redes sociales, si diseño un gráfico para publicar ahí, tiene sentido subirme a una tendencia para obtener visibilidad y sé que es fugaz, es temporal. Cosas que estoy publicando en esas cuentas de redes sociales, podrían quedarse ahí arriba por un tiempo, pero nadie está mirando atrás y criticando el diseño y diciendo que esto está desactualizado a menos que lo esté publicando cinco años demasiado tarde. Ahora si estás empezando con diseño gráfico o la ilustración, tendría cuidado de confiar demasiado en las tendencias también o dejar que esas se filtren en tu trabajo. Algo que he visto mucho son estos logotipos que están preformateados. Tienen quizá las iniciales de alguien y luego está rodeado de un círculo con flores. En este punto, está tan sobreutilizado que parece genérico. No significa nada. Si todo lo que necesitas es un logo porque vas a vender trabajo en una feria artesanal y solo quieres algo bastante sencillo. Eso está totalmente bien. No obstante, si estás intentando ramificarte o iniciar un negocio, si tu logotipo se parece al de todos los demás, puede que no destaque. No hay nada de malo en seguir una tendencia siempre y cuando estés al tanto de cómo la estás usando y cómo se puede encontrar dependiendo del contexto y cuánto tiempo quieras ser relevante. He cubierto cuatro áreas diferentes de puntos ciegos aquí, pero probablemente hay otras que no he mencionado que no me vinieron a mente cuando estaba planeando este curso. Si tienes algún adicional, siéntete libre de dejar notas en las discusiones de otras áreas donde la gente podría pasar por alto las cosas o perderse cosas en su trabajo. En la siguiente lección, vamos a cubrir algunos de los principios básicos del diseño y el arte. 8. Principios del arte y el diseño: parte 1: [ MÚSICA] Para esta lección, voy a repasar los principios del arte y los principios del diseño. Ahora bien, esto es algo con lo que podría haber empezado esta clase, sin embargo, quería configurar esto la forma en que trabajo. Mencioné al principio cómo me gusta alejarme y moverme hacia adentro. Esto es parte de ese proceso para mí. Todos estos principios del arte y los principios del diseño de los que estoy hablando, estoy trabajando a medida que creo mi trabajo. Ya son parte de mí y de mi proceso. Probablemente son para ti lo sepas o no. Si eres completamente nuevo en el arte, o el diseño, o algo por el estilo, puede que no sepas que estos existen, pero probablemente las estés usando como ya trabajas. Me gusta usar esto como último paso en mi proceso porque probablemente no haya cambios importantes que necesito hacer, pero tal vez haya pequeños ajustes aquí y allá que pueda usar para hacer mejor mi trabajo. Para esta lección, voy a usar la tarjeta de felicitación y algunos otros ejemplos. primero es lo primero, ¿cuáles son estos principios? Como mencioné, estoy repasando los principios del diseño y los principios del arte. Aquí hay bastante solapamiento, pero hay algunas variaciones entre los dos. Voy a empezar con lo que ambos tienen en común. Ambos conjuntos de principios incluyen equilibrio y alineación, contraste, movimiento y repetición. Después el énfasis, la proporción y el espacio en blanco completan la lista de diseño. El ritmo, la armonía o la unidad, y la variedad completan los principios del arte. Algo importante que quiero enfatizar es que estas no son necesariamente reglas estrictas que hay que seguir, son más como pautas y lenguaje para usar al hablar de tu trabajo. En primer lugar, voy a empezar con lo que estos dos tienen en común. El primero es el equilibrio y la alineación. Eso significa que todo en tu trabajo tiene un peso para ello, y queremos mantener las cosas en equilibrio. Eso podría significar texto si se trata de un documento o diseño pesado de texto, colores, texturas, cosas así. Entonces la alineación también puede afectar la balanza desplazando el peso alrededor. Aquí tenemos, no voy a decir una alineación central, pero son divisiones en esta pieza. hay casi una línea corriendo y aquí en la tarjeta, están estos cuatro rectángulos diferentes. He tocado por ahí con la colocación en las escenas. Esta pareja de aquí, están en el centro de esta escena. Aquí, están espaciados. Es un poco asimétrico. Pero tengo algo de alineación aquí. Ahí hay una línea invisible con la parte superior de su cabeza. Tiene la espátula y luego las copas de estas palmeras. Ya estamos viendo esto un poco diferente a lo que estábamos antes. Se puede ver eso, creo que esto sí tiene una distribución bastante buena de lo que yo llamaría peso. Algunas cosas que representan eso sería de este color amarillo. Es muy brillante, por lo que llama la atención. Puedes entrecerrar los ojos hasta para ver este poquito mejor. A pesar de que algo que estoy notando ahora es, esto tiene una alineación. Hay casi una línea recta que va de este espacio entre estas ventanas hasta la cortina de aquí. Si fuera a editar esto o rehacerlo, podría ser un área que cambiaría. A lo mejor añadiría otra parte del telón o algo para romper eso porque eso no era lo que iba a buscar. Yo quiero que las cosas se vean naturales. Esto casi parece que lo hice a propósito, y definitivamente no lo hice. Te mostraré otro ejemplo muy rápido. [ RUIDO] Estos son parte de los 100 días de contenedores de los que hablé antes. Aquí tengo poca lata de melocotones. A mí me gusta este ejemplo porque es equilibrado de una manera diferente. A pesar de que esta zona ocupa mucho más espacio en comparación con esta pequeña franja en la parte inferior, ésta es pesada. Simplemente por tener este fondo verde oscuro lleva mucho peso. Este fondo blanco y este color naranja más claro, sí suman una cierta cantidad de peso por el espacio que ocupan. Pero en realidad es bastante equilibrado en mi opinión. Entonces por si fuera poco, repitió el verde con esta pequeña pestaña aquí. Entonces incluso este ejemplo de aquí, si estamos hablando de equilibrio, creo que esto es como la pequeña bomba, esta es la botella de perfume. Creo que esto equilibra la pesadez superior de la botella de perfume. Todo el peso está en la parte superior aquí. Simplemente por tener esta cuerda o tubo, supongo que dirías, y tener la bomba aquí abajo, solo agrega un poco de equilibrio. No parece que vaya a derrumbarse. Nuestro siguiente principio es el contraste. Siento que este es probablemente el más autoexplicativo, pero básicamente el contraste bajo o alto puede cambiar completamente el diseño. Siempre necesitarás cierta cantidad de contraste para diferenciar elementos unos de otros y texto del fondo. Cuanto más contraste entre elementos, más destacarán. Es importante recordar que el contraste puede referirse a algo más que solo al color. Puede referirse a texturas, patrones, fuentes, así sucesivamente y así sucesivamente. Creo que estos son dos ejemplos interesantes para mirar juntos. Aquí tenemos un contraste bastante alto entre las palabras aquí y luego este fondo muy claro. Tenemos este color carbón negro oscuro y un fondo crema. Entonces tenemos un contraste mucho más sutil entre esto, supongo, tal vez una pegatina, esta es una etiqueta en un paquete, y entonces esta sería la botella. No se destaca tanto. Todavía hay suficiente diferencia para deducir que se trata de una etiqueta en un paquete. Entonces esto es un poco más de un experimento en bajo contraste. Si eres alguien que usa maquillaje, que a veces pincel o bronceador vendrá en una combinación de colores que está muy cerca uno del otro y lo mezclas con tu pincel. Eso es lo que quería replicar aquí. Desde lejos, realmente no vas a ver esto, pero este es un ejemplo de bajo contraste intencional. Entonces un poco menos intencional es esta palabra, rojiza, aquí. Usé una pintura metálica y es difícil de ver. No estoy seguro si vas a poder ver esto en el video o no. En realidad sólo se puede ver si atrapa la luz de cierta manera. A continuación, tenemos movimiento. Movimiento se refiere a cómo se mueve tu ojo por la pieza. ¿ Qué ves primero, y luego a dónde va tu ojo después? En algo que es más ilustrativo, también puede referirse a cómo se demuestra la acción. Al mirar esta pieza, no hay necesariamente una tonelada de movimiento en cuanto a algo que me destaca enseguida porque las cosas están equilibradas, los colores, el contraste. Es una escena bastante organizada. No hay una tonelada de movimiento, diría yo, alrededor de toda la pieza. Pero dentro de estas escenas individuales, hay movimiento. Hay muy claramente movimiento con todos. Tienen las manos levantadas como si estuvieran agitando. También tenemos algo de movimiento aquí en la escena nevada de fondo. Eso indica algún movimiento. Parece que está nevando activamente. Éste podría ser un poco más estático porque aparte de su mano, que está tapada un poco, aquí no hay una tonelada de movimiento. A lo mejor eso sería algo que consideraría si rediseñara esto. Pero diría que en general a lo largo de todo, hay pequeños indicios de movimiento en estas diferentes escenas. Solo para mostrarte un ejemplo, no tengo un montón de ejemplos que sean realmente pesados de texto, pero creo que sería útil mostrar, esta es solo la lista de comprobación de esta clase. A pesar de que esto no está muy diseñado, todavía hay una sensación de movimiento. Parte de eso es, si eres un lector de inglés, lees de izquierda a derecha, por lo que tendemos a buscar siempre en esta esquina superior izquierda primero y luego bajamos de ahí. Ya que están atrevidos, esos destacarán. Pero aquí hay movimiento porque mi ojo inmediatamente salta a este título y luego a todos estos subtítulos. A continuación, me salto esto porque esto está agrupado, así que en realidad veo este segundo. Entonces salto aquí abajo, y luego salto un poco más por ahí. No es un gran movimiento. Esta no es una pieza muy diseñada, pero todavía hay algo de dirección y jerarquía aquí. A continuación tenemos patrón o repetición. Elementos repetidos en tu diseño crean consistencia y un lenguaje visual. Esto puede incluir fuentes consistentes, formas repetidas, líneas y símbolos, colores repetidos, y la lista sigue y sigue. La repetición puede ayudar a estabilizar el diseño. Esta es una pieza equilibrada aquí, cuando estaba hablando de movimiento, y parte de eso es por repetición. El repetido agitando la mano, ese es un tema a lo largo, y luego los repetidos estallidos de color con este amarillo, y luego, a pesar de que está bloqueado, el logotipo también se repitió a lo largo. Sin tener un logotipo abofeteado en medio de esto, tenemos el logo pegado en todo para que nunca pierdas sentido de cuál es el tema. Otra forma de repetición es simplemente por tener estos cuatro rectángulos. Eso crea una sensación de equilibrio y estabilidad. Creo que este podría ser uno de mis principios favoritos sólo porque se te cuela. No estaba pensando necesariamente mientras estaba creando esto, “Oh, voy a repetir estos rectángulos, o voy a repetir agitando la mano”. Tenía sentido lógico para el diseño. La repetición no significa que todo lo que haces tenga que tener rayas o lunares en él. Puede significar muchas cosas diferentes. Esos son todos esos principios compartidos. Voy a seguir y seguir con el resto de los principios del diseño, y luego pasaremos a los últimos tres principios del arte. 9. Principios del arte y el diseño: parte 2: El siguiente principio de diseño es el énfasis. Esto básicamente es preguntar, ¿cuál es la jerarquía de tu diseño? ¿ Qué ves primero, segundo, tercero, etc. Entonces un seguimiento a eso sería, es lo primero que ves lo más importante? Miramos antes ese ejemplo de invitación cuando estábamos hablando de legibilidad, legibilidad en texto. Esta es otra oportunidad para mirar la jerarquía, ver lo que se está enfatizando en un diseño. Una de las cosas que pueden enfatizar algo sería el contraste. Otra área sería también la repetición. Para este diseño, diría que el logotipo en realidad sí destaca bastante, a pesar de que aquí no lo puedes ver. Pero eso es algo que creo que está muy obviamente enfatizado, tal vez de una manera un poco más sutil, pero destaca bastante rápido cuando miras la tarjeta. Creo que este es otro buen ejemplo de énfasis, pesar de que en realidad sólo hay tres palabras al respecto. Pero primero ves gumption, luego ves el tagline, Be Bold. Ahora bien, si tuviera que añadir el nombre del producto, café azul frío en algún lugar de aquí, me gustaría que eso destaque, tal vez incluso antes de este pequeño lema Be Bold. Eso es algo en lo que yo pensaría. Creo que la razón por la que se incluye el énfasis en los principios del diseño es porque el diseño es un poco más sobre la resolución de problemas, que tal vez el arte por el bien del arte. A continuación tenemos proporción. Proporción se refiere a la relación entre el tamaño y el peso de los diferentes elementos. Volviendo a mi tarjeta de felicitación, te vas a cansar de ver esto, pero tengo esta clase, apuesto. Pero aquí tenemos muchos ejemplos de proporción. Tenemos a la gente son el foco principal. Proporción se utiliza para mostrar dónde se encuentran en el espacio. Podemos decir que los edificios de fondo aquí están más lejos en la distancia. Por la colocación de los edificios, podemos decir que en realidad están quizás más arriba en el edificio ellos mismos. Si estuvieran más abajo, tal vez sólo veríamos edificios yendo todo el camino arriba de fondo aquí, pero en realidad podemos ver las tapas de ellos. Tengo variación en proporción aquí. Podemos decir que está más cerca de la cámara. Está más atrás, ghrelin lejos. Después tenemos la puesta de sol y estas palmeras en la distancia. Para una ilustración nuestra proporción básicamente puede crear ilusiones ópticas. Todo esto está en tu único trozo de papel plano, pero aún así conseguimos un sentido de la escena y donde están las cosas por proporción y escala. También nos ayuda a enfocarnos en el punto principal. A pesar de que aquí pasa mucho en segundo plano, por las proporciones, sabemos que estas personas son más importantes que lo que está de vuelta aquí. Otra área donde podemos mirar proporción sería la proporción del amarillo brillante al azul. En general, se trata de una tarjeta verde azul. Realmente no hay tantos pedazos de amarillo aquí que hay tonos de azul. Digamos que este marco de ventana era amarillo y tal vez este póster de aquí era amarillo. A lo mejor sus paredes están pintadas de amarillo. Esto se sentiría completamente diferente, pero la relación entre amarillo azul aquí es bastante significativa. Ese es otro ejemplo de proporción, pesar de que no estoy hablando de tamaño, que podría relacionarse más con el peso del amarillo brillante. Lleva mucho peso aquí. Entonces nuestro último principio de diseño es el espacio en blanco. Ahora eso no es del todo lo aplicable aquí. espacio en blanco o el espacio negativo crea una sensación de equilibrio. Se puede utilizar para rodear un objeto o elemento para darle al ojo poco de espacio para respirar y es necesario, sobre todo cuando se trabaja con textos. Grandes cantidades de espacios en blanco también pueden ayudar a equilibrar texto pesado o diseños. Este no es el mayor ejemplo. Técnicamente no hay espacios en blanco aquí, pero hay algún espacio negativo. Negativo se refiere al espacio de fondo excepto que lo estás tratando como una forma. Por ejemplo, aquí vemos el skyline, pero esta es su propia forma técnicamente. Esto es azul oscuro cielo nocturno es una forma. De eso estamos hablando. Aquí no tengo una tonelada de espacios vacíos, pero están rociados por todo. Aquí realmente no hay nada en la tierra. El cielo está bastante abierto y vacío. En lugar de dibujar un sol y una puesta de sol completa, sólo estoy haciendo alusión a ahí aquí porque sí quería que hubiera algún lugar donde los ojos puedan descansar. No quería hacer esto súper ocupado o restarle demasiado a la escena. Eso es lo que traté de hacer en todos estos. Realmente este es el que más detalle porque aquí hay un pequeño plan en el alfiler de la ventana. Eso sí ayuda a crear una sensación de espacio. Pero traté de ser muy consciente de no hacer esto excesivamente abarrotado. Yo quiero que la gente entienda lo que es la escena manera bastante simple sin entrar en demasiados detalles. Pero sí tengo un mejor ejemplo de algunos espacios en blanco para ti. Al traer de vuelta esta invitación, se puede ver que tenemos mucho espacio en blanco por todos lados. Parte de eso es compensar este texto pesado realmente grueso al tener este espacio, tenemos espacio para respirar. No estamos abrumados por el texto. Incluso hay muchos espacios en blanco alrededor de este texto aquí porque uso una fuente tan ligera. Si usara algo más pesado y oscuro, estaría reduciendo el espacio en blanco y esto parecería mucho más ocupado. Pero he reducido algunos espacios en blanco al mismo tiempo al tener todo en todas las tapas. Si este fuera texto regular con mayúsculas y minúsculas, en realidad habría un poco más de espacio aquí. Aquí todo está en todas las gorras. Yo sí creo que hace que sea un poco complicado de leer. Dejamos aquí este ejemplo mientras pasamos a nuestros tres principios finales del arte. El primero de esos va a ser ritmo. ritmo es la relación entre diferentes elementos trabajando juntos a pesar de las diferencias de tamaño, forma, color, etc. Similar al movimiento. Pero puedes tener movimiento en una pieza sin ritmo. Ahí es donde el ritmo es un poco diferente. Es casi como movimiento más un poco de juicio ahí, estás juzgando si hay ritmo o no. Creo que la forma en que veo que en esta pieza es porque tenemos este sombrero aquí con el mismo patrón que el abrigo, pero está roto por su cara. Aquí hay una sensación de movimiento y ritmo. Pero al tener aquí su cara para romper el combo de sombrero y abrigo. Aquí hay poco más interés del que habría si esto fuera sólo un dibujo de abrigo o aunque te deshicieras de su cara, digamos que esto solo era un sombrero flotante y el abrigo. Todavía habría una sensación de ritmo ahí por el espacio en blanco que habría como esta rara brecha. Entonces de repente el abrigo, sería intrigante y tal vez un poco misterioso. Pero creo que definitivamente hay un sentido del ritmo aquí. No sólo se muestra su rostro, sino que su rostro también tiene un poco más de detalle, así que hay una especie de sombreado y ese tipo de contrastes contra este tipo de blanco plano con un patrón. Aquí no hay detalles de sombreado, es bastante sencillo. Déjame ver si puedo encontrar otro buen ejemplo de ritmo. Creo que esto en realidad también tiene un muy buen sentido del ritmo. Tenemos un movimiento muy claro aquí. Miro esta pieza y sigo esta línea aquí. Esta curva especie de imita un poco de esta curva. No exactamente, pero definitivamente se mueve por esta dirección desde arriba a la derecha hasta abajo a la izquierda. Entonces el ritmo tipo de viene de la repetición de los paraguas y estas olas oceánicas. Diré que éste es uno de los más difíciles de poner en palabras para mí, y no creo que sea el único para el que eso es difícil porque es tan subjetivo. Pero siento un fuerte sentido del ritmo con esto. A continuación, hablemos de armonía o unidad. Eso referiría a la repetición de formas, líneas, formas, colores, etc, ya que crean un sentido de unidad en una pieza. Creo que aquí sólo podemos mirar este mismo ejemplo. Piensa que hay un fuerte sentido de unidad y armonía, y eso se ve reforzado por los elementos que se repiten. Hablábamos de repetición y patrones antes. Esos van de la mano de la unidad. Aquí hay una mirada unificada. También lo describiría como tal vez como una sensación de paz o de integridad. No es que todo el arte necesite ser pacífico, pero puede ser una manera de entenderlo. Podrías tener armonía en una pieza muy oscura simplemente por la repetición de ciertas formas. Sólo mirando otro ejemplo aquí, creo que definitivamente hay una sensación de unidad con este ejemplo de rubor otra vez, por el motivo repetido del plad. Tenemos el círculo aquí, este círculo, luego el círculo del rubor. Apenas este tipo de cosas sutiles que se unen para hacer una pieza armoniosa. Después volviendo a la tarjeta de felicitación muy rápido, tocaré el ritmo. Creo que definitivamente hay un sentido del ritmo aquí. lo he mencionado antes, pero creo que parte de eso es una especie de repetición de la onda de mano repetida emparejada con las variaciones de las diferentes escenas. Ninguno de ellos es igual, el pueblo no está todo posado de la misma manera. No son cuatro parejas diferentes emparejadas. Tenemos uno emparejado, ambos levantando la mano. Una, él sólo tiene el brazo alrededor de ella y está sonriendo. Tienen sus sombreros y equipo de fiesta puestos, así que aquí hay suficiente repetición y variación para crear un sentido del ritmo. Entonces en lo que respecta a la unidad, siento que ya no necesito pegarme ahí en la cabeza con este proyecto. Pero definitivamente hay unidad aquí. Básicamente, todo lo que dije antes sobre la repetición en esta pieza realmente crea un sentido de unidad. Nada destaca por estar completamente fuera de lugar. Yo diría que lo único que hace un poco por mí es la textura de este árbol aquí, sólo porque no hay tan fuerte de un contraste entre texturas en ningún otro lugar. Realmente habría la única área que podría estar un poco fuera de línea con la unidad. Pero aparte de eso, creo que esta es una pieza muy bonita, unificada, armoniosa. Entonces, finalmente, nuestro último principio del arte es la variedad. Variedad espejos esa proporción sección que hablamos en los principios del diseño. La variación es lo que hace cualidades como el énfasis, la proporción, posibles cualidades como el énfasis, la proporción, o el contraste mezclando tamaños, formas, texturas, colores y más. Como hablamos antes con proporción, variedad va a funcionar de una manera muy similar, una variedad de escenas, una variedad de alineación y configuración. Esto sería increíblemente aburrido si todo pareciera igual. La variedad es realmente crucial para esta pieza, igual que son demasiadas otras. Te mostraré otro ejemplo. Volviendo a nuestra pequeña lata de melocotón aquí, podría tener todos estos melocotones de cara a una dirección y siendo muy estático y quieto. En realidad no habría nada de malo ello que pudiera parecer realmente agradable. Pero aquí mezclo la variedad al tenerlas volteadas y volteadas por todas partes. Las hojas se colocan en diferentes puntos. No todos son duraznos erguidos. No están en líneas súper rectas. Es un poco fortuito. Para mí, eso crea una divertida vibra caprichosa. Si las tuviera en filas diagonales estrictas como esta, todas las hojas apuntan hacia la derecha y hacia arriba, creo que se vería realmente lindo. Estaría contento con ello todavía, pero tendría un sentimiento diferente, un estado de ánimo diferente. Volviendo a nuestra invitación, variedad es realmente importante aquí porque eso es parte de lo que está creando énfasis y ese sentido de jerarquía del que hablé antes. Si esta fuera la misma fuente, del mismo tamaño, no se destacaría en absoluto. Realmente no se vería como una pieza diseñada. Te dejaré con una nota final antes de terminar esta lección, y es que estos son lineamientos. Estos están destinados a ayudarte a crear un buen trabajo. Estos son métodos probados y verdaderos para crear piezas de arte y diseño. Pero definitivamente puedes romper estas reglas y lineamientos. Este fue un resumen bastante rápido. Hay clases sobre Skillshare justo sobre esto. Si quieres afinar esas habilidades, recomiendo encarecidamente ver qué más hay por ahí en Skillshare. Mi objetivo es armarte con estas herramientas para editar tu propio trabajo. Pero hay mucho más en tu trabajo que seguir los principios del arte y el diseño. Entrémonos en la siguiente lección donde voy a cubrir cómo pedir comentarios a amigos y familiares, sobre todo cuando no son creativos. 10. Comentarios: [ MÚSICA] Incluso esta clase se trata de la auto-edición, criticar tu trabajo por tu cuenta. Sería negligencia si no te diera algunos consejos sobre pedir comentarios a otros. Por mucho que podamos tratar de salir de nuestras propias cabezas, todavía no se puede reemplazar retroalimentación de personas que son diferentes a ti, que tienen diferentes perspectivas, diferentes experiencias de vida, eso es todo realmente importante. Aunque no tengas un montón de creativos en tu vida, aún puedes pedir ayuda a familiares y amigos siempre y cuando les estés dando instrucciones muy específicas y tomando sus consejos con un grano de sal. En primer lugar, pensaría quién vas a pedir retroalimentación. Por ejemplo, tal vez a tu mamá le encanta todo lo que creas y todo lo que haces. Puede que no sea la mejor persona a la que acudir para recibir retroalimentación crítica. O tal vez conoces a alguien que es súper crítico y odia todo. Encontrarán algo mal todo lo que se les muestra. También pueden no ser la mejor persona de acceso para la retroalimentación. Esas son todas cosas a considerar cuando le estás pidiendo ayuda a alguien. A continuación es asegurarte de que estás pidiendo retroalimentación muy específica. Cuando estás compartiendo tu trabajo, no quieres simplemente presentárselo a alguien y preguntarte si le gusta o no, o muchas preguntas de sí o no. A veces a alguien puede realmente gustarle algo, pero no pueden articular por qué. Lo mismo pasa si a alguien realmente no le gusta algo. Esto puede suceder cuando estás pidiendo comentarios a familiares y amigos, o incluso a veces un jefe o un cliente. Por eso siempre es importante pedir retroalimentación específica. Un ejemplo es que se puede decir: “Oye, por favor mira este cartel que diseñé. Yo quiero saber, ¿es claro el mensaje? Puedes decirme cuáles las partes más importantes de este cartel y hay algún error tipográfico?” Al hacer esas preguntas, realmente no estás pidiendo retroalimentación sobre el look o la paleta de colores pero están trazando preguntas a las que la gente podrá responder. Otras preguntas a evitar, como te gusta esto son, ¿qué opinas de este diseño? ¿ Cómo te gusta? ¿Esto es bueno? Cosas como esa están todas muy basadas en la opinión. Si estás pidiendo retroalimentación de estas personas, puedes pedir sus opiniones, pero solo debes saber que vas a obtener un tipo diferente de retroalimentación que podría ser muy subjetiva. Algunas mejores preguntas que hacer serían ¿qué emociones te hace sentir esto? ¿ Cómo te hace sentir? ¿ Ves un mensaje detrás de esta pieza, si es así, qué es ese mensaje? ¿ Este estilo te recuerda cierto lugar y hora? Si es así, ¿cuándo y dónde? Algo que es importante como parte de este proceso es recordar, sobre todo si estás pidiendo ayuda a amigos y familiares, es que te están haciendo un favor. Les estás pidiendo que miren algo y lo miren con ojo crítico. No quieres ponerte a la defensiva si dicen algo con lo que no estás de acuerdo o tal vez hiere tus sentimientos. Como artista y diseñador o cualquier tipo de creativo, vas a tener que esperar cierta cantidad de retroalimentación negativa. Aunque su retroalimentación parezca negativa, intenta mirarla objetivamente y alejarla una vez más. No están tratando de lastimarte ni atacar tu trabajo. Es importante tratar de no tomar las cosas demasiado personalmente. Ahora, alguien podría ser un total imbécil para ti. Eso siempre es posible. Pero lo más probable es que realmente estén tratando de ayudarte. Algo podría ser difícil de escuchar, pero puede ser que sea la retroalimentación que necesitas escuchar. Por último, como dije antes, llévate todo con un grano de sal. Este es tu proyecto. Tú eres el encargado. Puedes tomar y dejar ciertas piezas de retroalimentación y decidir qué tan cruciales o benéficas son. Sé que estoy diciendo dos cosas aquí. Mantén la mente abierta, escucha a los demás pero el punto principal es solo mantener una cabeza fría. Toma la retroalimentación y sigue como más te convenga. Si aún no estás seguro de cómo para pedir comentarios, hacerpara pedir comentarios,sí tengo algún lenguaje de muestra en los recursos de la clase, así que asegúrate de revisarlos. Una nota final sobre pedir retroalimentación es que siempre puedes buscar grupos de artistas en Facebook o Reddit, o puede ser incluso en tu comunidad, grupos que se reúnan en persona. Si quieres retroalimentación de otras creatividades, definitivamente hay recursos por ahí. [ MÚSICA] 11. Proyecto de clase: Ahora te toca aplicar todos estos principios, y las herramientas y trucos que compartí contigo a tu propio proyecto. En primer lugar, escoge un proyecto para criticar. Puede ser una obra en curso, o algo que hiciste hace unos años. El punto es mirarlo con ojos frescos usando lo que aprendiste en esta clase. Después pasa por el proceso en la clase para valorar tu trabajo. Para agregar a tu proyecto de clase aquí en Skillshare, ve a la pestaña de proyectos de clase, y sube una imagen de tu trabajo, y establece claramente cuál fue tu misión, meta o resumen del proyecto. Después comparte algunos descubrimientos y conclusiones que hiciste, lo que está funcionando bien, y lo que podría mejorarse. No olvides que los primeros cinco alumnos publicar un proyecto de clase, recibirán una crítica completa de mi parte que compartiré contigo en privado. 12. Conclusión: Eso es todo para la clase de hoy. Espero que te sientas más confiado criticando tu propio trabajo y autoedición. No olvides consultar la pestaña de recursos de clase de esta clase. Ahí es donde encontrarás una lista de comprobación crítica que puedes usar para hacer este proceso por tu cuenta. También encontrarás enlaces ahí dentro a los principios del arte y a los principios del diseño. También quiero dejarles con un recordatorio de que así es como trabajo. Este es el proceso que uso para criticar mi propio trabajo. medida que te conviertas en un artista o diseñador más desarrollado, surgirás tus propias formas de editarte tú mismo. Siéntase libre de agregar y quitar de esta lista. Te recomiendo que tomes notas y seas observador mientras trabajas. A lo mejor encontrarás algunas cosas que quieres agregar y quitar de este proceso que te funcionen mejor. Muchas gracias por ponerte crítico conmigo hoy. Por favor tómese un momento para dejar una reseña. Al tomar esta clase, estoy seguro de que no hace falta decir que tus comentarios son muy importantes para mí y para todos los profesores aquí en Skillshare, por lo que podemos asegurarnos de que siempre estamos mejorando nuestras clases. Puedes seguirme aquí en Skillshare para nuevas clases y visitar mi página para ver todos mis cursos pasados. También puedes seguirme en Instagram @ShaynaSellArt para las últimas actualizaciones. Nos vemos en la siguiente clase. [ MÚSICA]