Pintura con acuarelas: explorando los bordes para el enfoque y el interés: naturaleza muerta de cítricos.

1. Introduccion: Algo que puede ayudar a transformar y marcar una gran diferencia en nuestras pinturas son los bordes. Y en esta clase, vamos a echar un vistazo a algunos de los conceptos básicos. Oye, ahí. Yo soy Tanja Soy un artista radicado en Dinamarca, y me emociona tenerte aquí. En esta clase, trabajaremos juntos a través de una pintura Clementina desde el boceto inicial hasta la pintura final Vamos a echar un vistazo a los suministros, echar un vistazo a algunos de los conceptos básicos cuando se trata de diferentes tipos de bordes. Haremos un ejercicio que nos ayudará a practicar la planificación de nuestros bordes. Y juntos, trabajaremos nuestro camino a través de la pintura desde las capas base iniciales hasta la forma de construcción y hasta las texturas y toques finales. Lo que espero que obtengan de esta clase es comprender cómo los bordes pueden ayudarnos a mejorar nuestras pinturas creando un punto focal y aportando atmósfera e interés. Entonces, si eso te suena divertido, saltemos directamente a ello. 2. Materiales: Echemos un vistazo a los suministros. Para esta clase, vamos a necesitar algunos waterclos. Por lo menos, vas a necesitar alguna versión de tus primarias, una roja, amarilla y una azul, pero es posible que también quieras sacar tus naranjas favoritas o incluso verdes Hablaremos de eso en la clase. Necesitarás un poco de papel. Voy a estar usando fabriano artistico papel algodón extra blanco, prensado en caliente Pero puedes usar cualquier papel de acuarela que quieras. Y entonces es posible que también quieras tener algunos trozos de papel de desecho o papel de bosquejo, boceto de flores y ejercicio Así que cinta adhesiva para bajar tu papel y algunos pinceles. Estaré usando dos pinceles en la clase, este de meten, que será mi pincel principal durante todo el proceso de pintura Y luego este, que es solo un pincel barato que voy a usar para ayudar a mezclar y levantar mis pinturas, un lápiz y uno o dos gomas de borrar, un paño y algún pañuelo para limpiar nuestros pinceles y para ayudar a levantar pintura y algo de agua. Empecemos. 3. Clementina: boceto: Va a comenzar por crear nuestro boceto. Y aunque siempre te animo a crear el tuyo propio, también voy a estar agregando el mío a la pestaña de proyectos y recursos para que los uses si lo prefieres. Y, por supuesto, también puedes rastrear para hacer referencia a cualquier opción que te guste el sonido de Adelante, hazlo. Entonces veamos. Empecemos por la propia Clementina. Vamos a necesitar algo cercano a un círculo. Entonces dibujemos eso solo para hacernos una idea de la ubicación. Si entonces imaginamos una línea por el centro, el tallo va a estar justo fuera del centro, tal vez en algún lugar por aquí. Y entonces podemos echar un vistazo más de cerca a la forma de la Clementina Entonces lo queremos un poco más plano aquí en la parte superior con un par de divots o Entonces va a salir. Abajo y alrededor de algo como esto. No tiene que ser perfecto. La comida es muy indulgente. No importa si lo hacemos más redondo o más plano en comparación con nuestra referencia. Todavía va a parecer una Clementina. Y una vez que tenemos eso, podemos buscar cosas o proporciones que puedan ayudarnos a llegar al siguiente paso. No hay mucho que podamos usar, pero el tallo va a ser más corto que la altura de la fruta, tal vez por aquí. Va a subir va a haber una pequeña curva. Y luego va a subir con un ligero ángulo. Siéntase libre de sostener su lápiz a su referencia para ayudar a medir el ángulo exacto. Pero igual que con la forma de la clementina misma, no tiene que ser perfecta Entonces va a bajar. Y nuevamente, podemos medir el ángulo, pero también podemos mirar la forma del espacio negativo e intentar obtener una forma triangular similar. Quiero decir, los botánicos pueden moverse. Puedes hacer que tu tallo se vea como quieras. Para esta hoja principal, necesitamos que baje del tallo, y luego va a entrar frente a la Clementina Y va a haber una curva o torcedura afilada. Y si fuéramos a cortar la Clementina por la mitad horizontalmente, esto estaría justo por encima de esa Puede que no tengamos mucho que seguir, pero se trata de encontrar estas diferentes formas y proporciones que puedan ayudarnos a desglosar y simplificar nuestros temas. Et está limpiando eso un poco, ve a aligerar el boceto y repasa todo de nuevo, tratando de seguir realmente las formas, curvas y ángulos que estamos viendo en la foto Como dije, no tiene que ser exacto. Si nuestro fruto es más ovalado o el tallo es más corto o más largo, seguirá pareciendo una Clementina Y si quieres cambiar algunas de estas proporciones a propósito, definitivamente adelante y hazlo. Es tu pintura. Puedes hacer lo que quieras. Pero tratar de seguir y copiar lo que vemos sigue siendo una gran práctica. A menudo subestiman el poder del boceto porque la parte divertida es llegar a agregar pintura Pero practicar el boceto nos ayuda a mejorar la coordinación de ojos y manos , la memoria muscular y la precisión general, todo lo cual puede ayudar a mejorar nuestras habilidades de pintura, especialmente con medios como la acuarela, donde siempre podemos pintar sobre nuestros errores con más pintura Y luego una vez que hayamos terminado de limpiarlo, vamos a transferir a papel de acuarela y pasar a la siguiente lección. He transferido el mío a una pieza que es de seis por 6”. Puedes hacer la talla que quieras, pero te recomiendo no ir demasiado pequeña. 4. Conceptos básicos: tipos de bordes: Antes de empezar a jugar con la pintura, vamos a echar un vistazo a algunos conceptos básicos cuando se trata de bordes. Cuando escuchas a alguien hablando de bordes, generalmente hay tres o cuatro tipos. Duro, que, como suena, son duros o nítidos. Firme, todavía bastante crujiente, pero un poco más suave. M. Soft, que va a parecerse muchísimo firme en este ejemplo, pero idealmente queremos que firme sea más crujiente y suave para estar bien, suave. Normalmente solo saco firme de la ecuación y simplemente digo menos o más suave. Saber cómo llamarlos no es tan importante, pero saber cómo afectarán a nuestra pintura lo es. Por último, hemos perdido aristas. Aquí es donde ya no tenemos un borde o donde puede ser difícil ver dónde se detiene un borde y comienza el siguiente. Entonces, ¿cuándo usamos bordes duros versus blandos o perdidos? Cuatro de las principales formas que podrías elegir usarlos podrían ser, primero, enfoque versus fuera de foco. Entonces, como ejemplo, cuando tienes dos objetos en marco, el más cercano a nosotros suele ser más nítido, mientras que el que está más atrás puede parecer un poco borroso, pero también podríamos tener que sea al revés En cualquier situación, el uso de bordes duros o nítidos ayudará a atraer el enfoque hacia o al sujeto, y los bordes suaves ayudarán a enfocarse menos en un sujeto. También podríamos tener una porción de un tema crujiente y el resto del sujeto ser suave. Mismo efecto, ahora hemos tomado una decisión consciente que afecta hacia dónde va a mirar el espectador. El segundo camino es la luz contra la sombra. Es posible que hayas escuchado a alguien decir bordes duros en luz y bordes suaves en sombra. Esa es una vieja regla general. Creo que la forma más fácil de explicar esto es si apagaras la luz de la habitación en la que estás sentado ahora mismo y agregaras una pequeña fuente de luz local en alguna parte. Cuando algo está bien iluminado, en este caso, los objetos cercanos a esa luz. Suelen ser más fáciles de ver con claridad, mientras que cuando algo está en la sombra, puede ser más difícil distinguir entre diferentes formas y objetos. Todo tipo de difumina juntos. Entonces, si íbamos a pintar estas manzanas, en lugar de simplemente pintarlas tal como las vemos, podríamos optar por suavizar los bordes dentro del área de sombra para así de manera simple y efectiva agregar más interés a la pintura La tercera forma es mostrar la forma, y esto se puede utilizar de diferentes maneras, pero el ejemplo más básico sería imaginar un cubo o algún tipo de bloque versus una esfera o algo con forma redondeada. Darle al cubo bordes nítidos y la esfera bordes firmes o suaves puede ayudar a enfatizar su forma y nuevamente, hacer que la pintura sea más interesante. La cuarta forma es el gusto personal. Todas estas reglas o lineamientos se pueden romper. Vale la pena ser consciente de cómo las elecciones afectan tu pintura porque algunas cosas simplemente pueden funcionar mejor que otras dependiendo de la situación. Al final, el arte es subjetivo, y si prefieres mirar de cierta manera, no te voy a decir que te detengas. Vamos a hacer un ejercicio para ver cómo los diferentes tipos de bordes podrían afectar nuestra pintura. Pero primero, escojamos algunos colores para trabajar. 5. Elección de nuestra paleta de colores: Vamos a elegir nuestra paleta de colores, así que saca tus pinturas. Mirando nuestra referencia, definitivamente necesitamos un poco amarillo y naranja. Entonces empecemos por ahí. Para nuestro amarillo, si queremos colores agradables y soleados, suele ser mejor elegir un amarillo que se incline más cerca del naranja o el rojo en la rueda de colores. Podríamos usar un tono col o verde inclinado amarillo justo donde está ese resaltado Pero por ahora, vamos con un amarillo más cálido. Voy a probar la luz amarilla permanente, que es un color que probablemente me hayas visto usar antes. Es un amarillo muy bonito, fuerte. Por supuesto que necesitamos un poco de naranja. Todos sabemos que mezclar amarillo con rojo nos va a dar naranja, así que definitivamente esa es una opción. Y de manera similar al amarillo, si queremos colores brillantes y soleados, queremos un rojo que se incline más cerca del naranja o el amarillo en la rueda de colores, entonces un rojo cálido. Este es el lago escarlata. Si los mezclamos, obtendremos una naranja hermosa y limpia. Y si añadimos un poco más de nuestro rojo, podremos obtener algunos de esos tonos más profundos. Estos podrían funcionar perfectamente bien para esta pintura, pero si tienes algunas naranjas premezcladas en tu paleta, puede valer la pena echarle un vistazo a Uno de mis favoritos absolutos es el naranja brillante. Ahora bien, no necesitas este color específico. No es una necesidad, y mucha gente preferirá el aspecto de la otra mezcla. Pero agregar ese naranja premezclado como color de transición significa que ahora tenemos la versión más limpia tanto de amarillo, naranja como rojo Vale la pena señalar que diferentes colores darán diferentes resultados. No todos los rojos y amarillos van a crear las mismas naranjas, y no todas las naranjas premezcladas se mezclarán bien con todos los Es posible que tengas colores en tu paleta que van a funcionar aún mejor, así que juega con los colores que tienes disponibles para ti y elige los que quieras usar. A continuación, vamos a necesitar un poco de verde para las hojas. Si tienes algunos greens pre hechos en tu paleta que te encanta usar, ve a por ello. No tengo ninguno en esta paleta, así que voy a necesitar al menos un azul. Vamos a empezar con el amarillo que ya hemos escogido. Si agregamos un azul que esté más cerca del verde o el amarillo en la rueda de colores, teóricamente, deberíamos conseguir algunas mezclas más limpias o de aspecto fresco Y si nos mezclamos con un azul que se inclina más cerca del rojo, obtendremos más de ese tono oliv o más sucio luciendo verde Pero como estamos trabajando con un amarillo más cálido, también es importante tener en cuenta que cambiar el amarillo por una versión más inclinada en verde también afectará el resultado Ambos de arriba podrían funcionar, y sí tenemos un poco de verde más brillante muestra en esas pequeñas hojas en el dorso. Probablemente no usaría la combinación de fondo puramente porque es más de un verde neutro. Cuando tienes un color ya neutro, no puedes usar la mezcla para hacerlo más brillante, que significa que no necesariamente podremos obtener esos verdes más brillantes para las hojas en la parte posterior. Pero puedes tomar un color ya brillante y hacerlo más neutro. Entonces, usar una de las combinaciones más brillantes nos va a dar más opciones de color. Voy a ir con la segunda opción usando amarillo claro permanente y azul pavo real También vamos a necesitar algunos tonos marrones para una porción de la hoja y el tallo. Si mezclamos nuestra causa primaria, vamos a conseguir nuestros neutros, pero también eres más que bienvenido a traer algunos tonos tierra de tu paladar. Tú eres el jefe. Y eso es realmente todo lo que necesitamos para este cuadro. , voy a traer un color más Sin embargo, voy a traer un color más, pero este es opcional. Si me conoces, sabes que me encanta usar acuarelas rosas y magenta para mis mezclas, así que voy a agregar en rojo quinaquidon Con esto, podré hacer algunos tonos morados de aspecto decente porque el lago escarlata, que elegí para mi rojo, no podrá producir tonos morados de aspecto particularmente agradable Y a pesar de que no necesitamos el morado para el cuadro, porque el morado y el azul son complementarios al naranja y al amarillo, creo que podría agregar un toque agradable para el fondo. 6. Ejercicio: planificar nuestros bordes: Vamos a hacer un ejercicio que nos pueda ayudar a planificar nuestra pintura. Así que pongamos algo de pintura en nuestra paleta. No te preocupes por los colores exactos o las mezclas de colores. No es importante para este ejercicio, pero voy a sacar algunos tonos amarillos, algunos anaranjados, algunos deba naranjas, y algunos verdes. Entonces, si tuviéramos que pintar esta Clementina tal como la vemos, teniendo en cuenta que se trata teniendo en cuenta que se trata un boceto waterclo muy áspero Podría verse algo así. Voy a pintar la Clementina. Agrega en algunos tonos diferentes de naranja y amarillo. Podemos añadir el tallo y las hojas. Esta es una pintura Clementina perfectamente buena, ¿verdad? Sólo asiente con la cabeza y di que sí. Gracias. Pero lo que podemos hacer entonces introduciendo bordes blandos o perdidos es crear un punto focal o múltiples puntos de interés, y podemos hacerlo sentir vivo y menos rígido. A modo de ejemplo, si mantenemos duros los bordes de la Clementina y luego usamos bordes muy suaves o últimos en la hoja y el tallo, vamos a terminar con algo así Ahora, tenemos mucho enfoque en la clementina en sí, pero no necesariamente en el buen sentido a menos que esto sea exactamente lo que querías, claro Y si lo hicimos al revés, manteniendo el tallo y la hoja crujientes. Así, ve a agregar eso en. Y luego usó bordes blandos o perdidos para toda la Clementina Y tal vez estemos exagerando el efecto. Ahora, todo el foco se ha desplazado hacia la hoja, y simplemente se ve un poco tonto, algo genial, pero sobre todo tonto. La clave es averiguar qué parte quieres potenciar o qué partes son las más importantes frente a qué parte puedes jugar sin perder la integridad o legibilidad del sujeto Aparte de crear foco, piensa en bordes duros como los bloques de construcción más esenciales en tu proyecto, la estructura básica, algo que permita al espectador leer o identificar el tema. No hay reglas establecidas para dónde tienen que estar, pero queremos suficientes de ellas y que estén en los lugares adecuados para que podamos ver y entender lo que estamos viendo. Empecemos por la propia Clementina. Me encanta lo más destacado y la textura alrededor de esta zona. Así que mantengamos esto crujiente. Tenemos el lado de la sombra por aquí. A pesar de que no es necesario seguir todos los bordes calientes en luz y bordes suaves en sombra, ese podría ser un buen lugar para tener algunos bordes suaves o perdidos. Pero también queremos mantener la legibilidad de nuestro tema Entonces, ¿y si mantuviéramos este borde crujiente? Así como la parte inferior justo aquí, dándole algo de peso y haciéndola sentir a tierra. Y entonces podríamos simplemente perder la ventaja por aquí. Y si quisiéramos realzar la forma redondeada, podríamos suavizar ese borde justo por encima de este, solo un poquito No tiene que ser mucho. mí me gusta esto, pero creo que podemos jugar un poco más con él. ¿Y si agregamos algunos bordes blandos o perdidos aquí arriba? Eso se ve un poco divertido. Esto es solo una estimación de brújula visual, algo que puede guiarnos, asegurarnos de que tenemos un plan antes de comenzar. Pero siempre podemos hacer ajustes ya que estamos trabajando en la pintura. Et le echan un vistazo al tallo y las hojas. Queremos asegurarnos de que al mirar la pintura nuestro ojo va a recorrer todo el camino alrededor del tema, o al menos ese sería mi objetivo para este. Así que quiero mantener esto de aquí arriba crujiente, y entonces no creo que quiera meterse demasiado con el resto del tallo. Aunque podríamos suavizarlo un poco, tal vez con algunos bordes firmes o ligeramente suaves Con la hoja principal, creo que va a tener más sentido si mantenemos la porción interna crujiente o dura justo en contra de ese resaltado, que va a ser nuestro principal punto focal. Por lo que realmente queremos el mayor detalle en esta área. Y luego por lo demás, podemos jugar con una mezcla de bordes suaves y duros. A lo mejor algunos bordes perdidos abajo cerca del fondo de la hoja por aquí. Mantenga la porción superior crujiente. Y entonces tal vez hacer esas pequeñas hojas usando bordes muy suaves o perdidos. Por último, para esos pequeños tallos, no estoy del todo seguro. Podríamos mantenerlos crujientes, pero también podríamos jugar con bordes suaves o perdidos. ¿Qué tal si solo vemos cuando llegamos ahí, esas decisiones finales mientras estamos pintando? Sé que esto puede parecer confuso o desordenado, pero ojalá vaya a tener más sentido a medida que avanzamos a través de la pintura Voy a agregar un par de fotos de referencia adicionales que he tomado a los proyectos y recursos. Esto es tarea opcional. Pero si quieres tener una jugada con la planeación de bordes duros, suaves y perdidos, tal como hemos hecho con esta, me encantaría ver lo que se te ocurre. No hay que hacer que se vea avanzado o pulido por ningún medio. El objetivo es simplemente averiguar dónde desea sus puntos focales o múltiples puntos de interés versus dónde es posible que desee agregar algunos bordes más suaves. Y lo mejor es que pesar de que hay pautas, no hay reglas establecidas. Puedes hacer lo que quieras o lo que sientas que se ve bien. Pero por ahora, comencemos con nuestra pintura. 7. Clementina: capa base: Vamos a empezar con la pintura, y comenzaremos con la clementina o la propia fruta Pero primero, vamos a aligerar nuestro boceto. Voy a tratar de hacerlo que todavía puedas ver el mío, pero quieres aligerarlo tanto como te sientas cómodo con, especialmente en las zonas donde queremos esos bordes perdidos o blandos, que por el bien de facilitar las cosas, probablemente voy a estar refiriéndome a los más así como suaves, muy suaves o ligeramente suaves o algo parecido a eso naturaleza. No tenemos que ser formales al respecto. De acuerdo con nuestro plan, queremos mantener la porción principal crujiente y luego tener algunos bordes suaves cerca de la parte superior. Tal vez algo de suavidad leve a medida que nos movemos hacia abajo, y luego queremos permitir que el borde se disuelva completamente o se mezcle sobre la parte inferior, manteniendo aún suficiente de la estructura o forma básica. A continuación, vamos a poner algo de pintura en nuestra paleta. Queremos amarillo, naranja, algunas naranjas más profundas que podamos hacer aumentando la cantidad de rojo e incluso mezclando en un toque de azul para algunos tonos más neutros No te estreses por obtener las proporciones exactas. Aquí estamos cocinando sin receta. Va a estar perfectamente bien. Ya sea que tu pintura termine siendo más amarilla o más roja, un poco más clara o más oscura, no es importante. Solo queremos divertirnos con este cuadro. Bien, la palabra clave para esta lección es valentía. Sé valiente. Téngalo en mente. Para el primer lavado, vamos a establecer dónde van los diferentes colores, así como conseguir algunos de esos bordes suaves en su lugar. Vamos a mojar nuestro papel, y donde queramos esos bordes suaves, vamos a mojar el papel fuera también vamos a mojar el papel fuera de nuestro boceto. Es posible que tengas que ir más de una vez para asegurarte de que esté bien saturado, especialmente si estás trabajando en papel de prensa caliente como yo. Queremos la mayor cantidad de tiempo de trabajo posible. Entonces simplemente vamos a empezar a traer nuestros diferentes colores, empezando por el amarillo justo alrededor de ese resaltado. Y si la pintura comienza a sangrar en el propio resaltado, debes tisular y aplicar el área para levantar el pigmento Entonces podemos hacer la transición a naranja, y puedes hacer esto ya sea colocando un lavado fino de naranja sobre una base amarilla, o podemos mezclar algunos de nuestros colores para crear un tono naranja más amarillo A partir de aquí, podemos traer un naranja más profundo, y vamos a seguir todo el camino siguiendo los colores aproximados que vemos en nuestra referencia. No tengas miedo de entrar con capas saturadas de color. Es una fruta de colores brillantes que empaca ponche. Podemos darnos el lujo de ser valientes. Como ve, no me preocupa que se vea perfectamente suave. Está bien tener algo de textura para este proyecto. No quiero volverme loco con los bordes en la primera capa, pero sí quiero asegurarme de que haya un bonito borde suave en el que luego podamos construir. Entonces por ahora, voy a colocar el color, y luego voy a vigilarlo a medida que se asiente Y luego, si es necesario, podemos empujar el pigmento de nuevo en su lugar. En mi clase de sketbook de acuarela donde pintamos cerezas y sandía, hablé de cómo este tipo particular de pincel es mi favorito para crear incluso lavados Aunque no es un problema para este proyecto, sí significa que mis paños no fluyen tanto en el papel en comparación con si hubiera estado usando un cepillo diferente, simplemente porque hay menos agua presente Entonces por eso, tal vez quiera ayudar a esto agregando un poco más de agua. Lo único a tener en cuenta es que cuando vuelves a un lavado húmedo, quieres evitar tener más agua en tu pincel y mezcla de pintura que la que está presente en la superficie del papel. Porque si entras con más agua, va a crear un retroceso de pigmento y terminaremos con flores No tenemos que apresurarnos, pero tampoco queremos que el papel empiece a secarse demasiado porque necesitamos que siga siendo bastante húmedo para la siguiente etapa, o al menos muy húmedo. Siempre podemos entrar con más capas, así que no necesitamos poner todos los autos y matices en su lugar en el primer lavado. Pero sí queremos intentar poner algunos de los autos principales en su lugar. Ahora, mientras el papel todavía está húmedo o tal vez incluso muy húmedo, vamos a deshacernos de la mayor parte del agua de nuestro pincel y entrar y algo así interrumpir la pintura. Esto va a provocar algo de levantamiento, lo cual está perfectamente bien, pero nuestro objetivo no es necesariamente levantar un montón de pigmento. Queremos empezar a traer algo de esa textura que estamos viendo en nuestra foto. Moviendo mi pincel en pequeños movimientos circulares, imitando la textura en la referencia, pero no estamos buscando la perfección, pero no estamos buscando la perfección, y la pintura se fundirá y moverá algo de nuevo Eso está bien. Básicamente estamos haciendo todas las cosas que normalmente tratamos de evitar, pero esta vez está permitido. Por aquí, tenemos una reflexión. Entonces veamos si podemos sacar algo de esa textura levantando la pintura. Algo así, no tiene que ser la forma exacta. Similar es lo suficientemente bueno. Eso se ve bastante bien. No queremos volvernos locos, pero sí queremos perturbar la pintura y obtener algo de esta textura. Así que solo diviértete. Y si no se puede decir, me encanta pintar cítricos. No quiero hacer demasiado más porque mi papel está empezando a secarse y esta es solo la capa base. Pero estamos empezando a ver la visión, ¿verdad? Es un poco rudo, necesita un poco más de ajuste, pero estamos llegando a alguna parte. Así que dejemos que esto se seque completamente para que podamos comenzar con alguna textura adecuada. 8. Clementina: mejorar la forma: Antes de entrar con más pintura, voy a ver si puedo deshacerme de estas líneas de lápiz. Tu capacidad para hacer esto puede depender algunos factores como el tipo de papel que estás usando, así como la cantidad de pintura que ya hay en la superficie. El papel de algodón es bastante resistente y puede soportar algunos roces. Y así generalmente, siempre la capa de pintura sea bastante delgada, deberíamos poder borrar o al menos aligerar el boceto Está bien agregar presión, pero si no lo has hecho antes, comienza con un pequeño parche de prueba para ver cómo reacciona. Eso ya se ve mucho mejor. Vamos a trabajar tanto en algunas de las texturas más grandes como en el sombreado en esta lección Si quisiéramos, podríamos entrar con un lavado en todo el asunto, pero a menudo me resulta más fácil enfocarme en secciones pequeñas a la vez. Empecemos por echar un vistazo a los tonos de sombra daka por aquí Vamos a mojar el papel. Y luego comenzando desde abajo donde tenemos el menor detalle, vamos a comenzar con algunos de los tonos más neutros, agregar eso, y construir la sombra y los valores. A medida que avanzamos hacia arriba y a medida que el papel comienza a secarse, podemos traer más de los rojos profundos y las naranjas profundas Queremos intentar seguir las formas que estamos viendo en la referencia, así como algunas de las texturas y detalles desde donde la sombra se encuentra con la luz reflejada. No estoy tratando de ser súper preciso en absoluto. Solo quiero un look similar, y estoy centrando la mayor parte de mi atención en los diferentes tonos de color. Y aunque sí queremos intentar conseguir colores similares, los valores son los más importantes. Aquí es donde realmente sale la forma. Ya está empezando a tomar forma, y vamos a entrar con aún más detalle en la siguiente capa. Si queremos traer algo de esta textura a partir de la luz reflejada, podemos levantar parte del pigmento mientras aún esté húmedo. Entonces queremos dejar que eso se seque, y mientras tanto, podemos trabajar en la siguiente sección. Lo único es que queremos asegurarnos de no entrar con más agua a la sección que actualmente se está secando. Entonces, si tu papel ya está húmedo, posible que quieras dejar que se seque completamente antes de continuar con el siguiente o vigilarlo si tocas esas partes. Voy a ver si puedo agregar con cuidado un poco de pintura encima de esa primera sección. No voy a entrar con mucha agua en absoluto, solo aplicando ligeramente la pintura en la parte superior para fusionar algunos de estos tonos de sombra. Para las vainas justo debajo de la hoja, voy a ir en húmedo y seco Se puede ir en húmedo y húmedo, pero a veces controlar la intensidad y el valor es más fácil al entrar en papel seco. Voy a entrar con una buena mezcla saturada. Así que tonos neutros aquí arriba cerca de la parte superior, y luego voy a limpiar y limpiar mi cepillo, dejar que se seque por unos segundos, y difuminar los bordes. No tengo ningún patos profundos mezclados, así que voy a agregar los tonos profundos en la siguiente capa Quiero que esto sea realmente vibrante. Y algunos un poco más de amarillo a naranja a lo largo del borde y lo blentan. Por último, vamos a hacer algunos levantamientos ligeros. Así que voy a agarrar mi otro cepillo un poco menos suave y entrar aquí mismo donde vemos que esa línea baja. Deshazte de algo de eso. No demasiado. Así que aquí arriba también, potenciando esa textura y forma a partir de la forma de la fruta. Refina las sombras así como así. Y aún así el objetivo no es intentar copiar exactamente la referencia. Puedes si quieres, pero no es necesario para obtener un buen resultado. Por último, podemos echar un vistazo a la reflexión OA a la derecha. Y nuevamente, queremos refinar un poco esta forma. No te preocupes si tu reflejo es demasiado ligero en valor menos dos. Vamos a arreglar eso una vez que entremos con más detalle. Un poquito aquí arriba también. Realmente está empezando a unirse. Y honestamente, para más de un look típico de acuarela, podrías dejarlo AS. De cualquier manera, pongamos una capa de jarrón sobre las hojas y el tallo. 9. Hoja y tallo: capa base: Voy a voltear mi paleta porque todavía no quiero deshacerme de estas mezclas de pintura, pero tampoco quiero que mi paleta ocupe demasiado del marco. Vamos a mezclar algunos verdes y marrones. Y igual que con la Clementina, no te preocupes por obtener exactamente las mismas proporciones o mezclas de colores Voy a intentar crear unos greens más limpios y frescos a la derecha. Y luego a medida que me muevo hacia la izquierda, voy a añadir no sólo más azul para algunos tonos más profundos, sino que también introduciré algo de rojo y naranja a la mezcla, lo que va a ayudar a neutralizar el verde y darnos una variedad de tonalidades marrones Los colores exactos realmente no son importantes. El valor es mucho más importante que el color, pero trata de crear algunas mezclas que tengan más tonos amarillos, algunas que sean más azules, algunas bonitas tonalidades algunas que sean más azules, algunas bonitas oscuras y algunos marrones Una vez que añadimos a la pintura, todo va a terminar pareciendo un poco verde. Echemos un vistazo rápido a nuestro plan. Bien, entonces queremos crujiente y crujiente por aquí. Ligeramente suave o tal vez volverse salvaje e ir más suave, y luego por aquí y arriba en esas pequeñas hojas es donde queremos que sea la más suave y perder algunos de esos bordes por completo. Y para esos pequeños tallos, veamos qué pasa. Vamos a encender ahora un boceto, y voy a acercarme un poco más, y voy a acercarme un poco más para que el boceto sea más fácil de ver. Vamos a comenzar con el tallo principal. Así que mojemos nuestro papel. Comenzando con un verde más claro, vamos a empezar poco a poco a agregar un color base. Y luego a medida que avanzamos hacia el lado derecho, así como hacia la parte superior, queremos traer algunos verdes más oscuros, así como un toque de marrón. No se trata de capturar un montón de detalles. Estamos buscando una versión más lavada o simplificada, y siempre podemos entrar y agregar más detalles en la parte superior si sentimos que necesita un poco más de interés una vez que lleguemos a esos últimos toques. Agrega un poco de color marrón. Mi papel ya está bastante seco, así que eso es perfecto para los bordes duros. Para esa parte superior del tallo, podemos comenzar con una base marrón claro. Mezcle los bordes, traiga algunos de estos verdes más oscuros y neutros o en el lado de la sombra, y baje eso, haciendo que se mezcle en las partes más suaves. Agrega un toque de un verde más claro, menos neutro y un poquito de textura. Eso queda bastante bien para la primera capa. Bajemos a la hoja. Y debido a que esta es una forma más grande, primero voy a mojar el papel dentro de la hoja. Ya que queremos que los bordes de la derecha estén calientes, esto nos va a permitir agregar en nuestra pintura sin conseguir bordes calientes en el lado izquierdo. Nos vamos a centrar en esta porción principal verde oscuro de la hoja. Voy a comenzar con un verde que sea un poco más claro y de color más fresco que lo que estoy viendo en la foto Es mucho más fácil bajar el tono de una capa, si terminamos decidiendo que es demasiado brillante en lugar de tratar de iluminar una capa demasiado opaca u oscura Una vez que tenemos eso, podemos traer algunos de los tonos de sombra más profundos. Y a medida que los papeles se secan, podemos tratar de meternos en esa línea cerca del centro de la hoja también. Queremos buscar algunos de los principales cambios de color o valor. Intenta conseguir algunas texturas similares, pero sin estresarte ni tratar de conseguirla perfecta, es solo una capa base Podemos esmaltar encima de esto y profundizar los valores, ajustar el color y aportar más detalles Podemos permitir que se seque y vuelva a entrar, mojar el papel. Y luego esta vez, también vamos a mojar el papel fuera del boceto en el lado izquierdo. Y queremos hacerlo todo el camino por la longitud de la hoja. Al trabajar en los bordes muy suaves o perdidos, podemos permitir que el watercol haga lo suyo o podemos usar nuestro cepillo para ayudarlo o ayudar a darle forma si está haciendo algo que no nos gusta No hay bien o mal. A veces, permitir que la pintura simplemente fluya y se asiente donde quiera va a crear los mejores y más mágicos resultados de aspecto. Pero otras veces podemos sentir que se mete con lo que vamos a buscar o incluso se mete con la composición de nuestra pintura No tengas miedo de jugar y probar ambas técnicas. Para completamente bien desviarse del plan original. Si terminas haciendo algo o el pigmento hace algo que no estaba planeado, pero a lo mejor te gusta, ve con la corriente literalmente. A menudo podemos obtener grandes resultados algunas de esas sorpresas no Tener un borde perdido ahí abajo donde la hoja se tuerce o voltea puede en retrospectiva no ser la mejor opción, pero veamos a dónde Voy a agregar algunos detalles de sombreado y luz. Mucho de esto se volverá mucho más oscuro una vez que agreguemos la siguiente capa de pintura, por lo que no tenemos que dedicar mucho tiempo a detalles que de todos modos no veremos al final. Mantenlo simple. Uh Una vez que haya tenido tiempo de secarse, podemos mojar el papel cerca de las hojas más pequeñas. Mantengamos esto muy suelto. Lleva todo el enfoque hacia las partes que son más importantes así como así. Y luego como toque final por ahora, voy a traer un voy a traer poco más de color verde oscuro cerca del fondo, así como algunos tonos de sombra marrones para la parte inferior de la hoja, simplemente para ayudarnos a visualizar un poco mejor las formas. Si estás acostumbrado a quedarte principalmente dentro de la línea, por así decirlo, espero que puedas ver el potencial jugar con algunos de estos diferentes tipos de borde. Trae algo extra, algo que no podemos capturar con una foto y algo que realmente aporta otro nivel de ambiente y emoción a una pintura. Ya casi terminamos. Sigamos adelante, hagamos esos ajustes finales a los valores y aportemos los últimos detalles. 10. Fondo: Vamos a agregar en los toques finales y detalles. Pero en lugar de comenzar con los detalles finos, vamos a trabajar desde afuera adentro. Entonces primero, nos vamos a centrar en cualquier cambio suelto. Esto serían cambios en algunas de las capas fluidas y bordes, cambios de mayor valor en las capas de sombreado o color para el fondo Primero echemos un vistazo al fondo. contraste es una de las mejores formas de crear un punto focal, y esto puede ser contraste a través del nivel de detalle, luz, color, etcétera Entonces, si queremos usar el color para darle aún más atención a nuestra Clementina, podemos usar algo como color complementario como el azul o el morado alrededor de nuestro tema principal para atraer realmente la atención de los espectadores sobre podemos usar algo como color complementario como el azul o el morado alrededor de nuestro tema principal para esta área Y luego para las partes donde queremos menos enfoque, podemos usar un color que sea más parecido a esa zona, lo que para la hoja podría significar usar neutros, algunos tonos verdes o incluso azulados Entonces básicamente, algo que no es un color complementario al verde. Vamos a traer algo de azul a nuestra paleta. Podemos mezclar uno o dos tonos de púrpura, uno con más rojo o rosa, y uno con más azul. Y para crear más de un neutro, podemos mezclar nuestro azul con nuestros verdes. No tenemos que hacer dramático el fondo, y también podemos entrar con más capas si decidimos que la primera capa es demasiado sutil. Entonces para este primer lavado, voy a mantenerlo bastante ligero y ver cómo me siento al respecto. Consigue ese papel bonito y mojado. Voy a añadir un toque de naranja a este borde solo para empezar. Entonces voy a traer algunos sutiles tonos morados dentro y alrededor de esta zona. Un poco de púrpura por aquí. Y trayendo algunos tonos más neutros al resto. Depende de ti lo saturado que quieras ir, pero el nivel de saturación es otra forma de contraste. Así que los tonos apagados para el fondo versus los colores saturados fuertes para el sujeto también pueden ayudar a traer aún más enfoque a donde lo queremos Y queremos asegurarnos de vigilar los bordes en caso de que sangra dentro o encima de nuestra clementina donde no la queremos Algunos tonos azules hacia abajo cerca del fondo. Quiero que te amontones con él, dejes que se seque, y luego podemos pasar a la siguiente olla 11. Detalles finales y proyecto de clase: A continuación, vamos a ajustar y empujar algunos de los valores. Entonces, en cualquier lugar donde necesitábamos estar daga o más profundo en valor, como los tonos oscuros en las hojas y el tallo, vamos a entrar con los tonos de sombra y oscurecer eso Uno de los temas más comunes y algo que puede hacer que nuestras pinturas se vean planas o carezcan de dimensión es el miedo a oscurecer demasiado. Queremos aprovechar todo el rango de valor desde las luces más ligeras hasta los patos más profundos, que de manera similar a lo hablamos en la lección anterior, también vuelve a Queremos hacer que nuestro tema destaque Una de mis formas favoritas de agregar sombreado al trabajar húmedo y seco es solo recoger pigmento con la punta de mi pincel y luego colocar el pincel en el costado usando todo el vientre al aplicar la pintura De esta manera, automáticamente obtenemos ese gradiente pasando del color al agua limpia. no hago esto con todas las pinturas, Aunque no hago esto con todas las pinturas, pero para algo como esto, es una excelente manera de agregar sombreado y agregar algo de textura también Voy a ir en mojado y mojado para esas hojas más pequeñas. Aún así lo voy a mantener súper suelto. Así. Tan divertido. Entonces Y entonces siento que es un poco demasiado recto y en control por aquí, así que ¿por qué no agregar poco más de pintura húmeda y húmeda y ver qué hace eso? Nunca tengas miedo de experimentar. Si no lo intentamos, nunca sabremos cómo sería. Es posible que todavía queramos sacar algunos aspectos destacados en la hoja principal, pero por ahora, volvamos a la Clementina Definitivamente voy a tener que mezclar un poco más de pintura, incluyendo algunos tonos de sombra profunda para justo debajo de la hoja. Una forma de crear tonos de sombra para naranja es agregar rojos o rosas, y una forma de crear tonos de sombra para rojo es simplemente traer algo de azul Necesitamos un poco más de naranja también, algunas con más rojo, y otras con más amarillo, pero seguimos cocinando sin receta. No te preocupes por los colores exactos. Al igual que con la hoja y el tallo, queremos empujar los valores porque ahora que tenemos algo más de pintura y tonos más oscuros y todo lo demás, incluido el fondo, nuestros tonos de sombra iniciales no se ven lo suficientemente oscuros. Así que queremos entrar exactamente como lo hicimos al principio, pero esta vez podemos ponernos encima de lo que ya tenemos usando las capas anteriores como guía. También siento que me falta alguna definición por aquí, así que agreguemos un poco más de pintura. Algunos detalles a la reflexión. E incluso aquí abajo donde tenemos esa última ventaja, quiero traer un poco más de naranja, hacerla aún más fuerte. Y un toque de verde aquí mismo donde se fija el tallo. De hecho me gusta este look inacabado, así que creo que voy a dejarlo como un contorno y no terminar de colorearlo Creo que le agrega un toque divertido a la pintura, pero si no estás de acuerdo, siéntete libre de terminar la forma. Casi listo para la capa final de detalle unrind. No tengo suficiente del tono amarillo anaranjado, así que voy a mezclar rápidamente un poco más y permitir que eso se seque en mi paleta mientras agregamos los tonos de sombra debajo de la hoja Vamos a recoger algunos de los tonos de sombra. Agrega eso, y solo voy a entrar mojado sobre seco. Hay suficiente pintura en el papel a donde no necesitamos apresurarnos. Entonces, aunque se seque, aún podremos difuminar esos bordes. Pero miren cuánta diferencia hizo eso. Cada uno de estos pequeños ajustes puede aportar tanta profundidad y dimensión. Bien, esta es mi parte favorita de todo el cuadro. Ya ves como si miramos nuestra referencia de cerca, toda la corteza está cubierta de pequeños puntos poka o especificaciones Lo que vamos a hacer es entrar, y queremos usar un color que sea similar al color base pero ligeramente más oscuro que el color base. Y luego simplemente vamos a agregar un montón de estos puntos o manchas. Entonces para la base amarilla, queremos usar un tono amarillo anaranjado. Para la base naranja tono amarillo, queremos usar un naranja menos tono amarillo Para las capas base anaranjadas adecuadas, queremos usar tal vez algunas naranjas de tonos rojos y así sucesivamente y así sucesivamente Va a ser muy repetitivo, así que espero que me perdones, pero voy a acelerar bastante el metraje Una cosa a tener en cuenta es motas están sentadas en una forma redondeada , a medida que nos acercamos a los bordes , queremos que se vean un poco apretadas, más de forma ovalada, y tampoco queremos que sean demasiado fuertes, crujientes o visibles, cerca del Entonces es mejor parar antes de llegar a ese punto. Entonces, antes de llegar al borde, queremos permitir que casi se desvanezcan. Esto nos va a dar el mismo tipo de efecto que si estuviéramos usando bordes suaves en una forma o esfera redondeada. Ayuda a mejorar la forma. Una vez que lleguemos a los rojos, van a ser los tonos más profundos. No queremos entrar con mezclas de color marrón oscuro. Entonces, cuando lleguemos a los tonos de sombra en la Clementina, vamos a permitir que las especificaciones desaparezcan en esas No seas demasiado pulcro o precioso al respecto. Estas son formas orgánicas. No están hechos a máquina y no son perfectos, ni en forma, ni en el patrón. E incluso podemos permitir que algunos de ellos se crucen o se sienten uno encima del otro Todo va a agregar otra capa de dimensión. Una vez que hayas terminado, si quieres, y si sientes que algunos de ellos se ven demasiado crujientes, puedes entrar con un cepillo húmedo y entrar con cuidado en la parte superior. Un golpe, manteniendo un toque ligero, lo suficiente para suavizarlos. Solo ten cuidado. No queremos perderlos por completo. Lo último que podemos hacer con la clementina es usar el lifting para resaltar algunos más de los reflejos y pequeñas texturas para limpiar y limpiar tu cepillo y usarlo para levantar o traer de vuelta algunos de esos reflejos en la hoja o en la corteza, tal vez alrededor del resaltado o cualquier otro lugar donde sientas que puede necesitar ser Al hacer esto, hablemos del proyecto de clase. Para el proyecto, me encanta que pintes esta Clementina. Juega con el uso de bordes duros y blandos. No se trata de la perfección, sino de usar algunos de estos diferentes tipos de bordes para no solo mejorar nuestro punto focal, sino también aportar un poco más de ambiente a nuestra pintura. Los bordes se pueden usar como una herramienta poderosa, por lo que vale la pena jugar con ellos. Puedes usar el mismo tipo de bordes que utilicé para mi pintura, o puedes usar bordes diferentes diferentes maneras en diferentes áreas. Depende completamente de ti. Vamos a estar jugando con bordes mucho más en las clases futuras. Entonces, por ahora, espero que hayas disfrutado de esta clase, y no puedo esperar a ver qué creas.