Transcripciones
1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi
nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando un encantador
Herrerillo Azul en acuarela. Lo que hace que este pequeño
tema sea tan atractivo para pintar es el equilibrio entre
suavidad y claridad. El cuerpo está construido a partir de lavados suaves y
luminosos, mientras que las marcas en los ojos, el
pico y la cabeza dan estructura
suficiente para que el ave se sienta
alerta y viva La rama se mantiene simple y el fondo permanece
aireado y abstracto, permitiendo que el ave
ocupe el centro del escenario. Exploraremos cambios de color cálidos y
fríos, bordes
suaves de plumas y algunos acentos nítidos para aportar carácter
sin sobretrabajar He sido un
artista profesional durante muchos años,
explorando muchos
temas diferentes, desde la vida silvestre y los retratos hasta paisajes de la ciudad
y Siempre me han fascinado las posibilidades
de la acuarela Pero cuando
empecé, no tenía idea dónde empezar o
cómo mejorar. No sabía qué
suministros necesitaba, cómo crear los
efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones
mundiales, aparecido en revistas
y he
tenido la suerte de
ganar premios de organizaciones
muy respetadas
como la International
watercolor Society, la Masters of
watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora
para quienes empiezan, razón por la
cual mi objetivo
es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una
manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando
a través de una pintura completa, demostrando una variedad
de técnicas y explicando cómo uso todos
mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás
seguir a tu propio ritmo y mejorar
tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante
o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de
habilidad. Me gusta comenzar con un
enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas
emocionantes
para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y
hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas
complejos en formas más fáciles que
fomenten la alegría A lo largo de esta clase,
estaré compartiendo
muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir
los errores en oportunidades, quitando el estrés de la
pintura para divertirte. También te proporcionaré
mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta
invaluable a la hora de elegir
y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarlas en el hilo de
discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y
responder a todo lo que publiques. No olvides
seguirme en Skillshare haciendo clic en el
botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el
primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos También puedes seguirme en
Instagram en Will Elliston
para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y capturemos este pajarito con
frescura y encanto.
2. Tu proyecto: Muchas gracias por
unirse a la clase de hoy. Este tema es un
gran recordatorio de que los
pequeños sujetos
aún pueden contener grandes regalos. Piense en el pájaro como una colección de formas
bellamente simples, apoyadas por un suave lavado de
fondo que enmarca silenciosamente la forma. El plumaje azul y amarillo crea una maravillosa relación de
color, viva pero armoniosa, mientras que el ojo oscuro y las marcas faciales se convierten en el punto focal natural Mantenga la rama subestimada, deje que los bordes respiren
y permita que la pintura sugiera suavidad donde las
plumas se desvanecen en luz El objetivo es la delicadeza, la claridad y un
sentido alegre de la En la sección de recursos, he agregado una imagen
de alta
resolución de mi pintura terminada
para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a
seguir mi pintura exactamente o experimentar con
tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el
aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas
que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el
boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para
aprender a pintar. Es importante
tener el underdrawing correcto para que
puedas relajarte y
divertirte aprendiendo el propio medio
acuarela Cualquiera que sea la dirección
que tomes esta clase, sería genial
ver tus resultados y las pinturas que
creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis
alumnos, así que por favor tome una foto
después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto
y recursos. Siempre me intriga
ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar
sobre tu proceso y lo que aprendiste en el
camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente
que mires el trabajo del
otro en la galería de proyectos
estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los
demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus
compañeros de Así que no olvides dar me gusta y
comentar el trabajo del otro.
3. Preparación de la composición: Empecemos por
descomponer esto en las formas más
simples. Primero voy a
mirar la sucursal. Entonces hay una línea, no
necesariamente recta, pero la voy a dibujar como una línea recta bajando
de la cabeza a la cola. Estoy empezando muy
suelto y
repasando mis líneas de lápiz con
bastante frecuencia. Entonces puedo conectar esa
línea con el cuerpo y comenzar a esculpirlo y donde el
azul se encuentra con el amarillo Entonces porque
no es una línea recta, podemos corregirlo
un poco ahora. Uh, eh. Aquí hay un poco de bits tonales, un poco de sombreado. El ojo está por ahí, pero por el momento,
solo lo estamos mapeando. Así que ahora puedo cambiar a
mi lápiz más fino y agregar
un poco más de presión Pero siempre podemos volver con el lápiz y
corregirlo con la goma, lo
siento, y luego volver con un lápiz después de eso
para corregirlo. Por lo que se necesita un poco de refinación
yendo y viniendo. Por supuesto, puedes usar la
plantilla para acelerar eso si solo
quieres ir directo
al proceso de pintura. Muchas de estas líneas aquí
se mezclarán , no líneas duras. No quiero que todo el cuadro
esté lleno de líneas duras. Entonces voy a
bosquejarlo y luego usar la goma para aclararlo como para
que cuando
pintemos, no veamos tanto
de estas líneas de lápiz
4. Mezclar los colores: Para este cuadro, en realidad
voy a incluir un fondo,
que voy a pintar primero. Pero si no quieres
tener un fondo o simplemente quieres ir directo a pintar el pájaro,
eso está perfectamente bien. Y se puede ir adelante a la sección donde
empezamos a pintar el pájaro. Pero me siento como
parte de lo que hace que esta pintura de aves se sienta encantadora no es solo
el pájaro en sí, sino el aire a su alrededor. Ese papel intacto y los
suaves lavados que se desvanecen. La apertura que
intentaremos crear en el
lado derecho y la atmósfera pálida y
fresca a la izquierda, y todo eso
importa y da emoción y oportunidad
para jugar. Estoy mezclando algunos
colores cálidos en la parte superior, un color naranja usando
rojo cadmio y amarillo cadmio Entonces los blues que
ahora estoy mezclando son solo experimentos. Estoy usando un poco de azul ultramarino
. Se puede utilizar cobalto. A lo mejor un poco de serlean blue. No hay receta exacta. Es justo lo que se siente bien cuando estás mezclando y
jugando con los pigmentos. Ahora estoy mezclando mi propio verde en el fondo de mi paladar, y eso es amarillo cadio
con azul ultramarino Así que no necesariamente uso mi verde viridiana en la parte superior de mi paleta
para crear mis greens Yo mezclo los míos porque
se sienten un poco más naturales, al
menos en este tipo de
pintura quiero al momento. Ahora bien, para pintar este
fondo, de la manera fácil, voy a pre
mojar todo
el fondo para que podamos lograr una agradable transición
suave, y nos da mucho tiempo para trabajar los pigmentos
sin que se seque sobre nosotros. Así que estoy usando cualquier pincel que contiene
mucha agua y puede simplemente acelerar el proceso, pero realmente no quiero
pasar por encima del borde de esta línea de lápiz en el pájaro. Entonces por eso es útil
tener un poco de
punta en el pincel. Pero por lo demás, esto
es agua pura, y estoy
pintando completamente toda la página. El exterior de la
página, al menos. Algunas áreas, si nos fijamos en la pintura final
se pueden pintar por encima porque
van a quedar oscuras. Entonces algunas de las áreas en el ala que la
cola y la rama, van a ser
más oscuras que el fondo, así que no importa
si pintamos sobre eso. Pero en la zona del pecho, va a ser de un bonito color vibrante, amarillo en el pájaro, así no
queremos
pintar sobre eso. Podríamos, por supuesto, simplemente entrar
directamente con la pintura, pero incluso yo
encontraría que la pintura empieza a
secarse antes de llenar toda
el área
porque está tan seca que el papel
estaría tan hambriento y el agua del
pincel se evaporaría Así que siempre, cuando
puedo pre mojarla. También quiero agradables transiciones
suaves donde el borde
del papel sea blanco, usando ese blanco del papel, y luego poco a poco
se oscurece para crear una especie de
espacio negativo del ave. Entonces estamos pintando la silueta del pájaro
pintando a su alrededor. Y eso lo hace bastante dinámico e interesante, más tres D, más ambiente, más profundidad, y por supuesto, más
oportunidad de jugar, como dije antes. Para que puedas ver los tres
colores que tengo preparados en mi paleta, naranja, azul y verde. También puedes explorar
otros colores. Pero ahora que está
todo mojado, podemos entrar y comenzar a aplicar este pigmento
sobre el papel.
5. Comenzar con el fondo: Empezando por la
naranja, solo pincharla, solo para ver cómo
reacciona para empezar, viendo si es
el color correcto ahora que en realidad está en
el blanco del papel Y voy a
usar el blanco
del papel para nuestra ventaja aquí porque el
papel blanco es uno de los regalos más importantes
de esta acuarela mediana. Es algo que trato
y valoro muy alto porque no
quiero desperdiciarlo. En un tema como este, el papel
intacto lleva luz y más hermoso de lo que cualquier pintura podría lograr
realmente Por eso es luminoso. Por eso es transparente. Utilizamos el blanco
y las luces
del papel para
darle luz y vida. Es una luminosidad natural. Y se puede ver cómo está un poco
resplandeciente porque de nuevo,
conseguimos ese borde duro alrededor del pecho, y
luego se desvanece Agrega un poco de
cabium amarillo ahora. Por este lado, no es
tanto de una transición. Me siento como un poco duro allá arriba, solo para romper la monotonía Un borde duro orgánico ahí, y luego pintar la parte posterior de la cabeza y agregar más
agua para desvanecerla. No es necesario tener miedo
de agregar más agua. Si es papel a base de algodón, aunque se arruge
un poco, siempre y cuando lo
tengas grabado,
volverá a secarse plano de nuevo, y en realidad es muy resistente Muy raramente
trabajo demasiado un cuadro. Realmente se necesita un
trabajo duro para hacer que el papel
se desgaste para romper las
partículas del papel. Así que bajando más del rojo. Hasta el momento, no hemos tocado
el azul ni el verde. Pero estoy agregando un poco de cabium amarillo vez en cuando si siento que es un
poco demasiado rojo o cálido Ahora estamos haciendo estallar
en algún azul justo donde toca la
izquierda del pájaro, y hay que tener un
poco de cuidado a la hora mezclar o tener naranja y azul juntos porque juntos, sí se neutralizan entre
sí y se gris entre sí Pero mientras una de ellas
sea más fuerte que la otra, podrás ver que
es azul o naranja. Pero si es igual,
entonces será gris. Se puede ver que ahí es
gris a la izquierda, pero incluso eso no me importa
realmente. Es sólo jugar
en el fondo. A veces es
agradable tener un poco de colores neutros apagados. Son colores complementarios, por
supuesto, naranja y azul. Entonces se ven hermosas, sin embargo, están mezcladas. Y aunque ahora puedes ver
con bastante claridad mis trazos de
pincel, porque la pintura
está tan mojada que el papel, estas líneas se ablandarán
y se volverán un poco más etéreas y esquivas Ahora estoy rompiendo ese
borde duro con un poco de verde aquí solo para ver qué pasa, viendo
qué puedo hacer con él.
6. El fondo inferior: Voy a volver a moverme
hacia el
lado derecho del pájaro, empezar a agregar un poco más de tono ahí porque solo
quiero ver qué pasa en el
lado izquierdo sin sobretrabajarlo No quiero forzar la imagen. Quiero darle esta
sensación de libertad. Aunque no
termine siendo perfecto, al
menos tendrá
esa sensación natural lugar de estar sobrecargado Quiero recordarle al espectador que por supuesto, es una pintura. No es una renderización.
No es una foto. Tiene algún tipo de sol, y eso puede significar
que es imperfecto, pero irónicamente, esa imperfección le agrega
un poco de carácter, aunque no se sienta como inicialmente mientras la
estás pintando Ojalá, al
final, cuando todo esté dicho y hecho,
habrá una sensación ahí. Por lo que es difícil
evaluar las cosas hasta el final, especialmente
con acuarela. Y la naturaleza abstracta de esto juega un
papel importante en esto. Sugiere atmósfera sin insistir en una explicación
literal Entonces no sé cuál es
este trasfondo. Podría ser un cielo,
podría ser un arbusto, probablemente no un arbusto, en realidad.
Realmente no importa. Sólo estoy jugando con los colores. No lo es, y creo
literal o fácilmente definido. El azul suave puede sentirse como aire
frío o una sombra o espacio. De hecho, la razón por la que elegí
Blue para empezar es puramente porque armoniza
con el azul del pájaro Es como una especie
de eco visual
del acento principal del azul en el ave que
aplicaremos posteriormente. Y luego normalmente cuando
tengo un color como el azul, por ejemplo, aquí, pienso su
color complementario, que es el naranja. Entonces por eso elegí naranja a
continuación porque
funciona bien en conjunto. Entonces esos son los
dos colores que son el principal tipo de aspecto visual
de la pintura hasta el momento. Y entonces podemos influir en esos. Entonces como viste, agrego un poco de
amarillo cadmio a la naranja en algunas zonas para hacerla un poco
más amarilla que naranja Y luego en este azul, he añadido un poco más
púrpura en algunas zonas, sobre todo debajo de
la cola ahí. Allí se pueden ver sutiles
influencias de púrpura, no para robar la atención, sino para solo agregar un
poco de interés. Creo que un poco
de azul ahí en el borde del pecho sólo
para ponerle un poco más de tono. Nuevamente, está mojado sobre mojado, así que estas pinceladas
van a mezclar muy bien No van a estar tan embarrados. Estoy usando bastante grueso. Yo diría que ahora es marrón. Es más consistencia es
un poco más concentrado. Yo no diría que es
grueso, en realidad. Está concentrado. Para que puedas ver las partículas
un poco más. Y la razón por la
que digo que es marrón es
porque es como naranja
pero un poco más apagada. Entonces usé la
siena quemada para mis marrones. Unos toques de verde ahí. Entonces como decía antes, comencé a influir en
algunos otros colores ahí, solo para agregar un poco de variedad, pero no para cambiar
todo el esquema de color. Un rubor cálido de color a la
derecha puede hacer que el pecho amarillo más
tarde se sienta más radiante Pero nada de esto necesita
convertirse en un ambiente completo. Y el pájaro no requiere un cielo lleno o un
campo o incluso un árbol detrás. Solo vamos a agregar
una pequeña rama después, lo
suficiente para que se sienta
aullada dentro de la página
7. Empezar con la rama: Entiendo completamente
si quieres saltarte pintar el
fondo e ir directo a pintar la
rama y el pájaro como estamos
a punto de hacer ahora porque el fondo sí agrega
otra capa de complejidad, pero estamos aquí para aprender,
y a veces el fondo puede competir con el tema. Por lo que es una buena manera de practicar
pensar
en la composición y si te
encuentras y si te
encuentras pintando con demasiado detalle y no sabes estar suelto, a veces pintar un
fondo puede meterte en la mentalidad para romper con los
detalles y liberarte
antes de entrar en el
foco principal real de la pintura Al menos
me ayuda mentalmente a hacer rodar el cuenco y
mis manos trabajando y pensando en
las pinturas y pigmentos antes de pintar
algo que realmente importa. Entonces con pintar esta rama, voy a mantener
bastante simple y mínima, sobre todo en cuanto a colores. Básicamente solo voy a usar sienna
quemada para
mi color base y luego usar el ultramarino para
las sombras y para neutralizarlo No voy a usar el
negro directamente para hacerlo más oscuro porque el
ultramarino es, nuevamente, un color complementario porque el
marrón es como un naranja, así que el azul también es un color
complementario al marrón, y podemos usar eso para hacer tonos y
sombras más emocionantes Oh, al pintar esto en, no
me importa tener
pequeños huecos blancos del papel debajo de él. No lo estoy
bloqueando por completo. La idea es simplemente rellenar una determinada sección y luego
una vez que esté todo parejo y húmedo, podemos aplicar más pigmento para corregir y lograr
un sentido del tono La rama en esta pintura
es un muy buen recordatorio que los elementos de soporte
no necesitan ser aburridos, pero aún necesitan
conocer su lugar. El ramal importa
porque le da al ave
algún lugar al que pertenecer. Sin ella, esta ave
simplemente se sentirá decorativa o
incluso suspendida en el aire. Y los pequeños pies
necesitan algo que agarrar. Por supuesto, también podríamos haberlo
pintado en el suelo. A lo mejor es estar sentado
en el suelo, pero tengo ganas de tenerlo
sentado sobre algo, especialmente abluti que
vemos en los árboles, algo así le da a la composición
una línea para recorrer Entonces la rama es importante, pero es importante en
un papel secundario, no como algo que
roba la atención
8. Cómo pintar más ramas: Quiero que la sucursal se sienta creíble y animada,
pero no competitiva No quiero que empiece a exigir el tipo de atención
que le pertenece al ave. Así que lo mantengo más simple
en todos los sentidos. Tiene una
forma sencilla. Bordes más simples. La estructura de valores
es bastante simple. No voy a añadir mucho detalle. me estoy dejando caer un poco
de morado Ahora me estoy dejando caer un poco
de morado solo por un poco de diversión. Pero también, como antes estaba hablando de
colores de cumplido, el color complementario
del morado es el amarillo Entonces como puedes ver en
mi paleta ahí, tengo amarillo y morado juntos para poder unirlos
a ambos y mezclarlos en el papel para que se
mezclen y ojalá hagan su propia
cosita única ahí Así que todavía podemos experimentar en estos
elementos secundarios de soporte como la rama. Todavía podemos tener
ojalá un hermoso juego
de colores en marcha. De hecho, me gusta el calor en la rama porque
equilibra los azules fríos
del ave y hace eco de algunas de las notas más cálidas en el
pecho y las piernas Pero de nuevo, no
necesita complejidad. Estoy usando un
pigmento mucho más grueso aquí ya que estoy definiendo los pies o las
garras o dedos de los pies del ave Otra vez, solo sugiriéndolo
ahí dentro. No ser demasiado complicado. Puedes ver mi pincel
es que iba a decir, o
es demasiado
grande o demasiado pequeño. Lo importante es que tiene un buen punto para
ello y contiene suficiente agua. Entonces, idealmente,
debería ser
lo más grande que pueda ser sin dejar de
tener un buen punto fino. Y me parece que para esta
rama, este es de buen tamaño. Cualquier más grande, y el pincel podría no tener una punta
fina como esta, especialmente cuando se pinta
alrededor del área de los pies. Entonces, a pesar de que hay
pequeños descansos en esta rama donde los pies están especie de frente superpuestos, de
igual manera, donde la cola
está frente a la rama, también, estamos manteniendo
el color consistente, así que hay una ilusión de que vaya directamente debajo de ahí. tipo de
elementos de soporte como esta rama pueden encontrarse en muchas de las diferentes
pinturas que pintamos. Sea cual sea el tema que
estemos pintando realmente porque
los elementos de soporte a menudo se vuelven más fuertes cuando dejamos tratar de
hacerlos expresivos por derecho propio.
9. Algunos trazos expresivos: Me siento un poco constreñida y apretada
porque he estado metiendo
con un cepillo pequeño
y un cepillo pequeño siempre me
hace sentir una base un poco
detallada Yo solo voy a hacer algunas marcas
abstractas aquí tratando lograr un poco de marcado de pincel
seco, lo que significa que estoy
usando, por supuesto, un pincel con menos agua y cuando
se desliza por encima del papel, se ve que tiene
un poco más de textura Simplemente le da un poco de energía y un poco más de sugerencia
en lugar de detalle. Porque, de nuevo,
no necesitamos
tanto detalle en esta rama. El verdadero trabajo de un
elemento de soporte como esta rama es que es relacional con el tema
principal del ave Pueden hacer que el
tema principal se lea mejor. Así que la ropa en un retrato, una mesa en un bodegón o árboles distantes en un paisaje Todos estos son elementos
que están ahí para servir a la
pintura en su conjunto, y no deben
dejarse de lado, pero tampoco deben
robarle la atención. Entonces con esta rama, estoy feliz de permitir
algún color roto,
algunos marrones suaves y cálidos, un poco de calidez rojiza Y he añadido algunos
pequeños indicios de frescor. Al final fui con púrpura en
lugar de
azul ultramarino Tal vez unos bordes ligeramente
irregulares que sugieren irregularidad
natural porque la
naturaleza no es perfecta Tiene esa aleatoriedad a ello. No estoy tratando de
renderizar completamente la textura de la corteza, y tampoco necesito
todas las ramitas No quiero que sea agudo, detalle corriendo de
un extremo a otro. Una rama como esta se vuelve más elegante cuando
permanece discreta Usando un pañuelo para
lograr mi textura, mi textura aleatoria, por así decirlo. Además, hay algo
bastante agradable la
dirección diagonal que crea. Le da al ave
una especie de percha, pero también le da a la composición
una sensación de movimiento Tu ojo le da un camino para
que el ojo mire a su alrededor. Impide que la página se
sienta demasiado estática. Y ayuda a conectar
el lavado azul más suave de la izquierda al
espacio más cálido de la derecha. Entonces, incluso como una forma de
soporte simple, en realidad está haciendo bastante trabajo compositivo Los pies y la rama juntos también ofrecen una buena lección en la descripción
justa y suficiente. Necesitamos suficiente claridad para que
el ave se sienta a tierra. Los pies deben tocar la
rama de manera convincente, y la rama debe sentirse lo suficientemente
sólida como para sostenerlos. Pero más allá de eso,
no ganamos nada extra
de explicar en exceso. Apenas unos pequeños trazos cálidos,
pocas conexiones más oscuras, una sugerencia de agarre, y esa ilusión ya está
ahí, y es suficiente. Incluso lo estoy haciendo un
poco más abstracto justo debajo de los pies ahí porque quería
romper ese borde. Está demasiado limpio. De este lado, también,
lo estoy haciendo un poco más degradado,
un poco más esquivo Eso parece suficiente.
Ya hay suficiente ahí para seguir adelante ahora.
10. Comenzar el cofre: Ahora es el momento de pintar
el pájaro mismo. Y si no has
pintado el fondo, aquí
será donde
te vas a unir. Solo estoy prehumedeciendo algunas de las áreas de la
cabeza donde quiero agregar este amarillo camium brillante para empezar,
solo
amarillo de cabium puro Y estos primeros lavados
del ave son
increíblemente importantes porque establecen la temperatura emocional
de toda la pieza, realmente Si los primeros lavados se sienten abiertos, transparentes y luminosos, entonces el ave ya
comienza con el espíritu correcto Si los primeros lavados son pesados o demasiado secos o
demasiado sobrecorregidos, entonces la frescura de la pieza ya casi se pierde básicamente y mucho más difícil de
recuperar más adelante Es en estas capas iniciales donde podemos ser expresivos
y captar esa energía. Entonces cuando coloco estos primeros lavados de
amarillo en el pecho, en la zona del pecho,
quiero hacerlo con cierto
nivel de confianza No quiero
contenerme tanto. Pero para tener confianza, estamos estableciendo parámetros para
nosotros mismos para permitirnos ser libres. Es por eso que pre mojar el
papel para empezar, en esta sección para que
podamos ser audaces y la naturaleza
húmeda sobre húmeda del mismo nos
permita ser un poco más juguetones, y alienta
a la acuarela a hacer
lo suyo también por nosotros. Desde luego no estoy tratando de
resolver todos los problemas a la vez. Solo me quedo con los
amarillos para empezar, averiguando dónde
quiero que estén esos
porque los amarillos es donde obtenemos la sensación principal de ese brillo,
esa luminosidad Esa atmósfera inicial. La primera impresión
de forma también. Entonces estamos más oscuros
en la parte superior ahí, y a medida que se curva a lo largo, sé que
agregaremos algunos azules más, pero no quiero que
sea verde, por así decirlo. Entonces voy a tener que hacer la transición de ese amarillo
al blanco del papel. Ya podemos empezar a poner
un poco más de color. Estoy dejando caer un poco
de esa naranja ahí dentro. Apenas es perceptible. Pero está ahí un poco. Ahora un poco más de cabi y amarillo. Entonces lo estamos trabajando
poco a poco. Así que todavía podemos tener
confianza aunque lo
tomemos poco a poco a poco. Ahora, eso parece
muchísimo rojo. Se ve muy audaz, pero
voy a reutilizarlo alrededor. Voy a diluirlo y
esparcirlo por ahí. Entonces tenemos
amarillo puro en la parte superior. Y ahora, a medida que se inclina, se va un poco más oscuro, agregando un poco más de amarillo para
quitarle algo de ese rojo, y el tono se vuelve
un poco más oscuro ahora Y aunque esté oscuro, seguimos usando la ligereza del papel para que brille. Lo que me gusta de mojado
sobre mojado como lo estamos haciendo ahora, es que el agua
nos da más tiempo para reaccionar. Entonces no lo estamos forzando
en esta etapa. Podemos pensar en un área en la
que queremos que sea el pigmento. Y luego, una vez que
generalmente estamos contentos con dónde se coloca
el pigmento, podemos permitir que se
asiente de forma natural y permitir que la acuarela cree ese bonito efecto natural. Ahora me estoy cayendo algo de azul.
11. Cómo variar los colores: Todavía mojada sobre mojada técnica, y fíjate como la estoy dejando caer en lugar de cepillarme en ese
azul en esta etapa Eso es lo que quiero
para que, de nuevo, el pigmento interactúe
con el agua misma sin
que me la fuerce Creo que un poco de amarillo
por debajo de ahí también. Debajo del ala. Ese azul casi se ve
gris ahora o verde grisáceo, pero eso está bien porque esta
es solo la zona del pecho El azul principal
estará en el ala, y agregar el azul directamente sobre este amarillo
hace que se vea verde. Naturalmente, el azul y el verde, azul y el amarillo,
más bien, hacen verde. Pero otra vez, no me importa. Estoy jugando aunque
sea un poco antinatural. Me estoy divirtiendo explorando
estos colores porque esta es la etapa expresiva. Esta es la primera capa. No necesitamos
preocuparnos por los detalles finales. No estamos tratando de pintar cada una
de las plumas. Básicamente estoy echando
todos los colores aquí, azul, morado,
naranja, porque estoy pensando
más en el tono que en el
color, en realidad. Esto es una especie de sombra
que estoy pintando en este momento, pero solo estoy usando toda
una variedad de colores diferentes para hacer eso. Y por supuesto, todos
esos colores
mezclados crean un tono neutro, que funciona bien como sombra
de todos modos. Para mí, esta es la
parte favorita de pintar acuarela. Nos permite comenzar
con algo muy
ligero y vivo, pero poco a poco, se vuelve cada vez más
emocionante a medida que nos ponemos más colores en lugar de cepillarlo, simplemente pincharlo para permitir que fluya de la manera que quiere,
tratando de resistir la tentación
de interferir con Es bastante común sentir que este primer lavado es más
vulnerable de lo que realmente es, vemos este caos, este lío, por así decirlo, e inmediatamente tenemos el
impulso de querer mejorarlo. Pero lo mejor
que podemos hacer es dejarlo
reposar por un momento. Puedes agregar más pigmento
para ajustar el tono, y luego luego te
revelaremos lo que ya
sabe hacer.
12. Cómo construir los tonos: Como pueden ver, no quiero ni
un parche plano de color amarillo. Quiero un poco de alcance involucrado. Quiero que algunos lugares
brillen más cálidamente, quizás con una nota dorada ligeramente
durazona Después algunas zonas para refrescarse solo un poco inclinándose
hacia una sombra verdosa, más suave y neutra Y eso es lo que evita que el
cuerpo se sienta plano. Incluso un lavado muy simple
puede llevar mucha información en él si
contiene variedad sutil. Así que he dado un paso atrás por unos minutos solo para
ver qué va a pasar con ese
body wash. Y también, durante ese tiempo, está
empezando a secarse un poco, así que ahora está aproximadamente 50% seco. Entonces eso significa que si
volvemos a ello, sean cuales sean las pinceladas
o el pigmento que agreguemos, van a mantener su
forma un poco más. Entonces, cuando volvemos a
ello, es cuando estamos
pensando un poco más estructura y control. Le estamos quitando un poco el poder
a la acuarela. Entonces tenemos que ser un poco
cautelosos con lo que hacemos. Empecé con los amarillos, claro, porque son
mucho más ligeros que los azules Y una regla general en acuarela es iniciar la luz
y luego oscurecer. Si en algún mundo extraño, los azules eran
más claros que los amarillos, o tal vez era un pájaro diferente y teníamos colores
en diferentes lugares Empezaría por el otro
lado, primero pintaría las alas y
luego el cuerpo en segundo lugar. Estoy agregando un poco más
gotas de color aleatorio en el cuerpo otra vez porque
como decía antes, cuando estaba húmedo y
húmedo, todos los pigmentos se mezclaban un poco demasiado suavemente, y solo se hace eso de nuevo
también, lo cual está bien. Es mejor darle tiempo y ver qué hace en
lugar de forzarlo desde el principio. Ahora lo estoy extendiendo hacia
el área de sombra de la cola. Una pequeña y agradable transición
del amarillo al naranja al morado
y ahora al azul. Entonces estoy componiendo
eso a la nada. Esto funcionará como una
pequeña capa inferior para lo que planeamos más adelante Y cuando pintes
esto tú mismo, no te
preocupes por mantener todas estas gotas y marcas
expresivas en el
cuerpo exactamente iguales. Es solo un área de sombra general, todos estos pequeños puntos, estas áreas
de puntos blandos de diferente color. No necesitan
ser exactamente iguales. Tampoco necesitan ser
exactamente del mismo color, no solo colocación. Tal vez puedas ir por una sensación
más cálida
y una sensación más fresca.
13. Sombra de pecho: Entonces ahora eso está todo secado, y eso es básicamente
lo que termina
cuidando después de no
interferir de nuevo con él. Para darle una mejor
ilusión de forma, voy a agregar una
pequeña sombra que se cruza en el centro
del pájaro aquí. En perspectiva, está en
el lado derecho, pero solo hay una pequeña sangría en el pájaro donde se crean
las sombras Entonces ahora que el papel está seco, quiero que sea un borde
ligeramente duro ahí para pintar esta broca. Estoy usando la punta de mi cepillo para hacerlo agradable y
delgado en la parte superior, y poco a poco se vuelve
más grueso a medida que bajamos. Incluso aquí, es un lavado plano. Lo he hecho un poco de variedad. Es un poco verde en la
parte inferior y caliente en la parte superior. Ves que hay una ligera
transición de color. Y ahora estoy cayendo
aún más pigmento. Nuevamente, haciendo uso de
esa variedad húmeda sobre húmeda. Creo que lo que encuentro
de esta pintura que me gusta es que no pide una forma
contundente de pintar Aunque si así es te inclinas a
pintar o quieres pintar, será genial ver
tu interpretación sobre esto porque podemos hacer estos ajustes como artistas para que
se ajuste a nuestra propia visión Pero a mí me parece personalmente, es pedir un poco más de
sensibilidad que la fuerza bruta Podría ser solo un pajarito
pequeño, este Tit Azul, pero lleva tanta
vida y tanto color. Hay muchísimo carácter
en una forma muy compacta. Y hay algo instantáneamente
atractivo y gravitando hacia ese
amarillo fuerte y azul fuerte, especialmente más adelante cuando
pintamos ese ojo oscuro, el contraste entre los oscuros y las luces en la cara, que será el punto
focal, realmente Es delicado, pero no
es débil. Hay mucha suavidad
pasando en esta pintura. Lo estoy difuminando en la
parte inferior, esta zona de sombra. Mucha elusividad. Pero equilibrando eso con bordes
más duros, también. Y eso es exactamente lo que hace un buen tema para la acuarela. E incluso cuando estoy
viendo temas que no necesariamente son
ideales para la acuarela, estoy tratando de pensar en formas de integrar esas cosas
de variedad de bordes, alguna suavidad donde
podría no existir en la realidad, como si la rama se estuviera
desvaneciendo un poco en la parte inferior De igual manera, el ave tendrá áreas donde es suave
donde en realidad, está
muy texturizado con pelos o plumas,
pequeñas plumas diminutas. A veces es difícil describir estas cosas mientras las
estoy pintando. Pero si miras
la pieza final, podrás ver
la variedad de aristas,
el equilibrio, cosas que no necesariamente
están
ahí en la realidad. Y eso es lo que la hace
apta para acuarela. Esa sensación más etérea que no logras
en óleo o acrílico
14. Pintar la cola: Entonces ahora vamos a
hacer algo similar con los azules en el pájaro, comenzando por la cola y
trabajando hacia arriba hacia el ala. Estoy usando este bonito tipo
turquesa de color azul, Carillion blue tipo de Hay una especie de paciencia
en esta etapa que
creo que es muy saludable y
muy beneficiosa para los pintores. Puede sentirse incómodo
inicialmente esa idea de paciencia porque
siempre estamos apurados en nuestro
día a día, pero esta es una buena oportunidad
para dar un paso atrás, tomar un buen trago, tal vez una taza de café o té, y recordarse que una pintura no se construye
corrigiendo constantemente Podemos relajarnos un poco más, ver cómo fluye él mismo, permitirnos esa
oportunidad de
liberarnos y darnos permiso. Pintar un lavado, hacer
una pequeña pausa, tal vez responder un poco, luego otro lavado,
otra pausa. Es una especie de ritmo suave. Sigue atento. Aún le estás prestando
atención. Pero es tomar un enfoque
más
relajante en lugar de estresante
porque recuerdo estar muy
estresado cuando empecé a aprender acuarela incluso ahora cuando intento intimidar a los sujetos, pero una de las principales cosas he aprendido es que el miedo
realmente obstaculiza el proceso Así que hago todo lo posible para
despojarme del tipo de emociones
negativas que
surgen al pintar algo que se siente
difícil o estresante. Incluso si eso es lo que es,
encontrar el tiempo para, como, tomar un respiro y reducir y aceptar cualquier
resultado que sea, simplemente disfrutando del proceso del mismo, y podemos tomarnos nuestro
tiempo con eso. Pero a veces incluso
con esta pintura, es posible
disfrutar de la prisa de la misma. Sin dejar de mantener la calma, no
estamos pintando rápido
por sentirnos estresados. Estamos pintando rápido
porque estamos disfrutando del tipo de emoción, la espontaneidad,
la sensación de libertad, el factor de liberación
de
la acuarela Por eso siempre es tan interesante y emocionante
ver la galería de estudiantes porque cada uno tiene personalidades
diferentes y afecta la forma
en que las pinturas resultan de maneras únicas y maravillosas. Eso es lo que lo hace tan
especial aquí en Skillshare. Y eso es puramente sobre
la energía que le ponemos,
porque eso influye en qué opciones de color podríamos querer usar o en la textura que
podríamos querer usar. Ya sea un poco
más abstracto, donde sea un
poco más detallado. Y ese tipo de pensamiento es particularmente relevante
en esta etapa de la pintura cuando estamos haciendo la primera capa,
las capas inferiores. no estamos usando la punta
del Todavía no estamos usando la punta
del pincel para
detalles finos o correcciones. Estamos tratando de conseguir todo
expresivo en esta parte, capturar esa energía,
esa energía única que queremos
expresarnos y sentir.
15. Pigmento más audaz: Ahora voy a usar pigmento
mucho más grueso, y estoy usando azul cobalto para esto ya que todavía está ligeramente húmedo. Esto permitirá que se integre con una buena variedad de bordes, algunos suaves, otros duros. Ya ves lo mucho más audaz
que es el pigmento ahora. Siempre que pinto un
tema como este, trato de no
pensarlo sólo como un pájaro. Por supuesto, es un pájaro y me importa su carácter
y estructura. Pero en serio, también quiero
verlo como una pintura
en sí misma. Quiero verlo como
un conjunto de formas, un ritmo de bordes suaves y duros. Ya se puede ver un equilibrio de bordes duros y bordes
blandos sucediendo. También, el juego de colores
cálidos y fríos, el juego de oscuridad y luz,
los diferentes tonos. Y este es un cambio muy
útil de tener porque me impide
volverme demasiado literal, sobre todo en las primeras etapas. Pero incluso mientras trabajamos para
poner detalles,
nos ayuda a
pensar en nos ayuda a
pensar la cantidad de detalles que realmente
necesitamos poner
y cuánto es innecesario. Parte de lo que hace que el Tit Azul hermoso es el elemento
descriptivo, pero también es muy gráfico que
redondeó el vientre amarillo contra esta ala fría que
estamos pintando ahora. Y después, hay una franja
oscura a través de la cara, el pequeño
pico rectangular, la gorra azul Entonces tenemos la
línea diagonal para la rama. Hay tantos elementos de
diseño diferentes que
lo convierten en una especie de cosa
gráfica más allá
del tema mismo. Y cuando miramos cualquier tema, ese es el tipo de cosas
que tenemos que escoger. Cómo organizarlos en la página. Y entonces eso
ayudará al pájaro a sentirse más convincente más adelante Porque si
no están bien arreglados, entonces ninguna cantidad de pequeños detalles de
plumas
guardarán la pintura. Observe cómo estoy usando pigmento
muy grueso aquí para que casi
tenga un efecto de pincel seco. Entonces hay un poco más de
texturas en las puntas, la cola y en el
cuello del ave. Y justo entre las
diferentes capas de plumas, aquí
está particularmente oscuro. También estoy usando la
punta misma del pincel para indicar
las pequeñas sombras debajo de las
plumas para crear esa ilusión de plumas
en capas. Veo las plumas como
primera forma y textura segunda. Una de las
trampas más fáciles para pintar un pájaro es fascinarse con
las plumas demasiado pronto. Por supuesto, las
plumas son hermosas y son parte de lo
que hace de un pájaro un pájaro. Pero si empezamos a
pintarlos individualmente, el tema pronto se
desmorona y el ave se vuelve irregular y
pierde su coherencia Ahí es cuando
empieza a verse un poco ocupado, quebradizo, sobre explicado Entonces, uno de los cambios más
útiles que podemos hacer es dejar de
pensar en las plumas como pequeñas unidades separadas
y comenzar a pensarlas como una textura que está
sentada en formas más grandes. Y este Blutit tiene
un cuerpo hinchado tan encantador, y esa suavidad es uno
de sus Entonces, antes incluso de
pensar en la textura de las plumas, quiero que el
propio cuerpo se sienta redondo, ligero y tridimensional, pero de una manera amable. Ya hemos creado ese
tipo de hinchamiento del pecho, la suavidad en el vientre, y luego se está volviendo
hacia la parte inferior sombreada Estas preguntas que
son sobre la forma, no las preguntas de plumas
como importan primero. Y una vez que esa forma
es creíble, entonces se
puede sugerir la textura de la pluma con sorprendentemente pequeñas marcas, solo una pequeña indicación
16. Jugar con los bordes: Me parece un poco demasiado ordenado y ordenado el borde
del ala aquí arriba. Entonces solo estoy usando agua pura
para agitarla porque de nuevo, quiero esa variedad de filo No lo quiero todo solo cortado y pegado
como una pegatina. Entonces puede que no
parezca mucho ahora, pero el agua reactivará el pigmento y se mezclará, y se fundirá un poco más
en la escena, se sentirá un poco más conectada Estoy creando a propósito una especie de imperfección para que
sea más Estoy usando un poco
de cobalto para hacer eso. Y luego arriba, es más
de un color violeta púrpura, pero en realidad no importa
porque es muy ligero. El tono que estamos usando está tan diluido que casi se
ve gris, de verdad. Aquí no necesitamos vitalidad. Sólo un poco sutil de tonificación. Por supuesto, el ave está
cubierta de plumas. Entonces estamos pintando plumas ahora, pero no
las estamos pensando como plumas. Estamos pensando en ellos
como luz y sombra. No necesitamos pintar plumas en esta sección ni hacer que
parezcan plumas. Estamos aprovechando que
el espectador sabe cómo es
un pájaro y que un pájaro tiene, por
supuesto, plumas. Entonces estamos usando la alusión al espectador lo verá
como plumas mismas, así que no necesitamos
declararlo . Sólo tenemos que indicarlo. A veces es un borde que
se rompe ligeramente o el paso de pincel suave y
seco que
da una textura de pequeños cientos de pequeñas plumas, pero en realidad es solo un simple
golpe de pincel seco. A veces es la forma en que un
lavado florece suavemente en el otro o simplemente dejando un área sin resolver
para que el espectador sienta
esa esponjosidad en lugar Un ave como esta realmente no necesita una superficie completamente descrita. Y eso es algo que
me llevó más tiempo de lo que
significaría averiguarlo. Yo
solía renderizarlo todo. Solía pensar que
agregar pequeñas líneas para plumas y detalles lo
haría sentir más
vivo e impresionante, pero realmente le quitó
el espíritu en que necesita
la ilusión de suavidad
y esa ilusión se
lleva de manera mucho más efectiva a través de la
moderación, en realidad. Usando un poco de agua pura y
luego usando un pañuelo para
quitar algo de ese pigmento.
Entonces es un poco más ordenado
17. Cómo empezar la cabeza: Entonces ahora esa capa base de
la cabeza está prácticamente seca. Ya podemos volver con azul cobalto
audaz. Es blanco puro del papel. Y cuando hicimos el fondo, pintamos alrededor de esto para
que fuera blanco puro
del papel aquí para aprovechar realmente
la vitalidad,
porque para ser justos, porque para ser justos, el azul en acuarela no
siempre es el más vibrante Entonces, si queremos que sea
brillante y luminoso, realmente
confiamos en
el blanco del papel para pasar por supuesto, hay tantos pigmentos de acuarela
azules diferentes. Algunos de ellos son
un poco más silenciados, otros son un poco más luminiscentes Entonces vale la pena
experimentar con algunos. A mí me gusta el turquesa
y podrías comprarle cobalto a Daniel
Smith, Windsor Newton, Cotman, Holbein, Schminke,
cualquiera de las diferentes marcas, y todas se verán
ligeramente diferentes, y todo es un gusto un poco
personal Pero la mayoría de las tiendas de suministros de arte tienen pocas muestras,
puedes ver. Y si pides tus pinturas línea en lugar de en una tienda, hay algunos lugares a los que puedes ir a algunos sitios web
que puedes visitar, y puedes ver muestras o personas experimentando
con diferentes colores Si buscas el nombre real del
pigmento en Google, seguramente
verás a
alguien subiendo todos los diferentes colores
que están disponibles Así que tengo toda una
colección de pigmentos, y aunque podría
decir azul cobot, podría ser una mezcla de
Daniel Smith, Windsor Newton, o Holbein porque
tengo uno en cada uno, y es justo lo que sea que me
pase a recoger en el día y echarlo a chorros en
esa tina en De igual manera, con mi CerleAntokoys
entra ahí a veces. A veces el color azul
eléctrico iridiscente de Daniel Smith
entra ahí también, porque eso tiene un
efecto de partículas un poco resplandecientes que Entonces mientras esta cabeza
está mojada y mojada, solo
estoy cayendo pigmento, en lugar de forzarlo, lo
estoy manipulando Esa es la forma en que trato
de pensar sobre las cosas. Lo estoy animando,
pero en última instancia, a veces la acuarela
tiene una mente propia. Podemos ver que gran parte del cuerpo es suave y tiene
muchos gradientes, y eso es porque
no es el punto focal No es el principal
centro de tensión. La cabeza es realmente lo que
lleva el personaje. Entonces, si el cuerpo lleva suavidad, entonces es la cabeza la que
lleva al personaje.
18. Franja oscura: Así que hemos pintado la
corona azul en la parte superior de la cabeza, y ahora vamos a
pintar la franja oscura que pasa por el ojo. Y esto realmente mostrará
esa zona pálida de la mejilla, y conducirá
al pequeño pico Estas son las señales que
le dan identidad al ave. Añadiendo un poco de esta oscuridad para mostrar ese contraste entre
la luz y la oscuridad. Y aquí es donde
el área focal principal es donde queremos que esté la
atención. Pero incluso ahora, estoy siendo muy sugerente
con mi marca de pincel Podría estar usando la
punta de mi pincel, pero no me llevo mucho tiempo. Yo personalmente estoy tratando de
apresurarme en esta área. Para mantener ese sentimiento expresivo. Cuando llegue
al área de los ojos, voy a tener un
poco de cuidado para conservar algo del
blanco solo para que me conozca ahí es donde está
el ojo y lo grande es porque si uso este pigmento oscuro para
pintar justo sobre él, entonces probablemente pierda
la colocación del mismo, el tamaño del mismo, y
se verá un poco gracioso. Mi juicio va a estar un
poco equivocado más adelante. Entonces, por el momento, no
estoy pintando sobre el ojo. Entonces, si bien todavía quiero una sensación
pictórica en general, sé que la cabeza
necesita un poco más de un núcleo estructural para Están pasando tantas cosas en la cabeza en una sección tan pequeña comparación con el
resto del cuerpo. Lo primero que quiero
es claridad de forma. Estoy mirando las formas
y tratando de igualarlas. azul de la corona debería
sentirse como una gorra simple y
fuerte, no como una
nube borrosa, por ejemplo Y esta línea oscura que
pasa por el ojo debe tener una dirección
clara y
suficiente contraste para que el rostro se lea correctamente. Esa pálida zona de la mejilla debajo debe permanecer lo suficientemente limpia como para mantener
la forma fuerte a su lado. Y estas pequeñas relaciones importan mucho más que
todos los detalles. Porque si esas formas principales de
cabeza son correctas, entonces todo el cuerpo se vuelve convincente
dentro
de sí mismo Podríamos difuminar gran parte del ala o ser más abstractos, pero el detalle en la cara donde queremos que
esté ancla toda la pieza Y esta es una lección tan útil en la pintura de vida silvestre en general, e incluso se adapta a escenas
callejeras o retratos. Pero cada animal tiene su
propia identidad única. Todos sabemos cómo es
un zorro
o en qué se diferencia un zorro
de un lobo o un martín pescador tiene ese pico y ritmo corporal en
particular que lo hace
distintivo en comparación con Así que siempre prefiero
colocar esas formas con claridad que dedicar
mi tiempo agregando pequeños detalles decorativos en
otra parte de la pintura. Pero al mismo tiempo, no
quiero que la cabeza se vea demasiado recortada o gráfica de una
manera áspera. Todavía quiero algunas
áreas de suavidad, así que haciendo pequeñas áreas
de mezcla ahora, pero primero pinto las formas principales y luego juego
con ellas después.
19. Pintar el ojo: Como siempre, se convierte en
otro acto de equilibrio. Hay tanto en lo
que pensar en términos de equilibrio con pinturas. Y estoy hablando mucho de
equilibrio en esta clase. He hablado mucho
sobre balance de color, balance bordes, balance de tonos,
balance de detalles. Es algo en lo
que pensar mientras explora tus decisiones. Las formas necesitan claridad
pero no rigidez, y las sombras deben
ser seguras y fuertes pero no demasiado pesadas. No quieren
estar fuera de control. No estoy tratando de abrumarte porque estas cosas que
digo no son en realidad reglas porque pueden doblarse y moldearse a
tu gusto personal Entonces son preguntas a las que
tienes tus propias respuestas. No estoy necesariamente dando órdenes
estrictas sobre cómo debes elegir
equilibrar tu pintura. Se puede sentir bastante delicada
pintando esta sección. El fuerte contraste entre estos negros y blancos
lleva un poder enorme Hay muchas pequeñas
áreas de la pintura que son físicamente
pequeñas, pero visualmente, cambian todo el
carácter de la pintura, el ojo, el pico,
esa pequeña raya, y también donde los pies se
conectan a la rama, bastante sutiles, pero
importantes para acertar Pero eso no significa
necesariamente que tengamos que hacerlos
difíciles al mismo tiempo. Voy a volver
al ojo ahora,
y el ojo es
la parte más importante de
la pintura, en realidad. Entonces quiero tener
mucho cuidado con ello. Y si se siente un poco mal, sólo
voy a pintarlo de nuevo y tengo que
volver a él más tarde. Pero por el momento,
solo lo estoy astillando
, por así decirlo, de adentro hacia afuera,
tratando de pintar ese pequeño anillo
de resaltado en el medio El ojo es muy importante
porque
ahí es donde se asienta esa sensación
de alerta Incluso si el pájaro está posado
silenciosamente, el ojo le da presencia, y es notable
cuánta vida se puede mantener en una forma
tan diminuta solo por nuestras
asociaciones con él Un buen ojo en un pájaro
no necesita mucho en absoluto. De hecho, estoy considerando
simplemente pintar sobre él y volver con algunos reflejos blancos de gouache
blanco más adelante, así que tengo que ver al respecto.
20. Cómo crear textura: Lo importante del ojo es la ubicación correcta y un valor
creíble y oscuro Y esa sensación de humedad o luz
que se refleja en ella. Entonces puede ser muy sutil. Así que ya lo he pintado. Sé que pasé un poco de tiempo pintando por
fuera y dentro solo para estar más seguro, pero al final, se
veía demasiado. Así que ya lo he pintado, y luego volveré con reflejos
muy sutiles después. Solo necesito dar un paso atrás
y evaluarlo un poco. Y el pico funciona de
manera similar. Aunque es un poco más silencioso
y no tan
importante, proporciona un poco de dirección, y apunta al ave hacia el
espacio y agudiza la cabeza, donde muchos de los otros bordes alrededor del ave
son un poco más suaves Le da una pequeña
nota de firmeza contra
la redondez
del cuerpo porque en todas partes es muy curvo, pero ahí tenemos una punta muy
afilada Pero no hace falta
que se moleste. Nuevamente,
bloqueé algunas formas y luego lo manche un poco luego solo para
darle esa sensación orgánica Lo justo para sentirse natural. Y a veces las
pequeñas notas estructurales más pequeñas
hacen la mayor parte del trabajo. Es un poco paradójico, de veras, porque un lavado pálido que es muy grande a menudo puede
crear la atmósfera, pero toda la pintura puede estar articulada en unas pocas
pequeñas notas oscuras Y sin ellos, el pájaro
puede sentirse aireado pero incompleto. O con demasiados, el ave puede volverse pesada o sobrecargada de trabajo Entonces el uso de
acentos oscuros como este se convierte en un
tipo de juicio muy fino. Pero déjame
recordarte que si alguna vez te encuentras sintiendo
presión mientras pintas, te
animaría a que simplemente
volvieras a esa sensación de disfrute porque este pájaro no
está pidiendo la perfección. Y todo el motivo por el que
estamos pintando es para divertirnos, expresarnos, desconectarnos
del mundo y simplemente relajarnos y disfrutar de lo que podemos
hacer con el agua y el pigmento. Es mucho mejor
al final del día disfrutar del proceso
de pintura que estresarse por hacer
la obra maestra perfecta Porque si vamos en esa dirección, nunca termina,
siempre vamos a querer mejorar
una y otra vez, y siempre habrá otro
hito y objetivo.
21. Pinta las patas: A medida que la pintura se
acerca a su finalización, las preguntas empiezan a
cambiar porque desde el principio
preguntamos a dónde pertenecen las cosas
o qué formas importan, qué colores hay que
establecer y dónde se asienta la luz,
ese tipo de cosas Pero cerca del final, la pintura por lo general ya no
quiere grandes decisiones. Solo necesita algunas afinaciones finas, un poco de juicio
personal. Tan honesta autointerpretación. Porque el ave ya está
ahí por esa etapa. La pregunta es, ¿este toque
extra realmente ayuda o la
frescura sigue viva? Y esas se convierten en el tipo
importante de preguntas. Y aquí suele ser donde
muchas pinturas delicadas están protegidas o estropeadas Si estamos lo suficientemente tranquilos como
para reconocer que el ave ya se siente presente, entonces muchas veces podemos detenernos. Incluso si puede que no se sienta
completamente terminado. Esa sensación de estar un poco inacabado permite
al espectador terminarlo por ellos. Si algo
se hace completamente demasiado, entonces no deja nada para que el espectador vea con lo
que involucrarse. Si nos volvemos inquietos y comenzamos a buscar cualidades más
terminadas, simplemente porque la página
aún contiene secciones abiertas y
sin resolver,
entonces comenzamos a dañar exactamente lo que hizo que la pintura y el ave fueran
atractivos en primer lugar Por lo que trato de volverme un poco
más quieta en esta etapa. Por supuesto,
todavía tenemos los pies. Podemos ver lo que falta
o lo que hay que hacer. Pero estoy un poco menos ansioso por
actuar sobre decisiones especialmente grandes. Al igual que, no hay grandes
sombras que necesitamos
agregar eso no significa que ya no baje
más pintura. A veces un
acento final es exactamente correcto o un pequeño fortalecimiento
del ojo. Todavía tenemos que volver
a la vista, en realidad, tal vez algunos aspectos destacados porque no
queríamos poner en peligro buenos lavados grandes solo para
salvar algunas líneas finas Siempre podemos volver con el pigmento
opaq light como quash
blanco solo agrega ese poco de
definición y brillo Tal vez podamos despegar algunas marcas de pincel para crear
algunas texturas sutiles, no en todas partes, sino en
algunas áreas seleccionadas. Y estos pequeños ajustes pueden ser hermosos y necesarios, pero necesitan provenir de algunos que claramente lo
necesitan en
lugar de solo una especie de ansiedad de
que se sienta mal. Ahí hay un poco
de diferencia.
22. Unos pocos destellos de luz.: Si tienes problemas para saber
cuándo terminar el cuadro, siempre
puedes dar un paso atrás y volver a él en otro momento. A veces hago eso y me doy cuenta que realmente no necesita más. Está bien dejarse
sin terminar para que quede sin resolver, lo
hace más Ahora voy a volver a
los ojos y ya puedes ver lo sutil que lo estoy haciendo. Pero esa sutileza
sigue impactando, par o tres puntos
de pigmento blanco le da esa ilusión de superficie
reflectante en el ojo Una pregunta útil aquí
a la hora de terminar la pintura es
si la pintura ya lee a distancia. Para que puedas dar
unos pasos atrás y ver la composición como un todo y desconectarte un poco
de ella. Si paso atrás y
el pájaro inmediatamente se siente algo
encantador, redondeado y alerta, o bien colocado, entonces todo
ya está funcionando. A veces hago esto a
mitad de un cuadro también. Y entonces en ese punto, cualquier otra marca
debe justificarse, no sólo porque
quiero hacer más, tiene que
haber una razón para ello. Debe fortalecer algo. Si sólo hace que
la sección esté más ocupada, entonces está fallada
y es innecesaria Aunque sea
técnicamente preciso, aunque esté ahí en
la imagen de referencia. Otra pregunta útil es si la jerarquía
aún se mantiene. ¿Sigue siendo el ojo el punto focal
natural? ¿El cuerpo todavía se siente suave? ¿La sucursal ha
permanecido secundaria? Y si has pintado
un fondo, sigue siendo suave,
aireado y atmosférico en
lugar de robar la atención? Que los colores mantengan
su frescura. Puede ser difícil restaurar esa frescura de
todos modos al final, pero estas son las
preguntas más grandes que a menudo importan
más importan más que solo correcciones locales,
pequeñas secciones diminutas. Y es en este punto
que podemos tomar notas para futuras pinturas porque una vez nos desconectemos de
esta pintura, podríamos olvidar lo que nos
pasa por la
mente en esta etapa. Así que siempre es en estas últimas áreas
donde realmente podemos aprender sobre nosotros mismos como artistas y lo que podemos hacer y llevar adelante
en nuestros próximos proyectos. El objetivo nunca es demostrar
cuánto podemos hacer o
cuánto se podría hacer. El objetivo es simplemente capturar algo del brillo del
ave, su suavidad y encanto. Y una vez que eso
ya está presente, lo más sabio es
simplemente dejarlo ahí, dejarlo estar
23. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y
felicitaciones por completar esta
clase de acuarela sobre la pintura de un Tit Azul. En esta clase,
analizamos cómo una pintura puede sentirse completa sin estar
sobretrabajada y abarrotada Cómo un número limitado de marcas
puede sugerir tanto forma como
suavidad y cómo la colocación del contraste determina
dónde descansa el ojo. Los mismos principios funcionan maravillosamente para
otras aves pequeñas, estudios
florales o
cualquier tema en el que
quieras que un sujeto claro brille
contra un ambiente suave Recuerda, la acuarela
no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo
personal. Te animo a que sigas
explorando, experimentando y superando tus
límites para crear tus propias obras maestras de
acuarela únicas Al llegar al
final de esta clase, espero que se sienta
más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en
acuarela. La práctica es clave
a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando
y experimentando. Quiero expresar mi gratitud
por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la
acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de
ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me
encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la
galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes
compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta
ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también
en Skillshare Después de poner
tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda
o comentario sobre la clase de
hoy o quieres algún consejo específico
relacionado con la acuarela, comunícame en
la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te
gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería
recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me
llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor
experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en
el botón de seguimiento Utop para que pueda
seguirme en Skillshare Esto significa que serás
el primero en saber cuándo lance una nueva clase
o publique regalos Espero que esto te anime a disfrutar del poder tranquilo
de los sujetos simples. Espero
verlos a todos en futuras clases hasta entonces Feliz
pintura y adiós por ahora.
Will Elliston, Award-Winning Watercolour Artist
