Transcripciones
1. Introducción: Hola chicos. Bienvenido a mi clase de skillshare sobre
pintar un jay azul Soy Chris, artista de acuarela y digital
además de profesor. En esta clase, nuestro enfoque
estará en pintar una J azul encaramada sobre una ramita
con unas flores encantadoras Nos divertiremos experimentando
con varios tonos de blues y usando un esquema de color
análogo para darle vida a esta hermosa
pintura Creo que este
tutorial es adecuado para artistas de todos los niveles de habilidad. Si eres un principiante en
busca de un reto, podrás seguir mis instrucciones y crear
esta obra de arte con facilidad. El tutorial se
divide en partes cortas y manejables. Te guio paso, paso a través todo
el proceso para
ayudarte a comenzar. Proporcionaré recursos
como una lista de los
suministros que utilicé, listos para imprimir dibujos lineales
en diferentes tamaños y la foto de referencia. También puedes referirte a mi pintura
terminada en busca inspiración y orientación mientras trabajas en tu propia pintura. Si estás listo para crear
algo hermoso, vamos a sumergirnos y comenzar.
2. Tu proyecto: Para tu proyecto de clase, te animo a que sigas todo mi proceso
y pintes conmigo. No obstante, si encuentras que toda
la pintura es demasiado a
la vez, no dudes
en concentrarte en una sola sección. Podrías elegir
pintar una sola flor, un racimo de flores, o incluso solo el pájaro mismo. El objetivo principal es aplicar los conceptos y habilidades
que has aprendido en la clase y crear una obra de arte única que
refleje el estilo personal. Por favor, no dudes en compartir tus tomas de progreso y la pintura final
con la clase. Puedes subirlos a la
sección
Proyectos y Recursos haciendo clic en el botón
Crear Proyecto. Proporcionar una breve descripción de su proceso y cualquier
desafío que enfrentó durante el
viaje creativo puede ser útil tanto para mis
compañeros como para mí. Esto permite obtener valiosos
comentarios y apoyo. Si encuentra alguna pregunta o inquietud durante el proceso, no dude en preguntar en la sección de
discusión. Estoy aquí para
atenderle de cualquier manera que pueda. Por último,
recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de
comenzar a pintar. Esto te ayudará a familiarizarte
más con las técnicas y a
estar mejor preparado para qué esperar, llevará a una experiencia de
pintura más segura y placentera. Si encuentras útil esta clase, lo agradecería muchísimo. Si pudieras dejar
una reseña honesta, tus comentarios me
ayudarán a crear mejor contenido y a ayudar otros estudiantes a decidir si tomar esta clase o
no. Gracias de antemano.
3. Recursos: He preparado algunos
recursos útiles para tu proyecto, que puedes acceder en la sección Proyectos y
Recursos. En los recursos,
encontrarás el archivo PDF que contiene una lista de los suministros que utilicé
para esta pintura. Si bien no es necesario
usar exactamente los mismos suministros, recomiendo usar papel
100% algodón. Para obtener los mejores resultados, puedes usar tus
pinturas y pinceles preferidos. También encontrarás
una foto de referencia y mi pintura terminada, ambas pueden inspirarte para
tu propia obra de arte. Adicionalmente, hay dibujos de
líneas disponibles en diferentes tamaños que puedes imprimir y transferir a
tu papel de acuarela. Puedes elegir la talla que
se adapte a tus preferencias. Siéntase libre de explorar
estos recursos y utilizarlos para crear su propia pintura
única y hermosa. Si tienes alguna
duda en el camino, no dudes en
contactarme. Disfruta de tu proyecto.
4. Introducción: Hola ahí. Hoy nos sumergimos en el colorido mundo
de la acuarela. Juntos, vamos a crear un hermoso retrato
de un jay azul. Blue Jays son conocidos por
su vibrante belleza y me emociona ayudarte a
darle vida a uno en papel Antes de sumergirnos en
el proceso de pintura, hablemos sobre el proceso de
preparación y las ideas detrás de
esta obra de arte. En primer lugar, quería pintar
un pájaro como mi tema principal. Después de hojear por
varias fotos de aves, me topé con arcillas azules. Me llamaron la atención porque no
había pintado nada de
azul en mucho tiempo. El clima caluroso afuera
me hizo desear algunos colores fríos. Elegí una impresionante
foto de jay azul como mi inspiración. A continuación, trabajé en la
composición para la pintura. Probé algunos bocetos rápidos
en miniatura, pero nada hizo clic. Fue entonces cuando me volví a Pinterest en busca de inspiración
creativa. Las ilustraciones vintage
y las postales suelen tener fantásticas ideas de
composición Los pájaros sentados en ramitas con delicadas flores a su alrededor parecían ser un tema recurrente Decidí incorporar algunas
flores a mi pintura, dibujando a partir de un concepto similar que
utilicé en una obra anterior,
Spring Twittering Mi primer pensamiento fue
pintar flores de cerezo para tener una mejor idea de cómo
se veían y
cómo dibujarlas,
investigué fotos de flor de
cerezo Con eso en mente,
esbocé una composición que presentaba una J azul
inspirada en mi foto de referencia, pero no una copia exacta Y una ramita con flores
que armé desde mi comprensión general
de sus formas Una vez que tuve mi composición, refiné el dibujo. Lo imprimí y usé un camino de luz para
transferirlo a mi papel de acuarela. Esta vez decidí no mojar
el papel. Por lo general, mojo tanto la parte delantera
como la parte posterior del papel, lo
grapa a mi Gator Board y lo dejo secar durante la noche. Pero para este cuadro, me salté el
paso de la boda porque no
quería pintar un fondo
mojado sobre mojado Sabía que no habría
demasiado pandeo de papel. Solo grapé el papel a mi tablero Gator y
lo grabé por cuatro lados Y con eso, estaba todo
listo para comenzar a pintar. Tenía una idea clara de que
el pájaro tenía que ser azul, pero yo estaba reflexionando sobre
los colores para las flores Al principio, pensé que el
rosa podría funcionar. Entonces consideré naranja
para complementar el azul. No obstante, esta
vez decidí probar
algo diferente e ir por un esquema de color
análogo. Me decidí por usar el tono
azul verde Windsor como color primario para el toque de pájaro del
azul cobalto para las flores. Yo quería un tono más cálido de azul. Elegí el azul cobalto
y el azul ultramarino. Pero también agregué
rosa permanente para dar a las
flores un tono púrpura. De esta manera, mantuve un esquema de color
análogo armonioso. Entonces pensé en agregar un fondo sutil para
unir todo. En lugar de pintar todo
el fondo, opté por una forma turbia suave Para lograrlo, utilicé el azul
cobalto y la
rosa permanente para crear una conexión entre el fondo
y el sujeto principal. El concepto general
de esta pintura es un esquema de color análogo con un azul Windsor verdoso fresco
para el pájaro flores púrpuras, un azul medio neutro y
rosa para el fondo También incluí diminutas hojas
verdes como color de
acento para agregar algo de profundidad e interés
extra. Estoy bastante satisfecho con
cómo resultó. Lo mantuve simple
con formas básicas, aplicación de
color
directa y usé mucha técnica húmeda
sobre seca. Lo que sé es generalmente más agradable y más
fácil para la mayoría de ustedes. Creo que será
un proyecto de pintura. Vamos a
romper esta pintura en algunas etapas
para que sea más fácil. Comenzaremos con el fondo, luego pasaremos a pintar el
primer racimo de flores, seguido del segundo racimo
y el tercer racimo. Después de eso,
agregaremos la ramita oscura, y finalmente pintaremos el pájaro si ya estás
listo, comencemos
5. Fondo: Ahora comencemos a trabajar
en el fondo. No obstante, si prefieres no
pintar el fondo, dudes en saltarte este paso. En primer lugar, permítanme explicar
el concepto general. No quiero que el fondo
domine la pintura. Quiero que el pájaro y las
flores sean las estrellas. Vamos a agregar un sutil
toque de fondo,
como una forma suave y turbia que complementa a
los temas principales. Para lograr este efecto, utilizaremos la técnica wet
on wet. Lo que crea esas
hermosas formas suaves que se desvanecen sin problemas. Por lo general, enmascaro el tema principal para
pintar el fondo, pero en este caso, no
creo que sea necesario. Las áreas que vamos a pintar
son relativamente pequeñas. Podemos trabajar fácilmente
alrededor de las flores, incluso si accidentalmente pasamos por encima de las flores o
el pájaro. Eso está bien. Tenemos un arma secreta, que es un cepillo de fregado para eliminar cualquier solapamiento no deseado Antes de comenzar a pintar, usaré una goma de borrar necesaria enrollar ligeramente
mi boceto a lápiz Esto eliminará el exceso de grafito y hará que el boceto sea más ligero. Normalmente, haría
el boceto muy débil, pero para este tutorial, mantendré las líneas un poco más visibles para que puedas
seguirlas fácilmente Empecemos preparando nuestros
colores para el fondo. Usaremos azul cobalto
y rosa permanente. Me gusta mucho el azul cobalto. Es un calmante azul cielo natural. El azul cobalto es mi color
para el cielo. A veces lo mezclo
con azul Windsor
o azul ultramarino para obtener
diferentes tonos del cielo Pero para esta pintura se
quedará con el azul cobalto, agarrará una buena cantidad de
azul cobalto y rosa permanente. Te habrás dado cuenta de
que suelo usar un pincel plano para
preparar mis colores. Utilizo una
brocha plana barata para este propósito porque me permite
recoger más pintura rápidamente. Además, cuando la pintura
se seca en la paleta, a veces
necesitas frotarla varias veces para
colocarla en tu pincel. Y no quiero dañar
mis buenos pinceles haciendo eso, así que uso este
cepillo plano para mezclar. Ahora usa una brocha talla ocho, sumerja en agua y aplícala en la primera
zona de la izquierda. Ahora vamos a recoger un
poco de azul cobalto y dejarlo caer cerca
de las flores. La idea aquí es
aplicar la pintura cerca de las flores y dejar que
se extienda en el agua. Esto creará esos hermosos bordes suaves a los que
aspiramos. Lo crucial es
usar suficiente agua y aplicarla sobre un área
más grande de la que pretendes pintar. Echa un vistazo, la
pintura se esparcirá en el agua y
necesita espacio para hacerlo. No podemos simplemente aplicar
agua a un área pequeña, ya que cuando la pintura llegue
al borde de la zona húmeda, creará un borde duro. A medida que se seca. Al aplicar
agua sobre un área más grande, la pintura tendrá más
espacio para extenderse libremente, resultando en esos bordes
blandos que queremos. Espero que eso tenga sentido. Estoy cambiando a un pincel
más pequeño ya que busco pintar cuidadosamente
alrededor de las flores. Adicionalmente, estoy agregando
más agua hacia la parte superior para darle a la pintura aún más espacio para
fluir por si acaso. Sigue adelante y sigue
pintando el fondo
debajo de la ramita. Ahora quiero señalar que he creado
intencionalmente algunas
formas con bordes duros. En este paso, apliqué
el azul cerca de
las flores y usé más agua para tirar
del color hacia abajo. Abajo, moldeé algunas áreas se asemejan a pétalos usando agua
ligeramente teñida. Estos son
indicios muy sutiles de flores que agregan más
interés al fondo. Al combinar bordes suaves y
turbios con algunos bordes afilados sutiles, creo que le da un toque agradable. También hay algunas pequeñas
áreas entre las flores
que necesitamos rellenar. Observe que no estoy tratando de
pintar alrededor de una pequeña
ramita en esta zona En cambio estoy aplicando el
azul sobre toda el área. El motivo de esto es porque sé que la
ramita será mucho más oscura y será fácil aplicar la
pintura oscura sobre el azul Aquí tenemos otra zona. Lo bueno de
este trasfondo es que podemos dividirlo en secciones más pequeñas y trabajar en cada sección por separado. También he decidido agregar algunas filas permanentes para
un poco de destello extra. Cuando mires
la pintura final, verás que esta técnica de
mojado sobre húmedo me permitió
crear esas nubes súper suaves como formas en el fondo. Es muy sutil, pero añade mucho más interés
a la pintura, claro. Siéntase libre de usar diferentes
colores si lo desea. No tienes que seguir
mis elecciones exactamente. Usa tu libertad creativa para
hacer tuya esta pintura. No tenemos una
foto de referencia para esto, así que realmente podemos
pintar como nos plazca. Incluso si lo recordamos, tenemos
licencia creativa para
pintarlo a nuestra manera única. En esta etapa,
así se ve la pintura. Voy a dejar que se seque ahora. Una o 2 horas deberían ser suficientes. Normalmente, si estuviera pintando todo
el fondo
mojado sobre mojado, lo dejaría
secar durante la noche. Pero estas son solo áreas pequeñas, no
necesitan
tanto tiempo para secarse. También puedes usar un secador de
pelo para acelerar el proceso de secado cuando estés listo y tu pintura
esté completamente seca. Pasemos a la siguiente parte.
6. Grupo 1: capa inicial: Antes de sumergirnos en
pintar las flores, déjame explicarte los
pasos que vamos y algunos principios básicos
a tener en cuenta. Pintaremos las flores
en tres pasos principales. En el primer paso, aplicaremos los
colores básicos a los pétalos. Aquí hay algunas
ideas clave para recordar. Usa un tono más claro
de los colores finales. Deja algunas áreas blancas
para representar los reflejos. Crea la impresión
de pétalos
rizados dejando bordes blancos
en algunos de ellos. Para las flores, use
principalmente azul cobalto, azul ultramarino
y filas permanentes En el segundo paso, definiremos nuestros colores de manera más clara y agregaremos
sombras a los pétalos En la tercera parte, nos
centraremos en los detalles más finos. Pintaremos filamentos que
emergen del centro de la flor y pueden oscurecer
algunas áreas si es necesario Antes de comenzar a
pintar las flores, me gustaría
apretar un poco los bordes. Como pueden ver accidentalmente
superpuse algunos pétalos
con pintura azul A mí me gustaría eliminar
esas superposiciones esto. Ahora usaré mi cepillo depurador. Déjame mostrarte mis
cepillos de fregado ya que a menudo me
preguntan por ellos Mi cepillo principal es
el cepillo galleria swindsor Newton, en talla cuatro Lo tengo desde hace varios años. Ahora está un poco quemada. Pero eso es realmente bueno
porque se ha vuelto un poco más suave Cuando es nuevo,
es bastante rígido. Después de algún uso, las
cerdas se vuelven más suaves. Este cepillo hace
todo lo que necesito. Lo uso para casi
todos los cuadros. También tengo un cepillo de sombreado a presión
Princeton más pequeño. Esta es realmente pequeña y
las cerdas son mucho más suaves. Lo uso ocasionalmente para
levantar pequeñas áreas de pintura. Por ejemplo, para crear venas
más claras en las hojas. En general,
necesitarás experimentar con diferentes pinceles para encontrar el que mejor funcione para ti. Un cepillo de fregado para mí es
esencialmente un cepillo plano con
cerdas
ligeramente más rígidas en comparación con cerdas
ligeramente más rígidas en comparación mis pinceles de
acuarela Los pinceles diseñados para pintura
acrílica a menudo funcionan bien como cepillos de
fregado Hay cepillos específicamente etiquetados como cepillos de fregado, e incluso pueden
venir en formas redondas Sin embargo, descubrí
que los pinceles planos, especialmente los
etiquetados como planos, sombreadores
brillantes o sombreadores brillantes, funcionan excepcionalmente
bien para mis necesidades Ahora volvamos
a nuestro cuadro. Voy a sumergir
mi cepillo en agua, quitar el exceso de agua
en una toalla de papel. Y luego con un cepillo
ligeramente húmedo, frotaré suavemente la zona de
pintura que quiero quitar. Después, frotaré la mancha con una toalla de papel y se
debe quitar la pintura o
al menos me desharé
de cualquier borde duro Ablandecer los bordes así es el propósito principal de
mi cepillo depurador Una vez que hayamos limpiado los
bordes de las flores, podemos empezar a pintar. Voy a estar usando un pincel tamaño seis. Actualmente estamos en el
primer paso del proceso. Nuestro objetivo es aplicar los colores
principales a los pétalos. Empezaré con azul cobalto. Y usando la técnica de mojado
sobre seco, voy a aplicar la
pintura a la primera. Pero como no
tenemos una foto de referencia
para las flores, tendremos que averiguar
dónde aplicar la pintura. Lo que estoy teniendo en cuenta es que la fuente de luz
está en algún lugar arriba, un poco a la izquierda quizás. Esto significa que los lados superior
e izquierdo de los pétalos deben ser más claros
y las sombras deben estar a la derecha y
más hacia el fondo. Ese es un caso de pauta general. Tenemos dos cogollos. El de arriba proyecta una
sombra sobre el de abajo. Por eso estoy pintando
una sombra ahí. También creo que el
cogollo debe ser más oscuro, cercano a las partes verdes. Estoy usando un color más fuerte, más cerca de los sépalos. Después de aplicar la
pintura, húmeda y seca, rápidamente enjuago y mancha mi pincel con un pincel limpio,
ligeramente húmedo. Suavizaré los bordes para
el siguiente juego de cogollos. Recogí un tono un poco
más rosado, haciendo que el color solo
fuera un poco más morado. También estoy dejando un punto culminante. El borde superior de cada pétalo. Después hay una sombra abajo, seguida de un área más clara. Esto ayuda a transmitir
qué partes de los pétalos están más elevadas
y cuáles son más cóncavas. Las partes más oscuras son aquellas en la sombra que reciben menos
luz y aparecen cóncavas. Necesitamos jugar con
luces y sombras para crear la impresión de forma
tridimensional. En este caso, nuestra ilustración
es sencilla. No estamos siguiendo
una foto específica. Tenemos libertad creativa para
hacer lo que creemos que se ve bien. También creo que
variar los colores de las flores
las hará más interesantes. En algunas zonas, estoy
usando más azul, mientras que en otras me
inclino más hacia el rosa Esta variedad agregará interés
visual y creará una composición de
color muy bien equilibrada junto con nuestro fondo rosa
azul. Ahora estoy mezclando oro verde con azul
ultramarino para lograr
un bonito verde neutro Quiero aplicar este verde a las hojas para ver cómo se ve. No hay muchas
áreas verdes en esta pintura. Si lo prefieres, puedes dejar los greens hasta el final cuando hayas terminado
todas las flores. Solo tengo curiosidad por ver cómo mi color favorito el verde
encajará aquí. Estoy aplicando esta
capa inicial a las hojas también. Ahora sigamos
pintando los pétalos. Observe que estamos trabajando en áreas
realmente pequeñas y usando
la técnica de mojado sobre seco, lo que significa que la pintura
se seca con bastante rapidez. No tendrás que esperar
mucho para que la pintura se seque, para pintar los pétalos que
están uno al lado del otro. Normalmente, podrías
saltarte un pétalo, pintar otro, y
luego regresar
al saltado cuando
todo esté seco Pero aquí no es necesario porque el
tiempo de secado es bastante corto. Describir el proceso
puede ser un poco desafiante aquí cuando no tenemos una foto de referencia a
seguir con precisión. Lo que estoy haciendo ahora es
simplemente experimentar con los colores y pintar las flores una
manera sencilla pero convincente. Puedes seguirme
a mi lado si quieres. O puedes optar por pintar
las flores de manera diferente, quizás con detalles más
intrincados O tal vez en un estilo perdedor, si quieres
seguir mi enfoque, recomiendo ver lo que
hago primero y luego
posar el video Mirando el cuadro en la esquina o una impresión
, si tienes uno. Intenta recrear lo que
ves en mi pintura. Recuerda que este es
solo el primer paso. En esta etapa, estamos
aplicando colores básicos, dejando reflejos y
sugiriendo algunas sombras. Una vez que termines esta parte, pasemos al siguiente paso y agreguemos más definición
a nuestras flores.
7. Cúmulo 1: sombras y detalles: Bien, genial, entonces nuestra capa
inicial ya está seca y estamos listos para refinar nuestros colores y agregar algunas sombras. En esta etapa,
seguiremos usando los mismos colores que en
la parte anterior. Nuestro objetivo aquí es oscurecer ciertas áreas e intensificar
los colores donde sea necesario Llévala paso, enfocándose en cada
pétalo individualmente. Piensa en qué áreas
deberían ser más oscuras. Por ejemplo, considere
más pronunciadas o áreas más cercanas a las hojas. Quizás te gustaría hacer ciertas áreas más
vibrantes con el color. Si es así, sigue adelante y agrega un tono
más profundo de azul o rosa. Como puede observar,
estoy agregando más colores para mejorar la definición
de áreas específicas. Es importante tener
en cuenta que no estoy necesariamente usando un tono de pintura
más oscuro. Estoy manteniendo la
misma consistencia de pintura que en la capa anterior. Sin embargo, debido a que las
acuarelas son transparentes, estamos construyendo
capas de color. La segunda capa puede parecer
más oscura que la primera. Tómate tu tiempo y no te apresures
a oscurecer demasiado las cosas. Aplica los colores gradualmente y evalúa cómo se
ve a medida que avanzas. Si es necesario, siempre puedes agregar
más color después de que se seque. Por ejemplo, no estoy todo seguro de
dónde colocar las sombras, o si debo agregar más
detalles a los pétalos. Estoy probando las
aguas aplicando primero
una versión más clara
del color, luego regresando a las
mismas áreas para aplicar colores
más oscuros si creo que mejorará la apariencia
general. Es importante destacar que estoy buscando
definir los centros de las flores y las sombras
entre cada pétalo. Algunos pétalos pueden estar
un poco más atrás. Quiero pintarlos
un poco más oscuros que los demás para crear la impresión de que
están escondidos detrás También estoy aplicando la mezcla
verde a las hojas, que consiste en
oro verde, y azul ultramarino, para crear sombras en las hojas, estoy usando más azul
ultramarino a mi mezcla para lograr un Lo estoy manteniendo muy simple
al usar la técnica de mojado sobre seco y no suavizar los bordes como lo
haría normalmente. Esta vez, estoy apuntando a un efecto
ligeramente diferente. Algo así como una
ilustración con una
apariencia más acuarela que incluye ambas. Bordes suaves y afilados. Estoy pintando una sombra en un
lado de una hoja y en el otro lado sólo tres líneas
simples para
sugerir las venas. Posteriormente cuando el lado izquierdo esté seco, también
agregaré venas
al área sombreada Como puedes ver, esta es una pintura muy
sencilla, nada demasiado complicada en absoluto. Espero que estés de acuerdo
conmigo en esta etapa. Es posible que las flores no se vean
particularmente impresionantes, pero estoy bastante seguro de que el resultado final
saldrá maravillosamente. Lo que me hace pensar de esta manera es mi aprecio por
repetir patrones. Sé que lo que sea que repitas tiende a quedar precioso
en un patrón repetitivo. Si bien en realidad no tenemos un patrón
repetitivo aquí sí
tenemos muchas flores y
todas siguen un proceso similar. Cuando tengas muchas flores
similares, final se
unirán
muy bien. Lo que realmente necesitamos en este
punto es solo paciencia. Y para seguir progresando paso a
paso hasta que
terminemos todo. Ahora estamos pasando
a la tercera etapa, que implica agregar
los detalles más finos Estoy cambiando a un pincel talla
cuatro para esta parte, estoy recogiendo algunos bastante oscuros y concentrados,
azul ultramarino Con este color, estoy pintando los puntos alrededor de los
centros de las flores, que representarán nuestras anteras para agregar alguna variación de color También estoy mezclando en
un poco de rosa a continuación, usando solo la punta
de mi pintura, los filamentos que conectan el centro de la
flor con los Ers. Es una manera
simple y efectiva pintar estas flores. Repita el mismo proceso
para las otras dos flores. Tómate un momento para mirar
tus flores y considera si hay alguna zona
que te gustaría oscurecer Por ejemplo, quiero añadir un poco más de sombra,
pero no demasiado. No te olvides de las hojas. Terminémoslos agregando algunas vetas simples usando
nuestra mezcla verde. Creo que estas
hojitas se ven muy simples, pero son muy lindas.
8. Grupo 2: capa inicial: Nuestro primer racimo de flores está completo y ahora podemos
pasar al segundo. En esta parte, quiero
mostrarte el proceso desde una perspectiva diferente para que veas
todo con claridad. Esta
vez usaré un pincel talla
cuatro para estas flores. Estoy usando el azul ultramarino como nuestro
azul primario. Ese era mi plan original, ya que quería usar
un azul más cálido para las flores Usando azul ultramarino y
rosa permanente Como alternativa, estoy aplicando los colores
principales a los pétalos. Una vez más, estoy dejando
algunos huecos blancos que servirán de
resaltes o sobre algunos pétalos, estas áreas blancas
representan pétalos rizados Al menos ese es el
concepto en mi mente. Creo que variar el color y
pasar del azul al rosa es crucial porque evita
que el color se
vea plano Si bien podríamos usar púrpura, solo púrpura puro para esto, creo que este enfoque
agrega más interés visual. En la última flor, estoy usando un
tono ligeramente más oscuro porque esta flor está situada en el dorso
y está debajo del pájaro, está más en la sombra. En este paso,
también puedes ver lo importante que es mantener una consistencia consistente de la
pintura. un vistazo más de cerca, estoy pintando
los pétalos , la izquierda, y luego
vuelvo a mi paleta para
recoger más pintura. No obstante, al hacerlo, también recogí más agua. Ahora la pintura que estoy
usando es mucho
más húmeda que la pintura en
el papel que
ya está empezando a secarse Esta inconsistencia
en la humedad de la pintura puede llevar a la
creación de floraciones Cuando toco el papel
con la pintura húmeda, el agua liberada de la brocha aleja
el pigmento secante, dando como resultado la
formación de formas llamadas flores, coliflores Este efecto es característico
de las acuarelas. A algunas personas les
encanta, a otros lo odian. Algunos lo ven como un error, mientras que otros los
crean intencionalmente. Es algo que le da un toque
único a tu pintura, pero también puede estropearla si aparece en
un área no deseada. Para evitar esto,
siempre debes asegurarte de que estás usando pintura con
la misma consistencia. Si aplicas
pintura climática a un área de secado, existe una
probabilidad significativa de que
ocurra una floración Para rectificar esto, puedes
pintar sobre ella con un color más oscuro posible O usa una brocha fregadora para quitar
suavemente la pintura de los bordes de
la flor, haciéndolos menos Y luego posiblemente aplicar otra capa de pintura
para cubrirlos. En lo personal, nunca los arreglo. Creo que son únicos y
aunque aparezcan en
lugares no pretendía, los
acepto y
no me preocupo por ellos. Hay
cosas más importantes de las que
preocuparse en este mundo que
una floración en mi pintura.
9. Grupo 2: sombras y detalles: La capa inicial
ahora está completamente seca, por
lo que es el momento del siguiente paso, oscureciendo los colores
y agregando los detalles Estoy trabajando en pintar
las sombras de
una manera que creo que
va a funcionar bien aquí. Estoy apuntando a dejar
áreas más claras en cada pétalo, excepto cuando quiero esconder todo
el pétalo en una sombra, en cuyo caso oscurecí todo
el pétalo Por ejemplo, he
dejado esta zona blanca, que representa un pétalo rizado Creo que si está rizado, el lado interior de este pétalo
debería estar a la sombra Este pétalo aparece
más oscuro que los demás. También me estoy enfocando en pintar las sombras en las zonas
donde se encuentran los pétalos. Creo que agrega
más dimensión al indicar que los pétalos
se superponen entre sí. En esta etapa, las flores todavía
no
parecen flores. Cada pétalo puede
parecer una forma aleatoria. No obstante, es importante tener una
imagen mental clara de tu objetivo. Ya sabes, estos son
pétalos que se
unen en el centro
para formar una flor. Algunos pétalos pueden aparecer
al azar de diferentes flores, y eso está perfectamente bien. Solo recuerda que estás
pintando las flores y ten en cuenta hacia dónde te
diriges con tu pintura. Esto te ayudará a
encontrar sentido en el aparente caos de los pétalos. Estoy tratando de vislumbrar
las flores principales y pensar en dónde están
sus centros, dónde voy a pintar los filamentos, y el resto es solo una
adición a esas flores principales No te olvides de esos
cogollos que hay en el fondo. He usado un poco más de azul
ultramarino para pintarlas. Una vez que hayas completado este paso, pasemos a la siguiente etapa. Ahora todo está completamente
seco así que podemos comenzar a agregar los
detalles más finos como antes Comience pintando muchos
puntos alrededor del centro. Estos representan los
ans de las flores. Luego agrega esos delicados filamentos
finos para completar las flores. Repita este proceso para
las otras flores también. Una vez completado este paso, tómate un momento para comparar este racimo de flores
con el anterior. ¿Se ven similares? Quizás necesites oscurecer algunas sombras o ajustar
los valores tonales para que
todas las flores que hayas pintado hasta ahora parezcan similares en términos
de luz, de color oscuro Después de todo, todos crecen en el mismo tweak y
deberían verse similares Agrega un tono más oscuro de azul a los cogollos para definir
sus sombras Además, también
podemos pintar esas
diminutas hojas en esta etapa. Estos son solo pequeños elementos
adicionales y no requieren demasiado trabajo. Comienza aplicando una versión
más ligera de la mezcla verde de
oro verde y azul ultramarino Una vez que la primera capa esté seca, usa un tono ligeramente más oscuro
para agregar sombras simples. Trate de no sobretrabajarlo. Aquí no estamos apuntando
al hiper realismo. Quiero que te diviertas y no te estreses demasiado
por la perfección. También pinta esos diminutos sépalos
verdes de los cogollos Cuando termines esta etapa, pasemos
al tercer racimo del
lado derecho
10. Grupo 3: capa inicial, sombras y detalles: En esta parte,
seguiremos pintando las flores tal
como lo hicimos antes. Quiero romper esta
sección en pasos más pequeños porque ya deberías tener una buena comprensión
del proceso. El principal desafío que podrías encontrar es decidir
dónde aplicar los colores, dónde dejar reflejos y dónde agregar sombras. Confía en mí, tampoco tenía
una hoja de ruta clara. No estaba usando una
foto de referencia como guía. A veces tenemos que
confiar en nuestra imaginación. Entiendo que puede que no sea fácil, sobre todo si usualmente
basas tu pintura en fotos. No obstante, ¿por qué no
probarlo? Puedes usar mi pintura
como referencia ahora, lo que debería
facilitarte la tarea. Aún así, siéntete libre de pintar tus flores de manera diferente
si lo prefieres. Es así como se ve toda la
pintura después de aplicar la capa inicial al
tercer racimo de flores. Ahora podemos intensificar los colores en las sombras y aumentar
el contraste tonal Es crucial tener
una amplia gama de valores
tonales, desde reflejos
hasta blues profundos y morados Esto le dará más dimensión a tus
flores. La ausencia de tonos oscuros puede resultar en un efecto
lavado, haciendo que algo se sienta
falto en tu pintura. Los valores oscuros son esenciales. No estoy sugiriendo usar el negro, sino incorporar tonos claramente
más oscuros en algunas zonas, especialmente en los centros
de las flores y en los pétalos que están en el
fondo y en la sombra. Después de agregar algunos
tonos más oscuros a los pétalos, podemos aplicar el
color verde base a los elementos verdes. Una vez que la
capa verde inicial se haya secado, podemos agregar sombras usando
un tono más oscuro de verde. Mantén todo
sencillo, trata de no
pensarlo demasiado y
evita exagerarlo A veces menos es más. En esta etapa, nuestra pintura incluye el fondo
y las flores. Ahora agreguemos el tweak oscuro para conectar todas las
flores juntas
11. Ramita: Planeo comenzar con un pincel
tamaño seis para la ramita. Es un buen
punto de partida para la ramita. Queremos un color más oscuro. Sugiero usar
azul ultramarino, verde, dorado y rosa permanente, que ya hemos
utilizado en nuestra pintura Para oscurecer esta mezcla,
agrega algunas pinturas. Gris, gris hará que sea más oscuro rápidamente y mantendrá la
armonía del color sin usar el negro. La mezcla es versatilidad, nos
permite
desplazarla hacia azul, verde o rosa para
mayor variedad. Comience aplicando
una capa inicial con una mezcla de valor medio. El tweak puede recoger colores
de su entorno, fusionando algo de rosa, verde o azul en algunos lugares Para imitar ese efecto, no
olvides pintar esas diminutas
ramitas y hojas decorativas Hay un área pequeña debajo del ave y algunas ramitas
en el lado derecho Considera usar un tono más claro para sugerir que la ramita
desaparece en el fondo una vez que la primera capa
esté seca en la textura, usa los mismos colores antes e imagina
crear líneas diagonales irregulares y temblorosas más oscuras en la parte inferior y más
claras en la Esta técnica creará
una impresión de las líneas, no es necesario que sean paralelas realzar las áreas de sombra en la parte inferior del tweak
con un tono más oscuro Esto agrega carácter y
hace que las flores destaquen. Estos tonos oscuros le dan profundidad y dimensión a la
pintura. Las flores ahora se ven
más definidas contra los elementos oscuros y la
pintura está cobrando vida. Tómate un momento para
admirar tu trabajo. Creo que se ve muy bien con
flores alrededor del pájaro, sutiles acentos verdes y una rama bien definida sobre el
fondo suave. Estoy bastante contenta con mi
pintura hasta ahora. Yo también te espero. Tomemos un breve descanso
y cuando estés listo, podremos pasar a
pintar el pájaro.
12. Pájaro: capa inicial: Ahora vamos a sumergirnos en la parte amena de
pintar al pájaro. Pintaremos la
J azul en cuatro pasos. En la primera parte,
aplicaremos una capa más clara sobre todo
el ave usando una versión más clara de
los colores finales. En el segundo paso, agregaremos los tonos más oscuros, proporcionándonos una
referencia para los valores tonales La tercera parte consiste en agregar valores
medios para
profundizar los colores. En la parte final, agregaremos los
detalles de acabado para completar el pájaro y toda la
pintura. Empecemos. Para el pájaro,
necesitaremos dos azules. Uno es el azul cobalto, que ya usamos. El segundo es Windsor
Blue Green sombra un azul fuerte, fresco que se inclina hacia el verde Ahora, agarra tu pincel tamaño seis. En esta etapa, estamos
creando una hoja de ruta. Queremos aplicar
versiones más claras de los colores finales. Vaya fácil en los tonos oscuros. Sumerja su cepillo en agua y obtenga una consistencia acuosa
de azul cobalto Comienza por aplicar la
pintura desde el pico. Deja una pequeña luz blanca, alta en el pico, luego pasa a la cabeza Observe que estoy usando un tono muy claro y una consistencia de pintura
acuosa Esto permite una
capa suave de colores. Estamos pintando en húmedo y seco, así que asegúrate de que la
pintura esté diluida. Esto evita que se
seque demasiado rápido, lo que resulta en bordes duros
y una mezcla poco suave Transición gradual a
vientos o sombra azul-verde. Podrías notar que
el pájaro en mi cuadro no coincide exactamente con el
de la foto de referencia. Eso es porque esta vez no
rastreé al pájaro. Utilizo la foto como referencia para entender dónde están
las luces y los oscuros y cómo distribuyen
los colores
en las plumas del ave Para la parte superior del
ave, incluyendo el pico, cabeza y el cuello, estoy
usando más azul cobalto A medida que me muevo hacia las alas, cambio
mis colores a la sombra azul verdoso
Windsor. Mencioné usar una consistencia
acuosa de pintura para lograr capas
lisas Si bien esto es cierto, recuerda que estamos pintando la naturaleza y la naturaleza tiene
muchas texturas. El ave está cubierta de
cientos de plumas, por lo que su superficie es
perfectamente lisa. No te preocupes si
obtienes algunas flores,
imperfecciones, manchas extrañas o vetas
inesperadas No tiene que ser impecable. No te estreses si tus lavados
no son perfectamente suaves. Ahora, para el vientre,
necesitamos un color diferente. Es algo neutral,
como un beige gris. Cuando te encuentras con un
color que es difícil de
identificar un color y luego
ajustarlo según sea necesario, estoy mezclando azul cobalto con siena
quemada para crear
un gris neutro, que podemos empezar a
aplicar al vientre Dependiendo del área
que estés pintando, puedes cambiarla
más hacia azul, rosa, marrón o cualquier otro color. Ahora agrega solo un pequeño
toque de rosa permanente. El toque sutil conecta
al ave con el resto de la pintura y
mantiene la armonía de color. Voy a tomar un breve descanso porque me olvidé de dibujar los
detalles en las plumas. Agregar líneas para
definir los límites de cada color en las
plumas puede ser útil. Bien, ahora que estoy de vuelta,
estoy recogiendo la sombra Windsor
azul-verde y empezando a pintar las alas. Mantengámonos enfocados en
el objetivo de esta etapa. Estamos aplicando los colores
iniciales. Usa el color azul en todas
las alas y plumas de
la cola cubriendo todo
excepto las manchas blancas. No te preocupes si las
manchas blancas en tu ave no están exactamente en los mismos
lugares que en la referencia. Lo que importa es la impresión
general. Que la mancha blanca esté o
no en la punta de las plumas no es una preocupación. Hay miles
de aves
así y cada una de
ellas es diferente. Nuestro objetivo es capturar la disposición general de los tres colores principales
en las plumas. Blanco, azul y casi negro. Ahora tómate tu tiempo y
aplica la pintura azul lentamente a todas las áreas
azules y oscuras, excluyendo solo las blancas. Las partes más oscuras serán
mucho más oscuras que las azules. Se puede aplicar el azul
en esas zonas
así como la pintura oscura
cubrirá esas manchas más adelante. Una vez que hayas completado este paso, tómate un breve descanso
y luego podremos pasar a
la siguiente
parte amena de esta pintura.
13. Pájaro: tonos oscuros: Ahora que la
capa inicial se ha secado, centrémonos en los tonos oscuros. Quizás te estés preguntando por qué
empiezo con el
azul en la cabeza, en lugar de ir directo a tonos
realmente oscuros como sugiere
el título. Mientras hago esto para demostrar la
importancia de los tonos oscuros, y para primero mostrarte cómo
se ve sin ellos. En la acuarela,
normalmente trabajamos de
claro a oscuro, con cada capa posterior cada
vez más oscura hasta lograr
el valor tonal deseado No obstante, ¿
cómo determinas qué tan oscuro debes ir y si el área que estás
pintando es lo suficientemente oscura? Un método es tomar una foto
de tu pintura actual, convertirla a escala de grises y compararla con la foto de referencia en blanco
y negro. De esta manera puedes evaluar
si los valores tonales en tu pintura
coinciden estrechamente con los de la referencia Es una técnica valiosa
para usar de vez en cuando. Otro enfoque es
comparar el área en la que estás trabajando con otras áreas
que ya has pintado. Por ejemplo, se puede ver que los pétalos de las flores son relativamente ligeros y la cabeza del ave
debe ser mucho más oscura. Por eso ahora estoy
aplicando un tono más oscuro. Si aún no está lo suficientemente
oscuro y parece similar en
tono a los pétalos, puedes agregar más pintura
para oscurecer el color Este método implica comparar
un área con otra, a veces incluso a través diferentes temas
de tu pintura. Consigue un mejor punto de referencia. Tiene sentido enfocarse
en el ave misma. Ya que estamos pintando el pájaro, no
hay nada
más cerca que el sujeto mismo. La solución es aplicar primero
los tonos oscuros
al ave. Al hacer esto, establecemos límites
claros para nuestros
valores tonales dentro del sujeto Piénsalo de esta manera. Ya tenemos nuestros tonos
claros en su lugar. Nada en nuestro cuadro será más claro que esos tonos claros. Ahora bien, si pintamos las partes
más oscuras del ave, estableceremos el otro
extremo de la escala tonal Sabremos que nada puede ser más oscuro que estos tonos oscuros. Esto nos deja con valores
medios que caerán entre nuestras
luces y oscuridad. Ahora echa un vistazo a la pintura. Las plumas azules en la parte superior de la cabeza pueden
parecer bastante oscuras. Pero, ¿son tan oscuros
como deberían ser? Es difícil de decir sin
un buen punto de referencia. El mejor punto de referencia es
siempre el tono más oscuro. Puedes agregar pintura un poco
más oscura y concentrada
para crear algunas sombras, pero es posible que aún no estés
seguro de cuán oscuras deberían ser estas
plumas. A continuación, usa trazos cortos y un tono azul claro para pintar
las plumas alrededor del ojo. A medida que pintas,
podrías estar agregando más y más pintura para crear textura. Pero ¿dónde está el límite? ¿En qué momento el
azul será lo suficientemente oscuro? Desafortunadamente, puede ser
un desafío determinarlo en esta etapa, especialmente si
no tienes mucha experiencia. He estado agregando muchos trazos de pincel
cortos debajo del ojo para sugerir
una textura plumosa, pero parece que falta
algo como si
estuviera perdido en un mar de color
sin una luz guía Incluso podría parecer desordenado
con esas líneas aleatorias, no pareciéndose realmente a plumas Pero hay dos
puntos importantes para recordar. Primero, aún no hemos terminado. Segundo, nos falta un buen punto de referencia
oscuro. No, hagamos un cambio. Estoy cambiando a
un cepillo de dos
manchas de tamaño pequeño , pero puedes usar Pequeño er,
cepillo redondo regular si lo prefieres. De hecho, en breve volveré a usar
mi pincel redondo. Preparemos una mezcla
oscura Ahora, toma el tono azul verdoso Windsor
y agrégale pinturas grises. Este azul debe ser fuerte
y oscuro, pero no es negro. Es un azul muy, muy oscuro. Pero nuestro cerebro lo
interpretará como negro. En la pintura final, con un pincel más pequeño, comienza a pintar todos los elementos
oscuros en el ave, comenzando con la cabeza y las plumas
cerca del pico Ahora vamos a trabajar en el ojo. Es importante
pintar el ojo en una etapa temprana porque los ojos le
dan vida a la pintura. Y te sentirás mejor cuando el tema que estás
pintando parezca
estar observando aplicas la siena
quemada al ojo, dejando un resaltado blanco No es una ciena quemada pura. Se mezcla con algo de azul, así que no es un marrón limpio. Permita que el ojo se seque
y mientras tanto, continúe agregando más áreas oscuras. No, volvamos al ojo. Agrega nuestro color oscuro
al centro
del ojo y pinta
un anillo alrededor del mismo. Realza el iris con
más siena quemada. Y agrega pequeñas plumas
alrededor del pico. Usa el mismo azul oscuro para pintar la
parte inferior del pico Cambié a un tamaño de
cepillo redondo para principalmente porque contiene más agua
y crea una punta afilada, que es lo que necesitamos. Ahora queremos aplicar muchas líneas diminutas para crear
la impresión de plumas. Continuar usando el azul oscuro para pintar los
elementos más oscuros en las alas Intenta recrear ese hermoso
patrón en las alas. Siéntase libre de cambiar
entre cepillos según sea necesario. Pinta cuidadosamente cada pluma. Observe que las
manchas oscuras suelen estar alrededor, las manchas blancas entre
las manchas oscuras, hay un color azul limpio. Defina cada pluma
pintando su borde
con una línea delgada. Para pintar líneas largas y
delgadas como esta, también
puedes usar un pincel de diseñador
como un dorado por ejemplo. El cepillo de un diseñador es similar a un cepillo aparejador con cerdas
largas y delgadas Pero mientras los aparejadores, no
es necesario. Pero es bueno saber
que este tipo de pincel existe por si
quieres probarlo algún día. Me siento cómodo pintando estas líneas con mi pincel redondo, con una punta afilada. Voy a cambiar de nuevo a mi talla de terciopelo
negro por una vez. Has terminado de
agregar las áreas oscuras, dejar que se
sequen por completo, y luego podemos pasar al siguiente paso.
14. Ave - valores medios: Espero que estén de acuerdo
conmigo en que agregar las partes oscuras del ave
realmente le da vida. Aunque aún no está del
todo terminado. Hay un marcado contraste
entre las tinieblas y las luces. Ahora necesitamos sumar
los valores medios. Toma el
tono Windsor azul verde mezclado con un toque de azul
cobalto y aplícalo en
la parte superior del ala. Apunta a crear un degradado con azul
más oscuro a la izquierda y azul
más claro a la derecha. Ahora usa el azul Windsor para pintar
las plumas de las alas. Repasa las zonas azules para profundizar los azules con la segunda capa Observe lo más
fácil que es ahora
evaluar qué tan oscuros
debemos ir porque sabemos que
no podemos ir más oscuros que nuestros tonos oscuros que pintamos
en la capa anterior. Los vientos o el azul es
un color manchado, lo
que significa que no es tan
fácil de quitar del papel. Esto funciona a nuestro favor porque cuando pintamos
sobre esas líneas largas y
oscuras, hay menos riesgo de molestar o manchar las
líneas de la capa anterior Deben permanecer en su lugar cuando se trata de plumas
que tengan manchas blancas. Observe dónde estoy
aplicando el azul. Ahora me imagino que cada
pluma proyecta una sombra. En la siguiente, estoy aplicando el azul a lo largo del lado izquierdo de cada pluma. este momento me estoy enfocando sólo en las áreas azules y dejando las
manchas blancas por el momento. A continuación, cepillando el agua, quita el exceso de agua
con la humedad la pintura, de las manchas a
las manchas blancas En las manchas blancas, queremos sombras sutiles. Activamos la pintura
oscura y la
tiramos ligeramente para crear
esas delicadas sombras. Las plumas están
empezando a tomar una forma más
tridimensional ahora. Dado que las alas proyectan
una sombra sobre la cola, la parte superior de la
cola está en la sombra. Comienza aplicando el azul Windsor y luego agrega pinturas
grises a tu azul. E introduce este azul oscuro bajo las alas para
sugerir la sombra. Continuar pintando las plumas. Al aplicar azul a lo largo del lado
izquierdo de cada pluma, pinta las manchas azules con un tono
más oscuro de Azul Windsor. La etapa ya está completa. Podemos pasar a la etapa
final donde agregaremos los detalles
y terminaremos la pintura.
15. Pájaro: detalles: El pájaro está casi completo, pero
quedan algunos detalles por agregar para
terminar la pintura. Para comenzar, pintemos las
plumas en el vientre. Estoy cambiando a un pincel
tamaño cuatro para esta parte. Para el vientre se necesitará
una mezcla de colores neutros. Azul cobalto con
siena quemada y rosa permanente. Esto nos dará un
precioso color beige que podremos ajustar para
inclinarnos más hacia el azul, rosa o el marrón según sea necesario. Comienza ligeramente con azul cobalto en la parte superior del vientre. Usa la punta de tu
pincel y crea una textura plumosa con
muchas pinceladas cortas, medida que avanzas, ajusta el color cambiando
más hacia rosa o el marrón dependiendo lo que se requiera para el
área que estés pintando cerca de la pierna, usaremos una técnica de pintura negativa Hay plumas más claras por encima de la pierna que proyectan
una sombra debajo. Para recrear este efecto fácilmente, podemos pintar las
plumas más oscuras debajo, formando la forma de las plumas
claras arriba Esencialmente, estamos pintando
el espacio negativo entre las plumas ligeras. Empecé con un
tono claro para establecer las formas y ver a dónde deberían ir los colores
más oscuros. Al mismo tiempo, agregué una sombra azul oscuro
bajo el ala, lo cual es crucial para darle al ave un aspecto verdaderamente
tridimensional. Al oscurecerme las plumas, lo
hice un poco demasiado rápido
y cometí un error No me gusta cómo resultó porque no fui lo suficientemente cuidadoso. Terminé con líneas aleatorias sin considerar las plumas
más claras al frente, creando un área desordenada.
Pero eso está bien. No llama
demasiado la atención cuando miro
todo el cuadro. Ahora lo estoy aceptando. Estoy pasando a pintar la pierna, pero no voy a dedicarle
demasiado tiempo. Oh, no. Debo admitir que las patas son
las partes más desafiantes
del ave para mí para pintar. Realmente no me gusta
pintarlas. No me gustan a menudo. Si es posible, trato de ocultar
las piernas con flores u hojas solo para evitar tener que pintarlas
aquí en las piernas. Empiezo con algunos blues y luego agregando blues más oscuros. Con más pinturas grises, quiero dejar
algunas manchas blancas para crear la característica textura
rugosa. No considero que la pierna
sea súper importante, Es un elemento pequeño. Yo creo que el pájaro mismo, su ojo, y las flores
dibujan mucho movimiento. A menudo evalúo si
ciertos elementos son cruciales o si no lo son. Presto menos atención a
pintar todos los detalles. También quiero agregar algunos trazos de pincel cortos
azules en la parte superior para sugerir una textura de pluma
nada demasiado pronunciada. No quiero agregar
demasiados detalles, solo
quiero sugerir
la dirección de
las plumas y agregar
solo un poco de textura. Por último, con un azul más oscuro, estoy oscureciendo las líneas
de las plumas más largas Y puedo añadir algunas
sombras también. Antes de firmar el cuadro, le
estoy dando una última mirada para ver si hay alguna área
que necesite mejoras. A menudo, hay algunas áreas
que necesitan oscurecerse, como la sombra bajo el ala
o los tonos oscuros en la pierna También decidí
aplicar otra capa de azul cobalto en una pequeña
sección del fondo. Sentí que el
valor tonal de las plumas en el vientre y el cielo
eran demasiado similares. Necesitaba más definición
y contraste, así que apliqué un tono más oscuro de azul cobalto para
crear ese contraste. Y ahora la pintura
está terminada. Cuando lo firmo, se siente
como cerrar un capítulo. Rara vez hago cambios a una
pintura después de asignarla. Incluso si veo algunos errores
potenciales, tiendo a evitar
hacer ajustes o correcciones porque es muy
fácil empeorar las cosas. Veo cada pintura como
una experiencia de aprendizaje. Esto nos lleva al
final de nuestro tutorial. Espero que hayan disfrutado los videos y que le den una oportunidad a
este cuadro. Fue una divertida exploración de
diferentes tonos de azul. Dale una oportunidad. Gracias por
ver y pintar feliz por.
Krzysztof Kowalski, Watercolor artist
