Transcripciones
1. Introducción: Hola. Mi nombre es Kendyll, y soy ilustrador y artista trabajando principalmente en medios
mixtos con énfasis en lápiz de colores. Mi fondo está en la pintura clásica al óleo, pero llevo trabajando a tiempo completo como ilustrador durante los últimos cinco años completando tareas para Real Simple, Vanity Fair France, y Milk Street Magazine entre muchos otros. Probablemente soy más conocido por mi ilustración de comida, que ha aparecido en todo, desde ropa, hasta empaques, hasta estampados artísticos a gran escala. Durante los últimos dos años, también he estado haciendo videos en YouTube compartiendo conocimientos de la industria, y perspicacia, y cosas que he aprendido en el camino como artista trabajadora e ilustradora. Pasar lo que he aprendido a los demás se ha convertido en una parte realmente satisfactoria de mi trabajo, y me emociona tener la oportunidad de hacerlo de una manera nueva aquí en Skillshare. En esta clase, repasaremos las variedades de lápices de colores, y aprenderemos a construir una paleta con lápices de colores. También identificarás tu propia escritura a mano de lápiz de color única, y mezclarás y estratificarás expertamente para crear una textura interesante y tonos ricos. A lo largo de esta clase, también habrá un montón de demostraciones que muestran exactamente cómo estoy usando los médiums,
y las técnicas, y también estaré creando una pieza de principio a fin usando todas estas técnicas, que no puedas ver solo las habilidades individuales por su cuenta, pero ve cómo funcionan una vez que están todas juntas, y usa para crear una pieza de principio a fin. No se necesitan conocimientos previos, pero vamos a estar yendo bastante en profundidad a diferentes técnicas y prácticas, por lo que esta clase debe ser interesante para personas desde principiantes totales, artistas hobby, hasta quienes están trabajando profesionalmente en el campo, y sólo quieren agregar un nuevo medio o habilidad a su repertorio. Después de completar esta clase, estarás familiarizado con una variedad de técnicas fundacionales de lápiz coloreado, y podrás traducir con confianza aquellas para crear
tus propias pinturas a lápiz de colores hermosas. Empecemos.
2. Tipos de lápices de colores: Está bien. Entonces, antes de meternos en técnicas de lápiz de colores. Vamos a repasar algunas variedades diferentes y tipos de lápices de colores. Por lo que literalmente hay decenas de marcas de lápices de color en el mercado. Algunas son muy asequibles costando de 10 a 20 centavos por lápiz. Desde todo el camino hasta el extremo más alto costando $5 el lápiz o más. Pero para los propósitos de esta clase, principalmente
vamos a dividir los lápices de colores en dos grupos. El primer grupo es de núcleo blando, y estos son lápices de colores que tienen pigmento en ellos y el pigmento se mantiene unido ya sea por un aglutinante a base de cera o aceite. Estas serán cosas como Crayola, o Prismacolor, o Artisa. Casi cualquier cosa que encontrarías en la tienda Arts to Play que se acaba de llamar lápiz de color, caería en la categoría de lápiz de color de núcleo
suave o lo que llamamos un lápiz de color de núcleo suave para esta clase. Entonces la otra categoría son lápiz de color soluble en agua. Estos a veces se llaman lápices de colores acuarela, lápiz de color acuarela. Eso es bocado, pero usamos ambos términos en esta clase y estos son lápices que vuelven a tener pigmento,
pero esta vez en lugar de estar unidos por un aglutinante a base de cera o aceite, mantiene unidos por un aglutinante soluble en agua. Por lo que puedes usar agua para mojarla y descomponerla y mover el pigmento alrededor igual que lo harías con la acuarela. Ahora, puedes usar realmente cualquier tipo de lápiz de color que quieras en esta clase. Si ya tienes algo a la mano puedes
seguir adelante y usar eso pero mis lápices recomendados, si estás comprando algo nuevo o quieres conseguir otro conjunto, para el extremo inferior sería Prismacolor y para el superior final sería la luminancia Caran d'Ache. Estos dos son muy cremosos pigmentos densos, lindos lápices que tienen mucho color e intensidad y son simplemente realmente geniales para trabajar. Para lápices solubles en agua, de nuevo, recomendaría Prismacolor para el extremo inferior, y para el extremo superior, recomendaría los lápices de acuarela Faber-Castell Albrecht Durer. El Faber-Castell tiene una gama de colores mucho más amplia. El Prismacolor tiene una gama más pequeña. Pero ambos son lápices realmente bonitos. Fácil de trabajar con una buena cantidad de pigmento, etcétera. Entonces, como mencioné, realmente puedes usar cualquier tipo de lápiz de
color o lápiz de acuarela para las técnicas que vamos
a repasar en esta clase y eso incluye, lápices de colores de gama
muy baja y de bajo costo como Crayola. Lo único a tener en cuenta si decides ir por esa ruta es que, cuanto menos costoso sea un lápiz de color, generalmente eso significa menos pigmento que tendrá el lápiz de color. Entonces, los ingredientes en el lápiz de color son pigmento y algún tipo de aglutinante y a veces ingredientes de relleno también. Entonces, si estás usando un lápiz de color menos costoso. Por lo general tiene más aglutinante, más ingredientes de relleno, y menos pigmento. Y si te preocupa el precio, generalmente sí recomiendo ir por un juego más pequeño lápices
de colores de mayor calidad en contraposición a un conjunto realmente grande de unos de menor calidad. Entonces, a continuación vamos a sumergirnos en tipos de papel, y qué tipo de papel funcionan mejor al usar lápiz de acuarela y lápiz de colores.
3. Papel para lápices de colores: Está bien. Entonces, es hora de hablar de papel. En esta lección, vamos a revisar y repasar los tipos y variedades de papel que mejor funcionan con lápiz de acuarela y lápiz de colores y particularmente, la combinación de esos dos. Entonces, la mayoría del lápiz de
color y artista de acuarela deciden trabajar sobre papel y eso es porque para poder funcionar bien, estos medios realmente necesitan una superficie porosa que pueda empaparse y aferrarse a todo el pigmento que vas a estar tirando. Entonces, a pesar de que puedan trabajar en otros sustratos, en otros servicios, para esta clase realmente vamos a estar centrándonos en el papel. Ahora, cuando estás eligiendo un papel, lo primero que quieres considerar es el peso y la textura del papel. Generalmente, quieres tener tu papel de peso. Este es un papel que será más robusto, se aferrará a nuestra estratificación y estar mojado y luego tener medios secos puestos encima de eso. Este no siempre es el caso, pero en general, si se trata de un papel pesado como por encima de 300 GSM, va a ser más robusto, mayor calidad y va a poder soportar realmente todo lo que vas a pasarlo en un alacena en la elaboración de una pintura a lápiz de color. Después de trabajar con este tipo de medios, la combinación de lápiz de acuarela y lápiz de color, se
puede utilizar ya sea un papel más suave o un papel más áspero. En realidad solo depende en última instancia del look que vas a buscar. Un papel más suave que generalmente sería ya sea un papel de acuarela de prensa caliente o tal vez un papel de color que se ha hecho para la fabricación de impresiones. Esos papeles te permitirán desarrollar un poco más de detalle y
también puedes trabajar a una escala más pequeña mientras conservas una gran cantidad de detalle. Ahora bien, si quieres trabajar en un papel más áspero o
algo así como un papel de acuarela prensado en frío, ese papel tiene mucha más textura, a veces oirás a los artistas referirse a la textura en el papel como el diente de el papel y se puede imaginar eso como estos dientitos que se están levantando del papel y mientras frotas tu pigmento de ida y vuelta que baja hacia los dientes en el papel. Entonces, como se puede imaginar, un papel que tiene un diente más profundo va a
poder sostener más pigmento que un papel que tiene un diente poco profundo. Entonces, un papel más áspero como un papel prensado en frío, vas a poder meter más pigmento ahí dentro y probablemente trabajar aún más capas. El otro lado de eso, el lado volteado, el lado más desafiante es que a veces puede ser más difícil obtener niveles de detalle realmente finos en un papel prensado en frío, un papel áspero, a menos que estés trabajando muy grande. Además, bueno a tener en cuenta es lo que te gusta es el look realmente suave que no tiene ninguna evidencia de marcas o textura entonces, probablemente
vas a querer un papel más suave. Entonces, cuanto más textura comience el papel al principio, más textura tendrá tu pieza al final, si eso tiene sentido. Ahora, algunos artistas de lápices de color sí trabajan en cosas como estera pastel o tablero de bristol, superficies que son más suaves pero esas generalmente no funcionan tan bien para una combinación de medios húmedos y secos. Entonces, ya que vamos a estar hablando de cómo incorporar lápices de
acuarela en el proceso de creación de una pintura a lápiz de color cohesiva, generalmente
quieres asegurarte de pegarte con papeles que funcionarán bien tanto para mojados como para medios secos. Entonces, evitar tablero de bristol, evitar mylar, evitar estera pastel, pesar de que esos son todos mis servicios que pueden funcionar bien, simplemente no
son geniales para esta combinación de medios. Entonces, para papeles recomendados, si quieres trabajar en un servicio más suave, sugeriría el Reves BFK. Este es un papel de grabado. Es realmente agradable y absorbente, realmente robusto, tiene una superficie lisa muy mantecosa. Definitivamente es mi papel suave favorito en el que trabajar. Arches también hace un hermoso, muy suave, papel de acuarela de prensa
caliente que no vas a
poder ponerte tantas capas pero es realmente un bonito papel. Si quieres trabajar en un papel más áspero,
un papel más texturizado en el extremo superior, te recomendaría el Fabriano Artistico. De nuevo, asegúrate de que estás obteniendo el peso más pesado en comparación con el realmente ligero. Este es un papel realmente bonito, tiene una textura orgánica realmente hermosa y permite mucho estratificación. Si quieres ir al final más presupuesto, recomendaría Strathmore papel de acuarela prensado en frío. A continuación, tendremos una revisión rápida de algunos otros suministros y materiales que necesitarás si estás creando pintura a lápiz a color. Entonces, nos sumergiremos justo en la técnica.
4. Otros materiales: sacapuntas, mezcladores y cepillos: Bienvenido de nuevo a esta lección muy rápida en la que solo vamos a repasar unas cosas finales que necesitarás para crear una hermosa pintura a lápiz a color. Entonces, el primero es un sacapuntas y realmente puedes usar cualquier tipo de sacapuntas que funcione bien con tus lápices de colores, que se ajuste a tus lápices de color. Simplemente trata de elegir uno que no te importe usar, porque si estás creando toda una pintura a lápiz a color, pasas bastante tiempo afilando lápices de colores. Entonces por esta razón, a
algunos artistas de lápices de color realmente les gusta usar sacapuntas
eléctricos y los he usado a veces en el pasado. El único problema que tengo con ellos es que pueden tender a desperdiciar bastante la ventaja. Entonces, recomiendo, mi afilador favorito es el Alvin Brass Bullet y es un afilador de mano realmente diminuto, pero la razón por la que tanto me gusta es que no desperdicie tanta parte del plomo y también puedes cambiar la hoja realmente fácil y las cuchillas de reemplazo son de bajo costo. Entonces, si estás teniendo problemas para afilar y tus conductores se siguen rompiendo, reemplazar la cuchilla suele ser una muy buena opción. Entonces, recomiendo el Alvin Brass Bullet. También necesitaremos un par de pinceles porque vamos a usar pinceles tanto para mezclar el lápiz de acuarela como para mezclar un lápiz de núcleo suave en etapas posteriores. Podrías tener toda una amplia gama de pinceles. Puedes usar muchos tamaños diferentes
dependiendo de la pieza en la que estés trabajando y el área en la que estás mezclando, pero los dos tipos de pinceles basales que recomendaría conseguir, sería un cepillo redondo número dos que se hizo ya sea para aceite o acrílico. Entonces, quieres que tenga bonitas cerdas rígidas y el otro pincel
sería un número cuatro Filbert y éste podría ser para acuarela o para acrílico. Quieres que aún tenga un poco de rigidez pero definitivamente que sea más suave que el cepillo redondo número dos. Ahora, también necesitas algún tipo de disolvente, un solvente es lo que usamos para descomponer el aglutinante en el lápiz de núcleo suave para que podamos mover el pigmento alrededor y mezclarlo y hacerlo agradable y suave, casi como tú 're trabajando con acuarela o incluso pintura al óleo y recomendaría usar Gamsol, que está hecho por Gamblin. Hablaremos más de por qué esa es mi recomendación cuando lleguemos a la lección de mezcla más adelante en la clase. También necesitas una taza para sostener tu agua para cuando nos mezclamos con los lápices de acuarela, algún tipo de trapo o toalla de papel para secarse y luego durar pero no menos importante es, Sharpie o un marcador Posca. Ahora bien, esto es opcional, pero es lo que vamos a usar para agregar reflejos
opacos en la parte superior al final. Entonces, podrías usar un bolígrafo de gel, realmente cualquier tipo de pigmento blanco opaco. Incluso podrías usar solo pintura de squash, pero te voy a recomendar ya sea un marcador de pintura Sharpie o un marcador de pintura Posca solo porque son fáciles de usar y sé por experiencia, que sí funcionan muy bien sobre el top de lápices de colores. Está bien. A continuación tenemos marca haciendo y determinando que eres la escritura a mano de lápiz de color único.
5. Técnica de trazos: tu escritura con lápices de colores: Bienvenido de nuevo. Por fin vamos a entrar en la parte divertida, la técnica real de usar lápices de colores, y nuestra primera pieza de técnica que vamos a discutir es Mark Making. Ahora, al igual que tu letra, la forma en que te acuestas lápiz de color será única y después de algún tiempo, después de la práctica, después de muchas horas de
hacerlo, eventualmente también al igual tu escritura a mano se convertirá en algo en el que ni siquiera piensas. Es solo la forma en que lo haces, la forma en que naturalmente te acercas al tema. Ahora como es tan único, hay muchas y muchas formas diferentes en las que podrías acercarte a él. Pero en general, el estilo de creación de marcas cae en una de cuatro categorías o es posible que veas a un artista usando algunas versiones diferentes a la vez. Pero las cuatro categorías principales de marcado de las que vamos a hablar son la eclosión unidireccional, y esto sólo va de ida y vuelta con un lápiz de color en la misma dirección muchas y muchas veces; eclosión
cruzada que es donde vas de ida y vuelta en una dirección por un rato y luego vas de ida y vuelta en otra dirección sobre la parte superior de la escotilla; incluso trazos circulares, y trazos circulares salvajes. Ahora, todos estos trazos se pueden hacer ya sea a gran escala, haciéndolos más prominentes y ruidosos, atrayendo mucha atención hacia sí mismos, o en una escala más pequeña, haciéndolos más silenciosos y suaves y dejando la atención enfocada al tema en ese punto. Entonces, a medida que pruebas estos diferentes estilos de trazos, estos diferentes estilos de fabricación de marcas, puedes encontrar de inmediato que gravitas hacia uno, el que se siente lo más cómodo para ti. mío tiende a ser alguna combinación de los trazos circulares pareados con los locos trazos circulares salvajes, pero si uno no salta hacia ti de inmediato. Trata de crear una pieza entera en cada uno de los diales de trazos y ve cuál realmente te tira más, cuál se siente más natural para tu mano. O otra forma de elegir sería, si uno no se siente mejor que las otras, podrías decidir solo en base al look final que más te guste. Si realmente te gusta un look geométrico pronunciado, podrías terminar yendo por la eclosión unidireccional o la eclosión cruzada. Si te gusta un look más suave, más pictórico, podrías ir por el trazo más redondo. Entonces, prueba unos cuantos y ve de qué tipo te llama inicialmente y solo recuerda de nuevo, como tu letra, esto no es algo que solo puedes decir bien, esta es la forma en que lo voy a hacer hoy, siempre
voy a tener esto tipo de estilo de trazo. Este es mi estilo de trazo único. Es posible que tengas uno que te llame inicialmente o que te guste más pero la forma en que hagas marcas va a emerger con el tiempo. Entonces, no te preocupes demasiado por elegir el correcto o acercarte de la manera correcta. Realmente no hay uno mejor que hacer. Es lo que uno funcione mejor para ti, tanto en cuanto al proceso real de hacerlo, lo que se siente natural,
lo que se siente agradable y también el resultado final, lo que se ve bien y con lo que te sientes satisfecho. Entonces, otra cosa a tener en cuenta es que tu estilo de trazo, tu estilo de fabricación de marcas también se verá impactado por cantidad de presión que apliques cuando estás poniendo el lápiz de color sobre el papel. Entonces, si eres alguien que tiene, podríamos llamar a la mano pesada, o una mano expresiva y presionas muy fuerte cuando se pone el pigmento, vas a tener marcas más oscuras, más
viejas que alguien que tiene una muy suave, mano delicada, que podría tener que trabajar en más capas para acumular al mismo efecto. Entonces otra vez, ni uno está bien ni mal y que parezca más cómodo para ti o lograr el look que te gusta al final, esa es la dirección en la que debes ir. Está bien. A continuación, vamos a hablar de cómo construir una paleta usando lápices de colores.
6. Cómo construir una paleta con lápices de colores: Entonces, cuando te preparas para trabajar con lápiz de colores, ya sea con lápiz de acuarela o lápiz de núcleo suave, vas a querer armar una paleta de la misma manera que lo
harías si estuvieras trabajando con acrílico o aceite o acuarela Peets. Ahora a diferencia del aceite acrílico o de una acuarela tubo, la
mayoría de los colores que estarás usando con lápices de
acuarela y lápices de núcleo suave son mezclas o mezclas. Esto significa que están hechos con unos pocos tipos diferentes de pigmentos. Entonces, construir tu paleta va a verse ligeramente
diferente de lo que sería si la estuvieras construyendo por digamos, la clásica pintura al óleo. Donde estarías escogiendo amarillo cálido y amarillo frío y un azul cálido y un azul frío. En lugar de hacer eso, esencialmente lo que vas a hacer es mirar tu tema y hacer tu mejor conjetura para qué colores
vas a usar a lo largo del transcurso de la pintura. Entonces, por ejemplo, en esta imagen de referencia de fresa que voy a utilizar para pintar esta sencilla pintura para esta clase podemos ver que hay bastante gama de rojos incluyendo un verdadero rojo cereza, un rojo más oscuro y aún más de un color dorado naranjado en algunas de las zonas más claras de la fresa. Entonces para el verde tenemos una gama de un verde fresco salvia, un verde manzana más cálido y algunos verdes más oscuros en las sombras. Entonces algunos colores adicionales que necesitaremos son el color cremoso cáscara de huevo, una lavanda pálida apagada y probablemente algún blanco
verdadero también para conseguir este color crema realmente pálido. Entonces, después de mirar tu tema y tomar tu mejor conjetura y evaluar, acude a tu caja de lápices de colores, saca esos colores y ponlos a un lado ya sea en otro contenedor o en tu espacio de trabajo. Tenerlos a un lado así es útil porque vas a pasar menos tiempo cavando a través de una gran caja de lápices de colores especialmente, si tienes un juego enorme o si solo los mantienes en una bandeja y no todo eso organizó de la manera que Yo sí. También te ayudará a mantener el color consistente a lo largo del transcurso de tu pieza. Entonces, si estás sentado y capaz de terminar una pieza en un día o en una sola sesión, y esto puede que no te preocupe tanto. Pero si una pintura te lleva varias horas o días y vas a tener que hacer más de una sentada, quieres asegurarte de que estás usando los mismos colores para
las mismas cosas a lo largo del transcurso de la pintura para mantener la historia del color cohesiva y evitar que los colores se pongan fangosos. A continuación, vamos a hablar de cómo hacer un subcuadro usando lápices de acuarela.
7. Cómo hacer una pintura subyacente con lápices de acuarela: Bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a hablar de cómo utilizar lápices de colores solubles en agua o lápices de
acuarela para desarrollar un subpintura para tus lápices de núcleo suave. Un underpainting es básicamente una versión menos detallada de tu pintura final. Se podría pensar en ello como un boceto de color o un contorno de color para tu pintura, y debido a que se enfoca principalmente en el cuadro grande con un underpainting, tu objetivo es bajar las grandes áreas de color y valor que es claro y oscuro y no enfocarse demasiado en ninguno de los detalles. El motivo por el que recomiendo crear un underpainting cuando estás trabajando con lápices de colores
softcore es que sobre todo si estás trabajando en un papel texturizado, solo entrar justo con los lápices softcore va a tardar mucho tiempo en acumulan suficiente color y pigmento para cubrir completamente el show blanco a través del papel que viene de trabajar con un papel texturizado. Además de tomar mucho tiempo para que todo se llene, se
va a comer mucho de tu pigmento y Si estás trabajando con un lápiz de color como un color Prisma el cual es más asequible pero aun así alrededor de $1 el lápiz, que puede ir bastante rápido y es agradable tener una manera de recortar eso. lápices de acuarela son geniales para hacer el underpainting por un par de razones. Número uno, puedes poner el pigmento y se va a mezclar realmente fácilmente con el agua y
vas a conseguir más cobertura de una superficie más grande de lo que harías si estuvieras haciendo lo mismo con lápices de colores softcore y un disolvente. Está bien. Entonces, ahora vamos a sumergirnos en cómo usar realmente lápices de acuarela. Ahora, trabajar con lápices de acuarela o lápices solubles en agua puede llevar algunos
acostumbrarse especialmente si estás acostumbrado a los lápices tradicionales de acuarela o softcore. El primero que hay que recordar de ellos es que el aglutinante que mantiene unido el pigmento es soluble en agua, por lo que puedes usar agua para mezclarlos, no tienes que usar ningún tipo de disolvente. Por eso, existen tantas técnicas diferentes que puedes usar con lápices de acuarela. Podríamos tener un video completo justo en lápices de
acuarela y sin duda podrías crear una pieza de principio a fin solo con ese medio. Pero como los estamos usando principalmente como subpintura para los fines de esta clase, vamos a enfocarnos en un método principal y ese es el método seco sobre seco con mezcla húmeda. Entonces, para usar lápices de acuarela de esta manera, solo toma el lápiz seco y lo coloca justo sobre el papel seco. Cuanto más fuerte presione, más pigmento terminará en el papel, lo que significa que,
esa zona será más oscura y más saturada una vez que se haya mezclado. Entonces, si eres nuevo en lápiz de acuarela, te
recomiendo que intentes tener un poco de mano más ligera inicialmente hasta que conozcas realmente bien tus lápices. Eso se debe a que con tanto lápiz de acuarela como lápiz softcore, siempre
puedes volver más tarde y añadir más capas y hacerlo más oscuro y más profundo y saturado, pero si vas demasiado oscuro, demasiado saturado, demasiado temprano, es realmente difícil volver a marcar. Entonces, a diferencia de la pintura acrílica o la pintura al óleo donde se
puede raspar y agregar más simplemente así o se puede esperar a que se seque y simplemente hacer más capas en la parte superior, eso realmente no funciona tan bien con lápices de acuarela y lápices
softcore porque son bastante translúcidas y transparentes, no
tienen la misma opacidad que hacen el óleo y el acrílico. Entonces, una vez que tengas tus lápices de acuarela todos puestos en tu papel seco, es hora de mezclar usando agua y tu cepillo redondo número dos y puedes mezclar ya sea de la misma manera que colocaste tus trazos hacia abajo. Entonces, si hiciste el sombreado unidireccional, puedes mezclar con el sombreado unidireccional, o puedes mezclar en un patrón de trazo diferente. Ahora ten en cuenta que esto todavía se va a cubrir con más capas de lápiz softcore, por lo que cualquier textura que pongas aquí o cualquier suavidad que trabajes muy duro para lograr, realmente
no va a importar demasiado en el resultado final la pieza porque aún habrá tantas otras capas viniendo en la parte superior. Entonces, dos cosas a tener en cuenta a la hora de trabajar con esta combinación de lápiz de acuarela y lápiz softcore, y lo primero es que siempre quieres que el lápiz de acuarela sea la capa base el underpainting, tú no vas a querer usar lápiz acuarela encima de lápiz softcore. El motivo por el que este es el caso es porque los lápices de núcleo suave tienen un aglutinante de base de cera o aceite. Entonces, si te imaginas eso va a ir por encima
del papel casi como un sellador al papel. Entonces, si intentas usar algo que sea a base de agua como el color o los lápices de acuarela para sumergirte en el papel después, no
va a poder meterse en ese papel porque estará cubierto por el aglutinante de aceite o cera que es en tus lápices de colores. Entonces, lápiz acuarela primero, lápices de colores
softcore segundo. Otra cosa a recordar es que el lápiz de acuarela puede verse diferente una vez que se humedece hacia abajo de lo que hacía cuando estaba seco. Entonces, por esta razón, recomiendo encarecidamente que sobre todo si tienes un nuevo conjunto de lápices de acuarela o eres nuevo en el medio, realmente no estás acostumbrado a los que tienes, te
recomiendo que crees muestras para tú mismo antes de empezar a usar los lápices de acuarela. De esta forma podrás familiarizarte con cómo se ve el lápiz de color cuando está seco y cómo se ve cuando se ha mezclado con agua. Esto es realmente sencillo de hacer, solo toma un papel de acuarela o cualquier tipo de papel que vas a estar usando y haz pequeñas muestras de todos tus lápices de color, tus lápices de acuarela y marca el número del lápiz de color o el nombre del lápiz de color debajo, luego mezclar un área del mismo para que puedas tener una idea de cómo se ve una vez que está seco versus cuando está húmedo. Ahora una vez que bajo la pintura está completamente seco, puedes agregar más capas de lápiz de acuarela o incluso color de agua si quieres, o si estás leyendo puedes moverte con los lápices softcore, que es a lo que vamos de lo que hablar en la siguiente lección.
8. Trabaja por capas: Está bien. Entonces, en esta lección nos vamos a sumergir en lápices de colores de núcleo suave, vamos a cubrir algunos conceptos básicos y también hablar de trabajar en capas. Entonces, al igual que trabajar en óleo o acrílico, muchos artistas de lápiz de color que yo incluí como trabajar en capas. Prefiero este método porque me ayuda a mantenerme enfocado en la pieza su conjunto en lugar de estar demasiado obsesionado con
un área específica de detalle, y me ayuda a mantener una historia de color cohesiva y simplemente desarrollar la pieza de manera consistente a lo largo. También es un poco más de un enfoque conservador. Entonces, en lugar de entrar directo, realmente audaz, realmente intenso, con mucha saturación u oscuridad, construyendo
poco a poco el detalle y la profundidad y la forma mientras estás trabajando en la pieza su
conjunto es una buena manera de evitar cometer errores o conseguir un área ya sea demasiado oscura o demasiado ligera realmente temprano en la pieza, que como hemos comentado en otras lecciones puede ser realmente difícil de arreglar. Entonces, cuando estás trabajando en capas con lápiz suave o de color, igual que con un lápiz de acuarela quieres entrar con una mano ligera inicialmente. Entonces, vas a tratar de que esas primeras capas que pones sean las capas más delgadas y ligeras posibles. Ahora bien, si estás familiarizado con pintura
clásica al óleo o incluso la pintura con acrílico supongo, este método se llama grasa excesivamente. Entonces, lo que eso significa es que estamos bajando primero
nuestras capas delgadas y delgadas y salvando las capas
más gruesas y pesadas hasta el final. Esta técnica es genial porque te permite
mezclarte a medida que vas sin crear ningún lodo. También ayuda a evitar que aplanes el diente de tu papel demasiado temprano. Ten en cuenta que cuando estás trabajando con lápices de colores, si un área de tu pieza o la pieza en su conjunto se sobrecarga ya sea demasiado oscura, demasiado saturada, demasiado ligera, demasiado pigmento, eso es un error realmente desafiante de arreglar. Entonces, a diferencia de lo que ocurre con el aceite o el acrílico, no se
puede raspar y agregar más simplemente así en la parte superior. El opacidad simplemente no está ahí con los lápices de colores para encubrir ese tipo de errores. Entonces, trabajar en capas es una manera realmente genial de ayudar a evitar cometer ese tipo de errores y minimizar ese tipo de errores. Es genial tanto para artistas principiantes como para artistas más experimentados también. Está bien. A continuación, vamos a hablar de iniciar tu pieza con medias y por qué ese es el mejor enfoque cuando estás trabajando en capas con lápices de colores.
9. Empieza con los tonos medios: Está bien. Entonces, cuando estás trabajando con tus lápices de colores suaves encima de tu debajo de la pintura, y te estás preparando para comenzar esta moda sobre método lean, vas a estar trabajando en capas, generalmente te recomiendo que empieces con medios tonos. Entonces, cuando estás trabajando con lápices de color y capas, recomiendo encarecidamente comenzar con los tonos medios. Ahora los tonos medios son colores que no son demasiado oscuros, y no demasiado claros cuando se comparan con los otros colores que están a su alrededor en el tema. Entonces, este es un buen enfoque para tener cuando
estás trabajando con tus lápices de acuarela para crear tu debajo de la pintura, y cuando estás entrando con tus primeras capas de los lápices de color, los lápices de colores suaves en la parte superior del bajo pintura. Acercarse primero a los tonos medios, te
ayudará a determinar mejor la forma general y la forma de tu sujeto. Intenta pensarlo de la manera que lo haría un escultor. Imagina a un escultor que está trabajando en un gran bloque de mármol o madera, empiezan con algo que es solo la forma y
dimensiones básicas de su tema y poco a poco tallan agregando cada vez más detalle. Entonces, trabajar en una pintura bajo y bajar tus primeras capas de tonos medios, te
ayuda a realmente tipo de tallar la amplia forma general
del tema y luego puedes ir más tarde y tallar más y más detalle con tu realmente oscurece y tus luces de verdad. Empezar por los tonos medios también te da una mejor sensación para comparar oscuros y luces en tu pieza. Entonces, a menos que estés trabajando en una pieza que tenga un tema más bien que tenga una fuente de luz realmente dramática, por lo que tiene unas áreas muy oscuras y áreas muy claras, mayoría de los sujetos que están naturalmente iluminados van a tener, mayormente tonos medios en todo el tema. Entonces, tener los tonos medios abajo con bastante precisión, primero te ayudará a comparar áreas donde hay sombra y áreas donde hay luz, para que puedas ver, “oh esto es realmente un área oscura, esto en realidad es realmente un área clara”. El motivo por el que este
es el caso, es que tonalidad que es color y valor, que es oscuro y claro no sucede en un vacío. Entonces, la forma en que ves y percibes los colores y la oscuridad o ligereza está influenciada e impactada por todos
los colores y todos los tonos y valores que lo rodean en el sujeto. Entonces, por ejemplo, tomemos este tema que tiene
mucha luz y en general es un tema muy ligero, pero esta pequeña área es una de las áreas más oscuras de este tema. Ahora bien, si tomas ese color y lo comparas este tema que tiene algunas áreas muy oscuras, en realidad
se ve como una luz o tal vez un tono medio dependiendo de cómo lo estés percibiendo. Entonces, bajar esos tonos medios temprano te va a ayudar a poder realmente escoger y discernir las áreas claras y las áreas oscuras en tu tema. Entonces, cuando estás trabajando en tu debajo de la pintura y cuando vas a entrar con tus primeras capas de lápiz de núcleo suave con los tonos medios, puedes ya sea, dejar las zonas muy oscuras, las áreas que crees que van a ser las más oscuras sombras en tu tema. Puedes o dejar esos sin trabajar o puedes poner el tono medio justo sobre la parte superior, agregando más oscuro en la parte superior de los tonos medios, funciona bastante bien generalmente siempre tu tono medio no sea el color que tiene mucho blanco en él. Ahora por otro lado si crees que un área de tu tema va a ser realmente ligera, más ligera que los tonos medios, más ligera que el resto de la pieza, probablemente
vas a querer intentar dejarla intacta por los medios tonos, de la misma manera que lo harías si estuvieras trabajando con acuarela. Esto se debe a que agregar un lápiz de color blanco o un lápiz de color claro encima de un tono medio puede alinear un área, puede proporcionar algo de brillo. Pero nunca se va a poner tan ligero o tan brillante como lo haría si ese papel estuviera intacto desde el principio. Entonces, sobre todo si estás trabajando en un sujeto de luz general donde los reflejos son las áreas de luz se ven casi blancas, quieres tratar de alejarte de ellas con los tonos medios. Muy bien, así que una vez que tienes tus medias tonalidades generales hacia abajo, tienes bastante buen sentido para la historia de color de tu tema, la forma y dimensión general y deberías estar empezando a ver, “bien aquí es donde creo que están los oscuros vamos a ir, aquí es donde creo que van a ir las luces”, y eso es lo que vamos a discutir en la siguiente lección.
10. Cómo añadir los oscuros más oscuros y los claros más claros: Bienvenido de nuevo. Entonces, ahora que tienes los medios tonos abajo, podemos hablar de agregar los oscuros más oscuros y las luces más ligeras con lápiz de núcleo suave. Entonces, una vez que hayas identificado las áreas más oscuras de tu sujeto y te estás preparando para agregar y desarrollar esas sombras, en
lugar de entrar directamente con el negro, pregúntate qué tan oscura es esa zona realmente cuando se compara con la medios tonos. Entonces, ¿es verdaderamente negro o es sólo un poco más oscuro, varios tonos más oscuros, que lo que tengo abajo de los medios tonos. Trata de empezar con un poco más de una mano tentativa así que en lugar de llegar a lo más oscuro que puedas, cuando estés desarrollando tus áreas de sombra, empieza con tal vez cosas que sean un tono o dos más oscuros que tus tonos medios. Yo sí quiero hacer una nota aquí que personalmente, muy raramente uso el negro en cualquiera de mis pinturas a lápiz de colores, y eso es porque la mayoría de las sombras, aunque sean bastante oscuras, todavía tienen algún color en ellas. En realidad solo son las sombras más oscuras más profundas que están completamente sin color. Entonces, realmente trata de pensar cuidadosamente y guardar ese lápiz de color negro puro solo para áreas que realmente deberían ser negras. En lugar de usar el negro para las sombras más oscuras de tu sujeto, intenta usar el color de cortesía. Entonces, si estás trabajando en una pintura de una fresa por ejemplo, las zonas más oscuras del rojo, y podrías usar verdes, ya que el verde es el color complementario del rojo. Podrías usar el verde para agregar algo de profundidad y algo de sombra, y las zonas más oscuras del verde, podrías agregar rojo para agregar algo de profundidad y algo de sombra. Ahora, cuando estás trabajando con lápices de color de núcleo suave, o cualquier lápiz de color realmente como hablamos en la lección anterior, casi todos estos colores son mezclas. Entonces son de color rojo oscuro, y son realmente de color verde oscuro, probablemente sí tienen un poco de negro en ellos, pigmento
negro en ellos ya. Entonces, usar esos colores, los colores complementarios juntos, sólo
va a acrecentar el contraste, va a hacer para un color más oscuro, pero todavía va a tener más viveza y vibrancia de lo que sería si acabaras de entrar directamente con un lápiz de color negro puro. Entonces, una vez que has hecho algunas capas de las sombras y has desarrollado esas hasta el
punto en que sientes que son más o menos lo que
deberían ser cuando se comparan con tu referencia, puedes seguir desarrollando los aspectos más destacados. Ahora, las áreas de luz no son necesariamente reflejos, son solo las áreas que son más claras que los medios tonos cuando se comparan con la historia de color general de su sujeto. En esta etapa, es seguro comenzar a usar lápices de colores que tienen mucho blanco en ellos o que son muy ligeros. uso de esos colores te ayudará a describir y formar las áreas más claras de tu sujeto. Entonces, en este punto, deberías tener tu debajo de la pintura terminada, varias capas del lápiz de núcleo suave en la parte superior con tus medios tonos, y tus oscuros, y tus luces. Tendrás la forma general de tu tema pero no necesariamente toneladas de detalle. Ahora en esta etapa, si quieres hacer algún blending, este es un buen momento para empezar algún blending, que es de lo que vamos a hablar en la siguiente lección.
11. Mezcla con aguarrás mineral sin olor: Está bien. Entonces, ahora que tenemos nuestro underpainting hecho y tenemos nuestras capas iniciales de oscuros y luces de tono medio usando lápices de colores suaves, estamos listos para hablar de la mezcla. Ahora, trabajando en capas, como hemos sido, ya te
hemos dado la oportunidad de mezclar un poco a medida que vas, usando la fricción de tu lápiz de color para trabajar sobre arriba en capas, y crear cierta cantidad de suavidad. Pero si te gusta un look cremoso realmente suave que tenga un poco más de una sensación
pictórica, quizá quieras intentar mezclarte con algún tipo de disolvente. Ahora, el solvente que recomiendo es Gamsol, que es un tipo de Espíritu Mineral Inodoro. Está hecho por Gamblin. Esencialmente lo que hace, es descomponer el aglutinante que mantiene unido el pigmento en el lápiz de color, para que puedas moverte libremente alrededor del pigmento. Ahora, tal vez quieras hacer esto a través de una pieza entera, tener tu pieza entera mezclada, o tal vez quieras simplemente minimizar la textura en algunas áreas, como una sombra. Tener muy poca textura en la sombra lo ayudará a hundirse un poco más, y lucir un poco aún más oscuro y rico de lo que tendría sin ninguna mezcla. Entonces, puedes hacer ya sea mezcla de toda la pieza, o mezcla puntual. Trabajar con un disolvente para mezclar lápices de colores puede crear un efecto casi como el acristalamiento con pintura al óleo. Entonces, una vez que está seco, una vez que el disolvente está completamente seco, puedes capas sobre más lápices de colores encima. Entonces, usando cualquier disolvente, ya sea Gamsol, u otro tipo de espíritu mineral sin olor, siempre
quieres tener mucho cuidado al usar mucha ventilación y seguir todas las instrucciones de seguridad del fabricante. Está bien. Entonces, para mezclar tus lápices de colores usando Gamsol, al
igual que cuando estábamos mezclando los lápices de acuarela con agua, quieres empezar usando la cantidad más mínima absoluta posible, y girarla alrededor ya sea en un ida y vuelta o poco movimientos circulares con tu pincel. Ahora, cuando estás mezclando las capas anteriores, dependiendo de la cantidad de pigmento
que haya en el papel, podría terminar luciendo un poco lavada o irregular inicialmente. También puede haber un tinte amarillento tenue al papel,
el área que se ha soldado con el Espíritu Mineral Indorless mientras aún está mojada. Este tinte, este color desaparecerá una vez que esté seco. Cuando estoy usando Gamsol con los lápices de colores de mezcla, normalmente
prefiero usar un pincel más suave, ese filbert número cuatro que mencioné al principio de la clase, pero puedes usar el tipo de pincel que más te guste. También es inteligente trabajar en áreas pequeñas, trabajando a tu manera. Si eres diestro, trabajando tu camino de izquierda a derecha a través de tu pieza, en lugar de de derecha a izquierda. Eso te ayuda a evitar poner la mano sobre cualquiera de las áreas húmedas, porque una vez
que lo haces, puede manchar igual que si estás trabajando con pintura. Entonces, intenta recordar esto. Dado que el aglutinante se ha disuelto un poco con el disolvente, ese pigmento se puede mover por todas partes y se puede manchar con mucha facilidad. Entonces, mientras trabajas, intenta trabajar de izquierda a derecha si eres diestro, o de derecha a izquierda si eres zurdo solo para evitar que eso suceda. Si tu cepillo se ensucia cuando estás usando un espíritu mineral sin olor, o si estás cambiando de un área oscura a una zona clara, o de un azul a una naranja, algo así, solo puedes usar el mineral sin olor Espíritu para limpiar tu cepillo. Entonces, solo póngalo en el contenedor de OMS, mismo que lo harías si estuvieras trabajando con lápices de agua y acuarela. Al usar este método, quieres asegurarte de que el Gamsol esté completamente seco antes de agregar algún lápiz más de color en la parte superior. Puedes decir si está seco volteando tu papel y viendo si
hay algún tipo de áreas translúcidas. Podría parecer seco desde la parte superior, y no se va a sentir mojado de la misma manera que lo haría con agua y acuarela. Entonces, sí, solo voltea tu papel y mira y
mira si hay alguno de esos en áreas translúcidas. Si los hay, eso significa que aún está mojado. Todavía se está secando. Entonces, quieres dejarlo secar a fondo en un área bien ventilada antes de agregar capas adicionales. Entonces, hasta ahora, hablaremos de agregar más capas, por qué tal vez quieras hacer eso y cómo hacerlo.
12. Crea más capas, mezcla y repite: Está bien. Por lo que ahora, después de haber hecho tu primer pase en el medio, los oscuros y las luces y haciendo un poco de mezcla con espíritu mineral inodoro, deberías tener al menos dos capas abajo. Tienes tu subpintura y luego la capa de tus lápices de núcleo suave hacia abajo. En este punto, la forma general y la forma de su tema deben ser bastante claras. La mayoría de las áreas de color deben coincidir
bastante bien con tu tema si estás apuntando a algún tipo de realismo. Entonces, ahora es un gran punto para dar un paso atrás y mirar tu pieza, tu pintura y compararla con tu ya sea referencia o modelo dependiendo de lo que estés trabajando y pregúntate, bien ¿hay áreas oscuras que necesitan ser más oscuras? ¿ Hay áreas luminosas que necesitan ser más ligeras? ¿ Está en general coincidiendo bastante bien con mi tema? Ahora, dependiendo de cuánto detalle quieras en tu pieza y qué tan desarrollada quieras obtenerla, quizá
quieras agregar más capas en este punto. Normalmente tengo desde tres hasta cinco capas en una de mis pinturas a lápiz de colores. A veces incluso más que eso sobre todo, si estoy trabajando en un papel realmente texturizado. Puedes usar capas adicionales para agregar más oscuridad, agregar más ligereza para aumentar y describir aún más la forma de tu sujeto, las tres dimensionalidad de tu sujeto o puedes usarlas para agregar más detalle. Ahora cuando digo una capa, no
me refiero necesariamente a repasar toda la pintura, toda
la pieza con lápiz de colores. Capas adicionales en la parte superior podrían ser simplemente áreas pequeñas donde estás agregando detalle y centrándote en esas pequeñas cosas que hacen que la pieza realmente salga y se vea real. A medida que estás haciendo esto, ya que estás agregando estas capas adicionales, puedes parar y mezclarte entre cada capa usando gamsol o bruñido que es de lo que vamos a hablar en la siguiente lección. O bien, si quieres conservar más textura porque te gusta el look de textura, puedes hacerlo también. Además, ten en cuenta que la mezcla siempre va a oscurecer un poco el detalle. Entonces, si has trabajado en un área y estás realmente contento con cómo se ve y realmente contento con la cantidad de detalle, no
hay razón para que tengas que mezclar más. Por lo tanto, la mezcla y la estratificación siempre son opcionales. Son técnicas que puedes usar para que la pieza se
vea más a la forma en que quieres que se vea pero
no tienes que mezclar ningún área específica si te gusta ese look más texturizado o estás contento con la cantidad de detalle que tener. Por lo general, mi proceso es algo así como underpainting, capa de lápiz de color, mezcla, capa de lápiz de color, mezcla y luego dejando fuera cualquier mezcla en esas pocas capas finales solo para preservar momentos interesantes de textura y detalle. Si opto por hacer alguna mezcla en las capas muy finales, lo general sólo será un enlace puntual con una técnica llamada bruñido que es de lo que vamos a hablar en la siguiente lección.
13. Técnica de bruñido: otra forma de mezclar una vez que no añadas más capas: Muy bien, en esta lección, vamos a discutir ya sea una forma alternativa o adicional de mezcla a mezclar con espíritu mineral inodoro y eso se llama bruñido. bruñido es esencialmente usar la fricción y presión de tu lápiz de color, ya sea que estés usando un lápiz de color real o una licuadora incolora, para mover y empujar ese pigmento más hacia abajo en el diente del papel. Hacer eso hace que el color parezca más oscuro, más rico, más suave, lo mismo que lo haría si se estuviera mezclando con espíritu mineral inodoro. Ahora, puedes usar el bruñido en lugar de mezclarse con Gamsol o, además,
en las capas posteriores de la pieza que es lo que tiendo a hacer. Entonces, para pulir, lo que tienes que hacer es presionar muy fuerte con tu lápiz. Imagínate que estás empujando ese pigmento hasta el diente del papel. A veces es útil sostener el lápiz un poco más en posición vertical en lugar de en ángulo hacia
un lado, justo porque te permite poner más presión directamente sobre el papel. Nuevamente, se puede trabajar ya sea en trazos uniformes y eclosión unidireccional, o en eclosión cruzada, o en algún tipo de trazo circular. Realmente puedes hacer cualquier tipo de trazos o marcas que quieras. Algunas cosas a tener en cuenta al usar el bruñido para mezclar es que la textura, la forma de tu marca será más visible de lo que haría si estuvieras usando Gamsol o un espíritu mineral inodoro. A diferencia de la mezcla Gamsol, quieres asegurarte de
guardar el bruñido para el mismo final de tu pieza. Entonces, una vez que has bruñido un área, realmente no puedes agregar nada más arriba porque lo que has hecho esencialmente es empujar todo el pigmento hasta abajo en el papel como irá y luego aplanar el diente del papel. Entonces, realmente no hay ningún otro lugar para que el pigmento vaya una vez que hayas hecho eso. También querrás usar cuidado cuando estés puliendo, ya sea en un papel liso o sobre todo en un papel menos costoso, solo porque en realidad puede ser un poco duro en el papel. Entonces, necesitas tener un sustrato realmente robusto para poder aguantar hasta el bruñido. Si pulires un papel que realmente no estaba destinado para ello, que no tiene mucho diente o textura para empezar, puedes terminar desgarrando el papel o haciéndolo tipo de pastilla, y simplemente termina con un look no muy bonito. Mi método preferido para bruñir es, de nuevo, guardarlo hasta el final usándolo solo en áreas realmente pequeñas, muy oscuras o muy claras. Muy bien, hasta ahora vamos a hablar de agregar reflejos y terminar tu pintura.
14. Añadir toques de luz: Bienvenido de nuevo a la segunda a última lección de esta clase. En esta lección, vamos a hablar de resaltar. Por lo que lo más destacado son las pequeñas áreas diminutas que son realmente brillantes. A lo mejor aparecen como blancos dependiendo de qué tan ligero sea
tu sujeto o qué tan seco o húmedo esté tu sujeto. Pero en general, lo mejor es guardar ese tipo de cosas, sobre todo en una pintura a lápiz a color hasta el final. Por lo que una vez que tu pieza esté 99 por ciento en todo el camino hacia abajo, puedes empezar a pensar en los aspectos más destacados. Por lo que para agregar reflejos, puedes usar ya sea un Lápiz Colorido de Núcleo Suave Blanco. Una nota muy específica, este es solo mi gusto personal, creo que el lápiz de color blanco
Prismacolor es el mejor absoluto para agregar reflejos pesar de que el lápiz Korinda Ash Color es más alto y una mucho más cara que la de Prismacolor. Creo que la ceniza Korinda blanca no es tan buena como la blanca Prismacolor. Entonces, te recomiendo usar el Prismacolor blanco para agregar reflejos, y si tienes otra marca que prefieras, también
puedes simplemente ir a comprar solo el Prismacolor blanco en la mayoría de las tiendas de arte o manualidades. Entonces, sí, puedes usar el Prismacolor blanco para agregar reflejos más suaves, cremas,
o si tienes un resaltado opaco realmente duro,
súper brillante,
puedes usar el rotulador o si tienes un resaltado opaco realmente duro, súper brillante, de pintura Sharpie o el marcador de pintura Posca. Ambos funcionaron muy bien para agregar pequeñas áreas diminutas de reflejos súper brillantes. Entonces, ciertos sujetos como un trozo de fruta realmente jugoso en iluminación
muy dramática tendrán muchos de estos pequeños reflejos blancos. Pero en general, esto es algo que quieres usar juiciosamente y tener cuidado de no exagerar, sobre todo si estás tratando de crear realismo en tu pieza. Si por otro lado estás trabajando con un enfoque más estilizado, realmente
puedes usar los reflejos blancos como quieras. Basta con tener en cuenta que más de estos reflejos opacos realmente brillantes en general
crearán un look menos realista porque la mayoría de los sujetos que están naturalmente iluminados, solo piensa en una cara por ejemplo, solo tienen unas pocas áreas diminutas que realmente tienen ese tipo de punto culminante, como si pudiera aparecer en los ojos o en los labios. Pero para el resto de la cara, pesar de que hay áreas claras, en realidad no
son verdaderamente blancas. Entonces, lo mismo que hiciste cuando estabas pensando en las sombras realmente oscuras, echa un
vistazo y pregúntate : “¿Eso es realmente blanco? ¿ Eso es realmente un verdadero resalte blanco opaco o es sólo un color más claro?” Hacer eso te ayudará a lograr más de una mirada de realismo en tu pieza, si eso es lo que buscas. Está bien, así que hasta ahora, pensamientos finales y envuélvete.
15. Reflexiones finales: Bien hecho. Ya lo has hecho a través de toda la clase y ahora estás listo para poner todos estos principios juntos para hacer tu propia pintura a lápiz de color. Recuerda, como cualquier medio artístico, la mejor manera de aprender es haciendo práctica mano. Entonces, realmente te animo a hacer al menos uno o dos o incluso todos los proyectos de clase que se proporcionan a continuación para ejercer las diferentes habilidades que hemos aprendido a lo largo de este curso. Por favor sí comparte los con la comunidad, para que todos puedan ver en qué estás trabajando. Muchas gracias por tomar esta clase. No puedo esperar a ver qué haces.
16. Extra: demostración del proceso completo: Hola, y bienvenidos de nuevo a este pequeño bono demo de mí pintando todo el ejemplo de fresa de principio a fin. Como puedes ver, estoy empezando con la primera capa de lápices de acuarela para crear un underpainting tal como hablamos en la clase. Nuevamente, como hablamos en la clase, estoy usando principalmente tonos medios para empezar aquí, y esto ayudará a evitar que mi pintura se oscurezca demasiado o demasiado claro demasiado pronto. Sólo una rápida nota al margen, vas a ver mi cabeza entrando y saliendo aquí un par de veces, lo siento por eso. Muy bien, ahora que me han puesto los lápices de acuarela por completo, es hora de mezclarse. Solo estoy usando agua del grifo viejo regular y una taza con mi cepillo redondo acrílico número dos trabajando mi camino a través de la pintura para mezclarla. Te darás cuenta que voy zona por zona para que no tenga que mezclar el color ni enjuagar demasiado mi pincel. Entonces, hice el verde primero y ahora estoy trabajando en el rojo, y así como hablamos en la clase, estoy usando muy poca agua justo para
ayudarme a mojar el pigmento y moverlo un poco, pero no estoy consiguiendo que mi papel lo saturara. Está bien, ahora que el lápiz de acuarela se ha secado, me estoy preparando para ir en mis lápices de núcleo suave. Nuevamente, estoy empezando con los tonos medios y esto es un poco de una especie de color bermellón naranja. Me verás entrando y saliendo con la cámara. Yo también tomé algunas fotos de proceso. Ahora, algo que pueden notar mientras estoy trabajando en esto, sí
voy de ida y vuelta entre los tonos medios y los muy oscuros un poco. Eso es porque me siento realmente cómodo con este proceso, así que no lo he separado estrictamente en el proceso del que hablamos en la clase, los tonos medios, después los oscuros, después las luces. Hay un poco de ir y venir pero en general, me apego más o menos a ese principio de
permanecer principalmente en los tonos medios y luego guardar los muy oscuros y muy luces hasta el final. Pero porque llevo tanto tiempo haciendo este proceso, ya han pasado años y años, estoy bastante cómoda con él, así que me siento un poco más capaz de entrar con sombras
oscuras y zonas claras antes de lo que recomendaría si eres principiante. Tengo los colores que utilicé todos
listados en- creo que será en la descripción de la clase, tal vez en la sección de proyecto de clase. Esta es mi primera clase de Skillshare así que
no estoy seguro exactamente a dónde debe ir toda la información, pero estará abajo en las notas de clase en algún lugar. Entonces, si quieres ver los colores exactos que
utilicé en esta pieza para que los puedas usar también, sí echa un vistazo y se enumerarán a continuación. Apenas una pequeña nota lateral muy específica a este tema, al color en este tema en particular, es que verás que estoy usando
una especie de lápiz de color naranja neón y que entra y sale unas cuantas veces. Pero ese color se enumerará junto con todos los demás colores, pero es particularmente útil tenerlo si estás trabajando en temas rojos. El rojo es solo un pigmento complicado en general y muchas veces, es difícil conseguir ese verdadero tipo de
rojo luminoso que tendrías en algo como una fresa o una sandía. Por lo tanto, tener esa naranja neón para mezclarse y agacharse con tus rojos realmente puede ayudar a hacerlos vibrantes y pop. Muy bien, ahora que tengo la inicial bajo pintura hecha y las primeras capas de lápiz de núcleo suave, estoy listo para empezar a mezclar con gamsol y mi pincel número cuatro Filbert. Simplemente estoy trabajando a través de la pieza de izquierda a derecha ya que soy diestra lo que me ayuda a evitar cualquier mancha, y solo hace que el proceso de mezcla sea más simple. Mi principal objetivo con la mezcla en este punto es juntar todo y deshacerme de parte de la textura y parte
del trazo del pincel,
discúlpame, no trazo de pincel, trazos de
lápiz, solo para darle a la pieza un mirada cohesiva. Una vez que el gamsol se haya secado, voy a volver con más capas de
lápices de colores igual que hablé en la clase. Tiendo a hacer al menos tres capas incluyendo subpinturas, a veces más como cuatro o cinco o incluso más si se trata de un tema complicado. Entonces, en este punto, sólo
estoy entrando con los muy oscuros y con muy luces y con los tonos medios, solo trabajando a través del tema en su conjunto para conseguir todo justo como yo lo quiero. Se puede ver que estoy usando un poco de blanco puro aquí en el área blanca de la fresa. Eso todavía no funciona realmente como punto culminante porque a pesar de que estoy usando el lápiz de color blanco, lo
estoy mezclando con otros colores así que no es realmente un blanco puro, puro. Ese punto culminante se guardará hasta el final, pero me está ayudando a que esta área luminosa general tenga el valor correcto. Ahora, es hora de alguna mezcla adicional con el gamsol. De nuevo, ir y tratar de juntar todo y
verás que está tonificando bastante esa zona blanca para que no se apoye de toda la pieza y se ponga demasiado fuerte y demasiado brillante demasiado pronto. De acuerdo, así que ahora, voy a entrar con otra capa de lápices de colores, lápiz de color de núcleo
suave y solo tipo de tratar de redescribir estos detalles y conseguir todo justo como yo lo quiero. Ya que esta será la capa final antes de los reflejos, es importante que los detalles sean correctos y que todo vea de la manera que quiero que se vea en la pintura terminada. En este punto, ya que no voy a hacer más mezclas, también
estoy tratando de ser bastante cuidadoso con mis marcas para golpearlo para no ponerme demasiado salvaje porque no tendré otra oportunidad de mezclarlas. Muy bien, una vez que termine de agregar los últimos detalles con el lápiz de núcleo suave, voy a entrar con un bolígrafo de pintura sharpie. Como puedes ver, estoy haciendo esto en apenas pequeñas zonas diminutas, su mayoría como pequeños puntos y puntos solo para darle a la fresa ese bonito aspecto jugoso. Dado que la fresa es en realidad un trozo de fruta realmente jugoso, tiene más de estos y muchos más de estos pequeños reflejos blancos opacos que muchos temas lo hacen. Pero aún así, estoy tratando de tener cuidado de no ir borda y como en la zona blanca de la fresa, eso es sólo un área realmente ligera, pero en realidad no es un verdadero punto culminante. No estoy usando ninguno de los rotuladores de pintura sharpie para describir el pequeño tipo de frondas o las pequeñas líneas blancas que disparan desde el centro de la fresa. Realmente sólo lo estoy usando para esos reflejos blancos opacos realmente brillantes que
son verdaderamente ligeros que se reflejan fuera de una superficie húmeda. Muy bien, me estoy envolviendo aquí, acercándome al final de la pieza. Tendré un escaneo aquí para que puedas ver cómo se
ve una vez que esté completamente terminado y escaneado en. Ahí está. Muy bien, muchas gracias por ver el demo y gracias de nuevo por tomar esta clase. Si quieres seguir y crear tu propia versión de esta pintura a lápiz de color fresa, hay un boceto descargable en los materiales de la clase y que aparece listado como uno de los proyectos de la clase. Como mencioné en el video final de wrap up, sí te recomiendo que pruebes tantos de los proyectos de clase como sea posible y sobre todo si eres principiante con lápiz de colores, podría ser bueno probar algunos de los otros proyectos de clase antes intentando la pintura, pero todo el material está enumerado en las notas de clase, y sí espero que aprovechen la oportunidad y hagan algo propio y lo compartan con la clase. Gracias de nuevo y estoy deseando ver lo que haces.
