Transcripciones
1. Introducción a los medios mixtos: Hola y bienvenidos a mi estudio. Mi nombre es Kendyll Hillegas y soy artista en Illustrator. Utilizo Mixed Media para crear pinturas realistas de personas, alimentos, plantas, animales, prácticamente cualquier cosa que se te ocurra, utilizo Mixed Media para dibujarlo o pintarlo. En un nivel basal de Medios Mixtos es una categoría realmente amplia que solo significa, cualquier pieza de arte que se haya creado utilizando más de un tipo de medios. Entonces como te puedes imaginar, esa es una categoría realmente grande. Puede incluir muchos estilos diferentes, montones de diferentes tipos de desgaste. Para los propósitos de esta clase, vamos a estrechar un poco nuestro enfoque. Voy a realmente a cero en aprender a usar estratégicamente los Medios Mixtos para lograr un trabajo realista o para resolver problemas artísticos específicos. Esta es la forma en que uso Mixed Media como ilustrador profesional. Es la técnica que uso en casi todo mi trabajo y me emociona compartir esta técnica contigo porque entender y usar Mixed Media de esta manera,
la forma en que lo hago como ilustrador profesional, puede hacer cuatro bastante increíbles cosas para ti. Número 1, te permite tener la libertad de elegir la mejor herramienta para el trabajo en lugar de estar atascado con solo una sola herramienta y Número 2, esa capacidad de elegir lo que funcione de manera más eficiente, inevitablemente te
va a hacer más eficiente en tu proceso artístico. Cuanto más te familiarices con esta forma de trabajar, más eficiente estarás con tu tiempo en el estudio, lo que significa que podrás crear piezas de trabajo terminadas más rápido. Número 3, te permite guardar o seguir trabajando en piezas que de otra manera podrías haber considerado una causa perdida. Por ejemplo, podrías llegar al final de lo que es posible con un solo medio, pero si eres lo suficientemente abierto y capaz de incorporar 1, 2, 3, incluso 4 otros tipos de medios, puedes resolver todo tipo de otros problemas en tu pieza y en última instancia llegar a un estado de culminación que no hubiera sido posible con sólo un solo medio de comunicación. último pero no menos importante, por supuesto, es realmente divertido. Trabajar en Mixed Media puede ayudarte a traer un verdadero espíritu de experimentación y exploración al estudio, que puede ser realmente gratificante y útil cuando estás trabajando en las artes creativas. En esta clase, aprenderemos a usar Mixed Media en esta forma de enfoque realmente estratégico ante ante todo, teniendo una discusión de los diferentes tipos de medios que hay ahí afuera, y luego una visión general de las diferentes características, las fortalezas, y debilidades de muchos medios comunes. Número 3, una introducción a combinar y estratificar diferentes suministros de arte, tanto algunas de las combinaciones comunes que sé que funcionan bien, que otros artistas usan también y también un proceso para probar, y experimentar con nuevos combinaciones que tal vez quieras desarrollarte tú mismo. Número 4, desempaquetaré cómo elijo qué medio voy a usar, qué combinaciones voy a usar en una pieza en particular. El número 5 tendrá que narrar demos totalmente donde
crearé dos pinturas de Medios Mixtos diferentes de principio a fin, cada uno se hará con diferentes combinaciones, algunas de mis combinaciones favoritas de Mixed Media para que puedas ver cómo hago algo de esa resolución de problemas y elección de un medio en particular para objetivos artísticos específicos. Ahora, una cosa a destacar, el foco principal de esta clase es la técnica real de Medios Mixtos y cómo utilizarla para resolver problemas y aplicarla a objetivos artísticos específicos. Entonces no vamos a estar repasando lo básico como cómo dibujar o perspectiva, o la teoría del color. Por eso, esta clase probablemente sea la
más adecuada para que los artistas tengan alguna familiaridad y alguna comodidad en esos lugares ya y que estén buscando ampliar potencialmente su kit de herramientas. A lo mejor, si estás acostumbrado a trabajar en un
solo medio o solo cuando los medios a la vez y quieres aprender a salir de eso un poco, y traer otros medios y mezclarlos, entonces esta clase es definitivamente para ti. Yo diría que si eres un profesional o un aspirante a artista, o un artista aficionado, de cualquier manera, va a ser una habilidad realmente valiosa para que tengas, porque si eres un profesional como yo, tiempo es realmente tan importante. Por lo que poder completar el trabajo de manera eficiente y no tener que volver atrás, y recrear el trabajo desde el principio si has cometido un error o chocado con un bloqueo de carretera, eso es tan importante. Aunque seas aspirante a artista o artista aficionado, mayoría de las veces puede que no tengas tanto tiempo como nosotros para estar en el estudio trabajando en una pintura. Por lo que puede ser especialmente frustrante si terminas teniendo que
empezar de nuevo o trabajar para varias sentadas en un cuadro que no puedes terminar. De cualquier manera, ya sea uno bajo el espectro o el otro, esta habilidad es realmente inestimable tener en tu kit de herramientas. Después de completar este curso, estarás listo para hacer lo que hago para evaluar y
elegir estratégicamente diferentes medios de comunicación para resolver tus propios retos y metas artísticas. Con el tiempo y la práctica, podrás trabajar de manera más rápida, más eficiente, e incluso con más creatividad y potencial abierto. Espero que puedan sentir mi genuina emoción por los Medios Mixtos. Como ya he dicho, es lo que uso en casi todo mi trabajo profesional. Entonces es una técnica con la que estoy muy familiarizada y simplemente realmente apasionada y estoy emocionado de compartirla contigo. Por lo que espero verte en la clase.
2. Tipos de medios: Bienvenido de nuevo. En esta lección, vamos a sumergirnos justo en la fundación de una buena práctica de medios mixtos y eso es una comprensión de algunos de los diferentes tipos básicos de medios. Antes de sumergirnos en eso, una pequeña salvedad realmente rápida, y es que hay muchos,
muchos tipos diferentes de medios hechos a partir de diferentes pigmentos con diferentes aglutinantes, activados con diferentes químicos y utilizados con diferentes disolventes. Básicamente, hay demasiados para mí para repasar cada uno de los medios de comunicación existentes, ni siquiera los conozco todos. Para mantenernos enfocados, vamos a concentrarnos en cuatro familias principales de tipos de medios. Esos son medios a base de aceite y cera, medios base de
agua y acrílico, medios a
base de alcohol y medios secos. En primer lugar, medios basados en petróleo y cera. Generalmente se trata de medios que requieren de un disolvente para mezclarse, aunque a veces se pueden mezclar algo con fricción, y existen dos variedades principales dentro de esta categoría. Uno es medio que se elabora con aceites activos o secantes. Eso sería pintura al óleo o barras al óleo, están realmente mojadas y una consistencia cremosa y eventualmente se secan hasta un acabado realmente duro. Entonces la otra categoría serían medios a base de cera petrolera que se hacen con aceites o ceras inactivos o inertes. Eso serían pasteles al óleo o cera o lápices de colores a base de aceite. A continuación tenemos medios acrílicos o activados por agua. Generalmente estos medios solo requieren agua para mezclarlos o activarlos. Algunos ejemplos de medios solubles en agua a base de agua serían acuarela, lápiz de
acuarela, tinta a base de agua, acrílico, marcadores a
base de agua, e incluso pasteles de cera solubles en agua. Al ir por esta lista, verás que hay algunos que podrían superponerse o transitar entre dos categorías diferentes de medios, los pasteles de cera
solubles en agua son un gran ejemplo de eso. Son a base de cera, pero la cera es soluble en agua, por lo que podrían de alguna manera casi encajar en ambas categorías. Siguiente arriba número tres, medios basados en alcohol. Como su nombre indica, generalmente estos requieren que el alcohol se mezcle y son un pigmento que ha sido encapsulado, disuelto en base de alcohol. Algunos ejemplos de medios de alcohol serían tinta de alcohol líquido, marcadores de
alcohol como Colic o Prismacolor. Ciertos tipos de bolígrafos tienen bien tinta de alcohol. último, pero no menos importante, el número cuatro es medio seco. Generalmente los medios secos solo necesitan fricción para mezclarse. Algunos ejemplos de medios secos serían pastel suave,
carbón, grafito, lápiz, lápices de colores Conte, esos podrían superponerse también con los medios basados en cera, y los lápices de colores podrían incluso caber en esta categoría técnicamente porque se puede mezclar especialmente ciertas marcas. Se pueden mezclar con fricción y después de todo bastante secos a pesar de que están en aceite o a base de cera. Más de eso se superponen ahí como se ve entre diferentes categorías. Nuevamente, solo para reiterar una vez más lo que dije al principio, hay
muchas, muchas otras variedades de medios que hoy no podemos repasar pero si te interesa usar algunos de esos otros tipos de medios digamos por ejemplo, si quieren usar esmalte o encáustico o alguna resina vertida, aún se pueden utilizar las técnicas que
vamos a repasar en las próximas lecciones para aprender cómo evaluar esos medios y averiguar cómo y cuándo incorporarlos a una pieza de obras de arte. A continuación vamos a sumergirnos en las características de los medios.
3. Características de medios: Antes de elegir un medio para incorporar a tu obra de arte, es importante considerar que cada tipo de medio tendrá sus propias características, sus propias ventajas y desventajas. Una conciencia de estos te permitirá elegir el suministro de arte que sea el más eficiente, el más efectivo para la tarea, o el problema que tienes a la mano. Si eres alguien que ya ha experimentado con muchos tipos diferentes de medios, es posible que tengas algún sensor,
alguna familiaridad con las fortalezas y debilidades de los diferentes medios. Pero quiero compartir con ustedes 10 preguntas clave que me hago cuando estoy evaluando medios y tratando de averiguar dónde es fuerte o dónde es débil para que pueda saber cómo usarlo mejor dentro del curso de la pintura. Está bien. Esas 10 preguntas son; Número 1, ¿qué tipo de medios es? cuál de esas cuatro familias amplias lo hace caer; aceite, agua, alcohol, o seco. Número 2, ¿puede cubrir fácilmente una gran superficie? Número 3, ¿puede desarrollar fácilmente detalle? Número 4, ¿se puede utilizar en mi sustrato elegido? ¿ Funciona en la superficie en la que realmente estoy trabajando, el papel, o el lienzo, la madera, lo que sea. Número 5, ¿cómo es la textura natural de los medios? La mayoría de los medios se pueden mezclar o suavizar, pero si has experimentado con muchos tipos diferentes de medios, sabes que algunos se prestan a esto mejor que otros. Tener una comprensión de lo que quiere hacer el suministro de arte, la personalidad natural que tiene puede ser realmente útil. Número 6, ¿cómo reacciona ante la estratificación? ¿ Cuántas veces puedes colocarlo sobre sí mismo antes de que la calidad de la superficie en la que estás trabajando se vea afectada negativamente o antes de que el color se ponga fangoso. Número 7, ¿qué tan fácil es mezclar? Como dijimos hace un momento, mayoría de los suministros de arte se pueden mezclar algo, pero ciertamente hay algunos que son más fáciles de mezclar que otros. Por ejemplo, algo como el lavado acrílico se seca muy rápidamente, hay
que trabajar muy rápido para mezclarlo, mientras que algo como la pintura al óleo tiene un tiempo de secado muy lento, por lo que es mucho más fácil de mezclar. Número 8, ¿qué tan vibrantes son los colores? Te darás cuenta, cuanto más trabajes, más experimentas con diferentes tipos de medios, que de medios a medios y a veces incluso de marca a marca dentro de ciertos tipos de medios, puede
haber una gama realmente amplia de vitalidad del color. Tener una conciencia de qué colores son los más vibrantes en los que los medios, puede ser realmente útil. Número 9, ¿qué tan fácil es mezclar color? Nuevamente, casi todos los medios que puedes mezclar color de alguna manera, pero ciertos medios es más fácil de hacer que otros. Por ejemplo, con pinturas al óleo y acrílicas , la
mayoría de las veces, esas son a base de pigmento, tienen el pigmento puro en ellas y tienes
más flexibilidad y más libertad para mezclar el color exacto que quieres en contraposición a algo como un marcador, o un lápiz de color, donde esos ya son pigmento o mezclas de color, parte de esa mezcla ya se ha hecho para ti y hay que
tener cuidado de no incorporar demasiados colores diferentes de lo contrario, puede ponerse fangoso. Otro aspecto que considero es, lo fácil que es crear una paleta y luego reproducir ese palé. Nuevamente, volviendo al ejemplo de óleo y acrílico, si creas toda una paleta con todos los colores que necesitas para tu pieza con acrílico y estás listo para ir, eso en realidad se va a secar muy rápido. A menos que añadas algún tipo de agente que ralentice el proceso de secado, potencialmente
puedes pasar mucho tiempo mezclando todos tus colores, consiguiendo que tu paleta sea la correcta, y luego solo poder trabajar tal vez uno sentado con esos colores antes de que se sequen. tanto que con los aceites, podrías pasar la misma cantidad de tiempo mezclando, pero estarán listos para que lo uses para varios ajustes, sobre todo si añades algún tipo de cubierta sobre la parte superior de tu paladar. Entonces lápices de colores en el otro extremo, esta es una razón por la que soy fan de los lápices de colores, pesar de que tienen más limitaciones con estar ya mezclados consigo mismos, es que solo puedes seguir regresando a ellos una y otra vez, no tienes que preocuparte por que se sequen. Se trata de una categoría amplia, pero pensando en la facilidad de mezcla de colores y la facilidad de trabajar con los colores que has mezclado. Está bien. La última pregunta, el último atributo es, ¿es opaco o translúcido? ¿ Cómo ver o no ver a través es?
4. Evaluar un medio: Por lo que para desempaquetar un poco más estas características, las
voy a utilizar para evaluar y medios que voy a
utilizar más adelante en una de las demostraciones, acuarela líquida. Se puede adivinar por su nombre, acuarela, que es un medio a base de agua. Esto es un poco diferente a la acuarela tradicional, ya sea la acuarela de pan, o la acuarela de tubo, donde el pigmento se suspende en un líquido concentrado. Al igual que la acuarela regular, se activa y se mezcla con agua. Tengo una pequeña hoja de muestras
aquí y la tengo numerada dos al diez ya que ya he contestado la primera pregunta, es un medio a base de agua, y voy a pasar y probar cada de estas características en una de estas pequeñas muestras. Característica Número 2, ¿puede cubrir fácilmente una gran superficie? Estoy usando un pincel bastante pequeño aquí, pero sólo voy a atropellar esto, y podemos ver bastante rápido que como la mayoría de las pinturas, como la mayoría de las acuarelas, es bastante fácil conseguir que cubra uniformemente y suavemente un área grande. Número 3, sigo usando el mismo pincel aquí. Pero Número 3 se desarrolla fácilmente detalle? como la mayoría de la acuarela otra vez, dependiendo de cómo la apliques y la herramienta que utilices, es muy capaz de desarrollar detalle, consiguiendo líneas realmente finas. Estoy usando un cepillo Talla 6 aquí, Talla 6 marrón. Te imaginas, si estuviera usando un cero o uno o incluso un dos que
sería capaz de conseguir algún nivel de detalle realmente refinado aquí. Tan solo una nota personal, aunque objetivamente puedo decir que sí, acuarelas son buenas para desarrollar detalle, personalmente
encuentro que usar la acuarela para desarrollar detalle es bastante tedioso. Para mí, le daré una calificación más baja sobre eso, sólo porque sé que no me gusta ese proceso. No me gusta usarlo para eso, y eso es otra vez, parte del beneficio que obtendrás a medida que inviertas tiempo en experimentar y entender y estar familiarizado con diferentes medios. Ya sabrás, los aceites son realmente fáciles de mezclar, pero en realidad no me gusta mucho trabajar con ellos. Todo esto es una compensación, y si bien hay algunos elementos objetivos para ello, como se puede ver, sí tiene alguna subjetividad inherente. Característica Número 4, ¿se puede utilizar en mi sustrato elegido? Para los efectos de esta prueba, estoy trabajando en un trozo de papel de acuarela. Sí, se puede utilizar en este papel de acuarela. Pero solo en general y conciencia de la acuarela líquida y la mayoría de las acuarelas, generalmente sí necesitan ser utilizadas en papel, un papel especial de acuarela, o alguna la superficie que se ha preparado con un suelo de acuarela. No son como el acrílico donde tienes una flexibilidad
casi infinita para usarlos en realmente cualquier superficie que quieras allí. Existen algunas limitaciones con los sustratos. Número 5, ¿cómo es la textura natural? Yo diría, es bastante similar a la mayoría de los colores del agua. En mi experiencia, es un poco más suave que la acuarela de pluma y tal vez incluso un poco más suave que acuarela de tubo
tradicional o ciertas marcas de acuarela de tubo tradicional de todos modos, tiende a secarse a un bastante parejo. En realidad se puede ver en este que hice por aquí, es bonito incluso no tiene realmente los efectos de acuarela realmente fuertes que hacen ciertos tipos de acuarela. Pero dicho
eso, sigue siendo acuarela, y aún tiene alguna imprevisibilidad, no
va a ser ni siquiera completamente lisa como si
estuvieras haciendo un lay-down opaco realmente pesado de algo como lavado. Número 6, ¿cómo reacciona ante la estratificación? Antes puse esta quinacridona de color, punto de acuarela, y con acuarela, realmente se pueden hacer muchas capas porque es un medio muy delgado, muy ligero. Pero una pregunta clave con la acuarela es, ¿cuánto y en qué medida se reactivarán las capas debajo agregando una nueva capa encima? Vamos a comprobar eso ahora mismo. Acabo de tener algo de cadmio regado en mi pincel, y como puedes ver, es un realmente no reactivando mucho en absoluto. Hay un poquito de reactivación y no porque no lo deje secar tanto tiempo. Pero como ya he mencionado, sí
tengo bastante familiaridad con este medio ya, y esa es una de las razones por las que me gusta la acuarela líquida en contraposición a otras variedades de acuarela como tubérculo palma, es que generalmente no se reactiva en el papel una vez que está completamente seco, lo que puede darte mucha flexibilidad para diferentes tipos de capas. Capta, bueno, no reactiva lo que hay debajo. Número 7, ¿es fácil de mezclar? Voy a poner un par de colores diferentes aquí abajo. Yo estoy haciendo el cadmio, ahora voy a agarrar un poco a la quinacridona. Entonces como la mayoría de las acuarelas, realmente sólo se puede mezclar una vez cuando está mojado. Si está completamente seco, tus únicas opciones para mezclar arte es seguir añadiendo otros esmaltes, para tratar de mezclar. Mezclar en el sentido tradicional de usar tu pincel en la superficie para mezclar los dos colores diferentes juntos, está bastante limitado a cuando el medio está mojado. Además, por ser acuarela, tienes ese elemento de imprevisibilidad. Cuando estás mezclando algo como acrílico, o aceite, o incluso pasteles al óleo, por ejemplo, sí
tienes bastante precisión y sabes exactamente el área que estás mezclando, y realmente puedes enfocarte en algunas áreas realmente pequeñas con acuarela. Si estás tratando de mezclar dos áreas diferentes de pigmento húmedo, es un reto porque es agua y se va a comportar de la manera que se quiere comportar. Yo diría que sí, mezclando lo más posible con algunas ciertas limitaciones. Número 8, ¿qué tan vibrantes son los colores? Esa es otra de las cosas que me gusta mucho de la acuarela líquida es, los colores son simplemente súper, súper vibrantes y ni siquiera están realmente viniendo a través tan bien en cámara. Pero particularmente, los rojos pueden ser de color complicado para conseguir vitalidad en. Pero particularmente, los rojos tienen una calidad luminiscente apenas agradable para ellos. Por lo que los clasificaría bastante alto en la lista de vitalidad. Número 9, ¿es fácil mezclar color? Ya hablamos de mezclar y mezclar significa cómo se mezcla para mí, mezclar significa ¿cómo se mezcla en el sustrato cuando estás trabajando? Pero al hablar de mezclar colores, lo que quiero decir es mezclar colores en la paleta. Te voy a mostrar aquí, esta es la paleta en la que trabajé cuando hago acuarela líquida,. Para clasificar esto en cuanto a lo fácil que es mezclar, diría que es posible mezclar y tienes algunos pigmentos puros, lo cual es realmente bonito en cuanto a flexibilidad. Pero un reto es que se puede ver que el color en realidad puede verse un poco diferente en el pozo de lo que hace cuando está en el papel. Por ejemplo, aquí está la quinacridona, que parece realmente oscura y no siempre tiene un buen sentido de cómo se va a ver una vez que esté en el sustrato. Eso es especialmente cierto si estás mezclando unos colores diferentes. Si estás usando algo que es justo como cadmio recto o quinacridona recta, podrías tener un buen sentido ya de cómo se supone que tienen que ver esos colores. Pero si estás mezclando tus propios colores, puede
ser más desafiante que mezclar con aceites, por ejemplo, porque tienes que mezclarlo y luego tienes que probarlo en una pequeña tira de prueba de papel para asegurarte de que tienes el color correcto . Entonces además, si bien me encanta que estos no se reactiven cuando están en capas, la otra cara de eso es que no están realmente reactivados así en la paleta es algo así como el color del agua del tubo sería. Puedes reactivarlos un poco, pero luego tendes a conseguir escamas de pintura y cosas que salen de la paleta y pueden enturbiar el efecto de la misma. Por lo que tienes que mezclarlo fresco realmente cada vez que lo estás usando o tienes que poner una cubierta sobre la paleta. Yo diría, ciertamente es posible mezclar diferentes colores, pero eso es un intercambio con este medio. Me gustó la vitalidad, me gusta lo bien que capas, me gusta cómo hasta se seca la superficie, pero es un poco más desafiante mezclar color. Supongo que no necesitaba una muestra para el Número 9. Bueno, la última característica es, ¿es opaca o translúcida? He dibujado un par de líneas con un marcador sharpie aquí y sólo estoy agarrando un poco de turquesa de mi paleta, y nos vamos a poner sobre las líneas, y se puede ver que es bastante translúcido, así que esto no es un sorpresa, casi acuarelas de esta manera. Voy a tratar de agarrar un color diferente y lo
voy a conseguir realmente concentrado y no añadir mucha agua. Esto es quinacridona. Ahora está muy oscuro, así que el negro no está necesariamente estallando tanto, pero espero que todavía se pueda ver que en realidad sigue siendo muy translúcido. El negro sigue mostrando a través bastante visiblemente. Entonces aunque tenga una aplicación realmente gruesa de la misma, aplicación realmente concentrada, la verdadera opacidad no es realmente posible con este medio. Estar consciente de todas estas características y tener una verdadera familiaridad con ellas, me
va a ayudar a tomar una decisión informada sobre cuándo debo usar acuarela líquida versus otro tipo de acuarela, y cuándo y cómo debo combinarlo con otros medios para compensar algunas de esas áreas donde no es
tan fuerte como la opacidad o tal vez la capacidad de mezclarse en el sustrato. Tener ese entendimiento va a permitir
tomar decisiones estratégicas e informadas. Para la Parte 1 del proyecto de clase, por fin
estamos a un punto práctico aquí. Me gustaría que hicieras lo mismo que
acabo de hacer aquí o puedes hacerte una pequeña tira de muestras. Como acabamos de aprender, en realidad solo necesitas ocho cuadrados y toma tu tira de muestras, y las preguntas que tenemos, esas van a estar también en los materiales de clase, y evaluar medio de tu elección, o tal vez hasta dos o tres es podría ser algo con lo que ya estás realmente familiarizado. Todavía no has pensado de manera sistemática, o podría ser algo totalmente nuevo para ti, con lo
que nunca habías experimentado antes en absoluto. En cuyo caso, puede que incluso necesites hacer algunas muestras más para tener realmente una buena comprensión de cómo va a funcionar. Una vez que hayas terminado, por favor haz publicar tus hallazgos, tal vez con algunas notas luego respuestas a esas 10 preguntas, junto con una foto de tus muestras en la sección de proyecto de clase. Sólo un recordatorio, otra vez que aquí podría haber alguna subjetividad real. Podríamos llegar a diferentes personas evaluando los mismos medios de comunicación y llegar a conclusiones muy diferentes, y eso es todo solo una parte del proceso y será de ayuda para todos en el aprendizaje. Ahora por fin, además de lo que vas a aprender de tu propia experimentación y de tus propias pruebas y evaluación, he ido adelante y armado un poco de gráfico que repasa algunos de los tipos básicos de medios, los tipos de medios que utilizo con mayor frecuencia, y mis rankings de cada una de estas características. Entonces cuáles son realmente fuertes y opacidad versus cuáles son realmente translúcidos, cuáles lo hacen muy bien con detalle versus cuáles lo hacen muy bien con cubrir una gran superficie, y puedes encontrar ese gráfico en la clase sección de materiales también. Tan solo un tapón más para la subjetividad. Ese gráfico es lo que siento por todos esos medios, pero puede que no sea necesariamente cómo te sientes por esos medios. Podría ser un lugar realmente bueno para empezar, sobre todo si eres alguien que aún no está familiarizado con muchos tipos diferentes de medios de comunicación. Pero aún así te animaría a hacer tu propio proceso de experimentación, y evaluación, y averiguar qué medios funcionan realmente bien para ti en la forma en que a ti, te gusta crear tu obra de arte. A continuación, vamos a sumergirnos en las mejores prácticas para combinar medios.
5. Combinación y capas: Ahora que entendemos algunas de las fortalezas y debilidades básicas de los suministros de arte
individuales y tenemos un sentido de cómo evaluarlos por nuestra cuenta. Es hora de abordar el proceso de combinar los medios, que es realmente el corazón de la práctica de los medios mixtos. La pregunta básica a la hora de trabajar en medios mixtos es, ¿puedo combinar X e Y? Práctico siempre la respuesta va a ser sí. Se trata de ir en el orden correcto y trabajar en la superficie correcta. Primer paso cómo determinar el orden correcto. Hay dos reglas generales de pulgar. El primero es que se quiere usar cualquier cosa que se pueda mezclar o activar con agua primero. Acuarela, acrílico, lápices de acuarela y todo lo que sea a base de aceite o cera segundo. Regla número dos, es utilizar medios ligeros primero y medios pesados segundo. En esta situación, uso la luz para significar que el medio no se llena completamente, no cubre completamente el sustrato. Por ejemplo, si estás usando una combinación de lápiz de color y acuarela, primero
usas la acuarela, ya que es más claro y llena el sustrato menos que el lápiz de color. También por supuesto, porque la
acuarela es a base de agua y el lápiz de color es a base de cera o aceite. Si por otro lado, estás usando lápiz de color y barra de aceite, ambos
son de cera o a base de aceite, pero el lápiz de color es en realidad el mucho más ligero en esta situación. Una vez que pones algo así como una barra de
aceite, pintura al óleo o incluso como una aplicación realmente pesada de pasteles acrílicos o al óleo, la textura de la superficie de lo
que estés trabajando va a estar tan llena, que no podrás añadir algo que es inherentemente ligero, como lápiz de color o acuarela
encima de él porque no habrá ningún lugar para que vaya. El segundo punto general es considerar el sustrato. Piensa en la superficie en la que estás trabajando. Necesitas estar seguro de que la superficie en la que estás trabajando es apropiada, o ha sido preparada y preparada y hecha apropiada para no solo el tipo principal de medios en los que estás trabajando o el primer tipo de medios en los que estás trabajando con, pero con cada otro tipo de medios que también vas a incluir. Por ejemplo, si estás empezando con capas de acuarela y estás trabajando en papel y quieres agregar algo como barra de aceite en la parte superior, eso es posible. Pero ese papel primero tiene que estar preparado y listo para recibir algo así como barra de aceite que tenga un aceite activado o secado en él. Esto, como probablemente puedas sentir, es otro tema realmente grande. Podríamos tener toda una clase justo en lo que los medios trabajan en lo que son los sustratos. Yo sólo voy a tocar esto como una consideración importante y algo de lo que debes estar consciente cuando hagas tu investigación, que es de lo que vamos a hablar ahora mismo. Qué hacer cuando se quiere investigar una nueva combinación de medios. El paso uno es sólo para Google. Hay tanta información útil por ahí en línea. Todo, desde tutoriales realmente refinados y elaborados que van sobre cómo combinar diferentes medios, hasta simplemente leer a través de tableros de mensajes y
mirar preguntas que otras personas han hecho en cosas que otras personas han experimentado y probado. Esto es lo que hago cuando quiero aprender a incorporar un medio. Acabo de empezar en Google. Las tres cosas a Google son primero, usar X con Y, por lo que usar acuarela con barra de aceite o usar lápices de colores con pasteles de cera. Segundo, usar X encima de Y. Esa es una diferencia clave ahí, porque a veces como ya hemos discutido, el orden realmente importa. Usando X con Y, usando X encima de Y, y por último pero no menos importante, usando Y sobre sustrato Z. Volviendo a ese ejemplo inicial de la acuarela y barra de aceite, guardar creó una pintura de acuarela y estás pensando, bueno, me pregunto si puedo usar barra de aceite encima de esto son pintura al óleo encima de esto. pesar de que cumpla con esos otros criterios, pesar de que el agua se colorea más claro, el aceite es más pesado. Si el aceite no funcionará en la superficie en la que has tenido puesta la acuarela, necesitas o bien encontrar la forma de prepararla para asegurarte de que está lista o usar un medio diferente. Después de que hayas hecho tu búsqueda en Google, después de haber hecho tu investigación inicial, paso dos siempre es experimentar. Aunque hayas encontrado a alguien que diga en línea, oh seguro, no hay problema, puedes usar pintura al óleo sobre papel. Se quiere comprobar eso por sí mismo. Quieres asegurarte de revisar otras fuentes y quieres asegurarte de experimentar tú mismo. Siempre recomiendo experimentar en trozos de papel de chatarra, igual que ya lo hemos estado haciendo. Encuentro que muchas veces los tiempos que estoy en la situación, los tiempos que estoy buscando en Google. ¿ Puedo usar X con Y? ¿ Puedo usar Y on Z sustrato? Esos son momentos en los que ya estoy a medio camino una pieza y me he topado con alguna gran barricada que realmente me
está causando problemas y no
puedo resolver con ninguno de los medios que actualmente tengo o usé. Hago mi investigación y en lugar de solo tomar lo encuentro en línea y usarlo de inmediato en mi pintura, voy a dar un paso atrás, a
pesar de que es difícil de hacer y crear algunas muestras que replicen lo que ya tengo en mi pintura. A lo mejor ya he hecho acuarela, lápices de colores y un poco de acrílico. Voy a recrear eso en una muestra acuarela de color acrílico lápiz, y luego voy a probar ese nuevo medio en la parte superior. Ahora, a medida que empiezas a hacer esto, ya que realmente te sumerges y haces más y más experimentación, encontrarás que hay excepciones a estas reglas. Uno que acabo de mencionar ahí mismo, a veces usaré acrílico encima de lápiz de color. A pesar de que lápices de colores o a base de aceite o cera. El acrílico tiene un aglutinante tan fuerte en él que si hay un poco de la textura del sustrato mostrando a través, ya sea madera o papel o lienzo, eso es suficiente para que el acrílico se aferre y para mí funciona bien. Pero estratificar acrílico encima de una aplicación realmente pesada de pasteles al
óleo o pintura al óleo sería problemático y probablemente no funcionaría tan bien. He creado otro gráfico que tiene algunas de mis combinaciones favoritas personales para unas pinturas de medios mixtos, incluyendo el orden de que uso los diferentes medios y ojalá este sea otro buen recurso para ti cuando estés empezar con tu experimentación y armar tus propias combinaciones. Sólo debería darle un buen sentido de algunas de mis estandarizar y algunas cosas que otros artistas usan también. Podrían darte una idea de cómo armar una combinación única que va a funcionar muy bien para ti y tu pintura. En esa nota para la segunda parte del proyecto de clase, probablemente ya lo
hayas adivinado. Vamos a hacer algunas muestras de medios mixtos de muestra. Elige un grupo de dos a cuatro medios diferentes, e incluso podrías hacer algunas agrupaciones diferentes y luego estratificarlas de acuerdo a lo que discutimos en esta lección. Primero a base de agua o alcohol, segundo a base de
aceite o cera, y luego ligero primero y pesado segundo. Pruebe diferentes combinaciones también, pruebe diferentes grosores y pesos. Podrías incluso intentar experimentar con una combinación u orden que es totalmente lo contrario de lo que acabamos de decir. A lo mejor quieres intentar poner primero una aplicación realmente pesada de lápiz de color y ver qué pasa cuando pones color agua encima. Cualquier cosa va aquí, esto es solo experimentación y diversión, tratando de descifrar diferentes combinaciones que te gusten que funcionarán bien para ti en tu trabajo. Asegúrese de dejar que lo que cree, siente y se seque y se enfríen durante 24 horas completas, antes de sacar conclusiones. Si estás incorporando algo como pintura al óleo o barra al óleo, posible
que incluso necesites dejarla secar más tiempo. El motivo por el que esto es importante es que a veces si pones algo en una muestra de prueba, puede verse bien inicialmente. Pero después de un tiempo podrías ver que empieza a desprenderse un poco o que hay algún sangrado a través de otros pigmentos u otros medios debajo. Darle tiempo para que realmente se ponga y se seque y se
convierta en lo que se va a convertir es importante hacer antes de decidir si va a funcionar en una pintura real. Una vez que hayas terminado su comparte tus muestras y tus hallazgos, si tienes alguna nota o pensamiento en la sección de proyecto de clase.
6. Elegir medios: Bienvenido de nuevo. El plan para esta lección es aprender a elegir tus médiums en
base los problemas artísticos que quieras resolver y las herramientas que tienes a mano. Yo quiero lograr x, que medio es el mejor ajuste. Estamos listos para hacerlo en este punto porque hemos repasado las familias mediáticas básicas,
las diferentes características de los medios
específicos y cómo descifrarlos por ti mismo si no lo sabes ya, y las reglas básicas fundacionales para combinando diferentes medios y cómo capas de ellos para esa combinación. Para averiguar cómo hacer la solución de problemas, voy a hablar a través de una de las próximas piezas de ejemplo que voy a hacer. Te voy a mostrar mi imagen de referencia, y voy a compartir mis pensamientos sobre qué medios usaré y por qué crear un cuadro basado en esa imagen. Aquí verás por qué es útil tener cierta familiaridad con los medios o haberlos evaluado y probado ya. Porque para cuando llego a este punto de nuestro proceso, realmente
necesito tener cierta claridad sobre qué herramientas voy a usar. Para empezar, ¿qué estoy pintando, cuál es el tema? Acabo de tener una pequeña imagen de referencia aquí en mi iPad de un colibrí que está sentado en una rama. Pregunta número 2, ¿en qué tamaño trabajaré y en qué sustrato trabajaré? Ya que esto es para una demo, voy a tratar de hacerlo en el lado más rápido. Me voy a quedar con un tamaño un poco más pequeño, probablemente algo así como seis por seis pulgadas, siete por siete pulgadas, y voy a trabajar en papel. Específicamente, tengo papel Fabriano prensado en caliente de peso pesado, eso es genial para medios mixtos. Número 3, ¿qué quiero lograr estéticamente o artísticamente? Al igual que con la mayor parte de mi trabajo y mi estilo habitual, quiero que esté bastante cerca de la realidad. No estoy apuntando al hiperrealismo, pero definitivamente quiero que el espectador pueda mirarlo y ver que esto es un colibrí. De verdad me gustaría enfocarme en sacar algo del detalle y algo de la vitalidad. Entonces eso nos lleva al número 4, y eso es lo que son los problemas artísticos específicos que necesito resolver y qué medios debo usar para resolverlos. Número 1, ya he tocado esto. Tengo una limitación con el tiempo. Ya que se trata de una pieza demo de clase, voy a tratar de mantenerla en menos de una hora, lo cual es realmente corto para mí. Por lo general mis piezas son mínimas 3-5 horas y a menudo son más de 10 horas. Por lo que hacer una pieza en menos de una hora definitivamente va a ser un reto. Por eso, a pesar de que no hay grandes áreas de color en este tema, va a ser bastante pequeña. Técnicamente podría hacer todo esto con bastante facilidad en lápiz mayormente de color con sólo algunas otras cosas agregadas en la parte superior. Pero como tengo esa limitación de tiempo, ya que tuve esa restricción de tiempo, va a ser mucho más rápido si uso algo que
acumula una bonita área plana de color muy rápidamente, como marcador o acuarela en estas áreas. Tengo esta gran área verde, área bronceada, área roja, marrón y marrón. Esos son simplemente bloques de color muy simplificados. Creo que probablemente para esta pieza, usaré marcador de alcohol. Voy a usar marcador de alcohol porque esta zona de aquí mismo, esta pequeña garganta de rubí en la zona. Yo quiero que eso sea realmente, realmente vibrante y luminiscente y solo un rojo muy claro, hermoso y los marcadores de alcohol que tengo, tengan unos rojos realmente bonitos para ellos. Entonces eso será lo que usé para mi marcador de alcohol de capa base. Problema número 3, es que hay mucho detalle en esta pieza y quiero captar mucho de ese detalle. Especialmente aquí otra vez, esta zona de garganta, las plumas se sienten realmente superpuestas. Se sienten casi como escamas en un traje de armadura, y quiero capturar algo de esa textura. Creo que lo que voy a hacer para que me sea más fácil hacer eso es trabajar encima de mi boceto. Voy a entrar primero con algunos bolígrafos de punta muy fina. Creo que usaré ya sea micrones o marcadores mangaka más bien, para solo delinear algunos de esos son detalles realmente finos y probablemente pondré algunos de los pequeños detalles alrededor del ojo también y algunos de los detalles de línea más oscura en aquí. Tener esas cosas marcadas desde el principio de la pieza, sólo me hará más fácil mantener un alto nivel de detalle más adelante y hacerlo de una manera eficiente en el tiempo. Mi cuarto reto es que puedo ver que hay algunas áreas donde voy a necesitar hacer luz sobre oscuridad o donde sería útil hacer luz sobre oscuridad. Número 1, algunas de estas pequeñas áreas justo aquí donde las plumas más pequeñas están sobresaliendo sobre esas plumas de color marrón oscuro. Entonces esta zona aquí mismo, esto en realidad va a ser mucho más fácil de hacer si hago luz sobre oscuridad. Espero que esté viniendo por aquí, pero se puede ver que hay unos pequeñitos filamentos de plumas aquí que son más ligeros que lo que hay debajo de ellos. Entonces podría tratar de hacer eso todo agregando en las partes oscuras con lápiz de color o con acuarela, pero va a ser mucho más fácil si empiezo con solo un área oscura plana y luego agrego algo de luz en la parte superior. Entonces eso significa que me voy a quedar otra vez con mi decisión inicial de hacer los marcadores de alcohol como base, y voy a hacer lápiz de color en la parte superior para agregar algo de esa luz sobre la oscuridad, ya que es realmente bueno para hacer eso. Probablemente usaré un lápiz de color específico aquí llamado el Verithin, que está hecho por Prismacolor y es genial solo para unas líneas realmente finas. El último problema es que van a haber algunos reflejos blancos brillantes. Por lo que algunos lugares en el ojo, en el pico, tal vez incluso aquí un poco, necesitan tener un resaltado blanco verdaderamente opaco o reflejos muy claros. Entonces probablemente usaré algo así como gouache para eso
ya que el gouache es realmente opaco y soy capaz de ponerlo encima de todo de lo que acabo de hablar, un gouache a base de acrílico no un gouache a base de agua. Entonces espero que eso les dé una buena idea de cuál es mi plan para esta pieza. Vamos a estar haciendo el colibrí con el marcador de alcohol de primera capa, en realidad probablemente primero capa pluma Mangaka, luego marcador de alcohol, luego lápices de colores, y luego algún medio blanco opaco en la parte superior. Ese es el plan general de juego. Ahora para la parte 3 del proyecto de clase es tu turno de seleccionar tu tema, y si bien teniendo en cuenta lo que sabes y has probado sobre diferentes medios hasta ahora, idear un plan de la misma manera que yo sí me hice esas mismas cuatro preguntas. ¿ Qué estás pintando? ¿Cuál es el tema? ¿ En qué talla trabajarás? ¿ En qué sustrato trabajarás? ¿ Qué quieres lograr estéticamente? ¿ Cuáles son los problemas artísticos que necesitas resolver? ¿ Qué medios serían los mejores para resolverlos? Hágase esas cuatro preguntas sobre su pieza y elabore un plan de juego para crear su propia ilustración de medios mixtos. Por supuesto comparte esos planes y la imagen de referencia si estás usando imagen de referencia en la sección de proyecto de clase. A partir de las dos próximas lecciones, demostraré el proceso real de estas pinturas por lo que crearé una pintura de este colibrí usando los medios de comunicación que hemos planeado y hablado. Entonces también haré un cuadro adicional, un pájaro diferente, un petirrojo pepinillo, con un conjunto diferente de medios y explicaré esas opciones también. Por lo que dos demos en vivo diferentes surgiendo en las próximas dos lecciones.
7. Demostración: Colibrí: Entonces, para empezar aquí, solo
estoy armando los bolígrafos y los marcadores que usaré. Como mencioné en la lección anterior, mi plan es usar bolígrafo de tinta y marcador de alcohol y luego lápiz de color y gwash en la parte superior. Aquí estoy probando el grosor de mis bolígrafos. Ya que en realidad no es posible empezar a la ligera con marcadores, quiero asegurarme de tener los colores adecuados. Entonces los estoy probando en algunos
del mismo papel fabriano que estoy usando para la ilustración real. No tengo muchos marcadores ya que realmente solo los
uso para cosas como esta para capas base. Entonces solo estoy tratando de encontrar los colores que tengo que son la aproximación más cercana a lo que veo en la foto de referencia. Probablemente terminaré usando algún combo de estos. Entonces empezar con mi bolígrafo Mangaka de un milímetro aquí. Estas son muy parecidas a las micras, solo
encuentro que duran un poco más y prefieren la sensación de trabajar con ellas. Por lo que me estoy tomando mi tiempo yendo realmente despacio y cuidadosamente definido en el borde de cada una de estas pequeñas plumas superpuestas. mí casi me parecen escamas de pescado, así que estoy tratando de tenerlo en cuenta ya que trabajan en algunas de ellas en realidad estoy punteando un poco, para que tenga una indicación aún
más fina, más delicada del borde, No quiero ponerme demasiado oscuro ni demasiado atrevido con esto. Aquí estoy agregando en alguna definición y sombras en el ojo y el
área del pico y he cambiado a uno de los bolígrafos de piedra, la versión de fieltro de punta fina. Esto también es de Mangaka y agregando algunas sombras bajo el pico también, y algunas de las sombras entre el ala y el cuerpo. Nuevamente de vuelta al Mangaka de un milímetro, usando mi toque más ligero para indicar dónde se superponen las plumas individuales. Estoy tratando sólo de poner esto donde quiero que haya una indicación de una sombra. No estoy delineando todas y cada una de las plumas porque de nuevo, quiero que esto se vea relativamente realista. Empezando ahora con el primero de los marcadores Colic, estoy tratando de mantenerlo realmente suave inicialmente, que es casi siempre mi enfoque. Es más complicado de hacer con los marcadores, pero solo estoy usando los más ligeros que tengo primero para bajar esa capa de luz inicial y simplemente golpeándola. Después entrando con un color ligeramente más oscuro en la parte superior para tratar de agregar un poco más de definición. Después aterrizando de nuevo sobre él con el mismo color más claro con el que empecé. Apenas aumentando gradualmente la profundidad de los valores y tratando de agregar algunas de las texturas emplumadas. Entonces, no lo voy a repasar sólo en un bloque completamente sólido. Aquí puedes ver estoy empezando a añadir algo de complejidad de color con el verde y luego añadiendo en algo de calidez con el amarillo.Como puedes ver, el hecho de que mi paleta con marcadores sea tan limitada realmente los hace más de un instrumento contundente. Pero no me preocupa demasiado el neón en este punto ya que podré sumar mucho más tarde con los lápices de colores. Si estás mirando la referencia, puedes ver que lo que estoy poniendo como solo una aproximación base de los colores. Va a necesitar bastante más desarrollo después. Por lo que sigo agregando en los colores más claros primero en las zonas donde habrá alguna gradiación más adelante, para
que tenga algo que construir. Aquí voy a entrar justo a toda su fuerza con un marcador marrón oscuro a todas esas áreas que mencioné en la última lección que podría necesitar tener luz en capas sobre la oscuridad. Estoy agregando en un azulado realmente oscuro también a algunas de las áreas que son oscuras pero tienen más de un tono verdoso a ellas. Ahora empiezo en el área de la garganta. Empezando con una naranja soleado realmente brillante ya que esto me dará un buen subtono para el rojo cálido. Yo sólo voy justo encima de los bolígrafos Mangaka y se están quedando bastante bien. Ahora estoy agregando algunos otros tonos de rojo. De verdad quiero que esta zona luzca brillante y brillante. No puedo olvidar la rama, así que estoy agregando algunas capas de maker aquí también. De verdad no me preocupo demasiado por el desarrollo detallado en cualquier parte en este punto, ya que eso vendrá más tarde con los lápices de colores. Por lo que ahora estoy en transición a lápices de colores. Empiezo con un tipo de lápiz de color aquí llamado el Verithin y estos son hechos por Prismacolor. Estoy usando uno marrón solo para suavizar los bordes de esas líneas oscuras que hice con un bolígrafo Mangaka. Estoy usando el de Verithin porque como su nombre indica; son muy delgadas y delicadas y geniales para trabajos de detalle como este. Ya que son más duros que los lápices de colores estándar también, eso hace que sea más fácil crear líneas
realmente delicadas y evitar que se oscurezcan demasiado pronto. En este punto, he decidido pop-picotear en muy rápido con un marcador. Podría hacer esto con algunos lápices de colores, pero el fabricante es más rápido y créeme la posibilidad de añadir más lápiz de colores encima más adelante. También estoy trayendo algún lápiz de color neón en este punto. Esto colorea mi arma secreta para crear lumines en rojos, estoy empezando bastante ligera inicialmente ya que no quiero exagerar. Ahora solo sigo desarrollando detalle. Estoy rebotando de ida y vuelta entre usar lápices de colores oscuros encima de las zonas
más claras y los lápices de colores claros encima de las zonas más oscuras. Para el cuerpo, realmente hay bastante neón y el color que no pude desarrollar bien con un marcador. Por lo que antes incluso realmente empiezo a agregar en detalle estructural, solo
estoy haciendo unos vidrios finos con lápiz de color para ajustar el color y empujarlo en la dirección que quiero que vaya. Aquí quiero que sea un verde más cálido. Entonces estoy usando la cáscara de lima de Prismacolor y otra vez, rebotando de ida y vuelta entre la luz sobre la oscuridad y la oscuridad sobre la luz y el área de la cabeza para desarrollar realmente la estructura en alguna de la forma de esas plumas. Ahora pasando a más ajuste de color en el cuerpo. Esta zona es mucho más fría de lo que inicialmente la tenía. El área en la parte posterior de la espalda. Ahora apenas empiezo a sumar algunos de los detalles emplumados. No voy a poder llegar tan detallado como me gusta usualmente ya que estoy limitado a tiempo, pero todavía puedo dar alguna indicación general de algunas de las formas y estructura más grandes de las plumas. A pesar de que uso la pluma Mangaka para definir los bordes de algunas de las plumas en la garganta y en el borde del ala. En este rubro, quiero que la definición sea mucho más sutil. Por lo que solo estoy usando lápices de colores de tono medio para definir los bordes y mantenerme alejado de cualquier tinta o marcador. Ahora usando un poco de luz sobre oscuridad para definir, y luego entrando con oscuras aún más oscuras para marcar las sombras en la parte inferior del ala aquí. Ahora vuelvo a usar su Verithin de nuevo, usarlos aquí para evitar que me oscurezca demasiado y poder agregar algo de la suave indicación de dónde están los bordes de las plumas. Más ajuste y desarrollo del color agregando algo más de brillo a la garganta y algunos reflejos a la espalda y bordes de las plumas, solo usando un lápiz de color blanco para esos reflejos. Ahora en este punto he tocado un poco de inconveniente en que me he dado cuenta de que
no me puse del todo tan vibrante como querían en la parte posterior del pájaro. Ya he usado mucho lápiz de colores y como este es un papel prensado en caliente o liso, no
hay otro lugar para que el pigmento de lápiz coloreado vaya. Por lo que necesito usar un medio más pesado que se pegue bien en la parte superior del lápiz de color. Entonces este es un gran ejemplo de una solución de problemas de medios mixtos en acción aquí. En este punto, me vendría bien algo así como gwash, ya que es realmente brillante y opaco. Pero lo más fácil sería simplemente usar pasteles de cera, que ya tengo los colores exactos que necesitan. Estos son similares a los pasteles al óleo, pero son mucho más secos y la cera es soluble en agua, en caso de que necesites eso. Simplemente lo estoy tocando en los bordes de las plumas a lo largo de la parte trasera donde quiero un lay-down de color
más brillante, más opaco. Ahora si no estuviera usando múltiples medios si
realmente estuviera tratando de solo hacer este 100 por ciento de marcador o 100 por ciento de lápiz de color, me habría quedado atascado aquí. Pero por tener esa apertura a incorporar un nuevo medio aunque no estuviera en mi plan inicial, realmente
soy capaz de empujar esta pieza la dirección completa que quiero que vaya, incluso en el corto periodo de tiempo. Por último, he decidido usar rotulador de pintura Sharpie para los pequeños reflejos opacos. He terminado optando por esto por encima de gwash, que era mi plan inicial. Porque en este punto puedo ver que mis reflejos serán todos muy pequeños y blancos puros, así que no necesito mezclar un color personalizado que haga de la pluma de pintura la herramienta más eficiente para el trabajo. Esa es generalmente mi regla cuando elijo la herramienta que voy a usar, cualquiera que sea la más eficiente que va a conseguir el trabajo exacto. Entonces esta es la pieza. [ MÚSICA] Terminó llevándome más cerca de 90 minutos en lugar de 60. Pero eso sigue siendo bastante rápido para mí y en general estoy muy contento con cómo resultó. [ MÚSICA]
8. Demostración: Petirrojo: Está bien. Me estoy preparando para empezar en la segunda demo aquí. Voy a estar trabajando en el mismo papel, el Fabriano prensado en caliente. Pero esta vez en lugar de colibrí, voy a estar pintando un petirrojo. Este pequeñito de aquí. Para éste estoy sacando alguna acuarela, mi acuarela hidra, la acuarela líquida, que es el medio que evaluamos antes en la clase. Estoy optando por utilizar la acuarela hidra esta vez en lugar de marcadores o en lugar de otra acuarela, porque con la hidra, voy a poder obtener un efecto más suave del que podría tener con los marcadores. Particularmente si miras el área en el petirrojo, el área del pecho, quiero poder usar algunas técnicas mojadas sobre húmedas ahí para realmente indicarle algo de esa sensación suave y emplumada a ella. Las plumas de este pájaro se ven mucho más delicadas, mucho más esponjosas y suaves para mí que las del colibrí. Acuarelas parece ser el mejor medio para usar para eso. Tengo esa misma paleta que mostré antes y solo estoy agregando un poco de amarillo cálido. Se llama amarillo gamboge, pero es bastante similar a un cadmio. Eso estoy agregando a mi paleta y luego lo estoy probando vez en otro pedazo de papel de acuarela Fabriano. Al igual que con el marcador, es bastante importante probar los colores que estás usando contra tu referencia para asegurarte de que sean lo que estás buscando. Aquí quiero empezar con un bonito bajo tono amarillo, a pesar de que eventualmente lo voy a empujar hacia el naranja rojo porque algunas de las áreas más claras de las plumas realmente leen como amarillas. Estoy trabajando en poner eso abajo con mis acuarelas y ponerlo bastante bonito y uniformemente mojado. Entonces voy a entrar con un poco de mojado sobre mojado y un color más anaranjado en esta naranja me he mezclado solo haciendo un rojo cálido en mi amarillo cálido, solo un poquito de rojo cálido. Entonces solo estoy desarrollando un poco de detalle estructural, no nada demasiado refinado. Solo trato de marcar dónde están las zonas más oscuras y dónde están las zonas más claras. Después lo desarrollaré más tarde con lápices de colores, y luego estoy usando ese mismo rojo naranja en la cola del petirrojo. En realidad he añadido un poquito más rojo a esto porque sólo se ve más meñique ser tan empujado más en la dirección roja. Ahora empiezo a marcar donde algunos de los bordes de la pluma, la pluma marrón. Definitivamente lo voy a empujar hacia el extremo marrón del espectro, pero debido a que sí tiene un subtono anaranjado, estoy usando esa naranja para ayudar a indicar dónde están los pequeños detalles y dónde están los elementos estructurales. He cambiado a un pincel mucho más fino. Este es un cepillo de forro, y estoy usando eso para permitirme poner alguna indicación detallada realmente delgada de algunas de las plumas grises y el borde de la punta del ala. Entonces como ya tengo el pincel fuera, voy a añadir algunas plumas más refinadas arriba también. Aquí puedes ver por qué me encanta trabajar con las acuarelas hidras. Yo soy capaz de ir justo por encima de esos pequeños detalles que pongo abajo, y no pierdo ninguno de los detalles. Simplemente ayuda a juntarlo todo en este lavado en la parte superior. Nuevamente, otra razón por la que realmente me encantan las acuarelas hidras. Está bien. Ahora, un poco más de detalle y desarrollo de estructura alrededor del ojo. En realidad estoy haciendo un desarrollo bastante más detallado con un color de agua que lo hice con el marcador. En este punto me estoy preparando para hacer esa técnica húmeda sobre húmeda que mencioné. Acabo de tener un pincel de pluma totalmente saturado, bastante grande aquí, y sólo lo estoy corriendo sobre el pecho del petirrojo. Entonces he mezclado una especie de gris cálido y acabo de conseguir un
poquito diminuto en mi pincel y solo lo estoy tocando en el área húmeda para crear esas sangrancias plumosas realmente hermosas. Después me he quitado un poco con una toalla de papel también. Eso es algo que me verás hacer periódicamente con acuarela si alguna vez me pongo demasiado oscuro. Simplemente realmente rápido y trata de desmenuzar algo de ello con acuarela. En este punto siento que me puse demasiado caliente con el gris. Por lo que he tratado de mezclar un enfriador, más gris azulado. Estoy usando eso para continuar con el desarrollo mojado en húmedo del área del pecho. En este punto empiezo a intentar indicar algo más de la forma y la estructura en la dirección de las plumas. Ahora estoy haciendo un poco más mojado sobre
mojado o preparándome para hacer un poco más mojado sobre mojado. El petirrojo, como se puede ver, está sentado sobre un pequeño trozo de musgo. Acabo de mojar por toda la zona y sólo voy a hacer lo mismo que hice con el pecho del petirrojo. Yo solo estoy metiendo en pequeños pedacitos de pintura y dejándola que se apague. En un principio, pensé que tal vez iba a ir por ese look goteo donde la pintura es más pesada en algunas zonas y más ligera y otras y goteando hasta el fondo. Eso es lo que estoy tratando de hacer aquí. Terminé cambiando de opinión y decidiendo solo llevarla hasta el borde. También lo estoy ablandando un poco con una toalla de papel. No quiero que esta área llame demasiada atención sobre sí misma ya que realmente no es el tema principal de la pieza. Muy bien, en este punto, he cambiado a una pluma Mangaka. No estaba planeando usar esto inicialmente. Estaba pensando que iba a hacer los detalles oscuros con acuarela, pero la acuarela se ha secado por completo por aquí y es simplemente la forma más fácil de hacerlo para este tema. Estoy usando eso en algunas de las mismas áreas. Usé el Mangaka en el petirrojo,
en el área de los ojos y el pico. Ahora estoy listo para pasar a los lápices de colores, una revelación completa. Hice soplar seco esto un poco para que se
seque más rápido ya que estoy trabajando en esa restricción de tiempo. Para esta pieza, estoy usando lápices de colores Caran d'Ache Luminance. Están en general un poco más duros. Siento que son un poco más duros que los de Prismacolor. Algunas personas se sienten de manera diferente, pero en mi experiencia son un poco más firmes que Prismacolor. Entonces van a ser una especie de buen equilibrio entre el núcleo blando de Verithin y el de Prismacolor que utilicé para el petirrojo. Estoy empezando en el área de la cabeza,
la zona naranja rojiza de la cabeza. Y solo estoy desarrollando algún detalle, estoy usando un color tipo siena quemado alrededor del ojo para bajar algo de esa estructura. Después rebotando de ida y vuelta entre eso y algunas naranjas y
amarillos diferentes para tratar de realmente amplificar algo del detalle y matizar bastante el color. Ya puedo decir que me he ido un poco demasiado oscuro en la cola, así que sólo voy a entrar con algún lápiz de color blanco para tratar de aclarar eso un poco, y luego estoy usando ese mismo lápiz de color blanco en el pecho del petirrojo para tratar de indicar algunas de las zonas más ligeras de las plumas. En general, no hay tanta variedad de colores en esta pieza como en el colibrí. Entonces realmente me meto en esa casa de ruedas marrón, naranja, amarillo, crema de la mayor parte de la parte superior del pájaro. El pluma y la cabeza y el cuello. Realmente la única zona donde hay un color significativamente diferente es el pecho, que es más de ese gris frío. En este punto, estoy tratando de amplificar algunos más de los elementos estructurales de las plumas que van a lo largo los bordes para mostrar realmente dónde se superponen. Aquí estoy agregando algo de sombra debajo de la pluma principal bajando al cuerpo del pájaro. Entonces también quiero agregar algo más de sombra
al área del pecho ya que me parece bastante más oscuro en la referencia, y quiero dar la sensación de que las plumas naranjadas se superponen a las plumas grises. Todo este tiempo estoy trabajando ya sea en pequeños trazos circulares o entrando como diagonales, trazos
de lado a lado, realmente diminutos para tratar de indicar la forma de una pluma. Muy bien, y ahora estoy agregando algún detalle inicial a las áreas de musgo, algún color inicial y desarrollo de valor, solo usando un verde musgo. En este punto siento que la pieza necesita algo de suavidad, particularmente en el pecho del pájaro. En realidad estoy trayendo algunos pasteles suaves. Ya que tengo una buena cantidad de estos lápices de colores de espacio de trabajo sentados. Puedo bajar una ligera capa de pastel suave, pesar de que este es un papel liso y mezclado un poco con un pincel totalmente seco, solo para agregar algo de suavidad. De nuevo, podría hacer esto con lápiz de colores, pero me parece que es más fácil hacerlo con pastel suave. Por lo que estoy eligiendo la mejor herramienta para el trabajo y realmente aprovechando los medios mixtos. Ya que tengo los pasteles suaves fuera, decidí seguir adelante y usarlos en esta pequeña zona de musgosa. Una forma en que puedo conseguir que no destaque demasiado es solo tenerlo realmente desarrollado muy delicadamente, muy suavemente y no tener demasiados detalles manifiestos sobre él. Yo sólo voy a repasar con unas capas de diferentes pasteles suaves, algunos verdes musgosos, algunos amarillo brillante, y luego un más fresco, casi realmente pálido, verde menta. Estoy usando lápices de colores solo en unas pocas áreas para agregar sombra en desarrollo. Aquí para el resaltador blanco opaco, he sacado a mi Dr. Ph. Martin Bleedproof White. Solo estoy usando esto en un pincel cuadrado plano para agregar algunos reflejos blancos brillantes realmente bonitos en la parte superior de la pierna del pájaro, y luego voy en un poco de formas en V aquí a través del pecho del pájaro para indicar los bordes de las plumas . Por supuesto, he vuelto a sacar mi rotulador de pintura Sharpie otra vez. Una vez más, podría haber usado el blanco a prueba de sangrado aquí, podría haber sacado son realmente pincel diminuto, pero ya tenía
un cepillo sucio y solo vigilando el reloj y tratando de hacer esto de la manera más eficiente posible. El bolígrafo de pintura Sharpie va a ser una muy buena opción una vez más, para agregar esas diminutas líneas finas y los pequeños puntos en los reflejos alrededor del ojo y el ojo mismo. Me parece que el bolígrafo de pintura Sharpie es una herramienta mucho mejor para mí que cualquier bolígrafo de gel. He probado varios bolígrafos de gel, pero si crees que querrías usar esto una herramienta, no
puedo recomendar lo suficiente el bolígrafo de pintura Sharpie. Es simplemente mucho más opaco que las manos de trabajo. Dura más tiempo, no se obstruye como lo hacen los bolígrafos de gel. Es realmente una herramienta fabulosa. Está bien. Aquí está la pieza terminada. Terminé usando acuarela, lápices de colores, pasteles
suaves, blanco a prueba de sangrado y bolígrafo de pintura Sharpie. Esta pieza me llevó más tiempo de lo que había planeado. Yo estaba apuntando por una hora y esto fue casi hora y media una vez más. Supongo que sé que lo más rápido que puedo hacer un pájaro es en aproximadamente hora y media, y podría haber conseguido mucho más detalle sobre esto si hubiera pasado dos, tres, cuatro veces más tiempo, pero considerando que esto era un petirrojo rápido, De verdad estoy contento con cómo resultó.
9. Conclusiones y proyecto de clase: Ahora es tu turno de juntar todas las piezas, tomar todo lo que has aprendido en las lecciones anteriores y crear tu propia pintura en medios mixtos. Siguiendo después de la Parte 3 del proyecto de clase, que es lo que abordamos hace un par de lecciones, toma tu imagen de referencia y la lista de suministros del plan que armaste y realmente ejecutas la pintura, y una vez que hayas terminado , por favor comparta su trabajo terminado en la sección de proyecto de clase así como cualquier obra en progreso imágenes. Sé que obtengo comentarios todo el tiempo de gente diciendo lo mucho que les gusta ver trabajo en imágenes de progreso. Si estás publicando en la sección de proyectos de clase, por favor siéntete libre de compartirlos también. Es tan útil e interesante ver la obra de
otro artista cuando está en las etapas medias y no está completamente terminada. Levanta un poco ese misterioso velo. Aquí va para que todos podamos ver y aprender, y por todos los medios por favor sí comparte en redes sociales también, puedes etiquetarme, estoy en Kendall Hill Haggis tanto en Twitter como en Instagram. Me encanta ver lo que creas y me encanta compartirlos, ya sea retuitearlos o ponerlos en mis historias de instancia, y por supuesto, si tienes alguna pregunta, por favor siéntete libre de avisarme en la sección de discusión de la clase, Haré lo que pueda para responderles. Si ves una pregunta hecha por otro estudiante en la que
tienes algunas otras reflexiones o en las que tienes alguna aportación, por favor siéntete libre de dejar esa sabiduría ahí también. Mi esperanza es que la discusión de clase pueda ser una verdadera discusión, un lugar donde la gente pueda compartir algunas de sus ideas y aprender unos de otros. Sobre todo porque los medios mixtos, como hemos comentado, pueden ser tan subjetivos y pueden variar de artista a artista dependiendo de su práctica. Muchas gracias por tomar esta clase, verdad
aprecio que vinieras conmigo
y me dejes compartir algo por lo que estoy tan emocionado, tan apasionado contigo. Espero con práctica y tiempo que vengas a disfrutar y valorar los medios mixtos como herramienta tanto como yo. y estoy tan emocionado de ver qué haces con él.
Kendyll Hillegas, Artist & Illustrator
