Pinta el campo: técnicas de acuarela para paisajes tranquilos

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Alliston y hoy estaremos pintando un hermoso paisaje campestre en Esta clase se trata de capturar la paz y belleza de la naturaleza de una manera suelta y agradable, sin estrés, sin necesidad de preocuparse por la perfección o los detalles. Solo una buena oportunidad para dejar fluir la pintura, divertirse y crear algo maravilloso. Utilizaremos técnicas simples como la mezcla húmeda y húmeda, la estratificación y el trabajo con pincel seco para crear cielos suaves, colinas onduladas y reflejos en Tanto si eres principiante si tienes experiencia con paisajes, esta clase te mostrará cómo simplificar la escena y pintar con confianza. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes urbanos y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que tomemos nuestros pinceles y disfrutemos juntos del proceso de pintar una escena campestre tranquila y atmosférica. 2. Tu proyecto: Ante todo, muchas gracias por unirse a esta clase. Estoy muy emocionada de mostrar contigo esta pintura que es relajante y gratificante. Una de las mejores cosas de pintar escenas de campo es que es muy divertido y indulgente No tienes que preocuparte por conseguir que cada detalle sea perfecto. En cambio, usaremos la luz, color y la atmósfera para dar vida a esta escena. En este proyecto, exploraremos cielos suaves y colinas distantes usando simples lavados húmedos sobre húmedos, tendido y acristalamiento para construir profundidad sin sobretrabajar Reflexiones en el agua para crear una sensación de calma y realismo, y pinceladas expresivas sueltas para sugerir follaje, árboles y pasto sin pintar cada detalle El objetivo es capturar la sensación del campo en lugar de cada pequeño elemento. Al final de la clase, tendrás una pintura que se siente fresca, natural y llena de vida. Y lo más importante, habrás disfrutado del proceso. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles en la pestaña de proyectos y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente utilizo las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo sintético redondo como este cepillo ScodaPol o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arqueros porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta adhesiva. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Pero te animo a experimentar y explorar con cualquier material que quieras para que esta pintura sea realmente tuya. Ahora, sigamos con la pintura. 4. Cómo hacer un boceto: Entonces, al bosquejar esta escena campestre, muchos de los mismos principios se relacionan con esto como cualquier otro tema, ya sea un animal o un paisaje urbano, tenemos que pensar primero en las grandes formas y en la perspectiva Así que estoy usando líneas anchas solo para trazar las grandes formas, así que líneas rectas para trazar el triángulo de la colina, el agua, usando grandes círculos anchos en lugar de delinear cada árbol o brizna de hierba, estamos comenzando con solo círculos amplios, pensando en las masas de tierra o las agrupaciones de árboles, la composición general Y puedes intentar entrecerrar los ojos ante la referencia para ayudar a simplificar estos detalles y permitirte ver más claramente las formas más grandes Porque la guía que proporcioné la plantilla es bastante confusa porque la naturaleza es bastante orgánica, por lo que es difícil de interpretar realmente. Puedes trazar las líneas y luego emparejarla con la imagen final solo para ver cómo rellenar los detalles. Pero trata de evitar demasiadas líneas duras. En la naturaleza, la mayoría de los bordes son realidad suaves y orgánicos a diferencia escenas de la ciudad donde dominan las líneas rectas y las formas rígidas. Los paisajes requieren un enfoque un poco más flojo, más gestual Es por eso que usar el rastro o al menos mirar la plantilla puede ser un poco confuso porque es un poco más aleatorio, por así decirlo, que formas u objetos hechos por el hombre que se pueden descomponer. Estoy usando trazos de lápiz claros rotos en lugar de contornos duros porque no quiero que la pintura se vea rígida. Todavía quiero un poco de flexibilidad. Así que voy a tomarme un tiempo para que el dibujo sea todo agradable y ordenado y luego subir la plantilla. 5. Capas subyacentes de luz: Ojalá tengas tu boceto bastante bien organizado porque la naturaleza, como digo, puede ser bastante confusa de ver porque es tan orgánica y aleatoria. Entonces tenemos que poner mucha fe en la composición. Pero podemos comenzar lentamente y descomponerlo en pequeños pasos como ahora estoy mezclando sila quemada y och amarillo, y solo vamos a aplicar una capa inferior ligera Y puedes tener mi imagen final como referencia, así como el dibujo a lápiz ahora mismo solo para ver dónde estoy aplicando ese tipo fino de que es casi como un color café, pero un poco más de calidez para él. Y la consistencia es igual que el café, de verdad. Se tiene que no es demasiado delgada y transparente, pero no es demasiado gruesa. Se ejecuta fácilmente en la paleta. Incluso estoy usando agua para aclararlo un poco. Y el pincel la esponja que tengo en la parte superior derecha de la pantalla, solo uso para sacar algo del pigmento. Si es demasiado claro o demasiado oscuro, puedo controlar la cantidad de pigmento que me pongo y me quito mientras aún está húmedo. Volviendo a aplicar esa esponja, solo para asegurarse de que no haya demasiada agua en el cepillo Y ahora puedo entrar con un pigmento un poco más grueso. Esto es pura sienna quemada ahora. Y debido a que el papel está ligeramente húmedo, esas pequeñas manchas se apagan y agregan un poco de textura No van a ser líneas duras, pero van a mantener mucho de su forma. Ahora pasando al árbol principal, supongo que es el tipo de eucaliptustre Necesitaba un árbol claro para contrastar con el resto de los haces o agrupaciones de árboles porque muchos de los árboles están a la sombra Quería algo para captar el centro de interés. Sólo estoy pintando la capa inferior. Por supuesto, por el momento, la corteza del árbol, se ve más oscura porque estamos contrastando con el blanco del papel, pero más adelante, vamos a pintar oscuro alrededor del árbol y va a hacer que este color och amarillo sienna quemada sea realmente pop No necesitas ser tan leal o estricto con los colores que estoy usando. Solo necesito ser más o menos el mismo, solo un tono cálido y terroso Y nuevamente, puedes entrecerrar los ojos solo para ver la forma de lo que estoy pintando, qué área estoy bloqueando. A pesar de que es una forma aleatoria, no es como un cuadrado o un círculo. Estoy pensando en términos de formas. Estoy mirando los bordes donde estoy pintando a lo que necesito llenar. Así que intenta hacer coincidir esa forma esa área que estoy bloqueando en tu pintura. 6. Mezclar colores de cielo: Entonces volveremos a esa capa inferior con un poco de verde más adelante Pero creo que ya podemos empezar a trabajar en el cielo. Entonces voy a mezclar un poco de azul serlean, un poco de azul ultra marino Pero claro, puedes experimentar con cualquier blues que te guste o cualquier pigmento que tengas. Un poco de púrpura ahí dentro. Sólo un toque, tal vez un poco de rojo para ayudar a impulsar ese morado. Eso es un poco demasiado. Agreguemos un poco más serlean para equilibrar eso. Estoy mezclando bastante porque el cielo es un área bastante grande y no quiero pintar la mitad del cielo y darme cuenta de que no tengo suficiente pigmento. Así que es mejor mezclar más de lo necesario y premezclarlo todo antes de comenzar este lavado Y estoy usando un pincel pequeño y mediano, realmente, para mezclar la pintura. Pero cuando en realidad se trata de pintar el cielo, creo que usaré un pincel más grande. Va a haber pequeños huecos dentro de los árboles, y quiero que los huecos muestren el mismo color del cielo que en todas partes. Entonces sólo voy a pintar una capa inferior de donde están esos pequeños huecos Y a la hora de pintar los árboles después, voy a tratar de mantener esas zonas expuestas. Por el momento es bastante aleatorio. Pero si quieres seguirte, tienes que igualarme. Se puede experimentar. No necesariamente tienes que colocar estos slodges azules exactamente donde los estoy colocando, pero tienes que recordar que estamos pintando estas manchas azules para el cielo Así que donde quiera que los coloques, recuerda que hay que dejarlos expuestos a la hora de pintar los árboles. También es un buen procedimiento pintar estos trozos de azul ahora porque podemos ver qué tipo de color se ve en el blanco del papel antes de comprometernos con el cielo lleno. Entonces, si querías un cielo un poco más cálido o un poco más verde, un poco más serlean o turquesa, puedes usar eso como una oportunidad Ahora bien, estoy prehumedeciendo algo de ese papel, acabas de notar ahí porque quiero que las nubes tengan un borde suave en algunas zonas. 7. Pintar el cielo: Y tenemos que actuar bastante rápido con un cielo. Desafortunadamente, no es un pigmento tan espeso cuando pintamos el cielo. Está bastante diluida. Como puedes ver, es bastante azul claro. Y como hay menos pigmento, se seca más rápido. Entonces, una vez que empiezas a evitar bordes duros y para tener un cielo limpio y agradable, tienes que trabajar bastante rápido. Estoy tratando de no estoy pintando todo el camino hacia abajo. Estoy tratando de mantener una especie de forma redondeada montañosa arriba y abajo para las nubes Una vez que hayas cubierto un área, entonces puedes volver a entrar con un poco más de pigmento para asegurarte de que el tono es correcto o el color. Ahora, ahí están las nubes, es como una marca de verificación. He añadido un poco más de azul serlean ahí, un poco de azul más frío que antes No quiero que las nubes sean todo este borde duro bajo, así que voy a tener que suavizar algunas de ellas. Me estoy cambiando a mi cepillo más pequeño y simplemente manchando algunos de los bordes ahí con agua pura Pero mi cepillo no está sobrecargado de agua. Simplemente está ligeramente saturado. Entonces, cuando manchas así el borde con agua y empieza a sangrar, tienes que contrarrestar el tiempo que tarda el pigmento en moverse con el No quieres que se vea perfecto de inmediato porque seguirá moviéndose. Entonces tienes que mojar ese borde con el agua y luego poner tu fe en el agua y el pigmento para hacer lo que tiene que hacer sin manipularlo demasiado porque entonces la magia se perderá Entonces por el momento, no necesariamente se ve como yo quiero, pero como he mojado el borde, sé que va a mezclarse en unos 5 minutos para cuando esté seco. Entonces debajo de la nube, voy a agregar algunas manchas orgánicas de azul y es fácil sobrepintar el cielo porque todavía no hay nada más pintado en la página Entonces es todo en lo que nos estamos enfocando. Pero al final de la pintura, el cielo en realidad no va a ser el foco. No va a ser el punto central, así que no necesita ser muy detallado. puede parecer inconcluso Ahora puede parecer inconcluso y aún así funciona muy bien al final Pero si lo trabajas demasiado, entonces les quitará mucha tensión, y se verá sobrecargado de trabajo, y no tendrá ese tipo de aspecto sereno que estamos buscando Entonces voy a dejarlo como está ahora y podemos pasar de nuevo a la capa inferior 8. Más capa inferior: Pre humectación donde están los reflejos porque, claro, aquí hay un cuerpo de agua, donde sea que sea un río o un lago, no estoy seguro. Pero hay que añadir algo de ese color del cielo ahí y va a ser un poco más claro y un poco menos saturado. Y a medida que movemos el cepillo hacia arriba, agregamos más agua para que sea más una transición. Entonces el medio no tiene ningún pigmento, y el fondo tiene más pigmento. Y puedes zig-zag tus marcas de pincel, tus grandes cuerdas de pincel para implicar sutiles ondas Pero a pesar de que digo agrego más agua a medida que subo, eso no quiere decir que el pincel esté lleno. Todavía tengo que usar esa esponja o una toalla para asegurarme de que mi cepillo no esté rebosante, aunque lo diluya con más agua, es muy fácil como principiante, como me es muy fácil como principiante, pasó a mí, y me tomó mucha práctica darle sentido y recordarme a mí mismo controlar cuánto líquido hay en el cepillo, pesar de que estamos usando agua todo el tiempo para cambiar la cantidad de pigmento que tenemos, todavía tenemos que asegurarnos de que el cepillo no esté sobrecargado con agua o al revés A veces no hay suficiente agua o pigmento en el cepillo. Entonces cuando pintamos nuestros trazos, el pigmento no se cae. Um, así que ahora he mezclado un verde. Este verde es verde viridiana. Tenemos un poco de ocre amarillo. Pero puedes experimentar mezclando tus greens. Hay muchos greens diferentes usaremos en esta pintura. Por supuesto, cuando pensamos en verde, pensamos en Varidian o verde savia Esos son greens pre mezclados, pero puedes mezclar los tuos propios. Puedes tomar amarillo cadmio y mezclarlo con cualquiera de los azules que tienes azul cobalto, azul cian, ultra marino y crear hermosos azules de aspecto natural, verdes, más bien Y ahora que esa capa inferior del tono terroso está seca, podemos pintar este verde hasta el borde sin que se mezcle. Estamos comenzando con una capa de luz agradable, y luego podemos agregar más pigmento si sentimos que necesita ser un poco más oscuro. Por supuesto, habrá un reflejo de este pigmento, de esta hierba. Al igual que el dibujo, estamos usando pinceladas amplias para empezar. Grandes formas. Y a medida que avanzamos en el proceso, comenzaremos a usar pinceles más pequeños para refinar los detalles. Pero siempre debemos comenzar con expresivas marcas de pincel. No importa si repasamos un poco las líneas en el escenario. Eso en realidad se suma a la sensación expresiva, a la estética. Siempre nos llegó a pensar adelante con la acuarela, lo que vamos a pintar a continuación. 90% del proceso, se ve un poco extraño hasta que agregamos los tonos oscuros más tarde. Simplemente se junta. 9. Terminar la capa inferior: Ahora usando el mismo verde de verde viridiana y amarillo capio, vamos a llenar algunos de estos haces de hojas o follaje en los Nuevamente, es bastante aleatorio, y definitivamente no estoy pensando en hojas individuales, solo bloqueando áreas, tratando de espaciarlas en una composición estéticamente ordenada Estoy pensando en masas más que en trazos individuales. Y todo es más o menos el mismo tono en este momento. Estamos tratando de simplificarlo y simplificándolo, lo que quiero decir es que no necesitamos pensar en toda la miríada de tonos No necesitamos ser tan estrictos. Básicamente, todo lo que hemos pintado hasta ahora es un tono medio claro. No es un punto culminante y no es un tono oscuro. No necesitamos pensar en lo clara u oscura que es cada pincelada Estamos manteniendo todo sobre lo mismo en este momento. Hay muchas formas diferentes de pintar, y dependiendo del tema, a y dependiendo del tema, veces empiezo con pigmento grueso y pesado, pero las escenas rurales tienden a tener una sensación más abierta y aireada. Así que estoy tratando de evitar pigmento demasiado pesado para empezar Es una forma completamente diferente de pintar que los paisajes urbanos, porque a diferencia de las escenas de la ciudad donde hay una arquitectura afilada donde hay mucha precisión Las escenas o paisajes naturales deben sentirse un poco más estratificados y orgánicos. Y ahora estoy empezando a pintar la capa inferior de las colinas distantes y es posible que hayas notado que los colores que estoy mezclando estaban preexistentes en mi paleta, y esa es una forma de mantener tu paleta armonizada No traje un color nuevo. Mezclé el verde que ya teníamos y el marrón terroso que ya teníamos Para que parezca que pertenece juntos. Si intentara mezclar mi propio color, se vería desarticulado porque no estarían relacionados con nada más en la Por eso es una buena idea hacer un hábito de mezclar más de lo necesario en lugar de no suficiente. 10. Comienza las colinas distantes: Entonces ahora voy a mezclar un azul más oscuro porque color azul retrocede y vamos a pintar las montañas distantes o cerros distantes más bien Y no sólo retroceden los colores fríos azules, sino que también estarán menos saturados y menos contraste, es más gris Pintar cuidadosamente hasta el borde verde, pero siendo bastante abierto para la interpretación en la parte superior con la forma de los cerros y luego pintar hasta el arbolito o arbusto, pintando algunas líneas que podrían estar asomando a través de los huecos Para indicar una pequeña rama delgada. Entonces podemos trabajar hasta el otro lado. Y esto es un azul claro. Y a medida que pintamos el resto de las colinas, el pigmento se irá tornando más oscuro y creará esa ilusión de atmósfera en el aire, la perspectiva y la profundidad. De hecho le agregué un poco de calidez a este azul. Puedes usar morada o carmesí alizarina. En realidad, no importa los pigmentos específicos. Pienso en términos de temperatura. Entonces cuando pienso en calidez, puede ser de cualquier color cálido. Podría ser rojo cadmio, carmesí lazarina, púrpura, estoy pintando la capa inferior para el resto de los cerros porque habrá árboles y luego habrá Entonces estoy usando ese marrón. También está un poco desaturada ese marrón en lugar del marrón cálido de primer plano De igual manera, con este verde, se puede ver que no es tan vívido como el verde en primer plano Está un poco más gris, y eso funciona bien porque está en la distancia y será menos vibrante Si piensas en todas las partículas en el aire que bloquean el color realidad voy a pintar un poco en el cuerpo del agua porque habrá un poco de reflejo de esta ladera en el agua Entonces estoy usando un ligero poco de pigmento solo para suavizar ese borde Y debo disculparme de antemano que la cámara se cortó mientras pintaba la mitad de estas colinas distantes, pero voy a explicar mi proceso 11. Pintar los reflejos: Lo siento de nuevo por el mal funcionamiento de la cámara y en realidad no grabar el metraje de pintar estas colinas distantes. Pero voy a explicar brevemente cómo lo hice. Por supuesto, esperé a que la capa inferior se secara completamente con un secador de pelo, y moviéndome de izquierda a derecha, básicamente es un solo lavado. A pesar de que tenemos toda una variedad de tonos y colores ahí, todo está conectado con un solo lavado. Tiene la ilusión de complejidad y parece que es más de una capa porque tiene sensación de profundidad. Pero en realidad es solo un lavado. Empezamos la luz a la izquierda. Y poco a poco moviéndonos hacia la derecha y estamos cambiando de azul a marrón y luego verde a la derecha. Entonces una vez que hemos pintado esa sección, volvemos a entrar en ella en la parte inferior con pigmento más oscuro, casi negro, pero puedes usar cualquier pigmento oscuro, ya sea ámbar quemado, siena quemada, incluso azul oscuro Estamos usando líneas finas para conectarlo todo en la parte inferior y bordes duros en la parte inferior y subiendo a la línea de agua. Y no deberías apuntar a pintarlo exactamente de la manera que lo estoy pintando porque de hecho, lo pinté demasiado oscuro y una vez que esté seco, voy a volver a entrar en él y agregarle un poco de tinte blanco y te mostraré cómo hacerlo para corregir el valor y agregar más a esa perspectiva. Esa es una de las ventajas de ver todo primero y ver el procedimiento completo y determinar cómo vas a abordarlo. Así que mientras pintaba estos reflejos, he empezado con una especie de verde grisáceo a la izquierda, y se funde en un color amarillo ocre de la siena quemada Pero puedes experimentar con todos los colores que quieras fusionar en esto. Incluso he agregado un poco de color rojo para que coincida con el tipo de árbol rojo que tenemos arriba, agregando algunos verdes vibrantes y me estoy concentrando en trazos de pincel horizontales, pero también trazos de pincel verticales Y esto es pintura húmeda sobre húmeda en este momento. En los bordes, estoy tratando agregar líneas muy finas usando la punta de mi pincel para crear un bonito contraste entre la tierra y el agua. Si estuviera pintando esto fuera de cámara, pintaría este ángulo para que el agua se agotara. Aunque es difícil de ver en cámara, realidad estoy usando mi pistola de agua vez en cuando para rociarla y agregarle más agua para que corra un poco libremente porque no quiero que se seque tan rápido. Y si lo tuviera inclinado, entonces el agua correría hacia abajo verticalmente y ayudaría a esa ilusión de reflexión Tiene que estar muy saturado y húmedo para que haya bordes suaves. No queremos muchos bordes duros en esta reflexión. Y tuve mucho cuidado al asegurarme de que hay un pequeño hueco entre la tierra y el reflejo ahí. Pero también podemos volver más tarde con los reflejos para indicar pequeñas ondulaciones y donde la tierra se encuentra con el agua Se puede ver como cuando se toma como un todo, la pieza terminada, se ve bastante refinada. Pero cuando lo desglosamos en pequeños pasos como este, por ejemplo, esta reflexión, realidad es muy abstracta, y los árboles de arriba son muy abstractos cuando los miras por sí mismos. 12. Tintar las colinas: Al pintar estas reflexiones, no queremos ir hasta el fondo. Queremos reservar algo de espacio para mostrar el reflejo del cielo, y se puede salir un poco de control porque sí queremos que haya bonitos bordes suaves. Pero mientras mantengamos el nivel de humedad apropiado, siempre y cuando no permitamos que el papel se seque, podemos controlar Una vez que el papel esté seco, entonces lo hemos perdido y empezará a verse un poco embarrado Pero podemos seguir yendo y viniendo con pigmento y podemos limpiar el cepillo y usarlo para extraer pigmento si hay demasiado todo mientras mantengamos el papel mojado. Añadiendo líneas verticales en la parte inferior ahí, y prehumedezco el papel en la parte inferior para que no vayan a ser líneas duras Ellos sólo van a mezclarse. Y puedes usar tu pincel para controlar hasta dónde va. Puedes tener un pañuelo en la otra mano como yo, acaso hay un derrame accidental Observa como no solo estoy moviendo mi muñeca. Estoy moviendo todo mi brazo. De hecho, para partes como esta, incluso me pongo de pie, así que tengo un buen control porque si solo usas tu muñeca para pintar, entonces se ve muy constrictiva y hay menos impulso o control Pero usar todo tu cuerpo permite un trazo más seguro que hace una diferencia visual al final. Por supuesto, a la hora de pintar los detalles más tarde, me sentaré y usaré un poco más controlado el movimiento de la muñeca o el dedo de mi pincel. Pero para grandes marcas amplias, confiadas, tiendo a ponerme de pie. Ahora, acabo de hacer una mezcla de amarillo y verde, y solo uso un pincel grande para teñir ese campo porque era un poco demasiado ligero. Y solo toma un trazo. No lo repaso por segunda vez porque entonces mancha lo que hemos hecho Si está seco y aplicas una cosa trazo, entonces la tiñe. Entonces agrega otra capa, pero sin afectar todo el trabajo de pincel detrás de ella. Y eso es lo que estoy haciendo ahora con este blanco. Es una guash blanca muy diluida. Y quiero que el fondo sea un poco más claro. Ahora, hay que desconfiar un poco de esto porque cuando aplicas por primera vez el trazo de pincel así, y puedes ver que no voy a repasarlo dos veces Sólo lo estoy llenando. Cuando está mojado, se ve mucho más ligero que cuando se seca. Entonces parece que he hecho mucho ahí. Pero ya verás cuando use el secador de pelo, que de repente vuelve a más oscuro. Tenemos que contrarrestar eso en. No tengas demasiado miedo de que se vea demasiado ligero porque una vez que se seque, las partículas blancas se hundirán en el papel y no se verán tan reflectantes y en última instancia se verá más oscuro. 13. Comenzar con los árboles: Ahora estoy mezclando un color similar al suelo, el tono tierra, pero un poco más ocre amarillo Hace menos calor y es más amarillo. Sólo estoy llenando estos vacíos, tratando de evitar el azul porque no quiero superponerme. Rellenar los huecos blancos de las hojas. De nuevo, estoy pensando en grandes masas más que en hojas individuales. Mezclando en un verde más oscuro en la parte inferior. Estoy usando un cepillo de fregona en este momento, solo porque no necesito hacer un detalle fino de esto. Solo necesito un filo duro, pero no necesito líneas finas. Sólo estoy llenando estas áreas. Pero eso no significa que tengas que usar un cepillo de fregona si no tienes uno. Usando pigmento un poco más grueso ahí se puede ver cuando uso trazos rápidos, deja un poco de textura, un poco del blanco del papel. Cuando usas pincel seco, tienes que usar un trazo vertical. Por eso desafortunadamente, mi mano está bloqueando mucho de lo que estás viendo porque tengo que sostener el pincel vertical para deslizarse rápido por el papel Si lo sostenía en ángulo, entonces los pelos del cepillo y el pigmento caerán en esos huecos y no dejará esa textura. Mezclando un verde. Entonces básicamente, para estos árboles, estoy variando los tonos. Estoy variando los greens. Tengo el verde viridio mezclado con un poco de ocre amarillo y tal vez un poquito de negro sólo para oscurecerlo No quiero decir negro y luego sobre mezclar el negro es solo un pequeño toque de negro solo para que sea menos vibrante. Este pincel seco acaricia un tipo diferente de trazo a los trazos habituales. Como digo, es más un deslizamiento sobre la parte superior porque tenemos que pensar qué es el cepillo seco Atrapa en el diente del papel. Si estás usando papel de prensa caliente, entonces no hay diente, así que es prácticamente imposible hacer un cepillo seco en ese tipo de papel, pero la prensa fría como esta o no prensa o papel rugoso en particular tiene más dientes por lo que es más fácil de lograr. Y es esta marca de pincel seco la que implica las hojas. Entonces no estoy pensando en hojas individuales y pintarlas de forma independiente. Esta textura de pincel seco imita implica las hojas. Así que poco a poco vamos construyendo los tonos ahora. Por supuesto, en las colinas distantes que hay, se puede ver que tenemos algunos de los pigmentos más oscuros Ahí hay hasta un poco de negro puro. Pero en los árboles, sigue siendo un tono medio. No es el tono más oscuro que va a ser. Entonces estamos construyendo tonos poco a poco. Y ahora me llevo mucho de esta siena quemada y rellenando mucha de esta zona Estoy tratando de no ser demasiado preciosa. Estoy permitiendo que las pequeñas secciones azules, los agujeros en las ramas y las hojas muestren algo del azul del cielo. Pero no estoy tratando de ser demasiado particular. Podemos dejar la refinación para más adelante. Por el momento, solo quiero sumar a ese sentimiento expresivo y expansivo de la naturaleza 14. Agregar oscuridad: La mentalidad que tienes cuando pintas es probablemente la parte más importante y a veces la parte más difícil de resolver porque puede ser bastante estresante acuarela cuando se vuelve caótica Pero si tuviera que enfatizar y pensar en los detalles, por ejemplo, al pintar esta área, no habrá expresión en ella y va a estar sobretrabajada y ese estrés que siento al tratar de que sea perfecto y correcto se transmitirá en la pintura Mientras que si trato de obligarme a pintar manera liberadora y apagar cualquier sentimiento de aprehensión o ansiedad de que salga mal, por ejemplo, porque esos pensamientos sí surgen Yo, por supuesto, quiero que una pintura sea exitosa. Todo el mundo lo hace. Por eso pintan. Así que tengo que trabajar duro para salir de ella cuando vienen estos pensamientos y a veces me voy un poco por la borda y por ejemplo, ahora estoy usando negrita negra Hago algo un poco descabellado. Solo para mantener esa sensación de libertad y recordarme mí mismo que es solo pigmento y papel y el mundo no va a terminar. Aunque resulte inexacto o incluso si ahí hay errores, al menos se verá como una pintura que se hizo con intención y confianza, y es ese tipo de mensaje, sea cual sea el tema que hace que una pintura sea realmente emotiva y cautivadora No se trata de la precisión ni de cuántos errores hay ahí dentro. Parece intencional, y en última instancia eso transmite una especie de tranquilidad a quien lo esté mirando Si estuviera pintado con ansiedad, entonces probablemente emitiría esa emoción al espectador que la está pintando. Mostraría vacilación. Y muchos de mis cuadros, sobre todo cuando estaba aprendiendo, muestran vacilación, y puedo ver incluso mirando hacia atrás a mis cuadros antiguos que he guardado, puedo ver esa vacilación, me hace temblar mirándolos un poco Pero eso sigue pasando ahora. Cuando practico pintura para estas clases cuando estoy haciendo mis pinturas de práctica, para empezar hay mucha vacilación Entonces como con casi todo, es tanto un juego mental como una disciplina orientada a la técnica Pero volviendo a los detalles de esta pintura, he agregado y sigo agregando pigmentos oscuros Estos van a ser los oscuros más oscuros de la pintura, particularmente aquí, se puede ver esa capa inferior que hicimos de ese árbol principal de eucaliptos Ahora se ve ligero. Fue lo primero que pintamos, y cuando hicimos eso contra el blanco, se veía bastante oscuro. Pero ahora casi parece demasiado ligero, así que podría tener que repasar eso más tarde y refinarlo un poco más. Estoy usando esta navaja de paleta para raspar y refinar el borde de ese árbol Y estoy tratando de lograr una marca de pincel seco. Cada vez que estoy bloqueando la cámara o bloqueando el pincel con la mano, significa que estoy tratando de lograr un efecto de pincel seco. Yo pinté ese azul y ahora repasándolo, ese azul no es en realidad el azul del cielo. No es por eso que la pinté. Hay mucho color naranja en estas hojas, y el color complementario del naranja es el azul. Entonces pensé que sería bastante atractivo tener algo de azul en las sombras ahí. Entonces una de las ramas o el tronco del árbol va a ser azul. Eso es lo que hice. Y ahora estoy pintando negro oscuro alrededor 15. Pincel seco: Entonces cuando intento lograr una marca de pincel seco, no voy a mover la mano. Como que estoy girando mi mano. Por eso estoy cubriendo la cámara porque estoy empujando hacia abajo, así que las cerdas del cepillo se inclinan, y giro mi muñeca a lo largo para que los pinceles rocen por el borde del papel Entonces no están cavando en los dientes. Simplemente se deslizan por la parte superior. Así que puedes hacer una pausa cada vez que me quite la mano para tratar de igualar lo que acabo de hacer, aunque no puedas ver directamente cada pincelada, de vez en cuando, puedes ver la idea general de cómo aplico las pinceladas, algo así puedes ver la idea general de cómo aplico las pinceladas, como simplemente rozarlas mucho Ahora bien, uno de los conceptos más importantes que se relaciona con las escenas campestres, pero también otras pinturas en general, pero tal vez más apropiadas a las escenas campestres es la idea del color principal, un color que une todo junto. Esto no es directamente obvio para el espectador, pesar de que el efecto de ello sí lo hace más atractivo para el espectador. Si te preguntara cuál crees que es el color primario de esta pintura, tal vez te resulte difícil trabajar, y un buen reto que me doy es al mirar otras pinturas es, ¿cuál es ese color primario? Cuando el color primario, en realidad no me refiero a los colores primarios de rojo, amarillo, azul. Es solo el color sobresaliente que da un subtono consistente, una sensación de armonía y cohesión a lo largo de toda la composición Y en esta pintura, es ocre amarillo. Porque aparte del cielo azul, cada elemento de pintura tiene un toque de ocre amarillo en A pesar de que pueda ser muy sutil, todavía tiene un pequeño toque de ella. A lo mejor las colinas muy distantes donde es un gris celeste claro, no lo tiene adentro. Pero los greens lo puse un poco en la burnta Siena, está un poquito ahí también. A pesar de que en realidad no es un color ocre amarillo, hemos agregado un toque de eso ahí solo para equilibrarlo por completo En cada parte de la mezcla, y unifica completamente toda la Y es un pequeño truco que puedes hacer para ayudar a dar un poco de cohesión. Piense en ello como un filtro. Así como una superposición cálida o fría puede unificar una fotografía, un color dominante en una pintura puede asegurar que todos los elementos sientan que pertenecen juntos Y como dije, es especialmente útil en pintura de paisajes donde queremos que los árboles, el suelo y el agua se sientan conectados de forma natural en lugar de separar bloques de color. Y es útil porque a veces es posible que desee agregar colores que no necesariamente están conectados a la pieza, pero agregar ese ocre amarillo luego lo devuelve a ella Lo mantiene dentro de la misma familia visual, por así decirlo. Es algo sutil. Como dije, no es algo obvio que el espectador pueda simplemente escoger. Pero no se siente forzado y no se siente demasiado controlado. 16. Agrega sombras: Ahora tenemos que pintar la sombra en este pequeño cerro debajo de los árboles, y estoy empezando por ese mismo color que pintamos las hojas macizas en los árboles sobre esa siena quemada con un toque de ocre amarillo Y un árbol que estoy pintando en el medio. Para que sea interesante, voy a tomar el color complementario, que es el azul, en este caso, lavanda. Este pigmento lavanda tiene bastantes pigmentos opaicos Entonces va a interactuar de una manera interesante, y estoy permitiendo que se mezcle donde quiera. Lo mezclé con los árboles. Así que tienes una buena transición entre los oscuros y las naranjas de los árboles de arriba, y se mezcla con el púrpura en ese marrón Se puede añadir un poco más marrón. Y debido a que son colores complementarios, se mezclan bien. Se neutralizan entre sí y hacen un bonito tipo de gris, tocando un poco de verde ahí dentro A ver cómo sólo estoy dejando que se derrame. Completamente llenando mi pincel con pigmento y simplemente frotándolo ahí para que los papeles se sobrecarguen Ahora estoy pintando de abajo hacia arriba. Esta zona será la zona sombreada del cerro. Y voy a conectarlo con esa mezcla pardusca que hicimos arriba, dejando unas pequeñas líneas intactas Entonces vemos esa capa inferior debajo de ella. Y automáticamente, agregar esta sombra hace que esa capa inferior se vea como sol Se puede ver la vitalidad de la misma. Ese contraste hace que se sienta como si hubiera sol brillando sobre él y tratando de conectar todo junto Estoy usando el mismo color para conectarlo a ese árbol y su sombra y este manojo de árboles de aquí. Apenas unas pocas líneas, líneas planas que indican sombras. Ahora puedo conectar esto al árbol azul o al menos al tronco del árbol azul. Agitando algunas de estas hojas con un tono medio porque ahí tenemos el negro y luego tenemos los colores más brillantes como el verde y el marrón Y ahora solo los estoy difuminando junto con este verde de tono medio Ahora ya hemos hecho la parte expresiva de las hojas. Podemos empezar a pensar en cómo queremos refinarlos o suavizarlos o darles un poco más sentido . Entonces algunas áreas sólo voy a conectar. Casi quiero agregar orden al caos. Así que hemos tenido la etapa de caos expresivo, y ahora estamos usando un poco más de refinamiento para que sea más fácil la vista porque de momento, es un poco confuso No hay realmente un simple lenguaje visual o mensaje que tengamos aquí. Así que solo voy a tener que conectar las cosas unas cuantas juntas, dar un paso atrás y pensar en cómo quiero limpiar este caos. A lo mejor debería usar un poco de contraste para ayudar a darle sentido. Añadiendo sombras más oscuras junto a algunas áreas detrás las ramas para que sea fácilmente percibible qué es una rama y qué es un árbol Entonces podemos usar la punta de mi pincel para pintar pequeñas ramas que conectan todos los haces juntos para que no solo estén flotando en el aire. 17. Perfeccionar los árboles: Ahora, está empezando a secarse, así que solo estoy rociando un poco del spray de agua ahí para mantenerlo vivo. Ahora, además de tonos, también estoy pensando en bordes. Y en la naturaleza, la mayoría de los bordes que encontrarás son suaves. Por supuesto, hay algunos contrastes agudos que provocan líneas duras y bordes duros como los troncos, los troncos claros contra la oscuridad, y luego las pequeñas y delgadas ramas oscuras que conectan los arbustos así que lo secé todo y di un paso atrás y otra vez, lo simplifiqué Me llevé todo ese caos y lo hice un poco más amplio porque me estaba metiendo un poco demasiado en los detalles. Yo hice las formas un poco más grandes para que puedas ver esa forma marrón más grande, formas más oscuras más grandes, deshaciéndote de algunas de esas líneas finas y bordes innecesarios y solo haciéndola un poco más amplia y más general. Estaba tratando de preservar algunas de las ramas de luz, pero mientras hacía eso, afectaba de alguna manera la sensación de expresión. Entonces decidí que sólo voy a pintar pinceladas grandes, grandes, oscuras, y luego después, voy a volver arriba con medio opaico más grueso que es un poco más ligero para pintar esas ramas Entonces eso es lo que estoy haciendo ahora. Tengo esta lavanda, que es más ligera y opaica Para que puedas pintar encima de pigmentos oscuros. Que algunas personas fruncen el ceño con la acuarela, pero lo único que me importa es el resultado final No hay tal cosa como hacer trampa en mi libro, siempre y cuando estés creando algo que quieras crear, puedes usar las herramientas o materiales que quieras y de la manera que quieras usarlos. Entonces ahora estoy usando estos trazos de pincel solo para ir encima de esa oscuridad. Porque estas líneas son tan delgadas que habría sido minuciosamente difícil ser tan precisas y habría perdido el impulso para intentar pintar entre lo que son ahora estas líneas azules, ahora entrando con blanco puro y haciendo lo mismo, solo refinando y señalando algunas de estas ramas que están en Usando la punta de mi pincel. Me he asegurado de que este pigmento blanco sea muy grueso porque no quiero que sea translúcido. De veras quiero que atraviese la oscuridad y haga que parezca que estamos mirando al cielo detrás de ella Y si se seca demasiado pálida y se ve gris o translúcida, entonces se ve bien, no se ve como el cielo. Parece que hemos intentado que se vea como el cielo, pero no tuvo éxito. Así que incluso al pintar con esta aguada blanca, esta pintura de acuarela blanca, estoy tratando de mantener las formas sugerentes y amplias En realidad no son formas pequeñas. Son grandes pinceladas, así. Triángulos básicamente. Agrega un poco de azul a este pigmento blanco, por supuesto, el cielo 18. Pintura opaca: Entonces me gusta ir y venir. Así que sin duda después de haber aplicado esta guash blanca, e incluso podemos hacer marcas de pincel seco con esta gouache blanca De la misma manera que lo hicimos con el pigmento negro antes. Es aún más fácil, creo, hacer pincel seco con gouache porque es un pigmento más grueso y es opaico y solo tiene la tendencia a hojear el papel en lugar de meterse profundamente en los dientes del Estoy entrecerrando mucho los ojos porque aquí muchos tonos medios están pasando muchos tonos medios y diferentes tonos en general, y es fácil confundirse o abrumarme Entonces, entrecerrando los ojos, resume y básicamente elimina los tonos innecesarios, y facilita la lectura cuando entrecerré los Entonces sé qué bits puedo editar, qué bits son sombras definidas, qué bits son reflejos definidos, qué bits son medios tonos, mi mentalidad a la hora de pintar esto es no pensar, ¿qué aspecto tiene un árbol ¿Parece un grupo de árboles? ¿Estoy logrando transportar árboles? Eso no es lo que estoy pensando. Lo que en realidad estoy pensando es, ¿son los tonos correctos? Como de lo que estaba hablando, ¿son los bordes correctos? Cuando miro mis fotos de referencia, estoy viendo cómo funciona la naturaleza de los tonos, cómo es la naturaleza de los bordes. ¿Hay muchos bordes duros o dónde están los bordes duros, dónde están los bordes blandos? Después las formas. ¿Qué formas son? ¿Son formas circulares? ¿Son más rectangulares o rectos? Entonces al hacer que esos elementos sean correctos, entonces simplemente aparecen naturalmente más como árboles sin pensarlos como árboles. Así que simplemente dando otro paso atrás y refinando aún más poco a poco viendo cómo se ven las formas principales y luego cómo están conectadas. Sé que suena un poco repetitivo, pero con lo que sea que estés pintando, siempre se aplican los elementos del arte, y los siete elementos más comunes de la pintura o del arte en general Y eso es línea, forma, textura, forma, espacio, color y valor. Y al mirar individualmente a tu tema, observar y ver lo que cada uno de esos elementos tiene como característica, entonces te da una estrategia de cómo transmitirlo tú mismo. Al igual que, se puede ver la línea, la naturaleza de las líneas y los árboles, al menos los árboles que estoy pintando, son un poco ondulados y delgados. Y el único uso de la línea es conectar las masas más grandes de forma. Y luego la textura como me pasé, mucho de ella es lisa, pero también usamos pincel seco para indicar algunas hojas o texturas naturales que ves ahí. Y luego el espacio, eso es lo que usamos el blanco para el espacio negativo y el espacio positivo. 19. La ribera: Entonces ya terminamos con los árboles. Empecemos a trabajar en primer plano. Pasamos mucho tiempo en esos árboles, por cierto, porque ese es el medio suelo, y el 90% del tiempo, ahí es donde está el foco central Los árboles realmente son el centro de interés. Y por eso, ahí es donde pasamos la mayor parte del tiempo haciendo los detalles en el medio suelo El fondo no tardó demasiado, y este primer plano que estamos pintando ahora no debería ser demasiado difícil. No deberíamos ponérnoslo demasiado difícil para nosotros mismos. No queremos agregar demasiados detalles, lo contrario competirá con atención. Añadiendo unas líneas finas para pequeñas ramitas o ramas que podrían estar asomando pequeños arbustos, donde la sombra se encuentra con esta cresta, quiero que haya una línea dura, borde duro, de nuevo, hablando Al mirar esta pintura, se puede ver dónde están las líneas suaves, las transiciones y dónde están las líneas duras. Y ese es el tipo de cosas que deberías estar observando al pintar por ti mismo y al seguir por aquí. Si te confundes sobre qué color estoy usando o cómo lograr el paso que estoy pintando en este momento, entonces siempre puedes referirte a los elementos del arte y descomponerlo en esos siete elementos para averiguar qué necesitas hacer. Cuál es la línea, la forma, la textura, la forma, el espacio, el color y el valor. Entonces solo estoy haciendo la transición de ese marrón a un azul, lo cual me gusta hacer mucho porque son colores complementarios Añadiendo un poco de textura ahí en la parte inferior. Haz un poco de camium amarillo en esta mezcla verde, un poco de azul serlean y verde viridian porque hay más sombra Ves el ángulo de la brocha, estoy pintando en ángulo de la colina. Si observas a la sombra sobre la hierba de la izquierda, pintamos negativamente o dejamos fuera algunas pequeñas rayas de reflejos ahí Y luego del otro lado, el lado que está en la luz, solo pintamos algunas líneas oscuras con el pigmento oscuro. Y ese contraste de oscuridad sobre luz sobre luz sobre oscuridad es otra técnica que puedes hacer para que sea un poco más atractiva visualmente. Estoy agregando un poco de marcas de pincel seco aquí, así que eso significa que el pigmento es mucho más grueso. Y estoy haciendo trazos rápidos para simplemente flotar sobre el papel, no poniendo mucha presión porque estamos usando pincel seco para indicar posibles hojas en los árboles Aquí abajo, estoy usando el arbusto seco para indicar o implicar textura de piedra y roca y tierra Porque no queremos pintar cada poquito de polvo y suciedad o arena. Así que estamos aprovechando al máximo cada técnica del medio para lograr un lenguaje visual que sea convincente y agradable o creíble es a lo que me refiero Porque sabemos que es solo pintura y pigmento, claro. Entonces ayuda a crear la ilusión. 20. Pintura de rocas: Pintar estos detalles rocosos y pedregosos en el pequeño borde del agua aquí Una manera fácil de pensarlo o una manera más fácil de pensarlo es que no estamos pintando el objeto en sí, sino que estamos pensando en cómo luz y la sombra interactúan con él. De verdad, sólo estamos pintando las sombras. No necesitamos pintar la forma de la roca necesariamente. Solo estamos pintando las sombras agudas y la dirección de la sombra así que las sombras siempre van a estar a la izquierda porque el sol viene de derecha a izquierda. Entonces, si solo pintamos sombras que están en el lado izquierdo, entonces como que indica o implica que eso es lo que son. Sólo me estoy cambiando a un pincel pequeño, y no hay un tono muy oscuro en esta agua. Entonces solo estoy agregando este pequeño tronco oscuro o rama rota y agregando un poco de reflejo ahí. Sólo para darle contexto, porque es difícil ver realmente dónde se encuentra la piedra con el agua, donde el reflejo se encuentra con la cosa misma. Entonces, agregar esa pequeña rama negra ahí solo ayuda a definir dónde se está cambiando al agua y continuando con este pincel delgado, estoy agregando algunos reflejos reflejos sobre los árboles distantes y sus posteriores reflejos sobre el agua. Es fácil ir por la borda con estas reflexiones porque son bastante divertidas de hacer Tengo que tener cuidado de no mantener la blanca diluida porque simplemente desaparecerán cuando se sequen. Creo que ya es suficiente. Ahora podemos hacer unas líneas horizontales muy delgadas con mucha precisión en la distancia justo donde esa tierra se encuentra con el agua. Voy a mezclar un poco de amarillo en eso. Haz otro aquí. Apenas unas pocas líneas horizontales que indican ondulaciones en el agua No quiero mantenerlos en todos el mismo nivel. Voy a hacer una línea en un nivel y luego otra ligeramente inferior o superior, sólo ligeramente. Algunas líneas finas a ese borde también. Mira que las líneas no se secaban tan ligeras como cuando las pintamos, así que voy a volver. A, 21. Comenzar con el primer plano: Ahora con este mismo pincel fino en primer plano, voy a agregar algunas ramitas pequeñas que podrían estar flotando en el agua o la rama simplemente está Y nuevamente, solo se suma a esa ilusión de que es agua, no solo área sin pintar Y al pintarlas muy oscuras, solo puedes imaginar ese contraste en vida real con el reflejo del cielo y luego pocas ramitas simplemente asomando que rompen esa agua limpia No quieres exagerar, solo algunas líneas finas. No quieren que sean líneas gruesas, y luego poco a poco las vamos a conectar al lado izquierdo donde podamos pintar algunas lecturas o pastos largos que lo conecten al medio suelo entonces todo está Se quiere tratar de no mantener nada desconectado o por sí mismo. Por supuesto, puedes tener una pincelada o nube extraña o un poco de rama asomándose a través del agua que no está conectada directamente Pero aunque no estén directamente conectados, podrían implicar algún tipo de conexión. Hay una dirección en la que una línea de ataque, por ejemplo, esas ramitas están orientadas hacia adentro La nube es horizontal. Es conectar la izquierda a la derecha. Es conectar el cielo con la Tierra. Entonces comencemos a pintar el primer plano izquierdo, las cañas que conectan ese banco con las ramitas que acabamos de Mezclar la siena quemada. Comienza con un poco de capa inferior. Ya sabes, es una capa inferior oscura. Todavía pintando esa cresta y conectándola. Agregar estas líneas finas indica dónde se encuentra la piedra con el agua. Ahora, mientras está mojado sobre húmedo, estamos aplicando pigmento más oscuro. Pero entonces podemos usar el agua para debilitarla y extenderla. No siempre tenemos que hacer el pigmento en nuestro pincel exactamente como nos gusta. Una vez que lo aplicamos al papel, aún podemos cambiarlo. Especialmente cuando se quiere hacer transiciones. Si quieres crear un efecto de desvanecimiento como lo estoy haciendo ahora, quieres aplicar pigmento más grueso y luego estás agregando ese pigmento más grueso porque vas a usar agua esparcirlo un poco y diluirlo gradualmente Entonces hay que compensar eso. Añadiendo algunas más de esas finas líneas horizontales que se suman a la sensación de ondulaciones Y conectar el agua a la tierra y ahora algunas líneas verticales. Cuando se trata del agua, realmente estamos pensando en horizontal y vertical. Dejando un pequeño hueco del reflejo de ese árbol principal resaltado. 22. Hierba larga: Hay muchas Ss en esta composición. S es una forma composicional común. Si miras a tu alrededor, puedes verlo por todas partes. Se puede ver la S o la Z porque son más nítidas. Se puede ver la S que viene de esta colina bajando diagonalmente al agua, y luego vuelve a bajar a donde estoy pintando volviendo a cruzar a esas ramitas rojas o pequeñas en el También hay algunas más. Si miras las cimas de los cerros distantes y luego las líneas diagonales desde esos cerros hasta el agua y luego retroceden de nuevo, y luego las ondulaciones resaltadas Pensar en formas de S es una buena manera de moldear una composición y agregar movimiento. Ahora estoy mezclando un pigmento muy grueso, y realmente estoy jugando con el contraste aquí, el contraste de estas lecturas oscuras que están la sombra contra los reflejos de luz en el agua , dando vueltas al pincel, creando formas abstractas porque no quiero jugar con los detalles Pero al mismo tiempo, no quiero que sea apagadamente abstracto o Entonces es encontrar ese equilibrio y se necesita un poco de acostumbrarse. A veces lleva más tiempo crear un lío que intentar hacer algo detallado y refinado. Sin embargo, no quiero que todo sea negro, así que solo estoy agregando esta siena quemada ocre amarilla Ahora mezclando un poco de pigmento oscuro sobre ese marrón mientras está húmedo húmedo sobre húmedo. Pero no está empapado. No está empapado Está húmedo. Volteando algunas horizontales, como un poco de pasto largo, conectándolo a esa orilla del río Pensando en siluetas. Qué se ve la silueta de la misma. Es un poco como una etapa. Tenemos este pequeño utilete al frente, que son las hojas y las lecturas. Entonces tenemos los antecedentes. Y entonces el centro de atención son los árboles. Ese es el espectáculo principal. Solo estoy oscureciendo esta sombra porque no contrastaba estaba un poco apagada para mí. Entonces sentí que tenía que oscurecerlo un poco más, pero no es del todo esencial Y luego llegué a cambiar a otro color para oscurecer la sombra de la roca Así que vamos a pintar eso en. Eso solo hace que los aspectos más destacados destaquen aún más. Y esa es otra forma de S o forma de Z. 23. Toques finales: Ahora esta pintura está llegando a su fin, así que sólo estoy dando un paso atrás y refinando cualquier pequeño detalle. Nada demasiado importante en esta etapa. No hay nada mayor que voy a hacer a partir de ahora. Solo pensar en pequeños toques que podrían ayudar posiblemente a mejorarlo. ¿Qué se siente mal y qué puedo cambiar? Hay algo malo en este primer plano. Entonces creo que voy a agregar un poco más de pigmento, hacerlo un poco más sólido. Mezclar ese azul con el marrón, y básicamente hace un negro. No tengo que usar el negro en mi sartén. Hace un aspecto más natural oscuro. Agrega algunas ondas horizontales más, tal vez en ese tipo de verde azul o turquesa variando un poco más los verdes Creo que lo que voy a hacer es secarlo y empezar a agregar algunos pequeños reflejos. Y ahora, mientras el papel sigue húmedo pero no húmedo ni húmedo, estoy raspando. Puedes usar un palillo de dientes o yo estoy usando una navaja de paleta, y solo estoy raspando reflejos ahí dentro Pero eso no fue suficiente, así que tuve que volver con mi guash En mi mascota, tengo tres colores opaicos. Tengo el blanco en la parte superior. Entonces tengo un ocre amarillo claro llamado Juan dos de Holbein Entonces tengo lavanda debajo de eso. Tengo un color opaico blanco neutro. Entonces tengo un cálido color opaico y luego la lavanda es el color opaico fresco Tratando de darle sentido a este primer plano con solo colores verticales y colores horizontales y formas grandes en lugar Entonces voy a empezar a mezclar usando esos colores opaicos para mezclar verde resaltado Porque cuando pasé por encima de esa sombra, perdí esos hermosos pequeños huecos en la capa inferior, así que tengo que volver a pintarlos y usar ese mismo color para agregar algunos reflejos más, tal vez imitar ese color ladrillo y agregar algunos reflejos ahí Y ahora mi parte favorita es quitarle la cinta y revelar esos bonitos bordes nítidos y el borde blanco. 24. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar esta clase de acuarela campestre. Espero que te haya resultado gratificante y relajante. Pintar paisajes es una excelente manera de reducir la velocidad, dejar que la pintura haga todo el trabajo y lo más importante, pasar un buen rato. Exploramos técnicas como lavados suaves para los cielos, colocación de profundidad y pinceladas simples para sugerir árboles y follaje, todo lo cual hace que la pintura de paisajes sea más fácil y agradable Recuerda, los paisajes no tienen que ser exactos. Siempre y cuando captes el estado de ánimo y el sentimiento, has tenido éxito. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguir Utop para que pueda seguirme en compartir habilidades Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos No puedo esperar a ver tus pinturas, y espero con ansias pintar de ti en futuras clases hasta entonces pintura feliz.