Piel, plumas y escamas: cómo pintar texturas de animales con acuarelas

1. Descripción de la clase: Hola, todos y bienvenidos a pieles, plumas, y escalas: pintar texturas animales en acuarelas. Mi nombre es Denise Soden y soy Colorista de Agua de Vida Silvestre y creador de contenidos educativos. Es posible que ya hayas tomado algunas de mis otras clases como Mastering Water Control y cómo dibujar y pintar ojos de animales en acuarela. En esta clase, vamos a seguir creciendo nuestras habilidades de acuarelas de vida silvestre aprendiendo a crear la ilusión de pieles, plumas y escamas en acuarelas sin dejar de conservar la calidad etérea sobre ellas. Con este medio, no pretendo el realismo fotográfico ya que personalmente siento que otros médiums se aterrizan mejor a ese estilo. En cambio, prefiero encontrar un equilibrio entre incluir suficientes detalles para que el tema lo lea como un animal real mientras deja que las acuarelas hagan sus propias cosas. Para esta clase, he curado una amplia variedad de texturas con el fin de cubrir tantas bases como sea posible. Si bien no podía esperar cubrir cada textura en el reino animal, esta clase tiene siete demostraciones individuales de textura, tres en piel y dos cada una para plumas y escamas. Estas manifestaciones se referirán entre sí y se basarán en técnicas que se repitan. Por lo que sí recomiendo por lo menos tu primera vez a través de la clase para vigilarlos en orden sin saltar por ahí para sacar el máximo provecho de las lecciones. También habrá tres proyectos de clase completa para practicar cada una de estas nuevas habilidades con una pintura completa, elegí intencionalmente animales para estas piezas que te permitirían flexionar una variedad de texturas dentro de cada categoría, como incluir a corto, mediano, y largo para todos en la misma pintura. También me ocupé de elegir animales que eran predominantemente de un color para que pudieras enfocarte tanto como fuera posible en las texturas mismas sin complicar más las cosas con otros factores. Se trata de una clase de color de agua de nivel intermedio a avanzado que asume que tienes conocimientos básicos de trabajo de aplicaciones y técnicas de acuarela. Si aún no has tomado mi clase de masterización del control del agua, recomiendo encarecidamente guardar esta clase. Adelante y toma esa y luego regresa y únete a nosotros cuando estés listo para salir. Además el proyecto de clase en esa clase es de un rinoceronte que tiene alguna piel arrugada realmente impresionante, que es otra textura animal para aprender en acuarelas. Espero sinceramente que disfrutes de esta clase y que las herramientas que aprenderás aquí te ayuden a abordar cualquier textura animal que te encuentres en acuarelas. 2. Materiales y recursos: Al dominar el control del agua, discutimos a fondo cada uno de los suministros básicos de acuarela, incluyendo papel, pinturas y pinceles. En esta clase, te haré saber lo que específicamente voy a estar usando. Pero si quieres más información sobre el porqué, siéntete libre de visitar esa información adicional de clase. Si hay alguno de estos suministros que no tienes a mano, siéntete libre de hacer sustituciones. Yo quiero que uses con lo que te sientes cómodo. No obstante, si te encuentras con algún tema a lo largo la clase respecto a tus papeles o pinceles específicamente, tal vez quieras volver a probar estos ejercicios con diferentes suministros. Para esta clase, estaré usando Arches, papel de acuarela de algodón prensado en frío de 140 libras. Necesitarás dos hojas de papel de nueve por 12 pulgadas y tres hojas reducidas a la mitad que miden seis por nueve pulgadas. Pinceles de acuarela plateados, negros, terciopelo, redondos en talla ocho y cuatro. Podrías arreglarte en una sola talla ocho, pero me verás usando dos de las talla ocho a lo largo de esta clase. Me gusta mantener uno cargado de pigmento y un segundo que uso con agua limpia para ablandar mis bordes. Esto me impide tener que desperdiciar pigmento extra al enjuagar constantemente mi cepillo entre aplicaciones de pintura y ablandar los bordes. El tamaño cuatro es totalmente opcional, pero lo uso para detalles finos. paleta de acuarela Da Vinci amigable con la tierra de Denise. Puedes usar cualquier color de agua que tengas a mano o prefieras. Pero en cada lección, te estaré dando los nombres de pintura y los números de pigmento que estoy usando de este conjunto en particular. La mayoría de los colores son bastante comunes, por lo que el reemplazo debe ser razonablemente fácil de encontrar. Pero si hay pigmentos específicos a los que no tienes acceso, solo tienes que encontrar otro color que sea similar en tonalidad. Dos recipientes de agua, uno para enjuagar tus cepillos sucios y otro para agua limpia para suavizar esos bordes. Una toalla limpia, reutilizable o toallas de papel para secarse el cepillo. Puedes usar cinta de enmascaramiento, para encolar tu papel a un tablero de respaldo rígido para que tu papel no se abroche, aunque ambos son opcionales dependiendo de cómo prefieras trabajar. Necesitarás un lápiz, una buena goma de borrar y opcionalmente una goma de borrar necesaria o goma para aclarar tus líneas de lápiz después de transferirlas a tu papel de acuarela. A lo largo de esta clase, vamos a estar utilizando una serie de imágenes de referencia sin derechos de autor que fueron procedentes de pixabay.com. Para las demostraciones de textura, he recortado cada una de estas imágenes en las que se puede ver exactamente en qué áreas de la fotografía me estoy centrando para el estudio. También he hecho dos versiones, una en blanco y otra con lineamientos de hojas de trabajo para que las cosas sean aún más fáciles para ti. Puedes usar las plantillas en blanco para dibujar tus propias pautas para tus estudios o trazar las que he realizado. Las que he esbozado transmiten la información que uso personalmente mientras estoy pintando, y deja fuera cualquier detalle extra que no quiero y grafito en mi papel. También hay tres fotos de referencia de proyecto de clase recortadas a seis por nueve pulgadas. Estos no tienen plantillas esbozadas para ellos porque quiero que practiques usando tus propias habilidades de dibujo totalidad o que practiques trazar qué información es valiosa para ti para tu propia debajo del dibujo. Todos estos recursos se pueden encontrar bajo el proyecto en la pestaña de recursos de un navegador web. Los materiales se listan bajo la descripción del proyecto. área de recursos se pueden encontrar imágenes y plantillas de referencia. Podrás subir tus estudios texturales y proyectos de clase al área titulada Tu proyecto. No sientas como si tuvieras que esperar hasta que termines por completo con todos los ejercicios de esta clase para poder subir. Siéntete libre de subir a medida que vas para que puedas compartir y discutir tu progreso conmigo y los demás alumnos como si todos estuviéramos aprendiendo juntos en un aula. Una última cosa, no olvides que si alguna vez me muevo demasiado rápido para ti dentro de una lección, puedes ralentizar la velocidad de reproducción en la esquina inferior izquierda del video. Ahora, creo que todos estamos a punto de ir. 3. Demostración: pelo corto: El primero de nuestros estudios individuales será el pelo corto en un hocico de perro doméstico. Para este estudio, estaré usando los colores quemados siena, umber quemado, y azul ultramarino. Paso 1, mojado sobre mojado. El primer paso es crear un lavado húmedo y húmedo para nuestra capa inicial. El agua está tintada tan ligeramente en este video clips que se puede ver donde estoy aplicando el agua, pero la tuya puede ser clara. Según aprendimos en la clase de dominio y control de agua, la pintura blanca sólo se extenderá hasta donde el agua se extienda sobre el papel. Utilizando siena quemada, agregue pigmento al lavado húmedo, comenzando por lo más pigmentado en nuestras áreas más oscuras valoradas del estudio, para esta pintura que está cerca del frente del hocico, debajo del ojo y a lo largo de las curvas de los labios. La técnica húmeda sobre húmeda permitirá que la pintura se extienda por sí misma. Una vez colocadas las áreas más oscuras, ayudo las cosas enjuagando mi cepillo y extendiendo el pigmento que ya está en el papel con un cepillo limpio y ligeramente humedecido. Una vez que se han llenado los medios tonos y mientras el papel sigue mojado, vuelvo a entrar con más pigmento y lo agrego una vez más a nuestras zonas más oscuras, para equilibrar todo. Estas primeras capas es lo que llamo mi mapa de valores. Nuestros oscuros eventualmente se oscurecerán mucho, pero esto al menos nos hará saber dónde enfocar nuestra atención en futuras capas. Paso 2, agregar valor local. En nuestra segunda capa vamos a estar creando valor localizado específico pintando con pintura húmeda sobre papel seco y luego ablandando nuestros bordes. Esto nos permite colocar una pintura exactamente donde la queremos sin crear demasiados bordes duros. Para esta técnica, a menudo me gusta usar dos pinceles, uno tiene pigmento en él y el otro uso con agua corriente para ablandar los bordes. De esta manera no tengo que enjuagar el pigmento de mi cepillo cada vez que alterno entre los dos. Para una textura de piel corta, algunas serán áreas de aplicaciones mayormente planas como las dos primeras secciones que me viste crear aquí, mientras que otras pueden ser pintadas con mayor precisión con la dirección del pelaje, como aquí debajo del ojo. Al tratar de agregar cualquier longitud de pelaje a un cuadro, después de aplicar las líneas de piel específicas, me gusta suavizar algunos de los bordes fuera mientras deja otros más duros. Esto permite que parte de la textura se muestre a través sin dejar de retener esas preciosas texturas de acuarela que pretendo incluir en mis pinturas. Esta técnica requerirá mucha práctica para encontrar ese equilibrio perfecto como verás a lo largo de estos estudios. Puede tomar algunos intentos, pero no te rindas. Paso 3, agrega textura. Después de permitir que la segunda capa se seque, continúe acumulando texturas utilizando las mismas técnicas una y otra vez, haciéndose más refinada a medida que avanza la pintura. Paso 4, agrega oscuros. Una vez que estés contento con los tonos de siena quemados del pelaje de los perros, comienza a colocar los valores más oscuros usando una mezcla de umber quemado y azul ultramarino. Empezando por el lado más izquierdo del estudio, aplique una pintura húmeda al papel seco, cuidando de crear una textura suave y corta de piel a lo largo del borde inferior del labio, suavizar los bordes interiores como lo has estado haciendo con un cepillo limpio de agua. Cuando llegues a la parte brillante del labio, ten cuidado de recorrer el resaltado lo mejor que puedas, aunque sí recuerda siempre puedes añadir reflejos de nuevo con tinta o lavar al final de la pintura si es necesario. Continúa durante todo el estudio, colocando tus oscuros alrededor de la nariz, los ojos y los bigotes según corresponda. Hay múltiples formas de acercarme a los puntos oscuros cerca de los bigotes, aunque sin importar, realmente los pinto con bordes duros. Para esta pintura en particular, pongo una pintura húmeda sobre papel seco y luego pulverizo cuidadosamente una sola vez con una botella de spray de niebla fina para suavizar los bordes. Entonces, uso una toalla de papel para levantar parte del pigmento y aliviar el contraste. Paso 5, ajuste medios tonos. Una vez que coloques los oscuros en tu cuadro, más probable es lo más probable esque necesites volver atrás y reajustar tus medios tonos. Para ello en este cuadro, vuelvo a mojar el hocico con un cepillo suave, cuidando de no reactivar la pintura debajo, para luego colocar algún umber quemado para facilitar el gradiente entre los valores más oscuros y el más ligero siena quemada. Puedes seguir agregando este color a otras áreas de la pintura que requieran ajustes de valor adicionales en una textura completa. Paso 6, refuerzan los oscuros. Usando solo la punta de un pincel muy fino, puedes reforzar las zonas más oscuras alrededor de los labios e incluso colocar pequeños pelos y bigotes a lo largo de ese borde inferior. Paso 7, ajustes finales. Por último, evaluarás y ajustarás cualquier detalle final de tu estudio. Aquí sigo ajustando mis medios tonos y texturas finales con siena quemada. Tendrás que añadir tus detalles más importantes al final de la pintura para asegurarte de que no estén cubiertos ni ablandados por tus otras capas. Queremos estar seguros de agregar unos momentos de esas texturas de piel realmente fuertes para juntar todo en la pintura. 4. Demostración: pelo intermedio: El segundo estudio individual será pelaje de longitud media en la mejilla y la frente de un gato doméstico. Para este estudio, estaré usando los colores cerulean tonalidad azul y rojo indio, que se mezclan en un precioso gris suave. Paso uno, Capa base. Tenga en cuenta que ya he pintado el ojo de gato, cual está cubierto en mi otra clase de habililla llamada Cómo Dibujar y Pintar Ojos de Animales en Acuarela. También me perdí el primer pedacito de grabación aquí, desafortunadamente, debido a un error con mi equipo de filmación, pero te prometo que era más de la misma técnica que estamos a punto de cubrir. El pelo de longitud media es probablemente mi textura de piel favorita para pintar. Siento que hay un equilibrio tan agradable entre líneas duras y bordes suaves. Para este gato gris, voy a saltarme la capa húmeda inicial que hicimos en el último cuadro. Pero si pintaras a un animal más oscuro, querrías hacer ese paso aquí para establecer el tono general de la pieza. Para crear pieles medianas, primero puse pintura húmeda sobre papel seco usando la punta de mi pincel. Entonces suavizaremos algunos pero no todos los bordes. Asegúrate de dejar algo del blanco del papel para mostrar a través si estás pintando un animal de pelo más ligero como este gato. puede caer pigmento adicional en los lavados húmedos y húmedos si es necesario para crear valores más oscuros, pero asegúrate de no agregar demasiada agua o correrás el riesgo de perder las texturas que ya has creado. Todo este trazo debe ir en la misma dirección que el pelaje en tu foto de referencia. Pero tenga en cuenta que la dirección del pelaje cambiará dependiendo de la forma en la que se esté curvando. Por ejemplo, los pelos sobre la ceja caen hacia abajo hacia el costado de la cara, pero el pelaje en la sien comienza a barrer hacia arriba hacia la oreja. Sigue estos contornos, acumulando poco a poco valor y forma, pero ten cuidado de no dejar que dos bordes mojados se toquen entre sí o podrías arriesgarte a una floración. Puedes encontrar más información sobre la prevención de las floraciones en mi clase de control de agua de masterización si no la has tomado ya. Paso dos, Desarrollando Textura. Después de que la primera capa esté completamente seca, continúe construyendo tanto la textura como el valor mediante la adición de capas adicionales de pelaje. Para pelos finos, usa solo la punta misma de tu pincel al aplicar el pigmento, aunque puedes ser más generoso al usar el resto de tu cepillo al suavizar los bordes. Paso tres, Pintura Negativa. No hay una tonelada de ella en este cuadro en particular, pero muchas veces con pieles y particularmente al pintar orejas, necesitarás usar pintura negativa. La pintura negativa es cuando pintas una forma más oscura alrededor una más clara para crear las formas más claras bordes. Ya que no usamos mucho blanco en acuarela, a menudo es necesario practicar la habilidad en acuarelas, tal vez un poco más de lo que podrías con mediums opacos. Todavía terminaré usando gouache blanco al final de este cuadro para colocar algunos reflejos. Pero haré todo lo posible para pintar alrededor las zonas más claras de pieles para hacer menos trabajo para mí más tarde. Tendremos más práctica con pintura negativa en nuestro proyecto de clase para los mamíferos. Pero por ahora, podemos practicar esta sencilla versión de esta técnica con la esquina interna oscura de la oreja del gato. Paso cuatro, Más Textura. Vas a seguir construyendo capas una encima de la otra hasta que termines con la textura deseada y los valores que estás buscando. No te mostraré cada pedacito de eso en este cuadro ya que se pondría un poco tedioso, pero solo sigue estudiando tu imagen de referencia y capa con bordes alternos duros y blandos como lo hemos venido haciendo todo este tiempo. Paso cinco, Agregando Detalles. Cuídate con los detalles, especialmente alrededor de las áreas focales de tu pintura. Asegúrate de que tus oscuros estén lo suficientemente oscuros, que tus luces sean lo suficientemente ligeras y de que las transiciones se manejen con cuidado. Paso seis, Agregando Profundidad. Algo que trato de tener en cuenta cuando estoy trabajando con un solo color predominante en cualquier pintura, es agregar toques de un segundo color para que el primero realmente pop. Hemos estado pintando a este gato con una mezcla gris de cerúleo y rojo indio. Al agregar más rojo indio a esa misma mezcla, obtendremos un color rojo ladrillo desaturado que aún está relacionado con el gris original. Esto se puede colocar en áreas selectas para que la pintura se vea más dimensional. Utilizo estos colores añadidos con moderación y trato de estudiar la referencia para pistas de dónde colocarlos. En este caso particular, los coloco donde hay un poco menos de pieles insinuando la piel de abajo. Paso siete, Agregando Blanco. Dependiendo del cuadro y lo bien que he logrado conservar los blancos del papel, a veces terminaré un cuadro con gouache blanco. Si lo prefieres, puedes usar líquido de enmascaramiento para proteger los blancos del papel. Pero para este pelaje de longitud media, en realidad prefiero usar el gouache sobre las zonas más oscuras para una suerte más sin fisuras. Para esta tarea he cambiado a un cepillo talla cuatro para asegurarme de que esos pelos estén realmente bien. 5. Demostración: pelo largo: El final de nuestros estudios en pieles será el pelaje largo de un snark Lobo Gris. Para este estudio, estaré usando los colores quemados siena y azul ultramarino los cuales se mezclan en un gris terroso. Paso 1, capa base. Al igual que el último estudio que terminamos, en este estudio estaremos poniendo una textura de piel a través de la página. No obstante diferenciando del estudio anterior estas pinceladas serán más largas y más sueltas. Eventualmente permitiremos que más de los trazos de pincel permanezcan en el papel sin ablandarlos para crear la ilusión de pieles más largas, pero esta primera capa seguirá siendo bastante suave en general. Siempre prestando atención a la dirección del pelaje, podemos alternar la fuerza del pigmento a medida que vamos a crear de nuevo nuestro mapa de valores, lo que ayudará a guiarnos en futuras capas. También estaremos usando pintura negativa para crear secciones de pelaje blanco que son visibles solo por las sombras contrastantes debajo de ellas. Para ello, se utiliza la punta de su pincel y se curva figurativamente en las sombras dejando el blanco del papel para representar el pelaje largo encima del mismo. Paso 2, valor y textura. Después de que la capa base se seca continúan agregando valor y textura a la pintura y capas adicionales. Usa trazos largos de pincel concentrados en los valores más oscuros y suaviza los bordes un poco menos de lo que hicimos en las primeras capas. Paso 3, agregando profundidad. Una vez que se hayan agregado los valores de gris oscuro, vamos a agregar algunos tonos marrones claros, igual que agregamos el glaseado claro de rojo indio al gato en el último estudio. Agregando más de las quemaduras siena a tu mezcla gris y regándola considerablemente, aplica pliegues ligeros a ciertas áreas de la pintura utilizando como guía la foto de referencia. El segundo tono dará más dimensión a la pieza en general. Paso 4, detalles finales. Este se juntó bastante rápidamente en parte debido a que su pelaje blanco, lo que significa que tenemos menos papel físico que cubrir. Tenemos unos pocos detalles claros y oscuros de último minuto para colocar lo que finalmente propinaron pincel, cambié a mi tamaño 4 redondo y luego delicadamente parpadeando agregar algunas sombras oscuras así como agregar algo de cal para los reflejos. Estas hebras finales de cabello estarán menos mezcladas que las otras, dando una textura de cabello más larga. 6. Demostración: plumas del cuerpo: pasando a plumas, vamos a estar haciendo dos estudios, plumas corporales y plumas de ala. Hay tantas miradas diferentes a las plumas que no podría esperar cubrirlas todas en una clase concisa incluyendo otras texturas. Pero ojalá esta fundación te permita extrapolar a otros temas. Para este primer estudio de plumas, estaremos pintando las plumas corporales de un Sun Conure con Arylide Yellow, Hansa Yellow Deep, y Da Vinci Red. Paso 1; Lavado Plano. Nuestro primer paso es casi tan simple como se pone. Estaremos pintando un lavado plano de color amarillo claro usando Arylide Yellow o cualquier otro amarillo ligeramente frío que tengas a mano. A diferencia de los primeros estudios, no necesitamos ajustar aquí valor en este momento ya el amarillo será el valor más ligero en este estudio en particular, y vamos a construir profundidad en capas posteriores. me elige intencionalmente un pájaro con una sola familia de colores para este estudio, pero si estás pintando un pájaro con varios parches de diferentes colores, querrás crear un lavado plano, usando el color más claro en cada uno de esos individuales familias de colores, como usar este amarillo claro para parches amarillos, o un azul diluido muy pálido, para parches azules de plumas. Paso 2; Creando Textura. Una vez que se seque la primera capa, estaremos agregando Midtones y una textura ligeramente esponjosa, plumas sobre las siguientes varias capas. Para lograr el aspecto deseado, sostenga su pincel paralelo a los lados derecho e izquierdo del cuadrado en el que está trabajando, con la punta orientada hacia el borde superior. Marque la página con un movimiento de arriba y abajo mientras mueve de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, si eres zurdo en forma de media luna. Repita este patrón asegurándose de aleatorizar tanto las marcas individuales como la forma en que las plumas se colocan unas encima de otras. No obstante, no hay que seguir la referencia con precisión. Una vez que tengas algunos en la página a la vez, usa un cepillo limpio y húmedo para suavizar cada uno de los bordes inferiores. Esto se aproxima a la sombra que cae sobre la pluma de abajo, dejando las plumas que están en la parte superior con un borde inferior duro para definirlas. Aquí hay un par de cosas a tener en cuenta. Una es que debes estar girando el papel en sí para crear el ángulo correcto que necesitas para que la textura sea cómoda para que tu brazo y muñeca pinten. Esto no siempre es regla para mí, pero sobre todo aquí donde la dirección de las plumas es la totalidad de la textura, es importante que no pelees con el ángulo de tu propio papel y tu brazo, así que asegúrate de ponerte agradable y cómodo antes de comenzar. En segundo lugar, este estudio en particular está ampliando estas plumas, mucho más grandes de lo que realmente las pintaría en una pieza terminada. En la introducción para esta clase, es posible que recuerden ver la pintura de dos Sun Conures. Si vuelves atrás y miras esa imagen de referencia, verás que hay indicios de este tipo de texturas, pero en una escala mucho menor. Este ejercicio en particular te ayudará en la práctica para obtener esta textura. Pero ten en cuenta que la mayoría de ustedes probablemente no estarán pintando tan grande y entonces no será tan amplificada en tus piezas finales. Siempre puedes repetir este ejercicio a una escala diferente para ver qué funciona para ti. Paso 3; Repita con medios tonos. Repite este proceso con tus Midtones, agregando profundidad a lo largo de las sombras que ya has empezado a sentar. Es importante tener en cuenta que no estás creando nuevas sombras, sino solo agregando a las que ya existen. En el caso del Sol Conures nuestro Midtone sólo va a ser un amarillo más cálido, que es Hansa Yellow Deep. Aplicando esto a las sombras, necesitamos las plumas y empezar a concentrarnos más fuertemente en las esquinas inferiores o las aves comienzan a transitar en tonos que son más anaranjados. Paso 4; Agrega Tonos Más Oscuros. Mezclando un poco de Da Vinci Red en el Hansa Yellow Deep. Vamos a volver a colocar tonos más oscuros en esas sombras, centrándonos en los dos tercios inferiores de la plaza y especialmente en aquellas esquinas inferiores. Una vez más, y vamos a estar mezclando los bordes inferiores de cada uno de estos lavados con un cepillo limpio y húmedo para crear gradientes lisos, pero aún así dejar algunos bordes duros para definir las plumas que están tendidas en la parte superior. A medida que te muevas hacia arriba, más allá de la pieza, asegúrate de usar una mano delicada para poner el pavimento solo en las sombras que ya has trazado y ten cuidado de no ser demasiado pesado. En el transcurso de la construcción de estas capas, deberíamos empezar a ver un bonito gradiente de color liso que va de un amarillo Arylide claro en la parte superior a una naranja más profunda en la parte inferior. Este bonito color degradado suave funcionará con nuestra textura para crear una hermosa transición en lugar de luchar contra valores desorganizados y capas colocadas al azar. 7. Demostración: plumas de las alas: [ MÚSICA] A continuación vamos a estudiar una sección de plumas en el ala doblada de un Guacamayo Azul y Oro. Esto te dará práctica para pintar la textura de plumas más definida cual se puede aplicar tanto a aves encarnadas como voladoras por igual. Para este estudio, estaremos utilizando tonalidad azul ceruleo, turquesa fthalo y azul indantreno. Antes de lanzarnos a la pintura, repasemos algún vocabulario de plumas rápidas para que podamos intentar aclarar cualquier confusión sobre los descriptores que usaré en esta lección. las plumas que iban a estar pintando en el ala de este guacamayo se les llama plumas de paletas, a diferencia de las suaves esponjosas plumas de plumón que encontrarías más cerca de la piel del pájaro. A la línea por el medio de cada pluma se le llama un eje o un raquis. Las púas salen del eje y cuando están alineadas, crean la superficie plana, lisa de las plumas que llamamos la paleta. En ocasiones, las púas de la pluma pueden separarse, provocando un pequeño hueco que rompe el contorno de la pluma general. Cuando ves que las aves se prenden, suelen estar enderezando las púas de sus plumas que puedan estar alineadas para su correcto funcionamiento. Paso uno, lavado degradado. Este azul es una mezcla de tono azul mayormente ceruleo con un toque de turquesa phthalo. Similar a cómo iniciamos el último estudio, vamos a estar iniciando este con un lavado. No obstante, en lugar de un lavado plano que sea similar en valor en todo el camino, vamos a estar creando un gradiente de oscuro a claro. El objetivo es crear un bajo lavado, los valores más ligeros en la pintura. No obstante, debido a la curvatura natural de las alas y a la iluminación de la fotografía, las plumas hacia la parte inferior izquierda son bastante más oscuras que las de la parte superior derecha más cercana a la fuente de luz. Al crear este lavado degradado, ayudará a guiar nuestros valores a medida que construimos nuestras texturas. Apenas vamos a ver este lavado al final, así que no te preocupes por que sea perfecto, sino más bien úsalo como tu mapa de valores avanzando. [ MÚSICA]. Paso dos, defina las plumas. Después de que el primer lavado se seque usando una versión más concentrada del pigmento que acabamos de usar en el paso uno, comience a definir las plumas mediante el uso de un pincel de punta fina para rellenar las áreas de sombra. Observe que mencioné áreas de sombra y no simplemente para trazar el contorno de cada pluma como si la estuviéramos dibujando. Queremos suavizar sobre bordes como hicimos en el último estudio para crear delicados gradientes y texturas. El uso de un cepillo limpio y húmedo se suavizará inmediatamente los bordes inferiores de cada sombra, llevando el borde superior mayormente intacto para crear la habitación de la pluma de arriba. A diferencia del último estudio, vamos a tomar este cuadro pluma por pluma. Trabajaremos en su mayoría desde las plumas más cercanas al espectador, hasta las plumas que están debajo, para implicar que hay una sombra siendo echada por cada pluma individual. No obstante, puede que tengamos que saltar alrededor de la pintura para dejar que ciertas áreas se sequen antes de pasar a la pluma justo al lado. Por el bien de la brevedad, no estaré dejando cada pluma en este video metraje. No obstante, trataré de irme en una variedad de diferentes plumas y ángulos para que puedas aplicarlas a tus diversas pinturas avanzando. medida que pases por este video y tu propio estudio, presta mucha atención a la foto de referencia para ver qué plumas se superponen cuáles. No siempre van en la misma dirección. Asegúrate de que esas sombras estén en los lugares correctos para ayudar a resolver los valores de tu pintura. También puedes usar la punta de un pincel para incluir pequeñas áreas donde las púas individuales de una pluma en particular se han separado con el fin de romper las puntas de tus padres. Ninguna de las plumas será completamente perfecta con bonitas puntas redondeadas y incluir estas imperfecciones hará que la renderización sea mucho más realista. [ MÚSICA] Paso tres, profundiza las sombras. Utilizado en su mayoría en indantreno con un toque de fthalo turquesa. Vamos a empezar a ponernos realmente atrevidos con nuestras sombras y hacer que este estudio se sienta más dimensional. Usando el mapa de valores en la capa anterior, ancla realmente tus sombras con estos esmaltes oscuros para agregar algo de contraste. Sigo usando la punta de mi pincel para agregar ligeramente textura a algunas de las puntas de plumas para que no todas las plumas una suave y redonda. No tengas miedo de dejar algunos bordes duros y lugares de mayor contraste alrededor del área focal principal de esta pieza. [ MÚSICA]. Paso cuatro, agregando detalles. Usando la misma mezcla en el paso tres, en los ejes hasta las plumas más prominentes. No tenemos que hacerle esto a cada pluma. Tan solo asegúrate de enfocarte en las áreas a las que quieres que el espectador sea atraído. En la mayoría de los casos, para mi estilo de pintura de acuarela fluida, no quiero que los ejes sean rígidos, líneas sólidas para dividir mi pluma por la mitad. Pero líneas más bien suaves que pueden comenzar y detenerse para realzar la textura general a la que estoy apuntando. Dependiendo de la especie, los valores más oscuros en este paso, tal vez el propio eje como para este guacamayo, pero otras veces podrían ser los surcos a lo largo de cada lado del eje. Asegúrese de estudiar su referencia para obtener orientación. También me gusta sacar la pintura del eje en la dirección de las púas para sugerir textura extra sin sobredetallar. [ MÚSICA]. Paso cinco, ajuste los valores. Utilizando principalmente el azul de indantreno, ajuste los valores más oscuros en el estudio, asegurándose de dejar intactas las áreas más claras. Agrega cualquier detalle final y listo. [ MÚSICA] 8. Demostración: escamas pequeñas: Al igual que las plumas vamos a hacer dos estudios a escala. El primero será un estudio suelto de pequeñas escamas sobre un gecko de leopardo ligeramente coloreado para implicar una textura más suave. El segundo serán escalas más definidas que podrías asociar más fuertemente con pinturas de reptiles. Tengo que admitir eso y disculparme por que este primer estudio no sea el ejemplo más limpio y estaremos usando una variedad de colores más amplia de lo que hubiera preferido para un tutorial. Entre los colores que estaremos utilizando se encuentran Arylide Yellow, Ocrre Dorado, Burnt Umber, un poco de Rosa Roja Profundo o Rosa Quinacridona, un ligero glaseado de Quinacridona Burnt Orange, y un gris mezclado de Azul Ceruleo e Indio Rojo. Paso uno, suelta mojada sobre seca. Este estudio tiene un enfoque diferente para nuestra capa base. Vamos a estar creando un lavado suelto, empezando por aplicar pintura húmeda al papel seco usando Arylide Yellow y Gold Ocre. Vamos a enfocar nuestras aplicaciones a áreas con los valores más oscuros de la fotografía, como sobre el pliegues del ojo, través de la parte superior del hocico y entre el ojo y la fosa nasal. Cada vez que bajemos el pigmento, ablandaremos los bordes y mantendremos las cosas lo más sueltas posible. Una vez que el área ha sido cubierta en su mayoría, podemos seguir ajustando los valores cayendo en pigmento en nuestros lavados húmedos. Una vez colocados los amarillos, bajaremos hasta el área alrededor de la boca. En primer lugar utilizaremos una mezcla muy diluida de Rose Red Deep y Gold Ocre para darle un poco de vida a la piel y escamas en ese espacio. Después usando una mezcla de Cerulean Blue y Indian Red para crear un gris, agregaremos parte del flex gris y sombreado y nuevamente suavizaremos nuestros bordes para este lavado inicial. Paso dos, crea textura. Para empezar a construir textura que implique pequeñas escalas suaves sin pintarlas individualmente, vamos a pintar un patrón de desplazamiento irregular con la punta de nuestro pincel. Mezcla un poco de umber quemado en tu mezcla amarilla para crear una siena cruda o un color claro ocre amarillo oscuro. Aplica esta textura alrededor del ojo y en áreas de la imagen que parecen estar más enfocadas. Usa un cepillo limpio para suavizar algunos de los bordes usando el mismo estilo suelto desde el primer lavado. Repita esta técnica pero en un patrón más amplio o más suelto a medida que te alejas más del punto focal, asegurándote de seguir dejando algunas áreas del libro blanco para mostrar a través de los reflejos. Paso tres, agrega escalas más oscuras. Para crear una variedad de escamas implícitas con moderación agregue un poco de umber quemado en el lavado aún húmedo del patrón garabateado. Si un área ya ha comenzado a secarse, como aquí arriba del ojo, puedes usar un cepillo apenas húmedo para suavizar los bordes sin provocar que florezca el agua, si tienes cuidado. Bajando el cuadro, ahora podemos usar el gris que mezclamos antes para definir las escamas más grandes alrededor de la boca. No obstante, al igual que no queríamos que el eje de la pluma en la última sección dividiera la pluma directamente por la mitad, vamos a querer romper suavemente el contorno de estas escamas y suavizar sus bordes en algunos lugares. Puedes cambiar entre un cepillo cargado por pigmento y un cepillo limpio y húmedo para que no desperdicies ninguno del pigmento enjuagando constantemente un cepillo en tu agua. Paso cuatro, refinar escalas. Bueno, no vamos a refinar mucho estas escalas, sí queremos seguir reforzando una textura que sugiera escalas hacia las áreas focales de nuestra pintura. Continuar colocando la mezcla de umber amarilla y quemada en las zonas más oscuras del cuadro. Esto es principalmente usando la misma textura de desplazamiento, pero ocasionalmente terminarás cerrando el bucle del círculo o colocando un punto sólido para implicar escalas más solidificadas. Paso cinco, agrega un pop de color. En este punto, sentí que nuestro pequeño gecko Freidman se veía un poco aburrido, así que quería arcillas en un poco de quinacridona naranja quemada para iluminar las cosas. Este color se ve más vibrante cuando está mojado que cuando está seco, así que no tengas mucho miedo cuando lo pongas inicialmente en el papel. Este color transparente no cubrirá la textura que ya has colocado mientras estés usando papel de algodón, un cepillo suave y un toque ligero. Continuar aflojando los bordes y mantener el lavado consistente con las texturas que hemos estado creando hasta ahora. También me aseguré de agregar un poco de interés en la pintura usando algunos grises más oscuros para crear un poco más de contraste. Paso seis, agrega los aspectos más destacados. El paso final para rematar a este gecko ligeramente coloreado fue agregar de nuevo en algunos reflejos blancos en las balanzas. Hice esto con moderación usando cal a lo largo de la parte superior de la nariz, alrededor del ojo y en algunos lugares en las escamas alrededor de la boca. Si no tienes lechada de cal, nuevo podrías usar tinta blanca, acrílico blanco o simplemente parar en el paso anterior. Mencioné antes en esta clase que no me gusta usar alimentos enmascarados para pieles, pero sí encuentro que es más fácil de usar para los más destacados a escala redonda. Esa también es una opción si prefieres hacer eso también. 9. Demostración: escamas definidas: [ MÚSICA] Para nuestro estudio final antes de los proyectos de clase, vamos a estar trabajando en estas escalas definen de una iguana. Vamos a estar usando siena cruda, rosa roja profunda o rosa quinacridona y una gris o negra mezclada a partir de siena quemada y azul ultramarino. Paso uno, Escalas de melocotón. Comience con una mezcla diluida de siena cruda y rosa roja profunda. Aplicar la pintura, húmeda sobre seca, a las áreas de la escala más grande comenzando por las áreas de mayor saturación primero. Usando un cepillo limpio y húmedo, suaviza estas áreas, ocasionalmente dejando manchas de papel blanco que se muestran a través para una textura añadida. Vas a repetir esta técnica en cada una de las escalas de color melocotón en la imagen de referencia. Algunas áreas pueden requerir más siena cruda en la mezcla que rosa roja profunda, por lo que puedes ajustar tu mezcla en consecuencia y continuar por toda la pintura hasta que todas las escamas tengan un poco de color sobre ellas. Para áreas con escamas muy pequeñas, se puede poner una amplia lechada de cal sobre toda la zona. Después de que lo dejes secar, los definimos más adelante con la mezcla negra y las convertimos en escamas adecuadas. [ MÚSICA] Paso dos, Defina las Escalas. En secciones pequeñas, comienza a colocar tu mezcla de gris oscuro entre las escamas más grandes. Usa pintura húmeda sobre papel seco como lo hemos estado haciendo y luego con mucho cuidado hasta el borde interior, suaviza los bordes para curvar alrededor de la forma de las escamas. Esta técnica requerirá que te muevas con más cuidado y lo más probable es que más lentamente a lo largo de la pieza mientras revisas continuamente tu imagen de referencia para obtener orientación. Haga su mejor esfuerzo para no apresurar este paso ya que su tratamiento de cada escala hará o romperá toda esta técnica. Ocasionalmente, las escalas también tendrán parches más oscuros dentro de ellas, y está bien empezar a establecer trabajos de fondo en este momento utilizando la misma técnica. También puedes puntear en motas negras en los lavados húmedos cuando corresponda. Yo sí quiero hacer una nota aquí que algunos reptiles tienen la coloración opuesta o la piel entre las escamas va a ser más ligera que las propias escamas. Para ese tipo de patrón, querrías invertir todo este proceso usando un ligero lavado sobre toda superficie que coincida con el color de la piel entre las escamas, para luego formar las escamas más oscuras en la parte superior de esa capa una vez que se seque. [ MÚSICA] Paso tres, Enfoque suavizante. arte hiperrealistas que detallan cada escala o característica de un animal son increíbles obras de arte. No obstante, si estás apuntando a una pieza de acuarela suelta que tenga algunas áreas de detalle y otras que se ablanden al papel para retener esa fluidez de acuarela, es extremadamente importante elegir cuidadosa e intencionalmente qué áreas de la pintura están en foco y cuáles no. Si pretendes pintar cada escala y luego ponerte perezoso a mitad de camino, estoy hablando desde la experiencia aquí, tú y todos los demás que ven tu pintura y podrán decir que tu pintura está inacabada. No obstante, si pretendes enfocarte en un área específica de la pintura y suavizar los otros detalles para que no compitan por el enfoque, una pintura puede ser realmente exitosa usando este enfoque. En este estudio, a medida que nos alejamos más de las escalas principales más grandes, vamos a suavizar intencionalmente algunas cosas alrededor los bordes para que nuestro ojo no se confunda en dónde se supone que debe mirar. Podemos hacer eso usando menos bordes duros y colores más oscuros en general, ya que los colores brillantes son más atrayentes para tu ojo. Todavía se pueden definir algunas de las escalas en estas áreas, pero en general, se estará utilizando más aplicaciones húmedas en húmedo que antes para permitir que las áreas adyacentes fluyan entre sí. Puedes esperar a que un lavado húmedo esté en seco ligeramente y luego agregar pigmento concentrado en el lavado húmedo. Esto te permitirá agregar formas de escala que se ablandarán por sí solas. Para las áreas de escalas que forman filas, puede colocar primero las sombras generales en líneas irregulares y luego coaxar escalas dentro de esas formas de línea. Esto traerá cierta estructura a la zona pero no dará demasiada atención a estas escalas más pequeñas. Solo para asegurarte de que estas escalas sigan siendo un tanto irregulares, y que no estés simplemente cruzando con tu pincel. [ MÚSICA] Paso cuatro, Sombra y Forma. Nos hemos estado centrando mucho en escalas individuales, y ahora es el momento de enfocarnos en la pintura en general. Al enfocarnos en los valores generales de tu pieza, podemos ajustar los valores a lo largo de la pintura para sugerir una forma más tridimensional como el propio animal. En este caso, estoy agregando sombras al pliegues en el lado izquierdo de la página así como una ligera curva de la mandíbula justo a la derecha de eso. Posteriormente, también notarás que ajuste el valor general de las escalas que forman la mandíbula del lado derecho de la pintura. [ MÚSICA] Paso cinco, Agregando Destacados. Para este ejemplo en particular, agregar acrílico de tinta gouache blanco es totalmente opcional. Si eres capaz de conservar los reflejos de tu pintura, puedes saltarte este paso por completo. No obstante, si quieres agregar algunas áreas extra de reflejos más ligeros que quizá se perdieron durante tu proceso de pintura, también puedes hacerlo. Al igual que hemos hecho en los otros estudios de esta clase. 10. Proyecto de clase: zorro, parte 1: Finalmente llegamos al primero de nuestros proyectos de clase y es hora de poner todas nuestras habilidades recién aprendidas o cepilladas a usar. Antes de empezar, repasemos algunas cosas para prepararte a ti y a tu espacio de trabajo. Asegúrate de haber visto las demostraciones en texturas de pieles cortas, medianas y largas para esta clase. En una computadora, encuentre una foto de referencia del zorro bajo el área de recursos por debajo de la clase, la imagen se recorta a seis por nueve pulgadas, que es la mitad de un nueve por 12 hojas de papel de acuarela. Puedes dibujar tu propio boceto o trazar la foto libre de derechos de autor usando una caja de luz o una ventana iluminada brillantemente. Usando goma de borrar amasada para aclarar tu boceto si es necesario antes de pintar. Asegúrate de tener todos los colores que estaremos usando listos para ir a la punta de tus dedos. Para este cuadro, estaremos usando siena quemada, quinacridona naranja quemada, ocre dorado, o puedes usar oro ocre amarillo o quinacridona, umber quemado, y azul ultramarino. Prepara el resto de tu espacio de trabajo. Mi paleta está a la izquierda de mi pintura debido a los ángulos de cámara y trata de no bloquear tu vista. Pero si eres diestro, recomiendo mantener tu paleta a tu derecha. Si eres zurdo, te recomiendo mantener tu paleta a tu izquierda. También necesitarás tus dos contenedores, mío está en el centro superior de la pantalla cuando me veas llegar en esa dirección. Hay un trapo azul habitual para bloquear mi pincel a la derecha de mi pantalla. Te recomiendo ver este tutorial en una computadora o pantalla de televisión más grande para sacarle el máximo partido a diferencia de un pequeño teléfono o tableta. Para la mayor parte del tutorial, la cámara está configurada eso para que puedas verme interactuar con todo mi espacio de trabajo. Pero eso sí significa que el espacio en el que estoy pintando será físicamente más pequeño, así que ten esto en cuenta. Se trata de un tutorial principalmente visual el cual será narrado de manera concisa pero no tendrá música tocando en segundo plano. Siéntete libre de ponerte lo que mejor se adapte a tu creatividad mientras trabajas. Por último, el tutorial estará jugando a 1.5 veces mi velocidad real de pintura. Pero siempre puedes ajustar la velocidad del tutorial en la esquina inferior izquierda si quieres que disminuya o acelere. cuanto a nuestro primer tema, pensé largo y duro en qué imagen quería usar. Quería asegurarme de que el animal nos permitiera practicar todas las diferentes longitudes de pelaje y el perfil el zorro no complicará tu perspectiva. Si bien necesitaremos pintar un poco de pelaje blanco en su mayoría estará trabajando en tonos de siena quemada y naranja quemada para tratar de mantener la historia de color sin complicaciones también. Una nota final más que en cualquiera de los otros dos proyectos de clase, sí recomiendo encarecidamente usar un cepillo o cepillo de terciopelo negro plateado con un punto similar para obtener mejores resultados ya que la textura de piel que pinto confiará en gran medida en la forma de mi pincel. Vamos a empezar con siena quemada, pintura húmeda sobre papel seco. Se suavizará los bordes al igual que lo hemos hecho muchas veces antes en esta clase así como en la clase de control de agua masterización. Vas a continuar alrededor de la cara del zorro, bajando pigmento primero en las zonas de valor más oscuro y luego ablandando los bordes. Estos no serán los valores más oscuros en nuestra pintura terminada, pero vamos a proporcionar ese mapa de valor para que sigamos avanzando. Yo sí quiero poner una pequeña nota aquí y que toda esta pintura en tiempo real tardó un poco menos de dos horas en completarse y ese formato no se ajusta perfectamente a habilisshare, sobre todo con tres proyectos de clase. Yo sí sé que esto se está moviendo un poco rápido. Una vez más, puedes ralentizar la velocidad del video si es necesario. Sí recomiendo tomar esta capa por capa. Podrías verme pintar una capa, luego detenerla, y luego volver y luego pintar conmigo, y luego esperar a que tu pintura se seque y ver el siguiente segmento y así sucesivamente. Para la frente, vamos a empezar a poner una textura de piel ya moviendo nuestro cepillo en pequeños pelos cortos a lo largo de esa cresta y luego simplemente suavizamos el borde inferior tal como lo hemos estado haciendo antes. Conforme retrocedamos hacia la mejilla, vamos a suavizar este borde donde el pelaje se pone un poco más ligero. Entonces inmediatamente detrás de eso nos vamos a oscurecer otra vez con más siena quemada para crear estas diferentes capas de pelaje. Ocasionalmente, cuando me veas poner demasiado pigmento en la página, usaré un pincel sediento o incluso mi pulgar. Creo que me viste usar un poco antes para recoger algo del pigmento que queda en el papel. Puedes hacer esto igual que lo cubrimos en la clase de control de agua mastering, secando tu cepillo y asegurándote de que sea agradable y limpio y luego empapando el agua que ya está en tu página. Por suerte, la siena quemada es un bonito color de elevación y eso significa que es bastante indulgente cuando estás trabajando con ella en papel de acuarela. A medida que nos movemos hacia el oído, vamos a continuar esa textura de piel que empezamos en la frente, siendo realmente cuidadosos para crear nuestros bordes aquí. Me verás luchar un poco con esta línea de fondo a lo largo del cuadro, no sólo en esta primera capa y habrá un poco de retroceso mientras recojo un poco de agua, recojo unos bordes, ablandar otros pelos. En general, voy a subir por una bonita textura de piel definida, pero una que no esté fuera de lugar con el resto de la pintura. Algunos de esos pelos aún están ablandados. La punta de la oreja va a ser negra, así que no necesitamos pintar eso ahora mismo. Conforme me muevo hasta el cuello, vamos a ser opinión un lavado realmente suelto, recuerda a ese pequeño tutorial de escala de reptiles donde solo estamos poniendo todo abajo en un bonito lavado suelto de mojado sobre mojado. Bueno, empezó mojado en seco y luego nos pusimos a mojar en mojado bastante rápido aquí. Vamos a estar bajando varios colores y esto se oscurecerá a medida que vayamos, al igual que el resto del cuadro. Quieres asegurarte de que continúas esa textura del cabello hasta a través de la línea trasera que se ponen un poco sabio están aquí. Es realmente importante usar solo la punta más fina de tu pincel. De nuevo, me verás retrocediendo cuando haya hecho las cosas un poco demasiado gruesas y quiero afinarlas en futuras capas. Esta capa no tiene que ser realmente refinada ahora mismo porque estaremos haciendo varios más encima de ella. Vas a esperar a que esa capa se seque y luego entra con tu segunda capa. Tenemos siena quemada y ocre dorado mezclados en nuestra paleta y vamos a usar eso para áreas del zorro que son un poco más amarillas en color. Puedes colocar ese color a lo largo de la oreja usando una textura de piel y suavizando tus bordes una vez más. Hay algunas áreas de la pintura como las orejas aquí con las que me verás poniéndome un poco nervioso. Iré de ida y vuelta entre agregar el amarillo o agregar la siena quemada y jugar con las texturas, esperando que el papel se seque un poco. Todo esto es llenando y si lo pones la primera vez correctamente, no necesitarás hacer esos ajustes, pero sí quise salir de aquí para mostrarte que lucho con eso también. Pasando a la oreja en primer plano, vamos a imitar los mismos tipos de áreas que ponemos en esa oreja trasera poniendo la mezcla de ocre dorado y siena quemada abajo en estas áreas similares. A continuación vamos a glasear en un poquito de esa mezcla ocre amarilla encima del pelaje que ya tenemos, pero vamos a dejar intacta más de la textura del pelaje, lo que significa que no vamos a suavizar los bordes tanto como lo hicimos en la capa de abajo. Encuentro que agregar estas áreas de amarillo a la siena quemada hacen de pelaje algún bonito contraste visual. De lo contrario, se pondría muy monótono, igual que vimos con la pintura de gato de pelo medio, donde teníamos el gris y queríamos asegurarnos de agregar en otro color para variar las cosas. Vamos a añadir este amarillo en toda la pintura para que no sólo esté en la cara poniendo algo de esto en el área del cuello también. Voy a glasear en alguna de esta mezcla amarilla diluida realmente ligera sobre las duras blancas del pelaje y las orejas. Una vez que tuvimos nuestros tonos más oscuros, esto va a parecer muy ligero, pero yo quería tener una cohesión no con el resto del cuadro y no sólo ser el blanco del papel. En las líneas de cohesión, también quería asegurarme de añadir algo de la pintura amarilla abajo en el pelaje a lo largo del cuello. Pasando al hocico, vamos a estar mezclando azul prin indio y rojo indio para hacer un negro suave cuando se diluya hacia abajo. Queremos tener mucho cuidado con esta mezcla. Si miramos la foto de referencia, la mayor parte del pelaje blanco no es blanco en absoluto, Es de hecho muy gris, pero si empezamos con las manos demasiado pesadas, será difícil retroceder. Vamos a empezar un poco de luz aquí y luego podemos añadir un poco más de textura a medida que vamos sin ponernos demasiado oscuros. Quiero asegurarme de definir el área del labio así como la barbilla. Entonces también me vas a ver agregando un poco de esta mezcla gris a ese trozo de piel roja que baja detrás de los bigotes. Sentí que era realmente importante mezclar nuestros colores juntos y otra vez, por ese factor de cohesión que no sólo teníamos una muesca de gracia que no hemos mezclado con las otras texturas de pieles. Ya verás que eso se hace más fuerte a medida que avanza la pintura. Simplemente vamos a seguir con vidrios realmente ligeros de este gris detrás del labio y debajo de la barbilla. Los grises, nos pondremos un poco más pesados a medida que nos movemos por el cuello regiones más sombrías y quieres asegurarte de usar la punta de tu pincel, así harías esa textura de piel a medida que nos movemos por las diferentes áreas. Usando pintura negativa, vamos a empezar a carbonizar las pequeñas pieles en esa primera pequeña sección de ella detrás del ojo, tienes los dos diferentes grados de pelaje ahí, por lo que la textura media a la izquierda de esta zona es lo que vamos a estar tratando de crear este momento. Va a ser bastante suave y volveremos más tarde para reforzar eso. Vamos a empezar a poner en los tonos oscuros en las orejas también, asegurándonos de usar la punta de tu pincel para moverte hacia arriba y asegurarnos de continuar esa textura peluda a lo largo de la parte posterior del cuello. Esta zona debe pasar a tu CNS quemado, así que asegúrate de no ser demasiado dura con esa transición. Gira tu papel para que el ángulo en el que estás trabajando sea más cómodo para tu muñeca y tira de alguna textura de piel que defina el pelaje adecuado del resto de la oreja. Esto es más fácil cuando tu muñeca puede moverse en un ángulo natural y cuando estás tirando hacia ti mismo versus horizontalmente o lejos de ti mismo y suavizando el borde que está a la izquierda y menos hacia el área de la derecha. Añado un poquito de esa textura gris claro al blanco del cabello de esa oreja y luego podemos pasar a la segunda oreja. Usando el mismo tipo de técnica vamos a pintar negativamente en esas pieles blancas, todo el camino por el borde y luego usando un pincel diferente, vamos a ablandar el borde lejano de la izquierda para que transite hacia el resto del pelaje un poco más a la perfección. A medida que bajemos a la base de la oreja, voy a tomar las cosas más despacio y con cuidado para asegurarme de que esas pieles más largas estén contabilizadas. Después nos acercaremos a la parte trasera y emparejamos la porción negra en la parte posterior de la otra oreja. Aquí, si miras con cuidado, puedes verme girando mi pincel cada vez con tanta frecuencia que cuando la punta del cepillo se dobla de cierta manera, pueda dar cuenta de eso girando el pincel y haciéndolo mover en la otra dirección. Constantemente quieres estar viendo la punta de tu pincel, sobre todo con cepillos para el cabello más suaves como esta mezcla de ardilla y de esa manera siempre puedes conseguir que tu pelaje vaya en la dirección correcta. Al cambiar de nuevo a siena quemada, vamos a poner en unos tonos medios mucho más fuertes. Vamos a continuar o fortalecer más bien nuestra textura de pelaje desde el lanzamiento inferior que tenía muy poco de eso y realmente empezar a definir las diferentes áreas de la pintura. Asegúrate de revisar tu foto de referencia para qué dirección va el pelaje en cada área respectiva del animal. Vamos a traer algo de esa siena quemada al oído para ayudar con esa cohesión de la que hablamos antes. Esta es una zona de la pintura con la que luché un poco y me parece tonto porque es un área tan pequeña, pero definir la cresta del ojo trasero desde el puente de la nariz fue un poco complicado para mí. Quieres asegurarte de agregar tus valores más oscuros al borde más lejano, pero no en el medio de la nariz donde el pelaje se vuelve mucho más ligero. Entonces estamos listos para pasar al primer plano del cuadro donde podemos empezar a poner en esos tonos también. Voy a empezar con siena quemada, moviendo la punta de mi pincel y luego ablandando los bordes como lo hemos hecho antes. Asegúrate de estar observando esta zona durante el próximo par de capas ya que empezará a juntarse y tomar forma. Voy a concentrar pigmento en la esquina interna del ojo, detrás del ojo, y debajo del hueso de mejilla realmente diminuto que está tan bien tallado por algunos reflejos suaves en nuestra fotografía. Porque esta fotografía se ilumina desde el lado izquierdo de este cuadro y detrás del zorro, el lado frontal de la nariz desde nuestra perspectiva, va a ser mayormente en sombra. Podemos empezar a sentar esos tonos ahora para ayudarnos en futuras capas, sí tengo un acercamiento bastante lento a mis pinturas animales, y es posible hacerlo en menos capas, pero esta es justamente la forma en que trabajo. Por lo que espero que disfruten viendo que el proceso se une. Me resulta mucho más fácil agregar a las capas y construir definición y color en lugar de poner demasiado abajo accidentalmente al principio y tener que arreglar esos errores. Aquí, estoy cambiando de nuevo a un poquito de la orquina de oro sólo para llevar eso al hocico un poco más allá también. Al volver por la cresta de las cejas, vamos a empezar a pintar en algunas de esas texturas de piel más largas o en el rango medio más bien y vamos a pintar esos con líneas simples y luego suavizar lo suficiente de inmediato para que podamos transición suavemente hacia las otras áreas de la pintura que ya hemos establecido. Muchas veces pongo estas duras líneas de pintura y luego de inmediato las ablando y casi no se puede decir que estaban allí antes y eso podría parecer extraño para algunas personas, sobre todo si apenas estás empezando con el medio. Pero así es como encuentro, obtengo los mejores resultados para estas texturas donde puedo poner la pintura exactamente donde quiero y luego ablandarla tanto como me gustaría. Siempre podemos ir con las capas futuras para poner texturas de piel más refinadas que se basan en estos tonos y texturas subyacentes. Aquí estoy trayendo un ligero glaseado del oro se producen en la frente, que calentará un poco esos tonos y luego encima de eso, voy a estar poniendo algunos chullos realmente finos de la siena quemada, que se suavizarán, pero aún deja un pequeño indicio de esa textura de piel que buscamos. No recuerdo si dejo que mi página se seque por completo aquí o no, pero muchas veces cuando te estás moviendo en estas capas realmente ligeras, el papel se secará bastante rápido. Si alguna vez tienes dudas y piensas que el papel podría estar demasiado mojado para trabajar, puedes dejarlo a un lado por unos minutos y dejarlo secar o usar una herramienta de calor. Nos vamos a oscurecer en ese rincón interior del ojo para realmente conseguir algo de esa definición. Aquí me estoy tomando unos momentos extra para simplemente realmente delicadamente con sólo la punta de mi pincel, poner en la pequeña línea de tapa inferior donde el tipo de piel se dobla alrededor del ojo. Alrededor del templo hay una zona de transición complicada donde las pieles van subiendo y alrededor de la frente para luego volver hacia alrededor del cuello. Tómate tu tiempo con él y asegúrate de poner el pelaje en las direcciones apropiadas, pero también recuerda que no tiene por qué ser perfecto. Nadie está por ahí cepillando a este salvaje Fox. Aquí estamos entrando con siena quemada alrededor de la oreja y realmente está tratando de anclar esa forma al resto de la forma. Para nuestra segunda capa alrededor del hocico, vamos a tratar de ser un poco más delicados y más específicos sobre dónde estamos poniendo nuestro pigmento. Queremos conseguir tonos más oscuros aquí que se lean correctamente, pero no queremos que desaparezca todo el blanco del Zorro. También es importante ir específicamente alrededor de las zonas de transición, por la mejilla donde el pelaje blanco se encuentra con el pelaje rojo, para asegurarse de que no haya una línea dura entre las dos, quiere el primer tipo de superposición en ambas áreas . Hasta que llegues las áreas son los bigotes pegados al hocico, vamos a hacer un poco diferente a lo que hicimos en la demostración canina antes. En lugar de poner el pigmento sobre papel seco y luego rociar con una botella de pulverización, ya he mojado el área con un cepillo húmedo con las otras capas que hemos estado haciendo. Naturalmente van a empezar a extenderse por su cuenta. Incluso me pueden ver entrando aquí por las áreas que no se suavizaron tanto como yo quería, para una especie de coaxarlos fuera de sus rígidos círculos. Podría estar pensando que estoy pasando una cantidad desproporcionada de tiempo trabajando en el pelaje blanco aquí abajo. Si bien es una parte muy pequeña del cuadro, no del área focal, al asegurarme de que me tome el tiempo para que se ablande en las formas que quiero y no llame más tensión, hará que el cuadro más exitoso en general. Por fin vamos a poner un glaseado ligero sobre la nariz en las regiones más sombreadas. Después de eso nos ablandaremos y cubriremos la mayor parte de la zona, dejando espacios pequeños para destacar. 11. Proyecto de clase: zorro, parte 2: Si bien no estaré presentando el ojo lleno en este cuadro, sí quería hacerte saber que el ojo está hecho de la ocre dorada y la quinacridona naranja quemada. Si tienes oro quinacridona en tu paleta, puedes usar eso en su lugar. Al cambiar de nuevo a siena quemada, vamos a seguir construyendo texturas en el pelaje con ligeros trazos de pincel y suavizando los bordes. Vamos a añadir capas adicionales del ocre dorado mezclado con un poco de la quinacridona naranja quemada para traer el color del ojo al resto de la pintura. Esto incluye no sólo la frente sino debajo del ojo, por encima de la sien, y en el puente de la nariz. Vamos a seguir profundizando nuestros colores agregando umber quemado a la mezcla con nuestra siena quemada para poner las sombras más oscuras en el pelaje rojo. Usando esta mezcla más oscura, también traeremos zonas de siena quemada para transición entre las áreas de sombras y medios tonos. Agregando un poco de ultramarina a nuestro umber quemado pero no del todo llegando al negro, podemos poner en sombras en las orejas y otras zonas al zorro que requieren un tono más oscuro pero que no queremos completamente negro. Al cambiar a nuestro pincel tamaño cuatro más pequeño aunque todavía podemos usar la talla ocho, vamos a moverte en finas texturas de piel a lo largo las orejas con los otros colores que hemos estado usando hasta ahora. Porque no hay fondo en esta pieza, sí queremos asegurarnos de que las orejas estén bien definidas contra el blanco del papel. Seguiremos usando nuestro cepillo más pequeño para agregar en detalles finos a las áreas focales de la pieza. El valor es todo sobre la relatividad. Entonces a medida que oscurecemos las zonas de piel roja el blanco va a empezar a parecer demasiado ligero si no lo ajustamos también. Podemos seguir usando pintura negativa para curvar en algunas de las pieles blancas alrededor de la cara. Podemos volver a pasar nuestra página para obtener un mejor ángulo para trabajar en áreas difíciles como el pelaje en las orejas, Asegurándonos de que estás usando el punto de tu pincel para curvar en la textura del pelaje y tirando hacia ti mismo en lugar de alejarte o tirando horizontalmente. Creo que se perdió parte del metraje de la nariz, lo que pido disculpas. Pero esencialmente estamos haciendo un tipo similar de cosa de acumular valor a través de diferentes capas, aunque no estamos usando una textura de piel. En cambio estamos usando un patrón de punteado para sugerir la nariz suave y carnosa del zorro. Esta siguiente parte se va a poner un poco de miedo en que vamos a empezar a poner algunas sombras atrevidas en el cuello. En esta foto de referencia, mucho del cuello está a la sombra y hay un montón de grumos de pieles que tienen sombras oscuras en el medio. Podrías tomarte tu tiempo para acumular capas de siena quemada y ámbar quemado como hicimos en el resto del zorro. Pensé que comenzaría esta zona poniendo nuestras sombras más oscuras y luego llenando los tonos medios después. Vamos a usar una combinación de colocar nuestra pintura húmeda sobre papel seco, ablandar los bordes, y ocasionalmente usar alguna pintura negativa para poner un par de pelos definidos aquí y allá. Seguiremos agregando textura a esta zona introduciendo siena cerebral en los lavados húmedos que ya están en la página. Es importante señalar que no estoy apuntando a replicar cada parche de zorro en nuestra foto de referencia, sino más bien dar la impresión de lo que siento que la fotografía está desprendiendo. También podemos notar las áreas de áreas pequeñas y grandes de sombra y simplemente obtener la sensación general de esta textura y sombra muy esponjosa. Necesito un poco más umber quemado a nuestra mezcla gris para obtener un color claro sepia oscuro. Vamos a hacer algo más de pintura negativa a lo largo esta segunda gama atrás del pómulo de pelaje para crear más de esa larga textura de piel que separa la cara del cuello. Seguirás yendo de ida y vuelta con tu mezcla oscura en tu siena cerebral en el cuello hasta que tengas los tonos que buscas. El último en lo que vamos a trabajar en esta pieza son los bigotes. Vamos a usar nuestro cepillo tamaño cuatro para obtener líneas realmente finas, pero queremos asegurarnos de que ese tamaño cuatro pueda contener suficiente agua para que las líneas no salten a través de la página. Encuentro que el terciopelo negro plateado son los mejores pinceles que he usado para esta tarea. Necesitarás suficiente agua para asegurarte de que haya un buen flujo de pigmento que sale de tu cepillo, pero no tanto que se conviertan en líneas líquidas, acuosas. Me aseguro de sostener mi mano en el ángulo adecuado para conseguir el barrido correcto y puedes girar las páginas necesarias. Me gustaría señalar los puntos de inicio y final de mis bigotes y de esa manera puedo mirar por donde voy ya que estoy pintando y tratar de terminar en la dirección correcta sin ir tan lento que hace que mis líneas salten. Hay un par de pelos más justo sobre los ojos y luego estaremos envolviéndonos. [MÚSICA] 12. Proyecto de clase: flamenco: Para el segundo de nuestros proyectos de clase, vamos a estar trabajando en varias texturas de plumas diferentes de un flamenco. Si bien entiendo que esto podría no ser exactamente lo que primero imaginas cuando piensas en pintar plumas, elegí una precisamente por esa razón, además de algunos otros factores clave. Asegúrate de haber visto las manifestaciones en plumas corporales para encontrar plumas y medio para texturas para esta clase. En una computadora, encuentra la foto de referencia de un flamenco bajo el área de recursos por debajo de esta clase, las imágenes recortan a nueve por seis pulgadas, que es la mitad de una hoja de papel de acuarela nueve por 12. Puedes dibujar tu propio boceto o trazar la foto de la cuota de derechos de autor usando una caja de luz o una ventana iluminada con mucha luz. Usando goma de borrar amasada para aligerar tu boceto si es necesario antes de pintar, sobre todo para esta pintura la cual tendrá valores muy ligeros. Asegúrate de tener todos los colores que necesitarás usar, que incluye ocre dorado, aunque puedes usar ocre amarillo o rosiana como alternativa, rosa roja profunda o rosa quinacridona, anti-negro mezclado de indanthrone azul y rojo indio. Prepara el resto de tu espacio de trabajo. Mi paleta está a la izquierda de mi cuadro, debido a los ángulos de cámara estoy tratando de no bloquear tu vista, pero si eres diestro, recomiendo mantener tu paladar a tu derecha y si eres zurdo, recomiendo mantener tu palet a la izquierda. También necesitarás dos contenedores para agua, míos están ubicados sobre el centro superior de la pantalla y un trapo reutilizable para soplar tu cepillo y el mío está a la derecha. Te recomiendo ver este tutorial en una computadora o pantalla de televisión más grande para sacarle el máximo partido a diferencia de un teléfono o tableta pequeña. Para la mayor parte del tutorial, la cámara así como me puedan ver interactuar con todo el espacio de trabajo aunque sí intenté acercar donde corresponda. Este tutorial visual será narrado de manera concisa y no tendrá música tocando en segundo plano. Siéntete libre de ponerte lo que mejor se adapte a tu creatividad mientras trabajas. Por último, el tutorial estará jugando a 1.5 veces mi velocidad de pintura en tiempo real. Solo puedes acelerar el tutorial o ralentizarlo usando la esquina inferior izquierda de la pantalla. Para nuestro tema aviar, quería elegir un pájaro sólido pero colorido que tuviera una variedad de texturas de plumas, incluyendo algunas que no cubrimos exclusivamente en las demostraciones anteriores. Todo lo que son no son plumas veteadas fuertemente definidas. Esto demostrará cómo no siempre hay que pintar lo que imaginas ser plumas mientras pintas un pájaro, dependiendo de la especie. Entre las dos demostraciones anteriores en este proyecto de clase, deberías estar bien equipado para abordar muchas otras especies de aves a lo largo de tu trabajo. Vamos a empezar mezclando rosa roja profunda con ocre dorado y queremos mezclar una cantidad justa para que no tengamos que remezclar con demasiada frecuencia. Después de mezclar el pigmento, vas a querer agregar una cantidad justa de agua para que podamos bajar esto a un rosa muy pálido. Empezando por la cara, pesar de que sé que esto está en el lado derecho de mi papel y estaré trabajando a la izquierda. Sentí que necesitaba trabajar de la cabeza a la cola para que tú decidas qué es lo mejor para ti. Voy a empezar a poner mi pintura húmeda sobre papel seco y en ablandar nuestros bordes con mucha delicadeza. En este punto, se trata más de tu mapa de valor que de texturas, así que no te preocupes demasiado por añadir más textura todavía. A medida que lleguemos a la zona de la frente, querremos desplazar nuestro cepillo hacia afuera para crear el borde de nuestras plumas. Se puede empezar a tener eso en mente en este momento. Volviendo a la vista completa, vamos a empezar a movernos por el cuello, colocando la sombra más oscura debajo de la mejilla. Nosotros sí queremos tener cuidado de no dejar que el área que estamos pintando ahora tropiece fuertemente hacia la zona que ya ha comenzado a secarse. Así que solo ten cuidado con tu uso de agua. Es más importante prestar atención donde están tus sombras y reflejos. Nuevamente, ya que estamos trabajando mayormente en nuestro mapa de valores en este momento, vamos a utilizar una combinación de mojado en seco y húmedo en húmedo, dependiendo donde estemos en el cuello. mí me gusta poner un poco de pintura y ablandar los bordes y luego traer poco más de pigmento a las zonas que necesitan un poco de oomph y seguir trabajando así. El origen de luz viene de arriba del flamenco, así que ten en cuenta que conforme estamos colocando los reflejos y sombras que estamos asegurándonos de que la iluminación sea consistente en toda la pieza. Estará golpeando la parte superior de la cabeza, la parte superior de la curva del cuello y la parte superior de la bolsa. Empiezo a poner un poco más de textura a lo largo de los bordes medida que nos acercamos más al pecho a medida que se vuelven más prominentes. Termino haciendo el cuerpo en un par de trozos diferentes y te lo haré saber a medida que lleguemos a eso, pero la primera pequeña área en la que estoy trabajando son algunas de las plumas más largas que empiezan en la parte superior del ala. Esos van a estar más fuertemente pigmentados y lo suficientemente suaves. Después dejaremos secar el papel y haremos la siguiente porción. Vamos a movernos debajo del vientre y empezar a colocar las plumas muy suaves y suaves que van del pecho al área de las alas. Estos son realmente suaves y sedosos luciendo casi como un pelaje por lo que mencioné al inicio del tutorial para asegurarme de que has visto el medio para video de textura. Vamos a tener algunas de esas técnicas utilizadas a lo largo de esta pintura. Estoy colocando pigmento en las sombras de cada una de estas áreas y luego ablandándolas para que apenas sean visibles. No queremos que estos sean contornos duros, sino solo transiciones suaves. Alrededor del vientre es donde los valores más oscuros de nuestra pintura van a estar en el cuerpo del pájaro. Entonces vamos a iniciar carril en los valores para eso ahora. Deja que tu pintura se seque y luego funcionará en el siguiente paso. Usando tu pincel de terciopelo negro plateado, casi cómo ponemos en nuestras texturas de piel y algunas de nuestras pinturas pasadas. Vamos a colocar en alguna textura suelta en las alas que empiezan a insinuar plumas pero son muy suaves en este punto y usaremos pintura negativa más adelante para tallar algunas de ellas. Deja que esto se seque también. Al volver a la zona debajo del cofre, vamos a colocar algunos detalles más finos y cuando nos ablandemos esta vez, lo haremos menos de lo que hicimos la última vez. Continúa usando la punta del pincel para dibujar en las áreas en las que quieres el pigmento en y el vientre del pincel a medida que ablandas tus bordes para asegurarte de que tienes un bonito gradiente suave. Aquí todavía tenemos el papel húmedo y vamos a poner en eso una mezcla concentrada de pigmento, se suavizará ligeramente pero no demasiado. Simplemente quieres asegurarte de que el pigmento que estás agregando tenga muy poca agua en él. Es hora de mezclar algunos más de nuestro color rosa claro, y esta vez me mezclaré un poco demasiado. En lugar de desperdiciar la pintura en mi pincel, voy a usar un pozo vacío en la parte superior de mi paleta para diluir esto con más agua para crear una mezcla más ligera. Vamos a empezar a poner algo de la textura de la pluma sobre el ala usando nuestro rosa pigmentado, dibujando en las sombras y luego desprendiéndonos con el pincel. Ambos estamos tratando de colocar nuestras sombras así como curvar algunos reflejos porque la parte posterior del flamenco es de color muy claro. Continúa girando tu papel según sea necesario para que el ángulo de tu papel se alinee en el ángulo que sea más cómodo para tu muñeca. Vamos a poner en algún color fuerte debajo del ala hacia la parte posterior del pájaro que ayudará a establecer el valor general para esa región, y usando la punta del pincel, curviremos cuidadosamente las plumas debajo de la cola . Aquí estoy agregando más pigmento al lavado húmedo que ya está en la página solo para crear un poco más de sombra debajo de la cresta del ala. También vamos a tomar la punta de nuestro pincel y empezar a dibujar en las sombras de un par de plumas que están apiladas una encima de la otra. Vamos a usar la punta de nuestro pincel para empezar a dibujar en las plumas que cuelgan de la parte posterior del flamenco. Creo que estas son en realidad las puntas de sus plumas de ala, y luego vamos a estar pintando alrededor la cola que verás que se ven en la imagen un poco más tarde. Suavizarás este pigmento más fuerte usando mucha agua para mezclarlo sin problemas en el resto de las plumas. Vamos a curvar cuidadosamente las plumas del ala en la parte trasera del cuadro de flamenco alrededor de donde va a estar la cola. El rabo va a estar en ese triángulo blanco por debajo donde actualmente estoy pintando. Vamos a continuar esas plumas del otro lado de la cola para que se mantengan consistentes en todo el cuadro. Con una mezcla muy diluida, pintaremos en la cola finalmente entre esos otros espacios usando un toque muy ligero. Volviendo al frente del flamenco, vamos a empezar a poner en nuestra segunda capa de color. He cambiado a mi cepillo más pequeño tamaño cuatro para que tengamos más control sobre esta pequeña área de la pintura. Vamos a estar parpadeando en esta textura en algún rango entre una textura de piel y las plumas corporales que hicimos antes en las demostraciones. Queremos que haya una textura pequeña y suave aquí pero dada la escala del pájaro y lo pequeñas que son estas plumas, no queremos pintar cada una de ellas individualmente. Vamos a hacer lo mismo detrás del ojo y el área de plumas que están sombreadas en ese espacio. Queremos asegurarnos de que podamos ver tanto la frente como la mejilla definida por esta sombra. Para atar el pico con el resto del cuadro, vamos a poner abajo en mezcla muy diluida de rosa sobre la parte inferior del pico, ablandando los bordes a fondo. El texturizado que conecta el pico con el rostro es más una textura de piel que una textura de pluma, por lo que queremos asegurarnos de que esta área tenga un relleno diferente al resto de la pintura. Subiremos algo de ese color a la factura superior y luego lo definiremos más adelante con el negro después de que el papel se haya secado. Al cambiar de nuevo a nuestro cepillo talla ocho, vamos a seguir colocando en textura a lo largo del cuello, poniéndonos un poco más definidos con nuestras plumas a medida que avanzamos. En esta segunda capa, vamos a empezar a poner pequeñas líneas cortas en algún lugar entre esa textura de piel como mencioné y las plumas corporales para crear una textura de plumas suave y corta. Queremos concentrar esta textura en zonas de sombra ya que naturalmente podemos oscurecernos realmente en esos espacios. los aspectos más destacados con los que tenemos que ser mucho más delicados, por lo que esos requerirán una mano más ligera. Como puedes ver a lo largo de este cuadro, no hay mucha diferencia entre una textura de piel corta y las plumas del flamenco en el cuello. Lo que va a definir a este animal en esta pintura van a ser las otras características que hagamos lucir realistas y las pongamos en contexto. Volviendo a las plumas de ala, vamos a empezar a forrar algunos tonos más oscuros para separar el ala de la parte inferior del cuerpo. Estaré poniendo pigmento con la punta de mi pincel, lo suficientemente suave con el vientre de mi cepillo y ocasionalmente usando mi cepillo seco para recoger el exceso de agua. Las pocas plumas obvias que sobresalen en la pintura son áreas en las que sí queremos pasar algún tiempo para que sí se encuentren como plumas. Usando la misma punta de mi pincel y cambiando entre una talla ocho y la talla cuatro, nos meten algunos de los detalles en y comenzamos a pintar negativamente algunas de las plumas de ala a la derecha del cuadro. Agregaremos sombras más oscuras a esas plumas que vuelven a caer en el fondo del cuadro, para que se vea un poco más tridimensional. Pasando a las plumas del ala, vamos a voltear nuestro papel una vez más para crear el ángulo correcto para nuestro descanso. Vamos a colocar algunas de las plumas más prominentes, pero muchas plumas en esta zona son muy largas, sedosas y lisas, en lugar de una textura de plumas más áspera que hicimos en nuestro estudio del curso. Vamos a mezclar las sombras hacia arriba desde las áreas de abajo en las que ya habíamos estado trabajando para que tenga un poco más de una transición similar a la fotografía. Eso es más o menos todo lo que hay hasta que volvamos hacia la cara, vamos a seguir cubriendo en pintura de cerdo en zonas de sombra y áreas que necesitamos definición y ablandar los bordes. Usando una mezcla que tiene un poco más en el ocre dorado, vamos a colocar otra capa sobre el pico. Entonces vamos a traer un lavado diluido de nuestro azul verde indio, y rojo indio para iniciar carril en nuestras sombras empezando por el rostro donde son los más ligeros. Vamos a poner en delicados lavados de gris, sólo para sugerir esa textura de piel que mencioné antes. Usa el cepillo que te sienta más cómodo en el espacio en el que estás trabajando. Entonces vamos a usar la misma mezcla diluida para empezar a colocar sombras sobre las zonas rosadas del flamenco. Este negro realmente fresco que tiene matices de azul o morado complementará el rosa muy bien. Queremos asegurarnos de que esté muy diluido para que no se arriesgue teñir las áreas que solo queremos lavados suaves. Ciertas áreas de sombra con las que podemos ser más precisos, pero de lo contrario se ablandarán los bordes apropiadamente. Queremos que estas sombras sean realmente sutiles y solo una ligera variación de las rosadas que hemos estado usando. En contraste con las sombras, vamos a utilizar una mezcla del ocre rosa y dorado que tiene más del ocre dorado en él para usar sobre algunos de los reflejos y proporcionar algunas diferencias visuales con respecto a los colores que ya hemos estado usando. Después de que esa capa se seque, podemos entrar con nuestra mezcla negra oscura y poner los toques finales en la cara. Vamos a hacer esto en dos capas. Bajará la primera capa y solo dibujará dónde vamos a estar poniendo esto y luego haremos una segunda capa para oscurecer esos tonos. También asegúrate de cuidar la forma de la línea divisoria entre la factura superior e inferior. Puede que no sea donde necesariamente esperas que esté. Los flamencos tienen billetes muy divertidos, y eso es algo que sin duda me gustaría entretener en otra clase si les interesa. Creo que sería realmente divertido mirar las diferentes formas de los picos de aves. Hazme saber lo que piensas. Vamos a estar colocando un iris amarillo muy pálido sobre el pájaro que más tarde pasará con una pupila negra. Aquí estamos poniendo ahora esa segunda capa que mencioné sobre el proyecto de ley, asegurándonos de cubrir sólo las áreas que ya habíamos trazado para nosotros mismos en la capa anterior. Podemos definir áreas como la fosa nasal, la pupila en el espacio alrededor de los ojos. Aquí estoy haciendo un último ajuste final al rosa que está en la cuenta, y eso lo hará. Espero que hayas disfrutado de este tutorial de flamenco. 13. Proyecto de clase: serpiente, parte 1: Para la final de nuestros proyectos de clase, vamos a estar trabajando en la imagen de primer plano de una cara de serpientes arbóreas. Antes de empezar, asegúrate de haber visto las manifestaciones en pequeñas y definir escalas desde esta clase. En una computadora, encuentra la foto de referencia de la serpiente bajo el área de recursos debajo de esta clase. Se recorta la imagen a nueve por seis pulgadas, que es la mitad de una hoja de papel de acuarela de nueve por 12 pulgadas. Podrías dibujar tu propio boceto o trazar la foto sin derechos de autor usando una caja de luz o una ventana iluminada con mucha luz. Usa borrador amasado para aclarar tu boceto si es necesario antes de pintar. Asegúrate de tener todos los colores que estaremos usando, que para este cuadro serán Arylide Yellow, Cerulean Blue Hue, Denise's Green o tu favorito Terroso Sap Green, Perileno Green y Alizarin Crimson Quinacridona. Prepara el resto de tu espacio de trabajo. Mi paleta está a la izquierda de mi pintura debido a los ángulos de cámara. Intento no bloquear tu vista, pero si eres diestro, te recomiendo mantener tu palé a la derecha de tu espacio de trabajo. Si eres zurdo, manténgalo a la izquierda. También necesitarás dos contenedores para agua menor al centro superior de la pantalla cuando me veas llegando en esa dirección y hay un trapo reutilizable a mi derecha. Te recomiendo ver este tutorial en una computadora o pantalla de televisión más grande para sacarle el máximo partido a diferencia de un teléfono o tableta pequeña. Para la mayor parte del tutorial, se configurará la cámara para que puedas verme interactuar con todo mi espacio de trabajo. Pero eso significa que el espacio tiempo realmente pintando y será mucho más pequeño, así que por favor ten esto en cuenta. Este tutorial principalmente visual será narrado de manera concisa y no tendrá música reproduciendo en segundo plano. Por favor siéntete libre de ponerte lo que mejor se adapte a tu creatividad mientras trabajas. Este tutorial, estaremos jugando a 1.5 veces mi velocidad real de pintura. Pero puedes ajustar más la velocidad del tutorial en la esquina inferior izquierda del video, si quieres acelerarme o ralentizarme. Sé que las serpientes pueden ser un tema conmovedor para algunos, pero no pude dejar pasar la oportunidad de trabajar en esta magnífica imagen de referencia que nos brinda tanto detalle para que pintemos desde. Hay tanta textura dentro de cada una de las escalas en primer plano y la profundidad de campo hará una gran manera de practicar con la suficiente frecuencia, están enfocados hacia el fondo. Vamos a empezar nuestra pintura con dos ratios diferentes de los mismos dos pigmentos mezclados entre sí. En mi Top bien, hay Arylide Yellow mezclado con un poco de Cerulean Blue Hue. Entonces el segundo pozo hay una mezcla de Cerulean Blue Hue con un poco del Arylide Yellow. Vamos a empezar con la mezcla más ligera primero que se inclina más hacia amarillo y vamos a poner un lavado sobre toda la zona de la serpiente. Agrega más agua cuando quieras que el color aparezca más claro o delgado y agrega más pigmento cuando quieras que sea más oscuro. Esto va a ser un poco más plano y más consistente que algunas de las otras primeras capas que me has visto poner abajo en los proyectos de clase. No obstante, todavía vamos a ajustarnos por valores usando un pincel sediento para levantar los reflejos a lo largo de la cresta de la nariz de la serpiente y por encima del ojo. Dejaremos caer pigmento extra en áreas que son más oscuras como debajo del ojo y en el lado más lejano de la cara. A medida que lleguemos al cuello, vamos a sumar algo de la mezcla más oscura que tiene más del azul. Se trata de un verde muy vibrante y tendremos que reproducirlo un poco, que se ocupará de futuras capas. Pero por ahora queremos ponerlo a lo largo de la cresta de la columna vertebral que sugiere que esa zona es más oscura que el resto. Se puede agregar de nuevo en la mezcla más ligera para mezclarla a las otras áreas circundantes. Si quisieras usar un cepillo más grande para esta tarea, así tendrías menos viajes de ida y vuelta a tu taza de agua. Eres absolutamente bienvenido para hacer eso. Pero por el bien de los tutoriales y simplificando nuestros suministros, sí me quedé con el cepillo talla ocho en todo el lavado base. Aquí estaba decidiendo si quería o no salir del camino al borde de mi cinta o si quería pararme corto y tener un filo de aspecto más orgánico, finalmente decidí que quería que la serpiente llegara hasta la parte superior del papel, lo que requería un poco más de ajuste en cuanto a los pigmentos que yo estaba echando. También pondremos un poco de este verde oscuro en el ojo como capa base. He estado recortando el metraje de los ojos para los otros tutoriales por el bien de la brevedad y apegándome al punto de este tema. Pero hay un poco de captura con serpientes y que sus ojos están cubiertos con una escala transparente. A lo mejor te voy a tirar un regalo aquí y vamos a trabajar en ello. A continuación, vamos a tomar una mezcla de Denise's Green, que es un Terroso Sap Green y Perileno Green. Queremos sólo una especie de añadir un desaturado en rico verde oscuro que podemos empezar a capas en algunas de las escalas. Me gustaría que pienses en estas escalas como algo así como un método de cuadrícula como si solo estuvieras transfiriendo un dibujo. Todos recordamos aquellos En libros para colorear. Aunque no las hayamos usado en nuestras aventuras artísticas donde creas una cuadrícula y luego creas un dibujo basado en copia y una imagen se alineará con la cuadrícula. Vamos a mirar nuestra foto de referencia y vamos a tomar cada escala individualmente en pintar las texturas que allí vemos. Para éste, el fondo de esa escala sobre la parte superior de la boca es oscuro hacia donde se abre la boca y luego se aclara hacia la parte superior de esa región. Para equilibrar eso, jugamos algunos de los reflejos de error de luz en la parte superior, y luego podemos caer un poco más ese verde más oscuro para algo de textura. Vamos a continuar esta escala por método de escala lo largo de toda la cara de las escalas que están enfocadas. Queremos mirar los tonos y valores de cada escala para asegurarnos de que a medida que vamos uno por uno, que todavía se vean como una unidad cohesiva dentro de la serpiente en general. Puedes empezar con tus colores más claros y luego caer en oscuros o si sabes que una escala es particularmente oscura, podemos empezar con pigmento más oscuro y dejar caer los más claros como lo hicimos en el frente. Incluiré metraje de cerca de la primera mitad de este próximo espacio. Entonces por el bien de la brevedad, recortaré algunas de las imágenes para que podamos continuar con el resto del cuadro. Pero ten la seguridad, cada escala a la que me acerco es similar a estas en la primera sección de este tutorial. Existe cierta preocupación de que si trabajas escala por escala y estás trabajando en escalas adyacentes que podrías provocar que las floraciones entren al área junto a donde estás pintando si ya está un poco húmeda. Para evitar esto, quieres asegurarte de que haya un pequeño, diminuto espacio entre tus escalas y/o también puedes simplemente ir con el flujo y hacer que se mezclen muy bien entre sí. A mí sí me gustan estas cuatro escalas delanteras como las esquinas interiores, tipo de hacer este patrón de tipo azulejo realmente fresco, donde tienes estas manchas oscuras hacia las esquinas interiores de ellas y luego se ponen más claras a medida que vamos. A lo largo de este borde frontal del rostro, también queremos tener en cuenta que hay un fuerte destaque que va por toda esa región. Por lo que de escala a escala, queremos que esté consistentemente en el mismo lugar y parezca que continúa como un punto culminante en toda la cara. Ocasionalmente me verás arrojar algo del amarillo del paladar al cuadro, y eso es solo si de verdad quiero un área mucho más ligera de la que he mezclado. Entonces si ves que mi pincel se va a un lado y agarran un color de las paletas y luego lo agregan a la página, lo más probable es que nuestro amarillo claro. Si alguna vez te pones demasiado oscuro dentro de un área en particular, puedes usar una toalla de papel para levantar tu pigmento y ajustarlo después. Estoy alternando entre tres greens que tenemos aquí en base a cada escala individual y a lo que piden. A medida que nos acercamos al ojo, queremos dar cuenta del hecho de que las escalas realmente se curvan en ese punto. Va a haber una sombra alrededor de ese anillo donde está en su más profundo. Después se pondrá más ligero y tendrá un punto culminante justo alrededor del borde del ojo. Probablemente podría haber hecho un mejor trabajo en esto en las tres escalas inferiores. Ese primero que pinté y los dos que eventualmente estarán hacia la derecha de eso. Pero sí hice un trabajo bien en el lado izquierdo del ojo y en la parte superior. Por lo que puedes mirar esas áreas para obtener mejores ejemplos de qué hacer. Este será el punto focal de todo el cuadro por lo que sí queremos tenerlo en cuenta a medida que sumamos nuestros detalles con cuidado. Sí queremos tener aún en cuenta ese resaltado que corre de la nariz al ojo y mantener eso intacto. Hay un poco de sombra directamente frente al ojo a lo largo de esa cresta, y en ese punto culminante se va a reducir en la parte superior del ojo y habrá otra zona oscura detrás del ojo a medida que nos movemos en esa dirección. No tiendo a gravitar hacia pinturas que requieren altas cantidades de detalle y precisión. Prefiero un estilo suelto, fluído al que pueda agregar elementos de realismo. No obstante, para esta serpiente, la forma en que pude empujar por todo y asegurarme de que me estaba divirtiendo con el proceso es no sólo tomar en consideración la escala en la que estás trabajando en ese momento pero cómo encaja en el rompecabezas más grande. Si disfrutas de esa pintura realmente detallada donde vamos a escalar por escala, o detalle por detalle. Ojalá disfrutes de este tutorial y será un buen cambio de ritmo con respecto a nuestros tutoriales pasados que estaban un poco más sueltos y gratuitos. Aquí voy a añadir la oscura esquina interior del ojo y se va a quedar así por un tiempo. No vamos a volver a la vista hasta el final del cuadro. Pero colocar estos valores más oscuros realmente establece un buen punto de anclaje para los otros valores de nuestra pieza y será útil para ajustar o valores más adelante. Vamos a colocar esta pintura oscura a lo largo de esa esquina del ojo, y luego queremos que se curva en esas escalas. Las sombras entran en esos surcos a medida que nos movemos alrededor del ojo surgirán lo suficiente el borde interior, pero dejarán duro el borde exterior. Para esto estoy usando mayormente el verde perileno. Aquí es donde corté el metraje y termino el resto de las escalas alrededor de la cara de acuerdo a nuestra foto de referencia. Pasando al cuello y cuerpo de esta pieza, vamos a estar poniendo un área húmeda de agua para que podamos hacer una técnica húmeda sobre húmeda que de forma natural nos ayuda a difuminar y suavizar las áreas de fondo. Usaremos algo de ese tono azul civil mezclado con un poco del amarillo claro para ayudar gradualmente a suavizar esa transición entre los colores más claros y oscuros del cuello y hacer que se vea más cilíndrico. Esta fotografía en particular que mencioné al inicio del tutorial es una que me emocionó mucho porque el fotógrafo hizo un trabajo maravilloso cerrando naturalmente la abertura y asegurándome de que la fotografía ya estaba listo para que difundiéramos ese enfoque. No tuvimos que hacer ninguna conjetura al respecto. Una vez que esa capa húmeda esté abajo en la página, podemos caer en nuestros colores más oscuros en una habilidad como una moda que se difundirá por sí sola. Nuevamente, queremos profundizar esos colores a lo largo del cuello para sugerir que el cuello tiene forma y curvas alrededor de esa zona. No hice un trabajo increíble en esto y podría haber hecho un poco mejor, creo en un segundo pase, un segundo estudio. Así que asegúrate de que estás mirando tu referencia. El cresta superior de la espina en sí no es tan oscuro, pero el surco justo al lado está. Por lo que quizá quieras dejar un poco más destacado en esa zona oscura. También voy a caer en algunos patrones de escala muy vagos en el costado aquí. En la fotografía se puede ver que hay algunas líneas de media luna, algunas líneas curvas que insinuaban una textura de escala, que sólo estoy tratando de hacer aquí ablandando suavemente los bordes, y volveré a eso más adelante en el cuadro como bien para ayudar a resolver eso un poco mejor. Hay una sombra realmente profunda donde las diferentes partes del cuerpo se superponen. Entonces voy adelante y poniendo un poco de verde perileno en esa zona y nos aligeraremos de nuevo a lo que es una porción muy ligera de la parte inferior del vientre de la serpiente. A medida que nos alejamos más de esa sombra, estamos agregando más del verde de Denise y más del azul civil mezclado con el amarillo arílido para que podamos conseguir una gama de estos diferentes greens que hemos estado usando en la pintura. Usando más se alian tono amarillo y azul civil, vamos a empezar a colocarlos verdes más brillantes en el vientre de la serpiente para aligerar toda esa zona, ya que es una zona bastante vibrante de la fotografía. No queremos que compita por el foco con la cara. Por lo que me verás desaturar un poco esto en una capa futura donde añadimos algo más del verde [inaudible] para simplemente bajar el valor general. Porque esta pieza va a ser sobre papel blanco, que quizá quiera reconsiderar y volver a visitar en un momento posterior, pero por el bien de este tutorial, estamos sobre papel blanco en el cuerpo realmente desaparece en una sombra. Pero por el bien del tutorial, sólo vamos a oscurecer esa zona con un poco verde de Denise para que podamos suavizar el foco. Ahora que el futuro Denise está viendo esto viendo el producto final. Creo que en realidad podría querer volver atrás y poner un fondo más oscuro. Creo que eso sería realmente divertido. Entonces si decides incluir todo el fondo oscuro con un verde de perileno o incluso algo más oscuro, me encantaría verlo en la sección de proyecto de tu clase. Para eso, simplemente delinearías cuidadosamente la cara y luego al llegar a esta porción posterior del cuerpo, transitarías suavemente entre la oscuridad y el cuerpo. También caí en algún verde de Denise en nuestra lechada de cal ya pero no me gustó cómo bajé eso. Entonces sólo me estás viendo tratando de suavizarlo aquí. Volveremos a eso más adelante y haremos ajustes en una capa futura. Volviendo de ida y vuelta aquí sólo tratando de poner en las formas generales correctas, mientras esto no está en foco, todavía tenemos que asegurarnos de que se vea preciso para el animal. Muchas de las líneas que puse al principio eran demasiado flacas y tuve que usar mi pincel para coaxarlas en escalas más planas más anchas. A diferencia de las escamas de mi lado de una serpiente que son relativamente pequeñas y se superponen, las escamas en el vientre de una serpiente son anchas y planas. 14. Proyecto de clase: serpiente, parte 2: Una vez que tu primera capa esté completamente seca, vamos a empezar a acristalar en algunas sombras para crear las formas y curvaturas de la serpiente. Voy a empezar con el verde perileno en la mandíbula inferior, ablandando el borde, para tratar de darle una apariencia redondeada que se curva por debajo. Puedes usar un cepillo limpio que se ha secado en su mayoría, para levantar algún exceso de pintura y luego vamos a glasear en algunos más de nuestro color verde más claro para suavizar ese color apagado, en la parte superior. Puedes moverte de ida y vuelta con tu pincel entre las dos áreas para planificarlas sin problemas. Pasando a la parte superior de la cabeza, quiero agregar algunos reflejos más brillantes usando mayormente el amarillo plomo. Si bien queremos dejar intacto la mayor parte de ese resaltado más brillante, podemos poner amarillo a ambos lados de la misma, para realzar realmente el efecto. El área alrededor del ojo es donde queremos que esté el mayor foco, por lo que al agregar este color amarillo más brillante, dibujaremos la mirada hacia esa zona de manera más natural. Continúa evaluando todas las diferentes áreas de tu pintura, y agrega color donde sea necesario para atar todo junto. Vamos a empezar a definir las escalas con la punta misma de nuestro cepillo usando el verde perileno. El área entre estos animales escamas, es más oscuro en lugar de más claro, lo que será fácil para nosotros empezar a tallar estas áreas. A pesar de que sí queremos estar seguros de no delinearlos cartoonísticamente, que podría haber bordeado al borde de aquí, pero me retuve justo lo suficiente, creo, esperan.También estar al pendiente de pequeñas áreas de irregularidades como en esa escala frontal, hay un pedacito de borde más oscuro que entra en la escala, y veremos un par de esas áreas a lo largo del cuadro también. Agregar en esas pequeñas piezas extra ayudará a romper los contornos y hacer que no se vean demasiado falsas. Si un área se vuelve demasiado gruesa u oscura, puedes limpiar tu pincel y mezclar los bordes para suavizarlo. Este proceso de repasar todo de nuevo va a tomar un tiempo, así que ponte acogedor con tu audiolibro favorito, podcast o música, y vamos a trabajar nuestro camino a través de la pieza. Para que la fosa nasal se vea más realista, en lugar de hacer un círculo de pintura apenas oscura, asegúrate de suavizar ese borde trasero, que se mezcle con la escala que hay junto a ella. Yo solo quiero sonar suavemente por un momento a pesar de que no tengo mucho nuevo que decir solo para recordarte que te tomes un descanso si aún no lo has hecho, estirar esas extremidades y asegurarte de que estás en un buen estado mental y físico para rematar esta pieza. Es un montón de escalas, y como que podemos perdernos en ellas, así que solo asegúrate de que te estás cuidando. El paralelo en Indonesia es verde y a nuestro medio verde desde antes para hacer solo un bonito centro neutral, vamos a empezar a colocar en algunas de las sombras y contornos en la cara. Esto ayudará a fusionar nuestros reflejos y sombras juntos para una pieza completa redondeada. Vamos a añadir algunas texturadas realmente finas moteadas o algunas de las escalas que tienen pequeños detalles sobre ellas que rompen los tonos de pisos monótonos alrededor del ojo en particular. Esto hará que se vea un poco más real y [inaudible] no se vea tan plana o unidimensional. Volviendo al ojo vamos a poner esas sombras oscuras en la parte superior del ojo. Esta vez con powerline green, usará un cepillo diferente para suavizar los bordes y realmente ayudó a hacer de este look esfera. Asegúrate de ir entre cada una de las escalas con un poco de sombra. Además de los reflejos triangulares en la parte frontal del ojo, también se destaca la parte posterior del ojo, lo que también nos ayudará a lucir más llamadas de esfera. Por lo tanto, asegúrate de no encubrir eso por completo. Si lo haces, puedes agregar blanco más adelante. Aquí fui un poco con las manos pesadas, así que usé una toalla de papel para levantar esa aplicación de pigmento y luego volveremos a intentarlo. Se conectará a la sombra interior superior a la sombra. Ya hemos puesto abajo para completar la esfera. Mientras esperas que el iris se seque, vas a mezclar juntos paralelando quinacridona verde y carmesí de Alizarin para mezclar un bonito negro profundo. Podemos colocarlo a lo largo de la pintura en áreas que queremos ser un poco más oscuras y tener más contraste y también lo usaremos para la gente en tan solo un momento. Volviendo a la pupila, vamos a dibujarla con la punta de una punta muy fina para cepillar para que podamos ser realmente precisos alrededor de esos reflejos. Una vez que la pupila esté dentro, vamos a tomar un cepillo limpio y húmedo para simplemente tocar suavemente el borde y romper ese contorno para que no se vea tan fuera de lugar. Podemos agregar algo de esta mezcla negra a las esquinas de los ojos también para juntar todo. Volviendo al cuerpo de la serpiente, vamos a utilizar alguna de esta mezcla oscura una vez más para colocarla en esa sombra oscura. Usando nuestro verde tono medio, vamos a colocar una capa más sobre el área del cuello, y luego vamos a caer en algunos tonos más oscuros para definir aún más las escalas. Esta otra vez es la mezcla del verde perileno y el verde de Denise. Vamos a seguir esas líneas que pusimos antes, pero hacemos un poco más de trabajo para tallar algunas escalas individuales en un patrón de sombreado algo cruzado, pero no lo tomes demasiado literalmente. Oscureceremos los tonos del lado derecho del cuello para que se vea más cilíndrico al igual que lo hicimos en el fondo del frasco. Estoy tratando de arreglar algunos de mis errores de antes arreglando esa columna que mencioné. No dejé lo suficientemente destacado para ello, pero puedes seguir adelante y evitar ese error haciéndolo bien la primera vez y aprender de mis errores. Pasando al vientre de la serpiente, ya he echado un poco de agua y vamos a caer suavemente en algún verde de Denise en esas escamas del vientre para la separación. Enjuagaremos este cepillo y luego con un cepillo limpio nos aseguraremos que esas áreas no sean demasiado duras y que se mezclen, y estén fuera de foco. Seguiré haciendo algunos ajustes al cuerpo hasta que esté realmente contento con la forma en que se ve. Sé que eso fue mucho trabajo. Gracias por quedarse conmigo y espero que hayan disfrutado de este tutorial sobre básculas de pintura. Me encantaría ver tus pinturas en tu proyecto de clase, así que no olvides subirlas. 15. Reflexiones finales: Muchas gracias a todos por tomar mi clase de habilidades-compartir sobre pieles, plumas y escamas. Espero que disfrutes de la clase y que aprendas algo nuevo. No olvides subir tu proyecto de clase a la sección de proyecto de clase y avísame si hay alguna crítica que te gustaría en tu trabajo. Siéntete libre de revisar mis otras clases de escultura para otras bondades de acuarela y avísame en la discusión de clase de esta clase si hay algo específicamente que te gustaría ver sobre la acuarela en el futuro. Hasta la próxima vez, feliz pintura.