Transcripciones
1. Introducción: Hola, soy [inaudible]. Esta clase te enseñará cómo obtener tomas
cinematográficas utilizando técnicas de la industria de bajo presupuesto. Aprenderás a elegir una relación de aspecto que coincida con tu proyecto, cómo enmarcar un sujeto dependiendo de las acciones y emociones que desees mostrar, cómo dominar la composición de tus tomas, y cómo usar todas estas juntas en para planear y filmar una escena visualmente impresionante. Para tu proyecto, se te encargará de filmar una escena corta, de un minuto, con cualquier dispositivo de tu elección con el fin de poner en práctica tus aprendizajes. Se te dará un script de diálogo de nodo el cual maximizará el impacto de tus visuales. No se requieren conocimientos previos de cinematografía. Si realmente eres serio en mejorar tus habilidades y dominar los fundamentos de la cinematografía, entonces esta clase es para ti.
2. Relación del aspecto: Una de las decisiones técnicas más pasadas por alto en la toma de películas de bajo presupuesto es la relación de aspecto. Pero, ¿cuál es exactamente la relación de aspecto? El ratio de aspecto representa la relación proporcional entre el ancho y la altura de la imagen. En este caso, el ancho de esta toma es de 1920 y la altura es de 1080. Por lo que la relación de aspecto de esta imagen es de 177 por uno. Esto también se conoce como 16 por nueve, y es la relación de aspecto estándar de alta definición, ultra alta definición y televisión. Obtienes este número dividiendo el ancho por la altura. Por lo que 1920 dividido por 1080 es de 1.77. Dieciséis divididos por nueve también sube como 1.77. En el cine, las relaciones estándar son 185, que también se llama el piso, y 239, que también se llama el alcance. Entonces, ¿qué relación de aspecto debe usar? Existe tanto una respuesta técnica como la creativa a esto, y ambos deben tenerse en cuenta a la hora de tomar una decisión. La primera pregunta que debes hacer es ¿dónde se verá tu película? YouTube, por ejemplo, soporta 177 videos, mientras que los cines generalmente exhiben 185 o 239. Dependiendo de la pantalla en la que se muestre la imagen, si no coincide con la relación de aspecto de la película, entonces será recortada, caja de
carta o en caja de pilar. boxeo de letras representa la adición de barras negras horizontalmente y el boxeo de pilares representa la colocación vertical de estas barras. El ratio de aspecto también tendrá un enorme impacto en el campo de la película. Relaciones de aspecto más amplias como el alcance, pueden dar una sensación más dramática a una toma y son realmente grandes para resaltar las emociones de los personajes y hacer más visibles los objetos más pequeños. Las relaciones de aspecto de túnel, por otro lado, ofrecen una sensación más genuina a tus tomas, centrándose en el lenguaje corporal de un personaje y en la relación con el medio ambiente. Al final, depende de ti decidir qué aspecto y sentir necesita
tu película para poder entregar tu visión al público. No hay respuesta correcta o incorrecta siempre y cuando esté motivada técnica y creativamente. A continuación aprenderemos a enmarcar a nuestros personajes.
3. Encuadre I - tomas largas: Ahora que ya sabes qué relación de aspecto es adecuada para una película, echemos un vistazo a los diversos tipos de encuadre que tienes a tu disposición al disparar a un personaje. Empezando por el tiro largo extremo. Esta toma permite que un sujeto sea absorbido en el fondo para darnos una mejor sensación de la ubicación y el tiempo de la escena. Se pueden ver adecuadamente las acciones o emociones del personaje. El enfoque en este tipo de encuadre suele ser informar
al público o incluso establecer cierto estado de ánimo. El tiro largo tiene un uso similar al encuadre anterior en un sentido que es muy útil para establecer ubicación y tiempo. Sólo ahora el personaje se vuelve de igual importancia para el medio ambiente. Este tipo de disparo resulta particularmente útil para mostrar la relación entre el personaje y lo que le rodea. Observe cómo hay un amplio espacio por encima y por debajo del tema. El tiro completo pone las acciones del personaje en el centro de atención ya que ahora el sujeto está enmarcado de pies a cabeza, con suficiente espacio para moverse. Esta es una gran oportunidad para hacerse una idea de quién es el sujeto a través de su lenguaje corporal, actitud, y comportamiento hacia otros personajes. A continuación, se acercará más.
4. Encuadre II: tomas medianas: El tiro medio largo enmarca al personaje desde debajo de las rodillas hacia arriba, al tiempo que aún deja algún espacio por encima de su cabeza. Este encuadre se enfoca en las acciones de la parte superior del cuerpo del sujeto, manteniendo visible su entorno donde puedan unirse potencialmente otros personajes. El tiro vaquero es una ligera variación
del tiro medio largo donde el personaje se enmarca los muslos de rodilla hacia arriba. Este encuadre funciona realmente bien para tomas donde las manos del sujeto necesitan
ir por debajo de la cintura o cuando necesita agacharse. El tiro medio es el marco más popular en un cine. Debido a que aquí es donde las emociones de un personaje comienzan a ser realmente visibles mientras conservan parte del detalle de fondo. El sujeto está enmarcado desde abajo de la cintura hacia arriba. El primer plano medio invade el espacio personal del personaje, enmarcándolo desde el pecho hacia arriba. En este tipo de tomas, el ambiente se convierte sólo en un pequeño recordatorio de lo que es el personaje, ya que el foco principal ahora es el rostro y sus emociones visibles. A continuación, nos acercaremos aún más.
5. Encuadre III: primer plano: El primer plano permite que las emociones y reacciones del personaje dominen el disparo. Este tipo de encuadre funciona mejor si se usa con moderación ya que entrega una fuerte conexión entre el público y el personaje. Al enmarcar un sujeto, generalmente
se hace desde los hombros hacia arriba. El primer plano puede ser de cualquier cosa o de cualquier persona que sea verdaderamente importante en una escena. El chocker es un disparo poderoso que se enfoca en la cruda emoción de los ojos y la boca. El rostro del personaje llena el marco desde debajo de la boca hasta arriba de las cejas, y ayuda a realzar cualquier sentimiento de ira, determinación, miedo o tristeza con la que el público pueda empatizar. El close-up extremo enfatiza un detalle o área específica de nuestros personajes, como los ojos o las manos. Este es un tiro útil cuando un primer plano normal simplemente no puede entregar el impacto que un área pequeña tiene en la escena, como los ojos de un jugador de póquer durante una partida. Conocer los marcos que tienes a tu disposición te permitirá ahorrar mucho tiempo en la búsqueda de los grandes tiros. Algunas cosas a tener en cuenta sin embargo. Al filmar un primer plano intenta mantener los ojos alrededor de los dos tercios superiores del marco. Esto ayudará a que el disparo se sienta natural, mientras que tenerlos demasiado bajos o demasiado altos le da una sensación muy desalentadora. También es muy importante no cortar personajes, brazos o piernas en las articulaciones. Se siente muy extraño cuando están cortados así. Al enmarcar dos personajes más que se encuentran a diferentes distancias de la cámara intenta caber cada uno de ellos en uno de los marcos que aprendiste. Pasemos a la composición.
6. Composición I - espacio: Ahora sabes enmarcar a tu personaje con el
fin de enviar diversos tipos de información al público. Veamos cómo puedes mejorar tus tomas usando algunas técnicas de composición. El ratio dorado es la fórmula ideada por los matemáticos para
describir la belleza o lo que hace hermosa una imagen. Esto se utiliza principalmente en fotografía, pero también ofrece una gran importancia para la cinematografía. Empecemos por entender la regla de los tercios. Esta es una versión simplificada de la relación dorada. El regla de tercios está conformado por dos líneas verticales y dos horizontales que dividen tu imagen en nueve partes iguales. La idea es que si colocas tu principal punto de interés en las líneas verticales o en los puntos donde las líneas se cruzan, el sujeto se sentirá natural y normal para el público. Para poder utilizar la regla de los tercios, hay
que preguntarse, ¿cuál es el principal punto de interés y dónde lo van a colocar en el marco? El principal punto de interés se refiere a lo que un público necesita enfocarse. Podría ser en un personaje particular entregando diálogo, o puede ser un objeto específico dentro del marco. ¿ Dónde colocar el punto de interés en un tiro? Hablemos de espacio de cabeza. Esto se refiere a la cantidad de espacio vacío entre la cabeza del personaje y la parte superior de la pantalla. Aparte de la gargantilla y el extremo close-up, el personaje siempre debe tener algún espacio por encima de su cabeza. Para primeros planos, mantener los ojos alrededor los dos tercios superiores de la pantalla dictará cuánto espacio en la cabeza puede ofrecer. Pero para un tiro medio o largo, esto dependerá más del fondo, los otros personajes, y de la acción del personaje. Demasiado o muy poco espacio para la cabeza se sentirá antinatural, así que experimenta con el espacio de la cabeza hasta que se sienta bien. ¿ Y el espacio a la izquierda o a la derecha del personaje? Eso se llama espacio líder y generalmente alinea al personaje de
tal manera que un tercio de la imagen está detrás de ellos y dos tercios está frente a ellos. Si un personaje está mirando hacia la izquierda, los
alinearemos en la línea vertical derecha. En tanto que si están mirando hacia la derecha, los
alinearemos en la línea vertical izquierda. Alternativamente, si tu personaje está mirando hacia la cámara, puedes alinearlos en el centro muerto. Esta alineación funciona mejor cuando hay simetría en el tiro. Una forma creativa de romper la regla espacial líder es alinear
a propósito al personaje con el mismo lado que estás enfrentando para resaltar la sensación de estar atrapado. El espacio entre dos o más personajes en un corto
también puede ser una gran herramienta para mostrar la relación entre ellos. Es posible que desee distanciar un poco a dos personajes que no ven ojo a ojo o no son tan cercanos, mientras que si acortas la distancia entre ellos, demuestra
que probablemente son amigos cercanos o están de acuerdo en un tema. Añadamos algo de profundidad.
7. Composición II: profundidad: Veamos cómo puedes agregar algo de profundidad a tu composición. El fondo del disparo es una clara distinción entre los elementos de primer plano, medio suelo y fondo. Una imagen plana puede ayudar a mostrar que el personaje se siente solo o aislado. Pero si usas en exceso la imagen plana, hará
que tu campo de metraje, aficionado. Las líneas de perspectiva son una buena manera de lograrlo. Busca varias líneas, ya sean reales o sugeridas, que ayuden a guiar los ojos hacia tu punto de interés. También puedes usar el marco dentro de una técnica de marco
colocando el punto de interés con el encuadre natural dentro de tu tiro, logras el mismo efecto de guía ocular que las líneas de perspectiva. Otra forma de agregar profundidad es a través del contraste. Por ejemplo, al colocar a un personaje frente a un fondo de color diferente, dejarás que sobresalgan y facilitarás que los ojos los vean. Pero el contraste no se limita solo al color. Puede ser un contraste en luz o brillo, en forma, o incluso en tamaño. El contraste en tamaño es particularmente útil para resaltar lo importante o poco importante que es algo dentro de un marco. Tus disparos deberían tener algunos equilibrados para ellos. Por ejemplo, si un personaje está ocupando el lado izquierdo de la pantalla, asegúrate de agregar algo para contrarrestar y hacer que el marco se sienta natural. No todos los disparos necesitan ser equilibrados, pero es una forma útil de mejorar la composición de ciertos tiros. Ahora tienes una comprensión básica de cómo funciona la composición. Veamos cómo puedes mejorar aún más tus tomas usando algunos ángulos de cámara.
8. Anglos de cámara: Hablemos de cómo se posiciona la cámara en relación al personaje. El nivel de los ojos es un ángulo donde la cámara se establece a la misma altura que los ojos de nuestro personaje. Se trata más de un tiro objetivo y tiene un sentimiento neutral ante él. El ángulo bajo es un disparo generalmente utilizado para transmitir que el personaje es dominante, más poderoso, o más aterrador en el contexto de la escena. Los ángulos bajos también se pueden usar para mostrar cómo un personaje puede sentirse atrapado al mostrar el techo justo encima de ellos. La cámara se coloca debajo de los ojos del personaje. La vista del gusano es un ángulo donde la cámara se coloca directamente sobre el suelo mirando hacia arriba. Esto tiene un efecto psicológico en el público
dándoles la sensación de que todo a su alrededor es gigantesco y confuso similar a cómo los niños podrían ver el mundo que les rodea cuando se pierden de sus padres. El ángulo alto se utiliza para mostrar que el sujeto está asustado, más débil, o dominado por otro personaje. La cámara se coloca por encima del nivel de los ojos del sujeto. El águila vista es un ángulo donde la cámara está flotando por encima del personaje y mirando directamente hacia abajo hacia él. Esto puede darle al público una sensación del entorno del sujeto, pero generalmente es una toma muy fría y desapegada que aleja a los espectadores de las emociones del personaje. Un tipo especial de ángulo es el ángulo holandés. Esto se logra inclinando físicamente la cámara diagonalmente para lograr un aspecto muy desequilibrado, antinatural. Esto funciona mejor para tomas pensadas para confundir al público o para mostrar cómo un personaje podría estar sintiéndose fuera de lugar, deprimido o perdido. A continuación, planeamos rodar la escena.
9. Las tomas necesitan un plan: Ahora tienes los conocimientos necesarios para lograr imágenes impresionantes, pero para filmar una escena visualmente efectiva, necesitas planear tus tomas con cuidado. Tomemos este guión como ejemplo. Entendemos que esta es una escena que se enfoca en los sentimientos de las niñas y el miedo al desconocido que la sigue mirando fijamente. Se acumula tensión hasta el momento en que decide huir y luego libera la tensión con el revelador. la hora de decidir la relación de aspecto de la escena, ante todo, estoy pensando que estaría contenida dentro de este video 177. Necesito complementar los momentos espelorizantes y el edificio de tensión y también deseo ver claramente las reacciones de los personajes. Si este fuera un guión impulsado por la acción, probablemente habría
ido con algo por qué son como 239, pero para esta escena con todo en mente iré con 185. En cuanto al encuadre, quiero acercarme y acercarme al personaje a lo largo de la escena para resaltar la evolución de sus temores hacia las acciones desconocidas. No quiero acercarme demasiado al ciego, astronauta trivial el giro demasiado pronto. De hecho, para mantenerlo consistente, no
voy a acercarme a él en absoluto, excepto tal vez un medio aquí o allá. Además, es importante para la escena que el público sienta que la niña es vulnerable. lo mejor voy a añadir un tiro para establecer que están solos en la zona. La filmaré con más
del ángulo alto sin dispararle desde su perspectiva en absoluto. Se le disparará con ángulo bajo, pero sólo cuando ella lo esté mirando,
por lo que desde su punto de vista. La composición se decidirá en función de la ubicación y el bloqueo de caracteres. Con este sencillo plan en mente, veamos qué podemos disparar. Como puedes ver, sin usar demasiado movimiento de cámara, diálogo o luces aparte de la luz natural en el lugar, logramos rodar una escena muy cinematográfica. Ahora es tu turno.
10. Tu proyecto y reflexiones finales: Has pasado por una gran cantidad de información en muy poco tiempo. Es crucial que practiques esta nueva información lo antes posible. El cine se aprende mejor practicándolo. Tu proyecto es rodar esta corta escena. Yo le he quitado todas las emociones para que puedas interpretar la escena de la manera que desees. ¿ Cómo se siente el personaje por las llamadas telefónicas repetidas? ¿ Es indiferente, feliz, enojado, asustado, molesto? Depende de ti ahora usar la relación de aspecto, el encuadre, la composición y los ángulos para obtener algunas tomas cinematográficas. Aunque hay algunas reglas. No se puede agregar ningún diálogo en absoluto y sólo se puede disparar en un solo lugar. Puedes utilizar cualquier equipo que desees, incluso un smartphone. El propósito de este proyecto no es llenar mi fuerte historia, sino una serie de tomas cuidadosamente planeada. Un último consejo para ti, el secreto para lograr un gran tiro es sentirlo. Sí, si miras tu tiro y no sientes nada emocionante al respecto, entonces es hora de repensarlo. Tómate el tiempo que necesites aunque tengas que filmar un tiro al día. Cuanto más practiques, más fácil sería conseguir esos disparos. Mientras estás filmando tu proyecto, podemos discutir tus tomas en la sección de proyectos continuación con el fin de ayudarte a lograr una gran escena al final. ¿ Listo? Acción.
Tudor Mihalcea, Filmmaker
