Transcripciones
1. Introducción: Una de las
habilidades más valiosas que puedes aprender
como creador de videos es cómo
hablar frente a la cámara. Ya sea que recién estés
comenzando o tengas experiencia, esta clase tendrá ideas sobre cómo filmarte de manera eficiente y
efectiva para un
video de cabeza parlante como este. Hola. Mi nombre es Scott Lu y soy
creador de videos en YouTube. He creado más de 100 videos en este momento y estoy aquí
para compartir mis conocimientos sobre cómo grabo personalmente Videos de
Talking Head. En esta clase, pasarás por tres componentes
esenciales para filmarte a ti mismo. Número 1, cámara
y composición. Empezaremos por cómo
marcar en los mejores ajustes para tu cámara y cómo lograr
una buena composición. También hablaremos sobre
los mejores lentes para Talking Head Videos
y teleprompters. También tenga en cuenta que
a lo largo de cada lección, estaré cubriendo todo el
equipo que use y recomiende. Número 2, audio. Cubriré cómo
configurar correctamente un micrófono boom, optimizar los niveles y usar la técnica
adecuada del micrófono. También discutiré la
importancia de usar copias de seguridad y otras opciones de micrófono
para los Videos de Talking Head. Número 3, iluminación. Echaremos un vistazo al sistema de iluminación de
tres puntos y cómo garantizar que su imagen
se vea limpia y agradable. También incluiré una lista
de verificación de todo lo que debes hacer justo antes de
la grabación. Aparte de esos tres componentes
principales, también
cubriremos algunos
desafíos mentales que surgen cuando intentas grabarte
a ti mismo. Además de todo eso, te
voy a dar consejos
sobre los dos
estilos diferentes de Talking Head Videos,
guion y freestyle. Por último, repasaré cómo edito un video de cabeza parlante
de principio a fin. Será uno de mis tutoriales de
edición más profundos que he hecho hasta ahora. El proyecto de la clase
será crear tu propio video de cabeza parlante. Habrá una tarea de
lección para cada una de las lecciones, así que asegúrese de seguir adelante
si desea sacar lo
mejor de esta clase. También hay una hoja de trabajo
disponible para descargar que describe la clase
y el proyecto de clase. Así que asegúrate de descargar eso. Los videos de Talking Head son
un elemento básico de YouTube y uno de los tipos de
videos más comunes que existen. Al final de esta clase, tendrás todos los conocimientos que necesitas para
hacer el tuyo con confianza. Empecemos.
2. Superación de la timidez de la cámara: Uno de los mayores obstáculos hora de grabarte
es la timidez de la cámara. Ya sea que eso tome la forma de no querer hablar
frente a la cámara o simplemente no querer ver las imágenes de usted mismo
durante la edición. Es algo que
todos los creadores de videos que muestran su rostro
necesitan superar. En esta lección, voy a
dar mis mejores consejos personales sobre cómo superar la timidez de la cámara. Es un
proceso diferente para todos, pero ojalá algunos de estos
consejos puedan resonar contigo. En primer lugar, entienda que
la timidez de la cámara es natural. Nosotros como seres humanos somos muy interesados y cuidadosos con
nuestra propia imagen de sí mismo. No queremos que otros nos
vean bajo una mala luz porque hace que
parezca que no encajamos y que no vamos a ser
aceptados por otros. Nuestro instinto natural es
querer que le gustemos a la tribu, para que podamos prosperar en la vida. Grabarte en cámara cuando sientes
que no sabes lo que estás haciendo
es como
exponerte
a propósito bajo una mala luz, porque no tienes
la confianza de que lo que estás creando resultará pulido y presentable. Esa es una de las razones por las
que surge el mal sentimiento. Esencialmente estás luchando
contra tu naturaleza. Pero por suerte como seres humanos, somos muy adaptables. Cuanto más lo hagas, más te va a
sentir normal. No solo eso, sino que obtendrás mucha
práctica al hacerlo a menudo, y con la práctica
viene la confianza. Esta clase pretende
acelerar los aspectos de práctica y confianza
de grabarte a ti mismo. Al pasar por esta clase, entenderás todos
los tecnicismos de grabarte a ti mismo y lo que se necesita para que se
vea bien. No obstante, aunque tengas
todas las habilidades del mundo, el último obstáculo es aprender
a sentirte cómodo contigo mismo. Creo que para mí personalmente, tuve que romper
mucha resistencia
antes de terminar sintiéndome cómodo
frente a una cámara. Personalmente soy propenso al acné, mi cabello siempre es un desastre y
a veces me siento insegura sobre mi aspecto. Pero de alguna manera con el tiempo poniéndome continuamente ante la cámara y soltándola al público, comencé a dejar ir
esas inseguridades y me sentí cómodo
conmigo mismo. Solo sigue esforzándote al máximo en
una situación incómoda y eventualmente fortalecerás tu voluntad y tu fuerza mental. Básicamente la moraleja de la historia es seguir practicando el músculo y superarás por completo
la timidez de la cámara. Por fin entremos en los tecnicismos de
grabarte ahora para que al menos puedas tener la confianza
en el proceso, lo que debería ayudar mucho. También al seguir junto
con el proyecto de la clase y producir realmente un video donde te estás grabando, estarás practicando
ese músculo mental. Por lo que te animo mucho
a que tomes acción en
el proyecto de clase. Es un paso adelante en
la dirección correcta para conquistar la timidez de tu
cámara.
3. Vídeo y composición: En esta lección,
vamos a cubrir el primer componente esencial, que es la cámara
y la composición. A lo largo de estos procesos, a
lo largo de los componentes, estaré
hablando principalmente de mi configuración personal. Pero, por supuesto, muchos de
estos conceptos se pueden aplicar a cualquier cámara o a cualquier micrófono, por
ejemplo, así
que solo tenlo en cuenta a medida que avanzamos. Mi cámara, la que actualmente
me
estás viendo es la Sony A7 IV. Personalmente, esta es
mi cámara favorita. Tiene 10 bits a color
4k y ahora mismo estoy grabando en 24 FPS así
como S-Log 3. Si no
entiendes lo que significan muchas de esas cosas, no te
preocupes por ello. Por ahora, solo debes saber que esta
es la cámara que uso. Personalmente, he sido
dueño de otras cámaras. Mi cámara ahí mismo
que está grabando, la cámara B es la Sony A7C. Esa cámara es de solo color de 8 bits, pero sigue siendo muy buena, y solo la estoy
grabando en su modo natural. También he sido dueño de la Sony A7 III, así
como la Sony A
6600 o la Sony Alpha 6600. Estas cámaras, en mi opinión, son algunas de las mejores cámaras
sin espejo que puedes conseguir y son
las que te recomiendo. Por supuesto que están a
un precio más alto, así que sí recomiendo otras cámaras sin espejo
como la Canon M50. Podemos hablar de
cámaras todo el día pero lo que realmente importa
para un video de cabeza parlante cuando se trata de
cámaras es el número 1, intenta conseguir una cámara
con una pantalla flip-off. De esa manera puedes
verte a ti mismo mientras estás grabando para que puedas ajustar
la composición sin necesidad de
ir y venir. Honestamente, esa es probablemente una de las cosas más importantes para los videos parlantes que son específicos
de la cámara. Fuera de las cámaras
que se recomiendan, la Sony A7 III
no tiene eso, así que tal vez quieras
ir con la A6600 o las otras. Las otras tres
cámaras
tampoco tienen límite en cuanto a cuánto tiempo se
puede grabar. Por ejemplo, la
Sony A7 III tiene un límite de grabación de 30 minutos, y creo que la
cámara
canon mirror-less también tiene ese límite. Esas son solo dos especificaciones a tener en cuenta al comprar tu cámara. A continuación, hablemos de lentes. Las lentes en realidad juegan
un papel más importante en la grabación a ti mismo
de lo que piensas. Como ejemplo,
ahora mismo estoy usando una lente de 35 milímetros para
grabarme de esta manera, y una lente de 85 milímetros para grabarme usando la Cámara B. La razón por la que importa la
distancia focal, Número 1, si quieres usar
algo, por ejemplo, como un teleprompter,
quieres estar cerca del teleprompter
para que
realmente puedas leerlo. Por eso 35 milímetros
funciona bastante bien. Si realmente vas
menos de 35 milímetros y es demasiado ancho, dependiendo de qué
teleprompter estés usando, realidad
podrías ver el
interior del teleprompter, así que eso tampoco es lo que
quieres. Para este punto, la gente
podría discutir con ello, pero el rango de 35
milímetros a 50 milímetros es
más representativo de cómo
vemos naturalmente con nuestros ojos. Por ejemplo, si
tuvieras que mirar a través de una lente de 16 milímetros, se ve demasiado ancha y no es así como funciona
nuestra visión. Entonces algo así como
los 85 milímetros, se ve más
favorecedor en la cara. Se lo adelgaza un poco. Es casi como un bonito
filtro versus más realista. Entonces cualquier cosa por encima de esa marca de
80 milímetros, estamos empezando a
meternos en teleobjetivos, que también se ven bastante
halagadores en la cara pero personalmente, 85 milímetros
para mí es mi favorito, y eso es por qué lo uso
más que otras distancias focales. Intenta tenerlo en cuenta
cuando compres tus lentes. Otra especificación a la que quieres prestar atención al comprar tu lente es la apertura
o número F-stop. este momento la lente
que está frente a mí tiene un número F-stop de 1.8. Cuanto menor sea el número f-stop, más separación
tendrás con el sujeto y el enfoque en
comparación con el fondo, que va a quedar
más borroso. Por eso personalmente para mí,
me gusta tener un
número F-stop más bajo para mi cámara principal. Otra cosa a la que debes
prestar atención cuando compras
tu cámara y tu lente es si estás comprando una
cámara de fotograma completo o no. Si compras una cámara de fotograma completo, entonces la lente que compres tiene que ser también para una cámara de
fotograma completo. Solo asegúrate de prestar atención a
esos detalles a la hora de
comprar estas cosas. De lo contrario,
podrías terminar comprando una lente APS-C para una
cámara de fotograma completo. También a tener en cuenta, la Sony
A6600 es una cámara APS-C, lo
que significa que va
a tener un factor de recorte con cualquier lente
que esté usando. Esto significa que si tuviera que poner mi lente de 35 milímetros
en la cámara APS-C, terminaría siendo en algún lugar alrededor de 52 milímetros en su lugar. Asegúrate de prestar atención
a esas especificaciones cuando compres tu
cámara y lente. Pasemos a la composición. La composición es en realidad bastante simple para un video de cabeza parlante. Para la cámara principal, solo
quieres estar lo más
centrado posible. No te preocupes si no está
completamente centrado porque podemos arreglar
esto en la edición, pero quieres intentar estar lo más centrado posible
al principio. También hay algo que
se llama la regla de las 3rds. La mayoría de las cámaras tienen un ajuste donde puedes hacer que aparezcan
las líneas de cuadrícula para la regla de 3rds. Te recomiendo encender eso. Siempre lo tengo
puesto para mis cámaras. Básicamente, una de las reglas
es tratar de tener los ojos alrededor del nivel
del tercio superior. A continuación, quieres que la
altura de tu cámara quede alrededor del
rango desde tu barbilla hasta alrededor de tu frente. Este alto rango asegura que estés nivelado
con la cámara y que la cámara
no venga desde un ángulo debajo de ti o por encima de ti, eso se ve poco favorecedor, y eso es básicamente todo
para la cámara frontal. En cuanto a la Cámara
B, la composición que más uso es ya sea
ponerme
de nuevo en el medio y apegarme a
reglas similares o ponerme en una de las 3rds
de las columnas, y eso
es básicamente para la composición. Si estás grabando
con una segunda cámara, también te recomiendo que
intentes hacer el ángulo entre las dos cámaras al
menos 30 grados. Esa es una regla en la que la mayoría de
los cineastas coinciden. No obstante, si no
se puede lograr eso, me parece que los ángulos alrededor 20 grados todavía
funcionan bastante bien. Básicamente, es una pauta, no una regla establecida. A partir de ahí vamos a
la configuración de la cámara. En primer lugar, como
mencioné, configuré mi cámara a 24 FPS. La mayoría de las cámaras tienen la
opción de 24 FPS, 30 FPS o 60 FPS. Sixty FPS es principalmente
para capturar acción o si estás tratando de
ir por algunas tomas a cámara lenta, así que si estamos hablando de
videos de cabeza, evitemos ese, es entre 24 y 30 FPS. Hay un debate bastante grande entre estos dos pero en general, la regla general
para mí personalmente es simplemente
ir con lo que
sea más fácil de usar. Por ejemplo, la
Sony A7C de allí tiene un factor de recorte cada vez
que se establece en 4k 30 FPS. Por eso personalmente configuré
mi velocidad de fotogramas a 24 FPS. Hace que sea más fácil que
no haya un factor de recorte, así que no tengo que preocuparme mi lente de 85 milímetros
se convierta en una lente de 120 milímetros. Pero si no
tienes que preocuparte por nada como no te
preocupa el tamaño del archivo, no
te
preocupa el factor de recorte ni nada de ese tipo, y solo estás
tratando de averiguar qué velocidad de fotogramas
es mejor para ti o mejor para un video de
cabeza parlante en general, iría con 30
FPS la mayor parte del tiempo. Se ve más natural
frente a 24 FPS, que es más cinematográfico
y una película como. A partir de ahí puse mi cámara
a la configuración más alta, que es 4k, y luego grabo. Básicamente con esta cámara, utilizo S-Log 3 principalmente
porque tiene un color de 10 bits y puedo colorearlo de
la manera que quiera. Sin embargo, eso está más allá
del alcance de esta clase, así que no te preocupes por los perfiles de
fotos y solo graba con lo que
te resulte cómodo. La tarea de
esta lección es marcar los mejores ajustes
para tu cámara. Para mí, eso es 4K
24 FPS S-Log 3. Para mi cámara, hay un ajuste donde puedo guardar este preset en uno de los
números del dial. Voy a poner eso en el número 1. Siempre que lo cambio al número 1, va a ser
4K 24 FPS S-Log 3 con la ISO de 800 y
la apertura abierta, es
decir, el número más bajo al que
puedo ir, que es 1.8. Para la velocidad
de obturación, la regla general es simplemente hacer que duplique sea
su velocidad de fotogramas. Para mí, eso es 1 sobre 50
porque 24 FPS por 2 es 48. Para esta cámara, 1 sobre
50 es la más cercana. Después de eso, configura tu
cámara para que tengas buena composición en general y luego pasaremos
a hablar de audio.
4. Audio: En esta lección, vamos
a cubrir equipos de audio. Este es el segundo componente
esencial, y el audio es como la
mitad del video, y por eso
lo puse antes de encenderlo. Personalmente, para mí, un
video sin buen audio y una mala imagen es
mucho más soportable en comparación con un video
que se ve muy, muy bonito y tiene mal audio. Sigamos adelante y cubramos
cómo lograr un buen audio. En primer lugar,
lo más fácil que puedes hacer para un video de cabeza parlante es simplemente usar un micrófono
montado en cámara. Para mí, personalmente, este momento estoy usando
el Rode VideoMic Pro y solo está sentado
en la parte superior de la cámara en el soporte de zapata. Todo lo que tienes que hacer es montarlo, conectarlo, encenderlo
y está bien para ir. Si quieres
optimizar los niveles, entonces lo que puedes hacer es establecer el nivel de grabación de la cámara en su
nivel más bajo posible
porque el preámbulo de la cámara es mucho más débil y más ruidoso en
comparación con el preámbulo del micrófono
montado en la cámara. La cámara Sony,
puedes
bajarla hasta una en términos de nivel de grabación de
audio, y luego para el
Rode VideoMic Pro puedes marcar hasta más 20. No obstante, para mí personalmente, encontré que la
diferencia es despreciable, así que solo la tengo puesta
a nivel de grabación de audio alrededor de 10 o 12 dependiendo de si
estoy afuera o adentro. Entonces tengo el
Rode VideoMic Pro apenas ajustado a su nivel normal, y después lo ajusto y post. Tengo clases sobre cómo
optimizar el audio así
como qué micrófono
es el mejor para ti si quieres ver
esas dos clases diferentes. Pero para esta clase, principalmente
vamos a estar hablando del micrófono
boom. este momento tengo un
micrófono boom justo aquí encima de mí, apuntando justo hacia la zona de
mi pecho. La técnica para los
micrófonos boom es apuntar
hacia la zona de tu pecho
versus tu boca. Esto se debe a
que, si
vas hacia atrás, sigue capturando bien
el audio, y luego si avanzas, sigue capturando el
audio bien comparado con si tuvieras que tener esta
cosa apuntando a tu boca. Si fueras a avanzar,
aunque sea un poquito, lo capturaría
mucho menos claramente comparación con tenerlo
apuntando a tu pecho. También quieres que
apunte hacia abajo. Tenerlo apuntando
hacia abajo significa que el piso va
a absorber el ruido, y si tienes piso alfombrado, eso es aún mejor porque
estamos tratando de evitar la reverberación, que básicamente es un
rebote sonoro fuera de las paredes, rebotando en superficies sólidas y haciendo que tu voz suene
realmente resonante y lavada. Esos son dos
consejos muy importantes a la hora de usar un micrófono boom. No obstante, ¿qué equipo
debes usar? Para mí personalmente, me
gusta usar el Zoom F6, que es un dispositivo de
grabación de audio que se considera
un grabador de campo, pero que también se puede usar
como interfaz de audio. Este es mi favorito
por una razón. Es un flotador de 32 bits y la segunda razón es que
tiene seis canales de entrada, lo que
significa que puede grabar seis micrófonos
diferentes a la vez. Empecemos con el flotador de 32 bits. Lo que esto significa es que cuando estás grabando
en float de 32 bits, no
existe tal
cosa como el recorte. decir, si
tuviera que hablar
muy, muy alto en este micrófono y crear ruidos fuertes, no
va a recortar. Para una grabación de 24 bits, que es la
grabación normal que tienen la
mayoría de
los dispositivos de grabación de audio, eso se recortará si el
ruido es demasiado alto. También significa que si grabé con un nivel de audio
que es demasiado suave, todavía
puedo mencionarlo pero los niveles de ruido
tampoco serán demasiado altos. Si tuvieras que hacer
lo mismo con la grabadora de 24 bits, se
sacará
mucho ruido si aumentas la ganancia de
todo el clip y post. Básicamente lo que
esto significa es que el Zoom F6 da
más margen de error. Si cometes errores
con los niveles de audio o simplemente te pones demasiado
ruidoso y emocionado, no
tienes que
preocuparte por ello, y por eso me encanta
este dispositivo flotante de 32 bits. Para mí
personalmente, uso un soporte de micrófono para
boom mi micrófono. Tengo un brazo de pluma real más un soporte que puede sostenerlo. No obstante, sí encuentro que esto
es lo más conveniente. Lo que personalmente hago
es montar el Zoom F6 una placa de liberación rápida y luego lo monte en una abrazadera
que se sujeta al propio soporte del
micrófono. A partir de ahí, conecto
el cable XLR, lo
envuelvo a lo largo del soporte del micrófono y luego lo conecto
al micrófono. El micrófono actual
que estoy usando es el Sennheiser MKH 50. Este es un micrófono muy caro que es genial para el auge
interior, pero hay muchas
otras opciones por ahí. Por ejemplo, el Rode
MDG5 es un micrófono popular y mucho más económico que puedes usar
como micrófono boom. No hay mucho
más que eso sobre cómo configurar
tu micrófono boom. Siempre y cuando
lo tengas en un soporte de micrófono y apunte hacia abajo, y tengas superficies a tu alrededor que no sean súper
duras y reflectantes, deberías capturar un buen sonido. Lo que recomiendo es usar el micrófono boom junto con el micrófono
montado en la cámara. Su
micrófono montado en cámara
servirá como respaldo para en caso su micrófono boom falle
por cualquier motivo. Confía en mí, si
grabas el tiempo suficiente y has grabado
como 100 videos más, te encontrarás con un momento, solo un momento en el que
olvidas alguna configuración en el micrófono boom y tu micrófono
montado en cámara viene en embrague y te ahorra. Simplemente está destinado a
suceder al menos una vez si vas a estar haciendo
esto por mucho tiempo. Otra buena opción para
grabar videos de cabeza parlante son los micrófonos lav o los micrófonos de
solapa. Personalmente aunque,
solo usaría un micrófono de solapa
como micrófono de respaldo porque los micrófonos
boom suenan, general simplemente más ricos y completos. La técnica estándar
para grabar un micrófono lavalier
es solo sujetarlo en algún lugar cerca de la boca y luego conectarlo a
un dispositivo de grabación. Mi favorita personal
es la Tentacle Sync E, que también es una grabadora
flotante de 32 bits. Nuevamente, si
quieres
adentrarte más en el mundo de los micrófonos, tengo una
clase dedicada a eso, que es una selección de personal, así
como una clase sobre cómo
mejorar el audio del diálogo
en Adobe Audición. Pero por ahora, eso
cubre cómo configurar tu equipo de audio para
un video de cabeza parlante. La tarea de esta
lección es seguir adelante y configurar esas cosas, y luego pasaremos a
configurar las luces.
5. Iluminación: En esta lección,
vamos a cubrir el sistema de iluminación de tres puntos y cómo
configuro personalmente mis luces. ¿Qué es el sistema de
iluminación de tres puntos? Básicamente
consiste en tres cosas, que es la luz clave,
la luz de relleno y
la luz de fondo. Tienen diferentes nombres
para diferentes sistemas, pero básicamente la luz clave es cualquier luz que esté
frente a ti, así que para mí esa va a ser mi luz de apertura aquí mismo, que es la
apertura 120D Mark 2 y tengo una Softbox, que es la cúpula de luz mini, que actúa como
difusor haciendo que la luz brille en mi piel
y solo yo en general, más suave y menos áspera. A continuación, tenemos la luz de relleno. Esta es una luz que
básicamente contrarresta cualquier dirección en la que se encuentre
su luz clave. Para mí está en mi lado derecho,
la cámara es del lado izquierdo, y está trayendo luz
a este lado de mi cara mientras este lado de mi
cara está ligeramente oscuro. Lo que me gustaría es
una luz de este lado. En mi caso, solo estoy
usando una
luz de techo para cubrir el lado
más oscuro de mi cara. Depende de ti cuánto
quieres que tu luz
de relleno cubra la cara. Si quieres un look más completo,
brillante y vibrante, eso es más acogedor, más
agradable, más comercial como. Entonces quieres llenarte y hacer que la iluminación sea muy pareja para que parezcas
más amable. Si vas por una mirada
más dramática, entonces es posible que ni siquiera
necesites una luz de relleno en absoluto. Para mí personalmente, me gustaría el look dramático
así que por eso mi luz de relleno, como se puede ver en la Cámara B, no
está muy presente. Entonces entremos en
la luz de fondo. Para mí personalmente, utilizo un
montón de luces traseras que
consisten principalmente en colores. Primero, hablaremos de
los plafones, que son los de apertura B7Cs. Estas luces son las que utilizo
principalmente para agregar color a mis imágenes y se conectan a una app llamada Sidus Link, que puedo usar para controlar
qué color quiero y cambiar en cualquier momento. La luz justo detrás de mí
es la luz PavoTube, es la versión más pequeña y también tiene la opción de cambiar
a cualquier color. Una cosa que realmente me
encantó de ella es que la parte trasera de la misma es magnética, así puedo colocarla sobre cualquier objeto
metálico y se pegará. La luz que en realidad tengo
justo detrás de mí que actúa como más luz de fondo son
las luces Aputure MC. Estas son básicamente similares
a las luces PavoTube, excepto que
hay rectangulares y vienen con una Softbox. Por lo general el sistema de
iluminación de tres puntos, solo
necesitas una luz de fondo y es básicamente para conseguir esto, el brillo en la parte posterior de
tu cabeza o tu cabello o justo detrás de ti en general. personal, no compré todas
estas luces una vez. Principalmente solo tenía las luces clave y luego tuve un haz de luz de panel LED, mi
luz de fondo. Sin embargo con el tiempo acumulé todas estas pequeñas luces traseras y para mí hace que
la imagen general se vea más interesante y por eso las tengo. Ese es básicamente el sistema de iluminación de
tres puntos. Si te preocupa
comprar todas estas luces porque son caras, existe la opción de simplemente
usar iluminación natural. Básicamente, encuentra un
lugar en tu casa donde haya una buena ventana con la
fuente natural de luz, que es el sol, y luego haz que se enfrente en
algún lugar frente a ti. Probablemente no directamente
frente a ti, pero 45 grados es un buen
lugar para una luz clave. Pero te recomiendo encarecidamente
que eventualmente inviertas en una verdadera
luz clave y luz de fondo. Esas son realmente
las únicas dos luces que necesitas, porque
para la luz de relleno, en realidad
puedes
usar algo como un panel blanco o una pantalla blanca. A continuación, hablemos de la exposición al
clavado. La pregunta es, ¿qué tan brillantes ponemos
cada una de estas luces? La idea general es que la luz clave sea
la más brillante para que el sujeto
esté más iluminado. Pero no quieres sobreexponer
tu piel o subexponer así que ¿qué tan brillante
deberíamos ponerla en realidad? La forma más fácil de
configurar la exposición correctamente, en mi opinión, es usar una configuración en tu
cámara llamada cebras. Para mí, después de
acceder de cebras, giro el dial para que
vaya a la configuración personalizada y luego vaya a estándar, baje a 60 y
luego más o menos 5. En este escenario,
lo que quiero ver en mi cara o las rayas cebra. algunas personas dicen que
65 más o menos 5, o 70 más o menos 5
son mejores números. Pero es realmente altamente
dependiente de cualquier configuración
que estés usando. Para mí, estoy usando S-Log 3 más algo llamado los lotes
fantasma para editar, los
mencionaré más adelante. Pero básicamente el
sistema de leads que uso indica que debería estar
usando estos números. Sea cual sea el sistema
que estés usando, solo trata de prestar
atención a esencialmente cuáles
son sus pautas sobre cómo configurar la exposición para tu piel. Generalmente, esos números deberían ser buenos números
a seguir aunque. Para el sistema que estoy usando, la abertura 120D se
fijará en alrededor del 50 por ciento y luego para las luces traseras, esencialmente solo la
veo. Lo que más importa es que el tema es más
brillante en
comparación con el fondo y
eso es esencialmente todavía para cómo dejarse
para un video de cabeza parlante. La tarea de esta lección es configurar su luz clave, configurar su luz de relleno y
luego configurar su luz de fondo. A partir de ahí pasaremos
a hablar los dos tipos diferentes de videos
de cabeza parlante.
6. Guion vs Freestyle: En esta lección,
vamos a cubrir dos tipos diferentes de videos de cabeza
parlante. El primero son videos guionados con cabeza parlante y el
segundo es de estilo libre. Básicamente en esta clase hasta ahora, he tenido una mezcla de videos tanto con
guión como de estilo libre, y ambos vienen con
sus propios pros y contras. Por ejemplo, si
escribes tu video, pasarás más tiempo en
el proceso de scripting, y entonces
lo más probable es que quieras usar un teleprompter para que
puedas leerlo sin errores. Si vas por la ruta
con guión, lo más probable es que sea un video
mejor elaborado ya que pasaste más
tiempo en el guión. No obstante, por otro lado, si vas por la ruta del
freestyle, probablemente
se sentirá más floja
y un poco más espontánea. Te da la
oportunidad de mostrar un poco más
tu personalidad. Pero la desventaja es que
si te equivocas mucho y no eres
bueno en la habilidad, probablemente
vas
a tener que pasar más tiempo en el proceso de
edición. En mi opinión, se trata de
dos habilidades muy distintas. Para mí personalmente,
la mayoría de mis videos son videos con guión. Por eso para el contenido de estilo libre como el que estoy
haciendo ahora mismo, no
está tan
bien pulido en general. No obstante, estoy
trabajando en la habilidad del estilo libre
frente a la cámara. Te recomiendo que pruebes
ambos métodos también. Si optas por el método
freestyle, recomiendo encarecidamente que en realidad
crees un esquema para el
video independientemente. Un esquema son básicamente
solo los temas principales con subtemas que
tienes como viñetas. De esa manera hay un
flujo real al video versus tú solo hablas de cualquier cosa
en un momento aleatorio. Del otro lado
de las cosas, si
vas con un video con guión, recomiendo encarecidamente
usar un teleprompter. El que estoy usando es el Parrot Padcaster
y en mi opinión, es todo
lo que realmente necesitas. Es muy barato, menos de
100 dólares en este momento actual. Básicamente, todo lo que necesitas
hacer es descargar una app en tu teléfono llamada parrot y copiar y pegar tu guión. Para mí, mi guión siempre está
escrito en un documento de Google. Entonces lo copio de ahí. Después lo pego en
el documento loro. Entonces una vez que lo abras, puedes configurarlo de la
manera que quieras. Necesitarás
reflejar tu pantalla. Disminuye un
poco los márgenes para que no parezca que tus ojos se mueven hacia la
izquierda y hacia la derecha y que estás leyendo. Después ajusta la
velocidad según lo rápido que quieras ir y ajusta el tamaño de fuente a lo que sea que la
haga legible. Puedes ver mis ajustes aquí y copiarlos si lo deseas. Pero a partir de ahí, todo lo
que necesitas hacer es enhebrar el teleprompter, deslizarte en tu teléfono por debajo, y luego tienes un teleprompter del
que puedas leer. Para mí, solo
recientemente he estado usando este
teleprompter durante este año. Antes de eso, todavía
escribía mis videos e intentaba simplemente
memorizar los guiones. Encuentro que esto lleva
mucho tiempo y requiere de un
montón de tomas lo que derrota el propósito
de tener un guión. Depende de usted qué
método elija,
pero le recomiendo encarecidamente
probar el teleprompter. Eso es solo un rápido desglose
de los dos estilos diferentes y los consejos que tengo para
los dos estilos diferentes videos
de cabeza parlante. La tarea de esta
lección es elegir qué estilo quieres
hacer para el proyecto de clase. A continuación, estaremos
hablando de la lista de verificación.
7. Lista de verificación de grabación: En esta lección,
cubriremos la secuencia en que debes
configurar tu equipo, y te proporcionaré una
lista de verificación para que nunca
olvides un paso crucial. En primer lugar, la cámara. Encender la cámara
y marcar en la configuración correcta
es el primer paso. Para mí, eso es convertir
el dial a uno, donde es 24 FPS y S-Log 3, balance de blancos
automático,
y la ISO de 100. A continuación, enciendo
el RODE VideoMic y hago una prueba de tap para comprobar
que los niveles son correctos. Después de eso, encendí
el Zoom F6, moví el micrófono boom a su lugar y realizé una comprobación rápida del
micrófono para ver los niveles. Para mí, tengo un dispositivo flotante de
32 bits, así que no necesito
preocuparme demasiado por ello, pero sigue siendo la mejor práctica
probar los niveles. A partir de ahí,
enciendo la luz de la llave y luego todas las demás luces
y ajusto el brillo. Esto es cuando ajusto la
composición de la imagen y coloco mi tabla de madera
debajo de mí para marcar mi ubicación. Después de eso, configuré
el teleprompter, si creé un guión para
el video, y si lo hice, solo
tengo mi teléfono
fuera con la lista de viñetas para mi video parlante de
estilo libre. A partir de ahí,
te recomiendo que hagas un poco de calentamiento antes de empezar a
hablar con la cámara. Habla con la cámara sobre
absolutamente cualquier cosa. El punto es simplemente
calentar tu voz y aumentar tu energía
general. Sé demasiado entusiasta al principio, y luego vuelve a marcarlo un poco. Con eso, todo está
listo para que grabes. Te recomiendo encarecidamente
que siempre
uses una lista de verificación
cuando empieces. Hay muchas
partes móviles y es muy fácil pasar por alto algo
cuando lo haces mucho. Para mí personalmente, me gusta
mantener todo el equipo necesario para un video de cabeza parlante colocado justo al lado del otro. Al dejarlo en modo de espera, el tiempo de configuración disminuye
significativamente porque no necesito
colocar el trípode o configurar el micrófono boom
o las luces desde cero. Configurar las cosas desde
cero lleva mucho más tiempo. La facilidad de acceso es muy
útil en este caso. Si tienes el espacio, trata de dedicar un lugar para grabar tus videos de cabeza
parlante, si quieres ser lo
más eficiente posible. No obstante, diré
que a veces es bueno practicar configurar las cosas
desde cero, solo para que no te
olvides de cómo hacerlo y para que practiques la habilidad de configurar
las cosas rápidamente. Pero una vez que lo tienes abajo, una configuración predeterminada puede
ser muy útil. De todos modos, la tarea
de esta lección es comenzar
finalmente a grabar el video de
tu cabeza parlante. Tienes todo listo para funcionar, así que ahora solo necesitas presionar ese botón de “Grabar”
y empezar a hablar. En cuanto al tema, puedes elegir cualquier cosa de la que
quieras hablar. Si estás atascado, solo
habla de un objeto que te apasione o algo que realmente
te guste. Como ejemplo,
elegiría mi piano, cámara, el Zoom F6, mi configuración de escritorio, mi computadora portátil, etc. No lo pienses demasiado, solo graba o escribe el guión
y luego graba si estás usando un teleprompter.
8. Walkthrough: audio y corte: En esta lección, vamos a hacer el recorrido de
edición. Esto va a ser un
poco
diferente a lo que estás acostumbrado. La mayoría de las veces
escribo un guión y trato de que la lección
sea lo más concisa posible, pero esta vez voy
a sumergirme profundamente
en cómo edito
de principio a fin. Si buscas
una lección más concisa, eventualmente
estaré creando
un curso o clase para eso. Va a ser la
edición en Premiere Pro y va a ser como
las mejores técnicas sobre cómo optimizar y hacerlo lo rápido
posible para el corte. Si te interesan lecciones
más concisas, asegúrate de presionar ese botón de
“Seguir” y echa un vistazo a mi clase más adelante, pero por ahora, sigamos adelante
y entremos en la inmersión profunda. este momento ya
tengo abierto Premiere Pro y lo que voy a hacer es
pasar por el proceso de importación. Ya he importado
el metraje a mi computadora desde la tarjeta SD. Tanto la Cámara A como la Cámara B
están aquí en la carpeta de video. Yo sólo voy a seguir adelante
e importar eso primero. Voy a arrastrarlo
, Film Yourself. Entonces voy a
importar el audio. este momento no importa
demasiado que no esté
organizado porque
lo que voy a hacer es resaltar
todo, hacer clic con el botón derecho y luego Crear Secuencia de
Origen Multi-cámara. Tengo la configuración de audio. Dejo el nombre como sincronismo solo porque así es más fácil. Enumerar Cámaras, Estéreo, Cámara 1 y Automática. Después hago clic en “Bien”, y
espero a que esto termine. Lo que hace la
secuencia fuente multicámara es que sincroniza el audio con el video y si no encuentra
ningún clip sincronizado, entonces aparecerá este mensaje. Sólo voy a hacer clic en “Bien”, y se han creado cuatro secuencias
diferentes. Ahora mismo, todo
esto es básicamente lo que he grabado para estas clases. Lo que voy a hacer es simplemente seguir
adelante y mostrarte
cómo edito una de las lecciones ya que básicamente es como un video de cabeza parlante. Haga clic con el botón derecho y luego
puede hacer clic en “Editar” o
“Abrir línea de tiempo”. Normalmente tengo atajos
para esto, así que es mucho más fácil para
mí hacerlo rápido. Para éste,
voy a seguir adelante y
seguir con el contenido guionado, que es éste, creo. Voy a seguir adelante y
salir de todo lo demás. Así es básicamente como
sincronizo el audio con el
video de manera muy rápida. Tengo aquí tanto la
Cámara A como la B. A partir de este momento, en realidad
no necesito usar el método multicámara
que pueda si quisiera. Por ejemplo, sigamos adelante
y creemos una secuencia. Yo uso el atajo. Básicamente se puede hacer clic derecho una nueva secuencia de
clip es lo que hice. Entonces solo puedes arrastrar. Creo que fue este
, así que vamos a cambiarle el nombre, Contenido
con guión y luego
puedes arrastrar esto. Lo genial
del método de
secuencia de fuentes multicámara es que, como puedes ver, esta es la Cámara A y luego si hago clic en “2", cambiará a Cámara B. Es bastante genial solo poder para cambiar de un lado a otro
y también puedes convertir
esta vista previa aquí mismo en el modo multicámara. A partir de ahí verás
todas las cámaras que se sincronizaron. Yo solo tenía dos Cámara
A y Cámara B. Si la tocas y luego cambias
mientras se está jugando, verás que
después de
detenerla, hace los cortes por ti. Tengo toda una clase
dedicada a realmente cómo usar el método
multicámara. No voy a
preocuparme demasiado por eso aquí. Echa un vistazo a esa clase si
te interesa,
pero por ahora, yo personalmente, si solo tengo dos cámaras, realmente no
me
importa tanto usar el método de fuente
multicámara. Sólo voy a
copiar todo y colocarlo en esta
línea de tiempo aquí mismo. Voy a cambiar el nombre de
la línea de tiempo. Todavía va a ser
Scripted Content y voy a
deshacerme de esta cosa ya que ya no la necesito. Desde aquí, recomiendo encarecidamente que estos van a ser mis métodos de edición
concisos, pero me gusta usar E como agregar edición a todas las pistas para nuestros atajos de
teclado. Puedes abrir los atajos de
teclado yendo a la pestaña Premiere Pro y luego a Atajos de teclado y luego puedes
buscarlo, agregarlo, editar. Da click en esta área y luego simplemente escribe
lo que quieras. Para mí, esa es E. También
tengo ahorro automático en, así que por eso hace
eso a veces. Simplemente me gusta
cortar la parte delantera y final solo para asegurarme de que
todo esté alineado. Me deshago del audio
que era de la cámara. Básicamente estaba ahí
solo para propósitos de hundimiento. Entonces este audio de aquí mismo, puedes ver que está
muy bajo en este momento, pero sigamos adelante y editemos
eso en Adobe Audition. Tengo los tres
audio de aquí, y básicamente está
vinculado con Premiere, así que no tengo que
preocuparme por ello. Tenemos múltiples. Creo que es la primera. Aplaudimos cada vez que
grababa una lección diferente. Sigamos adelante y solo
normalicemos esto muy rápido. Se puede acceder a eso
entrando en favoritos y luego normalizar a 3 decibelios
negativos es lo que acabo de hacer. Nuevamente, tengo una clase dedicada
a mejorar la voz en off. Eso es básicamente
lo que estoy haciendo aquí. Voy a hacerlo rápido. Voy a límite duro
hasta 18 negativo
solo para hacer más suaves estos aplausos. Eso es lo que son, aplausos. Lo que voy a hacer a continuación es usar el método súper rápido
que se me ocurrió, que es arrastrar esto
a la sonoridad del partido. Honestamente, bien podría
hacer esto para los otros mientras estoy en ello. Lo que voy a
hacer es solo apuntar a la
sonoridad establecida en negativo 28. Esto es en la ventana Match
Loudness donde solo puedes
traerlo aquí. Entonces estos son los parámetros que establecí y ejecutemos esta cosa. Lo que eso acaba de hacer
fue que el volumen
negativo 28 para todos ellos. Negativo 28 LUFS, es como una medida de sonoridad y el
estándar para archivos mono, que es lo que es esto, es negativo 19 LUFS. Lo que vamos a hacer a partir de aquí es que creé un preset de, básicamente hice un favorito. Grabé un favorito
que contiene un montón de acciones
diferentes que esencialmente lo
llevarán
a 19 LUFS negativos o
en algún lugar por ahí. La mayoría de las veces
termina siendo negativo 20. Vamos a seguir adelante y probarlo. esto lo llamo Favorito
Optimizar Audio Rápidamente. Nuevamente, si te
interesa cómo configuré esto y qué está haciendo todo esto, va a ser en
mi clase de voz en off, pero esto es solo yo mostrándote un método rápido para hacerlo. El resumen es que hice un EQ donde hice un
paso alto, paso bajo y luego hice dinámicas, que está en algún lugar alrededor de estas, como entre
negativo 2 y 3. Realmente no
necesitas
tanto la puerta automática o el expansor, en mi opinión,
a menos que tengas una configuración de grabación muy
ruidosa, pero la incluyo de todos modos. Umbral que establecí para estar alrededor
generalmente negativo 20ish, cuando está en negativo 20 LUFS. Entonces después de la dinámica,
eso es más o menos todo. Al igual
que después de la dinámica la normalizas. Intenta acercarlo lo más posible a 19 LUFS negativos
como sea posible. En este momento es negativo 23 LUFS. Sospecho que eso es porque
hay muchos aplausos que hicieron que la normalización fuera
más difícil de hacer. ver, estos son aplausos. Sigamos adelante y solo
lo subamos por tres decibelios y luego solo voy
a hacer un limitador duro a 3 decibelios negativos también. Una de las
habilidades más valiosas que puedes aprender, ideas sobre cómo hacerlo de
manera eficiente y finalmente, voy a repasar cómo edito. Asegúrate de seguir adelante
si quieres hacer. El audio me suena bastante
bien en general, excepto que me costó encontrar dónde están los puntos de aplauso. Voy a ir a la historia. En realidad puedes ver lo que hizo mi
Favorito aquí también. inició con el
ecualizador paramétrico y luego la dinámica. Este
ecualizador paramétrico de aquí es solo un estándar muy simple. Aumenta solo un
poco en la gama alta y disminuye un
poco en el extremo inferior. Eso es. Normalizar amplificar. Hagámoslo aquí mismo. Ahí mismo
hay un aplauso, creo. Aplaude aquí mismo y
aplaude aquí mismo y tal vez aquí también. Estos marcadores esencialmente solo me van a ayudar a averiguar dónde debería estar
cortando aquí mismo. Como puedes ver, los cambios
se reflejaron de Adobe Audition a Premiere,
lo cual es realmente genial. Sólo voy a hacer
estos cortes muy rápido. Todos estos van a
ser videos separados. Esto es probablemente solo
yo comenzando, así que no necesito eso. Un video aquí mismo, un video aquí mismo,
un video aquí mismo y un video aquí mismo. Entonces ahora puedo hacer
el limitador duro. Entonces voy a ahorrar, hay
que guardar para que
reflexione sobre Premiere Pro. Por último, esbocé una lista de verificación para cada vez que graba un video de la cabeza parlante y
pasamos por el
proceso de edición juntos. Esta es la conclusión
aquí mismo. Eso es lo que voy a hacer. Voy a seguir adelante
y editar la conclusión, ya que probablemente sea uno de
los videos más sencillos de editar. Este recorrido no
va a durar mucho tiempo. La razón por la que estoy haciendo eso es
solo para crear una nueva secuencia muy rápidamente basada en los
mismos ajustes que mi cámara. Realmente no me importa de
cuál lo hice, solo
voy a borrarlo. Boom, tenemos algo con
lo que trabajar enseguida. Lo primero que
voy a hacer es en realidad, debería haber hecho esto antes, pero solo voy a resaltar todos estos de un color diferente. Lo configuré como un Comando
Control A Para hacer un verde azulado. También puedes hacerlo con
solo hacer clic derecho, entrar en Etiquetas y luego elegir
el color que quieras. Pero hace que sea
más fácil distinguir esta es la Cámara A y
esta es la Cámara B. La mayoría de
las veces la forma en que trabajo es, simplemente la
dejaré
así por ahora así así así tengo la cámara principal. La cámara principal está
filmada en S-Log 3 para que podamos colorearla
más tarde solo porque es una reproducción más suave cuando hay menos
efectos en los clips. Sigamos adelante y entremos en
la fase de corte. La forma en que corté
es muy sencilla. Yo uso la forma de onda de audio
para simplemente indicar donde debo estar cortando. Aquí mismo se ve
como una frase, aquí
mismo
parece una frase, y básicamente,
empiezo desde el final si es contenido con guión, porque es más fácil
en mi opinión simplemente saber que la última toma. Para mí personalmente, la última toma suele ser la mejor, así que utilizo la última toma la
mayor parte del tiempo. Si suena bien y
escucho lo mismo, simplemente lo
cortaré
instantáneamente versus como si tuviera que empezar
desde el principio, escucharé una mala toma, escucharé otra mala toma, escuchar finalmente la buena toma, y luego borrar dos malas tomas. Pero escucho a dos de ellos así que toma más tiempo versus solo escuchar la buena toma y luego cortar las malas. Una manera fácil de
hacerlo aún más rápido que todavía no he utilizado con
demasiada frecuencia es que puedes transcribir la secuencia. Esto está en la
ventana de texto de aquí mismo y solo encuentras
Texto y lo abres, Transcribe Secuencia, y luego presionas ese botón
“Transcribir”. Adobe Audition creará
básicamente leyendas para ti. Si ves textos repetidos, entonces está claro que
básicamente es lo mismo. De esa manera ni siquiera
tienes que escuchar en absoluto, solo
puedes usar tus ojos. También voy a cambiar esto de
nuevo a la vista normal. Después de que eso se haya creado,
puedes presionar “Crear leyendas”. Dejo todo por defecto sobre todo porque
en realidad no voy a usarlo realmente. Como puedes ver aquí, no
me preocupa demasiado
la imagen en este momento, es principalmente solo edición. El texto también se presenta aquí, así que tenemos rienda suelta para
simplemente editar muy rápido. Los atajos que estoy usando
son los nativos Q y W. Básicamente, lo que hacen estos, si tienes un punto de corte aquí
mismo y usas W, borra todo
desde donde sea que esté tu cursor
de línea de tiempo hasta eso punto de corte. Lo haré obvio
haciendo esto rojo. En realidad espera, eso
va a hacer que sea más difícil, pero bien, aquí
solo voy a acercar mucho. Esta área de aquí
va a ser
eliminada entre el cursor azul y este punto de corte si presiono “W”. Entonces deshice, y
luego si le pego a “Q”, va a ir
al punto
de corte desde el lado izquierdo hasta el cursor
azul así. Esa es esencialmente una forma
muy rápida de editar y mi forma preferida. Solo asegúrate de
tener estos activados, lo contrario no funcionará. Video Canal 1, 2 y 3, solo hazlo todo azul, es la forma
más rápida y sencilla de hacerlo. Si quieres ver lo
que estoy haciendo t o, puedes encontrarme en YouTube. Todo suena bien. Básicamente estos
puntos aquí mismo donde simplemente no hay
audio o no se habla, solo los corté. Puedes reproducirlo
para ver la transición. Pero es claro que estos dos
son los mismos que estos dos. Yo sólo voy a seguir
adelante y cortarlo. Esto es lo mismo aquí
así que puedo cortar eso también. Escuchemos esta transición. Podemos hacerlo un
poco más corto. Eso me parece bien. Todo se ve bien. También estoy acercando y
alejando la línea de tiempo haciendo clic en
signo igual y menos. Escuchemos esta transición. Definitivamente hay
mucho espacio ahí, así que solo voy a
cortar el espacio. Se siente bien. Esto es lo mismo que
puedo ver basado en el texto. Parece que todo el
texto es diferente aquí así que sí parece que no
cometí ningún
error, afortunadamente. Entonces boom. Eso es básicamente
todo el corte. En base a los cortes, puedo decir dónde me
gustaría que aparecieran la Cámara B o la Cámara A. Definitivamente va a
haber B-roll a través de éste así que no tengo que
preocuparme demasiado por ello. Pero por ahora, lo que puedo
hacer es simplemente alternarlo. Voy a sostener Shift y
luego dar click en estos. Entonces lo que hice antes que
realmente no expliqué demasiado es que habilité
y deshabilité. Voy a hacer clic en
“Activar” ahora mismo y esta pausa de copia de seguridad,
así que ahora está visible. Se alternará
entre la cámara principal y la cámara secundaria
cada vez que haya un corte. Eso es lo que suelo hacer
por mis videos de cabeza parlante. Por eso realmente no
necesito el método multicámara porque este es
simplemente más rápido en realidad. Esto es como una versión corta
de lo que normalmente haría porque esto es sólo un minuto. Por lo general, algunos de mis videos
parlantes van a cinco minutos, pero ese es esencialmente
todo el proceso que hago, es simplemente repasar
todo de atrás para adelante. Para el atajo para habilitar y deshabilitar ya que
lo había mencionado,
lo que me gusta usar es
solo Comando Mayús E. Si resalta este clip, puede
desactivarlo y habilitarlo. Es solo una forma rápida de ver la capa inferior
o apilar capas que estás tratando de
elegir entre dos cosas y en realidad puedes
resaltarlas ambas,
mantienes presionada la tecla Mayús, haces
clic en la otra. Si haces el atajo, entonces puedes alternar
entre los clips y ver cuál
prefieres básicamente. Así es esencialmente como corté
las cosas en Premiere Pro. En la siguiente lección,
cubriremos cómo agrego efectos, B-roll y algo de color.
9. Edita el color: En este recorrido,
voy a repasar cuatro cosas principales, el
número 1 es color, número 1 es color, número 2 es como agrego en rollo B, número 3 es cómo agrego texto
y algunos gráficos en movimiento y luego el número 4 es
como agrego en la música. Entonces esta va a ser
un poco más larga, pero sigamos adelante
y hagamos esto. Sigamos adelante y
comencemos con el color. El color es en realidad bastante simple, al
menos el método
que uso para colorear mi metraje para videos de cabeza
parlante. Lo que personalmente hago, y voy a dar múltiples métodos si acaso realmente no
tienes la misma cámara que yo, pero voy a eliminar esta pista de subtítulos
solo para sacarla
del camino y tener más
espacio para trabajar. En realidad no necesito subtítulos así que solo reorganizando esto. Entonces lo que personalmente hago
es ir a Lumetri Color, es una Ventana que puedes hacerla estallar simplemente yendo a esta pestaña Ventana aquí mismo, y luego
buscando Lumetri Color. Entonces voy a la Fuente, porque la Fuente básicamente edita todo lo que es
este videoclip de aquí mismo, le aplicará los efectos de
color. Entonces esa es la totalidad de toda esta fila
que hice verde azulado, así video Capa 1. De esa manera no tengo que
añadir una capa de ajuste. Entonces este es otro método
que la gente usa con bastante frecuencia, que es que agregan una capa de
ajuste aquí mismo, nuevo elemento, capa de ajuste. Lo agregan en la parte superior y prácticamente
hacen la coloración
en la capa de ajuste. Esto es para que
no haya edición destructiva que no estés afectando esto
permanentemente pero honestamente,
para mis propósitos para hablar videos de cabeza, no
necesito hacer eso
porque necesitaría
aplicar a cada capa de
ajuste individual. cámbiala una vez que esta cámara B
aparezca y es mucho trabajo
que es innecesario. Entonces, si eres
corrector de color y gradación de
color B roll metraje
es comprensible, pero para los videos de la cabeza parlante
no es realmente necesario
en mi opinión. Entonces lo que voy
a hacer es mi método, como dije, ir a la Fuente. Lo primero que hago es ir
a la pestaña Creativo y agregar mucho o tabla de búsqueda. El que tengo personalmente, se
llaman los lotes fantasma, es algo
que tuve que comprar,
pero solo voy a seguir adelante y aplicarlo primero para que
veas cómo se ve. Entonces, como puedes ver, definitivamente ha cambiado
de antes y después. Solo aplicar el lote solo, honestamente, eso es
bastante bueno. No tienes que hacer
mucho más aparte de eso pero si quisieras, puedes entrar en las correcciones
básicas, balance de
blancos, puedes encontrar
algo que sea blanco. Para mí, no hay demasiadas cosas que sean
blancas porque tengo fondos
muy coloreados
así que no voy a cambiar el balance de blancos
porque se ve bien en general pero si quisieras, tú puede encontrar algo
que era blanco. Supongo que el tono de piel sabio,
es un poco mejor. Se puede decir usando
Lumetri Scopes. Básicamente, si fueras a
crear una máscara, voy a usar eso. Lo hago entrando en el control de
efectos usando la herramienta pluma y luego
repasando mi cara así, solo
estoy creando un triángulo. Se puede decir a través de los alcances
Lumetri
aquí mismo que si los
tonos de piel son demasiado rojos, van a estar apuntando en dirección roja y si
hay demasiado amarillo o naranja, van a estar apuntando hacia la dirección amarilla o verde, a veces tu
tono de piel es un poco verde. Entonces ahora mismo, en realidad
son tonos de piel perfectos, como mencioné antes siempre
puedes confiar
en tu vista, pero para mi solo puedo decir que mis tonos de piel se veían correctos. Ya he hecho suficiente edición donde
puedo decir si se ve
demasiado verde o rojo. Te voy a mostrar un ejemplo de ello moviéndose así que si es demasiado verde, que probablemente
nunca será como ese verde pero si es un poco verde, entonces puedes decir que es hacia el lado amarillo para
este Alcance Lumetri. Si no estás viendo este, tienes que hacer clic derecho en
el área de Lumetri Scope. Vas a Ventana, Lumetri Scopes está
justo aquí y luego da clic
derecho y es
el Vectorscopio YUV. Acabo de mover esta posición, así que cuando sea más verde
o más amarillento, apuntará hacia
aquí y se quiere agregar rojo o magenta para
arreglarlo básicamente. Entonces esto es como agregar
magenta aquí mismo, lo que arregla el tono de piel pero digamos que es verde, vamos a la máscara. Estoy usando atajos para
cambiar entre las pestañas. Ahora mismo,
lo cambié para cambiar X como Control de Efectos
y luego cambiar C como Lumetri Control o Lumetri
Color y esas ventanas, puedes sacarlos con
solo teclearlo y agregar tu atajo aquí mismo así
que cambiemos entre ellos. Control de efectos, voy a quitar la máscara muy
rápido para que veas que definitivamente ahora es más verde y solo volveremos
y la arreglaremos, muy sencillo. Así es más o menos
como haces los tonos de piel. Si no quieres
afectar todo el asunto, solo tu piel es el problema, entonces puedes usar HSL Secundaria. Simplemente selecciona dónde está tu piel, esta es la saturación de tonalidad y luminancia así que si
quieres seleccionar más de ella, solo
tienes que expandir estas pero ahora mismo, esta
selección sólo está en mi piel. Entonces, si tuviera que
cambiar el color, su mayoría solo quedaría en mi piel y no en
el fondo. Así es como básicamente
solo cambias tus tonos de piel sin cambiar los
colores en el fondo pero obviamente, para mí, realmente no lo necesitaba
porque disparé con el blanco correcto equilibrio
y buena exposición. La mayoría de las veces
mientras estés haciendo eso, no
tienes que hacer
demasiada corrección. De vuelta al lote, si no quieres comprar
mucho, para mí personalmente, ya que estoy filmando
con la Sony A74 lo que puedes hacer es ir a su página web y simplemente
descargar su lote gratis, eso es para S log3, que es con el que
estoy filmando. Es absolutamente gratis y
lo he usado antes. Práctico hace algo similar donde solo el
color lo corrigen. Así que no necesitas
ir a comprar ningún lote en absoluto, solo
puedes usar los
que sea cual sea el fabricante de tu
cámara, su compañía,
lo que sea que tengan de forma gratuita, y debería funcionar. Este lote fantasma, se
supone que debe coincidir con una cámara
llamada Arri Alexa, así que está coincidiendo con un look que es un poco diferente de
solo corregir el color. Por eso personalmente me gusta este y por eso
lo compré pero no es
necesario comprarlo. Eso es más o menos para el color en términos
de corrección de color. Si quieres
calificarlo un poco más, puedes darle un poco más de contraste si
te gusta ese look. Si está demasiado oscuro,
puedes exponerlo más alto, para
eso está también este Lumetri
Scope. Se puede ver 0 -100, esta es la Luma de Forma de Onda. Básicamente, no
quieres que nada vaya por debajo de cero o por encima de 100. Aunque, esta pequeña
astilla de aquí, que es la ventana, realmente no
me importa demasiado
si está recortada lo
que significa que es completamente blanca, no
hay más información. Entonces, si aumento los aspectos más destacados solo para
que en general se acerque a 100, porque generalmente la regla es
tratar
de que esto sea
lo más
extendido posible para que estés obteniendo el mayor contraste en cuanto a las sombras
y los reflejos. Entonces podría hacer eso, pero de nuevo, todo
esto es bastante subjetivo así que mientras no esté súper
aplastado en el medio, o no esté recortando en completa negrura o
blancura completa estarás bien. Realmente no
necesitas expandirlo particularmente siempre
tanto como sea posible. Es solo que si tu
filmación y estás tratando calificar algo lo
mejor posible, eso es lo que harías
pero para hablar video de cabeza, no
es del todo necesario, pero es solo algo a
tener en cuenta si eso es lo que quieres. Los blancos y los negros son
básicamente solo los extremos inferiores. Va de negros es
la oscuridad completa, estás controlando si las cosas en
la imagen que son
negras o no se vuelven
más brillantes o incluso más oscuras. Entonces las sombras
no son del todo negras, sino las cosas más oscuras, y el pelo y cualquier cosa
que sea una sombra básicamente. Básicamente estás controlando
las cosas más negras y luego las cosas negras menores y luego las cosas menos
brillantes y luego las cosas más blancas. Así funcionan estos
deslizadores aquí mismo pero de nuevo, personalmente para mí, fui muy decidida
con la forma en que
encendí las cosas en cuanto a
la iluminación. Así que no necesito
ajustarlo demasiado en post pero esto es lo que
hacen
estos deslizadores principales en caso de que quieras
ajustarlos. Pero eso es básicamente
todo lo que hago por el color. Normalmente lo hago en fuente, parece que accidentalmente lo
hice en el
propio clip y no todos a
la vez, pero eso es fácil de arreglar. Yo solo voy a
entrar en esto justo aquí, haga clic en este “Copiar”
así comando C, vaya a “Fuente”, y luego lo
voy a pegar en “Fuente”. Acabo de duplicar así que
voy a borrar esta. Ahora se puede ver que hay
una línea roja debajo de estos. Se aplica a cada
uno de ellos, donde en ese entonces solo
se aplicaba a este solo clip y
no a los demás. Entonces ese es el beneficio de aplicar tus efectos
a la Fuente y no solo un clip a la vez. Así es como lo hago
personalmente por lo menos. Eso es más o menos para el color.
10. Adición de B-Roll y efectos: Pasemos a agregar B-roll. La forma en que manejo B-roll es que suelo tener un guión
y luego basado en el guión, voy a filmar lo que me parezca necesario
dependiendo del guión pero por suerte para esto, sigamos adelante y escuchemos a ello. Primero, aprendes a
superar tu miedo a las tensiones. Es algo que llevará tiempo y práctica
abrirse paso. A continuación, aprendes
a configurar tu cámara con los mejores ajustes
y composición. Después de eso, cubres
cómo configurar correctamente tu audio. [MÚSICA] Para concluir, básicamente solo
estoy reiterando lo que
ustedes han aprendido. Lo que necesito es B-roll
de las cosas de la cámara, y luego un B-roll
de las cosas de audio, y el rollo B de
las cosas ligeras. Por suerte, ya
le disparé a todo. Es muy sencillo de
encontrar porque tengo una
carpeta llamada B-roll. Como dije, solo
miro el guión de ese video en particular
línea por línea y me voy, ¿quiero filmar
B-roll para esto? Si estoy hablando
del Rode VideoMic Pro, entonces solo disparo
B-roll para eso. Entonces si hablo de
la grabadora de audio F6, para
eso disparo B-roll. Entonces solo
lo traigo aquí y luego lo agrego uno a la vez. Trato de ir junto
con el guión, así que es como fácil de
agregar porque está en orden
cronológico, pero la forma más fácil ver B-roll es hacer
doble clic y crear un bin. Entonces uso la vista de iconos aquí mismo. De esa manera puedes ver
después de que esté cargado, lo que estás a punto de
agregar a la línea de tiempo. Como pueden ver,
hay cosas a las que disparé. Hago doble clic en él
solo para ver exactamente dónde
están las secciones de mercancías que quiero agregar. Parece que lo que
hice aquí fue que
me enfoqué en el A7C. Después de que se centra en, estoy haciendo clic dentro y fuera, que es yo y 0. Entonces solo arrastre el
video solo hacia aquí. A mí me gusta hacer este
rojo como B-roll, o al menos un
color diferente a éste. Yo configuré el atajo para leer como Command Control R y sus filas. Manera alternativa, como
mencioné antes, puedes hacer clic derecho en él
etiquetarlo y luego hacerlo, pero los atajos
te ahorrarán mucho tiempo. Básicamente configuré y uso tanto
atajos que
olvidé cómo hacer de
la manera original. A veces olvido que
esto en realidad está aquí pero este también se
filma en S-Log 3, así que necesito aplicar realmente. creé un
preajuste rápido para ello. [MÚSICA] Todo lo que hace es agregarle
esta luz. Eso es. Puedes hacerlo
entrando en el control de efectos, haciendo clic con el botón derecho y decir preset. Probablemente podría hacer un
poco más de trabajo en ello. Parece que puede usar
un poco más de contraste. En lo más oscuro y
no está llegando del todo a cero. Agreguemos algunos
negros y sombras. Eso es lo suficientemente bueno para mí. Todavía se ve bastante bien. Creo que quiero dos, no solo un disparo. A veces cuando es como
una repetición de B-roll, solo
entro en la
otra línea de tiempo. Por ejemplo, también he editado
todas las demás lecciones. Todo lo que necesito hacer es
tomar un tiro desde aquí y ponerlo aquí. Quieres no tener estos dos seleccionados para que
puedas pegarlos en Video 3. Configuré un atajo
que es el turno 1, 2, 3 donde simplemente
alterna los videos. Puedo hacerlo fácilmente rápidamente. Entonces vuelve a encenderlos
porque estos azules alterna, controlan muchas cosas. Como por ejemplo, si esto
es un descanso demasiado largo, y quería usar el
método de edición de q y w, si no tengo estas
dos cosas alteradas, y no tuve esto,
no
funcionaría del todo porque si hago
clic en Q aquí mismo, va a ir a
lo que sea que esté activado, que pasa a ser
el audio también, pero déjame desconectarlo. Ahí vas. También funciona
para el audio, pero digamos que acabas de tener Video 1. Sigue funcionando de esta manera
porque tienes Video 1 pero si no tienes
estos activados, entonces te confundirás con
por qué q y w no están funcionando. Por eso siempre los
mantengo encendidos a menos que tenga que pagar algo.
Vamos a agarrar eso de vuelta. Sigamos adelante y les
enseñemos cómo agregar
algunos fotogramas clave muy rápido. Este es solo para que no
sea tan estático. Voy a simplemente agregar un
fotograma clave donde estoy subiendo la escala no demasiado, 110. Configuré un fotograma clave al final y un fotograma clave
al principio. Puede hacer clic en este símbolo
aquí mismo para agregar el fotograma clave. Simplemente lo ajusto
deslizando a izquierda y derecha, pero lo voy a mantener a 100
para que se acerque. A continuación, aprendiste
a configurar tu cámara. Eso no es lo suficientemente
sutil así que sólo
voy a hacer 105. A continuación, aprendiste
a configurar tu cámara con los mejores ajustes
y composición. Después de eso, cubrimos cómo
configurar correctamente su
equipo de audio y equipo de
iluminación. Digo audio y luego iluminación. Sólo voy a hacer eso
con fines de marcador. Podría simplemente agregar
marcadores haciendo clic en M, pero personalmente no me
gusta cómo se ven los marcadores, así que hacer esto es suficiente para mí. Nuevamente, la intro tiene
la mayor parte del B-roll organizado ya, pero este es básicamente el
proceso de agregar B-roll. Es un
proceso muy sencillo en general. El motivo por el que veas algunas
de estas cosas ya tienen esta cosa es porque lo hice antes
para las lecciones anteriores, pero de nuevo, solo yo y O y
luego solo arrastré el clip. Además, un truco muy pulcro que me gusta hacer es mover este cursor
azul rápidamente. Configuré el atajo
de comando y menos para simplemente ir al punto de pista
anterior, y luego plus para el siguiente es solo una forma rápida de
moverme a la que me he acostumbrado. Es como instintivo en un teleprompter comparado con
hablar de estilo libre. Por último, esbocé
una lista de verificación para cada vez que graba un video de cabeza
parlante. Pasamos juntos por el proceso de
edición. Proceso de edición en conjunto. Para esa, solo puedo agregar
una cosa de grabación de pantalla de la línea de tiempo de edición. Parece que ese no es
el indicado, éste. [MÚSICA] Básicamente, solo
selecciona cualquier cosa que funcione. Esto funciona. Lo hace
así y pegarlo. De nuevo, eso fue un poco mucho y ese es el proceso
de B-roll básicamente. Pasamos juntos por el proceso de
edición. La lista de verificación, no me importa mostrarme diciendo eso. Estoy a punto de reagrupar el proceso
de edición juntos. Espero que hayas podido
conectar tu proyecto de clase y crear el tuyo
propio [inaudible]. Por favor, siéntase libre de enviar
su proyecto de clase a continuación y haré todo lo posible para
revisarlo y darle su opinión. Por último, quiero darle
las gracias por llegar al final de esta
clase. Ha sido divertido hablar de algunos videos. El resto es
básicamente solo yo hablando. Ahora, hablemos de algunos gráficos en movimiento
y algunas cosas de efectos que suelo usar para mi video y que es compositor
premier. Básicamente es un plugin. Lo puedes encontrar después
de descargarlo. La forma en que lo descargas
es a través de un sitio web llamado MisterHorse.com y
luego vas a sus productos, compositor
Premier,
productos, Premier Pro y compositor Premier aquí mismo. En realidad es un plugin gratuito, pero hay cosas
que puedes comprar, pero sí vienen con presets
gratuitos por lo que no
necesitas comprar nada
para que lo uses. Pero personalmente, sí
compré algunos de sus packs pero solo podrías usar
su pack de inicio. Solo usaré este paquete de
inicio para entonces ustedes puedan tener una
idea de cómo usarlo. Después de que lo descargues,
verás algo como esto y sigamos adelante y solo usa el
ajuste preestablecido de alejamiento aquí mismo. Necesitas tener el cursor azul entre
los puntos de corte. Eso es lo que hice antes. Lo tenía entre
aquí y toma
algún tiempo para que esto avance,
para que se cargue la vista previa pero ojalá,
se pueda ver a través de ella. A continuación, aprendiste a
configurar. Difícilmente se puede ver pero básicamente,
aplicó el preset donde se aleja hacia
la siguiente escena. Eso es lo que suelo
usar para mis transiciones. Voy a seguir adelante y aplicar
uno aquí también. Solo hagamos el
sombreado de la historia pero como este es el video de
conclusión, ustedes pueden ver los
efectos al final. Esa es una de las razones por las que decidí editar el video de
conclusión. Entonces básicamente se puede ver el resultado final de la edición. Solo pensé que eso tenía más sentido y por
eso elegí eso, pero el
compositor Premier también tiene cosas
tecnológicas que puedes
agregar, lo cual es realmente genial. Realmente
ya no uso
demasiado del pack de inicio porque sí
compré los otros. Este es un increíble conjunto de cosas. Es como una herramienta que
acelera tu edición como una locura. Lo que hice personalmente es agregar mis favoritos a
una línea de tiempo que es 4K. Entonces solo
los agrupo y solo
puedo copiarlo y
luego pegarlo aquí. Boom, ahora tengo uno donde
solo puedo editar el texto
en compositor premier. Solo tienes que seleccionar
uno de ellos manteniendo presionado Alt u Opción y luego ahora,
puedo cambiarlo a
lo que quiera. También agrupé
la transición. Al igual que acerca
y aleja, esa es una forma súper rápida de tenerlos listos,
copiarlos y pegarlos en la línea de tiempo. [RUIDO] Esto es como un método que
realmente no he visto usar a nadie. Yo solo pensé que tenía
más sentido hacer esto. No tienes que
rehacerlo una y otra vez. Sí, ese es mi método. Es como una plantilla, pero lo genial de
esto es que en realidad
puedes agregar sonido y transiciones a la plantilla si usaras algo
llamado Essential Graphics, donde puede abrir la ventana y
es gráficos esenciales y puedes crear plantillas
y cosas en After Effects. Principalmente creo
en After Effects, estas plantillas aquí mismo. Eso es lo que he
estado usando para algunos de los encabezados de temas es
este de aquí. En realidad es en 1080, pero solo lo
he estado escalando. Esto es básicamente algo que
creé en After Effects
y lo acabo de traer, pero no tienes que
hacerlo siempre estés usando los complementos
y el método de la línea de tiempo bastante
bien, no es necesario. Personalmente pienso que
esta forma de Essential Graphics es en realidad más lenta, pero así es como
personalmente manejo los
gráficos en movimiento y el texto. Definitivamente no es
una manera común que me siento. Creo que la mayoría de la
gente iría por la ruta de Essential Graphics, pero sí, eso es solo mis dos
centavos en cómo hago las cosas.
11. Agregación de música y exportación: A partir de ahí, agreguemos la música. Para mí personalmente, lo que suelo usar en términos de
música sin derechos de autor y esas cosas, voy a la Biblioteca de
Música de YouTube. Para ello, en realidad tienes que
tener una cuenta de YouTube. Vas a YouTube Studio, baja a tu audioteca y básicamente puedes encontrar música sin derechos de autor aquí mismo. Otras opciones, podrías
encontrar música sin derechos de autor si te suscribes
a algo como Epidemic sound o Soundstripe, esos son dos servicios
que usé anteriormente que ya no uso solo porque hay que pagar por
esos mensualmente. Estos días, básicamente solo he estado usando la
Biblioteca de Audio de
YouTube. Después encuentro algo de música libre de derechos de
autor que me gusta ya sea en la
biblioteca de YouTube o en Google, solo buscándolo y encontrando
sitios que la tengan
gratis , eso es libre de derechos de autor. Yo solo voy a la línea de tiempo
y la agrego aquí mismo. Lo que hago es agregar la
música una y otra vez para que la que uso
mucho sea una canción llamada Lotería. Una vez que lo agregas, lo que
puedes hacer es simplemente clonarlo, que es lo que hice
aquí varias veces. Yo solo sostengo Alt y
luego puedes clonarlo. Lo cloné varias veces, también puedes entrar en la Ventana, que es Medidores de Audio
o Mezclador de Clip de Audio. Hay múltiples de
ellos que podrías hacer, pero yo uso el mezclador de
pistas de audio principalmente y luego hago negativo
25 en la Pista de Audio 1. Realmente nunca tengo que hacer
demasiado con la música porque los efectos se
aplican aquí mismo. Pero después de tener
eso en una línea de tiempo y simplemente crear
una nueva línea de tiempo, ya sea en base a este
clip de aquí mismo o simplemente puede hacer el comando
N para crear una nueva línea de tiempo. Pero creé esta línea de tiempo. Ahora solo puedo
agregarlo al final. No va a haber video, es principalmente para la música así que voy a eliminar eso manteniendo la opción, eliminándola. Entonces corté
lo que no necesito. No me gusta tener
el principio porque el principio
es un poco suave y la música
aún no ha
entrado del todo así que esto es lo que hago,
estirarlo todo el camino. A una potencia constante cruzada, es un desvanecido cruzado. Puedes hacerlo mediante el
comando Shift D y eso solo
agregará la transición, asumiendo que tienes la transición
por defecto, aquí mismo. Set Selected as
Default Transition y eso es lo que tengo como predeterminado,
es potencia constante. Eso es más o menos. Hemos concluido
la conclusión. A partir de ahí, solo necesitas
mandar M o ir a exportar, básicamente, para que puedas ir archivo, exportar y elegir la ubicación, nombres de archivo, cosas así. este momento lo tengo como adaptativo, como match source
adaptativo velocidad de bits media. Obviamente esto
depende de lo que estés haciendo. Puedes hacerlo lo más alto
posible si quieres. Creo que en realidad voy a hacer eso, y luego video, más. Renderizar a máxima profundidad, use la máxima calidad de renderizado y realmente puede ver
la velocidad de bits aquí mismo. tasa de bits objetivo en este momento es de 60 y eso es bastante alto en realidad, pero sí elegí
el más alto. Esto afectará mucho el tamaño
de tu archivo así que si lo
estás arrastrando hacia abajo, puedes ver que
el tamaño del archivo
aquí mismo baja considerablemente. Pero dejémoslo a los 60. Básicamente, todo lo que hace
es hacer que este video se
vea lo mejor que
puede si lo estás configurando para
que sea más alto. Pero claro, si
tuvieras que ponerla súper baja y luego la exportas, no
va a
quedar muy bien. Cualquier movimiento va a
verse muy torcido y raro así que sí quieres que esto sea
como un número decentemente alto. Al menos 10, depende de
lo que estés haciendo. Para mí es 4K, así que alrededor de 4K, idealmente tienes
esto alrededor de 30-40 y ese es un número bastante
importante aquí
mismo cuando
exportas cosas. Eso es más o menos. Sigamos adelante y
exportemos esta cosa. Así es más o menos como
edito mis videos de la cabeza parlante. Apenas como resumen, lo que
hice fue, número 1, edité el audio
en Adobe Audition, lo vinculé
dinámicamente y luego hicimos como una
multicámara para sincronizar las cosas. Entonces lo trajimos a
una línea de tiempo normal. Lo corté desde el
principio hasta el principio porque era contenido con guión y podía usar
leyendas para simplemente ver dónde repetía líneas y solo
tomé el tic final. A partir de ahí, lo que hicimos
fue agregamos color. Utilizo la configuración de origen
básicamente para editar todos los videos o todos los clips que fueran
del mismo video grabado. Así es como le agregué
el color a eso. Les mostró a ustedes cómo básicamente
buscar mucho y les mostró los conceptos básicos para
manipular el contraste, reflejos, las sombras, esas cosas. Después echamos un vistazo a
Premiere Composer que es el plug-in
que utilizo
la mayor parte del tiempo para un gráfico central y texto y
transiciones también. Básicamente, cualquier efecto que veas en mis videos la mayor parte
del tiempo uso
Premiere Composer. Entonces eso fue efectos y luego miramos cómo agregué música, y a partir de ahí,
solo exportamos el video. Ojalá,
todo este recorrido fue una
experiencia de aprendizaje para ustedes. Sé que fue mucho en un período
condensado de tiempo y usé mis hábitos de solo
atajos y cosas así. Pero ojalá, al
ver el trabajo, ustedes puedan entender cómo se ve el flujo de trabajo
cuando se acostumbra a él. Nuevamente, tendré clases
donde sea un poco más de
profundidad en cuanto a la
edición en Premiere Pro, porque todavía no he creado una clase específicamente
para Premiere Pro, pero definitivamente lo haré
esperamos con ansias eso. Este recorrido
en particular fue principalmente solo para darles una idea de cada paso
del proceso de edición de una
manera rápida. Nuevamente, es mucho
cómo edito personalmente las cosas y no es
necesariamente una forma estándar. El video ha
terminado de exportar. Ahora ustedes pueden ver el video
de conclusión al
lado para ver el trabajo finalizado.
12. Conclusión de la clase: Enhorabuena por
llegar al final de esta clase. Aquí tienes un resumen de
lo que has aprendido. Primero,
aprendiste a superar tu miedo a la timidez de la cámara. Es algo que
llevará tiempo y práctica abrirse paso. A continuación, aprendiste
a configurar tu cámara con los mejores ajustes
y composición. Después de eso, cubrimos
cómo configurar correctamente su equipo de audio
y equipo de iluminación. También hablamos de usar un teleprompter comparado con
hablar de estilo libre. Por último, esbocé
una lista de verificación para cada vez que graba un video de la cabeza
parlante, y pasamos juntos por el proceso de
edición. Espero que hayas podido terminar el proyecto de clase y crear
tu propio video de cabeza parlante. Por favor, siéntase libre de enviar
su proyecto de clase a continuación, y haré todo lo posible para
revisarlo y darle su opinión. Por último, quiero darle las gracias por llegar al
final de esta clase. Ha sido divertido
poder hablar contigo algunas cintas de video. Si aprendiste algo
o disfrutaste de la clase, te
agradecería que dieras esta clase y revisaras y presionaras
ese botón de seguir. Tengo muchas ganas de
hacer más clases y me encantaría
que fueras parte de ella. Mientras tanto, si quieres ver lo
que estoy haciendo, puedes encontrarme en YouTube. Mis canales se llaman
Dreamlit y Scottie loop. De todos modos, mucha suerte
con tus proyectos, y espero verte
en la siguiente clase.
Scott Luu, Video Creator
