Transcripciones
1. Introducción: ¿ Alguna vez te has sentado junto al mar y has observado los continuos movimientos de las olas y del cielo y pensamiento, cómo capto eso? Hola, soy Khadija, artista,
emprendedora, y comercializadora digital de la India. Llevo más de cuatro años pintando con acuarelas. Me encanta sumergirme en el aire libre y pintar la naturaleza. Crecí en un pequeño pueblo costero llamado Vizag en Andhra Pradesh. Siempre me ha fascinado el movimiento de las olas y las nubes cambiantes. A lo largo de los años, he ideado técnicas
sencillas y efectivas para captar este movimiento en una pintura. Pintar elementos naturales y dinámicos viene con tres grandes retos. Uno, Una superficie todavía está pero la naturaleza está cambiando constantemente. ¿ Cómo captas este movimiento en un cuadro? Veo en 180 grados, que es mucho para mirar, entonces ¿cómo capto lo que estoy viendo? Por último, tres, ¿cómo selecciono colores naturales en ubicación para realzar mi trabajo? Bueno, esta clase te ayudará a simplificar elementos en movimiento y dinámicos y crear una hermosa pintura costera mientras te sumerges al aire libre. Es perfecto para principiantes en acuarela y cualquier persona que ame pintar la naturaleza. A lo largo del proceso, he incluido ejercicios de práctica y consejos útiles sobre los conceptos básicos de la luz y la sombra, cómo agregar textura al sol y las olas, y agregar pequeñas figuras para agregar interés a tu escena. A modo de bono, te mostraré cómo tomar una foto para redes sociales. Al final de esta clase, no sólo
tendrás un hermoso cuadro costero listo para el mundo,
sino también la confianza, el flujo y la finura para acercarse a cualquier elemento en movimiento de la naturaleza. Vamos a movernos.
2. Tu proyecto: Hablemos de tu proyecto de clase. Te sugiero que pintes junto a mí, sobre todo las técnicas de calentamiento. Una vez que estés cómodo con él, sal al aire libre, o encuentra algunas fotos antiguas de vacaciones y crea tu propia pintura. Para el proyecto final, estaremos pintando un paisaje costero desde visor, India. He adjuntado la imagen de referencia en la sección de recursos. En esta clase, te guiaré por los materiales que necesitarás, un enfoque fácil para simplificar elementos dinámicos, y haremos algunos ejercicios de calentamiento del mar y del cielo. Entender cómo seleccionar y mezclar colores naturales para tu pintura. Te explicaré diferentes tipos de composiciones como las formas L y S, y cómo crear y encontrar tu propia composición, sobre todo al aire libre. Juntos, pintaremos cada elemento del paisaje costero, el cielo, las colinas, el sol, el mar, y pequeñas figuras para añadir carácter a tu pintura. El aguinaldo, les voy a compartir dos maneras fáciles de tomar una foto de su cuadro. Si eres principiante a la pintura al aire libre y te gustaría entender los matices más pequeños de los paisajes de acuarela y la pintura al aire libre, echa un vistazo a mi clase anterior, Experimenta el aire libre. Después de que completes los ejercicios de calentamiento y el proyecto final conmigo, te sentirás extremadamente cómodo para crear elementos
dinámicos y hacer tu propia hermosa pintura de paisajes marinos. Te invité a publicar tu trabajo en la sección de proyectos. Esta es una zona sin juicio para ayudarse mutuamente a aprender y crecer.
3. Tus materiales: Estos son algunos del material que necesitarás para esta clase. Estas son solo recomendaciones. Por favor siéntete libre de usar lo que tengas. Seguro crearás una hermosa pintura. Este DIY hardboard para sostener la pintura. Este conjunto de acuarela de imprimación. Esto es pequeño y práctico, sobre todo cuando estoy pintando al aire libre. Además de los colores de imprimación, tengo tres colores amarillo medio, que es el gris, el azul
cerúleo y el azul turquesa de Payne . Esto se debe a que uso mucho blues. Normalmente no lavo mi paleta porque me ayuda a levantar color y crear diferentes mezclas de color cada vez que estoy pintando. Un cuaderno de bocetos de acuarela. Utilizo cuaderno de bocetos [inaudible], que es de 200 GSM y 100 por ciento de algodón. Por favor, asegúrate de usar papel de acuarela ya sea en hojas sueltas o como cuaderno de bocetos. Estaré usando estos tres pinceles. Este es un pincel simulado de Escoda, talla 12. Este es un cepillo Princeton, cepillo redondo tamaño 10, y este es un tamaño 6. Para mí, 3-4 pinceles son suficientes mientras pinta. Ve que eres mínimo y ajusta con los pinceles que tienes. Un recipiente de agua, una cinta de enmascaramiento, un lápiz, y un pañuelo. Una pluma estilográfica en la que agregué tinta sepia que es de color marrón, y una pluma blanca solo para agregar reflejos algún tiempo a tiempo. Saca tus suministros y únete a mí en la siguiente lección.
4. Cómo abordar los elementos dinámicos: Estas son dos cosas que debes tener en cuenta mientras pintas elementos dinámicos. Eso es variación tonal y trazos de movimiento. Empieza a observar conscientemente la naturaleza a tu alrededor. Cuando miras el mar, nota la variación tonal en las olas. Simplificemos esto mirándolo en una escala en blanco y negro. Ahora puedes identificar fácilmente los tonos claros, medios y oscuros. Al pintar un elemento dinámico, necesitamos captar esta variación tonal. Hacer esto es la mitad de la batalla ganada. A modo de ejemplo, veamos este cuadro. Nos hemos quedado en blanco para mostrar la forma de las olas y el reflejo del sol. Hacia el final está el tono más oscuro, y en medio está el tono medio. En segundo lugar, necesitamos acercarnos a esto como un objeto fijo, pero crear movimiento. ¿ Confundido? Lo simplificaré. Si ayuda, toma una foto. Una imagen hace inmediatamente un elemento dinámico en un elemento fijo. En este cuadro, mira la dirección de las nubes y la dirección de las olas. Esto es en la dirección en la que vamos a hacer nuestros trazos. La dirección de tus trazos ayuda a crear movimiento en tus pinturas. Echemos un vistazo a este ejemplo. Cuando pintamos el mar, no
pintamos cada ola, sino una dirección de la ola. Ve cómo solo estoy creando trazos para crear dirección y movimiento para las olas. Entraremos en los detalles de esto en la siguiente clase, que es una clase de calentamiento. De igual manera, cuando creo el cielo, me muevo de izquierda a derecha o de derecha a izquierda conscientemente para crear movimiento en el cielo. Nuevamente, entraremos en los detalles de esto en nuestra próxima clase, que será una clase de calentamiento.
5. Calentamiento con el cielo: trazos con pincel: Empecemos con el cielo. Para el cielo, estaremos usando una técnica húmeda sobre húmeda. Esta técnica ayuda a mantener las cosas suaves y crear movimientos en las nubes. Empecemos por decidir el color que usaremos para el cielo. Estoy usando una mezcla de azul turquesa y azul ceruleo. Siéntete libre de usar el azul que tengas en tu paladar. Para crear profundidad y pelusa en el cielo y las nubes, estaré usando un segundo color, que será de color púrpura. Estos son los dos colores que estaré usando para el cielo. Empecemos el calentamiento para el cielo. Estaré usando un cepillo escoda talla 14. No obstante, siéntete libre de usar el cepillo que tengas. Trata de usar un tamaño más grande, digamos entre 10-14. Ahora, estoy tomando agua clara y creando una capa de agua limpia en mi página. Deberías ver un brillo de agua y ver que no
hay charcos creados al hacer esto. Debe ser un tono uniforme de agua. Una vez que tengas esta capa de agua clara, vamos a luego poner en el color. Ahora mismo estoy tomando azul turquesa y azul ceruleo en mi pincel. Ahora, observa como solo estoy usando la punta del pincel para crear nubes, y no estoy poniendo el color en todas partes. Lo que intento hacer aquí es dejar partes blancas, que se verán como las nubes. Porque es acuarela, deja que el agua esparza el color, y no pongas color en todas partes. Para la parte superior, pongo un tono parejo porque no quiero tener nubes justo en la parte superior, porque así es como observo la naturaleza. Además, la parte superior será más oscura que el resto del cielo, para crear esa profundidad. Hacia el fondo, utilizo la punta extrema para solo mostrar nubes muy pequeñas. Sigue observando cómo sostengo mi pincel, y cómo cambia dependiendo de la parte del cielo en la que esté trabajando. Ahora, voy a tomar un pañuelo y levantar algunas partes del color para que las nubes sean más prominentes. Haz esto suavemente. Ahora estoy usando un pincel un poco más pequeño, un cepillo redondo tamaño 6, y tomando morado en mi pincel, y tratando de agregar pelusa al cielo. Apenas en ciertas partes donde sientes que hay nubes debajo de la parte blanca, agrega este morado para que las nubes se vean esponjosas. Déjame hacer un resumen rápido de los tres pasos para crear el cielo. En primer lugar, pon una capa clara de agua, luego usa un pincel más grande, y en un ángulo de 45 grados, agrega en el cielo y sé particular para dejar espacios
blancos para dejar que el agua fluya y dejar que se creen las nubes. Después usa morado y crea pelusa en tus nubes. Puede que no consigas esto la primera vez, pero no necesitas endurecerte, y seguir practicando. Estos son elementos que puedes incluir en cualquiera de tus pinturas.
6. Calentamiento con el mar: Crear olas: Para el mar, estaremos utilizando una combinación para la técnica húmeda sobre húmeda y una técnica húmeda sobre seca. Demostraré dos estilos de pintar el mar. Uno, será una orilla y olas y otro, será una vista oceánica. Actualmente estoy haciendo un dibujo de línea muy básico, que incluirá la línea costera y el horizonte para el que tiene costas y olas, y la segunda vista oceánica sólo tendrá la línea del horizonte. Los colores que estaré usando son una mezcla de azul turquesa y azul ceruleo. Siéntete libre de usar cualquier azul que tengas. Para las olas, solo voy a tomar un poco de pigmento de mi pincel y hacer un rápido movimiento de mi pincel de izquierda a derecha. De qué manera esto ayuda es mostrar velocidad y movimiento y dejar alguna parte blanca que muestra el reflejo y la forma de las olas, y así es como vamos a hacer las olas. Para hacerlo más fácil, toma algo de pigmento, limpia un poco del pigmento en un papel de seda y luego mueve rápidamente el cepillo de un lado a otro. Esto puede llevar algo de práctica. Simplemente practica esto un poco, y esto se llama técnica de pincel seco. Ahora lo que también podemos hacer es usar un poco de pigmento y moverlo desde el otro lado para mostrar las olas que están golpeando la orilla y regresando. Además, agreguemos algunas profundidades hacia el extremo más profundo mediante el uso del mismo pigmento, esa misma combinación de colores, pero más de pigmento y menos de agua por lo que crea un azul más profundo. Solo estoy pintando la arena rápidamente para que puedas entender el efecto de las olas. Sólo estoy usando una siena quemada y rápidamente haciendo la arena. También puedes sostener tu pincel en un ángulo de 90 grados y crear unas olas más pequeñas hacia el final donde el agua está llegando hacia la orilla. Para la segunda, estamos usando una técnica húmeda sobre húmeda, lo que significa que moje primero el papel antes de agregar el pigmento. En la parte donde tenemos el mar, solo
estoy agregando agua clara uniformemente en toda la sección donde quiero pintarla. Estoy usando la misma mezcla de azul ceruleo y azul turquesa, y simplemente agregando trazos suavemente. En esta técnica húmeda sobre húmeda, el pigmento se mezcla con el agua y así te da un aspecto suave. Hacia el horizonte, voy a tener un pigmento más oscuro y hacia mí, va a ser más claro. Yo también en ángulo de 45 grados agrego algunos trazos, por lo que se siente como si hubiera olas en el mar. Estas son las dos técnicas. Una es una húmeda sobre seca y una húmeda sobre húmeda, dependiendo de cuál sea el efecto que se desee crear. Ahora que esto es semiseco, lo que voy a hacer es que voy a añadir suavemente trazos de las olas. Simplemente agrega esto en unas pocas áreas y deja pocas áreas blancas, para que puedas ver unos tonos claros, medios, y oscuros de olas en el mar. Ahora voy a añadir un cielo en dos tonos de morado mostrando el amanecer o el atardecer, para que puedas entender el cielo y el mar en este cuadro. Para el primer cuadro, animo a utilizar lo que aprendimos de la primera lección sobre el cielo y agregar el cielo por su cuenta para el primer cuadro. Practica ambas técnicas, para que puedas aplicarla siempre que quieras agregar ondas o vista oceánica a tus propias pinturas.
7. Selección de colores: Para capturar la esencia de los elementos dinámicos, debes elegir tu color sabiamente. No trates de elegir los elementos exactos. Tan solo intenta hacerte una idea del lugar a través de tu selección de colores. Cuando miras tu escena de imagen, ¿cuáles son los colores que notas? Cuando miro esta escena, en el cielo, no
veo una sino una mezcla de dos colores, turquesa y azul ceruleo. Por las nubes, veo que me gustaría dejar el papel blanco, y por la sombra de las nubes, veo púrpura. Empieza a notar qué colores ves en tus escenas. Ahora estudia tu caja de pintura y entiende qué colores irán mejor con tus temas actuales. Estoy muy familiarizado con mi palet, y por eso es fácil para mí identificar los diferentes colores que van a ir bien con los diferentes temas que estoy eligiendo en este cuadro. Déjame mostrarte cómo hago esto. Ahora estoy seleccionando los colores. En primer lugar, me voy a llevar azul turquesa. Lo que ves en la página en este momento es azul turquesa. Ve qué colores tienes de tu paleta que va bien para el cielo. Ahora lo que ves es a mí poniendo azul cerúleo. Ahora voy a mezclar estos dos colores en mi paleta. El tercer color que estoy poniendo es una mezcla de los dos primeros colores. Mezclar estos dos colores me da un hermoso tono nuevo. Ahora volvamos a nuestra composición y veamos los colores que vemos para la arena. Para la arena, veo mezclas de amarillo y marrón y así usaré ocre amarillo y siena quemada. Ups. Este color se ha mezclado, pero lo que voy a hacer es que voy a usar ocre amarillo. Ve qué amarillo tienes que irá bien por algo como la arena. Se trata de siena quemada, que es de color marrón. Ahora en mi paleta, estoy mezclando estos dos colores y juntos me están dando un hermoso color arenoso, marrón amarillento. Nuevamente, mira los colores que tienes, lo que te gustaría mezclar y lo que va mejor. volver a observar el cerro, veo un verde muy profundo. Voy a mezclar verde savia con morado para que sea un verde profundo y opaco. Si tienes un verde más claro solo mezcle más de morado. Este primer color que me has visto poner es un
verde savia y el segundo color que acabo de poner en la página es un morado. Ahora mezclaré estos dos para conseguir este verde profundo. A ver cómo decido qué colores mezclar. En primer lugar, he tomado el blues para crear un tono diferente
del mismo color, y el marrón es un tono de naranja, por lo que un color vecino al amarillo y por lo tanto van bien entre sí. El tercero es una mezcla donde he tratado de profundizar un color. Usa colores similares, colores complementarios, o algo que quieras profundizar para crear tu propia mezcla de colores. Yo uso los colores como fórmula, y por eso he escrito turquesa plus cerulean te dará una nueva mezcla del color. El primero será mi cielo y mar porque el cielo es un reflejo del mar, van a ser del mismo color. El segundo es la tierra o la arena, y el tercero es el follaje. Adelante y selecciona los colores que te gustaría usar para tus elementos.
8. Tipos de composiciones: Hablemos de los diferentes estilos de composición que puedes crear. ¿ Qué es la composición en el arte? La composición es una forma en la que se combinan diferentes elementos de una obra de arte. Se refiere a los temas clave de una obra de arte y cómo se organizan en relación entre sí. ¿ Por qué es importante? El orden de los elementos en una buena composición crean la obra de arte en un todo unificador. Orienta el ojo del espectador de una manera decidida para crear dirección en la obra de arte y significado en cada elemento. En primer lugar, cubriremos tres estilos de composición más utilizados en paisajes. Aquí, puedes ver que he dividido el
cuadro de Van Gogh Noches estrelladas en líneas verticales y horizontales. Verás que aparecen múltiples líneas horizontales y verticales y por lo tanto múltiples en forma de L. Esto crea una sensación de paz y serenidad. En este cuadro de Claude Monet, se
puede ver que se forma una S o una Z. La forma S guía tu ojo y da a los espectadores un camino a seguir. La forma S o Z crea el enfoque en la composición. Diagonales, este estilo es genial para crear tensión visual en tu composición. El sentido de los trazos, como se puede ver, son del lado diagonal. Funciona bien con elementos dinámicos. En este cuadro La gran ola, se
puede ver cómo se utilizan las diagonales para crear tensión en las ondas. Las siguientes cuatro composiciones no son específicas de paisajes, pero son composiciones de uso común en otros temas. Triángulos, este es un uso de composición extremadamente común en retratos, aquí en la pintura de Mona Lisa, se
puede ver cómo se compone el sujeto dentro de un triángulo, enfocando la atención del espectador en esa sección. Agrupando, en este estilo de composición, creamos clústeres para agregar peso a la pintura. Aviso en este cuadro de Miguel Ángel, dos cumplen con sus cúmulos que dirigen la atención de los espectadores. Líneas principales, como su nombre indica, este estilo tiene líneas prominentes que llevan a los espectadores en una dirección específica. Comúnmente utilizado en edificios de perspectiva de un solo punto, donde todo en este cuadro se mueve hacia un punto. Composición central, comúnmente utilizada en bodegones. Aquí el sujeto se coloca en el centro de la composición, nota esta pintura de Paul Cezanne, y la colocación de los frutos. Se coloca justo en el centro del cuadro. Estos estilos discutidos son comúnmente utilizados para captar la atención del espectador y crear fuertes composiciones de pintura. Acompáñame en la siguiente lección mientras creamos nuestra propia composición.
9. Finaliza tu composición: Para mi perspectiva sobre la posición, voy a crear un visor con las manos. Voy a poner mi mano derecha con la palma hacia arriba y una mano izquierda invertida, esto me da una composición más pequeña o una vista de lo que me gustaría pintar. Me muevo alrededor de 360 grados para ver cuáles son las composiciones que podría tener. Yo he decidido sobre esta composición. aquí, trazo tres líneas imaginarias horizontal y verticalmente, esto es una guía para la regla de los tercios. El principio de los tercios es una manera fácil de crear una composición agradable. Después colocamos nuestros elementos mayores en la intersección de los pensamientos. Aquí, he colocado una colina en la intersección
del primer pensamiento para crear una composición agradable y equilibrada. Usar tus manos es una buena manera de crear un visor para ti mismo. También advierte que en esta composición, se
puede ver una S o una Z en forma. Consulte la lección anterior donde una S o una Z le da al ojo del espectador un camino a seguir. Empieza a experimentar con tu propia composición y únete a mí en la siguiente lección mientras dibujamos dibujo [inaudible].
10. Dibujo en miniatura: El dibujo en miniatura es la parte más importante de la pintura al aire libre o interior. Este es un espacio que te da la ventaja para sumar y restar elementos y experimentar con tu composición. Por favor no te pierdas este paso. Yo solo empiezo con dibujar mi miniatura como un marco en la esquina de mi página que no se va a utilizar para pintar. Entonces marco los puntos medios que actúan como pauta. Después de hacer eso, pienso en dónde voy a añadir la línea del horizonte. No agregue la línea del horizonte en el medio, agréguela arriba o abajo. El horizonte es la línea donde la tierra se encuentra con el cielo o el mar se encuentra con el cielo. Una vez que he sacado esto, ahora sé dónde colocar el cerro. El cerro se extiende un poco así que así lo voy a estar haciendo. Una vez que tenga el cerro, voy a dibujar el siguiente elemento mayor que es el mar. Yo sólo voy a marcar más o menos la zona en la que va a estar el mar. Se podía ver como si hubiéramos creado una s composición por aquí. Ahora sólo voy a sumar algunos de los otros elementos para tener una mejor comprensión de lo que va a estar ahí en la playa. Este es un espacio donde puedes entender qué quieres agregar, qué quieres restar. Déjame añadir unas piedras o rocas que hay en el mar y luego también sólo déjame añadir figuras humanas. Pero puedo decidir hacia el final de mi pintura si quisiera agregar estas figuras o no. Aquí solo estoy experimentando cómo se ven. Ahora una vez que tenga esto, también
quiero mostrarles cómo estamos usando la regla de los tercios. Estoy dividiendo la pantalla en tres secciones y mostrándote cómo he agregado los elementos en la tercera columna y no he abarrotado todos mis elementos en el medio. Otro aspecto importante es entender la dirección de la luz y crear sombras. En un paisaje, hay mayormente tres direcciones para la luz, izquierda, arriba, y derecha. Aquí te estoy mostrando la diferencia de sombras en función de la dirección de la luz. Cuando la luz viene de la izquierda, verás la sombra en la sección derecha. En el primer dibujo, nota las sombras en los cerros y las sombras de la gente. Cuando la luz es de arriba, digamos el sol naciente, las sombras caen justo debajo del objeto. Observe la sombra de las figuras que
cambia mucho dependiendo de la hora del día o de la dirección de la luz. En el lado derecho, se puede ver que la fuente de luz está a la derecha y así las sombras caen del lado izquierdo de los otros objetos como los cerros y las figuras. Nuestra fuente de luz, en este caso, el sol, está del lado izquierdo. Las cosas hacia la derecha tendrán la sombra, y de ahí cuando la pintemos la haremos un poco más oscura. En cada sección, la orilla, la tierra, los cerros, les estoy mostrando el tramo donde caerá la sombra. En cualquier pintura, la belleza proviene del contraste, tus tonos claros medios y oscuros. El cual proviene principalmente de la fuente de luz donde pones la luz. Incluso en el cielo, voy a pintar el lado derecho un poco más oscuro para mostrar que el sol está en el lado izquierdo. Identifica siempre tu fuente de luz y marca tus sombras.
11. Cómo esbozar tu pintura: Empiezo con poner una cinta enmascaradora en los cuatro lados. Una cinta de enmascaramiento ayuda a asegurar el papel y no se sigue moviendo cuando estás pintando, una vez que hayas completado tu pintura y sacas tu cinta de enmascaramiento, notarás un hermoso borde que crea y de ahí que le da limpio y mirada completa a tu pintura. Empieza por poner cinta de enmascaramiento en los cuatro lados. El boceto final es muy similar a un dibujo en miniatura. Estoy marcando los puntos medios, luego empiezo con la línea del horizonte. Como discutimos, la línea del horizonte estará por encima o por debajo del punto medio y no justo en el punto medio. El horizonte es la línea donde la tierra se encuentra con el cielo. Ahora señalando el cerro y la extensión del terreno cercano al cerro. Solo estoy marcando pocas cosas que vendrán hacia el final. Ahora estoy marcando mi sección de mar. El dibujo de línea, el boceto siempre es un dibujo a lápiz muy ligero y no vamos a entrar en demasiados detalles. Todos los detalles vendrán cuando pintes. Solo estoy agregando un poco de la verdor o hojas de caída que hay ahí hacia el suelo. Recuerdo hacerlo. Ahora solo estoy dibujando dos líneas para marcar la cabaña. El casita será realmente simple como crear casas pequeñas, crearlas como quieras. Pero como ya hemos hecho una miniatura en nuestras mentes, tenemos una visión muy clara de cómo queremos que se vea la pintura. Para el boceto final, simplemente lo hacemos de manera extremadamente minimalista. Aquí, solo marcaré las pocas rocas que van a estar ahí en el mar. De eso se trata. Acompáñame en la siguiente lección mientras empezamos a pintar.
12. Cielo nublado: Ahora por la parte divertida, empecemos con el cielo. Tomo agua clara en mi cepillo. Aquí, estoy tomando un cepillo de tamaño Mach 14. Observe cómo lo estoy sosteniendo hacia el final para que pueda usar toda
la sección del pincel para hacer un tono parejo en mi papel. Basta con notar que no tenemos charcos. Es importante que aquí haya una capa uniforme de agua. Una vez hecho esto, selecciona tus colores, que es azul turquesa
y azul ceruleo en este caso. Ahora, estoy usando el borde de mi pincel, y ver cómo me muevo de derecha a izquierda y de izquierda a derecha para crear la dirección del viento. No agregas pigmento a lo largo, deja algunos espacios en blanco entre posterior forma en nubes. Ahora hacia abajo, voy a crear un tono uniforme de color. Esto es porque no quiero demasiadas nubes hacia abajo. Ahora que tenemos esto, voy a añadir una capa más oscura hacia la parte superior. Te animo a crear diferentes tonos en tu cielo creando oscuros y claros ya sea del mismo pigmento o de ligeramente diferentes. Esto crea profundidad. Por lo general, añade las secciones más oscuras hacia la parte superior del cielo. Porque si notan la naturaleza, así es como los cielos suelen ser más oscuros hacia el punto más alejado de nosotros. En esta sección, debes moverte rápidamente. Ahora, estoy tomando un poco morado, y agregándolo hacia las partes inferiores de mis nubes con el fin de crear algo de pelusa en las nubes. Esto agrega una buena cantidad de profundidad, pero ser muy escasos en esto, agregando morado. Ahora estoy agregando algunas nubes levantando color usando el tejido. Una vez que he levantado ciertas secciones, estoy dando alguna forma a las nubes. Las nubes y los cielos necesitan práctica, y necesitan moverse rápidamente antes de que tu papel se seque. No te decepciones si no lo haces bien la primera vez, y sigue practicando la creación de nubes. Una vez que consigues el colgado de la
misma, se mueve muy rápido. Deja secar el cielo, y únete a mí en la siguiente lección para pintar la arena y los cerros.
13. Arena y colinas: Capa 01: Estoy usando un cepillo redondo talla 10 y el pigmento es una mezcla de siena quemada y ocre amarillo. Ahora, pongo este color, tomo un poco de agua, y lo extendí a toda la sección de arena. Tan solo toma poca cantidad de agua y extiende el color. Queremos que la arena sea desigual porque la naturaleza no es pareja. Ahora lo que voy a hacer es que voy a tomar más pigmento y ponerlo en diferentes secciones y va a ser poco aleatorio. Entonces esa es esta mirada desigual, que viene. Mi capa base ya está mojada y por eso esto se convierte en una técnica húmeda sobre húmeda cuando pongo la segunda capa de pigmento. Ahora ya identificamos nuestras secciones de sombras hacia la derecha de los objetos. Entonces ahí es donde voy a poner láminas más oscuras de la arena para significar las regiones de sombra. Eso es todo. No voy a querer hacer demasiado. Esperaré a que se seque la sección de arena y vuelva a ella. Ahora pasemos a la primera capa del cerro. Estoy usando un cepillo redondo talla 8. He tomado agua clara y estoy poniendo esta agua clara sólo en la sección de cerro, deja fuera las chozas por ahora y justo en la sección de cerro con una capa limpia de agua. Una vez que tengas esta agua, voy a usar savia verde en mi pincel y añadir arbustos al cerro. Lo que voy a hacer es con el borde de mi pincel, solo
voy a usar una punta para tocarla y dejar que los colores se extiendan un poco. Este toque y ascensor da un bonito efecto de arbustos que se encuentran en las colinas. También voy a usar un poco de siena quemada para dar un poco de contraste en los cerros de la arena que hay detrás de los arbustos. Haremos esta técnica en todo el cerro. Ahora que tienes esta primera sección cubierta, tomaré una mezcla más oscura agregando morado a verde savia para crear las regiones de sombra. Habrá sombras cerca de las cabañas ya que esta es la sombra de la cabaña en el cerro. Como comentamos, como el sol es de izquierda, también
habrá sombras en el lado derecho. Lo que hago aquí es que hay dos lugares a los que agrego mis tonos más profundos, que está cerca de la cabaña y en el lado derecho del cerro. Por lo tanto, identifica tus sombras en tu pintura y añade tonos más profundos. Cualquiera que sea el color que ya hayas usado como tono base, añade morado a ese tono para que sea una sombra o un tono oscuro. Usa la misma técnica simplemente poniendo un punto desde la punta de tu pincel. Si tu lienzo es mucho más grande, usa un pincel más grande y usa la misma técnica. Ahora aquí lo que estoy haciendo es que estoy agregando un poco a los bordes para que el cerro no se sienta parejo y se puede sentir el pedacito de arbustos que están sobrecreciendo hacia la cima del cerro. Sólo tienes que añadir un poco que está saliendo de la colina por todos lados. Ahora que tenemos esto, vamos a dejarlo secar y volver a poner un segundo layout. Acompáñame en la siguiente lección como hacemos la segunda capa tanto para la arena como para el cerro.
14. Arena y colinas: Capa 02: Para la segunda capa del sol, estoy tomando un poco de verde savia y agregando justo en ciertas secciones poco crecidas que hay. Usa big sap green en tu pincel y ahora estoy usando un pincel redondo de tamaño 10 más grande y agregando verdes más oscuros por debajo de las colinas y en ciertas secciones hacia la derecha de la arena. Además, toma algo de siena quemada para que
puedas agregar una mezcla de un suelo y plantas que hay ahí. No quiero que las líneas sean demasiado duras, así que estoy tomando agua y simplemente ablandando las líneas que hay ahí. Además, estoy tomando un poco de siena quemada y definiendo la porción de tierra arriba un poco, pero solo un poquito. Mira tu pintura y mira dónde quieres agregar algunas hojas de profundidad y más oscuras y usa las mezclas de color que tienes. Estoy usando un poco de verde savia y solo tocando ciertas secciones para mostrar el pasto desigual que hay ahí. Mientras espero que esto se
seque, pasaré a la colina. Ahora en la colina, estoy tomando otra agua clara muy suavemente agregando que para que se humedezca. Estoy usando un pincel redondo de tamaño 10 más grande y agregando mis regiones más oscuras. Esta mezcla es verde savia y morado. Solo tienes que añadir profundidad a las secciones añadiendo tus regiones de sombra un poco más profundas. Estoy sumando las otras regiones, pero son mucho más ligeras que mis principales regiones de sombra. Acuarela una vez que se seca, se vuelve 50 por ciento menos en su pigmento y por eso necesitamos seguir oscureciendo las cosas. He vuelto a la arena y estoy oscureciendo la región en la que acabamos de trabajar, que son las plantas que están creciendo cerca de la arena. Voy a usar una técnica de salpicadura para crear un efecto de arena. Aquí he tomado pigmento en un pincel, ver cómo estoy sosteniendo el pincel, y con otro pincel, solo golpeo el pincel que está abajo. Esto creará salpicadura que parece granos de arena para tu región de arena. Esto funciona bellamente tanto para arena y si estás creando mucho follaje también, puedes usar esta técnica. Simplemente levanta el color en un pincel y con el otro, toca el pincel de abajo. Como lo hemos hecho en nuestro calentamiento, para la vista hemos aprendido técnica de pincel seco. Estoy agregando algunos trazos de pincel secos en mi sol porque quiero mostrar un aspecto desigual del sol. Aquí solo estoy usando siena quemada. Utilizas estas dos, tres cosas como la técnica de salpicadura
y la técnica de pincel seco para dar un buen efecto de la arena. Acompáñame en la siguiente clase mientras trabajamos en el mar y la cabaña.
15. Mar y cabaña: Asegúrate de cambiar el agua antes de empezar con el mar. No querríamos que en el mar se mezclaran marrones o verdes. Ahora aplicaremos la técnica de pincel seco que practicamos. Golpes veloz de izquierda a derecha, lo que ayudará a crear movimiento. El color que estoy usando es azul turquesa, una mezcla de azul turquesa y azul ceruleo, y estoy usando un cepillo redondo talla 10. Ahora voy a tomar una mezcla más oscura del mismo color, y añadir unos trazos más oscuros para mostrar olas y profundidad en el mar. Trata de usar el borde de tu pincel, la punta de tu pincel para que obtengas líneas
más finas y delgadas para que parezca olas que están ahí en el mar. Asegúrate de dejar a los blancos en el medio. Ahora bien, esta parte que estoy haciendo son las ondas retrocediendo, eso va de derecha a izquierda, así que también estoy poniendo algunas ondas en el lado derecho. Asegúrate de dejar blancos, esto muestra reflejo del sol y también de
la espuma que se forma cuando el mar golpea la orilla. Agrega unos oscuros y crea unas olas. Yo estoy contento con la forma en que esto está resultando. Estoy tomando un pincel un poco más pequeño tamaño 6 para crear algunos detalles más finos y estoy poniendo algo de color más oscuro hacia la parte superior, que es como hacia la línea del horizonte. Esto ayuda a crear profundidad en el mar que estamos mostrando. Ahora estoy tomando unos marrones y simplemente tocándola hacia el final para mostrar pequeñas piedras y rocas que hay en el mar. Esto crea un bonito contraste hacia el mar. Ahora como se discute, el lado derecho tiene la sombra, así que estoy usando siena quemada y oscureciéndola hacia el lado derecho. Ahora voy a trabajar un poco en la cabaña, así que me llevo ocre amarillo y simplemente agregarlo un poco a la cabaña. Sigo usando un cepillo redondo talla 6 y estaré usando un color escarlata o rojo para agregar los techos de la cabaña. Haz esto con cuidado ya que es un espacio realmente pequeño. No necesita ser demasiado detallado ya que la cabaña está muy lejos, pero sólo un vistazo de que hay algo en las colinas. También ahora solo estoy tomando un poco de savia verde y agregándolo a la parte inferior de la cabaña para mostrar la sombra en las colinas, esto crea una bonita profundidad. Además agregando la segunda capa a las rocas, esta es la siena quemada. Sólo lo estoy agregando dab, dab, dab. Con acuarelas, necesitamos que las secciones se sequen, por lo que seguimos volviendo a secciones para una segunda y tercera capa y no hacemos la parte entera juntas. Por eso me ves moviéndome y regresando porque estoy esperando que se seque. Ahora que el mar también está seco, voy a añadir algunos trazos más para que estén más definidos. Puedes usar todo este proceso y estilo a cualquiera de las pinturas que crees. Estoy contento con la forma en que esto está tomando forma, únete a mí en la siguiente lección para algunos toques finales.
16. Figuras y toques finales: Ahora voy a sumar figuras humanas a la pintura. Esto es completamente opcional. Las figuras humanas son muy simples. Dibuja una cabeza redonda en forma de zanahoria o en forma de rectángulo, dibuja un cuerpo y usa marrón para dibujar las piernas. Basta con ver que una pierna es más pequeña que la otra para mostrar movimiento como si la persona estuviera caminando. Agregar figuras agrega mucho carácter a nuestra pintura. Estoy sumando a dos personas como si fueran a dar una caminata matutina juntos. misma manera, una cabeza redonda, un cuerpo triángulo que es como una zanahoria, y dos patas, que una será más pequeña para mostrar que la persona tiene una pierna hacia adelante y está caminando. También voy a usar el color morado para agregar sombras. Las sombras estarán hacia la derecha del pueblo. A mí me gusta cómo está saliendo esto, y la gente parece que ha venido a correr o a caminar por la mañana. Esto es completamente opcional si quieres agregar. Ahora estoy usando un pincel de fuente para darle un poco de definición a las chozas. Voy a estar sólo agregando un poco a los techos y unos ventanitos, que definirán estas cabañas, en el cerro. También voy a usar ahora un poco morado y añadir un poco de sombra de las chozas en el lado derecho de las chozas. Muy a la ligera y muy poco. Esto apenas profundiza las cabañas y da definición. También usando la pluma estilográfica para definir las figuras que hemos dibujado, solo a la ligera. Ahora toma tu pintura, mira a tu alrededor, mira si hay algo más que te gustaría agregar. Cualquier cosa que te gustaría oscurecer y profundizar. Tengo algunas ideas, sólo quedan unos pequeños toques. Volvamos. Podía ver algo más lejos. Simplemente voy a usar mi pluma estilográfica para dibujar unas líneas y puntos abstractos. Nada muy definido, sólo algo para demostrar que hay algo más allá que está pasando. También solo estoy agregando unos tonos
más oscuros, más profundos a las rocas, y hacia la cabaña. Este es un paso donde necesitas
ver en tu cuadro si hay algo que te gustaría agregar. Si estás contento con tu pintura en este punto, entonces solo déjala tal como está. Estoy usando un bolígrafo blanco para solo agregar algo en las colinas como si hubiera algo mucho más lejos. Siento que esto está dando más definición a mi juego cerebral. Al mirar mi mar, sólo
quiero añadir unas olas más profundas. Estoy usando la misma mezcla de cerúleo y azul turquesa y solo agregando unas olas. Me gusta el efecto de agregar estos pocos tonos más profundos. Siento que está agregando mucho más carácter a la pintura. Cuando miro el cerro, siento que se ha vuelto mucho más ligero de lo que me hubiera gustado. Sólo voy a volver a entrar y añadir unos trazos. Aquí, estoy usando púrpura directamente y solo agregando unos trazos hacia el lado derecho. En cuanto lo agrego, me hace sentir feliz que le he dado una buena cantidad de profundidad. También es realmente importante saber cuándo parar en tu pintura. Creo que vamos a parar aquí porque estoy bastante contento con la forma en que ha salido. Ahora por la parte más satisfactoria de quitar la cinta de enmascaramiento. Se puede ver cómo la cinta enmascaradora nos da una línea clara definida como si estuviera en un marco. Por eso siempre uso una cinta de enmascaramiento, para que mi agua no se desborde, y mi pintura no se desborda. Eso es todo. Ahora firma el cuadro, date una palmadita en la espalda y solo disfruta de tu creación.
17. Extra: toma una fotografía: Te mostraré dos estilos de cómo fotografiar tu pintura. El primer estilo se llama laico plano. Un laico plano es de qué manera pones tu pintura plana en el suelo y esto se puede hacer tanto en interiores como en exteriores. Aquí, el sol hace un hermoso fondo. Utilizo mi caja de pintura y pinceles como utilería, y hacen hermosos apoyos. Ahora cojo mi teléfono y lo pongo paralelo y mucho más alto que mi pintura, lo que me da un hermoso laico plano. Tomo una horizontal y otra vertical, mi modo de cuadrícula está
encendido en mi teléfono e intento colocar mi pintura en la cuadrícula media. El segundo estilo funciona maravillosamente al aire libre. Pon tu pintura frente a tu escena y pon tu teléfono por delante de tu pintura. Esto da una hermosa vibra de mostrar lo que
pintaste y el hecho de que estás al aire libre. Prueba diferentes formas de fotografiar tu pintura. Si tienes tus propios consejos y técnicas, sí compártelo con nosotros en la sección de discusión, me encantaría escuchar lo que tienes que decir.
18. Extra: Escribe una nota: Después de terminar mi pintura, me gusta escribir una breve nota sobre el toma de razón de mis observaciones. Es como mi propio diario de pintura personal. Te animo a hacer lo mismo. Podría ser cualquier cosa. Podría ser sobre ese lugar, las cosas que notaste ese día, o podría ser sobre tu pintura, las cosas que disfrutas haciendo, las cosas que encontraste desafiantes, los lugares que te gustaría para mejorar o practicar en tu pintura, o simplemente podrías escribir tus observaciones de color. Esto ayuda cuando miras hacia atrás esa pintura y tu nota corta, trae recuerdos dulces y pequeños lugares en los que te gustaría trabajar,
mejorar, y solo pequeños trozos de alegría que sentiste ese día. Te animo a escribir una breve nota cada vez que completes un cuadro ya sea que lo estés haciendo al aire libre o si lo estás haciendo en tu estudio.
19. Reflexiones finales: Gracias por ver esta clase. Espero que hayas disfrutado de estas técnicas y aplicado estas técnicas a tus propias composiciones y pinturas. Por favor sube tu pintura en la sección de proyectos a continuación. Si tiene alguna pregunta, por favor siéntase libre de contactarme en el lapso de discusión. Para ayudarme a llegar a la mayoría de los alumnos, por favor deje un comentario de esta clase. Si subes tu trabajo en Instagram,
por favor, etiquetame en QuirkyKhadz. Ahora ve, y consigue la pintura.
Khadija Karachiwala, Watercolour Artist
