Paisajes en acuarela para principiantes: Cómo pintar lo que ves

1. Paisajes en acuarela para principiantes: [ MÚSICA] Ahí está esta cosa asombrosa que sucede cuando comienzas a verte a ti mismo como pintor. Es como si el mundo se convirtiera en una gran pieza de arte. Una compilación de color, forma, movimiento, e incluso todos los días sitios están llenos de maravilla y oportunidad. Eso es porque ya no eres solo un observador aquí, amigo mío, eres un creador, un artista, y el mundo es tuyo para la fabricación. [ MÚSICA] Hola, mi nombre es Kolbie Blume y soy una artista autodidacta de acuarela, autora, y educadora en línea. Crecí en Utah, rodeado de árboles, montañas, desierto por todos lados. Pero cuando me meto en el cautivador mundo de la acuarela, mis lugares favoritos de la infancia repente se volvieron aún más mágicos. En lugar de sólo ver montañas o árboles, vi pinceladas salvajes, gradientes suaves, capas de color y quería pintarlas todas. A lo largo de los años, he enseñado a miles de artistas de todo el mundo a amar los paisajes de acuarela tanto como a mí. Parte de abrirte al poder y vulnerabilidad del arte es aprender a ver el mundo de una manera diferente. El truco es que, no siempre es tan fácil traducir lo que ves en papel. En esta clase, aprenderás a abrazar plenamente perspectiva de tu artista interior y convertirás hermosos paisajes en pinturas acuarelas únicas, únicas en su clase. Si bien puedes usar este proceso mientras estás fuera en la naturaleza, nos estamos centrando específicamente en usar fotos de referencia pintorescas para que puedas pintar hermosas pinturas de acuarela incluso cuando estés atascado en casa. Empezaremos por repasar las técnicas y prácticas básicas de acuarela en caso de que necesites un poco de refresco. Pero vamos a abordarlo de una manera más intencional y única, para que puedas utilizar estas técnicas básicas para descomponer tus fotos de referencia en piezas y capas realizables. A través de una serie de ejercicios, aprenderás a hacer conexiones entre lo que ves en la foto, como una montaña escabreada y lo que sabes de la acuarela. Al igual que el estratificación de múltiples valores de color imitará sombras y rocas, que puedas saber instantáneamente qué agarrar de tu kit de herramientas de arte para crear profundidad, movimiento y emoción en tus pinturas de paisaje. Ver el mundo a través de los ojos de un artista puede cambiarlo todo para ti, amigo mío, lo sé experiencia y quiero ayudarte a ver ese mundo también. ¿ Estás listo para una aventura en acuarela? Empecemos. [MÚSICA] 2. Tu proyecto de clase: [ MÚSICA] ¿Qué entra exactamente en este proceso? ¿ Qué significa exactamente convertir una foto de referencia en una hermosa pintura? Bueno, obviamente, eso es lo que esta clase va a explorar. Para tu proyecto final, que estaremos trabajando básicamente a lo largo de toda la clase, vamos a pintar una foto de paisaje de principio a fin. Vamos a empezar con la foto averiguando qué hace una buena foto de paisaje, averiguando qué buscar y qué no buscar a la hora de elegir tu foto de referencia. Entonces vamos a tomar un poco para descomponer la foto de referencia, convertirla en piezas de tamaño mordido que puedas lograr y eso te ayudará a prepararte para el éxito. Entonces vamos a pintar. Una vez que hayamos construido un plano, hemos elegido una foto de referencia, tomado algún tiempo para hiper nos arriba, vamos a llevar esta foto de referencia en tres capas: la capa de fondo, la media tierra capa, y la capa de primer plano. A través de cada capa, te voy a llevar a través mi proceso de pensamiento de cuándo me apunto al plan, que es la mayoría de las veces, y cuando tal vez me desvío del plan en base a cosas inesperadas que suceden. Al final de esta clase, habrás pintado conmigo una hermosa pintura paisajística que basé en una foto de referencia. Me encantaría que utilizaras la misma foto de referencia o puedes tomar tu selección de fotos de referencia que he seleccionado para ti. Son descargables dondequiera que encuentres tus descargas en esta clase. De cualquier manera, me encantaría ver lo que creaste. [ MÚSICA] 3. Control del agua: técnicas para la profundidad: Estás aquí. Estoy tan emocionado que decidieras unirte a mí para esta clase y para empezar, vamos a repasar las técnicas de acuarela más básicas. La técnica húmeda sobre húmeda y la técnica húmeda sobre seca pero no solo la vamos a repasar como un simple estilo de videos de YouTube cotidianos. Te voy a mostrar no sólo cuáles son esas técnicas, sino también cómo usarlas y reconocerlas cuando estás creando profundidad en tus escenas de paisaje. Vayamos a la derecha. Vamos a sumergirnos justo en. Empezando por la técnica húmeda sobre seca. La técnica húmeda sobre seca, como sabrás, si has pintado con acuarela antes, es cuando pintas con pintura húmeda, acuarela siempre está húmeda porque se activa agua sobre papel seco. La técnica húmeda sobre seca se caracteriza por líneas definidas realmente nítidas, y es tan útil para nosotros recordar que como estamos descomponiendo nuestra foto de referencia, porque la técnica húmeda sobre seca es que usaremos para pintar temas que sean realmente claros. Si queremos pintar un tema que no sea borroso, probablemente esté en primer plano de nuestra pieza, entonces queremos usar la técnica húmeda sobre seca para que podamos tener esas líneas realmente nítidas, claras, definidas. cualquier momento estás mirando una foto de referencia y ves un tema que tiene una definición clara. Probablemente se va a pintar con la técnica húmeda sobre seca. Entonces una cosa más en la que pensar mientras estamos practicando notando la técnica húmeda sobre seca en nuestras fotos de referencia. La técnica húmeda sobre seca se va a utilizar con mayor frecuencia cuando los sujetos están de cerca. Creo que ya mencioné que estos, usando esta técnica probablemente sucederán en primer plano pero esa es una de la tercera cosa que quiero que recuerden. que estamos descomponiendo fotos de referencia, si ves un tema que es claro, tiene líneas muy definidas y parece que está de cerca en primer plano, entonces esta es probablemente la técnica que querrá usar. A continuación, hablemos de la técnica húmeda sobre húmeda, que es la segunda técnica de acuarela más básica que utilizamos en cada pintura de acuarela. En contraste con la técnica húmeda sobre seca, la técnica húmeda sobre húmeda es cuando pintas sobre papel húmedo. Con la técnica húmeda sobre seca, estás usando una pintura húmeda porque la acuarela, nuevo, siempre está mojada sobre papel seco pero con la técnica húmeda sobre húmeda, estás pintando sobre papel húmedo y porque la pintura es en una superficie que está mojada, tiene un poco más de libertad para moverse. Observe cómo la pintura no está clara. Una vez que pongo la pintura en la superficie húmeda, básicamente puede hacer lo que quiera. Tiene la libertad de moverse y eso se debe a que la acuarela se activa con agua. Cuando agregas agua a la superficie, ayuda a que la acuarela se mueva y crea texturas menos definidas y más luminosas. que respecta a esta clase y aprender a descomponer una foto de referencia, en cualquier momento vemos una parte de una foto de referencia o una capa que tiene temas realmente borrosas o texturas realmente luminosas, luminosa significando que hay luz entrando. Si estás pintando un cielo o nubes, o si estás pintando un tema que tal vez esté en el fondo, lo más probable es que esté usando la técnica húmeda sobre húmeda porque la técnica húmeda sobre húmeda ayuda nosotros para crear texturas realmente luminosas donde, porque la pintura se está mezclando con el agua, se está viniendo más del papel que hace que parezca que la luz está viniendo a través del papel. Eso es lo que es la textura luminosa. Si tiene una textura luminosa o si es un sujeto que es borroso. Si a lo mejor ves un árbol en el fondo neblino, y no puedes deslindar la definición, eso es algo que para conseguir ese efecto borroso, necesitaríamos usar la técnica húmeda sobre húmeda. También suele ser algo una técnica que utilizamos para capturar sujetos o capas que están más en segundo plano. Entonces, por fin, hablemos de control del agua. La regla más importante que debes recordar sobre el control del agua es cuanto más agua estés usando, menos control sobre la pintura tienes. Así como una demostración a eso, cuando usas la técnica húmeda sobre húmeda, estás usando más agua. Con la técnica húmeda sobre seca, no hay agua en tu papel. Cuando tienes más agua, la pintura tiene más control que tú, o al menos más control que si utilizas la técnica húmeda sobre seca donde solo se permite que la pintura vaya adonde el pincel le dice que se vaya y eso se debe a que hay menos agua en el papel seco que en el papel mojado. No tienes tanto control cuando usas más agua. Aunque puedes ir aún más profundo que eso, porque la técnica húmeda sobre húmeda no se limita solo a, el papel está mojado o no lo es. Puedes controlar qué tan mojado está tu papel y qué tan mojado está tu pintura, y cuánta agua hay en tu pincel y al hacerlo, puedes crear aún más sutileza. Diga por ejemplo, que desea pintar un árbol que está en el fondo. Hicimos esto antes en la lección, pero les voy a mostrar sólo cómo hacer un poco más con cuidado. Digamos que quieres pintar un árbol místico al fondo. Si pintaste ese árbol místico, vamos a hacer dos lavados de agua aquí mismo. El primer lavado de agua por aquí es bastante acuoso. Tiene mucha agua. Es puddly y luego esta agua por aquí, voy a hacer sólo un poquito más. Este lavado de aquí es más delgado. Es más como una capa delgada, una capa ligeramente recubierta de agua en mi papel. Si trato de pintar un árbol como un árbol borroso muy claro por aquí, el árbol simplemente va a todas partes. Parece un árbol pero es realmente difícil si quería conseguir detalles más definidos que fueran borrosas pero aún así definidos, es complicado pero si esperé, así que por aquí pinté un fino lavado de agua y luego esperé unos segundos mientras estaba pintando por aquí así que el papel está húmedo. Si espero hasta que esté por aquí, la pintura no va tan lejos. ¿Ves? Yo puedo maniobrar a mi manera. Puedo guiar la pintura para que sea una forma específica que sea borrosa y tenga un poco más de detalle con la técnica húmeda sobre húmeda a diferencia de en esta versión de la técnica húmeda sobre húmeda y eso es porque este charco por aquí realmente tiene mucha más agua y así la pintura tiene mucha más libertad para moverse a diferencia de este lavado de aquí. Se detiene la pintura. Se detiene después de un tiempo. Todavía está borrosa. Sigue sangrando sobre el papel pero no puede llegar tan lejos porque el papel no está tan mojado. Tan sólo para resumir eso, para el control del agua, cuanto más agua tengas, menos control sobre la pintura tienes. Entonces otra forma de mirar eso es cuanto menos agua tengas, más control sobre la técnica húmeda sobre húmeda y sobre la pintura que tienes. Es tu trabajo determinar cuánto control quieres tener. Si quieres crear como texturas luminosas del cielo donde realmente no te importan. Si tienes mucho control sobre adónde va la pintura, entonces probablemente quieras usar un poco más de agua pero si quieres crear sujetos un poco más definidos, pero aún así tienes ese efecto neblino, entonces quieres usar menos agua. Eso sobre lo resume para estas reglas ya que vamos a descomponer una foto de referencia más adelante en la clase. Téngalos en mente y sigamos adelante. [ MÚSICA] 4. Valor del color: técnicas para la distancia: Otra habilidad que es tan importante cuando se trata de pintar pinturas de paisaje es cómo manipular el color para crear aún más humor y esa vibra misteriosa que se obtiene de una gran cantidad de bosques de montaña salvajes realmente frescos escenas. Algo que tal vez no sepas o tal vez ya lo haces es, un rasgo realmente importante para dominar que el estado de ánimo es valor de color. De eso se trata esta lección. Para iniciar nuestra discusión sobre el color y cómo se refiere a la distancia y profundidad en nuestras pinturas de acuarela mientras estamos descomponiendo fotos de referencia, hablemos primero de estratificación y cómo pensar en colocando tus capas y colocando particularmente el orden en el que colocas y pintas tus colores. Cuando estás pensando en dónde y cómo colocar los colores, la regla más importante con la acuarela es pintar de claro a oscuro. Yo sólo voy a poner algo de pintura oscura aquí abajo. Debido a que la acuarela es transparente, es mucho más fácil agregar un color más oscuro si es necesario, a diferencia de si necesitas hacer un color más claro, si necesitas hacer un área más clara, es considerablemente más difícil. Por ejemplo, si quiero mezclar estas dos capas juntas, ahora mismo se ve como blancos húmedos del papel y luego este color medio oscuro del gris de la pintura, si quiero crear más de un sutil gradiente entre los dos, si empiezo con el color oscuro y entro en el color claro, todo el blanco se ha ido ahora. Si eso sucede, puedo tomar un pincel limpio y sacar el color del área de luz, pero sigue siendo casi siempre va a estar ligeramente teñido con el color oscuro que traje a esa zona. Podría haber evitado eso si pintaba de claro a oscuro. Si vuelvo a intentar eso, voy a pintar igual que un lavado de agua y poner algo de pintura aquí abajo en el fondo. Si quiero crear un gradiente que mantenga la ligereza de este color claro aquí abajo, digamos que quiero esto un poco más aquí arriba, entonces empezaría en el área de luz y pintaría de claro a oscuro. De esa manera, puedo mezclar los colores juntos sin diluir o simplemente agregar color a esta zona de luces. Pintar de claro a oscuro es cómo puedes usar la transparencia de la acuarela para mantener los blancos, mantener las partes claras de tu papel, de tu escena, lo cual será importante, particularmente mientras pensamos en el contraste, porque muchas veces cuando estás pintando un paisaje visto, algunas de las partes emocionales más evocadoras vienen cuando tienes contraste. El contraste entre la luz y oscuridad es un jugador realmente importante. El modo en que mantienes el contraste con la acuarela es asegurarte de que los blancos de tu papel permanezcan blancos. El modo de hacerlo, de nuevo, repitiéndome porque vale la pena repetirlo, es pintar de claro a oscuro. Esa regla también se aplica cuando se habla de capas. Ahora, hay algunas excepciones, pero en su mayor parte, si estás estratiendo tu pieza desde el fondo, hasta el medio suelo, hasta el primer plano, las capas de fondo suelen ser más ligeras en valor que las capas de primer plano. Las capas de fondo casi siempre serán las más claras, y luego la mitad del suelo será un valor un poco más oscuro, y luego el primer plano suele ser el valor más oscuro. De manera similar a cómo pintas en un gradiente o como estás tratando de crear mezclas o contraste, pintas de claro a oscuro, ya que estás averiguando cómo pintar tus escenas, cómo capas tus escenas, por lo general esa regla también se aplica. Si hay un tema que es muy ligero en valor, probablemente vayas a pintar eso primero o a averiguar cómo pintar eso primero. Valores de luz en el fondo y valores oscuros en primer plano. Hemos hablado de estratificación y cómo armar diferentes capas en términos de valor y valor de color. Ahora sólo quiero ir un poco más profundo para agarrar algunas pautas o sugerencias más ya que vamos a descomponer estas fotos de referencia. Empecemos con el fondo y el color. Ya hablamos de que el fondo probablemente va a tener los valores más ligeros. Del mismo modo que un refresco, el valor es lo claro u oscuro que es un color. El modo en que cambias el valor en acuarela es agregando agua. Debido a que la acuarela es transparente, cuanto más agua se agrega al pigmento, más sueltas están las partículas de pigmento en la pintura y permite que pase más del papel. El blanco del papel se mezcla entonces con la calidad transparente de la acuarela para hacer un valor más claro del color. Más agua equivale a un valor más ligero. Eso es útil en segundo plano porque un valor más ligero también suele significar más lejos. Si quiero pintar un árbol, pinto muchos árboles, es mi go-to, así que probablemente veas muchos árboles a lo largo de esta clase, pero si quiero pintar un árbol que está más lejos, entonces casi siempre pintaré ese árbol más ligero. Voy a empezar sólo para mostrarles el contraste de eso. Pinté ese árbol de valor ligero, lo que significa que tenía mucha agua en la pintura, y voy a pintar un árbol de valor más oscuro. Con una pintura más oscura, lo que significa que hay menos agua y más pigmento en la pintura. Ya verás cómo, especialmente contrastado con el árbol oscuro, el árbol claro definitivamente parece que está más lejos. Es útil recordar porque el fondo suele estar más lejos que cualquier otra cosa en primer plano, y así si quieres pintar algo en el fondo o quieres pintar algo que se supone que más lejos en la escena, usa un valor más ligero. Otra cosa sobre el fondo y el color es que no sólo son los sujetos en el fondo un valor más ligero, también suelen estar un poco más silenciados. Eso significa que no siempre son el color puro pigmento. Una forma de conseguir un color silenciado es agregarle agua para que sea un valor ligero, pero también puedes agregarle neutrales. Si fuera a agregar, digamos, negro a este color azul que tengo y luego tener que sea un valor de luz, eso sería más como un tono silenciado de ese color azul. Tener colores apagados en el fondo realmente sólo les agrega una sensación de sombra, una sensación de niebla, un sentido de distancia y profundidad. Esas son las dos cosas que quiero que recuerdes color y el fondo o el color y la distancia es, si quieres pintar temas que están más lejos, por lo general pintarles un valor más ligero y asegúrate de que su color esté más silenciado, a diferencia de más claro. Vamos a hablar de eso en el siguiente poquito. Por último, hablamos de los antecedentes, hablemos del primer plano, decir cuando te acercas, cuando los sujetos están más cerca de ti. Donde los sujetos que están en el fondo son ligeros en valor y más silenciados, los sujetos que están en primer plano son más oscuros en valor. Ya pinté un árbol oscuro, pero solo para mostrarte. De nuevo, son más oscuros en valor y suelen ser más vibrantes. Eso se debe a que los colores en primer plano están más cerca de nosotros. Tus ojos pueden hacerlos salir con mucha más claridad. Eso no sólo se aplica a la forma y a qué tan definidas están las formas, que es de lo que hablamos en la lección anterior, sino que se aplica al color y a qué tan vibrantes son los colores, ¿qué tan claramente se pueden ver los colores? Digamos que si fuera a pintar un árbol que tuviera hojas rojas, si ese árbol estuviera en primer plano, entonces lo más probable es que quisiera usar un rojo muy vibrante. Pero si ese árbol estuviera en el fondo, me gustaría usar un valor más ligero, así que voy a agregar agua. Entonces tal vez también quiero que sea más silenciado, así que voy a añadir sólo un poquito de negro a mi valor de luz, rojo, y eso sólo lo hace un color más silenciado. Está en la distancia a diferencia de en primer plano. Ahora, normalmente, la distancia también implica tamaño, por lo que también haría esto más pequeño si estuviera en la distancia. Pero sólo para mostrarte la diferencia entre un rojo silenciado, donde le agregué un poco de negro, y un rojo más vibrante. En primer plano, colores vibrantes y valores más oscuros. Como acabo de mencionar, sujetos de primer plano también están más cerca, por lo que son más grandes. Usar ese tamaño es otra forma de ayudar a mantener la profundidad en tu pintura. Eso de lo envuelve. Tomemos estas reglas, estas pautas, que aprendimos de las técnicas básicas de acuarela y las aplicamos para descomponer nuestra foto de referencia. Nos vemos en la siguiente lección. 5. Cómo elegir una buena foto de referencia: [ MÚSICA] No te saltes este video mi amigo. Porque por aburrida o poco importante que parezca, qué foto de referencia elijas definitivamente te preparará ya sea para el éxito o la frustración mientras intentas pintar tu pintura paisajística. Cuando estoy eligiendo una foto de referencia, me gusta tener tres cosas en mente. En primer lugar, me gusta pensar en capas. Me gusta pensar en cuántas capas puedo ver, si las capas se mantienen o no en línea con nuestras reglas de acuarela de las que hablamos antes. A mí me gusta pensar si las capas son algo que fácilmente puedo lograr. En lo siguiente que me gusta pensar es en el tema. ¿ Hay temas en esta foto de referencia que pueda pintar? ¿ Sé cómo descifrar, cómo pintar este tema? ¿ Es algo que pueda simplificar? Entonces lo último en lo que me gusta pensar es en la composición. Vamos a hablar de la regla de los tercios, y vamos a hablar de cómo puedes ajustar tu foto de referencia si no es exactamente lo que esperabas, pero aún así quieres usarla para inspiración en tu pintura. Sin más preámbulos, vamos a sumergirnos. Mi favorito libre de regalías, es decir, no hay necesidad de preocuparse por temas de copyright, sitio para nuestras fotos de referencia es Unsplash. Esta es mi página Unsplash. Tengo muchas carpetas porque leo Unsplash a menudo. Puedes acceder a Unsplash desde un escritorio o este es mi iPad. No me están pagando [RISAS] decir esto, simplemente me gusta mucho. Aquí te dejamos algunas fotos que he compilado para esta clase. Hay tres cosas importantes en las que pensar cuando estás buscando una buena foto de referencia. Buen significado algo que con bastante facilidad se traducirá en una pintura que puedes pintar. En lo primero que hay que pensar son las capas. ¿ Se pueden identificar capas fáciles dentro de la foto? Por ejemplo, esta foto de montaña, puedo ver que ahí está el cielo, y luego hay capas individuales de laderas de montaña. Eso es bastante fácil. Al igual que puedo analizar esto con mi mente. Puedo descomponerlo y ver exactamente a dónde se supone que van las capas. Esa sería una foto de referencia bastante buena. Otro ejemplo donde tal vez las capas no son lo mismo. Aquí, las capas también son fácilmente distinguibles. El cielo, y luego las capas de montaña, y luego esta capa de árboles. Estas capas siguen las reglas de las que hablamos, donde pasa de claro a oscuro. El cielo es básicamente la parte más clara, y luego las capas montañosas de atrás, que están más alejadas de nuestra perspectiva son más claras, y se oscurecen progresivamente hasta esta oscura capa de árboles. Esa sería una foto de referencia bastante buena para usar. También me gusta mucho este. Es mucho más sencillo. Básicamente es solo el cielo con un poco de rosa en él. Probablemente usaríamos la técnica húmeda sobre húmeda para agregar un poco de rosa al azul ya que estamos haciendo eso. Entonces finalmente, esta capa oscura de montaña, y luego podrías agregar esa luna encima en cal. Las capas son importantes para pensar, y solo para mostrarte dónde las capas se ponen difíciles, significan difíciles. Creo que cada vez que estás pintando cualquier tipo de foto de referencia, las capas son lo más importante para pensar. Si eres principiante, a veces las capas son realmente difíciles de ver. Por ejemplo, si querías pintar esta concurrida escena fluvial, esta es una hermosa foto. Creo que sería un cuadro hermoso, pero sobre todo si eres principiante, podría ser complicado traducir las capas, parte por el orden en que se muestra la luz en el cuadro. Por ejemplo, cuando estamos haciendo sólo paisajes básicos, tratamos de mantener la luz en el fondo, y las cosas oscuras en primer plano, pero aquí, los árboles de fondo se echan a la sombra, y del otro lado, los árboles de primer plano y este espacio de primer plano es más ligero. Obviamente no es imposible, es muy posible pintar esto con acuarela, pero en etapa principiante, es un poco más complicado. Si estás buscando fotos de referencia para practicar este proceso, para practicar la pintura como principiante, este es probablemente uno lo intentaría un poco más tarde porque va a ser no del todo tan simple como otro tipo de fotos. A ver si podemos encontrar otro. Aquí hay otra donde, esto es claramente una montaña, y muchas veces las montañas se descomponen fácilmente en capas, pero esta montaña tiene tantas sombras diferentes, y tantos lugares contrastantes diferentes que es donde todos deberían estar realmente en una capa parece. Realmente no puedo decir cómo descomponer esto en capas de una manera agradable y sistemática. Una vez más, no significa que sea imposible pintar esto, haría una pintura muy hermosa, solo va a ser complicado para ti en este momento. Otra cosa a pensar en cuanto a cómo escoger una buena foto de referencia son los temas. Quieres probar pintando temas que ya sabes pintar. Si sabes pintar árboles y sabes pintar montañas, entonces estas zonas serranas van a ser increíbles para ti. Algo a tener en cuenta al respecto. A veces si sabes pintar un tipo de árbol, como digamos, sabes pintar pinos, y luego te encuentrascon árboles y luego te encuentras caducifolios quizá frondosos en nuestra foto de referencia, puede ponerse aterrador. Pero si no sabes pintar un tema exactamente, eso no significa que no puedas pintarlo, solo significa que tal vez necesitas simplificar. A lo mejor necesitas o simplificar la composición o necesitas simplificar el tema. En este cuadro, hay algunos pinos tras el costado justo aquí, pero luego debajo se encuentran algunos árboles caducifolios. Si estás pensando, bueno, sé cómo hacer esa forma de pino, pero ¿cómo traduzco eso en estos árboles más frondosos, llenos, robustos, caducifolios de ahí abajo? Mi respuesta a ti sería que no te metan tanto en la cabeza, y simplificarla. En lugar de pensar para ti mismo, voy a pintar árboles caducifolios, piensa para ti mismo, hay algo verde aquí abajo. Aquí hay un poco de verde claro y verde oscuro, y voy a simplificar. En lugar de pensar, voy a pintar algunos árboles, piensa, sólo voy a pintar algo de textura blobby con diferentes valores variables. Eso es algo en lo que pensar. Si obviamente, quieres buscar fotos de referencia donde ya sabes pintar, sobre todo lo que hay ahí, pero si hay algo que es complicado o que no estás seguro si sabes cómo para pintar ahí, luego simplificarlo o simplemente quitarlo. Otro ejemplo, si ves esta casa aquí mismo, está colocada en un lugar realmente fresco. A mí me gusta lo que la casa como esta foto de referencia, pero si no te sientes cómodo pintando casas, solo puedes quitarla. No se tiene que pintar la escena con la casa, y eso es algo hermoso de elegir fotos de referencia, es que se llega a decidir qué se quiere pintar. Entonces la tercera cosa a pensar se alinea muy bien con este cuadro porque queremos hablar de composición. Pensando en la composición, quiero tener en cuenta la regla de los tercios, que simplemente significa básicamente que si divides una escena en tercios, vertical y horizontalmente, dondequiera que esas líneas se encuentren, estas cuatro esquinas como en el medio aquí mismo, ahí es donde va a ser muy agradable a la vista colocar un sujeto. Esta casa de aquí está justo en esa esquina inferior izquierda, y se ve realmente genial en esta escena. También es bueno tener en cuenta esos rincones cuando estás colocando múltiples sujetos para crear flujo. Te darás cuenta de que este lote de árboles está terminando justo aquí donde se reunirían estas líneas, y luego va justo abajo a la casa, y luego arriba el pico de la montaña está por este top uno. Está creando este flujo de triángulo. Entonces cuando tengas en cuenta las nubes, no se ve plana. Esta pieza no se ve plana ni estática, parece que tiene algún movimiento. Eso es otra cosa importante a tener en cuenta a la hora de elegir una foto de referencia. Creo que la composición también es algo que puedes cambiar. Si encuentras una foto de referencia como por ejemplo, las casas y esta están en medio. Si decidiste que quieres pintar esto, pero querías tener en cuenta la regla de los tercios, entonces solo podrías mover las casas un poco en tu pintura, y eso es algo totalmente aceptable de hacer. Conociendo todas esas cosas entonces, queremos un conjunto claro de capas, queremos sujetos que sepamos pintar, y queremos tener en mente técnicas de composición. Entonces creo que estoy contigo, voy a pintar. Me gusta mucho esta escena de montaña, y aquí está el porqué. Se ve muy complicado. [ RISAS] Hay montones de crags, montones de sombras, montones de árboles pequeños y detalles. Si bien podría pasar una tonelada de tiempo pintando todos esos detalles intrincados, quiero pintar esta escena contigo porque quiero mostrarte cómo puedes escoger y elegir lo que quieres pintar. Pero sólo para hablar de las otras cosas, hay capas claras. Ahí está esta capa de cielo, está esta capa de montaña, como en la montaña de distancia con la nieve, y luego está esta capa de una ladera de hierba con diferentes áreas de carretera y árboles. Es solo un paisaje muy bonito donde todas las capas también son de color diferente. Lo único que es ligeramente diferente nuestras reglas en términos de luz a oscuridad es, posiblemente se podría decir que este verde claro, es más claro que este azul, pero también hay que tener en cuenta la vibración. Este verde claro podría ser más ligero, pero definitivamente es mucho más vibrante. El color es mucho más puro contraposición al azul de atrás aquí es más silenciado. Sí se mantiene en línea con nuestras reglas generales. Creo que este es uno que podemos simplificar y pintar y convertirnos en una hermosa pintura. Vamos a seguir usando esto como nuestra referencia. [ MÚSICA] 6. Cómo analizar tu foto de referencia: [ MÚSICA] Tenemos nuestra foto de referencia, creo que va a ser una buena. Ahora, hablemos de cómo analizar esta foto de referencia. Aquí es donde las habilidades que aprendimos en las lecciones de acuarela apenas unos cuantos videos antes van a ser útiles porque vamos a mirar esta foto de referencia y averiguar exactamente qué técnicas y qué habilidades necesitamos para pintarlo. Echemos un vistazo a esta foto de referencia. Lo he descargado en mi iPad lo cual es muy fácil de hacer con unsplash. Tienen un botón de descarga y lo he abierto en mi app de fotos. Si tienes un Android o no estás usando una tablet no estoy seguro de cómo hacerlo pero así es como lo hago con un iPad. Está en la app de fotos, voy a presionar “Editar” aquí arriba y solo voy a asegurarme de que puedas ver. Déjame hacer eso otra vez. Voy a presionar “Editar” aquí arriba y luego están estos tres puntos en la parte superior y voy a presionar “Marcado” después de abrir esa pestaña Opciones. Ahora puedo usar un lápiz para dibujar justo en la foto. Eso es exactamente lo que voy a hacer para analizar esta foto y sólo para ver qué hay en ella. En esta lección vamos a averiguar con qué estamos lidiando y luego en la siguiente lección vamos a crear un esquema para nuestra pintura. Número 1, tenemos estas capas, tenemos tres capas bastante distintas. Tenemos un cielo nublado que si voy a pintar un cielo nublado eso significa que voy a usar mucho espacio en blanco. Eso se debe a que con la acuarela porque es transparente típicamente utilizas espacio en blanco cuando haces sujetos blancos como nubes. También hay algo azul como celeste, así que tal vez como un azul prusiano valor luz aquí arriba. Eso se siente bastante realizable para mí. Eso será eso primero. Esa es la capa del cielo y la capa de montaña, tenemos mucho pasando, así que tenemos algo de nieve que es blanca. Eso significa que probablemente intentaremos utilizar algún espacio en blanco o al menos algún espacio negativo mientras pintamos esto. Entonces también tenemos unos valores diferentes de color. Tenemos algunos como verde oscuro y verde más claro y estos se ven grises o casi azules aquí arriba. Como mencioné en la lección anterior, probablemente no intentaré pintar todos los detalles muy bonitos y específicos de esta montaña. Pero sí quiero captar algo de la textura. Al igual que por ejemplo veo aquí arriba la montaña tiene como una textura de celosía donde se pueden ver las capas de roca y así que eso podría ser algo en lo que yo pensaría. Definitivamente quiero quedarme con parte del espacio blanco nevado. Al hacer el pico aquí arriba y tal vez a lo largo del costado tendré en mente algo de ese espacio en blanco. Yo sí quiero tener algún contraste. Casi hasta parece que aquí hay dos capas de montaña. Este es el fondo o incluso tres. Al igual que esta es la capa montañosa más lejana, esta es la capa media de montaña, y luego esta es la capa de montaña más cercana. Ya puedo pensar en pintar. Eso lo voy a tener en cuenta cuando pase a mi contorno. Pero en general porque esta también es la capa media del suelo de toda la pintura, quiero que los colores sean bastante silenciados, quiero que el valor sea como un valor de rango medio, lo que significa que es acuoso pero no tan acuosa que sea transparente. Yo quiero que sea visible pero también muy obviamente silenciado para indicar distancia a nuestros ojos. Entonces las cosas que probablemente voy a simplificar es, dudo que vaya a intentar capturar estos son todos árboles, como puntos muy pequeños, ni siquiera sé si los puedes ver muy bien. [ RISAS] Pero hay justo como diminutas crestas y pequeñas manchas de árboles. No creo que vaya a entrar en ese detalle. Probablemente sólo voy a tratar de capturar una capa muy luminosa con tal vez un poco de textura en algunos lugares. Simplemente vamos a ir por eso a medida que lleguemos allí. Ahora hablemos de esta capa de primer plano. A medida que estamos descomponiendo estas capas, miramos las capas y luego dentro de cada capa miramos los sujetos y el color y cómo los vamos a pintar. En esta capa de primer plano hay árboles, hay este camino, a veces hay árboles en racimos, a veces hay árboles solo individualmente. Otra cosa a destacar es que todos estos árboles están lejos. Esto parece que probablemente es un tiro de avión no tripulado o alguien está parado en un puente muy alto o algo mirando hacia este valle. De cualquier manera, no vamos a pintar demasiado detallados de temas porque están tan lejos. Cuando los sujetos están lejos, eso es más fácil para ti como pintor de acuarela porque eso significa que aunque estuvieras ahí en la vida real, realmente no serías capaz de distinguir todos estos detalles. Se simplifica lo suficiente para que no tengas que pintar las cosas de inmediato. Entonces este camino es blanco. Porque es un gran camino blanco en medio de todo este color, podría usar algo de cal encima en lugar de tratar de mantener este espacio blanco en blanco. Eso es algo en lo que pensar ya incluso para las nubes y la nieve en la montaña, no tienes que utilizar el espacio en blanco. Podrías usar gouache blanco si quieres, algo que hago con bastante frecuencia. Podría hacer eso por parte de la nieve, sólo tendremos que esperar y ver [RISAS] a medida que avanzamos. Algo más, hay esta pequeña mancha gris justo aquí probablemente con rocas o suciedad, algo así. No voy a pintar eso sólo porque prefiero que mis capas sean individuales. Si bien el contraste y tener temas variados a menudo hace que las pinturas sean mejores, como si las hiciera más interesantes, esto simplemente se siente intrusivo. Esto es algo que voy a sacar y eliminar. Algo más en lo que pensar en cuanto a cómo vamos a pintar cada capa individual que hablaremos más extensamente en el siguiente video es esta capa de primer plano tiene un verde brillante. Es decir, no lo suficiente pero es verde brillante, bastante vibrante aunque como una zona verde vibrante con muchos pequeños bolsillos de árboles. Probablemente pintaré esta capa de primer plano en múltiples capas, como comenzar con este verde vibrante y luego tal vez me vaya a hacer como un mojado en verde vibrante húmedo con algunas manchas oscuras y luego pintar en algunos detalles más como apretar algunos de los detalles en las siguientes capas. Estamos dividiendo esto en capas [RISAS] de fondo , medio suelo , medio suelo y primer plano, pero también podrías descomponer cada capa individual en más capas. Sé que son muchas capas [RISAS] pero así es exactamente como logras esto. Así es exactamente como tomas una foto de referencia aparentemente complicada como esta y la conviertes en algo que es totalmente realizable, sobre todo con las herramientas y las habilidades que tienes como artista de acuarela conociendo todas las reglas sobre acuarela que haces. Algo de lo que hablamos que no está realmente en este cuadro es a menudo que el cielo o las montañas tienen un gradiente hacia ellos. Eso no está realmente presente aquí pero está bien. Realmente lo que vamos a estar usando es un montón de combinaciones diferentes de mojado en húmedo y húmedo en seco. Puedo usar un poco de una textura luminosa probablemente para el cielo y para las primeras capas tanto de las capas medias del suelo como de primer plano. Porque significado luminoso, usando la técnica húmeda sobre húmeda para crear luz y un efecto de destello, eso va a ayudar a que cada capa individual sea infinitamente más interesante. Esto es sólo mirar un poco más profundo a todas estas primeras miradas, sigo pensando una cosa más pero así funciona mi mente [RISAS] mientras desglose las fotos de referencia. También veo casitas diminutas aquí mismo. Puedo o no añadir esos. Todavía no lo he decidido. Son algo interesante para, como un tema interesante para tener pero son tan pequeños, no sé que marcarían la diferencia. Voy a meter eso en el fondo de mi mente, llenarlo como estoy pintando. Eso es algo que hago a menudo. Empiezo con una idea general después de haber desglosado una foto de referencia y luego decido un poco más tarde cómo quiero colocar todo. Entonces lo último es la composición. Hablamos de la regla de los tercios. Descomponemos una escena en tercios yendo horizontal y verticalmente. Parece que este pico de montaña ya está en esa intersección entre estas dos líneas, así que ese es un gran punto que quiero mantener ahí. Las capas también se alinean porque si tienes capas individuales que van horizontal o verticalmente, es bueno colocarlas a lo largo de estas líneas paralelas. Parece que esta capa verde y esta capa azul están todos alineados así. Pero como lo estamos teniendo en cuenta, no queremos que el cielo y la montaña y el verde sean todos del mismo tamaño. Sí queremos mantener el contraste. A lo mejor voy a tener como el cielo sea un poquito, no lo sé. Básicamente quiero que el cielo ocupe la mayoría de la escena o quiero que las capas montañosas tomen la mayoría de la escena y solo para proporcionar contraste contra estos dos sujetos opuestos. Creo que lo decidiré en la siguiente lección mientras delineamos este cuadro. Pero creo que eso es lo último que quiero tener en cuenta al analizar esta foto de referencia. Tan sólo para resumir, como desglosamos esta foto, vamos a delinear o básicamente hacer un plan para pintar esto en la siguiente lección. Pero como estoy rompiendo esta foto quiero tener en cuenta todas las reglas de acuarela de las que hablamos para capas y para temas y para técnicas de acuarela. Empecé por descomponer la foto en capas individuales, así que el fondo, el medio suelo, el primer plano, y luego miré cada capa individual e identificé técnicas. Estaré usando la técnica húmeda sobre húmeda para pintar el cielo y probablemente pueda hacerlo solo en una capa. Para la capa media del suelo para las montañas, esto probablemente tendrá múltiples capas. No estoy seguro de cuántas capas de montañas voy a hacer pero para pintar todos los detalles contrastantes de cada montaña voy a tener que pintar cada montaña en capas individuales como bien usando la técnica húmeda sobre húmeda y luego dejarla secar y pintar encima de ella que es acristalamiento. Entonces para la capa de primer plano puedo ver que también hay muchos temas diferentes. Definitivamente voy a descomponer eso en múltiples capas también. Espero que esta recapitulación les haya sido útil y ahora sigamos adelante y hagamos un plan en la siguiente lección. [ MÚSICA] 7. Haz un plan de la pintura: [ MÚSICA] Ahora es el momento de hacer un plan. Hemos elegido una foto de referencia que realmente nos encanta. Lo hemos desglosado para averiguar qué piezas hay dentro y qué podemos hacer con ellas. Ahora construyamos un contorno sólido para que cuando empecemos a pintar no nos confundamos y teniendo que pensar en el acto. Hagámoslo amigo mío. En la lección anterior, analizamos la foto de referencia para que pudiéramos tener una idea clara de con qué estamos trabajando. Ahora que tenemos todas esas técnicas y capas en mente, vamos a hacer un plan. Para hacer un plano para una pintura, básicamente identificas las capas y luego identificas el orden en el que vas a pintar las cosas dentro de las capas. Bastante simple. Tenemos la capa 1, que es la capa de fondo, capa 2, que es la capa media del suelo, y la capa 3, que es la capa de primer plano. Empezamos con el fondo, luego pintamos el medio suelo, y luego pintamos el primer plano. Por ese sistema, vamos a empezar con el cielo. Lo primero que vamos a pintar es el cielo. Hablamos un poco de esto en la lección anterior, pero repasémoslo otra vez. Para pintar este cielo azul nublado, vamos a usar la técnica húmeda sobre húmeda a donde voy, así que sólo voy a bajar eso húmedo sobre húmedo con azul, y para conseguir el blanco de las nubes, vamos para usar Whites-pace. Podría terminar usando una toalla para levantar algunas de las nubes también para conseguir ese efecto más nublado, y hablaremos de eso cuando empecemos a pintar. El cielo puede suceder básicamente en una capa así que eso será bastante fácil. Para prepararnos para el resto del cuadro debajo del cielo, queremos mantener el cielo bastante cerca también, como queremos mantener los colores del cielo en la zona del cielo, lo que significa que no queremos que el azul para ocupar toda la página. Sólo queremos que el azul esté mayormente donde está el cielo y hablaremos eso otra vez una vez que empecemos a pintar. Algo que discutimos la última lección que debemos resolver ahora es ¿ queremos que el cielo retome sólo un poquito del cuadro o queremos que el cielo tome mucho del cuadro? Si queremos mantener un contraste de forma y mantener un contraste para que no solo tengamos partes iguales. Porque como hemos hablado, cuando tienes partes iguales, como todas las capas se ven exactamente iguales o son del mismo tamaño, eso no es súper interesante para que tus ojos lo vean. Se quiere tener siempre algún contraste. Esta pintura en realidad se presta bien. Creo que antes pensaba que estos eran bastante iguales, pero ahora estoy viendo que sí, parece que están divididos en tercios, pero también la pendiente de la montaña corta en la línea. Cuando no se puede tener contraste en espacio para determinar cuánto espacio va a tomar cada capa, también es bueno tener un contraste entre líneas y curvas. La curva de la montaña de esta capa es ligeramente diferente a la curva de esta capa y corta en las líneas que podemos ver también. Simplemente pensando a través de todas estas cosas, para esta clase, no quería darte un muy corte y seco como esto es exactamente lo que haces porque ese no siempre es el proceso que paso cuando me descompongo un foto de referencia. En realidad, la mayoría de las veces cuando descompongo una foto de referencia y se me ocurre un plan, estoy pensando en muchas cosas diferentes al mismo tiempo y tomo decisiones de último minuto, y eso es exactamente lo que quiero enseñar tú está bien. Está bien si te metes en pintar tener una idea general, pero luego tomar decisiones de último minuto y pensar a través de muchas cosas diferentes, aunque no termines cambiando nada. De vuelta al cielo. Creo que en su mayoría voy a mantenerlo de la manera en que es donde el cielo no es todo el tercer top de la página, es sólo una parte de este top de la página. El monte y la ladera van a ocupar la mayor parte del resto de la página. Enfriar. Esa es la capa 1. Entonces después de que eso se seque, vamos a ir al medio suelo, que es la capa 2, y antes hablamos de cómo parece que hay tres montañas. Puede que hasta sean cuatro, pero creo que sólo lo vamos a llamar tres. Parece que hay una capa de montaña justo aquí y una justo aquí y otra muy en la parte de atrás. Al pensar en cómo quiero ir a pintar y si quiero conservar las tres capas, me gusta considerar la pieza como un todo. Ya hemos hablado de la regla de los tercios. También me gusta recordar la regla de las probabilidades, decir en general, si tienes un número impar de cosas, es más agradable a la vista. Tengamos en cuenta esta regla de probabilidades. Si tenemos una ladera grande y un cielo grande, entonces si sumamos el resto de estas capas montañosas, quiero que sea un número impar. O entonces querría una capa de montaña grande o querría las tres capas. En realidad no quiero dos, sólo dos capas de montaña con el cielo y la ladera porque eso hace cuatro, eso hace cuatro capas realmente aparentes, y preferiría tener un número impar. Creo que lo fácil de hacer sería hacer una gran capa de montaña. Pero te voy a desafiar un poco, y pintemos esta montaña en tres capas, y digo reto, pero en realidad es un poco más fácil de lo que piensas. Ese es mi plan para el medio suelo, es tres capas montañosas. Para poder hacer las tres capas montañosas, queremos tener en cuenta que la distancia significa que los colores van a ser más claros. El estrato montañoso más lejano va a ser el más pequeño y también el más ligero, y entonces las capas montañosas oscurecerán progresivamente, lo que esta pintura muestra con bastante claridad. Tenemos un plan para el cielo, que está utilizando la técnica húmeda sobre húmeda en su mayoría. Para la capa 2, vamos a cortar eso en tres capas individuales de montaña, y cada capa de montaña va a ser bastante similar. Bueno, la primera capa de montaña solo va a ser probablemente solo usando una capa pequeña bastante luminosa y ligera para conseguir ese pequeño blip ahí mismo. Después para las otras capas de montaña, habrá bastante similar donde pondremos una capa de la técnica húmeda sobre húmeda fin de obtener algo de textura luminosa, y luego usaremos la técnica húmeda sobre seca para textura encima de ella y dejar atrás Whites-pace. Vamos a hacer una combinación de mojado sobre húmedo y húmedo sobre seco con el fin de conseguir esa textura que queremos. Ten en cuenta que no voy a conseguir todos estos pequeños detalles aquí. Podría conseguir algo de esta textura de rejilla de celosía aquí arriba y algo de nieve. Pero aparte de eso, quiero mantenerlo sencillo porque quiero que sea bastante fácil de pintar. No quiero abrumarme, y así simplificar es el camino a seguir en ese caso. Aquí está nuestro plan, el cielo, las tres capas de montaña, y luego finalmente, por supuesto, la ladera y la ladera, vamos a empezar con una capa de luz para este verde claro aquí, y luego vamos a hacer otra capa de detalle oscuro. Algunos de los detalles podrían ser como este camino ligero aquí mismo y podríamos poner algunas de las casas ahí. De lo que hablé, todavía no estoy seguro si voy a quedarme con las casas o no, pero ese es en general el plan. Número 1, el cielo, número 2, las tres capas montañosas, número 3, la ladera comenzando con esta capa verde claro, y luego posiblemente estoy manteniendo algunas de las áreas oscuras en esa primera capa de luz, y luego la segunda capa en primer plano serán colores más oscuros y agregando un poco más de detalle. Eso me parece un plan sólido. Creo que va a ir muy bien. Antes de pasar a la pintura, solo un video de planeación más, veamos los colores y veamos si podemos mezclarlos usando algunas pinturas bastante simples. Nos vemos entonces. [MÚSICA] 8. Cómo mezclar tu paleta de colores: [ MÚSICA] Último video antes de que realmente empecemos a pintar. En esta lección, vamos a hablar de la mezcla de colores, específicamente, cómo mezclar los colores que necesitamos para pintar nuestra foto de paisaje. Voy a usar una paleta limitada en este video, lo que significa que solo estoy usando los colores primarios más gris de Payne y voy a hablar todo sobre mis opciones de color, por qué estoy usando los colores de pintura que soy específicamente, y por qué es una idea inteligente que practiques la pintura con una paleta limitada también. Vayamos por delante. Tan solo como referencia, los cuatro colores que voy a usar para mezclar los colores en esta pieza paisajística, que no hay muchos colores, pero de cualquier manera, estoy usando el gris Payne de Winsor & Newton. Compré un tubo grande de esto porque probablemente sea mi color más usado, Winsor & Newton, amarillo limón profundo, Daniel Smith, azul prusiano, y Daniel Smith carmín para rojo. Usemos estos colores con el fin mezclar lo que necesitamos para nuestra pintura. Tengo este papel de desecho, tengo mi paleta de cerámica. No necesitas una paleta de cerámica, podrías usar solo una de plástico, pero prefiero usar paletas de cerámica porque creo que mezclan colores un poco mejor. Tengo este pincel redondo número 10. En realidad voy a agarrar un pincel número 6 redondo porque creo que los 6s funcionan un poco mejor. Los tamaños de pincel más pequeños son mejores para probar diferentes colores. Primero lo primero, voy a sacar a un lado algunos de estos colores primarios que están en mi paleta principal y simplemente ponerlos en esta paleta para mostrarte cómo se ven. Eso es carmín, que es nuestro color rojo, y ese es azul prusiano, que es nuestro azul, y amarillo limón profundo, que va a ser nuestro amarillo. Voy a usar el gris de Payne también porque creo que el gris de Payne es súper práctico. En ocasiones el gris de Payne puede actuar como sustituto negro cuando quieres tener un color realmente más oscuro o quieres hacer un color más silenciado. Puede sustituir al negro sin tener que usar el negro en realidad. Ahí lo tienes. Empecemos con cada capa individual. El primer estrato, el cielo, puedo ver un valor bastante ligero, significa azul acuoso, y así voy a probar para ver si el gris de este Payne funcionará. Ten en cuenta, no estoy tratando mezclar colores para que sean exactos, solo estoy tratando de mezclar colores para que sean adecuados básicamente que se vean bien juntos y obtengan lo esencial de lo que soy tratando de hacer. Este valor de luz azul prusiano parece que encaja bastante bien. Generalmente, cuando estás pintando el cielo, azul prusiano es una buena manera de ir. A veces el cielo tiene sólo un poquito de rojo en él. Eso lo hace sólo un poquito más de un azul-violeta. Ese podría ser un poco más celeste con azul prusiano con solo un toque muy, muy diminuto de rojo que lo hace muy, muy sutil color azul-violeta. Te lo voy a dejar a ti si quieres hacer solo azul prusiano o añadir ese color también, y eso fue bastante fácil. Pasemos a la segunda capa. En su mayoría voy a estar usando un valor ligero gris de Payne. Estoy agregando agua a este gris de Payne aquí mismo. El gris de Payne es como un azul marino si nunca has pintado realmente con él. Eso coincide bastante bien con la roca. Si utilizo la técnica húmeda sobre húmeda con el gris de Payne para obtener muchos valores diferentes, funcionará bastante bien. hay un poco de verdes sutiles Aquíhay un poco de verdes sutilesy necesitamos mezclar verde para la siguiente capa. Entonces vamos a echar una puñalada a mezclar un poco de verde. Para mezclar verde, en primer lugar, necesitas azul prusiano y amarillo limón. Justo como consejo, si vas a mezclar el azul con cualquier cosa, azul casi siempre va a ser más fuerte que cualquier otro color que vas a usar, por lo que no necesitas tanto azul como todo de lo contrario, sólo para que conste. Estoy usando mucho más amarillo limón de lo que tengo azul para conseguir este verde, y este verde es bastante brillante. No creo que ninguno de los greens en mi cuadro vaya a ser bastante brillante, así que quiero tonificarlo un poco. Yo quiero hacerlo un poco más silenciado. Para ello, fin de agregar un poco de marrón o simplemente más de ese subtono gris lavado, voy a mezclar con él el color complementario del verde. Eso es generalmente lo que usas para hacer marrón, cuando mezclas colores complementarios juntos, usando la rueda de color como guía, y el color complementario del verde es el rojo. Si le agrego un poco de carmín a este verde, nota cómo se volvió gris, este gris-verde, y ese es en realidad un color bastante fresco y casi cercano a lo que quiero estar en esta ladera de montaña. Yo sí quiero solo un poco más verde a ella y así voy a añadir un poco más azul y también poco más amarillo para que me ponga un poco más de un verde silenciado que todavía se ve relativamente verde a diferencia de éste que se ve verde-marrón. Eso se ve bastante bien. Eso voy a llamar bastante bueno para la ladera de la montaña y eso me lleva a crear el verde para la ladera. Yo quiero un verde claro, que en este caso, no es tanto un verde de valor claro, lo que significa que no es tanto que el color esté lavado o tenga más blanco en él que lo vuelva muy ligero, delicado, color sutil. Se ve verde claro, lo que significa que tiene mucho amarillo en él, y así como este verde ya tiene ese rojo en él, no es un verde lima brillante, no es un amarillo-verde brillante. Yo sólo voy a seguir agregando a esta mezcla que tenía el rojo en ella y le agregué un montón de amarillo. Eso está bastante cerca. Es quizá un poco más amarillo-verde de lo que quería. Ahí hay un poco más azul, eso es un poco más brillante de lo que quería, así que tal vez un poco más rojo para tonificarlo solo un poco. Es por eso que los papeles de desecho como este son bastante útiles y en realidad eso se ve bastante bien. Creo que esa es la combinación que voy a por agregar azul y amarillo con sólo un poco de rojo, que con más amarillo que azul para hacerlo amarillo-verde, fue solo un poquito de rojo para hacerlo tan silenciado amarillo-verde. Ahora el último color verde oscuro, voy a usar el gris de Payne con este verde que ya mezclé. El gris de Payne, como mencioné antes, es una gran manera de oscurecer en cualquier color sin que sea aburrido. Cuando le agregas pigmento negro puro al color, veces los pueden embordecerlos o simplemente aburrir la vitalidad y eso no es realmente lo que queremos. Añadí el gris de Payne a este verde, pero sigue siendo bastante azul, así que le voy a agregar más amarillo y ver qué le hace eso. Eso está bastante cerca en realidad, así que tal vez sólo un poco más amarillo para ver lo oscuro que es eso. Eso es bastante bueno. No es del todo tan oscuro como se ven aquí los árboles, pero puedo seguir sumando más gris de Payne y más amarillo y azul. El problema con la mezcla de colores como esta, especialmente con acuarelas es para mezclar colores, necesitas agregar mucha agua, y cuando agregas mucha agua, automáticamente aclara el valor. Para hacer esta mezcla un poco más pigmentada, fin de conseguir esa más oscura, pigmentada, verde oscuro, entonces lo que voy a hacer es mezclarla tanto como sea posible con el color. Cuando estoy recogiendo la acuarela, quiero usar la menor cantidad de agua posible. Voy a intentar hacer eso ahora mismo. Estoy mezclando este verde y estoy tratando no meter toneladas de agua en él. Ahora voy a coger un poco gris de Payne y mezclarlo justo aquí, y eso lo hizo un poco más oscuro. Creo que eso funcionó bastante bien. Es bastante brillante, así que también voy a añadir sólo un poco de rojo para, de nuevo, contrarrestar ese verde, para agregarle un poco de marrón. Siento que eso se ve bastante bien. Eso resume el esquema de color que voy a usar para esta pieza, y espero que este pequeño tutorial de mezcla te haya sido útil. Esta clase no está enfocada tanto en la mezcla de colores, pero una cosa importante a saber es que los artistas profesionales suelen usar una paleta limitada como esta. Utilizan los colores primarios o solo unos pocos colores y luego alguna mezcla de color inteligente para obtener sus resultados deseados. Porque cuando usas todos los mismos colores para obtener tus tonalidades deseadas, a menudo tu paleta es un poco más cohesiva. Por lo que a diferencia de tratar de unir pigmentos de tubos completamente diferentes, tener la misma base y usar las mismas mezclas de color solo hace que todo se apriete y encaje de una manera realmente hermosa. Esta pieza aterrizó realmente bien a eso porque aquí sólo hay unos pocos colores que son muy fáciles de mezclar. Espero que tú también lo pensaras, y espero que esto sea de ayuda. Ahora que tenemos algunos de estos colores abajo, empecemos a pintar. Te veré en la siguiente lección. [ MÚSICA] 9. Proyecto: la capa de fondo: [ MÚSICA] [RUIDO] Terminamos de planeación, hora de empezar a pintar. Esta es la capa 1, donde mayormente vamos a pintar el cielo en capas transparentes realmente delicadas que harán para una gran capa contrastante cuando finalmente saquemos los otros elementos. Los materiales que estoy usando para este cuadro son un pincel redondo número 10, este es un Princeton Neptuno, un redondo número 6, este es la serie Sablette sintética de Utrecht, y un número redondo 0. Estos tres pinceles son lo que voy a usar para pintar este cuadro. También estoy usando estos cuatro colores, los que mezclamos en lección anterior: el gris de Payne, azul prusiano, el carmín y el amarillo limón profundo. Estoy usando Arches 100 por ciento de papel de acuarela de algodón. Yo lo he pegado, como pueden ver, a mi escritorio. Simplemente es mejor mantener el papel tenso porque el papel de acuarela sigue siendo papel, y así el agua aún lo dañará. Taparlo hacia abajo solo ayudará a minimizar la deformación en tu pintura. Entonces tengo una paleta de mezcla para mezclar mis colores. También voy a usar el blanco a prueba de sangrado del Dr. Ph. Martin para mi gouache blanco ya que añado apenas algunos pequeños reflejos en la pintura. Creo que eso es todo lo que necesitamos para empezar. Procedamos con la capa 1. Voy a usar mi cepillo redondo número 10 para bajar un lavado de agua limpia. Si recuerdas, capa 1 está abordando el cielo de la pieza, y queremos que el cielo se quede mayormente en este rincón de aquí arriba. Pero todavía vamos a mojar la mayor parte de la página. No tienes que mojar toda la página, pero al menos como dos tercios del camino hacia abajo. Eso es sólo porque no queremos ninguna línea de pintura seca. Si no consigues suficiente de la página mojada y parte de la pintura se encuentra con el borde del área húmeda, vas a tener una línea de pintura seca de azul o de cualquier color que estemos usando. Estamos tratando de evitar eso, y así nos estamos mojando más del papel de lo que necesitamos. Está bien si algo del azul del cielo se solapa en donde vamos a pintar la zona montañosa. Porque estamos usando capas y un valor ligeramente más oscuro para las montañas, se verá simplemente bien para que eso no sea gran cosa. Sigo tropezando con mis palabras. Gracias por escuchar. Adelante y empecemos con el color del cielo. Si recuerdo, queríamos un valor muy ligero, azul prusiano, así que tengo un poco azul prusiano aquí y lo estoy haciendo bastante acuoso. Entonces para que sea solo un violeta azul muy ligero, estoy agregando un poquito de carmín, cantidad muy pequeña, fin de conseguir ese look realmente sutil celeste azul. Quiero recordar que se supone que este cielo está nublado, así que voy a pintar algunos espacios en blanco. No tengo que pintarlo por lo que se parece exactamente a la foto de referencia. Eso es algo a tener en cuenta lo largo de este proceso como estás pintando es, la foto de referencia en este punto realmente es una guía. Ya tenemos un plan, sabemos básicamente lo que tenemos en mente, y si pasas todo el tiempo frenéticamente mirando atrás y adelante entre la foto de referencia y tu pintura, vas a te pierdas el proceso mágico que es la acuarela. Todo el punto de la planeación fue para que podamos tener todas las piezas generalmente en mente y luego tener la libertad y la flexibilidad para hacer de esta pieza lo que queramos, sabiendo que tenemos el piezas fundacionales ya en su lugar. Me voy a ir definitivamente, porque estoy usando la técnica húmeda on wet, ver cómo los colores se desdibujan juntos, e intencionalmente estoy dejando atrás espacios en blanco porque quiero que esas nubes estén ahí. Ahora, a veces estoy usando ese valor de luz muy acuoso, azul prusiano, y luego a veces me estoy lavando cepillo y usando agua para esparcir esto por ahí. Al fomentar que la pintura se mezcle con el agua y se mezcle con el papel, eso es lo que va a crear una textura luminosa realmente fresca. Otra cosa que podríamos hacer, podríamos parar aquí honestamente y simplemente dejar que estas nubes sean lo que son, pero otra cosa que podemos hacer es que podemos usar una toalla. Me he convertido a usar toallas lavables en lugar de toallas de papel. Podemos usar una toalla para simplemente fregar ligeramente algo del blanco solo para que la nube sea un poco más visible. En este caso, no quiero que la nube sea súper blanca. Creo que está en la foto de referencia, pero sigo queriendo que solo esté sutilmente ahí con bolsillos de cielo. Creo que eso se verá genial. Creo que ahí es donde voy a aterrizar con el cielo. El cielo no es el evento principal de este cuadro independientemente, así que realmente quiero este efecto solo sutil. A lo mejor después de haber fregado algo de ese blanco, solo voy a añadir un poco más azul en algunas zonas y luego lo mezclaré en un poco más para que la nube esté ligeramente más definida. Honestamente en este punto, solo estoy jodiendo, que es la diversión de pintar. Metir y experimentar es lo que encuentro que algunas de las partes más satisfactorias y divertidas de pintar paisajes. No tengas miedo de probar algo y luego probar otra cosa porque realmente todo el punto de la pintura no es hacer bien esta pintura, es tener una experiencia increíble para ti. Como se puede ver, este resultado final es muy sutil. Es solo un poco de azul, un poco de blanco. Creo que eso va a quedar realmente impresionante. Dejemos que esta capa se seque y pasemos a la capa media del suelo. [ MÚSICA] 10. Proyecto: la capa intermedia: El cielo está hecho. Está seco. Ahora es el momento de la parte más dura. Vamos a pintar la capa media del suelo ahora que es esa capa realmente fresca de montañas que está en medio de esa foto de referencia. Esta capa realmente se va a enfocar mucho en el valor del color. También vamos a hablar de acristalamiento y texturas y cuándo simplificar versus cuándo no simplificar, un montón de cosas así. Vamos a sumergirnos justo en. Amigo mío, completamos la primera capa, el cielo. Es tan sutil. Apenas lo podemos ver. Pero honestamente, creo que eso está totalmente bien para esta pieza, sobre todo porque como ya he mencionado antes las montañas y la ladera realmente son la estrella de este cuadro. Vamos a dejar que este muy sutil cielo azul nublado sea lo que es y pasar a la Capa 2 que es la capa de montañas. Vamos a hacer una montaña, muy pequeña, muy lejana montaña en la parte de atrás justo aquí. El valor más ligero queremos que sea aquí mismo porque esta es la intersección usando la regla de tercios. El cruce de estos dos puntos aquí mismo. Este será el punto de partida de la cordillera inclinada hacia arriba ya que cubrimos 1, 2, 3 capas de esta capa media del suelo. Eso fue un montón de capas en poco tiempo. De todos modos. Empecemos con esa capa y luego pasaremos a las otras montañas en breve. Todas las capas montañosas, la base de cada montaña va a ser justo este valor muy ligero, el gris de Payne. Vamos a empezar. Para esta primera capa va a ser bastante fácil. La mayor parte de ella honestamente estará cubierta por las capas subsiguientes. Yo solo voy a empezar justo aquí y quiero que este pico de la montaña solo esté alcanzando su pico ahí mismo. Entonces, así que voy a asegurarme de que esa parte de la montaña sea visible y el resto probablemente esté cubierto por las siguientes capas. Eso fue bastante fácil. Vamos a mantener esta capa valor muy ligero, no mucha textura porque esta va a ser la montaña que está más alejada. Tenemos esta capa de fondo de montaña. Ahora pintemos la capa media del suelo de montaña en esta capa. Para conseguir ese color, quiero que sea un valor ligeramente más oscuro que la primera capa, así que solo voy a añadir un poco más gris de Payne, está en esta paleta fuera de lado aquí. Eso fue mucho. lo quiero bastante acuosa. A veces cuando mezcle colores, eso es lo que pasa. Añado un poco más de pigmento y luego añado un poco más de agua. Es exactamente por eso que todavía tengo este papel rasguño aquí, para que pueda probarlo. Yo diría que eso es más oscuro que esta capa de fondo. A lo mejor voy a añadir sólo un poquito más. Creo que eso es bastante bueno. Voy a empezar con sólo pintar el contorno de donde quiero que vaya esta montaña. El monte que se va a arrastrarse la escena así es la montaña de primer plano, decir en esta capa media del suelo que estamos pintando en esta lección, es la montaña que vamos a pintar en última instancia. El monte que estamos haciendo ahora es la capa media del suelo y su pico va a estar por aquí. Tiene un borde plano, rectangular. No lo sé. Es diferente. No tenemos que pintarlo exactamente como está en la foto de referencia que es algo que he dicho varias veces a lo largo de esta clase. Pero el punto, la razón por la que lo mencioné es porque queremos asegurarnos de tener alguna variación en el medio aquí. Entonces sabemos que cualquier parte de la montaña que recorre por este lado, probablemente solo se cubra con la montaña de primer plano. No necesitamos poner toneladas de atención a cada parte de esta montaña. No tenga en cuenta aunque que incluso la montaña de fondo y el medio suelo y el primer plano, todos tienen crestas definidas bastante claras. Eso significa que cuando tenemos claro definido algo, eso significa que estamos usando la técnica húmeda sobre seca. Es por eso que esta primera capa de montaña está seca. Ahora estoy pintando sobre un papel seco para que la otra capa de montaña tenga también esa cresta clara definida. Siempre que estoy pintando montañas, recuerdo que quiero que haya bordes y no quiero líneas muy rectas. Yo quiero que haya estos bordes divertidos. Pero no estoy tratando de hacerlo perfecto. Las pinturas de la naturaleza son más realistas cuando son imperfectas. Por eso cuando pinto montañas, muevo la mano arriba y abajo, de ida y vuelta. Quiero que mi mano esté un poco temblorosa ya que estoy pintando esto. Aquí está esa capa de montaña honestamente, es un poco más oscura de lo que creo que pretendía. De hecho me voy a llevar mi toalla aquí y sólo voy a fregar un poco del pigmento, para que tenga algo más del espacio blanco debajo porque no quiero que esto sea demasiado oscuro. Ahora que he fregado algo de ese pigmento, sólo voy a tomar un poco de agua, agarré el cepillo seis en lugar de mi 10 que está bien. Pero sólo voy a tomar un poco de agua, mezclar lo que queda de este pigmento juntos. Eso es bastante bueno. Yo quiero que esto se moje parcialmente porque en esta capa, no quiero terminar sólo con el gris del Payne. Yo también quiero agregar un poco de verde. Pero quiero un verde más silenciado como practicamos en una lección anterior. Voy a tomar algo de este verde agregaré mucha agua, le añadiré un poco de amarillo y luego le añadiré un poco de rojo para que sea más silenciado. Eso es más marrón. La mezcla de colores siempre es una aventura. Eso se siente bastante bien. Si bien esto sigue mojado, solo voy a añadir algo de este verde justo aquí. Es tan sutil, apenas lo puedes ver. Eso está totalmente bien porque con esta capa, técnicamente sigue siendo una de las capas de fondo. No necesitamos este verde que estamos agregando aquí para ser súper prominente. Simplemente queremos agregar un efecto sutil para mostrar que hay alguna variación dentro de esta capa. Yo quería meter el verde mientras esta capa aún está mojada solo para poner esta capa base mientras terminamos de pintar el resto de ella. Ahora que esta capa base se ha secado, en realidad estoy notando que la hice sólo un poco demasiado oscuro. Idealmente, hubiera sido más ligero, para que pudiera usar el espacio en blanco del papel para crear nieve. Creo que la capa de montaña de fondo es lo suficientemente ligera pero esta capa media montaña, me hubiera gustado ser un poco más ligera pero porque no lo es, voy a usar gouache blanco para la nieve en su lugar del espacio en blanco del papel que honestamente está bien también. Creo que saldrá bien. fin de crear las crags y las sombras de esta montaña, estoy tomando en múltiples capas con básicamente todo lo demás de esta pieza. Vamos a construir lentamente contraste. Para las sombras y los crags, voy a usar valores variables del gris de Payne. Añadí un poquito de carmín para hacer que el gris de ese Payne levemente morado lo que hará que se vea un poco más gris. Pero honestamente, con valores esta luz, realmente no importa el gris del Payne como bases la parte más importante. Voy a mezclar un valor bastante ligero gris de Payne y empezar a pintar líneas vidriadas todo abajo de la montaña. Honestamente, en realidad no estoy teniendo mucha rima o razón aquí. Yo quiero que se vean bastante naturales. Para que se vean un poco más naturales como sombras en una montaña, estoy pintando de lado. Estoy pintando realmente torcido en golpes parejos. Tengo en mente el zigzag. Zigzag y diamantes son las dos formas que tengo en mente cuando pinto sombras en una montaña. Pero aparte de eso, realmente no estoy tratando de crear un patrón específico. Solo estoy dejando que mi mano se vuelva loca básicamente. Estoy usando este valor de luz, el gris de Payne y poco a poco me paso a través de la montaña. Observe que también estoy variando la presión de mi pincel, para que a veces las líneas son muy delgadas, a veces las líneas son muy gruesas. Queremos crear la ilusión de que quizá haya grietas en la montaña y también quizá cuevas. Creo que sombras más grandes quizá indiquen hay algunas sangrías o partes desiguales de la montaña. Eso es realmente lo que vamos a buscar. En algún momento decidí que terminé. Ahora voy a crear un valor ligeramente más oscuro, el gris de Payne, con sólo añadir un poquito más. Voy a seguir haciendo exactamente lo que estaba haciendo. Puedes esperar a que se seque la capa anterior o puedes seguir adelante mientras aún está mojada. Apuesto a que en este punto puedo ver algunas de las líneas están secas y algunas de ellas siguen mojadas. Si pinto más oscuro en las líneas aún mojadas, obviamente van a florecer en las sombras y eso estaría bien también. Porque realmente solo estamos buscando unas texturas y colores contrastantes. Añadí solo unos pequeños destellos, supongo que tal vez las luces bajas es un mejor término del gris de ese más oscuro de Payne. Ahora, voy a tratar de captar la textura de unos árboles, justo a lo largo de la base de esa montaña con un verde muy, muy claro. Este es el mismo tipo de verde que mezclamos en la lección de mezcla de colores para la ladera, donde es un verde con un poco de carmín agregado a él, por lo que está ligeramente silenciado. Estoy agregando unos trazos de verde solo, de nuevo, para crear la ilusión de que hay pequeños bolsillos de árboles a lo largo de la base y arriba del costado de esa montaña. Ahora que he creado la mayor parte de las crags y las sombras, estoy tomando mi lechada de cal, agregándole un poco de agua porque la cal, incluso el blanco a prueba de sangrado del Dr. Ph. Martin, que es lo que estoy usando viene en forma de pasta, y así es necesario agregar un poco de agua para que sea un poco más maleable, no demasiado, de lo contrario, se volverá translúcida, pero solo un poquito así que es ligeramente liquidez. Entonces usando los mismos trazos, es decir, lado, diagonalmente, cricket, realmente áspero, diversos grados de presión, solo estoy pintando parches de nieve, básicamente, no saber realmente exactamente dónde me quiero pintarlos, excepto, sí sé que el lado izquierdo de la montaña está echado en sombra, porque ahí pongo muchas sombras. Entonces solo para guardar las reglas de la luz, que no es algo de lo que hablamos mucho en esta clase, sino solo como un hecho divertido, si puedes ver la nieve brillando a un lado de la montaña, a veces el otro lado es más sombra de fundición, a veces. Eso lo tengo en mente pero no realmente lo convierte en una regla muy específica. Por esa razón, sólo quería poner más parches de nieve en el lado derecho de ese pico de montaña. Observe cómo no estoy pintando el lado derecho de la montaña como la pendiente de esa montaña. Eso se debe a que la tercera capa montañosa va encima de eso. No necesito pintar nada, de lo contrario, simplemente brillará a través. Para la parte final de esta capa media montaña, estoy agregando un poco más gris de Payne al verde, y usando mi pequeño pincel de detalle para agregar básicamente como huellas de mi pincel para imitar árboles, para imitar la textura realmente de cómo se ven los árboles a lo lejos, que creo que están moteados a través de la montaña. No estoy tratando de pintar árboles individuales. Solo trato de pintar pequeñas motas a lo lejos. Esto va por la línea con cuando pintas lo que ves, en realidad no pintas lo que sabes. No pintas lo que sabes, pintas lo que ves. No estoy pensando en pintar árboles, estoy pensando en pintar la textura de cómo se ven los árboles. Vamos a hablar de esto también en las próximas capas. Cuando pintas lo que ves, no pintas lo que sabes. Simplemente te enfocas en el color, la textura, la forma, y tratas de imitar eso sin dejar que el conocimiento de, estoy pintando un árbol se interponga en el camino. Ahora hemos dejado secar esa capa media, y así voy a repetir el proceso con esta capa de montaña más cercana. No voy a llamarlo bastante en primer plano porque sigue en esta capa media. Esa es la que estamos pintando ahora mismo. Empecé la capa de montaña pintando con un valor muy, muy ligero el gris de Payne, y luego agregué valor más oscuro el gris de Payne mientras esa capa de montaña aún estaba húmeda. Estoy tratando de hacer luminosa esta capa. Lo que significa que hay bolsillos de espacios en blanco. Si encuentras que tal vez has añadido demasiada pintura en esta capa, puedes usar lo que se llama un cepillo sediento, que es un cepillo limpio que has cargado en tu toalla para eliminar todo el exceso de agua, por lo que está más húmedo. Puedes usar un pincel sediento para levantar parte de la pintura de esa capa y ayudar a revelar algunos de los espacios en blanco para que realmente pueda ser esta textura luminosa. Esa es sólo la capa base de la montaña. Lo dejo secar y ahora lo estoy remojando y agregando aún más pintura, básicamente solo repitiendo ese proceso. Ahora bien, mientras esto está mojado, recuerda esa celosía que notamos al empezar a delinear y descomponer esta foto de referencia. Enrejado, lo que significa que había texturas en la montaña que parecían cruzadas. Esta es solo la capa base, no es súper importante si esta celosía se muestra a través, pero este fue un experimento para mí, donde esperé un poco mientras la montaña aún estaba mojada, pero no tan húmeda que mi pintura florecería justo en todas partes, que es algo de lo que hablamos en la porción de control de agua de la lección de técnicas de acuarela. Donde si dejo que el papel se seque un poco así está húmedo, pero aún mojado, entonces ojalá pueda agregar en alguna de esa celosía en la capa base, y no estoy seguro si va a aparecer porque a veces pintura se seca mucho más ligero que cuando realmente comienzas a pintar con ella. No es gran cosa si en realidad no aparece después de que esta capa esté seca. Voy a divertirme y experimentar pintando estos cruzados aquí sabiendo que en la siguiente capa, cuando empiezo a pintar mojado sobre seco, voy a asegurarme de incluirlo. La capa está seca, realmente no se puede ver más la celosía, lo cual está bien. Ahora voy a empezar con la capa húmeda sobre seca. Similar a la anterior, empezamos con la capa base, y ahora vamos a sumar las crags y las sombras con un gris de Payne ligeramente más oscuro, el valor más oscuro gris de Payne. Aunque todavía bastante acuosa, no queremos que sea tan oscuro que sea opaco. El gris de Payne puede con bastante facilidad, si usas pinceladas muy pigmentadas del gris de Payne pueden empezar a parecer opacas. No queremos eso, así que aún queremos bastante acuosa. Sólo vamos a pintar crags y sombras aleatorias. Esta vez mantengo líneas rectas, supongo. En lugar de ir hacia abajo, lateral o diagonalmente siempre, sigo tratando de hacer esa forma de diamante en zigzag, pero quiero convertirla en esa textura de celosía tipo de, así que hice algunas rayas horizontales, y luego hice algunas verticales. Pero ten en cuenta que nunca estoy usando líneas rectas. Siempre los estoy haciendo torcidos. Quiero tratar de imitar esa textura entrecruzada tanto como sea posible sin dejar de mantenerla de manera justa, “realista”, lo que para nuestra montaña significa usar trazos realmente ásperos, zigzags, ese tipo de textura. Ahora voy a añadir algo de nieve similar a la capa anterior y simplemente yendo de lado usando diversos grados de presión. Quiero recordarte de nuevo que realidad no tengo una rima o una razón aquí. De hecho, como estoy pintando esto, no estoy mirando la foto de referencia. Solo estoy dejando que mis manos deambulen, y si intentas esto y te resulta difícil dejar que tus manos solo deambulen, no estás solo. Es difícil dejar que tus manos solo deambulen, porque tu mente está básicamente cableada para buscar patrones. Se necesita práctica para poder pintar de manera aleatoria así. Pinté sólo un poco de nieve en la base. Esto es como un temprano día de primavera, me imagino, así que no hay toneladas de nieve en la montaña, y ahora voy a añadir algo de verde oscuro, más oscuro definitivamente que la capa de montaña anterior que hicimos porque esta capa está más cerca. Apenas unos parches de verde y ahora ya terminé. Al mirar esto, creo que hice las capas de montaña un poco demasiado oscuras. Creo que si tuviera que volver a hacerlo de nuevo, los habría aligerado un poco para hacerlos un poco más en medio suelo a diferencia de que se vean muy claros. Pero con todo, me siento bastante bien al respecto. Gracias por pintar conmigo esta capa media y pasemos al primer plano donde pintaremos la ladera. 11. Proyecto: la capa de primer plano: El final, estamos llegando a la capa final donde vamos a estar usando nuestros colores más brillantes y vibrantes, también nuestros colores más oscuros, y tratar de atar todo juntos, aunque eso signifique incluir elementos que no existía en la foto original. Estoy muy emocionado de empezar en este. Está bien amigo mío, esta es la última capa que vamos a pintar en este cuadro, basado en la foto de referencia, y creo que va a ser muy divertido. Vamos a sumergirnos justo con el primer lavado. Si recuerdas, nuestro plan general era pintar un ligero lavado de verde con algunas áreas de oscuridad donde van a estar los árboles, y luego dejar que eso se seque y pinte detalles húmedos sobre secos con el fin de realmente juntar todo. Una cosa por la que estaba un poco nerviosa antes fue, tenía la intención de bajar esta capa de montaña todo el camino, pero creo que en realidad va a funcionar sólo para pintar el verde justo a la altura. Es una línea más dura de lo que realmente quería, pero vamos a ir con ella, sobre todo porque los árboles verdes oscuros probablemente sólo van a ir justo por la línea de cresta montañosa justo ahí. Creo que va a funcionar. El primero lo primero es que queremos una capa amarillo-verde. Yo sólo voy a mezclar algunos apagados amarillo-verde, y ya tenía esta mezcla básicamente aquí. Si alguna vez estás mezclando este amarillo-verde, quieres que sea un poco más marrón. Tan solo asegúrate de agregarle un poco de rojo y eso lo hará un poco más marrón. Tengo este amarillo-verde y sólo voy a pintar con mi gran pincel, esta acuosa amarillo-verde por toda mi pintura aquí. Voy a dejar algunos puntos abiertos donde probablemente voy a poner árboles. Creo que voy a poner algunos árboles aquí y por aquí, como el fondo aquí, justo aquí, y luego probablemente por la parte superior. Una cosa a tener en cuenta es nuestra regla de probabilidades. Si van a grandes grupos de árboles, quiero que haya un número impar de ellos. Voy a tener probablemente algunos árboles aquí, y luego por aquí, sólo mirándolo actualmente. Si bien ese amarillo-verde sigue relativamente húmedo, quiero añadir un verde ligeramente más oscuro en esas zonas, solo para actuar como capa base para los árboles que estoy planeando pintar. También quiero tener en cuenta que no quiero que esto sea un lavado plano, quiero bastante luminoso, así que eso significa que quiero que algo del blanco del papel esté brillando. Ya que esta es la capa base, no tiene que ser perfecta. Esto es bastante desordenado, y eso va a estar bien. Hice otra capa para agregar un poco más amarillo-verde y para agregar un poco más de verde oscuro y el verde oscuro superó al amarillo-verde, que no es como está en esta foto de referencia, pero lo estoy cavando. Creo que va a estar bien. Esta es otra instancia en la que entré en esta pintura pensando que iba a ir en un sentido y en realidad se fue de una manera diferente y eso va a estar bien, voy a correr con ella. Lo más importante es el contraste. En lugar de tener que haya bolsillos de verde oscuro para los árboles, voy a tener que los árboles verdes oscuros sean el evento principal básicamente, y tener en su lugar haya bolsillos de esta hierba verde claro yendo en la escena. Otra cosa que es diferente es, en la escena fotográfica de referencia, la ladera sube así a la montaña y lo hicimos más plano. Realmente no hice eso intencionalmente, es algo que creo que acabo de pintar y luego no di cuenta de que era diferente hasta después, pero eso está bien. Era una manera de simplificar las cosas y de hacer esta escena algo divertido para mí pintar. Si eso te pasó, si te estás dando cuenta de que hiciste las cosas un poco diferente, solo debes saber que es normal, está bien. No quiere decir que arruinaste este cuadro y sigamos adelante. Ahora voy a sumar algunos detalles. Aquí está mi verde oscuro, quiero que este sea el más oscuro. Porque quiero que esto sea bastante oscuro, quiero algún uso bastante diluido del gris de Payne. Aquí está mi papel rasguño. Eso parece gris de Payne. Voy a agregarle un poquito más amarillo para que sea más verde. Eso se ve un poco más verde. A lo mejor un poco rojo para que sea un poco más marrón. Eso se ve bastante bien. Voy a usar este verde oscuro para hacer básicamente lo mismo que hicimos en la montaña. Apenas los árboles van a ser un poco más grandes, y por los árboles, sólo quiero decir que estoy usando la huella del pincel, decir cuando acabo de bajar las cerdas, eso es lo que es el resultado. Estoy punteando un montón de huellas de este pincel pequeño tamaño cero a través con el fin de conseguir sólo la vibra. Solo estoy tratando de conseguir el estado de ánimo o la sensación detrás de tener un montón de árboles todos agrupados aquí mismo. No quiero que estén todos en fila. Yo quiero que haya pequeños bolsillos del verde claro debajo, pero aún así quiero que se vean bastante agrupados. Honestamente, esto es lo que voy a hacer por un tiempo. Acabo de saltear estos árboles por toda esta extensión verde. Si puedo hacer ese verde un poco más oscuro agregando unas pinturas grises y agregando algunos árboles contrastantes incluso encima de esas capas. Honestamente estoy bastante hecho con los árboles. Noto cómo hay como tres tonos diferentes de árboles aquí dentro. Hay algunos que es un poco más verde amarillo, algunos de ese verde oscuro básico que usamos. Entonces unas cuantas que son poco más pinturas grises, y tener todas esas capas construidas una encima de la otra proporciona profundidad en esta escena. A pesar de que ni siquiera pintamos ningún árbol realmente, acabamos de pintar pequeñas huellas de ese pincel tamaño cero y pequeños puntos por todas partes, todavía parece que es un árbol expansivo que fluye en este herbácea zona. Algo que realmente lo va a reunir porque también podría parecer si lo estás mirando desde la perspectiva de como si no estás mirando la foto de referencia y solo la estás mirando, podría parecer solo algún pasto muy cercano. Una forma de apretar esa perspectiva es agregando este camino que está en la foto de referencia. Voy a usar un poco de cal y mezclarlo con un poco de lo que hay en mi paleta para hacer ese camino fuera de blanco. Mezclo un poco de gouache. Tenía un poco de naranja mezclada por aquí. Eso fue muy ligero, sólo algunos colores. Mezclé el gouache era sólo un poquito de ese amarillo y un poquito de rojo y eso hacía que el gouache pareciera un bronceado casi. Usé ese gouache bronceado para pintar este camino. Obviamente, no tengo bastante el cerro y las capas que están en la foto de referencia. Intento replicar tanto como sea posible. Noté esta bifurcación en la carretera, creo que en la foto de referencia está un poco más en medio. Traté de poner al menos cerca ish a esta regla de tercios intersección aquí mismo. Apenas así fue un punto de interés donde ocurrió esta bifurcación en la carretera. Entonces, una vez más, no era como copiar exactamente la carretera. Yo solo notaba que parte de ella va por aquí, parte de ella va por aquí, y luego se bifurca y esos giros y giros. Simplemente creé intuitivamente el camino de esa manera. También agregué un pequeño tramo de la carretera aquí sólo por alguna variación en la escena. Generalmente, que los sujetos entren y salgan del marco puede ser bastante interesante dependiendo de cómo lo uses, eso es algo que hice. Creo que una última cosa voy a hacer por esta pieza, no está en absoluto en la foto de referencia, pero me gusta agregarlas a paisajes grandes como este es, voy a añadir unas aves usando una muy pequeña, mi pincel dip tamaño cero y usando la regla de probabilidades y la regla de tercios como mi guía. Yo estoy pintando unos cuantos. Generalmente, cuando pinto pájaros, hago una V con una cabeza pequeña y una cola, o hago una V boca abajo con la cabeza abajo así y una cola como esa. Entonces voy a tener a algunos de ellos estar como fuera en la distancia así que son más como puntos por aquí. Eso es 1, 2, 3, 4, 5, 6. Ahora bien, si quiero un número impar, voy a tener algo de B por aquí. Estoy cambiando de opinión. Ahora estos parecen como tres cúmulos y quiero que tengan un poco más de flujo hacia ellos. Estoy agregando algunas aves más y tal vez sólo vamos a tener que sean como esta línea de aves de todos juntos. Contemos ahora 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13. A lo mejor sólo dos más por aquí. Una vez más, no quiero que se coloquen uniformemente separados. Yo quiero que tengan alguna asimetría de variación, pero aún tienen un poco de flujo hacia ellos. Ahora hay 15 pájaros de diferentes tamaños, forma variable y esa es una gran manera de rematar este cuadro. Voy a hacer la parte más satisfactoria ahora, quítate la cinta. Si bien hago eso, hablaré de lo que queda para esta clase. Obviamente, las cosas no salieron exactamente como estaba previsto. Esta foto de referencia, no coincidimos exactamente con la foto de referencia, pero para eso es exactamente la siguiente lección. En la siguiente lección, básicamente voy a comparar, analizar lo que pasó, averiguar si hay algo que sucedió inesperadamente que me gustó. Si hubiera cosas inesperadas que sucedieran que no me gustaban. Porque en última instancia esto es una práctica. Solo estamos estudiando cómo pintar paisajes. Esa es una gran parte de mis fotos de referencia son útiles. En lugar de estar abajo sobre mí mismo por las formas en que esto no salió exactamente como yo quería, sólo voy a llegar a ello con una muy objetiva, moralmente neutral. Esto es lo que pasó. Esto es lo que me gustó. Esto es lo que no me gustó y así voy a avanzar acercamiento. Vamos a hablar de eso en la siguiente lección. Antes de eso, sólo voy a firmarlo aquí mismo. Siempre debes firmar tu trabajo. Te hace sentir como un verdadero artista y ya terminé. Te veré en la siguiente lección mi amigo. 12. Autoevaluación y autocompasión: [ MÚSICA] Mi amigo, hemos terminado. Ya terminaste el cuadro. Has hecho todas las capas y ejecutado toda tu planeación, ¿y adivina qué? Probablemente no salió exactamente de la manera que pensabas. Podrías estar sintiendo muchas cosas diferentes ahora mismo. Sé que normalmente estoy sintiendo toda una plétora de emociones, sobre todo después de terminar un cuadro que realmente me importa. Lo primero que quiero que hagas es invitarte a sentarte con tus sentimientos y dejarte sentirlos. Incluso si tus sentimientos lo son, realmente odias lo que hiciste, o estás realmente frustrado con tu falta de habilidad o cualquier sentimiento negativo, está bien dejarte sentir esos. Lo que no está bien es convertir esos sentimientos negativos en vergüenza, es convertir esos sentimientos negativos en historias sobre ti y sobre tu valía como artista. Porque estoy aquí para decirte, amigo mío, tu valía como artista es infinita y no tiene nada que ver con cómo resultó esta pintura ni cómo resulta cualquier pintura. Eso se debe a que la creatividad ni siquiera se trata de la pintura. Ni siquiera se trata del resultado final. La creatividad es sobre el proceso. Se trata de cómo crear te hace sentir, cómo te hace sentir estar vivo y cómo puede ralentizar tu mente y ayudarte a recordar, sí, esto es lo que es estar en el flujo. Esto es lo que es ser artista y crear algo que antes no existía. Ese sentimiento puede venir aunque hayas pintado la peor pintura en la historia de la humanidad. Todavía puedes capturar ese sentimiento mágico que viene cuando traes algo a la existencia que antes no estaba allí. No importa lo que sientas, felicitaciones, espero que estés orgulloso de ti mismo porque hiciste eso. Hiciste algo que no existía antes, y eso es bastante asombroso. Ahora que esa charla de pep está fuera del camino, puedes, si quieres, mirar tu pintura y tratar de averiguar a dónde quieres ir a continuación. Porque si bien es importante saber que tienes permiso para disfrutar del tiempo que has pintado sin importar cómo resultó tu pintura, eso se llama autocompasión, por cierto, cuando date permiso para ser humano y encontrar el poder en ser humano y siempre en crecimiento, está bien apoyarse en entonces la curiosidad. Aquí es donde empezamos a mirar nuestra pintura con un ojo crítico, no un ojo crítico negativo, sino un ojo crítico constructivo, que podamos averiguar qué queremos hacer a continuación. Yo lo voy a hacer con mi pintura y te invito a unirte a mí. Tomemos este análisis objetivo capa por capa. A modo de recordatorio, este análisis al principio sólo vamos a ver las diferencias reales moralmente neutrales, no hay bien ni mal. Solo estamos tratando de ver donde mi pintura es diferente a la foto de referencia. En cuanto a capa por capa, parece que, obviamente, agregué aves. Ese es un elemento que no existe en la foto de referencia. Eso lo hice porque me gusta agregar pájaros a las pinturas. Creo que otra gran diferencia con el cielo es que las nubes están bastante definidas en la foto de referencia, y en mi pintura tanto las nubes el cielo son muy sutiles, muy ligeras. Apenas se puede ver la diferencia entre el azul y el blanco aquí. Si quisiera hacer las nubes un poco más duras, podría haber añadido potencialmente las nubes en gouache blanco en lugar de hacer lo que hice lo que era dejar atrás el espacio en blanco, o podría haber hecho el cielo un poco más oscuro y luego, más intencionalmente, levántalo con mi toalla para crear bordes más afilados o levantar más del pigmento. Esas son algunas cosas que podría haber hecho si quisiera lograr esta cruda diferencia entre las nubes y el cielo. Eso es una cosa en la que pensar. Pasemos a la siguiente capa de montañas. Creo que la mayor diferencia entre la foto de referencia y las montañas es el valor del color. Los valores de color aquí son más claros que los valores de color aquí. Eso es algo que noté mientras estaba pintando. Recuerdo que dije: “Hice esta montaña un poco demasiado oscura para la capa base”. Por eso resultó un poco más oscuro de lo que pretendía. El modo en que lo haría de manera diferente si quisiera hacer este más ligero es solo agregar más agua al pigmento, tal vez tener menos miedo de hacer de esta capa el mismo valor de color que esta capa en primero. Porque, recuerda, cuando pintas de claro a oscuro, entonces cuando pintas la primera capa y luego te mueves hacia arriba, está bien si la primera capa es demasiado ligera, si es más ligera de lo que pretendías porque puedes siempre pintar más oscuro si es necesario. Creo que eso es algo que me acabo de olvidar o no pensé. Esa es la principal diferencia, creo, es lo oscuro que es el valor del color en mi pintura versus el valor del color en esta pintura. Además, obviamente hay un poco más de detalles en la montaña. Los míos no son tan precisos, están un poco sueltos. Pero en realidad creo que fui más detalles de los que pretendía con algunos de estos árboles aquí mismo. Eso es interesante pensar. Supongo que esto va a la siguiente capa, así que vamos a seguir adelante y hacer eso. En la última capa de primer plano, el lado de la colina sube a la montaña porque esta montaña está muy lejos. En la foto, el primer plano del mismo frente del cerro en comparación con la parte trasera del cerro, hay bastante diferencia. En valor de color también, se puede ver que por aquí el cerro es mucho más brillante, mientras que por aquí está más silenciado y eso indica distancia. Eso no es algo que tomé en cuenta. Accidentalmente hice la montaña recta al otro lado. Esa es una de esas cosas cuando estás pintando que simplemente pasa y luego te das cuenta y vas con el flujo. Esa es una de las diferencias. Otra diferencia es que creo que estos árboles se agrupan un poco más concisamente, y el verde más claro ocupa más de tu espacio ocular en la foto que en la pintura. Eso es algo de lo que hablamos mientras estaba pintando. Eso lo hice sin querer, pero luego simplemente corrió con él como lo hice con la mayoría de las cosas. Creo que esas son las mayores diferencias objetivas entre la foto de referencia y mi pintura. Algunas de ellas son diferencias que planeé, algunas de ellas son diferencias que no planeé. Ahora vamos a volver para que puedas ver mi cara y hablaremos sumergirnos más en esta autoevaluación e ir más hasta en mentalidad para que quieras practicar esto aún más sin sentirse atascado. Tengo una última cosa que compartir con ustedes en esta lección de autoevaluación antes de irnos. Antes de seguir adelante, antes de dejar a un lado el cuadro y convertir sus miras hacia otra cosa, quiero que piensen en dos cosas importantes. En primer lugar, quiero que pienses lo que te encantó de este cuadro. Recuerda, la creatividad es sobre la experiencia. La creatividad es sobre el proceso. Un factor realmente importante para determinar si vas a continuar o no este proceso es si recuerdas todos los sentimientos maravillosos, felices, mágicos que tuviste. Cuando piensas en lo que te encantó, definitivamente puedes pensar en los resultados. Se puede pensar en algo en su cuadro que resultó bellamente, tal vez algo que esperabas que pasara, sí sucedió o tal vez incluso algo que no sabías que iba a pasar, lo hizo, y fue realmente increíble. Los resultados son importantes para pensar. Quiero que recuerdes los resultados con los que estabas realmente contento, porque estoy seguro que puedes encontrar al menos una cosa. Pero no quiero que se centren sólo en los resultados. Yo quiero que también pienses en tu experiencia, ¿qué momentos mientras estabas pintando vas a atesorar? ¿ Cuáles fueron tus aspectos más destacados durante el proceso creativo al que puedes aferrarte a medida que continúas en tu viaje creativo? Esas son las cosas que quiero que recuerdes. Piensa en lo que te encantó, y luego piensa en lo que aprendiste. Creo que la crítica constructiva es una frase que se utiliza todo el tiempo de una manera para ayudarte a tomar retroalimentación negativa de una manera que es un poco más apetecible. Honestamente, solo quiero acabar con toda la idea de la crítica en general y convertirla en algo así como una experiencia de aprendizaje. En lugar de mirar todos los defectos en tu cuadro, en el clip anterior miramos todas las diferencias que pude encontrar en mi cuadro, pero verás que nunca nombré a ninguno de ellos errores realmente. Creo que cada vez que haces algo que no va de acuerdo a planeado es una oportunidad para aprender algo y explorar aún más. Quiero que pienses en todas las cosas que aprendiste durante este proceso. Podría ser algo que aprendiste que fuera emocionante, y podría ser algo que aprendiste que era un poco descorazonador. A lo mejor es que aprendiste que no vas a llevar una pieza en particular al siguiente proyecto contigo, y eso está bien. todas formas, todo este ejercicio es simplemente replantear la idea de la crítica en una oportunidad de aprendizaje. Espero que encontrar algo que te encantó y encontrar algo que aprendiste sea una práctica que puedes incorporar y que ayude a tu proceso creativo. Realmente aprecio que estés aquí conmigo. [ MÚSICA] 13. Reflexiones finales: [ MÚSICA] Bueno, muchas gracias por ver esta clase conmigo. Muchas gracias por pintar conmigo y por ir en este viaje conmigo. Honestamente, creatividad y paisajes de acuarela y acuarela, todo este mundo no es algo que alguna vez esperé entregar para mi carrera. Pero estoy tan agradecida de que lo hice, no sólo por el impacto que la creatividad tiene en mi vida, sino porque me conecta con gente como tú. Muchas gracias por estar aquí. Si quieres compartir tu trabajo conmigo, me encantaría verlo. Siéntete libre de publicarlo en la galería de proyectos, y definitivamente te compartiré mis comentarios y comentarios. Además, por favor siéntete libre de publicar en Instagram y etiquetarme. Mi mango es este escritorio de escritura. De verdad me encantó pasarme por la gente que ha tomado mi clase y darles un trabajo bien merecido bien hecho, un millón de emojis de corazón, has pintado algo hermoso. Si sientes que solo necesitas un poco de validación de que lo que hiciste realmente pasó, estoy aquí para ti, amigo mío. En fin, desde el fondo de mi corazón, estoy tan contenta de que estés aquí. Espero que sigas pintando. Me encantaría verte en más clases mías. Hasta entonces, nos vemos la próxima vez. [ MÚSICA]