Paisajes de acuarela en cuaderno de bocetos

1. ¿De qué se trata esta clase?: Bienvenido a mi clase pintura de paisajes de acuarela en cuaderno de bocetos. En este curso, te enseñaré las técnicas básicas de acuarela para que puedas crear interesantes pinturas paisajísticas en tu propio diario de acuarela. Echaremos un vistazo más de cerca una técnica especial para construir conexión de color en tus pinturas y aprender a diseñar tu cuaderno de bocetos extendido de una manera que cuente maravillosamente tu historia. Estudiaremos cómo pintar diferentes cielos, cómo mezclar colores, y hablaremos sobre cómo diseñar armoniosamente diferentes elementos en tu página. En nuestro proyecto de clase, compondremos la página de nuestro cuaderno de bocetos, pintaremos un hermoso campo de puesta de sol, y agregaremos otros elementos como flores silvestres, notas de color, y algunos textos a lápiz. Todo lo que aprendas en esta clase seguramente te ayudará a crear mejores pinturas de acuarela, no solo en tus libros de bocetos, sino también en otros formatos. Ya sea que seas principiante o un acuarela experimentado, te invito a pasar una hora para explorar este maravilloso tema conmigo. Soy Bianca Rayala, artista acuarela y educadora de Filipinas. Me encantan las acuarelas y me apasiona mucho compartir mi amor por las artes. Mi objetivo siempre ha sido inspirar a la gente a perseguir su pasión creativa y propósito. Ven y únete a mí. Tomemos este hermoso viaje juntos. 2. Materiales: Los materiales que voy a utilizar son muy sencillos. Primero es cuaderno de bocetos de acuarela. Este está en tu Cuaderno de bocetos perfecto hecho de 100 por ciento de algodón. Lo bueno de usar papel de acuarela de algodón es su capacidad para sostener mucha pintura y agua. Si aún no tienes un cuaderno de bocetos, siéntete libre de usar cualquier papel que tengas primero en casa, y luego practicarlo de nuevo cuando tengas la oportunidad de tener un cuaderno de bocetos. Para las pinturas de acuarela, cualquier conjunto básico de pinturas estará bien. Estaré usando solo unos pocos colores y podrás experimentar en las pinturas que tienes en casa para conseguir un tono similar. Los colores que voy a usar son amarillo ocre, rojo perileno, amatista genuino, azul horizonte, gris de Payne, un poco de compost violeta, índigo, verde oliva, y azul lunar. Voy a contar más sobre la mezcla de colores en el siguiente video. Para los pinceles, los que utilizo son cepillos redondos de Silver Brush. Tengo un pincel sintético de su línea Silver Silk 88 y un cepillo para el cabello natural de la línea Renaissance. Necesitarás lápiz, borrador, papel de seda, y dos tazas de agua también. Eso es todo. Empecemos nuestra lección en el siguiente video. 3. Conoce tus colores: En esta sección de esta clase, estudiaremos las mezclas de colores que puedes usar para crear diferentes cielos, como el cielo azul brillante, el cielo atardecer y el cielo sombrío. También compartiré algunas mezclas de colores fáciles para nuestros greens, las que podemos usar para árboles y prados. Empecemos con el cielo azul brillante, soleado. Solo uso dos colores para este tipo de cielo. Estos son horizonte azul y amatista genuinos. La amatista genuina es similar a la violeta Dioxazina. Los mezclo para crear dos usos diferentes. El primer mix tiene más horizonte azul y solo un toque de amatista genuino para conseguir este tono azul. Entonces la segunda mezcla se inclina hacia el tono púrpura. Está hecho de más amatista genuino y menos horizonte azul. Ahora, ¿cómo aplicamos esto? El cielo está pintado con la mezcla azul y las nubes blancas son la porción sin pintar del papel. Utilizamos la mezcla púrpura para pintar las sombras de las nubes blancas. Me mojé ligeramente mi papel para obtener una suave mezcla de colores mientras pinto el cielo. La porción blanca y pintada del papel es la nube. Después para dar dimensión a las nubes, pintamos las sombras de las nubes usando la mezcla púrpura. Si quieres un tono ligeramente más oscuro para tu sombra, solo agrega un poco del gris de Payne a tu mezcla morada y luego tendrás un tono más oscuro. A continuación, veamos los colores para los sombríos cielos nocturnos. Utilizamos dos colores, que son índigo y el gris de Payne. Los mezclamos para obtener un color azul oscuro apagado. El tono depende de la cantidad de agua que añadas. Si quieres un cielo realmente oscuro, limita la cantidad de agua en la mezcla. Vamos a intentarlo. Estoy pre-humedeciendo de nuevo mi papel para conseguir una suave mezcla de colores para mi cielo. Ahora cargo mi pincel con mucho pigmento. Observe cómo hago los trazos con mi pincel para crear la impresión de nubes. No olvides la regla en perspectiva de que esas nubes más cercanas a todos deberían tener un tono más oscuro, así que voy a acercarme esas nubes más gruesas y oscuras. A continuación, hagamos este cielo al atardecer. Usaremos un par de mezclas para este cielo. En primer lugar es una mezcla de ocre amarillo y rojo perileno para obtener un color naranja cálido. A continuación, usamos una mezcla de Amethyst Genuine, Payne's Gray, y violeta compuesta para obtener un color púrpura oscuro del cielo. Al pintar los cielos del atardecer, dejamos la parte más brillante del sol sin pintar. Por ejemplo, si este es nuestro sol, dejo una pequeña parte redonda sin pintar y luego empiezo a pintar a su alrededor con el Ocre Amarillo. Poco a poco paso a mi mezcla de Orange, luego solo esparcir cuidadosamente el color. El color se mezcla suavemente porque mojé ligeramente el papel con agua limpia antes de comenzar. Ahora, aplico mi mezcla Dark Purple comenzando desde arriba y luego dejo que las pinturas se mezclen naturalmente inclinando el papel. Evito aplicar tantos trazos en mi cielo tanto como sea posible para conservar la frescura y transparencia de la pintura. Nuevamente, aunque sea sólo una práctica, oscurezco la parte superior del cielo que es la más cercana a nosotros para mostrar perspectiva aérea. Ahora, vamos a proceder con los colores que uso para pintar árboles y prados. Yo sólo juego con el ocre amarillo, verde oliva, azul lunar, e índigo. Quiero que recuerdes que para construir dimensión en tus árboles, necesitas tener valores tonales variables en tu pintura. Para los tonos claros o para la porción de los árboles iluminados por el sol, uso mix de ocre y verde oliva. Entonces el tono medio, uso Verde Oliva y Azul Lunar, y luego la porción de los árboles que están en sombra, uso mi anterior mezcla Verde e Indigo. Usaremos como ejemplo pintar los pinos. Pintemos pinos al fondo usando una mezcla acuosa de color verde claro y amarillento. Simplemente froto la punta de mi pincel para crear la forma general del árbol y desenfocaré esta parte del árbol. Es importante variar la altura de los árboles para que se vean naturales. Esperemos a que esta capa se seque por completo antes de acodar los árboles de tono medio. Mientras espera, déjame escribir primero los nombres de los colores que uso. Ahora que esta capa está seca, pintemos los árboles en el suelo medio usando el tono medio. La consistencia es un poco cremosa, y al hacer esto, podemos diferenciar los árboles de fondo, tierra media, y primer plano. Ese es el principal beneficio de colocar valores tonales correctos en nuestra pintura. Esperemos de nuevo a que esta capa se seque antes de pintar el primer plano. Los árboles en primer plano deben tener el tono más oscuro. Los mismos colores se utilizan para los prados. Hagamos un pequeño estudio de pradera aquí abajo. Pinto la pequeña área del cielo, luego empiezo con la parte superior del prado usando Amarillo Ocre con un poco de Verde Oliva. A partir de esto, lentamente transitamos a una mezcla verdosa. El valor tonal se está poniendo un poco más oscuro que el primero. A medida que me acerco al primer plano, el valor tonal debería ser más oscuro, por eso agrego Indigo a mi mezcla. Para lograr un color más oscuro, solo controla el agua de tu pincel, y también, de tu mezcla. Esto te ayudará a obtener una mezcla saturada de colores. Eso es todo. Estas son las mezclas básicas de color que son muy útiles a la hora de crear pinturas de paisaje. Te animo a probar este ejercicio, practicar mezclar los colores que tienes, y crear pequeños estudios como éste para ayudarte a conocer aún más tus colores. 4. Práctica de pintura: cielo y pradera: Otra cosa muy importante que quiero compartir es cómo pintar los cielos y prados utilizando diferentes técnicas de acuarela. Ves cielos suaves y transiciones de color suaves solo son posibles de lograr si tienes una buena comprensión de cómo funcionan el agua y el pigmento en papel mojado, húmedo o seco. Empecemos con la técnica húmeda sobre húmeda. Cuando decimos mojado-en-húmedo, es o mojamos el papel con agua limpia o lavado de pintura. En realidad, no importa, pero el principio principal es que estás pintando con un pincel mojado o acuoso sobre una superficie húmeda. Premojé mi papel con agua y luego pinto sobre él con los colores del atardecer. Dado que esta superficie está mojada, todos estos colores que utilizo crean una mezcla suave sin bordes duros. Ahora, hay otra técnica llamada seco-on-wet, que es aplicable en pintar nubes. Para este ejemplo, repetiré lo que hice en la ilustración húmeda sobre mojada, pero esta vez, esperaré a que el papel esté húmedo antes de capa otro color para pintar las nubes. Esta técnica se llama seco-on-wet porque mi pincel tiene una mezcla cremosa de pintura que está casi seca, y luego la pinto sobre un papel húmedo. Si trato de aplicar mi mezcla sobre un papel seco, el pigmento está tan saturado y no fluido. Dado que el papel está húmedo, las nubes ambas tienen forma definida y aún mantienen los bordes suaves. Esta técnica es un poco complicado ya que necesitas obtener el tiempo correcto y el nivel adecuado de humedad en el papel. Si tu papel sigue tan mojado aunque tengas un pincel seco, la pintura simplemente fluirá incontrolablemente sobre la superficie húmeda, por lo tanto, es imposible crear formas reconocibles con suavidad bordes. Recuerda que en la pintura de nubes, utilizamos la técnica seca sobre húmeda. Primero pintamos el cielo con técnica húmeda sobre húmeda. Espere la humedad correcta del papel antes de que cubra las nubes sobre él. A continuación, hagamos la técnica seca sobre seca. Se trata de pintar con un pincel seco sobre una superficie seca. Sabes que lo haces correctamente cuando logras manchas blancas y pintadas en tu papel a medida que mediados del trazo. Normalmente usamos esta técnica para pintar texturas o el resplandor en el agua. Hagamos un pequeño estudio del paisaje marina. Pinto el cielo y el fragmento de agua. Entonces dejo que éste se seque por completo antes de aplicar los trazos de pincel seco. Si aplicas el pincel seco sobre un papel húmedo, no lograrás huecos sin pintar en la superficie. El color del agua requiere tanto velocidad como paciencia dependiendo del resultado que quieras lograr. También compartiré contigo tres técnicas que utilizo mayormente en la creación de texturas. En primer lugar es la técnica de salpicaduras. Cargo mi pincel con una mezcla fluida de pintura, luego toque mi pincel con el dedo para crear salpicaduras. La siguiente es la técnica de sal. Es necesario aplicar esto cuando la superficie esté húmeda. Si el momento es incorrecto, no se pueden ver las hermosas flores que esta sal puede crear. La última técnica es la técnica de arañar. El mismo principio con la técnica de sal, tiempo es muy importante. La superficie debe estar húmeda, que no es demasiado húmeda ni demasiado seca para crear arañazos agudos. Todos estos tres son aplicables en la pintura de prados. A medida que aprendemos sobre pintar prados, permítanme compartir la última técnica que es mojada sobre técnica seca. Cuando asistas a mis otras clases, estoy seguro que muchas veces me escucharás recordar la importancia de la conexión de color para traer armonía en el uso de colores y también para evitar bordes duros innecesarios entre colores. Para crear conexión de color, pesar de que estamos pintando sobre una superficie seca, el primer color aún debe estar mojado mientras pintamos otro color junto a él. Si pintar seco sobre mojado requiere esperar el momento adecuado, pintar mojado sobre seco requiere velocidad por lo que el color anterior se mantiene húmedo a medida que se agrega otro color y evita crear duro bordes. Hagamos una pintura práctica usando la técnica húmeda sobre seca. Pinté a este tipo usando mojado sobre seco. A pesar de que el papel está seco, evité tener bordes duros debido a la conexión de color que construyo entre los colores. Lo mismo hacemos como pintamos los prados. Nuevamente, el papel está seco, empiezo con un color cálido en el prado, luego paso al verde. Me aseguro de conectar este verde al fragmento naranja mientras todavía está mojado. Entonces seguí pintando un color verde oscuro en primer plano. Observe la continuidad de los colores en el prado. Ahora vamos a aplicar las técnicas de salpicaduras, sal y rasguño. Las salpicaduras traen diferentes efectos dependiendo del tamaño del pincel y la humedad del papel. Pero para la técnica de sal y rasguño, recuerda hacerlas mientras el papel sigue húmedo. que ya sabemos cómo y cuándo usar diferentes técnicas de acuarela, cómo construir conexión de color, y cómo crear diferentes texturas interesantes, te veré en el siguiente video y hablemos de diseñar la página en tu cuaderno de bocetos para crear diseños y composición interesantes. 5. Diseña tu página del cuaderno de bocetos: Crear un concepto en tu página es tan importante como conocer los conceptos básicos de la acuarela. Elegir nuestro tema principal, la distribución de elementos, y la forma en que los organizamos en la página de nuestro cuaderno de bocetos debe hacerse una manera que represente una historia. No solo incorporamos nada que tengamos en mente y dejamos que los elementos aleatorios vayan juntos en una sola página, queremos que nuestra página tenga un concepto general y lo más importante una historia que contar. Hay formas ilimitadas de diseñar tu página, y te animo a que sientas libre de explorar y jugar con diferentes tamaños y formatos. Puedes probar formato cuadrado, circular, retrato, paisaje, o incluso sin fronteras una vez. Pero permítanme compartir algunas pautas que uso cuando diseño mi cuaderno de bocetos para que sea más interesante. Cuando divido mi página en varias secuencias, me aseguro que mi pintura de tema principal ocupe mayoritariamente parte de la página. Destino otra pequeña sección para un elemento que apoye el tema principal. Este elemento podría ser una visión detallada de un objeto particular relacionado con mi tema principal. Por ejemplo, en esta difusión, mi tema principal es este paisaje de granja. Un recuerdo especial que tengo al hospedarme en esta masía es disfrutar de la calidez de la hoguera. Observe que la pintura paisajística ocupa mayoritariamente parte de la propagación, luego posito la hoguera en un formato de retrato en el lado inferior derecho de la página para mantener el equilibrio. Por último, puse las notas de color justo debajo del tema principal para completar el spread. Me gusta indicar notas de color en la página porque me ayuda a recordar las mezclas de colores que utilizo para una pintura en particular. También puedes poner algunas notas costado como la receta de color, nombre del lugar, y la fecha de la pintura. 6. Boceto a lápiz: Apliquemos todo lo que hemos aprendido y pintemos esta página de nuestro cuaderno de bocetos. Para nuestro boceto a lápiz, decido primero dónde posicionar nuestro tema principal. Estaré pintando un campo de puesta en formato paisaje y quiero colocarlo aquí en la parte derecha de la página. Normalmente no uso cinta adhesiva alrededor de mi cuaderno de bocetos, pero si quieres tener un borde nítido, puedes usar uno. Dibujo un ligero boceto del borde y el tamaño es más de la mitad de la página. Entonces aquí a la izquierda, utilizaré este espacio para pintar la imagen de primer plano de las flores silvestres. El boceto a lápiz del campo es bastante simple. Acabo de dibujar una pendiente comenzando por la parte superior, bajando. Colocaré el sol en el lado izquierdo y acabaré poner algún boceto guía del posicionamiento de los árboles principales. Dibujaré algunas formas redondas aleatorias aquí en el prado para retratar flores silvestres blancas aquí en primer plano y diminutas en el medio suelo. El cuadro de primer plano de las flores silvestres blancas, acabo de dibujar algunas flores en posiciones aleatorias. Simplemente imagínate siendo transportado a un hermoso campo de puesta de sol lleno de flores silvestres. Mantén tu boceto ligero y sencillo. Dejaremos que la acuarela haga el trabajo en detallar. Ahora mantengo esta parte debajo del paisaje vacío ya que la usaré para pintar notas de color. Te veré en el siguiente video por la parte de pintura. 7. Pinta el paisaje: Ya que estaremos pintando solo en un área pequeña, no voy a estar haciendo la técnica húmeda sobre húmeda. Al pintar en libros de bocetos, puedes evitar que tu papel se deforme controlando la cantidad de agua en tus lavados. De esta manera nuestro proceso de pintura se realizará utilizando la técnica húmeda y seca. Esto significa que aplicaremos el principio de conexión de color para evitar bordes duros innecesarios en el cielo en prados. Para que tengas una idea, este es el paisaje al atardecer que estaremos pintando. Si miras esto, dejamos la parte más brillante del sol sin pintar para que la luz brille. Empezamos a colorear el área a su alrededor con el otro ocre luego hacemos la transición al color naranja y luego púrpura. Ahora aquí en el prado hay luz reflejada en el campo. Empezamos de nuevo con un color cálido, luego lentamente transición al verde de tono medio y por último a un verde oscuro en primer plano. Utilicé la técnica húmeda y seca aquí. No hay bordes duros entre transiciones de colores debido a la conexión de color. El último paso es pintar los pinos al fondo. Los árboles cerca del sol tienen tonos más claros, y se oscurecen a medida que van más lejos del sol. No estaré usando líquido de enmascaramiento para preservar estas manchas blancas para las flores blancas, lo que voy a hacer es saltarme esas manchas cuando pinten el primer plano. Empecemos a pintar. Yo uso ocre amarillo y siendo el área alrededor del sol. Siguiente. Ablando con un pincel limpio la parte interna del círculo para tener un borde suave. Ahora consigo una mezcla de naranja y conecto a mi amarillo mientras todavía está mojado. El secreto aquí es moverse un poco rápido para que las pinturas no se queden secas. [ MÚSICA] Pinto el horizonte con un color cálido y solo uso agua para suavizar la capa de pintura. [ MÚSICA] Nuevamente, mientras mi cálido color naranja sigue mojado, pinto el cielo morado y dejo que los colores conecten y se mezclen con solo unos trazos. Dije solo que preparas tu mezcla de colores con anticipación para que no te sientas demasiado apurado o para evitar el pánico. [ MÚSICA] Puedes inclinar tu papel en un ángulo para que las pinturas se mezclen en fluir hacia abajo en lugar de usar tu pincel para mezclar los colores. Cuantos más golpes hagas, aumentas el peligro de hacer que los colores se vean fangosos. [ MÚSICA] Ahora que se hace el fragmento del cielo, ablando el borde por el horizonte con un pincel limpio y húmedo. Esto evitará que mi trabajo tenga un borde duro entre el cielo y el prado. Hacer esto te dará un tiempo extra también para preparar tus pinturas. Inclino mi tabla para evitar que el agua corra sobre mi cielo, creando flores no deseadas. Empiezo de nuevo con un color amarillo anaranjado justo debajo del sol para mostrar la parte iluminada de la pradera. Entonces hago la transición a un color verdoso. [ MÚSICA] Observa cómo vamos mi pincel para crear los trazos. A medida que se acercan al terreno medio, cambio a un tono más oscuro de verde. No olvides saltarte algunas manchas blancas por las flores silvestres. [ MÚSICA] Para el primer plano, el valor tonal debe ser de color verde oscuro y la mezcla está muy saturada. [ MÚSICA] Oscurezca algunos puntos más, especialmente aquellos al lado las flores blancas para crear un alto contraste. [ MÚSICA] Mientras el fragmento aún está húmedo podemos rayar algunas áreas aquí en la parte inferior derecha a las palas de pasto show. [ MÚSICA] También voy a salpicar algunas pinturas y trato de evitar salpicar pintura en el cielo, así que cambio la dirección de mi pincel. [ MÚSICA] Por último, dejaré caer muy pocas cantidades de sal en áreas seleccionadas solo para añadir un poco de textura. [ MÚSICA] Dejaremos secar completamente esta capa antes de pintar los árboles. Te veré en nuestro próximo video. 8. Pinta los árboles: Ahora que esta zona ya está seca, es hora de pintar los pinos. En primer lugar, necesitamos usar un pincel sintético con un punto afilado para poder crear los trazos finos. Partimos desde los árboles cerca del sol. Recuerda nuestra lección sobre el uso de los valores tonales correctos con el fin mostrar profundidad al pintar árboles. A pesar de que vamos a estar usando un color naranja para los árboles cerca del sol, el valor tonal debe ser ligero ya que estamos pintando árboles al fondo. Yo creo una mezcla acuosa de ocre y enterré en rojo para los árboles más cercanos al sol. Evita cubrir los fragmentos del sol para que no pierdas la luz. A continuación hago una mezcla verdosa todavía con valor tonal claro para pintar los árboles junto a los tonos anaranjados. Poco a poco, hago la transición a un tono ligeramente más oscuro porque nos alejamos más del sol. Se puede notar que hay un borde duro molesto entre la base de los árboles y el contorno del prado. Lo que haré es conseguir un cepillo limpio y húmedo y suavizar suavemente el borde para mezclarlo con el prado. A medida que continúas pintando los pinos, asegúrate de variar la altura del árbol para que se vean naturales. Repito el mismo proceso de ablandamiento la base de los árboles para tener una mezcla suave. Ahora los árboles se vuelven más oscuros en tono, y la mezcla que estoy usando está más saturada a medida que llego al borde. Puedes soltar algunos colores después de suavizar la base del árbol para agregar textura. Ahora vamos a pintar los árboles de la izquierda. Repetimos el mismo proceso de comenzar con un valor tonal claro volviendo oscuro a medida que llegamos a la otra parte del papel. Todavía ablando la base de los árboles usando un cepillo limpio y húmedo. Ahora vamos a añadir detalles sobre los prados. Primero salpico algunas pinturas más naranjas aquí en el medio suelo para mostrar impresión de flores. También usaré mi consistencia mantecosa de ocre para pintar el centro de flores blancas. Ahora ya hemos terminado con el paisaje. Completemos la página pintando las flores blancas aquí en el siguiente video. 9. Completa tu página: Al pintar este ramo de flores, estaremos haciendo el enfoque de pintura negativo. La pintura negativa es como pintar alrededor de la forma con un color más oscuro entonces desvanecemos la pintura a medida que vamos más lejos. Preservamos las manchas blancas para mostrar una impresión de flores blancas luego pintamos a su alrededor usando nuestra diferente mezcla de verdes. Mantenemos la conexión de color agregando colores mientras la capa anterior sigue mojada. El asunto aquí es tanto como sea posible, tenemos que movernos un poco más rápido para tener una pintura de padres de entrada muy suelta. No pretendemos un trabajo botánico. Por eso no necesitamos el enfoque en los detalles. [ MÚSICA] Dejamos que la acuarela se mueva sobre la superficie húmeda aplicando diferente cantidad de agua en áreas aleatorias. También uso mi otro pincel con agua limpia para ablandar los bordes, en la parte exterior. [ MÚSICA] Me oscurezco las zonas justo al lado de las manchas blancas por lo que habrá más contraste. Me estoy moviendo un poco más rápido porque algunas áreas se están secando. Aquí en las partes superiores, agrego una mezcla acuosa de ocre solo para romper los greens. Después hago que el área base de esta sección sea un poco más oscura usando más índigo. [ MÚSICA] Como último paso, agrego un poco más de ocre amarillo y salpican algunas pinturas para la textura. [ MÚSICA] Añadiré puntos de ocre amarillo en el centro de las manchas blancas y terminaré rayando algunas partes para mostrar ilusión de tallos o hierba. [ MÚSICA] Terminemos la página pintando nuestras notas de color. Acabo de sacar la pintura sobrante de mi paleta, y uno por uno los pinta abajo. [ MÚSICA] No olvides anotar el nombre del lugar y la fecha, para guardar la memoria. [ MÚSICA] Espero que hayas disfrutado creando pinturas paisajísticas en nuestro cuaderno de bocetos. Este es nuestro cuaderno de dibujo de acuarela propagación. [ MÚSICA] 10. Proyecto de clase y reflexiones finales: Hemos llegado al final de nuestra clase. Muchas gracias por acompañarme hasta ahora. Recuerda siempre eso, es completamente normal si no lo haces bien durante tu primer intento. No te desanimes, pero sigue intentándolo. Al repetir el proceso, aprenderás algo nuevo sobre tu pintura, papel y pincel. Te sugiero que retrocedas y vuelvas a ver porciones importantes, como mezclar colores y practicar pintura usando diferentes técnicas de acuarela para familiarizarte con el control del agua y del pigmento. Observa cómo sostengo el pincel, creo trazos, y preparo mis mezclas de agua porque éstas son necesarias para tener una buena pintura. Para nuestro proyecto de clase, pinta la misma difusión de cuaderno de bocetos que hice en mi demo. Estoy emocionado de ver tu trabajo, así que por favor compártelo conmigo a través la sección de proyectos de mi clase. Si le resulta útil mi clase, agradecería mucho recibir una opinión de usted también. Subo nuevas clases casi todas las semanas, así que no olvides seguirme aquí y en Instagram para que sepas cuando tengo nuevas clases para ti. Te invito también a explorar diferentes temas de pinturas conmigo. Tengo otras clases de pintura figuras humanas, paisajes marinas, paisajes, florales y estilo de pintura suelta e impresionista, y más. Espero que hayan disfrutado de mi clase tanto como yo y nos vemos pronto.