Narración visual desatada: plan del cineasta

1. Introducción: Hola y bienvenidos a este curso e introducción al cine. Mi nombre es David Richey Y he estado escribiendo, produciendo, dirigiendo y editando teléfonos cortos, anuncios, videos musicales, y documentales durante los últimos cinco años. Y en el camino, he estado aprendiendo el oficio de estar en el campo y también de otros grandes cineastas. Si bien para ser útil, para compartir todos los consejos y trucos que he aprendido en el camino, no hay mejor momento en panorama digital actual para que los creadores de contenido y cineastas florezcan. Y se ha convertido en una habilidad muy valorada para poder exhibir el mundo, las historias que tú y otros te importan. Ya sea idea ficticia la que explora los temas más profundos de lo que significa ser solución empresarial humana e innovadora que estás buscando anunciar o un agarre del documental que expone la verdad oculta dentro de nuestra sociedad global. El cine tiene un poder sin precedentes para evocar el cambio y tener un impacto significativo en nuestro, en este curso, desempaquetaremos la esencia de la gran narración, comprensión, caracterización, para estructurar el viaje de tu protagonista y el temas que buscas explorar dentro de los géneros con los que estás operando. Después veremos organizar tu proceso de preproducción, escribir tu guión en el formato correcto, organizar a tu elenco y equipo, y poner en orden todo el papeleo desordenado y arenoso. A partir de entonces, todo se trata de poner el escenario y hacer uso de la puesta en escena correcta para realzar el estado de ánimo y el tono de tu historia. cuanto termines eso, Encuanto termines eso, vamos a ver el proceso de posproducción y convertirlo de un borrador en bruto en una obra maestra pulida mediante el uso de las seis reglas de edición, partitura efectiva y diseño sonoro efectivo. Por último, vamos a ver la distribución de marketing y exploramos diversos métodos sobre cómo llevar tu película a las audiencias correctas y dejar tu huella en el plegado. Así que toma un asiento en tu guarida, agarra un bolígrafo, y luego sin más preámbulos, luces, cámara, acción. 2. ACT I: tu protagonista: Érase una vez en una tierra lejana, algo extraordinario le pasó a alguien. Este es el plano de las historias que contamos. Y incrustados dentro de ellos se encuentran encuentros con lo desconocido. Lecciones para que interpretemos y una capacidad para moldear creencias culturales de cómo nos relacionamos con nosotros mismos, cómo le damos sentido al mundo que nos rodea, y cómo nos conectamos con las personas que nos rodean. Pero, ¿qué da una historia que factor X? Bueno, no siempre se trata de lo que sucede, sino más bien de quién le pasa. El protagonista. Este es el personaje central en torno al cual se construye la historia y el viaje que seguimos. Piensa Frodo de El Señor de los Anillos, cerca de El símbolo Matrix del Rey León. Luke Skywalker de Star Wars, Harry Potter, de Harry Potter. Y la lista sigue. Si una historia es un velero, tus personajes otro hermano que dirige todo el barco. Fuimos testigos del mundo a través de una lente de percepción protagonistas. A lo largo de su recorrido, reúnen conocimientos con el fin de superar una serie de obstáculos puestos ante ellos por, lo adivinaste, el antagonista, la fuerza opuesta a solicitar. Entonces justo antes de que pensemos que lo tienen, toda esperanza está perdida, pero él o ella logra convocar toda su fuerza y arrebatar la victoria de las mandíbulas de la derrota. Si puedes conseguir que tu público simpatice donde desean tus personajes, has hecho un tremendo trabajo de base. No obstante, lo que enriquece tu narrativa es darles un piso que se esconde detrás de esta canción. Y el público inconscientemente anhelará que los reconozcan que cambien para lograr el objetivo. No siempre se trata de lo que quieren, sino de lo que necesitan. En el nivel de la superficie, observamos cómo sus personajes navegan por el mundo que los rodea. Pero su proceso interno de toma de decisiones agrega una tercera dimensión a la narrativa visual y permite al público sentir lo que está sucediendo. Entonces pregúntate, ¿cómo está cambiando tu personaje no sólo externamente sino internamente? Por ejemplo, en Breaking Bad, Walter White, un hombre que muere de cáncer, está preocupado de que su salario docente no pueda sostener a esposa e hijo discapacitado a su muerte. Seguimos su viaje a lo largo de cinco temporadas mientras metamorfismo tamiza desde profesor de ciencias elementales no asertivo hasta un encuentro despiadado, traficante de drogas King escrita cambia de clave. cuál de los tipos de arquitectos de personajes pertenece tu personaje? El amante, el héroe, el mago, el forajido, el Explorador, el sabio, el inocente, el creador, el gobernante, el cuidador, el cada hombre. El gesto mirará a la caracterización en profundidad en un momento. Pero por ahora, busca inspiración en tus propias experiencias de cualquiera de ti mismo, personas, ya sabes, personas de las que has oído hablar. ¿ Cuál es la historia que se quema dentro de ti que quieres contar? ¿ Cuál es la película que quieres ver? ¿ De qué se trata? ¿ Y por qué es importante esta historia específica? Cuente todas las historias y mejor, menos de n necesita tener suerte. Y la realización que simplifica la complejidad de la vida y la empresa que quieres enfatizar y aha, momento en el baño al desarrollar tu historia protagonista. Crear un personaje por o puede ayudarte con esto tremendamente. Da razón a su comportamiento y los hace creíbles cuando el público los conoce por primera vez. Pero, ¿qué pasa en una historia? ¿ Y cómo lo estructura? 3. ACT I: estructura de historia: La humanidad siempre ha servido tras estructura para hacer orden desde el caos que nos rodea. Pasamos de vivir en árboles a vivir en casas, montar a caballo, a conducir en autos, tener fluidos, a inventar vacunas. Siempre hay soluciones. Y los cineastas llevan décadas haciendo lo mismo. estructura de tres actos de Aristóteles define cada historia para tener un principio, medio y fin. Una tesis, antítesis, y síntesis, la exposición, conflicto, y una conclusión. La estructura de los cinco actos es un refinamiento adicional de esto. Y sólo divida el segundo acto en tres partes. Separando estos actos son los reveses o puntos de inflexión, unidades de acción delimitadas por las elecciones de un personaje. En el primer acto se define la exposición, el tiempo y el lugar. Se sabe lo normal, y se llama la atención a cada término de conflicto. Se plantea una pregunta dramática al público sólo para que sea respondida en el último acto. ¿ El villano se saldrá con la suya? Bueno, él o ella encuentra el amor. El primer punto de inflexión es el incidente incitante. Las opciones presentadas a la vez elegidas, no hay vuelta atrás una bifurcación en la carretera. Escogiendo el per rojo, cayendo en el agujero del conejo, mandíbulas reclamando su primer bit. El segundo acto, se desarrollan complicaciones. No tan empatados. Intereses chocan, aumentan las tensiones. El protagonista se enfrenta al primer obstáculo y suele triunfar sobre él, impulsándolos al tercer acto. Y aquí es donde ocurre el punto medio. El bang en el medio, el ascenso de Jeopardy. Titanic golpea iceberg y alienígena estalla fuera del estómago de un astronauta. Las fuerzas del antagonismo fortalecen y protegen su conocimiento de los cambios de situación. Se da a conocer una Verdad, y así se tendrían que adaptar en consecuencia. El cuarto acto, otro obstáculo se enfrenta y suele ser el punto de crisis del mundo de la historia. Los protagonistas revierten y mueren, o cambio de nervios. Se presenta la invitación y aquí todo está en la línea. Es el partido de enfrentamiento, Final, héroe cumple villano. Chico se da cuenta de que no hay nadie como necesitamos salir del edificio antes de que explote. El quinto acto introduce un objetivo final. Para derrotar al antagonista, para vencer a los demonios, para ganar el premio, para llegar a casa, o para conseguir el crecimiento. Nuestro protagonista lucha contra el antagonista utilizando los conocimientos adquiridos después del punto medio y los supera y se convierte en agujero. Después regresan a casa, una persona transformada. Ahora no hay reglas estrictas a la hora de estructurar una historia. Pero esta es una pauta general que te ayudará a crear una trama que siga desentrañando y manteniendo a tu público comprometido. 4. ACT I: caracterización: Todos somos iguales, sin embargo diferentes. Todas las papas en el juego serio llamaron vida. Qué sentido de sí mismo, quiénes somos. Otras reflexiones de nuestra mamá y papá son amigos, los líderes con los que vivimos. Y todas las historias que colectivamente hemos compartido. A medida que uno envejece, el individuo desea conocerse y definirse más claro. El conflicto entre cómo deseamos ser percibidos y lo que realmente sentimos es la raíz de todo carácter. Hombres y mujeres viven en constante conflicto con los deseos mientras tratan de mantener un comportamiento socialmente aceptable. Estamos constantemente en un tirón de guerra entre nuestros egos, sod de lo que deseamos presentar, y el funcionamiento interno de quien realmente es uno. Al escribir tu historia de guión, considera qué es el, qué es, qué es lo que necesita tu personaje en lugar unos a medida que avanza a lo largo de su viaje. ¿ Cómo reconocieron los pisos? ¿ Cómo revelaron sus vulnerabilidades internas y levantaron sus fachadas? ¿ Cuáles son los miedos más profundos y cómo los superan? Aquí tienes una lista de filas para que consideres y pienses. Tu punto medio debería revertir estas dos fuerzas donde se vuelve más obvio para el personaje lo que necesitan en lugar de lo que quieren. ¿ Cómo reaccionan ante una serie de retos en el primer acto versus retos en el quinto acto. ¿ Cómo han cambiado internamente? ¿ Cuáles son los mecanismos de defensa del ego al cambio externo? ¿ Se ríen y lloran al respecto? ¿ De tu pasarela? ¿ Matar o perdonar? Cada pregunta respondida presenta una caracterización más profunda y en carácter más memorable para tu público. Ahora tu protagonista no es el único personaje que mueve la historia hacia adelante. También es importante prestar atención a otros personajes de la historia, como el antagonista. No tiene que ser una persona necesariamente, pero también puede ser una fuerza externa o una lucha interna. El Deuteronomístico. Esta es la persona que es carga secundaria o es un cíclico, como Rob, tu interés amoroso, un mentor, una persona que guía y señala al protagonista en la dirección correcta. El narrador, Esta es la persona que está contando la historia. A menudo son los propios protagonistas, el agonista tutor, o en la mayoría de los casos, una tercera persona a la que no hemos conocido. Y este suele ser el director de la película, un personaje secundario. Se trata de alguien que se une a tus protagonistas en el viaje. Carácter terciario, alguien que no se une a ustedes protagonistas en su viaje pero aún así brinda información crucial. Y luego está el personaje de bandera, alguien que suele estar en una escena que no suma mucho a la historia, pero aún ayuda al protagonista. Ya conoces los bloques de construcción de cómo el protagonista y la historia. Pero, ¿qué es lo que realmente estás tratando de contestar en tu teléfono? ¿ En qué intentas comunicarte con las audiencias? ¿ Con quién intentas hablar? Para responder a esto, necesitaremos mirar los temas detrás de su flujo en nuestro próximo capítulo. 5. ACT I: temas: Se puede comparar una película con un ensayo. Hay una pregunta persistente que necesita ser respondida. Y haz esto, necesitarás indagar en alguna investigación, encontrar las pruebas que respalden tu mensaje. El tema de una espuma es el tema de discusión o tema en discusión. Entonces, ¿qué temas de la condición humana estás intentando explorar? ¿ Es un cambio? Conflicto, comunidad, exploración, fuerzas, relaciones, o los patrones o poder adscritos, o algunos enlaces más para tu referencia donde puedes encontrar temas de discusión para incorporar. Podrás terminar tema puede ramificarse en otros subtemas y número de error de concurso. Pero es importante reducirla, generalmente a una idea central. Cómo se sentirá tu público después de salir de la película está determinado en cómo un escritor escribe la historia. El tono es textual, cómo lo ha escrito el autor. La elección de las palabras. ánimo, sin embargo, es el sentimiento que se evoca en el espectador como resultado de ver lo que el autor ha optado por escribir o exhibir. Como cineasta, son combinaciones de colores, luces, ángulo, sonidos, partituras, expresiones, símbolos, y yuxtaposiciones que puedes incorporar para realzar el estado de ánimo particular para tus escenas y personajes. Nos meteremos en eso en unos capítulos de nuestra sección, puesta en escena. Por ahora, tómate el tiempo para investigar los temas particulares que estás diseccionando. Lee sobre la ciencia, la historia, algunos artículos, diarios o biografías detrás de historias similares, eventos similares, y otras personalidades. Entonces, ¿cómo se crea tema? Bueno, tienes que colocar tu conflicto de queratina. Esto crea oportunidad para que se desarrollen acciones , elecciones y conversaciones. Refuerza tus temas con motivos, imágenes recurrentes o detalles que recuerden al público las ideas centrales al teléfono. A través de la repetición. A través de la repetición representan tus pensamientos e ideas con símbolos. Se trata de personajes, escenarios u objetos que aluden a algo significativo en la película. Al hacer uso de este proceso, mejorará tu guión para que sea mucho más visceral y más auténtico. Entonces espero que te hayas hecho estas preguntas importantes de qué temas es lo que estás tratando de abordar. A medida que pasamos a nuestro próximo capítulo, ¿Cuál es tu género de teléfonos? 6. ACT I: género: Las comedias nos hacen reír. Thrillers hacen un grito. Las hormonas hacen un grito. Los documentales nos hacen cuestionar. Y la ciencia ficción es hacernos meditar. Y rom coms, consigue que fluya la fusión se sienta bien. ¿ Alguna vez has tenido esa sensación al ver una película, casi puedes predecir lo que va a pasar en el fondo? Ya has visto la secuencia antes y ten una corazonada de algún tipo del probable resultado. Bueno, eso se debe a que las películas suelen hacer uso de tropos o motivos que público contiene en la alfabetización visual Bancos. Sí, un enlace a continuación, explorando más géneros. El género cinematográfico es un sistema de códigos y convenciones que lo categorizan en tales sumas. Ejemplos de género son comedias, drama, acción, horror, thriller, aventura, crimen, histórico, guerra, westerns, zafiros, documentales. Y la lista sigue y sigue. Ahora con el fin de mantener cierta familiaridad en el cine, los escritores suelen hacer uso de tropos. Este es un motivo que se repite lo suficiente como para ser reconocido. Thrillers hacen uso de los asustos de salto. Las investigaciones del crimen tendrán un complot grandioso, giro, me fin. Y los westerns tienen un enfrentamiento, y así sucesivamente y así sucesivamente. Para obtener más ejemplos sobre tropos que se utilizan en el cine, echa un vistazo a los siguientes enlaces. Géneros crean expectativas y grandes cineastas son capaces de subvertirlas, lo que da una nueva cara al género y a la película. También se pueden entrelazar entre sí en más de un solo salto. Por ejemplo, la hora punta es una comedia de acción. Schindler's List es un drama de patito y la gravedad es un thriller de ciencia ficción. Así que familiarízate con el género con el que estás operando. Entonces ya sabes qué dispositivos literarios funcionarán bien con ellos. No hay reglas y al público le encanta cuando las reglas están dobladas, retorcidas o rotas. Entonces consigue experimentar. Ahora pues tienes la esencia de tu historia. Has creado un protagonista carneado y otros personajes. Has estructurado su viaje en sus actos. Entendido los temas que buscan explorar, y el género con el que estás operando. Es hora de meter esa idea en un guión y comenzar con usted proceso de preproducción. 7. ACT II: escribir tu guito: La mayoría de las grandes ideas nacieron cuando un papel de pluma, probablemente eran terribles para empezar. Pero con el tiempo, se refinaron hasta que surgió algo mágico. A Einstein no se le ocurrió su teoría de la relatividad. Y un día, ni Shakespeare escribe sus obras en una noche. Por lo que el guión tomará una serie de borradores antes de poder presentarlo a potenciales financiadores, actores y otros participantes. Algunos guiones pueden llegar a diez borradores antes de que incluso sean considerados. Entonces deja que tu imaginación se vuelva salvaje y llene los espacios en blanco. Conecta los puntos, y empieza a ver emerger el panorama más grande. Cuanto antes empieces, mejor. Llenar los cimientos construyendo el mundo y reglas que siguen. Después sitúe a su protagonista dentro de ella e identifique sus objetivos. Introduce personajes adicionales, como el antagonista, el mentor, los intereses amorosos, y otros personajes mencionados anteriormente, y construye escenas que impulsaron el viaje hacia adelante con tus puntos de inflexión, todo ello las carreteras deben llevar a actos de decadencia. Ahora bien, si estás produciendo un documental, El proceso es ligeramente diferente. Para esto, necesitarás hacer dos columnas describiendo tu audio y tus visuales que las audiencias verán y escucharán. El narrativo se desentrañará a medida que realizas tus entrevistas e investigaciones y ten en cuenta cómo formulas tus preguntas en entrevistas también impactan cómo se dan las respuestas. Así que intenta enmarcarlos de tal manera que evoquen la narrativa que buscas. Dale al guión un poco de espacio para respirar. Un gran muro de ladrillo llamado Bloque del Escritor debería llegar a tu puerta en poco tiempo. Pero no lo veas como una barrera, sino más bien una señal para ir a dar un paseo, para hablar con amigos, familiares y compañeros de trabajo. Dale tu idea y lo más probable es que mencionen algo relevante, como una idea, pensamiento, o sentir que puedes imaginar entonces que luego puedes adaptarte a tu guión. Los guiones son ambos con lo que los cineastas llaman beats. Un beat es el momento o movimiento de una película o obra de teatro. Se trata de una decisión de evento o descubrimiento que altera la forma en que los protagonistas persiguen su objetivo. Por lo que comienza a rociar escenas con acciones adicionales, características conductuales, y diálogo que la enriquecerá. público también le gusta saber hacia dónde se dirige el viaje. Por lo que es efectivo hacer uso del presentimiento a través de frases, símbolos, o indicaciones que elijas. Todo tiene que pasar por una razón. Cada escena necesita tener un principio, un medio, y un final. Hay una cita bien conocida en la industria cinematográfica y es decir, llegar tarde a la escena y salir lo antes posible. Los guiones son diferentes a los libros o artículos. El escritor necesita saber qué ocurre, en lugar de decirle explícitamente al público. Deberías escribir de tal manera que describas lo que está sucediendo en la superficie y sugerir lo que está evolucionando internamente dentro de tus personajes. Una regla general de oro es una página de guión es un minuto de tiempo de pantalla. De ahí que un cortometraje será de diez a 30 páginas y los teléfonos de características 90 a una 130 páginas. Ahora, como creativo a otro, nunca llegarás a ese borrador perfecto. Pero para el tercer draft, debería poder empezar a pensar en los equipos a los que te gustaría acercarte. No obstante, tenemos que asegurarnos de que se vea presentable, lo que nos lleva al siguiente capítulo. El formato de guión. 8. ACT II: formato de guión: Guionistas sobre como el petróleo a la industria de la espuma, son los que alimentan la producción. Y así como los diagramas de ingeniería tienen una forma estandarizada de mediciones, variables y constantes. También lo hacen los guiones. Proporcionan un formato estandarizado que puede, que los directores puedan escanear fácilmente las páginas a través y preparar a sus equipos para la producción. Las reglas básicas del formato de guiones son las siguientes. Deberías usar el fondo de Corea en tamaño 12, tener un margen de un punto de cinco pulgadas a la izquierda de la página, un margen de una pulgada a la derecha de la página, un margen de una pulgada en la parte superior e inferior de la página. Cada página debe tener aproximadamente 55 nueves. El bloque de diálogo inicia 2.5 pulgadas de la izquierda. Los nombres de los caracteres deben ser letras mayúsculas y colocarse a 3.7 pulgadas de la izquierda. Los números de página se colocan en la esquina superior derecha con un margen de media pulgada desde la parte superior de la página. Y la primera página no debe ser numerada. Y a cada número le sigue una parada completa. El título de la página. Esto suele tener los detalles respecto a cuál es el título de la película y por quién fue escrito el guión. Encabezado de escena. Esta es la ubicación de donde se lleva a cabo la escena y ésta, y es importante denotativa si se trata de interiores usando int o al aire libre usando exterior o ambos. Interior, exterior si se mueve y a qué hora del día es, ya sea de día o de noche, salida del sol o puesta de sol subpartida. En ocasiones, los escritores mostrarán cómo cada escena cambia de lugar de afuera a adentro, o para describir otra sala a la que los personajes se han movido dentro de la escena. Transiciones. Estos se pueden utilizar para describir la forma en que tus escenas transitan de una a otra. Puede ser un ket, un desvanecido, o un disolver. Introducciones de carácter. Cuando introduzcas un personaje por primera vez, utiliza todas las letras mayúsculas y características de referencia como la edad, atuendo y otro personal. Rasgos de personalidad o manierismos del personaje. Acción. Describir las acciones visuales y audibles que tienen lugar en pantalla. Es necesario escribir en tercera persona y en tiempo presente. Si un elemento es importante para la historia, asegúrate de usar todos los topes para resaltar el diálogo. El diálogo es lo que tú zanahoria decir. Y es probablemente la parte más complicada de la escritura de guiones. Deberías escribir entre las líneas y nunca en los números. Los personajes deberían decir una cosa, pero realmente significan otra. Esto se conoce como subtexto. El modo en que hablan tus personajes debe ser único y revelar los rasgos de personalidad, cómo se sienten, y mostrar cómo están evolucionando las relaciones que tienen con otros personajes. Algo que ayuda es leer tu diálogo en voz alta y ver qué va a funcionar. Extensiones. Estos ocurren cuando tu personaje dice algo fuera de pantalla, conocido como diálogo no diegético. Cuando no podemos ver la fuente de donde viene el sonido. Os pantalla denotativa y V, D anota una voz en off entre paréntesis durante el diálogo, el espectáculo pequeñas acciones o eventos de cambio de humor sin tener que saltar de acción. Tienen un directo, ayudarían a actores directos con matices como el sarcasmo. Tomas de cámara. Estos describen el disparo para que el director incorpore, pero usando, pero tratan de usarlos con moderación cuando sea necesario. Ahora hay software que puedes usar para escribir un guión. Y el más utilizado es el software llamado Celtics. Yo altamente recomendable por su funcionalidad y adopción a nivel mundial. 9. ACT II: páginas a las etapas: Por lo que ya has castigado con éxito tres o más borradores de tu guión, y ahora estás buscando poner tu historia en pantalla. Aquí es donde necesitas estar buscando a alguien que sea tu productor. Esta es la persona que suele tener los bolsillos, las redes, y los conocimientos logísticos sobre cómo convertir tu guión en una imagen visual. Ahí también en el negocio de hacer dinero frontal. Por lo que van a esperar unos centavos de retorno de la inversión. Pero si estás empezando como cineasta, mayoría de los tres grandes papeles que caen sobre tus hombros. Se trata del director, director de fotografía y editor. Es una buena práctica que se experimente en los tres roles. Y te daremos una gran ventaja en la industria cinematográfica. No obstante, prepárate ya que es un largo viaje de negociaciones, noches sin dormir de edición y temas imprevistos que tendrás que resolver. Pero el producto final de la gente riendo, gritando, o llorando en los cines o en la comodidad de su propia casa, sin duda vale la pena. Así que agarra un bolígrafo rojo y consigue una copia impresa de tu pantalla. Circle lo siguiente en su guión. El personaje, localizaciones, utilería, vestuario y posibles efectos y S, S FX. Y tratar de contar estos en tablas. Tendrás que echar actores para estos roles. lado unos días para que esto se haga enviando costos y provocó agencias o escuelas de teatro y conseguir que leyeran el guión y la audición para las diversas partes. A continuación, es hora de ir localizaciones jardín, así que habla con las autoridades relativas y toma nota de los ruidos de iluminación y de fondo, adquirir los permisos necesarios y tener un formulario de liberación de ubicación. En el sitio. Fuente tus utilería y disfraces de tiendas. Es útil contratar por lo general a una persona dedicada para este papel, un diseñador de producción para correr mientras te estás enfocando en otros elementos de la película, como ensayos con tu costo. También es importante tomar nota de los sonidos particulares que necesitas para poder escuchar y editar que tendrás que grabar y configurar. Por lo tanto, asegúrate de tomar nota de eso. Ahora que has hecho todo esto, puedes empezar a ver cuántas localizaciones, actores, y establecer elementos que necesitarás en producción. Por lo que reunían las cotizaciones y los plazos para esto. que pueda comenzar a estimar el presupuesto y el horario de su guión. Ocasionalmente, ciertas escenas tendrán que ser desechadas y tendrás que improvisar un plan. Pero siempre hay una forma de trato a los directores. La responsabilidad del director es guiar a la tripulación sobre cómo ejecutar la producción de la historia. Y es importante que ellos expliquen por qué esta historia es importante para el público y sean capaces de justificar las opciones únicas de estilos, como métodos de actuación, localizaciones, cinematografía, técnicas de edición, y técnicas de sonido. Todo esto se compila en un documento denominado tratamiento que describe cómo se ejecutará la producción. Storyboarding. Uno de los recursos más útiles para el director de fotografía y el director es un guión gráfico. Y en un Illustrator o diseñador gráfico entrará en preproducción y asistirá al director esbozando las acciones descritas en el guión y ayudará a componer las imágenes de los personajes en sus entornos. El DOP utilizará entonces esto como referencia de lo que es más importante en el día y organizará una lista de preselección en consecuencia. Financiamiento cinematográfico, es difícil hacer películas solas, no importa con el saldo bancario de 0. Por lo que encontrar nueva producción para pagar a todo el personal, comida, equipo, localizaciones, vestuario y otros artículos es bastante crucial. Por suerte, hay un par de opciones cultivadas por el cine allá afuera para que puedas aplicar. Pero ten en cuenta que ciertos fondos tienen ciertos criterios. Como cineasta, necesitas ser el medio a través del cual se comunica el mensaje. Entonces pregúntate, qué tipo de historias va a tendencia en el clima de hoy y tendrás más probabilidades de que te otorguen estos fondos. Así que echa un vistazo a todas las opciones de fondo en el siguiente enlace y ten un latón. Si no puedes reunir fondos para tu teléfono, no es el fin del mundo. Las personas que tienes a bordo son las más importantes para el teléfono. Por lo que finaliza ese pleno primero. Ahora que has separado todos los bloques de construcción de espuma, es hora de armar tu 18 para dar vida a tu teléfono. 10. ACT II: preparar tu fundido y tristemente: Entonces descubriste la historia. Te gustaría ir a la ciudad, pero ahora todo se trata de convencer a la gente por qué se necesita contar. Vas a necesitar los siguientes roles en tu equipo para hacer eso. El director, Este es el capitán de la nave. Todo el mundo un consejo está trabajando hacia la visión que establece el director. Los mejores teléfonos son los mejores por nadie más que el director. Antes en tableros y marcado y acción se llama una herramienta directa coreografia la cámara, elenco y tripulación para ejecutar lo que se está describiendo en el guión. Si algo no se siente bien, él o ella puede cambiarlo en consecuencia y es hora de otra toma. Productor. Acabamos de tocar esto en el video anterior. Si necesitas saber más información, vuelve allí. Director de fotografía, El hombre con el plano y su cam. Cuanto más experimentados tengan, mejor. Si él o ella tiene su propio equipo, terminará siendo más rentable que contratar equipo de otra casa de alquiler. Así que echa un vistazo a los carretes del espectáculo y mira si su estilo de tiro se adaptará, adaptará al aspecto y la sensación de tu espuma y llévalos en el proceso de preproducción en la oficina tan pronto como puedas. Puños e iluminación. Estas son las personas que estarán haciendo el levantamiento pesado de cámaras y Riggs y se asegura de que las escenas estén debidamente iluminadas para la escena que se está rodando. Diseñador de producción. Se trata de alguien que diseñará y construirá conjuntos de tu teléfono. Ellos obtienen y encuentran los lugares adecuados para que tus escenas se lleven a cabo. Y todos los apoyos que estas usando. Departamento de arte. Esto consiste principalmente en el vestuario y el maquillaje. Y trabajan en estrecha colaboración con el diseñador de producción para asegurar que todos los actores en pantalla se vean separados. Si una película de zombis, tienes sangre y gore, si es una película de acción, tienen las pistolas falsas. Asegúrate de buscar ese equipo adecuado en eso. Hombre sonoro. Ahora este es probablemente el papel más subvalorado en cualquier producción. Un teléfono con un bello visual es genial, pero sin un sonido claro. Se trata de un naufragio absoluto del tren y no grita nada más que aficionado. Así que asegúrate de que suenas hombre sabe lo que están haciendo con ese editor de Boom Pole. Se trata de las manos de tijera Edward detrás de la nave espacial. Y suele ser una buena idea traerlos a bordo poco antes la producción para que puedan sumar su aporte sobre cómo disparar. Analizaremos más de cerca su papel en nuestro capítulo de posproducción. Equipo de efectos especiales y efectos visuales. Especialmente efectos, son las personas que usualmente traen la máquina de humo, explosiones y en ocasiones coordinan a los estudiantes que tienen una tremenda experiencia en este tipo de trabajo. Efectos visuales o las personas que traen las pantallas verdes, los punteros y los marcadores para lo que estés tratando lograr en el talento de posproducción. Estas son las estrellas del espectáculo. Características son los nombres de los actores y actrices que son reconocibles en pantalla, mientras que extras o talento de fondo en las personas que poblan el mundo fórmico que estás intentando construir. Partitura musical. Compositor trabajando en estrecha colaboración con el director, asegurarán los sonidos de instrumentos adecuados, las teclas musicales y los motivos serán usados para evocar el estado de ánimo y el tono adecuados que suele ser la producción. Ahora pues ya sabes a quién necesitas ir y reclutar. Así que empieza a preguntar alrededor o volumen voluntariado en otras producciones para relacionarse con aquellos que podrían conocer a alguien. Tu teléfono sólo será tan bueno como la gente que lo haga. Y el capitán que dirige la nave. Todo el mundo en el departamento este necesita echar un vistazo en su desempeño. Al mismo tiempo. 11. ACT II: trabajo de trabajo: Como cineasta, tienes habilidades asombrosas para resumir mensajes a las audiencias y potencialmente evocó un poderoso cambio. Mucha responsabilidad reside en tus hombros sobre las representaciones de las personas y sus culturas y también cómo estás enmarcando los sistemas de creencias. Por lo tanto, lo mejor es tener tu papeleo legal y agua. No es la parte más estimulante, pero ciertamente esencial. Estos son los siguientes documentos que necesitarás para preparar una declaración de propiedad de guion. Esto protege tu idea de ser plagiada y protege esa idea en la que has estado trabajando tanto tiempo y duro. Por lo general esto se puede obtener a través del Gremio de Escritores en tu país. Hojas de llamadas. Esto lidera a tu tripulación y cuesta nada que necesiten estar y también les da una idea de cómo se va a quedar el día. Contiene detalles como los supervisores de producción, datos de contacto, pronósticos meteorológicos, horario de tiro, tripulación de costo sin costo, canales de comunicación, y otras notas del departamento. Así que asegúrate de mandar este arte un par de días y adelantar formularios de liberación de talento. Este es el acuerdo legal entre el cineasta y los actores, o extras de fondo, confirmando que sus actuaciones y los nombres pueden ser utilizados al comercializar el teléfono y distribuir la película. Contratos de tripulación. Este es el acuerdo legal entre el cineasta y el equipo de producción, confirmando su participación, responsabilidades de rol, y su generación para trabajar en el proyecto. Lista de contactos de la tripulación. Un documento central con todos los nombres, números, números emergencia, y detalles de correo electrónico de toda la tripulación que participa en la producción. Forma de lanzamiento musical. Esto proporciona confirmación legal de que la película tiene derechos para usar música o partitura escuchada en la película, ya sea compuesta o comprada en línea, es esencial tener estrenos de ubicación. De esta manera le da autoridad es que usted tiene misión por parte los tomadores de decisiones necesarios que usted es capaz de llevar a cabo su rodaje en su premisa. Horario principal de fotografía. Ahora esto guiará al equipo en el que se rodará escena, cuándo, y un esbozo básico de qué esperar en la lista de preselección del día. Ahora este es el santo documento del GOP lleno todos los detalles necesarios que delinean ver qué es cada toma de acción, conversación o B-roll y cómo se compondrá, como tamaño de disparo, ángulo, movimiento, y descripción se debe incluir en ellos. Seguro de producción, los accidentes sí suceden y hay una gran cantidad de piezas móviles dentro de una producción. Por lo que contar con un corredor de seguros proporcione una póliza, brinda seguridad para cualquier pasivo que pudiera ocurrir. Y se recomienda para proyectos de mayor envergadura con presupuestos más grandes. Política de salud y seguridad. Vivir en una era post encubierta, este documento es crucial y esboza cómo su producción se producirá de forma segura dentro del teléfono de la ley. Pero ahora esto se suele compilar en dos secciones por encima de la línea donde se enlistan los interesados de la producción que han creado más grandes, influyendo en las decisiones de la producción como productores, guionistas, directores, y actores. Debajo de la línea. Estos son los participantes que no tienen gran voz en las decisiones que se toman y pueden verse como reemplazables, como extras, guiones, iluminación, Departamento de Arte, transportes, manejadores de utilería, etcétera. Así que desglosa tu guión en páginas por día y presupuesto alrededor de eso, pero prioriza las escenas difíciles dándoles más tiempo. Lo que puede ser útil es rebanar tu presupuesto en un gráfico circular y asignar cada departamento con el monto respectivo y estimar en consecuencia. Ahora bien, todo esto podría sonar como mucho para empezar. Pero por suerte para que cocines y he adjuntado todo el material mencionado para que puedas llegar directo a él y no pierdas tiempo buscando plantillas en internet. Eres bienvenido. 12. ACT III: equipo: Tu alberca de Equipos no determinará la calidad de tu teléfono, sino más bien la historia que estás tratando de iluminar. Grandes libros no fueron alcanzados por las portadas, sino por el contenido. Entonces con eso dicho, veamos lo que vas a necesitar para pintar tu espuma. Y algunos conocimientos clave a su alrededor. Cámara. Esta es tu herramienta más importante, el pincel de tu teléfono. Si estás empezando, ya que empecé a buscar no más allá de smartphone en tu bolsillo. Las espumas se han estrenado en cines rodados en iPhone. Por lo que siempre puedes hacer uso de lo que tienes. Si buscas actualizar desde ahí, nos dirigimos a la gama DSLR con cámaras como la Fuji X t3, con la que estoy filmando aquí, o la Canon 70 d. Un step-up. Y estamos viendo réflex digitales más avanzadas, como la gama Sony A7 o una Canon 5D o Canon S3 100. Y luego nos dirigimos a la arena de clase mundial donde las cámaras tienen una etiqueta de precio fuerte. Estos son tus dragones rojos y Aaron Alexis, que se utilizan en Hollywood. Ahora, un par de ajustes que debes conocer en la cámara o el siguiente ISR. Esta es la sensibilidad de las cámaras a la luz. Cuanto mayor sea el ISO, más probable es que tu imagen desarrolle lo que se llama ruido, haciendo que tu imagen parezca granulada. Por lo tanto, intenta mantener eso tan bajo como puedas. Fps, Esta es tu velocidad de fotogramas por segundo. Cuántas rodajas de imagen son en 1 segundo y FPS de 24 aparecerá más suave que un 60 FPS porque tiene lo que se conoce como desenfoque de movimiento. Si graba en un FPS alto y se reproduce a 24 fotogramas por segundo, aparecerá en cámara lenta, velocidad de obturación. velocidad de obturación se refiere a la cantidad de tiempo que cada marco individual está expuesto para las lentes, este es el vidrio que le dará a su clase de película. Diferentes lentes pueden crear una sensación y un look diferentes, que veremos más adelante. Pero por ahora, necesitas conocer dos características principales dentro de una lente. La distancia focal es la intensidad con que la lente diverge la luz, y cómo, mientras que el campo de visión que es capaz de capturar la abertura es la abertura de la lente que determina por cuánta luz se está pasando. Una abertura baja te dará una profundidad de campo poco profunda, difuminando el fondo. En tanto que una abertura alta producirá el efecto contrario. Familiarízate con el triángulo 19. Si cambias un ajuste, normalmente tendrás que ajustar los otros dos ajustes. Ahora los diferentes tipos de lentes se pueden obtener islas de peces RA que no campo de visión ultra amplio y oscila en su longitud focal de cuatro milímetros a 14 milímetros. Si bien las lentes suelen capturar más de la escena y es ideal para tomas de paisaje, 14 lunares a 55 lunares. Las lentes estándar van de 35 mil a 85 más, mientras que las lentes teleobjetivo o zoom capturan un campo de visión estrecho y oscilaron entre 85 y 400 millones. Las lentes macro son lentes que son capaces de capturar el mundo microscópico. Si bien los lentes primarios tienen una distancia focal fija, hay menos partes mecánicas en ellas y por lo tanto tienen una mayor apertura, lo que generalmente produce imágenes de mayor calidad. Y recuerda, siempre es mejor subexponer tus tomas en lugar de sobreexponerlas. Es más fácil corregir en plataformas de cámara de postproducción ese trípode. Se trata de la plataforma estándar de un cineasta, útil para tomas estáticas o movimientos simples como un pan o inclinación. Pero asegúrate de tener el cabezal adecuado de la cámara montado en el trípode para grabar un movimiento de video suave. Hombro Rick, esta es una gran plataforma go-to en la que todos los GOP pueden sentarse sobre sus hombros y es ideal para el deslizador de tiro sobre la marcha. Monte una cámara en esto. Y realmente te puede dar callado que tiene un aspecto y una sensación asombrosos a medida que te desplazas por tus temas. Gimnasios o Grúas. Se trata de plataformas que pueden balancear un radio grande, grande, izquierdo, derecho, o arriba y abajo, se estabiliza. Ahora se trata de dispositivos electrónicos muy inteligentes que ayudan a evitar sacudidas no deseadas y mantiene un movimiento suave con alguna ingenieria de control inteligente y motores sin escobillas. Equipo de sonido. Como mencioné antes, un gran teléfono con sonido terrible es en última instancia una película terrible. Así que juega, así que presta especial atención a esto. Algunas herramientas del comercio incluyen las siguientes. Un dispositivo electrónico estándar con zoom grabado que es portátil y dinámico, que puede grabar todo tu sonido sin dicho en una tarjeta SD. Un micrófono de escopeta. Este es un micrófono que captura audio que viene de una dirección específica de tus actores o actrices. En un poste de boom es lo que el hombre de sonido utiliza para tener un largo alcance para girarse entre actores y capturar el audio. Un micrófono de solapa es un micrófono pequeño que generalmente se puede conectar a un sujeto que está hablando y transmite la señal a un receptor inalámbrico, a la grabadora de zoom. Genial para entrevistas, pero recuerda tener algo de cinta y pelusa si estás buscando sujetarla y el pecho de alguien debajo emitido para evitar que volantes algo de iluminación. Las luces más utilizadas en los sets son los LED, y por lo general se puede ajustar el brillo en ellos al nivel o brillo deseado. Tiras de Led o también una solución de bricolaje y pueden ofrecer una amplia variedad de opciones creativas debido a la variedad de colores que puedes utilizar. Y otros efectos como un efecto estroboscópico. Scrums son los tableros grandes que montañan en los onsets de CSU Dan y vienen en dos variedades. Tonos negros que absorben la luz y pantallas blancas las cuales pueden rebotar o añadir luz. Los reflectores son láminas portátiles en plata u oro que desempeñan un papel similar al scrimp y pueden venir en 51 niños, que siempre son útiles para tener alrededor. Asegúrate de que la configuración de balance de blancos tu cámara esté ajustada a la temperatura de color correcta de la iluminación para que puedas evitar correcciones innecesarias de color en tu calibración de postproducción. Otros artículos adicionales en el set incluyen un tablero de clapper. Esto se usa para que tu editor hunda el sonido al metraje y también ayuda con la organización de cómo se categorizan las tomas de ser categorizadas. Y hay que tomar nota de la escena, del disparo y tomar números. Gaffers cinta de grabar marcadores para actores hasta bloquear la luz de las ventanas cercanas. Un buen papel de la cinta gaffers en diferentes colores siempre es útil para tener discos duros de inicio. Tu vas a necesitar almacenar tus imágenes en algún lugar. Así que compra un disco duro o dos que puedas almacenar todo el metraje crudo de tus sesiones. Uno. Ahora tienes una idea aproximada de lo que necesitarás para producir nueva imagen en movimiento, llega a conocer las casas de equipos alrededor de tu zona e intenta entablar una buena relación con ellas. Porque lo más probable es que puedas negociar buenos tratos con ellos en cualquiera de tus futuros emprendimientos y proyectos. 13. ACT III: Mise-en-Scene: Mise-en-Scene es un término francés que se traduce en colocar en el escenario y se utiliza para describir cómo se diseñan los elementos cinematográficos dentro del marco. Como cineasta, Estas son las decisiones cruciales que estarás pensando largo y duro para lograr efectivamente el estado de ánimo y tono deseado que evocará los temas de tu imagen. Si puedes crear el ambiente adecuado en el set, el teléfono se desplegará frente a mí. Diseño de conjunto. Ahora hay dos opciones a la hora de decidir cómo organizar tu set. Se puede disparar en ubicación que ya ha sido explorada, es puede ser el lugar de un amigo o un lugar público, pero asegúrese de tener listo ese formulario de liberación de ubicación. O también puedes construir. Dijo, eso encarnará la atmósfera que estás intentando crear. Tu diseñador de producción y departamento de arte tendrán que manejar todo esto mientras estás ocupado ensayando con tu costo. Set necesita transmitir el periodo correcto en la historia, así como el tono y el estado de ánimo de su proyecto. tu elección de colores, líneas esto se sumarátu elección de colores, líneas, formas y avisos. Y como ahora, ahora, los diseñadores de escenografía a veces pueden ir a extremos para crear lo que el director necesita. Por ejemplo, el set del teléfono de 1953, Ben Hur, cubrió más de 18 acres y tomó 1101000 hombres a lo largo de un año para construir disfraces. Ahora, dependiendo del género y periodo de tiempo con el que estés operando, disfraz juega un papel enorme en tu teléfono. Puede ser por encima de la cima y flamboyance o moderno, atrevido. Así que familiarízate con algunas casas de alquiler de disfraces en tu zona, cabello y maquillaje. Sus deberes primarios son potenciar la estética facial mediante maquillaje para crear un look personalizado que una producción necesita para crear los personajes. También se pueden llevar prótesis a bordo para ayudar con cualquier goblins, zombies, u otras criaturas con marcas que estés buscando incorporar en la historia. 14. ACT III: Mise-en-Scene luz y color: El arte de la cinematografía es poder pintar con luz y color. Entonces pasemos algún tiempo mirando eso. Escribir crea un estado de ánimo visual, ambiente y le da un sentido de sentido al público. Ayuda a guiar el ojo donde necesita mirar en el marco a un actor específico, utilería, o parte de la escena. Puede reflejar la psicología de un personaje y también puede potenciar el género del flujo. Por lo que antes de que se posicionen los actores y la cámara comience a rodar, el escenario necesita estar adecuadamente iluminado. Coloca tu principal y más fuerte fuente de luz, llamada luz clave apagado a un lado del actor para crear una ligera sombra en el lado opuesto de la cara en una segunda luz llamada luz de relleno en el lado opuesto del actor para suavizar cualquier sombra dura que sea creada por la luz clave juega una tercera luz, una retroiluminación detrás del actor para ayudar a definir y resaltar cualquiera de sus rasgos o contornos. Ahora, la iluminación de alta clave es una estética de iluminación con pocas sombras y bajos niveles de brillo. Esto lo verás comúnmente en televisores, sitcoms, o un comercial. Si bien la iluminación discreta es una estética de iluminación con muchas sombras para crear una sensación de misterio o suspenso. Se trata de animales mucho más cinematográficos adoptados fuertemente en el género cinematográfico. Película noir. Gritos montaña con una abrazadera entonces se puede utilizar para bloquear, rebotar, y absorber cualquier alineado natural o artificial. Por lo tanto, ajustarlos en consecuencia. También puedes usar trabajos de colores sobre las luces para agregar cualquier color si es necesario. Escribir una escena requiere juicio y error. Así que tómese el tiempo para experimentar con un sistema de iluminación de tres puntos. Líneas suaves, luces duras, iluminación discreta, iluminación de alta clave para encontrar el equilibrio adecuado de luz y sombra, sombras para tu toma. Color. Ahora, el color tiene una increíble capacidad para evocar cierto estado de ánimo que buscas. La teoría y psicología detrás de ella se ha incorporado en obras de teatro y teléfonos a lo largo de la historia. Así que pausa el video aquí y busca el color correcto que se adapte a las emociones y el estado de ánimo que eres. Después. Vamos a echar un vistazo más de cerca a la clasificación del color más adelante. Pero por ahora, pasemos al elemento más importante de puesta en escena, cómo componer tus tomas. 15. ACT III: Compostition: Relación de aspecto, el marco de tu película es un lienzo y puede variar en sus dimensiones. Los teléfonos en el cine suelen usar una proporción de 2.39 a uno. En raras ocasiones, en realidad puedes cambiar la relación de aspecto si ayuda a transmitir la sensación correcta a tu teléfono, asegúrate de disparar en la resolución más alta posible para que puedas recortarlo y ajustarlo en consecuencia. Tamaño de tiro. Tiros extremadamente largos. Estos son los planos anchos que generalmente establecieron el escenario en el que se está llevando a cabo la escena. Y es una gran manera de abrir una escena. Un longshot es una gran manera de introducir personajes en la escena y en su entorno. En tanto que un tiro medio es desde las rodillas hacia arriba y logra un efecto similar. Los cierres son desde el pecho hacia arriba y nos acercan al personaje y nos permiten empezar a ver sus emociones. Mientras que los cierres medianos son de los hombros hacia arriba. Grandes primeros planos son planos cercanos que muestran expresión facial completa de un sujeto y pueden resaltar una emoción específica como la tristeza o la sorpresa. puede utilizar un primer plano extremo para enfatizar un sentido particular al público, como la vista, el oído o el olfato. Y inserto es un cierre de un objeto de utilería que jugará un papel significativo en la historia. Y es importante que el público no se pierda. Una buena regla de pulgar es comenzar ancho y flojo y acumular hacia primeros planos a medida que lo visto aumenta en su intensidad. Ángulo de disparo I ángulo de nivel. Ahora, este es un tiro que enfatiza una perspectiva neutral e imita cómo vemos a las personas en la vida real ojo a ojo. Un disparo de ángulo bajo está por debajo de los sujetos. Me alineo y es un tiro que crea una dinámica de poder, haciendo que el sujeto parezca superior, creando una sensación de miedo o miedo hacia ese sujeto. Ángulos altos. Ahora esto logra lo contrario del ángulo bajo, haciendo que el sujeto parezca pequeño, inferior, vulnerable o impotente. Nivel de cadera. Los disparos en ángulo se utilizan para mostrar algo de acción que está sucediendo, como dibujar una pistola o llegar a algo de su bolsillo. Mi nivel. Ahora, estas tomas también pueden enfatizar una superioridad de personaje, igual que una toma de ángulo bajo. Mientras que un tiro a nivel del suelo suele usarse para mostrar a tu personaje caminando y puede crear una sensación de misterio. Un disparo en el hombro es muy similar al disparo a nivel del ojo, y en realidad se usa con mucha más frecuencia. Y info Ángulo holandés o inclinación holandesa, es donde la cámara está ligeramente inclinada, dando una sensación de desorientación o tensión. Y un tiro de vista de pájaro se mantiene por encima de los actores, 90 grados por encima de ellos y proporciona perspectiva, la perspectiva a la escena y puede crear un punto de referencia divino. Movimiento de cámara. Zoom. Entonces aquí es donde cambias la distancia focal de tu cámara. Un pan es donde mueves tu cámara tiene horizontalmente de izquierda a derecha, y es genial establecer una sensación de ubicación de una inclinación es mover tu cámara verticalmente, arriba o abajo. Y es una gran manera de presentar a tus personajes o darle a un público una sensación de altura. En un tiro ancho. Un dolly es cuando mueves la cámara hacia adelante o hacia atrás. Y esta es mi favorita personal ya que realmente puede enfatizar que algo está evolucionando internamente con tus personajes o cuando oprime al revés los coloca en perspectiva con el mundo que los rodea. Un disparo de camión, también conocido como disparo deslizante, es cuando mueves tu cámara de izquierda a derecha, y un rastrillo deslizante. Y el pedestal ing es cuando mueves la cámara verticalmente hacia arriba o hacia abajo, y es una gran manera de revelar las características físicas de un sujeto. El enfoque en Irak es cuando cambias el foco de un sujeto a otro y es eficaz para navegar la atención de tu público de un personaje a otro. Contraste dominante y subsidiario. Entonces debes preguntarte, ¿qué o quién es el sujeto dominante en el marco? ¿ Dónde yace la atención y qué sigue eso, que se conoce como la densidad de contraste subsidiaria. Ahora es así la cantidad de información visual que se contiene dentro, dentro de la imagen. Se trata de una visita altamente textualizada , moderada, o llana y sencilla. ¿ Hay una gran cantidad de encuadre de espaciado negativo? Ahora, el encuadre suelto es donde los personajes se mueven más libremente mientras que el encuadre apretado es donde los personajes están confinados a una ubicación. Composición en el Raúl bidimensional, ¿qué estado de ánimo sugieren las líneas y formas de tu marco? ¿ Son horizontales, que evoca la tranquilidad? ¿ Son diagonales, que pueden evocar tensión y ansiedad? ¿ O son los verticales los que pueden aludir a fortalecer los apoyos? Son el binario, que a veces puede sugerir paralelo, paralelo, paralelismo. O triangular, lo que sugiere una interacción entre personajes. O incluso circular, lo que puede dar una sensación de seguridad. Posicionamiento y proxémicos, ¿cómo se colocan tus personajes en el marco en relación entre sí? ¿ Están cerca de la cima, que se relaciona con el poder, la autoridad y la inspiración? O en la parte inferior lo que sugiere lo contrario. Personajes colocados a la izquierda y a la derecha suelen sugerir insignificancia y lo cerca o lejos que nuestros personajes colocaron en relación entre sí, ¿Sugiere esto algo de una relación íntima, personal o pública? Posiciones de puesta en escena, ¿cómo está tu escenario de personaje en relación con la Cámara? ¿ Es eso un plazo completo de cuarto de frente, un remate de perfil, un giro de tres cuartos? ¿ O tienen la espalda hacia la cámara? Regla de tercios? Ahora esta es una gran manera de enmarcar tu tiro al bloquear o colocar nuevo talento, intenta posicionar las islas cerca de una de las cuatro intersecciones, ya que aquí es donde los ojos del público gravitarán hacia la mayoría. Ahora entonces eso fue bastante un puñado de información para empezar a considerar. Así que pasa algún tiempo con el DOP para asegurarte de que prestes buena atención a todos estos elementos de puesta en escena. 16. ACT III: Setiquette: Ahora para que la producción funcione lo más suave posible, todo el mundo que una junta necesita desempeñar el papel y acatar un código de conducta en el set. Entonces aquí hay un par de reglas que todos deben conocer y seguir. Intenta y afilado tan pronto como puedas. Intenta apagar tus celulares. El último que quieres es si un actor está interpretando una escena íntima donde una lágrima fluye suavemente por la mejilla y alguien consigue un Watson de la madre. No desenchufes nada a menos que le preguntes a la persona adecuada y no toques ni muevas algo de lo que no eres responsable. No entres en el tiro. Y si haces un golpe de estado, intenta evitar el ¿Cuándo crees que estamos envolviendo pregunta? Siempre ser menos que y siempre estar alerta y saber cuándo está rodando la cámara. Y por último, alimenta tus costos y tu tripulación porque un Cu hambriento es lo último que quieres. Ahora entonces has impactado con éxito tu comercial de video musical de forma corta o muchos documentales. Y es hora de entrar en la suite de edición y comenzar snip, snip snap, postproducción. 17. ACT IV: software, ingestión y categorización: Por lo que ya deberías tener todas tus imágenes grabadas y todos sus sonidos en más de un disco duro. Esperemos que sea hora de descargar algún software que usarás para editar tu teléfono. Ahora, hay un par de opciones fuera en el mercado, así que echemos un vistazo a ellas. En las opciones gratuitas se incluyen trabajos ligeros, que es intuitivo, sencillo, y tiene mucho apoyo a su alrededor y es considerado el mejor software gratuito de edición de video. Video pad es también otro gran software para principiantes. Y DaVinci Resolve es el mejor editor de video gratuito de avance con una increíble suite de gradación de color. Ahora, las versiones de pago incluyen principalmente Final Cut Pro y Premier Pro. Para el próximo par de videos, vamos a estar usando Adobe Premiere Pro. Y puedes obtener una prueba de siete días de forma gratuita, o puedes suscribirte al software de Adobe por 24 dólares mensuales por software, ¿verdad? Una vez que hayas instalado y abierto tu editor de videos, navega a tu carpeta de proyectos de yes, vamos a estar arrastrando y soltando nuestro metraje, cosa que ya he hecho. Entonces lo que vas a tener que hacer es empezar a cambiar el nombre de tu metraje. Lo que me gusta usar es el sujeto, el ángulo, y el tamaño de disparo, y también la toma. Tendrás que hacer esto para tu sonido también, el tema, la escena, y tomar también otra cosa útil que hacer es tamizar todo tu metraje y averiguar lo que necesitas y lo que no necesitas. Después de eso, puedes eliminarlo. Esto ayuda a evitar cualquier desorden y mantiene las cosas necesarias y más fáciles para que trabajes, ¿verdad? Una vez que hayas renombrado todos tus archivos de metraje y sonido, es hora de crear una nueva secuencia. Asegúrese de que el tamaño de fotograma sea adecuado y que el tiempo, usted basado en el tiempo es los fotogramas correctos por segundo. Ahora lo que vamos a hacer es empezar a hundir el sonido. Así que simplemente arrastra y suelta tus imágenes a la línea de tiempo. Navegue hasta el archivo de audio correcto y colóquelo debajo del tiempo debajo del clip original. A continuación, seleccione todos los clips, haga clic con el botón derecho. Y sincronizar, seleccionar canal de audio, y esperar a que se sincronice. Después de que eso esté completo, Watch puede hacer es recortarlo prolijamente. Después de que se haya sincronizado, bloquea el archivo de video y borra el audio original para que tengas ese sonido de auge nítido. Seleccionar ambos y fusionar en un archivo sincronizado. Una vez hecho esto, es útil crear una nueva carpeta y crear una carpeta de sincronización con todo el metraje. Arrastra y suelta esto en tu carpeta de sincronización. Y ahora está listo para ser editado cuando empieces a editar el proyecto completo, también es útil empezar añadiendo también los archivos de sonido a tu línea de tiempo para que puedas empezar a editar en ritmo a la pista de sonido. Un par de sitios web que recomiendo, artless dot IO y sonidos epidémicos, ese momento, en cuanto a navegar por el software de edición de video, en este caso Premiere Pro. Lo que es útil son estos paneles en la parte superior aquí para diferentes modos de edición. Ahora mismo estamos en modo de edición. Pero para empezar, Es una buena práctica comenzar con el ensamblaje, movimiento, edición, color almidón, agregar efectos, agregar el audio y los nuevos gráficos. Cierto, esa es una introducción a la Premier Pro Suite. Todavía hay mucho por aprender, como estas ingeniosas teclas por aquí y atajos. Por lo que sugiero en su tiempo libre hacer un poco de práctica detrás eso y también investigar más características sobre Premiere Pro. Es un software potente y muy recomendable. ese momento, ahora sabemos cómo los fundamentos del flujo de trabajo y Premier Pro, ¿cómo sabemos qué metraje seleccionar? ¿ Cómo sabemos qué corte hacen dónde pasar de qué disparo a qué disparo? Y ahí es donde vamos a mirar nuestro próximo capítulo en las seis reglas de las técnicas de edición y edición. 18. ACT IV: seis reglas de edición y otras técnicas: Cada marco de tu historia es un cuadro. Los ojos de tu público temblarán sobre el marco, reuniendo nueva información a medida que se despliega la historia. Pero, ¿cómo se sabe uno pero tiro para seleccionar para su próximo corte? Para esto, vamos a estar examinando los partidos de Walter seis reglas de edición de su libro en un abrir y cerrar de ojos, además de explorar los diferentes tipos de cortes. Al decidir qué corte debe seguir, se preguntó si logra lo siguiente. Regla. Número uno, emoción. ¿ El corte se mantiene fiel a la emoción del momento? Trate de preservar esto todos los costos. Regla número dos, historia. ¿ El corte avanza y mueve la historia de una manera convincente? Regla número tres, Cinta. ¿ El corte tiene sentido rítmico? ¿ Va en línea con la música, el tempo o la estructura beat de la película? Regla número cuatro, rastreo. ¿ Dónde está el foco de interés de tu público en el marco? Y entonces dónde se mueve al siguiente corte? Regla número cinco, plano bidimensional. ¿ El corte respeta a la minoría de donde se encuentra la película? Regla número 63, espacio de dimensión de acción. ¿ El corte respeta la continuidad tridimensional de los caracteres en relación a la ubicación. Las tres primeras reglas tienen alta prioridad sobre las tres últimas. Si, si se mantiene fiel a las emociones, la historia y el ritmo, pero carece de continuidad en el espacio tridimensional, entonces por todos los medios, usa ese corte. El efecto de la tienda más enfriadora. A principios del siglo XX El cineasta soviético Lev cooler shove demostró que un espectador deriva más significado de dos tomas secuenciales en lugar de que se filma por sí solo. La suma de sus partes crea un agujero más grande. Esto también se conoce como yuxtaposición cuando el contraste entre dos tiros deriva un tercer significado, tipos de cortes. El salto cortó. Ahora este corte salta hacia adelante en el tiempo en el mismo tiro, el corte del búho. Aquí es donde el público escucha el audio de la toma anterior, pero ve la imagen de j cut. Ahora esto es lo opuesto al alcohol donde se ve la imagen de la siguiente toma. Una vez escuchado el audio de la misma. Estos son cortar a la acción. Aquí es donde cortas de un disparo a otro basado en la misma acción que realizan los personajes. Cutaways. Esto ayuda a mostrar al público algo más. Hola, pasando en otro lugar de la escena. Corte cruzado, también conocido como edición paralela. Muestra dos eventos que suceden al mismo tiempo, pero en diferentes localizaciones. Cortes masivos donde dos tomas tienen una forma de sujeto similar o naturaleza simbólica en diferentes localizaciones. Lo que también es útil en Adobe Premier Pro u otro software de edición es que también puedes seleccionar la pestaña de efectos por aquí, o simplemente ir turno F7. Y luego tienes acceso a diversos efectos que puedes usar en tu corte. El video transiciones, podemos agregar corteza se disuelve entre dos clips y cambiar la longitud de la disolución. También puedes sumergirte a negro a blanco. Se puede disolver y se pueden añadir otros grandes efectos como el iris. El iris se desvanece, toallita o se desliza. Y luego también en las transiciones de audio, puedes asegurarte de que haya una transición suave entre archivo de audio a archivo de audio. Especialmente si estás usando diferentes ruidos y te gustaría transiciones suaves, puedes ajustarlo en consecuencia. Otro gran efecto es el estabilizador deformado, arrastra esto en los hubs de Eclipse para evitar generalmente cualquier movimiento temblor en la imagen misma. Entonces si tu tiro es un poco tembloroso y te gustaría suavizarte. Pero estabilizador deformado generalmente hace el truco. Pero la mejor manera de saber qué corte o qué trabajo de transición es conseguir experimentar. Así que tira todos los clips de tu línea de tiempo en una historia, edita de acuerdo a tu guión, y luego edita en consecuencia y mezcla y coincide e intenta averiguar qué es el disparo funciona mejor con qué transición. 19. ACT IV: diseño de música y sonido: El colegio o la música adecuada puede hacerte o romperte películas. Así que tómese el tiempo para pensar largo y duro. Pero, ¿qué mejorará tus escenas? Algunos conocimientos de fondo en torno a un musical claves y habilidades también pueden ayudar a decidir qué funcionará mejor. Por ejemplo, las puntuaciones del SAT hacen uso de escalas menos, mientras que una puntuación más cerebral y feliz hace uso de escalas mayores. Pregúntate cuál de los siguientes movimientos estás fuera, ¿de acuerdo? Está bien. Los motivos de la melodía también se pueden utilizar para realzar un personaje o un tema en particular y una historia y agregar otra tercera dimensión a la experiencia. Te recomiendo que insertes tus archivos de música hasta fecha de edición temprana en el proceso de edición. luego puedas empezar a hacer tus cortes a los ritmos de la pieza. Mira tus formas de onda de audio y toma nota de dónde insertar el corte. Un truco que me gusta usar es reproducir la música en la línea de tiempo y colocar marcadores pulsando M en tu teclado. Aquí es donde se puede sentir e imaginar el corte que ocurre y luego se puede ajustar su metraje en consecuencia. Los efectos de sonido consisten en las muestras que traen movimientos, acciones, objetos o animales para vivir en tu teléfono. Al igual que un sable ligero, pasos o quitando vaca en el fondo que se puede grabar en el set, encontrarla en una base de datos de muestra o ser recreada en un estudio de sonido a través de un proceso llamado diseño de sonido insensato. Algo de mezcla. Es importante que los niveles de tus volúmenes de las diferentes líneas de tiempo de sonido no interfieran entre sí. No quieres que tu diálogo sea sobrepujado por la partitura o la música. Por lo tanto, intenta usar estas siguientes pautas para hacer eso bien. El pico máximo de tus sonidos debe ser de dos decibelios, mientras que los efectos sonoros fuertes como explosiones y disparos, deben ser de tres a dos decimales. Una pista de sonido más fuerte que no compita con ninguno de tus diálogos debe estar entre 54 decibelios. Todos se pusieron de pie. El diálogo debe estar alrededor de 11.5 decibelios a diez teléfonos de escritorio. Y los ruidos ambientales o la música de fondo pueden entonces utilizarse alrededor de 18 a 16 cinturones desérticos. Ahora que tienes una comprensión básica de tu diseño de música y sonido, es momento de comenzar con los toques finales en tu teléfono con la calificación de color y agregando títulos. 20. ACento IV: grado y títulos de colores: Todos estamos familiarizados con los filtros en Instagram, que es un grado de color rápido y fácil para tu contenido, enriquecen el estado de ánimo que investigando para un anuncio que poseen extra. Entonces echemos un vistazo más de cerca a eso. Fantástico. Entonces una vez que hayas editado la historia en tu línea de tiempo y tienes tu diseño de sonido sonando bien, entonces es hora de agregar la calibración. De acuerdo, pero antes de que hagamos eso, lo que vamos a hacer es empezar a corregir el color. Y esto es asegurarnos de que los niveles de todos los colores en tu toma, los ajustes y ajustes adecuados para que podamos empezar a aplicar la gradación en todo el metraje. Entonces lo que vamos a hacer es ir a la barra de colores, pestaña de color. Entonces vamos a abrir el alcance de Mettrie. Asegúrate de tener tu desfile RGB, hay otros. Pero por ahora solo vamos a usar el alcance básico del nanométrico del desfile RGB. Entonces lo que vamos a hacer es empezar yendo a correcciones básicas y ajustando la temperatura del color para asegurarnos de que los colores estén más o menos equilibrados de manera uniforme. Entonces vamos a asegurarnos de que los negros estén empezando a recortar aquí en la parte inferior. Entonces vamos a aumentar la exposición, pero no demasiado por ahí. Vamos a añadir un poco de contraste, bajar las sombras, bajar tus blancos, y añadir sólo un poco de saturación. El mujer después también va a determinar estos ajustes por aquí y qué tipo de sensación y búsqueda. Esta es una escena onírica. Entonces estamos tratando de que se vea lo más colorido y lo más bonito posible. Entonces una vez que hayas hecho eso, vamos a ir a los ajustes creativos por aquí y vamos a hacer algunos ajustes finos. Entonces para esto, me gustaría que el cielo fuera un poco más azul. Entonces solo voy a ajustar los aspectos más destacados. Se van a añadir un poco de vibrancia. Y poco a poco se está juntando nuestra imagen. ese momento también puedes usar lo que se conoce como tus curvas RGB para hacer alguna gradación de color. Sugiero familiarizarse un poco más con los alcances y los ajustes de corrección creativos y básicos antes de pasar a esto. Ya que esto es todo un emprendimiento pero muy útil. Entonces estos son los colores de tu imagen. Y estos, y esta línea es representativa de los diferentes niveles de estos colores. Entonces para el rojo, rojo oscuro, y estos son tus rojos claros. Para el azul, estos son tus azules claros y azules oscuros. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a seleccionar nuestros marcadores y vamos a sacar los aspectos más destacados del blues. Por lo que te recomiendo que experimentes y hagas alguna investigación sobre más capacidades de gradación de color que ofrece Premiere Pro. Davinci Resolve es también un software fantástico para calibrar tus historias. Entonces. Correcto, así que una vez que hayas corregido el color tu imagen, lo que podrías hacer es copiar esa corrección de color y puedes pegarla en tus otras tomas. Y ya eso se ve mucho mejor. Esto es antes. Y esto es después, ¿verdad? Por lo que una vez que tengas el color corregido todas tus tomas, podemos empezar a añadir un grado de color. Por lo que este es un look y sensación general a todos los disparos. Haga clic derecho en su carpeta de proyecto y cree una nueva capa de ajuste. Arrastre y suelte esto en su metraje y aplíquelo en todas sus tomas. Entonces lo que podemos hacer es entrar en nuestras capas de ajuste, ajustes de color, ir a creativo e ir a la última sección. Ahora, mucho es un escenario específico que los cineastas arrastrarán o descargarán en los tiros y ajustados para darle una apariencia y sensación particulares. Entonces por aquí tenemos un montón de lotes diferentes que podemos aplicar. Entonces, pero lo que podemos hacer es empezar a andar en bicicleta por aquí. Hagamos esto un poco más grande. Además, el metraje es bastante lento para trabajar. Entonces una cosa que te recomiendo que mires es crear archivos proxy. Entonces, una vez que has corregido el color, disparas y estás empezando a recorrer en ciclo todas tus calificaciones de color. Ooh, eso se ve bastante bien. Por lo que ahora esta calibrada aplicada a u Capa de Ajuste y ahora se aplicará a todas tus tomas. Como dije antes, vas a tener que ajustarlo para conseguir ese look real de California o frío que estás cuidando, dependiendo de cuál sea el estado de ánimo y el tono de tu historia. Y debería tardar algún tiempo en ajustar todos los ajustes. Pero recuerda empezar con la corrección de color aplicada primero en todas tus tomas. Asegúrate de que funcionen en cada toma mirando los alcances de Dmitry y luego creando una Capa de Ajuste y agregando el grado de color para agregar títulos al final de tu película. Lo que vas a hacer es ir archivar nuevo título de legado. Entonces una vez que tus créditos se abran, lo que siempre puedes hacer es escribir lo que me gusta hacer aquí es más grande y eso es más pequeño. Y después teniendo esto centrado y también en un fondo mejor buscado. Por lo que puedes tener dos opciones diferentes de tus títulos o créditos apareciendo o aplicar ambas. Lo que podrías hacer es que puedes tener un desvanecido dentro y fuera. O puedes tener lo que se conoce como créditos rodantes. Para crear créditos rodantes, simplemente agrega tus dos columnas y luego asegúrate de alinearlo a la derecha y tenerlo algo en el medio. Copiar pegar eso, alinearlo al revés y empezar a añadir en tus nombres, ¿verdad? Una vez que hayas agregado todos los roles, los nombres de las personas que estuvieron involucradas, y los diversos departamentos. Lo que vas a hacer es que vas a abrir las opciones de rolar call en la esquina superior izquierda bajo el título. Y vas a seleccionar fila, iniciar fuera de pantalla y fuera de pantalla, presionar. Está bien. Porque eso arrastra y suelta los créditos a tu línea de tiempo. Y aquí es donde se puede ajustar la longitud y velocidad de los créditos rodantes. Pero ahora queremos que los créditos rueden en la dirección opuesta. Entonces, ¿cómo hacemos eso, verdad? Bueno, vas a tener que hacer clic aquí, anidado en su propia secuencia. Y a partir de aquí vamos a hacer clic derecho seleccionar velocidad y duración, revertir la velocidad, por lo que va en la dirección opuesta. Ahora para exportar tu clip, lo que debes hacer es seleccionar todo en tu línea de tiempo que incorpores dentro de tu producto terminado. Presionar i para n fuera. Para que puedas marcarlo ahí. A continuación, navega a File Export Media. Por aquí. Vamos a seleccionar H.264, que es el formato más utilizado en línea. Vamos a darle una tasa de bits alta y es tan fácil como ir a exportar. Pero antes de hacer eso, usemos la máxima calidad de render. Y por aquí, la configuración de bitrate también determinará qué tan alta calidad o cuánta información se está pasando a la exportación final. Una vez que hayas hecho eso, debes asegurarte de que tienes tu video final por aquí y entrar en el nombre de salida, seleccionar ubicación y pulsar Exportar. Ahora va a tomar algún tiempo para que los archivos se rendericen dependiendo cuánto tiempo y de la alta calidad que uses. Pero una vez hecho, debe ubicarse en esta carpeta. Ahí lo tienes. Has completado con éxito la edición de tu formulario, pero ahora es hora de que el mundo lo vea. Entonces veamos algunos métodos sobre cómo puedes marcarlo y distribuir tu teléfono. En nuestro próximo capítulo. 21. ACT V: Pyramind de marketing: Enhorabuena si cumpliste con éxito tu primer formulario. Y si aún estás en desarrollo, mantente enfocado y ten en mente la Envision a pesar de tener una espuma. Esto no significa necesariamente que el trabajo haya terminado. De hecho, podría ser sólo el principio y ahora es el momento de llegar a los ojos y oídos de las audiencias adecuadas de todo el mundo. Nadie va a ver tu teléfono si no lo saben, está ahí fuera. Este es el propósito de la comercialización y distribución. Es necesario manifestar una razón para que la gente se tome su precioso tiempo para verlo. Para esto, vamos a mirar a desarrollar nueva pirámide de marketing. Esto te ayudará si sigues intentando obtener financiación y apoyo para tu guión o si buscas asistir a festivales de cine. En la parte superior de tu pirámide está el título, la única palabra que se ajusta a todos, generalmente aludiendo a un símbolo de carácter o tema en tu imagen. Debajo de ese es tu eslogan. Y esto debería ser un eslogan Quirky o un eslogan que aclare una idea o cree un efecto dramático. Puede hacer referencia a una trama, experiencia, o frase en la película. Algunos grandes ejemplos son los Cazafantasmas a los que vas a llamar Tiburón. Nunca volverás a meterte en el agua. Monstru's Inc. nos asustamos porque nos importa. La realidad matricial es cosa del pasado. Debajo de esa es tu logline. Este es un breve resumen de tus conceptos géneros, historia, personajes, y trama, todo envuelto en una o dos frases. Una fórmula que suele ayudar es una, describe a tu protagonista con adjetivos fuertes para darle a tu protagonista un objetivo claro. Tres, intentaron aumentar las apuestas y por tratar de hacer uso de la ironía donde se pueda, algunos ejemplos, la matriz, un joven hacker informático a los servidores que nuestro mundo es una realidad virtual creada por máquinas inteligentes para esclavizar a la humanidad. Ahora, debe sumarse a las humanidades, luchar contra las máquinas y excepto su nuevo papel como líder de la resistencia. Bastante simple, ¿verdad? Señor de los Anillos, un joven Hobbit Frodo, que ha encontrado el único anillo que pertenece a Dark Lord Sauron, comienza su viaje con ocho compañeros a la montaña, El único lugar donde puede ser destruido. C te engancha enseguida. En las mejores líneas de registro se toman múltiples borradores y mucha experimentación. Por lo tanto, asegúrate de dedicar algún tiempo asignado a esto. Ahora abajo esta es tu sinopsis. El mejor modo de describir una sinopsis es que es un cuento corto para tu película. Enfocarse en el conflicto central. Usa visuales fuertes, justo en el tiempo presente. Resalta el género que usas. Describe tus personajes, personaje, arco, y cómo evolucionan. Trata de dividir la historia en tres a cinco párrafos y no seas tímido para incluir ningún spoilers. Debe ser una historia completa y redondeada para que los selectores del festival y los financiadores de teléfono, teléfono, teléfono para que lo pasen. Ahora entonces tienes tu pirámide de marketing para apoyar a tu firma donde necesita ir. Si lo has completado, veamos algún material de prensa que puedes incluir más para el comunicado de tu teléfono. 22. ACT V: material de comunicado de prensa: Material de comunicado de prensa, cartel. Esto no es en sí mismo, debe ser una obra de arte que llame la atención y suscite curiosidad. Debe contener el título de tu espuma e imágenes que mostraban a los personajes centrales a la historia. Alternativamente, también puedes incorporar otra iconografía que utilizas en la película y en el costo de tus papeles principales, tu tagline, y una fecha de estreno. Si tienes esos en la parte inferior de tu póster agregando algunos otros detalles de los directores, productores, escritores, Costas, diseñadores de vestuario, diseñadoresde producción y editores de la principal empresa de estudio productores, escritores, Costas, diseñadores de vestuario, diseñadores . Te recomiendo usar la siguiente diversión para este cartel de película alto, oscuro y guapo, o SF. Si filmes se ha estrenado un Festivales y, o has ganado algún premio, también puedes incluirlos en corchetes poco frondosos. Trailer, este debería ser un video de uno a dos minutos explicando la esencia de tu película. Debería ser una historia fuerte sola. Alimenta el apetito de tu público, lidera con tus mejores momentos, como intrigante diálogo y momentos destacados de acción, pero no des ningún spoilers que revelen tus actos finales. Identifica lo que hace especial a tu teléfono y resalta esos momentos. ritmo es todo en el comercio como tal, asegúrate de mantener un ritmo consistente a medida que te mueves entre los actos resumidos del pleno. El partitura musical que también haces uso es último pero no menos importante, uno de los elementos más críticos para tu tráiler. Efectos de sonido pesados como sentimiento cinematográfico, IDS también puede mejorar el trailer y se pueden encontrar fácilmente en línea. Es una gran idea realizar también una entrevista de mesa redonda organizada por un periodista con sus papeles principales, productores, escritores y directores, asegurarse de que se hayan formulado preguntas reflexivas. Por lo que se puede evocar una discusión orgánica en torno a los métodos de inspiración, actuación y producción y las esperanzas futuras del proyecto detrás de bambalinas. los grandes fans de tu proyecto cinematográfico también les gustará medir una sensación del arduo trabajo y esfuerzo que ingresó en la producción. Así que asegúrate de que de vez alguien pueda ser responsable de esto, para grabar lo que ha estado sucediendo en el plató alrededor la escena entrevistando a la gente y capturando el hacer de todo. Opiniones. Una forma de saber si tu película es tan buena como esperabas es también pedir críticas honestas a bloggers, escritores y otros periodistas, que luego podrás compartir. Si hacen el corte. ese momento ya sabes, qué necesitas para construir el zumbido y para que la gente se suba al Hype Train. Es hora de salir por ahí y examinar qué avenidas de distribución puedes tomar. 23. ACT V: distribución: Una vez que hayas compilado tu material de prensa, necesitas estrategizar campaña para tu película. Espuma de criatura como un negocio. Atraer la atención, crear el interés y el deseo, y hacer que la gente tome acción observándola. Suelta tu póster y tráiler mucho antes del lanzamiento y libera tus entrevistas y reseñas post-lanzamiento. Lo mejor para empezar es organizar un premier en tu cine local y vender entradas para eso. Invita a todo tu equipo de producción y pídeles que inviten a tantas personas como puedan. Y también es una gran idea enviar invitaciones a otros profesionales de la industria cerca de ti. Esto forja relaciones más fuertes con socios potenciales y crea oportunidades para futuros proyectos y colaboración. Una vez que te has vuelto local, Es hora de ir global. Y una de las mejores rutas es enviar tu trabajo a un sitio web llamado film freeway.com. Por aquí podrás postularte a más de 9 mil festivales diferentes. Te recomiendo crear un calendario anual de todos los festivales a los que te gustaría apuntar teniendo tu foto mostrada. Y he adjuntado uno aquí abajo. Pero tenga en cuenta que las fechas pueden variar. También, diferentes festivales buscan diferentes temas de géneros para su programa. Así que asegúrate de que tus trajes esto. No puedes tener tu comedia de acción mostrada en una conservación de la naturaleza de Festival. Los festivales también son fantásticos para atten, llega a ver formas increíbles por ahí que rara vez se escuchan. También conocerás a individuos de ideas afines con los que podrás mantenerte en contacto. Nunca se sabe si vas a ser un prestamista una mano o su producción o ellos prestándoles manos en tu producción. A partir de ahí, será visto por miles de ojos, más probable es que sea recogido por un distribuidor telefónico para hospedar en sus plataformas. Y esto puede ser cualquiera de Netflix show, max Hulu, Amazon Prime en cualquier otro. Una vez que hayas abierto las puertas, las oportunidades futuras pueden seguir. Así que asegúrate de tener una idea de cómo podría verse tu próximo proyecto si todo lo demás falla y tu proyecto no es recogido por festival a distribuidores, eso está bien. Hay YouTube y Vimeo, o siempre opciones para que consideres y puedes promocionarlo ahí. Nunca se sabe si se volverá viral. Y tu primera forma está ahí para que te familiarices con todo el proceso. Y justo por cierto, me estrecho cuando veo mi primer lleno. Por lo que siempre esperamos el futuro. La práctica hace perfecto. Así que dispara, edita y mira tantas películas como puedas. 24. ACT V: ¿qué continuación?: Chicos, este curso ha sido un placer absoluto enseñar y espero sinceramente que hayan aprendido mucho sobre el cine y la vida en general. Ojalá, la información que has ganado en la última hora y un poco, te daremos una mano de cabeza mientras entras al mundo telefónico con nuevos conocimientos, técnicas, y habilidades para aplicar, recuerda mantener siempre una mente abierta y buscar nuevas experiencias que inspirarán trabajo original e innovador con un mensaje fresco o nueva perspectiva que has ganado que te encantó comunicarte con el mundo. Nunca dudes del valor de tu integridad artística y persista siempre con los pacientes y la pasión. El dinero, la fama, el respeto seguirá después de eso. Entonces esto nos lleva al final del curso y me encantaría escuchar más sobre tus proyectos o incluso verlos. Entonces no seas tímido para darme un mensaje en Instagram, david dot Rashidun, IG. Siempre estoy aquí para prestar una oreja y en la mano. Lo que también realmente ayudaría es si dejas una amable crítica a continuación y recomiendas este curso a cualquiera de tus otras películas haciendo amigos. Y fundó útil y servicial. Hasta la próxima vez. Eso es una envoltura.