Narración en película: cómo usar la cinematografía para transmitir emociones

1. Introducción: Está bien, mira esa cámara, ¿verdad? La belleza es algo que puedes encontrar en una puesta de sol o en una playa. La belleza también es algo que puedes encontrar incluso en las cosas más oscuras. Me llamo Joe Simon, soy cineasta y director de fotografía. En la clase de hoy vamos a estar aprendiendo sobre cinematografía. Vamos a estar viendo el encuadre, la iluminación, y el movimiento de la cámara, y cómo eso puede traer emoción al trabajo que estás haciendo. Estaré caminando por algunos de mis pequeños proyectos y luego será tu trabajo salir por ahí y analizar tus películas favoritas y mirar la cinematografía. Podrás entonces ver cómo se hace en el mundo real y poder hacer mejores tus proyectos. Si le quitas una cosa a esta clase, será entender cómo el aspecto emocional de la cinematografía puede ayudarte en tu realización cinematográfica. Deberías tomar esta clase si eres cineasta. cinematografía es una gran parte de hacer una película y aunque quieras ser director o alguien más en el mundo del cine, entender un aspecto de la cinematografía te ayudará a hacer mejor tu trabajo. Aunque no seas cineasta, esta clase será beneficiosa si te gustan las películas. Te permitirá ver entre bastidores las formas en que utilizan la cinematografía para ayudar a contar historias. Estoy tan emocionado de que ustedes se hayan unido a esta clase, así que empecemos y descompongamos algunas películas. Está bien. Está bien. Vamos a almorzar. 2. Los motivos y métodos: cinematografía es más que simplemente crear una imagen bonita. Es entender por qué y cómo lo estás haciendo. Un aspecto realmente importante es que a medida que empezamos apuntar con una cámara a nuestro sujeto o como estamos apuntando a la cámara a cualquier cosa, podemos pensar que se ve genial. Podemos pensar que el encuadre es correcto, pero realmente no lo sabes hasta que empiezas a estudiar el cómo y por qué de eso. Vamos a descomponer un montón de diferentes aspectos de encuadre sobre por qué podrías enmarcar a alguien en la regla de tercios, o por qué podrías enmarcar a alguien de lado corto, o por qué podrías poner a alguien en una silueta usando diferente tipo de movimiento de cámara, hacer un disparo de dolly, hacer un cam-shot estable, o simplemente darle a la cámara ningún movimiento en absoluto y ponerla en un trípode. Se quiere tomar cada una de estas decisiones por un motivo. ¿ Por qué haces eso por esa película o esa historia o personaje? No sólo decir que tengo este nuevo gimbal, es realmente genial, déjame simplemente disparar todo con este proyecto en el gimbal. Quieres saber por qué estás usando esa herramienta para cada aspecto de esa película. Con esta clase, vamos a descomponer cada uno de esos. Algunas personas son muy naturales en la cinematografía. Surges en una familia artística y empiezas a ver cosas y empezar a fotografiar cosas, y eres capaz de hacerlo de una manera que sea agradable, pero tal vez no entiendas por qué lo estás haciendo de esa manera. Lo que quiero hacer hoy es pasarte por los elementos para que puedas entender por qué estás tomando esas decisiones. Porque cuando eres capaz de hacerlo con la información de, vale, necesito inculpar a alguien y hacer que se sienta aterrador, o necesito un encuadre a alguien y que se sienta incómodo o temeroso, entiendes los principios de eso y no solo dispáralo de la misma manera que le dispararías a alguien en una escena de amor. cinematografía es única en el cine porque estás creando la imagen visual. En general, el cine es una colaboración entre muchas personas, pero a veces si apenas estás empezando, puede que solo seas tú mismo haciendo eso. Entonces, entender lo que hay que hacer para ayudar a contar esa historia será realmente importante. Estás contando una historia visual, y quieres usar todo lo que tengas en tu capacidad dentro ese medio visual para ayudarte a contar esa historia. Entonces si es crear la iluminación adecuada o si es crear la composición correcta o darle el movimiento de cámara adecuado, quieres usar cada una de esas piezas para ayudar a asegurarte que la cinematografía que estás haciendo es contar esa historia. Entonces toma por ejemplo, si tienes un movimiento de muñecas y estás empujando hacia alguien. Están mirando hacia abajo, la cámara empuja y empuja hacia adentro, y luego miran hacia arriba y se puede ver en sus ojos, se puede ver su alma, se puede ver sus sentimientos. Es ese aspecto de poder crear esa emoción o tensión con el movimiento. misma manera si tuvieras ese mismo disparo y había un trípode y había un disparo más ancho más lejos. No vas a tener la misma sensación porque es un tiro más amplio y no estás viendo tan cerca como sus ojos, no estás viendo esa emoción. Entonces es realmente poder elegir visualmente lo que vas a hacer con la cámara y cómo lo vas a hacer, una decisión informativa, entonces puedes ayudar a contar esa historia. En primer lugar, vamos a empezar con el encuadre y la composición. 3. Encuadre y composición: En cinematografía, el encuadre es sumamente importante. Tu encuadre y composición le contarán mucho al espectador sobre de qué se trata la historia. Hay algunas piezas básicas de composición de encuadre que solo necesitas entender para asegurarte de que creas un marco agradable y equilibrado. Lo que les estamos mostrando aquí en este momento es una regla bastante básica de tercios tipo de imagen. Lo que es, es que está creando esta línea de rejilla para que tengas tu cuadrícula aquí en el marco, esa sería la regla de los tercios, y lo que estás creando es este equilibrio de simetría. Verás que tu línea de horizonte ahora mismo está en este tercio inferior, y luego en el tercio superior tienes la cima de esta montaña o el cielo. Generalmente cuando estás enmarcando, quieres colocar tu línea de horizonte en uno de estos tercios. Lo que eso hace es que crea una imagen equilibrada. Otra parte de regla de tercios en equilibrar tu imagen será donde coloques tus temas o tu talento. Como pueden ver aquí, tenemos nuestro talento sentado aquí mismo en esta tercera imagen inferior, tenemos nuestro agua aquí en el tercio inferior, y eso crea este marco equilibrado. Otro aspecto de equilibrar un marco y crear los tercios, es donde tenemos a nuestros sujetos colocar, se ve donde están mirando, su línea de ojos está mirando hacia afuera por lo que están mirando en todo este espacio negativo. Es algo muy importante tener, esta es una regla súper básica de tercios de imagen equilibrada, es que quieres que tu talento tenga el espacio negativo para mirar, porque todo este espacio negativo es información que pueden ver. Si fuéramos a voltear esto y teníamos nuestro talento, digamos que los pusimos aquí y están mirando de esta manera, se siente muy extraño, ¿por qué están al borde del marco? No es equilibrado, se va a sentir incómodo, se va a sentir extraño. En general cuando estás construyendo esta regla de tercios, simetría o encuadre muy básica, y es donde debes empezar para una imagen normal agradable. Con ese par de ejemplos, eso es mirar una imagen de 2.39, que es de pantalla ancha, algo que filmamos en lente anamórfica. La mayoría de los proyectos que estarás haciendo serán el 16 por 9 los cuales puedes ver aquí. Siguen aplicándose las mismas reglas, todavía estás haciendo esta regla de tercios imagen, donde estás dividiendo la pantalla en estos tercios, y quieres que las cosas se alineen generalmente en ese mismo espacio. Como se puede ver aquí, nuestra línea de horizonte está justo ahí en un tercio superior, este es un tiro en movimiento hacia este tractor, por lo que este tractor está aquí en estos tercios aquí. Si tocas el tiro, puedes ver cómo la cámara está empujando a lo largo de la hierba y cómo eso mantiene esa regla de tercios, y tienes todo este movimiento de primer plano dándote una imagen interesante. Creo que eso también es algo que es realmente importante en tu encuadre, es que quieres tener profundidad en esos marcos. Eso viene de algunas maneras, esto es usar una lente más ancha o empujar a través de la hierba en el primer plano inferior, pero este movimiento de primer plano te da esa sensación de que estás viajando una larga distancia. Entonces cuando tocas esto, puedes ver toda esa hierba moviéndose por el marco y dándote esa profundidad e interés dentro de él. Cada vez que empiezo una toma, miro mi espacio, miro mi escena y veo, “Está bien, ¿cómo puedo crear un marco equilibrado?” Yo juego con la cámara, tú la audicionas, vas de izquierda a derecha, arriba y abajo, y ves qué se siente bien. No quieres solo sacar una cámara y luego empezar a disparar, realmente quieres pensar, ¿cómo va a funcionar esto? Entonces más allá de eso, ¿cuál va a ser la siguiente toma? Que disparas y cómo puedes asegurarte de que estás coincidiendo con la forma en que funcionan esos marcos. Si miramos este tiro de este tipo, el granjero, saliendo de su casa, sale y luego le cortamos entrando directamente en la camioneta. Con ese marco, si lo respaldas, lo tienes saliendo de la casa, casi centro de marco, costumbre aquí, entrando en el camión, y luego está otra vez el camión, todavía de este lado de la marco del que acabamos de venir , aquí mismo, todavía en la misma región, así que eso es clave que quieras asegurarte de que todo esté alineando. poco te vas a cortar, coincide, no es jarring porque si lo teníamos camino por aquí en la casa y luego cortamos al siguiente tiro por aquí, y luego está por aquí, se va a sentir un poco salteado. Lo mismo con meterse en el auto. Quieres pensar en todos tus cortes y también en la forma en que enmarcas cada uno de esos cortes para asegurarte de que coincidan. Ahora que tenemos una comprensión básica de la regla de los tercios y el encuadre, podemos hablar de revestimiento largo versus revestimiento corto. El marco se tira hacia arriba ahora es básicamente encuadre tradicional y se llama revestimiento largo. Es poner a la persona en el lado más lejano del marco, y estamos viendo la dirección de donde están mirando. El espacio negativo en general guarda toda la información de su marco. Qué tipo de parece al revés porque el talento está aquí. Esa es la información. No, el talento es lo que estás viendo, pero ¿cuál es tu talento viendo? ¿ A qué está mirando este personaje? Esa es esta información que está justo fuera de pantalla. Este es un punto en el que estás enmarcando, puedes sostener este disparo, digamos durante 30 segundos, y no puedes decir lo que esa persona está mirando. Pero como espectador todo el tiempo que estás pensando es, ¿qué está mirando? Muéstrame esa cosa. Al no mostrar ese siguiente cuadro, puedes mantener la atención de esa persona, puedes mantener su ansiedad en marcha porque no se la estás mostrando. Este tipo entra a un bar, es bastante sencillo, entra a este bar, parado aquí, todavía mirando alrededor, cortamos, lado largo y mirando alrededor, entra un tipo, silueta oscura, otra vez, es todavía largo lado también, tenemos todo el espacio que está mirando. Qué revestimiento corto es, es cuando estás haciendo que alguien mire el borde del marco. Aquí en esta película, que se llama Angus and the Boys, esta es una escena donde se está acumulando mucha tensión y alguien acaba de entrar a este bar que va a romper su portada. Este tipo está ahora, nuevo, todavía estamos en la regla de los tercios aquí. Pero lo que está pasando es que lo tenemos de lado corto. Por lo que en este punto, toda su información está de vuelta aquí. Con toda la información aquí, se puede ver que está mirando al borde del marco así que en este punto, lo que estás tratando de crear es, ¿va a entrar algo a este espacio? ¿ Alguien va a entrar y hacer algo, o simplemente estamos tratando de que se sienta incómodo? ¿ Qué haces con ese encuadre? El motivo por el que estamos haciendo esto, y si miras el marco que tiene ante sí, es que naturalmente está mirando hacia su hermano que está parado por ahí. Cuando cortamos con su hermano, él es de lado corto, y la razón por la que estamos haciendo eso es que el hermano mayor es un tipo malo y el hermano menor es el tipo bueno. En este punto, queremos que todos piensen así: “Está bien, es normal, se siente bien, no pensamos en él como malo o malvado, solo es un personaje normal”. Pero queremos que ya pienses en este tipo como la mala persona en esta película y esa es una forma sutil de hacerte sentir eso, es por corto apartarlo y ponerlo ahí en ese lugar. No sólo está ahí esta señora entró al bar, eso está tratando de encontrar a su hijo secuestrado, quien este tipo secuestró, a quien este tipo secuestró, así que queremos hacerte sentir incómodo, como, bien, malo, él es el que hace lo malo a este chico que está en ese bar ahora mismo. Con esta imagen aquí, sigue en la regla de la tercera, está justo en esta línea, pero está mirando al borde del marco, por lo que a esto se le llama revestimiento corto. En lugar de que ella pueda ver toda esta zona aquí dentro, está mirando el borde. Lo que esto crea es una composición muy incómoda, y en esta película, está a punto de ser tomada por una mala persona. Por lo que queremos crear un marco que haga que la gente sienta ansiedad y miedo, y por ella mirando el borde del marco, lo hace inconscientemente. No es como, “Mi caray, mira este marco, es una locura”. Simplemente subconsciente de muy bajo nivel hace que la gente se sienta divertida, sobre todo en el hecho de que este marco corta desde aquí, y cuando cortamos al otro marco, la otra persona también está mirando hacia otro lado. También están mirando hacia el borde del marco aquí, así que tenemos todo este espacio negativo detrás ellos que simplemente se siente incómodo porque está vacío. Este será un marco de revestimiento corto donde está equilibrado, pero se siente incómodo y raro. Esto lo haces para crear tensión, para crear ansiedad, para crear miedo. Entonces en esta escena donde alguien está siendo llevado de nuevo, por eso haríamos eso. Hablemos de lentes. La elección de lentes es muy importante. El largo de la lente que usas, así digamos 24 milímetros frente a un 70 milímetro, va a hacer que tu sujeto se sienta muy diferente. Tus ojos ven a lente de 50 milímetros, y así a medida que caminas por ahí en la vida cotidiana, eso es lo que estás viendo. Pero una cámara no ve tan amplia como ven tus ojos, tenemos una vista periférica muy amplia versus una cámara tiene una vista bastante estrecha en una lente de 50 milímetros. Con eso dicho, mucho de lo que hago es filmar entre 24 milímetros y 50 milímetros. Para mí eso es un buen rango que si estás disparando a la gente como sujeto, va a hacer sentir que estás ahí con ellos, lo que se llama cine subjetivo. las cosas que tienes que darte cuenta de las longitudes de las lentes es que si estás disparando, digamos con una lente de 25 milímetros, y te metes realmente en la cara de alguien, les va a dar distorsión, lo va a hacer sentirse un poco incómodo. Eso podría ser adecuado para el tipo correcto de historia que estás contando, como si se trata de una comedia, y quieres tener la cámara realmente en la cara de alguien para hacer algo gracioso, o si es una película de miedo, y realmente quieres conseguir la cámara en la cara de alguien, y hacer que se sienta distorsionado y desorientador. Pero para el cine normal del día a día, si tomas una lente de 24 milímetros y haces un primer plano medio sobre alguien, se va a sentir incómodo, así que realmente quieres pensar en la lente que estás usando. Ahora en este marco de aquí, esto sería alrededor de una lente de 50 milímetros que estamos viendo. Esto es anamórfico, por lo que con una lente anamórfica, es un poco diferente, tienes un marco más ancho. Pero se puede ver que en una lente de 50 milímetros, hay un par de cosas que suceden. En su cara, tenemos compresión, por lo que la compresión de la lente en una lente más larga es más halagadora. En una lente de 25 milímetros, va a hacer que la cara de alguien se vea mucho más larga. medida que vas a una lente más larga que comprime los rasgos faciales, así digamos como una nariz, o la longitud de su cara se vuelve más corta y más comprimida con una lente más larga. Otro aspecto del mismo va a ser el trasfondo. Entonces el fondo que obviamente tienes en una lente más larga, va a comprimir el fondo. Por lo que este fondo se va a sentir más cerca la persona en una lente más larga versus una lente más ancha. Si nos desplazamos, digamos hasta aquí, esta es una lente ancha ahora, ahora estamos a 24, ahora esta cascada está bastante lejos de ella en esta lente, y lo que eso hace es que te da obviamente una visión más grande, una mirada más grande a lo que estás viendo, pero también hace que las cosas se sientan más alejadas de alguien. Esos son los principios básicos entre una lente ancha y una más ajustada. Si entras en acción, deportes, o una persecución de autos o algo por el estilo, una lente más ancha va a hacer que todo se sienta como si se estuviera moviendo más rápido. Si miras a este tipo montando la bicicleta aquí, estamos usando una lente ancha para que se sienta como si estuviera volando por nuestra zona. Lo mismo con los disparos del coche, usamos una lente más ancha para que parezca que el auto está volando más rápido. Si ven este disparo aquí mismo, estamos usando una lente de 20 milímetros y hace que el auto parezca que solo está volando. Si yuxtapone eso con el inicio de la misma película, estamos usando una lente más larga y hace que el auto sienta que va más lento aquí mismo. Ese disparo, estamos usando una lente de 50 milímetros. Todo de nuevo está comprimido, todo el fondo, este fondo está comprimido a este auto, por lo que se siente que no estamos tan lejos, lo mismo con la carretera. Esa lente más larga te da ese efecto y a medida que se construye la historia, obtenemos lentes más anchas, movimiento más rápido, haciéndola más emocionante. Hay una razón por la forma en que lo rodamos todo el camino, para construir esta edición de una manera que va a crear emoción. Por lo que empezamos despacio al principio, más tiros comprimidos, disparos movimiento más lentos, y luego entramos tomas más rápidas y lentes más anchas hacia el final para crear esa emoción. Hablemos de una cinematografía subjetiva versus objetiva. Una vista subjetiva o un punto de vista es cuando estás con alguien, así que estar en la misma habitación, estar en el mismo auto, se siente como si fueras parte de la conversación. El cine objetivo sería fuera de la escena o situación así que está en una lente larga, tiro realmente amplio, ves a alguien muy abajo en un campo por sí mismos, eres un forastero mirando adentro, lo que sería un punto de vista objetivo. Al mirar esta escena rápida de autos, este marco aquí mismo, esto es muy objetivo, estamos viendo a estas personas desde afuera. Al jugar esto, se puede ver que están conduciendo su auto, los estamos viendo desde afuera, aún aquí, esto es objetivo, estamos mirando desde afuera hacia adentro. Versus, entrar dentro del auto con ellos justo aquí, ahora se siente que somos parte de la conversación, estamos justo aquí con estos tipos, esta es una lente más ancha, estamos en el auto, estamos viendo su conversación, estamos viendo sus emociones. Se puede ver que hay formas muy diferentes de hacerlo, y la forma en que podrías usar subjetivo versus objetivo es cómo estás tratando de contar una historia. Entonces digamos para esta escena de autos, estamos introduciendo el auto, estamos introduciendo el paisaje de donde están pasando el rato estos dos hermanos, pero luego entramos al auto con ellos para que veas sus emociones y veas qué lo están haciendo. Se hace con ese propósito. Ahora que hemos caminado por la composición de encuadre, es hora de pasar a la iluminación. 4. Iluminación: Es hora de hablar de iluminación. La iluminación para cinematografía se puede hacer de muchas maneras. Cuando digo iluminación, esto aplica a usar luz natural y en qué dirección estás usando la luz para trabajar o configurando accesorios como iluminación o podría estar entrando en un lugar natural con lámparas prácticas, pero elegir dónde colocar esas lámparas o elegir dónde colocar tu talento. iluminación es la forma en que la luz cae a través de la cara de la persona o a través de la ubicación. En general, para la iluminación, me gusta tomar un enfoque naturalista, y naturalista en el sentido de que quiero un espacio para sentirse natural a su entorno. Pasé mucho tiempo solo mirando por los espacios, cuando estoy en un restaurante o salgo caminando por la calle o en el espacio en el que estoy, miro cómo cae la luz de forma natural. Es algo que debes empezar a hacer porque eso realmente te informará cómo encender una escena cuando llegues a una escena que tiene un lugar similar. Digamos que estás en un restaurante y es por la tarde y hay algunas ventanas realmente grandes en ese lugar y ves la luz fluyendo y ves la forma en que cae a través de las caras de las personas y las sombras que crea y el hotspots y reflejos especulares que crea, le prestas atención a esas cosas y luego tratas de recrear en la vida real. Hay dos cosas grandes a las que me gusta acercarme cuando enciendo o dos formas que me gusta iluminar, creo que tendrías que hacerlo lo más simple posible o lo haces lo más elaborado posible. A veces cuando uno cae en medio del mundo, simplemente empieza a sentirse demasiado falso y demasiado forzado, por lo que normalmente, si sólo tienes a ti mismo y a unas cuantas personas, intenta mantenerlo lo más simple posible para iluminar la escena como necesites que se encienda. Ahora, uno de los primeros principios de los que quiero hablar se llama iluminación de tres puntos, es muy, muy básico, es la forma en que se encendería una entrevista, es la forma en que se puede encender un talento y prácticamente cualquier espacio. Es un lugar para que empieces, pero definitivamente no es algo que tengas que hacer, no es como, me gusta la gente con tres fuentes de luz en todos los puntos, siempre cambia dependiendo de mi entorno. Algo más para pensar en la iluminación es el estado de ánimo que estás creando, ¿por qué está pasando el personaje en ese momento? ¿ Es una historia triste, es una historia de miedo, es una historia feliz, y usar tu iluminación para ayudar a realzar ese momento para ese personaje o historia. Entonces la imagen que estamos viendo en este momento es un tipo entrando a un bar, ahora estamos filmando esto durante el día, así que el bar está cerrado, así que esto te da un poco de libertad para que realmente se vea como tú quieras. Un par de cosas que notar aquí y él entra en la iluminación de tres puntos, así que les voy a mostrar de dónde vienen estas fuentes antes de ir al cierre y mostrarles la iluminación de tres puntos. Tenemos esta puerta, donde tenemos luz entrando por este espacio de aquí, este es un aparato, se llama M18, se estaban poniendo aquí para empujar la luz por la ventana. Entonces esto nos está dando nuestra fuente de luz diurna. Esta es también 5600 temperatura de color, y eso es color de luz diurna, así que temperatura Kelvin, tienes 5600. Ahora adentro, todas estas otras luces que estás viendo y por todas partes aquí en el resto de la habitación, estas son 3200 y 3200 es del color de la iluminación de tungsteno. En la toma, se puede ver que es luz del día porque tenemos toda la luz del día entrando en esta ventana, por lo que dejándola esa temperatura natural. También tuvimos este gran punto culminante que estamos creando en el suelo y tu ojo está dibujado, nuevo mientras hablamos en encuadre, esto está creando estas líneas visuales, este tipo está entrando en el bar, él está llegando a esta posición aquí y las líneas lo están llevando a ese espacio. Tenemos esta luz, también tenemos una configuración de luz por aquí que también es 3200, él va a entrar, es una gran luz suave, esa va a ser su luz clave. Pero luego quieres asegurarte de que tengas luz de fondo, así que tenemos luz de fondo aquí, luz de fondo aquí, todos estos que nos ayudan a darnos textura en nuestra escena. Si esas luces estuvieran apagadas, el fondo sería muy plano y nuestro [inaudible] también simplemente se mezclaría con el fondo, por lo que necesitas tener una luz de fondo. Para que puedas ver en su cara justo aquí, hay luz golpeándolo desde aquí, creando así un borde en nuestro propio personaje a lo largo de su brazo, y luego las luces traseras detrás de él consiguen un poco de textura al fondo para dar una separación. Entonces solo en general, solo principios básicos de iluminación, quieres tener una fuente de luz que sea, una, iluminar tu personaje, así que tenemos esa luz de borde. Dos, quieres tener alguna fuente que te muestre tu hora del día o ayudando a construir esa ubicación fuera, que va a ser nuestra luz del sol entrando así como nuestras luces de fondo de tungsteno. Entonces nuestra tercera cosa va a ser nuestra luz clave cuando entre en ella. Entonces si tocas esto, puedes ver que está entrando, entra en esta luz clave que luego enciende esta cara aquí y luego entramos un poco de más cerca y disparamos donde voy a delinear la iluminación de tres puntos sí mismo. Ahora, en general, digo que cuando empiezas por primera vez, es bueno conocer estos principios de iluminación de tres puntos, pero no es algo que yo quiera asegurarme de que siempre pasa, como dije antes, es algo que a veces sucede en mi trabajo, pero muchas veces podría ser solo dos fuentes de luz, solo depende de la escena y cómo quiero que se sienta natural. Entonces lo que estamos haciendo aquí en esta escena es, tenemos nuestra luz clave, que está por aquí, esto es lo que llamamos un Kino Flo, es un cuatro de Kino Flo pasando. Creo que en este punto teníamos un paño de media rejilla, así que es un fixture que mide unos cuatro pies de largo, apagando muchas fuentes, pasando por una fuente de ablandamiento también, así que estamos usando el trapo de difusión frente a ella y esto está creando nuestra clave. Se puede decir que es suave, porque si miras aquí su sombra de nariz, esta sombra es suave, no es como una sombra dura en su cara. Ahora también tenemos nuestra segunda luz, así que esta es la luz uno, que es nuestra clave, por lo que necesitas tu luz clave. Ahora nuestra segunda fuente va a ser nuestra luz de borde aquí, que se puede ver, que está iluminando su borde y eso viene de esa luz de ventana que vimos antes. Pero en este punto, no es tan difícil como vimos antes, en la imagen que te mostré la última vez, ve una luz dura entrando. En este punto, lo ablandaste para que no sea demasiado distrayente, si una luz está retroiluminando a alguien y es demasiado de un halo en ciertas escenas, puede parecer simplemente exagerado, quieres hacerlo lo más natural posible. Entonces aquí ablandamos la luz para asegurarnos de que no fuera demasiado duro, así que esta es nuestra luz de fondo. Entonces la tercera luz será el relleno, así que el relleno es todo golpeando este lado de su cara aquí, por lo que entra la luz de relleno, que no hay mucho, pero hay un poquito. Porque una cosa que hay que recordar es que si tienes cero relleno en un espacio oscuro, entonces probablemente tendrás demasiado alto de una relación de contraste. Por lo que para que su piel se presente en la cámara, hay que tener un relleno. Pero lo que usamos aquí es solo un tablero de cuentas muy simple, un beadboard es un cuadrado cuatro por cuatro y básicamente es algo que puedes comprar que como una tienda de hobby. Es como un núcleo de espuma, es lo que lo llamarían en el mundo real, pero en el mundo del cine lo llamamos un beadboard, y un beadboard crea un bonito rebote suave. El otro aspecto cuando estás haciendo iluminación en general es, con la escena y esto siendo un drama o un thriller y él está en un bar oscuro, quieres asegurarte de que se ajuste al entorno en el que está, y así este entorno que es en, esto tiene sentido por qué está encendido de esta manera, se quiere tener ese contraste. Otro aspecto realmente importante de la iluminación es la iluminación exterior y cómo te acercarías a eso. Creo que la mayoría de las personas que están en una situación de banda de un solo hombre o un equipo más pequeño, mucho tiempo estás afuera y estás tratando de que la luz funcione mejor para ti. Hay dos principios clave que quiero hacerte saber y pensar para asegurarte de que la próxima vez que hagas esto tengas éxito. El primero es la hora del día que estás disparando, es realmente importante disparar cuando la luz en el cielo está por debajo de los 40 grados. Hay mucho de este sol buscando apps que básicamente te permite ver dónde estará el sol en el cielo. Entonces cuando vas y exploras tu ubicación, puedes ver lo alto que irá el sol. Entonces en verano, el sol va a estar en un ángulo mucho mayor porque es verano. Por lo que puede que sólo tengas de dos a tres horas por la mañana, dos a tres horas por la noche cuando el sol será un ángulo óptimo para darte una luz agradable. En invierno, tendrás mejores condiciones porque el sol nunca va tan alto. Ahora, cuando estás planeando tu sesión, quieres intentar programar cosas afuera por las mañanas o por las noches, medio día, el sol está tan alto que lo que hace es crear una sombra de arriba en alguien, eso es realmente poco favorecedor. Lo mismo para todo tu fondo, la luz en el fondo será muy dura y sobrecarga, en lugar de crear sombras más largas y tener más rayas de luz que serán mucho más agradables. Si le echas un vistazo a esta escena aquí con estas chicas, notarás que todo aquí está retroiluminado y si lo toco para ti, puedes ver que siempre estás teniendo la luz apagada a la parte trasera de ellas y detrás de ellas, pero también la se ilumina en un ángulo de menor grado que lo hace más halagador. Se puede ver incluso aquí en el suelo, estás teniendo estas rayas de luz entrar, detrás de ellas, las sombras son muy largas y lo hace más agradable. Pero también al mantener la luz detrás de ellos, te permite no tener tonos de piel realmente duros en su cara y además te da contraste automático. Entonces si miras aquí su cara, la luz está regresando de esta manera y nos da este contraste en el costado de la cara, lo cual es más agradable. Si la luz volviera en dirección opuesta, se sentiría muy plana y no tendrías contrastes ni profundidad en absoluto. Esto es algo que hago todo el tiempo y si miras tus películas favoritas o trabajo que amas, siempre verás que la luz está detrás del sujeto o apagado detrás del sujeto por 45 grados. Entonces, básicamente, si este es tu tema y estás filmando esto, estás filmando el tema aquí, quieres tener la luz detrás de ellos en algún lugar a menos de 45 grados detrás de la persona misma o del auto o lo que sea eres filmación. Si vuelvo a jugar a través de esto un poco más, ya verás, la luz sigue estando lejos de su cara. Siguiente tiro, lado lejano de su cara, siempre se está guardando de ese mismo lado para darte esa mirada. Otra cosa que obtienes cuando disparas con el sol detrás de ti es que los árboles, toda esta zona de aquí son más oscuros. Por lo que te da más separación de tu talento al fondo versus de nuevo, si la luz viene del frente y viene hacia la propia gente, todo esto será súper brillante en el fondo y luego se va para entrelazarse con el fondo, por lo que no hay separación. También notaría que todas estas cosas que se están disparando aquí, solo estamos usando un beadboard cuatro por cuatro, dando un poco de filtro las caras, pero no usando nada grande, esta fue una configuración de arma bastante corrida de nuestro propio rodaje aquí. Ves, tienes un poco de relleno en sus caras solo con un tablero de pan, eso es todo lo que estamos usando, y lo mismo aquí. Aplican todas las reglas, es muy importante, mantener el sol detrás de las personas y disparar a la hora correcta del día. Aprender a encender toma práctica, definitivamente es un tipo de situación de ensayo y error. El mejor modo de hacerlo es tomar una captura de pantalla de una película que amas o del trabajo de alguien que amas e intentar replicarlo en casa. Encuentra una habitación similar, ya sea fuera o dentro, lo que sea que vaya a ser e intenta configurar la iluminación para que coincida. Esta es realmente la mejor manera de aprender, puedes configurar luces y simplemente jugar a tu alrededor también. Pero es mucho más fácil mirar el trabajo de otra persona y tratar de imitar eso al principio antes de entrar en sus propios empeños creativos. Porque entonces puedes ver lo que han hecho, lo que está funcionando, lo que no está funcionando versus solo hacerlo tú mismo y no entender los principios de cómo cae la luz sobre la cara de alguien. Cometerás errores y tendrás fracasos, solo es parte de aprender y creo que es realmente importante fallar, porque por las fallas que tienes, realmente entenderás cómo hacerlo bien la próxima vez. Estas son solo algunas pequeñas piezas de iluminación, podría literalmente hablar de iluminación durante semanas porque hay tanto involucrada en crear el tipo de luz adecuado para diferentes situaciones, pero este será un gran punto de salto para ti y si puedes entrar y practicar estos pasos y hacer algunos fracasando y hacer algo de aprendizaje, entonces lo estarás haciendo muy bien. A continuación, vamos a saltar al movimiento de la cámara, así que aquí vamos. 5. Uso del movimiento de cámara: Hablemos del movimiento de la cámara. El movimiento de cámara es extremadamente importante para lo que estás haciendo como director de fotografía. Cómo mueves la cámara y cuando no mueves la cámara, dice mucho al público, tanto sobre el personaje sino también sobre la escena. Creo que es fácil como cineasta principiante entrar en este papel y solo querer mover las cámaras por todo el lugar. actualidad, los gimbals son súper baratos, la tecnología es súper barata en general por lo que podrías poner una cámara en un gimbal y solo querer disparar todo de esa manera. Pero es realmente importante entender por qué estás moviendo la cámara y es que se está agregando a la escena o se le quita de la escena. Creo que el tema más grande con el que te vas a encontrar es un espectador distrae al público por la forma en que se mueve la cámara, los vas a sacar de la historia y eso es lo último que quieres hacer. Sé que yo mismo como joven cineasta, moví la cámara todo el tiempo. Estaba o en la leva de deslizamiento, que es herramienta antigua en este punto, o estaba en algún deslizador y la cámara estaba constantemente simplemente moviéndose de ida y vuelta. Pero cuando empecé a aprender más, empecé a usar un trípode tanto como pude. Porque todo ese tiempo durante la escena y quieres que la acción o la historia se lleve a cabo frente a la lente y que eso cuente la historia, en cambio la cámara tratando de contar la historia. Entonces, desglosemos algunas herramientas diferentes que puedes usar y por qué y cómo usaría esas diferentes herramientas en diferentes escenas. Yo diría en general que usar palos o un trípode, quieras llamarlo, es probablemente tu herramienta más importante. Me acerco a cada escena que si no necesito mover la cámara, no mueva la cámara. Mucho del trabajo narrativo que hago, las películas, las que te he mostrado hasta aquí, como Angus y los chicos son marea baja, mucho de esto solo en trípode porque no tiene sentido mover la cámara. Quieres dejar que la historia se desarrolle, deja que la conversación se lleve a cabo sin que la cámara sea distracción. Entonces permítanme mostrarles un ejemplo rápido de eso. Entonces si miramos la marea baja, salimos de un montaje. Es un montón de corte rápido y te voy a mostrar un poco ese montaje para que puedas hacerte una idea de cómo todo esto corta juntos, porque eso es obviamente importante es de tiro a tiro, cómo funciona. Para que se pueda ver un montaje y es un divertido montaje de esta pareja divirtiéndose y es un flashback de su vida y de lo que habían estado haciendo. Todo eso es de mano. Se trata de una sección de mano porque muestra la emoción y la diversión que están teniendo y así la cámara en movimiento, se siente como si estuviera viva y es con ellos. Yo notaría que estamos usando todas las lentes más blancas es un disparo muy subjetivo. Entonces lo hace este montaje, nos divertimos con ellos. Después entra en una dolly lenta. Al igual que nosotros dolly con ellos, los estamos trayendo a esa siguiente escena, los está empujando al swing set en esa escena. Entonces a medida que entramos en la conversación, la cámara se bloquea en trípode ya que tenemos que esa conversación tenga lugar. Entonces solo lo tocaré desde aquí de ti. Entonces ven este es el montaje todo de mano. Se pueden ver los movimientos de la cámara inteligente que tienen lugar. Divertido, emocionante, útil, auténtico es una palabra que se lanza mucho por ahí últimamente, pero da una sensación auténtica donde estás. Entonces verás que nos desvanecemos de esta escena y entraríamos en una escena de muñecas. Un dolly es una bonita introducción a la cámara moviéndonos suavemente con ellos a la escena de swing sets en sí. Entonces ellos mayormente sobre allá tienen una conversación. Entonces ves que solo empezamos a hablar aquí y es solo en la conversación, eso es todo lo que se lleva a cabo en este punto es que no hay cámara moviéndose alrededor de ellos, ni muñecas, nada, es sólo dejar que esa historia se cuente a sí misma. Estás enfocado en lo que es la historia, en lo que está diciendo la gente. No estás siendo molestado por la cámara constantemente moviéndose de ida y vuelta o cortando estamos dibujando parte del movimiento. Entonces te has centrado puramente en lo que está pasando y creo que eso es importante. Si no necesitas mover la cámara, no muevas la cámara. Deja que la historia se desarrolle frente a la lente. Entonces hablemos un poco de un tiros de muñecas o de un tiro de gimbal. Son bastante similares y son un poco diferentes, pero están haciendo lo mismo. Ahora, dolly shot es como un trípode. Está bloqueado, pero también se mueve, así que es un poco más suave. Una leva estable o un tiro de gimbal es un poco más libre de movimiento, pero aún así tomas de seguimiento muy suaves con un personaje. Ahora, la razón por la que usarías alguna de esas cosas, una dolly o un gimbal es un par de cosas. Uno, estás introduciendo una escena o un lugar. Estás siguiendo a un personaje. Entonces la cámara se mueve con el personaje, así que la usas para seguir a esa persona. O tal vez es una transición fuera de una escena y estás dejando un lugar. Ahora, con este ejemplo de aquí, este es el rodaje inaugural de esta película llamada Todo es un sentimiento. Lo que estamos haciendo es revelar nuestra ubicación, nuestro talento, y lo que está sucediendo en una sola toma. Para ello, necesitábamos usar un gimbal. Esto es básicamente un tiro de dolly out para revelar. Entonces si jugamos esto, ya verás que estamos empezando aquí en el faro, empiezas a decir, es una motocicleta. Cuando estás viendo, es como, hay una persona en un estacionamiento oscuro en una motocicleta. Por lo que estás empezando a recibir toda esta información, no es realmente lidiando con un trípode, podrías haber tenido un disparo en el faro y luego cortarte a un disparo más ancho y un disparo más ancho. Pero no va a ser tan suave como revelar como hacerlo con el gimbal. Por lo que usar el gimbal o leva estable, es una gran manera de introducir un personaje, introducir una ubicación, lentamente revela toda esa información. Tan gran uso de esa herramienta. También podrías haber hecho algo similar, digamos con una inclinación hacia abajo, tenías como un tiro de trípode ancho y comienzas con el cielo y te inclinas hacia abajo en la escena. Entonces si no tienes el presupuesto para un gimbal o dolly, puedes salirte con la tuya de otra manera. Se puede revelar una escena con una inclinación hacia abajo o una panorámica sobre. Ahora, otras partes de esta película que usamos un gimbal es cuando estamos rastreando. Entonces estamos haciendo algunos disparos de motocicleta, estamos rastreando conduciendo su motocicleta. Hubiera sido realmente difícil prescindir de un gimbal porque un portátil sería un poco demasiado inestable y sin el gimbal, es demasiado difícil disparar fuera de un vehículo en movimiento. Por lo que puedes ver aquí de nuevo es una gran razón para usar esa herramienta porque entonces podemos mostrarla manejando la motocicleta y conseguir unas tomas de seguimiento suaves. Ahora, déjame mostrarte otro tiro de gimbal, gimbal cam estable. Por lo que solo para que la gente lo entienda, una cámara estable es básicamente un tipo de dispositivo más antiguo que se utiliza para mover una cámara. Ambos están haciendo lo mismo, solo se ve un poco diferente dependiendo del tipo de proyecto que estés filmando. La mayor parte de mi trabajo se hace en un gimbal porque es rentable. Las películas de estudio más grandes que verás en las películas son en su mayoría usando levas estables porque le tiene una sensación más orgánica, pero también es más caro tener esas tomas. Esta escena puede explicar por qué la usamos como mamá está muy ocupada, su vida es muy caótica, y está tratando de escribir a estos chicos algunas notas y algunas instrucciones para cuando va a estar fuera de la ciudad. Entonces está saliendo de la ciudad, está escribiendo las notas, está tratando de tomar una llamada telefónica. Todo esto está sucediendo al mismo tiempo. Entonces en lugar de usar un trípode o ir de mano, estamos usando el gimbal para seguir por ahí hasta esta sala y hacer que se sienta como si estuviéramos girando por la habitación, haciendo que la película sea más caótica y desorientadora. Entonces verás entrar a la chica, estamos con la mamá, luego le cortamos a la chica, y ahora ella se va, es cuando todo el caos empieza a suceder. Seguimos por ahí, recogemos a la mamá aquí y estamos dando vueltas con la mamá, ella está escribiendo notas. Seguimos dando vueltas a la otra chica. Entonces es una toma en movimiento constante al igual su vida es igual que en constante movimiento y caótica, y ayuda a vender eso al público para nosotros sólo teniendo una toma estática de eso o un disparo de mano. Elegimos eso específicamente para ese tiro. Entonces creo que es pensar en cada escena, pensar en cada persona que estás siguiendo y cómo puedes hacer que se ajuste a la historia. Vamos a sumergirnos en la mano. Handheld va a ser la forma más rentable de disparar, pero también la forma más rápida de disparar. Quieres asegurarte de que estás disparando de mano por la razón correcta. Pero para mucha gente, podría ser la única forma de disparar porque tal vez no tengan palos, quizá no tengan un gimbal, quizá no tengan nada más que usar en el proyecto. Pero al mismo tiempo, asegúrate de que lo estás haciendo de la manera correcta. Definitivamente hay un portátil donde está realmente inestable y hay un portátil que está mucho más estabilizado y pensado. En realidad nunca hago imágenes súper temblorosas a menos que sea para una escena determinada, es una escena de guerra o una persecución de autos o lo que sea y quieras agregar un poco más de emoción a la vibra. Pero en su mayor parte, realmente estoy acunando mi cámara. Lo estoy sosteniendo bastante apretado a mi cuerpo, así que es parte de mi núcleo. Ese tipo de disparos de mano lo hace sentir más natural y orgánico, no es como una cámara temblorosa. Si estás usando una DSLR y la estás sosteniendo en tus manos así y estás tratando de filmar, se pone bastante inestable, frente a si estás usando, digamos, un monopié. Sigo considerando una realización de películas de mano monopie porque un monopie está conectado al suelo, pero realmente lo estás sosteniendo en tus manos. Pero al sostenerla y acunarla con el monopié, al menos te da material de relleno más suave, se siente más natural para las imágenes de mano que las imágenes de mano temblorosas. Cuando te metes en usar cámaras más grandes, su mayoría disparo con un mini ALEXA, es una cámara más grande, usaré algo llamado un aparejo fácil. Es este artilugio el que viene por encima de tu cabeza. Es ridículo. Eso tiene un cable que se conecta a la parte superior de la cámara. Ayuda a estabilizar la cámara para que luego pueda sostener la cámara y ser cuna ella. Pero el corsé viene de arriba, en lugar de un monopié que viene de abajo. Pero me permite luego usarlo y realmente conseguir metrajes de buen aspecto. Entonces este proyecto aquí se llama Todo tiene un Sentimiento, es un proyecto personal que hice con un fotógrafo. Tuvo algunos incidentes trágicos a lo largo de su vida y realmente la mató de manera creativa. Ella no quiso hacer fotografía por un tiempo. Es la historia de traer de vuelta esa inspiración y su encontrar de nuevo ese amor por la fotografía. Siendo que era una historia tan personal para ella, quería hacerlo de una manera que se sintiera natural y se sintió como si estuviéramos ahí con ella, como si fuéramos otra persona que está observando que sucedía pero estamos ahí. Por lo que no quería que fuera mirando adentro, quería ser muy subjetivo. Por lo que usamos mejores lentes, tuvimos un poco de movimiento natural con la cámara para que se sintiera auténtica y orgánica. Entonces tocaré un poquito esto para ti y puedo platicar a través de algunas de las piezas. Se puede ver un poco de temblores naturales con la cámara, pero no es nada que temblar demasiado. Se siente como si estuvieras ahí con ella, estás viendo pasar por el proceso de y en realidad ella está tomando estas fotos y recordando lo que es estar enamorada de fotografiar y lo que es la estás viendo pasar por el proceso de y en realidad ella está tomando estas fotos y recordando lo que esestar enamorada de fotografiar y lo que es realmente se siente inspirada por lo que está haciendo. Por lo que todo está rodado con fotografía de mano a excepción de esas escenas de motocicleta que estamos rastreando con ella porque necesitábamos rastrear y panel no habría funcionado. Pero esta es una instancia como, queríamos estar con ella, queríamos que esto fuera una historia personal, elegimos de mano para hacer eso. Si hiciéramos eso en palos o lo hacemos en gimbal todo el tiempo no sentiría lo mismo. Esas son las formas básicas de cómo mover una cámara. Salgan por ahí, practiquen. Mira tus películas favoritas, ve cómo están moviendo la cámara y analiza esos movimientos. A continuación, vamos a hablar de cómo obtener un gran valor de producción en tus historias. 6. Rodar para lograr un valor de producción superior: Un par de estas cosas parecen bastante simples, pero son extremadamente importantes para obtener un mejor valor de producción en tus brotes. Una cosa realmente importante son las ubicaciones. Creo que la ubicación y los actores son probablemente algunos de los aspectos más importantes de tu proyecto. Por lo que elegir la ubicación correcta es muy importante. Hay dos cosas: Una, muchas veces iré y exploraré ubicaciones antes de empezar a construir mi historia. Para que pueda encontrar una ubicación, podría estar fuera vagando por ahí. Vivo en Austin, Texas, así que estoy fuera en el campo, y encuentro ese granero cool, y luego puedo escribir una escena con mis personajes en ese granero para luego colocarla en ese lugar que ya luce increíble. Entonces no tengo que ir a traer todo un departamento de arte para construir ese granero, ya lo encontramos, y parece genial para empezar. Por lo que encontrar ubicaciones que puedan tener una historia construida a su alrededor, o encontrar ubicaciones que realmente se ajusten a su historia ya antes del hecho o súper importante que tengan ese valor de producción incorporado. El otro aspecto de eso es la hora del día que estás disparando en estos lugares. Por lo que saliendo y explorando localizaciones, mirando la iluminación. Mirar y ver cuando el sol es perfecto para estar filmando en esos lugares es súper importante. Si te presentas a las 12 del mediodía y estás filmando en alguna gasolinera, y de repente ves que la luz se ve terrible, pero tienes que disparar de todos modos, tu producción se va a quedar bastante terrible. Pero si fueras a scout un par de días antes y veas que las 6:00 PM la luz es perfecta para rodar la escena, nuestros actores están retroiluminados, el fondo se ve genial. Deberíamos dispararlo en ese momento, regresas y disparas en ese momento y hace que se vea mucho mejor de lo que podría tener. Por lo que es realmente importante pensar en tu historia. Piensa en cómo debe ser la iluminación. Piensa en cómo puedes disparar en ese lugar a la hora correcta del día y planificarlo de esa manera. En iluminación, tocamos un poco sobre el rodaje a la hora correcta del día. Es realmente importante cuando estás haciendo escenas al aire libre para rodarlo antes de que el sol se ponga demasiado alto en el cielo. Para mí, no filmo cuando el sol está más alto de 40 grados en el cielo. Yo uso una app y puedo ver exactamente cuándo va a ser eso. Entonces cuando esté explorando la localización, sabré que ya sea, A, la mañana o la noche será el lugar al que debería estar disparando. Entonces si el sol va a retroiluminar mi talento por la mañana, quiero ir a ese lugar en el rodaje matutino. Si el sol se va retroiluminando mi talento por la noche, yo haría un rodaje nocturno ahí. Por lo que es realmente importante entender dónde estará el sol y cómo puedes usarlo a tu favor. Si solo te presentas al mediodía y también cuando la luz se ve terrible, tu producción va a quedar terrible. Por lo que realmente tienes que pensar en cuándo vas a dispararlo, trabajarlo en tu horario y solo disparar en esos momentos del día. Con la mayoría de las cámaras que estamos usando hoy en día, se puede tener una profundidad de campo realmente superficial. Definitivamente ha sido algo que se ha usado en exceso, pero a veces, realmente necesitas usarlo para ayudar a tu valor de producción. Si estás en un lugar y el fondo no se ve tan genial, o no tienes un director de arte ni un presupuesto para vestir realmente el fondo y hacer que parezca si estás en un garaje y no tienes todas las herramientas que quieres poner en el fondo para que parezca un banco de herramientas y cualquier configuración que tendrías ahí. Si disparas a una profundidad de campo menos profunda y solo haces que todo salga de foco detrás de su talento, no necesitarás hacer eso. Por lo que es una manera realmente genial de cortar esquinas en cierto sentido y disparar a menor profundidad de campo. Lo haremos todo el tiempo si nos estamos quedando sin, digamos, tiempo en un rodaje en sí mismo y necesitamos agarrar una escena, no tenemos tiempo suficiente para ponerlo todo vestido, sólo vamos a ir a 1.5 f-stop, tirar todo fuera de foco, mantener nuestro talento en foco, y eso es todo, pasas al siguiente tiro. Por lo que una gran manera de mantener alto valor de producción. Otro gran truco para un alto valor de producción es usar la filtración en tu cámara. Muchas de las cámaras más baratas por ahí, y creo que solo las DSLR en general les tienen una nitidez muy alta. Sus reflejos soplan bastante rápido. No tienen un buen roll-off, y un roll-off es básicamente donde el cielo sería muy blanco. En lugar de ser un borde duro donde ese blanco va de la oscuridad a la blanca y tener más de un gradiente a ella, un bonito roll-off, que harán unas cámaras finales más altas. Pero para ayudarte a ti mismo, si estás usando una DSLR, hacen filtros de difusión que son realmente geniales para ayudarte a dar una película más natural como roll-off. Algunos de estos filtros de difusión es que puedes usar nuestro Hollywood Black Magic o Pro Mist o Super Mist, pero quieres conseguir un sabor que es alrededor de un octavo. Basta con quitarle el filo y ayudar a un bonito rodaje destacado, pero no es demasiado para que parezca que estás filmando una película de los 80. Me gusta mucho la Black Pro Mist un octavo. Ayuda a suavizar todo solo para tocar, te da una bonita flor de punto culminante y es un filtro realmente, muy bonito. Otro filtro que es realmente importante es tener un polarizador circular. Muchas veces puede llegar a ser difícil en el set porque simplemente te estás moviendo tan rápido, y vas de adentro a afuera y añadir otro filtro a tu cámara lleva tiempo. Pero definitivamente quieres tomarte ese tiempo. Un polarizador circular ayudará a que los verdes sean más verdes, que tus cielos azules sean más azules. Entonces es realmente, realmente genial tener. Hará, uno, que los colores estallen más, pero hará que tu talento pop también desde el fondo. Por lo que un polarizador circular es un gran filtro para tener. El otro filtrado, debes estar llevando son filtros ND. Si estás usando una DSLR, hacen un bonito filtro de filtración llamado ND variable. Básicamente es un filtro ND que puedes torcer, y cambiará el número de paradas de ND que tienes en la cámara. Un filtro ND es muy importante porque quieres mantener tu obturador en la 150ª o 148ª, dependiendo del tipo de cámara que tengas, y mantener esa configuración 150ª hará que el desenfoque de movimiento se sienta natural y normal a la forma en que tu visión ve. Ahora un letrero revelador para ver que alguien no sabe lo que está haciendo o no tiene alto valor de producción es manivela su velocidad de obturación retrasó quincena o una milésima porque es demasiado brillante afuera, y así están arrancando la velocidad del obturador a ese nivel. Ahora el filtro ND te permitirá quedarte al 150º en todo momento. Será un movimiento más agradable a la vista y se verá más natural y te dará mayor valor de producción. Un último consejo que tengo para ustedes, que hemos hablado brevemente, pero manteniendo la luz detrás de su talento. Entonces si estás filmando fuera a la luz natural del día, siempre quieres mantener tu sol en algún lugar detrás de tu talento. Por lo que les está dando más de una luz de borde en lugar de iluminarlos delanteros. Es una gran manera de tener alto valor de producción. Te dará más contraste a tu escena, me dará más profundidad a tu escena. Por lo que lo recomiendo encarecidamente. Sal por ahí y pruébalo, retroalimenta a alguien y luego enciende al frente y ve la diferencia por ti mismo. Es muy, muy cool. 7. Equipo y configuración de cámara: La mejor cámara es la que tienes encima. La tecnología ha evolucionado hasta ahora que las cámaras se han vuelto tan baratas y literalmente puedes practicar con cualquier cámara que tengas. Tengo un iPhone y tienen algunas apps geniales para el teléfono que te permiten usarlo como cámara de video. Puedes controlar todos tus ajustes en modo manual, y hace un trabajo bastante bueno, y puede permitirte hacer películas y practicar tus habilidades de narración de manera bastante sencilla. También puedes comprar una cámara usada en línea por un par de $100 con una lente y usar eso para comenzar tu vida cinematográfica. Entonces hay muchas opciones y creo que lo más grande a entender es que, no se trata de la tecnología, se trata de que aprendas la habilidad y practiques para que sepas cómo hacerlo de la manera correcta. Es realmente importante entender y aprender la cámara que tienes. Quieres sumergirte en la configuración, sumergirte en sus pros y sus contras, y realmente aprender qué lo hace ticar. Cuando obtienes algo nuevo, es fácil solo querer salir y simplemente empezar a usarlo. Pero hay que pasar algún tiempo en la investigación realmente averiguar qué ajustes son los mejores, qué códec disparar, a qué velocidad de fotogramas disparar, ¿cuál es el rango dinámico de la cámara? Todas estas cosas diferentes que te ayudarán a entender cómo conseguir mejores tomas con él. Hay toneladas de videos de YouTube por ahí en cada cámara que está disponible. Entonces yo haría eso, iría allí, buscaría tu cámara, y pasaría algún tiempo aprendiendo cómo configurarla mejor para el cine en particular. Los ajustes que usas en tu cámara son de suma importancia, muchas de las cámaras están hechas tanto para foto como para video. Entonces, cuando obtienes esa cámara probablemente esté configurada para una cámara fotográfica en lugar de una cámara de video, así que esa no es la prioridad con una cámara réflex digital o sin espejo. Por lo tanto, asegúrate de tener la configuración adecuada para el modo cinematográfico en tu cámara. Uno de los aspectos más importantes de eso son no disparar en “AUTO”. La cámara va a hacer lo que crea que necesita hacer para la imagen que toma contra configurar la cámara para tu escena y asegurarte de que esté configurada para lo que quieres que haga. Hay algunas cosas clave que quieres configurar en tu cámara para disparar. Uno, es filmar a 24 fotogramas por segundo, 24 fotogramas por segundo es la misma velocidad de fotogramas que ven tus ojos. Crea desenfoque de emoción, se siente natural, se siente orgánico. Por lo que filmar a 24 fotogramas por segundo automáticamente te dará un mayor valor de producción para tus películas y se sentirá como todas las películas que veas por ahí. Otra parte importante es asegurarte de que tu velocidad de obturación esté en 148 o 150, 148 sería el número real porque es el doble de lo que es tu velocidad de fotogramas. Entonces si tu velocidad de fotogramas es de 24, 148 sería el doble de esa velocidad. Pero algunas cámaras solo tienen un ajuste de 150th, así que ese es el número más cercano, así que quieres igualar eso. Ahora, ¿qué pasa cuando tienes esa velocidad de obturación? Es la cantidad de desenfoque que vas a conseguir. Entonces si tuvieras que poner la mano delante de tu cara y moverla, notarás que hay desenfoque de movimiento cuando lo estés mirando. No es perfectamente todo in-focus, no es perfectamente nítida, tiene un desenfoque de movimiento, y quieres que tu cámara esté haciendo lo mismo. Por lo que ponerlo en los 24 fotogramas por segundo, ajustarlo a la velocidad de obturación 150 te dará ese mismo efecto, por lo que se siente natural. Lo siguiente que quieres configurar es el balance de blancos. Quieres asegurarte de que tu balance de blancos esté en modo manual, la selección estará en temperatura Kelvin y eso irá a cualquier lugar desde 1,800-10,000. La mayoría de las configuraciones típicas van a ser tres cosas; una, 3 mil 200, que va a ser el escenario para la iluminación interior. Por lo que bombillas incandescentes y tiro al interior de una casa, lo usarás a 3,200. El próximo grande será de 5 mil 600 por rodar fuera. Por lo que la luz del día va a ser de 5 mil 600. Entonces si estás disparando algo afuera, quieres dispararlo a 5 mil 600. Si estás disparando en un espacio de temperatura mixta, digamos, estás consiguiendo algo de luz de ventana, estás usando algunas bombillas prácticas dentro de la casa, podrías ponerla en 4,300, que es el medio exacto entre 3,200 y 5. 600. El clave es mirar tu pantalla, jugar con la temperatura Kelvin, y ver qué obtienes. Básicamente lo que ves en tu pantalla es lo que vas a tener. Entonces mira la temperatura Kelvin, ¿no se siente natural? Los problemas si lo dejas encendido auto al fijar la cámara alrededor, va a estar cambiando automáticamente la temperatura en ti. Entonces cuando vas al poste más tarde y tratas de cortar escenas juntas, no van a igualar porque la temperatura ha cambiado mientras estás filmando cosas. Por lo que quieres asegurarte de que tienes eso en manual y sabes exactamente qué disparo y qué temperatura de color será. El siguiente gran cosa con la configuración de la cámara es tu calidad de grabación. Quieres asegurarte de que estás disparando en el códec más alto disponible para la cámara. Cada cámara es diferente, así que no voy a llamar a ningún códecs específico, pero mira en el manual, busca en YouTube los mejores ajustes de la gente y eso te dará un buen lugar para empezar. Pero en general, quieres tener la grabación de megabytes más alta posible, por lo que vas a conseguir la imagen más limpia con la menor cantidad de ruido o artefactos. Estas son dos cosas que quiero mostrarles chicos, por qué romperían las reglas tanto para el balance de blancos como para la velocidad de obturación. Es algo que harías para ayudar a crear un tipo diferente de emoción. Aquí hay un proyecto que hice, es un video musical, y se trata de dos hermanos, uno de los hermanos murió en una guerra y el hermano va a volver a enterrarlo y es un viaje por sus recuerdos y trayendo 10 de sus hermanos ahí con él y es una historia realmente genial. Pero parte de esto era poder filmar una escena de guerra y ¿cómo haríamos que eso se sintiera real, pero también le agregaría más intensidad? Entonces hay un par de cosas. Uno, tienes las escenas flashback de ellos entrenando, donde el entrenamiento es divertido y es cálido y vibrante. Jugaré un poquito para ti aquí. Por lo que lo ves como las escenas de entrenamiento un muy cálido. Entonces aquí hay una escena de entrenamiento, estamos haciendo que se sienta caliente y pasándolo muy bien en el entrenamiento. Caliente luz solar como se puede ver. Pero entonces cuando realmente van a la guerra, en lugar de usar 5,600 temperatura de color afuera como lo harías, lo disparamos a 3,200 temperatura, por lo que hacemos luz del día para que se sienta muy azul, porque el color azul también se relaciona con la tristeza o con el miedo. El color cálido te da más de amor y felicidad. Por lo que tenerlo, ese color más azul te da esa sensación negativa. También trajimos la velocidad del obturador mucho más alta. Por lo que lo disparamos a una velocidad de obturación 500 en lugar de 50 velocidades de obturación para que se sienta más jarring e [inaudible], lo mismo que hicieron, y si ves Salvando al soldado Ryan, es a una velocidad de obturación muy alta, así que se siente muy staccato, está muy dentada. Entonces esta es la escena de entrenamiento normalmente filmada, y verás cómo entramos aquí en estas escenas azules, los flashbacks muy rápidos pero es, de nuevo, temperatura más azul, tasa de fotogramas muy alta. Todas estas escenas azules aquí, son bastante rápidas, pero puedes ver que es como una mayor velocidad de fotogramas, color más azul, te ayuda a dar esa sensación que están pasando en ese espacio. Entonces esa sería una razón por la que querrías disparar esa temperatura de color y usar una velocidad de fotogramas más alta por la razón correcta, no solo porque no tengas un filtro ND. Entonces tienes que subir tu velocidad de obturación, o te olvidaste de cambiar el balance de blancos y justo como se ve ahora porque va a confundir al público, va a confundir a tu espectador y darles sentimientos subconscientes de que no deberían haberse unido a esas escenas. Se trata de algunos trucos geniales de usar y si miras el marco, puedes verlo establecido en 3.200 Kelvin temperatura aquí, es muy fresco. Disparar a una velocidad de obturación más alta también hace que todo se sienta mucho más nítido, por lo que la imagen es mucho más nítida. Por lo que te ayuda a crear ese sentimiento y esa emoción que quieres que la gente tenga ya que están viendo esas costuras. Entonces estos son algunos consejos y sugerencias, pero es realmente importante para ti sacar la cámara, sacar un equipo por ahí, probarlo, usarlo, echar un vistazo al metraje de tu computadora, y ver cómo se ve porque así es como realmente vas a aprender es mirando a lo que disparaste. 8. Reflexiones finales: Enhorabuena. Lo hiciste a través de la clase. Hablamos de composición y encuadre, hablamos de iluminación, hablamos de movimiento de cámara y todo lo demás relacionado con la cinematografía. Por favor, comparta sus ejercicios en la galería de proyectos y espero revisar su trabajo.