Transcripciones
1. De cineasta intermedio a avanzado: Hola a todos. Después de recibir muchas solicitudes, estoy tan emocionado de traerles todo el curso de seguimiento a mis populares núcleos, “De principiante a cineasta intermedio”, y guiarlos al nivel avanzado. A diferencia de ir de la etapa principiante a la etapa intermedia, pasar del nivel intermedio al avanzado es un proceso de refinamiento, pero lo que necesitarás aprender es más matizado. Hay muchas cosas por desarrollar continuamente como cineasta, pero en este curso, he incluido siete cosas prácticas en las que puedes trabajar para afinar
continuamente tu cineasta y alcanzar el nivel avanzado. Si bien puedes pensar que necesitarás una costosa cámara de gama alta para convertirte en un cineasta avanzado, la
mayoría de las lecciones de este curso se pueden aplicar a tu DSLR. Empecemos.
2. Movimiento de cámara complejo: Número 1, movimiento complejo de la cámara. Si sientes que puedes rastrear a un sujeto sin problemas con un gimble. Ahora, es el momento de agregar un movimiento de cámara más complejo que se sienta más dinámico y sirva a tu historia de manera más poderosa. Considera ir más allá del eje x e y, en su lugar, agregar algo de acción del eje z que jura el famoso director de fotografía Emmanuel Lubezki. Considera agregar una toma de seguimiento larga que cubra muchos puntos de tu escena para meternos más en tu historia, y practica clavar el pool de enfoque en el camino. Los movimientos complejos de cámara no solo te ayudan a desarrollar tus habilidades técnicas, sino, también, tu capacidad para visualizar cómo se desarrollará la escena, y cómo guiarás la atención del espectador en tu historia. Antes de empezar a intentar este complejo movimiento de cámara, comienza a practicar storyboarding y bloquea tus tomas para que tengas una guía visual.
3. paleta de colores;: Número dos, paleta de colores y diseño de conjuntos. Si bien muchos cineastas utilizan luts en la etapa de gradación de color para construir un estilo visual a su película, cineastas
avanzados como Wes Anderson, saben construir esta mirada en su imagen en primer lugar. Adobe Color Wheel es una herramienta gratuita impresionante que te permite construir esquemas de color basados en principios de la teoría del color. Al construir los tonos de color en tu imagen, te establecerás para una mejor base a grado de color más adelante en post. Encuentro que esto también es realmente útil, no sólo para películas narrativas, sino también para documentales si quieres construir algún estilo visual y agregar algo de emotividad a tu historia.
4. Gradación de color afinada: Número tres, gradación de color afinada. Además de solo saber ajustar la exposición básica y el color de tu imagen, quieres aprender a controlar los matices de la gradación de color en post. Para ello, querrás desarrollar tu capacidad para reconocer la diferencia entre los reflejos, tonos medios y sombras de tu imagen. El mejor modo de aprender es jugar con curvas de color, que puedes encontrar en Adobe Premiere Pro. Verás que la parte inferior de esta curva representa a los negros y las sombras. El medio representa los y la curva superior representa los reflejos y blancos de tu imagen. Al jugar con estas curvas, puedes afinar selectivamente el color y la exposición en una de estas áreas específicas en lugar de simplemente agregar un grado parpadeante a toda tu imagen.
5. Sonidista: Número cuatro, aprende a trabajar con un grabador de sonido. Si quieres elevar tu fabricación cinematográfica, necesitarás elevar el sonido grabado más allá de solo enchufar un micrófono de escopeta a tu cámara. En mi experiencia, contratar a un grabador de sonido dedicado es una inversión indispensable, ya que me permite enfocarme en la cámara y la dirección. En tanto que los grabadores de sonido pueden seguir la fuente de sonido de cerca con sus micras dedicados. Lo importante que hay que aprender es aprender a trabajar en sincronía entre sí para que no se metan en el camino del otro.
6. Equipo de cine digital: Número cinco, aprende cómo funciona una cámara de cine digital y prueba las lentes de cine. Si bien creo firmemente que no es la cámara
sino el ojo detrás de la cámara lo que hace una imagen, aprender a usar una cámara de cine digital puede expandir a tu cineasta en superpoderes. Te entrenarán especialmente para ver los matices de una imagen. Por ejemplo, una cámara de cine con un amplio rango dinámico puede darte sombras menos lechosas, mientras que las lentes de cine suelen hacer que una imagen parezca más tridimensional. Siempre enfatizo más la lente que el propio cuerpo de la cámara. Y es fascinante ver cómo las diferentes lentes tienen diferentes looks dependiendo del fabricante de lentes. Por ejemplo, las legendarias lentes de cine Cooke son conocidas por el Cooke Look, que da un ligero énfasis a los tonos azules de una imagen. Para intentar usar una cámara de cine y una lente, no te preocupes, no necesitas salir y gastar miles de $,
pero en cambio, intenta contactar con una casa de alquiler local. Pídales que te den una demo y vean si puedes
rentarlos por unos días para jugar con ellos y ver cómo funcionan. No obstante, por favor, no malgastes tu dinero probando estas cámaras a menos que hayas dominado los conceptos básicos de usar una DSLR.
7. Detalles de la grabación: Número 6, entender los matices de la grabación de cámara. Si bien es posible que estés filmando en 4K con un perfil de imagen plana, hay otros pequeños factores que entran en crear una imagen de alta calidad. Voy a entrar en dos grandes aquí, bit depth e iso nativo. En primer lugar, vamos a la profundidad de bits. La profundidad de bits es una posible cantidad de colores que tu cámara puede capturar. Las mediciones comunes para estas profundidades de bits son de ocho bits, 10 bits y 12 bits. La mayoría de las cámaras graban un color de ocho bits, que puede capturar 256 tonos, cada uno de rojo, azul y verde. Las cámaras más nuevas, como la GH5, pueden grabar color de 10 bits internamente lo que
significa que puede capturarlas sin una grabadora externa, que puede capturar 1,024 tonos cada uno de rojo, azul y verde. Si bien disparar en ocho bits está totalmente bien para la mayoría de los propósitos, disparar en 10 bits te da un margen mucho mayor en la clasificación del color sin que tu imagen se desmorone. No obstante, sí necesita alrededor de un 20 por ciento más de espacio de almacenamiento de lo que es contraparte de ocho bits, y puede ser más lento de procesar en su software de edición. Cuando estoy haciendo trabajo profesional, pretendo rodar en color de 10 bits. ISO nativo es otro de estos factores que impactan en la calidad de la imagen. Cada cámara viene con un ISO nativo, lo que
significa que fue construida con un ISO específico para preservar la máxima cantidad de rango dinámico. Para muchas cámaras, como la Sony FS7, la ISO nativa es 800, lo que significa que necesitarás usar filtros ND y ajustar iluminación para obtener una exposición adecuada para preservar el ISO nativo. Empareja eso con un perfil de imagen plana y tendrás una buena base para aprovechar la máxima cantidad de rango dinámico que tu cámara puede ofrecer.
8. Iluminación principal: Número 7, iluminación maestra. bien creo que este es un esfuerzo de toda la vida,
si solo has estado disparando con luz natural, ahora es el momento de aprender a controlar la luz artificial, expandir tus poderes creativos indefinidamente. Creo que no hay mejor manera de aprender iluminación que jugar con las luces mismas. Una gran manera de hacerlo es escoger unos alambiques de tus películas favoritas o algunas de tus pinturas favoritas, e intentar replicar esa calidad de luz. Otra forma de desarrollar tu ojo para la iluminación es poder reconocer la relación de contraste de una imagen. El ratio de contraste representa la diferencia de exposición entre una parte de una imagen y otra, medida con un medidor de luz. Se utilizan para definir una
estética visual consistente y ayudar a lograr una iluminación consistente entre tomas. Por ejemplo, una relación de contraste común que utilizamos se llama la clave para llenar. Usando un medidor de luz, se mide la cantidad de luz que cae sobre el lado clave del sujeto en comparación con su lado de relleno. Después divida los dos para obtener la relación. Si nos estamos moviendo a otra toma y queremos mantener una iluminación consistente, mediremos la relación clave para llenar de una nueva toma para asegurarnos de que sea la misma que la toma original. De lo contrario, ajustaremos nuestra iluminación hasta obtener la relación de contraste original. Otra forma de desarrollar un ojo para la relación de contraste, sin usar un medidor de luz, es mirar alambiques con color falso. Alambiques de bellas películas es un sitio web fantástico con una compilación de imágenes de referencia sacadas de películas. Para determinar la relación de contraste de tus imágenes fijas favoritas, tendrás que descargar un Plug-in de color falso y subirlo a Premiere Pro. Me gusta el plugin de color falso de Time in Pixels, que te da una prueba gratuita. Aquí te dejamos una fantástica explicación de Lens ToGo caminando por el proceso. “ En primer lugar, quiero decirte qué color falso no puede hacer. No va a poder decirte el color, la dirección de
la luz o si son de fuente dura o blanda. Lo que te puede decir es niveles de exposición a lo largo de una escena. Se pueden obtener ratios de contraste escogiendo dos puntos en una escena, ya sea un lado de la cara de un actor al otro, o si es el actor al fondo o un actor a otro actor. Se puede saber cuál es la diferencia de exposición entre ellos. Tomar imágenes que te gusten y aprender las ratios que se están utilizando puede ayudarte a lograr ese mismo look en tu propio trabajo. También te ayudará a ser más consistente y dirigir atención de
tu público hacia donde quieres que se vean. Existen dos formas de hablar de relaciones: En niveles de luz o en paradas de luz. Para averiguar la relación de nivel de luz, tomas el punto más brillante que quieres comparar, y lo divides por el punto más oscuro. Por ejemplo, si tomamos el lado clave del rostro de un actor y lo dividimos por el lado de relleno. El lado clave está alrededor de 45 IRE, y el lado de relleno es alrededor de 15 IRE. Vas a dividir esos dos, 45 divididos por 15, y obtendrás tres. Se trata de una relación de tres a uno, lo que significa que la luz clave es tres veces más brillante que el lado de relleno. Se puede tomar esta misma cosa y pasar del lado clave del actor al fondo. En éste, el rostro del actor está en alrededor de 50 IRE, y el fondo es de alrededor de 25. Divide esos dos, y obtendrás una relación de dos a uno, que es decir que el actor es así de muchas veces más brillante que el fondo”. Con la práctica, desarrollarás esta habilidad natural para reconocer la relación de contraste. Usar esto te ayudará a encontrar su estilo visual específico y consistencia a tu imagen incluso antes de disparar, lo que te ahorrará mucho tiempo en post.
9. Conclusión del curso: Ahí lo tienes. Siete nuevos pasos para ayudarte a alcanzar el nivel avanzado de producción cinematográfica. Espero que a estas alturas, tengas al menos algunas cosas nuevas que probar, para llevar tu cine al siguiente nivel. Si tienes alguna pregunta restante, siéntete libre de enviarles mi web, ya que estoy aquí para apoyarte, y por favor revisa mis otros cursos en mi página de perfil de profesor. Al igual que mi curso de arte de revisión, que proporciona conocimientos avanzados sobre la edición cinematográfica, eso fortalecerá la claridad, impulso y la resonancia de tu primera copa. Muchas gracias por tomarte tu tiempo conmigo, y te deseo todo lo mejor para tu viaje cinematográfico. [MÚSICA]
10. Emocionantes actualizaciones: Hola a todos. Tengo dos emocionantes actualizaciones. El primero es que he creado un mapa de cursos que enlaza todos mis cursos de cine y edición en secuencia, para que puedas avanzar con confianza como cineasta. La segunda actualización es que he empezado un boletín de un minuto, que es la inspiración comisariada y los insights de alto valor sobre el cine, creatividad, y el arte de la vida auténtica. Checkout ambos en la página de mi instructor del curso.
Dandan Liu, Filmmaker | Contemplative Creative
