Transcripciones
1. Introducción: A veces me sale esta pregunta, ¿qué tipo de fotógrafo eres? Tiendo a congelarme cuando la gente me hace esa pregunta porque siento que es demasiado específico. Quiero fotografiar lo que haya ahí fuera, lo que sea refleje las culturas en los barrios en los que estoy. Hola, me llamo Cyn Lagos. Soy fotógrafo callejero y diseñador gráfico. A veces nos enfocamos en ser técnicamente competentes en fotografía u otras manualidades visuales. Pero a través de la narración, puedes conectarte con las historias de muchas personas, y puedes conectarte también con el público que está interpretando tus imágenes. En esta clase, aprenderemos tres técnicas visuales: color, contraste, y escala. También aprenderemos a comisariar tus tomas de héroe, y aprenderemos a editar conceptualmente. Creo que acercarme a esas calles a través de una lente de técnica visual es muy útil para mí porque me permite llevar imágenes de una manera diferente. A veces nos sentimos muy abrumados cuando estábamos ahí
fuera en las calles en el ajetreo y el bullicio; hay tanto que fotografiar. Es casi como, ¿por dónde empiezo? Pero cuando eres capaz de pensar en términos de escala, contraste, color, comienzas a enfocarte en esas fases y dejando espacio para algo especial que te sorprenda. Esta clase es para aspirantes a fotógrafos, aspirantes a artistas visuales, que quieren mejorar sus habilidades de narración de cuentos, y quieren crecer aún más su artesanía. Estoy muy emocionado de unirme a la clase. Empecemos.
2. ¿Por qué utilizar el lenguaje visual?: El lenguaje visual es una forma de narración. Como fotógrafo, eres el único testigo de los momentos que has captado. Pero al pensar en las elecciones de edición que tomas, puedes ayudar al espectador a interpretar las historias dentro de tus fotografías. Al considerar el momento en que capturaste la fotografía, y realmente la llevaste al laboratorio de edición, esto te ayudará a tomar decisiones de edición más conscientes y te ayudará a convertirte en un narrador más poderoso. Es importante reconocer el lenguaje visual en el mundo porque te ayudará a llevar las imágenes cuando estés abrumado con la cantidad de
estímulos que hay por ahí para fotografiar. También te ayudará a entender cómo vas
a llevar tu mejor tiro a la sala de edición. Por lo que como estadounidense de segunda generación, siempre
estuve muy intrigado por la diversidad de culturas de ahí
, muchas veces no siempre estaba preparado para hablar su idioma particular. Tuve suerte de tal vez encontrar a alguien que hablaba español, pero tenía una conexión muy especial la cual era visual. Cuando pongo a alguien frente a una pared que me pareció intrigante, todo lo que tengo que hacer es mostrarle realmente la parte trasera de mi cámara, y de inmediato se sienten como mi amigo y no un adueñado y están dispuestos a seguirme y ellos ellos mismos están intrigados por este equipo que tengo frente a mí, pero más especialmente porque soy tan entusiasta de quiénes son, como son sobre quién estoy tratando de ser. Creo que mientras estás estudiando fotografía, puede
ser muy desalentador estar en un espacio donde tienes que ponerte en el centro de atención, sobre todo cuando se trata de fotografiar a extraños o incluso algo tan pequeño como simplemente fotografiar un ubicación. Por lo que a medida que sigo explorando diferentes vecindarios, me encontré manteniendo continuamente una lista preseleccionada de la mente. Estos shortlist involucraron técnicas visuales. Esto me permitió encontrar espacios específicos que estuvieran reflejando tal vez escala, contraste, color, pero no siendo demasiado específicos donde no dejé espacio para unas sorpresas especiales en el camino. Por ejemplo, escala. Muchas veces estoy en un espacio donde me siento tan abrumada porque los edificios son muy altos, o estoy en un espacio que se siente como grandeza. Entonces tengo que detenerme y pensar : “¿Qué es esa emoción y cómo puedo traducir eso dentro
de un espacio 2D como una fotografía?” Eso a veces significa que tengo que cruzar la calle y tratar de
captar la mayor magnitud de ese espacio. Entonces teniendo en cuenta esa técnica visual u otras como el color y el contraste y los patrones, soy capaz de simplemente entender lo que necesito hacer en ese momento para poder captar eso y traducirlo en mis imágenes. Todos hemos experimentado esta sensación de, “no estoy realmente seguro de cómo empezar”. Queremos simplemente planear todo perfectamente antes de salir de la casa con cámara en la mano, con el mejor cuidado en la mano, pero no se trata tanto de decir: “Hoy voy a fotografiar a una persona de este calibre, o voy a tratar de encontrar la luz específica”. Lo que realmente te ayudará es tener en cuenta las técnicas como shortlist y te permitirá simplemente decir: “Esa es una técnica ahí mismo. Acabo de encontrar un foco de atención y refleja un grado de contraste. Ahora, sé qué hacer porque este podría no ser el tema más intrigante, como,
digamos, una pieza de producto muy brillante o una bella modelo”. Pero debido a que te estás enfocando en las técnicas generales, ya
estás traduciendo algo que es un poco más peculiar y ayuda al espectador que viajar por tus imágenes de una manera más graciosa. A continuación, estaremos seleccionando cinco imágenes las cuales estudiaremos para ver los avances que ya hemos realizado y ver las técnicas visuales que ya estamos utilizando.
3. Estudiar tus fotos: En esta lección, exploraremos lo técnico versus lo significativo, los estándares de la industria frente a su expresión artística individual. Cuando estás capturando una fotografía, muchas veces pensamos en lo que es correcto, ¿
cuál es la forma adecuada de acercarnos a una fotografía? Por lo que esos suelen ser los estándares de la industria que tendemos a emplear. Lo que quiero hacer dentro de esta exploración es que quiero animarte a considerar ¿cuál es tu expresión artística individual? Por lo que les mostraré este ejemplo. Entonces en este caso, esta fotografía fue tomada en Miami, que si sabes tendemos a no tener ninguna montaña. Pero la razón por la que quería hacer este cambio y en realidad no tener este estándar específico de la industria de decir que tengo que alinear el paisaje. En este caso, quería distorsionar ese paisaje. Quería crear el espacio donde se sentía como al menos cuando me acerqué a esta fotografía, sentí que este tipo de aquí estaba luchando esa mañana. Sentí como si estuviera abajo y fuera. Por lo que quería pensar en eso durante mi proceso de edición. Decidí romper la regla estándar de la industria. Yo desplazé el paisaje para hacerte sentir como si fuera una lucha para él ir hacia arriba. Hice lo mismo cuando se trataba del proceso de edición. Entonces quiero que pienses en lo que es significativo versus lo que es sólo una distinción técnica. Piensa en la forma en que quieres acercarte a esa idea y cómo quieres traducir algunos de los sentimientos importantes que quieres incluir en tus fotografías. En esta foto, bueno, realmente quería enfocarme en el aspecto de escala de todo. Cuando entré en esta escena, todo se
trataba de mirar hacia arriba. Simplemente se sintió casi abrumador. Mucha de la gente que estaba allí tendía a
centrarse sólo en fotografiar a este tipo en particular aquí, que es el buque. Se trata de una nueva pieza de arquitectura en la ciudad de Nueva York. Quería realmente crear el grado de contraste que sentía entre este edificio nuevo y los edificios tradicionales más antiguos detrás de él. Pero también, cómo puedo exhibir la escala, fue mi pregunta más grande. Sentí eso al traer a este tipo que en realidad, si has estado ahí, sabes que es realmente, realmente, grande. Al llevar a este tipo a los tercios más bajos, sentí que mostraba lo grande que era realmente este espacio. Esa es una forma de explorar eso. El otro es que se llega a ver a esta pequeñita gente aquí, y eso te da una sensación de escala porque todos conocemos la escala de tal vez un lápiz o un ser humano. Por lo que al incluir esos temas en particular ahí dentro, puedes exhibir una escala. Entonces esta es una de esas fotos donde
tendía a caminar por este pequeño camino una y otra vez, y las condiciones de luz no estaban del todo ahí. Estaba muy intrigado al ver el espacio todo el tiempo porque siempre fue este hermoso, brillante cielo azul y este marcado contraste rojo. Entonces cuando se trata de la forma en que ya me acercaba a esta escena en particular, se
puede ver que es sólo una pared. Entonces el tema no es particularmente lo que buscaba. Estaba muy intrigado por el contraste de color que siempre estuvo ahí aunque el frío del azul y el calor del rojo. Esa es una forma de crear intriga y crear ese grado de contraste. Un día me sorprendió gratamente porque alguien había dejado ahí la escalera, y me presenté. Yo sólo quería un reloj para conseguir este ángulo muy llamativo de la sombra, que sumó a mi valor de contraste que realmente buscaba. Por lo que pude incluir muchos elementos que iban a crear intriga para que el espectador lo viera más adelante. Yo soy muy, muy aficionado a esta foto, y creo que ésta es un ejemplo muy justo de cómo tan solo acercándose a las técnicas visuales, se
puede crear una fotografía muy interesante. No importa si el tema es el más interesante o algo tan sencillo como un muro. Esta fotografía tiene un poco más de esos elementos interesantes que normalmente buscamos. Estamos buscando gente, estamos buscando cosas que sean intrigante. Pero todavía me acerco a esto con algunos elementos, algunas técnicas visuales. Entonces les diré algunas de las que están aquí. En un extremo, estaba enmarcando esta imagen. Yo quería que esta persona fuera el foco principal. Entonces usé estos espacios, los paraguas aquí para enmarcar mi tema. El ojo primero mira aquí en el centro, y afortunadamente ella estaba en el centro en este caso. También tenemos sentido de escala porque como ves el primer plano, tenemos estos paraguas. En la mitad del suelo, tenemos aquí estos otros paraguas. En el fondo, tenemos a este pequeñito parasailing. Entonces ahora, te sientes así de otra manera, imagen
2D tiene un grado de profundidad y tenemos una sensación de primer plano, medio suelo y fondo. Eso siempre creará más de una forma interesante y más agradable de revisar los elementos que están dentro de una imagen. Añadiendo a eso, creo que las paletas de colores aquí fueron muy agradables para mí porque todo aquí ya está frío, y luego vuelves a tener la calidez, que creo que siempre ha sido una manera muy útil de acercarme contraste cuando se trata de colores. Cuando me acercaba a esta fotografía me sentí muy decepcionante al principio porque no sabía lo que buscaba. Sé que intentaba documentar mis viajes como lo hacemos a menudo. Pero en este caso, he sentido que quería entender mejor cómo puedo mostrar cómo me sentía al llegar a Nueva York por primera vez en esta instancia en particular. Entonces cuando estaba en la sala de edición, me sentí muy obligado por ésta porque vi técnicas visuales por todas partes, vi un encuadre, vi contraste de color. Estamos permitiendo que el espectador mire directamente a través esta ventana para como si fueran el espectador en primera persona. Por otra parte, consigo pequeños indicios de ¿dónde estoy? Entonces tengo aquí el ala de avión y tengo este hermoso skyline que sólo se puede encontrar en el skyline de Nueva York, que es absolutamente hermoso. Entonces esto se inició como una lucha, pero una vez que lo miré desde un punto de vista de unas técnicas de lenguaje visual, pude entender que esta era una foto valiosa y
debería ir más allá e intentar editarla y acercarme a ella desde mi punto de vista. Creo que es muy importante revisar nuestros avances sin importar dónde estemos. Es bueno estudiar nuestra propia interpretación de por qué funciona una foto o no funciona. A mí me gusta hacer esto frecuentemente sin importar en qué etapa de mi carrera fotográfica me encuentre, porque es bueno entender cómo el espectador se pararía ahí e interpretar tus fotos también. Quiero que mires tus imágenes y realmente estudies si ya estás usando algunas de estas técnicas. Siempre hay diferentes partes del proceso de ser fotógrafo que tienden a ser muy desafiantes. Uno de ellos es tomar la fotografía, pero luego, a veces también está curando tus imágenes. En nuestra siguiente lección, estaremos curando nuestros disparos de héroe.
4. Curar tu imagen destacada: Entonces ahora vamos a saltar a Lightroom y vamos a seleccionar nuestra imagen de héroe. Por lo que el tiro de héroe es la imagen que tiene más potencial para realmente ser leída por el espectador o ser interpretada por el espectador. Eso significa que incluye más técnicas visuales dentro de ella. No tiene que ser siempre muchos de ellos, pero ayuda al espectador a interpretar lo que intentas decir con tu fotografía. Entonces aquí, he escogido tres imágenes diferentes de una instancia en particular. Yo estaba en el metro de España, y pensé que esto era muy intrigante porque
encontré tres temas diferentes en este escenario. Entonces en las tres imágenes que has seleccionado, quiero que consideres algunas de las técnicas particulares que realmente quieres realzar. En este caso, queremos enfocarnos en el contraste de color o la escala, pero pensar en cómo la escala sería interpretada por su espectador. Escala a veces puede significar proporciones y jerarquía. Tenemos color que podría significar una sensación de vibrancia,
felicidad, o a veces misterioso y solemne. Entonces quiero que pienses en las emociones con las que quieres que tus espectadores se alejen,
para luego enfocarte en esa técnica y tratar de realzarla en tus fotografías. Dentro de estas tres imágenes, me encontré realmente intrigado por todas
las líneas principales y realmente el contraste de color. Cuando estuve aquí, estaba muy intrigado que hubiera tanto color y un lugar que de otra manera, al
menos por mi experiencia, siempre
ha estado muy lleno de gente y oscuro y aterrador, un metro. Pero el metro en España era muy colorido y algunas de las personas en él también lo eran, y recuerdo ese sentimiento vívidamente, así que quería traducir eso aquí también. Pensar en la forma en que te sentiste en ese momento
te permitirá considerar cuál de estas imágenes es más fuerte. En ocasiones una imagen podría tener un tema muy interesante que va a ser tu selecto final, pero a veces podría ser cosas simples como líneas de liderazgo o un contraste muy marcado. En este caso, aunque realmente me encantan las dos imágenes alternativas, me parece que la imagen media con el chico del sombrero azul se suma a ese calor y contraste de color frío de los que hemos estado hablando. Entonces, centrémonos en esta imagen en este caso. Quiero que consideres qué imagen de héroe has seleccionado y pienses en las razones por las que? Te doy la bienvenida para compartir tu imagen de héroe seleccionada en la galería de proyectos y comentarios sobre el tiro de héroe de otras personas. Hágales saber qué es lo que ya disfrutas de ello, algo que probablemente puedan realzar en la sala de edición.
5. Editar pensando en el color: Está bien. Entonces vamos a discutir el color. Cuando se trata de color, la forma en que se interpreta es muy importante, y esto variará entre culturas. Yo quiero que pienses en eso también. Pero algunos de los colores más brillantes tienden a resonar con energía y vivacidad y felicidad. Los colores más oscuros son un misterio, solemne, y una sensación de intriga. Entonces piensa en esos sentimientos y considera cuáles quieres adaptar a tu imagen. En este caso, vamos a jugar con ambos. Vamos a tratar de ver qué pasa cuando se crea una imagen que tiene en un extremo los colores más vivos, y en el otro extremo los colores más solemnes. Vamos a tratar de ver qué tipo de emociones para evocar lado a lado. Entonces de inmediato, vamos a saltar a lo básico. Te animo a empujar el deslizador a ambos extremos e intentar ver qué pasa y cómo te sientes cuando está completamente contrastado. Entonces en este caso, cuando empujamos el toggle a algo muy frío, puedes empezar a ver ya que la emoción es mucho diferente. Es muy misterioso. Casi puede prestarse para un comienzo muy aterrador de una película cuando algo malo está a punto de suceder. Al menos esa es mi percepción de ello. Por supuesto, depende de ti que esta es tu expresión artística, pero quiero que consideres cómo la interpretará también el espectador. ¿ Qué pasa cuando empujo el toggle hacia el otro lado? ¿ Cuál es esa consideración? ¿ Cómo te sientes cuando ves los colores mucho más cálidos? A mí me gusta empezar así porque al empujar los extremos, llego a entender a dónde quiero sacar mi fotografía. Si un lado se siente demasiado abrumador, claro, vamos a estar haciendo cambios sutiles aquí al final del día, pero cuando lo miras y ves cómo se diferencia de las emociones contrastadas, eres capaz de entender qué cosas que no quieres que tu foto incluya. Siempre puedes hacer clic en temperatura dos veces para restablecer todo. Entonces en este escenario, tengo dos de mis elementos de color favoritos. Tenemos este hermoso amarillo. Por lo general, este tono de amarillo tiende a prestarse a cierto grado de precaución. Es muy utilizado formalmente para eso. Pero quiero crear un contraste entre este amarillo y ese tono de azul en el sombrero de este tipo. He decidido que él va a ser mi tema principal. Tengo algunas otras personas aquí, pero tiene esa colocación muy interesante donde ya están fijadas las líneas principales. Entonces voy a usar eso a mi ventaja. Entonces, empecemos por realzar algunos de los colores cálidos. Voy a empujar esto un poco más hacia el más cálido porque
creo que no hace falta que sea nada demasiado desalentador o aterrador. En este caso, el tipo mismo le está prestando una personalidad de justo, está relajado, probablemente se dirige al trabajo. Eso parece que tal vez está sosteniendo una obra de arte. Esta es solo mi percepción de lo que podría ser su vida. Pero él se ve como una persona muy creativa. Entonces si me estuviera dando esa personalidad de alguien muy misterioso, quizá
quisiera complementar ese ambiente de la misma manera. Entonces vamos a empujar algunos de estos colores hacia la calidez aquí. Cuando se trata de la exposición, si tengo que pensar en la forma en que se exponen las cosas o tratar de enfocarme más en los reflejos y las sombras. Queremos que se muestre algo de esta información,
pero creo que al empujar algunos de sus aspectos más destacados hacia arriba o hacia abajo, usted es capaz de hacerse una idea de qué información se sienta detrás de su fundación. Por lo que de nuevo, te animo a que siempre empujes el toggle para cualquiera de los extremos para que veas lo que se esconde debajo de ahí. Al final del día, esta es solo tu base y estamos agregando capas de color,
escala, y otros elementos a los que nos vamos a acercar pronto. Uno de mis paneles favoritos es la curva de tono, porque realmente permite aislar los reflejos, la oscuridad, las sombras. Toda la información que hay aquí se puede seleccionar específicamente. Entonces me gusta usar esto particularmente para contraste, porque cuando se trata de contraste de sombra y resaltado, hay un dicho realmente bonito que para poder ver la luz, que tener oscuro al lado. Creo que eso es cierto en la mayoría de mis imágenes, sobre todo cuando estás jugando con la luz. Por lo que en realidad quiero darle más poder a las zonas oscuras y aumentar esa oscuridad para que pueda traer aquí algunos de los aspectos más destacados. Tan solo estar siempre al tanto de no empujar demasiado. Al final, es realmente sutil. La parte donde estás probando se puede empujar en cualquier lado, pero al final, realmente
quieres que la edición sea muy, muy sutil. A mí me gusta la forma en que se ve esto ahora, así que vamos a pasar al color. Entonces en esta área específica, creo que es realmente ordenado poder decir, vale, solo
quiero que este sombrero azul esté aislado. Yo quiero que este azul de aquí sea algo que complemente el amarillo a su alrededor. Para que veas cómo al empujar este azul, incluso
estás detectando algunos azules en el fondo mismo. Si lo hice un azul más oscuro, y esto es algo de preferencia, personalmente
creo que acercarlo a un más cálido, más verde-azulado complementa el amarillo del otro lado. Por lo tanto, piensa en el espectro de colores a la hora de eso, y los colores complementarios siempre mejorarán la forma en que los colores se están casando juntos. Entonces saltemos sobre el amarillo para poder aislar ese color. Entonces el amarillo aquí, como dije, al principio, era una especie de amarillo muy afilado que se sintió como precaución, pero no quiero eso. Yo quiero que esta sea una imagen agradable. Entonces voy a empujarlo un poco más cerca los colores naranja y sacar la luminancia. Lo que hace la luminancia
es, está trabajando con luces, así que si la empujas hacia abajo, casi
está quitando esa luz que existe dentro de ese color específicamente, y también la está subiendo si la mueves hacia el revés alrededor. Siempre puedes golpear la, barra de cuatro barras, para ver tu antes y después y tener una idea de hacia dónde te diriges. tonificación dividida también es una forma muy interesante de agregar color en contraposición a seleccionar los colores que ya están aquí. Puedes incluir algunos colores adicionales. Es casi como cepillarse un poco de luz ambiental, como si hubiera luz amarilla irradiación o luz azul irrumpiendo en algún lugar alrededor de la imagen. Me encanta crear la sensación de nostalgia añadiendo estos elementos de rojo, o azul, o verde que solían existir en las fotografías
cinematográficas para que pueda darle un valor histórico. A pesar de que esta imagen fue tomada con una cámara digital, que no tiene ese tipo de estructuras, estas imperfecciones han sido arraigadas en el público. Creo que esas son grandes formas de realzar tu fotografía, crear, y agregar este grado de simbolismo. Por lo que al jugar por aquí, se
puede ver cómo se acaba de agregar, se crea un estado de ánimo totalmente otro. Si cambiamos a verde, se ve muy, muy diferente. Entonces me gusta mucho este azul, está casi complementando todo el amarillo que hay por aquí. Entonces lo voy a dejar aquí por ahora. También puedes jugar con esta sección para ver cómo se puede integrar mejor dentro de la imagen, y solo dejas que el programa haga lo suyo descubriendo qué tonalidad de azul realmente funciona mejor con la imagen. A mí me gusta esto aquí. Entonces volviendo aquí, creo que estoy perdiendo algo de ese contraste y las sombras y el área de luz que está aquí, y realmente quiero crear un contraste porque
va a permitir que estos colores más vibrantes salgan a través. Entonces volvamos a la curva de tono y ajustémonos. No siempre tienes que seguir esto en orden. No empieza aquí y termina aquí. Realmente es cuestión de solo analizar tu foto y entender dónde puedes sumar y restar. A mí me gusta la forma en que se ve.
6. Refinar a partir del contraste: Una cosa que podemos hacer para realzar algunos de los contrastes y para que el ojo vaya directamente a nuestro tema, es que podemos recoger la herramienta de pincel aquí y jalando hacia arriba esa flecha aquí. Eres capaz de enfocarte específicamente en una de estas características. mí me gusta mirar quizá las sombras y de esta manera, eres capaz de cepillar algunos de esos detalles aquí y simplemente enfocarte en esa zona a diferencia de toda la imagen. Es casi como esquivar y quemar en photoshop, pero es un poco más sutil y en realidad solo está recogiendo la información de las sombras que ya está ahí y permitiéndote simplemente moverte de
ida y vuelta y dejarte decidir si quieren quedarse con eso. Cuando creas sombras y reflejos dentro de tu sujeto, casi
hace que se vean un poco más tridimensionales porque ahora
están creando este foco casi específico sobre ellos. Entonces dispersa esto un poco más. Todas esas sombras ya están ahí. Esto no es pintar bulock en alguien, es solo seleccionar específicamente las sombras en el citando que las quieres más claras u oscuras. Entonces puedes ver ahí qué pasa si empujo en la otra dirección opuesta, y ya destaca mucho más de lo que era antes.
7. Trabajar con la escala: Recuerda con escala, vamos a estar determinando el aspecto más importante de tu imagen. También vamos a determinar la proporción de tu imagen. Entonces, empecemos por usar la herramienta de recorte. Hay muchas ratios diferentes. No me gusta ser más demasiado específico en las ratios. A mí me gusta jugar con sin embargo quiero que sea la altura, y ser más juguetón con ella. Entonces vamos a saltar aquí y tratar de ver cómo se
ve si pongo a mi sujeto en el centro. Bueno, en ese caso, tendemos a perder un poco de esa altura. Aquí puedes presionar este botón para desbloquear la relación, y podemos hacerlo, esta sección un poco más alta y más alta. Entonces, ¿cómo se ve si hago esto? No es tan agradable mirar y que él esté en el centro no es tan interesante porque sí tienes todos estos otros temas en primer plano, lo
que los hace más importantes. Entonces juguemos con otro tipo de composición. Entonces, ¿y si lo tuviera en esta intersección de la esquina de extremo lejano? A lo mejor podemos borrar a este tipo en primer plano para que no esté tan distraído. Tenemos que pensar en recortar como una forma de agregar o borrar elementos que puedan resultar en ayudar a la narrativa o a veces eliminar esas distracciones. Entonces juguemos con esto y veamos cómo se ve si está en este extremo lejano. Creo que eso me gusta mucho más. Entonces pensemos en esos lado de la línea líder. Somos muy interesantes desde el principio. Démosles algún nivel de importancia también. A mí me gusta incluir las líneas de liderazgo en algún lugar de los mismos bordes de mis secciones de recorte, para que se sienta que siguen adelante. Eso me gusta. Aquí hay una pequeña sección inferior que es más oscura y que distrae. No es tan parejo como los demás elementos de la imagen. Entonces voy a tratar de recortar eso. Eso ya me parece mucho más agradable. Es muy minimalista y de inmediato se dibuja la mirada hacia las líneas que parecen estar diciéndome que mire hacia el cielo y el sombrero. Entonces ahora hemos creado un sentido de profundidad e importancia y también sentido de proporción porque
no borramos todas las áreas en la parte superior de la imagen tratando de nadar a esta persona en particular. Dejamos que esta persona esté en este ambiente. Esto da la bienvenida al espectador no sólo para ver tu tema principal sino también las atmósferas en las que están sentados.
8. Repasemos: Entonces vamos a juntarlo todo y vamos a hacer algunos ajustes y crear nuestros presets. Al llegar a algo que nos gusta, creo que es importante volver a visitar algunos de esos escenarios e intentar volver a visitar y crear más sutilezas. Entonces voy a jugar un poco más con mi contraste aquí con los reflejos y sombras, y también quiero que ese amarillo pase un poco más. Entonces voy a aumentar esta vibración y también visita la sección amarilla en color. El HSL, y sacarlo un poco más a, vale, eso me gusta mucho más, y luego nuestra tonificación dividida, teníamos azul. Se puede ver aquí golpeando la tecla de acceso directo Y, cómo se veía antes y después. También podemos hacer el botón de barra inclinada hacia adelante para ver tu antes
y después, y verás cómo aumentamos mucho el contraste, y sacamos algunos de esos colores, y tenemos más de un enfoque en nuestro tema. Una de las razones por las que queremos crear una edición conceptual es porque podemos traducir esas mismas ediciones a las otras instancias de esta misma imagen. Entonces, por ejemplo, si quisiéramos incluirlo en algunas de estas fotos, ya tiene
que ver mis condiciones, por lo que va a jugar bien e incluir todas aquellas decisiones que tomamos en nuestra foto anterior. Comanda C, copia, y luego comando V para pegar, y puedes ver cómo eso agrega el mismo color a las otras imágenes, aumenta el contraste, agrega algunos de esos valores de color. Una vez que hayas llegado a tus ediciones finales, siempre
puedes volver a visitarla y hacer tus ajustes finales para ajustar la iluminación y el contraste a tu gusto. Recuerda, esta es tu expresión individual. Por lo que siempre trata de incluir esa finalización final que va a hacerla tuya. Entonces esta es mi final y creo que esto realmente reúne muchas de las ideas iniciales que tuve sobre mi tema. Yo quería que enviara fuera, yo quería que las líneas principales realmente pasaran y fueran lo primero que interpreta el espectador. Pero también quería hacer que el estado de ánimo fuera mucho más vibrante ya que lo que percibí de este personaje en particular era algo muy creativo y emocionante. Está en un camino o un viaje a algún lugar, y quiero que el espectador experimente eso y tenga ese mismo estado de ánimo y sentimiento. Entonces podemos hacer ahora es guardar nuestros presets de todas estas ediciones y una forma que podemos hacer eso
es que podemos subir aquí a presets buscar esta sección aquí mismo, y podemos presionar el botón más y se abrirá este cuadro de diálogo, crear un preset. Esta siempre es la parte divertida porque se llega a ver muchas de las ediciones que hicimos y también, llega a nombrarlo tuyo, ¿verdad? Entonces le voy a nombrar a este Spain Journey, presiona “Crear”, y ahora, puedes encontrarlo aquí o también puedes presionar el comando C, copiar, y podemos pegar esta configuración exacta en otras imágenes que tengan las mismas condiciones de luz. Entonces comando V para pegar y puedes ver que esas mismas decisiones ahora se aplican en tus otras imágenes. El contraste, el color, los elementos que esperas, excepto el recorte. Entonces sí quieres tratar esas partes individualmente, pegar, y ya puedes ver el contraste en eso. Al golpear la tecla Y, puedes ver el antes y el después. Se puede ver que los colores son mucho más realzan, el contraste en las sombras y los reflejos son muy pronunciados. Por lo que los animo a seguir editando sus imágenes. Considera la historia que estás contando. Considera el estado de ánimo
con el que realmente quieres que tu espectador se aleje y se acerque a cada fotografía de forma individual. Es realmente importante pensar en la historia detrás de tus fotografías. Hará o romperá tus fotos, pero lo más importante, deja ese elemento, ese es tu propio estilo, tus propias huellas digitales que se volverán únicas en tu viaje. Al editar, piensa en la forma en que el color cambiará el estado de ánimo de una fotografía, cómo los contrastes realmente crearán un grado de drama, y cómo la escala determina las proporciones y la importancia de tus sujetos.
9. Reflexiones finales: Enhorabuena, has mejorado tus habilidades de narración. hoy, aprendimos a estudiar el lenguaje visual en nuestras fotografías. Nos convertimos en mejores curadores de los disparos de héroe, y aprendimos tres técnicas visuales esenciales: color, escala, y contraste. Gracias por salir conmigo, seguir explorando las historias del mundo, y compartirlas con nosotros en la Galería de Proyectos. Nos vemos del otro lado.
10. Extra: comentarios de Cyn a los proyectos: Hola, todo el mundo Cyn aquí. Estoy realmente emocionada. hoy estaremos creando una clase bonus donde estaré revisando mis proyectos favoritos y dándote todos los comentarios. Creo que esta clase será muy útil para que veas cómo otros han sido capaces de crear storytelling desde sus puntos de vista, y también para que puedas obtener algunos consejos sobre cómo
puedes reinventar la forma en que ves la escala, el color y el contraste. Muy bien, empecemos. Tenemos este proyecto aquí. Se llama belleza del desierto y de inmediato, me llamó la atención. Me pareció realmente interesante justo en la forma en que destacan los colores monocromáticos. La mayoría de las veces pensamos en crear tonalidades
muy saturadas y no se suele pensar en hacer lo contrario. Si pudieras crear un contraste en esta imagen, podrías ver de inmediato el sujeto en el medio. No es porque la persona esté en el medio, sino porque la persona es la más contrastada la tonalidad del color entero. La composición está tan bien pensada. Puedo decir que hubo una decisión que se tuvo que tomar desde elegir exhibir más del cielo o más de las dunas de arena. Creo que en este caso, el fotógrafo tomó una gran decisión al presumir más de las dunas de arena, porque simplemente te hace sentir como si estuvieras ahí y es un tema tan especial y así. Este casi te hace inclinar un poco la cabeza y pensar, ¿qué está pasando? ¿ Es este el horizonte o es esto un cerro? Realmente enfatiza el sentido de escalar y creo que en sí mismo cuenta la historia un poco más allá. Cuando estás en un lugar que realmente tienes que cuestionar, ¿cuál es el único sentimiento que estoy obteniendo de esta experiencia? A lo mejor el fotógrafo, en este caso, sólo
estaba siendo muy consciente de la sensibilidad escaladora y ¿cómo puedo exhibir esto en una imagen 2D? Creo que esta imagen lo hace de verdad, muy bien. Esta imagen es drásticamente diferente a las otras imágenes que conforman esta serie. You 're series es mucho más fuerte solo centrándose en las dunas de arena. Pude ver tantos ángulos diferentes. Casi no quiero poder salir de este lugar. Creo que la imagen final no es tan fuerte como las otras, no desde el ángulo y tampoco en el contraste. Entonces es cuando tenemos que ser muy selectivos de nuestras elecciones. Tomamos tantas fotos, y sé que es desgarrador dejar ir a algunas porque estábamos ahí, estamos tomando esa foto, y sólo estamos contentos de poder coger el avión. Eso podría ser seguro para una serie diferente, algo a considerar a la hora de crear series fotográficas. Estamos viendo gente de Georgetown y realmente me divertí mucho mirando estas imágenes porque golpea muy cerca de mi estilo de fotografía. Estas fotos son solo una captura de la vida cotidiana. No hay mucho de manipular el paisaje, pero en cambio se trata de capturar la foto, curarla. De verdad me pareció aún más especial que Jensen, en este caso, estuviera revisitando su ciudad natal. Entonces esta es la ubicación en la que tal vez ya había estado, y creo que muchas de nuestras frustraciones vienen a menudo de qué puedo fotografiar? A veces todo lo que puedes hacer es fotografiar algo que ya está frente a ti y reenfocar tu ojo y pensar en una forma diferente de contar esa historia. Una de mis fotos favoritas de esta serie es de hecho la primera, y estoy realmente, muy contenta de que Jensen haya podido reconocer que se trata de un tiro de héroe. De lo que realmente disfruto de esta foto es la forma en que usa la escala de una manera diferente. No es vertical, no es horizontal, pero es en cambio hacia adentro. Tienes este tema aquí en primer plano, y luego tienes escala que te dice lo profunda que es realmente esta imagen y se hace cada vez más pequeña y más pequeña. Creo que esa es realmente una técnica muy inutilizada en sí misma. Pero también me gusta que haya una sensación de que las líneas de liderazgo van hacia adentro. Creo que hubiera sido más fuerte si al final de esta línea de liderazgo, tuvieras un tema en particular, alguien o algo que fuera muy interesante y ligeramente extraño y realmente te llamara la atención. Creo que habría hecho aún más poderosa esa foto. Tenemos aquí laberinto de verano, tomado en la India. Este es un lugar tan hermoso, ya lo puedo decir. Pero creo que cuando vi por primera vez esta foto, no
vi el tema en absoluto. Me llamó la atención los patrones de todos estos diferentes estándares yendo en diferentes direcciones. Vamos a tratar de acentuar el tema. De inmediato creo que una de las mejores formas de hacerlo es reconsiderar tu relación de aspecto. Lo que definitivamente quiero hacer es hacerla vertical para que puedas presionar la tecla Shift X y eso cambiará horizontal, vertical. Cuando se trata de mirar tercios alguna vez, el punto de cruce es el punto que va a acorralar la tensión muscular. Queremos que ese punto de cruce esté justo por encima de nuestro tema. Creo que aquí mismo es casi correcto. Si te das cuenta, estamos haciendo exactamente lo mismo que aún mostrando el medio ambiente, un poco del agua, y ahora tenemos el tema con mucho más énfasis. Otra cosa que quiero hacer es intentar crear un poco más de contraste o tal vez menos contraste en algunas secciones. Cuando piensas en el contraste, lo
pienso en términos de sombras y luces, pero también en términos de color. Una de las cosas que quiero hacer es bajar el calor de las escaleras porque casi se está mezclando con su color de piel, y por eso está camuflado y realmente no lo puedes ver. Esto va a ser complicado. Esto sí requiere un poco más de amor y cuidado y algún tiempo invertido, pero voy a hacer una edición áspera solo para darte un ejemplo. Queremos ir aquí donde podamos ser muy específicos y seleccionar solo los amarillos y las naranjas. Yo quería saturar un poco ese color. Se puede ver cómo eso va a estar tirando hacia atrás todo ese color. Pero lo que es desafortunado es que en este caso, también tira hacia atrás su color de piel y eso se ve un poco extraño. En cambio voy a usar la Herramienta Pincel porque me permite ser más específico. Es el mismo efecto, pero voy a ser selectivo en qué áreas aplico el efecto. Vamos a buscar saturación y vamos a hacer desaturación. Va a estar en el lado inferior. A veces me gusta empujar la barra realmente lejos por lo que
sólo puedo verlo visiblemente y luego puedo ajustarla más tarde. Voy a desaturar el espacio, y luego va a destacar un poco más. Vas a poder ver su color contrastado con el fondo. Eso ya siento que nos va a ayudar a mostrar nuestro tema un poco mejor. A continuación tenemos esta fotografía de Wendy. Realmente disfruto el hecho de que a medida que voy bajando, esto dibuja mi ojo directamente al tema. Por supuesto, el único color que está separando ese tema de todo lo demás aquí es este verde. No existe en ninguna otra parte de la imagen sino en su gorro. Creo que esa también es otra hermosa manera llevar la vista a lo que quieres y de mirar primero. Creo que lo que realmente me gusta es que hay esta sensación de estar rodeado. Estamos rodeados de todos estos edificios. También hay una sensación de aislamiento, y creo que eso es tal vez algo que la persona estaba experimentando. Se puede ver en su lenguaje corporal. Me gusta mucho que el fotógrafo optara por enfatizar eso al hacer más grande el espaciado. Una de las técnicas muy comunes que se utilizan en la cinematografía, o en este caso, fotografía es retroceder para crear ese sentido de estar más alejado del sujeto. Cuando estás lejos de tu amigo, te sientes solo. Entonces cuando estás lejos del tema, puedes aumentar tanto ese espacio que casi
puede sentir que esa persona puede estar sola, y esa es una forma realmente hermosa de ejecutar en este cuadro en particular. Pero entonces de nuevo, con los patrones de las ventanas, nos vemos obligados a mirar directamente a nuestro sujeto, nos vemos obligados a bajar, permitiendo que el ojo navegue hacia abajo, confinar a nuestro sujeto. Esta es una imagen realmente bien hecha. Yo sólo sugeriría tal vez recortar algunas de estas áreas un poco mejor. Quizá recortaría en este apartado y
creo que eso limpiaría un poco más la imagen. Se puede ver ahí ya está mucho más abrazado y quitando esa mala parte de información que simplemente tal vez no está agregando a la imagen. Ese es todo el tiempo que tenemos hoy. He disfrutado a fondo de este proceso, y muchas gracias por enviar todos sus proyectos. Te animo a seguir compartiendo tu proceso y si has aprendido algo hoy, te
doy la bienvenida a editar tus proyectos o tal vez si te sientes inspirado para seguir creando nuevos proyectos y te daré aún más feedback en la galería de proyectos . Por supuesto que la mejor manera de ampliar tus habilidades es seguir aprendiendo. He caído algunas clases que me han inspirado en los recursos de clase. Gracias de nuevo por ver. Estoy feliz de haber sido parte de tu aprendizaje de lenguaje visual. Nos vemos del otro lado.
Cyn Lagos, Visual Storyteller
