Más allá del nivel principiante: consejos y trucos para mejorar tus acuarelas

1. Introducción: Creo que muchos de nosotros creemos que la pintura es un talento con el que o naciste o no, o es una habilidad que si no te desarrollas de niño, nunca lo harás. No obstante, anhelamos ser creativos. Miramos el arte de otras personas y desearíamos que pudiéramos hacer eso también. Si ese deseo, ese anhelo se pone lo suficientemente fuerte, tal vez compramos algunas pinturas, recogemos un pincel, y lo probamos nosotros mismos. Pintamos y lo que aparece en la página, no el hermoso arte que desearíamos que pudiéramos hacer, sino los primeros trazos tentativos de pincel de un principiante. Ese era yo hace diez años. Pero en lugar de detenerme después de esas primeras pinceladas tentativas, seguí adelante. Yo soy Anne Butera. Soy autodidacta, así que aprendí cometiendo errores, balbuceando, y golpeando paredes, pero nunca me rendí. Tomó años de prueba y error, experimentos, y juego, pero eventualmente me fui más allá de ser principiante y hoy trabajo como artista profesional. Si hubiera renunciado a mis sueños , nunca hubiera pasado. Yo tampoco quiero que te rindas. Esta clase está diseñada para ayudarte a pasar más allá de la frustración del aprendizaje de la acuarela. Comparto consejos y técnicas que aprendí en el camino, muchos de los cuales si lo hubiera sabido desde el principio, habría aliviado mi fago. Algunos son fáciles y rápidos, otros tomarán más práctica. El único modo de aprender a pintar es pintando. De verdad creo que si puedo hacerlo, tú también. Si estás listo para llevar tus colores de agua al siguiente nivel, te veré en clase. 2. Acerca de esta clase: Crecí pensando que no era bueno haciendo arte. A pesar de que lo disfruté, no perseguí el arte en absoluto. Tenía la idea de que el arte era un talento que o tenías o no tenías, cuando de hecho, aprender a pintar, aprender a dibujar, esas son habilidades que cualquiera puede desarrollar si trabajan en ellas. Si tienen la paciencia y luego manejan y la ambición de seguir adelante, y el coraje de no rendirse. En esta clase, estaré compartiendo algunos consejos y técnicas y sugerencias de cosas que deseaba que hubiera sabido cuando avanzaba en mi viaje artístico. De verdad espero que te sean de ayuda. A lo largo de esta clase, estaré compartiendo con ustedes algunas de mis primeras pinturas y se puede ver que no son muy buenas. Lo importante es que no me desanimé y no me rendí. Muy pocas personas se sientan a pintar y pintar una obra maestra. O incluso pintar algo que se considere bueno cuando se sientan a pintar por primera vez. Entonces, por favor, no se desanime. Yo quiero que sigas adelante. Si nada más, espero que esta clase te anime a no rendirte. No creo que muchos artistas profesionales compartan sus primeros trabajos y sus pinturas fallidas, y entiendo totalmente por qué. Mi arte y viaje no es un secreto, está todo ahí fuera en mi blog original. Creo que es importante compartir con mis alumnos de dónde vengo, porque la línea de fondo siempre es, quiero animarte e inspirarte a seguir adelante, a creer en tus hermosos sueños y a no conseguir desalentado mientras estás aprendiendo a pintar. Toma tiempo. Date ese tiempo. No hay nada de qué avergonzarse o avergonzarse si eres principiante. Espero que todos estos consejos y trucos y sugerencias te sean útiles. Siéntete libre de saltar de una lección a otra para abordar cualquier cosa con la que estés luchando específicamente. A lo largo de la clase, en cualquier momento, comunícate conmigo aquí en Skillshare o envíame un correo electrónico, anne@mygiantstrawberry.com con preguntas o para compartir algunas frustraciones. Me aseguraré de volver con ustedes. Yo quiero que tampoco se apresure por esta clase. Tómate un tiempo para digerir cada lección y piensa en cómo puedes construir una habilidad tras otra. Esto no es algo que vaya a suceder de la noche a la mañana, así que dese tiempo para aprender y desarrollarse. ¿ Por qué no empezamos? En la siguiente lección, voy a hablar de suministros porque creo que actualizar tus suministros es una de las formas más rápidas y fáciles de subir de nivel tu arte. 3. Mejora tus materiales: Siempre animo a mis alumnos a usar lo que tienes cuando estás aprendiendo a hacer arte. No hay necesidad de acumular muchos suministros, y materiales para divertirse, y encontrar alegría en el proceso de creación. Pero cuando te estás moviendo más allá de ser principiante, hace un gran impacto, para actualizar tus suministros. Usar pintura, papel y pinceles de calidad profesional realmente te ayudará a mejorar tus artes. Te mostraré ejemplos de justo lo que quiero decir. Voy a empezar hablando de pintura, y mostrándote algunos ejemplos. Tengo dos sets aquí para comparar. Uno de ellos, este juego de cacerola de acuarela es por [inaudible], y es un conjunto de calidad escolástica muy económico. En el paquete para el set, no hay mucha información. No se ve ninguno de los nombres de pigmentos. No te da ninguna información sobre solidez de la luz ni mucho sobre la transparencia de los colores. Este es otro set de Ark San Petersburgo, que es una empresa rusa. Aquí hay mucha más información diciéndote la transparencia, la solidez de la luz. Se ven todos estos nombres que incluyen los nombres de pigmento como cadmio, limón, y materia rojo lago, todos ellos se nombran. Al mirar las pinturas mismas, se puede ver una diferencia distinta. El Arca de San Petersburgo pinturas son muy húmedas. Estas pinturas [inaudibles] son muy secas. Justo al lado del bate, mirando los sets, puedes obtener mucha información sobre las diferencias entre ellos. Cuando miramos estas pinturas sobre papel, se pueden ver aún más claramente estas diferencias. Las pinturas más baratas son muy pálidas. Las pinturas de mayor calidad son mucho más ricas, y más intensas, mucho más pigmentadas. solo mirar estos en papel, puedes decir ya dónde encontrarás algunas frustraciones trabajando con el set más barato sobre el set más de alta calidad. Ya vamos a hablar de papel. Ambos ejemplos fueron pintados en este papel de acuarela Canson XL. Este es un papel bastante barato, pero es de 140 libras, que es un peso agradable del papel de acuarela. También está libre de ácidos, pero no te dice de qué está hecho. Quiero mostrarles algunas muestras que creé a partir de ambas pinturas sobre algún papel de mayor calidad. Este trabajo es de Arches, también pronunciado Arch por algunas personas. Son 140 libras, y es prensa fría como la otra. Está confeccionada en 100 por ciento de algodón. Si comparamos estos dos papeles, se puede ver en las pinturas más baratas, la pintura no absorbió bien en el papel. Te dan algunas líneas, algunas desniveles, algunas manchas. Al mirar las pinturas más baratas, es muy evidente, sí se ven más bonitas en el papel más caro. Si miras las pinturas de mayor calidad en ambos papeles, puedes ver esa misma diferencia marcada. La pintura no se absorbe bien en el papel más barato. No es tan parejo, no es tan uniforme. Se puede ver de inmediato dónde, incluso el uso de pinturas de mayor calidad te dará algunas frustraciones, si estás usando papel más barato. Echemos un vistazo a esto en acción. Voy a empezar con la pintura de calidad escolástica. Estoy frotando mi cepillo mojado contra la sartén, y tratando de recoger la mayor cantidad de pintura que pueda. Con sólo mirar el pincel, se puede ver que no hay mucha pintura ahí. Bajar en el papel, es hermoso, pero no es muy intenso. Probemos eso con la pintura del Arca San Petersburgo. Mira lo diferente que es eso. Es tan profundo y rico. Puedo conseguir unos tonos más claros agregando más agua. Esa es una de las bellezas de la acuarela. Se pueden obtener algunos colores muy pálidos simplemente agregando agua. Pero cuanto menos pintura de alta calidad, simplemente no puedo obtener la intensidad del color. Probarlo en el papel de mayor calidad, podría ser un poco más profundo de un color con esa pintura escolástica, pero no se acerca lo más oscuro que puedo conseguir con la pintura de calidad profesional. Eso te da una idea de cómo reaccionan juntas las diferentes pinturas, y los papeles cuando estás trabajando con ellas en la página. Yo solo quiero hacer una nota sobre la calidad de los materiales. Sólo porque algo es de alta calidad, sólo porque algo es caro o hecho en Italia como estos dos bloques de papel, no significa que vaya a funcionar bien para ti, o que la calidad va a ser la misma que algo de lo contrario que también es caro. Estas dos cuadras, parecen que deberían funcionar muy bien, pero ambas fueron muy decepcionantes para mí. Este redondo, la pintura no quiere bajar en absoluto bien en la página. Es como si el papel estuviera resistiendo la pintura, y el agua, y estás obteniendo resultados muy erráticos. Este otro bloque, parece al principio bajar bien la pintura, pero luego los bordes empiezan a apagarse, y sangrar, y eso es algo que realmente no quieres que suceda. Quieres saber dónde va a bajar tu pintura, y que se va a quedar donde la pones. Esa es una de las cosas que es importante para la acuarela. Si estás haciendo líneas finas como estas, y empiezan a sangrar, y se ponen borrosas. Si ese no es el look que buscas, va a ser muy frustrante para ti. Puede ser útil hacer algunas investigaciones, leer reseñas y probar cosas antes de comprar una gran cantidad de un solo suministro. Hablemos de pinceles. Los pinceles son el tercer suministro que te ayudará a subir tu juego, si actualizaste tus pinceles. Voy a empezar con este pincel realmente barato. Esto llegó con ese conjunto escolástico. Si estás usando un pincel que es este de baja calidad, actualización será una revelación. Déjame decírtelo. Voy a ver cómo puedo hacerlo con este. Tratando de hacer una variedad de marcas. Este pincel realmente no quiere interactuar muy bien con el papel. No está extendiendo muy bien la pintura por toda la página. Las cerdas, los pelos no se están sosteniendo muy bien. Puedo conseguir una variedad de marcas, pero se necesita mucho trabajo, y no es muy fácil de usar. También siento como si estos pelos probablemente se caigan muy rápidamente. Esa es una de las otras frustraciones con un pincel barato. Esto simplemente no es muy divertido de usar. En contraste, voy a ir un paso arriba. Este es un pincel artesanal de, creo que fue Michaels Craft Store en con las pinturas acrílicas. Puedes ver de inmediato cuánto más bien funciona esto con el papel, pero los pelos no quieren quedarse en un punto muy bien, a menos que tengas mucha agua en tu cepillo. Se están separando un poco, por lo que eso puede causar frustración con los pinceles más baratos. Este es un pincel de Princeton. No estoy seguro de qué línea, tal vez sólo su línea básica. Ya veremos cómo lo hace éste. Esta es muy agradable para trabajar. Estoy recibiendo una variedad de anchos de mis marcas. Algunas marcas más anchas, algunas marcas más finas, esta es agradable para trabajar. El pincel es receptivo, funciona bien en el papel. Por último, se trata de la ronda larga Princeton Velvetouch. Esta es mi serie favorita de pinceles en este momento. Crean el maravilloso punto fino con la forma larga del pincel. Puedo conseguir una variedad de marcas, así que creo que necesito un poco más de agua aquí. Probemos esto otra vez. El cepillo se siente bien en tu mano también. Ese asa táctil de terciopelo es muy suave. Pero como pintor de acuarela botánico que pinta pinturas realistas y muy detalladas, me gusta pintar muchas líneas finas cuando estoy trabajando. Un pincel como este me permite pintar detalles realmente diminutos y también algunas marcas más anchas, también sostiene mucha pintura. Una vez cargada de pintura, puedo pintar líneas finas muy largas. Seguiré pintando muchas líneas finas o pintando marcas más anchas también. Eso te da una idea de lo que hacen una diferencia diferentes pinceles a tu pintura acuarela. Otra cosa que estos pinceles de puntero fino te permitirán hacer es pintar directamente contra otro objeto. Si estás pintando objetos superpuestos o dos partes de una flor que se están obstruyendo una contra la otra, el pincel puntiagudo muy fino te permitirá hacer eso, por lo que no tendrás mucha superposición con tus trazos de pincel y te dará líneas distintas muy limpias. Quiero mostrarles algunos ejemplos de algunas pinturas. Aquí una pintura temprana mía. Se puede ver que aquí está pasando mucho. Yo era mucho principiante cuando estaba pintando esto. Hay algunos problemas con la forma en que la pintura está bajando en el papel. Al ver esto, está claro que estaba usando pintura de menor calidad, papel de menor calidad, y también pinceles. Algunas de estas líneas son bonitas. Estos cogollos son bastante distintos pero algunas de las líneas no son muy parejos. Se puede ver que la tambalea un poco. Parte de eso se debe a la habilidad pero también sólo por la calidad del pincel. Sabiendo que vas a conseguir una línea fina o incluso una línea con un pincel de alta calidad como mostré antes, eso simplemente no está pasando aquí. Además, la forma en que la pintura está reaccionando con el papel, parece casi como si algunas de estas áreas se dañaran posiblemente por múltiples capas de pintura. El modo en que la pintura está sangrando y mezclándose en la página no es muy parejo y no muy controlado. Parte de eso, estoy seguro que se debe al papel. Se puede ver aquí, casi parece que el papel está dañado por demasiada pintura, demasiada atención por parte del pincel. Esa pintura, aunque las habilidades aún no estaban del todo ahí, tener algunos materiales de mejor calidad habría mejorado la pintura. Aquí te dejamos un cuadro más reciente. Se trata de otra pintura en una maceta, aunque de un tipo diferente. Se puede ver que la pintura se está mezclando formas más interesantes y controladas porque es un mejor papel y mejor pintura. Los detalles aquí son muy finos y distintos. Las áreas superpuestas son con bordes limpios, a diferencia de esta pintura anterior. El mezclado de colores es mucho más bonito, la forma en que reaccionaron el papel y la pintura. Aquí hay otro ejemplo. Se pueden ver las hojas superpuestas en ambos cuadros más recientes, es mucho más ordenado. El pincel pudo acercarse. También la mezcla aquí en esta olla es solo muy parejo y agradable. Fue mucho más efectos interesantes pasando, gracias al papel y pintura de alta calidad y también pinceles. Aquí hay otra pintura temprana. Se pueden ver algunos de esos mismos temas pasando. El mezclado de una pintura no es muy parejo. El mezclado en esta maceta, los bordes de las hojas es un poco mejor que el otro, pero aún hay algunos problemas con cómo está reaccionando el papel a la pintura. Puedo ver que no se absorbe muy uniformemente en la página y los colores, cuando hay un par de colores juntos, no se están mezclando muy bien. Algunos de estos detalles están pintados con más cuidado que en el otro cuadro. Podría ser que el pincel que usé fuera mejor que el pincel que usé para la otra pintura, pero la calidad de los pinceles aún no ahí. Una cosa más, estas venas, estoy bastante seguro de que usé un alfiler o una aguja para rascar el papel para crear estas venas. Se puede ver algún daño al papel por ese efecto sobre todo por aquí. Si tocas el papel, puedes sentir que es áspero del papel, ligeramente desintegrándose. Un papel de mayor calidad tomará esos efectos mucho más bien. Aquí te dejamos un cuadro más reciente. Se puede ver de nuevo, las áreas superpuestas son mucho más limpias y limpias. El mezclado y los efectos interesantes en la maceta son más controlados. Papel de mayor calidad permite que eso suceda sin la mezcla desigual que obtienes en los papeles más baratos. Se pueden ver las luces y los oscuros en estas hojas, los detalles en las flores. Mucho más limpio y ordenado también en este cuadro. Por supuesto, algo de esto se debe a la habilidad, sí, porque había practicado y pintado mucho entre esa pintura temprana y estas pinturas posteriores. Pero también el papel de mayor calidad y la pintura y pinceles te permiten hacer cosas que los materiales de menor calidad no lo hacen. Espero que ahora tengas una idea de lo grande de un impacto que puede tener a tu arte para actualizar tus materiales. De algo de lo que no hablé fue de cómo hay una vasta gama de diferentes marcas y tipos de pinturas, papeles y pinceles. No tienes que usar las mismas marcas que prefiero usar, pero he incluido mis favoritos en el folleto para esta clase. También estoy vinculando a mis videos de preguntas frecuentes de YouTube donde hablo a fondo sobre los diferentes insumos que me gusta usar. Ahora, cuando miras tus cuadros y te sientas frustrado, tal vez veas que podrían ser los materiales mismos con los que te sientes frustrado. 4. Mezcla tus propios colores: Probablemente lo más importante que puedas aprender que te ayudará a mejorar tu pintura de acuarela es cómo mezclar tus colores. Ahora, sé que probablemente suena simplista, sobre todo porque mezclar colores podría parecer un tema de principiante. Pero creo que poder mezclar colores de aspecto natural marcará tu trabajo aparte y lo sacará de la etapa principiante. Soy pintura de acuarela botánica y encuentro mi inspiración de la naturaleza. Si sales y miras a la naturaleza, hay todo un espectro de colores, tantos colores que ni siquiera puedes nombrarlos a todos ni describirlos. Un color de todos esos con los que trabajo mucho, es verde. Cualquier planta que me encuentre tiene algo de verde en ella. Los greens que verás en tus paletas de pintura de acuarela, o en tus tubos de pintura de color agua, no van a parecerse a los colores que ves en la naturaleza. Si usas tus colores directamente fuera de las sartenes o directamente fuera de los tubos, siempre van a parecer un poco antinaturales. Te mostraré algunos ejemplos para que veas de qué hablo. Aquí tienes una pintura temprana mía. Al igual que con las otras pinturas que mostré en la última lección, aquí está pasando mucho de lo que podría hablar. Pero realmente quiero enfocarme en el color. Eso es una cosa que destaca, sobre todo este verde. Si miras cuidadosamente el verde en este cuadro, no es un color de aspecto muy natural. Si miras el morado en los pétalos de esta flor, no es un morado de aspecto muy natural. Es de un color fangoso. No es un color que esperarías ver en una flor en la naturaleza. Enseguida del bate, si hubiera usado mejores mezclas de color, este cuadro habría sido más exitoso. No tengo otra flor de clematis o clematis que sea del mismo color, pero te voy a mostrar un par de pinturas más. Este, se puede ver, por supuesto la habilidad ha mejorado, pero una cosa que destaca entre estos dos cuadros los colores de aspecto más natural aquí en las hojas y también en los pétalos, pesar de que no son del mismo color. Se ven mucho más naturales. Los colores se mezclan con más cuidado. Aquí hay otro ejemplo con dos variedades diferentes de la flor. Se puede ver que los colores son todos mucho más naturales que en esta pintura temprana. Eso realmente los diferencia. Poder mezclar tus colores de aspecto más natural, realmente te ayudará a mejorar tu pintura. Aquí hay otro ejemplo. Esta es otra planta en maceta. Al mirar esto, lo primero que me destaca es lo antinaturales que se ven estos greens. Creo que nunca he visto una planta con hojas que sean bastante ese color. Si miras esta hoja marrón, la hoja que se está muriendo y a punto de caerse. A mí me gusta más este color de todos los colores. El pote está bien, pero en cuanto a la planta y las hojas, hasta los tallos, ese color que está en esa hoja muerta, realmente funciona lo mejor. El resto de estos lucen realmente antinaturales, tanto los lados más oscuros de las hojas como los lados más claros. Ahora no tengo otro, un cuadro de la misma planta, pero aquí hay una begonia en maceta. Se pueden ver los colores de estas hojas. A pesar de que son hojas diferentes, una planta diferente, el color es mucho más natural. También con este órgano, este cálido, verde musgo, mucho más natural. Aquí hay un verde más profundo, más oscuro, incluso más azul, pero se ve mucho más natural. El color no es algo que se acaba de sacar de la pintura. Este también con un par de diferentes colores de verde. Mezclar un poco de rojo en tus greens te dará un aspecto más natural. Estos ejemplos te muestran la diferencia que los colores cuidadosamente mezclados pueden hacer para tus pinturas. Un último ejemplo. Esta es una planta de násturcio que pinté. Este podría ser mi primer intento de pintar nasturtiums. nasturtiums son una de mis cosas favoritas para pintar. Hasta tengo una clase que muestra cómo pintar las flores. Al mirar este cuadro, una cosa que realmente me destaca es el color. Nuevamente, el color simplemente no es de aspecto natural. Si miras este tallo aquí, la mezcla de colores, simplemente no se ve natural. Me gusta mucho el granate mezclado en el tallo de esta parte. Pero el color azulado verdoso aquí, simplemente no parece un color natural. Además, estas hojas, este color es muy azul, y un verde azulado antinatural, no algo que verías en la naturaleza. A modo de comparación, esta es la pintura de nástorcio más reciente que he pintado. Por supuesto, el nivel de detalle y habilidad está mucho mejorado con respecto a mi primer cuadro. Pero si estás mirando los colores, incluso los colores en las flores, el cuadro más reciente es mucho más natural. De nuevo, tomarte tu tiempo para mezclar tus propios colores marcará una gran diferencia para tus pinturas. Dominar el arte de mezclar colores te ayudará a abrir un mundo completamente nuevo. En lugar de limitarse a la cantidad de colores en tu caja de pintura, tendrás una cantidad ilimitada de colores. Demostré en las últimas lecciones, viendo colores de un gran conjunto de pinturas. Tengo muchas pinturas en mi colección. Sin embargo, la verdad es que no necesitas muchos colores para tener éxito con tu pintura, y para tener muchos colores con los que trabajar. Yo sugeriría, todo lo que necesitas son; dos amarillos, dos azules, dos rojos, tal vez un negro, y uno blanco. También recomendaría un poco de rosa. ¿ Por qué dos amarillos, dos azules, y dos rojos? ¿ Por qué dos de cada uno de los colores primarios? Yo diría que necesitas dos porque a veces el color que estás usando será una versión cálida de un color. Hay rojos cálidos y hay rojos más fríos, hay azules cálidos y hay azules más fríos. Lo mismo vale para los amarillos. Cuando uses esas diferentes temperaturas de colores, podrás obtener una mezcla que sea una temperatura de color diferente. Mezclando un verde, puedes obtener verdes calientes o verdes fríos, o algo en algún lugar del medio. Tener dos de cada una de esas primarias solo abre aún más tus posibilidades. Blanco y negro a veces se ven fruncidos el ceño en círculos acuarelas. Pero me gusta tener un negro porque es difícil mezclar un color negro oscuro realmente profundo. Ciertamente puedes hacerlo, pero lleva mucha pintura, toma mucho tiempo, y tal vez soy un poco demasiado perezoso para mezclar la mía. El negro también es genial agregar a otros colores para oscurecerlos, para fangosar, no lo uso mucho. El blanco también es útil tener, no para usar para crear blanco en tu pintura porque eso no va a funcionar con la acuarela, acuarela es a transparente. Pero si usas el blanco en tus mezclas, las hace un poco lechosas, las hace un poco opacas. Es realmente útil si estás haciendo, digamos, hojas de salvia o orejas de cordero, eso es una planta, un color verde grisáceo. Mezclar un poco de blanco en tu color ayudará a darle ese color borroso, opaco, más peludo. En cuanto al rosa, el rosa es realmente difícil de mezclar. Si tomas rojo y lo mezclas con blanco, o si tomas rojo y lo diluyes con mucha agua, no vas a conseguir un rosa claro y brillante. Una vez que agregué algo de pintura rosa a mi colección, realmente hizo una diferencia en cuanto a pintar flores rosadas. Un ejercicio que recomendaría para todos es, ver cuántos colores puedes mezclar con solo unas cuantas pinturas. Pasando meticulosamente, agregando un poco de otro color. Empezando por el azul, agregando un poco de amarillo, agregando un poco más amarillo, agregando un poco más amarillo, y aumentando continuamente el porcentaje de amarillo en tu mezcla para darte la gama más completa de colores es un ejercicio que abre los ojos. También es muy meditativo y calmante, y en estos tiempos locos, es una práctica maravillosa sólo por la alegría de ella. Aquí está la mezcla de colores en acción. Cuando tomas tres colores y ves cuántos colores puedes crear, así el amarillo, el azul, y el rojo. Se pueden crear tantos colores a partir de sólo esos tres. De la forma en que trabajo, empiezo con un color y aquí estoy agregando un poco más de azul a cada uno de esos. Más azul aquí, más azul aquí, y luego continuando. Empezando con sólo esos dos, pero luego después de mezclar los dos, agregando el tercer color en. Con los tres colores, el rojo, el amarillo, y el azul, tienes todo tipo de grises y marrones, y hay tantos hermosos colores. Aquí hay otra hoja que te muestra una enorme gama de grises, y marrones, y verdes, y oxidados, y morados. Aquí hay otra que no he terminado, pero solo trabajando, viendo cuántos colores puedes mezclar porque creo que es verdaderamente ilimitada. Apenas comenzando con esos tres colores e incluso solo con dos colores, todos los morados y luego agregando el tercer color, obtienes oxidados, y marrones, y verdes musgosas, y grises, tan hermosos colores. No necesitas muchos colores en tu lata de pintura, en tu colección de pinturas, solo unos pocos te darán colores casi ilimitados. Aquí hay otra difusión de mi cuaderno de bocetos. Por un lado son solo algunas muestras de colores, pero luego también algunas mezclas. Apenas empezando con un par de colores y luego agregando el tercer color en, y obtienes tantos resultados interesantes. También para greens, si comienzas con un verde que está en tu paladar, y luego mezclas en algunos colores. Ve qué pasa cuando añades un poco de amarillo a tu verde, obtienes estos colores, y puedes usar un amarillo frío primero y conseguir unos greens frescos. Entonces puedes usar un amarillo más cálido y conseguir unos verdes más cálidos. Entonces cuando le agregas un poco de rojo a eso obtienes unos maravillosos greens profundos, y algunos oxidados, y algunos marrones. Tan solo experimentar y ver toda la gama de colores que puedes conseguir con solo una paleta muy limitada, es simplemente realmente increíble para mí y es casi mágico. No necesitas comprar pintura marrón, no necesitas comprar pintura gris, ambas se mezclan fácilmente. Algo que quiero señalar es que es importante seguir tu propio ojo cuando estás creando tus mezclas de pintura. No importa qué colores esté usando, no importa qué colores estén en mi colección de pinturas, importa qué colores hay en tu colección y qué colores tengas y estés usando para tu propio arte. Si estás tomando otra clase para mí y te muestro cómo pintar una planta o una flor, no te preocupes por recrear la mezcla exacta de colores que utilizo. Mira tu colección de pinturas y mira tus experimentos mezclando colores y mira qué color podría funcionar. O simplemente ser curioso y preguntarse, ¿qué combinación de colores me gustaría usar para hacer el verde que veo en esta planta o flor? Creo que tendrás más éxito cuando trabajes desde tu propia curiosidad, desde tu propia creatividad, y no intentas recrear algo que alguien más ha hecho. No digo que no debas tomar clases de otras personas, no digo que no debas seguir los ejemplos de otras personas ni usar sus técnicas. Pero creo que poder tener una práctica sustentable y pintar cualquier cosa que encuentres que quieras pintar, hay que tener la capacidad de mirar algo. Mira tus pinturas, mira tu memoria y tu experiencia con mezclar colores y crea tus mezclas de color de esa manera. Sé que esta es una habilidad que necesitas construir. Cuando trabajo con mis alumnos principiantes, muchas veces luchan con esto, pudiendo crear el color que quieren mezclar, no tener confianza en su propia capacidad de mezcla. Diré que sea paciente, trabaje con ello, practique, haga mucha mezcla de colores, haga muchos experimentos con el color. Cuando estés pintando una planta o una flor, juega en tu cuaderno de bocetos, toma muchas notas. Escribe notas para ti mismo sobre los colores que creas. ¿ Este color es un poco demasiado azul? ¿ Este color está un poco fuera buscando alguna razón que ni siquiera estás seguro? ¿ Se ha vuelto demasiado lodo este color? Poder mirar tu trabajo con ese ojo crítico, sin decir: “Oh, esto es terrible”, o algo así. Pero poder criticar lo que haces, ya sea la mezcla de colores, que es de lo que estamos hablando ahora, o una de las otras habilidades de las que hablaremos más adelante, eso realmente te ayudará en tu desarrollo. Te exhorto solo a ser paciente, disfrutar del proceso, y divertirte jugando con el color. Aquí hay otro ejemplo de algunas páginas de libros de boceto que son útiles. Si grabas los colores que estás mezclando, no solo tus experimentos sino también cuando estás intentando un color específico, toma notas, ¿qué colores usaste? Aquí hay algunos morados que estaba creando para algunas flores de viola, y algunos greens que estaba creando para esas hojas y tallos de viola, y escribí notas meticulosas sobre qué colores usaba. De esa manera si quiero recrear esos mismos colores en otro cuadro, sabré qué usé. Esta página muestra los colores que mezclé para mi color de olla de barro favorito. Una de las cosas que es genial de esta mezcla es que la turquesa cobalto crea un efecto tan interesante. El color, ese pigmento se granulará fuera de tu mezcla, y así obtienes algún sombreado modelado en tu mezcla, los colores que salen de esa mezcla. Crea unos efectos realmente interesantes. Hacer un seguimiento de los colores y cómo funcionan también es realmente útil. Esa luz turquesa cobalto es divertida de jugar para conseguir algunos efectos interesantes. No son muy controlables, lo que lo hace divertido e interesante también. Espero que hablar de color te haya abierto los ojos a todo un abanico de posibilidades, y espero que pases algún tiempo jugando con tus pinturas, experimentando, siendo curioso, estando abierto a posibilidades. Preguntándote, ¿qué pasaría si mezclara esto y esto? ¿ Qué pasaría si uso un poco más de este color? Poder experimentar así, estar abierto a ideas y posibilidades, ser curioso por el color realmente te ayudará a medida que avanzas por tu viaje creativo. 5. Tómate el tiempo para observar: Además de poder mezclar los colores que ves, una de las habilidades más importantes que puedes afinar es observarse a sí misma. Entonces, como artista botánico, paso mucho tiempo observando en mi jardín y llevando lo que crezco a mi estudio y observándolo ahí. Las dos herramientas más útiles para mi observación son mis ojos y mi lápiz. Mira las flores. ¿ Qué formas ves en las flores? ¿ Cómo se unen los pétalos entre sí? ¿ Qué patrones ves? ¿ Qué colores diferentes ves? ¿ Cuáles son las formas de las hojas y cómo se adhieren al tallo? ¿ Cómo se adhiere la flor al tallo? Entonces en tu cuaderno de bocetos, lo que estás haciendo es simplemente observar con tu lápiz o con tu bolígrafo. Entonces tomando lo que ves y poniéndolo en papel. Todas esas curiosidades, todas esas preguntas que haces, respondan con lápiz o con bolígrafo. Entonces cuando te sientas a crear tu pintura, sabes cómo se va a ver, y eso te ayudará a tener más éxito. Pero siempre empieza con tu ojo mirando, haciendo preguntas, comparando una flor con otra. ¿ En qué se diferencian estos pétalos de flores de otra flor? ¿ Son los pétalos del mismo color en ambos lados? ¿ Es simétrica la flor? ¿ Y las hojas? ¿ Las hojas son simétricas? ¿ Están opuestos o en los tallos? ¿ Qué aspecto tienen los brotes? Entonces toma esas preguntas y contéstalas en papel. Toma esas preguntas y hágalas con lo que ves, para que cuando te sientas a pintar, no te estes fastidiando. No te estarás preguntando, ¿cómo se ve un brote mientras lo estás pintando, porque ya lo sabrás. Entonces, no saltes la parte de observación, mira con cuidado. Mira las hojas, mira los capullos de flores, mira los centros de las flores, todas esas cosas. Después podrás ejercitar y capturar en papel, observar, hacer preguntas, anotar preguntas en tu cuaderno de bocetos, anotar tus observaciones, obtener muy detalladas, y entonces eso te ayudará cuando estés haciendo tu final pinturas porque sabrás cómo es tu tema. Si no estás pintando de manera realista, entonces no necesitas todos los detalles de tu pintura. Pero si estás pintando de manera realista y estás pintando botánicos detallados, el tipo de pinturas que pinto con más frecuencia, necesitas observar esos detalles. Echa un vistazo a cómo la hoja se adhiere al tallo, cómo la flor se adhiere al tallo, cómo ese tallo se une a la flor, cuántos pétalos hay en una flor. ¿ Se ven todos iguales? ¿ Cómo se ven los capullos de flores cuando son pequeñitos? ¿ Cómo progresan de más pequeños a más grandes? Cuenta cuántas venas hay en una hoja. ¿ Son los mismos colores en todas partes del tallo o el tallo es múltiples colores? ¿ Qué partes del capullo de flor ves? ¿ Qué partes de la flor y la hoja ves? ¿ Todas las hojas son iguales? ¿ Enfrentan la misma dirección? Es realmente útil hacerse todas estas preguntas y tomarse verdaderamente el tiempo para observar. Me encanta observar las flores y las plantas en mi jardín justo donde crecen y muchas veces traeré mi cuaderno de bocetos afuera, y me anidaré en medio de mis plantas para bosquejar. Pero cuando llega el momento de crear un cuadro a partir de lo que estoy observando, me parece más útil llevar la flor o planta o tallo o lo que sea a mi estudio donde puedo tomar tiempo para observarlo plenamente sin distracciones. No hay otras plantas en el camino bloqueando mi vista. Puedo tomar la flor y mirarla desde todos los ángulos. Puedo ver cada parte sin tener que entrecerrar porque estoy lejos o sin tener que imaginar cómo se ve. Ese tipo de problemas también me encuentro si estoy trabajando desde fotografías, porque muchas veces en una fotografía no todo estará en foco o no todo estará en el marco. Entonces te puedes preguntar, ¿cómo se ve realmente la hoja, o cómo se conecta ese tallo con el otro tallo, o cómo se conecta esa flor con el resto de la planta. Poder ver eso de cerca y personal marca toda la diferencia en el mundo. Entonces mira primero con los ojos y luego observa con tu pluma o tu lápiz, capturando los detalles, lo que ves. También es útil si no es el veraniego usar fotografías que has tomado. Entonces cuando te sientas a crear tus pinturas, podrás tener más éxito porque sabes cómo se ve esa planta. Has pasado el tiempo para observar, te has tomado el tiempo para ver de verdad, y luego pintar se vuelve mucho más fácil. Quiero mostrarles algunos ejemplos más de cuaderno de bocetos. Aquí hay una página que trabajé a partir de fotografías. Pegé las fotografías en mi cuaderno de bocetos y luego observé en la página opuesta. Me escribí todo tipo de notas, hice preguntas, escribí notas sobre colores e incluí algunas muestras de color aquí. Observé cosas como cómo las hojas en el tallo estaban casi borrosas, cómo estaban pálidas, y esbozé cosas, pero también escribí muchas y muchas notas. Esto es tan útil para ti hacerlo, escribirte notas para que te acuerdes. Aquí hay algunos bocetos de algunas amapolas que hice, y simplemente seguí haciendo más bocetos, observando las diferentes partes por separado, observándolas juntas. Aquí hay otra página con algunas fotografías que imprimí y luego dibujé. Nuevamente, usa buenas fotografías que has tomado donde puedas ver claramente tu tema y hace que sea más fácil bosquejar entonces. Aquí hay algunas flores que dibujé y miré las hojas por separado, miré la vista lateral de la flor, miré la vista trasera de la flor, detrás, escribí aquí. Este bosquejó algunas zinnias en un día frío, lluvioso, oscuro y las dibujó desde diferentes direcciones. Esto es sólo lápiz y papel. Es tan útil, sobre todo si no tienes confianza en tus habilidades de dibujo. Cuanto más lo hagas, mejor te volverás. Aquí hay una página donde yo estaba ejercitando. Aquí tengo mi boceto, pero también estaba elaborando los colores, averiguando justo los rojos adecuados, solo los greens adecuados para mi pintura, y probando un par de tipos diferentes de técnicas para ver qué funcionaría el mejor. Después capturar todas mis muestras de color aquí, que es una de las cosas más divertidas para mí. Otra página con una combinación de pluma y acuarela, mirando las diferentes partes de la flor, tomando notas nuevamente, tallos rayados que escribí, y es solo una parte del proceso divertido además de ser útil. Aquí hay una página, es un poco diferente porque en realidad me pegué en un tallo de la planta, y luego hice mis bocetos en diferentes trozos de papel, papel de acuarela, y los pegué en mi cuaderno de bocetos que no funcionaría tan bien con la acuarela. Entonces hice mis bocetos de acuarela en un trozo de papel, los probé, y luego los grabé en mi libro. Esto fue de un reciente evento de arte en línea en el que fui presentador y estoy echando un vistazo a las diferentes partes de la planta, pintándolas con acuarela, pintando muestras, dibujándolas con bolígrafo, y luego también pegando o pegando las hojas y pétalos. Entonces esto es una gran referencia para ti. Te quiero mostrar algunos ejemplos de lo que pasa si no estás observando bien. Aquí hay una pintura temprana mía, de una rosa y otra vez, están pasando muchas otras cosas. Algo que veo es que la forma en que los tallos están unidos unos a otros, cómo el tallo se adhiere a la flor, eso no está muy claro en la pintura. Mi conjetura mirando esto, es que no me tomé el tiempo suficiente para observar la planta para poder pintarla de la manera en que realmente se ve. Este pequeño cuadro también podría haberse beneficiado con alguna observación más. Al mirarlo ahora, parece como si no tuviera una idea clara de cómo se ve realmente la planta, sobre todo estas hojas. Si hubiera pasado algún tiempo más observándolos, cómo se adhieren a la planta, cuál es su forma, cómo se ven realmente esos tallos, habría sido más eficaz en capturar la planta en papel. Algo que no he mencionado es que tener un boceto en tu papel antes de pintar, realmente te ayudará a ser más efectivo. En este caso, si hubiera dibujado la flor antes de pintarla, no tendría el problema que tengo aquí donde el tallo no está en el lugar adecuado. El tallo debe estar en el centro de la flor, no fuera del centro aquí. Entonces aunque me encanta el look de todos estos pétalos, son realmente hermosos, la pintura está arruinada porque el tallo está en el lugar equivocado. Por lo que un poco más de trabajo observando antes de empezar a pintar, bosquejar antes de empezar a pintar, bosquejar en su papel de acuarela antes de empezar a pintar, realmente vale la pena a la larga. Ya te he mostrado este cuadro, pero quería volver a él porque creo, sobre todo con esta flor, si hubiera pasado más tiempo observando la flor antes de pintarla, se vería menos incómoda. Entonces después de haber pintado muchas veces distorsiones a lo largo de los años y sé cómo se ven, y esta flor simplemente no me parece bien y creo que parte de ella es que no me tomé el tiempo para observar plenamente lo que lucen los pétalos me gusta, cómo encajan los pétalos, todas las diferentes partes de la flor. Si hubiera pasado más tiempo observando, me habría ayudado a tener más éxito. Aquí hay un ejemplo más, y esta pintura, gran parte de ella se renderiza con mucho cuidado, pero estas raíces, no parecen encajar con el resto de la pintura. Sé que la razón es que las hojas, los tallos, las flores, los capullos, la flor gastada, todas esas cosas que pude observar directamente. Pero cuando llegó el momento de pintar las raíces, no cavé estos tubérculos de las macetas y observo las raíces con mis propios ojos. Por lo que estas raíces, son bastante fantasiosas. No parecen encajar con el resto del cuadro. Entonces aquí tienes una advertencia para ti. Si no has podido observar algo, no lo pintes. Espero que ahora estés listo para tomar lo que has aprendido sobre la observación y aplicarlo a tu siguiente cuadro. 6. Composición: Antes de demostrar algunas técnicas más para que practiques, quiero hablar de algo que te ayude a tener más éxito ya que estás eligiendo qué pintar y creando tus pinturas. Eso es composición. Si eliges una composición para tu pintura, que sea apropiada para tu nivel de habilidad, vas a tener más éxito. Si eliges una composición que va a ser un poco demasiado desafiante para ti, ahí es cuando puedes tropezar con algunos problemas. Pero si eliges composiciones siempre que sean demasiado simples para ti, nunca vas a aprender algunas de las técnicas más avanzadas. Siempre hay una línea fina y siempre es un acto de equilibrio. Pero más que nada, quiero que solo seas consciente de la composición. Conforme estás creando tus pinturas y planeándolas, quiero que pienses en cómo puedes arreglar los artículos tu pintura para que tu pieza terminada sea la más exitosa que pueda ser. Habrá mucha experimentación en el proceso y eso es algo bueno. Yo solo quiero compartir algunos ejemplos para que entiendas de lo que estoy hablando. La composición más simple es simplemente un solo objeto en una página. Ese objeto puede ser un objeto simple o un objeto más complejo. Estas flores y este tomate tienen algunas áreas superpuestas que las hacen un poco más complejas. Ciertamente podrías simplificar donde pones los tallos, pero no tienen hojas, no tienen flores múltiples, no tienen otros tallos ni brotes. Las flores están en su mayoría mirando al frente, lo que las hace más fáciles de pintar. Estas son la versión más simplificada de estos temas. Agregar hojas, tener un par de tallos y múltiples flores hará que tu composición sea más compleja y un poco más difícil de pintar. Una forma de hacer una composición más interesante es pintar múltiplos del mismo objeto. Estas tres hojas son un ejemplo de una composición divertida. Entonces esto, que es mucho más complejo, todas estas bellotas en un círculo. Cada una de las bellotas mismas es muy simple y sin embargo ponerlas juntas hace una composición interesante y más compleja. Puedes construir la complejidad de tus pinturas agregando cada vez más objetos y teniendo cada vez más superposiciones. De esta manera podrás construir tus habilidades y tu confianza. Más compleja que un solo objeto, una planta en una maceta todavía puede ser algo que puedes simplificar. Aquí cada una de las hojas está pintada por separado. Estos tallos no tienen mucha superposición. No se superponen las hojas. Hay un poco de superposición de los tallos con algunos de la olla. Este fue un cuadro mío anterior, y pude ser más exitoso con él, que algunos de los otros porque pude simplificar el tema. Aquí te dejamos otro ejemplo temprano de una planta en una maceta donde simplificé las cosas. Hay un poco de superposición en los tallos, pero las hojas están todas separadas y no superponen nada en absoluto. El cuadro es más exitoso por ello. Creo que esta es la primera orquídea que he pintado. A pesar de que no es perfecto, realmente me ayudó a construir mi confianza. Hay alguna superposición de las hojas y el tallo. El papel que realmente no me gusta el color no se quedó en un solo lugar y sangró un poco. Si tuviera un papel diferente, habría sido más exitoso. Pero lo mantuve simple. Hay un tallo, hay una flor apuntando hacia adelante. Hay algunos brotes, pero nada se superpone más que las hojas y las raíces. No hay superposición, lo que lo hace más simple. Si comparas este cuadro más reciente, hay mucha superposición. Hay solapamiento de las flores. También hay complejidad en que las flores están enfrentando diferentes direcciones. Hay cogollos que están abiertos y estoy parcialmente abierto. Esto es mucho más complejo. Pero pude construir hacia esta complejidad iniciando primero de una manera más sencilla. Mirando atrás a este cuadro, puedo compararlo con una progresión de complejidad. Se puede ver en el primero no hay mucha superposición. En el segundo, hay alguna superposición y luego la tercera aquí, hay mucha superposición. Se puede ver que con este cuadro, es una composición más sencilla con no mucha superposición. Entonces aquí, y esta pintura, hay mucha complejidad en cómo se superponen las hojas, cómo se superponen los tallos, cómo se superponen en la maceta. Por lo que una forma en que puedes construir tu complejidad es aumentando la cantidad de objetos en tu pintura que se superponen. De igual manera, puedes construir tu complejidad eligiendo flores que tengan formas más complejas como esta rosa que tiene muchos pétalos, mucho más que la rosa campion o esta pintura de iris que tiene múltiples flores y múltiples brotes, montones de hojas que se superponen. Otra forma de aumentar la complejidad de tus composiciones es incluir múltiples temas. Este cuadro tiene tres tipos diferentes de plantas. Ahí hay una mariposa, todos están anidados juntos y superpuestos. Esto tiene sólo un tipo de planta, pero dos colores diferentes, dos variedades diferentes. Hay tantas maneras diferentes que puedes jugar con la complejidad de tu composición. El mejor modo de jugar con tu composición es bosquejar algunos diseños diferentes en tu cuaderno de bocetos con lápiz antes de empezar a pintar. De esa manera puedes tener una idea clara de lo que quieres, tu composición sea. Al hacer esto, puedes trabajar hasta composiciones más complejas antes de poner cualquier pintura al papel. Aquí hay otro ejemplo de una idea que estaba trabajando para un cuadro de girasoles, y escribí todas las notas para mí mismo mientras refino mi diseño. Aquí hay otra con múltiples plantas y estoy averiguando dónde exactamente quiero que estén en la página, así que tengo una idea clara cuándo es hora de pintar. Este es otro con algunos tomates. Sigue siendo útil trabajar tus composiciones en tu cuaderno de bocetos y crecer y planificar de esa manera. En las próximas lecciones, estaré compartiendo técnicas que creo que son importantes para que practiques y domines con el fin de ir más allá de ser principiante. 7. Control del agua: Yo quiero pasar algún tiempo hablando de control del agua porque sé que es algo con lo que te lucha mucho. Al estar editando y filmando esta clase, llegué a mis alumnos para ver si hay algo en particular que les fuera muy frustrante ya que estaban aprendiendo a pintar. Una y otra vez, escuché que el mayor reto era aprender a controlar el agua al pintar con acuarela. Yo lo obtengo totalmente, y ojalá pudiera darte una respuesta rápida fácil de cómo dominar el control del agua con acuarela. Pero desafortunadamente, la mala noticia es la única manera en que vas a dominar esa habilidad es practicando y practicando y practicando. Te daré algunos consejos aunque eso ayudará a que sea más fácil. En realidad ya he hablado de actualizar tus materiales, papel, y cepillos marcarán una gran diferencia en cuanto a tu capacidad para controlar el medio. Si estás usando un papel de mayor calidad, te encontrarás con menos de las frustraciones por la absorción desigual del dolor. Además, tendrás menos floraciones inesperadas de color donde las cosas están dibujando de manera desigual y la pintura retrocede de maneras que no quieres que lo haga. Echemos un vistazo a estas muestras que hicimos en la otra lección. Esta es la pintura de menor calidad, y a la izquierda está el papel de menor calidad. Se puede ver que se seca de manera desigual. En el papel de mayor calidad, hay color más parejo, y se puede ver que el papel de menor calidad, hay algunas líneas, hay desnivel en el color. realidad no hay flores, pero simplemente no es un color agradable, plano, uniforme. Esto es aún más evidente con la pintura de mayor calidad porque es de color más saturado. Si estás mirando estos dos, puedes ver la diferencia que hace el papel de mayor calidad, se ha secado mucho más uniformemente. No hay líneas en el color. No ves ninguna flor extraña. Los colores son muy parejos y muy bien saturados, pero aquí en el papel más barato tienes algunas flores, hay algo de lineness, y en realidad simplemente no se ve tan bien. Eso es sólo un buen recordatorio de lo que harán una diferencia materiales de mayor calidad. Los pinceles también marcarán una gran diferencia, porque si estás usando un pincel de alta calidad que sostiene bien la pintura y el agua, no va a gotear cuando no quieres que lo haga, y no tendrás que añadir continuamente más agua en nuestra pintura para seguir pintando un área más grande. Dicho eso, todavía vas a necesitar practicar y ponerte cómodo usando el medio. Te voy a mostrar un par de ejemplos más de pinturas tempranas y algunos problemas. Este cuadro, el tazón, se puede ver que la pintura no se secó de manera muy uniforme. A pesar de que algunos de los efectos me gustan, este borde donde puedes tener líneas distintas y un color más oscuro justo en el borde; eso es porque había demasiada agua, y la pintura fue empujada al borde mientras se secaba y dejó esa línea más oscura . Podría volver ahí dentro y arreglar eso, sobre todo si estuviera usando un cepillo mejor, podría ir a suavizar eso. Se pueden ver los colores superpuestos igual en el jitomate aquí. Un mejor papel habría ayudado con estos dos, y también un mejor cepillo, pero el control del agua es lo grande con esto, porque solo hay demasiada agua y no absorbió uniformemente. Un problema con la absorción es obvio también en este rábano. Estaba tratando de mezclar los colores, así que ahí está la parte inferior blanca y la parte roja oscura. Esa parte blanca se secó más rápido que la roja, y la pintura roja estaba tratando de mezclarse ahí dentro, pero golpeó esa zona seca y no pudo ir más allá, y por eso tienes la línea. mejor papel habría ayudado con eso también, pero también sólo una mayor uniformidad de saturación de agua. Otro truco rápido que puedo compartir contigo es asegurarme de que tengas algunas pruebas restos de tu papel a mano. De esa forma podrás probar tu pincel y tu carga de agua en el pincel en la chatarra de papel para ver si tienes demasiado poco o demasiado. Probar en un trozo de papel antes de trabajar en tu pintura final siempre es una buena idea porque de esa manera no te arriesgas a arruinar esa pintura, y sabes si tu pincel tiene demasiada poca o demasiada agua. Voy a hacer un poco de práctica aquí usando este Canson Heritage Watercolor Papers porque es un bonito papel de textura media. Voy a estar trabajando a partir de alguna pintura seca en mi paleta que mezclé antes de tiempo. Es así como prefiero trabajar, teniendo esta pintura seca en mi paleta. De esa manera, tengo más control sobre la saturación y la pintura no está demasiado húmeda. Ese es un pequeño truco para usar; mezcla tu pintura, deja que se seque, y luego vuelve, y úsalo después de que esté seca. Voy a practicar con demasiada agua, muy poca agua, y luego tratar de controlar mi agua. Yo quiero que juegues con esto también, sobre todo porque quiero que tengas una idea de lo que se siente tener demasiada agua en tu cepillo. Trata de exagerar esto y luego observa ¿cómo es tu papel? ¿ Qué aspecto tiene tu pincel? ¿ Qué se siente? Estoy tratando de mezclar estos dos colores aquí en el papel. Es posible que encuentres que es realmente difícil obligarte a tener demasiada agua, así que ahí ni siquiera se ve tan mal. Pero luego experimentar, ¿cómo es intentar pintar líneas finas con demasiada agua? ¿ Cómo se ve el papel? ¿ Cómo se siente tu pincel? Entonces, ¿cómo se seca al final? Simplemente intenta llenar tu página con todos estos experimentos, diferentes experimentos de mezcla, solo diferentes marcas de fabricación. Intentemos mezclar algunos colores aquí arriba. Es posible que necesites sacar más agua y observar ¿cómo se mezclan esos colores? ¿ Qué tipo de líneas haces si estás tratando de hacer una línea fina y hay demasiada agua en tu cepillo? Si estás tratando de llenar un espacio grande y hay demasiada agua en tu cepillo, ¿qué pasa? Me resulta muy difícil usar demasiada agua. Simplemente no es natural para la forma en que trabajo. Lo que es aún más difícil es intentar trabajar con muy poca agua. ¿ Qué pasa si no hay suficiente agua en tu cepillo? Una cosa es que el agua o la pintura no se extiende. Se ve seco, es desigual. Es lo que estoy notando, y estas líneas finas en realidad no están tan mal. Mi cepillo ya está humedecido por trabajar con demasiada agua. A lo mejor debería haber empezado con muy poca agua. Realmente no había pensado en eso. Aquí estoy haciendo un color, y luego trataremos de mezclarlos en el papel y ver qué tan diferente se ve eso de la demasiada agua. Se están mezclando en algún grado. Es posible que incluso borres tu papel si estás encontrando que es demasiada agua o simplemente la cantidad correcta. Se pueden ver los lugares húmedos. Ya están empezando a agitar y a abrocharse. El papel se está abadecando. Intentemos mezclar algunos otros colores aquí. En realidad, esto no está tan mal. Se están mezclando muy bien. De nuevo, es difícil obligarte a trabajar con muy poca agua. Me cambié a un cepillo sin usar el cual es mucho más seco. puede ver lo difícil que es para mí tratar de pintar una línea fina sin suficiente agua en mi pincel, y por supuesto, estoy exagerando esto. Yo quiero que lo exageres también y solo experimentes y juegues. Al mirar esos mezclados, eso no está tan mal. Intentemos mezclar algo que está realmente seco aquí y ver qué pasa. Debido a que ambos son pintura seca, no se van a mezclar. Probémoslo aquí también en este filo. Eso es demasiado seco. Si tienes demasiada agua, no se va a mezclar bien. Si tienes demasiado poco, no se va a mezclar bien. Además de secar tu papel, también puedes secarlo si encuentras que tienes demasiada agua encima. A mí me gusta simplemente separ el costado del pincel. Subirá el agua sin quitarse demasiado de la pintura. Simplemente seca un poco el pincel, y luego recuerda mantener a mano tu chatarra de muestra para que puedas probar. Una vez que hayas exagerado demasiada agua y muy poca agua, quiero que juegues con el control de tu agua. Haz algunos lavados bonitos, haz algunas líneas finas o algunas líneas de ancho variable, y prueba diferentes saturaciones de color. Saturaciones más claras y más oscuras. Si parece desigual, puedes volver atrás y mover un poco la pintura mientras siga húmeda. Si está demasiado absorbido en el papel, vas a empezar a tirar de pintura hacia arriba. Experimenta y consigue una sensación por ello. Si tu pincel empieza a secarse, puedes recoger más pintura o recoger más agua, y puedes volver atrás, y puedes ajustarte en cualquier lugar que parezca desigual. Pero de nuevo, recuerda, no repases demasiado tu pintura porque entonces empezarás a recoger la pintura en lugar de bajarla. Las líneas finas pueden ser difíciles, y es genial practicar líneas finas más ligeras y líneas finas más oscuras y experimentar con la fabricación de líneas medianas. Quizás incluso dibujar con algún lápiz primero y rellenar diferentes anchuras de líneas, y simplemente practicar. También podría ser útil, en lugar de pintar, muestras o cuadrados o rectángulos, pintar formas. A lo mejor pinta algunas formas de hoja. Supongo que tengo hojas en la mente porque como estoy filmando esta clase, es caída, y así veo muchas hojas alrededor. Por supuesto, también puedes practicar en una pintura real en lugar de página de muestras. De verdad depende de ti con lo que te sientes más cómodo. Creo que es útil simplemente jugar con la pintura fuera del contexto de pintar algo específico. Si en tu práctica, tu papel se moja demasiado, siempre puedes secarlo y luego volver a pintar sobre lo que sea que estuviera demasiado mojado. Una alternativa sería dejar que eso se seque completamente y luego pintar sobre él. Pero sólo llenar un documento completo con diferentes prácticas puede ser útil. Aquí, esta hoja, quiero mezclar algunos colores, y si está demasiado húmeda, no se van a mezclar bien. Se puede experimentar con la mezcla con diferentes cantidades de agua. Algo que es útil tener en cuenta es que la pintura se mezclará más bien si ambos colores, ambas pinturas que estás usando, están en la misma humedad. Si uno está realmente seco y uno está realmente mojado, no se van a mezclar bien en la página. Yo quiero que esta naranja se seque un poco, así que vamos a pintar un poco más. La habilidad de mezclar colores es una habilidad ligeramente diferente a la del control del agua. Pero creo que el control del agua es tan importante para cómo se mezclan los colores en el papel, que se pueden practicar ambas cosas juntas. Volvamos a esta primera hoja naranja y añadamos en algún otro color aquí, un poco de rojo. Ten cuidado, no pongas la mano sobre la pintura húmeda. Voy hacia atrás y sólo tocando el borde de esta hoja con la punta del pincel. Podrás ver si dab el pincel o si dejas de mover el pincel, eso impulsará más color a la naranja. Podemos probarlo con éste. Esto es mucho más seco, así que no creo que se vaya a mezclar tanto. El color no se va a meter en esa naranja. Simplemente se va a sentar a lo largo del borde, cual también es una buena habilidad para tener porque a veces se quiere que los colores no se mezclen. Probemos esta tercera hoja aquí y veamos qué pasa. Esto parece una buena cantidad de humedad. Podemos volver aquí, y ahí viste que paré mi pincel, y el color estaba ahí adentro. En cualquier momento que detengas tu pincel o pinza tu pincel, el color se extenderá. Ahora que todo está seco, podemos echar un vistazo y ver qué pasó. Aquí donde había demasiada agua, puede ver cómo se mezclaron las cosas. También puedes sentir el papel. Esto sigue ligeramente abrochado por la cantidad de agua que usé. Se puede ver dónde se empujó el color hasta el borde, cómo hablé antes. Cuando tienes demasiada agua, el color llega al borde. Casi hay una línea. Se puede ver aquí donde los colores no se mezclaron porque no había suficiente agua, y aquí se mezclaron bien. Después echa un vistazo a todos estos experimentos, mira lo suaves que son, cómo es posible que necesites tener otra capa. Esto estaba quizá un poco demasiado seco. Ahí hay un par de líneas, pero aquí hay formas de hoja, y se puede ver cómo se secaron, cómo se mezclaron los colores. El granate y el rojo es un poco más distinto ahora que está seco. Se puede ver donde las cosas se mezclaron y sangraron y no lo hicieron. Práctica, práctica, y más práctica. Eso te ayudará a sentirte más cómodo. Espero que eso ayude con tu pensamiento sobre cómo practicar y cómo mejorar tu control del agua. Nuevamente, lo más importante a recordar es que hay que seguir practicando. Cuanto más practiques, más pintas, más cómodo te volverás, y eventualmente, no será tan misterioso. Incluso hoy, a veces cuando estoy pintando, pondré un rebajas y pensaré : “Oh, hay demasiada agua, o oh, necesito un poco más de agua”. Eso está bien. Esta no es una ciencia exacta, es un arte, y así, sólo aprender a ir con el flujo es una de las cosas más importantes que puedes hacer. En la siguiente lección, voy a compartir la habilidad número uno que te ayudará a pasar de ser principiante, y te puedo garantizar que probablemente no sea algo que pensaste que iba a decir. 8. La habilidad más importante: Adivino que quizá tengas algunas sospechas sobre lo que yo consideraría la habilidad número 1 que debes aprender cuando estás desarrollando tus habilidades con acuarela, o verdaderamente con cualquier otro tipo de arte. La habilidad que yo diría es la más importante para ejercites y para que practiques, y para que domines, es la habilidad y el arte de la paciencia. Vas a necesitar paciencia al trabajar con acuarela, vas a necesitar paciencia para construir tus habilidades, y vas a estar aprendiendo y ejerciendo tu habilidad de paciencia mientras estás desarrollando tus habilidades artísticas. No va a ser cosa de la noche a la mañana, va a llevar tiempo. Creo que aceptar eso y entender eso ayuda a quitarle parte de la presión que podrías estar sintiendo. Tome una respiración profunda, y sepa que esto llevará tiempo. Tome una respiración profunda y sepa que necesita ser paciente consigo mismo, así como con el proceso. Sé gentil contigo mismo, amable contigo mismo, y sé que las cosas buenas llevan tiempo. La paciencia también es realmente importante con la acuarela, porque, con la acuarela, hay que estar haciendo mucha espera. Necesitas esperar a que la pintura se seque, necesitas esperar a que el papel llegue al nivel perfecto de saturación para que cuando estés mezclando colores en la página, o tratando de curar mezclas de colores, estés trabajando en el momento adecuado. Si apresuras las cosas, si haces cosas cuando el agua y la pintura no están listas, no vas a tener éxito. Saber que eso realmente te ayudará a medida que estás trabajando a través del proceso. Creo que es algo realmente maravilloso aprender también, paciencia es algo que todos necesitamos en todas las áreas de nuestra vida y poder no apresurar las cosas, estar atentos, estar presentes, ese es un regalo realmente importante que puedes darte, especialmente durante tiempos de estrés y tiempos de transición. Bajar la velocidad, respirar profundamente, asentarse en el momento, y saber que las cosas tomarán tiempo, esa es una habilidad maravillosa y útil para que tengas. Cuando estás presente y cuando estás frenando, ahí es cuando llegas a lo realmente bueno, ahí es cuando puedes observar, ahí es cuando haces conexiones en tu cerebro, es cuando tienes epifanías y cuando puede avanzar. Esto no es algo que puedas apresurarte, no es algo que va a pasar de la noche a la mañana, y eso es algo bueno. Llevo 10 años aprendiendo a pintar, y estoy realmente emocionada de ver qué traerán los próximos 10 años. No solo a cosas como el éxito, sino a cosas como aprender nuevas habilidades, probar cosas nuevas, es algo realmente emocionante pensar. Es emocionante pensar en dónde progresará mi estilo. Mirando hacia atrás en los últimos 10 años, es interesante ver cómo mi estilo ha progresado hasta el punto que ha llegado hoy, y espero que tengas el mismo tipo de entendimiento a medida que también te desplazas por tu viaje. Voy a decir de nuevo, la habilidad más importante que se puede tener a lo largo de todo este proceso y mientras se trabaja con acuarela es la paciencia. Acompáñate, ponte cómodo, y vamos a seguir adelante. Te compartiré algunos consejos más para ayudarte a desarrollar tus habilidades con la acuarela y ir más allá de ser principiante. 9. Un pétalo a la vez: Quiero compartir algunas habilidades que realmente te ayudarán a mejorar tus acuarelas. El primero del que quiero hablar es esperar a que se seque una zona de tu pintura antes de pintar algo que se culpe contra esa zona. La mejor aplicación práctica que he encontrado para mí, para mis pinturas, donde he visto una enorme diferencia pintando así es cuando estoy pintando flores. Esa área es un pétalo y la segunda área es un segundo pétalo. Las rosas son un gran ejemplo de ello. Aquí hay algunas pinturas tempranas que realmente me costaba hacer. Estaba luchando por crear una rosa que se parezca a una rosa que tenga pétalos separados, que tenga un centro separado y sin embargo estaba pintando la flor como una entidad y tratando de conseguir todas las luces y los oscuros como una cosa en lugar de pintar los pétalos por separado. Aquí traté de diferenciar los pétalos y sin embargo simplemente no funcionaba. Cuando empecé a pintar los pétalos por separado hizo una gran diferencia. Aquí te dejamos un ejemplo de un estudio con muchas rosas diferentes y yo estaba experimentando para ver qué podía crear. Ya has visto esto pero está claro lo separados que están cada uno de estos pétalos, el centro está separado de los pétalos. Aquí hay una flor de peonía que pinté muy temprano y estaba luchando por conseguir el aspecto de la flor de peonía multi pétalo pintando sólo una cosa, la flor, y no funcionó. Si pintara estos pétalos por separado, como en este cuadro, repente se vería como una flor de peonía y no sólo una blob. Clave, pinta cada pétalo por separado. Este también a pesar de que los pétalos no se superponen, ni siquiera están tocando, pintarlo con los pétalos y el centro como una entidad en lugar de partes separadas simplemente no fue exitoso. puede ver lo diferente que se ve cuando pinto los pétalos por separado, cuando pinto el centro por separado y dejo que cada cosa se seque a fondo antes de pintar la siguiente. De nuevo, esto es algo donde estarás practicando paciencia esperando que un pétalo se seque antes de pintar el otro pétalo. Pero cuando pintas de esta manera, es increíble la diferencia que hace. 10. Superponer objetos: Similar a la habilidad de pintar un pétalo al lado de otro pétalo, es pintar un objeto frente a otro objeto. Esto es algo por lo que estaba bastante nervioso al principio. Estos son algunos ejemplos para que le echen un vistazo a dónde estaba luchando con pintar un objeto frente al otro. El tinte no sube hasta el borde y parte de eso es habilidad y parte de eso son materiales. Tener un pincel que no tenga un punto muy fino hará que sea muy difícil pintar hasta un borde estrecho así, por lo que es importante que no haya un hueco con el espacio en blanco, o que se pueda ver la pintura superponiendo un color sobre otro porque la acuarela es transparente. Es realmente algo que necesitas practicar y tener mejores materiales ayuda también. Ya has visto este cuadro antes también. Aquí en la olla donde hay esa sombra, esa segunda capa de pintura que pinté, no va bien todo el camino hasta esos tallos. Entonces asegurándose de que cuando pintes segundas capas o tercera capas encima de un color, que traigas esa capa sobre toda el área para que tengas la apariencia terminada más ordenada. Si miras algunas de mis pinturas anteriores para que me sea más fácil, simplifico la composición para que no hubiera diferentes objetos uno frente al otro. Pero aprender a ser capaz de tener un objeto frente al otro marcará una gran diferencia en tus pinturas. Cualquier página con marcas de acuarela en ella funcionará para practicar pintar un objeto frente a otro. Aquí es donde tener una buena punta en tu pincel hace una gran diferencia. Empezando, voy a mojar mi pincel y luego voy a sacar algo de pintura de mi paladar, trabajando con los mismos colores que teníamos antes, y solo asegurándome de que mi pincel esté muy bien saturado. Yo sólo voy a empezar a pintar justo hasta el borde de esta forma verde. Este borde no es un borde perfecto, por lo que eso lo hará un poco más complicado. Tendrás que decidir si quieres pintar hasta el primer color y tener un poco de superposición o si quieres dejar un poco del blanco, siempre podrías volver después de haber pintado tu segundo color. Aunque sea del mismo color, no importa. Se puede volver atrás con el primer objeto y pintar otra capa sobre él y de esa manera se puede limpiar ese borde. Limpiar tus bordes siempre es una buena idea. Si no has conseguido una ventaja limpia la primera vez, siempre puedes volver atrás y arreglar las cosas. Continúo aquí con esta naranja. Esto sólo va a tomar práctica si no has hecho mucho de esto. Voy a volver aquí donde había dejado el espacio en blanco. Decidí que quiero venir a superponerme un poco más. Algo de ese verde se va a mostrar a través, pero si saturamos un poco más nuestro color y tenemos un poco de naranja más oscuro que ayudará a encubrir algunos de esos bits verdes que no eran del todo suaves. Tener un papel más suave facilitará esto también. Este es el prensado en frío con un poco de textura a ella. Si tu papel tiene menos textura, será más fácil. Bueno, solo practicas. Si tienes un montón de formas en tu papel, puedes practicar llevando tu línea hasta el borde de la forma pintada y ponerte más cómodo. Puedes empezar a trabajar muy lentamente a lo largo ese borde para ser más preciso y luego en tus áreas más grandes, puedes trabajar más rápido y mover la pintura a ese espacio. Otra cosa que quiero recordarte, usa tus pequeños papeles de prueba. Entonces prueba para asegurarte de que tienes suficiente pintura, tienes suficiente agua. Que te gusta el color que viene. Si está lo suficientemente saturado o no lo suficientemente saturado y usa eso antes de poner el cepillo hacia abajo en el papel. También puedes usar eso para asegurarte de que la línea que estás obteniendo esté lo suficientemente bien. Entonces solo tómate tu tiempo y sé paciente. Como dije, la paciencia es tu habilidad más importante que te va a servir bien y solo trabaja en conseguir una línea limpia y agradable y limpia superposición entre tus objetos. Porque a menudo tengo hojas que se superponen, sólo voy a pintar otra hoja por aquí. Sé que la primera forma ni siquiera se ve realmente como una hoja, pero menos finge. Aquí hay otra hoja naranja, del mismo color. No voy a añadir esos otros tonos ahí dentro, que es práctica. Aquí de nuevo, tener un boceto ayudaría, pero solo practica imaginando qué diferentes objetos podrías solapar. De nuevo, si necesitas eliminar cualquier error que cometas. Siempre es útil. Algo en lo que creo que a veces no se piensa con la acuarela es que se puede secar la pintura en zonas donde no se quiere. Entonces hay idea de una hoja detrás de esa primera que pintamos. Ahora una cosa que es un poco más complicada es solapar las líneas finas. Por ejemplo, en mi trabajo, muchas veces tengo tallos que se superponen. Es difícil de hacer hasta que construyas el control y las pequeñas habilidades motoras necesarias y te sientes cómodo con el proceso. Algo que me parece útil es hacer una ligera línea a lo largo del primer tallo y luego llenar el segundo tallo. Esa línea es donde los dos tallos se superponen. Ayuda a darle definición, y ayuda a que la pintura se detenga. Entonces no estás superponiendo la pintura y no tienes un borde desordenado. Por supuesto, puedes arreglar cualquier desorden y te lo mostraré en otra lección. Trabajando despacio y tomándote tu tiempo y deteniendo tu pintura con esa otra línea que solo corre a lo largo del borde de tu primer tallo te ayudará a no tener solapamiento desordenado. Acuérdate de tomarte tu tiempo como dije antes y tómate tiempo para practicar. No se apresure el proceso de aprendizaje que creo es lo que he dicho todo el tiempo. No se apresure el proceso de aprendizaje, tómate tu tiempo para disfrutarlo. Tómate tu tiempo para ponerte realmente cómodo con él porque la única manera de aprender a pintar es pintando. Tienes que pintar mucho para realmente sentirte cómodo. Como dije antes, la paciencia es tu habilidad más importante. Una vez que te relajas en eso se vuelve más fácil. Voy a demostrar una práctica más de pintar tallos superpuestos. Creo que es realmente útil practicar esto una y otra vez. Con eso solo hay que ser cuidadoso y lento y paciente. Al igual que con las áreas superpuestas más grandes, también asegúrate de que siempre estás moviendo tu papel para que estés trabajando en la posición más cómoda y para que realmente puedas ver lo que estás haciendo. Si ya tienes un boceto en tu papel, lo hará más fácil. Aquí no dibujé nada y solo lo estoy alando. Quizás quieras hacer un boceto primero como estás practicando. También asegúrate de no bajar la mano en ningún lugar donde haya pintura húmeda. Eso es un poco demasiada agua y un poco demasiada pintura. Yo puedo aguantar eso y eso arreglará el problema. Además, si te superpones donde no quieres que lo haga, puedes afinar tu papel para arreglarlo siempre y cuando tu color no esté demasiado manchado. Entonces puedes volver atrás y arreglarlo. O dejarlo secar todo el camino y luego arreglarlo o volver mientras aún está mojado. De nuevo, quiero que practiques esto si ya no te sientes cómodo haciéndolo y veas cómo limpiamente puedes conseguir que tus objetos se superpongan. Además, desafíate a pintar. Objetos más pequeños o objetos más grandes o lo que sea que los objetos superpuestos te asusten más, solo practica eso y ve. A ver. ¿Por qué no hacemos una naranja sobre naranja? Porque a menudo tus objetos que se superponen serán del mismo color. De nuevo, usa tu chatarra para probar el color. Asegúrate de que esté bien, y luego entra y pinta tu línea. De nuevo, no hay prisa. No hay prisa. Recuerda respirar. saber primero estaba aprendiendo a pintar y estaría pintando algo por lo que estaba un poco nervioso, siempre aguantaría la respiración, lo cual creo que hace las cosas más difíciles. Tampoco es muy saludable. Recuerda respirar y solo tómate tu tiempo, disfruta el proceso y diviértete con él. No te pongas demasiada presión. Voy a volver aquí y sólo oscurecer este verde. Cuando estás trabajando con áreas pequeñas y no está muy saturado, se secará bastante rápido. Se pueden agregar áreas de ramificación. Practica con eso. Practica superposición de diferentes objetos. Podrías llenar toda una página con experimentos como ese. También volver a entrar y agregar más color siempre puede ayudar. Puedes empezar con una versión más pálido de tu color y luego volver a entrar y añadir un poco más. Simplemente construyendo el color. Después de secar la pintura, puedes volver y agregar alguna diferenciación entre tus objetos. Aquí mismo solo estoy probando un color gris para hacer una sombra estrecha muy sutil. Voy a empezar con estas hojas. Yo sólo voy a pintar una línea muy fina para ayudar a que la hoja que está arriba salga de la página de la misma. Tan solo asegúrate de probar primero tu línea antes de ponerla en tu papel. Ahí, eso solo ayuda realmente a diferenciar esas dos formas. Haré eso del otro lado a pesar de que ya hay alguna diferenciación porque esa primera hoja es de un color más oscuro que la hoja inferior. Pero sólo pintar esa línea más oscura realmente fina ayuda a dar un poco más de definición. Incluso cuando las formas son colores totalmente diferentes, puedes agregar un poco de sombra, solo una pequeña línea fina. De verdad depende de ti si quieres una línea fina, si quieres una línea más gruesa, puedo volver aquí y hacer esa línea más gruesa. Probado de nuevo, ver. Creo que necesito un poco más de agua. Volveré aquí y poco a poco añadiré un poco más de una línea de sombra. Eso solo ayuda a que esos dos objetos parezcan como si hubiera uno delante del otro. Esto también puede ser útil aquí para nuestras formas naranja y verde donde hay un poco de superposición de la pintura. Agregar en ese color de sombra ayudará a disfrazarlo y hacer que se vea más intencional. Practica y experimenta y ve qué sucede cuando añades una línea muy fina para diferenciar tus formas. Espero que a medida que creas tu próximo cuadro, estés pensando en objetos que están uno frente al otro y retándote a ver cómo puedes pintar uno frente al otro y tener éxito. 11. Aplicar capas de color: El color en capas es algo que ayudará a dar profundidad a tus pinturas. Para tener éxito con eso, realmente necesitas dominar la habilidad del control del agua. Pero te mostraré algunas cosas para que sea más fácil. Agregar capas adicionales a tus pinturas puede hacer algunas cosas increíbles. Te voy a mostrar en este ejemplo de demasiada agua, cómo podemos arreglar esta mezcla de colores. Apenas empiezo agregando de nuevo ese primer color rojo. Esta es una mezcla bastante acuosa que estoy usando porque no quiero que el color se ponga demasiado oscuro. Después caer en algo de esa naranja, simplemente volviendo sobre esa zona que parece parejada, no está muy oscura. Podemos arreglar esa desigualdad, arreglar esa mezcla de esos dos colores, y oscurecer ese color claro. Deja que esos hagan lo suyo. aquí, este ejemplo con muy poca agua donde el color era realmente desigual y pálido, puedo volver atrás y agregar más color y cubrir esa desigualdad con otra capa. Poder oscurecer tus colores con capas de acuarela transparentes es una de las principales técnicas para trabajar con acuarela que debes aprender. También puedes ajustar los colores agregando más capas. Ajusta tus formas, de modo que si no te gusta la forma en que se ve una forma, puedes agregar otra capa y trabajar en eso, suavizando los bordes. Siempre y cuando tu primera capa no esté realmente oscura y no sangrará, puedes volver y arreglarlo un poco. También puedes agregar capas subsiguientes para que no tengas que parar con solo dos capas. Si tienes un color muy pálido que está trabajando hacia un color más oscuro, puedes usar muchas capas. Este pequeño ejemplo aquí con la mezcla que no prestaba porque la pintura era para secarse, podemos arreglar esa mezcla agregando el segundo color, ese color chartreuse brillante, justo en el borde donde estaba, y agregué un poco extra por lo que se está abanizando hasta el borde. Entonces en el aqua, solo voy a usar agua llana y esa agua va a tocar donde está el color chartreuse. Yo estoy tirando algo del color por encima. Simplemente mezclando esa agua clara sobre el aqua y ese chartreuse se va a sangrar y se mezcla en el azul. Aquí donde hay líneas en nuestro color y nuestros colores pálidos, puedo volver y arreglar esas líneas, oscurecer el color. También puedo arreglar los bordes como lo hice con el ejemplo rojo. Hacer el rectángulo un poco más ordenado agregando esta otra capa. En cualquier momento que no te guste cómo se ve tu pintura, piensa en lo que pasaría si agregaras otra capa. Aquí abajo, esta hojita donde el rojo no se mezcló con la naranja, si no querías ese efecto, puedes volver y cubrir toda la forma con un poco de agua clara y dejar que eso se empape en un poco, así que no es más brillante y luego vuelve después de que esté empapado y agrega algo del rojo. El rojo va a venir a lo largo del filo igual que hicimos en esos otros ejemplos. También puedes refinar y cambiar un poco la forma. Si querías que la punta de la hoja fuera un poco más interesante, puedes volver y añadir más color, añadir a la forma. En cualquier lugar que pintes la punta de tu pincel enviará más de ese rojo a la naranja y dejará que se mezcle un poco más. Volviendo a esta otra página de ejemplo, aquí hay una forma donde hay algunas floraciones y desniveles. Voy a usar un robusto o cepillo aquí. A pesar de que me estoy quedando sin pintura naranja, me voy a empapar tanto como pueda y usar pintura y también sólo usar agua, voy a arreglar este color. Regresando por estos bordes que son realmente desiguales donde hay algunas floraciones, puedo volver con mi pincel y suavizar todo. En ocasiones solo puedes usar agua y eso está bien, reactivará la pintura de la página. Si no tienes suficiente pintura en la página, si es de un color realmente pálido, necesitarás agregar algo más de pintura. Pero creo que esto está funcionando bastante bien. Es solo mezclar todas esas áreas desiguales donde tener un bonito cepillo robusto con menor de una punta puntiaguda puede ser útil, refinando esos bordes. Los ejemplos que te mostré donde había líneas distintas entre las capas, que podrían fijarse con otra capa de pintura donde frotas un poco los bordes con la punta del pincel. Vas a necesitar asegurarte de que tu papel que estás usando sea un papel realmente resistente para soportar capas adicionales y frotamiento adicional. Aquí, esta forma a donde había algunas floraciones porque había demasiada agua, puedo volver y agregar un poco más de agua y más pintura y suavizar esa desnivel y solo fijar los bordes. En lugar de tener una forma desordenada, tendremos una forma mucho más ordenada. Quiero que pienses en tu propio trabajo y tiempos en los que tenías capas de que el color era desigual, o tenías floraciones, o tu color no era lo suficientemente oscuro y en lugar de desesperarte y pensar que fue un error o un problema, solo míralo como tu primera capa. acuarela es maravillosa porque es transparente y se puede construir capa sobre capa. También es maravilloso porque esas capas pueden ayudarte a solucionar problemas que ocurrieron en capas debajo de ellas. Si practicar en formas aleatorias te funciona, adelante y hazlo, o echa un vistazo a un cuadro anterior y ve si puedes arreglarlo agregando otra capa. 12. Elevar la pintura: Levantar pintura de tu papel es una habilidad realmente grande que puedes tener para que tus pinturas no tengan un aspecto completamente uniforme. Esto ayuda si estás pintando cosas que son tridimensionales, esto ayuda si estás pintando cosas que tienen un resaltado, o partes claras, y partes oscuras. Esto también ayuda cuando estás haciendo cosas como pintar venas, y definitivamente es algo que requiere algo de práctica. Antes de demostrar levantamiento de pintura, quiero mostrarles un par de ejemplos de algunas pinturas tempranas que podrían haberse beneficiado de levantar la pintura para hacer menos uniforme el color. Estas dos pinturas, te mostraré, en contraste, esas esrosas caderas, el color era bastante uniforme aquí. Ahí hay algunas luces y oscuros. Si tuviera algo de sombreado y algunas luces y oscuras en ese primer cuadro, lo habría mejorado. Esta rosa, se puede ver hay luces y oscuras en estos pétalos, lo cual no es evidente en esa otra pintura. Cuando demuestro un par de ejemplos de cómo manipular la pintura en el papel. Estoy pintando una forma simple de hoja, y voy a mover la pintura alrededor. Este segundo pincel de aquí está húmedo, no hay pintura en él, y puedo usarlo para empujar la pintura y levantar la pintura de un lado de esta hoja. Hay un lado más claro y un lado más oscuro, y luego puedo volver y añadir un poco más de pintura verde para hacer aún más evidente el contraste entre la luz y la oscuridad. Practica esto, levantando la pintura. Te daré otro ejemplo aquí. Otra forma simple de hoja con la pintura verde, y esta vez voy a levantar una vena. Dejaré que esta hoja verde se seque un poco. Por lo que la pintura se ha absorbido en el papel, sigue húmeda. Usando un cepillo limpio y húmedo, estoy sacando la pintura del papel. Es casi como si estuviera pintando una línea, pero en lugar de agregar pintura, el pincel está quitando pintura. Aquí hay otra forma de hoja que pinté con un color más oscuro, rojizo, y como este color es más oscuro y absorbido un poco más, va a tomar un par de intentos, así que ten paciencia con esto. Simplemente mueve tu pincel suavemente y levantará el color. Pintemos otra hoja aquí. Este en un rojo más brillante. Pintar formas como esta, también es una buena práctica para controlar el agua, la cantidad de agua en tu pincel y en tu papel. Voy a volver aquí y volver a tirar algo de la pintura, similar a esa primera hoja que pintamos, usando el pincel húmedo y después asegurándome de quitar la pintura extra en la toalla de papel para que no solo estés extendiendo más pintar en el área más clara. Puedo usar ese cepillo húmedo para empujar y mover la pintura, y esto me da una hoja con un lado claro y un lado más oscuro. Una cosa que ha sido útil ya que he desarrollado mis habilidades de acuarela es probar algunos tipos diferentes de pinceles, y un cepillo que ha sido muy útil de usar es una licuadora cincel, o un shader plano, un muy estrecho uno, y te mostraré a lo que me refiero. El shader y los cepillos de licuadora funcionan maravillosamente para levantar las venas. Aquí tienes una forma de hoja roja húmeda, y estoy usando la punta del pincel de lado para levantar mi vena y luego limpiando el exceso de pintura y tomando el cepillo húmedo. Al igual que hicimos con el pincel redondo puntiagudo, levantando esa fina línea. También te voy a mostrar que puedes levantar el color de la pintura seca. Se necesita un poco más de esfuerzo, pero una ventaja es que se puede obtener una línea más fina cuando se seca la pintura. Es posible que tengas que repasar la pintura varias veces para tirar hacia arriba una bonita línea limpia. Sólo sé paciente y llegarás ahí. Los cepillos de Blender y sombreador son ideales para limpiar las cosas también. Al igual que aquí, solo estoy limpiando los bordes donde tenía algunos tallos superpuestos. Lo trabajas de la misma manera que lo harías si estás recogiendo algo de pintura seca, todos estos tallos, si hay un poco de desorden de dónde pintas las superpuestas, puedes volver y levantar parte de la pintura y limpiar esos bordes. También puede permitirte aligerar los centros de tallos o los lados de los tallos y darles más de un look tridimensional. Espero que jueguen con y experimenten con algunos tipos diferentes de pinceles. 13. Agregar detalles: La última técnica que quiero compartir es agregar detalles a tus pinturas. Los detalles son una gran manera de ir más allá de ser principiante, y también ayudan a que tus piezas luzcan más terminadas. Esta pintura temprana no tiene ningún detalle realmente. Los capullos de flores no tienen ningún detalle. Las hojas no tienen venas. Si miras los pétalos de flores, no hay venas, no hay detalles en el centro de la flor. En contraste, esta pintura, hay detalles en las hojas, hay detalles en los capullos de flores y también en los pétalos de flores. En el centro de la flor, hay marcas texturales y venas. Agregar estos detalles hacen que la pintura luzca realmente terminada y mucho menos como el trabajo de principiante. Este cuadro realmente no tiene muchos detalles aunque las hojas tienen unas luces bonitas y oscuras, y mezcla de colores a pesar de que los colores no son muy naturales de aspecto, no hay mucho detalle. Hay un par de venas en la parte inferior de las hojas, pero estas tapas de las hojas no tienen ninguna vena en absoluto. Además, los tallos, las ramas, no tienen mucho detalle. Son de color bastante plano, por lo que no se ven tridimensionales en absoluto. El bote tiene algo de sombreado para que se vea más tridimensional, pero eso es todo. En contraste, esta pintura, si miras el tallo, aquí hay mucho detalle. Se ve mucho más realista por las marcas texturales en los tallos, estas hojas, esta es una planta de jade y no tienen venas, pero hay muchas luces y oscuras y sombreado que hacen que se vea más realista. Estas dos pequeñas pinturas de semillas de arce, estas son recientes y están inconclusas. No tienen ningún detalle en este punto. No tener detalles hacen que se parezcan más a una pintura de principiante. Estas dos flores también, están inconclusas. En este estado sin los detalles, sin que se terminen, se parecen más a una pintura principiante. Agregar algunos detalles a tus pinturas te ayudará a moverlas más allá de parecer un principiante. Si volvemos a echar un vistazo a estas semillas de arce, y las contrastamos con una pintura terminada de algunas semillas de arce, se puede ver que hay muchos detalles texturales, hay vetas, y agregar estos detalles a este cuadro tiene hizo que la pieza se pareciera mucho menos a una pintura de principiante, y hace que se vea mucho más terminada. Otro ejemplo a contrastar es este cuadro de zinnia. Los pétalos son altamente detallados con venas, hay algunas sombras, hay detalles en el centro, también están las hojas y tallo con algunas luces y oscuras, y venas. Es mucho más acabado de mirar y no parece una pintura de principiante. Agregando algunos detalles, querrás usar un pincel fino y puntiagudo y probar tu pincel en tu chatarra de papel. Voy a añadir unas venas a esta hoja roja. Con sólo usar la punta de mi pincel, estoy pintando una línea muy fina por el centro de la hoja. Ahora esta hoja imaginaria, así que me imagino que hay algunas venas a los lados que irradian desde el centro. Esto es solo para mostrarte un ejemplo de cómo pintar estas finas marcas de detalle en tu pintura. Estas son solo venas simples que son líneas simples. Si estás observando una hoja real en la naturaleza, quiero que mires y veas cómo se ven realmente esas venas. Aquí, solo estoy agregando un poco más de color al propio tallo para oscurecer eso y va a ir junto con el color de las venas. Ese es el tipo de vena más sencillo. Algo más que si observas con venas que son más claras, verás que justo a lo largo de los bordes de esas venas más claras, a menudo hay algo de oscuridad. Ya sea que esa sea la sombra del centro o sea una línea coloreada real, ayuda a diferenciar esa línea más oscura pintando una línea muy fina a ambos lados del centro. Entonces, de nuevo, pintando algunas venas que están en los bordes, puedes pintar desde el centro hacia fuera o desde los bordes hacia el centro, y eso te da una idea rápida de cómo pintar algunas venas. Además de las vetas reales, puedes agregar detalle agregando algunas marcas texturales. Voy a usar el mismo color rojo y añadir unas líneas realmente rápidas, finas, superpuestas para darle una sensación de textura a esta hoja. Realmente depende de ti cuánto detalle quieres usar, y recuerda mantener a mano tu papel de prueba de muestras. Estoy agregando una línea más oscura a lo largo de esa vena para ayudarla a sobresalir un poco. Puedo volver atrás y agregar tanto detalle y oscurecer cualquier área que necesite oscurecer como el otro lado de esta vena como yo quiera. Recuerda que observar es tu primer paso. Estas son hojas imaginarias que estoy pintando. Pero quiero que observen, aquí, sólo voy a agregar algún detalle a estos tallos. A lo mejor una oscuridad entre donde los dos tallos se unen entre sí. Eso a menudo es algo que veo, o tal vez un borde más oscuro a uno u otro lado de los tallos. Acuérdate de observar y luego podrás decidir cuánto detalle quieres agregar. Por supuesto, practicar ayuda, así que aquí te voy a mostrar otra manera podemos agregar algún detalle. Me estoy oscureciendo a lo largo de esa vena más clara, y luego voy a volver y hacer un contraste en luces y oscuras en la mitad de la hoja. Está más oscuro cerca del centro, y luego esa oscuridad no es pareja. Da este sentido de tridimensionalidad. Aquí puedes agregar un color más oscuro. Puedes capas de diferentes colores, y eso ayuda a que la hoja se vea más terminada. Yo quiero que practiques observando y agregando detalles. Sé que esto solo rasca la superficie de todo el tema de agregar detalles a tus pinturas, y mis ejemplos fueron simplemente práctica. Yo quiero que salgas, observes tu tema y los mires para que realmente puedas ver los detalles y luego recrear en tus cuadros. Cuánto detalle quieres agregar depende totalmente de ti. A medida que avanzas con tus habilidades, puedes agregar cada vez más detalles. Por supuesto, agregar detalle también es una decisión estilística. Hay tantos estilos diferentes de arte, algunos con más y otros con menos detalles. Entonces eso es algo que tienes que decidir también. 14. Por tu cuenta: Sé que hemos cubierto mucho terreno durante esta clase y hay mucho en lo que pensar y mucho para que practiques. Por favor, no te sientas abrumado. Recuerda que lo más importante a lo largo de todo esto, lo largo de tu viaje creativo, es la paciencia. Piensa en cómo puedes empezar a poner en práctica algunas de las cosas de las que hemos hablado. Como dije antes, lo más rápido que puedes hacer para ayudar a mejorar tus pinturas es actualizar tus suministros. A lo mejor quieres empezar por ahí y solo ver qué pasa cuando estás pintando con un papel de mayor calidad, con pinturas de mayor calidad, y con pinceles de mayor calidad. Enseguida del bate, espero que eso te ayude a mejorar. Además, empieza a aprender a mezclar tus colores y practica mezclar esos colores. Practica tu control del agua, practica todas esas pequeñas habilidades, todas las habilidades que te ayudan a refinar los detalles de tu pintura y tómate tu tiempo con ella. No quiero que te sientas apresurado. Recuerda, la paciencia es lo más importante. Me ha llevado 10 años de aprender llegar aquí y sé que todos tenemos nuestra propia línea de tiempo. Todos tenemos nuestras propias capacidades naturales y nuestras propias formas naturales de aprender, así que no te desanimes si te lleva más tiempo que otra persona. Todos aprendemos a nuestro propio ritmo. Todos nuestros viajes son únicos y eso es algo maravilloso. Saborea tu viaje, saborea tu proceso de aprendizaje. Disfruta de la magia de trabajar con acuarela. Realmente creo que es mágico, es hermoso, es alegre, y quiero que sientas todas esas cosas también. Yo quiero decir algo sobre la privacidad. Cuando estás creando, es importante tener algo de privacidad. No me refiero sólo a un espacio privado para que trabajes, me refiero a eso de una manera más metafórica. No sientas la presión de compartir todo lo que creas. No sientas presión para publicar cosas en redes sociales. Tómate algo de tiempo para ti. Deja que parte de tu arte sea solo para ti. Al hacerlo, creo que estás libre de la presión de hacer cosas que parezcan perfectas o de hacer cosas que incluso se vean lo que considerarías bueno. No quiero que te compares con otras personas que ves en línea, ves en redes sociales, ves en tiendas, en galerías, lo que sea. No compares tu arte con nadie más que tú mismo. Quiero que tomes un cuadro muy temprano que has creado y lo mires en comparación con algo que has creado recientemente. Si llevas un tiempo pintando, deberías ver una mejoría. Si no has estado pintando desde hace tiempo, eso también está bien. Tómese un tiempo para desarrollar sus habilidades. Espero que después de tomar esta clase y de trabajar algunas de las cosas de las que he hablado, puedas tomar una pintura que pintaste la semana pasada y compararla con una pintura que pintas mañana, y que va a ver una mejoría. De nuevo, no es algo que vaya a pasar de la noche a la mañana, así que ten paciencia, date tiempo. Para el proyecto para esta clase, quiero que tomes un cuadro que has creado, con el que no estés del todo contento y lo mires a través del filtro de las cosas de las que hemos hablado en clase y pienses en cómo puedes mejorar ella. A lo mejor vas a pintar sobre mejor papel, vas a mezclar todos tus propios colores, tal vez vas a agregar algunos detalles al final, sea lo que sea, tal vez vas a hacer un montón de cosas diferentes que nosotros he hablado de ello. Aunque solo hagas uno, espero que cuando vayas a repintar ese tema, veas una mejora en tu pintura. Entonces encuentra una pintura que quieras recrear y ponte en marcha con eso. En cuanto a privacidad, y lo que dije sobre guardarte algunas cosas para ti, no necesariamente sientas que necesitas compartir o no compartir en esta clase. Me encantaría ver lo que creas. Me encantaría darte comentarios o sugerencias de cómo puedes mejorar. Entonces si compartes algo, hazme preguntas si quieres mis comentarios. Además, estoy totalmente de acuerdo con que publiques un proyecto para esta clase que es algo que se acaba de escribir. A lo mejor comparte una foto de algunos de tus suministros y luego algunos de tus pensamientos, porque me gusta ver lo que estás pensando, y me gustaría ver con qué cosas aún estás luchando y me encantaría ayudar. Entonces definitivamente dime, ¿con qué estás luchando, qué te gustaría aprender a continuación? Porque me encanta incorporar eso en mi próxima clase, o en una entrada de blog, o en un boletín que escribo y envío a mis seguidores, así que asegúrate de compartir tus pensamientos conmigo. Asegúrate de seguirme aquí en Skillshare, y mira mi página web y regístrate. Si aún no lo has hecho, puedes conseguir mi guía de acuarela que te llevará a través de muchas de las cosas de las que hemos hablado hoy, sobre todo de los suministros de acuarela, eso te será de mucha ayuda. También hay un PDF aquí en esta clase que espero que descarguen. Eso es todo por hoy. Muchas gracias por tomar mi clase. Gracias por pintar conmigo. Gracias por aprender conmigo. Hasta la próxima vez, feliz pintura. Cuídate. Adiós.