Los diez principios de la pintura: lecciones diarias para tu cuaderno de bocetos

1. Los diez elementos de la pintura: Estos son conceptos básicos que todo el mundo necesita saber. Oye, soy Amarilys Henderson, soy ilustrador de acuarela. Tengo que pintar para ganarme la vida, y también pinto mis sentimientos y las cosas que tengo que hacer, y por diversión, y mi fe, y todo lo que se te ocurra. Más o menos ponerlo en una hoja de papel. Al hacer eso, estoy implementando estos principios que tal vez ni siquiera te des cuenta de que usas constantemente, o que ves en las grandes obras de arte. Yo quiero guiarte a través de los 10 principios de la pintura. Vas a terminar con 10 páginas de cuaderno de bocetos para notas e ideas y conceptos que te ayuden a crear una mejor obra de arte. Todo artista necesita saber las cosas, así que vamos a ir. 2. Descripción general: Si estás creando trabajo y pensando, necesito volver a lo básico, realmente no entiendo muy bien lo que estoy haciendo, o a lo que estoy reaccionando, o lo que me gusta, quiero ponerte esas palabras en tu boca, Quiero que entiendas lo que es lo que hace grande a una pintura, mirar a la línea, mirar el color, mirar la composición, todas estas cosas que contribuyen a un trabajo maravilloso. Son solo prácticas divertidas que vamos a ejercitar en cada una de estas lecciones y nos iremos como siempre con algo que vale la pena mostrar. Personalmente no me gusta hacer clases en las que solo garabatee o peor anote notas, y no tengo algo que mirar hacia atrás, para mostrarlo. Siendo un aprendiz tan visual, me gusta mucho poder ver de qué es lo que estamos hablando aquí, y eso es lo que vamos a hacer. Puedes tomar este curso sobre fragmentos todos los días, hecho, creo que así es como lo sugeriría, esa manera tienes esta colección de lecciones y lo estás aprendiendo lentamente, y cuando vuelves al día siguiente y estás en principio número 2, estás pensando de nuevo, vale, ¿cuál era el número 1 otra vez? Ooh bien, y ese pequeño trote mental que hiciste ahí mismo, eso es muy útil en el aprendizaje, realidad comprenderás más los conceptos si lo haces como práctica diaria si lo tomas un poco a la vez. Vamos a pasar por cada uno, y te enseñaré un poco sobre cada uno antes de que lleguemos a nuestros libros de boceto y ejercicio, lo que significan para la obra de arte. 3. Colores: Color. Ahora cuando hablamos de color, suele ser lo primero que viene a la mente cuando estamos pensando en pinturas. Es de lo que nos enamoramos en el arte de Play Store y realmente el cebo de meternos en la pintura. Cuando hablamos de color, estoy hablando de cómo la luz golpea un objeto y es percibida por el ojo. Eso es realmente charla científica por decir que cada uno interpreta el color a través de nuestros ojos y en realidad es luz. Pero, ¿cuáles son algunas formas en que los colores se usan en la pintura? Estamos hablando de color, estamos hablando de tonalidad, así que esa sería la diferencia entre rojo y verde, amarillo y azul, el tono de ese color. Entonces hablamos de intensidad, que básicamente es lo saturado que está un color. Cuánto es ese color de sí mismo, lo cierto que es, lo intenso que es, o lo aburrido que es. Por lo que un color muy desaturado sería gris, y es un segue perfecto en valor. Otra forma de hablar del color es en valor tonal. Entonces estamos hablando de luz y oscuridad, incluso dentro del mismo rango de color. Algunas palabras a evitar cuando estás hablando de color son brillantes, simplemente porque podría considerarse valor o intensidad, por eso usamos estas grandes palabras para hablar de color. Hablamos de matiz, hablamos de intensidad, y hablamos de valor. Aquí te dejamos algunas pinturas que mejor ejemplifican algunos de estos principios. Tenemos muchos colores diferentes y tenemos colores realmente intensos, saturados. Entonces tenemos colores que se utilizan para describir diferentes tonos, diferentes valores dentro de una pintura. 4. Practicar los colores: Tengo listo mi cuaderno de bocetos para mi primera lección. Color. Está bien, tengo mis pinturas de acuarela fuera. Se trata de una paleta de oro Mijello misión. Es bastante caro. Puedes usar cualquier paleta de acuarela que quieras porque solo estamos jugando con los colores que tenemos. Voy a usar un cepillo redondo talla 4. Es bastante útil. Es pequeño. Podrías ir un poco más grande que eso y más tarde voy a usar un pincel plano realmente grande. Ahora solo quiero que empieces con lo que sea tu color favorito y le des un poco de swash, así que crea un pequeño círculo. Ahora en nuestra rueda de color, vamos a pensar, qué color quiero ir a que se salta uno y luego se va a esto. El rosa es un derivado del rojo. Entonces si salto hacia colores cálidos, saltaría sobre rojo, naranja e iría a naranja recto. Directo al otro lado, es este verde. Ahí está mi esquema complementario split. Ahora quiero hacer un esquema análogo a partir de este primer color. Mi primer color fue el rosa, y lo saqué de nuevo después del rosa. Un esquema de color análogo elige colores que están justo al lado de él. Justo a su lado, tengo naranja roja, y naranja. Tan sólo para que sea un poco más ligero, vamos a estirar hacia la naranja amarilla. ¿ Ves cómo estos colores van todo en una línea, ese es mi esquema de color análogo. Ahora, sólo voy a escoger un color. Estoy usando un pincel plano pequeño, esta es la talla 6. Pero honestamente parece que debería ser más pequeño que eso, un número más pequeño que eso. No tienes que tener este pincel. Yo solo estoy creando un poco de swash de color con él. Ahora tengo dos colores fríos, verde y azul, y muchos colores cálidos. Voy a hacer todo lo posible para apegarme a estos colores, y puedo agregar negro o aclarar entonces como quiera, y puedo mezclarlos juntos. Lo cual va a ser realmente divertido. es tan divertido que tengo que mostrarte. Voy a mezclar mi rosa con mi naranja. Ve cómo simplemente creando un pequeño círculo de rosa sobre la naranja, simplemente lo reactivó. Se mezclan juntos. Voy a mezclar mi rosa con el verde. Para reactivar tus colores, solo tienes que mojar tu pincel muy. De esa forma, vuelve a despertar las pinturas de tu papel. Yo voy a hacer lo mismo con la naranja. Aquí tienes naranja más rosa. ¿ De qué color hace eso? Es un poco como la naranja quemada. El naranja con el verde hace un bonito marrón fangoso y hermoso, eso es muy bonito. Esas son todas las combinaciones de colores que podemos hacer mezclando estos tres colores juntos. Porque si mezcle el verde con la naranja, eso es lo mismo que mezclar la naranja con el verde. Un paso más que voy a dar es en usar blanco, estoy usando bolígrafo blanco por el Dr. P.H Martins. Voy a mezclar un poco de ese blanco con mi rosa para que vea cómo se ve eso cuando es ligero. Lávame el cepillo, mezcla un poco de la naranja con el blanco. Lávame el cepillo, blanco con el verde. Bastante poco de menta. Demasiado oscuro, voy a añadir un poco más de blanco. Ahí vamos. Hasta puedo traerlo a este marrón, mezclar eso. Obtienes este marrón fresco y silenciado. Poner un poco del blanco en este tipo de color violeta que obtuve del rosa más verde, más el blanco, y eso sería lo mismo, rosa blanco y naranja. Eso son muchos colores de los que tenemos que elegir. Entonces podemos hacer una pintura muy completa y ni siquiera necesitamos marcar a este tipo de bono azul que tiré solo por diversión. Lo que voy a hacer es que ahora voy a usar mi gran pincel plano. Puedes seguir usando el pincel que hemos estado usando. Esto sólo en realidad va a ser más rápido. Por lo que primero voy a mojar mi cepillo. Esta es una talla 20. Simplemente voy a crear un gradiente de colores con ese nivel inferior. Voy a empezar con esa parte húmeda de mi página en la parte superior. Voy a añadir rosa. Este método se llama el método de pintura húmeda sobre húmeda, es porque estamos pintando pintura húmeda sobre una hoja de papel blanca. Hace que los colores se mezclen mucho mejor que si pasáramos de un cepillo húmedo a una hoja de papel seca. Tengo mi pincel todavía mojado pero esta vez agregué un poco de naranja, voy a dejar que se crucen un poco. Comprobando para ver si mi papel sigue mojado. En realidad no, así que voy a añadir un poco más de agua. El pincel estaba un poco sucio, así que ya tenía un poco del rosa, pero eso está bien. Mi siguiente color, amarillo, naranja. Incluso puedes saltarte colores porque si vamos directo al amarillo, el amarillo y el naranja se mezclarían, ¿verdad? Por lo que no necesito agregar esta naranja roja aquí mismo. Ya es naranja roja. Ya es el rosa y el naranja mezclando juntos. Peina esos a través de todo lo que quieras. Puedes seguir adelante si quieres hacer un arco iris lleno y hacer más colores, me voy a parar en amarillo porque realmente quiero mantener mi esquema de color como lo tengo aquí. Simplemente estoy reaplicando pintura como necesito, donde estoy viendo que hay algunos puntos que necesitan más color. Honestamente me estoy divirtiendo tanto. Esta es una actividad tan simple y se aprende tanto sobre color con sólo mirar estos colores se interrelacionan y se mezclan entre sí. Haz más de estos si quieres. Pero esto es todo lo que vamos a hacer hoy. Estamos jugando con los colores que elegimos, nuestro esquema de color complementario split, creando camas húmedas de color, y luego llenándolo con más para que se gradúan juntos. Es realmente divertido de ver. 5. El valor: Se dice que el valor es lo más importante en un cuadro, pero el color se lleva todo el crédito. El valor es un gran segundo paso en el que pensar. Es realmente la piedra angular de un montón de pinturas. Si puedes tomar un cuadro y simplemente quitar por completo el color, que es algo que a menudo hago en realidad en mi teléfono solo para ver las intensidades de valor pasando, eso te ayudará a decidir qué hacer a continuación en tu cuadro. Algunas personas lo llaman tono, pero estamos hablando de cómo claro y oscuro es un color, o no. A lo mejor negro, tal vez Grey, lo es. Cuando nos acercamos al valor, estamos pensando en el contraste. Esa sería una forma muy cruda, oscura y ligera de apreciar el valor. Estamos hablando de gradación. derecho hablando de algunas gradaciones realmente lentas en valor, y luego usamos el valor como punto focal. Aquí te dejamos algunos visuales para ayudarte a entender esa idea de contraste, o algunos podrían querer sonar fantasía, puedes llamarlo Chiaroscuro, donde tenemos este término italiano para describir esta dura luz oscura y dura, y cómo hace que nuestros ojos se centren en contornos nítidos. Tenemos valores realmente asentados en esta gradación y puntos focales que se crean a través del valor. Estas son algunas pinturas que muestran estos diferentes principios de valor, el alto contraste de la Mona Lisa. En el segundo cuadro de John Burton, ve una gradación de valores desde algún contraste muy nítido hasta algunos tonos muy claros a medida que las figuras crecen cada vez más lejos. Después, en el tercer cuadro, llamado “El Matchmaker”, se ve cómo el punto focal realmente se dibuja por ese valor de contraste duro. Tenemos mucha oscuridad y mucha luz, y luego nuestros ojos se sienten atraídos por ese lugar, y esa es una gran manera de usar los principios del valor. Vamos a ejercitar esos ahora. 6. Practicar el valor: Ahora vamos a trabajar con valor. Valor siendo la luz y la oscuridad. Todavía estamos trabajando en teoría del color aquí, así que voy a usar mi misma ronda para pincel y sólo voy a ir de este color. Ahí está, en su forma más pura. Voy a ponerlo por aquí y hacerlo en diferentes niveles de oscuridad, añadiendo el color complementario siendo este verde esmeralda. Voy a adivinar que eso es un realmente oscuro, tráelo aquí. Bonito y oscuro. Ahora con la acuarela, la forma en que nos hacemos más claros y oscuros no es solo mezclando colores, sino también añadiendo agua. Voy a usar cualquier pintura que esté en mi pincel, tráela aquí. Podrías agregar un poco más de agua para hacerla más ligera. Puedes quitar color rodando tu pincel y recogiéndolo, y solo estoy agregando un poco de ese color morado que aún tengo en mi pincel y a este lavado, y tu primero no necesita ser perfecto. Todo es una práctica de hacer esto justo y predecir qué tan claros u oscuros van a ser estos colores, por cuánta pintura tienes en tu pincel y cuánta agua estás usando. Este es un gran ejercicio si eres nuevo en la acuarela y estás tratando de entender cuánto ponerte en tu pincel, cuánto poner en tu página con cada ejercicio, creando una pequeña escala de valor. Rodando ese cepillo si necesitamos quitarle, agregando un agua si necesitamos que sea más ligero. Entonces para mi última, voy a usar lo que me queda como mezcla con el blanco, y eso es tan ligero como voy a poder ir con ese color. Probemos lo mismo con el verde. De nuevo, lavando tu cepillo consiguiendo un puro, cantidad de swash puro aquí. Simplemente recto hacia arriba verde esmeralda. Ponerlo aquí. Ahora como el verde es inherentemente más oscuro, estoy empapando algo de esa pintura para que sea de un color más claro. Me di cuenta de que se va a oscurecer muy rápido, así que el verde en su forma más pura probablemente va a ser más hacia el final de mi escala de valor aquí, mientras que el rosa estaba justo en el medio. Úsalo un poco con el blanco, mira cómo sale eso. Realmente me encanta este color. Ten más blanco. Está bien, ahora tenemos que oscurecernos, así que voy a ir más lleno en el color de mi pincel. Veamos si esto es hasta donde puedo empujarlo en su forma más pura. Se ve así. Ahora, si quiero oscurecerme, adivina qué, van a ser esos colores allá arriba, así que no necesito volver a pintar eso. Sólo voy a añadir un poco de rosa teensy. Mira cómo eso ya cambió tanto mis colores. Esta mezcla tiene más verde que rosa, esa mezcla tiene más rosa que verde, así que ahí están mis valores para mi verde. Ahora por el divertido ejercicio. Quiero que creéis nubes con estos colores. Voy a ir con el color fresco porque se sentiría más natural. No, voy a ir con el color cálido, voy a ir con el rosa. Nubes rosadas, simplemente no puedo resistir. Voy a empezar con una mezcla de blanco claro con el rosa para hacer mis nubes. El modo en que hago mis nubes es básicamente haciendo una colección de medios círculos en diferentes tamaños y luego llenándolos. Aquí hay un medio círculo más pequeño, tres o cuatro es un buen número, y luego conectándolos todos en la parte inferior. Obviamente no es la única manera de hacer nubes, esta es mi manera, que me pareció la más divertida. Está bien, pero como estoy explorando valor, voy a hacer esto. Siguiente nube, con más pintura, haré una versión más oscura. Mismo motivo, sólo más oscuro, y jugar con mis valores. Me gustan mis lindas nubes, bonita variedad, y los valores. Siento que tengo una mejor comprensión de cómo ponerme más oscuro y más claro con mis colores pintando unas nubes. 7. Líneas: El tercer elemento del arte del que hablaremos es la línea. En la pintura, siempre tenemos línea porque es esencialmente cada vez tu pincel golpea el lienzo o el papel, creas una línea, quieras o no. Estos son caminos de uno a otro moviéndose por el espacio. Ahora bien, las líneas pueden ser muy definidas, pueden ser muy simétricas, pero no varían en ancho, no mucha calidad de línea, pero luego tienes líneas gestuales las cuales se colocan mucho más libremente. Expresan mucho más con una sola línea. Perspectiva también es un gran uso de la línea y es lo que dice. Usaremos líneas para crear la profundidad y el entorno para comprender mejor el entorno en el que se encuentra nuestra materia. Aquí hay algunas pinturas para ayudar a cimentar esa idea de cómo las líneas pueden definirse como lo hizo Mondrian, ya que las líneas pueden evocar emoción al ser gestuales, al estar muy sueltas, usar mucho ancho, y líneas gruesas y delgadas para mostrar el esbozo de algo. No tiene que ser pegado, línea recta. Una forma fresca de mostrar perspectiva, no tiene que ser un boceto a lápiz. La perspectiva a menudo se muestra con línea simplemente porque estamos guiando el ojo de un punto a otro con el poder de la línea. 8. Practicar la línea: Ahora nos estamos metiendo en algo que realmente traté de incorporar en mi trabajo. A pesar de que el color es un bigy, el color es realmente un poco exigente. Line, así que me encanta hablar de calidad de línea. Es porque podemos hacer líneas que sean uniformes y que hablen con certeza. Pero hay algo sobre aumentar realmente la amplitud de lo gruesa y delgada que es tu línea. Vamos a hacer esto en naranja. Ahora, voy a crear algunas líneas regulares. Tipo de hacer mi mejor esfuerzo en ser muy consistente con su ancho, con su grosor. A lo mejor hacer algunas líneas onduladas. Pero otra vez, uniforme. En lo mejor que pueda. Ahora voy a jugar con calidad de línea yendo grueso y delgado. Estoy cargando mucha agua y mucha pintura en mi pincel para que tenga más flexibilidad. El tamaño de mi pincel es de cuatro, pero verás que puedo usar la punta misma del mismo para hacer de esta una línea muy delgada y luego presionar hacia abajo y hacer una línea gruesa y dejar arriba para hacer una línea delgada de nuevo. Esto va a tomar mucha práctica si es algo que es completamente nuevo para ti, pero bien vale la pena aprender más sobre. Ahora, pongámoslo en práctica. Vamos a explorar la calidad de la línea con un par de temas diferentes. A lo mejor uno de ellos te será más interesante que el otro. Una es mariposas. Por lo que las mariposas son divertidas de dibujar porque son simplemente simétricas, y son formas de dos orejas juntas. Pero con mi calidad de línea, puedo hacer que las alas de la mariposa se sientan más gruesas a veces, sentirme más delgadas. Realmente agrega mucho interés e incluso realismo a algo que puede ser tan fácilmente garabateado. Vamos a probar y mariposas de lado. Ve cómo empujé hacia abajo mi cepillo mientras me meto en esas curvas y lo dejo arriba como el pesaje se adhiere a la mariposa. Ahora probemos el mismo principio con un caballo. Los caballos pueden ser difíciles de dibujar. Pero si miras a un caballo, piensa en que es el movimiento más dominante, y ahí es donde quieres que la línea sea la más gruesa. Aquí lo estoy haciendo a través de su espalda. Adelgazar a medida que me meto en el hocico. Se fue un poco puntiagudos en el hocico. Más puntiagudos de lo que quería. Una línea uniforme para el cuello y para las orejas. Observe cómo estas líneas, solo están dando una sensación de forma. No es el caballo más realista que jamás verás, pero está ahí para mostrar el movimiento de un caballo. Si yo hubiera dibujado el mismo caballo con una línea uniforme, se vería más así. Yo estoy dibujando el mismo caballo pero con él mirando hacia otro lado, y tal vez eso te guste más. Pero no hay movimiento, no hay sensación de entender hacia dónde va y hacia dónde está poniendo su fuerza. Voy a hacer sólo la cara de un caballo. Haciendo dos líneas para las orejas, dos líneas para los ojos, y dos líneas para las fosas nasales solo para conseguir mis cojinetes. Después usa una línea más delgada en el interior de la oreja. Dale un poco de pelo grueso aquí. Algunas líneas más delgadas a lo largo de los bordes de su cara. Quieres volver a las mariposas. Entiendo totalmente. Qué tal cuando creamos lo que sea que queremos crear, creamos la silueta de la misma con un lavado acuoso de acuarela. Estoy haciendo la silueta de una mariposa. Voy a tratar de apretar en silueta de un caballo. Cuello, cuerpo, piernas. Caballo muy pequeño aquí. Sentir que necesita llenar un poco, lo suficientemente cerca. Después de esos secos, entraré con un color puro. A lo mejor empieza a mezclar un poco mis colores. Tengo un poco de esta naranja rosada poniéndose un poco más oscura. Ahora voy a crear el cuerpo de la mariposa con una bonita línea gruesa que se estrecha al final para que sea más delgada. El antena. Y puedo crear el contorno usando alguna calidad de línea donde voy más grueso y delgado con mis líneas. Llenar donde te pusieron un poco demasiado ligero. Poner unos cuantos parches más de color. Agrega un poco de línea verde, muy delgada. Por lo que aquí mismo en esta mariposa obtuve bastante variedad con grosor y delgadez de cada línea. Hagamos lo mismo por el caballo. El caballo, lo haremos de pie fuerte al frente. Casi parece una sombra de gota. Vienes por ahí y te extendes. Nos hacemos más gruesos, agregando pedacitos de detalle, ojo pequeño, pequeña fosa nasal para nuestro caballo. Puedes probar algunos otros animales especialmente creando primero esa silueta, ese poco color acuoso de solo el contorno y llenando eso, dejando que eso se seque. Después, haz todo lo posible para tratar de mirar a estos animales e interpretar hacia dónde va su movimiento. Juegan con lo gruesas y delgadas que creas esas líneas. 9. Formas: Un favorito personal y un favorito común entre los artistas. manera muy sencilla, es una zona cerrada. Es una forma, lo consigues. Cuando hablamos de forma, estamos hablando de formas geométricas. Podrían ser formas orgánicas o formas pueden ser el espacio positivo o negativo, por lo que otras formas pueden hacer la forma. Aquí te dejamos algunos ejemplos de algunos de esos muy fáciles de vislumbrar. geométricas, cosas que puedes etiquetar. Formas orgánicas, no tanto, más difíciles de describir. Por lo general se encuentra en la naturaleza inspirada en la naturaleza. Formas positivas y negativas. El tipo de forma de rosquilla es creado por las formas negativas, o si lo piensas, el círculo dentro de la rosquilla es una forma creada por el espacio negativo. Aquí hay algunas pinturas que representan a aquellos amablemente aman estas hermosas formas geométricas creadas en esta primera pintura, superpuestas. Podemos reducir cualquier cosa en formas. Una vez que entendemos estas formas, podemos interpretarlas fácilmente. Formas orgánicas de Matisse que hizo fuera de papel cortado. Muy fluida usando sólo el movimiento de tu mano y no ser demasiado guiado por exactamente lo que parece. O tenemos estas formas positivas y negativas jugando con nuestra mente en este dibujo de Escher donde tenemos, es el negro que es el espacio positivo que en realidad es la forma, o es el blanco que es una forma negativa? Todo es muy confuso, pero son todas formas creadas por estas áreas cerradas que creamos visualmente. 10. Practicar las formas: Uno de mis principios favoritos de la pintura, la forma. El motivo por el que me encanta la forma es porque se puede interpretar tanto con la forma de algo. Realmente no necesitas muchas de las otras cosas si tienes bien tus formas. Voy a usar un pincel plano. Esta es la talla 12. El motivo por el que estoy usando esto es solo para mostrarte, nuevo, puedes usar cualquier pincel que tengas. Pero quiero mostrarte cómo crear formas fácilmente con este pincel porque siento que realmente enseña bien. Voy a usar esta mezcla rojo-naranja que tenemos aquí. Lo bueno de un pincel plano es que como lo uso perpendicularmente, va a crear una bonita línea ancha que hace que crear una forma sea bastante fácil. Usaré el pincel de arriba hacia abajo, girándolo para crear un círculo, en lugar de usarlo en ángulo, que normalmente hacemos cuando estamos pintando. Simplemente pintando algunas formas básicas. Ya has hecho esto antes, no es gran cosa, pero vamos a usar estas formas básicas para construir lo que queramos. En este caso, vamos a hacer un granero. Voy a mezclar mi verde, y mi rosa, y mi naranja para ver qué tipo de color fangoso tenemos aquí. Yo estoy haciendo un granero porque es agradable y simétrico. Tiene algunos bordes muy duros, y será genial darnos una idea de cómo se pueden armar las cosas como formas. Primero creo un rectángulo. Podría ser un cuadrado, pero es un poco más alto, y quiero mantener este color bastante claro porque voy a trabajar encima de él, agregando cada vez más detalles. Este es el frente del granero. Voy a darle un top curvo, es como un triángulo curvo, y voy a seguir esa línea, trabajando de lado con mi pincel para crear el techo. Ahora, crearé la pared lateral, haciendo lo mismo que hice con el techo extendiendo la línea desde la parte delantera del granero hacia atrás en un ligero ángulo, después llenar esa forma de color. Entonces vamos a dejar que esto se seque. Pero sólo por el bien de ayudarte a entender cómo todo está hecho de formas aunque no sea algo blocky, voy a hacer un árbol con nuestro verde esmeralda. Al igual que hicimos las nubes, solo voy a crear estas formas de medio círculo, no necesariamente llenarlas. Son más como piezas de macarrones, y sólo para que estéticamente se vea similar a las nubes que ya creamos, voy a hacer planas en la parte inferior. Haz otra. Siempre es bueno tener un poco de repetición en tu pieza, eso en realidad es un elemento de diseño. También es bueno trabajar en otra cosa mientras esperas que algo se seque. Voy a volver a mi cepillo redondo más pequeño para algunos detalles de nuestro granero. Todavía está un poco mojado. Usa un cepillo para empapar un poco de esa agua para que se seque más rápido para nosotros. Estoy mezclando mi verde esmeralda. Lava un poco mi cepillo antes de sumergirlo en el rosa. Estoy mezclando esos y creando ese morado oscuro, y usando el último principio que usamos, creando líneas para hacer los bordes de nuestro granero. Si quieres mirar una referencia fotográfica para que tu granero parezca legal, eres bienvenido a. Yo solo estoy trabajando desde la memoria como un poco de ejercicio divertido tipo de para mantener la presión alejada y mantener estos videos cortos para que podamos seguir aprendiendo. Estoy delineando mis formas y le doy a mi granero una bonita puerta grande. Yo le estoy dando una bonita ventana grande aquí arriba. De nuevo, pensando en las formas, digamos que está abierto y estas son las ventanas que se abren hacia adentro. Poner en otra forma y quemar dos a la mitad. Ahora tienes algunas ventanas, no típicamente, pero tal vez. Incluso puedes enfocarte en algo de este acanalado bajando. Voy a volver a mis árboles. Tengo este color púrpura, si añado un poco naranja, se pondrá marrón, y estoy creando las ramas solo con trazos simples de mi pincel plano, llegando como manitas al tronco del árbol. Dejar que se muestren algunas de esas costillas. Voy a hacer algunas de esas ramas el uno al otro, el árbol divertido, caprichoso. Para profundizar nuestra diversión con las formas, voy a añadir unas hojas. Este rojo en la parte superior con los detalles verdes, diminutos como este. Déjenme hacer ilustraciones realmente finales. Espero que hayas podido apreciar cómo todo está hecho de formas, y si solo las compilas justo a la derecha, mi cara ovalada, el rectángulo que tengo sosteniendo mi cabeza, mis hombros rectangulares, mi redondez y los hombros bajando a óvalos que se extienden a más óvalos, verás cómo están las formas por todas partes, y la forma es tan importante en la pintura. 11. El espacio: Espacio, a menudo hablamos del espacio dentro de un cuadro como ese área positiva y negativa. Retratamos profundidad con espacio, creamos volumen como en el peso de la cantidad de espacio que hay en una pintura. espacio se puede crear por medios relativos, es decir, podemos crear un espacio solapando algunas cosas, haciendo que algunas cosas estén más lejos, todas se utilizan para crear un ambiente, un ambiente dentro de una obra de arte. Podemos ser muy técnicos y crear espacio usando perspectiva, midiendo con líneas, asegurándonos de que todo retrocede a la perspectiva correcta en lugar de solo proporciones relativas como en el primer ejemplo. Podemos ignorar por completo la proporción y dónde están las cosas y simplemente hacerlo todo planos, planos creando espacio. Aquí hay algunas pinturas que muestran cada una de esas de manera distintiva. Tienes la pintura de Salvador Dalí donde tienes una idea del espacio, está saliendo a la distancia, no es un espacio real, hay alguna perspectiva, hay alguna perspectiva, pero la mayor parte de nuestra idea de dónde estamos es comparando uno objeto a otro. Tenemos perspectiva, donde estás usando solo toda la habilidad y habilidad técnica que puedas para crear el espacio. En el tercer cuadro solo nos estamos olvidando de lo grandes que son las cosas unas con otras donde yacen, es solo llanuras planas y solo nos estamos divirtiendo con las formas más para crear ese espacio. 12. Practicar el espacio: El espacio es un principio que veremos mejor al mirar la última composición. Pero el espacio, también conocido como volumen, es justo lo que suena. Es la interacción del sujeto y todo a su alrededor. Si estoy sentado aquí y estoy mirando hacia fuera, te da un sentido completamente diferente de esta fotografía que estamos viendo ahora mismo. Sobre todo si estoy mirando hacia otro lado, ¿qué estoy mirando? Entonces vamos a crear algún espacio pintando cuál será el espacio negativo, el no utilizado, por así decirlo, espacio en nuestra pintura donde nuestros ojos se rompen. Pero también crea un poco de tensión con lo que no es y lo que es. Si yo estuviera creando un campo, tú comienzas con el color medio, digamos el verde que he elegido. Entonces entraría en algo que podría ser el espacio cercano. Esto es en lo que estamos parados teóricamente. Ahora, puedes oscurecerte con el color que nos espera o que estamos en, más cerca de nosotros. Pero a medida que las cosas se alejan más de nosotros, en realidad se vuelven más livianas. Las partículas de agua en el aire interfieren con lo que vemos y así las cosas parecen ponerse más borrosas y más ligeras a medida que retroceden. Estoy creando sólo algunos campos, algunos campos diferentes en diferentes colores, empezando por mi primer color, llegando a lo que nos espera, y luego detrás de unos medios círculos muy aplanados para mostrar que sensación de espacio. Realmente divertido ver estos colores se tejen entre sí. Ahora, cuando se tiene esta idea de volumen, hay que tener la atención de algo. Tenemos unos colores hermosos aquí, y casi odio empañarlos de cualquier manera, pero necesitamos algo que nos recuerde que este es el principal. ¿ Qué es conflictivo? ¿ Qué es interesante? ¿ Qué nos está alejando de estos lavados fluidos? Entonces vuelvo a esto. Dejé este pequeño bolsillo blanco. Si lo pintaste todo verde, está bien, pero vas a necesitar esperar hasta que todo se seque antes de que trabajemos en ello un poco más. Pero la dejé blanca porque vamos a añadir pequeñas flores o hierba ahí dentro. Incluso un patrón de Xs va a ser suficiente porque lo que queremos es algo que sólo está ocupado y nos hace mirar en esa dirección. Voy a usar un color que podría ser una sorpresa, es marrón, porque quiero que el color se sienta muy diferente de lo que es todo lo demás. Apenas creando unas margaritas. En realidad algunos están saliendo de esta pequeña zona y otros están sangrando. Quieres que tu espectador de tu pintura tenga incluso algo que los frustre un poco. Piensa en la Mona Lisa y cuánta intriga hay alrededor de la semi-sonrisa en su rostro. Si hubiera sido una sonrisa completa o si hubiera sido evidente para cada espectador lo que está pasando ahí, no habría mucho interés en el cuadro. Pero es virtud está en cómo es poco desconocido, es un poco misterioso. Me estoy imaginando este campo como si fuera una colcha y simplemente creando un pequeño patrón divertido en este bolsillo. Un poco de blanco y un poco de amarillo. Voy a tratar de hacer el centro de estas margaritas sin sangrar demasiado. Podríamos traer algunos de estos puntos por aquí. Estoy agregando unas hojas solo para empatar más en esta extraña pequeña sección de flores en esta gran cantidad de espacio negativo. Eso es todo lo que vamos a hacer por el espacio, colcha pequeña al campo, sub-quilt. 13. Texturas: Un elemento muy divertido del arte es la textura. Lo que es divertido de la textura es que podemos estar hablando la forma en que se siente una pintura al mirarla, o la forma en que se siente una pintura al tocarla, o la textura también se puede crear por patrón. No recomendaría tocar un cuadro, pero hemos visto pinturas que están hechas tal manera que sí les tienen textura táctil. La mayor parte de la textura que vemos en el arte es visual. Utilizamos nuestros lápices y nuestros pinceles para tratar de mostrar la textura de algo, y luego patrón, esa es la repetición, el movimiento que se crea con el fin de mostrar textura. Aquí hay algunos ejemplos de textura. Tenemos los lirios de agua de Monet que tienen textura palpable, si pudieras estar lo suficientemente cerca como para tocar una de estas pinturas, sentirías la textura de esa pintura ahí mismo. Tenemos hermosos bocetos que muestran detalle, si acercamos esta liebre, verías detalles muy intrincados y mostrando diferentes texturas en las orejas versus los bigotes versus el pelaje del vientre. La textura también se muestra a través del patrón, por lo que podría no ser una textura encontrada en la naturaleza, encontrada en la tierra, puede ser una idea percibida de la textura a través de un patrón. 14. Practicar la textura: Hoy es una textura divertida. Lo que es divertido de la textura es que podemos usar casi cualquier cosa para explorarla, porque la textura es todo acerca de la variedad. Voy a empezar con acuarelas ya que las tengo fuera. Pero quiero que uses los médiums que tengas. A lo mejor mirarás lo que estoy haciendo y pensarás : “Creo que podría replicarlo con algo más”. Vamos a hacer algo diferente en la forma en que pintamos. Te voy a mostrar la técnica del pincel seco más que la húmeda sobre mojada. Hace honor a su nombre. Queremos un cepillo que esté seco pero limpio. Lo sumergimos en un poco de pintura. A medida que pintamos diferentes líneas, verás que crea una textura rugosa ya que el pincel golpea el papel, y en realidad no tiene mucha pintura para trabajar. Lo que es divertido de crear texturas es que puedes crear patrones. Puedes usar muchos medios diferentes y agregarle cosas. Podrías pintar con quash o pintura acrílica y agregar arena, o puedes ir a la tienda y comprarla ya ahí dentro. Es realmente divertido también crear texturas con sólo esos mismos suministros que has estado usando. Nuevamente, aquí está mi pincel, agregué un poco de agua, y en lugar de pintar una caja y llenarla, voy a estampar con ella arriba y abajo. Hoy solo se trata de explorar diferentes texturas con lo que tengas a mano. Voy a sacar mis lápices de colores y probar algunas texturas con esos. Seguiré explorando con los materiales que tengo, las pinturas de acuarela porque realmente quiero explotar todas las formas que posiblemente podría usar mis materiales. Yo sigo con mi esquema de color. Solo para ayudarte a tener un objetivo o algo que estés creando con estas cosas, digamos que estamos haciendo pasto y follaje en diferentes texturas. Espero que hayas descubierto algunas texturas nuevas que podrías crear no solo usando diferentes suministros de arte, sino usándolas de manera diferente, y creando diferentes tipos de líneas dentro de tu trabajo. 15. La escala: El tamaño es un elemento muy importante en la pintura. Pensaremos en el tamaño de estas formas. Puede ser natural. Tamaño tan proporcionado. También podríamos estar hablando de la escala de la propia pintura o de las cosas dentro de la pintura. Pero si fuera dramático, podríamos tener una persona muy pequeña, una persona muy grande. Tenemos quizás algo que debería ser más pequeño, ser grande. Y está ahí para contar una historia. Está ahí por una intención y eso está dentro de la pintura. El tamaño puede ser jerárquico. Estamos usando el tamaño para mostrar lo importante que es algo haciéndolo masivo y haciendo que otras cosas caigan bajo traje. El cuadro en sí puede ser masivo o diminuto, para comunicarse más en la pintura. Ser un término medio, retratando otro elemento, otra parte importante de esta pintura, a través del tamaño y la escala. Algunos ejemplos de ese cambio dramático en hacer las cosas desproporcionadamente grandes, o nos estamos centrando en los lados de las cosas y manipulando eso para contar una historia, se muestra en este cuadro llamado Curiosity. El segundo ejemplo de estructura jerárquica en tamaño. Vemos especialmente en el lado derecho, que las llantas de la importancia de lo grandes que son las cosas. Podría estar en el orden de la misma, pero también en la escala. Por lo que algunas cosas que se hacen para ser muy importantes se colocan casi matemáticamente para que los veamos en ese orden. Uno de mis artistas favoritos, Chuck Close, hace retratos masivos que hace de una manera realmente única. Puedes buscarlo cuando tengas tiempo. Pero hace estos retratos muy grandes, por lo que de cerca, no parecen retratos. Se pueden apreciar desde lejos. Eso es parte de lo que está tratando de comunicar y lo hace a través del tamaño desde la escala. 16. Practicar la escala: Hablemos de escala o tamaño. La actividad de hoy es bastante simple o esta actividad es bastante simple porque es un poco como lo que ya hemos hecho, pero vamos a acercar algo que ya hemos pintado. Lo más fácil para nosotros es acercar las flores. En el proyecto espacial, teníamos una pequeña sección de margaritas, así que solo vamos a hacer una o dos que realmente están de cerca y solo pensar en la diferencia entre pequeñas y grandes. lo que vas a estar mirando, esa tensión que interesa que pasa solo cambiando el tamaño o la escala de algo. Usando mi cepillo de cuatro redondos, solo voy a pintar los centros amarillos margaritas, fáciles. Voy a hacer uno que sea un poco de ángulo. Vamos a lo grande. Entonces con cualquiera de mis colores cálidos, voy a extenderme desde ahí para crear cada pétalo comenzando con este en ángulo para que puedas ver las flores o estas flores radiales son básicamente un asterisco. Si piensas en un asterisco tirando del centro hacia afuera. Estamos tratando de pensar, vale, bueno si empieza desde aquí, se hace un poco más ancha, es un poco más grande. Bucles alrededor y estos van a estar en una formación de media luna a medida que se hacen más y más cortos, devanando alrededor del centro de la margarita. Ahora como éste es más grande, el centro era más grande que este otro, por eso quería trabajar primero en ello porque está frente a esa línea. Eso es parte del principio de escala. Este tamaño va a ser mucho más franco. De pie justo frente a nosotros, mirándonos, es mucho más fácil ponernos nuestros rodamientos en él. Nuevamente, es divertido y una idea inteligente trabajar en varias cosas a la vez en que estás pintando en acuarela. Porque es importante que tengas el tiempo correcto en algunas cosas y dejarlas simplemente sentarse y secar hasta la siguiente etapa. Tener cuidado de colocar los pétalos de esta margarita detrás de lo que ya está pintado, para que tengas un poco de esa superposición pasando. Me estoy sumergiendo de nuevo en el amarillo y yendo mucho más grueso en él. Mucha más pintura en mi pincel y menos agua para que pueda motearse en un poquito de textura al centro de estas margaritas. Usando tu verde, teniendo cuidado de ir detrás de lo que ya hay. Ya que estamos hablando de escala, ¿qué tal si le damos a ésta unas bonitas hojas grandes solo para que sea un poco diferente a los tallos, agregamos un poco de blanco. Voy a salir del centro con un poco de diseño solo para esa flexibilidad, puedo agregar en un color diferente si quiero en un segundo aquí. Es simplemente increíble tener una sola hoja. Necesitas varios. Nadie sabe por qué. En ese extraño centro que salí de aquí, no creo que esto sea típico de las margaritas, pero voy a agregar en un color contrastante, sólo porque no puedo, esta es mi caprichosa granja que tengo pasando aquí. Por último, voy a añadir un poco más de definición a las margaritas mediante el uso del principio de línea. Agregando unas líneas centrales, unos marcadores de borde de esquina donde siento que no está del todo claro lo que está pasando aquí. A veces no tienes que ser tan claro. A veces puedes estar muy bien definido y a veces no y como artista, puedes elegir cuándo hacer eso y cuándo simplemente no delinear algo. Se convierte a la vez en una elección estilística y en algo que sólo tiene que suceder. Por ejemplo, aquí cuando las cosas se superponen, siento la necesidad de agregar más color para ayudar a definir para que nuestros ojos no vayan, qué está pasando ahí. Bastante conseguirlo. Entonces nos vemos obligados a presumir, nos hace sentir un poco incómodos. Es divertido hacer que cada razón rinda cuentas a veces al crear un poco de tensión, un poco de entrada. Pero cuando se trata de cosas más obvias como solapar y donde realmente están las cosas, dónde se encuentran y dónde terminan. Entonces deberíamos proporcionar algunas señales visuales para eso. Entonces definitivamente aconsejaría al elemento mío para ayudar a encontrar lo que estamos viendo aquí. Sólo por el bien de nuestra página del libro de bocetos aquí, para que cuando miro hacia atrás, sepa a lo que me refería por escala. Déjame seguir adelante y pintar unas margaritas muy simples aquí, flojamente con mi pincel para mostrar una diferencia de tamaño entre las margaritas de aquí en la parte superior derecha y las margaritas aquí abajo en la parte superior izquierda. Así que seca tu gran cosa y una cosita para mostrar escala. 17. La dirección: Dirección. Dirección es cómo guiamos el ojo a través de una pintura. Se puede hacer esto, y la forma más obvia con la línea. Cuando hablamos de línea, probablemente los viste ir en dirección, por lo que eso hace una línea de dirección bastante simple. Pero también podemos usar la luz para crear dirección para guiar al ojo a cierto punto focal, para traer motas de luz a lo largo o incluso color. Porque el color de nuevo, es otra forma de ejemplificar la luz. Es otra percepción de nuestros ojos. Dirección podría ser algo que simplemente hecho por el tamaño de tu pintura. Si lo estás haciendo en un paisaje horizontal u orientación cuadrada, cambiará drásticamente un cuadro si lo haces una orientación diferente, un formato diferente. El modo en que creas tu arte, la superficie que creas, las dimensiones también juega un papel. Un famoso ejemplo de usar línea y textura de marcado realmente arco es Noche estrellada de van Gogh. En las líneas se dirige el ojo por todo el cielo para moverse por toda la pintura y lo hace de una manera muy fluida. En la pintura media se ve cómo la luz la cruda, y la luz y la oscuridad de la figura de la mano izquierda va hacia el retrocedido mirando hacia abajo. Pero quieres mirar hacia abajo porque te guían la luz en este cuadro y la dirección de las figuras. El formato de esta tercera pintura japonesa cuánto tiempo es, es para hacernos sentir de cierta manera y entender la pintura de una manera diferente a si hubiera sido horizontal. 18. Practicar la dirección: Está bien. Ahora nos estamos metiendo en valores de tipo compositivo más amplios. Dirección. La dirección es básicamente cómo estamos guiando el ojo. Se basa en el punto focal que tenemos en un cuadro. Si bien aún no tenemos nuestra pintura armada, y no vamos a crear una pintura completamente nueva sólo para aprender sobre dirección. Te voy a dar sólo unos atajos y ejercicios que podemos dibujar y pintar sólo para tener algunas ideas sobre cómo retratar la dirección, cómo guiar el ojo a través de la pintura. Una forma muy útil que utilizamos para guiar el ojo a través de la pintura es a través del color. Usa el contraste más alto o el color más brillante en el punto al que quieres que se guíe el ojo, mientras que otros colores podrían amplificador en el camino hacia allí. ¿ Ves cómo el ojo naturalmente quiere ir de aquí a allá? De verdad quiere llegar al amarillo. Otra forma de guiar la dirección del ojo es básicamente dibujándolo para el ojo. Voy a usar un poco de este blanco, hacer una menta con ella, y hacer un río. Tu ojo no puede resistir ese río sin importar de qué color lo hagamos. Simplemente guiará naturalmente el ojo o a través de líneas más delgadas. No tiene que ser un tema grande. Podría ser sólo un poco de sólo una línea simple. Otra gran práctica en las formas de línea. Ya verás que usó mucho con las ilustraciones con caligrafía. Ellos guiarán tu ojo mediante el uso de las líneas. Hemos dirigido a la gente con los colores que utilizamos, con la intensidad de las líneas o incluso el tema que se muestra en este pequeño río. Esto es lo que tengo que seguir. Es sólo una indicación visual tan clara de donde mi ojo necesita estar funcionando. Otra es priorizando. Hablamos de tamaño antes y hablamos de escala. Cómo algo que es más grande sólo va a atraer tu atención. Bueno, ¿y si colocas esas cosas más grandes en puntos estratégicos para otra vez, guiar el ojo? Eso lo hicimos con color. Pero y si este río nos llevara a un conejito al final del río. Ahora, puedo volver a poner este conejito aquí y sí creo que él atraería algo de atención de ti. ¿ Crees que podría guiar tu ojo hacia este conejito? Está aislado, está solo, y está por este gran orbe amarillo brillante. Pero si yo creara un par de orejas apenas asomando desde la esquina aquí, tu ojo sería guiado por escala hacia este conejito sólo porque es tan grande y está exigiendo algo de atención. Podrías ser guiado hacia él por el contraste. A lo mejor no necesariamente el color, sino ese segundo principio que aprendimos de valor. Usando tonos claros y oscuros y creando allí una tensión haciendo que el ojo mire hacia donde hay diferentes valores pasando. Eso te va a ayudar a mirar a mi conejito. A pesar de que está saliendo de la página, pesar de que no lo es, tal vez lo principal, simplemente no puedes ignorarlo. Está haciendo que tu ojo se mueva porque tenemos este marrón realmente oscuro al lado de un fondo blanco. Practica algunas líneas de dirección, juega con el contraste de las cosas y ve si puedes desafiarte a saltarte por la página tanto como puedas. Consigue que salte a alguien de esos lindos. En mi cuadro, quieres mirar a este conejito y este conejito te guía hasta por los colores fríos a más cálido a más cálido, a muy brillante, a muy cruda, muy aislada pico conejito en el fondo mientras estas líneas pueden afirmar, sí, has aterrizado en el lugar correcto. En la siguiente lección, exploraremos cómo hacer que los espectadores se queden en tu pintura un poco más a través del tiempo. 19. El tiempo: El tiempo es cuánto tiempo consigues que tu espectador se quede. Cuando se trata de este principio, simplemente se muestra mejor en ejemplos. Entonces vamos a ir directo a eso. Un cuadro puede hacernos esperar haciéndonos sentir algo, o tal vez al mirar la pintura, tienes sentido del tiempo. lo mejor estás mirando un cuadro que tiene una vasta extensión y se siente como una cantidad de tiempo más larga, o podría ser una pintura romántica y apasionada muy emotiva como esta de El beso de Gustav Klimt. Podemos sentir el tiempo a través del movimiento y podría ser un tipo de pintura realmente complejo. Piensa en mirar hacia arriba en una catedral y ver fresco en el techo y notar sólo todos los detalles de ángeles y querubines y todas las cosas que están pasando. El movimiento ahí hace que te detengas y pases más tiempo ahí. También comunica el tiempo porque lo que vivimos, lo que estamos haciendo al permanecer en una pintura es en realidad alimentarse en la interpretación de esa pintura. Podría ser muy sencillo, como en Andy Warhol, Campbell's Soup Can. Tenemos algo que es tan sorprendente que hace que nos detengamos, y realmente estamos tratando de averiguar qué es esta pintura tratando de comunicar, o tal vez haciéndonos mirar algo de una manera diferente o forzándonos a pausar y mira algo que pasamos todos los días. 20. Practicar el tiempo: Muy bien, el tiempo podría llamarse movimiento. Lo curioso del tiempo es que no es un elemento de una pintura que se ve en la pintura, es el efecto de la pintura en el espectador. Cuánto tiempo pasa alguien mirando tu pieza puede ser determinado por un montón de cosas. tiempo se puede mostrar o provocar por contraste. Muchas de las cosas de las que ya hablamos, este marcado contraste, que pueden hacernos ver mucho algo. Repetición, donde tenemos los mismos elementos una y otra vez, y nuestra mente está tratando de darle sentido a qué va este ritmo, de qué va esta repetición o tal vez eres realmente magistral en la dirección de guiar al espectador a lo largo de todo. A lo mejor eres realmente magistral en los detalles, en los colores, en los tonos, en los valores. A lo mejor eres realmente genial mostrando forma. He mirado las piezas porque apenas me atraen sus formas. Podría ser cualquier cosa, pero tiene que hacerse bien, y definitivamente suele ser una combinación de esas cosas. Al estar considerando esto, estamos al final de muchas de nuestras páginas de cuadernos de bocetos y seguramente podrás crear algunos de estos motivos en tu cuaderno de bocetos. Lo que vamos a hacer hoy es realmente hacer algunos bocetos en miniatura. Cuando estaba en la escuela de arte, una de las primeras cosas que hice fue crear bocetos en miniatura y aprender cuáles eran. bocetos en miniatura son pequeños bocetos, pequeños dibujos, tal vez el tamaño de tu miniatura que ayudan a describir lo que vas a hacer. Es como tu plan para tu pieza. Ahora, hemos creado muchas cosas sin crear bocetos en miniatura pero estos bocetos son realmente útiles en particular ya que consideramos, finalmente, la composición de la pieza, que con ello ayudará a nuestros espectadores a sentir el movimiento en la pieza y entender el tiempo y usar el tiempo para quedarse con ellos. Lo primero que vas a hacer cuando estás creando tu boceto en miniatura es decidir si tu pieza va a ser horizontal o vertical. Se sentirá como una expresión diferente del tiempo mismo. Si miras los cómics, verás que los más anchos de una página de cómics, siendo el panel esa pequeña ventana con el dibujo, expresarán la mayor cantidad de tiempo. A lo mejor es una vista panorámica o tal vez es de alguien sentado y es un lapso realmente largo de tiempo aburrido, mientras que los cristales muy dinámicos son verticales y se ve eso, y tal vez hay una secuencia de pelea o algo que va en rápido sucesión. También podrías optar por hacer una plaza, particularmente si estás tratando de publicar en redes sociales, eso es útil. Pero a medida que estás creando bocetos en miniatura, piensa en cómo quieres que se sienta tu fondo. Si es plana y horizontal tal vez una orientación horizontal es lo mejor por lo que se siente muy plácida, muy tranquila con tu granero y una mariposa, Sol, arroyo, caballo o tal vez quieras mostrar la majestuosidad de ese amanecer gradiente que hicimos. El granero acaba de estar escondido aquí atrás. Observe cómo mover las cosas alrededor nos está haciendo ver el mismo tema de manera muy diferente. A pesar de que este río sigue guiando nuestros ojos al sol, tener estas enormes flores en primer plano usando esa escala y el color una vez que esto está en serán los showstoppers. En tanto que en este cuadro, es mucho más tranquilo, tal vez hasta estancado y solo sentir que el tiempo es muy lento y la pintura podría no requerir tanto tiempo del lado del espectador para mirarlo. Si alguna vez has estado en una galería de arte y has visto a alguien mirando una pieza y estás pensando, ¿qué están mirando? Deben ser mucho más profundos o perspicaces que yo. Esto es exactamente de lo que estoy hablando. Si algo es realmente intrincado, solo te vas a quedar naturalmente en ello si es lo suficientemente interesante. Mucho de esto pende en el balance de cosas que nos interesan y cómo vamos a interpretar las cosas en nuestro corazón. Por lo que cosas diferentes van a impresionar a diferentes personas pero los principios siguen siendo los mismos, simplemente están reordenados. De acuerdo a tus preferencias, quizá quieras crear trabajos que tengan un paisaje al revés o tengan el granero apenas sea visible aquí y esté fuera de lado y al revés, nunca lo había hecho antes. Pero dependiendo de tu estilo, vas a crear diferentes miniaturas para tratar de representar el look que buscas. Crea al menos tres, preferiblemente cuatro, bocetos en miniatura para ayudarte a entender cómo entran en juego el tiempo y el movimiento como realmente una combinación de muchas de las cosas que has estado aprendiendo hasta ahora. En la siguiente lección, cuando hable de composición, estaré llevando las pinturas que hemos utilizado hasta ahora y compilándolas en una composición agradable o quizá varias. Este es un spot fuente para mucha gente así que espero mostrarles algunos enfoques diferentes para hacer eso. Pero antes de que hagamos eso, asegúrate de entender cómo guiar el ojo, cómo mantener el ojo en tu pintura a través del tiempo. 21. La composición: Por último, composición. Aquí es donde todo se une, y es como la pintura está pensadamente arreglada. Cuando pensamos en la composición, se puede hacer de tantas maneras diferentes. Es realmente difícil ponerlo en un solo tobogán y reducirlo a estas ideas de desequilibrio de unidad, tenemos algo de movimiento. Tenemos una pintura que se siente bien redondeada o puesta a tierra. Podemos crear composición guiando el ojo en muchos lugares diferentes. Al crear movimiento y ritmo, creando diferentes puntos focales, y obligando estratégicamente al espectador a mirar alrededor de la pintura. También se logra la composición a través de la intención de enfoque. Usando todas estas cosas, todos estos elementos de los que hemos hablado, usando oscuros y claros, usando líneas duras y líneas gruesas y líneas suaves, ahí hay una tensión. Al combinar estos ingredientes, están pasando estos diferentes aspectos que nos hacen notar la composición porque realmente nos está obligando a quedarnos y a notar que todas estas cosas se juntan. Estos son algunos ejemplos. Unidad y equilibrio en las pinturas de Frida Kahlo. A menudo tiene simetría directa, así que tienes a dos Frida Kahlos mirándose uno al otro, y están equilibrados de manera casi simétrica. Degas es conocido por su movimiento y ritmo. Si quieres estudiar composición, es un gran artista al que profundizar más. Hay mucha intención de enfoque en pinturas que están más ocupadas, que están usando más colores, que están usando más luz en su ventaja. Vamos a juntar todo en nuestras composiciones. 22. Practicar la composición: Composición, como consideramos la composición, esto es un biggie. Muchos de nosotros realmente luchamos con esta idea. Sabemos que importa, dónde ponemos las cosas y cómo arreglarlas justo. Pero de verdad quiero que se centren en el hecho de que hemos construido en nueve días pensando en todos estos otros elementos para culminar aquí. Irónicamente, fue difícil colocar nueve o 10 al final porque queremos jugar con composición para recibir la meta final del tiempo. Pero de todos modos, este segmento no se trata de que vayas a Photoshop y tomes todos estos elementos y los juntes como yo lo he hecho, solo quiero ilustrar para ti cómo todas estas cosas pueden juntarse para convertirse en algo que muestra probablemente sólo la mayoría de los elementos de los que hemos hablado hasta ahora. A medida que consideramos la composición, como me miras armar estos primero en formato cuadrado, tipo de formato horizontal, y luego en una composición vertical, así que obtienes una sensación diferente de cómo son esos inherentemente va a tener un efecto diferente en el espectador. Yo solo quiero darte algunos punteros mientras consideras la composición. Tengo todos los elementos, las cosas que hemos creado en los últimos segmentos, los últimos principios, y son como estas diferentes piezas de rompecabezas. Es necesario considerar primero los más grandes. Tenemos espacio, y en nuestro caso, en nuestro ejercicio, color. El color no necesariamente tiene que ser algo que te muevas, por así decirlo. Pero desde que hicieron los ejercicios, tenemos este hermoso gradiente de color, que en realidad va a servir como nuestro cielo de fondo. Una vez que colocamos esos abajo, tenemos esta manta, este esquema de lo grande que va a ser esto, entonces elegimos las cosas a modo de prioridad. Cuando estés pensando en tu composición, cómo quieres diseñar las cosas, siempre estés considerando cómo vas a guiar el ojo. Claro, la dirección, el flujo, el movimiento, todas estas cosas. Pero ¿a dónde vamos a aterrizar? ¿ Cuál es el spot que quieres asegurarte de que tu espectador no se va a perder? Ese será tu punto focal. No todas las grandes piezas de arte tienen un punto focal claro. Sé que suena raro. Pero recuerda que todos estos elementos no tienen por qué estar todos en juego. Elegimos y elegimos y realmente depende de la forma en que alguien trabaje, y eso es lo que lo hace divertido y emocionante. Es que diferentes artistas sí piensan tan diferente, y esta clase es para ayudarte a decodificar lo que es a lo que estás reaccionando, lo que te gusta, y cómo es buena esta pieza y esa pieza es buena y son tan muy diferentes. Si quieres meterte con piezas de la forma que soy y colocarlas en diferentes lugares, comenzando con la primera prioridad del punto focal y terminando con más de las texturas y decidiendo dónde poner esas pequeñas notas, puedes hacer esto en Photoshop. Tengo un tutorial para eso, que voy a enlazar a continuación. También puedes hacer esto en una aplicación telefónica tomando una foto, borrando el fondo, y luego tienes todos estos pequeños elementos con los que jugar. Se puede hacer esto como un método de la vieja escuela y literalmente cortar y pegar, que en realidad es muy divertido y puede ser otra forma de crecer. No tienes el lujo de escalar cosas más grandes o más pequeñas o estirarlas o duplicarlas tan fácilmente como lo haces digitalmente. Pero tiene una sensación completamente diferente, y así estás jugando con forma y bordes de línea una manera que no lo harías en estas formas digitales de trabajar. Nuevamente, cuando estás pensando en la composición, tal vez estés creando otra pieza para hoy, para este ejercicio, eso también sería genial, así como has hecho todas estas pequeñas partes diferentes. Ahora, ya sabes cómo quieres organizarlos de acuerdo al tiempo, movimiento, miniatura, ejercicio, y ahora ya sabes cómo querías pintar tu pieza. Por favor eso sería increíble. Me encantaría ver eso en el área de proyectos. Primero creamos un punto focal, seleccionamos qué es lo que queremos que sea. Entonces tenemos todos estos otros elementos que caen debajo por orden de prioridad. ¿ Cómo van a caer en su lugar estos elementos? En nuestro ejercicio de ser un paisaje, estamos mirando algo y estamos mirando al lapso, a la profundidad del fondo, y así eso crea estas capas. Por eso te hice pintar colinas en estas capas porque eso nos ayudará a organizarnos visualmente. Empieza a calentarte por la idea de cómo vamos a organizar nuestras piezas para ser escaladas. Entonces a medida que se acercan, sus más grandes, van más lejos, son más pequeños, y tenemos un poco más de profundidad ya incorporada, cual es tan grande. Algo de lo que tener en cuenta cuando estás creando una composición y colocando cosas. No queremos que las cosas se froten entre sí para estar justo al lado del otro, queremos que las cosas se superpongan un poco para que sepamos lo que va primero y lo que va atrás. Visualmente, simplemente lee mejor, lee más rápido tiene sentido, y no nos deja confundidos a través del espacio intermedio. Eso está totalmente bien. Simplemente no queremos que las cosas choquen el uno contra el otro. Cuando tu pensamiento sobre la composición, también puedes empujarla más hacia los bordes. No tenemos que estar confinados a esta plaza. Podemos trabajar más allá de los bordes. No tienes que estar confinado a cualquier espacio que sea. Si lo enmarcas en tapete, siempre puedes hacer que el marco en el tapete sea más grande. Si esta composición no es obvia para todos, si no es fácil de leer, eso está realmente bien. Queremos que sea un poco complicado. Cuando algo es quizás demasiado sencillo de descifrar, entonces es una lectura rápida. No vamos a pasar mucho tiempo revisándolo. Pero entre más pensamiento pongas en cómo armar tu pieza, más tiempo va a pasar alguien mirándola. Hay un tiempo y un lugar también para un arte muy sencillo y no estoy en contra de eso. A menudo verás mis piezas solo ser una cosa aislada en un fondo, pero cuando estamos pensando en componer bien las cosas y estamos queriendo aprender más sobre cómo hacerlo, ahí es cuando necesitamos ser un poco más intencionales al respecto. igual manera de recapitulación, encontramos un punto focal. Damos prioridad a todas las formas restantes. Pensamos en profundidad y perspectiva. No te asustes con esas palabras. Eso sólo significa cómo se ven las cosas a distancia versus cerca. Cuando estás creando una escena, cuando están de cerca, son más grandes, cuando están más lejos, son más pequeños. Cuanto más detallado cuando están de cerca, más borroso cuando están en segundo plano. Después trae de vuelta el color. A mí me gusta empezar con el color y terminar con el color. El color siendo tan importante en mi trabajo y en el trabajo de mucha gente. En mucha obra de arte al final, estamos viendo las cosas. ¿ Se siente unificado, son los colores moteados alrededor, hay un gradiente pasando, me gusta eso, es demasiado organizar. Es casi como vestirse por la mañana, quieres emparejar, quieres coordinar, pero sientes que lo estás haciendo demasiado. Te reto a jugar o bien con las piezas con las que ya hemos trabajado en los últimos ejercicios, en los últimos principios, o crear una nueva pieza ahora con lo que sabes. Tan solo para ejercitar un poco sobre esa pieza de compensación de cómo crear un gran arte. 23. Extra: ¡más aprendizaje!: Podrás encontrar más diversión de color con la clase sol y luna que tengo justo aquí en Skillshare. Pintamos soles y lunas, primero arreglando nuestro esquema de color y jugando con esquemas de color complementarios divididos. Ya verás que mezclar colores es realmente fácil. Mezclarlos juntos y combinarlos para crear paletas que sean agradables y crear también algo de tensión visual. El valor es grande y es el que no queremos perdernos. Si quieres divertirte más con valores y colores, realidad reemplazamos valores por color en esta clase de retratos de animales, desafiará y estirará la relación entre esos dos. Una artista a la que busqué cómo manejaba la forma era Mary Blair. Hago clase aquí en Skillshare dedicada a ella, donde incluso llegué a incluir a un montón de artistas diferentes que también están influenciados por su trabajo. los proyectos se incluyen centrarse en la forma y hacerlos cosas diferentes. Tendrás que verlo para ver. 24. Recapitulación rápida: Espero que hayas aprendido algo y espero que hayas sacado tu cuaderno de bocetos y hayas podido explorar algunas cosas que sabías que estaban ahí. Llevo algunos años dando clases y llego a ver que la gente se entusiasma mucho con la creación. Vamos a saltar a crear, vamos a saltar a cómo se hace esto y cómo se pinta eso, y ¿cómo se dibuja esto? Nos interesa diferente materia. Hermosa. Pero entonces llegamos a un lugar donde nos damos cuenta, realmente ya no sé qué hace algo bueno? O puedo hacer esta cosa aislada, pero entonces ¿cómo lo pongo en contexto? ¿ Cómo sé que va a quedar bien o tiene sentido o solo estoy usando los colores que me gusten y no le estoy aplicando ninguna teoría del color? Esas son grandes preguntas y no se sienten como : “Oh, me perdí el barco porque no lo hice antes. Antes no pensaba en estas cosas”. Todo eso es parte del juego. Para eso es esta clase. Espero que fuera una buena manera de ejercer las cosas que se enseñan en los libros de texto y tal vez se enseñan ampliamente en universidades o escuelas de arte. Pero quería que solo te ensuciaras las manos, pasaras unos minutos al día o unos minutos en el lapso de esta clase y ejercites esos principios. Espero que sigas pintando y espero que dejes una reseña, avísame cómo te gusta la clase. Si quieres encontrarme en redes sociales, voy tras watercolordevo, D-E-V-O al final toda una palabra o puedes intentar deletrear mi nombre y probablemente me encuentres en cualquier lugar. Mi sitio web es mi nombre amarilyshenderson.com o watercolordevo.com. Espero hacer más de estos videos donde pueda descomponer algunos principios básicos sobre el arte que son un gran problema y pueden potenciar tu trabajo en cualquier nivel de creación en el que estés. Por favor, haga publicar un proyecto. Yo quiero ver en qué has estado trabajando. Gracias por ser parte de la clase.