Que sea divertido, ¡que se venda! Aprende a crear ilustraciones comerciales

1. Avance: Cuando pienso en ilustración comercial, pienso en cosas. Entonces, básicamente, es el arte lo que va en cosas; podría ser un guante de horno o podría ser una impresión colgada en un hogar. Este proyecto, vamos a empezar ahí con una impresión. Te mostraré un breve que recibí. Te mostraré cómo caminar por ese breve y crearlo a tal detalle donde ojalá, se vendiera realmente bien. Me encanta el color, y me encanta la tendencia, y me encanta hacer arte divertido que la gente puede usar en su vida diaria. Oye, soy Amarilys Henderson, y te invito a sumergirte conmigo en la ilustración comercial. Hazlo divertido, hazlo vender. 2. Acerca de la ilustración: La ilustración comercial es un enorme mercado. Básicamente es cualquier cosa en lo que veas arte. Por lo que a diferencia de la ilustración de libros infantiles o la ilustración editorial, cuando ves imágenes en un periódico o revista, ilustración comercial es el arte que ves en las cosas. El más fácil ir a, se me ocurre, es apuntar a la gente a las tiendas objetivo o de decoración del hogar. Mucha de las ilustraciones que creo se usarían en ese tipo de escenarios. En tarjetas de felicitación, en manoplas de horno, en tazas, en bolsas de tote, ese tipo de cosas. Comprarían el arte, pondrían en lo que necesitaran, cualquiera que sea la intención que tengan, y ganarían dinero con ello. Tu parte es solo crear el arte. 3. Resumen del proyecto: Vamos a trabajar fuera de un breve que recibí como nuestro proyecto de clase. Estaba en una muestra de arte y tenía un amigo ayudándome. Por lo que en mis huecos pintaría y había recibido este correo electrónico de mi agencia que buscaban carteles familiares. Entonces empecé a trabajar ahí mismo en el show. Creé estos cuatro carteles que están destinados a colgar juntos, y eso es lo que estoy usando para escabullir nuestro proyecto de clase. Entonces lo vamos a llamar nuestro proyecto breve. Estos son los detalles. Vamos a crear un póster o un posavasos. Esa fue opción que me dieron, te la estoy dando. No vamos a crear todo el conjunto de cuatro. Creo que eso sería mucho pedir, pero sí ten en cuenta que estaremos queriendo que estos se incorporen en un conjunto. Debería incluir una cotización perteneciente a la familia, y debe ser autoría por usted, cualquiera que sea la cita que sea y vamos a incorporar un motivo alimenticio y hay más sobre eso más adelante. Los suministros que necesitarás son papel de cuaderno de bocetos o incluso simplemente papel de copia. Entonces necesitarás la superficie en la que realmente pintarás. Varias de esas, ya sea acuarela, como lo mostraré en demos o en el medio que te guste, y una computadora con Photoshop, y estarás usando un escáner. 4. Haz tu investigación *Publicación de proyectos: Entonces lo primero que vamos a hacer, es hacer nuestra investigación. Vamos a ver imágenes que podemos usar como referencias, imágenes que nos inspiran, temas de color que nos gustan, y compilar las juntas. La tentación es ir a Google Images, pero te voy a desafiar a que te dirijas a una tienda. El motivo por el que me gusta ir a las tiendas en busca de inspiración es porque sé que lo que estoy viendo se ve bien, es de alguna manera rentable, o ha demostrado promesa suficiente a un fabricante para que lo estén creando. Entonces tomo instantáneas de cosas que me gustan, cosas que creo que podrían ayudarme. Los compilo y los junto en especie de amass una idea. Esto se puede hacer con Pinterest. Puedes hacer esto con un video con instantáneas, pero queremos ver tu pizarra de humor. medida de lo posible, mantente alejado de Google Images, tal vez solo para tomas de referencia y danos una pic. Pon tu primer post para tu proyecto. 5. Tendencia clave de concepto: Un concepto clave enorme para una ilustración es la tendencia. Cuando empecé a ilustrar luché contra esta idea porque quería hacer lo mío propio y crear mi propio trabajo. Existe una tensión muy real entre crear algo de moda, algo que fácilmente será recogido por las masas. Porque después de todo estamos creando obras de arte que serán utilizadas por las masas, y esa persona media es la fabricante que necesita mirar tu trabajo y poder comprar con seguridad que esto se va a vender bien, que este es un buen inversión para ellos. Ahí está ese lado y luego está el otro lado de la tensión de crear obras de arte que es toda tuya. Lo que vamos a hacer es que vamos a copiar. Sé que eso suena asquino de decir. Recuerdo cuando estaba en la escuela de arte y este profesor, escuela arte de primer año, nos dio estos ejemplos de estos bocetos de dibujos de carbón renacentista. Íbamos a copiar a uno de ellos a la carta. Necesitaba ser copiado y replicado y lo odiaba. Sentí que por fin había llegado a la escuela de arte y aquí estoy copiando a un artista cuando estaba tan ansioso por descubrir quién era como artista. Pero como habrías adivinado, realmente aprendí mucho. Ahora voy a hacer que lo hagas porque no hay nada como ver algo dibujándolo. A retomar realmente los detalles de qué es lo que me gusta en esta pieza y cómo llegaron a este punto? Recoges esos matices y eso es lo que vamos a hacer. 6. Ejercicio de tendencia: Entonces aquí hay algunos ejemplos de algo que está súper de moda, algo que partió de una escultura de Robert Indiana. Esta escultura de “Amor” se ha replicado en alrededor de todas las formas que pudimos pensar. Pero vamos a elegir entre una de esas réplicas y simplemente bosquejamos rápidamente lo que veas. Si no te gusta ninguno de estos ejemplos, eres bienvenido a Google el tuyo. Tomaremos esta estructura de carta de amor y la dibujaremos. Toma de algunos de los matices, algunas de las cosas que nos gustan que estas personas han hecho con sus piezas, después añadir en nuestra propia interpretación. Tómate sólo unos 10 minutos para este ejercicio, es un boceto rápido. Empezaremos a hacernos preguntas como, ¿qué aprendí? ¿ Qué me gustó de la forma en que interpretaron esta palabra de “Amor”? ¿ Qué es lo que me hizo atractivo? Recogerás los colores, y solo todas estas ideas sutiles que luego podrás aplicar a tu boceto, eso es todo tuyo. 7. Selección de un comida: Algo que está muy de moda en este momento es la comida, sobre todo la repetición de esa imaginería. Así que elige un alimento ya sea magdalena, sushi, pizza, fruta, helado, cacahuetes, guisantes dulces, cualquier tipo de comida que sea repetitiva en un diseño solo se ve muy divertida y está muy de moda. Te voy a contar una historia de esta pieza que hice por mi papá. Siempre he estado en el dibujo y le dibujaba conos de helado. día de hoy, cuando me presenta a gente nueva, dice: “Ya sabes, ella puede dibujar un cono de helado muy bien, desde que era pequeña, me dibujaba un cono de helado sin embargo lo pediría”, y creo, “ Sí, papá, eso es lo que hago para ganarme la vida. Dibujo conos de helado”. Entonces para su cumpleaños, le hice tantos conos de helado para su tarjeta. Así que elige tu comida y dibujala una y otra vez. 8. Pensar a través de el diseño: Hemos elegido nuestra comida, tenemos algunas imágenes de algunas cosas que nos gustan. Ahora vamos a pensar en cómo vamos a poner nuestra pieza. La forma más rápida de hacerlo es con bocetos en miniatura. Se llaman bocetos en miniatura porque son así de pequeños. Yo quisiera que hicieran tres, cuatro, hasta seis, al menos tres bocetos en miniatura. Esto sería como se va a ver tu póster o posavasos al final. Hacerlas pequeñas te obliga a trabajar rápido y solo piensa estas piezas como trozos y dónde las vas a poner. A medida que piensas en dónde colocar tu comida y tu cotización se te ocurrirá con diferentes ideas y evolucionará lentamente, pero encontrarás que uno te destacará y luego sabremos con certeza qué va a lucir este diseño como para nuestra pieza final. 9. Bocetos de tu arte de fondo: Ahora que has hecho tus bocetos en miniatura, ojalá una composición te esté sobresaliendo realmente. Ahora vas a transferir esa composición a tu disposición final a tu papel. Yo uso papel de acuarela, este es el papel que uso. Se trata de la marca Canson, papel de prensa fría de 140 libras a las 9 por 12. Sea cual sea el medio que vayas a usar, adelante y transfiere tu dibujo a eso, y nos vamos a poner rodando después de esto y empezamos a pintar. 10. Pintar tu fondo de ilustración: Muy bien, ahora que tenemos nuestro boceto todo dibujado, es hora de pintar. Yo sí quiero señalar que en este punto, tal vez no sepamos cuál va a ser nuestra cotización todavía, y eso está bien porque en realidad vamos a producir estos por separado. Más sobre eso después. Pero solo pongámonos ocupados pintando y no preocúpate demasiado por la cotización todavía. Nosotros queremos tenerlo en cuenta, pero no vamos a preocuparnos por ello. Nos vamos a divertir y pintar. Si estás pintando conmigo, voy a estar haciendo primero, unos lavados de acuarela. Un principio enorme en la pintura acuarela es que eres blanco son el papel, así que hay que dejarlo intacto. Cuando comienzas con tus lavados, ahora mismo es el momento de mirar las partes que quieres mantener blancas. Si es necesario, sigue adelante y dibuja muy ligeramente círculos, burbujas, formas de lo que sea que quieras mantener como blanco. Un truco que a menudo se usa para preservar ese detalle blanco es mediante el uso de líquido de enmascaramiento. No es en absoluto algo que necesites, pero a algunas personas les gusta doblar con él, y es una adición divertida. Es básicamente una sustancia similar al pegamento que pintas en tu página, dejas secar y pintas encima. Una vez que hayas terminado, podrás despegar el líquido de enmascaramiento, y tendrás esos espacios blancos mantenidos en blanco. Tengo una publicación de blog en mi fluido de enmascaramiento preferido, y si quieres mirar en eso, tengo el enlace aquí mismo. Pero por ahora, sólo vamos a mantenerlo sencillo y evitar nuestras áreas blancas. Con la acuarela, partimos de claro a oscuro. Es prácticamente imposible y un poco desordenado empezar de la oscuridad a la luz. Entonces solo estamos poniendo los lavados de fondo y yendo con mucha agua y muy poco color. A medida que avancemos con nuestra pintura, pondremos más pigmento en nuestro combo acuarela, por lo que más pintura y menos agua, y continuamos y seguimos. Un gran nombre equivocado con la acuarela es que ya que se seca rápidamente, gente tiende a pensar que sólo se puede hacer en una sola sesión. Eso es algo que me encanta de la acuarela que puedo trabajar rápidamente en ella, pero no es la única manera de trabajar, y en realidad no te va a dar los colores más brillantes si eso es lo que vas a buscar. Hay mucho estratificación que continúa con la pintura de acuarela, pero tiene que pasar de claro a oscuro. Cuando digo luz me refiero a papel blanco, intacto a oscuro, tal vez tres capas de pigmento oscuro uno encima del otro, o simplemente entrar en colores más oscuros. Aquí está mi primera capa de maíz caramelo para divertirse, y para agregar un pop de color, voy a usar un color contrastante aquí. Tengo muchas naranjas, así que voy a usar morado y crear sombras debajo. Puedes hacer esto con tu comida, o puedes guardarlo para tus letras de mano, úsalo para ambos. Dependiendo del tipo de comida que tengas, podría no ser útil para ti. Pero como dije, estoy usando ese morado. Es realmente acuosa. De todas maneras entraré y añadiré un color contrastante, haré algo un poco diferente, tal vez no contrastante, pero un color análogo como un azul, en este caso, eso está muy cerca del color que ya estoy usando solo para agregar interés . Para mi tema particular con el maíz caramelo, realmente quería hacer estas sombras para que la parte blanca del maíz caramelo estallara. No voy a estar pintando de fondo en esta ilustración, por lo que estas sombras están haciendo doble propósito de hacer pop mis colores, hacer que mis blancos sean delineados y destaquen, además de ofrecer la oportunidad de agregar en otro color. Mi elección de comida es bastante simple y la naturaleza de color, así que es divertido tener un color más. En lugar de renderizar mi maíz caramelo per se, fui por un enfoque más divertido donde tengo lavados y luego hice algunos contornos de colores, y, por supuesto, las sombras que acabo de mencionar. Entonces estos contornos coloreados, te voy a mostrar con este en particular. Voy con mucho color en mi pincel, no mucha pintura. Tan diferente a la técnica húmeda que estaba usando antes. Solo estoy haciendo pequeños motivos de diseño. Es la forma más sencilla y divertida, creo, de renderizar algo divertido como el caramelo. Muy bien, hagamos una revisión rápida sólo para poner en esos pasos. Sé que suena súper simple, y luego cuando llegas a tu periódico, no es tan sencillo. Entonces voy a hacer una gran boceta de maíz dulce, lo cual está bien porque voy a escanear esto y básicamente, quitarlo. Pero sólo te estoy mostrando ahora cómo hice esto. Por lo que primero entramos con lavados ligeros, pasamos de los más claros a los oscuros. más ligero es el papel que no tocamos porque ese es nuestro brillante más brillante. Entré con lavados ligeros, y ahora estoy cayendo en más color a donde quiero que sea más oscuro. Como dije antes, me gusta trabajar mojado sobre mojado. Mostré esto en una clase antes de esto donde estábamos haciendo cartas, y realmente no levanté mucho mi pincel. Yo no rendericé mucho. Acabo de dejar que los colores se sangren el uno al otro. A veces se necesita un poco de manicuración si empieza a sangrar en áreas que no quiero que lo haga. En ese caso, solo tomo un cepillo seco y lo borro. Entonces pinto la sombra con agua y caigo en un poco de color que es muy diferente a mi naranja, para hacer ese blanco y todo el caramelo de maíz pop. Nuevamente, estoy revisando aquí Etapa 2, donde el papel está seco. Entro con colores brillantes. Entonces esta vez, mi pincel tiene mucha más pintura y mucha menos agua. Estoy haciendo contornos finos en colores muy brillantes, colores más oscuros, haciendo algunos patrones, haciendo algunos detalles para que mi maíz dulce sea divertido. Espero que estén contentos con su ilustración hasta ahora. Dejé la mía a un lado mientras se secaba. Sentía que necesitaba hacer algo divertido, y cuando hago este tipo de cosas, a veces las uso en segundo plano. Por lo que siempre es bueno simplemente jugar cuando estás esperando a que tu pintura se seque, después agregar esas capas, tendrás eso como recurso más adelante. Estoy haciendo círculos con sólo agua, y luego estoy cayendo en colores. Nuevamente, ya que pensé que podría estar usando esto como fondo, elegí colores que eran muy diferentes a los naranjos y amarillos en mi maíz caramelo. A pesar de que me estoy divirtiendo, siempre estoy pensando lo que sería mejor para esta ilustración y solo pensando a través del color y las formas, y elegí círculos porque esencialmente, mi maíz caramelo son triángulos, y algo que contrasta siempre pone el ojo un poco, y quieres poner atención un poco más, quedarte un poco más. Me caigo en esos azules y esos morados y de vez en cuando, estoy poniendo un rosa brillante solo para hacer que las cosas salgan por la inesperada sorpresa de otra cosa. Sé que cuando estos se sequen, se van a secar a su manera. A veces esos colores sangrarán bellamente y a veces crearán estos interesantes pliegues por los que se conoce la acuarela. Aquí está terminado. Aquí están los dos. Entonces ya ves cómo esas manchas se convirtieron en estas hermosas, pequeñas mallas. Mi maíz caramelo está listo, y ahora voy a trabajar en las letras a continuación. 11. Mercado de la comerciabilidad: Quería tomarme un segundo para hablar de otro concepto clave, que es la comerciabilidad. Cuando digo esa palabra me refiero básicamente, ¿ es tu arte capaz de ir de tu escritorio a una gran tienda de cajas? Algunos punteros para hacer tu arte más atraído un comprador de arte que está buscando trabajo que se venda bien en el mercado mainstream, sería trabajar en un, sets. Si trabajas en sets, gente puede reunir este contexto, caminan a través de esta idea contigo, los ayudas a que permanezcan ahí un poco. Piensa en carteles o estampados de arte que tienen como cuatro árboles y cuatro estaciones diferentes o tarjetas navideñas que vienen en sets. Nos ayuda a ganar contextos y pueden o no ser comprados por completo, pero ayuda a ser más comercializables. Fui asesorada por mi agencia recuerdo una vez, pensar en mí mismo como diseñador de moda, y que salgo con líneas y sets cada temporada. Eso realmente me ayudó a envolver mi mente alrededor de esta idea porque siento que todo mi trabajo tiene cierta continuidad. A los ojos de otra persona se necesita llevar a cabo para que nos sientas que estás vendiendo un paquete de algo. Otro consejo sería hacer su trabajo más corriente principal, más altamente aceptado por la corriente principal, y eso podría significar hacerlo más genérico. Por ejemplo, hago muchas tarjetas navideñas y no me importa escuchar música navideña todo el año. A mí me gusta incluso incorporar esas letras de lo que creo que son canciones navideñas muy conocidas. No obstante, lo que mejor vendería sería una feliz Navidad o un Noel. Entonces lo que hago es muchas veces crear obras de arte que es para mí, mi trabajo personal. Podría tirarlo por ahí, ponerlo en mi cartera si me dan un bocado, pero hacer mi trabajo personal energiza mi trabajo comercial. Mi trabajo comercial está más enfocado en lo que vendería bien. Entonces conjuntos de trabajo, trabaje en la corriente principal y cuando esté pensando en su cotización ahora, piense en citas que funcionarían bien en un conjunto. La comida es un poco más fácil, así que no tenía que preocuparme por eso antes. Cuando estés pensando en citas, si te vas chistoso, si vas muy personal, piensa en algo que funcionaría bien con otros tres. Piensa en cosas que quizá sean más fácilmente aceptadas por mucha gente. Algo que todos compartimos en común cuando se trata de familia. Si quieres hacer algo muy específico, eso está totalmente bien. Si quieres hacer comida coreana que tenga alguna cita que tiene que ver con un coreano nacido estadounidense y cómo es la vida, no lo sabría, pero sería divertido ver. Sería remiente si no te dijera de estos consejos de cómo hacer tu trabajo más comercializable en el mundo de la ilustración comercial. 12. Cote de lluvia de ideas: Es hora de pensar en lo que queremos escribir en nuestro póster. ¿ Cuál va a ser nuestra cotización? Puedes tener muchas ideas, verterlas todas, escribirlas todas, y únicamente encontrarás un hilo que se une. Como dije, ten pensado en serieses y cuando estés frustrado, soy un firme creyente en la Teoría de la Ducha de que tus ideas vendrán cuando menos lo esperes. 13. Exploración de tipo: La tipografía es un tema tan enorme. Recuerdo haber ido a una conferencia de Ellen Lupton, quien en realidad también es profesora de Skillshare, y me voló el poder del tipo y todo el pensamiento y la precisión que entra en ella, y sin embargo es en forma de arte. No vamos a explorarlo todo, pero pensemos en lo que se empareja bien con lo que estás tratando de decir. Por lo que una frase en varias fuentes diferentes va a dar una sensación diferente cada vez. Queremos utilizar la fuente más efectiva para lo que estamos tratando de decir. Cuando di clases a mi otra clase diseñando un alfabeto colorido de agua, llegué a ver todo tipo de fuentes de diferentes alumnos. Este fue uno que fue elegido por un estudiante llamado Gail. Cuando vi su elección de fuente, me sorprendió un poco sólo porque no sería algo que yo escogería. Pero cuando vi su cita, la elección de la fuente era perfecta, pensé que iba tan bien con lo que intentaba decir. Contrastando eso con otro estudiante llamado Jen que hizo esto. Entonces como estás pensando en tu cotización, también ten en cuenta qué tratamientos de fuentes con letras a mano irían bien con lo que estás tratando de decir. 14. Dibuja un boceto de tipo: Esto suena totalmente trillado, pero la forma en que me he vuelto buena haciendo letras a mano es dibujando. Llevo este cuaderno de bocetos en mi bolso. Tiene un poco de todo, así que no edité lo que no era útil aquí. Pero ves que dibujo mis cartas con bastante frecuencia. Entonces, ¿cómo hago eso? Aquí te dejamos un par de consejos que he encontrado útiles. Uno está imitando, y ya hablamos de esto antes. Pero imprimir una fuente o simplemente usar un panfleto y mirar cualquier tipo de cara que esté frente a mí, sobre todo las que son digitales, no las letras a mano necesariamente, me ayuda a entender el lenguaje de diseño de, digamos, la letra A, y cómo tiene consistentemente estas curvas o las proporciones que suele tener. Mi segundo consejo sería, si quieres hacer algo más suelto, simplemente escribir lo que quieras escribir, y luego darle un poco de músculo. En este ejemplo, escribí las escrituras en una línea de lápiz muy delgada, y luego le agregué para hacerlo más como una cinta, lo hice más grueso en áreas que pensé que lo necesitaban, y luego embellecido alrededor de ella. Usa cualquier tipo de tipografía con la que te sientas más cómodo. Los tratamientos de tipo letras a mano más divertidos son a veces los más simples que se hacen a mano. 15. Handlettering: mojado a mojado en húmedo: Saquemos nuestras pinturas y empecemos a pintar algunas letras. Voy a abordar primero esta técnica con acuarela. No tienes que hacer tu pieza en acuarela, pero eso es lo que enseño. Eso es lo que estoy alcanzando. Primero estoy pintando con agua, estoy usando la técnica húmeda sobre húmeda y no pinto tan rápido. Solo trato de mostrarte exactamente cómo va el proceso. Pinté mis cartas en agua. No pudiste ver eso realmente bien, pero yo claro que podía, y luego moje mi pincel, agarro algo de pintura, y la dejo caer. Siempre me gusta usar varios colores, al menos dos, para que el tipo sea más interesante. Con esto, estoy usando dos blues y uno verde, y como viste, lo dejo caer al final. Es contador intuitivo trabajar de esta manera. Mucha gente usa lo que voy a mostrar a continuación, que es la técnica húmeda y seca, que sería que tu papel esté seco y eso es en lo que estás escribiendo. Pero lo que me encanta de esta técnica es que la acuarela toma una vida propia, y aunque no pensarías que sería más fácil escribir de esta manera, en realidad lo es. Es casi como escribir con un lápiz muy ligero. Escribí chistes en cursiva. Es realmente fácil no gustarte realmente lo que haces cuando lo tienes todo y pintado en acuarela. Pero cuando comienzas con agua, entonces puedes dejarla secar eso no se veía bien y luego a medida que caes en el color, puedes guiarla alrededor de cómo exactamente quieres que se vea. A pesar de que suena más aterrador trabajar mojado sobre mojado, podría ser más fácil. Te animo a probar en ambos sentidos. Siempre me gusta mostrarte que lo hace dos veces, justo como una reseña. Esta vez voy a regar el color para que puedas ver mi primera capa acuosa. Todavía estoy haciendo la técnica húmeda sobre húmeda. Yo solo le estoy dando un poco de pintura para que la puedas ver desde la cámara. Se puede ver mi cotización y cómo estoy pensando a través de cómo cambiar los colores de las letras. No estoy enamorado de ellos, pero tendré una segunda oportunidad a jugar con ellos una vez que los llevemos a Photoshop. Nuevamente, estoy cayendo en esos colores con letras cursivas. Tienes la ventaja añadida de tener los colores realmente fundidos que no lo harías con otras fuentes. 16. Handlettering: mojado a seco: Ahora te estoy mostrando una pieza completamente diferente. No necesitas preocuparte por la pieza, solo la estoy usando como ejemplo para mostrarte la técnica húmeda sobre seca al hacer letras a mano. Tan húmeda sobre seca, es decir que empiezo con el patrón tradicional de agua para pintar y luego papel, ese es el patrón tradicional, en realidad es lo que le digo a mis hijos todo el tiempo cuando están usando esas acuarelas baratas pinta para conseguir siempre agua que pintura y luego subirse al papel. Yo estoy haciendo un marrón oscuro. Yo lo prefiero a negro porque siempre se puede sacar la saturación en Photoshop. Siempre puedes volver al negro con bastante facilidad, pero no es fácil traer ese color. Al igual que nota al margen , siempre uso un marrón oscuro. Hay muy pocos negros verdaderos en la naturaleza, así que me gusta usar marrones para esos. Como puedes ver, puedo conseguir una línea mucho más delgada. Entonces si tu fuente es una fuente sans-serif o algo que es muy delgado, es mucho mejor hacer esta técnica húmeda sobre seca. Si estás haciendo algunas fuentes más scripty, es más divertido hacer una técnica fluida como wet on-wet. 17. Rentabilidad de Concepto clave: El último concepto del que quiero hablar contigo es la rentabilidad. Traigo esto al final por una razón, y volveré a eso en tan solo un minuto. Pero quiero guiarte por el proceso de vender realmente tu trabajo comercialmente. Ahora, trabajé a través de una agencia y la bendición de ser representado por un agente. Pero lo hagas tú mismo o no, si alguien más lo hace por ti, cualquier manera recibes un contrato. Dentro del contrato, hay ciertas cosas en las que estás de acuerdo, y estos diferentes factores juegan un papel en lo rentable que va a ser tu arte para ti. Una sería cómo te están pagando. Si es una suma global al principio, al solo comprar esta licencia, o es a través de regalías, hay que tener en cuenta cuántas de estas piezas probablemente van a vender. ¿ Vale la pena el porcentaje en regalías? Por lo general es bastante bajo. El más bajo que he visto es del dos por ciento. Yo he hecho 5-10 por ciento. Cuanto más grande sea la compañía, menor será la realeza simplemente porque van a estar vendiendo más, y por eso ambos están a punto de lucro bastante. Entonces considera que si se trata de una gran empresa, si es un gran fabricante el que va a distribuir este trabajo un millón de veces, entonces las regalías serían una gran manera de ir. La mayoría de las veces, los fabricantes lo mantienen sencillo, y solo quieren hacer una suma global. Saben cuánto tiene su inversión en ella al inicio, no necesitan mantenerse al día con la teneduría de regalías, y solo te pagarán x cantidad de dólares por esta licencia. Otro factor es hasta dónde va esta pieza. ¿ Se va a distribuir dentro de EU, o a nivel mundial, o en línea, o en forma impresa. Estas cosas juegan un papel en si podrás obtener la mayor cantidad de bang para tu tiempo con tu ilustración. El tercer factor sería, ¿por cuánto tiempo dura esta licencia? Licencia podría ser por una cantidad muy corta de tiempo, tal vez sólo una temporada o un año, pero mucha del tiempo es para siempre. Entonces si tienes un contrato, un acuerdo que diga: “Queremos pagarte mucho dinero para usar esta obra de arte por un año”, eso sería una gran venta porque entonces podrías volver a meter la obra en tu cartera y vender otra licencia para ello. Más a menudo que no, solo querrán guardarlo para siempre porque quieren asegurarse, quieren ver, “Si nos sale bien, entonces, oye, lo vamos a volver a poner fuera el próximo año”, y es mucho más sencillo cuando se llega a llevar un registro de cosas así. Otro factor para mantener rentable tu trabajo es que hay una tensión en, así que quieres crear un trabajo realmente genial y quieres que tu cartera sea fuerte, quieres que la gente recoja cosas y diga, como hago todo el tiempo, “Oh esto es [ inaudible] oh, esto es [inaudible] trabajo”, y eso es emocionante y emocionante y tu trabajo necesita ser lo suficientemente impresionante como para que la gente quiera retomar y cosas así. Entonces es genial invertir mucho tiempo en tu trabajo, pero si recibo, digamos, 500 dólares por una ilustración que pasé una hora contra cinco horas más, entonces obviamente voy a estar ganando más dinero si soy capaz de trabajar rápidamente. Ahora, el truco para trabajar rápidamente y crear trabajo de calidad es una forma de arte que desarrollas con el tiempo y no siempre sucede, así que solo lo tomas como lo que es. Pero aprender a trabajar eficientemente es algo que siempre se quiere tener en cuenta. Escaneo cada pieza de cualquier cosa que alguna vez haga, aunque sea solo un poco de garabato, porque nunca sé si podría ser útil para algo en el futuro. Siempre estoy dibujando y muchas veces esos bocetos jugarán un papel en mi trabajo comercial cuando realmente fue solo por diversión. Hay formas en que puedes bajar la cantidad de tiempo que gastas en tu arte para poder ganar más dinero con él. Por eso hablo de esto al final, cuando estamos tomando los diferentes elementos de nuestra pieza y juntándolos. Parte de la razón por la que hicimos eso fue por flexibilidad y poder hacer ajustes y cambios que nuestros compradores les encantan si son capaces de recibir un archivo en capas del que pueden editar ciertas partes o tal vez quitar texto, ellos me encanta eso. Otra cosa es que sí ayuda al flujo de trabajo a ir más rápido, y es posible que puedas usar ciertos elementos de una pieza a otra. Estar pensando en formas en las que puedes trabajar de manera más eficiente, disfrutar de lo que haces, empezar con lo que sabes, crecer a partir de ahí, trabajar en proyectos personales para desarrollar cosas en las que quieres crecer como artista, pero cuando se llega a tu trabajo comercial, estás trabajando eficientemente, no estás garabateando, preocupándote, ¿debería hacerlo de esta manera o debería hacerlo de esa manera? Es casi como si utilizaras tu energía personal en experimentar para que cuando vengas a trabajar, por así decirlo, estés listo para sumergirte y tienes algunas ideas que quieres destellar. 18. Escaneo de tu trabajo: Aquí están mis cuatro piezas escaneadas. Están todos en hojas separadas de papel. No voy a entrar en detalle sobre cómo escanear tu trabajo y limpiarlo porque ya he creado un tutorial para eso. Hay un tutorial aquí mismo en Skillshare que me encantaría comprobaras si esto es algo con lo que te encantaría tener ayuda. Detalla cómo escaneo mi obra de arte, que te podría parecer un poco familiar, para luego traerla a Photoshop, límpiala. A veces tengo que hacerlo en varias piezas y el papel no es lo suficientemente brillante o los colores no están bien. Te mostraré cómo hacer todas esas cosas en Photoshop. Creo que este tutorial es de 14 minutos en video, y también tiene un paso a paso en forma de texto. Así que echa un vistazo. 19. Combinación digital: Ojalá tomaras ese tutorial y vieras cómo limpio mis archivos. Si tienes tu propio camino, genial. Lo que vamos a hacer primero es tomar todos esos archivos y compilarlos en una sola hoja de papel. Porque tengo una con mis citas, una con el maíz caramelo, y otra con esos puntos que usé como imagen de fondo. Lo primero que voy a hacer es crear un nuevo documento. Voy a hacer el tamaño de póster 11 por 14. Voy a tomar esa ventana, arrastrarla hacia fuera, para que luego pueda arrastrar fácilmente las capas de las otras piezas sobre. También puedes simplemente hacer “Seleccionar todo”, “Copiar”, y “Pegar”. A veces eso funciona mejor. la razón que sea esto realmente necesita mucha RAM para que la computadora procese, por lo que a veces es más fácil simplemente hacer una copia y pegar. Ahora mismo, sólo los estoy arrastrando a todos a ese único archivo. Ese archivo, que luce bastante desordenado, tiene cuatro capas realmente de cada uno de los componentes en esta pieza. Lo primero que voy a hacer es asegurarme de que mis capas sean, bueno, visibles. Mi capa más importante va a ser este maíz dulce. Yo empiezo por ahí. A diferencia de trabajar tradicionalmente, no tengo que trabajar desde atrás, lo cual es divertido. Pero lo primero que quiero hacer es simplemente envolver mi mente alrededor de cómo se va a poner esto. Yo sólo estoy jugando con el texto. No me preocupo por el color, no me preocupo por lo que creo que necesita ser editado, lo que creo que necesita cambiarse; solo estoy puramente trabajando en el diseño en este punto. recorté cada palabra para que fuera su propia capa, para poder moverla aún más fácilmente, y cambiar el tamaño, como lo estoy haciendo ahora. De verdad quiero que los chistes sean realmente prominentes. Casi todas las palabras que están en cursivas son cursivas por alguna razón, así que quiero que se vean realmente prominentes. Yo quiero que las cosas se centren. Mi pero está justo en medio. Una manera realmente fácil de hacer eso es simplemente sacar una guía, y llevarla a mitad de la página la mitad de 11, cinco y medio. Simplemente voy a seguir jugando con este layout hasta que sea algo que realmente me gusta. Creo que mi redacción está bien, pero ahora tengo la sensación de que algunos de estos dulces de maíz necesitan ser ajustados. Usando la herramienta Transformación libre que se encuentra en la paleta Editar en la parte superior, Photoshop, soy capaz de girar, soy capaz de dar la vuelta a las cosas, y estoy haciendo más espacio porque, como recuerdas, trabajé en un 9 por 12 y ahora este es de 11 por 14, lo que en realidad es una orientación más larga. Algo más que estoy haciendo aquí es que no estoy tan loca por ese color. Estoy agrupando mi texto, estoy duplicando el grupo, así que siempre tengo un grupo del original justo ahí ante mí, y lo desaturé. El pulsador rápido es Command Shift U para desaturarlo. Básicamente estoy quitando todo el color. Yo quiero que sea solo blanco y negro, creo. Pero la única pieza que voy a dejar con color es la parte del amor. Nuevamente, con estas otras palabras, estoy haciendo lo mismo, los estoy agrupando en una carpeta, estoy duplicando ese grupo, y luego estoy desaturando a ese grupo aplanado. Por lo que tengo una carpeta con el color y una carpeta sin. También te habrías dado cuenta de que jugué con los niveles, que es algo de lo que hablo en ese tutorial para escanear. Casi te olvidas de estos bobs. Yo los voy a traer, pero realmente se ven demasiado fuertes para esta pieza, y ahogando mi maíz caramelo. Yo lo devolví con la opacidad. Voy a seleccionar los que se superponen con el texto, y simplemente deshacerme de ellos. También siento que el color podría ser ayudado un poco. Voy bajando en mi paleta “Ajustes” a “Hue and Saturation”, y trayendo apenas un poquito la saturación. Yo también estoy encontrando que mi maíz caramelo está ahogando esas partes blancas que realmente trabajé en mantener blancas, están interfiriendo con la imagen de fondo. Seleccioné el exterior de esa capa, seleccioné cualquier cosa menos el maíz dulce. Select Inverse, que es Command Shift I, y luego los llené con blanco, para que en realidad tenga algo de blanco detrás del maíz caramelo para asegurarme de que se quede así. Ahora esto se ve bien, pero le hice un poco más de trabajo. Guardé otra imagen, guardé una copia, y quiero mostrarles en qué aterricé, y cómo llegué allí. Te ahorré el millón de decisiones que tomé a lo largo del camino. Creé una nueva capa debajo de todo. Empecé con naranja, luego aterrizé con ese morado, un morado muy claro, y luego volví todas las manchas, como las llamo, que eran morados y azules, y duplicé que capa. Jugué un poco con el color, pero en lo que aterricé fue sólo para ponerlos en el modo de capa de pantalla. Siento que solo agregan algo al fondo para agregar interés. El pero era muy importante para mí, así que creé un círculo detrás de él. Con eso, duplicé el amor, y ajusté los colores en la mitad de uno, y lo borré un poco; así que hubo un poco de empuje y tirón en el color. También creé otra capa de eso, pero como sombra para ir detrás de ella. Ahí está mi cartel familiar terminado. 20. ¿Ahora qué?: Se supone que esto parece confeti. Ya está hecho, por lo que tiempo para publicar su proyecto. Si aún no publicas tu pizarra de humor, publica lo que sea en tomas de progreso, quieres mostrarnos. Para que podamos caminar a lo largo de su proceso con usted. Esta comunidad de Skillshare es maravillosa acerca de proporcionar comentarios, y estoy feliz de hacer eso también. Estoy ansioso por ver lo que creas. 21. Próximos pasos: Hola, quería dar a algunos de ustedes que están muy interesados en trabajar hacia el siguiente paso, algunas ideas. Muchos de nosotros sabemos de poner nuestro trabajo por ahí y vender de forma independiente, sea a través de Etsy o ahora Amazon, eBay, Society6 donde realmente puedes poner tu obra de arte en los productos y dejarlos manejar la fabricación y estás consiguiendo tu cortar de esa manera. Pero si quieres poner tu portafolio, si tienes algún trabajo, particularmente en sets que quieres colocar en un sitio web que sea seguro. Te animo a revisar ArtlicensingShow.com, y este sitio web está muy interesado en promover el trabajo de ilustrador. Creas tu perfil, decides cuánto trabajo o cuánto compromiso financieramente quieres poner en esto, y es un lugar donde las personas que compran licencias para obras de arte acuden a echar un vistazo al arte. Entonces si te interesa duplicar con eso, te animo a que aproveches esa oportunidad. En todo lo que haces, en tu trabajo de ilustración, siempre ten en cuenta esos tres conceptos. He disfrutado de esta clase. Espero que tú también lo tengas. Manténgase en contacto. Estoy en Instagram y blogueo, y tengo un sitio web y estoy aquí. Por lo tanto, mantente en contacto. Gracias.