Logos tipográficos: tipografía y lettering para el diseño de logotipos

1. ¡Hola!: Mi nombre es Ryan Brodsky. Soy diseñadora gráfica y hoy imparto una clase llamada Logos Tipográficos. En esta clase, te estaré mostrando mi proceso de principio a fin para diseñar un logotipo basado en tipo. Estos son los logotipos que puedes utilizar como logotipos de la empresa, camisetas, empaques de productos, portadas de libros, marketing, cualquier cosa. Todo, desde cómo llegar a una idea hasta esbozar tus conceptos y luego traer todo de vuelta a la computadora. Cualquiera puede usar una fuente para escribir fuera del logotipo básico. Pero para crear algo verdaderamente especial, te mostraré cómo mover las cosas, crear nuevas formas de letras y hacer una composición atractiva. Además, te mostraré cómo agregar dimensión, color y textura a tus diseños. Te mostraré algunas de mis mejores técnicas sobre cómo marcar rápidamente tus proporciones, formas de letras y composición general. Entonces sigamos adelante y entrémonos en ello. 2. ¿Por qué hacer lettering personalizado?: Lo que me gusta hacer es de tipo personalizado. Porque cualquiera puede comprar una fuente y simplemente escribir algo en su teclado. Pero lo que creo realmente hace especial al gráfico, es cuando puedes manipular esas letras, y cambiarlas, y dibujar sobre ellas, y simplemente hacer algo nuevo y diferente que nadie más tenga. Empezaré hablando un poco sobre el diseño de logotipos corporativos. El asunto de los logotipos corporativos es que necesitan soportar la prueba del tiempo. Tienden a ser más conservadores, y también tienden a ser gráficos vectoriales muy limpios. El motivo de eso, es que necesitas tener algo que sea realmente pequeño y que se traduzca en una tarjeta de visita, o podría ser pintado enorme en el costado de un jet o algo así. Por lo que necesita ser un ícono realmente flexible. El tipo de logotipos que me gusta hacer, o debería llamar tipos de logotipos, o marcas de palabras, y todo lo que significa es que es un logotipo basado en tipo. Hablaré un poco más de eso en un rato. De lo siguiente de lo que voy a hablar es de hacer gráficos, logotipos más para como camisetas, sombreros, y cualquier cosa donde no sea una identidad súper permanente. Lo ordenado de eso es que puedes tomar una fuente existente, y estirarla, y poner algunas cosas que le darán profundidad y dimensión y textura. Te daré un ejemplo donde no necesitas poder tener realmente buenas habilidades de dibujo para poder sacar eso. Entonces, también me meteré en hablar de tipos de logotipos dibujados a mano, donde es un poco más intensivo de dibujo. Hablaré de proporción, y textura, y dimensión, y color, y todas esas cosas buenas. Cuando diseñas un logotipo y le pones tu salsa especial, realmente solo ayuda a transmitir el mensaje de que la marca, la persona, la empresa, o lo que sea para lo que lo estés diseñando, transmite eso, eso también es un especial cosa. 3. Terminología tipográfica: Conseguir un poco a hablar de términos tipográficos y lo que significan, pero no voy a pasar mucho tiempo o realmente pelos divididos. Empecemos hablando de tipografía. Típicamente tipografía, estás hablando de todo un alfabeto, a a la z, mayúsculas , minúsculas, y algo que puedes escribir en tu teclado y simplemente hacer una palabra. Básicamente eso también es lo que es una tipografía, una fuente es un subconjunto de una tipografía. Una tipografía podría ser Baskerville y una fuente de Baskerville sería Baskerville Light o Baskerville Italic. letras son más de tipo personalizado, son cosas que te mostré en esas camisetas, puede ser dibujado a mano, puede ser dibujado vectorial. Otro buen ejemplo podría ser esta portada de libro, con un tipo que le tiene el arco, así que eso es más como letras. Logotipos de nuevo son marcas de palabras o logotipos de empresa que son solo la palabra, para darte un ejemplo realmente bueno de eso sería el logotipo de Coca-Cola. El logo de Coca-Cola es la palabra Coca-Cola y ese tipo Coca-Cola. No hay ningún icono separado ni nada por el estilo que represente a Coca-Cola que no sea sólo la palabra. Otro buen ejemplo sería Google. Sólo para diferenciar, realmente no vamos a hacer esto en esta clase, pero estoy hablando de marcas de logotipos, y un buen ejemplo de eso sería el Nike Swoosh. A veces empedras un logotipo con una marca de logotipo y tendrías algo como esto, Nike. En ese caso, el logotipo puede sostenerse por sí mismo, la marca del logotipo puede sostenerse por sí sola, o pueden ser una cosa juntos. 4. El negocio del diseño de logotipos: Mucha gente me pregunta cuánto puedo cobrar por un diseño de playera o un diseño de logo. Yo diría que realmente depende de para qué lo estés diseñando. Si es por una camiseta, si es por una portada de libro, si es por un logo corporativo que va a ser usado por años y años y años, es grande una empresa? ¿ Es pequeña una empresa? Para realmente solo desglosarlo, típicamente un diseño de camiseta, un gráfico de logo sencillo sería de 300, 400, tal vez 500 dólares. Si eres realmente un buen ilustrador y estás haciendo un cuadro que se va a aplicar a una camiseta, tal vez sean 800 dólares. No lo sé. Todo depende de lo que se pueda negociar. Para un diseño de logotipo, puede consultar la guía de precios del gremio de artistas gráficos fiduciarios. Básicamente, solo te diré lo que dice es, puedes cobrar en cualquier lugar desde digamos mil dólares en el extremo bajo, hasta 50 mil dólares por diseñar un logotipo. Pero algunas personas cobran más, algunas cobran menos; todo depende de lo que sientas que es correcto. Este es el tipo de logotipo o logotipo que hace Paul Rand para la empresa de computación Steve Jobs en los años 80 llamada Next Computers. Paul Rand era un diseñador muy conocido y cobró Steve Jobs unos 100.000 dólares por dos semanas de trabajo. A mí me gusta esta cotización. De verdad sólo te pone en su mentalidad. Cuando Steve Jobs estaba hablando de trabajar con Rand, dijo: “Yo le pregunté si se le ocurriría algunas opciones, y él dijo: 'No, voy a resolver tu problema por ti y tú me vas a pagar. No tienes que usar la solución. Si quieres opciones, ve a hablar con otras personas"'. Por lo que Pablo estaba en una posición en la que podía nombrar su precio y nombrar sus términos. A lo mejor un día, si te haces lo suficientemente conocido y tus habilidades son lo suficientemente altas y tienes la demanda suficiente, puedes hacer lo mismo. En contraste con eso sería el logotipo de Nike, y la señora que lo diseñó cobró 35 dólares a Nike por este diseño mundialmente famoso y todos sabemos que Nike pasó a convertirse en una enorme empresa multinacional. Por suerte, la historia termina bien, Nike terminó pagándole en stock y ella terminó haciendo, creo que alrededor de 600,000 dólares por diseñar esto. Por lo que en realidad hizo más que Paul Rand, y eso nos lleva a la sección dos, que será inspiración para planear tu diseño. 5. Ejemplos de diseños de tipo y lettering: Cuando estás diseñando un logotipo para un cliente, realmente necesitas hacer investigación y averiguar de qué se trata, cuáles son sus valores, también averiguar qué hacen sus competidores, y qué los diferencia de sus competidores. Entonces lo que harás es empezar a mirar alrededor para obtener referencia visual. Simplemente seguiré adelante y te mostraré un par de mis diseños y tal vez alguna de la inspiración de donde vinieron. A veces la inspiración es puramente estética, y a veces es más como si quisiera hacer un logo fuera de los años 70, tendría que parecer un estilo tipo de época de los 70. Aquí tienes un logo que hice para el Vector Lab, mi página web. Esta cosa fue dibujada a mano, y yo manché la tinta en ella, y esto es durante el proceso pero te mostraré de dónde conseguí el estilo tipo. Estaba fuera de esta foto, parece logotipo de edificio de departamentos. Terminé solo tomando esas formas de letra y redibujándolas en la computadora y luego imprimiéndolas y haciéndole todas pequeñas cosas de textura ordenada a ella. Este fue un guión de O'Neill. Tiene una textura de fotocopia aplicada a la misma. Este fue un logo que hice para Billabong, y puede parecer familiar porque está inspirado en el logo ApocalyPSenow. Hablemos un poco de copiar. Creo que cuando eres un nuevo diseñador gráfico, en realidad es muy importante emular estilos que te gustan. El motivo por el que digo eso es, necesitas llegar a un nivel donde si tienes un estilo en mente, necesitas poder traducir eso a realmente hacerlo y la mejor manera de aprender eso es realmente solo copiar. Toma los formularios de carta Coca-Cola, y mira si puedes escribir tu nombre en esos formularios de cartas. Dependiendo de lo que estés copiando, puede que no quieras que nadie sepa, yo no copiaría el logo de Coca-Cola y trataría de venderlo a alguien como su logotipo. Eso serían malas noticias. También depende de si estás emulando algo que es actual, y de la persona que lo creó, si estarían locos que los copiaras, entonces no lo hagas. Pero si dices, emulando un estilo vintage, creo que está totalmente bien, di algo como Herb Lubalin, que es un gran diseñador gráfico y un diseñador de tipos. Ha fallecido desde los años 80 y copiarlo es casi como un tributo, donde copiar, decir alguien que está ahí afuera ahora mismo tratando de ganarse la vida, eso son malas noticias. Entonces hay una línea fina y solo usa tu sentido común. De nuevo, mi medidor para todo el asunto de la copia es si la persona a la que estás copiando, viera lo que hiciste, ¿ se enojarían? Si es así, entonces no los copie. Si no, entonces creo que está bien. Este es un tipo de venta que hice para Billabong. El inspiración son las tarjetas de marea “The End” para películas fuera de la década de 1930. De nuevo, es algo que copié, es una película de los años 30. A nadie de los años 30 le va a importar, probablemente estarán contentos de que me guste su estilo. Este es un logo que hice para Billabong Pipeline Masters que es un concurso de surf cada año en Hawaii. Este es un año diferente, este es una forma libre muy hinchable, romper todas las reglas, tipo de logotipo que hice para O'Neil, para camiseta. Ahí hay otro. No va a ganar ningún premio de diseño pero podría haber un niño ahí afuera poniéndolo que piensa que es bastante guay. Este es un tipo de venta que hice para O'Neill y me gusta hacer estos donde tomas una tipografía existente y acabo de cortar las serifs de un lado. Entonces por el lado izquierdo, es un sans-serif y por el lado derecho es un serif, y puse un pequeño travesaño en el extremo y solo hice algunas cosas especiales como esa para engañarlo. De vuelta a Herb Lubalin, probablemente sea una de mis mayores personas inspiradoras que miro. Este tipo acaba de hacer un trabajo increíble, hizo el logotipo de The Sound of Music, hizo uno realmente caprichoso. Diseñó la tipografía Avant Garde, hermosa tipografía, Avant Garde es una tipografía que me gusta porque puedes entrar ahí y retocar cosas y construir cosas realmente así que se ven realmente impresionantes. 6. Usar Pinterest para inspiración: Déjame mostrarte un poco en Pinterest. Me gusta Pinterest porque creo que es la mejor manera de simplemente catalogar cosas como puedo anclar algo hace dos años y no sé si Pinterest existió. Creo que existieron hace dos años, pero siempre está ahí para volver y puedes categorizar todos tus pins. Echemos un vistazo a mi página de Pinterest. Mi página de Pinterest es pinterest.com/thevectorlab y tengo un tablero llamado topografía. Simplemente escanearé y te mostraré algunas cosas. Yo sólo enciendo todo aquí. Ahí hay una tipografía clásica Stiller que es realmente hermosa. Ahí está algún tipo actual haciendo un buen trabajo en 3D. Este tipo parece que tomó una tipografía normal e hizo U de una J. Hay algunas cosas de Herb Lubalin. Script de mano muy bonito, hecho a mano de la manera en que no estaba construido a partir de un tipo de letra no creo. Letras ornamentales realmente geniales, aspecto de subrogación. Tengo justo todo lo que está anclado aquí, sólo cientos y cientos, probablemente miles en realidad. Si buscas una inspiración tipo, este es un buen lugar para ir y voy a anclar cosas Tumblr o inspiración de diseño o lo que sea. Lo único que hay que tener cuidado con Internet es si algo se hace popular, entonces todo el mundo lo ve y todo el mundo se inspira en ello. Entonces tu rol como diseñador es, ¿cómo tomo eso y tal vez sacar algo de ella. Pero no solo totalmente noquearlo porque podría haber mucha otra gente simplemente totalmente golpeándolo y de repente, todas tus cosas se parecen a las cosas de todos los demás. Cuanto más puedas ir a librerías y encontrar libros de tipo antiguo o ir por la ciudad y simplemente tomar fotos de cosas, mejor porque Internet es como una pecera. Todo el mundo lo ve. Es tu trabajo salir por ahí y simplemente encontrar las pequeñas cosas geniales a las que nadie más realmente está prestando atención. 7. Cómo aplicar tu inspiración: De lo siguiente en lo que quiero meterme es, ahora que tienes tu inspiración, ¿cómo lo aplicas? ¿ Cómo se hace algo propio? Pasaré por un ejemplo de algo que hice hace un par de semanas. Este era un logotipo para un producto que vendo. Lo bonito de hacer logotipos para productos que vendes es que si haces un logo realmente bueno, probablemente se venda mejor solo porque transmite que tu producto es especial, que le has puesto tiempo y esfuerzo extra. Déjame abrir eso. De acuerdo, entonces en este ejemplo quiero mostrarles cómo tomo inspiración y me dan un montón de, les llamamos lágrimas. Tengo un montón de lágrimas o piezas de inspiración, las pongo en un tablero de humor. lo que iba por aquí es, este es un producto que he llamado texturas Time Machine y su conjunto de texturas para Photoshop e Illustrator que hace que tus gráficos parezcan viejos. Yo quería ir por un diseño tipo Austin Powers groovy para esto. En la parte superior izquierda se encuentra un diseño de Herb Lubalin. Esa cosa es absolutamente hermosa. Crema, sí estas son bandas de los 70. Esta cosa de las letras es un estilo muy bonito de los 70, para la lágrima de Jimi Hendrix, me gusta mucho el fondo de spinning psicodélico. El código secreto, el grupo de arte, esos son simplemente geniales, diseños groovy de los 70. El inferior izquierdo, no estoy seguro de cuál es la palabra, pero ese es un diseño de Nathan Yoder que es simplemente impresionante. Diseñé la mayoría de mis logotipos poco solo, una idea saltará en tu cabeza y tú simplemente la dibujaste. Por lo general no es perfecto ni siquiera cercano. Pero, un diseño es realmente pequeñas miniaturas, así que eso dice Time Machine. De nuevo, sólo estoy tratando de conseguir una idea abajo en el papel, entonces la voy a refinar. Esto es para darte escala, que mis bolígrafos ahí dentro, así que probablemente sea una hoja de papel de copia. Acabo de entrar y dibujarlo todo a mano. Se puede ver donde hice marcas de borrador y toda esa cosa. Entonces en el proceso, en azul acabo de dibujar todas las líneas vectoriales. Típicamente si estoy haciendo un guión y obviamente solo una fuente san serif o serif a, dibujaré todas las letras por separado. De esa manera puedes mover las cosas y me meteré en eso un poco más tarde pero solo quería mostrarte mi proceso. Este es el tipo con simplemente básico sin 3D ni dimensión a la misma. Estoy jugando por aquí con unos trazos de contorno, y luego eventualmente llego a este donde he puesto algo de sombreado, y ahora tengo el fondo psicodélico, tengo los colores marcados. En fin, eso es solo una vista previa del proceso que te mostraré más adelante en esta clase. 8. Herramientas analógicas: Ahora a los materiales, y estos son los materiales que uso, puede que ya tengas tu preferencia, estos son justo lo que he encontrado funciona para mí. Trato de mantener las cosas realmente simples, tengo mis suministros básicos y si estoy haciendo un proyecto especial, puede probar alguna tinta nueva, o papel, o material, o pintura, o algo así. Pero empecemos con los fundamentos básicos. En primer lugar, empezaremos con analógico. Hace poco me metí en estas notas de campo y no sé de qué se trata estas cosas, he tenido pieles de lunar, y los diarios de cuadrícula de puntos de Behance, pero hay algo mágico en estos. No sé qué es solo que son realmente delgadas, hay una cuadrícula de puntos en el interior, y es simplemente impresionante para esbozar ideas, o hacer listas, o lo que sea, y pasar por mil millones de estas cosas, y el creador de estos, en realidad es un diseñador gráfico llamado Aaron Joplin. Encuéntralo, es impresionante es realmente gracioso también. Junto con eso, me encantan estos bolígrafos Muji , los bolígrafos japoneses, los puedes conseguir en Amazon, o si vives en una gran ciudad apuesta podrías tener una tienda Muji, y me gusta mucho cómo baja la tinta y puedes comprar un conjunto entero de ellos. Yo sólo los compro en estas bolsas, y terminan por perderse, o desgastarse, o se quedan sin tinta eventualmente. Lápiz mecánico, realmente bueno para solo bosquejar cosas precisas realmente pequeñas, no soy demasiado particular en la marca, solo tener una buena ventaja y una buena, sí me gusta el metal, más pesadas versus el plástico baratados, solo siento que me sale un mejor dibujo de ellos. Por hacer trabajo de sombreado, me encantan estos lápices prismacolor, los que no tienen las gomas de borrar. Tienen una ventaja realmente cerosa y puedes ir realmente ligero, o puedes ir simplemente muy pesado y simplemente súper negro con estas cosas. Estos lápices prismacolor funcionan mejor en papel rotulador. Me encanta el papel rotulador porque no tengo que tener papel de calco, y esbozar papel, y esto o aquello, como que prácticamente hago todo en papel rotulador. El motivo es que tiene un gran diente, y también es semitransparente para que puedas poner un diseño debajo y bosquejar sobre él. Es genial para hacer bocetos, y luego escanearlo, o renderizarlo si es necesario, para el arte final real. No tanto, pero si voy a usar un rotulador, uso un rotulador base de agua prismacolor, estos son bonitos porque no hay humos, y no te van a enfermar como lo harán algunos otros marcadores. Eso es todo para papel analógico, y copia. De verdad, si solo estás tratando bajar una idea y estás soplando a través del papel, copia papeles lo que quieras usar, porque esta cosa es poco más cara. 9. Herramientas digitales: Entonces hablemos de digital. Algo que no tengo puesto aquí en realidad es mi iPhone, usaré eso en lugar de un escáner. Entonces digamos que he dibujado un diseño, en lugar de caminar hacia el escáner, escanearlo, llevarlo a la computadora, solo le tomaré una foto, intentaré que se alinee, y luego solo le enviaré un correo electrónico a yo mismo y esa manera es la forma más rápida de simplemente meter un boceto en la computadora, si no estás demasiado preocupado por cómo se va a ver. Nunca haría eso para ilustraciones finales, es solo por traer bocetos a la computadora. Obviamente me encanta Macintosh, me gusta ser monitores, me gusta Creative Cloud, Photoshop e Illustrator. Lo bonito de eso es que es un servicio de suscripción, no tienes que gastar de 7 a 800 dólares como acostumbrabas a todos en solo día solo para comprar el software y luego de repente un año después, está desactualizado. Cuando estaba en la escuela, la escuela es bastante cara nadie quiere pagar ni el premio estudiantil por el software pero ahora es realmente asequible y si haces un proyecto freelance al año, dos proyectos freelance al año, tú puede pagar por el software y creo que eso es buen karma. La otra herramienta que uso mucho son las texturas de Bitmap, hablaré de eso más adelante. Los pinceles de Photoshop también hablan de eso después pero qué son, estas son texturas en las que ya me escanearon, podrían ser acuarelas, pintura en aerosol, texturas grunge, podrían ser texturas de plásticos agrietados todo en una camisa y los tendré listos para ir porque muchos de estos proyectos, solo quieres noquearlos muy rápido y no quieres estar básicamente esperando que la pintura se seque cada vez. Si puedes tener estas texturas a tu disposición puedes obtener efectos realmente buenos realmente rápido y así esos son mis suministros básicos básicos. Muchas veces con el logo funcionan, especialmente para camisetas o cosas que no son tan serias, no usarías para logotipos corporativos, pero una pintura en aerosol es impresionante. Tengo una pequeña impresora, pondré el nombre de eso en las notas del show, pero va a cortar plantillas en papel y luego solo puedes tomar pintura en aerosol y pintar tus logotipos, y se ve impresionante y todo el mundo está impresionado. Tinta india, es solo tinta negra que puedes decir imprime tu diseño y luego puedes usar eso, o puedes usar acuarela y tener todo sangrar y obtener un efecto realmente bueno. A veces he tenido éxito realmente imprimiendo mi diseño en un solo color sobre negro, sobre una inyección de tinta y luego corriendo hacia el fregadero muy rápido y vertiendo un poco de agua sobre él y manchando la tinta alrededor. Ese fue el logo de laboratorio vectorial que te estaba mostrando antes, así es como hice eso y eso es todo. Entonces podría haber otros suministros dependiendo del proyecto, pero esas son mis cosas centrales que llego a que sé usar. la siguiente sección seremos estructura de un logotipo basado en tipo, por lo que las formas, letras formas. Entonces te veré en un segundo sobre eso. 10. Formas de letras y composiciones: La lección 4 se llama Estructura del Logotipo Basado en Tipo. lo que estoy hablando aquí es la forma de las letras mismas y también la composición real, y lo que pasa con el diseño tipo logo, diseño de camiseta que lo diferencia de digamos estampado son logotipos diseños para camisas, cosas como esa, necesitan ser un gráfico autónomo donde si miras diseñado para impresión, se desangra hasta el borde. Tienes un lienzo que chulea, donde un gráfico de playera típicamente es algo que está centrado en la parte frontal de la camisa o en la parte posterior de su camisa. Logo es de la misma manera, solo necesitan poder estar solos. Muchas veces los contendrá en una forma, un diamante, un círculo, un rectángulo o cuadrado. Pasemos a las formas de forma de letra ahora mismo. Con las formas de letras, en las tipografías clásicas , hay fuentes serif , hay san-serif, hay script, y hay mucho en el medio, pero básicamente esas son las tres principales. Las fuentes Serif tienen especie de base a ellas donde en la parte inferior de las letras o en la parte superior, tienen como un pequeño travesaño. Lo contrario de eso sería un san-serif como vanguardista donde es solo la letra recta sin pequeñas piezas de travesaño en la parte superior o en la inferior. Este es un buen guión aquí. Este es un ejemplo de algo que está en medio. Es tomar una tipografía serif y casi tratar de meterse en un guión conectando las letras con estas pequeñas líneas. Fuente de stencil. SAN-Serif. Volver a hablar de la estructura de la composición de su tipo de logotipo. Este es un buen ejemplo de algo que está en un círculo. Este es un buen ejemplo de algo que toma la forma de un diamante. Esta es una buena forma de onda al guión. Esto está diseñado por Dan Cassaro, increíble diseñador, acaba de clavarlo con esto. Se ha llevado este logotipo de Deus y simplemente lo encaja en un círculo. Es tan perfecto. 11. Thumbnails y llevar tu diseño a la computadora: De acuerdo, ahora vamos a llegar a las cosas divertidas. En este video, te mostraré mi proceso de la A a la Z y crearemos un logotipo tipográfico. He reunido un montón de lágrimas. El motivo por el que me gustan estos es que todos son guiones. Todos ellos tienen cierto espesor para ellos. Algunas de ellas tienen alguna dimensión y esas son las cualidades que quiero para este logo tipográfico. Anoche, hice unos bocetos de miniaturas apenas reales y como estos son súper imperfectos, realmente no necesitamos escanearlos para que solo pueda tomarme una foto y enviármela por correo electrónico. Voy a tomar una foto de ambos de estos en realidad, no estoy seguro de cuál voy a nosotros y luego solo me escribo los dos a mí mismo y los traigo a la computadora. Por lo que típicamente trabajo de izquierda a derecha y solo hago nuevos tableros de arte a medida que voy y guardo todo en mi proceso por si acaso quiero volver atrás. Simplemente arrastraré un tablero de arte nuevo y me desharé de estas cosas, y ahora solo puedo arrastrar en esas fotos en miniatura que acabo de tomar, entonces solo bajaría un poco la opacidad para poder teclear sobre ella. Yo los encierro. Entonces ahora no se mueven. Volvamos a acercar aquí y un truco que tengo para hacer un trabajo realmente rápido es, comienzas con una miniatura y luego traes eso al equipo y luego escribes de nuevo con una tipografía existente que acabas de tener en tu computadora. El motivo por el que me gusta hacer eso es, si estás usando una tipografía bastante buena, te ayudará a mantener tus proporciones, tu espaciado de letras como tu enlatado y también el grosor de tus letras. Te ayudará a darte una estructura. Manipularé ese tipo para que se ajuste a mis miniaturas aquí, y luego lo que haré es volver a entrar y bosquejar sobre eso y crear nuevas formas de letra pero solo estoy usando ese tipo como base. Entonces el tipo que voy a usar se llama guión Gelaton. Un poco demasiado burbujeante para lo que quiero pero está bien por ahora. Simplemente lo tamaño más o menos y lo voy a squash sólo un poquito y eso está bien. Típicamente no quieres solo tipo squash pero en este caso estamos dibujando sobre él, cualquier rareza podemos arreglarlo con solo algún dibujo a mano. Déjame seguir adelante y crear contornos y eso solo lleva a nuestro tipo a un camino y solo usaré una herramienta pura, dale un poco pura. Tengo un poco de arco a este tipo que he esbozado. Entonces tratemos de igualar eso un poco en la computadora. Eso es demasiado. Simplemente lo haré como tres por ciento y luego no se olvide de ampliar la apariencia. No me gusta cómo esa T se inclina bastante hacia adelante y entonces puedes entrar aquí y simplemente empezar a mover las cosas. Todavía no he decidido cuál quiero usar. Entonces tomemos todo lo que hemos hecho. Arrastra una copia hacia abajo y parece que mis cartas están mucho más agrupadas en esta de abajo. Nuevamente esa T sólo parece un poco inclinada hacia atrás, especie de retocar. También estoy pensando que podría haber una forma de entrelazar estos. Las dos mayúsculas. Ahora mismo se ve terrible pero podemos entrar y encontrar una manera conseguir que esos jueguen entre sí. En realidad me está empezando a gustar el de abajo ahora. Estoy usando mi herramienta de cizallamiento que acaba de cursiva o desitaliciza tus letras, eso está empezando a lucir bastante bien. Estoy bastante contento con ese de abajo hasta ahora. Entonces lo que voy a hacer es que voy a mantener el top por si acaso alguna vez necesite volver a él, hacer de éste el principal. Ahora lo que quiero hacer es simplemente imprimir eso en mi impresora de inyección de tinta. 12. Técnicas de bocetos: Ahora tenemos nuestro papel rotulador translúcido, los saqué, limpio. Es un poco difícil distinguir todo pero no vamos a ir por sólo una copia exacta, sólo estoy usando eso como base y sólo voy a empezar a bosquejar sobre él. Pasemos al modo de avance rápido ahora para que no tengas que verme bosquejar porque podría tardar un tiempo. Ese fue nuestro sketch y hay un par de cosas que quiero señalar. En primer lugar, cuando estás dibujando esto, estás tratando de mantener el ancho de tu letra, el ancho de la letra real se forma ellos mismos. El otro es, a menos que tengas un tipo juguetón kid-z realmente hinchable, quieres mantener ya sea una línea recta o un bonito arco a tus letras minúsculas. Habrán notado que dibujé algunas líneas como esta y eso fue sólo para mantener esas letras minúsculas en su lugar. La otra cosa que estoy haciendo, te darás cuenta de que este tipo es muy burbujeante y lo que hice fue enderezarme algunos bordes y endurecí un poco las cosas, eso es para que se vea un poco más masculino y decidida pero en realidad sólo depende de lo que vayas a buscar. Hay otro truco que quiero mostrarte que aprendí en escuela de Diseño que está realmente subvalorada. Probablemente te aproveche mucho sobre todo si eres nuevo en el bosquejo y estás teniendo problemas con la proporción. El truco es que, una vez que hayas sacado tu diseño en tu papel rotulador o papel semitransparente, simplemente dale la vuelta y míralo. Al instante, verás cualquier problema de proporción que tengas, cualquier peso de línea que sea demasiado grueso o demasiado delgado en comparación con las otras letras. Lo que puedes hacer es cuando te das cuenta de esos, entra y realmente dibuja hacia atrás. Hay dos razones por las que esto funciona. Una de las razones es que tu mente hace algo gracioso cuando dibujas, las cosas suelen estar sesgadas de un lado. Cuanto más dibujes, mejor obtendrás y no tendrás tanto ese problema. Pero la otra cosa es que estas son formas de letras y tu mente las ve como una letra t o una letra p, y cuando la das la vuelta, ahora es solo una forma, así que no tienes ese sesgo entrando en ella y solo puedes arreglar todo de esa manera. Hay un pequeño consejo, pruébalo y te darás cuenta de que en realidad es realmente útil. Ahora lo que vamos a hacer es escanear esto y dibujaré todas las líneas vectoriales en Adobe Illustrator. 13. Hacer lettering vectorial: Está bien. Ahora tenemos nuestro refinado inicial esbozado, y yo tengo eso escaneado en. Llevémoslo a Adobe Illustrator y dibujemos los caminos con la herramienta Pluma. Ya es lo suficientemente ligero, no va a interferir visualmente con nosotros sacando los caminos. Si tu boceto es realmente oscuro, posible que quieras bajar la opacidad para que no solo te salga de los ojos. Voy a hacer una carta o dos a velocidad regular y luego la aceleraremos sólo para que no tengas que ver todo el asunto. Cuando llegas a un punto, solo puedes hacer clic y luego llegas a una curva puedes simplemente hacer clic en arrastrar y luego soltar. Todo el mundo tiene su propio método de dibujar caminos, pero creo que la clave principal es, hacer el menor número de puntos posible para obtener sus formas de letra. Porque si tienes que entrar y mover las cosas, si mueves un punto se va a poner todo raro si tienes un punto justo al lado. Ahora solo voy a seguir adelante y apresurar las cosas, para que no tengas que verme sacar estos caminos. A pesar de que se trata de un guión, queremos que las letras sean separadas. El motivo es que podría descubrir que tengo algunos problemas de proporción donde tengo que mover una carta o encuentro una forma de crear una ligadura o una conexión entre algunas letras que no vi antes, y si tuviéramos el letra separada entonces es fácil de mover y es más fácil cambiar las cosas. El otro motivo por el que quiero mi carta separada es, voy a estar haciendo algún sombreado dimensional a esto. Si tienes una letra que se superpone a otra, es realmente fácil poner sombreado si tienes eso. Hacer este tipo de letras no es tan preciso como diseñar una tipográfica, donde quieres que sea simplemente súper perfecta. Este es tipo por diversión así que no queremos estresar demasiado por ello, pero sí queremos que se vea bien. Asegúrate de guardar tu documento, si acaso se bloquea. Ahora que hemos cambiado todos esos trazos, los rellenos, puedes empezar a ver cómo empieza a verse el tipo. Hay algunas cosas que en realidad no me gustan de cómo está saliendo, creo que algunas de las curvas están un poco apagadas, creo que la T es un poco rara, y algunas de las otras letras minúsculas no son del todo perfectas. Lo que voy a hacer ahora es encogerlo esto. Lo cambiaré a tan solo un gris medio. Esto es 8.5 por 11, nuestra directiva. Lo que haré es que le haré unas copias. Voy a imprimir eso, y sólo voy a bosquejar sobre él, fideos una manera y sólo averiguar qué debo hacer para que se vea bien. 14. Refinar el diseño inicial: Ahora que uso mi truco de volteo, estoy viendo que probablemente haya un poco demasiado espacio entre la T mayúscula y la Y. También noto un poco de espacio negativo raro justo aquí. No estoy seguro exactamente qué voy a hacer con eso todavía pero lo principal es que quiero que esa T se vea bien. Me preguntaba, viene justo por aquí. Ahora tengo que averiguar qué va a pasar con ese G. De nuevo, sólo miraré mi referencia y veré si alguien tiene letras conectadas de esta manera. Porque a veces descubrirás una solución a un problema que alguien más ya ha resuelto. Entonces tal vez esa T no tiene una Q rizada al final de la misma. A lo mejor sólo llega más de un punto como ese G y tal vez sólo vamos a dar un bucle a este G un poco más, creo que esa podría ser nuestra solución. eso estaba hablando cuando decía voltear sobre tu diseño. Simplemente por arte de magia te ayuda a ver los problemas que tienes. Y si hiciéramos algo con esta P donde hay una pedacita que salió aquí, algo, que se ve genial. Esos son problemas bastante menores, podría escanear esto de nuevo adentro, traerlo de vuelta a la computadora, sacarlo de nuevo pero creo que mirando mi papel, sólo puedo referirme a eso y ya es suficiente visual referencia donde sólo puedo entrar y mover las cosas en la computadora y eso ahorrará unos pasos de volver al escáner. Pero no tengas miedo de dibujar cosas a mano, traer la computadora, jugar con ella la computadora, imprimirla, escanear hacia atrás por eso, simplemente ir y venir hasta que realmente lo consigas como te gusta. Usa una computadora como herramienta al igual que la pluma y el lápiz y realmente puede acelerar mucho el proceso. Voy a tomarme un descanso ahora, volver a esto con ojos frescos. Marque en esos, estos son mis nuevos detalles y de ahí iremos a agregar dimensión, y luego textura, y luego color y luego terminaremos. Yo casi siempre hago esto. Saldré afuera y tomaré un descanso, volveré a entrar, saldré a almorzar o mejor aún regresaré al día siguiente. Cuanto más tiempo te mantengas alejado de él y vuelvas, más frescos estarán tus ojos mirando ese diseño. Pensé que era bastante bueno y luego volví a ello y fue como, no estoy realmente seguro. Entonces lo que hice fue imprimir esto un montón de veces y bosquejé sobre él y me estoy acercando mucho. Escaneo eso de vuelta, lo traje de vuelta a la computadora. Eso es lo que ven aquí. A continuación, volé la que más me gusta, que es aquí, una de la esquina inferior y acabo de empezar a tirar de puntos y mover las cosas y cada vez que paso por este proceso que se acerca un poco más. Hice otra revisión poco redondeada. Lo que he hecho aquí es que acabo de entrar y dibujar algunas curvas para actuar como lineamientos que mantendrán mi tipo más estructurado. Se verá más fluida, se verá mucho mejor si entras y haces eso. Incluso fui más allá e hice una revisión más y me deshice del guión, hice este bucle aquí abajo un poco más grande y creo que se ve bastante bien así que estoy bastante contento con él. Entré aquí y puse este tipo aquí mismo. Déjame mostrarte cómo hice eso. Acabo de empezar con un sans-serif. No recuerdo qué tipo de letra era. Solo usemos Futura Condensed y lo convertiré en blanco. Me gusta el espaciado en él así que seguiré adelante y escribiré crear contornos. Lo que necesitamos hacer es que creo hacerle un pequeño arco a ella. Lo que he hecho aquí es que he tirado de la distorsión horizontal y eso es lo que le da esa forma de pequeño a grande de izquierda a derecha. Vamos a seguir adelante y expandirnos. Déjame mostrarte lo que están haciendo los caminos. Entonces eso es un efecto. Se pueden ver los caminos reales reflejando lo que hay ahí. Vamos objeto expandir apariencia y es más como lo que ves es lo que obtienes. Utilizaré mi herramienta de cizallamiento y cada vez que haga un cambio al tipo, voy a hacer un nuevo tablero de arte, guardarlo y tendrás estos archivos para tu referencia. Ahora estamos a punto de agregar dimensión. 15. Agregar sombreado: Empecemos haciendo un efecto que me gusta poner en algún lugar que escriba. En realidad es en algunos de estos ejemplos de referencia, y ahí es donde las letras se superponen o se superponen a otras letras. Hay alguna dimensión, y te mostraré a lo que me refiero. Voy a poner esto sobre un fondo negro, luego invertir los colores. Este también es otro buen truco, por cierto, es cuando estás tratando de descifrar tus formularios de cartas y cómo se ve todo, es bueno simplemente voltearlo, blanco sobre letras negras. El efecto que eso tiene es en realidad que hará que tus letras se vean más gruesas, así que solo una ilusión óptica, pero es una a tener en cuenta. Aquí está mi método de sombreado dimensional. Aquí tengo mi tipo y está dibujado en piezas separadas, por lo que se superpone. Eso es bueno porque eso nos permitirá sumar pequeñas sombras donde el tipo se superpone. Lo primero que quiero hacer es duplicar esta capa dos veces. Nuestra capa superior terminará siendo una máscara de recorte, y lo que eso va a hacer es que eso nos va a ayudar a deshacernos de muchos puntos extra que no necesitamos. Ese será uno de los últimos pasos. Seguiré adelante y apagaré la visibilidad de eso. También bloquearé esa capa solo para asegurarme de que no le pase nada. El mismo capa inferior va a ser nuestra manera de mantener intacto el tipo. La capa media será son capa de trabajo, y voy a estar cortando eso hacia arriba, lo que nos ayudará a agregar en el sombreado, pero queremos mantener intacto nuestro tipo con esa capa inferior. De todos modos, acabo de tener la capa media aquí visible y ambas otras capas están bloqueadas. Lo siguiente que quiero hacer es ir a mi pequeña biblioteca de gradientes de medio tono, te daré esto en los materiales del curso. Yo solo quiero tomar uno de estos, copiarlo, y luego lo pegaré aquí. Déjame seguir adelante y cambiarlo a un azul para que puedas verlo. Entonces déjame acercar un poco más. Este gradiente de medio tono ejes y bonita pieza de sombreado, y lo que voy a estar haciendo aquí es pegar en estas piezas de sombreado y luego reorganizar las porciones del tipo. En esta instancia, traeré este travesaño arriba, por lo que el sombreado está por debajo de eso. Eventualmente, no tendré este azul, sólo será como un gris o negro. Pero como dije, para trabajar archivos, lo voy a dejar azul solo para que lo veas ahora mismo. Hay un par de herramientas que estaré usando mayormente cuando haga esto, y una de ellas es la herramienta de cuchillo, que está justo aquí, está debajo de la herramienta de borrador. Esto es útil para cuando quiero mover ciertas porciones de una carta hacia atrás y otras porciones de esa misma letra hacia adelante, y les mostraré a qué me refiero aquí. En otras palabras, esta barra vertical está por debajo de esta barra horizontal, pero quiero que la barra vertical esté por encima de la G. Sólo voy a seguir adelante y cortar eso con un cuchillo. También lo corté aquí porque se superpone a este G en dos lugares. A continuación, simplemente lo pegaré debajo de eso, y luego haré una copia. Yo solo soy opción arrastrando una copia, y eso es esencialmente hacer una copia de este medio tono. Déjame rebanar este G también. Entonces donde una carta se superpone, queremos usar la herramienta divide. Lo que eso hará es justo donde quiera que se superponga, lo cortará en pedazos separados, y eso hará que sea un poco más fácil trabajar con. Usemos una herramienta de división, y como puedes ver, solo la corta en pedacitos. Volveré a mi herramienta de cuchillo, cortaré eso aquí, déjame desagruparlo, y entonces ahora puedo llevar esa pieza a la parte superior. Esperemos que estés viendo cómo funciona este método de sombreado. Aquí, quiero que el sombreado se superponga de esa manera, así que solo me estoy moviendo alrededor de las capas que voy. La forma rápida de moverse por capas de objetos es seleccionarlos y luego mantenga presionada la tecla de comando, y luego use su corchete izquierdo o derecho para moverlo hacia adelante o hacia atrás, así que solo estoy cambiando ahí. Si quieres mover algo todo el camino hacia atrás, o todo el camino hacia delante, solo haces un comando de turno y luego la tecla de corchete. Izquierda lo manda todo el camino hacia atrás, y ahí está detrás de nuestra capa de fondo negro, y luego la tecla de corchete derecha lo trae todo el camino al frente. Otra cosa que puedes hacer es seleccionar ese medio tono, y luego solo tienes que ir Comando B para pegar detrás de él. O estoy usando ese método de soporte para mover las cosas hacia adelante o hacia atrás, o simplemente estoy cortando y pegando por delante o paseando por detrás. Es así como muevo las cosas de frente a atrás. Ahora que ya sabes cómo funciona mi método, solo aceleraré esto para que no tengas que ver todo en cámara lenta. Yo prácticamente tengo todo el sombreado hecho. Voy a guardar esto, y ahora volveré a mi capa muy superior, la con la que aún no nos hemos metido. Déjenme deshacerme de esta palabra de logotipos que no va a importar. Lo que necesito hacer es hacer un camino compuesto. El motivo por el que quiero hacer eso es para que podamos recortar todo este extra azul que hay alrededor de los bordes. De nuevo, solo esconderé ahí mi capa media. Déjame cambiar esto a negro para que puedas verlo. Ahora, solo quiero seleccionar todo esto, y voy a mi cosita favorita en el menú Pathfinder, y esa es la herramienta de fusión. Simplemente hago clic en eso y verás cómo unifica cada cosa. Pero no es sólo un objeto negro ahora, así que lo que se hace es unificar todas las partes negras, pero también hay estas pequeñas formas intermedias que también son rellenos y queremos deshacernos de esas. Déjame mostrarte de lo que estoy hablando. Acabo de asignar todo a naranja y ahora, ya verás cómo se llena en todas esas cosas, no queremos eso, déjame ir y hacer eso. Tengo todas mis capas bloqueadas así que no voy a perder nada aquí. Déjame seleccionar ese negro con una varita mágica, y luego solo voy Seleccionar 'Inverso” y verás si le asigno un color. Solo estoy seleccionando estas partes rojas, elimínala. Ahora, cuando seleccione eso, notarás que es todo negro. No es que esto realmente importe, pero esta es una forma compuesta. Lo que tenemos que hacer es ir objeto, camino compuesto, hacer. Lo que eso nos permitirá hacer, es usar eso como un camino compuesto para recortar toda la basura. Déjame volver a encender esa capa media y déjame cambiar nuestro camino compuesto a amarillo sólo para que puedas ver la diferencia entre eso y la angustia. Ahora lo que queremos hacer, queremos asegurarnos de que todo esté desbloqueado. Agarremos esa capa de fondo negro y simplemente bloquearla, para que eso no sea parte de la selección. Seleccionemos todo, y de nuevo, nuestro camino compuesto está en la cima. Déjame solo seleccionar eso y golpear Command 7, todo eso también es objeto, máscara de recorte hacer, y verás lo que se hace es que solo se recorta todo, todo el azul extra. Ahora lo que queremos hacer es solo aislarlo para que sea solo el azul, no el tipo de abajo. Solo seleccionemos todo de nuevo, pulsa Fusionar, y eso puede tardar un segundo. Te darás cuenta de que se suman todos estos puntos locos que no vas a necesitar. Lo que tenemos que hacer aquí es solo conseguir nuestra varita mágica, seleccionar el azul, y luego seleccionar inverso, y simplemente eliminar todo lo que no es azul. Ahora todo lo que tenemos son estos medios tonos azules, y por suerte, guardamos nuestra capa inferior aquí, y ese es nuestro tipo antes de que hiciéramos algo para meternos con ella. Ahora, es realmente fácil de usar porque tenemos el blanco y déjame simplemente cambiar ese color para que veas que es una bonita pieza, y luego tenemos nuestro sombreado, que es una capa completamente separada. Permítanme simplemente cambiar eso a un amarillo oscuro. Todo es bonito y limpio y súper fácil de trabajar. Esto ayudará mucho cuando nos metamos en colores. Digamos que queríamos cambiar esto a tipo azul. Simplemente cambia eso a azul, y luego selecciona nuestro sombreado, y dejo caer ese azul y solo arrastraré el deslizador hacia abajo un poco más oscuro, para que puedas ver eso. Lo bonito de este método es que solo hace que todo sea súper fácil de trabajar con, y no tienes ningún camino extra que no necesites. 16. Hacer un efecto 3D: Está bien. Ahora tenemos nuestro sombreado ahí dentro y lo que te mostraré a continuación es cómo hacer un efecto 3D con el tipo. Esta es sólo una de las cosas que me gusta hacer a veces. Mantengamos lo que tenemos aquí porque eso se ve bien. Arrastraré una copia del tablero de arte, cambiaré a como gris y me desharé de este fondo negro. Lo que queremos hacer es hacer una copia “Comando C” “Comando V” para pegar y retroceder. Simplemente convertiré eso en un trazo negro y lo engrosaré un poco. Lo siguiente que voy a hacer es copiar que el trazo y luego pegar otra copia y de vuelta. A ver aquí, déjame bloquear ese gris. Seleccionaré el de atrás. Ahora tienes un lío de golpes detrás de la parte gris, lo cual está bien. Tomaré mi herramienta de mezcla y pincharé en uno de los trazos negros y luego pincharé en el otro grupo de trazos negros. Ya verás lo que hace es que hace un efecto 3D automático. Ahora, lo lindo de hacerlo de esta manera, hay algunos inconvenientes y luego hay algunas ventajas. Los inconvenientes son que si acercas realmente cerca de los bordes, notarás un borde dentado. El motivo de eso es que la herramienta de mezcla solo está haciendo un montón de formas intermedias entre nuestros dos conjuntos de trazos. En este momento lo tengo establecido en 50 pasos especificados. En realidad hay 50 pequeñas copias entre aquí, así que cambiaré eso a tres. Verás uno, dos, tres que hay tres copias en el medio. Cuantas más copias hagas, suave sea el look pero no creo nunca archivos finales de esto porque pase lo que pase, está cerca a medida que acerques, todavía va a haber ese borde serrado aunque sea micro. La única vez que haría eso es si nuestro traer mi archivo vectorial a Photoshop y tal vez ponerle un poco de angustia. Entonces sólo vas a perder esa ventaja. En Illustrator para archivos finales, sobre todo si los estás entregando al cliente, quieres archivos realmente perfectos tan perfectamente como puedas conseguir sin que pasen pequeños puntos extra raros. Ya basta de eso. Volvamos a cambiar esto a 50. Eso es lo suficientemente bueno para que veamos esta sombra y en realidad podría ir con eso tal cual es pero lo bonito de esto es que te permite visualizar tu sombra en diferentes perspectivas. En otras palabras, permítanme aislar eso y simplemente seleccionar la pieza inferior. Puedo deslizar esto y se actualizará. Es realmente bueno para visualizar cómo se va a ver tu 3D. Ahora bien, no me gusta esto porque hay demasiado espacio en blanco entre las letras, está distrayendo así que solo deshago eso y volveré a lo que teníamos. Ahora, como dije, esto no es para producción, lo que es genial para la visualización. Lo que voy a hacer es que sólo voy a hacer una copia de eso y luego voy a tomar la que está existente y voy a bajar la opacidad. Déjame llegar a mi menú de transparencia aquí. Yo sólo voy a bajar la opacidad. Digamos que 40 por ciento. Ahora, déjame seleccionar eso y luego pegar delante esa copia que he hecho, la bonita negra. Lo que quiero hacer es deshacerme de esa mezcla de formas. Entonces lo que voy a hacer es solo seleccionar el de abajo “Command X” para cortarlo y luego seleccionaré el otro trazo negro, el que está delante y luego simplemente pegar esa copia detrás de él. Estamos de vuelta donde empezamos. Déjame bloquear esta angustia sólo para que no se interponga en el camino. Ahora seleccionaré esos trazos negros y voy objeto expandir. Eso nos deja con rellenos. Lo que queremos hacer, porque esto es tan confuso, estamos usando esa forma de mezcla transparente en la parte posterior o usando eso como guía. Ya verás lo que estamos haciendo aquí en un segundo. Déjame seleccionar ambos y golpear “Fusionar. El filtro de fusión simplemente colapsa todos los puntos y pega todo juntos. Lo que queremos hacer aquí es emparejar nuestra parte 3D negra con nuestras formas de mezcla gris. Seguiré adelante y con la herramienta de flecha blanca, solo empezaré a eliminar estas pequeñas formas intermedias. Lo que tendremos que hacer es dibujar manualmente en unos pocos como estos abiertos, todos los cercanos que podamos eliminar. Sólo intentaré hacer esto lo más rápido posible. Queremos mantener blancas las áreas blancas. Simplemente queremos llenar lo que sea que esté gris aquí. Terminaré todo esto en movimiento rápido y luego volveré aquí en un segundo. Ahora tengo todas las formas negras cerradas borradas. Simplemente verás unos en el borde que son grises y qué haré aquí sólo para que puedas ver un poco mejor. Cambiaré el tipo principal a azul. Ahora, déjame volver atrás, bloquear un tipo azul, bloquear el sombreado y cerraré la forma de mezcla transparente que teníamos en la parte trasera. De nuevo, eso es sólo para un guía. Lo último que tenemos que hacer aquí es básicamente cerrar estos pequeños huecos y lo vamos a hacer manualmente y lo hacemos dibujando un camino de uno a otro. Déjame bajar un poco ese trazo y solo haré una copia de eso y usaré la herramienta de lápiz que acaba de cerrarlo de nuevo. Ahora solo conviertes eso en relleno y tienes esta cosita la llamo pieza de puente, pero básicamente es solo un pequeño rectángulo que está en ese ángulo correcto que todo ese 3D va. Voy a cambiar estos a naranja para que solo veas lo que está pasando. Voy a alejarme y te darás cuenta todas estas áreas que tenemos que cubrir son exactamente el mismo ángulo y distancia. Simplemente quieres encajar esos justo en su lugar. Yo sería bastante preciso al respecto porque, por eso estamos haciendo esto para que los caminos sean realmente agradables. Ya verás cómo se cuelga éste así que solo conseguiré mi herramienta de flecha blanca abierta y solo arrastraré hacia arriba un lado de ella. De verdad no me preocupa. Simplemente voy a mover parte de eso, se olvidó de arrastrar una copia. Mantén presionada la tecla de opción para hacer una copia mientras arrastras. A veces me olvido de hacer eso. Voy a seguir adelante y acelerar esto y ya puedes ver cómo he hecho esto, pero estoy usando el mismo proceso. Nuevamente, estamos usando esa forma de mezcla gris en la parte posterior como nuestra guía para que sepamos lo que necesitamos para cerrar. Está bien. Parece que los tenemos a todos. Dejaré así ese tablero de arte para que puedas tener este archivo y entrar y mirarlo. Déjame seguir adelante y guardar eso y luego arrastrar una copia de eso sobre el tablero de arte. Nuevamente, seleccionaré el relicario tipo azul, seleccionaré la angustia, el sombreado, lo bloquearé. Seleccionaré la forma de mezcla transparente en la parte posterior, bloquee eso. Ahora acabo de tener el sombreado 3D negro y luego tengo estas pequeñas piezas de puente naranja. Lo que necesito hacer ahora es cambiar esto de nuevo a negro. Déjame bloquear este pequeño tipo secundario aquí también. Podría parecer raro aquí por un segundo pero de nuevo, voy a usar la herramienta de fusión, que es esa de aquí. Cuando me fundo eso trajo todo al frente por encima del tipo. Simplemente lo retrocederemos. Ahora, notarás que todas esas pequeñas áreas están encapsuladas. Para que podamos entrar con nuestra herramienta de flecha blanca y simplemente empezar a eliminarlos. Está empezando a verse bastante bien. Te darás cuenta de que tenemos un área que no eliminé. El motivo es que creo que esos puntos no tocan en realidad. Déjenme arrastrar eso. Voy a golpear fusión otra vez y ahora puedo borrar esa pedacita. ve bastante bien ahí. Otra cosa que quiero hacer es hacer doble clic en esta forma negra. Simplemente selecciona el negro, pulsa seleccionar mismo color de relleno por si acaso y luego selecciona inverso. Ahí están todas estas pequeñas partes interiores que son trazos separados. Eso es justo lo que pasa con la herramienta de fusión así para eliminar y ahora cuando seleccionamos ese negro, aparece como un relleno negro y podemos entrar y cambiar fácilmente el color. 17. Colorde: Supongo que lo que te mostraré ahora es que hagamos algunos colorways. El motivo por el que haces colorways, primer lugar, si es por como una camiseta o algo así. Si siempre tienes una camisa negra y una camisa blanca y tal vez tienes una camisa gris, una camisa azul, una camisa roja y quieres que esos colores se vean bien en todas las camisas de diferentes colores. El otro motivo es que si se trata de un logotipo corporativo, a veces necesitas imprimir ese logotipo corporativo en blanco, y a veces necesitas imprimirlo en negro y solo quieres asegurarte de que se vea bien en cualquier combinación posible. Realmente no he pensado demasiado en el color ni preocupado por si el archivo es CMYK o RGB o algo así todavía. Seguiré adelante y seleccionaré ese comando C. Sólo voy a crear un nuevo documento. Hagamos este para Web RGB y le pegaré a “Ok”. Acabo de pegar eso ahí dentro. Déjame mostrarte lo que tenemos aquí. Básicamente, en la parte superior tenemos la pequeña capa de sombreado que hicimos. También tenemos el tipo azul. En realidad todavía tenemos esa forma de mezcla transparente, déjame borrar eso. En el fondo tenemos nuestra sombra. Eso parece un desastre sólo porque no hemos borrado estos pequeños espacios que están debajo del tipo azul y luego tenemos nuestra palabra de logotipos que separan. Una cosa, sólo para limpiar un poco más esto. Ahora mismo, solo seleccionaré las letras azules, haré una copia de eso, pegaré justo frente a la sombra negra y luego pongamos en “Fusionar”. Déjame aislar eso. Simplemente selecciona el negro, selecciona inverso y eso va a tomar todo lo que no es negro y eliminarlo. Ahora cuando rompemos este archivo, tenemos sombreado, tenemos tipo azul y luego tenemos esta bonita sombra limpia, y luego tenemos nuestra palabra de logotipos justo aquí. Ahora podemos divertirnos con el color. Estoy pensando en unos pequeños diseños diferentes. A mí me gusta cómo está esto en una bonita forma compacta. Lo que podría hacer es probarlo con un fondo de círculo. Vamos con un fondo gris sobre eso. Todavía se puede ver la bonita sombra 3D que hicimos. También me gusta. En realidad sin ese 3D, vuelve a cambiar a negro. Hay combinaciones absolutamente infinitas que podemos hacer con esto. Simplemente puede ser por sí mismo así también. Lo bonito de cómo lo hemos fusionado todo y lo hemos separado en colores es, será súper fácil hacer colorways. Esto también funciona muy bien con diseño de camiseta porque si piensas en el diseño de camiseta, típicamente es serigrafía y tienes pantallas separadas y te cambias, digamos que este es un gráfico de tres colores, tú cambiar cada color. Podemos hacer de eso un amarillo, hacerlo todo brillante. Queremos que ese sombreado que hemos hecho sea un color tonal de nuestro amarillo. Cuando hago colores tonales, me gusta ir al HSB, el slider negro saturación matiz y luego solo puedes agregarle tal vez un poco de negro o que podría ir más naranja y aún así lucir bien. Simplemente veremos cómo se ven estos colores. Jugar sí aplicar diferentes diseños y puede ser como este fondo círculos en realidad como un marrón oscuro. Es bonito. Ahora en un fondo claro, eso no va a funcionar. Solo finjamos que esto está sobre un fondo oscuro y de repente se ve bien. Me gusta mucho ese marrón en realidad, es bastante bonito. Podemos pasar y simplemente hacer combinaciones después de combinaciones. Pero creo que la clave con hacer colorways es que aún quieres conservar la legibilidad y la mejor prueba para eso es solo entrecerrar los ojos y si puedes leerlo entonces probablemente sea bueno. Probemos otra. No lo sé. Podríamos hacer naranja, así que tu naranja es roja. De nuevo, haremos una muestra de esa misma naranja y le agregaremos un poco de negro. Podemos probar diferentes cosas como pop que logotipos palabra al color de fondo. Podríamos cambiar esto a un marrón. Eso se verá realmente bonito. Ese es el concepto para colorways. Ahí está esta infinita combinaciones. Basta con prestar atención a, si alguna vez tuviste una clase de teoría del color, solo presta atención a la rueda de color y cuáles son los colores de cortesía y todas esas cosas. Te daré este archivo, puedes entrar ahí, jugar con él. Lo siguiente que quiero mostrarles es cómo agregar textura o angustia. Cuando añado angustia de textura en Illustrator, normalmente lo hago con archivos Bitmap 2, y te mostraré sobre eso. Cuando hago angustia de textura en Photoshop, lo hago de una manera diferente. Normalmente lo hago con pinceles de Photoshop. Nos meteremos en eso en un segundo. 18. Uso texturas de bitmap en Illustrator: Angustiar tu gráfico sería hacer que pareciera vintage o si típicamente o simplemente para agregar algo de textura. Déjame llevarme este, crearé un nuevo documento y aún estamos en Adobe Illustrator, y eso explotaré. Déjame poner un fondo marrón detrás de él. Está bastante cerca de ese negro. Creo que se ve bastante bonito, entonces quiero cambiar esto a un color bronceado insaturado. Creo que este es un look vintage. De acuerdo, así que eso se ve bastante bien. Con Illustrator me gusta usar tiffs de mapa de bits, y aquí está el trato con las tiffs de mapa de bits, sus archivos de Photoshop son archivos de pixel , pero son blanco y negro, así que no hay gris pasando y si parece que hay algún gris, en realidad es como un dither de difusión o un medio tono. Entonces déjame mostrarte uno de estos en Photoshop y déjame abrir uno llamado textura de garage, y esto es igual que la textura grunge. Se puede ver cómo es solo un archivo en blanco y negro, y cuando se acercan realmente cerca, darán cuenta de que son solo píxeles negros y píxeles blancos y eso es todo, no hay gris, como dije. Entonces no hay transparencia en este cuando está en Photoshop, pero si tomo ese mismo archivo y simplemente lo coloco en Illustrator, puedes arrastrarlo o hacer un File Place y esta es una textura realmente sutil. Tan solo aligerar ese fondo para que puedas verlo. Lo que notarás es de repente es transparente, así que lo que sea negro, en realidad puedes asignar un color. Por lo que puedo asignar este grano negro como un color de fondo y ver cómo retrocede al color de fondo. No sé si realmente puedes ver esto en tu pantalla, así que déjame cambiarlo a blanco y ya ves cómo es eso. Hay un amarillo, pero típicamente cuando estás agregando angustia, o bien quieres volver al color de fondo o al tono del color de fondo o simplemente un negro. Por lo que seleccioné el color de fondo y tal vez sólo le agrego un poco de oscuridad. Déjenme agregar en realidad otra, y lo bonito de estos, ya que son transparentes en Illustrator es que se pueden capas. Simplemente puedes poner tachuela en capas y capas de esta angustia. Esta es una textura de angustia realmente no muy sutil. Esta es una mala textura de fotocopia, y esta fue hecha básicamente por una fotocopiadora rota. El asunto con las texturas de mapa de bits es como cuando las abres en Photoshop, cómo, cuando acerqué y se acaba de pixelar, en realidad se ven un poco más pixeladas cuando las tienes en Illustrator, pero es sólo la forma en que Illustrator exhibe estas cosas. Cuando vas a imprimir, digamos en una camiseta o si vas Archivo Guardar para web, estas texturas de mapa de bits en realidad se ven muy bonitas. Déjame acercar aquí, para que veas que la textura se ve realmente bien. Podría ser un poco demasiado abrumador para este gráfico, pero solo lo puse ahí para mostrarte el efecto. Entonces eso es todo con Illustrator. Aparte de sólo ese sombreado vectorial que pusimos antes, no me metería demasiado con la angustia vectorial. El motivo es que si tienes mucho que inundan tu gráfico, vas a tener mil millones de puntos. Se va a ralentizar tu computadora, y también la cosa con la angustia vectorial es, se ve vectorial, se ve aerodinámico o en vivo rastreado y típicamente creo que no se ve tan bien donde los tubos bitmap rutinan tanto más detalle y la luz de verdad en tu computadora, no harán que tus archivos se bloqueen ni nada por el estilo. No harán que el tamaño de tu archivo sea realmente grande, así que son perfectos para Illustrator, y así que eso es ilustrador. Déjame mostrarte cómo añado angustia en Adobe Photoshop. 19. Agregar textura con pinceles de Photoshop: Lo bueno es que ya que construimos esto tan bien en Adobe Illustrator, deberíamos poder traerlo a capas de Photoshop, entonces será realmente fácil colorear y también angustia. La forma más fácil de lograr esto es llevar las partes separadas de su tipo a capas separadas. Tomaré mi capa superior, que es esta palabra logotipos, y crearé una nueva capa, pegaré al frente y bloqueamos eso. Entonces tomaré la siguiente capa más alta, que es nuestra pequeña angustia vectorial, corta eso, haz una nueva capa, pegaré al frente. Entonces la capa de abajo que es nuestro tipo, y voy a crear una nueva capa, pega eso al frente. Debajo de esa está nuestra sombra, corta eso, crea una nueva capa, pega. Ahora que tenemos todo esto en capas separadas, vamos a exportar archivos, y vamos a guardar esto como un PSD de Photoshop, hit export, y luego vamos a elegir 300 DPI, tener las capas correctas clicadas y máxima estabilidad de edición clicado, y luego solo golpea bien. Después vamos a Photoshop. Abramos ese expediente. Notarás en Photoshop cómo todo está en capas separadas. Ahora, todos están en carpetas en capas separadas y realmente no necesitamos eso, así que solo seleccionemos estas capas y desagruparlas. Estoy haciendo un Command, Shift G, y parece que tenía algunas de las cosas en grupos separados dentro de esas capas, así que solo seguiré adelante y fusionaré esas de nuevo juntas. Tenemos nuestros logotipos, tenemos nuestro sombreado, tenemos un tipo, tenemos una sombra, tenemos un fondo. En Photoshop, me gusta agregar angustia usando máscaras de capa, y la razón es que si alguna vez quieres cambiar esa angustia o deshacerte de ella, o simplemente manipularla, no has estropeado ninguna de tus ilustraciones reales. No es destructivo. Me gusta pintar la textura en esas capas con pinceles de Photoshop sólo porque es tan rápido. Podríamos pintar las angustiosas individualmente con estas capas y conseguir efectos realmente geniales, pero lo que voy a seguir adelante y hacer es solo voy a reagrupar esas capas todas en una sola separada del fondo, y puedo aplicar una máscara de capa a ese grupo. Voy a ir a Capa, Máscara de capa, Revelar todo, y creo que tengo algunos pinceles aquí, déjame ver si están cargados. Te daré algunas de estas de forma gratuita por cierto. Este es un pincel de plastitol y es una textura de plastitol. De lo que es plastitol, es la tinta en camisetas y es lo que da playeras vintage que se agrietó look. Porque lo que pasa es que la tinta se seca con el tiempo y la lavas un millón veces y se agrieta y eso es lo que le da ese aspecto de Photoshop. Todo lo que necesito hacer es tener el negro como mi color que estoy pintando, y pinto en esa máscara de capa. No pintas como un pincel donde lo mueves, en realidad solo lo colocas y haces clic. Déjame asegurarme de que mi flujo se encienda hasta un 100 por ciento de lo contrario no podremos verlo. Acabo de hacer clic una vez y de repente tenemos una textura realmente bonita que parece tinta plastitol agrietada. Te daré ese pincel. Déjame volver a mi historia y deshacer eso me deja mostrarte un pincel más. Aquí hay un mal cepillo para fotocopias, así que parece que corriste el arte a través de una fotocopiadora rota. Basta con hacer click una vez, súper fácil. Te mostraré una más. Tengo una portada de libro vintage, en realidad es un libro que encontré en la calle. Simplemente está cubierto de moho y super bruto pero eso hace que para un cepillo de auxilio de Photoshop realmente bueno. Te daré este pincel también, todo lo que haces es un archivo ABR que es un archivo de pincel de Photoshop, solo haz doble clic sobre eso y lo carga en tu palet de pinceles. Puedes escalar estos pinceles hacia arriba o hacia abajo con tus pequeñas llaves de soporte. Voy a dar click una vez ahí dentro y tenemos una textura realmente bonita. La otra cosa que podemos hacer es porque se trata de un pincel vertical, podemos usar nuestra herramienta de vista de rotación, las imágenes giran este 90 grados, alejar un poco, y esto en realidad es angustia que quiero agregar al fondo, así que vamos a sólo tienes que añadir una nueva capa justo en el medio allí. En realidad estoy pintando directamente al fondo, no estoy pintando en una máscara de capa. Déjame hacer clic en eso una vez y volver a la normalidad nuestra mesa de trabajo. En realidad vamos a acercar para que puedas verlo. Eso agrega una textura de fondo realmente agradable. 20. Reflexiones finales: Entonces ahora es el momento de envolver las cosas. De verdad espero que te guste mi clase sobre cómo diseñar un Logo Tipográfico. Empezamos hoy hablando en general de tipografía y diseño de tipo logo. Después fuimos a cómo idear una idea y formular un Sketch en miniatura. Después de esa miniatura, fuimos a refinar nuestro boceto, llevándolo a la computadora, y luego refinando ese diseño hasta que conseguimos un bonito y limpio logotipo basado en vectores. A partir de ese logotipo basado en vectores, fuimos a colorearlo, agregando textura y dimensión. Las posibilidades son infinitas y depende de ti ahora de lo que quieras crear. Aunque, recuerda, siempre puedes volver a los videos si necesitas una actualización y además asegúrate de referirte a los enlaces, a todos los materiales y recursos que mencioné en la clase. Si hay una cosa más que podrías hacer, por favor déjame una opinión Si te gustó esta clase y siéntete siempre libre de enviarme un correo a re@thevectorlab.com.