Transcripciones
1. Introducción: Hola chicos, bienvenidos a mi primera clase de Skillshare. Estoy tan emocionado de estar impartiendo esta clase. Soy Vinitha Mammen, soy diseñadora de moda profesional y artista autodidacta. Tengo la suerte de haber nacido en una familia llena de artistas. El arte siempre ha sido una gran parte de mi vida. Ahora como mi arte está evolucionando hacia un ajetreo lateral, sueño con vender estampados de mercancía y arte, y pintar fideos gigantes, y también compartir mis conocimientos con la comunidad de artistas así. A mí me gusta explorar varias técnicas y medios, y honestamente sigo descubriendo mi propio estilo. Mis cosas favoritas actuales para crear son las ilustraciones en acuarela y las letras a mano. Para esta clase, decidí combinar estos dos y mostrarte cómo hago letras
a mano usando técnicas de pintura negativa y estratificación con acuarelas. Creo que la pintura negativa es un proceso muy relajante y casi meditativo. Claro, lleva tiempo y paciencia, pero creo que los resultados son súper gratificantes. El efecto de crear letras utilizando espacio negativo en lugar de positivo, se
puede lograr con relativa facilidad utilizando diversas herramientas digitales de dibujo, pintura y diseño. No obstante, creo que los impresionantes resultados de lograr este efecto a través métodos
analógicos son extrañamente satisfactorios y particularmente encantadores. En esta clase, te llevaré a través de algunos conceptos básicos alrededor del espacio negativo y cómo lo uso en mi arte. Te enseñaré varias técnicas de control y mezcla de pinceles y algunos consejos de letras a mano a través de ejercicios de práctica cuidadosamente estructurados. También te mostraré todo mi proceso desde el boceto hasta el final, incluyendo todo el desorden inicial que lleva a una pieza final de la que estoy orgulloso. Juntos, pondremos todos nuestros aprendizajes a usar
creando dos divertidos proyectos de letras de espacio negativas. También repasaré todos los materiales que necesitarás para completar estos proyectos y mostrarte los suministros de arte exactos que utilizo. Esta clase está dirigida a niveles de habilidad principiante e intermedio pero artistas de cualquier nivel son bienvenidos a unirse y dar estos proyectos hace. Los artistas de letras tradicionales incluso pueden usar esta clase para explorar una dimensión completamente nueva. No vamos a estar profundizando en los mismos conceptos básicos de letras a mano ni usando acuarelas. Pero encontrarás toda la información que necesitarás para probar estos proyectos con éxito aquí en esta clase. Si tienes alguna pregunta, siéntete libre de preguntarme a través de la sección de discusión de esta clase. De verdad espero verte en la siguiente lección. No conéctate conmigo en Instagram y etiquetame en tus historias mientras aprendes de esta clase, que
pueda volver a publicarlas a mis propias historias y compartir unos momentos encantadores con mis alumnos. Hagámoslo.
2. Proyecto de la clase: Bienvenidos a mi clase y gracias por unirse. En esta clase, exploraremos letras negativas
de acuarela creando dos divertidas piezas de proyecto de clase. En la primera pieza se tendrá un texto contra un brillante y feliz telón de fondo de franjas
divertidas utilizando una paleta de colores limitada pero en su mayoría estaremos pintando solo un solo color a la vez. Esto nos ayudará a obtener un buen agarre de las técnicas de control de pinceles para crear el trazo perfecto alrededor de espacios negativos ajustados sin preocuparte por mezclar colores. También voy a compartir algunos consejos que uso, justo desde la fase de bocetos para hacerme la vida más fácil mientras que pintura negativa. Nuestra segunda pieza del proyecto será texto establecido dentro de una nube caprichosa, pintada usando una vibrante mezcla de tres colores. Juntos, exploraremos cómo usar la mezcla de colores para llenar espacios negativos para crear un efecto mágico sin fisuras y abrazar los efectos sorpresa de dejar que las acuarelas hagan lo que más les gusta hacer; moverse y jugar entre sí . Para ambas piezas, puedes escoger totalmente palabras y temas de
ilustración de tu elección o siéntete libre de seguir usando mis ejemplos. He incluido una lista bonus de ideas de palabra y tema para que empieces en caso de que estés atascado preguntándote qué pintar. Podrás encontrarlos en la sección de recursos de esta clase, así que echa un vistazo a eso e inspírate. He creado esta clase de una manera que puedes completar cada paso junto a mí, no solo mirarme. Yo quiero animarte a juntar todos tus suministros y unirte a la diversión. Haz subir fotos de tu progreso a la galería de proyectos para esta clase. Estoy esperando ansiosamente ver lo que crean mis alumnos. Estas subidas absolutamente no necesitan ser unas piezas de arte terminadas. Cuantas más tomas de proceso compartas, más valiosa retroalimentación te puedo dar y todos podemos aprender juntos. Antes de saltar a los proyectos de clase, tengo algunas clases de calentamiento con algunos ejercicios útiles para inflar tus músculos y conseguir que te sientas seguro de sumergirte en. Estos también te ayudarán a echar un buen vistazo a
las técnicas de acuarela y letras que estaremos utilizando en los proyectos. En el siguiente video, te
llevaré a través de los materiales que necesitarás para crear tus propias piezas de proyecto de clase. Nos vemos ahí.
3. MATERIALES: En esta lección, repasaré los materiales que
requerirán para nuestros ejercicios y proyectos de clase. Por favor recuerda que estas son solo sugerencias basadas en lo que uso. Si tienes tu conjunto de suministros de confianza, por favor adelante y úsalos para esta clase. Si no tienes algunos de los suministros, no
dejes que eso te detenga de intentarlo, trabaja con lo que tienes y mira a dónde te lleva. Enfriar, veamos qué todo lo que necesitamos. En primer lugar, por supuesto, necesitarías pinturas. acuarela viene en diversas formas como tubos, sartenes, y concentrados líquidos. Yo uso mayormente sartenes, y este es el conjunto que utilizo actualmente. Se trata de un conjunto Winsor y Newton Cotman de 45 medias sartenes. Pines de grado de artista de nivel básico como estos serán ideales, pero cualquier cosa disponible fácilmente es suficiente para empezar. Así es como se ve mi caja de pintura en el interior. Tengo zonas designadas en mis bandejas de mezcla para cada grupo de colores. Impide que los colores se mezclen con colores completamente diferentes por error, y mantiene las cosas un poco más organizadas. Reservo los dos últimos pozos para mezclar nuevos colores si es necesario. También me he hecho un juego de tarjetas de muestra con cada uno de estos colores junto con sus detalles para fácil referencia. He dado a cada sombra un miembro propio, que se indica en la tarjeta de muestra, en las propias sartenes, así
como en la caja debajo de cada sartén. Esto me ayuda a identificar fácilmente mis pinturas. También uso las muestras para ayudarme a decidir sobre paletas de color para mis piezas. A continuación, necesitamos papel. Esto es chicos importantes. No necesitas ir a comprar las cosas de grado profesional súper caras, pero sí necesitas papel de 300 GSM que está destinado para uso en acuarela. Utilizo este Prensa Canson XL Acuarela Frío, papel 300 GSM. Esto lo puedes encontrar barato en Amazon, sobre todo en EU. No creo que sea el mejor papel por ahí, pero es buena relación calidad-precio, así que me funciona. Esto es lo que estoy usando para todos los ejercicios y proyectos de esta clase. También tengo estas sábanas sueltas de Canson, también 300 GSM, que uso a veces cuando no quiero cortar mis sábanas más grandes. Tengo algo por papel cuadrado, así que tengo esta almohadilla cuadrada de acuarela de Master's Touch. Tiene una textura realmente única, así que soy preciosa al respecto y en su mayoría la reservo para ocasiones especiales. Ahora si no tienes acceso inmediato al papel de acuarela, te
sugiero que encuentres el papel mate más pesado que puedas encontrar a tu alrededor y que le des una oportunidad. Además del papel de acuarela, también necesitamos algún papel de impresora regular, solo cualquier calidad en cualquier tamaño para hacer toda nuestra lluvia de ideas y bocetos iniciales. Ahora pinceles, necesitarás algunos pinceles redondos en varios tamaños aún mejor si están especialmente pensados para acuarelas. Usé las marcas Dugato y Arteza de cepillos redondos sintéticos. En su mayoría estaremos usando un pincel tamaño 2 para áreas más grandes, pinceles
más pequeños como talla 1 y 0 para espacios más pequeños, y un pincel de detalle como el redondo Arteza 4/0 que tengo aquí para espacios realmente ajustados. También necesitaremos un lápiz para hacer todos nuestros bocetos. Tan solo cualquier lápiz básico servirá. Utilizo mi lápiz mecánico favorito, que es el Pentel Graphgear 1000 y tamaño de 0.9 mm. No soy particular sobre el plomo de lápiz que uso en estos. Sé que hay lápices muy suaves que son útiles para hacer bocetos claros y limpios en papel de
acuarela pero solo uso mi lápiz regular y froto suavemente sobre mi papel para mantenerlo ligero. Sí, cualquier lápiz regular está bien. Entonces por supuesto, un borrador, justo cualquier borrador limpio que tengas por ahí. También tengo a este pequeñito para borrar detalles, es un borrador estilo pluma llamado el Tombow Mono Zero Eraser. Simplemente ayuda a borrar áreas diminutas a la vez. Super cool, pero totalmente no es un requisito para esta clase. Entonces necesitamos un gobernante, otra vez justo lo que estés acostumbrado. Ya que también coso en mi estudio, tengo un montón de estos gobernantes de rejillas que vienen muy bien, así que solo uso uno de ellos. Siguiente serían algunos Bolígrafos Fineliner negros. En su mayoría uso los Fineliners Uni Pin de Uniball o Pigma Microns de Sakura. Estaremos usando estos solo para repasar nuestros contornos y hacerlos más nítidos para facilitar el rastreo. Puedes usar casi cualquier bolígrafo negro o marcador delgado. Incluso puedes ignorarlos por completo y rastros de tu boceto a lápiz. También necesitarás un frasco de agua para sumergir y limpiar tus cepillos, alguna cinta de enmascaramiento, si quieres dar los bordes limpios y crujientes, y una caja de pañuelos, papel
higiénico, toallas de papel, lo que funcione. También necesitarás algo para rastrear. Si tienes una caja de luz que ayude. Simplemente uso una App de rastreo en mi iPad Pro. Incluso puedes simplemente colocar tu papel contra la luz en cristal de
tu ventana y trazar sobre él si no tienes ninguno de esos. Eso es todo. Nuevamente, no dejes que estos materiales te asusten.
4. espacio negativo: ¿qué? ¿Por qué? ¿Cómo?: Antes de ponernos manos en nuestro aprendizaje, saquemos algunos conceptos básicos del camino. En esta lección, te llevaré a través de lo que es el espacio negativo en el contexto del arte, lo que queremos decir con pintura negativa y algunos métodos por los que podemos lograr obras de arte pintadas negativas. También veremos algunos ejemplos de trabajo de otros artistas y mí mismo para tratar de entender el significado del espacio negativo en el arte. Entonces, ¿qué es el espacio negativo? En pocas palabras, el espacio negativo es el espacio alrededor del sujeto de una imagen. Por lo general, sobre todo cuando se trata de un área sólida, tendemos a simplemente referirnos a ella como el fondo. Entonces si este es mi tema, entonces todo el espacio a su alrededor es el espacio negativo y el sujeto es el espacio positivo. Ahora bien, ¿qué es la pintura negativa? La pintura negativa es cuando pintas colocando tus colores en el espacio negativo, a diferencia del espacio positivo. Eso es alrededor de una forma en lugar de dentro de una forma. Por ejemplo, quiero pintar un corazón en esta página. Puedo hacerlo pintando dentro de una forma de corazón, o puedo hacerlo pintando alrededor de una forma de corazón. De cualquier manera, todavía tengo corazón, sin juego de palabras pretendidas. Esto último es lo que nos referiríamos como, pintura negativa. Existen diferentes formas en las que podemos lograr el efecto de la pintura negativa. Echemos un vistazo a algunos métodos analógicos, específicamente al usar pintura sobre papel. La cinta de enmascaramiento es uno de los artículos más utilizados para enmascarar las áreas positivas mientras se pinta. Estaremos usando cinta de enmascaramiento también, pero solo para conseguir bordes limpios, no para pintura negativa como tal. Después hay líquido de enmascaramiento. Esto hace el mismo trabajo que la cinta de enmascaramiento, solo que está en forma líquida y así se puede aplicar con mucho más control, sobre todo en espacios más pequeños. Este es un método comúnmente utilizado por varios artistas. Actualmente no prefiero usarlo mucho, sobre todo para letras, principalmente porque estropea mis pinceles y nunca puedo conseguir un trazo limpio porque tengo que usar un cepillo viejo. No estaremos usando ningún fluido de enmascaramiento para nuestros proyectos en esta clase. Lo que me lleva al siguiente método, que es lo que estaremos usando. Simplemente hacia arriba, evitando el color en tus espacios positivos pintando manualmente alrededor de ellos. Suena loco? Esa locura es lo que hace que esto sea tan emocionante. Ahora, veamos algunos ejemplos de espacio
negativo siendo utilizado de forma creativa por otros artistas. Este es un retrato, pero apenas ninguna de la pintura está en la propia cara. Igual aquí, la forma de la persona es sugerida por el espacio negativo que la rodea. Aquí ese traje de baño es prácticamente nada sobre papel. Pero ya sabes, está ahí. ¿ Eso es [inaudible] pelo naranja o un oso negro al que estamos mirando? Espacios entre edificios con forma de manos espeluznantes, ¿coincidencia? Aquí está la vida formada únicamente por los dibujos de línea botánica a su alrededor. Una inteligente campaña publicitaria promoviendo la adopción de mascotas. ¿ Ves al canino en el espacio negativo? espacio negativo se convierte también en una valiosa herramienta en el diseño de logotipos. Uno de los logotipos más famosos que utilizan el espacio negativo de forma creativa es el logotipo de FedEx. ¿ Ves la flecha pequeña en el espacio negativo? Está ahí sin estar ahí, y esa es la belleza de ella. Aquí te presentamos algunos Logos más que demuestran el uso inteligente del espacio
negativo para colarse en elementos de diseño que son relevantes para sus respectivas marcas. espacio negativo, como se puede ver, es algo que siempre me atraen a usar en mi proceso de arte y diseño. Déjame mostrarte algunas de mis propias piezas. Yo meticulosamente garabateé alrededor de las letras aquí para crear ésta. Aquí hay otro trabajo de letras de espacio negativo abajo con garabatos de pluma. Algunas vacaciones enfriaron, pero las acuarelas espaciales negativas. Esta es una de mis piezas favoritas que también inspiró uno de nuestros proyectos para esta clase. Usé espacio negativo aquí para crear una ilusión de una ventana [inaudible]. Se trata de letras de espacio negativo conjunto contra varias capas de hojas pintadas negativas, doble negativo. Esta es una pieza digital con letras negativas, y estoy usando el contraste de espacios tanto negativos como positivos para ilustrar la sal. Otra pieza digital con letras negativas. Echa un vistazo a este. He usado espacio negativo para implicar la presencia de un cuadrado alrededor del cual están dispuestas las flores. También uso elementos espaciales negativos en la mayoría de los logotipos que diseño. Aquí te dejamos unos cuantos. Espero haberte mostrado lo suficiente para que te emociones de crear algunos proyectos espaciales negativos. En la siguiente lección, nos sumergiremos directamente y llegaremos a descubrir algunas técnicas de control de pinceles que te ayudarán a dominar la pintura alrededor de las formas.
5. Control del pincel: Esta lección se trata de ejercer esas técnicas de control de pinceles. Aprenderemos a pintar dentro y alrededor de las formas usando un solo color para empezar. Busco algunos consejos pro muy útiles que lanzo de vez en cuando durante esta lección. Para facilitarte las cosas, he incluido un archivo de plantilla que puedes descargar desde la sección de recursos de esta clase. Puedes comenzar imprimiendo este archivo y transfiriendo los contornos a una hoja de papel de acuarela. Puedes usar una caja de luz para esto, o si tienes un iPad Pro, puedes descargar una aplicación gratuita llamada Lightbox trees y usar eso. Incluso puedes simplemente colocar tu papel contra la luz sobre una ventana y trazar. O puedes ignorar por completo la plantilla y
dibujar a mano alzada directamente en tu papel de acuarela. Esto es lo que he hecho, acabo de usar mi lápiz para esbozar las formas en una hoja de papel de acuarela de nueve pulgadas por seis pulgadas. Puedes comenzar con cualquier tamaño que te sienta cómodo. Incluso puedes empezar con un en tamaño completo, y progresar a tamaños más pequeños para perfeccionar aún más tus habilidades. Lo que vamos a hacer aquí es utilizar una sección de la plantilla para practicar la pintura dentro de las formas, es
decir, los espacios positivos, y la otra sección para aprender a pintar alrededor de las formas o los espacios negativos. Siéntete libre de pausar o ralentizar el video y practicarlo tantas veces como necesites. Cuanto más, mejor. Vamos a llegar a ella, ¿de acuerdo? He sacado algo de pintura y estoy mezclando un poco más de agua. Mi pincel está mojado y cargado de pintura. Ahora empezamos colocando la pintura dentro del cuadrado, y luego simplemente arrastramos hacia fuera la mancha húmeda que
acabas de colocar en el papel para llenar el cuadrado. Eso es básicamente, colocas pintura y la tiras a donde quieres que vaya. Cuando la mancha ya no está lo suficientemente húmeda, sumerges
tu pincel y pintas de nuevo y repites. Ahora, nuestro objetivo es llenar la forma, por lo que necesitamos acercarnos lo más posible a los contornos sin y realmente tocarlos. En el momento en que la pintura o incluso el agua toca la marca del lápiz, se vuelve irborrable. Todos terminaremos haciendo esto accidentalmente en algún momento, pero necesitamos hacer todo lo posible para evitarlo, y confía en mí, la práctica sí ayuda mucho. Es importante que la pintura siga mojada mientras hacemos todo esto, una vez que la pintura se
seque, dejará huella. Ya que queremos conseguir una capa uniforme de pintura, no la
estamos cepillando exactamente, pero sí necesitamos tener siempre presente el tiempo cuando pintamos con acuarelas. Pasemos a la siguiente forma. Simplemente sigue el mismo principio, coloca la pintura y tira. Ayuda a hacer contornos cuidadosos con pintura dentro de los contornos del lápiz antes de llenarlo. Posteriormente podrás volver a entrar y refinar tus bordes. Ahora para la hoja, empieza desde la punta aplicando ligera presión sobre tu pincel para que tengas un buen trazo fino y limpio. Después tira con más presión sobre tu cepillo para que
puedas llenar suavemente las áreas más grandes de la hoja. Continuar arrastrando la pintura alrededor para terminar esta hoja. Nuevamente, comenzamos colocando ligeramente la pintura cerca de la punta, y arrastrando la pintura para llenar el resto de la hoja. Recarga tu pincel con pintura siempre que sientas que no hay suficiente pintura húmeda para ponerlo. Ahora para la J comienza pintando la parte superior horizontal, y luego arrastra hacia abajo la pintura hacia la sección vertical, tarde afuera la capa con tus trazos de pincel a medida que avanzas. Puedes tomar un poco de tiempo para refinar tus bordes y suavizar tus curvas. Ahora veo algunas áreas donde la pintura no es una mezcla lisa, así que las vuelvo a repasar, mientras la pintura sigue mojada, y la mezcla en la sección superior que aún está mojada. Ahora que tenemos una idea de cómo pintar dentro de una variedad de formas, podemos pasar a pintar alrededor de las mismas formas. Esencialmente es exactamente lo mismo que usted está haciendo aquí. Solo necesitas identificar el espacio alrededor de la forma como tu tema en lugar de la forma en sí. lo que quiero decir es, en lugar de mirar la plaza como lo que necesitas rellenar, mira el marco que lo rodea, y dime a ti mismo que eso es lo que necesitas rellenar. Haz lo mismo, coloca pintura y tira. Nuevamente, acercándose lo más posible al contorno del lápiz sin tocarlo. Ahora tendrás que tomar algunas decisiones, hay dos áreas posibles del marco donde puedes continuar,
la superior o la inferior. No hay respuesta correcta, necesitas hacer un juicio basado en lo mojada que esté tu pintura en cada uno de estos puntos. Si ves que se está secando, posible que quieras entrar ahí y guardarlo agregando más pintura y arrastrando. Aquí tienes un consejo, ¿te diste cuenta de esta mancha húmeda que agregué? Cuando dejo una zona inactiva para llenar otra área, cargo mi pincel y dejo algo de pintura realmente húmeda al final de los puntos que estoy abandonando temporalmente, que
pueda comprar algo de tiempo para prestar atención a la otra zona. Si bien pinto, estoy constantemente revisando para asegurarme de que esta mancha que agregué esté aún húmeda, y si parece que podría estar secándose, vuelvo a cambiar. Ahora noto que la mancha inferior se está secando, así que trato de llegar rápidamente y arrástrela para llenar la forma. Ahora solo usa las mismas técnicas para pintar un alrededor de las tres formas restantes, recuerda dejar manchas mojadas cuando abandones un área, y para no tocar las marcas de lápiz mientras pintas. Esto de aquí tiene un espacio muy apretado entre las dos hojas, así que me paso a mi pincel de detalle para meterme directamente en él de forma segura. Una vez que estoy en un área más grande, vuelvo a cambiar a mi pincel más grande. Pro tip, cuando hay un área grande para rellenar, ayuda
imaginar algunos contornos además de los que has dibujado para dividir el espacio en áreas de tamaño de mordida. Pero hay que hacer esto estratégicamente, notar cómo aprovecho el espacio más pequeño aquí cerca de la punta de la hoja, e imagina una separación entre las áreas superior e inferior justo ahí. Esto me ayuda a enfocarme en suavizar
un área a la vez sin terminar con grandes marcas secas. Nuevamente, utilizamos las mismas técnicas y consejos para pintar alrededor de las letras. Hace que sea menos intimidante si lo ves como sólo otra forma en lugar de un elemento de letras. Una vez que llene la mayoría de las áreas más grandes alrededor de la J, entro con mi pincel de detalle para refinar los bordes mientras la pintura aún está húmeda. Eso es todo lo que es. Espero que haya disfrutado de ese ejercicio. En el siguiente video, tocaré algunos conocimientos básicos de acuarela, y cómo podemos aplicarlo a nuestra ventaja en nuestro proyecto aquí.
6. Húmedo vs. Seco: Probablemente te hayas topado con la terminología de mojado sobre húmedo y húmedo sobre técnicas secas de pintura en acuarela. Estas son esencialmente las dos amplias categorías de métodos de
aplicación de pinturas utilizados comúnmente en la pintura de acuarela. En esta lección, vamos a tocar un
poco esto y hablar de sus grandes diferencias y aplicaciones. pocas palabras, mojado sobre seco es cuando pintas con pintura húmeda sobre papel seco. Mojado sobre mojado es cuando pintas con pintura húmeda sobre lo adivinaste, papel mojado. Ahora sabemos que lo que hicimos a lo largo de nuestros ejercicios en la lección anterior fue enteramente la técnica húmeda sobre seca. Para el mojado sobre seco, solo
estoy tomando algo de la pintura mixta en mi pincel y enlace hacia abajo un trazo en el papel. A continuación, estoy haciendo lo mismo, pero pintando un área más grande esta vez. Entonces estoy tomando un poco más de pintura y simplemente tocando el pincel enteramente en el papel seco. Echa un vistazo a esto. Tenemos trazos limpios con bordes bien definidos. Los límites son claros y distintos en todos estos. Ahora por el mojado sobre mojado, he limpiado a fondo mi cepillo y lo estoy sumergiendo en agua limpia. Voy a poner una capa de nada más que agua limpia en el papel seco, básicamente para que se moje. Voy por encima de esta zona húmeda con mi cepillo unas cuantas veces para conseguir un glaseado suave y uniforme. Esto es muy importante al pintar mojado sobre húmedo. La suavidad de la capa de pintura
depende en gran medida de cómo incluso tu capa de agua esté en primer lugar. Realmente ayuda mirarlo desde un ángulo. ¿ Ves ese glaseado? Eso es lo que quieres lograr. Estoy haciendo más o menos lo mismo con mi pintura, simplemente poniendo un trazo en el área húmeda del papel. ¿ Ves cómo se están emplumando los bordes? Continuando con el mismo tipo de trazos que antes. Si lo comparas con la versión húmeda sobre seca de esto, puedes ver claramente las diferencias, los bordes tienen tanta profundidad más definida. tanto que aquí la humedad sigue sacando la pintura,
provocando que los límites se apaguen . Estoy pintando unos cuantos más mojados en bloques secos para demostrar las diferencias al pintar una segunda capa, mientras que los dos primeros se secan. Veamos qué pasa si te acuestas usando la técnica húmeda sobre húmeda. Estoy pintando mi segunda capa antes de que la primera capa se seque. La pintura apenas se funde lentamente en el resto de la forma. También, ¿ves un punto de luz ahí dentro? Eso se debe a que la capa anterior no era un esmalte liso. Doy un poco más de tiempo para suavizar el siguiente. Esta vez, voy a demostrar pintar la segunda capa con un color diferente. Una vez más, se puede ver claramente los colores mezclándose, el azul moviéndose lentamente hacia la capa verde. Ahora, probemos esto en el lado húmedo en seco. El primer capa se ha secado completamente y estoy colocando algo de pintura en la segunda capa. Aguanta. Aquí hay otro consejo muy importante. Si bien mojadas sobre mojadas y mojadas sobre secas son ambas técnicas útiles, lo que no queremos usar es mojadas sobre húmedas. Nunca se quiere volver a entrar en papel húmedo y pintura. Enlosa a la gente y la pintura se seca luciendo mucho menos vibrante. El papel húmedo es un gran no para mí. Continuando, podemos ver que la segunda capa no se mezcla con la primera en este caso, la pintura sólo forma una capa separada con sus propios límites distintos. Sucede lo mismo incluso cuando intentamos usar un color diferente para esta segunda capa. El azul simplemente se sienta encima del verde, no se mezcla, solo se ocupa de su propio negocio. Déjame mostrarte una cosa más cool. Solo estoy usando agua clara para mojar una pequeña tira de área en el papel. Ahora tomo pintura y coloco un trazo diagonalmente a través de ella, para que quede parcialmente en las partes secas del papel y parcialmente en la parte húmeda. ¿ Ves lo que hace la humedad al mismo golpe aquí? Plumas hacia fuera sólo hasta los límites del agua. Este comportamiento no sólo contrasta las dos técnicas, sino que también se vuelve muy útil para nosotros en nuestros proyectos. Resumamos todas las diferencias que descubrimos entre húmedo sobre seco y húmedo sobre técnicas húmedas de pintura acuarela. En primer lugar, lo obvio, mojado sobre
seco requiere papel seco y mojado sobre húmedo pide que comience el papel mojado. Si bien pintar sobre papel seco nos deja con bordes bien definidos. Pintar sobre papel mojado da como resultado bordes que se plumas hacia fuera hacia las zonas húmedas. Por último, en el primer caso, la pintura prácticamente se queda donde la pones. tanto que, en este último, la pintura se mueve y se extiende hacia la humedad. ¿ Qué tal si ponemos todo este conocimiento que hemos adquirido en esta lección para usar y pintar una segunda capa sobre algunas de las formas de nuestra lección anterior? Toma un cepillo limpio, mojalo con un poco de agua limpia, y pon una capa de solo agua sobre este círculo. Estamos haciendo esto más o menos exactamente como manejamos la pintura, colocando una mancha y tirando de ella para extenderla. Ahora recoge algo de pintura en tu pincel y dobla ligeramente alrededor los límites de la forma y observa cómo la pintura se mezcla maravillosamente. Recuerda cómo la pintura no se va a apagar más allá de la zona húmeda. Esto viene muy bien aquí para que no tengas que
preocuparte por la pintura sangrando más allá de los contornos, siempre y cuando el agua no
lo haya hecho. Repita el mismo proceso de colocación de una capa de agua clara y luego doblaje en pintura. Mira cómo suavizo en esta hoja hacia fuera. Te voy a mostrar cómo hice eso en un rato. Cuando el exceso de agua forma charcos, vas a terminar con marcas secas raras. No es que siempre sea algo malo, pero afortunadamente para nosotros, hay una manera fácil de asegurarnos de que, eso no sucede cuando no queremos que lo haga. Aquí te dejamos algunas señales, cuando hay menos agua en el cepillo que en el papel, el agua se absorbe por el cepillo en cuanto toca el área húmeda. Utilizamos esto para agregar ventaja. Simplemente dobla el cepillo sobre un tejido seco para sacar el exceso de agua de él. Ahora como definitivamente hay más agua en el papel que en el pincel, se absorberá de inmediato, dejándonos con una capa uniforme de pintura. Usemos estas técnicas y consejos para agregar una capa
húmeda sobre húmeda sobre dos más de estas formas. Recuerda esforzarte por un esmalte de agua suave antes de doblaje de pintura y quitar cualquier charco con un cepillo de borde seco como te acabo de mostrar. Nuestro principal objetivo para hacer la segunda capa es intensificar los bordes de nuestras áreas pintadas y hacerlas pop más. Es por ello que en su mayoría estoy colocando la pintura en los bordes y dejando que se mezcle con el resto de las áreas. ¿ No fue eso una exploración emocionante? En la siguiente lección, nos divertiremos aún más mezclando colores. Nos vemos ahí.
7. Mezclar colores: Ahora que hemos conseguido un ahorcamiento de control de tablero y algunas técnicas importantes, vamos a subir este conocimiento una muesca al intentar el mismo ejercicio usando una mezcla de dos colores. Aprender a mezclar colores dentro y alrededor de los espacios nos ayudará a lograr un nuevo nivel de impresionante con nuestros proyectos de letras de espacio negativas. Al final de esta clase, quiero tocar ligeramente algunos conceptos básicos de la teoría del color para que puedas usar este conocimiento para evitar mezclas de color de agua fangosa. Por ahora, únete a mí mientras pinto algunas mezclas de colores. Entonces empiezo con los espacios positivos, lo que significa que pintaremos dentro las pinturas espaciales negativas que hicimos en los ejercicios anteriores. Estoy tirando una blob de pintura de mi primer color, que es un tono rosado llamado rosa permanente. Ya conoces el taladro, por favor pinta y tira de la blob húmeda alrededor para llenar el espacio. Agrega más pintura y repite. Sin embargo, esta vez no rellenaremos toda la forma. Basta con bajar la pintura a aproximadamente la mitad del área y deténgase para que podamos mezclar nuestro segundo color en el área restante. He escogido una hoja naranja profunda llamada tono rojo cadmio pálido para mezclarse con el rosa. Por lo que recojo la pintura naranja en mi pincel y la coloco donde me quedé con mi sección rosa. Coloca la blob naranja justo sobre la blob rosa, que aún está mojada y arrástrela. Entonces es básicamente igual que hemos estado rellenando nuestros pinceles con pintura de vez en cuando, solo que en este caso, estamos usando un color diferente y luego simplemente estamos suavizando suavemente nuestra capa de pintura. Eso es todo. Si bien pasamos a la siguiente forma, aquí hay algo en lo que pensar. Al pintar una mezcla como esta, necesitas tener una idea de qué tipo de gradiente estás tratando de lograr. En caso de la plaza, acabo de ir por un gradiente lineal de arriba a abajo. En este caso, estoy haciendo un gradiente diagonal. Por lo que mentalmente corté el círculo por
la mitad a través de la diagonal y colocando mi primer color en la parte superior izquierda sola. Después cambio a mi segundo color y lo mezcla en. Apenas estoy rematando el círculo yendo lentamente por encima de estos bordes para darles agradables y suaves. Ahora para la hoja, no estoy haciendo un gradiente definido, y eso también está bien. Una mezcla de color no significa necesariamente que tenga que ser un gradiente de color. Entonces en este caso, solo
estoy cambiando entre los colores donde quiera que me apetezca para obtener una mezcla aleatoria. Siempre guardo la forma en mente cuando hago esto sin embargo, así que no es del todo aleatorio. Al igual que en este caso, quiero que las puntas de la hoja sean de un color diferente al resto de ella, así que lo tengo en mente ya que estoy mezclando los dos colores. Vuelvo a hacer un lineal de arriba a abajo para el J. Empiezo con el naranja de arriba y me muevo hacia abajo. No obstante, empiezo el rosa desde la cola de la J y no desde el medio. Esto ayuda a mantener un rico y puro pensamiento rosado en la misma punta, pero está perfectamente bien hacerlo de cualquier manera. Yo diría que prueba ambos métodos y ve qué te gusta. Así es como se ve cuando está completamente seco. Observe esos bordes intensos y nítidos. Para mí, eso realmente le da un campeón único a las acuarelas pintadas a mano. Por lo que a continuación vamos a utilizar la sección superior de esto para pintar mezclas de acuarelas espaciales negativas. Aquí nuevamente, la única diferencia real está en la forma en que vemos la forma. Piensa en marco rectangular en lugar de la plaza interior. Vuelvo a hacer un gradiente diagonal, así que tengo que tenerlo constantemente en mente mientras
pinto y asegurarme de que mi mezcla de colores esté a lo largo de este ángulo. Cuando llego a algún lugar alrededor de las esquinas diagonalmente opuestas de la forma, cambio a la pintura rosa y continúo de la misma manera. Recuerda nuestro consejo para dejar una blob mojada para comprarnos algo de tiempo, seguir usando eso. Entonces ahora siento que las manchas naranjas iniciales se han secado bastante duramente y
quiero repasar esto otra vez para intentar arreglar eso y luego, añadir un poco más de rosa para mezclarlo. Para este, quiero hacer unos gradientes radiales, empezando por el rosa cerca del círculo y moviéndome hacia el naranja radialmente. Entonces pinta un anillo rosa alrededor del círculo e intenta ser lo más rápido que puedas con esto, porque necesitamos capitalizar la húmedez del anillo para ayudar a la mezcla tanto como sea posible y luego
entrar con el naranja y tirar del anillo rosa hacia fuera sección por sección para mezclarlo en la naranja que constantemente estás agregando. Si los caminos rosados comienzan a secarse, intenta reactivar la pintura pasándola muy suavemente con el pincel mientras pintas. Pero no exageres con esto porque puedes terminar dañando el papel. Por supuesto, está bien si eso sucede aquí ya que sólo estamos practicando. Con suficiente práctica, descubrirás cuánto es demasiado para estas cosas. Ya que el naranja parece estar tomando un poco, voy a entrar con un poco más de rosa justo al lado del círculo y volverlo a mezclar. Aquí también, quiero pintar rosa cerca de las hojas y mezclar en la naranja. Es esencialmente el mismo concepto que con el gradiente radial, solo que ahora la forma es irregular. Entonces voy a subdividir mi espacio en áreas más pequeñas para hacer lo mismo, cambiando entre los colores dentro de cada sección. Ahora bien, ¿por qué repasé las marcas de lápiz y destruí el espacio blanco aquí? Porque no cambié a un pincel de detalle no seas yo, a un pincel más pequeño para pintar puntos tan apretados. Lo estoy manteniendo simple con este y haciendo un gradiente lineal de arriba a abajo. Entonces ya sabes cómo hacer esto ahora. Tan solo ten en cuenta el costo de las esquinas por la J e intenta entrar ahí agradable y apretado. vistazo a esto, así es demasiada agua en la pintura que acabo de agregar. Esto puede suceder de vez en cuando y ya sabes arreglarlo. Recuerda el consejo de ciencia que te di antes, solo toca el pincel en un tejido seco y entra a empapar ese exceso de agua, luego sigue pintando como antes. Ahora, no estoy contento con cómo se secó esto, así que voy a repasar esto una vez más con una nueva capa. He comprobado y me he asegurado de que la primera capa esté completamente seca. Recuerda los peligros de pintar sobre papel húmedo, realidad pruébalo, diría. Para que puedas ver por ti mismo. De todos modos, vamos a terminar esta capa similar a como lo hicimos la capa uno. Ahora vamos a dar un chapuzón y la teoría del color océano. La teoría del color no es más que la ciencia de los colores. Nos interesa particularmente la rueda de color,
que es en lo que se basa la teoría del color. Entonces echemos un vistazo. En primer lugar, tenemos el rojo, amarillo y el azul, que se llaman los colores primarios. Se les llama así porque en teoría, todos los demás colores se pueden hacer usando combinaciones de estos tres colores. Además, cuando los tres se mezclan entre sí en proporciones iguales, se obtiene negro. Ahora, cuando mezclas rojo y amarillo, obtienes naranja, con amarillo y azul, te pones verde y con azul y rojo, obtienes morado. Estos son tus colores secundarios porque cada uno de ellos se hace mezclando dos colores primarios. Cuando mezclas el color primario con el secundario, obtienes tus colores terciarios. Es así como se forma una rueda de color básica. Los colores opuestos entre sí en la rueda de color se llaman colores complementarios, por lo que el rojo y el verde se complementan perfectamente entre sí, y también el amarillo y el morado, y el azul y el naranja. De igual manera, puedes encontrar el color de cortesía a cualquier color en la rueda de color. Estos colores tienen el mayor contraste entre ellos y pueden darte unas piezas muy vibrantes cuando se usan uno al lado del otro. Pero estos son también los colores con los que debes tener más cuidado, sobre todo si estás usando técnicas de mezcla con acuarela. Tomen por ejemplo, el amarillo y el morado. Sabemos que el morado es un producto de los colores primarios, rojo y azul, y el amarillo es el tercer color primario. También sabemos que mezclar los tres colores primarios da como resultado el negro. Dependiendo de la proporción y la intensidad de cada uno de estos colores, en realidad se
puede terminar con marones, grises u otros colores neutros en lugar de negro. Entonces, mientras que el amarillo y el morado se ven geniales uno al lado del otro, cuando se mezclan pueden resultar en un color neutro. Entonces si intentas mezclar amarillo y morado, la mezcla terminaría luciendo fangosa. En lugar del rosa y el naranja, si hubiera usado el amarillo y el morado para este ejercicio, todos los lugares donde interactuaron entre sí habrían acabado
luciendo fangosos por los colores neutros que mezclarán para formar. Puedes obtener esquemas de color realmente silenciados experimentar con la mezcla de colores complementarios, pero si vas por un esquema de colores vibrante, no
quieres destruirlo con mezclas fangosas. Yo quiero animarte a hacer una pequeña cantidad de estos colores de cortesía entre sí y ver por ti mismo. Es por ello que cuando elijo colores para una mezcla de acuarelas, trato de encontrar colores uno al lado del otro en la rueda de colores. Estos se llaman colores análogos. Por ejemplo, verde y azul, azul y morado, amarillo y verde, o como yo escogí para este ejercicio, rosa y naranja. Incluso puedes elegir más de dos colores que están cerca uno del otro en la rueda de colores y terminar creando mezclas de colores hermosas y vibrantes. Por lo tanto, refiérase a una rueda de color y experimente
un poco con estos y se encontrará descubriendo sus opciones de color de destino. Esto fue sólo para hacerte entender que el solo hecho de que dos colores se vean muy bien uno al lado del otro, no necesariamente significa que serán una buena opción para mezclar. Espero que esta lección te haya inspirado a jugar con colores. Nos reunamos en el siguiente video, donde te llevaré a través de algunos conceptos básicos de letras de mano para que empieces a eso.
8. Conceptos básicos de lettering: El mundo de las letras es un lugar tan hermoso al que llevarte. ¿ Estás listo para explorar esta emocionante forma de arte? En esta lección, te llevaré a través de algunos de los conceptos esenciales muy básicos de letras a mano. Específicamente hablando, me estoy centrando en la caligrafía completa, que creo que es uno de los enfoques más sencillos para principiantes. Si ya te gustan las letras, siéntete libre de hacerlo, utilizando los estilos y técnicas con las que estás familiarizado. Por el bien de nuestros proyectos, solo
necesitas poder trazar alrededor tus letras que creas en cualquier estilo que elijas. Si eres completamente o relativamente nuevo en letras a mano, hacer estos ejercicios conmigo definitivamente será beneficioso para que empieces. De verdad espero que esta lección te inspire a seguir escribiendo letras. Mencioné mi enfoque será en la caligrafía de imitación. Entonces, ¿qué es la caligrafía de imitación? Primero veamos qué
es la caligrafía y qué hace que las letras de mano sean diferentes de ella. caligrafía es el arte de la escritura hermosa. Por lo que podría estar utilizando herramientas específicamente destinadas a caligrafía como, plumas estilográficas, puntillas caligrafía, pinceles, bolígrafos de pincel, etc., para escribir letras en un estilo particular. Letras a mano es el arte de ilustrar letras a mano. Por lo que esencialmente estás dibujando las diferentes formas que crean cada letra en el estilo respectivo. Ahora, la caligrafía falsa básicamente significa caligrafía falsa. Se trata de una técnica de letras a mano, donde recrea el aspecto de la caligrafía, utilizando herramientas regulares como un lápiz o un bolígrafo. Entonces estás imitando el look final del trazo visto en caligrafía, pero no haciendo realmente esos trazos exactos. Déjame mostrarte lo que quiero decir con esto. Te voy a mostrar primero cómo haría alguna caligrafía con un marcador de pincel, para que luego pueda mostrarte cómo fingir. Aquí estoy usando un marcador de pincel de la marca Karin. Estoy escribiendo la palabra esperanza usando un marcador de pincel. Entonces esta soy yo haciendo alguna caligrafía de pincel, que es una forma de caligrafía usando un pincel o un marcador de pincel como herramienta de caligrafía. Observe cómo hay trazos tanto gruesos como delgados. Esta variación en el peso de línea se crea variando la presión que aplico al bolígrafo de pincel. Si observas esta palabra, puedes ver que esta variación no es aleatoria en absoluto. Hay una fórmula para hacer esto.Hay dos tipos básicos de trazos que componen cada letra. En un momento dado, o
voy hacia arriba o hacia abajo. Cuando subo, al stoke se le llama golpe ascendente, y al bajar, es un golpe descendente. Esto es un downstroke, y luego un upstroke. Un downstroke, un pequeño upstroke, un downstroke, y de nuevo, un upstroke. De igual manera, un golpe ascendente, una bajada y un pequeño golpe ascendente. ¿ Ya puedes ver la fórmula? Todos los gruesos son downstroke y todos los delgados son upstrokes. Por lo que los downstroke, son gruesos, y los upstrokes son delgadas.Este aquí mismo es el concepto más básico en caligrafía. Estos son algunos de los trazos básicos que estarás practicando, si estás aprendiendo caligrafía. Pero para la caligrafía completa, sólo
necesitamos imitar estos trazos, por lo que no necesitamos practicar la técnica. Pero primero, ¿por qué exactamente estamos tratando de imitar esta fórmula? Intentemos hacer lo contrario. Hagamos que nuestro upstroke sea grueso y bajistas delgados y veamos cómo se ve eso. A pesar de que esto parece una H, ¿no se ve raro? Estamos acostumbrados a ver que las letras se ven así. Por eso respondemos mejor a esto. Incluso cuando escribimos normalmente con un lápiz, hay una variación involuntaria en la presión, que también se alinea con nuestra fórmula. Entonces veamos cómo podemos recrear este efecto usando un lápiz. En lugar de hacer un trazo grueso, dibujamos el contorno de algo así como un rectángulo, y para el ascenso, es solo una línea. A ver cómo ni siquiera lo dibujé hacia arriba. Ahora intentemos escribir la misma palabra, esperanza, usando esta idea. En primer lugar, sólo lo escribimos con el mismo ancho de línea en todo. Posteriormente entraremos y engrosaremos los downstroke solos. Tampoco es necesario escribir todo el asunto en un solo movimiento continuo del lápiz. De hecho, ayuda a romper cada pocos golpes. A continuación, necesitamos tomar en las bajadas. Partimos desde el punto donde el golpe ascendente cambia a una carrera descendente y poco a poco aumentamos el grosor. Repetimos esto para todos los bajistas. Yo decido de qué lado espesarlo en base a donde hay más espacio. Es por ello que para el P engrosé el trazo en ambos lados. Ahora intentemos hacer algunas letras mayúsculas. Así es como normalmente escribirías un A. Así que upstroke, downstroke, y luego un trazo horizontal. trazos horizontales generalmente se mantienen delgados al igual que las pinceladas ascendentes. Entonces empieza como como normalmente escribirías. Entonces sólo espesar la bajada. Del mismo modo, puedes hacer un B también.Prueba esto con la letra que quieras. Probemos E. Basta con una bajada gruesa y tres trazos horizontales delgados. Ahora para algunas letras minúsculas, solo sigue el mismo concepto y sigue intentándolo. Pronto te pondrás el colgado de él. Permítanme darles un vistazo a los pasos que estaremos siguiendo para que nuestro lettering esté listo para nuestros proyectos. En primer lugar, como lo hicimos antes, sólo
dibujamos las letras de nuestra palabra con un lápiz y luego entramos y engrosamos y todos nuestros downstroke. Después pasaremos a un delineador fino y repasaremos todos los contornos. Esto es para que podamos verlos mejor mientras los trazamos en un
papel de acuarelas . A continuación, borre todas las marcas de lápiz. Puedes hacer la palabra completa en mayúsculas también si quieres, usando los mismos pasos. En ciertos casos, dependiendo de la escala de su obra, dejar los trazos ascendentes u horizontales como una sola línea delgada puede no funcionar. Definitivamente puedes hacerlas un poco más gruesas también. Tan solo asegúrate de que haya suficiente contraste entre las bajadas y las pinceladas ascendentes. Se aplica lo mismo, incluso si está utilizando letras de script en minúsculas. También puedes espesar ligeramente tu golpe ascendente si el tamaño de tu pieza final lo requiere. Entonces una vez que he engrosado todos los trazos a mi gusto, repaso los contornos con un delineador fino negro. Ahora borra las marcas de lápiz y ya estás listo para rastrearlo. Esta fue probablemente la lección de letras más rápida de la historia, ¿no? Solo quería presentarte muy brevemente un enfoque relativamente fácil para empezar a escribir letras, si no lo has probado previamente. Espero haberla desmitificado un poquito para ti. Sigue practicando diferentes palabras y pronto harás esto sin pensarlo mucho. Te veré en la siguiente lección, donde nos adentramos en las partes más emocionantes de esta clase.
9. Proyecto 1: bocetaje y disposición/composición/diseño: Sí, por fin estamos a punto de empezar en nuestro primer proyecto. ¿ Quién está emocionado? En esta lección, te llevaré a través de todos los detrás de escena de mi proceso de bocetos, incluyendo todo el juicio y error y todo el lío que eventualmente resulta en una pieza con la que estoy contento. Empecemos a escribir. He escogido la palabra sol para esta pieza y quiero que el estilo de conferencias y el estado de ánimo general de esta obra de arte transmitan todas las sensaciones felices
brillantes que la palabra sol me trae. Puedes seguir adelante e ir con mis opciones de estilo o darle tu propio giro. Te sugiero que con el tiempo, te construyas una biblioteca de estilos de letras para referirte a inspiración en Pinterest o Instagram u otras plataformas de tu elección. En primer lugar, necesito explorar algunas ideas de estilo de letras antes de acostarme a la. Empiezo probando una fina mezcla de letras mayúsculas y minúsculas y estoy pensando que esto se vería bien con un peso de línea uniforme en todo, algo así. Estoy probando otro estilo de tiras mono-line continuas con un toque lúdico caprichoso. Tengo ganas de dar hace retro con un estilo de guión cursivo. ¿ Qué tal lo mismo pero en ángulo? Lo que tengo en mente es que mi palabra se ponga dentro de un fondo de rayas coloridas. Simplemente estoy dibujando una pequeña versión en miniatura de mi visión inicial. Tiene que venir la palabra a algún lugar y me preguntaba que hay algunas líneas horizontales con este estilo que probablemente chocarían con las rayas. Estoy pensando que este ángulo aquí sería algo bueno de esa manera. Un buen contraste contra las rayas horizontales. Decidí explorar esas opciones un poco más. Pruebo una edición un poco floreciente para amplificar el retro. ¿ Y si hago algo parecido pero con más letras inflables? En realidad me gustan ambos pero estoy sintiendo el estilo retro un poco más que el inflable. A mí me gusta ese sentimiento de nostalgia que trae, ese es el uno. He dibujado un cuadrado de cinco por cinco pulgadas para que pueda hacer un boceto más refinado a escala para caber dentro del papel cuadrado de seis por seis pulgadas en el que planeo hacer esta pieza. También he marcado la línea central. Entonces estoy dibujando algunas líneas anguladas como guías para que mi texto se sienta dentro. Ahora, la palabra sol tiene ocho letras, así que cuatro a ambos lados de la línea central. Pero normalmente, ya que yo, es una carta mucho más delgada que las demás, compensaría eso y planearía desplazar el centro de la misma. No obstante, en este caso, no
estoy haciendo eso. Ya ves cómo el plano partiendo de la E, ocupa algo de espacio al final. Necesito dar cuenta de eso casi como una carta extra. Estoy manteniendo la línea central ya que es justo antes h normalmente trabajo desde el centro para dar mis textos centralizados. Empiezo dibujando el H. Utilizo mi regla de rejilla para ayudar a mantener similares los ángulos de todos mis trazos hacia abajo. Me doy cuenta de que necesito reducir la altura de mis letras para que las quepan bien en el espacio. Borro todo y desplaza
ligeramente mis directrices superiores hacia abajo y esbozo de nuevo mis letras. Ahora cambio hacia el lado izquierdo, de nuevo, partiendo desde el centro y trabajando hacia afuera. Constantemente estoy haciendo leves cambios en la colocación y los ángulos a medida que voy basándome en mi juicio de cómo se está uniendo el diseño. Tengo que repasar este s un par de veces para que se vea satisfactorio. Ahora, para el elemento floreciente, solo
estoy averiguando la forma a medida que voy. Eso me queda bastante bien pero creo que necesitamos un poco de algo en la parte superior para equilibrar el florecimiento en la parte inferior. Voy a meterme con mi h un poco.f Estoy probando algunas ideas para averiguarlo y refinando la forma a medida que voy. Ahora, siento que hay demasiado espacio vacío a la izquierda del H.
Necesito agregar algo que vaya con todo el estado de ánimo de la pieza tal vez un sol. Yo juego con esta idea durante algún tiempo averiguando dónde y cómo me gustaría que este elemento encajara con el resto de la maquetación. Ver de esta manera en particular, lo
puse en ese ángulo porque quería que fuera perfectamente paralelo a mi línea de base. Simplemente ayuda a traer equilibrio. Una vez que el esqueleto me queda lo suficientemente bien, entro y
tomé todos los golpes hacia abajo y redondeo algunos de los consejos para que todo se vea bonito y jugoso. Busco cada oportunidad que llego para hacer más correcciones que sienta que podrían ayudar. Oops, me acabo de dar cuenta de que dibujé una N en lugar de la h Está bien. Puedo volver más tarde y corregirlo. Quiero mantener constantes todos los anchos de línea en el sol. Yo sólo los engrosé ligeramente a todos. Voy sobre todo el contorno con mi fina línea negra arriba para que pueda llevar a borrar todas las marcas de lápiz y mantenerlo limpio y crujiente para rastrearlo. Ahí lo tenemos. Nuestro boceto ya está listo para ser transferido al papel de acuarela. Hago todo esto porque no quiero poner
mi papel de acuarela a través de este tanto ensayo y error. Yo quiero que las marcas de lápiz en él sean mínimas. Después tomo una foto del boceto usando la cámara en mi iPad Pro y utilizo una app gratuita llamada Lightbox Trace que efectivamente convierte mi iPad en una caja de luz. Ya había cortado mi papel de acuarela al cuadrado de seis por seis pulgadas que quería. Acabo de colocar el papel de acuarela en mi iPad y trazo el diseño con mi lápiz usando una presión muy suave. Queremos mantener las marcas de lápiz lo
más ligeras posible para que tengamos una pieza limpia al final. También he agregado en lápiz pautas para mis rayas usando líneas que están a media pulgada de distancia. En la siguiente lección, vamos a dar vida a este boceto a lápiz agregando algunos colores divertidos.
10. Proyecto 1: pintura: Ha llegado el momento de que recojamos nuestros pinceles y pongamos todos nuestros aprendizajes
de acuarela a utilizar en nuestra primera pieza de proyecto. Todo lo que hago en esta lección es alguna aplicación de lo que anteriormente hemos cubierto en otras lecciones. Por lo que quiero invitarlos a observar de cerca mientras pinto esta pieza. Siéntase libre de reducir la velocidad o acelerar este video como usted necesita también. Espero que estén listos con sus suministros para unirse a mí en este paseo. Tengo mi boceto listo de la lección anterior, y perdí hablar de la cinta de enmascaramiento. Por lo que he ido adelante y pegado todos los bordes de mi papel con una cinta enmascaradora de media pulgada de ancho. No pego el papel a mi mesa, quiero poder mover el papel a medida que pinto. Entonces todo lo que la cinta está haciendo aquí me está dando unos lindos bordes crujientes alrededor de las fronteras, y por supuesto, algún placer de remoción de cinta cuando termine. He sacado mis pinturas que necesito para esta pieza en los pozos de mezcla. Decidí hacer una historia de color rosa, amarillo, naranja con esto, perfectamente en línea con el estado de ánimo feliz del sol. Entonces aquí te dejamos algo del rosa, que es la forma llamada rosa permanente. Después he recogido un alegre, casi mango como sombra de naranja llamado tono naranja cadmio, que voy a seguir refiriendo como mango. El naranja que estoy usando es mayormente rojo cadmio tono pálido, mezclado con un poco de mi mango para alegrarlo, y el amarillo como tono amarillo cadmio. Estoy asignando colores a las rayas bastante aleatoriamente a medida que voy. Yo quiero empezar con un rosa primero. Pintar la primera raya en, igual que hicimos en nuestros ejercicios. Coloca una mancha húmeda y muévala para llenar la raya. No hay texto chocando con la primera raya, así que no hay nada que te impida rellenar fácilmente toda la raya. Sólo recuerda no tocar las marcas de lápiz mientras pintas. De igual manera, con la segunda raya, no
hay nada en tu camino. Voy con mi sombra mango para este y rellenando toda la raya. El tercero va a ser amarillo. Ahora aquí nos encontramos con nuestras primeras formas que necesitamos mantener blancas, o en otras palabras, pintar alrededor. Ya sabes hacer esto. Sólo tienes que ir con cuidado alrededor de las formas mientras pintas sin tocar los contornos, claro. Si bien el amarillo sigue mojado, estoy agregando en una línea de mango aquí porque quiero mantener las cosas más interesantes,
al hacer que parezca que la pintura de rayas
adyacentes se están sangrando entre sí en algunas áreas. Traté de llenar espacios continuos grandes primero, antes de entrar en los espacios cerrados más pequeños. Sé que mi siguiente raya va a ser de color rosa, así que agrego aquí un poco de rosa para el mismo efecto sangrante del que hablé, y luego llene el poquito restante aquí. Hago lo mismo con todas las franjas posteriores, llene primero las áreas más grandes, recorriendo
cuidadosamente todos nuestros elementos de letras. Recuerda cambiar a un pincel detallado a medida que los espacios se hacen más estrechos. Ahora bien, ¿por qué crees que decidí llenar de rayas nuestro espacio negativo? Bueno, las rayas coloridas siempre son divertidas de mirar, ¿no? Pero esa no es la única razón. Una, nos ayudan a enfocarnos en pintar de un color a la vez, así que no necesitamos preocuparnos demasiado por mezclar colores todavía. Dos, rompen el espacio negativo que de otra manera habría sido muy grande, ayudándote a evitar marcas de secado duras si trataras de llenar todo eso de una sola vez. Es bueno para nosotros pensar en estas cosas de antemano. A medida que hagas más piezas, descubrirás ideas para optimizar tu diseño de diferentes maneras como esta. La pintura negativa ya consume mucho tiempo y requiere mucha paciencia. No necesitamos hacerla aún más complicada para nosotros mismos. Voy a dejar que me observen pintar desde hace algún tiempo. Por favor disculpen mis muy curiosos mechones de cabello que quieren meterse en el marco de vez en cuando mientras pinto. Aquí te presentamos un error genuino para que aprendas. Accidentes como este pueden ocurrir con frecuencia durante la pintura en acuarela, y la mayoría de ellos son reparables. En este caso, estoy agregando una gota de agua sobre la mancha del accidente con un cepillo limpio, luego usar un pañuelo seco para tocarlo y empaparlo. Añado más agua y repito hasta que se vea lo suficientemente limpio. Lo más probable es que nunca se vea perfectamente limpio. Pero cuando se seque, será mucho más ligero, por lo que casi siempre puedes salirte con la tuya. Incluso puedes usar un bastoncillo de algodón en lugar de un tejido, especialmente en espacios más estrechos. El clave es no entrar en pánico y actuar con rapidez. Esa marca de lápiz donde hiciste toda esa corrección no está saliendo ahora ni nunca, pero eso es algo con lo que necesitamos vivir. Observe cómo estoy usando mi cepillo más pequeño para meterme en estos espacios diminutos, luego me paso a mi pincel detallado aún más pequeño a medida que los espacios se vuelven aún más apretados. Hemos atravesado todas las rayas y la pintura está seca. He ido adelante y borrado todas las marcas de lápiz. Si miras de cerca, puedes ver que algunos de los bordes no son lisos y algunos espacios diminutos se han dejado fuera. Ahora que los contornos del lápiz están fuera de la imagen, podemos acercarnos y personales con nuestros bordes sin enloquecernos por tocar las marcas del lápiz. Entonces vamos a sacarlos y llenar cualquier pequeño hueco. Pero por supuesto, solo después de la capa uno está completamente seca. Si solo pintamos cerca de los bordes y lo dejamos, vas a terminar con algunas líneas duras, que pueden ser antiestéticas. Por lo que hay que mezclar estos en los espacios más grandes para que luzcan más cohesivos. Básicamente es como hacer otra capa sobre todo el asunto. El tan esperado retiro profundo está aquí. A veces me pregunto si pinto con colores de agua sólo para hacer esto. Es tan satisfactorio ver, ¿no? Pero realmente haz esto solo después de que estés seguro de que tu pintura está completamente seca. Confía en mí, y ya terminamos. Enhorabuena por terminar tu primer proyecto conmigo. Estoy tan emocionado de ver tus creaciones. Así que ve a dar click a un BEC y subirlo de inmediato. Espero que hayan disfrutado tanto de este proyecto como yo. Nos reunamos en la siguiente clase donde comenzaremos con nuestro segundo proyecto.
11. Proyecto 2: bocetos y disposición/composición/diseño: El proyecto número dos ya está aquí. Una vez más, comenzamos con la fase de bocetos y lo vamos a hacer juntos justo desde decidir nuestro estilo de letras y llegar al diseño hasta tener un boceto refinado listo para ser transferido al papel de acuarela. Esta vez, la palabra que he escogido es destino y la quiero sentada dentro de una pequeña nube juguetona. Nuevamente, la obra final va a ser una plaza, lo que empiezo haciendo un boceto en miniatura. Quiero que mi texto se siente dentro de un trapezoide deformado de tipo para darle más energía. Empiezo escribiendo la palabra en cursiva y veo a dónde me lleva. Yo pruebo un par de florecimientos de la y y la t. No me gusta eso s continuando en el detalle t así que
voy a cambiar mi s y probar algunos otros florecimientos. Hago algunos más de estos bocetos en miniatura, tratando de hacer que las letras se vean más curvadas y hinchables. Bueno, entonces creo que las curvas de ese trapezoide necesitan ser un poco más dramáticas para darme el efecto y la dinámica pretendida en el lettering. Sí, definitivamente me gusta cómo esta y se está dando forma ahora. Estoy tomando la forma directamente de la t. Me gusta este para un inicio, así que estoy dibujando en la nube alrededor de ella para darnos un punto de partida para nuestro boceto más grande. Una vez más, he dibujado un cuadrado de cinco por cinco pulgadas en un pedazo de papel de impresora y tengo el boceto de miniatura a mi lado como referencia. En la miniatura, mi nube se desborda de las fronteras lo cual no es lo que quiero. Creo que es una buena idea empezar con la nube misma para conseguir una mejor colocación. Como puedes ver, estoy usando la miniatura como guía general para la forma de la nube y estoy dibujando en un montón de pequeñas curvas. Aquí te damos un consejo para estas nubes, no solo dibujes un montón de curvas que son similares entre sí. Para que parezca divertido y juguetón, mézclalo y sigue variando los tamaños de cada una de tus secciones curvas. ¿Ves la diferencia? Sigo ajustando la forma de mi nube hasta que creo que es lo suficientemente bueno por el momento. Entonces empiezo a establecer la línea de base para mis letras. Sigo yendo con esa forma trapezoidal porque realmente
quiero que esta pieza esté llena de energía. Yo quiero que la palabra destino se vea casi como si fuera a medio vuelo desde el cielo, así que marco guías para los ángulos de inicio y final. Entonces empiezo a poner mis cartas una por una. Necesito no sólo distribuir el espaciado de manera uniforme, sino también los ángulos en este caso. Estoy ocultando esto y distribuyendo mentalmente los ángulos a cada letra a medida que voy en base a las guías de inicio y fin que tengo en su lugar. No me gusta el ángulo de ese
yVe cómo no se ve equilibrado contra mi D. Así que sólo estoy ajustando eso hasta que se vea más simétrico. Estoy agregando un bonito travesaño curvilíneo a mi t. me encanta cuando tengo una t minúscula en mi palabra, sobre todo tan bien centrada, me da mucho espacio para que se vea todo soñador. Ahora, la D se ve demasiado básica contra todas las demás letras de fantasía, y definitivamente no hacemos básico, ¿verdad? Arreglemos eso. Ahora que en su mayoría estoy contento con un esqueleto de mis letras, voy a refinar un poco la nube haciendo pequeños ajustes para que todo se vea más equilibrado. Ahora entramos y engrosamos nuestros golpes hacia abajo. Ya sabes cómo funciona esto, así que simplemente adelante y diviértete con él. Por cada letra, miro mentalmente la cantidad de espacio a cada
lado y tomo decisiones sobre de qué lado quiero espesar mis trazos. Tengo ganas de agregar en dos curvas simples alrededor de la nube solo para equilibrar un poco mis florecimientos y traer algo más de ese elemento decorativo. Sí, eso me queda bastante bien. Ahora repasemos todos los contornos con un delineador fino negro. Entonces solo borra todas las marcas de lápiz y ya terminamos. ¿ Disfrutó construir este desde cero en este divertido boceto? En la siguiente lección, juntos nos
mezclaremos en unos hermosos azules y morados frescos dentro de nuestra nube y llevaremos la magia a este boceto. Nos vemos ahí.
12. Proyecto 2: pintura: Es hora de llevar nuestra nube a vivir con alguna vibrante mezcla de colores. Pongámoslo enseguida. Tengo mi transferencia de boceto al papel de acuarela, que una vez más es un cuadrado que mide seis por seis pulgadas. Ahora estamos listos para escoger unas pinturas y conseguir pintura. Tengo mi árbol mezclador, unos azules diferentes que he escogido. Esta de aquí es la sombra, azul intenso, esto es un poco de azul cobalto, y aquí arriba tengo algo de turquesa. Entonces también he elegido una forma morada llamada violeta dioxazina. Estas son las pinturas con las que voy a empezar, y luego veremos si necesitamos agregar o quitar algún color a medida que vamos. El modo en que imagino mi nube es con los bordes todos siendo intensos con morados y azules oscuros, y el centro siendo más cálido con ese chapoteo de turquesa. Ya he empezado en la esquina superior izquierda de la nube con un poco de morado. Estoy consiguiendo que la pintura sea bonita y cercana a los contornos de lápiz, pero definitivamente haciendo mi mejor esfuerzo para no tocarlas. Voy a recoger un azul intenso en mi pincel y tratar de mezclar el morado con él. El morado no estaba lo suficientemente mojado como para realmente mezclarse con el azul. Voy a entrar con un poco más de ese morado para ayudar a poner la mezcla. Ya ves cómo estoy usando la pieza más pequeña aquí a mi ventaja para romper el área más grande en trozos de tamaño más manejables para pintar a la vez. Siempre ten cuidado con las oportunidades para hacer esto. En lugar de detenerse en algún lugar al azar. Simplemente estoy arrastrando la intensa pintura azul hacia abajo un poco más y luego agregando un poco de azul cobalto a medida que me muevo hacia el centro. Después vuelvo al centro, esta vez, con un poco de turquesa, estoy cambiando a mi pincel de detalle para meterme en estos diminutos espacios. Seguimos haciendo esto hasta que se llene toda la nube. Para obtener el efecto completo de las letras espaciales negativas, es importante que mantengamos la nube luciendo lo más fluida posible. Incluso si hay elementos de letras que separan dos áreas, tenemos que tratar siempre de continuar con los colores de la zona adyacente. Por ejemplo, esta parte de aquí es morada. Cuando lleguemos aquí, que está esencialmente justo al lado, tenemos que asegurarnos de que empecemos por lo menos con algo morado ahí para que parezca un área continua. Además de mantenernos alejados de los contornos del lápiz, sólo
necesitamos tal vez, recordar el efecto general que estamos tratando de lograr. Como dije, mantener la continuidad es importante y
apegarse a la idea general del gradiente también es parte del factor de continuidad. En este caso, tenemos un gradiente radial, simplemente no exactamente una supuesta situación aquí. Escoge los pasadores en consecuencia en cada área, puedes darte algo de espacio para separarte del gradiente de vez en cuando para mantener las cosas más interesantes, pero no exageres o el gradiente puede ni siquiera ser evidente más. Recuerda los dos trazos que agregamos alrededor de la nube y el final de nuestra cara de bocetos. Acabo de borrar esas cajas de lápices y los estoy recreando con tenue tratando de variar ligeramente la onda de línea para darles un aspecto más dinámico. Ya ves cómo estos hermosos florecimientos se pierden porque terminaron fuera de la nube. Tengo una idea para intentar traerlos de vuelta a la imagen agregando dos curvas más, al
igual que las que hicimos ahora, justo al lado de los florecimientos. En efecto, a pesar de que no están exactamente en la pintura. Estas adiciones sugieren al espectador cómo los florece se cursan fuera de la nube. Nuestra primera capa está hecha. Ya me gusta cómo se ve esto, pero tenemos algo más de trabajo en esto para subirlo otra muesca. Una vez que la primera capa está completamente seca, borro todas las marcas de lápiz. Ahora podemos entrar y pintar una segunda capa sobre esto. Tenemos algunos incentivos para hacer esto. Una, queremos suavizar todos los bordes sin preocuparte por tocar las marcas de lápiz, al tiempo que también hacen que los bordes se vean más definidos. Dos, el espacio negativo sale más contra un espacio positivo intenso. Otra capa hará que los colores sean más vibrantes e intensos y a su vez tengan las letras destaquen aún más. Tres, esta es una oportunidad para que
disminuyamos la apariencia de cualquier marca de secado ásperas. Pero vamos a mantener esta capa ligera, con más pintura acuosa, para que no perdamos mucho de esos preciosos efectos de mezcla de color. Trata de mantener los colores en mezcla a similares a la primera capa a medida que vas por encima de cada área. Ahora estas áreas se ven lo suficientemente intensas y tienen unos bellos efectos de mezcla, así que no voy a tocarlas, sólo
estoy continuando con el resto. Este va a ser nuestro último paso. Si hay alguna pieza y el espacio negativo donde terminaste pintando por error, tienes esta oportunidad de arreglarlo usando un bolígrafo blanco. Yo uso una varilla de gelatina. Voy a entrar y sólo corrigiendo las pequeñas curvas y la S así. Trata de no confiar demasiado en esto, porque si miras lo suficientemente cerca, no
puedes ver estas marcas de bolígrafo. Vea esto como nada más que un último recurso. Ahí lo tenemos. Una nube caprichosa juguetona con nuestras letras de espacio negativas sentadas muy bien dentro de ella, y eso nos lleva al final de esta clase. ¿ Te sientes consumado? Hay un último video con mis pensamientos finales, vamos a encontrarnos ahí para nuestras tomas de licencia.
13. Reflexiones finales: Felicidades por completar esta clase sobre letras de espacio negativas con acuarelas. Muchas gracias por hacer esto conmigo. Fue una alegría enseñarte. Espero que te hayas divertido tanto haciendo nuestros ejercicios y proyectos de clase. Yo quiero ver todo el hermoso trabajo que esta clase te inspira a crear incluso en el futuro. Hazme etiquetar en tus publicaciones de Instagram para que pueda verlas. En realidad son tanto para explorar. Esta fue en su mayoría una clase introductoria y aspiro
crear clases más avanzadas sobre este tema en el futuro. No sígueme aquí en Skillshare para que se te notifique de inmediato cuando publique una nueva clase. Si disfrutaste de esta clase, por favor deja una reseña y difunda la voz con tus amigos y familiares. Gracias otra vez. Nos vemos la próxima vez.
