Las seis etapas de la ilustración: cómo guiar a tus clientes a través de tu arte

1. Avance: Esta es probablemente la clase más aburrida que voy a enseñar, pero también es el tema más importante para cualquier ilustrador que quiera ganarse la vida haciendo su arte. Estoy hablando del proceso de ilustrar para los clientes. Una cosa es poder hacer un gran arte, pero es otra cosa para poder hacer esto en nombre de otras personas. Uno de mis héroes, Christoph Niemann dijo una vez: “Confiar en el arte y la rutina es mucho menos sexy que ser un genio artístico. Pero es una excelente estrategia para no volverse locos”. Esta clase es mi intento de darte tal estrategia. Mi nombre es Tom Froese, y soy ilustrador y maestro de primer nivel aquí en Skillshare, donde he ayudado a más de 100 mil estudiantes a desbloquear el mundo de la ilustración comercial. Si bien todos vienen con su propia forma de ilustrar, sea que con pintura o píxeles, hay algunas etapas comunes por las que casi pasamos sobre todo cuando se trabaja comercialmente para pagar a los clientes. Si estás trabajando como ilustrador ahora o planificando en él, esta clase identifica y sistematiza estas etapas para que puedas fluir a través de ellas más hábilmente con tus clientes. Si quieres hacer el trabajo que amas o hacer felices a tus clientes, hice esta clase para ti. Si quieres aprender a configurar cada trabajo para el éxito y verlos hasta el final, hasta el punto en que te pagan, quédete porque hice esta clase para ti. Basado en mis casi dos décadas de experiencia trabajando para cientos de clientes en todo el mundo, incluyendo Yahoo, Airbnb, y GQ France, esta clase te da un sistema, un marco organizado para hacer tu trabajo y mantenerlo en buen camino. Como parte del sistema, no solo aprenderás a explotar los retos de ser creativos bajo demanda, también tendrás acceso a recursos exclusivos que te levantarán y corriendo de inmediato, incluyendo mi sistema de archivo propietario y plantilla de mazo de presentación, e incluso un mapa ilustrado del proceso. Como ilustradores, no solo hacemos fotos bonitas, llevamos a nuestros clientes a través del desierto de nuestra creatividad. Es sólo conociendo nuestro propio camino a través de este desierto que podemos llevar a otros a través de él con seguridad y confianza al otro lado. Esta clase es la combinación de años de vagar por el desierto, tratando de responder a la pregunta, tratando de responder a la pregunta, ¿cómo puedo dirigir mejor a los demás a través mi propio proceso de ilustración? Ahora, estoy emocionado de compartir por fin lo que he encontrado contigo. Te veré en clase. [ MÚSICA] 2. Acerca de esta clase: [ MÚSICA] Esta clase es para cualquier persona que quiera aprender más sobre cómo ilustrar para pagar a los clientes. Podrías ser un ilustrador experimentado en busca de formas de hacer que tu proceso sea más eficiente, o podrías ser un principiante que busca aprender sobre cómo funciona todo el negocio de la ilustración comercial. Bueno, hay todo tipo de clases y libros sobre la industria de la ilustración y cómo empezar en el negocio del arte comercial. Sorprendentemente son pocos los recursos que den a los artistas una manera clara de dar paso a sus clientes a través de su propio proceso creativo. No hay casi ninguno que lo haga con un enfoque en maximizar su tasa de éxito en obtener su mejor trabajo aprobado con tan pocos hipo en el camino. Quiero cambiar eso. Muchas de las ideas que comparto en esta clase en realidad no son de trabajar como ilustrador freelance, sino de ser diseñador y director de arte tanto en agencias de publicidad más pequeñas como en grandes. Trabajando como parte de equipos enteros, pude ver cómo se lideran los proyectos creativos profesionales . También me metió en trabajar con clientes que eran mucho más grandes de lo que hubiera podido conseguir por mi cuenta en ese momento como freelancer. Presté especial atención a cómo se enmarcaron los problemas creativos en el breve, cómo se desarrollaron y presentaron las ideas, y cómo se manejó la retroalimentación de los clientes , y en algunos casos, mal manejo. Creo que traer estas ideas a mi práctica como ilustradora freelance me ha hecho más exitoso. Muy pocos ilustradores tienen la oportunidad de empezar como diseñador trabajando para clientes más grandes como este, así que estoy emocionado de compartir lo que he aprendido con ustedes ahora. Así es como funciona esta clase. En primer lugar, pasaremos por algunos conceptos básicos y herramientas que son fundamentales para el proceso que uso y enseño. A continuación, pasaremos por cada una de las seis etapas del proceso de ilustración incluyendo el abordaje, la comprensión, la ideación, la realización, la entrega y el cierre. Al final de la clase, te enviaré en un ejercicio de reflexión guiada que te ayudará a comprender mejor la base de lo que haces, lo que quieres hacer y el valor que tú proporcionar a sus clientes como ilustrador. Ahora, sólo para que quede claro, esto no es una clase de negocios en el sentido apropiado. No vamos a profundizar en temas como precios o gestión de proyectos. Esto es más de una clase de estrategia. Se trata de cómo estructurar tu propio proceso creativo para que puedas guiar a los clientes a través de él con más claridad y confianza. Esta clase fue fundada en la creencia de que hacemos más que simplemente hacer arte para nuestros clientes. Para realmente hacer nuestro trabajo, tenemos que dirigir proactivamente a nuestros clientes a través del proceso de llegar allí. No existe tal cosa como un mal cliente. Existe tal cosa como un proceso creativo mal guiado. La mayor parte del conflicto que tenemos con nuestros clientes proviene de un fracaso por nuestra parte para conducirlos a través de lo que hacemos. La creatividad es un desierto y es nuestro trabajo guiar a nuestros clientes a través de él. Esta clase es un mapa a través de ese desierto. Agarra un café, un cuaderno y un lápiz, y asiéntate para una inmersión profunda, porque esta va a ser un doozy. Vamos. [MÚSICA] 3. El proceso: Cuando te embarcas en un viaje, necesitas un mapa. Un mapa te muestra el laico de la tierra y un camino a través de ella. No garantiza que lo logres, ni te dice exactamente qué aventuras tendrás en el camino, pero ciertamente hace que el viaje sea más predecible. El proceso de ilustrar para los clientes es siempre diferente. Diferentes clientes, diferentes problemas a resolver, diferentes momentos en tu vida, pero las etapas y pasos por los que atraviesas son siempre los mismos. Es como viajar por el mismo estado, pasar por las mismas ciudades, ver los mismos lugares de interés, tomar el mismo camino, pero cada vez que vas es diferente. Diferentes personas, clima diferente, diferentes estaciones, y tal vez cada viaje tiene un propósito diferente. Pero volvamos a dar un círculo a esa palabra predecible. Esa no es una palabra que nos gustaría asociar con lo que hacemos como creativos, pero es exactamente lo que necesitamos para ser profesionalmente creativos. Por supuesto, no queremos hacer un trabajo predecible, y la buena noticia es que no tenemos que hacerlo, y te recomiendo encarecidamente que intentes no hacerlo. La paradoja de la creatividad profesional es que para producir resultados impredecibles de manera confiable, necesitamos confiar en un proceso altamente predecible. Es este proceso que me gustaría mostrarte ahora. Yo lo llamo el proceso 6S porque tiene seis etapas. 6S también suena mucho a éxito, y eso es un gran chiste de papá justo ahí, broma hilarante. Echemos un vistazo a las etapas generales del proceso 6S. He identificado estas etapas generales y organizado sus respectivos pasos con base en muchos años en este negocio. A pesar de que todos tienen su propia toma única en estos pasos, creo que todos son comunes a mayoría de los ilustradores y en cierta medida, también a los diseñadores, y son los siguientes: incorporación, comprensión, ideación, realización, entrega y cierre. Veamos cada etapa ahora justo en el alto nivel. La primera etapa es la incorporación. incorporación es el proceso de asumir un nuevo cliente y determinar la naturaleza general del proyecto. incorporación comienza cuando el cliente llega por primera vez con una consulta y termina cuando oficialmente te llevas el uno al otro y arranca el proyecto. pasos clave en esta etapa incluyen el breve, la cotización, y el arranque, junto con tratar cualquier contrato u otro trámite necesario para establecer la relación. La siguiente etapa es la comprensión. La comprensión es una etapa en la que tú como ilustrador trabajas para entender todo lo que puedas y necesitas sobre el tema de la ilustración. La primera parte de la etapa es investigación donde se obtiene más de una comprensión mental de su sujeto y las necesidades del proyecto. La segunda parte son estudios, donde se utiliza el dibujo a partir de referencias para obtener más de una comprensión visual del tema. La siguiente etapa es la ideación. ideación es una etapa en la que realmente empezamos a llegar a ideas o soluciones al problema creativo tal y como se define en el breve. La ideación comienza con bocetos ásperos donde esencialmente estás minando para ideas, luego se mueve hacia bocetos refinados donde seleccionas tu mejor idea y mejorarás aún más en ellos. El escenario de ideación es el primer punto del proceso donde presentarás tu trabajo al cliente. Su cliente tendrá la oportunidad de ver los bocetos, realizar selecciones cuando sea necesario, ofrecer comentarios y solicitar cambios. El escenario de ideación termina cuando el cliente ha aprobado el boceto o bocetos para que usted tome en la ilustración terminada. La siguiente etapa es la realización. El escenario de realización es el segundo punto del proceso donde se presenta su trabajo al cliente. En esta ocasión el cliente tiene la oportunidad de ver la ilustración terminada, ofrecer algunos comentarios, y solicitar cambios menores si es necesario. El escenario de realización termina cuando el cliente ha aprobado la obra terminada para que empieces a prepararse para la entrega final. En esta etapa, el cliente ve la obra terminada pero no recibe ningún archivo, para eso es el siguiente paso. La siguiente etapa es la entrega. La entrega es una etapa en la que se preparan los archivos de ilustraciones para su uso final y los envía al cliente. Aquí pasas algún tiempo asegurándote de que la obra esté libre de errores y fácil usar y que todas las capas correctas estén incluidas si se solicita. Por último, se envía el archivo al cliente. Se está cerrando la última etapa. El cierre es una etapa en la que se envía la factura final al cliente y se le paga. En esta etapa, también puedes aprovechar la oportunidad archivar tu carpeta de proyecto para su custodia. Bueno, nada en el escenario es esencial para hacer tu trabajo como ilustrador, es importante para asegurarte de que te paguen, y también es un ritual que vale la pena marcar el final de un trabajo bien hecho. Ahora por todo lo que hablar de mapas, quería darte un mapa real del proceso. He incluido esto como un PDF descargable e imprimible en la página de proyectos y recursos de clase. Para los interesados el mapa también está disponible para su compra como impresión, para conocer más visita tomfroese.com/processmap. Ahora solo una nota antes de seguir adelante, la forma en que he nombrado estas etapas no son términos estándar de la industria. Sólo son categorías útiles que se han convertido en mi propia nomenclatura personal. Al hablar con tus clientes, especialmente directores de arte y diseñadores de la industria creativa, habrá más familiarizado con términos como bocetos breves, bocetos de arranque o rughs, y finales o arte terminado, y a veces lo llamarán obras de arte coloreadas. Digo esto para que no sientas la necesidad de hablar de la etapa de realización con tu cliente que tal vez no esté familiarizado con mi terminología inventada. 4. Las herramientas: [ MÚSICA] No se necesita mucho para ser ilustrador. Aparte de la renta y de nuestro equipo digital o medios físicos, no hace falta que haya mucha sobrecarga. En esta clase, vamos a suponer que sabes qué herramientas necesitas para hacer tu arte. Las herramientas de las que hablaremos aquí están directamente relacionadas con el proceso 6s esbozado en la clase. Aunque es posible que encuentres que necesitas algo más que estas herramientas. Estos son lo que considero lo esencial de los huesos desnudos. Las herramientas de las que hablaré en este video incluyen el mazo, el sistema de presentación, el software de facturación y el intercambio de archivos en la nube. Ahora vamos a pasar por todos y un poco de detalle. El primer instrumento es el sistema de presentación. Un sistema de archivo es cómo estructuramos nuestros archivos y carpetas en nuestros discos duros. Esto puede parecer algo extraño incluir como herramienta en esta clase. Pero como ilustradores, acumulamos bastantes archivos a lo largo de la vida de un proyecto, y tienen que ir a algún lugar. Un sistema de presentación nos ayuda a mantenernos organizados ayudándonos a saber nombrar y almacenar diferentes tipos de archivos como plantillas, contratos, imágenes de referencia, y por supuesto nuestros bocetos y archivos de ilustraciones. Los archivos más importantes de los que querrás hacer un seguimiento son los que estarás produciendo y presentando para tu cliente. Eso incluye bocetos y obras de arte final. Por lo menos, debes tener un sistema para nombrar tus archivos de trabajo y seguimiento de las versiones o revisiones que envías a tu cliente. Es posible que tenga un sistema de presentación que funcione bien para usted ya. Si tan grande. No quiero decirte que tengo un mejor sistema de presentación que tú. No obstante, si eres como yo cuando comenzaba preguntándome cómo un profesional organiza sus expedientes, te estoy dando mi propio sistema de presentación para empezar. Eres libre de usarlo y construir sobre él como quieras. Estará disponible para ti como archivo zip descargable en la sección de proyectos y recursos de clase de esta clase. Mi sistema de presentación es solo un conjunto prefabricado de carpetas anidadas su mayoría nombradas y organizadas por los pasos de mi proceso. También incluye una plantilla de InDesign para presentar bocetos e ilustraciones finales. Es súper útil tener un sistema de archivo organizado como este mientras trabajas en un proyecto, es aún más útil cuando tienes que encontrar un archivo antiguo por alguna razón, tener todos tus archivos organizado exactamente de la misma manera cada vez que hace que sea mucho más fácil encontrar archivos antiguos años en el futuro. La siguiente herramienta es el Deck. Cuando los profesionales comparten su trabajo creativo con sus clientes, lo presentan en una baraja. Un deck es básicamente un formato de presentación de diapositivas para presentar nuestros bocetos y arte terminado a nuestros clientes. En mi proceso, el deck es la única herramienta más importante a la hora de incluir al cliente en tu proceso creativo. Una cubierta enmarca mi trabajo en una luz profesional. Me da la oportunidad de explicar el trabajo y me ayuda a hacer un seguimiento de las revisiones. Sé que muchos ilustradores prefieren enviar su trabajo como archivos adjuntos de correo electrónico sueltos a sus clientes. Pero no creo que sea una muy buena idea. Ya sea que esté compartiendo bocetos o una ilustración terminada, quiero que mi cliente perciba la obra como importante y que requiera toda su atención porque es y lo hace. Por el contrario, si tuviera que enviar mis ideas como apegos sueltos, mi cliente puede tener la impresión de que las dibujé muy rápido en una servilleta o algo así. En consecuencia, pueden pasar menos tiempo con y prestar menos atención al trabajo. Tendremos la oportunidad de mirar más de cerca la baraja comenzando en la Fase 3, ideación. También he incluido una plantilla de escritorio simple en la sección de proyectos y recursos de clase, que eres libre de usar y adaptarte a tus propias necesidades. La siguiente herramienta es el software de facturación. El software de facturación es una app o un servicio que permite crear, enviar y rastrear cotizaciones y facturas. He incluido el software de facturación como herramienta clave porque cotizaciones y facturas bookend todo el proceso. Si bien esta clase no se trata de cómo valorar tu trabajo, hablaré sobre cómo usar software de facturación para comunicar alcance y costo al principio y asegurarme de que te paguen al final del proyecto. Personalmente, he estado usando Harvest como mi aplicación de facturación y parece hacer el trabajo muy bien. Pero realmente cualquier aplicación o software de facturación hoy servirá. La siguiente herramienta es Compartir en la nube. Cloud Sharing se utiliza para compartir archivos como enlaces en lugar de enviar los archivos reales por correo electrónico, utiliza una pieza simple de tecnología e inmediatamente elevarse por encima de muchos otros ilustradores. Como saben, no recomiendo enviar su trabajo como archivos adjuntos de correo electrónico sueltos, sino más bien presentarlo en una baraja. Pero eso también significa evitar enviar sus mazos ellos mismos como archivos adjuntos de correo electrónico. lugar, sube tu presentación y tus archivos de ilustración finales a un servicio de intercambio de archivos en la nube como Dropbox o WeTransfer. Entonces solo manda a tu cliente el enlace de descarga. Tanto para el software de facturación como para compartir en la nube, he incluido algunas sugerencias en la sección de proyectos y recursos de clase. Pero realmente se puede ir con cualquier servicio que desee siempre cuando proporcione las funciones descritas en esta clase. Ahora que estás familiarizado con estas herramientas, podrás seguir más fácilmente cuando mencioné a lo largo de la clase. [ MÚSICA] 5. La base (conoce tu arte): Administrar el proceso de ilustración comercial significa guiar a tus clientes con confianza de un paso a otro mientras haces lo tuyo. Esa cosa que haces, este es tu arte. Para guiar a tus clientes a través de tu arte, necesitas saber qué es ese arte. Para mí, conocer tu arte significa saber qué haces, cómo lo haces y también significa cosas como saber por qué quieres hacerlo y para quién. Bueno, este podría ser el tema de toda una clase. Quería tocar rápidamente esto ya que es fundamental para todo lo demás que harás en el trabajo de tu cliente. El fundamento de conocer tu arte cae bajo lo que yo llamo los 3V, tu virtuosismo, tu visión y tu valor. Vamos a pasar por cada uno. virtuosismo se define como una gran habilidad en una búsqueda artística. Absolutamente, como ilustradores, deberíamos convertirnos en maestros en lo que hacemos. Eso no significa ser artistas maestros en el sentido académico pasado de moda. Quiero decir, sea lo que sea que hagas, deberías ser singularmente muy bueno en ello. Esto significa saber lo que haces, de qué eres un maestro, y saber cómo lo haces de una manera confiable. ¿ Qué es lo que haces bien? ¿ O qué aspiras a hacer bien? ¿ Cuál es tu cosa única? ¿ Cuál es el estilo o visión o una perspectiva para la que quieres que otros reconozcan y te contraten? ¿ Cuáles son las herramientas y técnicas específicas que usas para hacer lo que haces? ¿ Cuáles son tan importantes para tu arte que sin ellos todo lo demás se desmorona? Estas preguntas son importantes porque te ayudan a saber cuáles son los límites de tu trabajo. Al conocer tu virtuosismo, sabes exactamente cómo hacer lo que te han contratado. También sabes mejor cómo identificar a los clientes que quizá no estén acudiendo a ti por estas fortalezas, lo que te puede ayudar a evitar trabajos problemáticos antes de que comiencen. En una nota más positiva, conocer tu virtuosismo te ayuda a saber con qué tienes que trabajar. Estas son las herramientas y limitaciones que puedes usar para resolver los problemas de tus clientes. Estos son los que te hacen único y ojalá lo que otros esperan de ti. Ahora hablemos de tu visión. Como emprendedor creativo, eres un negocio. Todos los negocios tienen declaraciones de visión. Tener una declaración de visión puede parecer cursi, pero es un elemento fundacional su identidad y sentido de propósito como ilustrador. Para mí, conocer tu visión significa saber lo que quieres. Esto engloba todo sobre lo que haces como ilustrador. ¿ Por qué eres ilustradora? ¿ Qué quieres hacer con él? ¿ Para quién quieres ilustrar? ¿ Qué tipo de ilustración quieres hacer? ¿ Qué influencia quieres tener en tu audiencia? ¿ Quién te imaginas que podría ser tu público? Cuando conozcas tu visión, puedes tomar mejores decisiones sobre qué tipo de proyectos perseguirás y asumirás. Te hace más fácil comercializarte cuando sabes qué tipo de trabajo quieres hacer y para quién puedes enfocarte más en hacer ese tipo de trabajo y apelar a ese tipo de clientes. Tu visión debe ser fuerte, pero eso no significa que deba ser estática. Como humano, estás evolucionando todo el tiempo. Tu idea de lo que es digno de persecución cambiará a medida que aprendas y crezcas. Tener una visión fuerte simplemente significa que en este momento, ya sabes lo que quieres o lo que quieres más que otras cosas. Regularmente pasar por las preguntas describí aquí te ayudará a construir una visión fuerte y dinámica para ti como ilustrador profesional. El último V aquí es su valor. Cuando hablo de conocer tu valor, me refiero al valor que aportas a tus clientes. ¿ Qué es lo único de ti que no pueden obtener de otro ilustrador? Tanto de tu valor se deriva de los aspectos más técnicos y estéticos de tu virtuosismo. Pero gran parte de ella también depende de tus habilidades blandas. ¿ Quién eres? ¿Con qué te gusta trabajar? ¿ Cuál es tu perspectiva? ¿ Qué tipo de pensamiento trae a la mesa tu resolución de problemas ? En otras palabras, ¿qué te hace valioso como parte del equipo de tu cliente? Ser fácil trabajar con podría ser valioso, pero tal vez estar seguro y dispuesto a ofrecer una opinión fuerte, incluso cuando no sea fácil educar es valioso para sus clientes. A lo mejor te encanta trabajar en plazos cortos y trabajar toda la noche. A lo mejor eres súper reservado y misterioso, pero siempre emerges a tiempo con una solución sorprendente y agradable. El valor que quieres aportar a tus clientes se basa en gran medida en quién eres y en lo que ves como tus fortalezas únicas. Cada uno de nosotros es nuestro propio paquete de habilidades duras y blandas. Y esto es mejor para algunos proyectos y clientes y no tan grande para otros. Al considerar qué valor aportas, puedes preguntar, ¿cuáles son tus habilidades blandas? Aparte de tu arte, ¿qué aprecia la gente de trabajar contigo? Cuál es tu experiencia o experiencia única fuera del mundo del arte que te convierte un ilustrador de valor único. He llamado a este video la fundación porque conocer tu arte está verdaderamente en la base de todo lo demás que imparto en esta clase. Es tan importante, lamento no poder enseñar esto más plenamente y no poder enseñarlo primero antes de tomar esta clase. Pero como escribí esta clase, se hizo cada vez más evidente para mí que verdaderamente montar un proyecto para el éxito y mantenerlo en marcha realmente comienza con esta fundación. Al final de esta clase para el proyecto, te enviaré fuera de una serie de preguntas guiadas que te ayudarán a conocer mejor tu arte. 6. Etapa 1: incorporación: incorporación es el proceso de primero asumir un nuevo cliente y determinar el propósito en detalle de lo que va a estar trabajando. Eso significa definir el problema visual que te están contratando para resolver con tu arte. incorporación comienza cuando el cliente llega por primera vez con una consulta y termina cuando oficialmente te llevas el uno al otro y arranca el proyecto. El objetivo de esta etapa es ganar el proyecto y configurarlo para el mejor resultado posible. Los pasos de esta etapa incluyen el primer contacto, el breve, la cotización, y el arranque. Para el final de esta etapa, se debe tener un breve proyecto una cotización aceptada, un acuerdo, o contrato de algún tipo, por lo general sólo trabajo esto en mi cotización y un horario que se esbozan fechas clave para revisión y entrega final. Ahora vamos a pasar por cada paso del proceso. El primer paso es la consulta del cliente. Cada proyecto comienza cuando un cliente potencial te comunica normalmente por correo electrónico para ver si estás disponible e interesado en un trabajo. Las consultas pueden ser muy cortas y al grano, y otras pueden ser un poco más enrevesadas pero por lo general implican alguna descripción de alto nivel del trabajo y preguntando si te interesa y disponible para el puesto de trabajo. A menudo se te pedirá que des una tarifa o una cotización de ballpark también, pero trataremos esto por separado. Las consultas de los clientes pueden venir en muchas formas diferentes pero una muy típica podría verse así. Estoy viendo un correo electrónico que viene de un cliente ficticio para una revista ficticia. Se llama Ashley y ella escribe: “Hola Tom, soy el Director de Arte de la revista Crypto Today y tengo un trabajo que te podría interesar. Necesitamos una página completa y cuatro spots para un artículo llamado The Cult of Crypto que explora los fundamentos religiosos de la criptocultura. Se vence cerca de fin de mes. Contamos con un presupuesto de $1500. ¿ Eres capaz de asumir esto?” En este ejemplo, la consulta del cliente es corta y dulce. El cliente da una descripción sencilla del trabajo, para qué sirve, e incluso incluye un plazo y un presupuesto. Este es un comienzo decente pero sí necesito saber más antes de decir sí al trabajo. Antes que nada, me pregunto si creo que el proyecto es interesante. Si no me interesa y no me hambre por el trabajo, podría pasar. ¿ Qué podría hacer interesante un proyecto para mí? Aquí hay algunas preguntas que me hago, ¿es la tarea de alguna manera interesante para mí? Por ejemplo, ¿me gusta el tema? O es el formato en este ejemplo, ilustración editorial, algo de lo que quiero hacer más? ¿ Quiero trabajar con este cliente? ¿ Están alineados con mis valores o un buen nombre para tener en mi CV? Otra pregunta que podría hacer es, ¿tengo tiempo para asumir el proyecto, o va a comprometer mis compromisos y prioridades actuales ? Otra pregunta que podría hacer es, ¿es el presupuesto seductor o al menos justo? Y por último, ¿ creará el proyecto nuevas oportunidades? Ojalá pueda encontrar algo que me interese personalmente sobre el proyecto. Por supuesto, si el proyecto tiene un presupuesto atractivo, eso por sí solo podría ser más importante que los intereses personales. Podría estar interesado en casi cualquier cosa si el dinero es bueno. Dicho esto, en su mayoría me aseguro de que creo que el proyecto es realmente interesante porque eso es lo que me hará mucho más fácil entrar en el proyecto. Pero el dinero también importa. He dejado ir muchos trabajos súper interesantes porque el presupuesto era demasiado bajo. Solo porque una empresa parezca genial o realmente creo en el proyecto, no significa que me dé un golpe en la tarifa. Podría pero tengo mis límites. Por supuesto, independientemente de lo interesante o bien remunerado que sea el trabajo, necesitaré un cierto mínimo de tiempo para poder hacerlo. Muchos empleos se filtran en esta etapa porque la línea de tiempo es demasiado agresiva sobre todo dado el presupuesto. Este ejemplo es agradable porque conseguimos un presupuesto. Pero a veces no se le dará un presupuesto sino que se le pida que proporcione una cotización. Esto es especialmente cierto para las agencias de anuncios y muchos clientes editoriales conocidos. Ya sea que consigas un presupuesto o no, en este punto donde el cliente llega primero, esencialmente te están preguntando si estás disponible e interesado. Por lo general, la respuesta debe ser un rotundo, “Depende”. Por supuesto, no lo digas así. Se puede mostrar interés inicial y profesionalismo diciendo: “Esto me parece interesante pero me gustaría saber un poco más para asegurarme de poder tomarlo”. En este punto, usted ha iniciado el proceso de reunión informativa que es el siguiente paso. Ahora a lo largo de esta clase, te estaré ofreciendo algunos de mis consejos más importantes. Asesoramiento es solo eso, puedes hacer lo que quieras pero estos son principios clave que acaso en mi propia práctica. Son lo suficientemente importantes como para que necesito llamarles reglas. Aquí está el primero. Regla. Nunca te comprometas con las incógnitas. Cuando obtienes un breve, tienes derecho a enterarte todo lo que puedas sobre el trabajo antes de decirle que sí y antes de enviar una cotización. Asegúrate de tener un breve adecuado y una cotización aceptada para aprender todo lo que puedas y asegúrate saber exactamente en qué te estás metiendo. El siguiente paso es el breve. Sesión informativa es el proceso de estar plenamente informado y preparado para el trabajo que se avecina. Cuando te interesa y quieres saber más sobre un proyecto, puedes pasar a la etapa de briefing. Esto es cuando te das cuenta de lo que necesita el cliente y cómo encajas en la imagen. En diseño e ilustración, un breve creativo describe el quién, qué, por qué, dónde y cuándo de un proyecto. Es una definición de alto nivel de cuál es el problema creativo y cuáles son los entregables a su alrededor. Un breve debe contarte todo lo que necesitas saber sobre el precio, horario, y todo lo demás que necesites para comenzar con el trabajo creativo. A veces un breve viene del cliente en un solo documento o en un solo correo electrónico pero más a menudo, un breve es una conversación de ida y vuelta hasta lo que se te está pidiendo que hagas exactamente y por qué queda claro. Como líder de tu proceso creativo, aquí es donde tienes la oportunidad de empezar a construir la confianza de tu cliente. Al preguntarles sobre los detalles de su solicitud, muestra que se presta atención a los detalles. Cuando haces preguntas de esta manera, tu cliente tiene la oportunidad de pensar realmente en lo que quiere y necesita, y es probable que aprecien este valor agregado. Dependerá de usted asegurarse de que tenga todo lo que necesita saber sobre lo que se le pide que haga, y por extensión lo que se le pide que pague el precio en una cotización. Casi siempre hay algo que no sabes con certeza, algo que te gustaría saber, algún bit vital de información que aún no te han dado. El breve es tu oportunidad para pedirlo. En nuestro ejemplo para nuestro cliente ficticio de la revista criptográfica, te mostraré cómo respondería y las preguntas que haría. En mi respuesta a Ashley, digo: “Gracias por tu correo electrónico. Esto se ve súper interesante. Sólo tengo algunas preguntas para asegurarme de saber si puedo aceptarlo. Estoy feliz de subir a una llamada si eso es más fácil para ti. La primera pregunta que hago es”, ¿De qué se trata la página completa en spots? ¿Qué están destinados a llamar específicamente?” Siempre ayuda saber a un alto nivel por parte de mi director de arte o cliente cuál es su opinión sobre qué se trata. Otra pregunta que hice es : “¿Puede usted por favor enviarme el artículo o titular?” Muy a menudo un cliente editorial te enviará el artículo o te darán alguna sinopsis del artículo pero si no lo hacen, debes preguntar. “ ¿Tienes dirección artística específica para la pieza?” El enfoque que quieren tomar conceptualmente, nunca duele hacer esta pregunta tampoco. Otra pregunta muy importante a hacer es, ¿cuáles son las dimensiones de cada ilustración? Nunca empiezo un proyecto o ni siquiera cito un proyecto a menos que sepa los tamaños específicos de las ilustraciones que se supone que debo estar entregando. Una cosa con la ilustración editorial es tus ilustraciones suelen estar sentadas en el mismo diseño que las letras y titulares y cosas así. Pregunto, ¿necesitará la página completa para dar cabida a las letras o titulares? Sobre todo con la página completa, si está ocupando toda la página, tal vez quieran tener alguna redacción ahí también. Necesitas preguntar estas cosas antes de tiempo para que puedas asegurarte de que la ilustración pueda acomodar eso. Otra pregunta a hacer aquí sería, serán las manchas rectangulares o flotarán en el espacio? Mucho del tiempo, las ilustraciones puntuales solo flotan en el espacio y no tienen como un borde cuadrado duro. Hay más como espacio en blanco detrás de ellos, pero a veces solo quieres asegurarte aclarar con el director de arte si esas ilustraciones spot se llenarán derecho a las fronteras de el espacio rectángulo en el que caben. Por último, y esta es en realidad una pregunta súper importante que debes hacer con cada cliente es, ¿ eres capaz de citar ejemplos de otro trabajo que te hizo pensar en mí? Esta es una pregunta importante que hacer, sobre todo si no estás seguro lo que podrían estar esperando de ti en términos de estilo. Entonces solo cierro el correo electrónico y digo: “Una vez que tenga más claridad en esto, puedo confirmar mi disponibilidad”. Para más sobre qué hacer en un breve, he incluido una serie de preguntas que hacer en el momento de la sesión informativa, incluyendo cosas que absolutamente debes saber antes de decir sí a un trabajo en la sección de proyectos y recursos de la clase. Al final de la etapa informativa, debe tener respuestas claras a estas preguntas idealmente en algún lugar por escrito. Quiero subrayar lo importante que es conseguir un breve minucioso abajo en esta etapa y no ser demasiado casual al respecto. Uno de los mayores puntos dolorosos a la hora ilustrar para los clientes es cuando parece que el cliente sigue cambiando las cosas a medida que avanza. A lo mejor el poste de la portería sigue cambiando en bocetos o casi terminas la obra final y el cliente cambia las dimensiones. Esto me ha pasado muchas veces. Para saber a qué apuntar en su trabajo, necesario encerrar en un objetivo. El breve es donde usted y el cliente ambos están de acuerdo en este objetivo. En el juego de bolos, hay que golpear varios alfileres rodando una bola pesada en ellos. Del mismo modo que hay múltiples pines para derribar, a menudo hay múltiples objetivos para que te golpees metafóricamente en un trabajo. ¿ Te imaginas si los alfileres seguían moviéndose al final del carril mientras apuntabas tu tiro? Esos alfileres deben permanecer puestos para que tengas una oportunidad justa de golpearlos. El siguiente paso aquí es la cotización y el contrato. Una vez que tengas un breve en su lugar y sepas con más certeza lo que te están pidiendo que hagas y que quieres hacerlo, puedes pasar a la etapa de cotización. Una cotización es una estimación de cuánto costará su producto o servicio. Citar puede no parecer necesario si se le da un presupuesto de su cliente, pero aún vale la pena configurar uno y que el cliente lo acepte porque esto te da la oportunidad poner el precio por escrito. Más importante aún, te da la oportunidad de declarar lo que está incluido para este precio, y por extensión, lo que no está incluido. Es decir, junto con el breve, una cotización te ayuda a definir el alcance del proyecto. Volviendo a la analogía de los bolos, mientras que el breve es como los alfileres que configuraste como tu objetivo, la cotización establece las barandillas que mantienen la pelota fuera de la canaleta. Ahora solo una nota sobre precios. Junto con el tema de cotizaciones viene toda la lata de gusanos de ¿cómo calificas tu trabajo? En esta clase, estamos tomando una visión de nivel superior de cómo dar un paso a través de un proyecto creativo y mantenerlo en buen camino, por lo que solo realmente estaremos rascando la superficie en el tema de la fijación de precios. Aquí, me gustaría centrarme más en cómo la cita encaja en el flujo general del proyecto. Hay recursos disponibles para valorar tu trabajo, y dejaré enlaces en la sección de proyectos y recursos de clase para que empieces. Al hablar de la propia cotización, una cotización siempre debe ser específica. Por ejemplo, en lugar de decir una ilustración de cierto tamaño costará X cantidad, debes elaborar. ¿ Qué tan rápido lo quiere el cliente? ¿ Cuánto detalle entrará en él? ¿ Cómo se va a utilizar? ¿ Cuántos bocetos espera ver el cliente al principio? ¿ Y si el cliente quiere la misma ilustración pero en dos opciones de color? Si bien no puedes dar cuenta de cada posibilidad, puedes escribir exactamente lo que se incluiría en una posibilidad específica. Realmente una cotización es sólo una reafirmación más precisa del breve. Probablemente ayude ver una cotización en lugar de solo escucharme hablar de ello así que voy a abrir sólo una de mis cotizaciones aquí, y lo hice en Harvest, pero vamos a echar un vistazo a algunos de los detalles. Solo mirando mi cotización aquí, tengo todas las cosas estándar que cualquier cotización va a tener. va a tener a ti y tu dirección, información de contacto. Va a tener para quién es la cotización, por lo que su cliente justo en la parte superior. Tiene un tema y, en este caso, es de página completa y spots. Entonces por supuesto tengo aquí una pequeña sección llamada Cotización ID, y para ti, podría ser como un número uno, y un número dos, número tres. Tengo un esquema de nomenclatura más fantasioso para eso. Entonces tengo la fecha de emisión. Realmente, esta parte superior es casi justo como un correo electrónico o un membrete y luego abajo es donde realmente nos metemos en el yo de una cotización, y ahí es donde empiezas a enumerar exactamente lo que tú 're proveyendo y por cuánto. Básicamente, tenemos una descripción reiterando lo que yo y el director de arte platicamos en la etapa de briefing y simplemente poniéndolo aquí por escrito. Ilustración editorial, describo para qué sirve y de los entregables de los que hablo no solo de lo que estoy haciendo sino de lo que estoy haciendo en el camino. Eso incluye 2-3 bocetos o conceptos por ilustración. Entonces por supuesto estoy entregando una ilustración de página completa y luego solo tengo las dimensiones que acordamos, y luego cuatro ilustraciones spot, y también hago una mención de qué el formato y la resolución del archivo será, sólo para que quede claro. He tenido casos en los que he suministrado archivos de Photoshop porque eso es en lo que trabajo y la gente esperaba Vector, y quieres asegurarte de que abordes eso justo en la parte superior aquí y no manera más tarde una vez que hayas hecho la obra de arte. Entonces también bastante importante es solo tener algunos plazos, aunque sean plazos sueltos. Yo sólo digo que los bocetos se vencen a finales del día 11 de febrero, las finales deben terminar el día 18 de febrero en este caso. Entonces por supuesto, el monto y los impuestos, todas esas cosas estándar. Ahora en la descripción, tengo cuidado de decir, “Ver términos y condiciones para revisiones y horarios de tarifas”. Vamos a meternos en esto en un poco, pero aquí abajo en la parte inferior de la cotización, tengo toda esta sección aquí donde delineo los detalles básicamente de cómo funciona esto. ¿ Qué es una revisión? ¿ Cuántos obtienes? Cosas así. Vamos a hablar de eso en un poco, pero estoy seguro de incluir esto en mis cotizaciones. Para mí, la cotización no es sólo una lista de precios o un número sino un contrato. Una cotización esboza lo que va a proporcionar y por cuánto. También establece lo que se incluye en el camino, incluyendo cuántos conceptos únicos proporcionarás para cada ilustración, cuántas rondas de revisiones permites en las etapas de boceto y final y qué formato de archivo que entregarás al final. En mi cotización, también esbozo el calendario, si es posible, y definitivamente incluyo un horario de tarifas y si hay o no una cuota de matanza, y sí, definitivamente debes incluir una cuota de matanza. Otra cosa que construyo en mis cotizaciones es una descripción de usos y una declaración de derechos de autor. A menos que el cliente solicite específicamente y haya negociado una tarifa más alta, siempre debe mantener los derechos de autor en su trabajo. No hice esto. La mayor parte de lo que aprendí sobre precios y qué incluir en mi cotización y cómo palabra mi sección de términos y acuerdos, aprendí en el Manual del Gremio de Artistas Gráficos. Esta es una guía súper práctica para cualquier persona que quiera saber su camino alrededor del negocio de la ilustración o el diseño. Sólo tiene páginas y páginas de información sobre esto. Lo bueno de esta guía es que tiene estas tablas específicas donde habla escenarios muy específicos como tú estás creando este tipo de ilustración para este tipo de cliente, y es va a costar dentro de este rango de precios. Otra cosa interesante de esta guía es que no solo tiene esas listas de precios. También tiene toda esta sección en la parte posterior con estas formas de ejemplo y acuerdos y contratos y cosas así. Gran parte de la redacción que he elegido incluir en mis términos y condiciones, he tomado de estos ejemplos. Se llama Manual del Gremio de Artistas Gráficos a Precios y Lineamientos Éticos. Es un bocado, algunas personas simplemente lo llaman The GAG Guide, pero sí, super servicial. Te recomiendo encarecidamente que recojas uno de estos. Solía tener un contrato separado para que mi cliente firmara pero ahora solo lo incluí en la sección de términos y condiciones de mi cotización. Para ser honesto, estoy seguro que hay una forma más oficial de hacer esto pero para mis propósitos funciona. Esto no es asesoría legal, te animo a que hagas tu propia investigación para ver qué funciona mejor para ti. Para más información sobre citar y algunos ejemplos, por favor consulte los enlaces en la página de proyectos y recursos como siempre. Ahora solo una nota más sobre cotizaciones antes de pasar al siguiente paso, igual que el breve, la cita debe verse como una conversación. Si el cliente no proporcionó un presupuesto y pide presupuesto, pregunte por lo que quieras. Si el cliente muerde, entonces genial. De no ser así, entonces regresen y pregunten si tenían un presupuesto que les funcionara mejor. Negociar un precio no significa que tengas que proporcionar el mismo valor por menos costo, puedes negociar eliminando funciones o ajustando expectativas en la línea de tiempo o entrega. Es posible que hayas escuchado el adagio, por bueno, rápido o barato, solo puedes escoger dos, no puedes tener los tres. Ojalá nunca dejes bien para la negociación pero a veces se puede mover alrededor de qué tan rápido y por cuánto. El escenario de cotización termina cuando el cliente acepta tu cotización. El modo en que hago para obtener una aprobación en mi cotización se basa en cómo funciona mi aplicación de facturación. En Harvest, después de configurar mi cotización, envío al cliente dentro de la app. El cliente recibe un correo electrónico con un enlace a la cotización como página web. En esta página hay un gran botón viejo que dice, Aceptar Cotización. Cuando envío la cotización, siempre escribo una pequeña nota personal diciendo algo así como, “Si la cotización se ve bien para ti por favor asegúrate golpear “Aceptar” en la cotización web. En la sección términos y condiciones de mis cotizaciones, incluyo un poco que diga, “Al aceptar esta cotización, usted acepta lo siguiente”, y así sé que el cliente ha aceptado mi cotizar. El cliente debe tener una forma de aceptar la cotización de una manera que equivale a firmar a mano. Al hacerles presionar el botón Aceptar, este documento es la prueba de que aceptan los términos y condiciones de la cotización. Si prefieres una firma de mano, en realidad no es una mala idea. Nuevamente, nada de esto es asesoría legal, solo te estoy mostrando lo que hago en mi propia práctica. Por último, la última etapa aquí es el arranque. Una vez que tienes una breve y una cotización aceptada, el trabajo es más o menos tuyo. Puedes simplemente saltar al trabajo real en este punto, pero creo que es agradable solo registrarte una última vez antes de ir hacia adelante para asegurarte de que el trabajo se sienta como algo real, eso es lo que llamo kickoff. Kickoff puede ser tan sencillo como una nota para decir gracias y estás emocionado de trabajar con ellos. También es una oportunidad solo para afianzar la línea de tiempo del proyecto, estableciendo fechas más concretas para entregables o puntos de contacto específicos. En el proceso, los puntos de contacto incluyen los tiempos que mi cliente verá los bocetos, el arte terminado, y luego finalmente los archivos de obra terminados. El trabajo que estoy compartiendo con el cliente es siempre un entregable terminado. Cuando trabajamos en la línea de tiempo, evito el lenguaje como check-ins porque no creo que sea creativamente productivo mostrar el trabajo de mediados de proceso. Esto realmente podría arrojar fuera del proceso ya que el trabajo de ilustración en curso puede parecer alarmantemente malo incluso para nosotros mismos mientras lo estamos logrando. Si el cliente pide un check-in, haga ese check-in la primera vez que verá un boceto de usted. Vamos a meternos más en esto en la etapa de ideación. Pero por ahora mi punto principal es, quieres tener un horario que sea muy sencillo y elegante, por lo que tienes menos fechas para planificar y menos posibilidades de perder la noción de retroalimentación. En el arranque, primer horario en estos tres puntos de contacto generales : primera mirada a bocetos, primera mirada al arte terminado, y entrega final de archivos. Me gusta decir primera mirada porque puede haber segunda y tercera miradas después, pero programar cada posibilidad se complica. A continuación, asegúrese de dar suficiente tiempo entre cada uno de estos puntos de contacto para que el cliente dé comentarios cuidadosamente y que usted implemente cuidadosamente los cambios en sus propias revisiones. Por lo general, eso significa al menos un día de respuesta para los comentarios de los clientes y otros 1-2 días para que usted dé la vuelta a las revisiones. También me gusta programar al menos 1-2 días dependiendo de la complejidad del proyecto tras la aprobación final para limpiar los archivos antes de entregarlos al cliente. Solo un consejo, retroalimentación y revisiones son fáciles perder la noción de si no se gestiona correctamente. Deberías evitar que los comentarios vengan de forma parcial o que provengan de varias personas a través múltiples correos electrónicos o llamadas. Para evitar confusiones y abrumar, siempre requiero retroalimentación para venir a través de un solo contacto y que se reúna en un solo documento organizado. Lo comunico en los términos y condiciones de la cotización. Una gran manera de hacer que un proyecto se sienta real es creando una carpeta de proyecto. Anteriormente, te presenté a mi sistema de presentación de seis S y ahora es el momento de empezar a ponerlo a usar. El sistema de presentación es sólo la estructura de carpetas anidadas nombradas y ordenadas por las etapas y pasos de este proceso. Siempre tengo un sistema de archivo en blanco o ficticio en mi disco duro listo para duplicar y dar un nuevo nombre con cada proyecto. Digamos que he puesto en marcha este trabajo para esta revista ficticia, Crypto Today. Nombraría mi carpeta de esta manera. Aquí solo tengo mi carpeta ficticia y tiene un nombre genérico. Lo siguiente que quiero hacer es simplemente duplicar eso, siempre quiero mantener mi carpeta ficticia sola solo para que siempre esté disponible, pero quiero duplicarla y luego empezar a darle un nombre único. Doy a mis proyectos estos nombres de gobbledygook, pero hay un poco de razón para esto. Las primeras cuatro letras es el nombre del cliente por lo que en este caso es Crypto Today, y acabo de poner a CRYP como la pequeña taquigrafía para eso. Entonces la fecha sería febrero 2022, y eso le da una bonita forma clara de identificar cuando hice este proyecto. Entonces le doy un pequeño número de serie, sólo un solo dígito, acaso Crypto Today vuelve a mí en el mismo mes para otro proyecto separado. Simplemente crearía una carpeta con el mismo código exacto pero solo incrementaría ese número de serie a dos. Por supuesto, pongo aquí el nombre del cliente, Crypto Today, y solo diremos ilustraciones. El gobbledygook de 11 caracteres es el código del proyecto y luego lo sigo con una descripción básica del proyecto. Para obtener más información sobre cómo ideo códigos de proyecto y nombre mis carpetas, he incluido algunas notas con el sistema de presentación, Archivo Zip, incluido en la página de recursos de clase. 7. Etapa 2: comprensión: [ MÚSICA] Ahora que has integrado a tu cliente y arrancó oficialmente el proyecto, se acabó para ti ilustrador. El momento en que arranca un proyecto puede ser intimidante para los ilustradores más nuevos. Ya que la gran pregunta es, ¿qué haces a continuación? Quizás lo más natural que puede hacer podría ser recoger un lápiz o incluso saltar directamente a Procreate o Illustrator y empezar a elaborar ideas. Pero antes de siquiera pensar en dibujar o ilustrar algo, primero hay que sentar las bases de comprensión. De eso se trata la etapa de comprensión. Entender es la etapa de aprender todo lo que puedas sobre el proyecto para que puedas hacer tu trabajo correctamente. Este proceso incluye algunas investigaciones básicas y recopilación de imágenes de referencia, sin embargo, mucho que necesitas para entender adecuadamente tu tema. En el proceso 6S, esta etapa también incluye estudios, lo que significa dibujar a partir de sus imágenes de referencia. Cualquiera que haya tomado mis otras clases lo sabrá como modo de observación o bocetos en modo O. El objetivo de la etapa de comprensión es conocer todo lo que necesites para ilustrar atentamente tu tema. Este entendimiento es tanto a nivel intelectual como visual. Esta etapa comienza con algunas investigaciones primarias básicas y luego se traslada a estudios visuales, o lo que a veces llamo O mode sketching. Al final de la etapa, habrás reunido notas y documentación de tu investigación primaria, así como algunas imágenes de referencia. Por supuesto, también tendrás bocetos O mode, basados en tus imágenes de referencia. En la etapa de comprensión, el primer paso es la investigación. La investigación para ilustradores es bastante básica. No estamos hablando de investigación académica, sino de llegar a un lugar donde entiendes de lo que se supone que debes ilustrar. Para demostrar la parte investigadora de esta etapa, digamos que estamos trabajando en una ilustración para un cliente editorial. En un típico proyecto de ilustración editorial, investigación realmente comenzará con el borrador del artículo del director de arte. El artículo suele venir como documento de texto con el título y cuerpo principal del texto, aunque puede ser en forma de borrador, es decir, el título y la redacción exacta del contenido pueden cambiar antes publicación. No obstante, debería ser suficiente para que usted obtenga ideas de. En este ejemplo, su primer paso debe ser leer y entender el texto, y también encontrar algo interesante al respecto. No todos los artículos editoriales son exactamente fascinantes. Cuando consigo un artículo sin embargo, leí a través de él un par de veces, con cada pase teniendo un enfoque diferente. La primera lectura es sólo para conocer el artículo, así que lo leí sin otro objetivo que simplemente superarlo. La segunda lectura es averiguar de qué se trata realmente el artículo. Esta vez tengo un lápiz o bolígrafo en la mano y subrayar lo que me destaque como interesante, sobre todo como cualquier cosa que me dé una fuerte señal visual. En este punto, me doy cuenta de que en realidad no sé tanto como pensaba sobre el tema, así que podría ir y hacer alguna investigación adicional. Por ejemplo, si el artículo trata sobre la inversión criptográfica, podría tener que hacer algunas investigaciones adicionales para saber qué significan términos como alcista o niños pequeños. Lo bueno es que no tienes que ser un experto en algo para poder ilustrarlo. De hecho, cuando lees algo como un extraño total, el proceso de aprender al respecto te hará mejor ilustrarlo. Puedes ponerte en la piel del lector promedio y por lo tanto saber cuál podría ser la forma más comprensible de comunicarse al respecto. Después de entender el texto y sacar algunas ideas clave, el siguiente paso será comenzar a buscar imágenes de referencia. El propósito de este paso es construir una biblioteca visual de su tema. Aquí, solo estás buscando imágenes en la web y guardarlas en una carpeta de tu computadora. En el ejemplo anterior, el artículo trata sobre la inversión criptográfica. Este es un tema muy abstracto, por lo que necesitarás algún tipo de punto de entrada visual. ¿ Cuáles son los símbolos y visuales que podrían ser significativos dentro de este tema? Específicamente, ¿cómo se ve la criptografía? Dado que el cripto no tiene forma física real, vas a ver una gran cantidad de imágenes que fusionan moneda y tropos digitales o electrónicos. Eso significa muchas monedas de oro con motivos de circuito. ¿ Qué otras imágenes existen dentro de este tema o la cultura que lo rodea? ¿ Quiénes son las personas en este espacio y cómo se ven? ¿ Cuáles son las metáforas en las que puedes dibujar como alcista? Sea cual sea lo visual que piense que podría necesitar hacer referencia, búscalo y guárdelo en su carpeta de imágenes de referencia. También estar al pendiente de nuevos posibles visuales a medida que avanza. Ese es otro beneficio de hacer este paso de investigación de imagen. Ahora, cuando buscas imágenes de referencia, no estás buscando una solución a tu problema de ilustración. Probablemente no vas a encontrar un concepto completo listo para ir en tu búsqueda. En cambio solo estás buscando imágenes de referencia, y en un momento, nos pondremos más en lo que harás con ellas. Para guiar esta investigación de imágenes, me parece que ayuda escribir primero una lista de palabras clave y luego usar esto como base de mi investigación primaria. Sólo puedo pasar por estas palabras una por una. Una vez que he encontrado imágenes para cada palabra clave, puedo pasar al siguiente paso. Ahora, sólo una advertencia amistosa. El Internet está lleno de clichés y visualizaciones altamente inimaginativas para cada tema. Al mirar las criptomonedas, rápidamente descubrirás que la gente no ha podido imaginar más que monedas con varios símbolos de criptomoneda en ellas rodeados de motivos digitales. Si bien es posible que necesites incluir algo como esto para que tu arte tenga sentido para el lector promedio, tu trabajo es presionar por algo que de alguna manera sea extra. ¿ Cómo se puede empujar a los clichés en algo más inteligente o darles más personalidad? ¿ O cómo puedes girar las viejas ideas de una manera nueva? ¿ Qué nuevas conexiones se pueden crear entre las ideas específicas del artículo y los motivos comunes del sujeto? investigación podría tardar 15 minutos de leer los materiales suministrados y reunir un puñado de imágenes de referencia, o podría tardar un día entero perderse por los agujeros de conejo, ya que descubres un nuevo tema, y te encuentras bastante interesado en el proceso de aprendizaje. ¿ Cómo sabes cuándo terminas de investigar? Usualmente reservo medio día para la investigación y la recopilación de imágenes. Sabré que he terminado ya sea cuando se acabó el tiempo o cuando he encontrado imágenes para toda mi lista de palabras clave o hasta que esté cansado de investigar. El siguiente paso son los estudios visuales. Para los artistas, los estudios son dibujos realizados para la práctica o como experimento. Pero en mi proceso, los estudios tienen un propósito más apuntado. En algunas de mis clases, llamo a este boceto observacional o modo O. Es un esbozo que hago antes de empezar a tratar de llegar a ideas reales. En los bocetos del modo O, pasamos por nuestras imágenes de referencia recogidas y dibujamos lo que vemos. No se nos viene con ideas, solo dibujando lo que hay en la página. Ni siquiera necesariamente estamos tratando de dibujar bien estos. A menudo basta con dibujar algo rápido y mal, siempre y cuando este acto nos haga ver el tema más cerca y retener algo de su forma en nuestra memoria. A veces me refiero a esto como descargar información visual a nuestros cerebros. Posteriormente, cuando empecemos a buscar ideas en la etapa de ideación, tendremos un repertorio de formas visuales relacionadas con nuestro tema, fresco en nuestra memoria. Esto hace que sea mucho más fácil llegar a ideas en ese momento. tanto, en esta etapa, la presión está apagada, pero al mismo tiempo tenemos este sentido de que estamos avanzando haciendo un trabajo real, y este sentido de progreso es enorme en impidiéndonos sentirnos atascados. Para los bocetos o estudios de modo O, solo paso por tantas de mis imágenes de referencia como sea posible. Trato de no pensar demasiado al respecto. A medida que aprendes esta habilidad y lo haces unas cuantas veces, te haces mejor al elegir imágenes en tu investigación inicial y recopilación de imágenes y obtienes una sensación para cuáles necesitas prestar más atención a en sus estudios. Cuando sientes que has empacado tu cerebro con suficiente información visual o te has quedado sin tiempo, es hora de pasar a la siguiente etapa, la ideación. Usualmente establezco un límite de tiempo para los estudios visuales de una hora a media jornada, dependiendo de lo mucho que sienta que necesito. Regla. No compartas bocetos del modo O con tu cliente. Estos bocetos son solo para ti. Si bien en realidad te puede gustar cómo se ven y puede terminar usándolos en tus bocetos ideacionales en el siguiente paso, lo más probable es que sean solo un escalón. En esta etapa, es posible que quieras compartirlas con el cliente para hacerles saber que estás en el trabajo, sobre todo si lo piden. Pero si muestras a tu cliente O mode sketches, el riesgo es que les respondan como si los hubieras querido decir como un concepto real. Tal vez les guste mucho y se atasquen en ellos, lo que haría más difícil para ti desarrollar ideas más interesantes y únicas. O por otro lado, podrían pensar que son bastante malos y se preocupan, es lo mejor que puedes hacer. De cualquier manera, mostrar bocetos O mode al cliente conlleva el riesgo de perder el control del proceso creativo en esta etapa anterior. Espera hasta el final de la siguiente etapa, ideación, para mostrar cualquier cosa con tu cliente. [ MÚSICA] 8. Etapa 3: idea: [ MÚSICA] Ahora que te has calentado desde la etapa de comprensión, te sentirás mucho más preparado para llegar a ideas reales, que es exactamente para lo que es la etapa de ideación. ideación es el proceso de llegar a soluciones reales al problema visual del cliente. Para los ilustradores, eso significa llegar a conceptos en forma de bocetos. El proceso de ideación comienza con bocetos ásperos y luego entra en un proceso de selección y refinación y, en última instancia presentando tus mejores al cliente. A partir de aquí, el cliente aprobará el concepto para entrar en finales o muy probable que te den retroalimentación o cambios para incorporar en un boceto revisado antes de avanzar. Por supuesto, todo el proceso de idear ideas y presentarlas al cliente y sobre todo trabajar a través retroalimentación y revisiones es un enorme punto de referencia para nosotros. Dado que esta clase se trata en última instancia de cómo mantener el control del proceso creativo para que podamos lograr los objetivos del proyecto, estaremos dando a este aspecto una atención más detallada. El objetivo final de la etapa de ideación es tener un boceto aprobado por el cliente para cada ilustración en la que estés trabajando. Si solo hay una ilustración, quieres tener un boceto aprobado que puedas transformar en una pieza terminada en la siguiente etapa. Si hay 10 ilustraciones, debe tener 10 bocetos aprobados y así sucesivamente. Los pasos en este proceso incluyen bocetos ásperos, bocetos refinados, la presentación, y retroalimentación y revisiones. En el momento en que iniciamos nuestros bocetos ásperos, nos enfrentamos a la página en blanco. Si hubiéramos intentado empezar aquí sin pasar por la etapa de comprensión, sobre todo los estudios, esto podría haber sido mucho más intimidante. Pero habiendo preparado nuestra imaginación con alguna información visual ya, probablemente tengamos algo en nuestras mentes para empezar. Si quieres profundizar en cómo me acerco a los bocetos ásperos, te muestro esto en mi clase Dibujo hacia la ilustración. ocasiones un cliente tendrá algo en mente que quieren que ilustre, a veces incluso te darán su propio boceto al menos como punto de partida, otras veces el cliente financia a deja las ideas completamente a ti. En los dos ejemplos siguientes, pasaremos por cómo podría verse cada situación. A menudo un director de arte tendrá un concepto en mente para que trabajes. Si bien puede parecer que esto hace que tu trabajo sea más fácil, en realidad podría hacerlo más difícil ya que tal vez nunca hayas abordado el problema visual de esa manera y así pasas mucho tiempo adaptando tu estilo y forma de pensar a la de otra persona. Tanto parte de una parte del estilo propio no es solo cómo se ve una ilustración, sino las mismas ideas en las que se basa la ilustración. La ilustración no es solo hacer fotos, es todo el enfoque para llegar allí. Afortunadamente, en la mayoría de los casos, el boceto o concepto que te ha dado el cliente está abierto a tu interpretación; es un punto de partida, tu trabajo es encontrar una manera de interpretar el punto de partida a tu manera. Aquí hay una propina. Cuando el cliente te da un punto de partida como este, sigue siendo una muy buena idea pasar por la etapa de comprensión completa, incluyendo investigación y bocetos de modo, antes de pasar a etapas posteriores de el proceso. Cuando un cliente te da un boceto rudo, podrías preguntarte si hay incluso un punto en hacer tus propios bocetos ásperos. Por supuesto, la respuesta es un sí rotundo. En tal caso, intentaría al menos dos enfoques diferentes : Uno que sigue más de cerca un boceto del cliente y otro que interpreta el boceto más holgado de una manera más natural o intuitivo para ti. A menudo también querría probar un tercer acercamiento donde dejé a un lado las ideas preconcebidas del cliente y abordo el problema de una manera completamente nueva. Yo sólo haría esto si pareciera que podría hacerlo sin contradecir los objetivos del breve. En un ejemplo, un cliente acudió a mí con un concepto y bocetos que ya habían sido aprobados por su cliente, una asociación automotriz que brinda apoyo de emergencia en carretera a sus integrantes. Esta era una agencia de publicidad y venían a mí para ejecutar sus ideas a mi estilo. Parte del trabajo era letras personalizadas y la otra parte estaba ilustrando algunos iconos simples para apoyar el texto. El rotulación sería bastante sencillo, fue el ícono el que me sentía más incierto. Querían que representara una batería de automóvil, una llanta plana y una grúa. En los rughs, pasé algún tiempo solo tratando de averiguar cómo dibujaría una batería de automóvil, una llanta plana, y una grúa. Esto sería Nivel 1 donde solo estoy redibujando lo que el cliente ya ha esbozado. Aquí, estoy pensando en las cualidades de mi estilo. ¿ Qué personaje puedo traer a estos objetos por lo demás bastante sencillos? Aquí puede haber mucho espacio para la interpretación. El siguiente nivel, llamémoslo Nivel 2, sería dar las ideas un paso más allá. Ahora, estoy pensando más conceptualmente. ¿ Qué dice el texto y cuál es el tono general del proyecto y cómo puedo integrar esto de manera más creativa en la ilustración? En este ejemplo, el tono general es temática navideña y el texto juega sobre la idea de las tarjetas de felicitación navideñas en situaciones en las que uno podría necesitar servicio de emergencia en carretera. A medida que avanzaba, empecé a pensar cómo juntar estas dos ideas. Para la batería, aterrizé en la idea de cables de puente como una cadena de luces navideñas, para la llanta plana, aterrizé en la idea cómica de la pinchazo que es causada por conducir sobre el vidrio fragmentos de ornamento, para la tercera pieza, sabía que el cliente quería representar literalmente una de sus camionetas de remolque de marca reconocibles. Solo era cuestión de cómo girarlo un poco para que hubiera más un concepto en él. Aquí, agregué un disfraz de Rudolph con nariz roja por delante y las astas atadas a la parte superior. En mis rughs, acabo de jugar con variaciones en estas dos cosas; el Nivel 1 y el Nivel 2 se aproxima con cada pieza. Vamos a ver cómo se desarrolló esto en el siguiente paso, pero primero, veamos cuando el concepto depende totalmente de ti. Prefiero que no se me dé un boceto para mi cliente. Como dijo un compañero artista en Twitter : “Por favor no me envíes un boceto, por eso me contrataste, yo hago las fotos”. Ojalá te he mostrado cómo aún puedes ser creativo cuando te dan un boceto. Pero ahora veamos el reto de trabajar desde una pizarra limpia. En este ejemplo, el director de arte me dio un breve bastante sencillo y abierto. Este artículo trata de trabajar desde casa durante el COVID. Busqué imágenes que me dieron una idea de cómo se ve trabajar desde casa. En este caso, se trata de personas en casa haciendo zoom en las computadoras, están en un ambiente doméstico, quizás en una cocina o en una recámara. Pasé esta etapa de descanso solo iterando sobre esta simple idea y viendo a dónde iría mi imaginación. En este paso más duro, solo estoy explorando y dejando vagar mi mano y mi mente. A veces mis ideas se unen en su totalidad aquí y solo necesito refinarlas un poco en el siguiente paso pero otras veces las cosas vienen en partes o unos trozos incompletos. Muy a menudo, no creo que tenga nada tan grande, así que en cierto momento, tengo que parar, tomarme un descanso y volver a él con una mente fresca, que podría ser después de un snack break o incluso al día siguiente. Regla. No compartas el trabajo en curso desde tu etapa áspera. Al presentar bocetos a su cliente, su objetivo debe ser clavar su idea y que la apruebe el cliente de inmediato. Si presentas bocetos que no te has resuelto completamente, tu cliente puede sentir la necesidad intervenir y resolverlos por ti, lo cual dudo que alguno de ustedes quisiera. Igual de importante, ¿no quieres lanzar un concepto que realmente no puedas desarrollar en tu medio y estilo? Bueno, es bueno dejar algo de espacio para sorpresa entre bocetos y finales, no quieres configurar al cliente con expectativas que realmente lucharás por cumplir. En el paso de bocetos ásperos, estás minando por ideas, minando para esos diamantes en bruto. Pero al final de los bocetos ásperos, habrás encontrado algo aunque parezcan incompletos todavía. En las etapas refinadas, aquí es donde tienes la oportunidad de dar forma al boceto a algo más específico. Puede que haya tenido todas las ideas limpias, pero es hora de seleccionar las más viables. Una idea es viable cuando primero, cumple con el objetivo del breve, segundo, promete ser algo que puedas entregar en tu estilo, y tercero, es algo que puedes describir fácilmente. Si no lo puedes poner en palabras, probablemente no tengas una idea; aparte de eso, realmente solo necesitas gustar la idea y tener que vivir con ella. Regla. Si no quieres que el cliente elija sus peores ideas, no las presente. Nos pondremos más en esto en el siguiente paso, la presentación. Pero una queja común de los ilustradores es que el cliente siempre elige sus peores ideas. Para mí, esto parece evitable; no presente ideas que no te gustan. Si bien es posible que tengas una idea favorita, deberías poder conseguir detrás todas las ideas que presentas. Si hay alguna idea que no querrías ejecutar por cualquier motivo, no deberías incluirla. Si eso significa presentar dos conceptos en lugar de tres, entonces solo presenta dos. Si eso significa que no tienes ideas, entonces tienes más trabajo que hacer en la etapa áspera todavía. En tal caso, pregúntate qué no está funcionando sobre tu concepto y luego sigue adelante. Regla. No presente más de tres opciones por ilustración. Mostrando demasiadas opciones hace que sea más difícil para tu cliente elegir y les indica que no puedes decidirte sobre lo que crees que es la mejor manera de seguir. Entra con una recomendación fuerte, sé decisivo. Por más difícil que sea, elige tus tres mejores conceptos y deja que todo lo demás se vaya. En un mes, te habrás olvidado todas esas preciosas ideas de todos modos. Ayuda a tu cliente a decidir mostrando solo tus ideas más fuertes. Haz que sea tu trabajo decidir cuáles son tus ideas más fuertes y no los clientes. Esta es una forma importante de mantenerse en el asiento del conductor creativo y evitar que el proyecto salga fuera de pista. En el primer ejemplo, las piezas de batería, llanta y grúa, mi objetivo es llegar a por lo menos un Nivel 1 y Nivel 2 tomar sus bocetos, con Nivel 1 siguiendo sus bocetos más literalmente, y Nivel 2 trayendo más de mi propia toma a la mesa. En realidad terminé con tres direcciones para compartir con ellos. Aquí, para refinarlos lo suficiente para sus comentarios, me aseguré de que todos tuvieran un nivel de acabado similar a ellos. Al elaborar ideas para un conjunto de ilustraciones, todos los bocetos deben ser coherentes para evitar preguntas de por qué uno podría verse diferente al otro. También me aseguré de que las letras y mis bocetos todos tuvieran una sensación similar a ellos, pesar de que era bastante áspero en esta etapa. eso me enfoqué en mis refinados bocetos aquí. Quería como poca variación en la calidad de mis bocetos y tanta variación en los distintos conceptos que estaba presentando. Al presentar múltiples opciones, haga que cada opción sea lo más distinta posible. De esta manera, puedes evitar solicitudes para mezclar y combinar, aka Frankenstein tus bocetos. Esto realmente podría debilitar tu concepto general. También mostrar diferentes opciones con solo diferencias menores, hace que la decisión sea más difícil tanto para usted como para su cliente. Cuando cada concepto se diferencia lo más posible de los demás, su valor único es claro. Si hay un pequeño detalle que no estás seguro de incluir o no, evita la tentación de incluirlo como opción extra. Esto debilitaría tu posición como líder creativo. Deberías averiguar ese detalle tú mismo. Basta con cortar una de las variaciones y saber que si realmente es tan difícil de decidir, probablemente no hace ninguna diferencia de todos modos. Un aspecto notable este proyecto fue que yo estaba trabajando con un director de arte en una agencia Ad y juntos estábamos trabajando fuera creativo, para presentar a su cliente. Si bien suelo permitir tres rondas de bocetos, aquí, tengo que permitir algunos de ida y vuelta entre yo y el director de arte primero, porque el equipo creativo de la agencia querrá veterinario mi trabajar antes de enviarlo a su cliente. En este caso, los primeros bocetos que compartí fueron un poco más flojos de lo que normalmente me gusta porque necesitaba resolver primero los conceptos generales con ellos, y los conceptos, necesitan menos refinamiento que el contenido en la composición. Una vez que el director de arte regresó con su retroalimentación interna, pude refinar aún más todo el conjunto de conceptos, esta vez listo para ser revisado por su cliente. En el caso de mis bocetos para mi cliente editorial, una vez que seleccioné mis mejores opciones, simplemente los refino trazándolo y haciendo que se vea tan cerca de cómo ilustro en mi estilo final como posible. Si bien muchos podrían acercarse a los bocetos una manera mucho más rápida y más floja, prefiero pasar mucho tiempo aquí. Es por eso que hago bocetos ásperos y los refino basados en mi propio sentido de lo aclarar en lugar de presentar bocetos más rugosos a mi cliente y tener que refinarlos en base a sus retroalimentación. Si bien los comentarios y revisiones suelen ser solo parte del proceso, me gusta racionalizarlo tanto como sea posible, y creo que mis clientes aprecian no tener que pedir demasiados cambios. Esto es sólo una corazonada. Traté de usar mi experiencia e intuición para anticipar lo que el cliente podría decir y arreglar estas cosas yo mismo. Si no puedo decir lo que dirá el cliente, solo les mostraré mi mejor trabajo y dejaré que los comentarios del cliente me den más dirección en la siguiente ronda. Si bien se preocupe por mis refinados bocetos, esta manera podría parecer tomar demasiado tiempo, ahorra más tiempo en etapas de revisión, y sobre todo en la etapa de arte final. Tómate tu tiempo para hacerlo bien en los bocetos. En tu etapa de arte terminada, irá mucho más suavemente. Trabajarlo en los bocetos, no en la final. Ya sea que claves los bocetos y el cliente lo apruebe sin retroalimentación, o que tengan mucha retroalimentación para que usted pueda hacer ejercicio, siempre es mejor resolver el trabajo en los bocetos, no en el ejecución terminada. Siempre es más fácil cambiar las cosas a lápiz que pintar [RUIDO]. Hasta ahora no nos hemos reunido con el cliente desde el arranque. A lo mejor le damos seguimiento con algunas preguntas adicionales al principio, pero aún no les hemos mostrado ningún trabajo. Ahora con unos bocetos refinados en la mano, estás listo para tu primera presentación de cliente, nuestro primer punto de contacto desde el arranque. Bueno, te imaginas que una presentación de cliente pasa en tiempo real contigo llevando tu cliente a través de tus conceptos, recomiendo enviar por correo electrónico tus conceptos en su lugar, ya que esto les da tiempo y espacio para formular su respuesta. Esto significa que obtienes retroalimentación más reflexiva, en lugar de tomas calientes. En el video de Herramientas anteriormente, aludi a la baraja como tu herramienta más importante para dar paso tu cliente a través de tu proceso creativo. Ahora que tienes tu boceto o bocetos para compartir con tu cliente, vas a necesitar esa baraja. Tu mazo es como debes presentar cualquier y todo el trabajo a tu cliente. Me sorprende cuántos ilustradores aún envían su trabajo como archivos adjuntos de correo electrónico sueltos a sus clientes. Si eres un nuevo ilustrador trabajando para tu primer cliente, puedes destacar fácilmente cabeza y hombros compartiendo tu trabajo en una baraja. Un buen boceto presentado en una baraja podría parecer mucho más valioso que un boceto increíble enviado como un archivo adjunto suelto. Presentarse en una baraja, ayuda al ilustrador a mantenerse en control de su proceso haciendo siguiente: Hace que sea más fácil hacer un seguimiento de las versiones ya que todos los bocetos, especialmente cuando se 're trabajando en múltiplos, se pueden agrupar juntos, y etiquetarse con un número de versión común. Presentar en una baraja se asegura de que sus bocetos y sus descripciones siempre se mantengan juntos. Si envía bocetos sueltos, pueden enviarse alrededor sin sus descripciones u otra información importante de configuración de contexto que podría provocar retroalimentación irrelevante. Presentar en una cubierta enmarca tu boceto de la misma manera un marco puede elevar cualquier obra de arte incluso un garabato. Por último, hace que sea más probable que su cliente pase suficiente tiempo y se preocupe revisando su trabajo. Lo último que quiero, es que mi trabajo se desnate rápidamente en una pequeña pantalla del teléfono, y la retroalimentación dada en base a esta visualización menos cuidadosa. Existe un mayor riesgo de que algo se vaya a perder y tendré que lidiar con los cambios más adelante en el proceso cuando sean más caros de hacer. En la sección de herramientas, rápidamente introduje lo que llamo la cubierta, y en algunos de los ejemplos anteriores, hemos visto la baraja en acción. Ahora me gustaría echar un vistazo más de cerca. Para cualquier persona interesada, he incluido una plantilla de cubierta básica como descarga gratuita en la página de proyectos y recursos de clase. Volviendo al ejemplo anterior para el proyecto editorial, así es como luce mi mazo para ese. La primera página obviamente es la portada y por supuesto, pones cosas como el nombre del cliente, la descripción del proyecto, el tipo de presentación, fecha y el número de versión. Ese número de versión es realmente importante. Quieres tener siempre tu número de versión en la portada. Entonces en el interior, en la primera página, he optado por presentar un boceto por página ya que solo tengo una ilustración para la que estoy compartiendo conceptos. No obstante, si estoy presentando múltiples bocetos para múltiples ilustraciones, lo mejor es mostrar todos los conceptos para cada ilustración en su propia página, que sean fáciles de ver y comparar para el cliente. Al presentar bocetos, no necesitas mucho, solo tus bocetos y algún texto descriptivo para apoyarlos para dejar claro lo que está mirando el cliente. Los bocetos deben ser claros y autoexplicativos y no necesitan texto adicional para darles sentido. Los textos descriptivos solo ayudan a reforzar un poco tu pensamiento. Yo diría que sólo manténgalo en un párrafo corto, tal vez un par de 100 caracteres o menos. Ahora en la última página, me gustaría mostrar pasos procesables para el cliente, que sepan responder al trabajo, y lo que estoy esperando de ellos en la forma de retroalimentación. Si estás usando InDesign, exporta tu mazo como PDF y súbelo a la Nube y desde ahí podrás copiar un enlace compartible. A continuación, escribe tu correo electrónico, incluye el enlace, y envíalo al cliente. Puedes escribir tus emails de la forma que quieras, pero te recomiendo mantener el email corto, y al grano. Aquí hay un ejemplo de lo que podría enviar. “ Hola Ashley, muchas gracias por tu paciencia ya que pongo estos bocetos juntos. Aquí hay un enlace a los bocetos”, y luego por supuesto pego esa URL a mi archivo en la Nube, y luego solo cierro y digo: “Por favor, echa un vistazo, hágame saber qué concepto te gustaría me gusta ir con”. Una vez aprobados, podemos pasar a la obra final. Primero con la línea de asunto. Es un nuevo tema, específico de la etapa de bocetos, y lo he etiquetado claramente como bocetos. A continuación, reconocí al cliente con un saludo agradecido. A continuación, comparto el enlace de presentación de inmediato. Entonces, por fin, doy una promesa rápida accionable. Si el cliente elige y aprueba el boceto, puede empezar a ver la ilustración antes. Entonces firmo. Nunca expreses dudas en tu trabajo. Lo que quiero señalar, sobre todo es el hecho de que no expreso ninguna duda ni disculpas por mi trabajo, aunque sea un poco incierto. Siempre hay espacio para la incertidumbre y por eso presentamos bocetos y tenemos revisiones integradas en el proceso. No obstante, mi trabajo todo el tiempo ha sido llegar a buenas ideas y no presentaría a mi cliente nada que no creía o al menos trabajaba en su mayoría. Si estoy presentando algo, debe pasar mis propios estándares. Si pasa mis estándares, me quedo detrás de ella. Por lo tanto, no lo siento, y quiero que mi cliente vaya con mi recomendación. Por esa razón, nunca digo cosas como, ojalá, esto te funcione o por favor avísame si necesitas algún cambio o exploraciones extra o algo a lo largo esas líneas porque eso señales de que no me quedo detrás de mi trabajo. Abre las cosas demasiado para dudar por parte del cliente. Además, si solicito retroalimentación que les pueda sugerir que deberían tener retroalimentación, incluso si de otra manera no hubieran tenido ninguno. Al presentar trabajo a su cliente, dependiendo de lo que usted y su cliente acordaron en la etapa de incorporación, para cada ilustración, desea que su cliente elija solo un boceto para pasar a la siguiente etapa. Si estás trabajando en dos ilustraciones puntuales para una revista, podrías mostrar tres opciones para cada uno o seis bocetos totales. De estos, tu cliente debería poder elegir solo un boceto por ilustración. Es por eso que al presentar diferentes opciones, quieres que cada una sea lo más distinta posible. Quieres que haya una elección clara. Entonces, el cliente debería poder decir, me gusta la opción B o lo que elijan. Entonces, puedes enfocarte en refinar eso en una segunda revisión basada en sus comentarios, o llevarla a finales. medida de lo posible trato evitar situaciones en las que estoy tomando múltiples conceptos para la misma ilustración en próximas revisiones. Una vez que hayas enviado tus primeros bocetos a tu cliente, ahora es solo cuestión de tiempo antes de que respondan. Dependiendo de tu cronología, podría ser dentro de unos minutos, unas horas, o incluso un día más o menos después de enviarlos. Si tu cliente no responde de inmediato, no entre en pánico. Un cliente tardando más tiempo con su respuesta sólo podría significar que en realidad están pasando tiempo con él, lo cual es bueno. No obstante, si esperabas retroalimentación por cierto tiempo que pasa, puedes registrarte con un cliente y recordarles que necesitarás una cierta cantidad mínima de tiempo para dar la vuelta a cualquier cambios. En este punto sugiriendo la posibilidad de cambios, quizá estratégicamente beneficiosos. De lo contrario, toma un descanso y disfruta el hecho de que por ahora, el trabajo está fuera de tus manos. Sea claro sobre cómo desea que el cliente brinde retroalimentación. En la etapa de incorporación, mencioné asegurarme de que le dejes saber al cliente cómo prefiere recibir retroalimentación. Todo en un solo lugar, viniendo de un contacto. Si hay alguna duda de que tu cliente ha entendido esto, asegúrate de dejarlo claro cuando envíes tus primeros bocetos. Esto te dará prioridad por recibir comentarios en su foro más útil. Cada vez que mandas trabajo al cliente es una oportunidad para que pesen en la obra. Quieres mantener estos intercambios limpios y lo más pocos posible, y en cada revisión, para abordar todos los puntos posibles de retroalimentación. Quieres que tu cliente entienda que si quieren aprovechar al máximo una de las rondas de revisión incluidas, deben asegurarse de que sean minuciosas y claras en su respuesta. [RUIDO] Después de un cierto tiempo, obtendrá ese correo tan esperado o muy temido de vuelta de su cliente. Para mí, siempre es un poco de agitación nerviosa cuando este correo electrónico cae en mi bandeja de entrada. ¿ Va a ser una aprobación completa sin ningún cambio o el cliente lo odiará todo y me pedirá que vuelva a empezar? ¿ Habrá toneladas de cambios molestos? ¿ Me sentiré como un ganador o un perdedor? Por supuesto, esta es la mentalidad equivocada. No se trata de ganar o perder. Has hecho lo mejor que puedas y el cliente responderá cómo responden. Respira hondo y abre el correo electrónico. [ RUIDO] En este punto, hay algunos escenarios posibles. El primer escenario es que el cliente elige un boceto y lo aprueba para entrar en finales. El segundo escenario es que el cliente elige un boceto pero tiene retroalimentación y le gustaría ver algunos cambios. Esto a veces significa que pidieron ver alguna combinación de lo que sientes, algún tipo de Frankenstein. El tercer escenario es menos probable donde rechacen todos tus bocetos y quieren que proporciones más opciones. Vamos a pasar por cada uno de estos escenarios uno por uno. En el escenario más ideal, tu cliente dice que les encanta lo que les has mostrado y si has mostrado opciones, eligen un claro ganador para que lo lleves a la final. En este caso, eres bueno para entrar en la etapa de realización. Simplemente se asegura de que el cliente entienda que primero, deben aprobar el boceto para entrar en finales y segundo, una vez aprobado, no puede haber vuelta atrás y cambiar lo acordado en el boceto. Siempre comunico este punto en los términos y condiciones en la cotización lugar de plantarlo a esta edad, que probablemente sería injusto para el cliente. De lo contrario, felicitaciones, nos vemos en la siguiente etapa. El segundo escenario es cuando se obtiene un poco más de retroalimentación y algunas solicitudes de cambio. En este caso, vea la retroalimentación de su cliente como una aceptación general de sus ideas. Tu idea es lo suficientemente buena para que trabajen, y eso es algo bueno. Ahora solo se trata de interpretar sus comentarios y aquí es donde las cosas realmente pueden unirse o desmoronarse. No hay reglas duras sobre lo que es y no es aceptable en términos de retroalimentación. Realmente depende de lo que consideres tus puntos negociables y no negociables, esas cosas que consideras integrales tanto para tu arte como de los objetivos que se exponen en el breve. Una retroalimentación más fácil de mí será más alrededor del contenido, lo que se está representando en el arte, y cómo. retroalimentación más complicada estará más en torno al concepto y la composición. Como creativo en el trabajo, puede ser honestamente un poco molesto que se le den comentarios pesados sobre cómo debes resolver el problema creativo. Cuando un cliente te dice que cambies algo que altera el concepto, quizás incluso lo descarrile, puede ser realmente difícil de aceptar. Lo mismo pasa si piden cambios que parecen romperse de tu estilo. Mi acercamiento a la retroalimentación va algo como esto. Primero, no respondas enseguida. Léelo, y luego dése tiempo para dejarlo digerir. Vuelve a leer para asegurarte de que entiendes por completo. Segundo, no seas defensivo. Podrías tener todo tipo de razones por las que no estás de acuerdo con los comentarios o por qué crees que tu solución es perfecta. Tu cliente no está equivocado por responder de la forma en que están respondiendo más de lo que podrían ser culpados por gustarle el azul más que el amarillo. Sientan la forma en que se sienten sobre el trabajo y es tu trabajo ayudarles a sentirse mejor al respecto. Pregúntate, ¿qué está provocando que el cliente responda de esta manera? ¿ Qué está provocando que den retroalimentación en la forma en que lo dieron? ¿ Quién es el lugar para decidir sobre este tema? ¿ Es cuestión de estilo o de contenido? Dale a tu cliente tanto como puedas en la forma de contenido. Si presentaste una escena con cuatro manzanas y dos plátanos, pero dicen que quieren cuatro plátanos y dos manzanas, probablemente deberías simplemente hacer el cambio. Otra forma de acercarme a la retroalimentación es probarlos equivocados. Por supuesto, a mí mismo. Encuentro que para cuando escribí mi defensa contra la retroalimentación del cliente, podría haber ido de acuerdo con ella y pasar a lo siguiente. Ahora, a menudo me tomaré un tiempo para probar realmente lo que han dicho. Si se equivocan, se verá mal y no sería algo en lo que creería lo suficiente como para mostrarles. En el camino probablemente descubrí alguna forma de abordar el problema a mi manera, que funciona mejor. Si tenían razón, entonces no deberíamos tener ningún problema solo hacer el cambio o presentarlo en la próxima revisión. En tanto, nuestro cliente se siente escuchado y la experiencia general es positiva ya que evitamos venir a través como inflexible o difícil. Otro consejo aquí es preparar tu defensa. Si la retroalimentación del cliente está realmente perjudicando las metas y la integridad de la obra, tienes dos herramientas a tu disposición para dirigir al cliente hacia adelante. Tienes el alcance tal y como se esboza tanto en el breve como en la cotización y en tu precedente de estilo. Si la retroalimentación del cliente contradice el alcance de alguna manera, siempre se puede apuntar a los breves o entregables descritos en el alcance. Si la retroalimentación del cliente te está pidiendo claramente que hagas algo fuera de lo que haces mientras no está escrito en el breve, ojalá tuvieras algún entendimiento en la incorporación escenario sobre el estilo. Por ejemplo, si el cliente está pidiendo redibujar un concepto con más de una perspectiva 3D, pero tu estilo es más plano y estilizado, sería justo que señalaras esto. Si bien siempre debemos estar preparados para un reto creativo, como en este caso, cómo podrías dar una sensación de tres dimensiones sin romper tus restricciones estilísticas planas, no hay que esperar ser alguien que no somos, o obligar a nuestro arte a ser algo que no lo es. Otro consejo aquí es interpretar. Leer entre las líneas. A menudo un cliente está pidiendo algo usando palabras imprecisas. No hablan el idioma exacto que haces de tu trabajo, por lo que pueden hablar representar algo en perspectiva de tres cuartos, pero no lo significan tan literalmente como suena. Esto es exactamente lo que me pasó recientemente. Hice un punto de aclaración. Sólo para estar seguro, dije: “Cuando estás hablando de perspectiva de tres cuartos, no quieres que yo ilustre de una manera tridimensional, ¿verdad?” Y estuvieron de acuerdo por completo. No tengas miedo de pedir aclaraciones al cliente. Si te sientes inseguro o que el cliente está pidiendo demasiado, podría ser muy útil saltar en una voz real o videollamada con ellos y simplemente escucharlos describir su solicitudes de retroalimentación o cambio. Por lo general quieren que hagas el cambio a tu manera, pero al no ser tú, no te van a poder decir exactamente cómo. Otro consejo aquí es guiarlos hacia la especificidad. Si el cliente da algún comentario que sea negativo pero no dice por qué no está funcionando, no es su trabajo leer su mente. Presionarlos para que sean más específicos. Voy a meterme más en esto en mi siguiente punto. Cuando el cliente está siendo claro sobre lo que quiere, aunque sea molesto al principio, al menos te están diciendo cuál es el problema. El feedback más problemático es cuando el cliente dice, no me gusta o eso no funciona para mí. Recordando que la ilustración es la resolución visual de problemas y debe responder a las necesidades del cliente como configuración en el breve, sí es necesario darle la vuelta a su cliente para que sea más específico. Puedes preguntarle a tu cliente, qué se trata del concepto, contenido o composición que no está funcionando. Posteriormente, en la etapa final por ejemplo, un cliente podría decir: “Ese color no está funcionando. ¿ Podrías probar algo diferente?” Esta es una oportunidad para que preguntes al cliente, qué se trata de este color que no está funcionando. ¿ Tienes algún ejemplo de colores que prefieras, hay algún color que deba estar evitando por completo? Si bien vamos a entrar más en temas de color más en la siguiente etapa, este es solo un ejemplo fácil de algo que un cliente podría comentar pero no proporcionar ninguna dirección verdaderamente útil para pasar. No quieres simplemente arrojar cosas en la pared y ver qué se pega. Obtener específico acerca de la retroalimentación. No es nuestro trabajo leer mentes. Es tu trabajo llevar a tu cliente a más claridad sobre lo que quiere y necesita. Esto sucede solo presionándolos más por especificidad. Los clientes no son nuestros clientes y no somos meros artistas tratando de satisfacer sus caprichos. Somos colaboradores creativos con ellos y por eso no es nuestro trabajo simplemente seguir mostrándoles nuevas opciones y esperando que algo se pegue. La única forma en que realmente podemos cumplir con los objetivos establecidos en el breve es si nuestro cliente participa en nuestro proceso dándonos una retroalimentación clara cuando algo no está funcionando para ellos. Esperar especificidad. No intentes leer mentes. No arrojes cosas a la pared para ver qué se pega. Pide al cliente que te dé comentarios tan específicos como puedan para que puedas realizar las correcciones necesarias en la próxima revisión. Ahora vamos a mirar el tercer escenario, solicitudes de más opciones. En ocasiones simplemente echamos de menos por completo el objetivo. Ocurre a veces, sobre todo al principio de nuestras carreras. Para eso están las revisiones. En tu cotización, ojalá incluyeras al menos tres rondas de bocetos o revisiones. Si proporcionaste algunos bocetos pero el cliente elige ninguno, esto es lo que puedes hacer. De nuevo, pídale al cliente que sea específico. ¿ De qué se trata de lo que les presentó que no está funcionando? Pregúntate, ¿estás de acuerdo con tus comentarios? A lo mejor podrías echarle otra puñalada o crees que realmente resolviste el problema dando el breve y dando tu estilo y fortalezas y el cliente solo está siendo demasiado exigente. Otra cosa que puedes preguntarte es ¿qué tan lejos estás en el proceso? Si estás en la primera presentación v1, entonces probablemente tengas tiempo suficiente para volver al tablero de dibujo para uno o dos conceptos más. Por lo general es mejor ser complaciente si es posible. No obstante, si estás en v2 o incluso v3, siempre que creas que tu trabajo se mantiene, pero el cliente solo está siendo exigente, puedes hacerle saber al cliente que te estás acercando al límite de tu incluido revisiones. Recuerdo que una vez presenté múltiples conceptos a un cliente de revista. Tenían alguna retroalimentación razonable, pero también pidieron bocetos adicionales que mostraran mis conceptos en diferentes ángulos. Había proporcionado algunos de estos ángulos en otras opciones, por lo que sentí que ya había proporcionado alternativas satisfactorias para elegir. En este punto estábamos en la versión 2. Mencioné que intenté incorporar su feedback, pero no funcionó y que tendría que crear una cuarta opción, que estaría fuera de las máximas opciones incluidas en la cotización. El director de arte regresó un par de días después acordando que ya les había dado algunas buenas opciones y estas satisfacen sus peticiones y acordaron seguir sus peticiones y acordaron seguircon uno de los bocetos I proporcionado. [ RUIDO] Tu mazo es una herramienta no solo para presentar tu trabajo sino para rastrear revisiones. Una vez que haya terminado de hacer sus primeras revisiones a sus bocetos, guarde una nueva versión de su mazo como versión 2, y coloque los bocetos actualizados en el documento. Eliminar todas las páginas o instancias de los bocetos que no hicieron el corte. Mostrar sólo el trabajo que ha cambiado entre versiones. Si el cliente ha aprobado un boceto para una ilustración en una serie de dos pero no la otra, se puede dejar la primera salida en esta siguiente ronda. Guarda el archivo, exporta a un nuevo PDF y envía vía la nube tal como lo hicimos para la primera presentación. Para ser organizado, siempre actualizo la línea de asunto. Si mi primera línea de asunto fuera The Cult of Crypto Sketches, mi nueva línea sería The Cult of Crypto Sketches versión 2. Aquí me gustaría señalar que no puse v1 en la primera línea de asunto. Eso es deliberado para evitar de nuevo sugerir dudas o la sugerencia de cualquier cambio. Esto es posiblemente un poco neurótico y un poco como golpear a la madera, pero me da esperanza. Para cualquier ronda adicional de cambios, recuerde guardar una nu 9. Etapa 4: realización: Ahora es el momento de llevar tu boceto de prueba o bocetos al arte terminado. Esto es lo que yo llamo la etapa de realización, donde se hace real lo que sólo fue una idea en sus bocetos. Toma los bocetos aprobados y los transforma en obras de arte terminadas. En realidad tengo lo menos que decir en este paso porque esta es su área de especialización. Podrías ser un pintor de aceite o un artista de collage, o podrías trabajar en alguna tecnología novedosa que puede o no haber sido inventada para el momento en que tomas esta clase. Sea lo que sea, usted sabe su camino alrededor y por eso su cliente acudió a usted. Este es tu arte. Ahora, es tu turno de hacer lo que haces. El objetivo final de esta etapa es una ilustración bien elaborada aprobada por tu cliente y lista para salir a la calle. Los pasos para llegar allí incluyen; crear la obra terminada, presentarla a su cliente y los comentarios y revisiones. En mi propio proceso, arte terminada es más fácil que los bocetos. Porque tengo mi estilo, herramientas y técnicas bastante abotonadas, una vez que tengo un boceto aprobado, sé qué hacer a continuación. Puedo manivela algo de música o atracón escuchar un podcast y simplemente disfrutar de esta parte menos cerebral del proceso. Eso no quiere decir que no lucho en esta etapa. Siempre hay algún nuevo reto que no esperaba y podría tener que pasar más tiempo del esperado trabajándolo. A lo mejor incluí pollos en mi boceto, que se veía bien pero una vez que entro a finales, me doy cuenta de que nunca tuve ilustrar plumas antes así que podría pasar algún tiempo tratando de descifrar cómo se ven las plumas en mi estilo. A veces, incluso completaré toda una ilustración sólo para encontrar que aún no está funcionando y voy a volver a ilustrar todo el asunto. La segunda vez, tengo más claridad sobre hacia dónde me dirijo y puede ser más decisiva y menos tentativa en mi ejecución. Cuando tienes un estilo o una forma establecida de trabajar, tienes una línea de base para lo que pasa tan bueno y lo que no. Puedes trabajar todo esto por tu cuenta. Esto es más cierto para los ilustradores que tienen una forma de trabajar más desarrollada y un sentido de cuál es su estilo. Las cosas son diferentes cuando estás más al principio porque estás en proceso de desarrollar estas cosas. Estás aprendiendo en el trabajo. En lugar de desanimarse aquí, se debe tomar algo de consuelo en este hecho. Bueno, es duro trabajar en una fecha límite y luchar por sentirse bien con tu trabajo en esta etapa. Ojalá ayude saber que esto es normal y no significa que seas un Illustrator terrible. Simplemente significa que estás en esa brecha entre saber lo que quieres hacer y aprender a hacerlo. Cuando acababa de empezar, habría sido bueno saber exactamente con qué lucharía. Al menos no me sentiría como un completo fracaso. Creo que también me habría ayudado a saber en qué enfocarme en cuanto a aprendizaje y desarrollo. Si bien la lucha y la duda son sólo parte del proceso de aprendizaje, ojalá al compartir esto contigo, lucharás con más propósito. Aquí hay algunas cosas con las que podrías luchar al principio pero que te harán más fáciles a medida que crezcas. El primer punto de dolor es hacer que tus ilustraciones finales se vean tan buenas como tus bocetos. Uno de los puntos de pin más grandes para los ilustradores es que encuentran que sus bocetos se ven geniales pero resultan peores de lo que esperaban cuando están carnados en la ilustración final. Creo que este problema es en gran parte uno de no conocer tu estilo, lo que incluye no saber unir tus ideas en la ejecución de una manera consistente. En mi dibujo hacia la clase de ilustración, uno de mis puntos clave es que en lugar tratar de ilustrar cómo dibujas, necesitas aprender a bocear, cómo ilustras. Esto también significa conocer la diferencia entre el dibujo y el boceto. Como ilustradores, no dibujamos fotos. Normalmente hay algún proceso de desarrollar ideas en un boceto y luego desarrollar ese boceto en una ilustración final utilizando nuestras herramientas y técnicas elegidas. Vestir un dibujo con alguna técnica de medios digitales o físicos generalmente resulta en una obra de arte de aspecto incómodo. En cambio, las horas extras ideamos una forma de estilizar en nuestras ilustraciones finales, sobre todo en cómo representamos foros con forma y línea. De esta manera, desarrollamos un lenguaje visual. Entonces en nuestros bocetos, usamos este lenguaje visual pensando no solo en la idea de la ilustración sino también cómo podría unirse en un estilo más acabado. El color es otro punto de alfiler enorme para principiantes e incluso para ilustradores más establecidos. preguntas comunes sobre el color incluyen, ¿cuántos colores debes usar? ¿ Cuáles funcionan bien juntos? ¿ Cómo consigues que los colores armonicen adecuadamente y no compitan los unos con los otros? ¿ Y si al cliente no le gustan los colores que elegimos? Donde se trata de trabajar con color, siempre es más fácil trabajar con menos. Cuando empecé, en su mayoría trabajaba con dos o tres colores cuando dependía de mí. Realmente no me gustó agregar colores extra porque sumó más complejidad de lo que sentía que era necesario en mi estilo y francamente, no era muy bueno en usar más colores. Horas extras, me puse mejor trabajando con unos colores más y también me di cuenta de que tendía a gravitar alrededor de los mismos por lo que formalizo estos en una sola paleta que uso casi cada vez. Las preguntas de color se pueden eliminar casi cuando tienes una paleta de colores go-to de esta manera. Enseño sobre esto en mi clase, la única paleta Illustrator así que, si te interesa aprender más sobre cómo resuelvo mis propios problemas de color, creo que apreciarás esa clase. Otro punto de pin para los ilustradores son cuestiones de estilo, herramientas y técnica. Esto es parte y parcela con la cuestión de hacer que tus ilustraciones se vean tan buenas como tus bocetos y también se superpone con preguntas de color. Se trata de saber cómo se ven tus ilustraciones terminadas, qué estilo de línea o calidad de forma debes usar. ¿ Representa las cosas de manera realista o más abstracta? ¿ Muestra una sensación de volumen o mantiene las cosas planas? ¿ Deberías agregar muchos detalles o mantener las cosas súper simples? ¿ Deberías usar Photoshop o Procreate o tal vez Illustrator? Todas estas preguntas plagan al principiante porque no han aterrizado en un sistema que les diga las respuestas a estas preguntas. Para quienes luchan por saber en qué estilo trabajar y en qué herramientas son las mejores para trabajar, exploramos eso en otra de mis clases, la clase de estilo. Estos puntos pin no son cosas que quieres estar averiguando cuando estás en el trabajo, sobre todo en esta etapa posterior del proceso. No obstante, si eres principiante, esto es más o menos lo que estarás haciendo. Será difícil, pero no significa que seas malo o que tu arte sea malo. Son muchas las piezas que hice temprano en donde tuve que averiguar tanto que aún hoy todavía estoy orgulloso. Te animo a que saltes a cada trabajo que obtienes, sabiendo que es la mejor oportunidad que tienes en el momento. Lo resolverás a medida que avanzas y te pagarán en el camino. Ahora es el momento de compartir el trabajo con tu cliente. Esta es la primera vez que compartirás algo desde la etapa de bocetos. Solo asegúrate de que para cuando presentes tu arte terminado al cliente, en realidad está terminado. Deberías apuntar a presentar solo trabajos que considerarías terminados. El propósito de esta etapa es no registrarse con su cliente o ver si está funcionando. Cualquier duda sobre tu trabajo como si está golpeando todas las notas correctas debería suceder tanto como sea posible en tu propio tiempo. Cuando entras en la primera presentación aquí, vas a entrar a conseguir que se apruebe y salga por la puerta. Ese es tu objetivo en cuanto a dónde quieres que esté tu arte en este punto. Realmente debería ser así de bueno. No obstante, todavía se puede esperar algunos comentarios en cambios menores aquí. Al presentar tu obra terminada solo muestra un trabajo que esté completamente completo. Por mucho que puedas ayudar a que no compartas el trabajo en curso. ¿ Por qué querrías mostrar trabajo en curso? A lo mejor no estás seguro de algo y quieres ver lo que piensa el cliente o tal vez el cliente ha pedido ver algo como un check in. En cualquiera de los dos casos, esto podría descarrilar el proceso. En el primer caso, señala que no puedes resolver tu propio trabajo, lo que debilita tu autoridad creativa. En este último caso, riesgo de ser juzgado prematuramente. Más prácticamente, rompe los comentarios limpios y rondas de revisión que incorporaste en el proyecto. Protegerlos es crucial para mantener el proyecto manejable. Si muestras trabajo en curso y el cliente comienza a pesar temprano y luego haces cambios, ¿eso cuenta como una ronda? Mostrar el trabajo en curso es una forma segura de lanzar un proyecto fuera pista y hacer que las rondas de revisión sean poco claras. Aquí hay una propina. Si el cliente solicita ver el trabajo como un check-in y prefieres esperar para mostrarles algo más terminado, es razonable decir que estás en el trabajo pero aún no está listo para compartir. Asegure a su cliente que estará compartiendo algo por el plazo acordado. Incluso puedes ser honesto y decir que sigues resolviendo las cosas. Los clientes no deben sentirse impactados al saber que los ilustradores pasan por un proceso de incertidumbre en su propio trabajo. Lo que probablemente no quieras es un cliente que pesa con sus propias ideas de cómo resolver tu problema creativo. Depende de la relación que tengas con tu cliente o director de arte pero en términos generales, cómo descubras estas cosas es exactamente tu trabajo y el de nadie más. Protege ferozmente eso. Presenta siempre tu arte final en una baraja. Ya dije esto antes, pero tengo que decirlo de nuevo. No envíes tu arte final como archivos adjuntos de correo electrónico de hojas sueltas. Si bien puede parecer inconveniente pasar por todo el asunto de la cubierta, enviarlo en una baraja hace algunas cosas principales. En primer lugar, al igual que con los bocetos, enmarca la obra que significa que la valoras. Segundo, deja más claro que estás esperando el cliente revise cuidadosamente el trabajo antes de aprobarlo. Si mandas sólo el archivo como un archivo adjunto suelto, el cliente podría pensar que usted piensa que ha terminado. Una cubierta mantiene la obra de arte de forma segura en la zona de espera de aprobación ya que se abre camino a través del laberinto organizacional de los clientes. Bueno, no queremos sugerir que el cliente deba tener retroalimentación. Tampoco queremos que parezca que estamos cerrando cualquier retroalimentación en caso de que sea necesario. Enviar trabajo en una baraja hace que sea más fácil para usted realizar un seguimiento de los cambios. Se puede colocar un gran gordo V2, V3, y así sucesivamente, en la cubierta, dejando muy claro dónde se encuentran usted y el cliente en el proceso. Nunca envió archivos finales hasta que el cliente haya aprobado la obra como se ve en la cubierta. Las ilustraciones enviadas como archivos adjuntos sueltos también pueden parecer que estás enviando los archivos finales. envío de arte final en una baraja asegura que el cliente pueda aprobarlo plenamente antes de pasar por toda la molestia de preparar y enviar la obra final limpiada. Aprobar plenamente el arte significa que no se deben más cambios. Una vez que te mudas a la etapa de entrega y envías obras de arte final, estás protegido contractualmente de cualquier otra solicitud del cliente para realizar cambios. Presentar su trabajo aquí es muy similar a presentar bocetos. Volverás a usar tu mazo, pero solo actualizarlo para compartir finales en lugar de bocetos. Eso significa guardar como una nueva copia, esta vez usando finales en lugar de bocetos en el nombre, restablecer el número de versión a versión 1, y por supuesto, colocar la ilustración terminada o ilustraciones en el diseño. Por lo general esto es un simple como cambiar los bocetos por el arte terminado. Entonces acabo de quitar los leyendas, había escrito para los bocetos. Ya no los necesitaremos. Al presentar ilustraciones, 95 por ciento de las veces, realmente no es necesario explicar nada. El trabajo debe ser evidente en sí mismo. Al igual que en los bocetos, me gusta incluir los siguientes pasos en la última página para dar al cliente una dirección clara de qué hacer a continuación. Al igual que con la presentación de bocetos, exporte su mazo como PDF y guárdelo en la nube y comparta el enlace con su cliente. Aquí hay un ejemplo de lo que normalmente envío a mis clientes. Hola Ashley, espero que estés bien. Me complace compartir la obra final contigo. Aquí hay un enlace a la cubierta, y por supuesto incluyo el enlace. Una vez aprobados, puedo empezar a prepararlos para la entrega final. Con ganas de volver a escuchar pronto. El tema es por supuesto actualizado para estar sobre finales en lugar de bocetos esta vez. Para V1, no incluyo el número de versión porque quiero vivir con la esperanza de que no haya más revisiones. Al igual que con los demás, el propio correo electrónico es corto y dulce con un saludo y una sensación de emoción por esta etapa. Esta es la primera vez que el cliente verá las finales y se puede imaginar que están realmente ansiosos por desenvolver este regalo. Ten en cuenta, no exageradamente exagerado el trabajo. Puede ser incómodo para el cliente si tienen alguna retroalimentación crítica, si hago que parezca que estoy justo encima de la luna sobre mi propio trabajo. Trato de equilibrar siendo entusiasta y modesta. De nuevo, incluyo una dirección clara sobre cuál será el siguiente paso, que simplemente nos reforzaría lo que tengo en la última página de la cubierta sin sugerir dudas o que debería haber alguna cambios. No escribo algo así, espero que te guste. Es más como, aquí está, parada completa. De vez en cuando, voy a dejar la puerta abierta una grieta y decir, por favor háganme saber qué opinas. Pero realmente depende de la naturaleza de mi relación con el cliente y cuánto creo que la retroalimentación adicional en esta etapa realmente ayudará. Por supuesto, cómo se habla tus correos electrónicos y lo abierto que quieres estar sobre las cosas es cuestión de lo que te sientes cómodo. Igual que la última vez, insisto en enviar la obra por correo electrónico, dando así al cliente tiempo y espacio para formular sus pensamientos sobre la obra. No hay nada que explicar, así que estar ahí no agregará nada a la presentación excepto estar ahí para escuchar al cliente dar sus tomas calientes. Una vez que lo mandes, puedes tomarte un descanso mientras esperas a que se vuelvan sus comentarios. Nos meteremos en eso a continuación. Al igual que en los bocetos, quieres que el cliente te dé cualquier comentario en un solo lugar y que venga de un contacto. Si sientes que la retroalimentación es de alguna manera incompleta o tienes preguntas, asegúrate de preguntar, y ponte en la misma página antes vuelta a una segunda revisión. Hay algunos escenarios posibles con retroalimentación sobre finales, igual que lo hay con bocetos. En el mejor escenario posible, a su cliente le encanta su trabajo y no tiene cambios. En este caso, estás listo para llevar tu arte a la etapa de entrega donde puedes limpiar los archivos y enviarlos al cliente. Bien hecho. Sólo un consejo aquí. Solo asegúrate de que el cliente sepa que necesitarás un poco de tiempo para preparar los archivos de esta manera, te puede llevar una hora o te puede llevar un día o más dependiendo de cuánto lío hayas hecho y lo que hay que hacer para limpiarlo en el archivo de la obra de arte. Yo diría que te regales al menos medio día para esto, acaso el proceso de limpieza y envío tarda más de lo que esperabas. Por supuesto, el segundo escenario es donde se obtiene algún feedback y algunas solicitudes de algunos cambios. Prepárate para cualquier tipo de retroalimentación aquí pero sobre todo será alrededor colores así como la colocación y proporción de ciertos elementos. Puede haber algunos comentarios también sobre detalles como patrones o cómo se ven los rasgos faciales y pequeños detalles como ese, que no fueron posibles saber por los bocetos. En ocasiones también hay pequeños errores como errores ortográficos o detalles que te perdiste por completo. La retroalimentación sobre estas cosas es muy razonable. En ocasiones un cliente tendrá retroalimentación más difícil que parece cuestionar su juicio o estilo. A veces estamos tan cerca de nuestro propio trabajo que es difícil detectar ciertos defectos. Permítase algo de espacio y tiempo para considerar si su retroalimentación es razonable. Pruébalo por ti mismo antes de volver a empujarlo. Ve cómo puedes aceptar los comentarios y traducirlo a tu manera. El trabajo probablemente será más fuerte y te encontrarás como un ilustrador más fuerte al ser flexible. Mi acercamiento a la retroalimentación sobre el arte final va algo así. En primer lugar, lea atentamente los comentarios, comprenda lo que el cliente piensa que está funcionando y no funciona. A continuación, tome nota de cualquier comentario que no esté claro para usted. A continuación, tomar nota de los cambios que son razonables en esta etapa. Si el cliente está pidiendo algunos pequeños ajustes en tamaño, proporción o color, por ejemplo, esto probablemente sea razonable. No obstante, si han pedido agregar algo completamente nuevo o hacer cambios que rompan significativamente el boceto aprobado. Esto no es un ajuste, es un redo completo. En tal caso, le explicaría al cliente que tendría que volver a los bocetos para resolver sus comentarios. A menudo esto va fuera del ámbito acordado y justifica pedir honorarios adicionales. Siempre y cuando el cliente en general acepte el trabajo y solo esté pidiendo algunos cambios, sin embargo, molestos o inesperados que puedan ser, mantente positivo. Están trabajando con tu arte, no rechazarlo. Considera hasta dónde has llegado en el proceso y si solo hacer los cambios te llevará a la línea de meta más rápido y más suave. Por otro lado, considera si su retroalimentación compromete demasiado la integridad de su arte. A lo mejor vale la pena la pelea. Si es así, asegúrate de conocer tus razones para retroceder al cliente, luego explícalo respetuosamente, y amablemente por qué tal y tal retroalimentación no funcionará. Por ejemplo, si la crítica es todo acerca de cómo dibujaste los ojos, pero tu trabajo tiene ojos todos dibujados de esa manera. Se puede señalar esto y preguntar qué esperaban en su lugar. Cuando llega una retroalimentación difícil, ayuda preguntarle a su cliente de una manera no confrontacional, sinceramente curiosa. ¿ De qué manera no funciona esto? ¿ Estabas esperando algo más y si es así, ¿ puedes describirlo por favor? Otra gran pregunta es, ¿por qué una solicitud de cambio dada importa al cliente? Se lo puede pedir honestamente sin un tono de exasperación. Al entender por qué, tendrás algo más con lo que trabajar, ya sea que eso signifique explicar cómo ya has abordado su preocupación o saber atender su preocupación en el próxima revisión. Cada vez que obtienes comentarios es como un mini breve para la próxima revisión. Solo asegúrate de saber exactamente lo que estás corrigiendo o abordando en cada uno. No es tu trabajo leer mentes o adivinar cuál podría ser el problema. Es tu trabajo ayudar al cliente a definir el problema y luego para que lo resuelvas con confianza. El tercer escenario, por supuesto, es la solicitud de más exploraciones. En este punto, tienes un boceto aprobado y lo has cargado en la final. Si cumple con los objetivos establecidos en el breve y se hace con un nivel profesional de oficio, se debe considerar aceptable. Es posible que tenga que pasar por algunas revisiones menores como se explicó anteriormente, pero nada mayor. No obstante, a veces un cliente puede pedir ver diversas subopciones, como tres o cuatro exploraciones en color de la misma pieza o un par de opciones que muestran ligeras variaciones en los detalles. A menos que haya incluido exploraciones adicionales como parte de su servicio en la cotización, sería razonable considerar esto como un complemento con una tarifa adicional. Si proporcionaste tu ilustración en un color y al cliente no le gusta, puedes usar la siguiente ronda para probar otra. Ahora tienes dos opciones de color para que elijan. Lo más importante, realiza un seguimiento de tus rondas de revisión y deja claro cuando se agoten. Si el cliente necesita más cambios de lo que incluye, típicamente incluyo hasta la versión 3, entonces usted tiene derecho a cobrarlos por esto. Solo asegúrate de hacerles saber antes de entrar en rondas adicionales para que tengan la oportunidad de optar por entrar o salir. Para ayudar a realizar un seguimiento, asegúrese de guardar cada archivo de acuerdo a su recuento de revisiones y de manera similar guardar como su mazo con el número de versión apropiado, guardar el archivo, exportar a PDF y enviar a través de la nube como de costumbre. Asegúrese de actualizar la línea de asunto a V2 o V3 o donde esté en el correo electrónico. Los proyectos pueden salir de camino cuando un cliente está siendo irrazonable, pero a veces se debe a nuestra propia inexperiencia o a algún otro paso en falso por nuestra parte. Tenemos que ser honestos sobre el problema raíz. Si es el cliente y si crees que estás sosteniendo tu parte de la ganga, se te permite defenderte. Si llegas al final de tus revisiones incluidas y el cliente sigue cambiando de opinión, puede ser hora de llamar al cliente y tener una conversación sobre cómo seguir adelante. No solo resolvemos problemas visuales. En ocasiones resolvemos problemas interpersonales y de comunicación. Aquí el cliente fuera y ojalá puedan escucharte. Puede quedarse sin revisiones o tiempo o ambos, o puede llegar a un punto muerto en algún aspecto importante del proyecto. Otras veces el cliente simplemente cancela el proyecto. En ocasiones tan extremas u raras, el proyecto muere muy bien antes de que vea la luz del día. medida de lo posible, debe ser la elección del cliente aceptar tarifas adicionales por revisiones o dejar caer el proyecto. De vez en cuando, sin embargo, podría ser usted quien tiene que despedir al cliente. Disparar al cliente generalmente significa que no te pagan en su totalidad. Si eres tú optando por salir del proyecto, entonces eres tú quien tiene que cortar tus pérdidas sabiendo que es para mejor. A lo mejor el proyecto comenzó a costarte mucho más en el tiempo de lo que valía de todos modos. No obstante, si el cliente sale entonces debes seguir pagándote por el trabajo que hiciste. Incluso si el proyecto fracasó, aún proporcionaste valor, y aún hacías un trabajo digno de salario. Aquí es donde entra la cuota de matanza. Si por alguna razón el proyecto aborta, ya sea por venir a un callejón sin salida o porque la empresa cambió de dirección, aún se le debe pagar por la obra. Una cuota de matanza suele ser un porcentaje del presupuesto total del proyecto con montos crecientes a medida que avanza el proyecto. Normalmente requiero una cuota de matanza del 50 por ciento después bocetos y 75 por ciento después de presentar cualquier final. Esto supone que el cliente no utilizará el trabajo. El veinticinco por ciento extra es por el valor que perderán al no usarlo. Ciertamente no es un descuento del 25 por ciento. Si encuentro que el cliente ha utilizado la obra de alguna manera, entonces tendría derecho a enviar una factura por el 25 por ciento extra. Para obtener más información sobre el precio tu trabajo y establecer una cuota de matanza, por favor consulta uno de los recursos proyectos y recursos de la clase, especialmente la guía del Gremio de Artistas Gráficos. Una vez que tu cliente aprueba tu obra terminada, terminas con esta etapa. De hecho, has hecho toda la ilustración. Bueno casi, hasta ahora, has estado compartiendo todo tu trabajo en tu mazo. Ahora tu cliente va a querer tener el archivo o archivos reales para enchufar en su diseño o donde quiera que lo estén usando. Hablemos de eso en la siguiente etapa, entrega. 10. Etapa 5: entrega: [ MÚSICA] Finalmente se finalizan y aprueban las ilustraciones . Lo único que queda por hacer es prepararlos para su uso final y enviarlos al cliente. Esta etapa se llama entrega. Dado que el proceso creativo puede ser desordenado, nuestros archivos digitales también pueden ser bastante desordenados. Antes de enviárselos al cliente, queremos asegurarnos de que estén lindos y limpios. Por lo general, eso significa simplemente guardar en un archivo plano donde todas las capas de trabajo se aplanan para que el archivo no se pueda cambiar fácilmente. Cuando el cliente necesita un archivo en capas. Eso significa que todas las capas están debidamente nombradas y bien organizadas por lo que son lo fáciles de usar en el lado del cliente como sea posible. El objetivo de esta etapa es enviar los expedientes finales al cliente. Los pasos de esta etapa incluyen la limpieza de archivos y la entrega del archivo al cliente. Pasemos primero por la limpieza. Limpiar tus archivos se verá diferente dependiendo de cómo hagas tus ilustraciones. El motivo por el que queremos limpiar nuestros archivos es para primero hacerlos más fáciles de usar para nuestros clientes, y segundo, para evitar cualquier cambio no autorizado en la obra de arte, sea intencionada o no. Limpiar tus archivos también te refleja bien como profesional. La primera pregunta a hacer es, ¿qué tipo de expedientes se supone que debe entregar? ¿ Aceptaste enviar los archivos con capas o simplemente como archivos aplanados? Proporcionar archivos en capas significa que el cliente necesita poder aislar o mover diversos elementos de su ilustración alrededor. Esto es útil cuando estás trabajando con un diseñador que querrá poder mover las cosas un poco para acomodar tipo u otros elementos en el diseño. También es útil cuando se trabaja con animadores, lo que les facilitará hacer su trabajo. Trabajo en Photoshop y cuando estoy en modo creativo, no estoy pensando en lo fácil de usar mis capas podría ser para otra persona. Pero ahora en esta etapa trato organizar todo lógicamente. Simplemente mirando un mapa que hice aquí para Airbnb, este es un mapa de Praga que hice por ellos y como puedes ver, todavía tengo muchas capas en este archivo. Este es el archivo que realmente le di al cliente, pero cada capa está muy organizada. He organizado grupos de capas, así que tengo el mapa base aquí abajo. En realidad debería haber nombrado ese mapa base. Sólo hagamos esa corrección ahora mismo. Entonces tengo todos los iconos en un grupo de capas. Tengo todas las etiquetas de íconos en un grupo de capas. Entonces tengo todos estos círculos numerados, estos pequeños números de índice, los que puedes tomar o quitar, hacer visibles o invisibles en el diseño y cosas así y cada capa es movible si necesita ser, los puse en su lugar donde deben ir. Pero si por alguna razón el cliente necesita moverlo o incluso simplemente usarlo en un caso separado en otro lugar. Es fácil aislar y moverse un poco. La idea de aplanar tal vez diferente dependiendo de tus herramientas. En Photoshop, en realidad puedes usar imagen aplanada capa desde el menú. En Illustrator, también hay una función de obra de arte aplanada. En Procreate, en realidad puedes aplanar tus capas pellizcándolas por completo con los dedos en el panel de capas. Ya sea que aplanes su archivo o proporcione capas, asegúrese de darle también al archivo un nombre útil y añadir subrayado plano para un archivo plano o capas de subrayado, lo que sea correcto al final del nombre de archivo. Asegúrate de no sobrescribir tu archivo de arte de trabajo real en caso de que necesites entrar y hacer cambios más adelante porque eso siempre es una posibilidad. Es posible que necesites realmente hacer cambios y no quieres volver atrás y todo está aplanado. Ahora pasando a la entrega, una vez que aplanes tus archivos, es hora de enviarlos al cliente. Quizás estés pensando que ahora puedes enviar archivos como archivos adjuntos en correo electrónico, pero lamento decir que no deberías. Los archivos de ilustraciones tal vez más pequeños como cinco megabytes, pero también pueden ser realmente grandes como 500 megabytes o más. Es la mejor práctica guardar siempre tus archivos en la nube y compartir el enlace de descarga en su lugar. Si es solo un archivo, probablemente solo puedas subir el archivo como está y enviar el enlace. Si se trata de varios archivos, primero debes guardarlos en un archivo zip y subirlo y luego enviar un enlace a ese único archivo zip. Podrías estar preguntando, ¿cuándo envías tus archivos finales? ¿ Los mandas antes o después de que el cliente pague? En realidad es común enviar los archivos de la obra antes de enviar a tu cliente la factura final. Mi movimiento go-to es enviar los archivos al cliente usando un estilo de correo electrónico similar corto y dulce como hemos visto en otros lugares de esta clase. Aquí hay un ejemplo de lo que escribo. Hola Ashley, Muchas gracias por invitarme a trabajar en este proyecto. Se pueden descargar los archivos finales en este enlace, y por supuesto susto el enlace. Por favor, asegúrate de descargar los archivos de tu extremo de inmediato ya que regularmente elimino archivos antiguos para hacer espacio para los nuevos en mi Dropbox. Estoy súper contento de cómo resultaron las cosas y no puedo esperar a verlas en la naturaleza. Por favor, háganme saber cuándo y dónde puedo encontrarlos una vez que se lancen. Apenas por curiosidad, ¿cuándo es lo más temprano puedo compartir el trabajo en mis redes sociales y cartera? Voy a dar seguimiento con su factura en breve. Gracias. Dom. Siempre depende de ti cómo se palabra tus correos electrónicos. Pero la idea aquí es que estoy enviando claramente la obra final ahora y esto concluye el proyecto a mi final. También estoy seguro de recordarles que descarguen sus archivos para su custodia. Es más común de lo que piensas que los clientes soliciten los expedientes un mes más tarde. A pesar de que tenían un plazo apresurado para su uso, a veces no se mueven para realmente usarlos en su extremo por un tiempo. A continuación, realmente quiero saber cuándo puedo ver las ilustraciones en el contexto final y cuándo puedo compartir el trabajo. Hago un punto de preguntar, a veces incluso pido copias como si el trabajo es para una revista o algún otro contexto impreso. Por último, dejo claro que la factura vendrá muy pronto en un correo electrónico separado. Una vez que envíes los archivos, es hora de cerrar oficialmente el proyecto. Eso incluye la facturación y el pago. Pasemos a la siguiente etapa y hablemos de ello. [ MÚSICA] 11. Etapa 6: cierre: [ MÚSICA] Podrías pensar que una vez que envías los archivos de ilustración, se acabó el proceso. Bueno, esto es mayormente cierto. A menos que te paguen por tu trabajo, solo es un hobby. Se puede pensar en las etapas de incorporación y cierre como los sujetalibros más orientados a los negocios del resto del proceso creativo. cierre es el proceso de envolver un proyecto. En este punto puedes llamar al trabajo hecho, excepto que quieres asegurarte de que te paguen. Este es también un momento para agradecer al cliente y celebrar un trabajo bien hecho. Tanto nosotros como nuestros clientes somos humanos y este es un momento para que todo se sienta menos transaccional y más relacional. Si has hecho bien tu trabajo y te has mantenido como profesional, tu cliente tendrá buenas sensaciones acerca de trabajar contigo, y francamente será mucho menos probable que se salten pagándote. Por último, el cierre también incluye el proceso de archivar la obra. El objetivo de esta etapa es recibir el pago y cerrar formalmente el proyecto. Los pasos de esta etapa incluyen: facturación, recepción de pagos, y archivar el proyecto. Ahora vamos a pasar por los pasos. El primer paso es la facturación. Del mismo modo que abres el proyecto con una cotización, ahora lo cerrarás con una factura. El presupuesto y la factura son de alguna manera muy similares. A menudo la factura es solo una cotización modificada. De hecho en una app de construcción como Harvest, puedes crear una factura a partir de una cotización. como se mencionó en la última etapa, creo que es una buena idea enviar los archivos al cliente y luego facturar a continuación. Para mí esto honra a un fideicomisario construido con el cliente a través del proceso, y deja en claro que valoras al cliente y el trabajo más que solo recibir el pago. Dicho esto si el cliente ha perdido su confianza durante el proceso, podría ser prudente facturarlos primero y solicitar el pago antes de que puedan recibir los expedientes. El problema con esto es muy a menudo el cliente necesita los archivos de inmediato, por lo que mantenerlos como rehenes podría ser visto como hostil y solo empeorar las cosas. En la situación más extrema sin embargo esta es exactamente la presión que se necesita para motivar al cliente travieso, pero yo diría que sólo recurrir a medidas desesperadas en una situación verdaderamente desesperada. Mirando mi factura parece igual que la cotización que hicimos al inicio de la clase en la etapa de incorporación. Es una factura ahora, solo dice factura en lugar de cotización. Incluso el artículo de línea es exactamente el mismo. Lo único que es diferente es lo que hay en el fondo. En la parte inferior aquí, solo tengo algunas notas. Hablaré de cómo me gustaría que me pagaran y mencioné que hay un cargo por servicio mensual de un por ciento y medio por pagos atrasados y cosas así. También incluyo mi número fiscal que es importante para algunos clientes, necesitan ese tipo de información. toda honestidad rara vez me pagan por la fecha de vencimiento en mis facturas. Muchas empresas más grandes tienen departamentos de Finanzas en movimiento lento, y considero normal recibir pagos 2-3 meses en el camino. No es ideal pero estoy acostumbrado a ello en este punto, y puedo planearlo. Aún así permito que el software de facturación envíe avisos de pago atrasados cada semana partir de la semana posterior a su vencimiento. ¿ Eso es molesto? Probablemente. Irónicamente, los clientes más propensos a pagarte de inmediato son negocios más pequeños o particulares, ya que hay menos go-betweens en conseguir que te paguen. Si te preocupa que el pago está muy atrasado y los correos electrónicos automáticos no están obteniendo resultados, [RUIDO] aquí hay una buena causa de acción. Tenga en cuenta que esto no es asesoría legal, solo mi propio sentido de lo que parece razonable. En primer lugar, envíe un correo electrónico al cliente directamente sobre ello de manera no acusatoria. Hacerlo algo a lo largo de la línea de si hay algo que pueda hacer para ayudar a que el pago sea más fácil, por favor hágamelo saber. A continuación cada mes podrás enviar una factura actualizada con la tarifa de pago atrasado agregada. Si el 18 de enero vencía $1,000 y agregas una tarifa por atraso de 1.5 por ciento al mes, entonces estarás enviando una nueva factura por 1,015. El problema con esto es que si el cliente no te iba a pagar de todos modos, no necesariamente van a estar motivados para pagarte aún más. Para trabajos más grandes, las tarifas atrasadas pueden comenzar a parecer lo suficientemente aterrador como para que se muevan. Si el cliente aún te apaga o te fantasma, haz seguimiento con una llamada telefónica. Escuchar tu voz o saber que llamas a la oficina podría ser suficiente para sientan lo suficientemente mal como para pagar. Tal vez intente llamar antes de cobrar tarifas atrasadas. Si el cliente aún te da eso correr por ahí; hay una opción desesperada, la vergüenza de las redes sociales. No te estoy aconsejando que hagas esto, pero te contaré una historia de cómo funcionó para mí. Un cliente no me pagó la mejor parte de un año y ignoraron cada correo electrónico que envié y no pude comunicarme con ellos por teléfono. Me preguntaba si era la única, así que busqué el nombre de la empresa junto con los términos de búsqueda sobre el pago de freelancers y pagos atrasados para autónomos. supuesto, la empresa tenía una mala reputación entre los escritores que contribuyeron a la revista, dándoles el mismo trato que yo estaba experimentando. Sabiendo que no era el único, me sentí facultado para recurrir a Twitter y nombrarlos y avergonzarlos. Tuiteé una captura de pantalla de cuántos días de retraso se mostraba la factura en mi software de facturación e incluí un enlace a un hilo en línea de escritores que tenían quejas similares, y yo mencionó directamente la revista usando su asa de Twitter. Dentro de momentos me dMed prometiendo pago y solicitando que me quite mi tweet. Una semana después recibí un cheque en el correo. Si todos esos fracasan se puede tomar solicitud legal. Me he acercado a tomar acciones legales, pero eso fue sólo una vez y el valor del proyecto era demasiado pequeño para justificar el esfuerzo y el gasto. Si un cliente te debe una cantidad significativa y te fantasma, puede valer la pena considerar acciones legales. [ RUIDO] Regla. Siempre hágale saber al cliente cuando recibas su pago. Afortunadamente, los clientes que no pagarán son raros. La mayoría de las veces te pagarán. cuanto recibas el cheque o veas que el pago pase por internet en tu banco, asegúrate de marcar las facturas pagadas y manda a tu cliente un último correo electrónico para confirmar recibo y agradecerles el pago . Algunos de mis clientes pagarán por vía bancaria o directamente a mi cuenta bancaria, en cuyo caso no lo sabré a menos que yo mismo revise mi saldo bancario. Haga un punto de revisar sus saldos semanalmente para asegurarse de que puede confirmar la recepción y marcar las facturas pagadas en su totalidad. [ RUIDO] A medida que sigas trabajando en nuevos proyectos, acumularás carpetas de proyectos en tu disco duro. Con el tiempo, tendrás cientos de estos. Después de un tiempo estarán ocupando espacio muy necesario en tu computadora, pero por supuesto no quieres eliminarlos permanentemente solo para hacer espacio. No es probable que necesites todas las carpetas de proyecto que hayas creado, pero necesitarás alguna. ¿ Cuáles exactamente? Nunca lo sabrás, así que tienes que guardarlos a todos y por eso los archivas. Todos tienen su propio sistema de archivo, pero aquí está el mío. En mi Mac, tengo dos carpetas principales llamadas Active y Archive. La carpeta Activa solo contiene proyectos que están abiertos actualmente. La carpeta Archive contiene cualquier proyecto que haya archivado recientemente. Cuando cierro un proyecto, simplemente lo arrastro a la carpeta Archive. Acabo de terminar mi proyecto para criptografía hoy, todo está hecho, me pagaron. Simplemente puedo arrastrar eso a mi carpeta Archive, está fuera del camino por ahora. Estos archivos todavía están en mi computadora, pero al menos puedo sacarlo fácilmente de mi carpeta Active. Me gusta poder ver de un vistazo lo que hay en mi plato mirando la carpeta Active. Más ocasionalmente muevo proyectos de mi carpeta Archive a un disco duro externo, que sirve como mi archivo permanente de trabajo. Mi sistema de baja tecnología es solo por dos unidades externas de terabyte cada dos años, y usarlas como unidades de copia de seguridad redundantes o duplicadas. Hago esto porque prefiero gastar un par de $100 en discos duros cada dos años que para engancharme al valioso almacenamiento en la nube de alta capacidad. Puedes archivar de la forma que quieras, pero sí necesitas conservar una copia de tus proyectos durante al menos 5-10 años por si acaso necesitas volver a encontrar un archivo para ti o para tus clientes. Al usar siempre el mismo sistema de presentación, siempre podrás encontrar cualquier archivo para cualquier proyecto sin demasiados problemas. [ RUIDO] Regla. Copia de seguridad de tu disco duro todos los días. Tomaría esto como una oportunidad para recordarle que guardara activamente una copia de seguridad del disco duro de su computadora también. Los usuarios de Mac no tienen excusa con máquina del tiempo capaz de ejecutarse en segundo plano. **** sucede y quieres estar preparado cuando lo haga. [ EXTRANJERO], la suerte favorece a los preparados. Roto entre dos unidades de copia de seguridad y almaceno cada una en una ubicación separada. Si fuera a ser robado y encontrar mi computadora desaparecida la máquina es valiosa, pero probablemente no tan valiosa como mis archivos y todos mis otros archivos que estaban en ella. Mantén siempre un refuerzos. Cuando se hace un proyecto me siento libre de mover esa carpeta de proyecto de mi Active a mi carpeta Archive, entonces espero a que me paguen. Casi siempre viene, el pago siempre viene. Es tan raro que no me paguen que pase casi no tiempo preocupándome por ello. Si un pago es más de lo que dicen tres meses de atraso, es entonces cuando siento que necesito hacer el check in. [ Aplausos] Cuando estás totalmente [MÚSICA] hecho con el proyecto y es facturado, pagado y archivado, debes estar muy satisfecho. Bien hecho. Una vez que hayas pasado por este proceso una o dos veces, la progresión de etapas debe sentirse natural y tendrás una mejor idea de cómo encaja tu propio proceso creativo y qué personal adaptaciones que debas hacer. Si alguna vez estás perdido, simplemente haz una pausa y pregunta dónde estás en el proceso y usa eso para guiar tu próximo movimiento. Simplemente haz lo que requiera esa etapa y luego pasa a la siguiente. Ser ilustrador profesional realmente se trata de consistencia. Consistencia no solo en tu estilo, sino en cómo pasas por tu proceso creativo y cómo recorres a tus clientes en el camino. La consistencia hace que todo sea más predecible. Sabrás qué esperar cada vez, y sabrás qué pasos necesitas hacer. Incluso puedes predecir qué luchas encontrarás en cada etapa, y eso las hará parecer menos aterradoras y más conquistables. También hará que sea más fácil saber cuánto tiempo necesita trabajar y así configurar líneas de tiempo más realistas, cómodas. La próxima vez cuando un cliente diga: “¿Estás interesado y disponible?” Tienes mucha más certeza de cómo responder a esta pregunta. [ MÚSICA] 12. Proyecto: conoce tu arte: [ MÚSICA] Anteriormente en la clase hablamos de cómo conocer tu arte es la base de todo lo demás que harás como ilustrador. Para el proyecto de clase, me gustaría guiarte a través de una serie de preguntas guiadas para ayudarte a definir mejor lo que esto significa para ti. A continuación le mostramos cómo hacer esta parte. En la sección de recursos de clase, he incluido una serie de preguntas guiadas como documento descargable. Usando un cuaderno o escribiendo directamente en tu proyecto de clase, revisa las preguntas y anota tus respuestas. Siéntete libre de complementar tus respuestas escritas con elementos visuales y ejemplos de apoyo, quizás algunas de tus ilustraciones o imágenes que te inspiren. Cuando hayas terminado, comparte tus notas con la clase. Te animo a compartir algunas de tus notas a tu Instagram, tal vez en oposición o una serie de historias o carretes. Puedes usar el hashtag, seis etapas de ilustración y etiquetarme en Mr Tom Froese para que yo y todos demás podamos encontrar más fácilmente tus posts. Tómate el tiempo que necesites pasar por estas preguntas y feliz reflexionando. Espero leer lo que es saber tu arte significa para ti. Muchas gracias por compartir y muchas gracias por tomar esta clase. Por favor, asegúrate de hacerme saber cómo te ayudó esta clase en las reseñas. Te veré en la siguiente [MÚSICA]