Lanza (¡y vende!) Tu novela gráfica: guía para principiantes para que publiquen tu trabajo

1. Introducción: ¿ Siempre te has imaginado caminar por el pasillo de una librería y encontrar tu propia obra de arte mirando atrás a ti? Si eres un creativo que piensa que los libros son solo los mejores, y sueña con un día ver tus historias impresas, esta clase es para ti. Mi nombre es [inaudible], soy una maestra de primer nivel aquí en Skillshare. También soy ilustradora y autora y novelista gráfica. Fue hace seis años cuando decidí poner mi mirada en firmar un acuerdo de libro con una de las cinco grandes editoriales. Había muchos juicios y tribulaciones en el camino, pero cuando todo estaba dicho y hecho, había publicado mi primer libro con una editorial importante. No sólo eso, sino que había contado una historia que estaba conectando con jóvenes lectores, a través de recomendaciones del New York Times, American Library Association y el Junior Library Guild. El mercado de la novela gráfica está en auge, padres, maestros, bibliotecarios, vendedores de libros de todo el mundo buscan esta forma única de narración cómica para inspirar a la próxima generación de lectores, por lo que esto me pareció el momento perfecto para compartir las lecciones que he aprendido a través de un curso integral todo en uno sobre cómo vender su primera novela gráfica. Esta clase es una mezcla de arte y negocios basada en mi propia experiencia editorial y una pasión de toda la vida por las novelas gráficas. Pero realmente no podría llamarlo un curso todo en uno sin poder arrojar luz sobre los secretos detrás del gran viejo mundo corporativo de la publicación, así que me acerqué a los agentes y editores con décadas de experiencia en el negocio del libro. Con su honestidad y perspicacia, puedo decir con confianza que este es exactamente el tipo de curso que necesitaba cuando estaba empezando hace todos esos años. La verdad es que las cinco grandes editoriales son capaces de ofrecer los mejores avances y los mejores recursos creativos y perspicacia que se podría pedir, y las oportunidades están abiertas a creativos en todas las etapas de sus carreras. Todo lo que necesitas son las estrategias de pitching que comparto en esta clase y un deseo insaciable y ardiente de cumplir una ambición de toda la vida de ver tu historia encuadrada en las páginas de la humanidad mayor tecnología, el libro. O tal vez sea solo tu día libre del trabajo y crees que novelas gráficas son geniales. Sea lo que sea que te haya traído a la clase , me alegro de que estés aquí, porque hablar de libros es mi cosa favorita, y creo que es hora de que nos pongamos a trabajar. [ MÚSICA] 2. Descripción de la clase: Oye. Bienvenido a clase. Gracias de nuevo por acompañarme. Ahora, si has tomado cursos míos antes, sabes que me gusta meterme en el lado conceptual y creativo de las cosas. En realidad, esta va a ser mi clase más centrada en los negocios. Eso es porque eso es lo que es la industria de la novela gráfica. Es un negocio, un negocio donde una empresa licencia el derecho a publicar tu arte e historia. Ahora, para que un editor interese en hacer negocios contigo, necesitas elaborar un pitch, refinar ese pitch con un agente y un editor, y luego convencer al editor que tu historia es les va a hacer dinero. Esa es sólo la fría y dura verdad de la misma, que vamos a descomponer con más detalle a lo largo las otras lecciones de este curso. Ese es el negocio en resumen realmente, pero claro, para perseguir el objetivo de una carrera creativa haciendo novelas gráficas, hay que amar y apreciar verdaderamente la forma artística. Los primeros capítulos de este curso están realmente diseñados para familiarizarte con los mercados de novelas gráficas para lectores jóvenes. Ese es el mercado en el que está mi trabajo, así que ese es el punto de vista del voy a estar hablando. Vamos a hablar del medio en sí, lo que hace una gran novela gráfica, algunos de los detalles del mercado, y quiénes son los más vendidos que están convenciendo los niños de que las novelas gráficas son geniales para leer. Mi objetivo general aquí es ayudarte a familiarizarte con las realidades del mercado de la novela gráfica y ayudarte a encontrar tu lugar en él. Ahora, más allá de esta introducción al mundo de las novelas gráficas, y conociendo a un grupo de grandes artistas y autores que ya están establecidos y por ahí, estaremos aprendiendo los elementos de un pitch y cómo armar uno exitoso para ojalá, algún día conseguirte un trato de libro. Puedes ser tan casual o ambicioso como quieras con este proyecto de clase. Quiero poder apelar a todo tipo de alumnos. Dicho esto, vamos a empezar por familiarizarnos con los elementos esenciales de un tono efectivo, incluyendo diseñar una historia, desarrollar personajes, crear un esquema de trama, creando algunas páginas de muestra. Tu proyecto de clase podría ser tan sencillo como compartir un poco de una historia y un poco de arte de muestra, o podría ser tan profundo como un esquema completo de tu historia, diseños de personajes, y muestra arte. Tomaré tu trabajo tan en serio como te gustaría y ofreceré cualquier retroalimentación que quieras para ayudarte a acercarte a tu objetivo, ya sea solo crear un proyecto divertido para una tarde y conseguir un pulgar hacia arriba, o realmente desarrollar un pitch que va a captar la atención de un agente y ojalá, algún día un editor en uno de los cinco grandes editores. Ahora, antes de llegar más lejos, quiero asegurarme de que entiendas que se trata un curso sobre lanzar un libro, conocer una historia, crear un poco de arte de muestra, y envolver nuestra dirígete alrededor de lo que queremos hacer si tenemos la oportunidad de crear una novela gráfica. Haciendo novelas gráficas, ese es un curso diferente al que llego bastante pronto. Tengo muchas notas sobre eso en este momento, pero para hoy, todo se trata de conseguir un acuerdo de libros y entender lo que es el mercado y qué necesitamos crear para encontrar un lugar en ese mercado. Dicho esto, empecemos a echar un vistazo más profundo y más de cerca a lo que realmente es un tono. 3. La discurso de presentación: La gran pregunta del día es, ¿qué es exactamente un tono de novela gráfica? Ahora aquí está mi definición desde mi propia experiencia, la investigación que he hecho, y la gente con la que he hablado. Un tono de novela gráfica es una colección de materiales generados por usted, el creador, que se pasan a un editor en una editorial tradicional. Utilizan estos materiales para presentar su libro durante una reunión de adquisición y ojalá le aseguren un acuerdo de libro. Un pitch abre muchas puertas y no necesito convencerte de que si has visto hasta aquí, es una parte muy importante del proceso creativo y hay mucho negocio involucrado en ella. La buena noticia es que en el ámbito de la publicación tradicional, realidad hay una lista bastante clara de cosas que debes incluir con tu pitch que van a ser universales a través las editoriales de los Cinco Grandes en las que profundizaremos un poco más en el próximo capítulo. Cada cosa de esta lista necesita responder a una pregunta muy específica. El editor y el editor necesitan saber si van a considerar adquirir tu libro. Ahora mi actual editora en Little Brown Publishing, Andrea Colvin, va a subir mucho a lo largo de este curso. Quería realmente retroceder la cortina en el negocio de lanzar una novela gráfica. Por supuesto, sólo conozco mi lado de ella, Andrea conoce el lado empresarial de ella y fue lo suficientemente amable como para darme más tres horas de su tiempo para arrojar algo de luz sobre estos temas. voy a estar citando aquí y allá. Sólo quiero agradecerle y mucho del contenido que tengo en este curso ha venido del tiempo que pasamos hablando y trabajando juntos. Aquí está la gran comida para llevar que recibí de ella y toda nuestra conversación. Andrea dice cuando adquiere un pitch, lo que realmente está haciendo es “Comprar la sensación de la visión del creador para su libro”. Comprar una sensación no es comprar un producto terminado. Un editor quiere ver el potencial de un gran libro en el que pueden ayudarle a crear en ojalá un best-seller. Ahora veamos todas las cosas que un editor espera ver en un pitch profesional. En primer lugar, van a mirar el propio terreno de juego. Esto responde a la pregunta, ¿de qué se trata la historia? Es sólo un breve párrafo que resume tu historia en cuatro o cinco frases. siguiente en la lista está el producto. Esta es la parte de investigación del terreno de juego, responde a la pregunta, ¿ dónde encaja tu historia en el estante de una biblioteca o una librería? La investigación que vas a hacer aquí será especular sobre el público y el género que se adapte a tu libro. ¿ Estás haciendo una novela gráfica de grado medio sobre magia y amistad? ¿ Estás haciendo una novela gráfica para adultos jóvenes sobre un romance veraniego sobrenatural? El editor necesita vender a su editor en donde su libro podría encajar a lo largo de un mercado preexistente. Ese es el lado empresarial de las cosas con las que necesitas familiarizarte. De vuelta a la historia, la siguiente parte de esta lista es el esquema. Esto responde a la pregunta, ¿cuál es la trama de este libro que quieres hacer? El esquema de una manera muy clara y concisa identificará a los personajes principales, sus arcos de la historia, y le asegurará al editor que usted, el creador, tiene un claro sentido de un comienzo, un medio, y fin de tu historia. Recuerda que esto es solo un contorno, es como la silueta de tu historia. Cambiará y crecerá a medida que desarrolles el proyecto junto con tu editor. A continuación en la lista, le mostramos al editor un vistazo a nuestros personajes. Esto responde a la pregunta, ¿cómo se ven los personajes de la historia y qué representan? Estos son básicamente diseños de arte conceptual que muestran a los personajes principales de tu historia y tal vez una idea de algunos de los momentos destacados de tu contorno. Por último pero ciertamente no menos importante es el arte de muestra para tu pitch. Andrea dice que esto se puede definir como una difusión de dos páginas de una escena de muestra de la historia que se quiere contar. El arte de muestra realmente luce tu estética. Va a resaltar tu narración secuencial de arte revelando el diseño, el arte de la línea, el lenguaje, color y las letras de tu libro potencial. No importa cuán exitoso hayas tenido en tu carrera, cada vez que quieras crear un nuevo libro, tienes que generar un pitch que sea solo parte del sistema. Aquí no hay atajo. Creo que eso es una gran cosa porque el tono que creas realmente te ayuda a llegar al núcleo de tu historia. Cuando vas a finalmente hacer tu libro, que puede ser un esfuerzo largo, ya estás súper enfocado en lo que estás tratando de decir y cómo lo estás tratando de decirlo. Ahora, esta clase va a estar repleta de mucha información. Lo que recomiendo hacer es tomar notas y hacer bocetos ya que estoy hablando para ayudarte a construir impulso en lo que va a ser tu pitch. 4. Los grandes cinco: La novela gráfica es un medio de arte que ha estado estableciendo rápidamente un lugar en el mercado editorial tradicional desde finales de los años 80, principios de los 90. Ahora, creo que lo mejor de este negocio es que siempre está buscando nuevas voces. Dicho esto, tu historia es el aspecto más importante de tu pitch. Pero también saber lo que las cinco grandes editoriales están poniendo al mercado puede realmente ayudarte a elaborar esa historia una manera que responda a una de las grandes preguntas, dónde hace tu producto sentarse en el estante? Recuerda, este es un negocio y para vender un libro, necesitas estar creando algo que encaja en medio de otros títulos. Ahora, las cinco grandes editoriales son Hachette, HarperCollins, Simon & Schuster, Macmillan, y Penguin Random House. ¿ Por qué estoy poniendo tanto foco en estas corporaciones gigantes? Bueno, para ser honesto, es porque son los más influyentes y trabajar con ellos podría ser extremadamente beneficioso para ti, el creador. Estas editoriales pueden ofrecer los mayores avances, ser recursos creativos excepcionales en cuanto a brindarte grandes editores y directores de arte, ofrecen el mejor marketing y la distribución más amplia. Eso no es para poner abajo editores indie. Me encantan muchas editoriales independientes y puedes tener una gran carrera en esos espacios y, por supuesto, no necesariamente te vas a hacer rico y famoso solo porque trabajas con uno de los cinco grandes. Solo digo que te ofrecen mucho apoyo para que construyas una carrera. Ahora puede que no estés viendo estos logotipos en todas las novelas gráficas de la biblioteca o librería. Eso es porque cada uno de estos cinco grandes tiene sus propias huellas de novela gráfica que publican cómics a través para lectores de grado medio y adultos jóvenes. Algunas de las grandes huellas incluyen Graphix de Scholastic, First Second, HarperAlley, y Little, Brown Young Readers. Ahora los cinco grandes publican todo tipo de géneros incluyendo fantasía, ficción histórica, memorias y romance. Pero a partir de mi investigación y mis charlas con Andrea, el joven lector mercado de novelas gráficas con mayor crecimiento se describe como historias contemporáneas para lectores jóvenes o colas de jóvenes modernos amistades, también conocidas en el biz como historias escolares. Historias que atraen a una amplia gama de lectores jóvenes. Estos son libros en los que los niños y los adultos jóvenes pueden ver a sí mismos. historias contemporáneas pueden incluir elementos de género como memorias, realismo mágico, aventura de fantasía, horror, ciencia ficción, y otra vez, romance. Todo puede ser parte de este estilo de narración de cuentos. Por ejemplo, los libros que actualmente estoy creando con Little Brown son contemporáneos de grado medio, pero también tienen sabores de ficción histórica, horror, y misterio. Ahora es probable que tu libro sea una historia muy diferente a la de los libros que hago. Pero voy a hablar desde un punto de un terreno común aquí para que podamos enfocarnos en historias diseñadas para inspirar y ser representativas del joven lector moderno. Ahora veamos algunos de los libros reales que estos jóvenes lectores están sacando de los estantes. 5. El mercado/lectores tempranos: Ahora para ayudarte en tu propia investigación del mercado, estoy en un toque sobre algunos de los grandes jugadores en el espacio actual de novelas gráficas contemporáneas para lectores jóvenes. Libros que realmente admiro que me han inspirado y también tienen un gran impacto en lo que va a ser el futuro de este mercado. Vamos a ir cronológicamente de los lectores más jóvenes al adulto joven porque creo que te va a dar una gran idea de cómo evoluciona el estilo de narración con la alfabetización de los lectores. En el mundo occidental, ese es Estados Unidos de donde saco la mayor parte de mi experiencia de vida, novelas gráficas son un nuevo espacio para que los maestros, los padres y los jóvenes lectores se involucren. En los años 80 cuando era niño, este mercado realmente no existía. Sí, había colecciones de cómics de superhéroes, y estaba Will Eisner y ahí estaba Alan Moore y algunas de estas grandes figuras del arte cómico entrando en el espacio de la novela gráfica, pero el mercado no tenía realmente un punto de entrada para niños y jóvenes lectores. De hecho realmente creo que es el trabajo de la serie Captain Underpants de Dav Pilkey lo que ha emocionado a los jóvenes lectores sobre la forma del arte cómico. Creo que sus libros en actividades de aula y todos los medios que rodean las novelas que escribe su realmente criaron a una generación de niños para convertirse en cómics alfabetizados y verlo como una forma de arte que es Únicamente adecuado para que puedan leer e interactuar con ellos. Ahora veamos cómo el mercado define una novela gráfica. Se trata de combinar el término gráfico con el bien establecido mercado de la novela. La novela gráfica se define como una narrativa de forma larga que trata a menudo imaginativamente la experiencia humana a través de una cadena continua de eventos concernientes a diversos personajes en un entorno particular. En este caso, se utiliza el arte secuencial para contar esa historia y la está mostrando en la estética de los paneles dibujados a mano, elementos ilustrados en el texto. Una novela gráfica puede sentirse muy personal. Es casi que se ha extraído de un diario. Los artistas suelen trabajar en alrededor del 60 por ciento de su capacidad debido a la cantidad de trabajo que necesita ir a dibujar una novela gráfica, no se puede renderizar cada panel con altos niveles de detalle. Creo que eso realmente va un largo camino para ayudar al lector sentir que se conecta con el arte y casi podrían lograrlo ellos mismos. A medida que las novelas gráficas crecen en popularidad se abren nuevos rincones del mercado. En este momento en la primavera de 2022, cuando estoy grabando esto, una joven lectores primera introducción a las novelas gráficas puede suceder tan pronto como estén listos para apartar un libro de imágenes. En este espacio en el mercado realmente despegó alrededor de 2020, y se le conoce como el mercado temprano de la novela gráfica. Mi Editor Andrea, dice que estos son libros para niños de 6 a 8 años que acaban de graduarse de leer cosas como Mo Willems, Elephant in Piggy. Actualmente el gran vendedor en este mercado es la serie de libros de Ben Clanton, Narwhal y Jelly. Se trata de historias centradas en animales con atractivas formas geométricas y su diseño de personajes y texturas que recuerdan los libros infantiles. Ahora los libros de Ben Clanton usan la estética de los libros ilustrados infantiles, pero formateados en arte secuencial. Eso es paneles y burbujas de habla, generalmente el marco y es bastante sencillo. El rostro del personaje hacia afuera al público, vemos de uno a tres a cuatro paneles por página. El texto es bastante grande y claro de leer y las expresiones faciales son muy simples y sencillas. Personajes suelen ser felices, tristes, confundidos sin mucha variación y expresiones sutiles. Todo está más o menos en la superficie. Los libros rematan alrededor de 60-80 páginas. Es por eso que este mercado está explotando, porque si bien requieren de mucha artesanía en cuanto simplificar una historia para apelar a estas jóvenes audiencias, se pueden crear mucho más rápido que un grado medio o una novela gráfica para adultos jóvenes. Owly encaja justo en el mercado con Captain Underpants y Dog Man como lo que se llama libros de grado medio temprano. Por lectores de ocho años que buscan ser desafiados por historias más largas desde un rango más amplio de género con más sutileza y complejidad a sus narrativas. La serie Owly de Andy Warhol apela a un lector un poco más alfabetizado. Owly es un personaje con un sentido más profundo de sí mismo y un estilo ilustrativo más complicado. Owly es un protagonista, es capaz de correr una gama más amplia de emociones, gracias al estilo de arte de la línea de dibujos animados. Los ambientes son mucho más ricos en cómo se renderizan. Tenemos luz y sombra, lo que puede recorrer un largo camino a sumar complejidad emocional a una historia. Los personajes secundarios son mucho más interesantes también. Las series Pea, Bee, y Jay de Brian Smitty Smith son novelas gráficas cortas para niños de 6 a 10 años. A diferencia de Owly, tienen un amplio estilo caricaturizado para ellos. Sus historias de identidad encajan en el feo tropo de narración de cuentos patito. Con estos libros de primer grado medio, los artistas son capaces de introducir encuadre y punto de vista de una manera que los libros Narwhal y Jelly no lo son. Podemos tener momentos de silencio donde se le pide a un lector que interprete parte de la narrativa a través de las expresiones faciales de los personajes. Se requiere mucho más compromiso del lector con estos libros. 6. El mercado/grado medio: Ahora en el otro lado de grado medio temprano, tenemos grado medio superior. Estos libros apuntan a los lectores de 8 a 12 años, y el recuento de páginas salta hasta alrededor de 250-314 páginas en promedio. Es un salto significativo en el potencial de contar historias, la cantidad de inversión del creador y la cantidad de inversión del lector. Notarás que la estética realmente cambia una vez que entras en grado medio superior en general. Ahora los personajes tienen proporciones más humanísticas y son mucho más representativos de la gente del mundo real que la caricatura es estilo de primer grado medio. Aquí es donde nos metemos en los libros donde queremos que los niños se vean a sí mismos en la historia. Ahora con ese recuento de páginas más grande, podemos contar historias que son similares a algo verías en una película animada como en tres actos trazando estructura y realmente satisfactorias arcos de personajes dinámicos. Ahora, por supuesto, todavía hay espacio para una realidad aumentada y una acción extremadamente tonta y caricaturizada en grado medio superior. Pero en su núcleo, estamos viendo estos libros como realistas realistas de la vida joven contemporánea, aunque estén ubicados en una galaxia lejana o en una civilización antigua. Por ahora solo para basarnos, veamos dos libros contemporáneos populares que cuentan con veamos dos libros contemporáneos populares que cuentan conescolares modernos y lo que se conoce como una historia escolar. New Kid de Jerry Craft fue publicado en 2021. Es la primera novela gráfica en ganar el impresionante Newbury Award que es un gran problema y realmente va a cambiar lo que el mercado de las novelas gráficas de grado medio en el futuro. En realidad mi editora Andrea trabajó en un borrador temprano de este libro con Jerry Craft, y aunque no llegó a publicar, tiene unas palabras realmente amables que decir sobre este proyecto. Los editores apoyan a la industria en su conjunto, aunque no lleguen a tener su nombre en el libro, eso es alentador escuchar. Ahora New Kid es una historia de llegada sobre un niño llamado Jordan que vive con su familia en el barrio de Washington Heights. Este es un verdadero barrio de la Ciudad de Nueva York en el norte de Manhattan. El libro sigue a Jordania mientras comienza en una nueva escuela y aprende a lidiar con la dinámica cambiante de sus viejas amistades y estos nuevos niños que está reuniendo en esta escuela privada privilegiada. El libro tiene un elenco diverso de personajes y relaciones jóvenes realmente complicadas que se tratan de una manera sutil que tal vez no necesariamente se recoja en la primera lectura. Cada relación que encuentra muestra otro lado de la vida de Jordania y cómo trata encajar a la vez que lucha por ser él mismo y otra historia de identidad. Esta no es una premisa poco común por supuesto, probablemente hayas leído muchos libros como este. Pero lo que lo hace único es el estilo de narración de cuentos Jerry Craft. Tiene una estética audaz que para mí recuerda en algún grado tiras cómicas de periódicos como Curtis e incluso los circuitos familiares. New Kid es sin duda una historia personal, pero no se puede llamar exactamente una memoria. Veamos un ejemplo de eso en este mercado. Just Pretender by Tori Sharp tiene un protagonista de 12 años al igual que New Kid, pero notarás que el nombre del autor en nombre del personaje principal coincide. Podemos llamar a esto una memoria, y es una historia tomada directamente de su joven vida. ¿ Cómo sé eso? Bueno, en realidad soy amigo de esta autora y fui anfitrión de su fiesta de lanzamiento. Tuve mucha visión de cómo contó esta historia, que fue súper genial porque en realidad creo Just Pretender habla una verdadera nivelación de la alfabetización de los jóvenes lectores en el ámbito de las novelas gráficas. Tori divide su narrativa a través dos aspectos del punto de vista de la caricatura Tori. A veces estamos viendo Tori trabajar a través los efectos de sus padres desordenado divorcio en la vida real. Pero para escapar de ese drama, también saltamos a su imaginación donde vemos la historia que está contando y tenemos un personaje que busca estabilizar su vida usando su imaginación. Es este acercamiento a la narrativa de dibujos animados el que premia al joven lector por volver atrás y leer el libro por segunda vez, que es algo que es bastante fácil hacer con novelas gráficas porque no son tan pesados como una novela tradicional. Ahora no siempre es el caso que el artista y escritor de una novela gráfica o de la misma persona. Veamos una colaboración bastante popular. Este libro se llama When Stars Are Scattered, título bastante grande, es de Victoria Jamieson y Omar Mohamed. El libro es finalista del Premio Nacional del Libro y es una memoria sobre vida de Omar con su hermano menor Hassan a medida que crecen en un campo de refugiados. El relato se cuenta a través del punto de vista de Omar y su vida como ex refugiado somalí. Durante ese tiempo, el padre de Omar fue asesinado y fue separado de su madre. Esta es una historia muy personal, inspiradora e importante. He escuchado a Victoria Jamieson hablar sobre trabajar en este libro y los desafíos de tratar de contar la historia de otra persona a través de tu propia obra de arte. Creo que hizo un gran trabajo y los lectores parecen estar de acuerdo. Ahora bien, esto está en su primer libro, construyó una gran reputación para sí misma y contando sus propias historias más personales que es la autora más vendida de Roller Girl and All's Faire In Middle School. Creo que este libro es un gran ejemplo de cómo los niños pueden tener la oportunidad de involucrarse con historias muy importantes, ya sea sacadas de las noticias o de la historia reciente y empatizar con estas personas que les cuentan. Novelas gráficas es un espacio creativo perfecto para comunicarse con lectores jóvenes. Ahora veamos algunas de las características generales novelas gráficas de grado medio. Existe esta regla general en la publicación que un joven lector quiere leer sobre los niños que eran mayores que ellos. Por eso uno de los lineamientos más rígidos del mercado de grado medio es que los personajes principales de las historias tengan entre 10 y 13 años de edad. De esa manera, los lectores de 8 a 11 o 12 años pueden mirar hacia arriba a estos personajes y estar un poco más enfocados en sus arcos de la historia, y estos arcos de historia generalmente se enmarcan a través de conflictos basados alrededor del mundo inmediato de los personajes y su relación con él. Estas historias suelen estar centradas en el punto de vista del personaje con mucha acción externa y mínima autoreflexión. los personajes están siempre avanzando y pensando y actuando en rápida sucesión. Personalmente encuentro estética de grado medio para tener una dulzura general a su estilo visual y narrativo, un poco de inocencia que aclara un poco el estado de ánimo. Pero por supuesto no debemos juzgar libros por sus portadas ni una rápida mirada a sus obras de arte. Los libros de grado medio están en su mejor momento y son recompensados por ser historias honestas e inspiradoras en igual medida. 7. El mercado/adulto joven: ¿ De dónde termina el grado medio superior, y comienza el adulto joven? La respuesta es, es un área gris. Tal vez una buena manera de entender la diferencia entre estos dos mercados, es mirar un libro de grado medio y un libro YA del mismo autor. The Witch Boy de Molly Ostertag, tiene un protagonista que tiene 13 años. Ya estamos empujando el mercado de grado medio, y es una historia que se ambienta en un mundo de fantasía de gama alta. Para mí, el aspecto de la construcción del mundo, la forma en que lo usa para hablar de carácter, le da al libro una experiencia de lectura más profunda que el habitual libro de fantasía de grado medio. Si bien los tres libros de Molly's, serie Witch Boy, son de grado medio, su libro que viene después, la Chica en el Mar, definitivamente está categorizado como YA. Esta es una historia sobre el romance, y el amor joven, y el romance es definitivamente un no-no en grado medio. Sí, puedes tener un enamoramiento y puedes tener un beso inocente en un libro de grado medio, pero no puedes explorar el romance, y temas del amor, y la sexualidad, y la pasión en la forma en que puedas adulto joven. Desde una perspectiva de mercadotecnia, ahí es donde se dibuja la línea. ¿ He conocido a niños que tienen ocho años leyendo joven adulto? Sí. ¿He conocido a jóvenes adultos que leen libros para niños? Sí. La gente puede leer lo que quiera. Pero de lo que estamos hablando aquí es la forma en que las personas en las reuniones que necesitan decidir sobre las técnicas de marketing, y cuánto dinero dar a un autor, deciden dónde las categorías descomponerse. Es importante saber que porque son los porteros al final del día. Pero siempre ten en cuenta que una vez que pases por esas puertas, puedes hacer lo tuyo para poner tu libro en manos de los lectores que apreciarán las historias que quieres contar. Ahora echemos un vistazo más de cerca a lo que significa ser una novela gráfica YA. YA tiene una gama realmente amplia de tono a su disposición. Hablamos de cómo grado medio tiene una dulzura, y la inocencia a ella. YA llega a profundizar en temas más oscuros como: abordar la depresión completa, abordar el amor completo, y abordar la sexualidad completa. YA también puede tener un enfoque más complicado de la narrativa. Los personajes pueden ser más internos, y ambiguos. Las emociones aumentadas realmente pueden sacudir las jaulas de los lectores si quieres que lo hagan. Los libros de YA pueden ser políticamente desafiantes en formas que de grado medio, realmente como un mercado en el sistema actual, simplemente no puede. Recuerdo cuando descubrí chino nacido estadounidense de Gene Luen Yang alrededor del 2007 cuando el libro fue lanzado por primera vez. Es una historia bastante inolvidable sobre la búsqueda de identidad, pero al principio me engañó porque realmente parece que es un estilo de arte que se adapta a los niños. Pero la historia de Yang es bastante complicada, y tiene un enfoque realmente único de la narrativa, que la asienta en la categoría moderna de jóvenes adultos. La historia se cuenta a través de tres personajes diferentes, el Rey Mono, Gene Yang, y Danny, alter ego de Gene y el libro recorre estos tres puntos de vista narrativos. Americano nacido chino, a menudo veo emparejado con libros como Persépolis y Fun Home, memorias que tienen un enfoque realmente seguro y único su narración de cuentos. Considero esto todo YA. Un libro más reciente, The Magic Fish es una historia semiautográfica escrita e ilustrada por Trung Le Nguyen, publicada en 2020. La novela comienza con la historia de 12 años [EXTRANJERO], una adolescente estadounidense vietnamita de segunda generación que ayuda a su madre aprender inglés a través de cuentos de hadas. Estoy destacando este libro porque, a medida que aprendemos más sobre el personaje principal, vemos esta mezcla de la fantasía en el mundo real y cómo estos cuentos de hadas empoderan a nuestro protagonista para ser ellos mismos. Es un gran ejemplo de cómo la estética cambiante puede crear una narrativa aún más atractiva, algo que sólo se puede hacer realmente con la novela gráfica. This One Summer de Mariko Tamaki e ilustrado por Jillian Tamaki fue publicado por 1er, 2do en 2014. Otro libro que recuerdo descubrir y solo ser impresionado por. Este es quizás uno de mis libros favoritos de todos los tiempos. Está ambientado durante los calurosos días de verano en un pequeño pueblo de playa llamado Awacko, y la historia sigue a dos adolescentes y amigos de toda la vida, Rose y Wendy, ya que se encuentran en medio de las historias de otras personas, de verdad. Están lidiando con dinámicas familiares desafiantes; discapacidad mental, sexualidad, drama adolescente, todo tipo de drama. Rose tiene 18 meses mayor que Wendy. Cuando eran más jóvenes, no parecía importar tanto. Pero esta historia hace un gran trabajo de poner en perspectiva, ese momento de llegada de edad, donde la brecha de edad realmente empieza a importar mientras te reconectas con personas a las que no has visto a lo largo de todo un año escolar volviendo juntos y viéndose unos a otros desarrollando personalidades distintas que podrían estar casi chocando. Esta es una historia realmente sobre Rose sintiéndose como si estuviera superando a Wendy, pero también insegura de adónde va su vida después. Se puede contar que esta es una historia para lectores mayores. Tiene más temas para adultos, o al menos temas de adolescentes. El arte también da esa impresión. El diseño de personaje caricaturizado recuerda a novelas gráficas más jóvenes, pero la estética que utiliza Jillian está realmente influenciada por impresionismo y solo tiene una relación más madura con el arte visual, sobre todo en el encuadre y los momentos tranquilos. Aquí está una de mis páginas favoritas realmente. Se puede ver que el mundo está mucho más castigado, más sombrío. Este libro es especial para mí, y es realmente especial a la cultura de las novelas gráficas también. Es conocido por hacer la lista de los 10 libros más desafiadosde la American Library Association 10 libros más desafiados dos veces. Eso es bastante impresionante ser prohibido dos veces. Ahora este libro también ganó, La medalla de Caldecott y fue reconocido como el libro ilustrado estadounidense más distinguido para niños el año en que salió. Siempre habrá gente que quiera censurar y prohibir libros que desafíen su cosmovisión o que no se alineen perfectamente con sus valores, pero afortunadamente, hay muchas más personas en el mundo que quiere campear estos libros. La última vez que revisé, This One Summer, sigue siendo un bestseller. Ser valiente con tus historias dará sus frutos. Ten eso en cuenta. 8. El mercado/nuevas voces: El mercado de la novela gráfica siempre ha sido sobre descubrir nuevas voces y compartir historias incontadas. último pero no menos importante en esta parte de nuestra conversación, quiero compartir un solo libro contigo, el libro donde todo comenzó. Flashback a 1986 cuando Pantheon Books, una huella perteneciente a Penguin Random House, publicó la colección de 296 páginas de Art Spiegelman serializado comic strip, Maus. Este libro es la verdadera historia ilustrada de la experiencia de Vladek Spiegelman durante la Segunda Guerra Mundial como contó su hijo, Artie. Es un documento histórico contado a través del encuadre de una memorias sobre un padre y su hijo. La forma en que Spiegelman usa el arte cómico para contar una historia novelista volvió muchas cabezas. La gente en la corriente principal nunca había leído realmente un cómic. Esto fue publicado en un zine subterráneo, y Panteón lo estaba trayendo a la luz de las principales librerías. La gente empezó a comprarlo y los maestros empezaron a compartirlo con sus alumnos, y se tuvieron conversaciones al respecto y se escribieron trabajos de tesis al respecto. En 1992, Maus ganó el Premio Pulitzer, y ahí es donde obtenemos el inicio de nuestra historia porque con el éxito de Maus, otras grandes editoriales se metieron en el negocio de la novela gráfica. Se había comprobado que se podía hacer. Maus siguió creciendo en popularidad y siguió siendo prohibido. [ Risas] en algunas comunidades. Este es un ciclo interminable al parecer para historias que no son para todos. Pero el enfoque estilístico de Spiegelman a la narrativa ha tenido un gran impacto en los narradores que han venido tras él. También lo que los editores esperan ver y el bar en el que podemos aspirar como narradores. De los personajes antropomórficos de Spiegelman, sus metáforas visuales caricaturizadas, sus narrativas en capas de historias dentro de las historias, su meta reflexión a través arte cómico sobre hechos históricos, la sangre de Maus fluye a través de cada novela gráfica que vemos hoy. En conclusión, una comprensión del mercado te va a ayudar a aspirar a ser un gran narrador y también a encontrar un lugar donde pueda caber tu pitch. Haz todo lo posible para responder a una de las preguntas más grandes del pitch. ¿ Dónde encaja esta historia en el estante? ¿ Cuál es tu producto? Créeme cuando digo, el mercado sigue explotando con diversidad y los cinco grandes editores están trabajando extremadamente duro para recoger todas las grandes historias de nuestro tiempo. Si bien tu primer pitch puede no ser el que te consigue ese acuerdo de libro, para ir en este viaje, realmente tienes que creer que hay un lugar para ti en el mundo de la publicación y dejar que el de libros como This One Summer y New Kid y Maus te inspiran a seguir tu propia historia dondequiera que te lleve. Estoy seguro de que va a haber lectores esperando para conocerte allí. 9. Blue Sky: Ahora hemos hablado de un montón de otras historias de creadores y probablemente te estés preguntando, ¿qué historia quiero lanzar? Bueno, mantén tu respuesta sobre eso por un segundo. Apreciemos este momento aquí. Ahora mismo, ¿estamos en qué? Los creativos llaman la etapa del cielo azul del proceso. Es un momento en el que literalmente todo es posible. Debería sentirse exactamente así. Imagínate tendido sobre la hierba en un cálido día de verano mirando hacia el cielo. El cielo es muchas cosas pero no es una página en blanco. Hay sonidos a tu alrededor. Insectos cantando, ramas que se frotan entre sí, vientos que se mueven a través de la hierba, y las nubes se acumulan constantemente sobre tu cabeza. Ideas flotando a través de ese cielo azul es toda buena idea que has tenido que se toma solo un poco de forma y te dejó alguna impresión. Algunas de estas nubes tienen una forma más clara que otras, pero todas por simplemente estar ahí tienen algo que ha provocado tu imaginación de una manera u otra. Ahora comenzar un pitch de libro no se trata de mirar hacia abajo a una página en blanco y estresarte sobre qué dibujar, no se trata de generar algo de la nada, se trata de ti aprendiendo a ver y entender todo lo que te ha hecho quien eres. Si estás abierto a estas ideas que pasan por tu mente, inevitablemente comenzarán a formarse historias en el ojo de tu mente. Verás la forma de un personaje, un escenario, un momento especial, un objeto especial. Para ser un buen narrador, necesitas aprender a estar tranquilo, a escuchar los recuerdos, y escuchar tu imaginación porque todo te está susurrando ideas constantemente. Ideas que podrían formar el inicio de tu primera novela gráfica. Ahora que tu cabeza está llena de nubes ojalá, empecemos a tomar algunas notas. Estamos buscando algo que pueda hacer un buen lanzamiento para un libro, una historia que pueda expandirse y crecer a medida que lo explora, y que comience con algo simple. Una foto favorita de todos los tiempos en la que apareces con tus amigos y tu familia, una pieza histórica de arte que no te dejará la mente. Tal vez un artículo de noticias que lees que guardas en un libro de recortes, a un momento de un cuento de hadas que aparece en tu cabeza cada vez que estás a punto de dormirte, una canción que te lleva de vuelta a un tiempo y lugar, una amistad que hay que celebrar, una pérdida que necesita ser procesada, o un mensaje que hay que compartir con el mundo. Como cuentacuentos, ¿cómo me mantengo abierto al proceso del cielo azul? Bueno, uso mi teléfono, claro. Me envío por correo electrónico notas constantemente. Podríamos estar conduciendo a un restaurante, podría estar paseando a mi perro, tal vez esté sentado y viendo una película y me diga a mí mismo, oye, me encantaría saber más sobre eso. Para mí, es entonces cuando sé que vale la pena poner una idea, cuando tengo curiosidad por saber más. Mi bandeja de entrada está llena de estos pequeños pensamientos divagantes, enlaces a extraños artículos de noticias de oscuros periódicos locales de todo el mundo. Copiar y pegar cotizaciones de ensayos académicos sobre temas que pensé que eran interesantes por un momento pero ahora me son confusos. No todas estas ideas se van a convertir en un libro obviamente, pero es parte del proceso. No se trata sólo de palabras, se trata también de recolectar imágenes. Estas pueden ser fotografías de tu vida como mencioné antes, pero también podrían ser tableros de arte conceptual de Pinterest de tus películas favoritas de ciencia ficción. Una colección de postales antiguas, sus portadas de libros favoritas, diseño gráfico vintage o fotografía de moda. No hay rasgo común de dónde pueden venir las ideas en la etapa del cielo azul. Aparte de eso son ideas que te han pasado brevemente y que tenían una forma que te hizo un poco curioso. No importa cuánta investigación haga en crear el tono perfecto de novela gráfica, realmente solo puedo hablar desde mi experiencia al final del día. A lo largo del resto de este curso, voy a estar usando mi libro de grado medio superior, Shark Summer como ejemplo. Estoy escogiendo este libro porque creo que el pitch para Shark Summer es el pitch más exitoso que jamás voy a hacer porque fue el que me consiguió mi primer acuerdo de libro con un gran editor de cinco. Lo cual mirar atrás ahora es realmente sorprendente porque esta no era una historia que planeaba contar. Siempre quise contar fantasía de alto concepto o historia de ciencia ficción. Quería hacer algo realmente arraigado en el género. Pero cuando Andrea miraba mi trabajo, estaba rechazando todas estas ideas. Ella dijo, quiero que intentes ponerme en algo contemporáneo, las historias de amistad joven que están haciendo tan bien en el mercado de grado medio. Yo estaba como, eso suena aburrido. Mi cielo azul simplemente realmente no tiene cosas así. Quiero dibujar dragones en naves espaciales, no historias de amistad. Entonces me acosté y pensé por un momento, lo que disfruto tanto del proceso del cielo azul es que está arraigado en la imaginación. Pensé en mis amistades y cómo estaban todos arraigados en nuestras conexiones a través del arte que creamos juntos, haciendo cómics de niños, leyendo libros del hombro del otro, yendo a las películas juntas, haciendo escenas y cortometrajes, y escribiendo obras de teatro. Pensé que el proceso creativo es realmente como me conecto con la gente. De hecho, si lo estoy haciendo ahora mismo, por eso me encanta enseñar. De repente tuve esta idea de contar una historia ambientada detrás de las escenas de una película. Yo lo imaginé siendo sobre un grupo de amigos improbables que se sintieron atraídos por la necesidad de ganar premios en dinero en un festival de cine local. A medida que esta idea de cielo azul comenzó a tomar su forma, pensé en estos chicos en esta aventura y cómo a través ellos podía compartir mi pasión por proceso creativo y la narración. Nunca había presentado una historia como esta porque simplemente no podía ver que había estado allí todo el tiempo. Pero ahora, desde hacer Shark Summer, ni siquiera puedo imaginar un camino diferente para mi trabajo. No puedo decirte de dónde va a venir tu idea de historia. Sólo digo que no esperes que sea obvio. Deja que te sorprenda. Ahora que tienes un cielo lleno de ideas y has bajado a una pareja y un buen vistazo a algunas de ellas y te has hecho un montón de preguntas, encuentra la idea que tiene el la mayoría de los yeses apegados a ella. Empecemos a acercarnos a él y encontremos una historia para nuestro terreno de juego. 10. Resumen de la historia: Todos los lanzamientos de libros comienzan con un párrafo muy corto que resume la historia que quieres contar. Algunas frases como máximo, promediando alrededor de 50-100 palabras. Este párrafo incluye alguna combinación de los siguientes elementos: Una descripción de tu personaje principal, el escenario de tu historia, el gancho de tu historia, el conflicto central de tu historia, y un poco de sabor extra para que tu público imaginario quiera seguir leyendo. Ahora, puede que te preguntes, oye, pero estamos lanzando novelas gráficas aquí. Si tienes arte de muestra en tu pitch, ¿por qué alguien querría leer el resumen de tu libro? Bueno, el arte de muestra definitivamente va a revelar la estética de tu oficio, y por supuesto, es importante cómo va a lucir tu libro. Pero este pequeño párrafo le dice un agente o a un editor algo muy importante. ¿ Vale la pena estirar esta historia en una narrativa de forma larga que pueden vender en una reunión de adquisición? Puedes tener una gran historia con arte poco lustre, pero no puedes tener un gran arte con una historia poco lustre. La historia es clave. Incluso si no estás ansioso por conseguir este proyecto de pitch frente a un editor o un agente, creo que es súper útil aprender a contar tu historia en unas oraciones porque requiere que seas brutalmente honesto sobre lo que estás tratando de decir con tu trabajo. Este párrafo es el primer paso para enseñarte a compartir una historia con un público. ¿ Cómo sabes si tu párrafo es digno? Bueno, los elementos de tu historia necesitan alinearse con una narrativa novelista en capas. Necesitamos sentir que estos personajes conectan con la experiencia humana. Tienen que sentirse creíbles y tienen que sentirse relacionables. Tenemos que imaginar que van a pasar por una serie de eventos que nosotros, el lector, queremos seguir. La historia puede ser simple, pero las ideas y temas tienen que sentirse grandes e importantes. Haz tu mejor esfuerzo para resolver estos elementos más grandes de tu narración ahora antes de pasar horas enseñándote a dibujar para este libro. No confundas este párrafo de texto por una sinopsis de trama. El enunciado de este párrafo necesita crear un equilibrio de elementos convencionales de trazado. ¿ Es esta historia una búsqueda? ¿ Es una historia de venganza? ¿ Es una historia de amor? ¿ Es una historia poco perezosa? Pero lo más importante, tiene que contar con los personajes, su entorno único, y los elementos de ti que te convierten en un narrador interesante. No basta con querer contarnos una historia de detectives. Cuéntanos lo único de tu historia de detectives. Veamos algunos lanzamientos simples que se han convertido en novelas gráficas de grado medio muy exitosas. El séptimo grado, Jordan Banks, no ama más que dibujar dibujos animados sobre su vida. Pero en lugar de enviarlo a la escuela de arte de sus sueños, sus padres lo inscribieron en una prestigiosa escuela privada conocida por sus académicos, donde Jordan es uno de los pocos niños de color en todo su grado. Examinemos la efectividad de este sencillo párrafo. A la primera frase, el estudiante de séptimo grado, Jordan Banks, no ama más que dibujar dibujos animados sobre su vida. Una historia que naturalmente debe venir de un caricaturista. Se va a relacionar con niños que también les encanta dibujar y a los niños que son, en general, apasionados por sus pasatiempos. Así que tenemos una configuración familiar para una historia de grado medio. Nada es súper notable esa primera frase aparte de que se establezca un carácter claro con el que podemos relacionarnos, lo cual es perfecto porque la siguiente frase añade mucho capas a esta historia. A través de esa frase, tenemos un gran sentido de los temas del libro y a dónde nos va a llevar la trama. Este párrafo nos ofrece un cuento potencialmente inspirador. Es un clásico desgarrado entre dos mundos historia y es desde un punto de vista que históricamente, no hemos visto lo suficiente en la narración contemporánea. Veamos otro párrafo de tono. Raina solo quiere ser una normal de sexto grado. Pero una noche después de Girl Scouts, se tropieza y cae, lesionando gravemente sus dos dientes frontales. Lo que sigue es un viaje largo y frustrante con apoyos de encendido y de nuevo, , cirugía, tocados vergonzosos, e incluso un retenedor con dientes falsos unidos. Además de eso, aún hay más por hacer frente: Un gran terremoto, confusión de chicos, y amigos que resultan no ser tan amigables. Por si te estás preguntando, este es el resumen del libro, Sonrisa, número 1 de Raina Telgemeier, el libro más vendido del New York Times. Se trata de una memorias gráficas ganadora del premio Eisenhower basada en su infancia. La fuerza de la historia realmente radica en su especificidad. Los detalles de sus problemas dentales son los que lo hace destacar. Las historias basadas en experiencias personales son muy populares en grado medio y son muy importantes, pero no son los únicos tipos de historias que se cuentan. Hay formas de expresarte en tus propias pasiones e intereses y drama desde tu vida que no te centran como protagonista principal. Déjame romper mi pitch para el libro, Shark Summer. Tiene un gancho bastante sencillo para la historia, pero mira cómo cobra vida una vez que empiezo a revelar la historia misma. Tres niños se unen para ganar primer premio en un festival de cine local en la isla de Martha's Vineyard durante el verano de 1974, mientras un estudio de Hollywood se apodera de la isla con su producción propia protagonizada por un gigante tiburón sediento de sangre. La especificidad del escenario y el potencial para que desata esta aventura única es lo que lo hace fuerte. Cuando estaba juntando este pitch, realmente pensé que la fuerza de ello era que estaba ambientada en el mundo de la fabricación de Jaws, que aquí en América es una película realmente famosa. Pensé que era algo con lo que los padres se conectarían y querían comprar este libro y compartirlo con sus hijos. Pero a mi editor no le encantó por esas razones. De hecho, ni siquiera había visto a Jaws todo el camino. A ella no le gustan las películas de miedo. Ella vio el potencial en este entorno que realmente me apasionaba, y los personajes realmente llamaron su atención, y lo que ofrecen al lector. Por supuesto, creo que el título, Shark Summer, también le llamó la atención. Hay tres ejemplos para ayudarte a empezar a elaborar este sencillo párrafo de tu historia. Te voy a animar a hacer un poco más de investigación. La buena noticia es que cada novela gráfica que alguna vez ha sido lanzada con un editor de Big Five tiene una página dedicada en la página web del editor que te da este resumen de un párrafo del libro. No puedo enfatizar lo suficiente como este párrafo realmente es el corazón latido del proyecto en general, no porque sea lo más artístico del mundo, porque es lo más empresarial [Risas] cosa en el mundo. Este párrafo es utilizado por un agente literario para lanzar su libro a los editores. Este párrafo es cómo un editor discute el proyecto con su equipo editorial. Este párrafo influye en cómo un equipo de ventas lanza el libro a sus minoristas. Este párrafo es cómo los publicistas lanzan a los revisores. Este párrafo es como vas a hablar de tu libro en redes sociales cuando finalmente se publique. Este párrafo va a cambiar de muchas maneras a medida que empieces a trabajar con tu editor para elaborar el libro en sí. Pero el éxito del libro siempre permanecerá conectado a su elección de palabras en esta etapa temprana. Es tu primera impresión de tu historia y sólo va a resuenar en la forma en que resuena una primera impresión de una persona. Para concluir aquí, este pequeño párrafo es el primer elemento de tu proyecto de clase. Pero tal vez sigues complaciendo esa fase del cielo azul, eso está bien. Si estás tratando de seguir junto con la clase pero aún no tienes tu propio cuento original, lo que podrías hacer es escribir un pequeño resumen rápido de un cuento de hadas que conoces bien, o una fábula, algo, quizá tradicional, que puedas moldear con un poco de contexto más contemporáneo y convertirlo en algo único y un poco más personal. Eso es todo lo que realmente necesitas para participar en la siguiente lección, que es convertir la historia en un esquema. 11. El esquema, parte 1: Una vez que hayas enganchado a tu agente o a un editor con ese párrafo de apertura y hayan mirado tu arte de muestra y les encanta lo que estás haciendo, van a querer leer un esquema completo de tu historia. El contorno no debe tener más de unas pocas páginas de largo. Podrías llamar a esto un resumen de la historia, pero estoy eligiendo la palabra contorno porque considero esto la parte donde tu historia toma su forma general, pero lo que está en lo profundo de ella, todos los detalles, aún para realmente ser definido. En este punto, necesitamos ampliar la distinción entre historia y trama si vamos a escribir un gran esquema. Durante la narración de tu historia, la trama se revelará. mejor tu historia termina siendo la búsqueda de un héroe, tal vez termina siendo una historia de venganza, tal vez sea una historia de descubrimiento, una historia de amor prohibido, o una historia insignificante, todos estos tropos de trama que ciclo a través de la narrativa contemporánea cada generación. realidad hay muy pocas parcelas disponibles para nosotros como narradores. Algunos dicen que en realidad hay alrededor de 20 de ellos. Si bien hay algunas parcelas, hay infinitas historias para que contemos. Una trama apoya una historia y la hace más coherente. Pero como el narrador siguiendo demasiado de cerca a la trama correcta también restringe el potencial de donde tu historia puede llevarte. Nos pasaremos a cómo estructurar una historia con esta cita de una autora y maestra favorita mía, Ursula K. Le Guin. En su libro, Steing the Craft, una Guía del Siglo XXI para navegar el mar de la historia, describe una historia como una narrativa de eventos que se mueven a través del tiempo e implican cambio. Describe la trama como la forma de la historia que usa la acción como su modo, generalmente alguna forma de conflicto, y conecta de cerca e intrincadamente un acto de la historia con el otro a través una cadena que termina en un clímax, muy técnico y formal. Ahora para citar su libro, “Las ficciones modernas más serias no pueden reducirse a una trama retold sin pérdida fatal excepto en sus propias palabras. El cuento no está en la trama, sino en la narración. Es el decir lo que se mueve”. Ese es nuestro objetivo con este esquema, crear una historia que mueva al lector a través de su narración de ella. Ahora en cuanto al contenido, el contorno define todos los latidos principales de la historia lo más claramente posible. Pero el esbozo en sí no es una historia destinada a entretener. Básicamente es un documento interno que revela tu plan maestro a un agente o a un editor, lo que significa que no te molestes en intentar impresionar a alguien con tus palabras de $0,50, guardar ese lenguaje elegante para un clase de poesía. El contorno debe ser más como notas de acantilado o una lista de compras. Bueno, tal vez no tan aburrido como una lista de compras, pero se obtiene el punto. Un esquema se usa mejor como registro de eventos para que alguien sepa lo que va a pasar. Al componer su esquema, asumir el papel de un escritor preparando una historia para un ilustrador, describe una escena con claridad, ofrezca una visión de un personaje si es necesario. Para mí, la forma más concisa estructurar un esquema es a través una tercera persona que habla del arco de personajes principales protagonistas. Aquí está el párrafo de apertura para el esquema a Shark Summer. Es bastante largo, no lo voy a leer en voz alta así que si te gustaría aceptarlo, por qué no pausas esta clase un momento. Ahora aquí está el arte que vino de ese contorno. Se puede ver que el contorno es realmente sólo servir latidos de historia que más tarde pueden ser embellecidos y dirigidos a través de los visuales. Pero en este momento el arte de tu narración no es súper importante. El esquema simplemente debe demostrar que tu historia tiene los latidos adecuados para que tu personaje pase del principio, al medio, al final de tu narrativa. Por supuesto, un agente y un editor van a querer ver sorpresas a lo largo de esto, y esas se convierten en las escenas de tu historia. Estas escenas necesitan desafiar y entretener a un lector. Ahora encuentro el mayor reto hora de desarrollar las escenas para mi contorno es ¿cómo pego estos latidos de historia? Bueno, aquí es donde la estructura de parcela viene en super práctico. Una visión general de la estructura de la trama nos muestra básicamente una lista de verificación de eventos en todos los niveles de la estructura de la historia. En el nivel más alto, podemos dividir una historia en, tres actos distintos, una puesta en marcha, un enfrentamiento, y una resolución. Entonces podemos crear escenas que cumplan con la promesa de cada uno de estos actos. Por ejemplo, una configuración necesita una introducción al personaje principal y sus deseos y necesidades, entonces necesita un llamado a la acción para el personaje. Dentro de esta configuración, es bueno mostrar tal vez una debilidad de este personaje, para que podamos empatizar con ellos. Entonces necesitamos un incidente incitante que deje a tu personaje otra opción que ir en el curso de la siguiente etapa de esta historia. Una vez que nos mudamos a la parte media de la historia, necesitamos algún enfrentamiento. Necesitamos un aumento en la acción desde el Acto 1, necesitamos pruebas mentales y físicas para el personaje, necesitamos fallas e ideas, necesitamos cosas para motivar sus acciones. Alrededor del final de la Ley 2, podemos ver un aumento en la confianza. Entonces para construir algo de tensión, un sorprendente revés que hace parecer repentinamente imposible que vayan a llegar al final de esta aventura. En el tercer acto, el personaje suele enfrentar alguna confrontación final ineludible, ya sea interna o externamente. Esperamos que sean capaces de superar su debilidad o estén definiendo defecto. Una vez que conocieron ese conflicto, se transforman por el enfrentamiento. En conclusión, el personaje vuelve a algo familiar que contrasta con su nuevo sentido de sí mismo. 12. El contorno, parte 2: Hay una claridad y satisfacción que proviene del uso de la estructura tradicional de tres actos para una historia. Realmente aprecio un proceso que ofrece claridad porque mi cerebro suele ser una maraña gigante de ideas, pero también estoy realmente interesado en romper reglas. Creo que muchos creadores se sienten así porque me alegra informar que las tendencias en grado medio y por qué las novelas gráficas de A están empujando activamente contra este tipo de tropo de estructura de narración de cuentos. Muchos editores están buscando historias con más sentido de trazado realista. Shark Summer y mis libros que forman parte de esa serie están muy fundamentados en la realidad. Hay latidos que sí hacen eco de una estructura de tres actos, pero no hay héroes y villanos claros que esa estructura evoque muchas veces. Sólo son personajes impulsados por sus propios deseos y necesidades personales. Considero la trama de mis libros, misterios, no misterios que se resuelven externamente como una historia de Scooby Doo, sino que realmente se resuelven internamente. Son historias aventureras, pero los personajes no están en algún tipo de viaje de héroe épico. Pero sí me di cuenta por mí mismo que hay una manera de contar una historia donde los sentimientos del personaje y el espíritu de sus acciones pueden sentirse heroicos a la vez que también se fundamentan. Aquí está mi variación sobre la estructura de tres actos que miramos antes. Es una plantilla que utilizo para mis libros. Te invitamos a usarlo si lo deseas. Si tienes problemas con él, por favor haz los tuyos propios. Si quieres compartir eso en la discusión para esta clase, me encantaría verlo. Esta plantilla que encuentro es realmente adecuada para una estrella misteriosa de grado medio en un pequeño elenco de personajes jóvenes reunidos por el deseo de resolver un misterio. El relato se resuelve mediante la transformación de los personajes en la búsqueda de esta solución. Ahora el truco con usar esta plantilla es que pienso la acción de la historia como un poco más interior. Para mantenerme en esa pista, llamo a la historia late la misión del protagonista. Veamos cómo Shark Summer sigue esta estructura de trazado. Acto 1, después de literalmente chocar con su compañera de equipo Lex, Gail opta por no disculparse y se aísla. Gail mantiene la ilusión de que sigue siendo deportista superior y campeona de toda la vida. Es su nuevo equipo aquí en Martha's Vineyard el que la está reteniendo. Para distraerse de este problema, Gail encuentra una nueva forma de ser campeona al ganar el premio en dinero en un Festival de Cine local y usar ese dinero para ayudar a su madre luchadora a abrir su heladería. Acto 2, después de unirse a Elijah, un niño con cámara y un amor por la filmación, Gail empuja hacia adelante su producción incluso sin una idea clara de lo que trata su película. Mucha acción en este acto sin verdadero respeto por donde proyecto de Gail la está liderando siempre y cuando no sea hacia Lex. Acto tres, entra a Maddy, la chica con la historia ganadora de premios y sus propias motivaciones secretas para contarlo, Gail y su equipo de tres están ahora en camino para ganar ese premio en dinero. El relato que están contando ha tomado la forma del conflicto interno de Gail. Como recordatorio constante al lector de que la necesidad de Gail de resolver su relación con Lex va completamente desatendida. Acto cuatro cuando Maddy revela su intención usar su película para deshonrar a la ex compañera de equipo de Gail, Gail ve que su resentimiento por Lex ha empoderado la oscuridad que hace que su película sea digna del premio dinero. Para escapar de este mal, Gail debe dar un paso adelante y resolver la tensión con Lex y comenzar el largo camino para reconstruir la confianza rota en su relación. Ahora, ojalá a través de mi desglose, puedan ver cómo este enfoque para construir un esquema me pone dentro la cabeza de Gail de una manera que trabajar en una estructura de tres actos no lo hace. Además, se puede ver que personalmente necesito mucha estructura para construir mis historias. Algunas personas simplemente comienzan en el punto A y trabajan hasta el final su cuenta y eso se convierte en su primer borrador. No hay una forma real correcta o equivocada de hacerlo. Ojalá encuentres tu propio lugar de confort en algún lugar del medio. Sea cual sea el estilo de construir un esquema funciona para ti, asegúrate de que te esté poniendo a través de interesantes latidos de historia que van a entretener y sorprender a tu editor y a tu agente. En resumen, crear un contorno puede ponerse desordenado. Estos son algunos consejos profesionales sobre cómo mantenerse organizado y en buen camino. Siempre vuelve a referirse a ese breve párrafo escribiste para establecer de qué se trata tu historia. Todos los elementos de su esquema deben apuntar de nuevo a ese párrafo. Si bien un esquema se trata de escribir, está totalmente bien sacar un poco de papel y dibujar tal vez un mapa mental de todas tus escenas. Haz más diseños de personajes, saca algunos libros, investiga un poco, crea viñetas de tus latidos de historia. Eventualmente puedes tomar todo ese contenido y construirlo en este esquema de dos a tres páginas. Personalmente, uso una hoja de cálculo de Google para rastrear mis escenas. Nadie lo ve más que yo. Aún así, es una parte esencial de mi proceso de esbozo. Esbozar se trata de escribir, pero es mucho más de revisión, editar cualquier cosa que no sea necesario, ser claro y conciso, lenguaje vago corre el riesgo de ser malinterpretado por tu agente o su editor, y por lo tanto su pitch se deja a un lado a favor de una historia contada con más confianza. Esbozar y garabatear está bien, pero absténgase de dibujar escenas más grandes para su historia. En este punto, las palabras son mejores puntos de referencia y son mucho más fáciles de adaptar a medida que evoluciona tu historia. A medida que escribas tu guión, mantén un ojo agudo hacia fuera para el final. A veces el final perfecto aparece de inmediato. A veces no te llega hasta que tus personajes realmente llegan allí. Cuando buscas el final, pregúntate, en base a lo que ya he dicho, ¿dónde debería estar mi personaje al final? ¿ Merecen lo que consiguen? Ojalá la respuesta sea sí. Para resolver mis historias y hacerlas sentir cohesivas en esa última escena final, me gusta imaginar toda la acción se ha resuelto de la aventura y dar un paso atrás y echar un vistazo a la principal personajes en un momento tranquilo. Ponlos en un lugar que sea familiar pero que se vea diferente después de la experiencia de esta historia. He escuchado este tipo de final descrito como establecer la nueva normalidad de un personaje, es decir que sus experiencias los trajeron de vuelta a algún lugar familiar, pero son significativamente diferentes. En conclusión, escribir un esquema puede llevar una buena cantidad de tiempo. Cada vez que te propusiste a escribir un esquema para un libro, es como volverse escritor de nuevo, la historia necesita resuenar y tomar forma. Por eso no estoy requiriendo un esbozo para la presentación de este proyecto de clase, aunque es esencial para tu pitch final. Ahora que tenemos una forma para nuestra historia, echemos un vistazo a los personajes dentro de ella. 13. Hojas de personajes: Agentes y editores quieren ver cómo se verán los personajes de tu libro para que parte de tu pitch tenga incluir lo que se llama hojas de personajes. Como creador, tus personajes son el recipiente de tu historia. Pero para tu editor ahí más que eso, también son las mascotas de tu libro. Tus diseños de personajes necesitan dibujar al lector a tu mundo. Diseñarlos es este fino equilibrio de tu propia inspiración personal y estética y también saber qué estilos atraen al mercado. Las hojas de personajes necesitan mostrar una mirada de cuerpo completo a tu elenco principal. Para Shark Summer, creé hojas de personajes para los cuatro niños principales de la historia. Cuando se trata de diseñar a mis personajes por primera vez, me gusta ponerlos en movimiento de inmediato. Tener en cuenta dibujar bien no es tan importante como dibujar emocionalmente. Tu estilo artístico revela carácter a través pose y el lenguaje corporal, y la expresión facial. No siempre es esencial tener proporciones de figura correctas. Diseña a tus personajes de una manera que resalta tu estilo de dibujo, pero también los deja claros y fáciles de leer por el bien de tu historia. Cuando estés diseñando tus hojas de personajes, encuentra formas diferentes y creativas poner a tus personajes en acción. Dales un aspecto de un escenario de tu historia, o tal vez dales algunos impulsos para trabajar. A medida que construyes tu elenco, piensa en la química que tienen y lo que dicen sobre la historia que quieres contar. En mi experiencia lanzando novelas gráficas, está bien incluir solo ilustraciones de diseño de personajes, pero para mí como narrador de cuentos, quiero mostrar algo que destaque y me gusta agregar un poco de carácter historia de fondo a la hoja de personajes. Hago esto escribiendo una breve sinopsis de quién están ofreciendo estos personajes, mi agente, mi editor, o incluso el editor, un sentido de quiénes son mis personajes, de dónde son, quieren, lo que necesitan, cuáles son sus fortalezas, sus debilidades, cualquier pedacito de sabor que pueda pensar. Al trabajar en esta sinopsis, agrego otros pequeños detalles conceptuales que describen sus intereses personales, tal vez algunos eventos importantes de la vida, y lo que los hace únicos entre este grupo. Mi primera versión de los personajes de Shark Summer es quizás un poco sorprendente de ver porque realmente no se asemeja a [Risas] las versiones finales que se ve en el libro. Este borrador temprano de los diseños de personajes se inspiró fuertemente en la estética de este verano. Pensé que estaba contando una historia de adultos jóvenes y quería capturar el mundo un poco más maduro de este verano en mi propio libro. De inmediato, los editores específicamente Andrea señaló que la historia que quería contar y el resto del terreno de juego eran realmente de grado medio y mi arte no coincidía con la historia. Sentía que un lector es joven ya que ocho no iba a conectar con estos diseños de personajes y las opciones de color que estaba haciendo, así que volví al tablero de dibujo. Esta es la magia de encontrar un editor que quiera trabajar contigo. Quieren ayudarte a ponerte en el camino correcto para conectarte con los lectores. A lo mejor si estoy siendo honesto conmigo mismo, me tomaron un poco demasiado de este verano es inspiración y no estaba siendo fiel a mi propio estilo que es un poco más caricaturizado, mi editor me ayudó a descubrir mi propia duda por lo que, deja que eso sea una lección para ti a medida que desarrollas la estética para tu propia historia. Es fácil hacerse consciente de sí mismo con tu arte especialmente cuando se trata diseños de personajes porque pueden ser tan personales así que mantente fiel a ti mismo, pero también escucha los consejos de la personas que quieren ayudarte a elaborar tu historia. A medida que diseñas tus hojas de personaje para tu pitch, conócenlas y encuentra la mejor manera de presentarlas al mundo. 14. Arte de muestra: Una vez que conocemos nuestra historia, tenemos nuestro esquema y hemos desarrollado nuestros personajes, es el momento de crear algunas páginas de muestra. Esto comienza eligiendo una escena de tu contorno. El escenario que escojas debe ser por las siguientes razones. Uno, parece realmente divertido dibujar, eso es crucial. Dos, la escena presenta a tus personajes principales haciendo algo interesante relacionado con tu historia. Tres, la escena nos da una muestra de hacia dónde se dirige tu historia y qué conflictos están surgiendo para tus personajes. Cuatro, la escena muestra diferentes aspectos de tu estética. ¿ A qué me refiero con estética? Básicamente, es la forma en que tomas decisiones con tu arte en términos de los elementos del arte, como el color, el arte de línea, uso de la burbuja del habla, tu estilo de panel, la forma en que enmarcas un tiro, el camino usas efectos de sonido, y otros dibujos animados florece. Realmente no puedo decirte qué arte de muestra fue creado para cualquier novela gráfica más vendida, pero puedo mostrarte parte del arte de muestra que creé para Shark Summer. Quería presentar a Gayle y Elijah en las primeras etapas de su esfuerzo cinematográfico haciendo. Trama sabio, este es el momento en que están a punto de cruzar del mundo normal, un lugar que es familiar en este mágico mundo de filmación que va a llenar la historia en el futuro. Es la escena donde los niños pasan por el Armario hacia Narnia, sólo que no tan mágico. Por supuesto que el libro se llama Shark Summer. Deberíamos conocer a un tiburón en esta escena. Quieres que tu arte de muestra refuerce algunas de las elecciones de la historia que has tomado. Dado que esta historia fue ambientada en un momento histórico en la cultura pop, quería mostrar mi compromiso con ese concepto y dejar que el editor que está leyendo esto sepa que habrá muchas mandíbulas, Huevos de Pascua, y referencias de Martha's Vineyard a lo largo del libro. Si estás lanzando tu primer libro, creo que puede ser una muy buena idea quizá ser demasiado ambicioso con tu arte de muestra. Tal vez una vez que hayas trabajado con un editor por un tiempo o tienes una reputación, puedes simplificar un pitch de muchas maneras. Pero si eres un principiante en busca de alguien que se conecte con tu trabajo por primera vez, estás compitiendo por la atención de editores que ya han establecido relaciones con otros autores. Es inteligente ir esa milla extra. Dicho esto, en realidad fui esa milla extra con este pitch y creé dos escenas de mi arte de muestra. El segundo escenario fue del final culminante del libro, un momento dramático que se produce en medio de una gran tormenta. Esta escena también muestra la imagen que agrego desde una etapa realmente temprana de la concepción de este libro. Esta idea de un tiburón fantasma hecho de olas. Mi esperanza era que esta imagen sea tan guay, un editor no tendría otra opción [Risas] sino querer sacar el libro. Conceptualmente, creo que esta página es realmente importante porque muestra que soy capaz de usar un poco de realismo mágico, tener un poco de fantasía en el horror en una historia que de otra manera está ambientada en el mundo real. Este también es un buen recordatorio de no ser misterioso con tus páginas de muestra. Esto no se trata de enganchar a un lector en este punto. Todos ya han leído tus contornos para que conozcan los spoilers de tu historia. Salta a un momento que es invaluable para tu narración de cuentos. Escojo estas dos escenas porque quería darles el gran pago. También quería mostrar mi dramática gama de narración de cuentos, así como mi uso del color y cómo iba a ser este elenco completo de niños. Ahora si no estás bien versado con novelas gráficas y no tienes una idea inicial de cómo diseñar tus páginas, puedes preguntarte, ¿cómo los cinco grandes editores muestran páginas de muestra de sus libros? Bueno, si vas a Amazon o a cualquier librero en línea, puedes navegar por la sección de novela gráfica. Más a menudo que no, puedes mirar páginas desde dentro del libro. Probabilidades son que escogieron esta escena del libro porque pensaron que era representativa de la historia. Nuevamente, la investigación es clave para ayudarte a entender el contexto de estos los elementos de pitch. Crear arte para una novela gráfica requiere un enfoque diferente al de otros campos de la ilustración, como libros infantiles o arte comercial, o incluso cómics de forma corta o tiras cómicas. Una novela gráfica es un maratón. No es un sprint. Cada panel de tu libro no puede ser esta increíble obra de arte. Encuentro que una buena regla general para dibujar en un novelista gráfico es trabajar es 60 por ciento de tu habilidad. Eso significa simplificar. No mostrar fondos en cada panel. Usa una toma estableciendo para configurar una escena y luego acercar a los personajes y usar lavados de color y fondos para evocar emoción sin tener que hacer mucho ajuste de escena una y otra vez. Diseña a tus personajes de una manera divertida y fácil de dibujar, mantén los detalles al mínimo. El recuento de páginas también es un factor en el desarrollo de la estética de un libro. Si comparamos Luces Nocturnas Lorena Alvarez con algunos de los libros que hemos mirado ya, podemos ver que la obra de arte es mucho más detallada. Bueno, ¿sabes por qué? Porque eso es el libro de 56 páginas, mientras que algo así como Just Pretender es libro de 304 páginas. La versión de 304 páginas de Luces nocturnas probablemente se vería muy diferente a la versión de 56 páginas. Eso va a terminar nuestra conversación sobre la creación de arte secuencial. Pero si te gustaría una inmersión más profunda en el arte de hacer cómics, actualmente en mi canal Skillshare, tengo una clase llamada Making Comics, una guía para principiantes, que te daría alguna idea los elementos clave del arte cómico, así como un mayor estudio otras novelas gráficas y género de lectores jóvenes. Ahora en este punto he compartido todo lo que necesitas saber para crear las partes del proyecto de clase. Teóricamente estás listo para diseñar y hacer un pitch. Hemos hablado del negocio de la obra de arte, ahora hablemos del negocio de la publicación. 15. El agente: Digamos que has recogido tu párrafo de historia, tu contorno, tus hojas de personajes y tus páginas de muestra en un bonito ordenado archivo PDF. Si quieres ser publicado por un editor tradicional, lo primero que debes hacer es encontrar un agente, y para conseguir un agente, necesitas un poco de suerte y una muy buena carta de consulta. Una carta de consulta es un tono formal convincente a un agente que representa tu trabajo y tú en ese orden específicamente. Lo más importante a recordar es que los agentes literarios reciben cientos y cientos de cartas de consulta cada mes, y una carta está en su mejor momento cuando es fácil leer y contesta dos preguntas, ¿por qué es importante esta historia? ¿ Por qué eres el creador, el que se lo dice? Aquí hay un ejemplo de una carta de consulta bastante buena. No te lo voy a leer en voz alta, pero puedes pausar esto y revisarlo todo lo que quieras. Esto es lo que necesita una carta de consulta. Ahora déjame repasar las cosas que no necesita. No necesita rumiaciones sobre el tema de su libro. Describe tu historia a través acción del personaje y el conflicto, limita los sustantivos adecuados y el resumen de tu historia, tres personajes como máximo en una ubicación central. Si un agente está tratando de procesar cientos y cientos de historias cada mes, eso es mucho mundo construyendo para hacer un seguimiento, especialmente si estás lanzando algo ambientado en un mundo de fantasía, sé descriptivo . Descripción va a ser más memorable que el nombre que se te ocurrió para una ciudad mágica. Si estás representando configuraciones del mundo real, asegúrate de señalarlas y tener claro el tiempo y el lugar. Si tu libro es una memoria o si estás enmarcando dispositivos, una parte esencial de tu narración como lo es con Maus. Sea claro sobre esto por adelantado. El hecho de que Maus sea la historia de un padre contado a través de una conversación con su hijo caricaturista, este estilo de encuadre hace que la historia de un padre e hijo, no sólo una cuenta histórica, y eso crea una experiencia de lectura mucho más rica. ¿ Cómo encuentras el agente adecuado para tu proyecto? Bueno, haces algunas investigaciones, busca novelistas gráficas que hayan publicado con éxito trabajos que puedan caber en el mismo estante que tu libro potencial, luego trata de averiguar quién es su agente. En ocasiones enumeran su representación en su perfil de redes sociales. También podría encontrarlo en su página web o si miras en la parte posterior del libro y reconocimientos, los creadores suelen agradecer a sus agentes en esa sección, hacer una lista de todos sus agentes de ensueño que usted piensa que podría disfrutar de su proyecto. Entonces, una vez que tengas esa lista, revisa las redes sociales y el sitio web del agente para ver si están abiertos a envíos. Una vez que sepas que están abiertos, encuentra una dirección de correo electrónico a la que quieran que se envíe su consulta. Algunos incluso tienen un formulario que hay que rellenar de antemano. Sé empático, sé educado y concéntrate. Los agentes son gente igual que tú y yo, y cuando haces una conexión, quieres salir en la mejor luz. Ahora no vas a encontrar un agente al instante a menos que seas súper afortunado, oirás muchas historias o tal vez solo consigas un poco de silencio de radio. Está bien dar seguimiento si eres realmente serio sobre trabajar con esta persona, pero no te pongas agresiva. Si aún dicen que no, no supongas retroalimentación o cómo puedes hacer que tu pitch sea más efectivo para ellos. Si no piden ver más de ti u ofrecer algún consejo, no es porque tu pitch sea malo, es más probable porque simplemente no encaja su lista de deseos o su experiencia en el mercado. Hay agentes literarios para cada mercado, y tienen que estrechar el tipo de trabajo que representan para tener éxito. No lo reformes todo solo porque tienes un par de nos de unos pocos agentes, lo mejor que puedes hacer es simplemente repetir, repetir, repetir, seguir haciendo las rondas, cavando más profundo. Hay muchos agentes por ahí, y eventualmente, vas a encontrar el adecuado para presentar tu libro a un editor. Si estás buscando una manera de iniciar tu búsqueda del agente adecuado, puedes consultar manuscriptwishlist.com. Este es un espacio en línea diseñado para ayudar a personas como tú a lanzar a los agentes y editores adecuados. Ahora, apuesto a que estás preguntando, puedo sobrevivir y hacerlo bien en este negocio sin un agente? Claro, es posible llamar la atención de un editor sin agente, pero las probabilidades son que vas a necesitar tener un par de cosas en su lugar ya. Por ejemplo, uno grande sería una presencia excepcional en las redes sociales. A lo mejor ya tienes editores siguiendo tu trabajo. Por lo general, si alguien firma un trato sin tener un agente primero, es porque un editor podría haber contactado con ellos. Pero en cuanto a construir una carrera un agente es súper importante. En general, los editores que trabajan con los cinco grandes no aceptan lanzamientos a menos que estén viniendo por un agente. Cuando se trata de ser introducido a un nuevo talento creativo, los editores preferirían tratar con agentes. Los agentes pueden hacer su trabajo más fácil, para uno, porque los agentes han ordenado a través de muchos lanzamientos ya en su propio tiempo por lo probabilidades son el trabajo que viene a través de un agente ya es fuerte. Un buen agente entiende el negocio mucho mejor que tú y tiene un millón de contactos más de los que tienes. Son capaces de enfocar y apuntar a los editores adecuados para tu trabajo. Mi agente, Adrian en el Grupo Folio, describió el trabajo en equipo necesario para que un libro se publicara como un triángulo contigo el creativo es un vértice, tu agente en otro, y el editor en el tercero. Me gusta esa idea porque ser autor en la publicación tradicional no es realmente una aventura en solitario para cumplir tu potencial y construir una carrera, necesitarás a la gente adecuada en tu equipo para crear una fuerte relación de trabajo. Hemos hablado de ti, hemos hablado de tu agente. Ahora hablemos de esa tercera parte de este triángulo creativo. 16. El editor: Tu nuevo agente puede tener algunas notas en tu terreno de juego. Cosas que refinarán tu contenido para lo ayuden a apelar al mercado para el que lo imaginaron. Cuando estén listos, comenzarán a hacer conexiones con los editores de novela gráfica muy adecuados en su red. Un editor de novela gráfica es experto en el negocio del arte secuencial. Entienden algunas partes del proceso conceptual, pero realmente su enfoque está en la producción, y conseguir un libro al mercado. Ellos conocen todos los entresijos del negocio, y pueden ser un recurso increíble para un aspirante a creador. Un editor de novela gráfica tendrá sus intereses personales y fortalezas en rincones particulares del género en el mercado. Al buscar un editor usted y su agente quieren asegurarse de que su trabajo apela al gusto de las personas adecuadas, y presentar sus lanzamientos, el tipo de libro que quieren adquirir. A diferencia de buscar un agente. Se te permite hacer un poco de tu propia investigación sobre lo que los editores son adecuados para ti. Para ir sobre esta investigación, lo que vas a hacer es encontrar novelas gráficas en tu mercado objetivo. Habla con tu agente sobre lo que esto podría ser exactamente. Abre sus portadas a la página de copyright, y ahí verás el nombre de un editor que trabajó en el libro. Por lo que sé al hablar con Andrea, tener pasión por un proyecto es realmente sólo una parte del trabajo del editor. El resto es todo negocio. No lo tomes personalmente cuando recibas una carta de rechazo. Hablaremos un poco más sobre cómo usar letras de rechazo en un poco. Andrea compartió esta pequeña cita de una agente literaria desde hace mucho tiempo que conoce desde hace años. Dicen que un libro es traído a la vida por tres factores. Desde el editor adecuado, la casa correcta como en editor, y el momento adecuado. Cuando finalmente suertes en esa fórmula, y encuentres a un editor que esté listo para trabajar contigo, van a tener algunas notas en tu terreno de juego para prepararlo para la reunión de adquisición. Si has estado siguiendo junto con este curso, y has hecho tu investigación, deberías tener todas las habilidades adecuadas para conseguirles lo que necesitan. Pero también ten en cuenta que este editor tiene una perspectiva completamente diferente a la editorial que tú. Creo que entender el trabajo de esta persona es clave para encontrar éxito en la industria. Llevo trabajando con Andrea en Little Brown desde hace unos cuatro años. Enviamos correos electrónicos sobre proyectos todo el tiempo, y ella fue súper amable y déjame entrevistarla durante unas cuatro horas sobre su trabajo, y lo que conlleva. Mucha de la siguiente información aquí está basada en lo que ella ha compartido conmigo. Por la naturaleza del trabajo, un editor realmente tiene que usar dos caras. Ahí está el lado, ese es el cálido amante del libro de corazón que quiere nutrir a sus creadores, y ayudar a dar vida a estos proyectos. Después está el otro lado de ellos que tiene que sentarse en reuniones de negocios todo el día discutiendo el valor de mercado de creadores como tú y yo. Se puede ver cómo estas dos partes podrían estar en conflicto entre sí de manera regular. En una editorial Big Five, las reuniones de adquisición ocurren algunas veces al mes. Aquí es donde el editor diseña, y construye su calendario de lanzamientos. En la sala con estas reuniones de adquisición o las llamadas de zoom, encontrarás editores senior, y junior que tienen libros que quieren adquirir y dar vida. También tendrás miembros del equipo de ventas buscando ayudarles a adquirir libros que puedan vender. Tendrás gente del equipo de mercadotecnia buscando libros comercializables. Tendrás un director creativo que pesa sobre cosas creativas, miembros del equipo de relaciones públicas, y un editor que tiene la última palabra sobre si el libro se adquiere o no. Durante estas reuniones, cada editor obtiene una pequeña ventana de tiempo para lanzar los libros que quieren adquirir. Esta ventana de tiempo es bastante corta. Estas reuniones no se tratan sólo de ti y de tu proyecto. Eres sólo uno de toda una serie de lanzamientos, todos en esta sala van a estar escuchando ese día dado. Es por ello que el terreno de juego necesita ser tan refinado. Ahora cuando sea su turno de editores, harán un caso por qué esta es una buena idea de negocio para nosotros. Esa es una cotización directa de Andrea. Ese es realmente el objetivo de estas conversaciones. De antemano, todos en la reunión han recibido una copia de su resumen de tono de editores. El resumen de pitch es el qué y por qué de tu proyecto. Al igual que en qué se trata su novela gráfica, y un caso por qué va a vender. El resumen de pitch incluye materiales del pitch que creaste, que responde al qué, además de un montón de investigaciones de marketing que propone el porqué, y esa cosa es generada por el editor después de revisar su pitch. Esta investigación de mercado incluye cosas como puntos de venta de marketing, manejo de ventas, detalles en tu plataforma de autor como en redes sociales. Cómo podría potencialmente promover el libro y luego el gran panorama de P&L que es ganancia y pérdida. Ganancias y pérdidas es una proyección de las ventas de tu libro sobre x cantidad de tiempo, teniendo en cuenta el anticipo que te pagan más regalías en el futuro, y además hornea en costos como un colorista para tu libro o un letterer u otros gastos agregados. P&L gobierna la conversación en una reunión de adquisición. Después de la presentación de tu pitch, tu editor y el equipo de ventas debatirán los números, otros creativos compartirán sus pensamientos sobre dar forma a la historia para ayudar a que los libros atraigan. Esta conversación continuará por un tiempo, y cubrirá todos los aspectos de su posible acuerdo de libro. Por ejemplo, es posible que el equipo de ventas no se sienta cómodo dándote un avance tan grande, y tu editor debatirá con ellos. Los directores creativos podrían tener insumos sobre aspectos del arte o de la historia. Andrea me estaba contando sobre un libro que estaba lanzando recientemente que tuvo una escena que tuvo lugar en un evento de juego de rol de acción en vivo que estaba formado como un pueblo occidental. El equipo de ventas no se sentía como [Risas] un entorno occidental atraería a los niños contemporáneos. Debatieron cambiar esa escena. Ese podría ser un factor decisivo en si ese creador llega a contar su historia. Pero sin embargo la reunión resuelve, todo está bajo el ámbito de competencia del editor. Esa sola persona en la habitación que está escuchando todos los lados de la historia. Al final de la reunión, si su editor ha hecho un caso convincente por qué esta es una buena idea de negocio para nosotros, y por qué su libro encaja muy bien en su horario de publicación. Ese editor aceptará ofrecerte un trato y adquirir tu libro. Si dicen que no, no significa que tu historia no sea buena. Simplemente significa algún aspecto del editor correcto, casa derecha, la fórmula del momento adecuado faltaba en este caso. Nuevamente, entiendo que todo realmente se reduce a la fórmula de ganancias, y pérdidas en cuanto a que obtienes un acuerdo de libro. ¿ Es esta la mejor manera de comprar libros? ¿ Quién sabe? Esa es una conversación para que otras personas tengan. Simplemente es la forma en que es. Ahora hablemos de lo que significa conseguir que tu libro adquiera. 17. El contrato: A pesar de que se llama reunión de adquisición y dicen que tu libro ha sido adquirido, realmente significa que el editor está adquiriendo los derechos para publicar tu obra. Usted conserva los derechos de autor sobre su arte. Ahora van a llegar a un contrato para ti. Su contrato especificará algunas cosas específicas. Primero, el grande aquí es tu monto avanzado, la cantidad de dinero que te van a reenviar para crear el libro en sí. También verás los desencadenantes de pago por este anticipo, cómo se desvía el dinero y las fechas o marcadores de mayo para el proyecto cuando recibas el dinero. También verá un esquema de los ingresos que obtendrá de las regalías después de que se pague su anticipo. También verás cosas como porcentajes sobre ventas de subderechos como traducciones de tus derechos de libro y películas y otros factores. Por suerte, tienes un agente en tu equipo y vas a repasar todo este contrato con ellos. Revisar el contrato va a poner en perspectiva muchos aspectos del próximo año más o menos de tu vida a medida que creas esta novela gráfica. Como dije, los avances con los cinco grandes editores son generalmente más significativos que con los editores indie. ¿ Cómo descubrieron cuál va a ser tu avance? Se basa más o menos en lo que el editor cree que su libro tiene el potencial de ganar. Los avances tienen una amplia gama de números asociados con ellos dependiendo de unos pocos factores. Cosas que suben de nivel de antemano son, ¿el creador tiene un gran número de lectores ya incorporado si ha habido una subasta para tu libro donde varios editores compiten para adquirir los derechos a la misma? El monto del anticipo es bastante importante porque este es dinero que te va a permitir el tiempo para hacer tu libro y honestamente, no va a cubrir toda esa cantidad de tiempo. Por suerte, tengo mi enseñanza que me ayuda a complementar el dinero necesario para hacer mis libros, y diría que la mayoría de los autores tienen ingresos provenientes de diferentes lugares. Rara vez un autor llega a crear y publicar libros exclusivamente. Ahora incluso si eres avance parece pequeño, es bueno tener un contexto más grande de lo que está pasando aquí. El anticipo es solo una estimación de cuánto dinero va a ganar este supuesto libro pero si haces un trabajo realmente bueno y llegas al mercado, solo escribe, tu libro podría ser un bestseller masivo y una vez has devuelto tu anticipo a través de ventas, comienzas a cobrar regalías. Piensa en ello más como si estuvieras invirtiendo en las acciones de ti mismo y si vale la pena grande, vas a ganar en grande. Administrar tu tiempo y tu presupuesto para estos proyectos lleva algo acostumbrarse y algo de experiencia. Es bueno saber cuándo vendrá el dinero a tu manera tan pronto como sea posible. Con las cinco grandes editoriales y dependiendo de la complejidad del acuerdo, puede pasar una cantidad significativa de tiempo entre cuando se acepta una oferta de un editor y cuándo el contrato está realmente listo para firmar. Podría tomar meses, a veces hasta un año en hacer ese papeleo. En el camino tu agente te está ayudando a refinar la redacción de ese contrato, así que por si acaso tu libro golpea a lo grande y recoge una opción cinematográfica o derechos extranjeros o algo de eso, estás obteniendo una feria de todo ese dinero en el futuro. Otra cosa que puedes solicitar con tu agente es la forma en que se activan los pagos en tu anticipo. Ahora, dependiendo de tu estilo de vida y el anticipo y cómo se paga puede marcar una gran diferencia en tu productividad. Firmar ese contrato es el primer disparador de pago para todos los anticipos y definitivamente te pagan el resto cuando el libro entra en publicación. Pero podrías dividir ese dinero en diferentes etapas de tu producción, para que te paguen cuando firmes el contrato, luego te pagan cuando termines los bocetos de tu libro, y luego tal vez obtener otro cheque cuando se gira en el trabajo de color y luego uno más en el momento de la publicación. Un agente puede ayudarte a negociar cuando obtienes ese dinero. Ahora algunos creadores confunden un avance para un acuerdo de libro con una tarifa de página. Si tu nombre está en la portada de tu libro, te pagan a través de anticipos en regalías. Si eres el colorista o colaborador de la producción del libro, estás obteniendo una tarifa de página. Para arrojar luz sobre los avances y tarifas de páginas, puedes consultar litebox.info, donde los creativos pueden enviar tarifas anónimamente en sus proyectos. Otra cosa que debes considerar a la hora de planificar tu contrato son cuáles son tus plazos. editores están haciendo malabares con muchos libros y se ponen bastante insistente que se cumplan los plazos para que puedan mantener su horario de lanzamiento. Por supuesto que es imposible saber realmente cuánto tiempo te llevará crear tu novela gráfica una vez que empieces, Shark Summer me llevó 12 meses. El siguiente libro, Semana del Espíritu tomó 18 meses. Cada creador trabaja de manera diferente. Algunos pueden sacar un libro cada siete meses. Algunos tardan años en desarrollar un proyecto. Como regla general, Andrea dice: “Un libro suele tardar aproximadamente doble de tiempo que crees que lo hará”. Ahora, no olvides mantener a tu agente en el bucle a través de toda esta conversación. Recuerda que es un triángulo de equipo. Tenemos que ir aquí. Si realmente estás invertido en todo esto, vas a conocer a muchos editores en el camino y vas a obtener muchas cartas de rechazo. Eso es sólo parte del proceso. Hablemos de cómo podemos ponerlos en uso. 18. Letras de repetición: Las letras de rechazo son una gran parte del proceso de pitcheo. Andrea dice esto y cito: “Recuerda, este es un negocio solo porque no esté publicando tu libro no significa que no sea genial”. Los editores quieren animar a los creadores incluso cuando están rechazando sus lanzamientos. Si un editor se ha tomado el tiempo en revisar su trabajo y ofrece una carta de rechazo alentadora, pídeles asesoría sobre dónde ir a continuación. Estas personas son parte de una gran red y a menudo puede apuntarte en la dirección correcta. Aquí estamos echando un vistazo a algunas de mis cartas de rechazo. Ves que no son tan simples como sólo un arrepentimiento o no lo queremos, lo general explican por qué y a veces incluso ofrecen un poco de aliento e implican que, “Oye, me encantaría ver más si tienes él.” Se puede tomar eso como verdad. En realidad piensan que lo que estás haciendo es impresionante, simplemente no están conectando con esa historia específica. Mucho antes de llegar a hacer Shark Summer estuve lanzando libros de ciencia ficción y fantasía durante años y llegando a ninguna parte con él. En una de esas cartas de rechazo noté que Andrea le había gustado lo estaba haciendo pero no le gustó ese libro, y esa era una puerta que estaba abierta lo suficiente donde me ayudó a conectarme a ella y eventualmente trabajó mi camino para crear un pitch que ella pensó que era impresionante y también pensé que era impresionante. Las cartas de rechazo no son callejones sin salida, son bloques de construcción para ayudarte a refinar tu proceso creativo. Son puertas que se dejan abiertas para ayudarte a hacer conexiones con los editores correctos. Cada etapa de una carrera creativa va a tener contratiempos, realmente es cuestión de cómo aprendas a usarlas que decida el destino de su carrera. De todos modos [RUIDO] eso es un montón de consejos. Creo que ahora es el momento de hacer algún trabajo propio. Hablemos del proyecto de clase. 19. Proyecto de clase: El objetivo del proyecto de clase es prepararte para crear un pitch completo a través esta versión simplificada del proceso. Tu tarea es consultarme, es si fuera agente o editor en una de las cinco grandes editoriales. Mis requisitos de envío son un título para tu libro propuesto, un tono de un párrafo de tu historia, y una sola página de arte del cómic terminado. Puede ser a todo color o en blanco y negro. Me gustaría ver el diálogo, la acción, y un sentido de los temas de su libro presentes en esta sola página del arte cómico. como hemos comentado, el mercado con mayor crecimiento está en novelas gráficas de lectores jóvenes en la categoría de historias contemporáneas. Historias de amistades jóvenes, historias escolares. Si no tienes una historia propia para lanzar, eres bienvenido a sacar de tradición, fábulas, cuentos de hadas. Incluso podrías lanzar una adaptación de uno de los clásicos infantiles como The Secret Garden, o Are You There God It's Me, Margaret, o Matilda. Una vez que hayas enviado el proyecto de clase, lo leeré y te daré retroalimentación sobre la efectividad de tu pitch. El trabajo que comparten los estudiantes es lo le da a esta clase una vida continua y construye más allá de las lecciones que simplemente he compartido con ustedes aquí hoy. Mi esperanza es que podamos crear este pequeño aula impresionante donde los estudiantes van y vienen, encontrando inspiración de mí y de los demás, y comenzando un emocionante viaje hacia el mundo de la publicación de novelas gráficas. Me gustaría desearles algo de suerte por ahí y realmente espero ver sus historias se juntan. 20. Cierre: [ RUIDO] Eso fue todo un curso. Gracias por acompañarme. Espero que hayas aprendido mucho. Si quieres continuar la discusión a través de un proyecto de clase o hacerme preguntas en la parte de discusión de este curso, encontrarás una pestaña de discusión en algún lugar debajo de este video en este momento . Eres bienvenido, y por favor comparte tu trabajo en la sección de proyectos de clase. Lo que has visto en este momento es realmente solo el comienzo de la conversación. Una clase no es realmente efectiva a menos que tenga estudiantes que se comprometan con ella en desafiarme a profundizar un poco más en algunos de los temas e ideas que ya he abordado en este curso. Si tienes algunas preguntas de negocios, siéntete libre de preguntarme. Estoy aquí todo el tiempo hablando con estudiantes en Skillshare. Ahora si has disfrutado de este curso, tengo todo el otro contenido que podría ayudarte a desarrollar tu lado creativo en el dibujo animado, arte conceptual y la narración cómica. Tengo cursos sobre diseño de caras de dibujos animados, algunos de los fundamentos de los dibujos, cómics de forma corta, clases de ciencia ficción y fantasía, arte cómico y todas las demás cosas geniales. Encontrarás esas cosas en mi canal. Si te gustó este curso, por favor comparte una buena reseña conmigo y con los demás alumnos, ayuda a la gente a descubrirlo y gracias por estar aquí. Me encanta hablar libros, como dije al principio. Buena suerte con tu pitch y espero verte en la sección de proyectos de clase. Adiós.