La ruta al manga. El ABC para generar una idea para un cuento corto

1. Acerca de este curso: ¿ Alguna vez has deseado dibujar tu propio Munger? Pero, ¿tienes dificultad a la hora de planear tu propio proyecto? O eres un ilustrativo que quiere entrar en el arte secuencial? Entonces este curso es para ti. Mi nombre es Olga saludos dan desde estudio yoga. He publicado Munger profesionalmente, y llevo muchos, muchos años enamorada de Munger . En esta parte de mi curso, Siri's te estaré enseñando a girar entre idea en No ejecutar concepto herbal para un cuento corto. Una de las primeras cosas que aprendí cuando empiezo a dibujar Munger fue la importancia fuera poder retratar una historia sobre la cantidad limitada de páginas, ya sea cuatro concurso o para un editor, Esta es una habilidad que es absolutamente esencial. Ahora. A mí me gustaría compartir mis conocimientos con ustedes. Vamos a poner en papel esta increíble idea que todavía están pegadas en la cabeza. Entonces empecemos 2. Introducción: ¿ tienes el sueño fuera calificar, entre otros toques, el corazón de los lectores. Pero cuando se sienta y trata de pensar en un concepto, probablemente estás pensando en uno de esas historias súper largas como lejía del dedo del pie estrecho, Dragon balance on aseguró una pose E. Es posible que empieces a bajar la historia, pero la tarea es tan desalentadora, y es tan difícil hacer un seguimiento de todos los personajes y historias que el proyecto termina siendo abandonado. Si esto te pasó, no estás solo. Este es uno de los errores más comunes que cometen los principiantes, y casi todo el mundo lo ha cometido. Eso es darte un reto que es demasiado grande. Deberías darte cuenta de que la mayoría de las veces no lo son. Personas que crearon historias tan largas no comenzaron con ellos Antes de intentar crear un proyecto con 2050 o más volúmenes, trabajaron en historias más cortas un corto debajo de 50 páginas o historias de un volumen. Tienes que aprender a pasarte antes de intentar algo grande. Tienes que saber cuántas páginas necesitarás para ciertas escenas. Obtén una sensación sobre tu ritmo, incluso experimenta con tu estilo. Y para eso las historias cortas son perfectas. No trates de emular. Oponerse longitud Munger. Es decir, lo entiendo. Tiene una tonelada de descuento. También personajes, historias impresionantes y desarrollo de personajes, pero sin ayuda. Y sin que un gran editor sea tu fortuna para dibujarlo, te estás sentando para el desastre. No empieces con nada que tardará más de un año en lograr cuando seas principiante, por lo general el Munger que ves pero popular América no lo es. Su debut. El trabajo comienza más en ganar experiencia. Lo más probable es que no completes tu primer proyecto. Tus habilidades podrían mejorar tanto que por página 10 o 20 la calidad de tus primeras páginas podría darte un susto. O podría perder interés, razón por la cual hacer cuentos cortos al principio es tan importante. Tienes que sacar la experiencia de terminar algo. Además, necesitas obtener experiencia al contar una historia a pequeña escala antes de proceder a algo más grande. Ya sabes, puedes contar una historia en 5 a 8 páginas o 16 o 20 en realidad, una de las razones por las que la gente tiende a empezar con un EP evalúa Project ISS, porque nunca aprendieron a contar una historia a pequeña escala y terminan literalmente dibujándose en una esquina y abandonando su monstruosidad fuera de la historia porque perdieron la amenaza o se hartaron de ella. Hacer un cuento corto te enseñará lo que es esencial para tu historia y lo que se puede dejar fuera o lo que se puede comprimir. Mantenlo simple, manténgalo corto y construye. abuso mata con cada proyecto, será más impresionante. Más de una vez, escuché de los editores que la mayoría de los proyectos Munger realizados por principiantes talentosos no hacen que pase Página 20. En ese caso, esos son principiantes que en realidad estaban lo suficientemente bloqueados como para prestar un trabajo pagado con un editor, y aún fallaron, ya que eligen experimentar la realidad off realmente tener que crear un Munger para el editor emparejó con la presión fuera de esas líneas y carta de Altas Expectativas en nuestro bloque. Se dejaron caer sus historias, los contratos cancelaron que sólo supieron acercarse al proyecto y tuvieron la experiencia fuera. Haber terminado cuentos cortos. Bueno, no tienes que sufrir el mismo destino en este curso. Yo quiero enseñarte a crear un cuento corto para un manga. Cuando empecé un crédito, una serie de cuentos cortos que respaldarían a los editores fue con el fin de obtener sus opiniones. Y también creé cuentos cortos para concurso, lo que me ayudó a prestar un trabajo editorial. Posteriormente para este curso, pensé en el reto de crear un concepto para nuestra Munger de 20 páginas. Podrías llamarlo el número mayor o a corte y editor, el maldito 20 porque tantos proyectos no superaron ese número de páginas. Eso significa que el proyecto fue abandonado antes de eso. Y como esta es la bodega de basura, si agregas la portada, tu la paginó cuando la quieras, hazla plaga. Si eres capaz de crear un cuento de 20 páginas, podrás crear una historia de 180 páginas y más porque esencialmente el proceso apagado, creando un proyecto más grande. Similares 3. Algunas cosas a considerar: No seas perfeccionista. Lo más probable es que esperes demasiado de ti mismo, esperando que suceda un milagro, siendo perfeccionista, queriendo prestar y bestseller, querer ser el mejor para dibujar, el mejor para crear algo parecido a una de tus series favoritas. A lo mejor estás tratando de aprender todo lo que hay en Manga antes de intentar lanzarte al agua de la publicación. Si continúas con ese curso, bien puede ser que vayas a pasar los próximos diez años aprendiendo. Todo lo que hay para Manga. Todavía no se siente que estés listo. Conozco gente así. Tengo amigos así. Tengo amigos que han tenido las habilidades para hacerlo en la palabra manga hace 18 años, pero no hicieron nada con ellos porque simplemente no pudieron superar ese perfeccionismo. No lo necesitas. Consigo el deseo de querer crear mejores dibujos. De verdad lo hago. Pero al apuntar a la perfección, te estás reteniendo deliberadamente, poniéndote cadenas en las manos y los pies y preguntándote por qué no progresas tan rápido como quieres. Así que deja de presionarte para que seas perfecto. No es necesario haber aprendido todas las habilidades hay antes de comenzar a dibujar manga, aprendido mientras lo estás haciendo. ¿Por qué? Porque en realidad dibujar un manga te mostrará dónde están tus fortalezas y debilidades. Las cosas simples, sean eficientes, eficiencia y sencillez. Construiremos el puente que gastará sobre su base de bloques de arte, frustración y agotamiento. Aprende las cosas que realmente importan a la historia que quieres hacer. No necesitas poder dibujar naves espaciales o maker cuando quieres dibujar una historia medieval. Y no necesitas poder dibujar armaduras cuando estás haciendo una porción de la historia de la vida en torno a la vida moderna. ¿Sabes cuánto tiempo tardó entre el tiempo que me tomé en serio el dibujo y entre mi primer envío a una editorial, seis meses, ¿por qué? Porque empecé a dibujar manga enseguida. Y al hacer eso, rápidamente, entonces lo que más ha luchado con lo que más me ha ayudado a agilizar mi proceso de aprendizaje. Cuando sabes qué habilidades tu pierna, puedes abordar los problemas de frente. Claro. No obtuve un contrato de publicación enseguida. Me tomó otros cuatro años hasta que obtuve mi primer contrato con la editorial. Pero puedo decirte por experiencia que hacerlo de esa manera hizo que mi curva de aprendizaje fuera increíblemente empinada y me hizo progresar extremadamente rápido. Además, me salvó un par de años de frustración innecesaria. Así que deja de prepararte para el fracaso. Empieza a prepararte para el éxito. 4. Secretos de negocios: Te voy a dejar entrar un par de secretos de los que por cualquier razón nadie habla. Uno, no necesitas la perfección para el manga. En cambio, necesitas velocidad y consistencia. Déjame elaborar. Incluso cuando trabajas para editor, no esperan que lo dibujes a la perfección, pero esperan que dibujes lo suficientemente rápido como para estar al día con los plazos y mantener la calidad general de tus dibujos igual. Si la calidad sube como a veces lo hace con suficiente tiempo y experiencia, bueno. Pero si pretendes pasar más de 40 horas en una página de manga, entonces es mejor que también te corten para ilustración. No necesitas ser un pequeño monstruo aumenta tus antecedentes a menos que sea tu pasión. Quiero decir, lo entiendo. Me encanta crear fondos intrincados y detallados y casi arruinar mi salud durante mi primer proyecto más largo. Entonces, si no es lo tuyo, no sientas presión para hacerlo. Te voy a contar sobre dos cosas que según mi editor, con nosotros realmente nos importan. Primero están los rostros del personaje, como las expresiones faciales, el estado de ánimo, el cabello. Y segundo, la historia y el diálogo. A menos que tu lector sea mendigo y fetichizado, pasará menos de fracción de segundo en segundo plano. Y no estoy diciendo que tener un hermoso fondo sea algo malo. Sin duda puede agregar al estado de ánimo y elevar la calidad de tu manga. Pero si el nivel de detalle en tus antecedentes es un obstáculo que se interpone entre tú y la publicación de tu manga que los fondos de detalle de tornillo. Crees que los hermosos fondos que suelen ver en el manga fueron dibujados por un manga, se cortaron. La mayoría de las veces, fueron dibujados por asistencia o transferidos de fotos por asistencia o copia pegada de libros especiales, lag, colecciones de paisajes, o incluso son nuestro tono de pantalla. También se usa cada vez más 3D gracias a software como clips, ketchup o licuadora. ¿Por qué? Porque los fondos toman tiempo y tiempo gráfico a la hora de dibujar un manga tres referencias. Algunas personas tienen esta noción de que usar referencias es de alguna manera hacer trampa. Y no lo es, al menos cuando no lo confundes con el afrontamiento y hay una diferencia. Copiar es tomar la obra de otra persona y recrearla línea por línea que no es referenciar, aunque la gente a veces usa ese término en este contexto, referencias tomando material de imagen y basado en eso, desarrollando tu propio contenido, tomando partes de las referencias y cambiándolo para que se ajuste a tus proyectos. Puedes hacer una pausa, pero dibujarla desde un ángulo diferente. Puedes tomar la textura de una piedra y aplicar tus propios dibujos del suelo y así sucesivamente. Aún creas tu propia composición, aún creas tu propio arte. Y eso no es hacer trampa. Eso es trabajar de manera inteligente. Como se mencionó anteriormente, es bastante común usar fotos para fondos. A menudo, el carro manga enviará su asistencia para tomar fotos de cierto escenario desde diferentes perspectivas. Y esto se transferirá luego con tinta mediante el uso de una mesa de luz al fondo. Hay muchos libros de referencia que son, pueden diferir exactamente ese propósito, no sólo para fondo, sino también para personajes y poses. Para los maniquíes, olvídate de los maniquíes de madera. El artista de hoy utiliza cuerpo, cono, cuerpo Chan, Figma, arquetipo. Y si quieres gastar un poco más de dinero, pero para tener más confiabilidad y formabilidad. honorarios y honorarios son básicamente muñecos squishy formables que son más correctos anatómicamente que el cono corporal y arquetipo Figma y pueden hacer poses más realistas, por ejemplo, con honorarios y realmente puedes cruzar los brazos. Además, hay una app que puedes usar como Easy Pauser. Todo es perfectamente legítimo Clip Studio Paint también tiene modelos 3D que puedes usar como lo hace licuadora. Todo es perfectamente legítimo. Repito, usar estos maniquíes como referencia no es hacer trampa. De hecho, al posarlos al dibujarlos, estás enseñando a tu cerebro a pensar como materiales 3D cinco. No necesitas los materiales non plus ultra para poder dibujar manga. Hay algunos adiós, suministros de arte moderadamente baratos que puedes usar. Además hay software libre por ahí. Entonces, si estás en un presupuesto o estás empezando, puedes probar las siguientes cosas. Primero, sakura, forro fino de micrones para delegar nuestro kit de inicio, tres, software Medici Bank. Sin embargo, recomendaría, conseguir papel de buena calidad. No tiene que ser caro. Pruebe papel de impresión de alta calidad. Yo por mi parte, uso copia a color seis, memoria muscular, el secreto para dibujar más rápido, Es desarrollar una memoria musulmana. Tener memoria muscular es como, bueno, si tu mano está viva, como si simplemente dibuja lo que quieres dibujar. Sé que suena espeluznante e increíble. Se puede desarrollar la memoria muscular dibujando mucho por un periodo prolongado de tiempo. Cuanto más lo haces, más fácil se pone para mí. Después de aproximadamente dos meses de dibujar más de 4 h diarias, mi mano llega al punto en el que apenas dibuja sin que yo tenga que pensar conscientemente hacia dónde debería ir la línea. Siete y mano inestable, ¿tenemos una mano inestable? Hay un truco que desarrollé accidentalmente cuando viajaba entre mi casa y la escuela de arte hace todos esos años, comencé a dibujar una tabla de vehículos en movimiento , eléctricos, trenes, autobuses, y ha mejorado mucho la estabilidad de mi pista, pero una palabra de precaución, no debes dibujar cuando eres el que está detrás del volante. 5. El tema: Decide de qué se trata la historia. Puedes crear una historia corta sobre cualquier cosa. Solo ten en cuenta las limitaciones. Y estos son uno, ya que el recuento de páginas es limitado, no tienes mucho espacio para el desarrollo del personaje. Y para hacer a las mismas limitaciones que almacenas, solo puede lidiar con un gran problema. Entonces digamos que quieres hacer 20 páginas. Ese es el máximo que recomendaría para su primer cuento corto. En este caso, tienes cerca de cinco páginas para presentar a tu personaje, la ubicación de la historia y el problema. Entonces tienes diez páginas para escalar el problema en cinco páginas para resolver el problema, terminar la historia. Y el problema puede ser cualquier cosa. Puede ser confesar un choque. Puede ser superar el miedo, o puede ser algo totalmente absurdo, como mi experimento de pensamiento favorito, imagina a un demonio o monstruo secuestrando a la persona equivocada. El motivo puede ser cualquier cosa, tal vez el dios borracho o tal vez perdieron jugando a las cartas con hola amigos demonios. A mí me gusta esa ya que puede tener tantas interpretaciones y gastando género desde la comedia hasta el misterio, para brillar en mostrarles terror a los dos hasta hasta la ley de Boyle por el amor de Dios, dependiendo del personaje y el estado de ánimo al que vayas. La premisa se puede desarrollar en todo tipo de historias. Cuentos en particular, con un tema principal o conflicto. Aquí hay algunos temas posibles. Uno, lograr sueños. Tu personaje quiere estar entre, aka, lo que los está frenando, o quiere confesar a su enamoramiento. ¿Qué pasa? O un flechazo les confiesa. ¿Qué pasa? Quieren ir a Japón o a cualquier otro país, pero no tienen dinero. ¿Qué van a hacer? Quieren llegar a cierta escuela o universidad o a cierta compañía Y, ¿qué harán para enfrentar pesadillas? Ellos mayor miedo es x. Y después de que se mudaron a una nueva casa, descubrieron que está ahí como arañas, fantasmas , monstruos, o tienen cierta fobia y tienen que superarla para salvar nuestra izquierda. 13, ¿y si, si descubrieran que tenían el poder especial? ¿Qué sería y qué harán con él? ¿O qué pasa si ganaron la lotería o lo que sea? Viene algún meteorito o qué golpe un terremoto, cómo van a reaccionar ante el caos que los rodea o lo que sea que deban darse el lujo de ofrecer fantasma en un castillo abandonado. 6. Organizar tus ideas: Organizando tus ideas, hay un par de preguntas que pueden ayudarte a organizar la historia. ¿Quién está haciendo, qué, dónde, cuándo, por qué y con qué fin? Uno que. Esta es una historia corta. ¿Recuerdas? Entonces los personajes no tienen mucho espacio para el desarrollo del personaje, pero aún así tienes que hacer las mismas preguntas sobre ellos que harías para una historia más larga. que tener al menos una imagen clara de quiénes son. ¿Cuáles son sus rasgos físicos? Como talla, culturista, postura, color de ojos, pelo, piel, ¿qué pasó? Color de lo más cercano al lag para llevar, hacer una carta de colores para los personajes la cual será útil a la hora de hacer ilustraciones. ¿Cuáles son sus rasgos emocionales? ¿Cuáles son sus fortalezas y debilidades? ¿Tienen fobias? ¿Cómo manejan los eventos felices y tristes? ¿Cómo van a reaccionar ante eventos inesperados? ¿Qué es lo que les gusta? ¿Qué odian? Tienen ciertas motivaciones, creencias, metas. ¿Tenían un sueño al que renunciaron? ¿Y por qué? ¿Qué tienen que ver estas motivaciones y metas con la historia? ¿Cuáles son sus rasgos sociológicos? ¿Crecieron en una gran ciudad en el campo? ¿Quiénes son sus padres y amigos? ¿ En qué creen y cómo calificaron los personajes, si acaso? ¿A dónde fueron a la escuela de jardín de infantes, la universidad, si están estudiando y trabajando? Y qué campo a qué, ¿qué hacen tus personajes tu historia? Hacer un resumen de los eventos. Tres, ¿dónde, dónde tiene lugar la historia? ¿Qué pueblo o pueblo, qué país, qué continente? ¿O es tierra y todo? A lo mejor es un universo alterno para cuándo, ¿en qué estación se lleva a cabo el almacenamiento? ¿Qué año, qué siglo? Si se está llevando a cabo en el pasado? Podemos usar datos históricos para hacer una copia de seguridad de su historia y hacerla más auténtica. El tiempo también tiene implicaciones con respecto al nivel de tecnología, la moral de cierre y los comportamientos. Cinco, ¿por qué? ¿Por qué se llevan a cabo los eventos de tu historia? ¿Es algo que ustedes personajes han iniciado o es algo fuera de su control? ¿Si lo iniciaron? ¿Cuáles son sus motivaciones? De no ser así, ¿qué pasó para causar el problema en tu almacenamiento? Seis, ¿qué fin? ¿Cuál es el resultado de tu historia? Idealmente, los acontecimientos de la historia han cambiado algo en orden para los personajes. 7. EJECUCIÓN: Si tienes 20 páginas para trabajar, entonces puedes dividir las páginas de la siguiente manera. Intro, tienes cinco páginas para introducir a tu personaje, la ubicación de la historia en el problema. Punto medio. Después de eso, tienes diez páginas para escalar el problema. Conclusión, cinco páginas para resolver el problema. Ya terminé la historia. Así que vamos a entrar en detalles. Intro. Tu lector necesita saber cuándo y dónde tiene lugar la historia, quién es tu personaje, cuál es su motivación y cuál es el tema de la historia. Puedes mostrar dónde está teniendo lugar la estrella representando la ubicación en el primer panel, puedes construir en la información sobre la hora incluyendo un cuadro de texto o mostrándolo mediante el uso de tonos verdes, o agregando un panel adicional que brinde más información cuando son flores de cerezo primavera, luego presentas al personaje, cómo lo haces. Depende de ti. Puedes mostrar una situación o puedes usar monólogo interno o una mezcla. Lo que se ve introduce tu historia. Puedes usar un comienzo dramático mostrándote a un personaje que está en problemas. Si no quieres usar una introducción del personaje por él o ella misma, puedes usar el camino, verlos para darle una primera impresión al lector. Puedes introducir al personaje haciendo que alguien hable de ellos. Puede ser alguien que los admira, o puede ser alguien que los odie en este chisme sobre ellos. De esa manera se puede construir en una gran cantidad de información de fondo que tomaría decenas de páginas o incluso capítulos para representar. Después de haber presentado el personaje a tu público, es el momento de introducir el problema. Si aún no lo has hecho, ¿de qué trata tu historia? ¿Están enfrentando un reto o ellos mismos están creando una situación? Pero el lector de páginas de cinco años debe conocer los datos básicos sobre de qué se trata la historia, quién es tu personaje, cuándo y dónde se lleva a cabo la tienda, y qué desafíos enfrentan. Puedes usar señales visuales para transmitir información, por ejemplo, en lugar de tener que gastar páginas en un evento, puedes mostrar un periódico con un artículo al respecto en un panel siete, tienes mucho espacio que puedes usar para resolver el problema. Estas son algunas de las primeras páginas de cuentos que hice en el pasado. Por ejemplo, en este cuento, una chica demonio quiere ser un ángel y hace todo lo posible para lograr su objetivo, a pesar de que a su familia ciertamente no le gusta. En este cuento corto que hice para un concurso, un chico es perseguido por matones. Este es un cuento corto que hice para el editor para un proyecto de cuento corto. En esta historia, una niña es respaldada todos los días en el autobús escolar por un niño. Esta es otra historia que hice para un concurso. Es una historia sobre una chica a la que le parece extraña una lámpara mágica eta. Y luego esta historia, como puedes ver, las historias basadas en un punto medio mundo diferente, el punto medio, la carne de la historia. Aquí es donde la tensión está subiendo hasta llegar a su pico. En una historia de 20 páginas, sugeriría servir al menos diez páginas para ello. Puede ser que el problema al que se enfrenta el personaje se vuelva nefasto y el personaje tenga que resolverlo de alguna manera. Lo ideal es que la solución se presente al final de esas diez páginas de conclusión en una hoja de historia de 20 páginas, al menos cinco páginas para la conclusión al inicio de la conclusión de que la tensión es más alta en ella baja hasta el final donde se resuelve la situación. Hoja al menos una página para el final. Cuando las páginas de rafting sugerirían comenzar primero con el final que el principio, y luego hacer el punto medio. Muy a menudo la gente se queda sin páginas cuando la primera al principio y luego al punto medio, a menudo se les acaba al final. Especialmente cuando trabajas para editores y tienes una cantidad limitada de páginas, no puedes permitirte quedarte sin páginas. Así que hacer el final primero asegura que el final no esté abarrotado durante el comienzo siguiente asegura que los lectores sean introducidos a los personajes correctamente y ellos sepan quiénes son tus personajes. Y como ya has hecho el final, sabes a dónde va la historia. Para que puedas usar presagiar al principio. Claro, debes saber a dónde va la historia, ya que realmente deberías tener un guión terminado antes de comenzar cualquier redacción. Pero sucede súper a menudo que la gente simplemente comienza sin un plan y luego lo almacena tiende a apagarse. La idea original. 8. El guion: Es muy importante tener el guión antes de empezar a redactar páginas, tenerlo tan detallado como necesites. Yo sugeriría escribirlo página por página, panel por panel. Describe lo que quieres incluir en los paneles, qué perspectiva quieres usar, qué se está diciendo y tal vez hasta anota qué impresiones y sentimientos quieres invocar con el contenido de los paneles que te ayudarán cuando empieces a hacer tus páginas, encontrarás algunas plantillas y el archivo adjunto que puedas usar. 9. Diseño de páginas básicas: Formato. En Japón, el manga generalmente se dibuja en formato anterior que dependiendo de dónde quieras publicar o si quieres autopublicar, las medidas pueden ser diferentes. Entonces, si quieres trabajar para un determinado editor, tienes que averiguar qué formato utilizan. Información como esa. Por lo general, se encuentra en su sitio web en la sección de envío, o se puede solicitar por correo electrónico. Por ejemplo, el editor para el que trabajaron utiliza diferentes formatos y espaciado. De igual manera, las empresas de impresión pueden estar utilizando diferentes formatos. Generalmente es más económico imprimir en un formato ampliamente utilizado en lugar de en un formato especial. Entonces, cuando se autopublica, es posible que desee mantener bajos los costos y usar uno de los formatos genéricos. Por lo general, puede encontrar información sobre los formatos aceptados en los sitios web de la compañía de impresión, incluyendo plantillas , cualquier formato que use, que los términos que se apliquen a todos ellos, el espaciado puede cambiar, pero tenga en cuenta estos términos. Lona. lienzo se refiere al trozo de papel o al archivo en el que estás dibujando. La cosa es que cuando se crean páginas de un manga, en realidad es más grande que la versión impresa. No solo el original, en realidad más grande por un factor de aproximadamente 1.5 o el doble de grande que la versión impresa, sino que es más grande en términos de dibujos, especialmente con páginas de manga. Eran dibujos van más allá del borde del manga. Los dibujos se extienden más allá de la página y por buena razón es para evitar errores en las impresoras, como cortar las páginas. Hablaré más de eso en línea de recorte y sangrado. El siguiente término es área segura o área viva. El término área segura o área viva se refiere al centro de la página. Todo el texto y dibujo importantes deben permanecer dentro del área foliar para que no se corte o desaparezca dentro del área del margen de encuadernación. El margen es el área entre el área segura en la línea de recorte. Generalmente, esta área permanece libre de dibujos o textos a menos que deliberadamente quiera extender su panel más allá de eso para darle más importancia a un panel o crear un pliego donde los dibujos llenen la página más allá del área impresa. Recuerda, definitivamente debes evitar colocar cualquier texto dentro del área del margen. Línea de recorte. línea de recorte se refiere al borde de la página. Es la parte donde se corta la página en las impresoras, todo lo que esté afuera será de corte. Sangrado. sangrado es un área adicional fuera de la línea de recorte, es que la férula adentro al crear un archivo para imprimir, especialmente retirando que van más allá de la línea de recorte, hay que dibujarlos al menos 3 mm de la página que está en la versión reducida para imprimir, o al menos 6 mm cuando su original es el doble de grande que la versión impresa. ¿Por qué? Porque la máquina de corte podría cometer un error y cortar de manera desigual. Entonces, si no dibujas más allá de la línea de recorte hacia el sangrado, resultará en los bordes blancos. Si se introduce en la sangría, aunque haya un ligero error y corte, no será tan obvio. Personalmente. Generalmente dibujo un centímetro más o menos en la sangría para que tenga más para trabajar con la página par y la página impar. Si quieres trabajar para editor repentino, es importante estar familiarizado con un sistema de impresión. Por ejemplo, algunas editoriales comienzan la primera página del manga que no incluye las portadas e ilustraciones en una página extraña, mientras que otras la inician en página desigual con un pliego de página doble. Cosas así son importantes para saber cuando planeas diferenciales. Es importante imaginar cómo verán las páginas cuando se impriman, cuándo los lectores tendrán que pasar la página para que pueda organizar la ley de lectura en consecuencia, razón por la cual generalmente trabajo con diferenciales en lugar de páginas individuales. Difundir o doble página. Spread se refiere a una doble página en manga, generalmente se dibujan juntas cuando se tiene un panel que se extiende sobre dos páginas, pero también se puede utilizar a la hora de diseñar páginas normales. Personalmente, a menudo uso un tres como lienzo y dibujo mis páginas como páginas dobles, lo que me da un control total de los paneles. 10. Tipos de paneles: ¿Cuáles son los diferentes tipos de diseño de paneles? Dependiendo de la historia que quieras contar y del tono en el que quieras contarla. Se puede utilizar un diseño de panel diferente. Y si bien estéticamente hay una diferencia entre mostró usted y Sean y el diseño del panel. Se encuentra principalmente en el espaciado entre las páginas. ¿Hay reglas siguen siendo aplicables también, no es obvio a primera vista. Entonces, ¿cuáles son los diferentes tipos de paneles? Horizontal. Los paneles horizontales son perfectos para tomas amplias. Disparos que involucran mucho fondo horizontal o muchos textos así como primeros planos. Son más estáticos y relajan que otros paneles. Vertical. Los paneles verticales son más dinámicos y más aptos para mostrar una escena con mucha altura, como un edificio, una persona alta, o cuando hay mucho cielo, los paneles dinámicos y dinámicos rompen el modo de panel, los conocimientos y la dirección. Por lo general, se utilizan para escenas de acción como peleas. Spreads. Los spreads son paneles que extienden a una página completa o incluso a una página doble, y están reservados para escenas con mucho impacto e importancia. 11. Cómo hacer un panel: Cuando recién estás comenzando, hay muchas cosas sobre los paneles de las que nunca has oído hablar. Te proporcionaré una visión general sencilla. Espaciado. Si bien existen diferencias entre los tipos de espaciado y manga, lo mejor es que decidas por tu propio instinto al mismo. Generalmente, el espacio horizontal entre los paneles es mayor que el espacio vertical, pero el ritmo exacto en términos de milímetros puede variar. Posición en dirección de lectura japonesa. El primer panel del lado derecho, primero es rojo, pero puedes enfatizar que expandiendo el panel hacia arriba en el margen, colocando así el panel superior de su panel superior que los siguientes paneles que obliga al lector a leerlo primero, aunque el lector no sepa en qué dirección de lectura tus historias. Al hacer eso, puedes obligarlos a reconocer la dirección de lectura japonesa rompiendo el molde y colocando los paneles más separados. También puedes simbolizar el paso del tiempo o el cambio de la ubicación o situación. Cantidad óptima de paneles. Cuanto más uso de penalización, más abarrotada se vuelve tu página. En promedio, la experiencia de lectura más relajada se logra mediante el uso de cinco paneles o menos. Podemos usar más, por supuesto, disponiendo pequeños paneles y bloques de paneles. Pero si tienes más de diez paneles, puede ser bastante difícil para el lector averiguar cómo leen las páginas. 12. Flujo de lectura: Algunas de las técnicas menos conocidas en el error más frecuente para artistas de manga principiantes es el piso de lectura. Entonces, ¿qué significa el flujo de lectura? Exactamente lo que dice. Es la forma en que tus lectores están leyendo tu manga, el camino ahí que juego, mientras deambulan por la página, puedes dificultarles el viaje o puedes hacerlo más fácil. Cuanto más fácil le hagas a tus lectores pasar por la página. Cuanto menos molestos y confundidos estén los lectores, los lectores pueden ponerse bastante nervioso cuando cada página es como un enigma de tratar de averiguar qué panel se lee en qué orden de manera óptima, tu lector ni siquiera debería tener que pensar en eso. Entonces, ¿cómo influyes en el piso de lectura mediante paneles, colocando burbujas de habla, por la dirección del movimiento, por señales visuales y entendiendo lo que es importante para tu lector? Entonces hablemos de ello paso a paso. Los paneles de manera óptima, tus páginas no deben tener más de cinco paneles a menos que los pidas y bloques de paneles, cuantos más paneles sean, tiempo que pase tu lector tiene caminar para poder atravesar la página con muchos giros y vueltas como un camino de montaña con el defecto óptimo es cuando el ojo hace una ruta S a través de la página, siempre que es la dirección de lectura japonesa. Cuando es la dirección de lectura occidental, es una S. invertida Así que ten en cuenta, cuanto menos persigas a tus lectores a través de la página, menos agotadora es toda la experiencia para el lector de tu manga. Burbujas de discurso, personajes hablan mucho y piensan mucho. Y cada vez que hay una burbuja de habla o burbuja de pensamiento o exposición por parte del aireador, la IA hace un desvío para leerla, puedes poner la burbuja del habla en el camino del piso de lectura que la sostiene, o puedes descarriar a tu lector enviándolos a una persecución de ganso. Uno de los errores más comunes que cometen los principiantes es no planear en las burbujas de discurso, hacer primero los dibujos de la página, y luego decidir dónde colocar el diálogo después, a menos que hayas planeado las burbujas consecuencia y dibujado los dibujos a su medida. La mayoría de las veces, las burbujas de discurso terminan a la edad del panel porque no quieres que tus hermosos dibujos sean fríos, pero el texto y muchas veces las burbujas son demasiado pequeñas para el texto termine luciendo abarrotado en hacinamiento. Mi consejo es planificar los textos y las burbujas desde el principio. Al mismo tiempo que haces tu colocación de panel o incluso antes de eso, decides lo que quieres decir en esa página y configura el flujo de lectura usando tus burbujas de discurso y paneles. Dirección de movimiento. La dirección del movimiento se puede utilizar para apoyar el piso de lectura. Por ejemplo, dirección de lectura japonesa. Se lee de derecha a izquierda. Por lo que puedes apoyar eso disponiendo el movimiento en el panel para que se mueva de derecha a izquierda. O si se trata de un panel en el extremo izquierdo de la página. En el siguiente panel comienza en el extremo derecho de la página. Se puede colocar el movimiento del último panel en sentido contrario a la dirección de lectura, guardando así el movimiento en la dirección del siguiente panel. Lo mismo en el último panel de la página izquierda. Para llegar al siguiente panel, hay que dar vuelta a la página para que el movimiento del último panel vaya en dirección a la página. En la página siguiente. Las señales visuales, las señales visuales se refieren al dibujo en el propio panel, la mantequilla de anacardo, al artista detrás del escritorio, no al betún. Y muchos otros teóricos increíbles los usan mucho. Utilizaría la ley de los dibujos en el panel para guiar el ojo de una burbuja de discurso a la siguiente. Al igual que la forma en la dirección de la valla o la dirección de movimiento de la palabra clave de carácter en el ojo en el siguiente panel, como una flecha bien dirigida. ¿Qué es importante para el lector? Imaginemos la siguiente situación. Estás sentado en un tren acabando de comprar una largamente anticipada el volumen de una historia que te encanta, sabes que tienes que bajarte del tren y 20 min y realmente quieres saber qué pasa. ¿En qué nos concentraremos? Generalmente, los lectores se concentran en las interfaces de texto con nuestro pasado la mayor parte del tiempo mirando las caras de los personajes mientras apoyan o muestran la emoción detrás del texto, menos tiempo dedicado al cuerpo, a menos que haya algún servicio DIVERTIDO involucrado e incluso menos tiempo dedicado a los fondos. Y el lector promedio gasta una fracción de segundo en un fondo. Y no estoy diciendo que estos no sean importantes, lo son. Pero en el panorama general de una historia, mayoría de los lectores los usarán como orientación, pero ni siquiera los recuerdan a menos que tengan un fetiche de fondo como yo, notarán, sin embargo, si los fondos están notoriamente desaparecidos o mal ejecutados. Así que usa este conocimiento para guiar al lector a través de la página haciendo uso de la colocación de las fases en la dirección de las glándulas mientras estás guiando a tu lector inconscientemente a través la página sin que ellos lo sepan nunca. Lo que sabrán, sin embargo, es lo cómoda de nuestra experiencia de lectura que es tu historia. Nunca necesitan saber que los has manipulado. Entonces este será nuestro secreto. 13. Contenido de los paneles: Quiero que pienses en algo. ¿Qué es lo más importante en tu historia? ¿Qué escena tiene más impacto, el mayor efecto bélico? ¿Lo has encontrado? Entonces dale el panel más grande o incluso un spread. De igual manera, suele haber un gran panel de fondo al inicio de una historia que muestra al lector dónde se desarrolla la historia. Las preguntas en pensamientos como ese son parte importante del proceso de planeación. Y te ayudará a llenar los paneles y contar la historia de la manera que quieras contarla. En esta lección, te hablaré sobre el contenido básico del panel. Establecimiento de disparos. En estas tomas, estás establecido tu ubicación y proporcionas información. ¿Dónde se lleva a cabo la escena? ¿Es una ciudad o pueblo de bosque? ¿Qué época del año es? Es un día. ¿Es de noche? ¿Cómo está el clima? ¿Vale incluso otro planeta? Y otra dimensión? Es que el presente, pasado o futuro, una pierna corta que puede proporcionar mucha información visualmente para que leas que pueda colocar la historia. Además, este tipo de disparo se puede combinar con la exposición de posición. En la exposición, la situación se explica con las aves. Se puede mencionar la hora, lugar, o informado sobre la identidad del personaje o el tema de la historia. Intenté mantenerlo lo más corto posible. Tiro ancho. Se acerca más a los personajes, los muestra y su entorno muestra lo que está pasando, cómo interactúan con el mundo. Quién es la historia sobre el neural llegar al personaje, más se puede mostrar su lenguaje corporal y expresiones faciales. Acción que imita paneles, perspectiva basculante, dibujo, escenas de acción. No sólo se recomienda utilizar perspectivas más dramáticas, energía, pausas terrestres y líneas de bits de efecto flex, sino también paneles dinámicos, inclinar el horizonte, abrir paneles y spreads. Cómo elegir una perspectiva. Los ángulos bajos se utilizan para escenas dramáticas. Los ángulos altos te dan una visión general del entorno, pero también se pueden usar para crear drama. Si bien la mayoría de los paneles están a la altura de los ojos, evite la perspectiva de un punto con los puntos de fuga justo en el centro. Tal perspectiva parece antinatural. Ponga los puntos de fuga ligeramente hacia un lado. Proporciones jerárquicas y paneles. Las escenas importantes obtienen paneles más grandes que las escenas menos importantes. Incluso puedes usar diferenciales sobre una o una doble página. Imaginemos un escenario, tus personajes leyendo un libro en las bibliotecas. De repente nuestro T-Rex irrumpe en la habitación, lo que lleva a que tu personaje deje caer el libro. qué escena obtendremos el panel más grande o posiblemente incluso un spread, obviamente el T-Rex Bejing en porque si la parte en la que dejaron caer el libro obtiene el panel más grande, confundiría al lector darle demasiada atención al libro a menos que quieras llamar la atención sobre el libro porque es un libro sobre convocar dinosaurios. Primer plano. Evite usar demasiados primeros planos. primeros planos significan que la cámara va muy cerca del personaje, especialmente con primeros planos, usa paneles grandes, úsalos para las escenas más importantes y para el diálogo más importante. Paneles atmosféricos. En ocasiones se utilizan paneles que no son esenciales para la historia, sino que proporcionan una atmósfera como con tomas de la naturaleza. No tienes que dibujar un insecto que se desmorona de nuestra hoja. Pero si la fuente se lleva a cabo en primavera y verano, puede potenciar esa sensación de naturaleza y fuera de temporada. Otra variación es cuando estás usando un plano ancho en medio de la historia. No porque necesites mostrar lo que está pasando, sino para transmitir una sensación de la escena posando dramáticamente tus personajes y al entorno con una perspectiva y un efecto de iluminación cuidadosamente elegidos. utilizan paneles de emulsión, paneles de afecto o emoción para enfatizar las cosas que se están diciendo o pensando. En lugar de solo usar textos simples, las líneas de velocidad y los tonos de pantalla son cobertura se pueden usar para transmitir una sensación de urgencia o mostrar un sentimiento. Paneles de diálogo. Son momentos en historias donde hay menos acción, pero hay mucha información que hay que transmitir o donde se establecen límites emocionales, dependiendo de cuánto espacio tengas, dependiendo de cuánto espacio tengas, puedes usar paneles pequeños o mitad de los personajes interactúan con su entorno, dando pistas tácitas a través de su lenguaje corporal. Es importante mostrar reacciones a lo que se está configurando y paneles. No tienes que confinar a tus personajes exclusivamente dos cajas. En ciertas escenas, puedes hacer que el personaje sobresalga de la caja. Por ejemplo, cuando un panel, simplemente un panel de texto abierto aquí para carácter se pega fuera de la caja en el panel de texto. Se puede demostrar que los pensamientos pertenecen a ese personaje. Se puede hacer por fases adicionales o para crear una pausa. Cuándo difundir y cuándo no. Usa diferenciales para escenas importantes e impactantes, pero no los uses solo para aumentar el número de páginas. Rompiendo el molde para darle a tu página una sensación más dinámica o hacer cumplir la dirección de lectura, puedes mover los paneles hacia arriba y hacia abajo, abrirlos, o hacer que se expandan, siempre y cuando todos los textos sepan en la zona segura, todo es durazno. Por ejemplo, puedes expandir el primer panel de la página hacia arriba. Funciona bien con imágenes de las ciudades donde hay mucho cielo. Al expandir el panel hacia arriba, significa que este es realmente el primer panel y el lector se dibuja automáticamente hacia él. De igual manera, haciendo que el último panel de la página salga de la página. Particularmente en la página izquierda en la dirección de lectura japonesa, o la página derecha en la dirección de lectura occidental. Hace cumplir al lector a voltear a la página siguiente. Es bueno usarlo en situaciones dramáticas. En situaciones románticas, se puede mover el siguiente panel ligeramente hacia abajo para darle un bucle más dinámico, inclinando el horizonte unos grados puede fortalecer aún más la dinámica. 14. Gestión de proyectos en Manga: Seamos honestos, creando entre nosotros, no solo el tablero dibujando páginas de manga y cualquiera que alguna vez lo haya probado sabrá que es fácil perderse en el proceso, incluso para cuentos cortos. Tener una comprensión clara de cada paso que tienes que dar puede ayudar a disipar tus miedos y ayudarte a ahorrar tiempo y tus nervios a la larga. Un proyecto de manga implica mucha preparación y es mejor tomarte tiempo al principio que tener que fregar meses y meses de trabajo porque se perdió el rumbo y lo notaste demasiado tarde. Sé que todo el mundo quiere saltar directamente al dibujo de páginas de manga, pero por favor tenga paciencia. Tu manga se lo merece. Entonces, ¿por qué se necesita la gestión de proyectos en el manga? Porque dibujar un manga es difícil, sobre todo cuando estás en medio del proyecto. La falta de sueño y el agotamiento pueden llevar a decisiones equivocadas. Créeme, sé que haber hecho la preparación temprano puede ayudarte a mantenerte encaminado incluso bajo el mayor estrés de plazo. Solo tómate tu tiempo con la pintura y después podrás confiar en las decisiones que tomaste cuando todavía decías interesado. Entonces, ¿estás listo para saltar conmigo al proceso? Aquí vamos. 15. Las fases: Ensayo ya mencionado crear un manga no se trata sólo de dibujar. Hay otras cosas involucradas. Me gusta dividir el proceso en las siguientes fases. Aquí, voy a dar un breve panorama y luego elaborar en cada cara más adelante. Si bien mencioné estas fases en orden consecutivo, no significa que no se pueda volver a fases anteriores y editar cosas. Por supuesto que puedes hacer eso. Fase uno. La planeación. Esta fase trata de cosas que conciernen al concepto del propio proyecto. Fase a la escritura. Esta fase trata del lado de escritura de su proyecto, que establece las bases que seguirán más adelante. Fase tres, el diseño. Esta fase te proporcionará las visuales para tu manga y determinó el estilo que te da una historia de fe, por así decirlo, fase para el manga, esta fase trata sobre la creación real de las páginas del manga. fase cinco, el paquete de negocios, dibujar manga no es suficiente para que la gente lo lea. Tienes que anunciarlo. Además, esta fase te ayuda a planificar con anticipación la producción de mercancía. Cara seis, la editorial, esta cara trata de la publicación del manga. Entonces veamos un poco más de cerca cada fase. 16. La planificación: En esta fase, determinas la información básica sobre tus proyectos, la línea de tiempo y el mapa social. Veamos la información del proyecto. Estos son algunos de los factores que pueden hacer o deshacer un proyecto, sobre todo cuando se trabaja con editores, es importante saber cuánto tiempo tienes para dibujar un proyecto, pero incluso sin publicaciones, es algo que tienes que considerar. Veamos la siguiente situación. Hay una convención el próximo año. Lo sé, mientras el COVID siga siendo desenfrenado, es poco probable, pero hablemos hipotéticamente. Digamos que hay un convencional de seis meses y quieres crear y vender tu manga en la convención, aunque, de manera más realista sería un tiros desgastados. Y son muy pocas las personas que puedan pasar por todos los pasos del medio año creacional. Entonces tienes tu día de inicio y tu fecha límite final. Pero no recomendaría establecer su fecha límite a la hora de la convención, darse al menos unas semanas de tiempo de búfer, o mejor aún, un tiempo de búfer de dos meses, pueden pasar muchas cosas, por lo que calcular en tiempo adicional es muy importante. De hecho, muchos editores y ahora calculan mes de tiempo de búfer o peso, pero el anuncio de un proyecto hasta que esté completamente terminado, solo hay demasiadas cosas que pueden salir mal y provocar un retraso o incluso una constelación. A continuación, está la cuestión de la longitud. En mi opinión, esta es una de las preguntas más importantes, uno de los errores más comunes del novato como ser demasiado ambicioso ir por un proyecto que es simplemente demasiado grande y el pie tarda una década o más en completarse. En el primer intento, sugeriría comenzar con algo más pequeño, algo que puedas manejar. Piensa en cuántas páginas, capítulos, o volúmenes va a tener tu proyecto como referencia, he visto las tomas de hasta 56 páginas de volumen pueden tener 160-200 páginas. cuanto a los volúmenes, No hay límite, pero realmente no recomendaría repasar un volumen en el primer intento por lo que he visto, incluso artista de tiempo completo pasó al menos un año en un volumen. Pero el trabajo sin asistencia y esas personas son con experiencia y terminando proyectos. Por lo que es realmente una cuestión importante a considerar. ¿Cuánto tiempo quieres invertir en este proyecto? Y el tiempo está determinado por la duración del proyecto y estás dibujando velocidad y por supuesto, otros factores como tu salud o sus responsabilidades y tus metas. A continuación vienen las preguntas de Rhonda y público objetivo. qué nicho o estás apuntando, y para quién estás dibujando. Diferentes tipos de manga requieren diferentes enfoques en cuanto a diferentes audiencias, es importante pensar en ello. Luego viene la pregunta del formato de publicación. ¿Se va a imprimir el proyecto o va a estar en línea? Es importante pensar porque ciertos tipos de publicación en línea o difíciles imprimir, un ajuste pulcro. Estoy hablando de formas como Lienzos interminables o versiones de colores. Cuando imprimes tu manga tú mismo, tienes que considerar cosas como los costos de impresión y manga de color es más caro de imprimir a menos que tu objetivo sea ambos medios directamente y asegurarte de que las páginas se puedan adaptar tanto para imprimir para internet. La siguiente pregunta es sobre el medio de la creación. ¿Estás trabajando con medios tradicionales, digitales o una mezcla de ambos? Si estás trabajando con medios tradicionales, tienes que asegurarte de tener un buen escáner. Y sobre todo cuando se trabaja con tonos verdes, hay que asegurarse de que su escáner pueda eliminar más. Es un patrón que cursan algunos escáneres. Cuando el escáner no reconoce cada punto en el tono de la pantalla, parece un tipo de patrón a cuadros, aunque hoy en día la gente usa principalmente tonos de pantalla digitales por lo que es menos un problema. Solo asegúrate de no apilar puntos, tonos verdes uno encima del otro porque esto también puede causar más a un puro digital. A continuación viene la pregunta sobre los detalles de la producción. Digamos que quieres usar cierta imprenta para tu manga. Suelen tener medidas y requisitos de formato en sus sitios web, que es mejor seguir para que no haya problemas cuando quieras imprimir tu manga. También proporcionan plantillas. Diferentes empresas de impresión pueden tener diferentes requisitos, por lo que es importante tenerlos en cuenta desde el principio. O su editor espera que entregue sus páginas con ciertas medidas y con ciertos formatos de archivo. Misma historia, trabaja con ellos desde el principio. Ahorrará tus sesiones de pánico más adelante. Si aún no tienes editor, pero planeas acercarte a los editores, es bueno tener una lista de las editoriales que ya tienen proyectos en el mismo nicho al que estás apuntando. Muchas veces los editores rechazan un proyecto porque sienten que el proyecto no es para ellos, porque está en el nicho equivocado. Conocen al público y saben lo que su público esperará de ellos. Y como suelen ser reacios al riesgo, van con lo que saben y lo que vende para ellos. Si tiene la intención de publicar su manga en línea, a menos que publique en su propia página web. Es bueno hacer tu tarea y pagar qué sitios web son redondos y qué requisitos tienen. Además, tómate tiempo para leer los términos de los servicios. A continuación viene la cuestión de la investigación. A menos que sea algo ficticio o con lo que estés familiarizado, un agitador suele requerir algunas investigaciones. Podría implicar la investigación de una ubicación geográfica, de la historia, de la cultura o de algún tipo de tema específico. Ponerlo en la lista de tareas pendientes desde el principio es una buena idea. Y por último, pero no menos importante, está la cuestión de las lenguas. Si adjunta para publicar su proyecto en más de un idioma, es bueno tenerlo en cuenta, especialmente con publicaciones web que pueden involucrar diferentes plataformas en línea. Estos, o al menos los puntos básicos a abordar al inicio de la planeación. Pero hay otras cosas a tener en cuenta, como la línea de tiempo. No estoy hablando del tiempo que necesitas para hacer tus proyectos. Más bien, estoy hablando de en qué marco de tiempo se está llevando a cabo tu historia. Yo sugeriría hacer el paso en tándem con el proceso de escritura, que es la fase dos. Pero ya puedes hacer planes. Por ejemplo, este es un sistema que utilicé para mantener una visión general de las escenas, tocando un capítulo determinado y adjuntarlas a un marco de tiempo. Digamos que tu historia o al menos el Capítulo uno se lleva a cabo alrededor de la época de marzo a julio de 2019. La primera escena inicia en mayo de 2019. La siguiente escena avanza hasta finales de mayo hasta principios de junio. La tercera escena ocurre a finales de junio, principios de julio, mientras que se ve por es un flashback que aborda una situación que ocurrió en marzo. Visto cinco continuos nacimientos temporales en tres ha dejado fuera y progresa a mediados de julio. El momento aquí es arbitrario. Se puede ajustar el tiempo de capítulo a capítulo y hacerlo en años o incluso horas del día. Es sólo para hacer un seguimiento de las escenas que ocurren en cada capítulo e incluso volumen, voy a proporcionar la plantilla así como los otros archivos como nuestro archivo de PowerPoint que podrás ajustar a tus necesidades. Lo siguiente a abordar es un mapa social. Se trata de las relaciones entre los personajes. ¿Quién es tu personaje principal y qué relaciones tiene con otros personajes? ¿La relación cambiará la historia? ¿Pueden los amigos convertirse en enemigos y los enemigos convertirse en amigos? ¿Un héroe irá mal o viceversa? Especialmente con historias que involucran a muchos personajes, es bueno que te ayudes a seguimiento de sus relaciones, no sólo de los personajes principales, sino también de los personajes secundarios. Las personas son conmovidas por diferentes motivaciones personales. Y esa motivación personal de un personaje secundario podría proporcionar la clave para resolver un problema al que se enfrenta el personaje principal. Entonces, piénsalo. Yo sugeriría dibujar tu mapa especial mientras escribes una historia. 17. La escritura: Esta cara tanto en la redacción de biografías de personajes, la anotación del resumen de la historia, luego en la historia esbozada en el guión. Entonces, ¿cuál es la diferencia entre los resúmenes, el esquema y el guión? En el resumen, se anota una breve descripción de los principales acontecimientos que le sucedieron a la historia. Sea breve y trate de que no sea más larga que una página. Esquema, desglosa la historia en volúmenes. Por supuesto, si tienes volúmenes que los volúmenes en capítulos, y luego los capítulos en escenas, escribir una breve descripción de la escena puede ser un párrafo corto. También es una buena idea decidir cuántas páginas se ven tendrán. En este caso, la línea de tiempo será útil para éste. Y es un paso crucial porque los cambios se pueden hacer con bastante facilidad sin que tengas que perder mucho tiempo y tener que volver a dibujar páginas. Así que tómate tu tiempo para este paso. El siguiente paso es el guión. Utilice la información del esquema y página derecha por página y panel por panel descripción de las cosas que están sucediendo en la historia. Esto implica también el diálogo. Podrías combinar el paso con letras de los paneles y pasos de miniaturas de la fase cuatro. Pero no tienes que hacerlo. Pero mientras no tengas el dron de páginas limpias, puedes regresar y la cripta de la justicia en cualquier momento. Por supuesto que también puedes hacerlo después de eso, pero solo es más trabajo. 18. El diseño: Hablemos del diseño. Esta fase implica la creación de hojas de personajes, hojas expresión, hojas de moda, ubicaciones y referencias. Los pasos opcionales son hojas de muestras adicionales, gráficos de colores, guiones gráficos, modelos 3D y diseño de fusión. Entonces comencemos con hojas de caracteres. Cuánto trabajo quieres poner y qué tan detallado quieres que sean depende de ti. Solo recuerda que te será útil planificar y probar cosas en esta fase. Porque cuando empieces a hacer las páginas, cambio de diseños vendrá con trabajo adicional y pérdida de tiempo, al menos a un primer plano del personaje en lado frontal o tres cuartas partes. También es una buena idea hacer hojas de expresión. Cuánto trabajo quieres invertir esto depende de ti. Para cuento corto se pueden utilizar algunas expresiones, pero para cuento largo se pueden hacer más expresiones, son muchas más mostrando la cara desde diferentes ángulos. O puedes volverte loco y simplemente hacer un estado de ánimo de par de sábanas desde diferentes ángulos, como neutral, feliz, feliz con los ojos cerrados o enojado. Eso para cada personaje. Las sábanas de moda también pueden ser útiles. De esa manera puedes crear una guía útil para ti mismo que puedes consultar al momento de hacer tu historia. Eso ayuda mucho cuando tu personaje va a llevar más de un atuendo, el mismo personaje puede desprender toallitas completamente diferentes, llevaban cláusulas diferentes. Así que prueba las cosas. Al igual que en este caso, mi personaje Gabrielle, está variando pérdidas clásicas y se ve muy diferente en comparación con él variando la ropa escénica. Aquí hay otro ejemplo de PATRIC. Mira a lo que me refiero, incluso con la misma pose, el ambiente alrededor de los personajes diferente dependiendo de la ropa. He aquí un ejemplo con ropa diferente de Marie St. Paul. En esta etapa, también puedes probar cómo se vería el diseño al dibujar tonos blancos y negros y verdes. Al igual que en este ejemplo con Leia, quien, como puedes ver en el último conjunto de atuendos, realmente ama a los gatos. También encuentro útiles las tablas de tallas. Te puede ayudar a recordar qué tan grandes son los personajes en relación entre sí y con su entorno? Puedes encontrar la plantilla en sus archivos adjuntos. Yo he usado el sistema métrico porque es el que se usa aquí, pero puedes adaptarlo a tus necesidades en caso de que usemos el sistema imperial. A continuación vienen ubicaciones. Podemos incluir dibujos de las localizaciones desde diferentes perspectivas en esta etapa, así, este gimnasio, vestuario. O puedes usar imágenes de referencia que puedes consultar al dibujar tus fondos. En este caso, edito imágenes de fondo que crearon a partir de fotos de grandes ciudades y pueblos. Si tu tienda se está llevando a cabo en la ciudad en la que vives o has estado también. También puedes agregar fotografías. El manga puede usar referencia fotográfica todo el tiempo. Incluso enviaron su ayuda para tomar fotos de diferentes lugares desde diferentes perspectivas que luego se pueden rastrear usando una mesa de luz. Ahora, hablemos de las cosas que son opcionales, especialmente para un almacenamiento más largo. Podría ser una buena idea incluir la misma atención a la banda que se le da a las hojas de expresión, particularmente en las historias de fantasía que tienen armas o armaduras. Y cuando hay muchos activos diferentes estuvo involucrado. Lo mismo con las cartas de colores. Tener en cuenta qué color usas para qué personaje puede ser gran ayuda a la hora de hacer una historia más larga. Pero incluso en un cuento corto puede ayudar. Especialmente cuando vas por el color en lugar de mantener un blanco y negro. Los guiones gráficos también pueden ser útiles. Aunque. No estoy hablando holgura detallada del storyboard para películas. Estoy hablando de crear dibujos de escenas importantes. Es particularmente útil con historias más largas. No solo te da publicaciones de objetivos a las que tu historia puede ir, también tiene varios otros beneficios. Por un lado, te da la oportunidad de sacar las escenas del camino que realmente quieres dibujar y que están atrapadas en tu cabeza desde el principio. Pero al mismo tiempo, te ayudará más adelante porque ya diseñaste las escenas importantes. Puedes utilizarlos directamente o partes de ellos. Otra cosa, nuestros modelos 3D, podría ser una sorpresa, pero muchos artistas profesionales del manga los están usando. Conozco a varios artistas que construyen modelos 3D de fondos que aparecen con mayor frecuencia en su manga usando Blender o sketch up, también es posible importar blend los fondos en un software como Clip Studio Paint que no solo tiene sus propios fondos 3D, sino que también vienen con posibles maniquíes 3D u otros activos 3D. Otro punto opcional está diseñado para mercancía. Es algo a considerar. Tomemos abrazadera, por ejemplo diseñan a sus personajes de una manera que sea súper fácil fusionarse con ellos, tomar más esquina, por ejemplo que apareció como mascota y varias de sus historias. Pero no tienes que ir tan lejos. Podría, por ejemplo, dejar que tu personaje Vera playera con un diseño que también la puedas poner en playeras y bolsos y otras cosas. ¿Por qué no beneficiarte de tu trabajo? Y de múltiples maneras. 19. El Manga: Por último, llegamos a la fe del manga, la que involucra la mayor parte del trabajo y también es la más importante. Si ya has terminado los otros pasos para este punto, debería ser relativamente fácil de hacer porque ya tienes un plan de cuántas páginas quieres hacerlo, qué pasa en cada página y en cada panel, qué decir, cómo se ven los personajes y el entorno, y así sucesivamente. Es posible que incluso ya hayas hecho algunos guiones gráficos de las escenas más importantes y hayas trabajado un poco en los paneles, las burbujas de discurso y las miniaturas, pero si no te detienes a hacerlo ahora, Empecemos con miniaturas de página, paneles y burbujas de discurso. Entonces, ¿qué son las miniaturas? Básicamente, son pequeños dibujos en bruto de tus páginas. No tienen que ser detallados. De hecho, solo puedes usar Stickman. Se trata de legibilidad y composición de la página. No empieces a llenarlos con los dibujos todavía. Primero, te recomendaría que inicies con los paneles y el discurso burbujea los paneles y el discurso burbujea al dibujar la página algo más, la forma de los paneles y las posiciones de las burbujas de discurso determinarán qué tan renovable vas a ser tu manga más adelante. Pero lo bueno de otra cosa es que no requieren demasiado trabajo y puedes rehacerlos con relativa facilidad, sobre todo porque son realmente pequeños. Después de que estés satisfecho con los nombres de las páginas, puedes ampliarlas a un formato en el que quieras trabajar. Por lo general, es el doble de grande que un formato en comparación con la versión impresa final. Entonces, si quieres imprimir en un cinco, haces tu página, al menos en A4. Aunque hay vaca manga que trabaja incluso en A3, lo importante es que las proporciones sigan siendo las mismas. También se les llama relación de aspecto. Pero cuanto más grande es el formato, más trabajo entra en él. Así que ten cuidado, puedes quemarlo. Dibujando un manga completo en A3, créeme, sé que mi primer proyecto largo llamado triple hora de brujas que hice para el pop de Tokio se hizo en un tres y al final estaba exhausto. Tuve que irme a un descanso de dibujar cuatro meses después de eso para poder recuperarme. Entonces en esta etapa con unos dibujos a lápiz limpios, puedes salir todo lo que quieras con los detalles. Dependiendo de tu estilo de entintado, puedes crear un plano para seguir con entintado o darte instrucciones básicas. Esta es también la fase en la que puede mejor en efectos y palabras sonoras. A continuación viene el entintado. Al entintar tradicionalmente, hay diferentes formas. Podemos aplicar tinta sobre el mismo trozo de papel con el dibujo a lápiz o usar un lápiz azul que no tienes que borrar al escanear. O puedes mantener el dibujo a lápiz y el entintado en diferentes hojas de papel y usar una mesa ligera para transferirlas. Esto es lo que hago a menudo porque hace innecesario borrar las líneas de lápiz. Y tampoco tengo que temer cometer errores con la tinta y arruinar el boceto a lápiz, como verter accidentalmente la tinta en la página. En tal caso, sólo puedo usar nuestra nueva hoja de papel. Pero dependiendo de si entintas tradicional o digitalmente, influye en el siguiente paso. Si tu tinta tradicionalmente está en el mismo papel que tu dibujo a lápiz, tienes que borrarlos eventualmente y no tomarte esta tarea a la ligera. Después de borrar los dibujos a lápiz de todo nuestro capítulo, mi brazo fue básicamente inútil por el resto del día. Y ya que probablemente estarás haciendo las letras y aplicando los tonos de pantalla o la coloración digitalmente. También tendrás que escanear las páginas. Esto probablemente implicará algún tipo de limpieza después. Así planeta en un horario. A continuación vienen los tonos de pantalla. Eso se puede hacer tradicional o digitalmente para los que no saben, tonos de pantalla son esos puntos y patrones que encuentras en el manga que indican sombras, colores, patrones, texturas, o estados de ánimo. Incluso son nuestros tonos de pantalla que tienen fondos completos en ellos. Pero hoy en día es raro que la gente fuera de Japón los haga tradicionalmente. Dado xij Japón encontrar toneladas de pantalla jefe es difícil. Y fue la diapositiva de software, Clip Studio Paint que viene con un montón de tonos de pantalla incorporados. Es mucho más económico hacerlas digitalmente. Aunque. Es posible hacer un mango sin tonos verdes son coloración si estás entintando es lo suficientemente bueno. La última parte, las letras, que significa agregar texto a tu página, también se hacen digitalmente hoy en día. Y no subestimes el proceso. Lleva un tiempo. Incluso para cuento corto, podrías pasar un día entero agregando el texto. Así que no asumas que terminarás con él en una hora, mezcla en el tiempo. 20. El paquete de negocios: Esta fase es bastante importante y con mayor frecuencia se descuida. Lo mejor es al menos prepararse para ello mientras estás dibujando el manga real. Sugiero tomarlo en su consideración de plazo y tratar de no posponarlo hasta el final. Tomemos la portada. ¿Por qué es importante? Porque vende el proyecto. Un armario de apuestas puede significar que no se venda el manga. Entonces tú o tu editor terminan sentados en copias no vendidas o cómics web. La funda de cama puede significar menos clics. Y dependiendo del modelo utilizado para el sitio web, lo subas, puede significar menos o ningún ingreso en absoluto. Así que tómate tu tiempo desarrollando una ilustración de portada, luego viene la otra ilustración. Generalmente además de la portada, hay al menos la misma cantidad de ilustraciones de portadas de capítulos. Son capítulos. Estos suelen estar impresos en blanco y negro. A menudo, cada capítulo también tiene una ilustración extra, como un gordito. Estos también suelen estar impresos en blanco y negro. Y luego a menudo hay ilustraciones adicionales que vienen antes de los capítulos que se imprimen en color. Más comúnmente los números de cuatro a una página ilustraciones y una doble página. Pero puede haber más de eso, puede haber menos. Es solo que hay que tener en cuenta que al menos tendrás que tener tantas ilustraciones en sus capítulos. Y por supuesto, esto también se puede utilizar para materiales promocionales. A continuación vienen los recortes salieron cuando una ilustración de tu personaje sin fondo para que pueda ser utilizada con fines promocionales. También se pueden utilizar para mercancía. Entonces hablemos de materiales promocionales. Estos incluyen ilustraciones, descripciones breves y especiadas de tu manga o blurbs de otros creadores. Si trabajas con un editor, normalmente ellos se encargan de eso. La única solicitud pero necesitan de usted por ejemplo ilustraciones. Pero si creas y publicas el manga tú mismo, también tienes que encargarte de eso. No importa lo bueno que sea un proyecto, si la gente no lo sabe y a menudo encuentran que es para otros, no lo van a comprar. Así que trata de poner tantos globos oculares en tu proyecto como puedas. A continuación, si el concepto de mercancía, ese sesgo de género es una excelente manera de tener ingresos adicionales a través de tu proyecto manga. Pueden ser muchas cosas como carteles, marcadores, pegatinas, papelería, por ejemplo, notas post-it, bolígrafos, estuches, carpetas, cuadernos. O pueden ser cosas como playeras, bolsos, llaveros, y muchas otras cosas. Por supuesto, esto significa costo de producción adicional. Y hay que conocer a su público. Si tienes la oportunidad de tener un stand en una convención, prueba a vender comerciante, mira qué vende mejor. Diferentes creadores atraen a un público diferente. Ese sesgo cosas diferentes. Sugiero no ir por la borda al principio. Trate de no tener más de 25 piezas de cada tipo de fusión al principio. Ver lo que se vende mejor. Y por supuesto, si trabajas con una editorial, suelen encargarse también de la producción, costo y distribución de mercancía. En una nota al margen, debes saber que en Japón, mayor parte del dinero se gana no dibujando un manga, sino haciendo que se convierta en enemigo. ¿Por qué? Porque tener un enemigo suele significar que habría mercancía creada y vendida del proyecto, razón por la cual los manga caudados son ricos, son los que tienen los animados y los robos de mercancía. Aquellos que no tienen trato de mercancía bajo demanda generalmente apenas ganan lo suficiente como para arreglárselas. Tengo que trabajar un trabajo regular y crear mango de este lado. 21. La publicación: Ya que depende de qué manera elijas todas las opciones y la cara editorial son opcionales aquí. Entonces, ¿cuál llevar? Si solo quieres crear tu manga y que te paguen por ello yendo la ruta del editor es el camino a seguir. Sin embargo, no es la forma más fácil, ya que los editores son bastante exigentes con quién se inscriben, es mucho más caro para un editor crear un proyecto original en comparación con solo comprar una licencia para un proyecto ya existente en el extranjero. Tienen ciertas expectativas y también vamos a querer tener voz en el proceso de creación. Entonces, si quieres ir por esa ruta, lo mejor es tener lo publicado a bordo antes de que se complete el proyecto y de manera óptima desde el capítulo uno, sí tiene beneficios trabajar para una editorial Ya que cuentan con una extensa red, conexiones con vendedores, conexión con los medios, y tienen gente para todo tipo de tareas desde la producción hasta la comercialización. También organizan eventos que promueven el manga o te traen a ti y a tu manga para establecer los eventos como convenciones y ferias del libro. También ayudan a organizar sesiones de firma en librerías, que generalmente se pagan, por ejemplo, cuando tuve mis sesiones de firma, me pagaron 50€, lo que equivale a unos 60 dólares por hora por firmar mi nombre y mi Mongo. También GET solicitud de librerías e instituciones para talleres de dibujo y talleres de dibujo presenciales pagan muy bien por una referencia, dependiendo de para quién hice el taller, me ofrecieron un pago 70-250 € por hora para hacer un taller. Algunos de mis compañeros que publicaron con editores y más dinero haciendo giras promocionales, estaban firmando sesiones y talleres de dibujo de lo que originalmente recibían del propio proyecto. Y claro, la editorial también se encarga de los viajes, comida y el alojamiento cuando tienes que ir a algún lugar para promocionar tu manga. En mi caso, esos solían ser hoteles de cuatro a cinco estrellas cuando tenía que ir a ferias de libros y convenciones. Cuando estaba en París, mi editor francés me acaba de entregar dinero para comprar comida en el hotel los días que no iban conmigo al restaurante. No recuerdo exactamente cuánto costó, pero creo que fue como 200€. Nuestras editoriales alemanas generalmente solo nos llevaron a comer a los restaurantes. Pero como dije, no es fácil registrarse con una editorial. General, funciona así. Trabajas por contrato para que el editor como creador freelance cree el manga. No te pagan por mes. Por lo general, se paga una tarifa fija basada en la entrega. Y dependiendo del contrato, eso puede ser 50% por adelantado al firmar el contrato. En las otras partes, después de entregar ciertos lotes de su manga, algunas editoriales acordaron pagar la tarifa completa por adelantado, aunque estas instancias son realmente raras y no hacen eso fue creadores primerizos. Tuvieron demasiadas malas experiencias con la desaparición de personas. Algunas editoriales pagan cuando se hace todo el manga. Y realmente depende de tu contrato y de tus habilidades de negociación. Y cuando el proyecto está terminado, tu actuación termina a menos que sean actividades promocionales. Pero generalmente eso significa que a menos que haya firmado un nuevo contrato para un nuevo proyecto, no hay dinero adicional que pueda hacer el tiempo entre proyectos sea particularmente estresante. Así que tenlo en mente. Por supuesto, si no quieres tratar con editores, puedes imprimir tu proyecto tú mismo y venderlo en convenciones o en línea. La impresión no es barata, pero si tu trabajo es bueno, puedes obtenerlo crowdfunding, por ejemplo, usando Kickstarter. O puedes hacer que las personas preordenen tu proyecto si ya tienes una audiencia y usar los fondos para imprimir bajo demanda además de imprimir copias adicionales para la venta en convenciones. En este caso, tienes que aprender a comercializar tu manga y a publicarlo en línea. Aprender a desarrollar una red de negocios y aprendió los conceptos básicos del marketing. Nuevamente, si no tienes dinero para invertir en impresión, no quieres ir por la ruta de la política. Aún no tienes seguimiento y solo quieres que la gente lea tu manga. Puedes usar plataformas como melodías web para publicar tu proyecto. Sugiero investigar en qué plataforma se adapta mejor a tu proyecto. Pero si quieres ir al editor o al crowdfunding root, lo mejor es desarrollar un pitch deck como para el crowdfunding, como un solo investigar campañas exitosas para publicaciones de manga en Kickstarter y ver cómo lo hicieron. Aunque en general, si has trabajado en las fases presentadas en esta clase, tienes todo el material que necesitas para presentar tu trabajo al editor. 22. Proyecto de clase: Para el proyecto de clase, quiero que desarrolles el concepto para historia de 20 páginas. Quiero que hagas las siguientes cosas. Uno, idear la idea de cuento corto, escribir las escenas que sucederán la historia y les asignaron páginas basadas en el inicio, sistema de conclusión de punto medio, tres, anotar los diálogos y descripciones de los paneles. Qué va a pasar en las páginas. Para descripciones de personajes desarrollados que se ajusten a la historia. 23. Conclusión: Es una habilidad esencial para poder crear un manga, para poder poner una historia en una cantidad limitada de páginas. Si puedes contar una historia en 1816 o 20 páginas, y es posible, entonces podrás contar una historia en 180, 500 o 1,000 páginas. También te enseñará las habilidades de seleccionar los temas más esenciales y poder comprimir información para que puedas usar el espacio para las escenas que realmente le importan a la historia. Realmente espero que esta clase pueda ayudarte a acercarte un paso más a cumplir tus sueños. Siéntete libre de comunicarte si hay algo que no entiendas o con lo que te puedan ayudar? Si quieres aprender más sobre un tema determinado, entonces házmelo saber. Buena suerte.