La práctica de la narración visual: entrevistas con artistas

1. Introducción: Hola, soy Debbie Millman y soy diseñadora, autora, educadora, y presentadora del podcast, Design Matters. Podrías haber visto recientemente mi clase en Skillshare sobre narración visual donde llevo a la gente a través de la historia sobre la narración visual, y culmine ese show con hacer mi propia historia visual, y animar a mis espectadores a hacer su propia historia también. Este episodio en particular es más acerca de cómo lo hacen otras personas. Y así vas a ver cuatro enfoques diferentes de la narración visual. Defino la narración visual como la intersección entre la narrativa visual y el texto. Algo que se dibuja, algo que se pinta, datos que se cruzan con la tipografía en algún tipo para crear una forma de arte que exprese una narrativa visual y verbal. Hace poco curé un espectáculo para el Museo del Diseño de Atlanta llamado Text Me, y es un espectáculo de 70 piezas de trabajo diferentes que se unen para reflejar la forma en que vivimos ahora rodeados de mensajes y comunicación de todo tipo. Y he tenido el gran honor de hablar con cuatro de los artistas que aparecen en el espectáculo en el Museo del Diseño. Adam J. Kurtz es caprichoso, e ingenioso, y divertido, y no tiene miedo de mostrarte exactamente quién es y te lleva a un viaje en el que te sientes realmente bien de estar en mientras descubres esas cosas de ti mismo como bien. Estoy escribiendo frases. Esa es mi voz. Esa es mi voz visual. Creo que hay algo la letra de cada persona como su voz es una huella de quiénes son. Pam Butler es una de las primeras artistas callejeros de la historia, y realmente admiro la forma en que pudo crear una carrera sin pedir permiso a nadie para hacer nada. Creo que realmente se trata de lo que es importante para ti. ¿ Por qué estás haciendo esto? Y lo que te impulsa a ello es que se tiene que compartir, entonces hay que hacer una obra que sea fácilmente compartida. Si lo estás haciendo porque tienes la compulsión de hacerlo, entonces tienes que hacerlo si se puede compartir o no. Giorgia Lupi es una diseñadora extraordinaria y es capaz de crear poesía con datos, y lo hacen con una estética que nunca había visto antes. En ocasiones, me gustaría recordarle a la gente que los datos no existen. Entonces, creamos datos. Los datos son una abstracción de la realidad. Y los datos siempre son hechos primordialmente humanos. Entonces, si empezamos por este punto, también podemos decir que los datos suelen ser imperfectos. Paul Sahre es el diseñador más conceptual que conozco. Todo lo que hace tiene una idea realmente fuerte y todo se construye sobre esa idea. Todo lo que está haciendo es realmente surreabral, pero también realmente hermoso. Ya sabes, un diseñador gráfico no tiene un público cautivo como un cineasta. Tienes que crear una situación con ella que sea contar una historia, pero también está atrayendo la atención de alguien, hacer que se detenga, conseguir que recoja algo, conseguir que actúe. Espero que hayas disfrutado de esta serie, y espero que hagas tus propias historias visuales. 2. Entrevista: Adam J. Kurtz : Adam J. Kurtz es caprichoso, e ingenioso, y divertido, y desgarrador, y trae humanidad, y pathos y una honestidad que rara vez vemos hoy en su trabajo. No tiene miedo de mostrarte exactamente quién es, exactamente por qué es, y te lleva a un viaje en el que te sientes realmente bien al estar en, ya que descubres esas cosas de ti también. Hola, estoy aquí con Adam J. Kurtz, maestro narrador visual y vamos a hablar de su proceso, sus libros, y su punto de vista general sobre la vida. Hola Tabby, gracias por tenerme. Mi placer. Enhorabuena por el nuevo libro. Gracias. Me estoy muriendo por dentro. ¿ Lo estás? Siento que, cuando haces algo de lo que estás tan orgulloso, y lo das a luz, y son sólo todos esos sentimientos a la vez. Es realmente emocionante. Cuéntanos qué significa para ti contar historias visuales? Creo que, al menos desde la perspectiva del diseño lo que estamos haciendo todo el tiempo es combinar texto e imagen de la manera más efectiva. A pesar de que literalmente estamos usando, hay copia, y ahí está tu foto, tu arte, lo que sea, también hay mucho más que se dice en el arreglo y alineación, y las opciones de producción. Entonces, para mí la narración visual es una combinación tanto de lo visual como obvio, pero también de las cosas sutiles en las que pensamos, que tejemos en el proceso. Una de las cosas que les digo a mis alumnos cuando estoy dando clases de narración visual, que si quieres escribir sobre una manzana está bien usar la palabra manzana, pero probablemente no quieras tener realmente una imagen de una manzana, a menos que por supuesto que estás enseñando ortografía y lectura. Entonces, habla de cómo combinas los elementos visuales con el texto de tu manera única y sorprendente. Realmente he aterrizado en este lugar tan interesante, donde cuanto más contundente soy, mejor parece ser. Esa no es necesariamente la solución correcta en todos los casos, pero por lo que hago, estoy hablando directamente con una persona, y les estoy hablando de manera humana coloquial como si estuviera teniendo una conversación personal. Entonces, me salgo con la suya mucho de este extra, por falta de una palabra mejor, esta tontería extra. Bueno, no tienes un filtro, lo cual es realmente refrescante. Una de las otras cosas que tanto disfruté de tu nuevo libro en particular, fue la forma en que ayudaste a tu lector a identificar su yo sin filtrar. Y creo que esa es una de las claves de una historia visual exitosa, cuando estás compartiendo algo que de alguna manera es universalmente humano. Es algo que todos compartimos, y estás revelando que, estás compartiendo eso, da valor a otras personas para compartir los suyos. Creo que ese es un punto realmente bueno. Muchas veces, sobre todo cuando estamos más nuevos en el proceso, empezamos un proyecto pensando como, oh yo sabía cómo se supone que tenía que ver un cartel, o sé cómo se supone que debe leer un ensayo. Pantomima lo que pensamos es en lugar de sólo tomarse un minuto para mirar hacia adentro y escucharnos y luego comunicar eso. Bueno, creo que tú inspiras eso en la gente. Habla sobre el proceso de hacer tu nuevo libro. Para mí lo que es realmente importante es, supongo que me llamarías nativo digital. Crecí a través de MySpace, y el auge de las redes sociales, y gran parte de mi trabajo se trata referenciar esa cultura en ese lugar innato donde el lenguaje vive para mí, pero encontrar formas de hacerlo táctil y quitársela línea. Entonces, este libro sí toca estas ideas de cosas que estamos experimentando en línea, y el lenguaje que usamos, y la forma en que comercializamos, o promovemos, o construimos cosas para la web. Si se trata de un libro escrito a mano, en trozos de papel arrancados, impreso en hojas de colores brillantes que luego se perforan para replicar esta idea de viralidad, para replicar la forma en que compartimos en línea, o pin en línea pero para hacer eso en la vida real. Entonces, es la meta, experiencia metafórica poco sutil donde quería hacer, y estoy así todo el tiempo. Yo soy como, ¿cómo hacemos un libro que es un objeto y un libro? ¿ Cómo hacemos un libro que no sea sólo un libro? Entonces, pensar en ese producto final primero es cómo llegué al formato. Ahora, entiendo que has creado tu propia fuente, tu propia fuente de escritura a mano, y quiero hablar un poco de eso porque creo que mucha gente hace esto, mucha gente hace su propia fuente de escritura a mano. Pero hay algunos, creo que cuidan al crear una fuente manuscrita que a veces la gente no se da cuenta. Entonces, una de las cosas por las que me siento particularmente frustrada, es cuando veo letras que se repiten que son idénticas. Entonces, esto es para cualquier archivo manuscrito, ya sea fabricado, o si lo crea una persona real, porque me siento que si vas a hacer algo que parezca hecho a mano, realmente tiene que lucir hecho a mano. el minuto en que tienes que e's en una fila que son exactamente los mismos simplemente borra cualquier sentido de que se está elaborando. Sí, absolutamente. Empecé a reír porque siento que somos tan la misma persona. Frases de escritura a mano, esa es mi voz, esa es mi voz visual. Uno, no quiero ser robot y dos, no puedo decir las cosas que digo con una tipografía tradicional, eso simplemente no es quien soy. Entonces, creo que hay algo en la letra de cada persona, que al igual que su voz es una huella de quiénes son, ya sea la cadencia de las letras, la forma una cola r, la forma en que las cosas se inclinan dependiendo en las herramientas que están usando. Para mí, es realmente importante usar lápiz para mantener algo del agarre, desde el punto de vista de la producción trato de nunca convertir mis formas en vectores porque quiero esa hermosa, crujiente, basada en ráster. Yo quiero esa brillantez, quiero que se vea realmente, verdaderamente humano. Bueno, es interesante que intencionalmente quieras esos, esa agudeza, y eso es mucho parte de tu lenguaje visual en tus historias visuales y en todo tu trabajo. Sé que James Victory, para conseguir la calidad de tipo que crea a mano, destruye sus afilados, los corta para que tengan esa agujereza. Entonces, creo que para cualquiera que esté haciendo trabajo con su propia mano es importante entender cómo su propia mano podría ser identificable a su trabajo. Sí. En realidad nunca he admitido esto, pero cuando afilar los lápices, los afilo y luego rompo el punto. Creo que ni siquiera me doy cuenta de que eso era lo que hago pero eso es lo que hago. Entonces, hablemos también del uso del papel en tu libro, porque parece que se acaba de sacar de un bloc de notas. ¿ Qué tan intencionales fueron esas páginas? Había mucho esta idea deliberada de asegurarse de que las páginas, aunque eran del mismo cuaderno, o de los mismos dos o tres cuadernos se sintieran un poco diferentes. Entonces, definitivamente hay chads colgantes, o esquinas dobladas que eran intencionales, pero en su mayor parte en el libro las páginas desgarradas que estás viendo, el tamaño de la escritura real, ese es casi el tamaño real. Entonces, el libro es de cuatro por seis, y mi bloc de notas es de tres por cinco. Entonces, lo que estás viendo es casi exactamente como lo creé yo. Para mí eso fue parte de la narración visual de esta idea de que soy un creativo de trabajo, no soy un experto, pero acabo de vivir a través de esta cosa, y ahora solo te estoy pasando mis notas como, tomé el curso un semestre adelante aquí vas. Más que eso, quiero animar a otras personas que encuentren valor en él a que le aún más valor emocional regalándolo a alguien que ellos creen que podría usar esto. Sí, cada página de este libro es un regalo. Esta es una de mis piezas favoritas. ¿Lo leerías? Seguro. No sabes lo que es. Es una sorpresa. Es éste. Este es casi como mi lema para vivir. Oh Dios mío. Entonces, este es un capítulo sobre el fracaso. Dice: “Siéntete como una porquería, el fracaso apesta. Todos queremos tener éxito en el primer intento, ser el mejor y ganar al instante, pero la vida no funciona de esa manera. En lugar de culparte a ti mismo o a otros, solo debes saber que las grandes cosas llevan tiempo. Siéntete un poco cagado, pero prepárate mentalmente para seguir adelante”. Todo lo que valga la pena toma mucho tiempo. Lleva tanto tiempo, y estoy impaciente, pero vale la pena la espera. Sí. Conforme estás reflexionando sobre mi entrevista con Adam, me encantaría que pienses en cómo puedes revelar tu propia verdad humana, porque si puedes revelar tu propia verdad humana, inevitablemente podrás conectarte con los demás, y su verdad humana. Entonces, pregúntate, ¿hay algo más que pueda compartir que pueda llegar a otras personas, o inspirar, o ayudar a otras personas? ¿ Estoy escondiendo algo? ¿ Puedo sacar algo que pudiera permitir que alguien entienda que no están solos, que piensen así también y todos estamos en esto juntos? Piensa en cómo podrías ser capaz de traer algo de descaro, riéndote de ti mismo tal vez a tu historia. Trae ese filo de dientes que tiene para que sea pithy, para que sea audaz, y piensa en cómo estás usando tu propia mano para reflejar qué es lo que estás escribiendo. ¿ Es algo que podría ser identificable con tu voz, y tu mano específica? 3. Entrevista: Pam Butler: Pam Butler es uno de los primeros artistas callejeros de la historia. Llegó a la fama haciendo arte callejero a principios de los noventa, cuando te arriesgaste a ser arrestada. Ella ha pasado a tener numerosos espectáculos de una sola mujer. De verdad admiro la forma en que fue capaz crear una carrera sin pedir permiso a nadie para hacer nada. Hola. Estoy aquí con la reconocida artista, Pam Butler. Vamos a estar hablando del papel de la narración visual en su cuerpo de trabajo. Primero me enteré de su trabajo hace casi 30 años. Ha pasado un tiempo. Fuiste una de las primeras artistas callejeros femeninas junto con Barbara Kruger y las Guerrilla Girls. Tu trabajo destaca como uno de los trabajos más importantes y provocativos del arte callejero de los años 80 y 90. ¿ Se puede hablar un poco de su perspectiva única y papel general que tiene la narración visual en el trabajo que realiza? Pienso en nuestra cultura como subestimar el poder de la imagen. Parte de lo que quiero hacer es mostrar el poder de la imagen y cómo realmente nos impacta. Una de las formas de hacerlo es repetir imágenes, hacer mucha repetición. Entonces, se convierte en tu rostro a través de la repetición y a través de la yuxtaposición. Una vez que comienzas a hacer repetición y yuxtaposición, incluso sin que haya una “historia”, obtienes algo de narrativa. Obtienes una percepción de una narrativa y comienzas a buscar lo que te están pidiendo que contemples. Habla sobre cómo te acertaste a hacer este proyecto. Se trata del proyecto The Good Girl y es un cuerpo de trabajo que se enfoca en mostrar a mujeres y hombres con declaraciones provocativas que están muy en tu rostro. Habla sobre cómo creaste esta serie. Entonces, es hacer dibujos muy simplificados, dibujos muy caricativos, sencillos. Tenía la sensación de que se necesita muy poco para que leamos qué es algo, y luego aplicamos sobre él. Hice un show que tenía algunos de estos dibujos realmente sencillos con palabras. Algunas cosas políticas estaban ocurriendo en este momento a principios de los 90 y yo estaba muy irritada con algo del diálogo en el movimiento feminista en este momento y no sabía ninguna manera de hablar de ello. Entonces, yo estaba mirando estos dibujos y dije: “Bueno, podrían ser carteles”. Habla de cómo eres capaz de obtener mensajes tan profundos en tan simples yuxtaposiciones entre el lenguaje y el arte. Tiene que ser en sí mismo realmente contundente y directo. Mi sensación es que algunos de los carteles no funcionaron porque las palabras no eran tan claras o estaba buscando demasiado duro para una palabra y se muestra o algo así. Entonces, es de esa manera en la que encuentras lo correcto que puedes torcer solo un poquito. Eso te da más ponche. El giro es lo más interesante. Hablaste de la lucha para que se vea sin esfuerzo y de cuánto trabajo entra en la simplicidad, y de cómo podrías haber estado esforzándote demasiado y eso fue evidente. ¿ Cuál es la forma en que consigues que parezca que no está torturado? ¿ Cómo consigues eso para que no sea evidente para el espectador que has estado trabajando tan duro en esto? Simplemente sabes cuándo estás trabajando en ello. Si se ve demasiado apretado, hay una estanqueidad que te metes en el trabajo que se le ha hecho duro. Entonces, si está empezando a parecer de esa manera, tiene que ser completamente reelaborado o arrojado. Con la forma en que trabajo, muchas veces significa lanzarlo. Esa suele ser la línea. Es que, si está apretado, si no tiene esa mordida, si parece que el esfuerzo es demasiado fuerte. ¿ Cuál es el papel que esperas que el espectador traiga a las piezas a través de la proyección? Yo quiero que se proyecten sobre ellos mismos, al igual que me proyecto en él, quiero que el espectador se proyecte sobre él y vea cómo estos se relacionan con su relación con el mundo. Pero esos pueden ser bastante diferentes. A menudo lo son. A veces lo son. Pero, me sorprende que no siempre sean tan diferentes como creo que van a ser. ¿ Por qué es así? ¿Por qué te sorprende eso? Me sorprende la frecuencia con la que la gente realmente ve lo que intento proyectar. Creo que la serie Miss América probablemente ha sido la mayor lucha en eso, porque las palabras en el proyecto Guerrilla lo hicieron mucho más explícito con lo que estaba trabajando. Las personas del Proyecto Miss América traen mucha de su propia historia sin, y también terminan su propia lectura feminista. Entonces, mucho es que le pongo la política antes de que se pongan en ella. Cuando haces eso, no llegas a lo que hay debajo. ¿ Por qué sientes que nos faltan mensajes? ¿ Es porque estamos tan sobrecargados por ellos? En parte porque estamos tan sobrecargados por ellos, en parte porque nos valoramos como individuos y pensamos que tenemos el control de cómo nos afectan estas cosas, cuando de hecho, no lo somos. ¿ Por qué no? Creo que es un nivel de no honestidad con nosotros mismos, no de honestidad con la forma en que no somos los seres humanos totalmente autónomos en total control de nosotros mismos, que estamos manipulados y la imaginería es un factor muy grande en cómo somos manipulado, y que las historias se construyen alrededor de las imágenes. Historias como un símbolo realmente potente en la Europa cristiana era la Madonna y el Niño. Hablaba mucho y decía muchas cosas. La gente sabía quiénes eran y relación con esa imagen. Sí. Nos gustaría vernos como libres de eso pero no lo estamos. Simplemente no lo estamos. Entonces, ¿cuál es tu trabajo tratando de expresar en ese reino? Para ser honesto contigo mismo que estas imágenes juegan un papel en tu vida y que afectan cómo piensas de ti mismo y de la cultura en la que vives y cómo funciona esa cultura. Porque de lo contrario, vas a ser manipulado por ellos y vas a no poder ser tan efectivo como quieres ser en el mundo. Para alguien que esté interesado en crear un cuerpo de trabajo que sea a la vez autoexpresivo y de alguna manera universal, ¿qué tipo de consejo les darías? Sé brutalmente honesto contigo mismo primero. ¿ Cómo se empieza a despelar las capas para llegar a esa honestidad? ¿ Qué tipo de preguntas te haces? Te preguntas, ¿por qué estoy haciendo esto? ¿ Qué significa esto realmente para mí? ¿ Qué es lo que realmente va a decir? No te conformes con la respuesta fácil. No esperes que tu primera respuesta sea la respuesta correcta. Eres alguien que nunca pidió permiso para hacer tu arte. Para cualquiera que esté interesado en crear su propio trabajo pero tenga miedo de hacerlo porque no está seguro de si alguien va a estar interesado o si alguien lo va a comprar o si a alguien le va a importar, ¿qué le dices a esa persona? Si quieres ser artista, entras al estudio y haces que funcione. Si mostrar y vender son lo que es importante para ti, entonces pregúntate si eres bueno en el negocio del arte y si vale la pena las luchas en el estudio. Si mostrarlo es lo que es importante para ti, entonces no vas a poder llegar a los niveles más profundos. Simplemente no lo eres porque siempre vas a tener la idea del otro y cómo estás proyectando y lo que están pensando. Es horroroso para mí tener que mostrarlo ahora porque me siento muy expuesto y es mucho más seguro mantener ese trabajo en el estudio y ser muy controlador sobre quién lo ve. Entonces, hay que estar dispuesto a enfrentar eso. Entonces, creo que realmente es una cuestión de ¿para qué es importante? ¿ Por qué estás haciendo esto? ¿ Qué es lo que te impulsa a ello? Si lo que te impulsa a ello es que tiene que ser compartido, entonces tienes que hacer una obra que sea fácilmente compartida. Si lo estás haciendo porque tienes la compulsión de hacerlo, entonces tienes que hacerlo si se puede compartir o no. Conforme estás reflexionando sobre mi entrevista con Pam, piensa en cuánto permiso estás requiriendo de otros. Si crees que estás demasiado ocupado para hacer algo o hacer algo, reconoce que ocupado es una decisión. Decidimos hacer las cosas que queremos hacer, si pensamos que es una prioridad. Entonces, si eso significa que tienes que estar levantado a mitad de la noche, poniendo carteles de hierba en algún lugar del pueblo en el que vives, tal vez eso significa que eso es lo que tienes que hacer. Pero, no le pidas permiso a nadie para crear tu propio trabajo autogenerado. Esa es la única vez que puedes hacer lo que quieras. El grandioso de la narración visual es que tú eres a la vez el autor y el artista. Entonces, puedes cambiar el texto. Se puede cambiar el arte. No tienes que pedir permiso a nadie para hacer nada. Entonces, abre los grilletes, libera tu espíritu y trata de crear algo como si nunca nadie pondría ningún parámetro en lo que estás haciendo. 4. Entrevista: Giorgia Lupi: Giorgia Lupi es una diseñadora extraordinaria y es capaz de crear poesía con datos. Sus historias visuales están totalmente hechas con datos y lo hacen con una estética que nunca había visto antes. Tengo el gran privilegio hoy de hablar con Giorgia Lupi, la reconocida diseñadora de información. Giorgia, felicitaciones. Entiendo que tienes trabajo ahora en dos museos. Gracias, Debbie. El Museo del Diseño en Atlanta y El Museo de Arte Moderno en la ciudad de Nueva York. Ha pasado bastante un año con la publicación de su libro, Dear Data. Nunca he conocido a nadie que sea capaz crear una historia visual con datos bastante en la forma que puedas. Dime cómo te diste cuenta de que los datos podrían ser poéticos? Bueno, siempre me han fascinado mucho los números. Para mí, los números siempre han sido hermosos, incluso cuando estudiaba. Creo que los números para mí son reglas que pueden llevar a creaciones menos arbitrarias que simplemente dibujar y crear gráficos per se. Entonces creo que para mí, los números siempre han sido hermosos, y de alguna manera, son aún más bellos cuando se conviertenen son aún más bellos cuando se convierten historias cualitativas y así no sólo números, sino cuando los datos se convierten en una forma de interpretar lo que está pasando el. Para mí, tener reglas y tener números y cantidades y variables con las que trabajar abre mi imaginación visual. Llévame a través de su enfoque, llévame a través de los pasos que darías para hacer algo. Seguro. Entonces, por ejemplo, creo que es más fácil si explico el trabajo que ahora está en el MoMA. Sí. Entonces, comencé con una exposición que es una fascinante exposición sobre moda que a través de 111 artículos, lo que las prendas y los accesorios, realmente nos ayudan a entender cómo la moda ha influido y sigue influyendo en nuestra vida y la forma en que nos relacionamos. Entonces, empecé con una lista de 111 ítems y empecé a enmarcar algunas preguntas. Entonces, ¿qué es interesante entender del proceso curatorial, por ejemplo, y empecé a categorizar cada ítem de acuerdo a, es un medio o un mensaje? Entonces, por ejemplo, está en la exposición por sus características técnicas y estéticas o por lo representa y eso ya es algo que me puede ayudar a construir dos parámetros. Entonces, ¿cuándo fue la emergencia más interesante a lo largo del tiempo? Esa es otra columna que voy a llenar con datos. Entonces, ¿es un símbolo del movimiento o la consecuencia de un movimiento? Junto con Paola Antonelli, quien es la curadora de este espectáculo, llenamos estas categorías y muchas más. Entonces, ya ves, a partir de una lista de elementos, puedes agregar categorizaciones y tipo de análisis que te ayuden a traer parámetros para esta hoja de cálculo que vas a llenar. Después de eso, creo que es importante entender cuál es la historia principal que necesita salir. Esto es lo que más necesita destacar visualmente, y eso es mucho bosquejo para mí. Después, pruebas con los datos y la mayoría de las veces, necesitas volver y bosquejar de nuevo. Mi acercamiento a los datos es muy artesanal. Yo mismo no codifico, y pensé que traeré esta no capacidad de codificar al nivel extremo y realmente haciéndolo sobre mano de obra y manos. Entonces, tienes la lista fija y luego tienes la lista subjetiva que llevas al análisis de la lista fija, y esas son preguntas que creas que te permiten entender los constructos y el contexto de lo que es eres analizando. Esa es una forma perfecta de decirlo. En este caso, he estado colaborando con personas que son expertas en este espectáculo, usando su investigación de antecedentes como mi punto de partida haciendo las preguntas, pero creo que es realmente importante porque a veces pensamos que nos dan con datos y tal vez sólo tenemos que visualizarlos. Pero también podemos crear datos que nos puedan ayudar a entender los patrones ocultos de las historias y para mí eso es lo más convincente. Dame algunos ejemplos, si puedes, eso es realmente interesante, los patrones ocultos de las historias. Bueno, creo que es fácil entenderlo cuando se trata de datos personales, por ejemplo, a través del trabajo de Dear Data. Por supuesto, nuestros días y nuestras vidas e incluso nuestras pertenencias se pueden ver justo como una colección de cosas y una colección de momentos, pero cuanto más analices cada momento, cada posesión de acuerdo con preguntas que tal vez quieras hacer y entender, empiezan a convertirse en datos. Escribió Dear Data con un amigo. Sí. Te comunicaste vía postales y te enviaste una postal cada semana en la que visualizaste alguna experiencia de esa semana a través de datos. Se puede hablar un poco de cómo se acerca a hacer el trabajo. Bueno, por ejemplo, es interesante relacionarse con Dear Data porque durante 52 semanas, nosotros, cada semana, tuvimos que hacer una creación original y enviarla fuera del camino antes de que finalice el fin de semana, pero entonces el proceso vuelve a empezar a lucir a los datos de la semana y estos fueron datos personales sobre actividades y después nos enriquecimos con detalles sobre nuestros días. Entonces mira cuál era la historia principal que queríamos contar, y la mayoría de las veces, era simplemente cronológico mostrarle a la otra persona los pasos de nuestros días a través de esa actividad. Por supuesto, al trabajar con datos, tienes reglas en mente. Entonces sé que si quieres contar una historia cronológicamente, me vendría bien un cruce por ejemplo de días y horas o puedo construir una línea de tiempo o puedo organizar las cosas solo una tras otra y así ya tienes una grilla en tu mente, pero luego necesitas encontrar formas de visualizar los elementos, por lo que los puntos de datos. Entonces, puedes hablar un poco sobre cómo combinar lo que realmente se convierte en tres elementos. En la narración visual, hablamos principalmente de ello como lenguaje y arte, pero aquí, realmente estamos hablando de tres elementos lo que lo hace mucho más difícil cuál es el lenguaje, el arte, y los datos. Sí. Bueno, hay tanto que se puede decir sobre eso. Lo que hago, creo que está más del lado de usar una expresión artística, como una expresión visual que no es necesariamente una que se define por convención ya incorporada para una presentación de datos, pero luego cada vez trate de construir un lenguaje que es realmente específico para los datos con los que estoy trabajando, y la forma en que luego comunico lo que hay en los datos es elaborando una leyenda, una clave. Mi trabajo siempre se combina con la leyenda. Es otro alfabeto. Sí. Creo que es un alfabeto que, estoy realmente enamorado de mi trabajo. Es increíble porque cada vez que creas un nuevo alfabeto. Entonces, hemos estado escuchando bastante sobre noticias falsas o hechos alternativos. ¿ Cuánto de eso se dedica o bien a la visualización de datos o está exento de ella? Sí, bueno, empezaría diciendo que a veces, me gustaría recordarle a la gente que los datos no existen. Entonces creamos datos porque no podíamos almacenar la vida en un disco duro. Entonces los datos son una abstracción de la realidad, y los datos son siempre y principalmente hechos por el hombre, e incluso si provienen de un sensor o de un software, un ser humano diseñó el sensor, el software, y decidió qué incluir y qué dejar fuera. Entonces, si empezamos por estos puntos, también podemos decir que los datos son a menudo imperfectos, y por qué creo que nos falta mucho tiempo es definitivamente este conocimiento de que los datos no son perfectos, porque lo que estás diciendo es también que si los datos están sujetos a una interpretación, probablemente sea malo. Bueno, los datos siempre están sujetos a una interpretación, así que creo que debemos dejar de pensar que tenemos datos, fin de la conversación. Esta es la respuesta definitiva a nuestra verdad. Creo que lo impulsado por datos es mejor que impulsado aleatoriamente, pero aún así tenemos que tomar en cuenta que todos somos seres humanos e incluso las historias impulsadas por datos son imperfectas y sujetas a una interpretación. Creo que un aspecto que podría ser confuso para las personas con datos es que hay una suposición de que los datos están de alguna manera vinculados o basados en matemáticas o números, y si bien podría tener que ver con patrones o podría tener que ver con la repetición, no siempre se basa en números, a menudo se interpreta. Sí. Es decir, también puede estar siempre basado en números, pero luego incluso si está basado en números, los ángulos que miras estos números y las agregaciones que hiciste son hechos por el hombre. Entonces, siempre hay un aspecto de que sea orientación direccional en contraposición a la verdad empírica. Yo creo que sí. Al estar reflexionando sobre mi entrevista con Giorgia, piensa en cómo podrías ser capaz de tomar el tipo más mundano de mensajería y hacerla significativa. Si eres capaz de deconstruir cualquier tipo de experiencia en la menor cantidad de información, ¿cómo puedes reconstruir eso de una manera que sea sorprendente? El alfabeto inglés tiene 26 letras. ¿ Cómo puedes usar esas letras o números que son infinitos para poder crear arte que permita a la gente entender una experiencia humana, cualquier experiencia humana, y si puedes deconstruir cualquier experiencia en sus partes más pequeñas y luego reconstruirlo en algo más grande que la vida, probable es que estés en algo realmente interesante. 5. Entrevista: Paul Sahre: Paul Sahre es el diseñador más conceptual que conozco. Todo lo que hace ya sea una pieza para The New York Times o una portada de libro, tiene una idea realmente fuerte, y todo se construye sobre esa idea. Todo lo que está haciendo es realmente cerebral pero también realmente hermoso. Hola, estoy aquí con Paul Sahre, el increíble y brillante autor, ilustrador y diseñador. Hoy vamos a estar hablando un poco de la narración visual. Paul, por mucho que me encanta la palabra narración visual, el subtítulo de tu nuevo libro, Hombre Dos Dimensionales, es una memoria gráfica. Entonces, ¿cómo describirías qué es una memoria gráfica? Creo que fue una forma diferente de decir una memorias de diseño gráfico. En cuanto a la idea de contar historias, esta es la narración real con palabras. Tanto palabras como visuales. Los visuales dan vida a las palabras. ¿ Eso crees? Sin duda. Está bien. Sería un libro completamente diferente si fueran sólo palabras. Supongo que no lo había pensado de esa manera. Yo estaba resistiendo a las imágenes. Sí, en cuanto a una memoria de un diseñador gráfico, creo que eso es, al final creo que es importante que parte de la obra esté ahí porque la obra establece el punto de vista en cierto grado, para que cuando hablo de cosas que aparentemente no tienen nada que ver con el diseño gráfico se puede ver una conexión. Algunas de las cosas que terminé haciendo, creo que algunas de las cosas a las que estás respondiendo como la tabla de contenidos y haciendo cosas con la tipografía que acentúan lo que está pasando. Podría haber habido mucho más de eso. De hecho, había mucho más de eso y como que edité algo de ello fuera. ¿ Por qué? Bueno, es un libro sobre diseño. No es un libro de diseño. ¿ Cómo se diferencian? Yo quería que fuera una memoria y no una monografía. Yo quería que se tratara de cómo alguien puede hacer esta cosa. Obsesividad por la forma tipográfica y semiótica y espacio y cuadrículas bidimensionales. Para un lector general, ¿como por qué alguien dedicaría su vida a esta cosa? ¿ Por qué dedicas tu vida a esta cosa? Yo no diría que mi mamá sería la primera en fila ahí en términos de lector. Encontré diseño en la universidad. Dibujé mucho. Es una especie de la entrada a la historia, pero dibujé mucho y realmente no sabía en qué me estaba metiendo. Después me introdujeron la cultura del diseño gráfico cuando estaba en Kent State estudiando como licenciatura y me enseñaron que ser diseñador gráfico era un llamado. No es un trabajo. Es quien eres. Tu trabajo está muy basado en palabras. Considero que eres el diseñador conceptual más importante. Todo está basado en ideas. Habla sobre cómo te acercas al diseño utilizando las palabras como un elemento visual tan importante. Creo que la mayoría de los diseñadores terminan siendo así simplemente porque es como si estuvieras en clase de pintura en la universidad y solo estás por alguna razón usando palabras en tu trabajo, y la tipografía es algo por lo que desarrollamos un amor y un comprensión de, después del hecho, crecemos con palabras obviamente, las palabras son importantes. Entonces cuando estás en la escuela de diseño, y no piensas en la forma de ella, y luego cuando estás diseñando escuela, es una especie de revelación porque de repente eres como, oh tipos de letra. La forma que toma la tipografía puede cambiar totalmente el significado, alterarlo, dirigirlo en esta dirección y lleva un tiempo. Me tomó un tiempo y haber enseñado durante muchos años. Una de las cosas que es más difícil justo al principio con los estudiantes de diseño, es llegar a entender que, no, olvidarse de lo que significa la palabra. Ahora solo te estás concentrando en ello, estas son formas, y E es una forma y puede significar y sentir de cierta manera totalmente desprovista de lo que hace el sonido o de la palabra en la que pasa a estar. Eso es algo muy difícil para los estudiantes de diseño abrazar porque estamos tan acostumbrados a leer y pensar en las letras ya somos nuestros amigos, y saben que no tenemos que pensar en ellas. Una especie de aprender a respirar. Una vez que comienzas a poner juntos la forma y el significado , crea todas estas oportunidades. Tienes que tener alguna titularidad de lo que es lo que estás haciendo con la tipografía, y eso de nuevo parece no tendría ningún sentido porque un diseñador gráfico típicamente, aunque muchos lo hacen, no está creando las formas. Estamos usando formas que los tipógrafos han creado y luego las estamos recombinando diferentes maneras y el hecho de que un diseñador tendría un estilo tipográfico que sería muy, muy diferente de alguien, o un voz tipográfica ser muy diferente de otra persona, en la cara está como bien, ¿cómo podría ser eso? Si no estás inventando las formas, pero es totalmente lo es. Entonces, creo que eso definitivamente es algo de lo que estoy consciente de que tengo que asegurarme de que no voy al espacio de otra persona. Entonces siempre siento que también tiene que empujar donde estás típicamente. Tiene que haber algún riesgo tomado. ¿ Se siente como vigorizante, o se siente aterrador o? Oh, no creo que ambos. También es trabajo difícil. Si no solo estás haciendo algo te sientes cómodo haciendo. No digo que no me repita porque creo que eso es parte de lo que hacemos también. También está todo el panorama más amplio de cuál es la situación particular que estás pidiendo. ¿ Qué necesita, qué quiere, y te rindes a eso? Cuánto. Pero pienso en un sentido más grande también que estás queriendo hacer algo, un diseñador gráfico no tiene un público cautivo como un cineasta. Un cineasta, supongo que te levantas y te vas. Pero entramos a una habitación y nos sentamos y luego miramos la pantalla, y tú estás mirando la pantalla. El trabajo de un diseñador gráfico está tendido en alguna parte, o es en moverse a un costado de un autobús o algo así, y es como. Entonces, ahí está pasando eso también. Tienes que crear una situación con ella que sea contar una historia pero también está atrayendo la atención de alguien, conseguir que se detenga, conseguir que recojan algo, conseguir que actúen. Siempre bromeo alrededor sobre diseñar una tarjeta de visita que parece, esto es un poco de dos pulgadas por tres pulgadas poco espacio ahí y creo que la mayoría de la gente iría por qué te importaría diseñar una tarjeta de visita, pero es súper fascinante. Piensa en cómo funciona. De verdad me interesa cómo te fuiste a editar tu propio trabajo en el libro. Digo mucho de ello en este caso tuvo que ver con la escritura. Sentí que en cierto momento sí tenía que tener esa conversación como lo voy a hacer, vamos demasiado lejos en esta otra dirección. Tenemos que mantenerlo ahí atrás. Pero mucho de eso tuvo que ver con tratar de averiguar cuál era mi voz en cuanto a la escritura. Realmente tener un plan en cuanto lo que hay en el libro tiene que volver y relacionarse con el diseño y formar la historia. Si es algo que es sólo una historia interesante y no se relaciona, entonces probablemente no debería estar ahí. ¿ Fue doloroso tomar esas decisiones? Algunos de ellos sí. Algunos de ellos lo eran. Pero de nuevo sí, como dijiste, creo que como diseñador tienes que ser editor hasta cierto punto y estás acostumbrado a esa idea de que en algún momento llevas trabajando en esto por un par de semanas y estás algo enamorado de ello, y luego estás como, “tengo que matar esto”, porque no está haciendo o tiene que ir en una dirección diferente y he aprendido hace mucho tiempo para poder dejarlo ir en esas situaciones. Entonces, creo que lo hizo más fácil cuando tiene que ver con las palabras. Tienes tres piezas actualmente a la vista en otro museo, El Museo del Diseño en Atlanta. Una de las piezas es un cartel que vi por primera vez en Christoph meme en estudio, y tiene las palabras try, inténtalo de nuevo como el mensaje. Entonces, ¿puedes hablar un poco sobre por qué decidiste usar esas palabras en particular de la forma particular en que diseñaste el póster? Ese cartel es algo interesante porque el mensaje y la forma que toma son totalmente, realmente me pregunto qué le quita la gente, porque el contexto por el que se diseñó el cartel es totalmente diferente ahora. Porque si alguien lo ve ahora se retira de ese contexto y el contexto original fue un proyecto que hice que involucra las misiones Apolo, y un lanzamiento de cohetes para involucrar a mi papá, un choque de cohetes modelo y luego un relanzamiento de ella 40 años después. Entonces, por eso fue diseñado originalmente. Se refería específicamente a las misiones lunares Apolo en el cohete Saturno 5 y a la idea de que la esperanza brote eterna supongo. Entonces, la forma que toma es, es un rojo y plateado y no sé cuánto de eso se cruza en cuanto a la exploración espacial, principios de los 70, o cómo cambió ese mensaje. Porque por supuesto, hemos escuchado muchas, muchas, muchas veces más en nuestras vidas intentarlo, intentarlo de nuevo. Ni siquiera sé de dónde se originó esa frase. Pero la forma y lo que está diciendo son una especie de extraña colisión. Entonces, crea algo nuevo. De lo que crea, admitiría como diseñador, no tengo ningún control sobre ahora, que está liberado de su contexto original. Creo que de muchas maneras, ese tipo de llega a una de las cosas que es lo más interesante del diseño de todos modos, porque estás haciendo asociaciones visuales por razones específicas. Entonces sale del mundo, liberado en muchos casos de esas razones y de la necesidad. Entonces, ¿qué significa para la gente, y se preocupan por ello? Creo que eso es constantemente un proceso de aprendizaje para un diseñador, y también el hecho de que siento que podríamos ser estudiantes de eso para toda tu carrera y seguir siendo novato. Correcto. Entonces, ¿cómo pudiste aburrirte como diseñador? Conforme estás reflexionando sobre mi entrevista con Paul, piensa en como estás creando tu historia visual, ¿cuál es tu gran idea y cómo estás revelando esa idea? ¿ Estás regalando demasiado? Uno de los grandes temas que veo en la narración visual es regalar toda la historia. ¿ Cómo pudiste involucrar a tu público pasando el material de una manera que sea a la vez dramática y que tenga un ritmo evolutivo realmente bueno. Sigue pensando en traer la historia de vuelta a esa idea y luego en última instancia crear alguna resolución al final que nos permita entender qué es esa idea y por qué es importante. 6. Cierre: Muchas gracias por ver hoy estas entrevistas. Espero que realmente hayan disfrutado mis conversaciones con Georgia Lupi y Paul Sér, Pam Butler, y Adam J. Kurtz. Joseph Campbell ha dicho que la necesidad de que los humanos, homosapiens cuenten historias es una de las manifestaciones profundas del espíritu humano. Entonces, espero que esto te haya inspirado para hacer tus propias historias visuales y revelar tu profundidad y tu espíritu humano. 7. Más para explorar: