La mejor clase de acrílico para principiantes

1. Introducción: Bienvenido a la pintura acrílica para principiantes, lo que necesitas saber sin toda la pelusa. Hola, me llamo Robert joiner y creé este curso con mucha pasión y amor por la pintura acrílica. Creé para aquellos de ustedes que quieren un curso claro, conciso, para principiantes sin todas esas cosas extra, su viaje de pintura acrílica comienza con la mecánica de pinceladas. Aprenderás la anatomía del pincel, los cuatro agarres comunes, los mejores consejos para la aplicación, cómo cortar en formas básicas, y luego pintar curvas. Una vez que entiendas la mecánica básica, entonces veremos las habilidades de aplicación. Aprenderás algunas buenas técnicas de mezcla, una variedad de gradaciones, y los únicos dos trazos que puedes hacer, que son líneas y puntos. Esto te ayudará a facilitar la pintura acrílica y empieza a aprender cómo reacciona el medio al aplicarlo a una superficie. Una vez que hayamos terminado con eso, veremos los conceptos básicos del color, cómo mezclar pintura. Vamos a ver un gráfico primario dividido. Aprenderás a hacer tienda de campaña y sombrear Hughes, exploraremos el croma, saturación y la intensidad, para luego discutir la armonía de color, las paletas y las combinaciones de colores que funcionan. Entonces hay valor en tono. Ir más allá de lo básico, entender cómo ver el valor, aprender a mezclar gris y crear una escala de valor phi. Discutiremos el poder del valor y cómo convertir formas básicas en formas tridimensionales. También discutiremos tonos cálidos y fríos y cómo empujar un color en cualquiera de las direcciones. Después pondrás a prueba tus habilidades de mezcla de colores y valor pintando algunas formas geométricas básicas. Gran manera de experimentar con el color. Para sumergirse también en espacios positivos y negativos y aseverando para aprovechar el maravilloso mundo del estratificación. El curso terminará con una sección sobre luz, sobre forma. Buceando profundamente en la comprensión de cómo la luz impacta tus sujetos, colores y valores. Discutiremos separar la luz y la sombra, entendiendo la luz compleja sobre una formas complejas. Haremos demostraciones de bloques de color. Te compartiré consejos sobre cómo trabajar de manera inteligente para sacar el máximo provecho de tus esfuerzos de estudio y luego cerrar el curso con algunas reflexiones finales. Juntos, partiremos desde el principio mismo de entender la pintura acrílica, y pasaremos por estas ideas una a una. Entonces si estás listo para comenzar tu viaje que vamos ahora mismo. ¿ Quién empezará con los materiales que utilizo en esta clase? 2. Cómo usar la plataforma: En este video, solo quería repasar la plataforma Skillshare. Sé que algunos de ustedes saben cómo usarlo, pero sé que hay muchos otros que simplemente no entienden cómo crear un proyecto. Cómo agregar más fotos, texto, y cosas así. Lo que voy a hacer ahora es levantar una de mis clases en Skillshare. Esta puede no ser la clase que estás aprendiendo, pero sí tiene todo lo que necesitamos para cubrir lo que quería compartir contigo en este video. Este es mi entrenamiento básico de acuarela y más allá de clase. Y tienes el video principal aquí. Obviamente. Si quisieras hacer ese video más grande, puedes hacer clic en eso y en la esquina superior derecha, y eso ampliará el video si quieres volver a reducir ese tamaño, sube aquí a la parte superior derecha esquina, haz clic en ella. Y eso va a traer tu menú de navegación en el lado derecho. Ahora si pongo el cursor sobre el video con mi ratón aquí abajo en la parte inferior izquierda, tienes velocidad de reproducción. Por alguna razón querías ralentizar las cosas o acelerar las cosas. Siempre se puede cambiar la velocidad. Ten en cuenta que si cambias, solo te aseguras de que vuelvas y lo pongas a la normalidad si quieres, de hecho, ver a una velocidad normal, también puedes rebobinar las cosas 15 segundos. Si estás viendo algo que querías ver lo que pasó en 15 segundos juntos, puedes hacer clic en eso y luego te llevaré de vuelta. Y ahora 1515 incrementos de segundos. Puedes hacer clic en él tres o cuatro veces y retroceder 45 segundos por minuto, lo que quieras hacer. Si quieres hacer una nota del video, puedes hacer click en este bolígrafo que te va a sacar tu nota. Y esa es una buena manera de recordarte si ahí sucede algo interesante. Y solo querías una especie de anotar algo por ese tipo de clic en tu mente. Este es tu volumen. Entonces si es CBC, esta slash como tengo ahora te permite que necesites dessilenciarla para que no vas a poder ver el sonido. Si hago clic en eso ahora, ahora puedo escuchar el video si estuviera reproduciendo, esto serían subtítulos. Entonces si quisieras tener un subtítulo y los diversos idiomas aquí, puedes hacerlo. Puede que no te guste tener subtítulos. Puedes posponer subtítulos en la parte superior de eso. Entonces si no quieres verlos, así es como te deshaces de ellos. De nuevo, podemos ir a pantalla completa con esa característica en la esquina inferior derecha. Entonces si quisieras ver esta y esta resolución más grande posible, esa va a ser la opción para hacerlo. De acuerdo, así que de nuevo, esa es esa. Entonces eso te dice un poco sobre cómo navegar algunas de las opciones en el video. Por aquí a la derecha. Siempre y cuando estés en este modo, podemos desplazarnos hacia abajo y ver los diferentes videos. Todos los videos que hayas visto todo el camino deben tener una marca de verificación. Si quieres volver a deshacerte de eso, usas este botón en la esquina superior derecha, puedes deshacerte de él. Y entonces aquí lo vemos. Ahora aquí abajo, tenemos algunas pestañas. Tenemos la pestaña Acerca de. Entonces esa va a ser la descripción de clase que agregué. A menudo agregaré otras clases que te puedan interesar. Entonces a lo largo del curso, puedo decir que si quieres aprender más sobre cómo planear el arte de la acuarela, ser más corto, echa un vistazo al enlace en la descripción de la clase, y eso va a estar aquí mismo en la pestaña Acerca. Entonces si nos desplazamos hacia abajo, podemos ver que todos estos son enlaces a diferentes clases que tengo. Entonces eso es un poco sobre la página sobre. Las reseñas son donde puedes ver qué tan impresionantes críticas que los alumnos dejaron en la clase. Aquí, nuestras discusiones, discusiones son muy importantes porque así es como les voy a notificar sobre cada nueva lección de cuándo están disponibles. Verás, si te desplazas hacia abajo, verás discusiones, verás dónde están pasando algunas cosas diferentes. Esto también es importante. Entonces si tienes preguntas sobre la clase o una lección que viste, entonces puedes usar estas discusiones para ponerte en contacto conmigo y trataré de responderte lo antes posible. También puedes compartir enlaces y las discusiones también. Entonces si tienes algo que quieras mostrarme, siempre lo puedes enlazar y yo podré verlo. Aquí. Ya ves puedo iniciar una conversación, puedo hacer una pregunta arriba y compartir proyecto y así sucesivamente. Hablando de proyectos, si voy aquí mismo, esto te dice un poco sobre el proyecto. Entonces aquí verás que cada lección tiene bien un proyecto casi, pero el punto es involucrarte y empezar a hacer las demos y proyectos compartidos en esta clase. Y aquí puedes desplazarte hacia abajo y ver a todos los alumnos que están publicando proyectos que hay uno ¿ quieres explorar? Puedes hacer click en eso y solo ver qué trabajo impresionante están haciendo los alumnos, haciendo estos diferentes proyectos y cosas. Por supuesto, se puede comentar sobre estos dos. Por lo que aquí por el lado derecho, se puede dar click sobre eso. Puedes compartir un poco de retroalimentación y estímulo, lo que quieras hacer. Si miras mi proyecto aquí mismo, vas a ver que tengo un desglose detallado de todas mis lecciones aquí. Entonces cada vez que publico nuevas lecciones en una clase o una demo, siempre lo descompongo y te doy una muy buena descripción de lo que está pasando. Ahora es posible que desee crear un proyecto. Ahora, como ya tengo uno, vas a ver que no tengo la opción de hacer otra. Pero aquí hay una clase que no tengo proyecto. Verás este botón verde en el lado derecho. Para crear un proyecto, todo lo que tienes que hacer es dar click en eso. Y eso va a traer tu opción de proyecto. Ahora lo primero que verás es una imagen de portada. Si quieres agregar una imagen de portada, simplemente haz click en eso y luego navega hasta tu imagen. Por lo que sólo seleccionaré uno aquí. Por lo que seleccionaré éste. Y entonces eso va a subir la imagen. Una vez que se ha subido. Tengo la opción aquí en este slider justo ahí mismo para agrandarlo y luego tipo de moverlo, sin embargo quiero que eso se vea. Y una vez hecho, haz clic en Enviar. De nuevo, esta es sólo la imagen de portada. Puedes seguir adelante y sumar un título y te diré, clase impresionante de Robert. Si puedo deletrear ese derecho, eso sin duda ayudaría. Descripción. Oye, tomé una clase de tres semanas y esto es lo que hice. Ahora si presiono Enter, Eso va a bajar el cursor aquí abajo. Y luego puedo añadir una imagen. Ya ves aquí abajo, puedes ver, puedes tener tres opciones para agregar más contenido. Por lo que si hago click en imagen, puedo añadir otra imagen, para que pueda dar click sobre eso y después hay que darle un segundo. Y entonces eso va a subir la imagen. Ahora puedo hacer click Enter y ya ves puedo escribir más contenido. Yo soy como, Esta es mi pintura de pescado fresco. Ahora, si quisiera añadir un video o enlace y tal vez eres como, Oye, ¿te pasó a ver esta foto, lo que sea. Puedes hacer doble clic en una palabra y luego tienes una opción de enlace aquí, y puedes pegar el enlace ahí. Solo asegúrate de presionar el botón Comprobar para hacerlo activo. Y ahora puedo volver a golpear enter y luego añadir más imágenes. Así es como puedes hacer tu proyecto. Si no quieres que nadie vea tu proyecto, puedes hacer clic aquí en este botón para que sea privado. Pero una vez que hayas terminado, muy, muy importante, desplázate hacia arriba y pulsa Publicar. Y en cuanto publiques tu proyecto, eso va a ser visible para que todos lo vean. Entonces eso es publicar ahora mismo. Sólo voy a darle un momento, acuerdo, y luego ahí está, justo ahí. Por lo que acabo de sumar mis proyectos. Entonces digamos que quieres editar tu proyecto, vuelves a hacer clic en eso. Y ahora subes aquí a la esquina superior derecha. Puedes hacer clic en Editar, y ahora puedes desplazarte hacia abajo. Asegúrate de poner el cursor donde lo quieras. Entonces si quiero que la siguiente imagen o el siguiente video o lo que sea por debajo del pez. Puedo bajar aquí y dar click en el final de la frase, golpear Enter. Y ahora de nuevo, tira mis imágenes o donde sea que quiera hacer. Nuevamente, asegúrate de golpear publicado cuando hayas terminado. Y entonces eso lo va a salvar. Solo tienes que ser paciente y dejar que Skill Share lo guarde. Otra cosa que tal vez quieras hacer es compartir tu proyecto en redes sociales. Por lo que tienes este enlace Copy Project. Puedes copiar eso y compartirlo donde quieras. aquí en el lado derecho, se puede cosa difícil. Entonces si alguien hizo un proyecto que realmente te gusta, puedes darle un corazón. Puedes compartir un comentario y decir, esos peces son increíbles, y luego golpear posts y eso va a compartir tus comentarios con quien sea de la que estés hablando. Así que de nuevo, sólo cosas buenas que saber. Y creo que si aprendes a usar los proyectos es muy útil. Y los maestros a menudo los pueden ver y ojalá lo hagan y te puedan dar algunos comentarios sobre lo que estás haciendo. Lo último que quiero compartir con ustedes es justo aquí bajo la otra vez, tenemos sobre reseñas, discusiones, y luego proyecto y recursos. Estos recursos son descargables. Si la clase tiene imágenes, imágenes de recursos, sea cual sea el caso, puede hacer clic en el enlace y eso va a descargarlo a su dispositivo. Por eso espero que este video te ayude y que entiendas un poco más sobre cómo navegar por la plataforma Skillshare. Y luego por supuesto, los cursos que allí se imparten. 3. Suministros de principios de principio rápido: Materiales. Esta es tu guía de inicio rápido. Este video cubrirá todos los suministros de pintura que estaré utilizando en este curso. Esta lista de suministros es asequible, minimalista, y adecuada para principiantes. Y simplemente sucede que los suministros son exactamente lo que uso cada vez que pintura acrílica. Empecemos con pintar superficies. Para la mayoría de mis ejercicios y demostraciones, estaré usando papel de acuarela. Se trata de papel de prensa fría de 140 libras y mide nueve por 12 pulgadas. Este trabajo es de grado estudiantil, pero es maravilloso para la pintura acrílica. El motivo principal por el que te recomiendo papel es que es rentable. Por lo que no tendrás que gastar una fortuna en un montón de lienzos. El papel de acuarela viene en varias texturas de prensa caliente, prensa demasiado áspera. Y de nuevo, estaré usando prensa fría, que está justo en medio de calor y áspero. Yo sí siento que esta es la superficie ideal para aprender. Siguiente serán mis tablas de pintura. Se trata de tableros de lona firmes adecuados para trabajos más terminados. Esta pizarra de dolor en particular es de 12 por 12 pulgadas con una profundidad de tres cuartos de pulgada, que debe encajar bien en cualquier marco genérico. Una vez que pintes tu primera obra maestra, también puedes usar lona estirada regular en barras de camilla. Pero sí prefiero las tablas. Me gustó la superficie firme y la calidad es perfecta para el tipo de pintura que estaremos haciendo. Por lo que recomendaría tener alrededor de 25 hojas de papel de acuarela nueve por 12 pulgadas, grado estudiantil. Y tal vez el lienzo de tres o 412 por 12 pulgadas es para la obra de arte terminada. Ahora vamos a repasar Suministros de dibujo. Por eso. Estaré usando papel de dibujo de grado estudiantil. Esto es de Fabriano. Nuevamente, son nueve por 12 pulgadas, del mismo tamaño exacto que el papel de acuarela que te mostré antes. A pesar de que se trata de un curso de pintura acrílica, estaré repasando algunas habilidades que requieren de dibujo. Por lo que tener cualquier tipo de papel de dibujo está bien. Siéntete libre de usar papel impreso, la parte posterior de un sobre o cualquier cosa que puedas poner en tus manos. Y voy a estar usando un lápiz de grafito 2B y esta clase, ahora si vamos a pintar, necesitamos una paleta. Te recomiendo una paleta de papel es desechable, es asequible, funciona bien. Como puedes ver, esta la hace Strathmore. Hay 40 hojas y como 12 por 16 pulgadas, lo que me gusta del papel de paleta es que es bonito y liso, lo que es fácil mezclar pintura. Si no quieres sacar el dinero extra para una paleta, solo usa algunos platos de papel. Ahora es el momento de las cosas buenas. Pintar. Y te recomiendo, no, recomiendo encarecidamente la pintura de grado artista es muy importante que uses pintura de calidad. Esto es de Utrecht, cargado con pigmento de calidad. Y de nuevo, este es cuerpo pesado, por lo que es ideal. Ponte trazos gruesos de mantecoso, y luego también puedes diluirlo con agua. ¿ Debería preferir una consistencia más fluida? Ahora que ya sabes el tipo de dolor que recomiendo, repasemos los colores que estaré usando. Y solo hay 74 blues que estoy usando ultra marine y Cerulean Blue para mis rojos. Estoy usando Alizarin carmesí y luz roja cadmio para mis amarillos, estoy usando las manos una luz amarilla y ocre amarillo. Y por último, blanco titanio. Y esos son los siete colores que estaré usando en este curso. Ahora hablemos de pinceles. Estoy usando dos. Tengo un piso grande, cual se hace por roiling de níquel. Este pincel estará bien para pintar grandes áreas y tal vez incluso algunos detalles. Por lo que este pincel de tamaño es perfecto para la pintura de tamaño que estaremos haciendo. Y de nuevo, este es mi más grande. Y justo encima de esa está mi pincel más pequeño, que también es una Nicole ruidosa plana. Estas son las series Zen, ZEN Z 43 AF las cerdas son semi firmes, que es muy adecuado para la pintura acrílica. Próximamente como otra fabulosa lección sobre la anatomía del pincel. Pero por ahora, eso es todo lo que necesitas saber de mis pinceles. Vayamos a Suministros Varios. Y primero será mi cuchillo de paleta. Usaré esto para mezclar pintura. Este modelo en particular es de metal tan bonito y delgado, por lo que puede raspar fácilmente la pintura de ida y vuelta en la paleta de papel. También estaré usando algunos embalses de agua. Este es solo un simple contenedor de plástico de un núcleo. Yo sí recomiendo tener que. Te recomiendo dos porque uno se usará para quitar la pintura de tu pincel. Y luego tú una vez que tengas una reservada para solo agua limpia, encuentro que una cancha sea del tamaño perfecto. Evita los reservorios que son demasiado pequeños, como una taza de café porque no tienen suficiente agua. Lo siguiente será mi cinta de enmascaramiento. Esta es cinta de grado artista. Debería estar bien por pegarle los bordes de mi papel. ¿ Debería necesitarlo? Voy a usar eso de vez en cuando. Y último en la lista será una toalla. Siéntase libre de usar toallas de papel, Pero es útil tener una de estas alrededor. Principalmente lo uso para WIP y limpiar mi cepillo. Y eso es una envoltura para suministros. Entonces como puedes ver como minimalista, prácticamente todo es rentable. El único suministro que recomendaría derrumbarse ahora sería la pintura de grado artista. 4. Hechos de acrílico: Hechos acrílicos, cosas que necesitas saber. Hablaremos del inicio, de cómo se hace que el trabajo soluble en agua. Por lo que la mayoría de las superficies se seca rápido y más oscuro. Y famosos artistas acrílicos. Esto arranca las cosas con el principio. Conoce auto Roma. Había estado en la resina acrílica en 1934. Entre otras cosas por las que es famoso está la invención del plexiglás. Pero no fue hasta los 19 años cincuenta que la pintura acrílica llegó a estar disponible comercialmente. Y estos becarios, acabando de escuchar la noticia, están saltando de alegría, les vino la culpa. Aquí te dejamos una versión diluida de cómo se hace. Hay tres ingredientes clave para la pintura acrílica. Uno es el polímero acrílico, que por supuesto contiene la resina acrílica y Binet BAD Mr. Roma agua y luego pigmentos. Y estos pigmentos de tierra son los que dan el color de la pintura. Y debido a que la pintura acrílica tiene agua en ella, la hace soluble en agua. Y eso significa que puedes adelgazar tus pinturas con agua, que hablaremos bastante en este curso. Y limpiar es un sentido siempre y cuando lo limpies mientras aún está mojado, una vez que se seca, ese es un juego de pelota totalmente diferente. Hablaremos de eso más adelante. ¿ Y sabías que la pintura acrílica funciona en la mayoría de las superficies? Echa un vistazo a esto. Funciona sobre papel. Por supuesto que quieres que ese papel sea bastante robusto, no demasiado delgado. Por supuesto Lienzo es ideal, es genial en madera, metal, ventanas y telas. Bastante versátil Si me preguntas, y porque esta soluble en agua, se seca rápido y más oscuro. Pero como mencioné antes, acrílico se seca rápido porque es a base de agua. Y eso puede ser algo bueno o malo dependiendo de tu acercamiento a la pintura. Si eres alguien que no quiere esperar y ver secar la pintura al óleo durante varios días, entonces te va a encantar trabajar con acrílicos porque la mayoría de las pinturas se crean con múltiples capas, Normalmente es bueno práctica para permitir que la primera capa se seque antes de agregar otra capa. Y cuando pintas con acrílicos, puedes hacerlo rápidamente. Estamos hablando de diez o 15 minutos y aún más rápido si tienes un secador de pelo, mencioné que se seca más oscuro como una especie de cosa mala. Cuando bajes tu pintura, se verá brillante y alegre. Y cuando regresas una hora después cuando está completamente seco, los colores simplemente no parecen los mismos. No es raro hacer algo como tú eres, sí, eso es lindo, me encanta. Vuelves y eres como lo que el, Aquí están algunos famosos artistas acrílicos. Ya sabes que éste no, sí, Andy Warhol, el tipo de la sopa Campbell. Utiliza acrílicos con bastante frecuencia para su serigrafía. Artistas pop. Roy Lichtenstein mezcló el aceite con Magna magnum fue una forma temprana de pintura acrílica. Muchas de sus obras populares fueron creadas utilizando los dos médiums. artistas femeninas populares, Helen Frankin Thaler, también usan pintura acrílica con bastante frecuencia. Y su trabajo, es mejor conocida por sus grandes abstractos. Y luego está el artista británico David Hockney. En 2018, vendió la pintura más cara para cualquier artista vivo. El cuadro que se muestra aquí, Retrato de un Artista también conocido como alberca con dos figuras, vendido en la subasta de Christie's por 90 millones de dólares. De lo que tal vez ahora sabes, unos hechos más acrílicos. Algunos de estos hechos se pueden utilizar en el estudio, mientras que otros se pueden compartir alrededor de la mesa de la cena. 90 milli aún no pueden superar eso. 5. Configuración de los espacios de trabajo: Espacio de trabajo, preparándose para pintar. Yo solo quiero darte una visión rápida de mi espacio de trabajo y cómo presenté las cosas sobre la mesa. Esto me da la mejor visión general de configuración de flujo de trabajo posible. Es así como presenté las cosas cuando me estoy preparando para pintar. foto en la parte superior izquierda, serían mis imágenes de recursos. Eso puede ser una fotografía, podría ser mi iPad. Entonces por supuesto tengo mi superficie de pintura y luego mi paleta fuera a la derecha de ella, mis dos embalses, que se colocan cerca de mi toalla, y guardo todos mis pinceles ahí mismo en la toalla junto con mi cuchillo de pintura. Soy diestro. Por lo que tiene sentido tener eso en el lado derecho. De esa manera no tengo que llegar por encima mi obra cuando necesito mezclar pintura o limpiar mis pinceles. Y eso hace que el flujo de trabajo sea muy eficiente y un poco más seguro. Off a la derecha. Tengo mis pinturas, así que echemos un vistazo a esas. Se pueden ver los pinceles y luego a la derecha, los tengo todos dispuestos bien y organizados. Y entonces también tengo mi lápiz y borrador en caso de que lo necesite, manteniendo las cosas agrupadas. Entonces los amarillos, los rojos, y los azules como también una manera eficiente de encontrar el color que necesito. Cuando lo necesite. Pensé que sería útil mostrarte mi espacio de trabajo y cómo preparé una pintura. Entonces conseguiste una visión general rápida y ya sabes, ahora esto me da el mejor flujo de trabajo posible para que eso pueda bajar la pintura más rápido y hacerlo de manera más eficiente. 6. Anatomía de pincel: Qué debes saber sobre Anatomía de pinceles. En esta lección, hablaremos de las cerdas, lo feral, y el mango, las tres partes principales. También veremos las cerdas y detalle y en las mejores cerdas para pintura acrílica. Y terminaremos con el feral en detalle. Ahora es importante que entiendas las partes del pincel para que estemos en la misma página. Esto comenzó con Bruselas. Las cerdas harán la mayor parte del levantamiento pesado por ti. Y obviamente, aquí es donde cargarás tu pintura. Y ahora llegamos al feral. Feral es la pieza metálica, a veces plástica, luego une las cerdas al mango. Por lo que eso nos lleva a la tercera y última parte, el mango. El mango es donde a menudo sostendrás tu cepillo. Y típicamente son madera pero a veces metal y plástico. Ahora veamos las cerdas en detalle. Hay tres partes que debes saber. Tenías la punta, que también se conoce como el remolque, que es el final. Y luego tenías el costado, por lo que el lado delgado o delgado de las cerdas, y por último el vientre, que ocasionalmente usarás para aplicar pintura. Por lo que como saben, la punta del pincel es la más utilizada. Pero como estoy demostrando aquí, bueno usar el lado. Y por supuesto, te mostraré a lo largo de este curso cómo puedes usar también el vientre. Y ahora hablemos de las mejores cerdas para pintura acrílica. Quieres que sean cerdas semi firmes, pero no demasiado firmes. Así que evita los cepillos de aceite, cerdas sintéticas funcionan mejor. Evita cepillos de cerdas suaves. Por lo que no usaría pinceles de acuarela. Y no necesitas gastar mucho dinero para conseguir un pincel acrílico de buena calidad. Y último arriba es el feral en detalle. Hay dos áreas del Faraón de las que debes saber, y son los calambres. Por lo que tenías un engarce que sujetará el mango al feral y luego otro engarce que sujetará las cerdas al feral. Por lo que eso nos debe poner en la misma página para la anatomía del pincel. Entonces discutimos las cerdas que Pharrell y el mango. Ya sabes dónde están en el pincel. Miramos las cerdas y el detalle. También te di consejos para encontrar las mejores cerdas. Y luego echamos un vistazo un poco más de cerca al feral. 7. Cuatro pinceles comunes: El cuatro agarres principales, diferentes retenciones para diferentes trazos. Veremos el agarre detallado, el agarre estándar, el agarre largo, y luego el agarre por encima de la mano. Y luego discutiré una retención relajada del trípode. Ahora lo grandioso es que ya entiendes la anatomía del pincel, para que podamos seguir adelante y saltar justo en lo que es un agarre de detalle. Entonces cuando estás pintando detalles más pequeños, mi mejor consejo es bajar hacia lo feral. Esto te dará el máximo control. Puedes combinar el agarre de detalle con el uso del lateral de las cerdas o de la punta, lo que creas conveniente. Ahora veamos el agarre estándar. El sostenimiento más común para la mayoría de las situaciones. Para eso vas a retroceder al feral y encontrar ese punto dulce cerca del medio. Pasan dos cosas cuando sostienes el pincel aquí. Si los combustibles son muy equilibrados, además, y probablemente lo más importante, te da un buen rango de movimiento, lo que es fácil crear trazos cortos y largos. Y hablando de trazos largos, veamos ese agarre largo. Por lo que queremos ir atrevidos, sueltos y expresivos. Atrás de ese punto dulce sostén hasta el extremo del mango. A partir de ahí, realmente puedes crear algún trabajo de pincel expresivo. Ahora, te diré, tendrás menos control sobre tus trazos. Por lo que si eres una persona orientada al detalle, esto puede no ser un agarre óptimo para ti. Eso nos lleva al último agarre, que es el agarre por encima de la mano. Lograr el agarre por encima de la mano es probablemente bastante obvio. Simplemente vas a poner la mano encima del pincel. Y esta es una gran manera de pintar con el vientre de la Bruselas, que es una buena manera de bajar mucha pintura rápidamente. A mí me gusta este tipo de técnica y agarre cuando estoy pintando cielos y nubes. O si estoy de humor para cambiarlo un poco. Y por último, quiero hablar de tener un agarre relajado. Entonces cuando sujetas el pincel es muy similar a sostener un lápiz. Por lo que no vas a sujetar tu lápiz con un agarre muy apretado que va a bloquear tu muñeca hacia arriba y simplemente sentirte muy tensa. Entonces, la próxima vez que pongas pintura en el papel o en Lienzo, solo toma nota de la cantidad de intención de estrés que hay en ese agarre. Para que eso nos lleve al final de esta fantástica y formativa lección. Entonces los cuatro agarres principales, el agarre de detalle, el buen viejo estándar todo alrededor del agarre, y luego el agarre largo para esos trazos expresivos. También te di un agarre alternativo con el overhand. Recomendé una sujeción relajada y por supuesto eso es para trípode y el agarre por encima de la mano también. 8. Cómo preparar y aplicar la pintura: Preparando pintura, Cómo obtener los mejores resultados. En esta lección, discutiremos las obras hídricas, cómo evitar el exceso de agua. Por qué debes usar una toalla, cómo suavizar el dolor, cómo crear pinceladas fluidas, y luego un ejercicio recomendado. Para esta demo, estaré usando solo azul ultramarino. Entonces, ¿ese es el único color que ves? Mi paladar. Entonces, cuando sea tu turno de darle una oportunidad, solo usa un matiz, que nos trae a las obras de agua. ¿ Qué tan importante es el agua a la pintura acrílica? Muy, muy importante. Te recomiendo sumergir siempre tu cepillo y agua. Antes de empezar a pintar. Quieres que esas cerdas estén mojadas. Ahora quieres evitar el exceso de agua. Por lo que tener demasiada agua puede ser algo malo. Entonces si yo fuera a mojar las cerdas aquí, verás que el exceso de agua empezará a levantarse en el paladar. Eventualmente, mis pinturas estarán nadando. Eso no es algo bueno. Es exactamente por eso que tenía la toalla justo cerca de mi reservorio de agua. Por lo que una mejor opción es usar la toalla. Y te mostraré exactamente cómo hacer eso. Entonces sumergiré el cepillo y el agua y luego le daré un poco de grifo, grifo. Entonces eso deja humedad y agua en el cepillo, pero no demasiado. Si tuviera demasiado, de nuevo, lo verás básicamente goteando de las cerdas. Entonces un poco de agua, pero no demasiado. Ahora hablemos de cómo ablandar y pintar. Ahora, quiero recordarlos usando acrílicos de cuerpo pesado. Esos acrílicos de cuerpo pesado, nuestros muy gruesos. Por lo que para obtener los mejores resultados, nunca aplíquelos a tu superficie sin prepararlos. Entonces hablemos de cómo crear pinceladas fluidas. Primero te mostraré un mal camino. Empezaré con un cepillo seco. Por lo que no hay agua y sus cerdas y pintura seca. No hay agua en la pintura. Y como verán, los resultados no son tan grandes. Hay muchos artefactos y pasando en esa pincelada como muy, muy picado e inconsistente. Entonces no el trazo ideal que vas a querer dejar abajo, hay una mejor manera. Por lo que teniendo limpio mi cepillo, ahora lo sumergiré en agua y le daré un poco de grifo. Ese poquito de exceso de agua y sus cerdas me ayudarán a aflojarme y preparar esa pintura. Ahora, ¿qué suave? Ahora tengo cerdas mojadas y puedo aplicar pintura con más éxito. Todavía habrá algún ser artefacto? Sí, pero es un trazo mucho más suave porque la pintura se deslizará de las cerdas mucho mejor. Entonces esto, para mí es una pincelada ideal. Ahora es el momento de continuar con esa idea. Entonces preparando mi pincel, preparando la pintura, haciéndola agradable y suave, cargaré el pincel y crearé otro trazo, de izquierda a derecha. Ahora que tienes una mejor idea de cómo conseguir la mejor pincelada, crearé unos cuantos más de izquierda a derecha. Sepan que todo el tiempo estoy preparando el pincel y preparando la pintura de la misma manera. Ahora, solo trabajo de izquierda a derecha y eso es porque soy diestro, pero es buena práctica probarlo de la manera contraria. Entonces mientras preparaba la pintura aquí y el pincel, voy a trabajar de derecha a izquierda y luego volver a la izquierda a escribir. Una gran manera de practicar algunas habilidades de pincel mientras se mete en el hábito de dejar que tu pincel y pintura. Y sí, todavía hay algún artefacto en marcha. Pero estoy pintando sobre papel texturizado. Si estás pintando sobre papel liso como prensa caliente, entonces probablemente tengas mucho menos artefacto pasando. A pesar de que este es un concepto muy fácil, encuentro a los principiantes les cuesta hacer de esto un hábito. Se te recomienda hacer ejercicio es agarrar un trozo de papel en blanco, un pincel, algo de agua pintura de color M1, y llenarlo con hermosos trazos de pincel fluidos. Para una recapitulación, te mostré cómo preparar pintura para obtener los mejores resultados. Nosotros siempre que obras de agua, ¿por qué debes evitar el exceso de agua? La importancia de tener una toalla ahí, cómo ablandar la pintura con agua. Te mostré cómo crear pinceladas fluidas. Y entonces por supuesto tienes tu ejercicio recomendado, ve a pintar. 9. Exploración de la técnica de pincelada de pinceladas: Echemos un vistazo a algunas mecánicas usando diferentes partes del cuerpo y mi cuerpo, me refiero a mano y brazo. Entonces veremos la acción de la muñeca, alguna acción del codo, y por qué ambos funcionan muy bien con la mayoría de los agarres. Y luego por supuesto, el ejercicio recomendado, armado con mi piso número ocho, comenzaremos con acción de muñeca. Cuando eres un cuadro de la muñeca, básicamente estás usando un punto de pivote que es bastante corto. Por lo que sólo puedo mover tanto mi mano desde ese punto. Esta sería la zona ideal para pintar si estás pintando trazos cortos y entrecortados. Entonces imagínense si nuestro tratando de pintar un área muy grande y trabajando desde mi muñeca, qué ineficiente sería eso. Pero para áreas pequeñas y detalles, este es el agarre ideal. Por lo que ahora sabes más sobre la mecánica de la pintura desde la muñeca. Echemos un vistazo al codo. Y como probablemente ya sabrás, pintar desde el codo te dará un rango de movimiento mucho más amplio. Y se puede ver que mientras barro mi antebrazo y mano izquierda y derecha, compare eso con usted trabajando desde la muñeca. Prepararé aquí un poco de pintura y luego demostraré unos trazos trabajando desde el codo. Mira lo rápido y fácil que puedo cubrir esta zona. Y lo estoy haciendo todo con un solo golpe de pincel. Y de nuevo, simplemente no puedes ser tan eficiente si solo estás trabajando desde la muñeca. Ahora también puedes pintar desde el hombro y por supuesto puedes incluso pintar desde usar tu amortiguador de espalda. Ahora, ya que estamos pintando sólo obras más pequeñas en este curso, estas son las dos mecánicas principales que necesitarás conocer. Y este concepto debería funcionar con la mayoría de los agarres. Entonces si nos fijamos en este agarre de mango largo, se puede ver que fácilmente puedo trabajar desde el codo. Incluso puedo usar mi agarre de detalle y pintar un trazo amplio proveniente del codo. Pero sinceramente, si nuestra pintura un área amplia, aunque probablemente retroceda a ese agarre largo o use mi agarre estándar. Es un buen momento para explorar estas ideas. Agarra un pincel, un poco de pintura y un trozo de papel, y empieza a experimentar con la mecánica de pincel. Entonces esa fue tu introducción a la mecánica usando diferentes partes del cuerpo. Te mostré la acción de la muñeca, un poco de acción y cómo funcionan estos con otros agarres. Y ahora tienes un ejercicio recomendado para mojarte los pies. 10. Mecánica de pintura: En esta lección, hablaremos más sobre la mecánica de pinceladas, cómo manejar los puntos ciegos. Te mostraré lo que es un punto ciego, cómo es que te inclinas e inclinas el mango. Veremos los trazos hacia abajo, girando la superficie, viendo el futuro sí. Golpes hacia arriba y luego un ejercicio recomendado. Pero antes de que pintes, pondré seis cuadrados. Usando mi lápiz, dibujaré una serie de cuatro líneas horizontales. Estos no tienen por qué ser perfectos. Pero si simplemente quieres hermosos cuadrados, siéntete libre de usar un cuadrado en t o cualquier borde recto. A mí me gusta un poco áspero alrededor de los bordes. Entonces esto debería ir bien para mí. Entonces la primera lección es, ¿Qué es un punto ciego? Un punto ciego es básicamente cuando estás aplicando un derrame cerebral, llegas a un punto. Simplemente ya no podemos ver a dónde vas. Entonces mientras muevo el pincel hacia la derecha, no puedo ver esa esquina. Entonces si continuara pintando sin verlo, será muy fácil pagar en exceso la esquina de esa plaza. Y que mis amigos es un punto ciego y tenemos que reconocer que existen. Ya que soy diestro, si pinto una línea de izquierda a derecha, llegaré a un punto donde simplemente no puedo ver porque el pincel está en el camino. Observe cómo empiezo desde la esquina y arrastro ese cepillo hacia la derecha y luego me detendré cerca de ese punto ciego. Entonces, ¿qué hacemos ahora? Lo mejor que puedes hacer es inclinar o inclinar el mango del pincel. Y en este caso, puedo inclinar la parte superior de ese pincel lejos de mí y eso me dará toda la visibilidad que necesito para pintar ese rincón. Ahora puedo pintar desde la esquina superior derecha hacia abajo y detenerme cerca esa esquina porque ya sé que lo he pintado e itto eso para la parte superior de la plaza. pueda empezar y esa esquina izquierda y venir a la derecha y simplemente detener ese trazo en algún lugar cerca de la esquina. En este mismo trabajo de arriba a abajo. Pero ahora echemos un vistazo más de cerca a los golpes a la baja. Para este ejemplo, comenzaré en la esquina superior izquierda y crearé un trazo bajando hacia esa esquina inferior izquierda. Nuevamente, empezando bien y apretado en esa esquina, bajaré. Y entonces claro que tengo ese punto ciego. Me detuve cerca de esa esquina y luego incliné la parte superior del pincel hacia la derecha para rematar esa esquina. Cuando tienes un punto ciego es mejor detener tu golpe cerca de la esquina. Y eso debería evitar que te sobrepintes. Aquí voy a hacer otro ejemplo. Pero en lugar de rotar el pincel, voy a girar la superficie. Por lo que te he mostrado cómo puedes rotar hasta que sea tu pincel. Pero también podemos rotar la superficie. Entonces en este caso, esa puede ser una mejor opción. Entonces voy a rotar eso para que pueda meterme en su esquina. Agradable y limpio adulto se siente incómodo. Y ahora ese filo está terminado. Habrá situaciones en las que girar la superficie tendrá más sentido, luego inclinarse o inclinarse el pincel. Ahora, te enseñaré a ver el futuro. Entonces en lugar de pintarte en una esquina, voy a mirar lo que estoy por hacer. Ya veo que ese rincón va a ser un problema. Entonces en lugar de pintar hasta esa esquina, pagaré por adelantado ese rincón. De esa manera. Cuando pinto el fondo. Sé que ese rincón ya está hecho. Anticipar esos puntos ciegos es una gran manera de trabajar. Y este próximo trazo que voy a hacer, va a ser un trazo ascendente a esa esquina superior izquierda. Los golpes hacia arriba siempre son un problema porque las cerdas están en el camino. Ahora tenemos algunas opciones para manejar ese rincón. Voy a seguir adelante y pre pintar. Una vez tuve esa esquina bonita y ordenada, ese trazo ascendente es una brisa, anticiparé su problema ya que pinto de izquierda a derecha aquí, lo que significa que voy a prepagar esa esquina, que significa que fácilmente puedo terminarlo creando un trazo de izquierda a derecha. Y entonces por supuesto que ese trazo descendente ya está hecho porque esa esquina está pintada, tu ejercicio recomendado es dibujar una serie de tres cuadrados. Practicar la comprensión y el reconocimiento de que existen puntos ciegos. Y luego usa las técnicas que compartí en esta lección para navegar por ellas. Cómo manejar las manchas ciegas. Nos estamos moviendo a través de la mecánica de pinceladas. Entonces en esta lección, les mostré lo que es un punto ciego, cómo inclinarse hasta que el mango del pincel navegue por ellos. Te mostré cómo lidiar con golpes a la baja. También te dije que puedes rotar tu superficie. Ahora ya sabes ver el futuro. Y ya sabes ahora que los accidentes cerebrovasculares hacia arriba siempre son problemáticos con los puntos ciegos y tienes un ejercicio recomendado. Por lo que no hay excusas para siempre pintar tus esquinas a menos que por supuesto, solo quieras. 11. Mecánica de pinceles de pinceles de recorte de pincelado:: Cortar, trabajar de manera inteligente y eficiente. Y esta lección vamos a repasar sin cortar. Te mostraré un ejemplo de corte de ancho, agregando el Color de Relleno y combinando mecánica. Y luego por supuesto, un ejercicio recomendado para que puedas dominar estas técnicas. Y aquí está la cosa. En la lección anterior, como que ya te enseñé cómo cortar. Entonces en esos ejemplos, básicamente pinté los bordes, el contorno de esas formas. Entonces en esta lección, les mostraré un ejemplo de sin cortar. Y entonces por supuesto voy a hacer un ejemplo con cortar. Empezaremos sin cortar. Entonces como verán, conseguiré aquí mi pincel cargado y apenas empezaré a pintar la forma en lugar de pintar primero los bordes, lo cual habría sido mucho más fácil. Simplemente empiezo a agregar el color de relleno. Se puede hacer el trabajo así. Pero simplemente no es lo eficiente. Además estás arriesgando y pintando sobre los bordes. Pintar sobre los bordes, tal vez algo que prefieras hacer. Pero lo que estoy tratando de que hagas es pensar más en la mecánica de la misma. Mi objetivo es dar unos buenos fundamentos y más adelante, puedes decidir pintar en cualquier estilo que desees. Pintaré la misma forma exacta, pero esta vez con cortar, también estoy anticipando mis puntos ciegos. Entonces estoy pagando esos rincones como un pro. Entonces esto me está permitiendo pintar estos bordes de forma rápida y limpia. Y como ya sabes hacer esto, aceleraremos un poco más rápido a través de él para que podamos empezar a agregar el relleno. Y agregando el relleno será un trozo de pastel. Mis bordes son bonitos y crujientes. Ahora puedo cargar mi cepillo y poner ese soplado súper rápido. Por lo que ahora pintaré esta última plaza usando toda la mecánica que he compartido con ustedes. Entonces básicamente usando una buena técnica para navegar mis puntos ciegos, cortando en esos bordes afilados. Y entonces por supuesto también estoy trabajando desde el codo y diferentes áreas de mi brazo para que eso pueda bajar estos golpes rápidamente para poder llegar a almorzar. Me está gruñendo el estómago. Se te recomienda el ejercicio es utilizar los otros tres cuadrados y aplicar el corte y la técnica. También piensa en trabajar desde el codo y la muñeca cuando sea necesario. Y no olvides probar una mala versión donde no cortes solo para poder comparar los dos. Y eso fue cortar, trabajar de manera inteligente y eficiente. Te mostré sin cortar. Te mostré con cortar y lo fácil que es agregar que Phil quiere que las esquinas y los bordes sean agradables y crujientes. Podemos combinar todas esas mecánicas y a un bonito y ordenado paquete. Y tienes un ejercicio recomendado para practicar. Ahora ve a pintar. 12. Mecánica de trabajo Brushwork para las formas curvadas: Y justo cuando pensabas que habías terminado con la mecánica de pinceles, tenemos formas curvas. Y esta lección, te enseñaré cómo manejar círculos y curvas. Empezará con un pequeño recordatorio. Seré platicaría de cómo angular el pincel comenzando cerca del borde, navegar por puntos ciegos. Son de golpe curvo. Y luego el ejercicio recomendado. A este punto, has tenido el camino fácil. Sólo hemos tenido que pintar líneas verticales y horizontales. Ahora tenemos que navegar nuestro camino a través de círculos y curvas, que presenta su propio conjunto de cuestiones. Y por supuesto, necesitamos ciertas habilidades para pintarlas de manera efectiva. Por lo que aquí un pequeño recordatorio. Será la última vez que mencioné esto, lo que tu pincel y siempre golpearlo. Asegúrate de prepararte tu pintura para que puedas crear unos lindos trazos fluidos, que es lo que nos estamos preparando para hacer. El grandioso de los círculos, ya que no tenemos esos rincones desagradables con los que lidiar. Y no podemos usar los trazos de pincel verticales y horizontales para pintar los bordes porque son curvos, La primera punta será angular el pincel. Esto te dará una mejor visibilidad hasta el borde. Entonces desde mi perspectiva ahora mismo, ya tengo un punto ciego, pero si ángulo el mango hacia mi derecha, entonces mi visibilidad ya no está bloqueada por mi mano. Ahora podemos hablar de empezar cerca del borde. Mira cómo ese pincel no está en el borde. Por lo que estoy atrás de ello siempre tan levemente. Y el punto de partida ideal, entonces puedo moverlo al borde, que es lo que estoy haciendo ahora. Y luego alrededor de esa curva, esta es una buena técnica porque a veces las cerdas se llamarán un poco al tocar el papel. Y esto ayudará a compensar ese ancho extra de las cerdas. Por supuesto, puedes usar esta técnica, pintando cualquier forma, no solo curvas con un pincel cargado. Me acercaré al borde y luego subiré a él. A medida que empiezo a pintar, pintaré hasta donde pueda llegar hasta que eventualmente llegue, lo adivinaste, un punto ciego. Entonces hablemos de cómo navegar por esos puntos ciegos. Ahora, voy a volver a promulgar este pequeño golpe aquí. Y llegué a eso de ese punto antes de simplemente no podía ver más. Un pequeño truco que ya conoces. Y es que vamos a rotar la superficie. Y entonces por supuesto me acercaré al borde, no en él así y luego pintaré sobre él, pero cerca de él. Y luego yz Assad de mis cerdas hacia ese borde y luego la curva a la derecha hasta que me encuentre con la otra línea. Si tienes curiosidad por el origen de ese derrame cerebral, diría que estoy trabajando más desde el codo y probablemente un poco desde el hombro también. Como aludimos antes. Realmente no puedes pintar estos bordes limpiamente usando trazos rectos como hice ahí mismo. Por eso hay que tener un trazo curvo. El trazo curvo obviamente rastreará un poco diferente a las líneas verticales y horizontales, como señalé ahí con mi lápiz para un círculo, el tamaño, probablemente habré tenido que hacer una serie de tres curvas líneas que deberían ponerme alrededor del círculo. Obviamente, círculos más pequeños, tal vez un poco menos, y círculos más grandes, tal vez un poco más. Mientras me miras pintar este círculo, nota cómo inclinaré el mango de mi pincel lejos de mí para que pueda obtener la máxima visibilidad y ojalá una mejor oportunidad de ser exitoso. Voy a acelerar a través de estos últimos trazos porque ya debes entender el proceso. Obviamente tan pronto como se corta el borde es muy fácil agregar el relleno. Pintaré una más usando las mismas técnicas solo para reiterar algunas de las cosas de las que hemos hablado. Entonces otra vez, acercar ese cepillo al borde y luego aligerarlo hasta él. Y luego conseguir el máximo golpe posible. Girar el papel para que obtengas una buena visibilidad. Se hacen los bordes. Se puede agregar el relleno y todo es durazno. Eso nos lleva al ejercicio recomendado con una hoja de papel en blanco. Dibuja de tres a cuatro círculos, después utilizar las técnicas que compartí con ustedes esta demo para pintarlos. Y acabo de compartir con ustedes todo lo que sé sobre pintar formas curvas y círculos. También te di un pequeño recordatorio sobre usar el agua, pero te prometo que no te voy a molestar más por eso. Te mostré cómo hacer ángulo con un pincel para que no te pongas en un punto ciego empezando cerca del borde, pero no en el borde. Una mirada rápida a la dirección de un trazo curvo y luego el ejercicio recomendado. Así que buena suerte divirtiéndose pintando formas curvas. 13. Dos métodos comunes de mezcla comunes: Métodos de mezcla, las dos técnicas más comunes, una será el método de cuchillo de paleta. Iré por encima colocando a Hughes y cerca uno del otro. Te enseñaré a mezclar gradualmente la importancia de mantenerlo limpio. También te mostraré el método del pincel y luego el ejercicio recomendado. Empecemos a mezclar. Te presento a los métodos de mezcla, el pincel y el cuchillo de paleta. De nuevo, comenzaremos con el cuchillo de paleta. Este es un cuchillo de paleta manejaría con una hoja de metal sobre él y funciona a la perfección. Empezaré con un poco de azul en mi paleta. Cosas bastante fáciles, ¿verdad? Pero aquí está la cosa. Sé que voy a mezclar un amarillo con él. Entonces, ¿dónde debo colocar el amarillo? Y eso trae para arriba el siguiente capítulo, y eso es colocar a Hughes y cerca uno del otro, me meteré aquí en mi amarillo. Pero en lugar de colocar el amarillo encima del azul, iré justo debajo de él. Y ahí está tu respuesta colocando los Hughes cerca uno del otro y no uno encima del otro, te permitirá tocar la batería, por favor. Mezcla poco a poco, lo que te da mucho más control sobre la mezcla. A medida que avance, pondré un poco de ese azul en el amarillo a la vez. Y debería necesitar más azul o amarillo? Siempre puedo agregar un pequeño incremento versus estar comprometido porque pongo los colores uno encima del otro. Y por supuesto, ahora tengo un cuchillo de paleta sucio. Entonces hablemos de mantenerlo limpio. Recuerda la buena toalla vieja, en realidad tiene varios trabajos que hacer, no solo agua absorbida. Entonces con toda esa pintura en el cuchillo, obviamente, podemos usarla para limpiarla. Sé que esto es de sentido común, pero créanme, si no lo añadía ahí, alguien por ahí me hubiera dado una crítica de una estrella porque no le dije que limpiaba su cuchillo de paleta. Echemos un vistazo al segundo método, que es el método del pincel. Y vamos a usar exactamente las mismas ideas. Por lo que pondremos pintura cerca uno del otro, igual que hicimos con un cuchillo de palet y poco a poco mezclarla una con la otra. Y cuando llegue el momento de un nuevo color, limpia el pincel y entraré en el blanco y añadiré eso cerca del Verde, lo que me da todo el control que necesito para mezclarlos poco a poco. Esas son dos opciones para mezclar pintura. Y en caso de que tengas curiosidad, prefiero el método del pincel. Tu ejercicio recomendado es agarrar tres Hughes y mezclarlos, crear buenos hábitos para que no tengas que romper los malos. Posteriormente en esta lección informativa y llena de acción, aprendes a mezclar los métodos, el cuchillo de paleta y el pincel. Te doy mis mejores consejos por qué quieres colocar a Hughes cerca uno del otro y mezclarlos poco a poco. Mantén siempre limpios tu cepillo y cuchillo de paletas cuando necesites nuevos pigmentos. Y tendrías un ejercicio recomendado que puedes ir a dominar y estás un paso más cerca de convertirte en la próxima superestrella acrílica. 14. Gradación mixta: Bienvenidos al maravilloso mundo de las gradaciones. Y en esta lección vamos a cubrir una gradación mezclada, por lo que vamos a crear una transición de color suave. Empezaré dibujando algunas casillas. Cubriremos tonalidades premezcladas, que ya conoces. También definiré qué es una gradación mezclada. Demostraría qué es la mezcla Hughes. Y entonces por supuesto, el ejercicio recomendado, comenzaré dibujando algunas plazas. Esta vez usaré mi regla para crear unos bordes buenos y limpios. Y como mencioné antes, estas plazas no tienen por qué ser perfectas. Sólo los globos oculares. Consíguelas lo más cerca posible de perfectas. Entonces si tienes unas casillas que son un poco más grandes o más pequeñas que las otras no es realmente gran cosa. Todavía puedes hacer este ejercicio y vamos a divertirnos mucho explorando estas gradaciones mezcladas. Ahora que mis plazas están completas, estoy lista para pintar. Déjame primero repasar lo que va a pasar. Tendré una gradación que empezaremos con un azul y luego bajaremos a un amarillo. Y eso significa que el medio será verde. Y les voy a recordar, esta va a ser una gradación mezclada, por lo que tan suave como sea posible obtener de un color. Al siguiente, hablando de color, empezaré con mi azul civil. Y voy a crear unos trazos en la parte superior. Y como de verdad quiero impresionarte con su gradación mezclada, voy a repasar un par de veces este azul para que estos trazos sean agradables y suaves. Y sé que estás sentado ahí ahora mismo pensando que son algunos trazos azules Smooth. Para esta gradación, voy a premezclar mis tonalidades y también usaré mi pincel. Te dije que ese es mi método preferido para mezclar pintura. Y antes de adelantarme aquí, déjenme tener claro lo que es una gradación mezclada. Entonces como mencioné antes, una gradación mezclada es cuando tienes dos o más colores que fluyen sin problemas de uno a otro, que es lo que estás empezando a ver de ese azul a verde. Ahora hablemos de mezclar los tonos. Como se puede imaginar. Si vas a mezclar, entonces vas a necesitar un pincel o un cuchillo de pintura o algo para suavizar las transiciones. Aquí estoy haciendo una serie de trazos horizontales, pero esto se puede aplicar en cualquier dirección. Nuevamente, voy a premezcla verde, que será más ligero que el verde que se acaba de usar. Y por supuesto que estoy usando el pincel para hacerlo porque estoy en transición a un amarillo en la parte inferior. Yo sólo estoy agregando un poco de amarillo a ese verde conforme voy bajando la gradación. Y claro que estoy usando ese pincel para suavizar esos trazos. Voy a acelerar un poco aquí porque ya debes entender el proceso. Entonces con la mezcla, un poco más amarilla al bajar, y por supuesto, usando ese pincel como caballo de trabajo para esparcir la pintura por mí. Y entonces finalmente bajaré a mi amarillo. Y entonces por supuesto volveré sobre esto y esto mezcla estas transiciones. Y eso es todo lo que sé de las gradaciones mezcladas. Por lo que para tu ejercicio recomendado, puedes dibujar un cuadrado o dibujar una serie de seis cuadrados como lo hice al inicio de este video y pintar algunas gradaciones mezcladas. Esta es una técnica maravillosa que revisitaremos a medida que avance este curso. Entonces en esta lección, hablamos de una gradación mezclada creando transiciones de color suaves. Todo comenzó con las seis plazas. Y para este ejemplo, uso tonalidades premezcladas con mi pincel y no el cuchillo paleta. Expliqué de la mejor manera posible qué es una gradación mezclada. Y hablamos de cómo mezclar los tonos. Y ahora tienes un ejercicio recomendado. Así que empieza a pintar algunas gradaciones mezcladas y siéntete libre de explorar diferentes combinaciones de colores de las que has visto aquí. 15. Gradación no mixta: Hay muchas formas de crear una gradación, y ésta te mostraré una gradación no mezclada. Entonces creando una transición de color chunky, empezaré a usar mi cuz premezclada por supuesto, usando mi pincel, te diría lo que es una gradación no mezclada. Aplicaré pintura y luego la dejaré en paz. Ese es el secreto, para luego darte el ejercicio recomendado. Empecemos con los hughes premezclados. Por lo que prepararé mi pintura en el paladar como lo hice en el ejemplo mezclado para que mis pinturas estén listas para ir. Ahora quiero decirte lo que es una gradación no mezclada por si no quieres ya saber. Entonces el objetivo aquí es usar la pintura premezcla y no queremos sobremezclar. Por lo que el resultado final es una transición de un color a otro. Eso no es tan suave como nuestro amigo aquí a la izquierda. Empezaré con esa misma maldad en azul y la esquina superior izquierda. Y luego te daré este pequeño recordatorio de ver el futuro. ver como un cuadro ese rincón, y ahora puedo correr esa pincelada justo encima con confianza. Por lo que voy a poner unos trazos de ese volado. Ya podemos ver que no estoy sobre la mezcla, lo que nos lleva al siguiente punto. Y eso es aplicar pintura y dejarla en paz, lo que suena fácil de hacer. Pero el problema más común que hacen los artistas, especialmente los principiantes, es el exceso de trabajo de la pintura. Entonces otra vez, bajaré este verde y solo me observaré alejándome, no un cuidado en el mundo. Yo estoy perfectamente bien con dejar eso justo como es ahora. Es sólo cuestión de repetir ese proceso hasta que llegue al amarillo. E incluso ahora puedes mirarlos aquí estando uno al lado del otro y comparar la diferencia. Entonces uno tiene un aspecto un poco más rugoso, pero todavía estamos recibiendo una gradación. Por lo que aún estábamos consiguiendo un color que empieza con azul y luego transiciones a amarillo. Y esa es mi toma de una gradación no mezclada. Ambas gradaciones tenían su lugar y arte, que vamos a cubrir con más detalle a medida que avanzamos. Se te recomienda el ejercicio, como probablemente sabrás, es crear algunas plazas y luego pintar algunas gradaciones no mezcladas. Empecé con informarte que estoy usando tonalidades premezcladas con mi pincel. Definir qué es una gradación no mezclada. Y de nuevo, tú, una vez que aplicas pintura y la dejas en paz, tuviste un gran ejercicio recomendado. Entonces por favor, por favor ve a pintar algunas gradaciones no mezcladas. Porque si no lo haces, vas a llegar al final de este curso y aún no tendrás ni idea de cómo pintar acrílico. Entonces, involucrate. Ahora, adiós. 16. Blended en papel: Aquí hay otra gradación donde vamos a fundir en el papel. Empezaré definiendo lo que significa mezclar en el papel, y lo haré sin remezclar la pintura. El resultado final es similar a una gradación no mezclada. Por supuesto, vamos a limpiar y entre tonalidades, lo cual es una especie de recordatorio. Y entonces voy a cubrir en una segunda mezcla humana que realmente no recuerdo por qué puse eso. Y luego el ejercicio recomendado, permítanme primero definir lo que significa la mezcla en el papel. Hasta este punto, prácticamente sólo hemos mezclado nuestra pintura en la paleta, pero hay una técnica alternativa donde podemos mezclar en el papel. Entonces en lugar de remezclar o hughes en la paleta, lo haremos en la superficie. Y además de eso, no vamos a premezcla son Hughes. Y eso es porque toda la mezcla se hace en el papel. Y otra vez, no el palet. A medida que avance, estoy bastante seguro de que esto empezará a tener sentido porque estamos aplicando y mezclando nuestra pintura y este método, tendrá un acabado similar al método no mezclado. Por último, Aquí seguimos agregando el soplado a través de la muestra ahí. Y antes de meterme en el amarillo porque no quiero premezcla, voy a limpiar mi cepillo. Entonces ahora que mi pincel como bonito y limpio y aquí está la evidencia ahí vas, frente y atrás y lateral, no hay pintura escondida ahí y ningún rincones. Ahora puedo añadir estos segundo matiz, que de nuevo será el amarillo. Cargaré generosamente mi pincel con el amarillo y empezaré por abajo y trabajaré mi camino hacia arriba hacia el azul. De nuevo, mis pinceles agradables y limpios. Yo, nos pondremos al azul y aplicaremos eso al papel. Y por supuesto que estoy trabajando eso ahora en el amarillo. Entonces este es un enfoque un poco diferente a pre mezclar tu pintura en la paleta, básicamente tu lienzo en este caso, papel es mi paladar. Obviamente esta es una forma más espontánea de trabajar porque realmente no llegas a probar tu color es antes de aplicarlos. A algunos artistas les gusta mucho esto porque el resultado final no es soul predecible. Mi objetivo como maestro es no sólo darte una o dos maneras de hacer algo. Traté de darte el mayor número posible y dejarte ser el último tomador de decisiones sobre lo que funciona mejor para ti. Tu ejercicio recomendado es probar esta gradación fuera. Puedes probar cualquier combinación de colores con la que creas que sería interesante trabajar, pero la clave es involucrarte. Entonces una gradación ligeramente diferente donde mezclamos y mezclamos en el papel, definí lo que eso significa. Y de nuevo, hicimos esto sin pre mezcla en el paladar. El resultado final es, se puede ver es un poco chunky como la versión no mezclada. Y seamos honestos, la vida sería simplemente aburrida sin un poco de chunky ahí dentro. Diviértete con tu ejercicio recomendado, y te veré en la siguiente lección. 17. Líneas y puntos: Ahora vamos a hacer una pequeña pausa. Ahora voy a explicar esta pequeña teoría sobre hacer arte. Y eso son las líneas y los puntos son las únicas dos marcas que puedes hacer cosas alucinantes. Yo cubriré. Yo sólo he pintado líneas. Qué es un punto, punto, añadir textura, cómo crear una variedad de puntos. Y luego el ejercicio recomendado. Y estoy seguro de que puedes sentir la emoción y la anticipación y mi voz porque simplemente no puedo esperar a compartir esto contigo. Hasta este punto, sólo he pintado líneas. Entonces déjame explicarte. Una línea es básicamente que cargas tu pincel arriba, lo pones a la superficie y luego lo arrastras a través y en cualquier dirección, eso es una línea. Un lápiz funciona de la misma manera. Él lo puso al papel y tú lo arrastras a través de la superficie. Eso significa que cada trazo de pincel que haces como una línea. Ahora, ¿qué es un punto? Ahí es cuando cargas tu pincel y tocas el papel. Por lo que no lo arrastras a través de la superficie. Y lo creas o no, esas son las únicas dos marcas que posiblemente puedes hacer. Una línea y un punto. Toda pieza de arte que se ha creado. Volviendo a los dibujos de la cueva, todos estamos hechos con líneas y puntos. Ahora, los puntos agregan textura. Entonces si comienzas a explorar esta idea de hacer, hay un lugar para ello. Y el arte, pintores impresionistas lo usaron bastante. Y en mi opinión, cada buena pintura tiene una combinación de líneas y puntos. Se puede crear una variedad de puntos. Si recuerdas la anatomía del pincel, tienes el lado del cepillo. Tenemos la punta del pincel, tú tienes el vientre del pincel. Por lo que podemos usar las tres partes del pincel. Así que explora usando el vientre del pincel, que se abanicará y te dará un punto más grande. Obviamente, podemos usar el costado del pincel para crear estas pequeñas especificaciones. Y por último, la punta del pincel, cada tamaño de pincel te dará un punto de tamaño diferente también. Podemos presionar con fuerza hacia la superficie, podemos presionar la luz hacia la superficie. Entonces como mencioné, hay una variedad de formas en las que puedes explorar la creación de puntos. Pero recuerda las únicas dos marcas que posiblemente puedas hacer, nuestras líneas y puntos, te recomiendan el ejercicio es explorar esta impresionante idea. Yo recomendaría solo usar un trozo de papel de desecho o una vieja pintura chatarra que no te importa. Y solo haz algunas líneas y puntos y no pases un poco de tiempo extra explorando esos puntos porque he compartido generosamente tantas formas diferentes en las que puedes crearlos. En esta lección, te dije que te volará la mente. Entonces líneas y puntos, las únicas dos marcas que puedes hacer. Y esta lección que he compartido, sólo he pintado líneas. Cubro lo que es un punto. Comparto los puntos pueden agregar textura. Te he dado diferentes formas de crear puntos y tuviste un ejercicio para ponerte en marcha. Ahora ve a pintar puntos gente. 18. Gradación de tono con puntos mixtos: Y ahora que ya sabes lo que es un punto, vamos a explorar puntos mezclados, explorando técnicas de creación de puntos. Por lo que cubriré puntos mezclados. Haré eso usando Hughes premezclados. Y te mostraré puntos no mezclados y los mezclaré en el papel solo para que tengamos algunas opciones. De nuevo, vamos a mantenerlo chunky y tendrás un ejercicio cuando termines para explorar estas técnicas de gradación de puntos. Un pequeño viaje por el carril de la memoria te muestra que la primera creación que creamos fue una gradación mezclada. Vamos a utilizar una técnica similar. Entonces discutamos qué son los puntos mezclados. Por lo que los puntos mezclados son donde pondremos una serie de puntos hacia abajo. Y sólo seguiremos salpicando hasta que comiencen a lucir mezclados. Y en esta versión, voy a usar Hughes premezclado. Ya que estoy trabajando de azul a verde, seguiré adelante y usaré puro, Sir William azul y bajaré eso hacia la parte superior de mi muestra. Entonces premezclaré mi próximo abrazo agregando un poco de amarillo justo debajo de esa pila azul principal. Y entonces aplicaré eso a mis spots. Y note cómo lo estoy trabajando de ida y vuelta usando una serie de puntos que finalmente lo mezclarán. Esto es muy divertido de explorar porque realmente agrega esa textura al acabado. Para terminar esta muestra, sólo voy a repetir el proceso. Por lo que pre remezcla un Verde para ir justo debajo del otro. Y luego una vez que ponga eso abajo, trabajaré eso en la gradación, nuevamente usando una serie de puntos tratando de evitar usar cualquier tipo de línea. Utilizaremos esta técnica más adelante en este curso para uno de nuestros proyectos. Ahora nota aquí en el medio, hay un área que se desplaza un poco sosa, así que creo que necesitamos mezclar un poco de extremo verde de eso. Puedo arreglarlo fácilmente con solo conseguir un verde premezcla y está funcionando eso de ida y vuelta, o debería decir, arriba y abajo en esos puntos. Y luego están los puntos no mezclados. Podrás recordar que teníamos esa gradación no mezclada. Hicimos varias lecciones hace. Este empezaremos de la misma manera. Usaré sólo surly y blue y crearé una serie de puntos a lo largo de la parte superior. Ahora en esta versión, vamos a mezclar en el papel y no en la paleta. Eso significa que solo agarraré este amarillo y lo aplicaré al fondo del área de muestras. Y continuaré con este proceso de trabajo. El sopló hacia abajo hacia el amarillo y el amarillo hacia arriba hacia el verde hasta que finalmente se funden. Ahora, para esta versión, no queremos sobremezclarla. La idea es que queremos mantenerlo gruñido. Entonces cuando miramos aquí los puntos mezclados y lo comparamos con los no mezclados. Deberíamos ver un poco más de textura con la versión no mezclada. Y eso nos lleva al ejercicio recomendado. Dibuja algunos cuadrados y explora los puntos mezclados. Asegúrate de experimentar con ambas versiones y no lo descuides porque los verás más adelante, como mencioné antes, como mencioné antes, puntos mezclados exploran las técnicas de creación de puntos. Entonces entiendes un poco más sobre los puntos mezclados usando cuz premezclado te mostré una versión de puntos no mezclados donde mezcle sobre el papel. Acuérdate de mantener eso un poco manso. Y tienes un ejercicio recomendado. Eso es todo por ahora, pero te veré en el próximo. 19. Tonos y gestión de paletas: Bienvenido al manejo de pellets. Lo que necesitas saber sobre el área de mezcla, colocación de Hugh, opciones de área de mezcla, y luego mi método preferido para administrar el color toda mi paleta. Empezaré mostrándote mi paleta de papel. Te lo comparto en la guía de materiales Quickstart. Ahora era el momento de definir el área de mezcla. El medio del paladar es típicamente reservado para mezclar Hughes. Y como va a haber mucha mezcla pasando, Hace que esta valiosa inmobiliaria, lo que significa que tenemos que ser sabios sobre Hugh, la colocación alrededor de los bordes es donde quieres colocar tu pintura. Entonces mientras pongo mi pintura abajo en la paleta aquí, nota cómo me acercaré a los bordes, protegiendo esa zona de mezcla media. También pueden notar que estoy manteniendo unidos a los Hughes. Por lo que tengo a mi grupo de dos blues uno al lado del otro. Ditto eso para los amarillos y por supuesto, los rojos. Y tiendo a alejar lo blanco de esos tonalidades. De esa manera no se mezcla con los Hughes reales de la paleta, que hablaré un poco más en detalle a medida que este curso avanza. Ahora veamos las opciones de área de mezcla. Entonces recuerda, tenemos el área de mezcla, que básicamente es la mayor parte del paladar, siempre y cuando los tonos se coloquen cerca de los bordes, la clave es subdividir esa área en espacios. Por ejemplo, puedes tener un área dedicada al blues, no lo hará para amarillos, rojos, y luego los neutrales son blancos. Quizás otra opción sea pensar más verticalmente descendiendo por el palé, que funciona bien. Y entonces por supuesto podemos pensar horizontalmente. Ahora mi método para pensar más verticalmente. Entonces, uh, teniendo mis pinturas arriba en la parte superior del paladar, entonces puedo dedicar esta zona para blues. Y entonces aquí, claro, dedicaré esa zona para amarillos y ditto que para los rojos y el lado derecho para blancos y neutrales, dedicando zonas de mezcla para ciertos Hughes te ayudará a trabajar más eficientemente y ayuda a mantener tus colores organizados. Si estoy mezclando tonos de azul, entonces obviamente me quedaré eso en la zona azul. Ditto eso para amarillo y rojo. Pero de vez en cuando tienes segundas. Entonces si estoy mezclando verde, a Fuimos a entrar entre azul y amarillo, puede haber un mixto como violeta donde necesito azul y rojo que no están uno al lado del otro. En ese caso, escojo un área, ya sea azul o rojo para mezclar ese whew secundario, resulta que uso muchos grises y neutros, por lo que el área de la derecha está dedicada a eso. Entonces esa es una mirada a la gestión de palés. Lo que debes saber sobre el área de mezcla. Aquí, colocaciones, que recomiendo está cerca de los bordes de la paleta. Te he dado algunas opciones de área de mezcla para pensar en dedicar zonas para tus Hughes. Y entonces también te mostré mi método de mezcla preferido. 20. Conceptos básicos de mezcla de colores: Fundamentos de mezcla de colores, el sistema siete Hugh. Cubriré Hughes cálido y fresco. Voy a crear una tabla de colores primaria dividida. Pasaremos por encima de los seis Hughes primarios. Cubriré secundaria Hughes y luego finalmente terciaria Hughes. Y luego un ejercicio recomendado. Vamos a repasar unos tonos cálidos y fríos y por qué importan. Aquí verás un gráfico que voy a poner arriba, tengo el amarillo en el lado izquierdo de ese círculo. Será un amarillo frío, dejando el derecho para mi amarillo cálido. Voy a ir por ahí al rojo y hacer lo mismo. El fresco estará hacia abajo y el cálido estará arriba. No voy a repasar esto a detalle en un momento, pero solo aguanta conmigo. Eso deja el fresco soplado arriba y finalmente el azul cálido hacia abajo. Y ahora es el momento de introducir la tabla de colores primaria dividida. Empezaremos con los amarillos y trabajaremos en el sentido de las agujas del reloj. Primero aplicaré la luz amarilla cad al lado izquierdo de ese círculo. Eso pasa a ser mi tono amarillo fresco. Y eso se debe a que el ocre amarillo es mi amarillo cálido y nace porque tiene más rojo en él que la luz amarilla cad. Y esos son mis dos amarillos. Por lo que de nuevo, un amarillo cálido y un amarillo fresco fuera del tubo. El ocre amarillo no se toca oscuro. Para teñir ese Hugh, voy a añadir un poco de blanco y luego volver a pintar mis manchas. Se hacen los amarillos. Ahora vamos a los rojos. Porque el rojo cálido estará mirando hacia el amarillo cálido. Empezaré con mi cad Red Light, que pasa a ser el rojo cálido en mi paladar. Entonces otra vez, solo pintaré la mitad de ese círculo con mi rojo cálido. Una vez hecho eso, puedo dirigir mi atención a mi rojo fresco, que es Alizarin carmesí. carmesí de Alizarin tiene un poco de azul en ella, lo que también hará un precioso violeta. Posteriormente, agregué un toque de taco blanco que como hice el ocre amarillo, solo para conseguir ese Hugh, y eso nos trae al blues. El azul cálido estará hacia abajo. Y toda mi paleta. Tengo ultra Marine, que resulta ser un azul con un poco de rojo en él. Entonces pintaré esa mitad del círculo con mi azul ultramarino, que eventualmente se mezclará con el carmesí Alizarin para hacer una increíble violeta. Perdóname por pintar tan lento y meticulosamente aquí, pero quiero asegurarme de poner un buen ejemplo sobre lo importante que se termina la mezcla de color como el azul cálido. Ahora puedo aplicar un azul fresco. Sucede que es espirulina y eso también está un poco oscuro para mi gusto. Haré lo mismo a diez lo agregando un poco del blanco titanio. Esto completará el primer paso para hacer el gráfico. Y estos son también tus seis Hughes primarios. Cada u se coloca estratégicamente con el fin de hacer la siguiente ronda de colores que nos lleva a los Hughes secundarios. Y habrá tres de ellos. Entonces tendremos una naranja y entre el amarillo y el rojo, una violeta, y luego por último un verde. Empezaré con la naranja. Y debido a que tenemos un rojo cálido y un amarillo cálido, nos va a dar la mejor naranja posible. Veamos cómo funciona eso. Por lo que usando un poco de la luz roja CAD, limpiaré mi pincel y agarraré un poco del ocre amarillo. Entonces mezclando eso junto con mi pincel, que es mi método preferido, como saben, eso nos da un tono bastante bonito para empezar. Si parece un poco leer lo que hizo, simplemente puedo añadir un poco de ocre amarillo a eso. Y para probar ese color, le voy a añadir un poco de blanco, lo que me dice es un poco del lado rosa. Para empujar eso a una naranja, todavía necesito un poco de ese amarillo cálido, así que lo mezclaré y eso nos debería dar una naranja bastante buena para trabajar. Entonces lo haré, aplicaremos eso a mi círculo naranja. Todavía se ve un poco rojo. Entonces otra vez, ya sabes, ahora puedes alejar eso del rojo agregando el amarillo. Voy a estar un poco quisquilloso aquí y añadirle un poco de blanco a esa naranja, porque sigo pensando que necesita ser un poco más ligero. Por fin hecho. Ahora vamos a nuestra violeta. Como saben, teníamos el azul ultramarino hacia abajo. Eso lo mezclaremos con nuestro carmesí Alizarin, que es nuestro rojo fresco. El dilema es ¿dónde lo mezclo? Podría ir aquí a la columna roja, o podría decidir usar la columna azul. Realmente no importa, solo escoge uno. Entonces para este caso, voy a agarrar el ultra marino y llevarlo hacia la columna azul para luego engancharme un poco de Alizarin carmesí ahí y mezclarlo. En este punto, puede ser difícil decirle que el violeta es demasiado azul o demasiado rojo. Le añadiré un poco de blanco, lo que ayudará a revelar su sesgo de color. Básicamente, ¿se inclina más rojo o se inclina más azul? Añadiré más pecado crimp porque resulta que pienso que es un toque a azul. Y el tema en este momento es seguir encabezando un toque un blanco. Entonces aparentemente mi mentalidad es que pintas aquí una obra maestra terminada. Entonces ten cuidado conmigo mientras repinto esta muestra. Y entonces creo que podemos pasar al verde, que es nuestra última secundaria. Iré y entre el azul y el amarillo usando el azul frío y luego el amarillo frío. Porque el verde se considera un whew fresco como mejor para mezclarlo con enfriador. Colores como mi cad luz amarilla, y mi servidor Liam azul. Esto me dará el verde óptimo con el que trabajar. Y desde ahí siempre puedes empujarlo a un verde más cálido o más fresco dependiendo de lo que necesites para tu pintura. Y eso completa nuestra secundaria Hughes. Pongamos nuestra atención a los tonos terciarios. Entonces mientras miramos la rueda de color, vamos a crear un matiz entre el tono primario y el secundario. Aquí tengo una naranja amarilla, que hice agregando un poco de ocre amarillo a esa base, naranja. Ocasionalmente necesitarás una naranja roja. Y para eso, simplemente añadiré un poco de la luz roja del gato a mi base, Naranja, un toque de blanco solo para aligerarlo. Y eso debería completar todos mis tonalidades anaranjadas terciarias. Ahora eso nos lleva a nuestras violetas. Por lo que tenemos una base violeta ya en el paladar. Para conseguir un violeta rojo o un magenta, mezclaré un poco del carmesí Alizarin, que es mi rojo frío, terminó ese violeta. Y eso debería funcionar perfectamente para crear un tono violeta rojo. Para hacer un violeta azul, usaré ultra Marine, que pasa a ser nuestro azul cálido. Mezclar un poco de eso en el violeta sin duda debería hacer el trabajo. Puede que salga un poco oscuro ya que estamos agregando ese azul oscuro. En este caso lo hizo. Añadí un poco de blanco para completar mi violencia terciaria. Confío en que ya sabes cómo funciona esto. Pero solo para pasarte por ella, usaré mi Sir William azul con un poco de blanco, que era mi base, azul frío. Y luego trabaje eso en mi mezcla verde. El resultado final será un verde que le tenga un sesgo azul. Se puede pensar en ello como un verde fresco. Y ahí está. Boop. Último arriba es nuestra línea, verde o amarillo verde, que puedo mezclar usando la luz amarilla cad en esa mezcla verde secundaria. Y una vez que consiga algo que creo que se ve absolutamente impresionante, finalmente puedo pintar nuestra última muestra. Entonces ahí está, señoras y señores, la carta de colores primaria dividida Perfecta. Usando los seis Hughes primarios y colocándolos correctamente el uno hacia el otro. Pudimos mezclar los tonos secundarios adecuados. Entonces no todo rojo y azul hará un buen violeta. Al igual que no todos los azules y amarillos harán un Verde perfecto. Y ditto eso para naranja. Ahora bien, te recomiendo encarecidamente que hagas este ejercicio. Entonces sigue las ideas que compartí contigo en este video y crea tu tabla primaria dividida. Si puedes dominar la mezcla de colores, tus pinturas te lo agradecerán. Más tarde. Fundamentos de mezcla de colores, el sistema siete Hugh, pasamos por los tonos cálidos y fríos, la tabla de colores primaria dividida, cómo colocar los seis tonos primarios en el lugar correcto para que podamos mezclar los mejores Hughes secundarios. Y por supuesto, el terciario Hughes casi se pintará si consigues los primeros pasos bien, y eso es una envoltura. Entonces te veré en el próximo. 21. Cómo teñir los tonos con los blancos: Tensing Hughes, introducción dos tonos. Voy a repasar cómo el valor y el tono son similares. Cómo usar el blanco para teñir un matiz que por supuesto, aligeró el color. Pero también reduce e intensidad. Y luego hay un ejercicio recomendado. Valor y tono son similares. valor es básicamente la ligereza relativa y la oscuridad de un matiz y tono es básicamente lo mismo. No obstante, puede usar el tono para referirse a qué tan cálido o frío es un color. Entonces tal vez estás mirando un color. Puede decir, hm, ese color es un poco demasiado oscuro, lo que podría traducirse como El valor es demasiado oscuro. Y también se puede decir que el tono es demasiado oscuro, pero el tono sí tiene esa dimensión añadida donde se puede utilizar para referirse a la temperatura general de un color, haciendo que el valor y el tono sean similares porque ambos pueden referirse a la ligereza y la oscuridad de un matiz. Pero realmente no querrías usar valor si estás hablando de la temperatura del color. Y esa es la diferencia entre los dos términos. Ese es mi colapso. Ahora vamos a usar el blanco en este primer ejemplo, y exploraremos tres tonos, empezando por el azul. Por lo que tomando un poco de la ultra marina, pintaremos la muestra perfecta para empezar. Q aclarar o tienda de campaña ese color. Voy a añadir un poco del blanco titanio. Y un poco de blanco irá un largo camino, así que no exageres. Sólo necesitamos un cambio sutil en el matiz. Y ese es un método fácil para aclarar o carpa un color. Voy a añadir un poco más de blanco a eso y repetir nuevamente el proceso, solo un poco de blanco para que puedas empezar a practicar consiguiendo estos sutiles turnos entre Hughes, enjuagar y repetir eso. El amarillo, empezando por una muestra pura de ocre amarillo, le añadiré un pequeño incremento de blanco a eso. Y por supuesto hacer lo mismo para la tercera muestra, terminando con un HW bronceado muy ligero. Ahora he leído, pero hagamos una pausa aquí mismo porque quiero que sepas algo. Esto no sólo va a Ted el color, sino que reduce la intensidad. Entonces los Hughes con los que empecé, que eran los ultra marinos y los ocres amarillos empiezan a lucir lavados. Y si completas toda una pintura así, entonces la pintura se vería un poco aburtida. Entonces tenemos que pensar las cosas con moderación. No te das cuenta de cómo ese carmesí Alizarin hace un precioso rosa con solo añadirle un poco de blanco. Estos son ejercicios fabulosos para entender realmente y aprender la personalidad de tus colores. Tu ejercicio recomendado es agarrar a tus Hughes y empezar a teñir con blanco. Recuerda solo un poquito a la vez, conoce mejor tus colores. Tienda cuz esta es tu introducción a los tonos. Pasé por encima de cómo el valor y el tono son similares. Cómo usar el blanco para aclarar el color, pero luego también saber que reduce la intensidad. Y ahora tienes un ejercicio recomendado. Entonces ve a la tienda unos Hughes. 22. Cómo teñir los tonos en la familia de los colores: Después usa un método alternativo. Esta vez, usaremos una familia Hugh funciona mejor con tonos oscuros, por qué es más vibrante. Y luego el ejercicio recomendado, comenzaré agregando una muestra azul oscuro como lo hacía antes. Entonces el mismo color exacto. Ahora recuerda, vamos a usar un tono familiar. Por lo que me llevaré algún Cerulean, que resulta ser un poco más ligero de valor. Estamos tonificando luego el ultra marino, y mezclamos un toque de blanco en él. Entonces el objetivo es conseguir un azul claro pero algo oscuro, y luego mezclar eso con el ultra marino. Entonces al no mezclar un blanco puro y simplemente mezclar un azul más claro en él, terminamos con un color que le tiene un poco más de intensidad. No aparece tan lavada como el primer método. Y esta es una gran manera de aclarar tonos más oscuros. Y de nuevo, esto funciona mejor con tonos oscuros. En lugar de usar un ocre amarillo aquí, premezclaré una naranja roja Eso es más oscuro y de valor. Entonces el primer amarillo que usé. Y digamos que quería teñir a ese Hugh, en lugar de agregar blanco, podía ir y agarrar un poco de mi cad luz amarilla. Sí, eso lo va a empujar a una naranja, pero también va a aligerar ese valor porque la luz amarilla cad es un valor más ligero que el color original con el que empecé. Estoy usando un tono familiar más claro en contraposición al blanco para aclarar el color. Yo puedo hacer lo mismo aquí consiguiendo otra mezcla de ocre amarillo y luz amarilla cad, mezclarla a un valor más ligero y luego poner mi muestra en. Entonces como puedes ver, me estoy poniendo un tono más claro cada vez que hago eso. Intentaré una vez más con mi carmesí Alizarin. Recuerda que esto funciona mejor con valores más oscuros, haciendo que el carmesí de Alizarin sea un candidato perfecto. Por lo que ahora puedo tomar la luz roja CAD, que es un valor más ligero. Entonces el carmesí Alizarin mezcla los dos juntos. Y debería tener una lectura de valor más ligera que tenga un toque de ese carmesí Alizarin en ella, por lo es una buena opción para aligerar ese valor en lugar de usar solo blanco. Ahí vas. Cosas fáciles. Haré una muestra más, pero esta vez tengo un poco de naranja ahí en la paleta. Y sólo puedo añadir algo de eso porque esa naranja es más ligera que la luz roja CAD. Entonces cada vez que hago esto, estoy escogiendo algo dentro de la familia hue para hacer el cambio. Por lo que terminamos con Hughes más vibrantes. No estoy diciendo que esta es la forma en que debes hacerlo, pero hay veces que funciona simplemente bien y quizás incluso mejor que agregar blanco. Se te recomienda hacer ejercicio. Probablemente ya sabes que son dos décimas algunos Hughes, pero quédate dentro de la familia. Y recuerda ese azul que yo caracé, usé un azul claro. Entonces está bien usar un tono que sea premezcla como un azul claro para oscurecerlo. Pero simplemente evitar irse blanco puro para nuestro recapitulación, plomo tented tonalidades con el método alternativo que estaba usando un Hugh familiar. Recuerda que esto funciona mejor con tonos oscuros. El resultado final es una mezcla más vibrante, y luego te di un ejercicio recomendado. Entonces espero que lo hayas disfrutado y te veré en el siguiente. 23. Cómo sombrear los tonos de sombreado: Tenemos carpas Hughes y ahora es el momento de sombrear a Hughes. Entonces, ¿cómo oscurecer y colores? Revisitaremos la carta de colores. Usaré un Hugh de cortesía. Discutiremos la neutralización de Hughes y luego el ejercicio recomendado. Repasemos la carta de colores. Entonces para un color de cortesía que diga amarillo, claro que sería violeta. que podamos usar un violeta para oscurecer un amarillo, podemos usar un Verde para oscurecer una naranja roja. También podemos oscurecer y verde lima mediante el uso de un violeta rojo. Usar Hughes de cortesía es una excelente manera de sombrear los colores. Empezaré con mi azul. Y por supuesto vamos a seguir el mismo sistema. Entonces vamos a trabajar azul, amarillo que rojo, porque estamos mezclando colores más oscuros. Voy a empezar con un azul más claro. Si cruzamos la rueda, verás naranja. Es de cortesía, Hugh, solo necesitarás una cantidad muy pequeña de este color de cortesía. Incluso le agregué un toque, un blanco a eso. Y si comparamos el azul claro con el azul, me acabo de mezclar con el naranja, verás que el valor se está oscureciendo. Tomaremos ese tono más oscuro agregando un poco más de naranja a esa mezcla azul. Y como ves, sin duda se está poniendo más oscuro en valor. Eso fue tan impresionante. Lo vamos a volver a hacer, pero esta vez con un amarillo y ahora le pondré una pequeña cantidad de esa naranja. Y antes de ir más lejos, hablemos de neutralizar hughes. Cuando le agregues un complemento de colores, se va a empezar a gris hacia fuera. Y eso no siempre es malo ya que aquí mezcle esta violeta. Basta con echar un vistazo rápido a ese tono azul que hice. La primera muestra no tenía ningún color de cortesía dentro. Pero el segundo, tercero lo hizo. Y se puede ver cómo ya están empezando a lucir grises. Y también tenga en cuenta que el naranja tiene amarillo. Por lo que ese azul y ese toque de amarillo está empezando a empujarlo a un gris verde. Cosas interesantes, y podemos ver que pasa aquí con el violeta. Por lo que el violeta tiene un poco de azul en ella. Y cuando mezcles amarillo y azul, vas a conseguir un ish verde, whew. Por lo que ese gris en ese amarillo es más de un gris verde. Por lo que estás obteniendo una buena educación aquí sobre mezclar color. Ese último reloj fue un poco ligero, así que pondré un poco más violento en él para rematar nuestro amarillo. Tenemos una más para ir. Empezaré con mi gato luz roja y un poco de blanco titanio. Y una vez que tengamos nuestra base aplastada, echemos un vistazo a la rueda de color una vez más. Si nos cruzamos con eso, podemos ver que el verde es la opción óptima para oscurecerlo, Hugh, me pasa que tengo un poco de verde en mi paleta desde cuando hice la rueda de color. Entonces eso debería ir bien. Pero mira lo que hice. Añadí demasiado verde. Por lo que el cambio de un valor al siguiente estaba un poco apagado. Esto es mucho mejor porque aún podemos ver algo de ese rojo en esa segunda muestra. Yo uso todo mi rojo, así que voy a premezcla un poco más y luego volver a nuestro verde. Obviamente, quiero que esta muestra sea un poco más oscura. Y por supuesto se va a ir cada vez más lejos del rojo. Y así es como sombreas a Hughes usando este color de cortesía. Tu ejercicio recomendado es hacer un gráfico similar a lo que hice aquí. Entonces empieza con una base, Hugh. Recuerda que necesita ser un poco más ligero y de valor que tengas la oportunidad de hacerlo un poco más oscuro. Cualquier color servirá. Te recomiendo usar los mismos tonos que probaste en la versión carpa. Y de esa manera puedes empezar a construir una relación con algunos de estos colores. Shade Hughes, ¿cómo oscurecer los colores? Revisitamos la carta de colores. Hablé de cómo usar tonalidades complementarias, demasiado oscuras en un color. También sabes que usar un tono complementario empezará a neutralizar el color y luego el ejercicio recomendado para que puedas empezar a dominar cómo sombrear Hughes. 24. Cómo sombrear los tonos con la familia de los hue: Shade Hughes método alternativo. Ahora vamos a usar un tono familiar para oscurecer un color. Esto funcionará mejor con tonos más claros y además mantiene más de su verdadero color. Y luego por supuesto, lo único que amas, un ejercicio recomendado. Empezaré por PR remezclando un azul claro. Por lo que un toque de mi blanco titanio y a la mezcla que ya tengo le va a hacer absolutamente bien. En lugar de un color de cortesía, vamos a usar familias de Hue. En este caso, violeta, verde. Cualquiera de estos colores debería ir bien, siempre y cuando sea más oscuro en valor, entonces el azul claro con el que empecé. Entonces solo usaré un poco de espirulina y azul terminó esa mezcla. Y se puede ver Lala, tengo un matiz más oscuro de lo que empecé. Y además nota no es tan verde. Entonces si estás tratando de mezclar un tono más oscuro y no quieres empujarlo a un verde o neutralizarlo, esta es una gran opción. Y para esa tercera muestra aquí, acabo de poner un poco de azul ultramarino en eso. Y por supuesto obtenemos un azul más oscuro porque ese ultramarino es oscuro y valora de todos modos, solo puedes mirarlo en el paladar y ver que va a hacer el trabajo. Esto funciona mejor con tonos más claros. Entonces obviamente no intentaría hacer esto con azul ultramarino. Empezaré con mi amarillo ya que eso es lo siguiente. Y mete un poco de ocre amarillo en eso. Eso me dará un bonito amarillo cálido, que es un punto de partida perfecto. Por esta técnica. Para hacer esto un poco más oscuro, puedo usar ocre amarillo. Podemos mirar esa rueda de color y ver que el ocre amarillo o cualquiera de esos amarillos, naranjas, naranjas o rojos estaría bien. Nuevamente, sólo un poquito, debería hacer el trabajo. Creo que esta vez lo hice bien. Probablemente puedas ver una familia de tonalidades mantiene más de su verdadero color. Entonces no fui todo el camino hasta un rojo y debería hacerlo bien. Ahora eso lo va a empujar hacia una naranja. Porque obviamente, si mezclas rojo y amarillo, te vas a conseguir una naranja. Pero también vas a conseguir un valor un poco más oscuro, lo que puede resultar bien para su proyecto o pintura que estás creando, a diferencia de usar un color de cortesía que va a empezar a neutralizarlo, empujándolo a ese gris. Para este último reloj, voy a utilizar la luz roja CAD con un poco de blanco titanio. Y para que eso sea un poco más oscuro, simplemente puedo añadir más cad Red a eso. Eso lo va a saturar. Pero también lo va a hacer más oscuro que el Hue con el que empecé. Para que eso sea aún más oscuro. Probablemente ya lo adivinaste. Alizarin carmesí. Se puede ver lo oscuro que es Hugh. Toda mi paleta. Y acabas de mejorar tus conocimientos de mezcla de colores. Estupendas cosas en. No, estás impresionado. Un poco de recapitulación. Podemos Ted Hughes usando solo blanco, solo sé como va a lavar ese color un poco para mantener más de su color original. Podemos mezclarnos dentro de la familia de tonalidades siempre y cuando estemos empezando con un tono más oscuro, podemos sombrear Hughes usando su color complementario, que nuevamente lo neutralizará, girándolo más hacia un gris. Y yo sólo demostré cómo decir dentro de esa familia Hugh volver a sombrear los colores, empezando por un valor más ligero, ahí es cuando funciona mejor. Tu ejercicio recomendado es aprender a sombrear Hughes, quedándote dentro de la familia de colores. Recapitular tiempo, sombrear Hughes el método alternativo. Entonces usamos la familia hue. Nuevamente, funciona mejor con tonos claros, pero sepan que va a mantener parte de su color original, familia e intensidad. Y recomendaron ejercicio. Ahora la gente va micros, ve a pintar. Estos son bloques importantes en tu fundación. Entonces no dejes pasar esta oportunidad. Estás en ella para ganarla. Ahora, ve a hacerlo. 25. Croma, saturación e intensidad: Bienvenido a todo es lo mismo. Por supuesto, me refiero al croma, la saturación y la intensidad. Entonces, ¿qué es el chroma? ¿ Por qué es todo lo mismo? Te mostraré cómo reducir el croma pero conservé el tono. Pondré a prueba mis habilidades al igualar tono y valor y luego te mostraré cómo lo hice y luego me recomendó hacer ejercicio. Entonces, ¿qué es el chroma? croma es la pureza o intensidad de un color, básicamente qué tan libre es de blanco o gris. Y para ilustrar cómo funciona esto, puse una muestra de luz roja CAD, y no mezclé ese color con nada más. Es todo lo mismo. Entonces cuando hablamos de croma, saturación e intensidad, básicamente todos se referían a lo puro que es ese color. Y porque no mezclé este cad Luz roja con ningún otro Whew. Es alto croma. También está altamente saturado. Y eso significa que también es tan intenso como siempre lo será. Entonces que en pocas palabras es chroma. Entonces, ¿cómo se reduce el croma pero conservando el tono y o el valor? Esa es la pregunta que tenemos que responder. Voy a querer reducir el croma en esta luz roja CAD, pero mantener su valor. Entonces, cualquiera que sea el whew que me mezcle, tiene que ser de igual valor a ese rojo. Sé que suena un poco confuso, pero te prometo, medida que avanzamos, va a tener sentido. Sólo para que quede claro, tengo dos goles. No sólo quiero reducir la intensidad de este rojo, sino que quiero terminar con un rojo u otro color que sea de igual valor. Entonces hablemos de cómo igualar el tono y el valor. Esto es un poco de reto. Seguro que recuerdan la escala de cinco valores. Entonces para este ejemplo, voy a usar el gris para reducir el croma de ese rojo. Y lo que intento hacer es mezclar un gris que sea de igual valor a la muestra roja que ya he puesto. Y no quiero que el gris tenga un sesgo cálido o fresco a ella. Entonces básicamente estoy mezclando un gris neutro que está justo en el medio. Bajaré mi primera muestra y ahora puedo juzgar cómo lo hice. Entonces cuando miro ese gris, creo que está un poco demasiado oscuro. Entonces voy a probar eso con un toque de blanco para luego volver a evaluar. Y estoy pensando que todavía está un poco demasiado oscuro. Por lo que un poco más de blanco terminó esa mezcla. Voy a bajar mi manchada. Y luego de nuevo, tómese un momento para ver cómo lo hice. Eso está bastante cerca. Creo que estoy empezando a conseguir un valor igual de ese rojo. Y les diré que calibrar el valor de los colores puede ser muy difícil. Algunos colores son obviamente luz de verano oscura, pero los que están en el medio son un poco desafiantes. Entonces veamos cómo lo hice mientras escala de grises esa imagen. Ya verás que estoy bastante cerca. A lo mejor ese gris es un poco demasiado ligero a la derecha, pero sin duda estoy en el estadio ese gris representará la desaturación completa de ese cad Red Light. Y todo lo que tengo que hacer ahora para completar esta escala es mezclar algo de ese rojo puro de alto croma con ese gris. Yo quería tomarme un poco a la vez y conseguir que la muestra en el medio. Entonces a medida que giramos nuestra atención hacia la luz roja original CAD y comparamos eso con la muestra y el medio, verás que ese color ya no es un alto croma ya no es intenso. Y desde que empecé con un gris que era de igual valor, esa muestra y el medio también debería ser un valor similar al que empecé. Un poco cool, pero también un poco complicado. Ahora estoy agregando más gris a ese rojo y trabajando mi camino en un tono que está completamente desaturado y ha perdido su croma. Ahora estoy poniendo más rojo, esa base gris. Por lo que quiero crear una muestra que tenga más rojo en ella y menos gris. Por lo que se puede ver que la escala está empezando a tener sentido. Una de las cosas más desafiantes para que un artista aprenda es mezclar color, pero también entender el croma y la intensidad. Y luego cómo manipular los colores. Habrá momentos en que estés pintando donde te guste el color, pero simplemente es demasiado intenso. El valor se ve perfecto, por lo que no quieres perder su valor. Solo se quiere reducir la intensidad del color. Y el método que acabo de mostrarles aquí hará exactamente eso. Y espero que estén comprendiendo lo importante que es Grande para su pintura. Tu ejercicio recomendado es comenzar con una muestra. Recuerda, quieres que ese color sea alto, croma directamente fuera del tubo, luego premezcla un gris que es de igual valor en ese punto. Saca tus dos muestras y buena luz del día y saca una foto de ella, entonces puedes desaturar o quitar todo el color como lo hice en esta lección y ver qué bien lo hiciste. Por lo tanto, prueba tus habilidades. Y ahora sabes que el croma, saturación y la intensidad significan lo mismo que te enseñé qué es el croma, que significa que también entiendes la saturación y la intensidad. Te mostré por qué son todos iguales y te caí algún conocimiento mayor, mostrándote cómo puedes reducir el croma pero mantener un valor original de los colores. Te mostré lo bien que hice Watchmen, no tan mal. Y ahora tienes un ejercicio recomendado. Tómate tu tiempo aquí. No se apresure a través de esta lección. Abraza el reto porque estos son los fundamentos que harán un enorme impacto en tu arte. Espero que hayas disfrutado de esta lección y te veré en la siguiente. 26. Usar el fonos de tu fonética para desaturar: Hay otra manera. Eliminar alternativa croma. Un pequeño viaje por el carril de la memoria. Mezclaremos un tono de cortesía con el que ya estás familiarizado. Vamos a igualar el tono. Te mostraré cómo lo hice y odio. Cuida tu tono. Y luego el ejercicio recomendado, retrocederemos en el tiempo un poco aquí y revisitaremos nuestra rueda de color y el color de cortesía al rojo, que tal vez ya conozcas, pero algunos de ustedes aún pueden estar poniendo las piezas juntos. Pero ese Hugh es verde. Pero antes de empezar a mezclar, voy a poner la mesa aquí poniendo la misma muestra cad Red Light. Y he dibujado la muestra en blanco de la derecha, que necesita ser de igual valor. Empezaré a mezclar mi verde usando la luz tonta y azul y la luz amarilla cadmio. Por lo que trabajaré esa mezcla de ida y vuelta con mi pincel hasta que sienta que tengo una base verde realmente buena. Pondré ese Swatch abajo y ahora mismo está demasiado oscuro. Por lo que como saben, podemos usar el blanco para tienda de campaña. Entonces mezclaré un poco del blanco titanio en ese verde base hasta que sienta que tengo algo de igual valor a esa lectura, el objetivo es igualar un valor o tono como quieras verlo. Entonces ahí está mi lectura base. He mezclado esa base verde y ahora veremos cómo lo hice. Para averiguarlo, desaturaré la imagen, revelando el verdadero valor de ambos colores. ¿ Qué crees que hago? De acuerdo, creo que lo hice bastante bien. Pasemos a mezclar algo de ese verde en el rojo. Y debido a que son colores complementarios, va a empezar a apagarlo o neutralizarlo. Aquí voy a mezclar todo bonito y suave. Por lo que podemos ver esa transición de un rojo alto croma de la izquierda al verde gris de la derecha. Por lo que he quitado por completo el croma de esa cad luz roja. Otro piñón en la rueda de color. Tu ejercicio recomendado es hacer exactamente lo que presencias en este video. Pon un alto chroma hew hacia abajo, usa tu carta de colores y elige ese color de cortesía. Recuerda inquilino si es necesario, para que no pierdas su valor original. Si se desplaza un poco, entonces eso está bien, podemos dejarlo ir. Hay otra forma de eliminar el croma usando un matiz complementario. Un pequeño viaje por el carril de la memoria te recordó a la rueda de color, que es tan importante. Usamos el tono de cortesía y luego el blanco a inquilino, y su objetivo era igualar el valor del rojo con ese verde. Te mostré cómo lo hice y oye, tienes que ver esos tonos. Si no quieres alterar el valor del color que estás desaturando. Si completas el ejercicio recomendado, no debes tener problemas para dominar esta habilidad básica de mezcla de colores. Ya que sé que la mayoría de ustedes tienen smartphones, recuerda poner tu muestra de alto croma hacia abajo y luego mezclar un tono de cortesía que crees que es igual valor y parar. Toma una fotografía de ella y buena luz y luego desaturado para ver cómo lo hiciste. Eso te dirá lo bien que ves el verdadero valor y un color. Esto no es algo fácil de hacer. Hace falta un poco de práctica, pero sé que puedes hacerlo. 27. Conceptos básicos de armonía del color: Bienvenido a combinaciones de colores. Explora las opciones de paleta y color. Cubriremos lo que ya sabes. Colores análogos, dividir colores complementarios, y adivinar sangre. Mucho más. Empecemos con lo que ya sabes. Y lo arrancaremos con las primarias. Tenemos seis de ellos, pero sólo consolidémonos a tres. Por lo que eres colores primarios serían amarillo, azul y rojo. Y esta es una combinación maravillosa para trabajar. Siguiente arriba son las segundas. A las segundas son fácilmente m6 usando las primarias y de nuevo, utilizando las segundas como opción paladar. Una gran opción que nos trae a los colores terciarios, y esta combinación sin duda haría una paleta maravillosa. Podrás explorar usando todos ellos o curso puedes escoger tres o cuatro. Y luego hay colores de cortesía. Como saben, estos son enormes ubicados uno frente al otro en la rueda de color. Entonces el azul y el naranja serían maravillosos. Rojo y verde como se puede ver aquí. Para que puedas escoger dos y divertirte pintando con colores de cortesía. ¿ Qué tal algunos colores análogos? Estos son colores ubicados uno al lado del otro en la rueda de color. Como puedes ver, estos azules y verdes funcionarán bien. Curso puedes mezclar en un poco amarillo también. Y luego tenemos el blues con la violencia. Nuevamente, podemos incluso tirar un poco de rojo, rojo frío, rojo cálido. Esos serían perfectos para combinaciones de colores análogas. Entonces tenemos a los Hughes más cálidos aquí arriba otra vez, siéntete libre de mezclar y mezclar combinaciones de colores análogas. Hughes uno al lado del otro en la rueda de color, dividen colores de cortesía. Ya sabes cuáles son los colores de cortesía. Por lo que tomarías naranja, que es el complemento del azul, luego agregar un color a su lado. Aquí elegí el amarillo. Por lo que esa será una combinación de colores de cortesía split. Aquí uso verde y rojo en Austin un poco de violeta. Realmente disfruto trabajando con combinaciones de colores complementarias divididas, triádicas. Entonces estamos hablando de un triángulo. Entonces colores que forman un triángulo en la rueda de color. Entonces aquí tenemos violeta, verde, y naranja, que también son los colores secundarios. Pero también podemos probar línea verde. Podemos probar rojo, naranja. Podemos probar el violeta azul. Nuevamente, estas son combinaciones maravillosas para explorar. ¿ Qué pasa con las combinaciones trágicas? Esto sería un rectángulo en la rueda de color. Entonces cualquiera de estos cuatro colores aquí, tengo lima, verde, amarillo, naranja, rojo, violeta, y luego violeta azul. Otro ejemplo sería el amarillo, azul, el verde, el violeta, y luego el rojo naranja. Y puedes hacerlo un super-simple usando monocromático. Eso significaría escoger un color como el azul y usar décimas de ese azul, claro, podemos usar un azul claro y tú tonalidades de ese azul. También podemos usar un color y usar tonos usando gris de ese color. Por lo que de nuevo, el monocromático es de un color y usando carpas y tonos de ese Hugh, también puedes simplemente probar tonos. Esto funciona bien escogiendo un valor de luz. Tan como el azul claro, el amarillo claro, rojo claro, y el solo uso de tonos de ese color primario. Por lo que te alejarías de agregar blanco a la paleta. Pero sin duda puedes comenzar con un color de valor más claro que tenga blanco premezclado en él y luego sombrear desde ahí. Lo contrario de eso serían décimas. Para que pudieras tomar un valor más oscuro, el, digamos, el azul oscuro en la parte superior izquierda, y usar el blanco en eso. Por supuesto, puedes usar cualquier otro color, o puedes usar una combinación de dos o tres colores que funcionen bien juntos, pero usar el tenso como forma de armonizar tu paladar funciona bien. ¿ Qué tal una paleta caliente? Esto obviamente serían colores ubicados en el área cálida en la carta de colores. Por lo que usar estos cálidos rojos, amarillos y naranjas habría funcionado maravilloso. Por supuesto que podemos ir a lo contrario y hacer una tarima fresca. Por lo que usar blues y greens juntos para crear una pintura de temperatura fría funciona bien. Hay muchas otras ideas y técnicas que funcionan bien. Pero sí cubrimos algunas combinaciones de colores populares, empezando por lo que ya sabes de la rueda de color. Entonces entramos en la división análoga, cortesía y demás. Por lo que les animo a explorar algunas de estas combinaciones de palés para su próximo cuadro. Sólo recuerda, cuando miras tu inspiración, imagen o el tema que estás a punto de pintar, no tienes que estar pegado a los colores que hay en la vida real. Como artista, tienes la libertad de cambiar de color cuando lo desees. Y estas combinaciones de colores son una gran manera de explorar esa idea. 28. Ver el valor: Antes de sumergirnos demasiado en el valor, esta charla de ver valor. Y la idea aquí es eliminar el color. Exploraremos fotos. Los convertiremos a escala de grises, localizaremos la luz más clara y la oscuridad como la oscuridad. Hablaremos brevemente sobre los cambios de avión y luego hechos de cambio de plano. Empecemos explorando algunas fotos. Lo más desafiante de la pintura en general, para mí fue ver el valor de un color. Entonces la mejor forma en que aprendí a hacer esto fue convertir mi imagen a una escala de grises eliminando el color y la imagen. Podía leer el valor con más claridad, lo que me ayudó a hacer una serie de cosas. Una de esas es localizar la luz más ligera y estoy hablando del valor más ligero. Entonces cuando miro esta taza de café y YouTube, ¿ dónde ves el valor más ligero? Si lo pones donde los reflejos de la copa, entonces tienes razón. Pero ésta es fácil, y a veces la luz más ligera es más obvia y también la más oscura. Para que puedas mirar una imagen y escanearla rápidamente, incluso en color, y empezar a ver dónde está ese oscuro valor. Cuando lo conviertes a una escala de grises como esta, empecé a ver el patrón de ese valor oscuro y cómo se mueve dentro del sujeto. Por ejemplo, el lado izquierdo del tallo es donde comienza ese valor oscuro. Se mueve hacia arriba hacia las hojas y luego hacia los pedales. En el lado izquierdo, incluso se pueden ver algunos de los valores oscuros en el centro de las filas. Echemos otro vistazo a un tazón con naranjas. Claramente, el fondo es el valor más oscuro. Pero cuando convertimos esto en una escala de grises, localizamos algunos de esos valores oscuros se mezclan con las naranjas. Nuevamente, se trata de entrenar al ojo para ver a través del color y sólo el valor del matiz. Hablemos de los cambios de avión. Al mirar este pequeño callejón aquí, hay varios aviones a considerar. Teníamos los planos verticales de los muros, tanto el muro izquierdo como el muro que está bajo la luz del sol. Y luego tenemos el plano terrestre. También hay aviones que son más angulares como en el techo. Entonces con cada cambio de plano, hay un cambio y valor. Se puede ver que la luz en el plano de tierra es mucho más ligera que estas paredes iluminadas por el sol en el lado derecho. Cuando estás eligiendo un color para el alli iluminado por el sol ahí, entonces no querrías que ese color sea más claro y de valor. Después el color que eliges para la pared vertical que está iluminada por el sol. Y de nuevo, esto es sólo un ejemplo. Algunos foros como este ejemplo es más boxy y geométrico porque es hecho por el hombre, pero otras formas son más orgánicas. Si fuera a diseccionar esta imagen en todos los diferentes planos, habrá muchos de ellos. Algunas de esas formas son hechas por el hombre, algunas son más redondas, otras más ovaladas, y así sucesivamente. Con objetos que son más boxy y menos redondos, el cambio de avión parece ser más obvio. Si bien los objetos que son más redondos y curvos, digamos como la manzana o el par, los cambios de plano son más graduales. Por lo que hay una transición suave de un valor de luz a un valor oscuro. Ahora esto es sólo un ejemplo de ver valor. Solo estamos rascando la superficie de lo que esto significa para tu pintura acrílica. Y el propósito principal y objetivo de esta lección fue introducirte la idea. Y eso es ver valor a través del color. Lo más fácil para mí fue tomar una imagen y escala de grises como te he mostrado aquí para tu ejercicio recomendado. Agarra algunas imágenes. Podría ser de unas vacaciones. Podría ser de objetos alrededor de tu casa y traerlos arriba en tu editor de fotos, ya sea en tu iphone, smart phone o computadora, y convertirlo a escala de grises o simplemente desaturar la imagen de todo su color, entonces comenzarás a ver valor, pasarás por la lista de comprobación, localizando la luz más clara, la oscura como oscura, y luego solo observarás los cambios de plano, reconoció que estas cosas existen. Y creo que eso sería un buen punto de partida para ver valor. Y por supuesto, vamos a discutir esto con más detalle a medida que avancemos. 29. Cómo mezclar gris: Es ese momento de mezclar Gray, un whew, crecerás hasta amar. Usaremos las tres primarias. Usaré 2-10 blanco, que ya conoces. Qué es un sesgo de color, cambio de sesgo de color, y luego un ejercicio recomendado. Empezaremos con usar las tres primarias, que mezclarán un precioso gris. Observe el lado derecho de mi paleta. ¿ Qué tan descuidado es eso? No tengo nada que presentarme hasta este punto. Realmente sólo hemos trabajado con los colores en la rueda de color. Vamos adelante y tomemos un bonito trozo de ese blanco y ponerlo en el área de mezcla. Ahora para nuestras tres primarias, azul, amarillo y rojo tomará un poco de cada una. Realmente no importa. Entonces voy a sacar un poquito de esos dos blues. Voy a Didot eso para el amarillo. Para que veas que me estoy poniendo un poquito de cada uno. Y luego por supuesto ambos rojos. Una vez que tuve eso abajo, comienza la diversión. Por fin llego a poner a trabajar ese cuchillo de paleta. Esa cosa se sienta por ahí recogiendo polvo con demasiada frecuencia. Entonces ya verás, estoy manchando esa pintura alrededor del paladar, trabajándola de ida y vuelta. Lo sacaré todo arriba, lo pondré de nuevo abajo, y lo repetiré hasta sentir que todo está mezclado uniformemente. Tomaré un poco de esa pintura y haré mi muestra. Pero ahora le voy a agregar blanco al inquilino. Y eso me va a decir mucho de ese gris. Entonces realmente no sé si es a azul, a amarillo o a leer. Entonces pondré un poco de extremo blanco de esa base gris, que revelará la verdadera temperatura de esa mezcla. Significa, ¿es azul fresco o rojo demasiado cálido? Y honestamente, eso se ve bastante bien. Pero esta charla de lo que es el sesgo de color. Voy a tomar un poco de azul ultramarino y añadirlo a ese gris. Y lo que eso va a hacer es empujar ese gris a un gris frío. Por lo que podríamos decir que el gris tiene un sesgo azul para ello. Entonces nuestro gris base, se puede ver aquí, que estaba bastante muerto, porque cuando le agregué un poco de blanco a eso, realmente no se puede decir que es cálido o fresco como más o menos en el medio, lo clavé. Obviamente agregando el azul a la tercera muestra A la derecha lo trae más a un gris más frío. Entonces, ¿cómo cambiamos el sesgo de color? Usaré ese gris fresco como ejemplo. Si quiero calentar eso, puedo usar un amarillo o puedo usar un rojo. Yo uso ambos. Pero ocre amarillo o una luz amarilla cad. Alizarin carmesí o luz roja CAD haría muy bien. Entonces agregué a la mezcla y luego un poco de blanco solo para sacar ese sesgo en ella. Y verás que el gris ahora se inclina más hacia un rojo. Por lo que comparamos esa última muestra que hice con la más fría a su lado, se puede ver una diferencia. Tu ejercicio recomendado es hacer exactamente lo que demostré en este video. Acostúmbrate a mezclar un gris base que sea neutro. Recuerda usar ese blanco para ayudarte si quieres empujarlo más fresco o más caliente, ya sabes cómo hacerlo. Recapitular. Gris mixto, un whew, crecerás hasta amar. Te mostré cómo usar las tres primarias para mezclar un gris precioso, cómo usar el blanco a través del principio. Te expliqué qué era un sesgo de color. Y no sólo eso, cómo cambiar un sesgo de color que funcione no sólo con pastoreo sino con cualquier color. Y luego tienes un ejercicio recomendado para que puedas crecer hasta amar mezclar, pastar. 30. Escala de cinco valores: No puedo empezar a decirles lo emocionado que estoy por compartir escala de cinco valores. Cubriremos lo que es una escala de cinco valores usando blanco a tienda, cambio gradual y valores y el ejercicio recomendado. ¿ Cuál es una escala de valor phi que pides es un conjunto de grados que funcionará de la luz a la oscuridad. Y empezaremos a mezclar eso. Pero por supuesto, necesitaremos usar nuestro blanco para hacer eso. Ya tenemos nuestro bajo gris. Entonces puedo empezar con un bonito valor oscuro, pero no quiero tono negro, así que le agregué un poco de blanco a eso. ¿ Qué debe hacer? Simplemente bien. Ahora como probablemente lo hayas adivinado, voy a añadir un poco de blanco a esa mezcla y conseguir el siguiente valor en línea. Eso no lo hizo del todo. No había suficiente turno ahí. Entonces usaré un poco de blanco y entonces eso debería hacerlo muy bien. Por lo que se puede ver que los valores están empezando a ser más ligeros. Un poco de peso, tal vez no suficiente. Y eso nos dará nuestro tercer valor. Entonces tres abajo, dos para ir un poco más de extremo blanco a esa mezcla base. Por supuesto que no puse suficiente ensancharlo. Ese parece ser el tema aquí. Por lo que voy a añadir un toque más. Y eso nos da cuatro. Entonces una más para ir, como saben ahora, agregando más blanco a esa mezcla, trabajando un poco esa mezcla hacia abajo mientras voy en la paleta. Y ahí lo tienes. Por lo que el cambio gradual de valor. Entonces, a medida que creas tu escala de valor, asegúrate de que el cambio entre uno a otro no sea demasiado drástico. Por lo que sobre esta escala de valor phi, se puede ver que pasamos de la oscuridad a la luz y ha hecho apenas un poquito a la vez. Tu ejercicio recomendado es crear una escala de cinco valores. Acostúmbrate a mezclar grises y usar el blanco a ella. Y recuerda ese cambio gradual de un valor a la siguiente escala de valor phi, tu mejor amigo, te mostré lo que es una escala de cinco valores, cómo usar blanco a inquilino. Y luego por supuesto, un cambio gradual de valor de uno a otro. Y tus valores de ejercicio recomendados surgirán bastante en este curso. Entonces no lo descuides. 31. Cómo utilizar grises para sombrear a sombra.: Aquí hay una confesión. Yo he estado totalmente de arena embolsando sobre ti. ¿ Recuerdas cuando estábamos aprendiendo a sombrear a Hughes? Bueno, ¿adivina qué? Puedes hacerlo con gris. Ahora que entiendes cómo mezclar Gray, te puedo mostrar cómo usarlo. Sombra con gris y método de mezcla alternativo. Revisitaremos los tonos, usaremos valores ligeramente más oscuros, una fantástica opción de sombra, y luego el ejercicio recomendado, retrocedamos cada visita, tonos. Entonces recuerda que usamos un matiz de cortesía, y luego también usamos una familia de tonos. Y luego hay un gris, cual soy un gran fan. Empecemos con un poco de luz amarilla cad, poco de ocre amarillo, y un toque de blanco. Y eso debería darnos un amarillo precioso para comenzar nuestra lección. Entonces ahí está. Ahora asegúrate de usar un valor ligeramente más oscuro. Por ejemplo, el amarillo que estoy usando MI muestra es un valor muy ligero. Amarillo, me gustaría usar un gris que sólo es un poco más oscuro que eso. Por lo que no me gustaría ir a mi gris más oscuro en la escala de valor. Cuando se obtiene un derecho, sólo debe haber un cambio sutil de un valor a otro. Obviamente, si seguías mezclando un poco de gris en eso, eventualmente, llegarás a un color que es todo gris. Y el amarillo desaparecerá por completo, que es exactamente lo que pasó. Y esta última muestra mientras bajamos por la línea aquí, maravillate ante este sutil cambio de una a otra. Bastante bonito. Esto prueba un color más. Entonces un poco de azul cilio con un poco blanco titanio porque te estoy enseñando a sombrear Hughes, quiero empezar con un buen azul claro. Entonces ahí está nuestra muestra y podemos trabajar con eso. Como saben ahora, quiero un gris que sea de valor similar pero ligeramente más oscuro. Si agrego eso al azul en teoría es debería hacerlo más oscuro. Y eso es porque ese gris es un valor más oscuro que el azul con el que empecé. Ahora que entiendes ese concepto, aceleraré a través de estas últimas muestras y ahora tienes otra razón para usar grises, y esta es una fantástica opción de sombra. Esta pasa a ser una de mis formas favoritas de sombrear un matiz. Pero claro, utilizo los tres métodos cuando estoy pintando. Entonces eso nos trae a ti. Lo tengo, el ejercicio recomendado, agarra tu paladar, agarra un poco de papel, y mezcla algunos Hughes de valor más ligero, y luego usa tus grises para afeitarlos. Es mejor usar un gris que ligeramente más oscuro que el color que estás tratando de sombrear. Sombra con gris y método de mezcla alternativo. Revisitamos tonos. Te mostré cómo usar un valor ligeramente más oscuro, gris. Y me delaté sobre qué fantástica opción de sombra. Esto es. Tienes un ejercicio recomendado. Ahora ve a pintar. 32. El poder del valor: El increíble poder del valor, no hay mejor maestro. Usaremos la escala de valor y convertiremos un objeto 2D en un objeto 3D agregando la fuente de luz y luego colocando valores en consecuencia. Y luego el ejercicio recomendado, comenzaremos con la escala de valor. Como recuerdan, creamos esta escala de valor phi de la oscuridad a la luz. Y ahora lo vamos a usar para convertir un cuadrado simple en un cubo. Por lo que un cuadrado es sólo una forma, por lo que no tiene otros lados que los cuatro alrededor del perímetro. Queremos convertir eso en algo que tenga forma de un 2D a un 3D. Cuando miramos a la plaza, sólo tiene un frente. Nosotros queremos poner un lado y un top en eso, haciéndolo en cola. Y necesitamos agregar una fuente de luz para hacerlo de manera efectiva. Para este ejemplo, la luz vendrá del lado superior izquierdo. Ahora, colocaremos valores en consecuencia. Y eso significa que necesitaré un valor más ligero para la parte superior de ese cubo. Y eso es porque está recibiendo esa fuente de luz más que el frente y el lado derecho del cubo, que no he pintado, conseguir mi primer pase en la parte superior de ese cubo. Un poco oscuro. Entonces mezclé un poco más ligero valor, y ahora puedo sentir la luz golpeando la parte superior de ese cubo. Ahora el frente de ese cubo necesita ser un poco más ligero también. Entonces mezclaré un valor, tal vez en algún lugar de ese rango de tres. Eso deja el lado derecho. El lado derecho, por supuesto, será el lado más oscuro. Y eso se debe a que está completamente alejada de la fuente de luz que viene del lado superior izquierdo. Y así es como se convierte un cuadrado 2D en un cubo tridimensional usando valores. Pero aún tenemos una sombra de yeso. Quieres que la sombra de fundición sea un poco más ligera que el lado derecho del cubo. Y eso es sólo una buena jerarquía de valor, que hablaremos más adelante en este increíble curso de acrílico. Y así es como conviertes una forma en forma. Una forma es plana y las formas tienen volumen. Para tu ejercicio recomendado, quiero que pintes un cubo. Siéntase libre de usar la misma fuente de luz que hice en este video. Y luego prueba unos cuantos más con la fuente de luz proveniente de diferentes direcciones. Entonces ese es el poder del valor. Y no hay mejor maestro que el valor. Utilizamos la escala de valor phi para convertir una forma 2D, que era un cuadrado, y la convertimos en un cubo 3D. Para ello, tenemos que contar con una fuente de luz que sumará un valor particular a un determinado lado de esa forma. Y entonces simplemente coloca valores en consecuencia. También tienes un ejercicio recomendado. Entonces deja de mirar la pantalla de tu computadora y ve a sentir el poder del valor. 33. Formas y formas: Formas y formas valor en acción. Te daré un resumen rápido de lo que hemos aprendido de los valores. Hablaremos de las cuatro formas básicas. Usaremos valor para crear formularios. Discutiremos la jerarquía de valores y luego un ejercicio recomendado. Sigamos adelante y tengamos un resumen rápido de lo que hemos aprendido hasta ahora. Empezamos con mezclar nuestro pasto usando las tres primarias para conseguir una base neutral. Y luego usamos azules y rojos para hacer que sean más fríos y más cálidos. Hughes. Y miramos el sesgo de color. Te mostré el truco de usar un poco de blanco mezclado en un color para ver si es más cálido o más frío. Y luego ajustados en consecuencia, creamos la escala de cinco valores. Y luego miramos cómo sombrear a Hughes usando nuestro pasto. Recuerda, te recomendé premezclas un gris ligeramente más oscuro que el color que quieres sombrear. Y luego aprendimos el poder del valor, convirtiendo ese aburrido o cuadrado en una forma 3D. Y eso nos lleva a las cuatro formas básicas. Ahora hay más, pero estas cuatro formas deberían ayudarnos bastante a medida que avanzamos. Entonces las formas serán un círculo, un cuadrado, un triángulo, y luego un rectángulo. Ahora, dibujaré las mismas formas usando mi lápiz a la derecha de eso. Es ese momento en el que usamos el valor para crear formas. Empezaré poniendo un valor base en el círculo. Ese valor podría ser claro u oscuro. Voy a empezar con algo más o menos en el medio. Entonces eso fue un poco demasiado ligero. Entonces puse un poco de gris oscuro en eso. Y ahora tenemos algo que es más o menos, diría en ese rango de tres valores. Entonces array ahí en alguna parte. Ahora añadiré un valor más oscuro. Por lo que nuestra fuente de luz sigue viniendo del lado superior izquierdo. Entonces usando un poco de blanco en mi gris oscuro, que debería funcionar bien. Entonces ya ese círculo está cobrando vida, empezando a parecerse a una bola de bolos. Ahora podemos pasar a nuestro tercer valor, que será nuestro valor más ligero. Entonces a, ya que la fuente de luz viene de arriba a la izquierda, sabemos que el área de la esfera tendría que ser un poco más tarde. Y eso empieza a verse realmente bien. Voy a mezclar eso sólo un poquito. Entonces básicamente mezclando los valores más claros en la parte superior izquierda con los valores hacia la parte inferior derecha. Un poco más destacado, y ahí tienes. Ahí está nuestra encantadora bola Bolden, toda creada con el poder de los valores. Y ahora pintaré la plaza y luego convertiré eso en un cubo, que sé que ya hice en la lección anterior. Y por eso estoy acelerando esta parte del video porque ya entiendes cómo funciona este cubo. Valor tan ligero en la parte superior, medio en el frente, oscuro a la derecha, eso nos lleva al triángulo. Entonces pintaré el color base para el lado que está golpeando la luz, y luego un valor ligeramente más oscuro para el lado que está lejos de la luz. Simplemente convierto un triángulo en una pirámide justo ante tus ojos. Hablemos de la jerarquía de valores. Y es decir, queremos colocar el valor correcto en el área correcta de nuestra forma o tema. Por ejemplo, al convertir este rectángulo en un tubo, tengo que tomar decisiones sobre dónde colocar mis valores. Aquí estoy colocando un valor de luz en el costado de ese tubo que está cerca de la fuente de luz. Y eso significa que la parte superior de ese tubo debería estar recibiendo más luz. Por lo tanto, la jerarquía de valores sería, la parte superior del tubo, sería más ligera y valor que el lado izquierdo, dejando el lado derecho del tubo, el valor más oscuro. Y eso es lo esencial de la jerarquía de valores. Y discutiremos esto mucho más adelante. Por ahora, se te recomienda el ejercicio es pintar para formas básicas y luego convertirlas en formas colocando el valor correcto y el área correcta, que también pasa a ser la jerarquía de valores. Por lo que ahí lo tienes formas y formas valor en acción. Te di un rápido recapitulación de lo lejos que hemos llegado con valor. Discutimos las cuatro formas básicas y utilizamos el valor para crear formas. Hablé de la jerarquía de valores, que de nuevo, vamos a discutir mucho más adelante en un ejercicio recomendado. Entonces ve a hacerlo. 34. Demostración de cubo grises genial: Y justo cuando pensaste que habías terminado con el color, vamos a hacer algunos ejercicios para fortalecer tus habilidades, y este, vamos a hacer un q gris fresco Así que los ejercicios de mezcla de valor y color es de lo que estamos hablando aquí. Te daré un recordatorio gris fresco. Voy a premix mi base gris frío. Hablaremos de la jerarquía de valores una vez más. Y luego el ejercicio recomendado, esta sección debe moverse rápidamente. En tanto usted haya hecho su tarea, voy a dividir el papel verticalmente y luego horizontalmente me dio cuatro secciones con las que trabajar. Y rápidamente sacan mi primer cubo. Y ahora te voy a dar un gris fresco. Recuérdele, mirando el gráfico donde aprendemos a mezclar nuestro pasto, hice una Swatch gris fresco donde la empujé a un sesgado azul. Y eso es lo que haré cuando premezcla mi base, gris frío. Todavía tengo mucho de ese gris en la paleta. Pondré una muestra abajo y te mostraré. Eso no es muy guay. Por lo que ahí va mi Cerulean y ultra marino. Eso lo mezclaré en el gris. Y ahora tenemos algo con lo que puedo trabajar. Y como es bastante oscuro y de valor, pondré eso en el lado derecho del cubo. Mantengo mi fuente de luz viniendo del lado superior izquierdo. Entonces eso pondrá el valor oscuro a la derecha. Y luego por supuesto el valor de la luz en la parte superior, dejando un valor en el medio para el lado que nos está enfrentando. Y tengo que disculparme. Hice un pésimo trabajo cortando en ese lado de la Q. Esa fue pésima técnica, vergüenza AMI. Pasemos a la jerarquía de valores. Como saben, los valores tienen que colocarse en el área correcta de su asignatura. Entonces para este ejemplo, quiero un dos arriba, un tres al frente, y luego un cuatro a la derecha. Y esos números son probablemente muy aleatorios para ti porque realmente no lo he explicado. Voy a pausar la demo aquí mismo para poder explicar lo que está pasando. Por lo que uno sería un valor muy ligero, a a un poco más oscuro. Y entonces por supuesto un cinco sería mi valor más oscuro en la escala de cinco valores. Y ahora supongo que estamos pintando por números, lo que significa que estoy mezclando un tres para el frente de esa cola. Y por supuesto, esa mezcla es un bonito gris fresco. Estoy agregando mis muestras de valor arriba aquí para que puedas tener una referencia para tus estudios. Y ahora sólo tengo que limpiar este lado de aquí. Y esta parte del cubo se hará, y eso deja valor R2 y que se colocará en la parte superior. Sé que estos cubos a veces parecen muy simples, pero es tan importante como principiante e incluso como artistas avanzados simplificar el proceso. Entonces si estás tratando de dominar el color, realmente no necesitas un tema complejo. Cuando hacemos las cosas demasiado difíciles, entonces es tan fácil quedarnos abrumados. Por lo tanto, manténgalo sencillo. En este punto, lo único que queda es mi sombra. Y voy a querer que esa sombra esté entre un 34. No debería ser tan oscuro como el lado derecho de ese cubo, que está mirando hacia fuera de la jerarquía de valores de la fuente de luz 101. Tu ejercicio recomendado es agarrar tus gafas de sol y tu chaqueta de cuero favorita y pintar un whew fresco. Usa las ideas que compartí contigo en este video y las que ya conoces de los ejercicios anteriores para lograrlo. Por lo que se hace el primer taladro de mezcla de valor y color. Hicimos un recordatorio gris fresco. Te mostré de nuevo cómo premezclar esa base gris frío. Hablamos de la jerarquía de valores y por supuesto, el ejercicio recomendado, eso es una envoltura. 35. Demostración de cubo gris: Aquí te dejamos un taladro mezclador de valor y color donde pintaremos un tono gris cálido y enjuagaremos y repetiremos los mismos pasos que utilizamos para crear el gris frío sustituyendo un tono cálido, por supuesto, por un whew fresco. Y al final tendrás tu ejercicio recomendado. Por lo que rentas y repito, empezaré con el mismo q dibujado a la derecha de mi original. Y voy a bajar las manchas. Se puede ver es una muestra neutra por lo que no se inclina caliente ni fría. Pero agregando ese cad Luz roja ciertamente calentará la temperatura de ese gris. Por supuesto, puedo usar amarillo, ocre, amarillo e incluso carmesí de Alizarin si quisiera, porque todos esos son tonalidades relativamente cálidas, sobre todo si lo comparas con azul. Entonces ahí está mi cálido gris basado, que se colocará en el lado derecho de este cubo porque ese va a ser el valor más oscuro. Entonces en todas estas demos, voy a mantener la fuente de luz viniendo del lado superior izquierdo. Entonces ahí está. Y ahora estoy listo para agregar un poco de blanco. Le agrego ocre amarillo u amarillo para aclararlo. Sí, pero quiero asegurarme de que este cubo sea más de un gris cálido. Si empiezo a agregar otros colores además de leer, entonces es fácil convertir este cubo más en un estudio de color. Y yo quería ser más un estudio a escala de grises. Estoy usando la misma jerarquía de valores exacta que hice y el cubo azul. Entonces tengo un valor cuatro a la derecha, un tres en la cara frontal de ese cubo. Y ahora estoy mezclando un valor de dos para la parte superior. Y aunque pensé que tenía el valor correcto para la parte superior de ese cubo, no era correcto. Y muchas veces esto sucede. Se verá bien en la paleta. Pero una vez que lo colocas en el arte, solo parece un poco apagado. Entonces no te frustres si tienes dos cosas remezcladas varias veces para hacerlo bien. Último arriba será la sombra de fundición, que como ustedes saben, debería ser más ligera que las cuatro del lado derecho del cubo, pero ligeramente más oscura que quizás la parte delantera de ese cubo. Por lo que un 3.5. Lo completaré agregando mis ejemplos a la parte superior. Y eso nos lleva al ejercicio recomendado. Pintura, un cubo de valor cálido. Por lo que mezclé CAD luz roja para crear mi cálido gris. Pero siéntete libre de usar cualquiera de los tonos cálidos que tienes en tu paladar. Entonces esa fue la segunda parte de los taladros de mezcla de valor y color. Utilizamos el mismo proceso que hicimos creando el cubo fresco. Y luego tienes un ejercicio recomendado para que puedas acostumbrarte a pintar M, mezclando tonos grises cálidos y valores. 36. Demo de baja clave: Sin embargo, otra demo de valor, una demo discreta a eso. Por lo que manipulando el valor, te diría lo que es una clave baja. Localizando más oscuro, oscuro, localizando la luz más clara. Aplicaremos valores en consecuencia a nuestra escala de claves bajas y luego un ejercicio recomendado. Entonces, ¿qué es una pintura de baja clave? Para explicarlo, tengo una escala de valor a lo largo de la parte inferior de mi demo. Y cuando hagamos una demo de clave baja, vamos a trabajar dentro del rango hacia el lado izquierdo de esa escala. La luz más clara aquí, y luego el negro para lo oscuro como oscuro, una pintura de clave baja, entonces sólo usaremos valores dentro de ese rango. Por lo que no vamos a aplicar valores que se ubican hacia el tercio derecho de la escala, pero aún necesitamos aplicar valores en consecuencia. Usaré uno para representar el fondo, que también será el valor más ligero en este cuadro. Pero tenga en cuenta que no será blanco, sólo será el valor más ligero. Se puede ver que tengo mi a mis tres y luego mi valor más oscuro, mi valor más oscuro será esta pequeña sombra oscura ahí mismo. Tengo mi pasto mezclado. Voy a usar las mismas técnicas de las que ya hablamos al mezclar pasto Para hacer esta pintura looky, mi báscula me ayudará a guiar. Entonces a medida que creo un valor que creo que es correcto para un área en particular. Entonces en este caso, el uno, solo pondré una muestra abajo por debajo de esa escala solo para ver donde estoy, mezclando en la paleta te engañará. A menudo pensarás que el valor o el color es correcto, pero es solo hasta que lo compares con otra cosa. Entonces en este caso, la escala que me doy cuenta es Ver hay dos claro a oscuro a azul, para calentar, para enfriar, y así sucesivamente. Ahora siento que este valor es un poco demasiado oscuro. Voy a añadir un poco de blanco a eso, lo que debería darme el valor que necesito. Además, recuerda que la pintura acrílica se secará ligeramente más oscura que cuando la aplicaste. Por lo que estoy tratando de compensar también esa característica del medio. Me mezclaré por valores y lo aplicaré usando las mismas técnicas de las que hemos hablado a lo largo de este curso. Voy a acelerar las cosas. Eliminaré parte de la mezcla porque ya sabes cómo funciona eso. Una vez que tenga todos los valores correctos, es sólo entonces que juzgaré la pieza final. Recuerda cuando dije antes, no juzgues los valores. Y así todo está pintado en. Una escala de teclas baja podría ser útil para que una pintura nocturna proyecte cierto estado de ánimo, una condición de iluminación, y así sucesivamente. Tu ejercicio recomendado, ya que pintas una forma geométrica simple usando una escala de teclas baja, siéntete libre de usar un bloque vertical como lo hice aquí. Y esa es una demo de clave baja, manipulando valor para crear una pintura mayoritariamente oscura. Y esto se puede hacer con cualquier color, azul-verde, leer un no importa. Define cuando una pintura de clave baja es por eso que necesitas localizar aún la oscuridad más oscura y la luz más clara. Aplicar valores en consecuencia a la escala loci. Y tienes un ejercicio recomendado para explorar la pintura de bajo valor clave. 37. Demostración de alta clave: Demo clave alta, manipulando valor. ¿ Qué es la llave alta? Nuevamente, localizaremos los valores más oscuros y ligeros, aplicaremos valores en consecuencia. Y luego un ejercicio recomendado. Empecemos con lo que es una pintura Heikki? Entonces si una pintura de clave baja como valores muy oscuros que una pintura Heikki son valores muy claros. Por lo que querrías trabajar hacia el lado derecho de la báscula. Por lo que tu oscuro más oscuro sería ese valor medio. Y entonces tu vida es como podría incluso ser blanco puro. Ahora vamos a numerar cada área del cuadro. Por lo que aplicaremos valores según el número, no el gráfico. Entonces uno sería el valor más ligero. Sabemos dónde se basa los dos en la demo anterior. Por lo que nuestra fuente de iluminación estará viniendo de la parte superior izquierda son 3s y r cuatro. Por lo que ya he localizado la luz más ligera, que es por donde empezaré. Pero en caso de que decidas empezar con tu oscuro más oscuro o en algún lugar del medio, eso también está bien. Simplemente así sucede. Empiezo con la luz más ligera, pero puedo empezar fácilmente con la oscuridad más oscura. Ya sabes cómo funciona el resto de esto. Cortar usando agua para ablandar mi pintura, para prepararla. Pre mezclando mis valores Dawn the old spot test para asegurarse de que el valor es correcto. Todas esas cosas que hemos discutido muchas veces. Por lo que voy a empezar a exceso de velocidad a través de algunas de estas cosas que son repetitivas y pueden volverse un poco monótonas. Mi mayor consejo es recordar las cosas secas un poco más oscuras con acrílico. Y para empezar siempre con una escala como la que tengo al fondo ahí. Cuando comienzas a aprender estas diferentes técnicas de pintura de valor, tan bueno tener eso ahí para que puedas detectar tus valores. Llevo más de 20 años pintando y siempre tengo una escala de valor cerca ahora que esta pintura está hecha y podemos comparar las demos clave bajas y altas. Cada uno tiene su propio estado de ánimo y afecto, pero ambos son muy buenos para capturar la luz y la sombra. Se te recomienda el ejercicio es pintar un bloque Heikki. Nuevamente, siéntete libre de usar un bloque vertical como lo hice en esta demo. Pero asegúrate de seguir adelante. Todas estas son herramientas maravillosas para tener a tu disposición haciendo físicamente el ejercicio, eres capaz de aprovechar ese recurso siempre que lo necesites. Ese es su valor de manipulación de demostración de alta clave. Te dije lo que es Heikki. Tuvimos que localizar la oscuridad más oscura y la luz más clara y aplicar esos valores de acuerdo a la escala de Heikki, tienes un ejercicio recomendado para aquellos de ustedes que están aquí para aprender realmente a dominar la pintura acrílica. Te veo en el próximo. 38. Demostración de los casos de crla cubo: Para este taladro de mezcla de valor y color, me enfocaré solo cubo de alto cromo. Entonces usando un azul alto croma y luego un poco de blanco para tienda de campaña los tonalidades. Y luego por supuesto, el ejercicio recomendado. Empecemos con usar un azul de alto croma. Ahora doblaremos las reglas un poco. Entonces sólo porque es una pintura de alto croma, no significa que pueda haber un poco de gris o un poco de blanco y esos colores. Entonces en este ejemplo, empiezo con espirulina en azul y agregando un poco de blanco a eso. Y eso me va a dar el valor que necesito para el frente de esa cola. Y por cierto, el siguiente ejemplo que les doy será un azul de bajo croma. Y ahí es cuando vas a ver que a pesar de que uso el blanco en esta demo de alto croma, cuando lo comparas con el bajo croma que voy a hacer, sin duda verás una gran diferencia. Entonces si por alguna razón realmente quieres pintar una pintura de alto croma, está bien usar un poco de blanco y por supuesto un poco de gris. Es sólo que la mayoría de la pintura debe hacerse con Hughes de alto croma, mientras que quizá algunas de las otras áreas pueden estar un poco menos saturadas. Tengo que asumir en este punto que estás empezando a conseguir el ahorcado de esto. Entonces voy a subir un poco más la velocidad en el resto de esta demo. Por mi valor oscuro, mi número cuatro, voy a usar Cerulean Blue y ultra marine. Eso me va a dar un lado oscuro de croma muy alto para la Q. Y al agregar un poco de blanco y a ese azul oscuro, tengo mi sombra. Y ahora tienes tu ejercicio recomendado. Siéntete libre de usar azul, amarillo, rojo, violeta. No importa. Estelar con una agradable mezcla cromática alta a un poco de blanco en consecuencia, luego usar un tono de croma alto para ese lado de sombra. Tan alto valor de cubo de croma y brocas de mezcla de color, creamos un azul de alto croma. También utilizamos blancos. Y ahora tienes un ejercicio recomendado para practicar estas teorías de mezcla de colores. 39. Demo de la cubo de chroma baja: Y ahora tenemos lo opuesto a nuestro cubo de alto croma. Con el cubo de chroma bajo, usaré gris en contraposición al color complementario para saturar D. Y luego tendrás un ejercicio recomendado. Porque quiero algo bueno para comparar con ese azul de alto croma. Usaré exactamente lo mismo, cabrón y azul. Por lo que premezclaré mi color base y luego empezaré a usar 2D gris saturarlo. Para aquellos de ustedes que recuerdan la lección de saturación e intensidad de croma, también podría optar por usar un color de cortesía, y simplemente sucede que quiero usar gris en este ya que he estado charlando con ustedes aquí, yo he estado pre mezclando un gris y he mezclado ese gris con la base surly y tonalidad azul que tengo en la esquina inferior izquierda de la paleta. Creo que eso lee un poco a gris y tal vez un poco demasiado oscuro y valor. Mi pensamiento aquí es que usaré un poco de blanco y luego un poco más azul en esa mezcla. Y eso me da un color con el que estoy un poco más feliz. Podemos llamar a esto r tres valor y colocar eso en la parte frontal del cubo usando alguna buena técnica aquí, voy a ir por los bordes, cortando. Y como pueden ver dos, tengo mi agarre estándar. A medida que avanzamos en esta demo, tengo que asumir de nuevo que entiendes estas ideas de mezcla de colores. Entonces voy a golpear este video a una velocidad dos veces la vida real. Entonces tomando un poco más azul y luego un poco más de extremo gris a esa mezcla base debería darme un azul de chroma bajo para ese lado de sombra. Otra vez cortando, entonces puedo agregar el relleno. Entonces todo esto está funcionando bien, voy a ajustar ese color sólo un poquito y creo que eso está funcionando bien. Eso deja sólo la parte superior del cubo. Por lo que premezclaré un gris apagado al lado derecho de esa paleta y luego lo llevaré al blues en la esquina inferior izquierda. Y trabajaremos de ida y vuelta hasta que tenga el valor correcto para la parte superior. Te recordaré que muchas veces cuando estás mezclando Hughes en tu paladar, se ven bien, pero es realmente difícil de decir hasta que lo agregues a tu obra de arte. Entonces otra vez, no te frustres. Esto es par para el curso. Tu ejercicio recomendado es pintar un cubo azul de bajo croma. Y cuando termines, asegúrate de compararlo con el azul de alto croma. P. Solo para que empieces a tener una idea de cómo funcionan los colores y cómo algunas de estas técnicas de mezcla de colores impactan en la obra de arte. En esta lección, aprendiste a pintar un cubo azul de bajo croma usando habilidades de buena relación calidad-precio y mezcla de color. Yo uso el gris para desaturar el azul. Y ahora tienes un ejercicio recomendado para darle un go por tu cuenta. Buena suerte y diviértete pintando un cubo de bajo croma. 40. Círculo a la esfera: Es hora de dirigir nuestra atención a las esferas de pintura. Para esta demo, usaré un alto croma verde. Te recordaré cómo pintar una forma curva. Trabajaremos con N, la familia hue. Y entonces tendrás un ejercicio recomendado para aplastar esta esfera. Recordatorio de forma tan curva. Entonces recuerda esta lección, este círculo azul que pintamos hace mucho, mucho, mucho tiempo. Y en esa lección, te di algunos punteros sobre el uso de esos trazos curvos. Vamos a hacer exactamente lo mismo a la hora de pintar esta esfera, pero también tenemos que discutir el valor. Y recuerda esta pequeña demo rápida que hice cuando convierto formas en formas usando la jerarquía de valores entonces, bueno, tenemos nuestro trabajo cortado para nosotros, pero sé que podemos hacerlo. Dividí mi espacio verticalmente por el medio y luego agregué dos líneas horizontalmente. Entonces para los de ustedes manteniendo la puntuación, eso nos va a dar seis espacios con los que trabajar. Y ahora estoy muy detrás de la demo, así que déjame ponerte al día. Yo estoy pintando una esfera verde. Por lo que premezcla mi verde usando cad luz amarilla y mi espirulina en azul. Y el verde que mezclé está en algún lugar del medio. Por lo que no representa la oscuridad más oscura ni la luz más clara. Piensa en ese tres valor que utilizamos en demostraciones anteriores. Estoy agregando la fuente de luz ahora, que es el lado superior izquierdo, lo que significa que esta parte de la esfera debería estar captando luz. Vamos a trabajar dentro de la familia hue. Entonces para crear un valor más ligero, uso amarillo cadmio en esa base, verde. Nuevamente, quiero mantener esto lo más saturado posible ya que estamos haciendo una versión de alto croma de esta esfera. Entonces recuerda la rueda de color, hay verde y luego está ese poco azul justo debajo de ella. Voy a usar ese azul para sombrear mi matiz. Entonces lo haré, subiremos aquí a estos Cerulean y el ultra marino y mezclaremos un poco de eso en mi tono verde base. Eso debería darme un valor más oscuro, que puedo usar para la sombra en la esfera. Una vez que se apliquen estos valores más oscuros, voy a volver a entrar en él con un pincel limpio y suavizar algunas de esas pinceladas. Y eso lo va a hacer bonito y bonito. Para rematarlo, solo necesitamos un poco de sombra de efectivo, que ayudará a vender la fuente de luz que viene del lado superior izquierdo. Y ahí está nuestra alta cromosfera usando tacos dentro de la familia de colores. De acuerdo, lo pillamos. Se te recomienda el ejercicio es pintar una esfera de alto croma. Esto no solo se trata de mezclar colores, sino que se trata de convertir formas, formas N2 usando la jerarquía de valores para tu re-cap amigable, pintamos una esfera usando greens de alto croma. Te di un recordatorio de forma curva. Trabajamos dentro de la familia hue y tienes un ejercicio recomendado para ir a pintar algunas esferas verdes. 41. Esfera con el Green de la chroma baja: Ahora es el momento de pintar una esfera. Pero usando un 2D gris saturado, también me mezclaré dentro de la familia hue y luego te daré un ejercicio recomendado. Lo pondremos en marcha con el uso de gris 2D saturar. Si recuerdas de nuevo a nuestras lecciones de valor, me colé de una manera opcional para sombrear a tus Hughes, y eso es usar gris. Y eso es lo que va a pasar justo aquí ante tus propios ojos. Entonces otra vez, una baja croma, esfera verde. Para que podamos comparar eso con la versión de alto croma de la izquierda. Mezclar mi base verde me dará un buen punto de partida. Y debido a que ese verde está un poco en el lado oscuro, voy a premezclar un gris claro. Ahora voy a crear una segunda muestra que tiene un poco más verde dentro y tal vez un poco más oscura. Ahora esto me da un muy buen punto de partida para mis greens. Voy a llenar la esfera con un matiz o valor en el medio. Entonces no va a representar la oscuridad más oscura, y no va a representar la luz más clara. Y en exhibición completa aquí puedes ver estos cortes en habilidades. Y además estoy girando ese papel para que pueda navegar por esos bordes para evitar esos puntos ciegos. Entonces ahí está nuestro encantador círculo verde, que realmente no es lo que estamos pintando. Ahora necesitamos algunos valores para convertir eso en una forma. Entonces usando un gris más oscuro aquí, puedo premezclar un gris verde Eso debería hacer bien para el lado de la sombra. Voy a hacer eso un poco más ligero y tal vez un poco más verde. Y ten en cuenta cómo estoy usando esos trazos de curvas, realmente tratando de sentir la forma de esa esfera. En esta etapa, las pinceladas se ven bastante contundentes y eso es normal. Estoy usando una mezcla de gris claro en ese verde base para agregar el área en la parte superior izquierda de esa esfera. Eso está consiguiendo la mayoría de la luz. Siempre me parece que olvido esto. Entonces voy a retroceder ahora y añadir mis muestreos. Por lo que tenemos nuestra base verde oscuro. Y ahí estaba el verde en medio. Y ahora aquí está el verde gris claro. También sepan que estoy tratando de mezclarme dentro de la familia. O puedes decir, estoy evitando usar cualquier color de cortesía. Voy a acelerar las cosas sólo un poquito aquí. Al añadir una capa más a la esfera, mi objetivo es fortalecer un poco más los oscuros y luego algunos de esos tonos medios. En la segunda ronda, también estoy mezclando un poco más las pinceladas para darle un acabado suave. Y el último paso es la sombra de fundición. Tu ejercicio recomendado es pintar una esfera verde de bajo croma e intentar hacerlo además la versión de alto croma para que tengas algo con lo que compararla. Y ahora sabes un poco más de pintar esferas. En esta versión, uso gris para desaturarlo. También mezcle dentro de la familia, así que no hay colores de cortesía. Y ahora tienes un ejercicio recomendado para hacerlo por tu cuenta. 42. Pirámide de la cría alta y baja: El siguiente formulario arriba es la pirámide. Nuevamente, nos estamos centrando en los taladros de mezcla de valor y color y aprendiendo a convertir formas y dos formas. He incluido ambas versiones de la pirámide y este video. La primera versión será un alto croma Violeta, y me mezclaré dentro de la familia de tonalidades. La segunda versión será un violeta de bajo croma. Y de nuevo, me mezclaré dentro de la familia. Y luego el ejercicio recomendado, comenzaré dibujando mis pirámides, que es básicamente un triángulo con un lado a la derecha. Y esa es una forma bastante fácil de dibujar, así que estoy bastante seguro de que puedes manejar eso. Y ahora podemos comenzar el alto croma violeta. Tan alto croma, similar a la esfera verde de la izquierda. Pero esta vez voy a usar azul ultramarino y luego mi Alizarin carmesí. Si recuerdas del ejercicio de rueda de color que hicimos, esos dos colores crearán el violeta óptimo. Y también sucede que es un valor bastante oscuro. Por lo que voy a añadir un poco de blanco a eso, lo que va a sacar su verdadero sesgo. Creo que los colores deberían funcionar bien para nuestro valor más oscuro, que colocaré en el lado derecho de esa pirámide. A diferencia del cubo, sólo estamos tratando con dos lados y esta forma no tendrá un lado que esté a plena luz. Voy a mezclarme dentro de la familia hue. Entonces mi pensamiento es, probaría este Cerulean Blue, que es un poco más ligero valor en ese violeta. La pequeña muestra de prueba ahí dijo que no lo hizo del todo. Entonces mezclaré un poco de azul claro en ese violeta para ver si eso nos lleva ahí. A lo mejor sólo un poco más de blanco terminó así de violento y eso debería funcionar bastante bien. Ahora puedo usar mi corte en técnicas e ir alrededor de los bordes de nuestra pirámide. Y luego una vez que todo eso esté hecho, puedo agregar el relleno. Y ahora diría que esta pirámide tiene más de una violeta terciaria, inclinándose más hacia un azul. Ahí está nuestra sombra y ahora podemos iniciar la siguiente versión, que será la pirámide de bajo croma. Para crear la base violeta, solo estoy agregando un poco de gris oscuro a esa base, violeta después de probar ese color en la pirámide y algunas áreas, sentí que algunos estaban perdiendo un poco de esa violeta. Entonces mezclé un poco más de extremo violeta a esa mezcla base y ahora estoy agregando un poco de blanco. ¿ Qué debe aportar un valor más ligero? Y por supuesto, inclinándose más hacia un azul para el frente de esa pirámide. Y como puedes ver, esto es leer un poco más hacia la familia violeta azul, otra vez como versión de bajo croma, por lo que no necesita estar saturada como la de la izquierda. Terminaré de cortar en mis bordes. Y entonces puedo empezar a enfocarme en el lado oscuro de ese cubo usando un poco del ultra marino y a esa base Gray. Ahora puedo empujar eso un poco más oscuro. Todavía tiene un poco de gris en ella sin embargo. Entonces si lo comparas con el lado oscuro de la pirámide de la izquierda, tiene un croma mucho menor. Y ahora pintaré una capa más en el frente de esta pirámide. Y creo que estamos bien para ir por tu ejercicio recomendado. Quiero que practiques pintar pirámides e intentes trabajar con Violet. Entonces tal vez puedas hacer un violeta más rojo o un violeta más azul, o tal vez incluso un violeta verdadero. Y luego hacer una versión de bajo croma de eso, donde se mezclan algunos grises y a ese tono base. En esta lección, pintamos pirámides. Y por supuesto, nos hemos centrado en los taladros de mezcla de valor y color. Hicimos una pirámide violeta de alto y bajo croma. Ambos se mezclan dentro de la familia hue. Por lo que evitamos tonalidades complementarias. Y ya sabes, tienes un ejercicio recomendado. Entonces ve a pintar unas preciosas pirámides violetas. 43. Demo de Chroma de la chroma: Para la última forma, estaremos pintando tubos. Nuevamente, estos son taladros de mezcla de valor y color, donde convertimos formas y dos formas, como con las pirámides y la lección anterior, estoy poniendo ambas versiones en este video. Por supuesto, comenzaré con el alto croma y me mezclaré dentro de la familia. Y para la gran final, voy a hacer un tubo de chroma bajo y usar casi todas las habilidades de las que hemos hablado. Por lo que la cocina viendo entra en Yahoo y luego el ejercicio recomendado. Pero primero, dibujemos los dos. Voy a empezar con un rectángulo vertical y luego añadir una elipse en la parte superior y una cara sonriente en la parte inferior. Voy Ode no sabía eso en el lado derecho. Por lo que estamos listos para rodar cuando lleguemos a esa. Pero primero, un alto croma 2p, que voy a pintar usando CAD luz roja y algo del ocre amarillo en cad amarillo luz. Entonces piénsalo como un rojo, naranja porque ya has visto vivas estas técnicas de mezcla. Voy a acelerar a través de esto a dos veces velocidad real. Añadiré ese valor base al medio del tubo y luego al lado izquierdo. Estaremos mezclando mis tonalidades dentro de la familia hue. Entonces para mi lado oscuro del tubo, solo voy a agregar un poco de carmesí Alizarin a mi mezcla base. Y eso debería funcionar bien para mi lado de la sombra. De inmediato, puedes empezar a sentir que el volumen de ese tubo ya no es un rectángulo plano. Y ahora es el momento de agregar un valor más ligero a la parte superior del tubo. Y usaré el mismo valor que utilizo en la parte superior del tubo. Para el lado izquierdo, de nuevo, la fuente de luz viene de arriba a la izquierda. Lo único que queda ahora es que voy a mezclar estos valores agradables y suaves para que no veas mucho de la brocha chunky. Tengo sombra y voila, el primero está hecho. Ahora es el momento de leer el bajo croma. Y usaré múltiples técnicas de mezcla. Entonces estoy mezclando mi gris base, agregando un poco de azul y luego un poco de amarillo y rojo a eso. Y quiero algo de igual valor. Por lo que un gris cálido con un toque de rojo debería ir bien. eso le estoy agregando un poco de rojo, y creo que estaremos listos para agregar ese valor base al tubo. Eso funciona bien. Entonces voy a cortar a lo largo de todos los bordes del tubo. Y luego volveré y añadiré los valores más oscuros y más claros, el fregadero de la cocina. Entonces aunque use un gris cálido para obtener el color base, ahora cambiaré a mi color de complemento, que es verde. Y usaré ese verde, los mezclé con el rojo para conseguir mi color de sombra. Te recordaré que solo necesitas un poquito del color complementario para sombrear un matiz. Una pequeña cantidad va un largo camino. Creo que esto enorme debería funcionar bien para la sombra porque es el valor correcto, no demasiado claro y no demasiado oscuro. Y ahora usaré un gris claro, mezclarlos con esa base roja. Y eso debería darme el valor más ligero. Por el lado izquierdo de ese tubo. Una pequeña prueba puntual aquí me ayudará a determinar si es el valor correcto. Probablemente podría ir un poco más ligero. Por lo que pre remezclar un gris claro, volviendo a ese rojo base y luego agregando eso a R2. Y eso es realmente darle eso a, a la vida, dándole esa sensación tridimensional. Podría usar ese mismo valor en el lado izquierdo del tubo para la parte superior también. Y lo haría muy bien. Pero solo por el bien de la variedad, voy a usar un poco de blanco y un toque de la luz amarilla cad y Q ese valor de luz base, y añadirle eso a la parte superior. Por lo que agregar el amarillo le da un sesgo cálido para la sombra. Voy a usar un poco del Azul Ceruleo y un toque de la luz amarilla cad. Uno, un bonito verde fresco a Mixin a esa base leer. Voy a usar eso para la sombra. Y probablemente estarás de acuerdo Utilizo bastantes técnicas de mezcla para hacer este tubo, siempre y cuando los valores se coloquen correctamente como deberían funcionar bien. Para tu ejercicio recomendado, quiero que conviertas algunos rectángulos verticales en tubos. Por lo que comenzaremos con un alto croma que tiene un rojo base, y luego mezclado dentro de la familia de tonalidades. Y luego prueba la versión de bajo croma y siéntete libre de mezclar y mezclar todos estos maravillosos métodos de mezcla, tubos de pintura, valor, y taladros de mezcla de color. Hice la versión de alto croma donde nos mezclamos dentro de la familia hue. Y luego una versión de bajo croma donde tiré el fregadero de la cocina a Xia. Tienes un ejercicio recomendado. Por lo que pasó tiempo de calidad explorando, pintando tubos y recordando, cualquier cosa pasa en esa última versión, siempre y cuando consigas que los valores se coloquen correctamente. 44. Pintura de espacios positivos y negativos: Dentro y fuera espacios positivos y negativos. ¿ Qué es un espacio positivo? ¿ Qué hace un espacio negativo? Diferentes formas de definir bordes. Y luego el ejercicio recomendado, ¿qué es el espacio positivo? Y el arte? Nos referimos a eso como el espacio dentro de los bordes o el contorno de su sujeto. Acabo de pintar una botella y todo el espacio que pinté era sólo el espacio dentro de los bordes de esa botella. Y esto aplicaría a cualquier tema, no importa si estás pintando una botella, un auto, un edificio, o una manzana. Y ese es el espacio positivo. Nuevamente, el área dentro del contorno de su sujeto. Ahora volvamos nuestra atención al espacio negativo. Es posible que sepas que este es el espacio fuera de los bordes de tu sujeto. Y usar el espacio negativo es una manera fácil de sugerir y o pintar un objeto. Sin pintar el espacio positivo, deberías poder ver pasando aquí y esta demo. Entonces estoy sugiriendo una botella de vino sin pintar realmente el espacio positivo de la botella de vino en sí. Por lo que tienes diferentes formas de definir bordes. Y los bordes muchas veces ayudarán a comunicar el símbolo o tema que estás pintando. Y esto puede ser muy útil si entiendes cómo manipular ambos al mismo tiempo, de lo que hablaremos en la siguiente lección. Pero por ahora, se te recomienda el ejercicio es pintar formas positivas y negativas. Mantén tus temas bastante simples en esta etapa. A lo mejor una botella como lo hice aquí, una manzana o un plátano. Entiendes la idea. Esa es tu introducción a los espacios positivos y negativos. Discutimos qué espacio positivo es también espacio negativo. Básicamente es una forma diferente de definir los bordes lo que ayudó a transmitir lo que estás pintando a tu público. Y un ejercicio recomendado. Entonces ve a pintar algunos espacios positivos y negativos. 45. Conceptos básicos de capas: Debido a que el acrílico se seca tan rápido, puedes usar capas y esta es una poderosa herramienta. Entonces les diré qué es el estratificación mejor para pintar sobre seco, recuperado, control de bordes, secadores de pelo, acelerar las cosas. Y luego el ejercicio recomendado. Empezaré diciéndote que voy a usar una combinación de pintura espacial tanto positiva como negativa para presentarte a esta idea de estratificación, puedes usar capas de muchas maneras diferentes para lograr una gran cantidad de metas, cualquier efecto en tu pintura? ¿ Qué es el estratificación? Yo lo defino como agregar una capa encima de otra capa seca. Recuerda que te dije, voy a usar esta idea de pintura espacial positiva y negativa para presentarte a Layers. Observe cómo los bordes de mi manzana y botella de vino se hacen muy flojos. Y lo estoy haciendo a propósito como especie de estrategia. Entonces básicamente sé que puedo volverme salvaje y caótico en este punto porque volveré cuando se seque para agregar otra capa encima de ella. Y esa capa se aplicará para hacer una cosa para traer de vuelta parte de la calidad del borde. Y mi tema, como mencioné, puedes usar capas si haces una gran cantidad de efectos. Y este caso, quiero redefinir mi tema y lo usaremos para otras situaciones a medida que avancemos. Entonces mi dolor está mojado y ahora lo mejor es dejarlo secar. Al dejarlo secar, ahora obtengo control total sobre mis colores para poder pintar encima de esta capa seca y saber que la primera capa no entrará en miedo ni en mezcla. La capa que estoy a punto de pintar. Ahora puedo empezar a usar la pintura espacial negativa para definir los bordes de mi sujeto. Y se puede ver que el blanco está en mezclarse en absoluto con la capa oscura original. El estratificación me está ayudando a recuperar la calidad y el control de borde. Un poco cool. Ha, esta es una herramienta muy poderosa para tener en tu bolsillo trasero. Al principio, tengo que presentártelo. Y eventualmente empezarás a aprovechar el poder de la estratificación. Una de las muchas ventajas de pintar con acrílicos tenía secado rápido, lo que significa que podemos agregar capas rápidamente, una encima de la otra. Y si tienes un secador de pelo viejo por ahí, eso puede acelerar aún más las cosas. Yo uso uno todo el tiempo porque soy bastante impaciente. Yo quería que la capa se secara para poder seguir adelante con la siguiente. Se te recomendó el ejercicio es utilizar la pintura espacial positiva y negativa y combinar eso con la estratificación. Empieza como lo hice realmente caótico, solo una mancha grande y los trazos en el papel permiten que se seque. Y luego vuelve con un poco de ol bueno, pintura espacial negativa y redefine tu objeto. Esa fue tu introducción al estratificación. Otra poderosa herramienta exploraremos más a medida que avancemos. Te dije qué capas es lo mejor que pintas sobre seco y esta situación que me ayudó a recuperar el control de borde, si tienes un secador de pelo viejo tirado y lo usas para secar capa para que puedas subir al siguiente. Y tienes un ejercicio recomendado. Ahora por favor ve a explorar capas y vuelve cuando estés listo para más. 46. Leftovers: Oye, no tires eso por la borda. ¿ Qué hacer con las sobras? Video bonus de coma para ti aquí. Reciclar siempre la pintura no utilizada. Hace pastoreo perfecto, consigue un Tupperware grande y úsalo para estudios de valor, recicla pintura no utilizada. Al término de una sesión. Siempre tengo sobras y será una lástima tirar estas cosas en la papelera. Una solución mucho mejor es usarlo. Estos colores hacen grises perfectos, que puedes usar para estudios de valor, que sé que vas a estar haciendo mucho. También. Puedes usarlo para tonificar tu lienzo y papel. Entonces si te gustó la idea de agregar un tono a tu superficie blanca, puedes usar esto como base. Añadido poco azul, un poco rojo, un poco blanco, cualquier tipo de gris que necesites y mientras ah, como Por lo tanto, Sí. Así que consigue un Tupperware muy grande. Sangrándome, no te vayas pequeño porque siempre vas a tener pintura sobrante y sacarla justo en el Tupperware y mantenerla junto a toda tu pintura. Créeme, vas a querer acceso a estos pastos. Yo uso el mío todo el tiempo. Entonces no tires eso por la borda. Usa siempre tus sobras. Recuerda que puedes reciclar esta cosa y usarla para crear arte increíble. 47. Introducción a la luz en la forma: Esta es tu introducción a la luz sobre la forma. Discutiremos qué es la luz sobre la forma, los beneficios, y luego qué vamos a cubrir y toda esta sección, un componente importante, importante para su éxito en pintura acrílica. ¿ Qué es la luz sobre la forma? Y la respuesta es, es el comportamiento de un objeto y ciertas condiciones de iluminación. Se trata de un tema enorme y podría estudiarse por sí mismo durante mucho tiempo. No obstante, en este curso, te voy a presentar algunas de las ideas y principios que necesitarás conocer como principiante ahora que entiendes lo que es, hablemos de los beneficios. Y es decir, se pueden pintar objetos más realistas. Y para ayudarte a guiarte por este camino, trabajaremos con estos coloridos bloques. El luz que llama a un sólido geométrico, como una esfera o un cubo, crea una serie ordenada y predecible de tonos. Aprender a identificar estos tonos y colocarlos en su adecuada relación como una de las claves para lograr una pintura más legible y exitosa. Entonces lo que vamos a cubrir en este apartado, como ustedes saben, vamos a utilizar coloridos bloques geométricos para comenzar nuestros estudios. Y luego presentaré algunas otras formas más orgánicas, como una lima, un poco de ajo, una manzana, y así sucesivamente. Cuando termines con esta sección, deberías tener unos buenos modelos de base para crear luz sobre forma, haciendo así tus pinturas más legibles e interesantes de mirar. 48. Luz y sombra separada y sombra: Otra pepita, luz sobre forma, separando luz y sombra. Hablaremos de lo que es luz en forma. Sombras, proyectar sombras, ver más claramente y después el ejercicio recomendado. Entonces qué es la luz sobre la forma. Y la respuesta es, cómo la luz golpea tu objeto y revela su verdadera forma. Y eso se debe a que la luz solo golpeará ciertas áreas o planos de tu objeto, y el resto estará en sombra y habrá una sombra de yeso. Para entender que en su forma más simple, vamos a hacer un simple ejercicio de dos valores. Echemos un vistazo a las sombras. Por lo que a medida que la luz golpee estas formas, ciertas áreas de ellas estarán a la sombra. Entonces todo lo que no esté a la luz directa será sombreado. Entonces como pueden ver, estoy trabajando en el lado derecho del triángulo. Y yo iré alrededor de cada bloque, cada forma, y haré lo mismo. Incluso si el lado del bloque tiene un poco de luz aún está sombreado, el tubo pasa a ser un objeto redondo, por lo que es más difícil averiguar o decidir qué es la luz y qué hay en la sombra. Pero puse un valor al punto en que caí, luz comenzó a golpear el objeto. Cuantos más objetos boxy son más fáciles de ver. Ahora hablemos de moldes, sombras. Yo quiero incluirlos en mi estudio. Entonces voy a mirar a mi imagen y luego decidir cómo estos proyectiles sombras están impactando en el plano de fondo, el plano de tierra, y luego también en los propios objetos. Esta es una gran manera de empezar a ver tus temas de manera más abstracta, básicamente alejándote de solo visto cuál es el objeto literal. Por lo que al enfocarme en las sombras y proyectar sombras, estoy empezando a ver un patrón muy abstracto cuando combino las sombras y echo sombras, una gran parte de convertirme en artista es localizar e identificar estos patrones abstractos en tus materias. Muchos artistas experimentados, sin duda incluyéndome a mí mismo. A veces, veremos este tipo de patrón antes de decidir si es un buen tema o parece pintar, si siento que puedo reorganizar las cosas para conseguir un patrón de sombra más interesante que sin duda lo haré. Entonces eso nos lleva a ver con más claridad. Y con eso quiero decir, esta es una forma simplificada de ver tus temas. Si notas aquí en este patrón, lo verás casi se conectan entre sí. Entonces cuando miramos la sombra en el objeto, y luego combinamos eso con las sombras del yeso. Comienzan a unirse casi al punto en el que se tiene un objeto frente a múltiples objetos. Nuevamente, una manera interesante de empezar a mirar tus temas. Así que aléjate de lo que realmente estás pintando, que es un concepto muy, muy difícil de hacer para los principiantes. Y sólo enfocarse en algunas de las formas abstractas que hay ahí. Y lo son, solo tenías que encontrarlos. Pero el primer paso es escribir aquí, entendiendo que existe por ahora cuando empiezas a mirar tus temas, comienzas a separarte de lo que realmente es y mira ese patrón de sombras. También presta atención al patrón de luz. De lo que deberías empezar a ver más claramente ahora que he borrado algunos de esos bordes de contorno en los bloques, voy a ir por encima de ambas sombras Una vez más solo para suavizar las cosas y para realmente tomar nota de todos los ángulos y bordes en este estudio en particular. Exploraremos más esto en las próximas lecciones. Se te recomienda el ejercicio es usar la misma imagen que hice en el video, junto con lápiz y papel. Y crea un Estudio Rápido que capture las formas de luz y sombra. Y sólo para que conste, hago este tipo de ejercicio todo el tiempo. Me encanta tomar imágenes, fotografías, etcétera, y descomponerlas. Realmente bueno saber cómo la luz está impactando la forma. Y por supuesto, en su conjunto, busco ese hermoso patrón abstracto de luz y sombra. Por lo que hemos rayado la superficie con luz sobre forma, separando luz y sombra. Describo qué es la luz sobre la forma. Nosotros siempre que sombras y proyectamos sombras, te dije cómo te ayuda ver con más claridad y un ejercicio recomendado y no descuides esta parte de tu programa. Así que ve a divertirte descubriendo patrones abstractos de luz y sombra. 49. Demostración de luz y sombras: El ligero ONE forma a color demo. Vamos a leer, enviar, repetir sólo esta vez usando un color claro y oscuro. Y luego el ejercicio recomendado, lo has escuchado antes, renta y repite. Entonces en la lección anterior, hice lo mismo que haré en esta. Pero lo hice con lápiz y papel. Porque lo estamos haciendo con color, no significa que nada cambie. La única diferencia aquí es que estoy usando un color de valor claro y oscuro. Entonces tengo todo mi paladar, un poco de azul ceruleo, ocre amarillo y rojo cadmio luz, y por último titanio. Espera, porque solo estoy haciendo esto a color demo. No tengo a mis otros tres Hughes fuera porque entiendes cómo mezclar y aplicar pintura. Voy a acelerar muchas partes de este video. Empezaré a pintar mis oscuros usando luz roja de CAD surly y azul y un poco de Titanio. Espera, también notaré que primero voy a pintar las sombras sobre el objeto. Entonces de nuevo, el mismo proceso de pintura o pasos exactos que utilicé la última vez, tratando de por supuesto, usar buen corte en técnica, volteando el papel cuando sea necesario, solo para que pueda conseguir esos bordes y esquinas agradables y crujientes. En mi rutina diaria, diría que uso lápiz y papel para hacer este tipo de estudios. No suelo pintar patrones de luz y sombra. Prefiero hacerlo con lápiz y papel porque es rentable y hacerlo mucho más rápido. Y entonces una vez entiendo cuáles son mis patrones de luz y sombra y siento que es interesante. Entonces puedo pasar a un cuadro final. Pero pintar con dos valores como este puede ser mucho divertido y educativo también. Las sombras están completas. Ahora premezclaré un color base para mis áreas de luz y luego aceleraré por esta parte ya que la aplico a todo lo que está en luz. Cuando hagas estos estudios de dos colores, no intentes ser lindo al tener más de un valor por color. Recuerda, no estás tratando de renderizar una pintura terminada. Solo estás tratando de capturar el patrón de luz y sombra. También usa pintura de grado estudiantil. No hay necesidad y desperdiciar tus reales y costosos suministros en estudios como este. Esta es una lección importante que hay que aprender. No se puede simplemente aprenderlo con una imagen en particular. Tienes que aplicarlo a todas tus materias y a toda tu obra de arte. Simplemente no necesitas usar tu pintura premium para hacerlo. Entonces eso es llevar la sombra aligerada al siguiente nivel mediante el uso de dos colores en lugar de lápiz y papel. Y eso nos lleva a tu ejercicio recomendado usando la misma imagen que hice en el video, que tienes en tus recursos. Crea una luz bicolor, UNA forma, estudio y excelente manera de ver tu tema de manera más abstracta. Luz sobre forma, demo de dos colores. Utilizamos las mismas ideas exactas que compartí con ustedes en la lección anterior. Sólo en esta ocasión utilizamos un color de valor claro y oscuro. Y luego el ejercicio recomendado para que campaña de YouTube, luz colorida sobre los estudios de Forma. 50. Luz compleja en la forma con escala de grisas: Ahora vamos a tomar luz sobre la forma al siguiente nivel haciendo un estudio de valor complejo, voy a discutir el propósito de este estudio, jerarquía de valores que no debería ser ajena para ti, simplificando valores. Y luego el ejercicio recomendado, el propósito de este estudio fue prepararnos para pintar. Como ya he mencionado antes, ver valor es el primer paso. Y luego si puedes emparejar color con valor, estás bien en camino a encontrar la libertad poner tus ideas en papel o en Lienzo. Por lo que tengo mi escala de valor hacia abajo. Como he hecho en el pasado, me referiré a esa escala y probaré ciertos valores en caso de necesitar. Al igual que con escalas anteriores, aplicaremos un cinco al valor más oscuro y luego designaremos los valores más claros o el valor más ligero como uno. Ahora organicemos la jerarquía de valores, empezando por el valor más ligero, que será el primero. Y luego moviendo nuestro camino a través de la oscuridad, sus valores con mis valores más ligeros en su lugar, los dos únicos serán la parte superior del cubo y la espalda. Se aplicarán tres al frente del triángulo, también el plano de tierra y el lado izquierdo de la cara del cubo que está más cerca de nosotros. Tenemos un cuatro encima de ese cubo para la mayoría de las sombras. Y luego un tres con la sombra a la derecha, dejándonos con nuestro valor más oscuro, que es ese cinco al lado del cubo. Entonces lo que acabo de hacer fue probablemente simplificar más de 1000 valores y a cinco, haciendo mi trabajo mucho más fácil. Ahora puedo ir por ahí empezando con el valor más ligero y bloquear todo como ya hemos hablado antes. No me voy a poner quisquilloso con detalles aquí. En realidad haré justo lo contrario. El objetivo aquí es mezclar el valor que sea apropiado para el número y aplicarlo a todo lo que tenga el número en él. Cosas fáciles que te dije eran números BOD pintados. Entonces en esta etapa, no me preocupan los bordes ni tratar de hacer divisiones sobre cuál es el fondo o qué es un objeto real. Simplemente estoy poniendo ese valor en todas partes a las que pertenece un. Ahora que eso no es, puedo poner los dos, lo cual fue bastante fácil. Tengo un valor ligeramente más oscuro, que irá en todo lo que sea un tres. Entonces yendo alrededor de todos los bordes, cortando en las esquinas usando una buena técnica. Todas esas cosas que discutimos al inicio de este curso, todas esas habilidades están empezando a dar frutos. Si hizo su debida diligencia. Como pueden ver, nuestros tres ya están hechos. Ahora puedo pasar a la derecha a la 4s, otra vez, sin prestar atención ni preocuparme por detalles de este punto, sólo confiando en el patrón de valor que presenté al principio mismo. Espero que vean ahora lo importante que la luz sobre la forma es una comprensión del patrón que crea. Una vez que tengas eso, entonces puedes diseccionarlo, dividiéndolo en tal vez cuatro o cinco valores, y luego aplicar ese valor en consecuencia. Entonces construyendo esos buenos fundamentos que están empezando a pagar enormes dividendos. Como pueden ver, estoy trabajando a mi paso por el 4s. Tengo los dos, que quizá sea un poco complicado. Y luego, por último, ese bonito valor oscuro en la esquina derecha de ese cubo. Voy a poner un poco de ese valor oscuro en el lado derecho de eso también. Y ahora voy a mezclar eso en tan solo un poquito así voy a limpiar mi pincel y luego plumas que alrededor tratando de darle una ronda Mira a diferencia de un look cuadrado que las otras formas geométricas tienen un poco de retoque aquí o corrigiendo. Y entonces puedo empezar a pasar a los aspectos más destacados. Entonces entraré con algún valor casi blanco aquí y añadiré eso a las zonas que más luz estén recibiendo, que será el cubo y el fondo que sea de un valor más ligero. Y luego la banda vertical de valor de luz en el frente de eso también. Seguiré dando la vuelta al cuadro y solo hago un poco de retoque. Yo sí creo que el lado derecho de eso también, necesita un poco más de sombra para venderlo y luego suavizarlo para darle esa sensación redonda. Y eso es más o menos. Unas sombras debajo de estas formas. Lo terminaremos bien. Eso nos lleva a tu ejercicio recomendado. Y por cierto, aquí es donde te van a poner a prueba en tu compromiso. Porque a medida que vayamos más allá, las cosas se pondrán cada vez más desafiantes. He amueblado la imagen para esta demo en particular. Por lo que tienes acceso a eso. Por lo que mi consejo sería esbozarlo como lo hice y luego planear sus valores. Además, siéntete libre de explorar una versión de clave baja o una versión de Heikki. No tiene que ser exactamente como el mío. Ese fue un estudio de valor complejo, luz avanzada UNA forma. Comparto el propósito de este estudio. También discutimos la jerarquía de valores y cómo simplifica los valores y luego el ejercicio recomendado, diviértete. Pintura. 51. Construcción de pequeñas cajas de luz: Te puede interesar hacer una caja de luz. Esta es tu guía rápida de procedimientos. Cubriré lo que es una caja de luz, los beneficios y pintura de la vida. ¿ Qué es una caja de luz? El lightbox que usaré en este curso me ayudará a colocar mis simples objetos y luego usar alguna iluminación controlada para tomar fotografías. Y hay muchos beneficios por tener una caja de luz. Tener la libertad de mover la fuente de luz y diferentes direcciones me dará enormes ventajas en la configuración un escenario o condición de iluminación en particular en la que quiero enfocarme. Volvamos a cómo se hace esta cosa. Corté este cartón 15 por 12 pulgadas. Entonces lo aumenté por el medio o cerca de él. Ahora puedo controlar en qué colores estoy pintando. Su, Por ejemplo, tengo un gris y luego un blanco cáscara de huevo. Yo puedo puedo fácilmente adjuntar el gris usando cinta de enmascaramiento. Me acostaré sobre eso arriba con el pliegues en el medio y presionaré firmemente, voltearlo y luego tomaré los reversos. Por lo que puedo usar eso como mi plano de tierra o como un plano de fondo. Ahora adjuntaré el blanquecino al otro lado usando exactamente el mismo método. Podría usar esto poniéndolo de pie verticalmente. Pero para este curso, decidí usarlo como si fuera una laptop. Y si ese fuera el caso, colocaría mis objetos en el teclado y la pantalla sería mi fondo. Y entonces tocaré algo alto y pesado detrás de él, lo que me permite ahora pintar de la vida, puedo agarrar los objetos que me parezco y arreglarlos de cualquier manera para crear un tema fantástico. Por supuesto, el cielo es el límite. Agarra los objetos que tengas sentados alrededor de la casa. Puedes pintar desde la vida y luego también puedes agarrar tu teléfono, tomar imágenes. De esa forma tendrás un buen material de referencia cuando se almacene la caja de luz. Ah, y casi me olvido. Consigue una pequeña lámpara de escritorio para controlar la iluminación. Apague las luces de la habitación. Configura tu pequeña lámpara, y luego apunta esa luz en cualquier dirección. Y voila, te tienes una encantadora bodegón configurada donde puedes pintar de la vida real o fotografías para tu próximo proyecto DIY, haz una caja de luz. Esta fue tu guía rápida de procedimientos. Entonces te dije lo que es una Lightbox y los beneficios y te encantará pintar de la vida. Qué gran herramienta de aprendizaje que es tener al alcance de tu mano. 52. Introducción al color local: Bienvenido al color local. Encuentra esa base, Hugh. Mezclar color y realmente pintar en su conjunto implica poner color hacia abajo y tu sujeto tendrá tantos colores, puede ser abrumador cuando comienzas a poner un color hacia abajo. Entonces el objetivo aquí es simplificar ese proceso. Y lo haremos definiendo y decidiendo por un color local. A partir de ese color, podemos mezclar fácilmente nuestros tonos y tensos. No hay mejor manera de aprender esto que simplemente saltar. Tomemos estas naranjas. Cuando miramos esas naranjas, hay miles de sutiles variaciones de color en esas formas. Entonces lo que vamos a hacer es encontrar un color local base, y ese color debe representar el tono promedio para el naranja es no debe ser la luz más clara, no debe ser la más oscura oscura. Nuevamente, queremos un matiz base promedio del que podamos mezclar luces y oscuras. Añadamos el color base para esa naranja. Por lo que puede verse algo así. Como se puede ver. No es demasiado oscuro y no es demasiado claro desde esa base, Hugh, podemos llegar a un color que funcionaría para el costado de las naranjas que están golpeando la luz. Y podemos agregar un poco de Alizarin carmesí, quizás un poco de azul, y llegar a un tono que funcionaría bien para la mayoría de las sombras. Entonces, ¿qué pasa con el tazón? Vamos a hacer el mismo proceso. Volveremos a encontrar nuestro color base, no demasiado oscuro, no demasiado claro, y luego empezaremos a mezclar desde ahí. Entonces agregando un poco de blanco a ese tono, pero fácilmente nos dan el lado que está captando la luz, agregando un poco de azul, tal vez un poco de verde, incluso gris. Podrías fácilmente llegar a las sombras. El fondo hará lo mismo. Encontraremos ese color base, que pasa a ser muy oscuro y valora un poco de blanco a eso. Y tenemos el área en primer plano, y podemos sombrear ese color y fácilmente llegar a esos tonos súper oscuros. En la parte trasera, ahora pondré un rectángulo alrededor de los tres Hughes alineados en el medio. Esos colores representarían a los Hughes locales para los principales objetos en este tema. Entonces tenemos nuestra base, naranja, azul, y luego el color de fondo, un gris oscuro. Y eso es lo esencial de entender el color local. Y el propósito de esto, de nuevo, es simplificar las opciones de color. Sólo entiende que necesitas crear una pintura que sea un símbolo de tu tema. Nunca vas a poder igualar a la naturaleza. Entonces si intentas conseguir el color perfecto en tu tema, entonces estás en un mundo de lastimado. Nunca, nunca ganarás esa batalla. Un mejor plan es encontrar un color local que funcione y luego mezclar estás tenso y tonalidades alrededor de ese tono. Con este enfoque, tendrás mucho éxito sin todo el estrés. 53. Proyecto de bloqueos coloridos con la posición: Bloques coloridos como tiempo para ponerse al día, discutirás tonificar tu superficie o prepararla. Y luego cubriré el laico y el dibujo. Empezaremos por tonificar la superficie. Estoy usando un pedazo de papel de nueve por 12. Ese mismo papel he usado una cada demo para este curso. Ahora en lugar de pintar directamente sobre la superficie blanca, voy a tonificarlo. Y usaré mi cepillo grande junto con algunos neutrales. Por lo que tengo un poco de blanco y un poco de gris premezclado. Y mezclaré un poco de color de temperatura cálida en eso, y ese color será ocre amarillo. La ventaja de comenzar con una superficie tonificada es que es mucho más fácil ver tonos más oscuros y claros cuando comienzas con una superficie blanca brillante como papel o lienzo, que es difícil ver los valores más claros. Entonces el objetivo aquí es bajar un valor que está en el medio para que no lo quieras demasiado claro o demasiado oscuro. No obstante, muchos artistas prefieren comenzar con el blanco, y muchos otros artistas prefieren comenzar con algo muy oscuro. Depende totalmente de ti. Solo te estoy dando unas cuantas técnicas, algunas opciones en las que pensar, para explorar cuando tengas tiempo. Empezar con este gris medio ligeramente en el lado cálido debería funcionar bien. Como mencioné, una vez que tuve ese n, eso me dará una buena indicación de cuán oscuros o claros son mis valores. Es muy importante dejar que esta superficie se seque. Por lo que una vez que termine de pintarlo, se secará completamente. Y sólo entonces empezaré a pintar en esa superficie. Ahora conseguiré una nueva paleta y bajaré mis pinturas. Estoy usando un pedido similar, si no el mismo que usaba antes. Poner los Hughes hacia arriba hacia arriba y luego usar mis filas verticales para mezclar. Y ahora es el momento de añadir el laico en el dibujo. Entonces este es un boceto de contorno rápido de todos los bordes y formas principales de mi sujeto. Voy a poner ese tema arriba en tan solo un momento. Pero quería cubrir la pintura que usaban para mi yacía adentro. De nuevo, ya sabes, es cuerpo pesado, pero quiero empezar con un matiz que es como un gris más oscuro, nada negro. Pero ciertamente necesitaba presentarme sobre el valor medio con el que tonifico la superficie. Además, diluí bastante esa pintura con agua. No necesitas que la pintura sea muy gruesa. Tan líneas muy ligeras y transparentes es todo lo que necesitamos para el laico en el dibujo. Normalmente voy a empezar mi laico añadiendo la línea más larga que puedo ver en mi imagen. Este caso es la línea donde el suelo o el plano plano se reunirá con el plano vertical en el fondo. Es una especie de línea en ángulo. Y una vez que tenga eso, puedo comenzar a ubicar mis otras formas grandes. Empezaré con el cilindro porque siento que esa es la línea más larga. Entonces me metió esa vertical ahí dentro y luego me puedo mover de inmediato al bloque rojo, a la derecha besotada. Tener ese cilindro en su lugar me da un punto de referencia para agregar mi bloque rojo. Y si necesito agregar un poco de primer plano ahí, es bastante fácil de hacer. Entonces solo puedo bajar esa línea sólo un poquito si me quedo sin espacio, esta es otra gran ventaja del papel. No estás confinado al ancho y tamaño del lienzo, que en la mayoría de los casos ya está pre estirado. Ahora estoy tendido en el cubo y la espalda, otra vez, sólo desbaste. No hace falta que sea perfecto. Una vez que tengo todas estas formas en la superficie, entonces puedo empezar a ajustar las cosas un poco más. Aquí puedes ver, estoy tratando de encontrar el lado derecho de la esquina de ese triángulo. Sé que está ligeramente a la izquierda del lado derecho de ese bloque amarillo. Entonces estoy comparando formas, mirando atrás y adelante para entender su relación entre sí. Nuevamente, esto no es una clase de dibujo. Eso lo he mencionado varias veces en este curso. Entonces si quieres un buen curso de dibujo, dejaré un enlace en la descripción porque tengo un montón de esos que puedes explorar también. Y sé que mi león se ve un poco áspero alrededor de los bordes, pero para mí funciona simplemente bien dependiendo tu enfoque que quizá quieras afinar eso un poco más, pero sé que puedo aguantar esto y trabajar con ello. En este video, comenzamos a pintar bloques de colores. Tono la superficie y luego hice la yacía en dibujo. Ahora es el momento de pasar a la primera capa. 54. Proyecto de bloqueos coloridos con bloqueo con bloqueo con bloqueo: Y comenzaremos las siguientes etapas bloqueando en las que ya sabes de usaré un color local. De nuevo, ya sabes de eso también. Y no voy a tratar de igualar el color de nuevo, ya sabes esto, pero lo corregiré más adelante cuando me dé cuenta de que las cosas no son perfectas la primera vez. Entonces empecemos con el final del bloque. Y antes de hacer eso, tengo que pensar en el color. Y para mis cuadras me voy a quedar con las primarias. Ya está ahí para mí. Entonces sé que mis colores principales van a ser azul, rojo, y amarillo por fondo será un blanco apagado. Y luego tengo un primer plano gris. Entonces voy a mezclar un color local que no es perfecto. Nunca va a ser perfecto, pero va a estar en el estadio. Nuevamente, un color local que representa un tono base para mi fondo. Entonces estoy usando un poco de blancos de titanio. Me mezclaré un poco de ocre amarillo solo para calentarlo un poco. Y a veces es bueno tener una mentalidad de que no quieres pintarlo perfecto. Porque si vamos a hacer capas, así que la primera vez, casi puedes conseguir algo que es un poco más oscuro para que vengamos por segunda vez, ya sabes, vas a agregar un valor que va a ser un un poco más ligero. Por ahora, solo estoy cortando alrededor de los bordes principales usando alguna buena técnica ahí. Pero de nuevo, sé que tengo capas y mi bolsillo trasero. Si repaso un poco los bordes, siempre puedo volver un poco más tarde cuando la pintura esté seca y corregir las cosas. Entonces sí, estoy cortando. Estoy tratando de hacer un buen trabajo. Estoy tratando de ser limpio como puedo, pero no voy a entrar en pánico si me pasa por encima de una línea o un borde. Entonces te das la idea de dónde estoy con la etapa final de bloque. De nuevo, esto es como un borrador áspero, así que voy a acelerar las cosas sólo un poquito. Y una vez que lleguemos a algo que es realmente importante, volveré a sonar. Así que siéntate y relájate mientras inicio mi etapa final de bloque. El bloque de fondo en está terminado, y ahora voy a empezar a hacer el pre de primer plano, mezclando un color local base, que es gris. Para los bloques azules, voy a usar Cerulean y carpa que con un poco de blanco y también un poco de azul ultramarino. Porque el primer plano y el fondo siguen un poco mojado si te resulta que te mezclan eso en tu pincel con el azul o cualquier otro color? Tan solo tómate un momento, usa tu toalla y límpiala y sigue pintando. Por lo que esta es la parte uno de la etapa final de bloque. En la siguiente lección, continuaré con el final del bloque. 55. Proyecto de bloques de colores con bloqueos continuados con bloqueo de bloqueo: En esta lección, seguiré haciendo bloques de colores y comenzaré recogiendo donde lo dejé en la lección anterior con la etapa final de bloque. En este punto es el momento de mezclar un poco de rojo. Por lo que usando CAD luz roja. Y también usaremos un poco de ocre amarillo y un toque de luz solo para inquilinar un poco. Una vez que tuve ese color local base, puedo empezar a pintar el bloque rojo. Otra vez. Aceleraré las cosas aquí porque ya sabes cómo funciona esto. me has visto mezclar pintura y si pasa algo importante, destacable que hay que entender, voy a sonar. El rojo está terminado por ahora, puedo empezar a mezclar mi amarillo usando la luz amarilla cad. Un toque de ocre amarillo con algo de peso de titanio me debería dar una buena base. Color local. De nuevo, no estoy tratando de igualar. Yo sólo estoy haciendo el primer pase. No hace falta que sea perfecto. Y por supuesto, nunca lo será. En este bloque en etapa. Observe que no me he centrado en las sombras, en bloquear toda la forma con el color local, pero es hora de empezar a agregar algunas sombras. Estoy empezando por usar titanio blanco mezclado con un poco de mi gris. Y me voy a enfriar eso solo un poquito con estos cerulean y un poco de Alizarin carmesí dándole un poco de esa sensación violeta. Por lo que agregar las sombras de fundición en el fondo será el paso uno para las sombras. Y una vez que termine con las sombras de fondo, mezclaré un tono más oscuro para las sombras de primer plano. Por lo que nuevamente lo son, proyectan sombras provenientes de los bloques que están en el suelo o de la llana plana en la que están sentados los bloques. Esta Q debería ser un poco más oscura porque el valor base para el plano plano es más oscuro que el del fondo. Y ahora eso cubre las sombras del reparto. Bueno, en su mayor parte, voy a usar un poco de esa base amarilla mezclada con gris. Por lo que estoy sombreando mi bloque usando el método gris y no necesariamente un método complementario. Estoy comparando tonos de sombra entre sí. Noté que la parte superior del bloque parece un poco más ligera en valor que el lado izquierdo. Por lo que quería tratar de que esa parte de ella fuera correcta. Hacer que los valores sean correctos es más importante que conseguir que el color sea correcto. Ahora tengo una sombra de reparto pasando por esa cuadra. Usaré la misma mezcla exacta que ya he usado para esa sombra. Para la sombra azul, solo mezcle algo del color local con un poco de la luz roja CAD, sombras rojas, utilicé el color local más Alizarin carmesí y un poco de azul ultramarino. Ahora voy a añadir un poco de ocre amarillo, un toque, un azul, y un poco de blanco para la parte superior de ese bloque, porque sé que el rojo es un poco más claro y valora luego el lado derecho de ese bloque rojo, que es el valor más oscuro para la sombra en el tubo vertical aquí, solo usaré el azul que ya tienen pre-mezclado y su premezcla porque ya lo he agregado al bloque triángulo en primer plano. El único que queda en este punto es terminar mi sombra de reparto en la cuadra. Y una vez terminadas estas sombras, eso debería completar nuestra primera capa, que es el extremo de bloque. Entonces aquí hay un poco de mirarlo. Y ahora dejaré que eso seque bloques 100% coloridos. Ponerse a los negocios. Hablamos del extremo del bloque usando el color local, no tratando de igualar el color. Y volveremos más tarde y lo corregiremos porque no queremos que esa primera capa esté cerca de la perfecta. Solo estamos tratando de conseguirlo en el estadio de baile. 56. Proyecto de bloques de colores con capa final: Ahora es el momento de la segunda capa. Por supuesto, usaremos la segunda capa para hacer cualquier Correcciones de color, cualquier corrección en forma, etcétera. Y luego te daré un ejercicio recomendado. Muy importante que sepas, la segunda capa no ocurre hasta que la primera capa esté 100% seca. Hacer esto nos da un control total sobre nuestro trabajo de pinceles y nuestros colores. En este punto, voy a ir con un proceso similar, empezando por los antecedentes. Conozco ese fondo como un poco oscuro, algunos van a premezclar mi color, que es una corrección porque el color al mezclar va a ser un poco más claro y valor, también voy a añadir un poco más ocre amarillo en él, el cual le daremos una temperatura un poco más cálida. Por lo que una vez que tenga eso listo para ir, voy a usar mi gran piso para empezar a cortar. No tengas miedo de usar tus pinceles grandes. Este es el propósito de tenerlos, pueden bajar mucha pintura rápidamente. Es interesante cuando miras este color me acabo mezclar y empiezo a ponerlo sobre el fondo. Antes de que se agregara ese color, la escena de fondo que tal vez un poco cálida, pero cuando le agregamos este tono más cálido, empieza a dar la impresión de que ese color era muy fresco. Nuevamente, el color es todo relativo como mejor para no juzgar la temperatura de un matiz hasta que tengas algo más con lo que compararlo. Y ahora me mudo a las sombras del reparto y nos vamos a centrar en las sombras para el muro. Estoy usando la misma mezcla para mi violeta. Tan ultra Marine y un poco de Alizarin carmesí. También voy a mezclar un poco de verde abajo. Y ese verde que voy a mezclar con ese violeta y eso sólo lo va a neutralizar un poquito. Por lo que no estoy usando una Violeta pura es más de una violeta neutra. El pequeño test que hice ahí parece un poco demasiado marrón. Por lo que volveré a poner violeta en ella usando azul y Alizarin carmesí. Nuevamente, siempre podemos empujar nuestros valores de ida y vuelta siempre y cuando entiendas el sesgo del color. Entonces si un color tiene cierto sesgo y querías inclinarte en la otra dirección, entonces simplemente agrega ese color a tu mezcla para que el color funcione bastante bien. Como se puede ver. Estoy agregando eso a nuestras sombras de yeso en la pared donde la parte superior de las sombras se encuentran con el blanco de la pared. Arrastro ligeramente mi pincel a través de él y eso le da ese artefacto. Y hablamos de antes. Ahora con un poco de mi amarillo local, le voy a añadir más blanco. No voy a ajustar mucho este color. Yo sólo voy a añadir otra capa, que sólo va a hacer que sea un poco más rica y vibrante. Una vez que el color esté donde lo quiero, empezaré a cortar en ir alrededor de los bordes principales. Y luego por supuesto la sombra elenco, que viene de ese bloque triángulo, porque estaré pintando esa sombra en el bloque realmente pronto. No quiero hacer eso por una pintura húmeda. Entonces todo eso se ve bastante bien. Ahora puedo pasar a esa sombra de efectivo. Mi amarillo ya está abajo, así que le pondré un poco de extremo violeta a eso, que pasa a ser el color complementario. Puedo probarlo y parecía un poco demasiado ligero y de valor. Por lo que yo sólo agregaría más fin violento a eso. Entonces eso se ve bastante bien. Sigo pensando que necesitamos un poco más violeta. Entonces premezclaré un poco más y luego le agregaré una pequeña cantidad a ese amarillo hasta que sienta que todo está bien. Nuevamente, note cómo estoy emplumando ese borde de la sombra un poquito para que el borde de la sombra colada no sea tan rígido como nuestros bordes de bloque. Ahora voy a calentar un poco la distancia de sombra en el cubo amarillo. Y eso lo estoy haciendo solo agregando un poco de luz roja CAD a eso. Yo lo probaré. Si parece un poco a valor aligerado, entonces puedo llevar un poco de ese violar gris en ella. Eso se ve bastante bien. Y ahora yo, una vez que añadas la segunda capa a la sombra del lado izquierdo, estaba un poco verde y fresco para mi gusto. Entonces voy a calentar eso sólo un poquito. En la segunda pasada. Ahora giraré mi atención hacia el tubo azul y el fondo. Sé que el color es bronceado o madera natural, pero pensé que darle un tono azul no haría que la composición fuera un poco más cohesiva. Entonces estoy bastante mezclando un poco de Cerulean, un poco de blanco titanio. Entonces me siento como ese color local, la menta tiene bastante bien. Creo que funciona bien para ese objeto en particular. Entonces voy a dar la vuelta y pintar principalmente el lado izquierdo del tubo. Si bien ese azul es todo mi pincel, seguiré adelante y añadiré un poco de blanco a la mezcla y luego pondré ese valor, el valor azul más claro también en el triángulo. Sentí que hacer ese azul un poco más claro dará la ilusión de que está un poco más cerca de ti que el azul y el fondo. Agregando un poco más de blanco a esa mezcla de color local, comenzaré a agregar una ligera banda vertical de color a lo largo de la cara de esos dos. Ahí es básicamente donde la luz lo está golpeando plano. Entonces eso va a empujar el valor de la izquierda de eso a un poco más oscuro. Y entonces por supuesto, el lado derecho de ese tubo es el valor más oscuro. Y hablando de valores de azul oscuro, estoy usando mi azul local base y agregando azul ultramarino y carmesí Alizarin también, eso, eso parecía un poco demasiado oscuro. Entonces le puse un poco de extremo blanco y gris a ese tono. El gris, por supuesto, reducirá parte del croma y agregar el blanco obviamente aligerará el valor general o el tono de ese azul. Entonces eso se ve bastante bien. Ahora, un poco más rico y más oscuro para el lado derecho de eso también, y luego también la parte superior de la misma. Y eso debería completar más o menos nuestro Blues. Por ahora. Puedo empezar a dirigir mi atención al bloque rojo. Y para eso me quedo con mi gato luz roja. Al igual que la base local whew. Entonces pondré un poco de blanco titanio y luego también un poco de gris. Y ese poquito de gris sólo hará ese color y lo desaturó. Por lo que no me siento como ese color como exigiendo mi atención. De acuerdo, Entonces las cosas están empezando a juntarse un poco aquí. Ahora puedo mirar estos lado de sombra por su rojo, un poco de Cerulean Blue, y un poco de gris debería funcionar bien. Y ese gris sólo va a tonificarlo lo suficiente. No quiero que ese color sea demasiado rico. Y por supuesto tampoco quiero que sea demasiado oscuro y valore. El lado derecho de ese bloque va a tener el valor más oscuro. Pondré un poco de Alizarin carmesí y ultra marino y a esa base roja. Y eso debería darme un bonito valor oscuro para colocar en el lado derecho. Entonces lo mezclaré hasta que sienta que tengo un valor que debería funcionar. De nuevo, me refiero más al valor y menos a la coincidencia de colores. Siempre y cuando consiga los valores juega correctamente. Al igual que debería funcionar en su conjunto. fondo y los bloques son buenos por ahora, mezclaré un gris base y luego le añadiré un poco de violeta. El objetivo aquí es conseguir un matiz que sea un poco más ligero en valor que lo que es el plano terrestre en este momento. Eso se ve bastante bien. Por lo que voy a empezar a agregar eso cortándolo alrededor de algunas de las formas principales, asegurándome de no pintar las sombras de caché porque estoy haciendo las sombras de efectivo Next. No quiero que esa zona esté húmeda. Por lo que quiero aplicar esta pintura sobre una superficie seca y no sobre una superficie húmeda. Entonces eso se ve bastante bien. Creo que ahora puedo pasar a esas sombras de efectivo. Yo quiero un valor que sea un poco más oscuro de lo que ya he puesto para el plano de tierra. Entonces usando un poco de cad Red, un poco azul ultramarino, y simplemente llegar a algo que funcione ojos de valor, creo que esto está empezando a funcionar bien, pero tal vez aún sea un poco demasiado ligero. Por lo que sólo poner algo de Alizarin azul carmesí y ultramarino en eso oscurecerá ese valor. Y entonces puedo empezar a ver cómo funciona eso. Obviamente, esto está funcionando un poco mejor. Entonces creo que me voy a quedar con eso y terminarlo agregando las sombras de efectivo. Al igual que con las sombras de fondo que se proyectan en la pared. Quiero asegurarme de que estos bordes estén emplumados solo un poquito. No quiero que el borde de la sombra de reparto sea demasiado rígido. Eso lo verás un poco más claramente cuando veas la imagen final. Y por supuesto, adjuntaré todas las ilustraciones y demos que hice en este curso y un archivo. Por lo que tendrás eso a tu disposición siempre y cuando lo descargues. Ahora que todo tiene una segunda capa encima, decidí hacer algunas correcciones más. Una de esas es simplemente hacer que el plano de tierra sea un poco más ligero y de valor. El toque final es suavizar los valores en el tubo vertical y el fondo. Porque ese es un objeto redondo. Yo quiero que los valores transiten un poco más suavemente. Por lo que tomar ese cepillo seco y mezclarlos juntos debería hacer el truco. Y eso nos lleva a tu ejercicio recomendado. Voy a primero la imagen que utilicé en esta demostración. Me gustaría que siguieran pasos similares como lo hice y pintaran estos coloridos bloques. Esta es una experiencia de aprendizaje tan buena. No tienes que pintar escenas complicadas y ordenar aprender lo mejor para simplificar, como lo he mencionado muchas veces en este curso. Por lo que no se trata sólo de pintar bloques. Te estás centrando en el color, los valores, el color, la temperatura, los conceptos básicos de mezcla, todas esas cosas que todo pintor necesita aprender y cualquier pintor experimentado te dirá, estos son los fundamentos de la pintura. Si puedes hacer esto con un tema sencillo, entonces eso hará más fácil pintar temas más complejos más adelante. Y eso fueron bloques de colores. Al ponerse al día, agregamos la segunda y última capa, hicimos algunas correcciones y tienes un ejercicio recomendado. Entonces hazlo para que podamos pasar al siguiente. 57. Manzana y bloqueos con la puesta en posición: Bienvenido a Apple en bloque demostración número dos. Usaremos el mismo flujo de trabajo que en la lección anterior. Buscaremos ángulos interesantes. Nuevamente, no intentes igualar los colores. Nos enfocaremos en el valor y el tono. Y al final tendrás tu ejercicio recomendado. Entonces de nuevo, mismo flujo de trabajo exacto que antes. Pero esta vez voy a empezar con un lienzo tonificado que es más de un tono azulado o verde. Entonces mezclando un poco de Cerulean con mi pasto junto con mi ocre amarillo y un poco de luz amarilla cad. Eso debería darme el verde medio tono perfecto para empezar. También estoy usando mi piso grande. También tengo un agarre de voladizo y le agregué mucha agua a esa mezcla. Esos son los conceptos básicos de los que hablamos al inicio mismo de este curso. Creo que entiendes lo que está pasando aquí. Entonces nos saltaremos hacia adelante. Muy importante que si utilizas una superficie tonificada para dejarla secar, esto es agradable y seco, lo que significa que puedo iniciar el siguiente paso, que es la tierra. Para esta tierra, usaré mi plano más pequeño, mezclando ese blanco de titanio con unos pastos, una mezcla de migrañas, se puede ver con algunos amarillos, rojos y azules. Este será un diseño cuadrado. Y voy a empezar con la línea más larga, que de nuevo es la línea donde el primer plano se encuentra con el fondo. Puedo empezar a encontrar mis ángulos. Entonces miraré a mi sujeto y traté de conseguir el panorama grande mirando cómo esos bloques están angulados dentro del marco. Y una buena manera de hacerlo es simplemente comparar lo que se adornan los ángulos con el borde al-Assad de la imagen. Entonces cuando miras estos lados perpendiculares que tiene la fotografía, luego comparar eso con lo que se hace el sujeto real. Se puede empezar a ver estos ángulos un poco más claramente. Y eso me ayuda a conseguir una caída rápida. Y de nuevo, no estoy tratando de que las cosas sean perfectas aquí, pero sí quiero que esto quede en transmitir la perspectiva general con la que estamos tratando aquí. Entonces en esta escena en particular, estoy encima o mirando encima de, debo decir, mi tema. Además la perspectiva sobre algunos de estos bloques es que algunos de los bordes están más cerca de mí mientras otros se alejan de mí. Puede ser un poco complicado captar esto, pero prestar atención a los ángulos es muy importante. Entonces solo tratar de dejar caer algunas habilidades de dibujo en ti, aunque ese no es el foco de este curso. Ahora puedo empezar a mirar a la Manzana y cómo eso se inclina ligeramente hacia la izquierda. Siempre trato de imaginar. La línea principal del eje. Entonces si pongo una línea vertical por el centro de esa manzana, así que básicamente bajé por la mitad del núcleo. ¿ De qué manera se inclinaría ese núcleo? Izquierda, derecha, centro, etcétera. Y este caso, solo creo que queda un poco. He tenido que hacer muchas correcciones. Y las líneas blancas están empezando a ponerse un poco demasiado gruesas. Voy a usar un poco de Alizarin carmesí mezclado con algunos de mis grises y volver sobre eso. Sólo para que pueda ver más claramente dónde están algunos de estos bordes de contorno en algunas de estas formas Bain. Entonces algo así te pasa a ti. Simplemente toma el valor opuesto. Por ejemplo, si estuviera poniendo este N con una línea más oscura y las cosas se pusieron un poco desordenadas. Simplemente volveré a repasar eso con una línea de valor más ligera. Y de esa manera puedo empezar a ver cómo están las cosas malteando para el diseño inicial. Yo sí quiero que la perspectiva general esté ahí. También me preocupa la escala. También lo son los objetos en mi tema, la escala correcta. El tamaño de cada objeto, debe ser relativamente correcto cuando se compara con otro objeto. Entonces eso es algo por lo que estoy un poco borroso. No soy tan grande en. La precisión es como si no fuera una manzana perfecta, eso está bien. Yo sólo quiero que la perspectiva esté ahí. Creo que eso es una gran parte de la creíbilidad del cuadro. Y quiero que la escala de las cosas sea algo precisa. Si bien estaba dando el lowdown sobre mi filosofía con un dibujo de maquetación, premezclé un poco de blanco titanio con un poco de violeta y grises. Se puede ver esto mezclando un poco con la pintura roja en mi maquetación. No es gran cosa. Recuerda que esto es sólo la primera capa. Lo repasaremos de nuevo más adelante. Ahora si me meto demasiado rojo mezclado en eso y empieza a hacer el color local blanco en general a rojo entonces sí, me detendré y limpiaré las cosas. Pero en este caso, creo que estamos bastante bien. Ahora estoy mezclando el gris. Para el plano de tierra. Yo uso azul ultramarino, Alizarin carmesí, blanco titanio, y luego un poco de Cerulean Blue. Y a eso, haré todo lo posible para cortar alrededor de algunos de estos bordes. Y a medida que voy, estoy así corrigiendo algunas de las líneas de perspectiva. Tantos de mis pinceladas muchas veces irán en la dirección que es el sujeto real. Entonces como el fondo de esa cuadra ahí en primer plano. Aviso cuando hice esa pincelada, lo hice con línea recta. Pero esa línea recta realmente sigue la perspectiva que quiero para ese bloque. Por lo que puedes corregir fácilmente las cosas a medida que avanza. Lo volveré a hacer mientras pinto el lado izquierdo de ese bloque. Entonces ese ángulo ahí mismo, esa pincelada me ayudó a cincelar la perspectiva del lado izquierdo de ese bloque. Lo hice de nuevo ahí mismo. Entonces esa no es una línea vertical perfecta porque estoy mirando hacia abajo en esa cuadra. Esa pierna de ese arco pequeño se está moviendo ligeramente hacia adentro, por lo que no es perfectamente vertical. Ahora es el momento de pintar la Manzana. Nuevamente, una buena base, color local, que es mi cad Luz Roja mezclada con mi ocre amarillo. Y el ocre amarillo sólo reducirá el croma de ese rojo lo suficiente para que de nuevo, ese color no salte de la página. Ahora es el momento del verde. Por lo que hay un bloque verde debajo de la manzana. Quieres mezclar un color local base. Estoy pensando un poco mi cad luz amarilla mezclada con mi grosero y azul y luego un poco de gris en eso. No quiero que esto sea un alto croma verde. Por mirar ese bloque verde. Simplemente me dice, oye, soy verde, pero no te estoy gritando. Entonces solo conseguiré algo que siento que hará el trabajo. Por lo que a veces podemos juzgar sólo el carácter de un color, como cuando lo miras, no te grita y exige tu atención. O es sólo una especie de sentarse ahí pasando el rato, ya sabes, como si estuviera aquí, sólo un poco chileno. No es gran cosa, no te preocupes por mí. Tan solo otra toma de mezclar color y tal vez algo que te pueda ayudar. Pero recuerda siempre, no caigas en la trampa de los colores a juego. Ahora tengo mi pequeño piso y la última cuadra será amarilla. Por lo que un poco de la luz amarilla cad los mezcló con algunos de los valores de gris claro. Por supuesto, ese gris va a ayudar a reducir la saturación de ese amarillo mezclando un poco de violeta y otros Hughes N2 que va a hacer lo mismo. Entonces estoy tratando de empujar un poco ese amarillo hacia atrás. Entonces no quiero usar un alto croma enseguida. Y siempre estoy pensando si ahora uso un croma realmente alto, entonces ¿qué queda para más adelante? Si utilizo un alto croma, quería estar cerca del final del cuadro. Y de nuevo, queremos enfocarnos en el valor y el tono. Esos son los grandes sostenes de la familia. Esos son lo que va a hacer que la pintura funcione en su conjunto. Después de todo, tu público nunca sabrá los bloques que estás pintando. Probablemente nunca verán la imagen que estás mirando. Entonces tus súbditos son sólo algo que estás viendo. Tu público sólo verá la obra terminada. Y eso nos lleva al final del bloque inicial N. Así que Apple on block demo al mismo flujo de trabajo exacto, busco ángulos interesantes. Traté de no coincidir con los colores. Siempre me enfoco en el valor y el tono. Y entonces tu ejercicio recomendado no llegará hasta más tarde. 58. Manzana y bloqueos con capas finales: Bienvenido al paso a Apple on block, mismo flujo de trabajo exacto. Entonces aplicando la segunda capa, siempre prestando atención a mis ángulos, mis colores y valor. Al finalizar este video, obtendrás tu ejercicio recomendado. Mismo flujo de trabajo es la segunda capa. Entonces voy a mirar a hacer correcciones, cambios de valor, y cosas de esa naturaleza. Sucedió que estaba satisfecho con los antecedentes. Entonces me voy a mudar a la manzana. Entonces los mismos colores. Tan cad Red Light, un poco de mi ocre amarillo y hasta un toque de cad luz amarilla mezclada con un poco de blanco titanio, básicamente los mismos colores que usé en la primera capa. Ahí, sólo un poco más saturado esta vez alrededor. Ahora es el momento de que el bloque verde use los mismos valores exactos que antes. Pero tal vez esta vez alrededor un poco más ligero y de valor. Y creo que eso debería hacerlo muy bien. Todavía me estoy mezclando un poco de gracia para que, ese color no sea cromático. También estoy prestando atención a cortar a Nan alrededor de algunos de estos bordes clave. Entonces al igual que el bloque amarillo de ahí, quiero asegurarme de que esa esquina sea prominente. Eso es lo que le va a dar un poco más de profundidad al cuadro. Sentirás ese bloque amarillo sentado frente a ese verde. El tope del bloque verde es un poco más oscuro en valor. Entonces voy a usar un poco de gris en esa mezcla de crema base que solo uso para el lado claro o el frente de ese bloque. Eso se ve bastante bien. Pero ahora que comparo eso con, quiero hacer el lado claro. Entonces el porro que estoy pintando ahora un verde más claro. Por lo que haré ese cambio y luego empezaré a mover mi atención al bloque amarillo. Para eso, voy a mezclar un gris claro, que es lo que estoy haciendo. Y luego lleva eso a mi base. Amarillo local. Yo quiero que eso esté algo saturado, pero no demasiado saturado. Eso sigue un poco demasiado amarillo. Por lo que mezclar un poco de rojo en eso oscurecerá el valor. Estás recibiendo un poco de resplandor por las luces. Por lo que no estás viendo del todo ese color verdadero, pero aún tiene que ir un poco más oscuro. Entonces agregaremos un poco más de lectura a eso. Y luego un poco de gris más oscuro, que estoy tratando de mezclar ahora. Una vez que tengo un bonito amarillo cálido, puedo agregar eso a la parte superior de la cuadra, y eso me lleva al frente de la cuadra. Ahí más bloque parece un poco más fresco y tal vez un poco más gris. Entonces voy a mezclar un color, o debería decir un tono que funcionaría bien para el frente. Entonces realmente quiero reventar ese amarillo que está en el lado izquierdo de esa cuadra. Entonces para hacer eso, realmente tengo que restar importancia a estos otros tonos amarillos, siempre y cuando mis amarillos y sombra estén desaturados y bajos y cromas, entonces debería poder realmente pop. El lado amarillo. Entonces todo se trata de ser tacaño a veces para que puedas derrochar y otras áreas. Esa puede ser una estrategia general realmente buena en ocasiones. Y de esa manera, No todos tus colores son altos cromas. Recuerda que no necesitas colores altamente saturados en toda tu pintura para terminar con una colorida obra de arte. En realidad, es lo contrario. Si lo mantiene reservado en la mayoría de las áreas, y luego agrega un color solo en acentos y ciertas partes del tema. Entonces se va a leer colorido. Y eso es porque tienes contraste. El alto croma Hughes. Contraste y destacaremos contra los Hughes bajos cromáticos más reservados en esta etapa, deberías tener una buena idea de lo que está pasando. Entonces me voy a sentar y relajar, ponerme algo de música, y solo te dejaré ver la demo cuando pase algo importante de lo que debes estar al tanto, me aseguraré de sonar. Entonces en este punto estoy mezclando un poco de base Gray. Y voy a repasar mi primer plano aquí. Entonces quiero aligerar eso solo un poquito, pero también quiero empujarlo hacia un tono más cálido. Ahora me mudaré a mis sombras de yeso. Para eso, estoy usando azul ultramarino, Alizarin carmesí, y un poco de blanco titanio. Incluso hago un poco de verde en eso sólo para neutralizarlo para reducir ese croma. Entonces tengo mucho de ese bloque de sombra de efectivo entonces. Y ahora voy a poner un poco de ese valor oscuro debajo de ciertas áreas de los objetos. Y eso sólo les dará la sensación de que están sentados en la superficie. Es hora de pasar al lado de la sombra de la Apple para ellos usando Alizarin carmesí, un poco del azul ultramarino. Y ciertamente en azul, también tengo un poco de gris en eso. Entonces no quiero que sea demasiado oscuro y valore. Las sombras y la manzana se ven bastante bien en este punto. Puedo seguir adelante y empezar a mirar la sombra de yeso que está poniendo en la pared. Entonces mezclaré un valor que debería funcionar bastante bien. Y cuando miro la sombra de fundición, es aproximadamente el mismo valor que la sombra en la propia manzana. Entonces no me da miedo dejar que estas pinceladas se mezclen, fusionando el lado derecho de la manzana en la sombra de fundición. Para que así los bordes no se vean tan rígidos. Y eso nos lleva a la sombra de yeso en el bloque verde usando un bayes verde, puedo mezclar un poco de azul. Fin a eso, me dio un tono agradable y fresco. También uso un toque, un violeta y gris. Y ahora mezclando un poco de blanco titanio y dos ese gris violeta. También estoy poniendo un poco de rojo en eso, lo que le dará un sesgo cálido. Ya conoces el simulacro que hemos hablado de todo esto y probablemente estés sentado ahí asiente con la cabeza y oh sí, ya veo lo que está pasando. Tengo a tu Robin. Como se puede ver, el estratificación es una gran manera de darle profundidad a la pintura. Simplemente le da un bonito Look rico. No puedo recordar la última vez. Creo una pieza realmente buena con una sola capa. Por lo general, uso tres o cuatro en este curso. Estoy tratando de hacerlas con sólo dos. Ahora voy a entrar. El lado claro de la manzana usando ocre amarillo, cad, luz amarilla, luz roja cadmio, y blanco titanio. Tratando de conseguir un valor que sea un poco más cálido que el rojo que ya he usado. Entonces realmente quiero esa sensación de que la luz apenas está salpicando en la cara de esa manzana. Ahora le agregaré un poco más de cuerpo a la manzana introduciendo algo de ese rojo de alto croma. Y como ese rojo sigue húmedo o húmedo, puedo mezclar algo de ese valor más oscuro en la Apple con él solo para crear una transición más suave. Como puedes ver aquí, uniendo la sombra de la manzana en la sombra de caché en el fondo. Y estoy usando valor para hacerlo. Y eso se llama filo perdido. Ahora volveré a algunas de estas sombras de fundición y las echaré un poquito. Yo quiero asegurarme de que las sombras se vean bien y que vendan la luz. En este cuadro. La luz es una parte tan enorme del proceso de pintura. Y todo se trata de capturar la luz sobre la forma. Esa es la tarea definitiva para el pintor. Un poco de destaque en la Apple debería ayudar a vender también la fuente de luz. Se lo acaban de poner y dejarlo en paz. Y voy a volver a la cima de ese bloque verde. Entonces estamos usando los mismos colores. Tan realmente en azul, amarillo cad, luz, blanco titanio con un poco de mi Gris. Yo quiero vender eso un poco más. Siento que ese color es un poco demasiado oscuro. Realmente no me da la sensación de que cualquier luz lo está golpeando. Entonces como puedes ver, ese tipo de iluminarlo un poco. Y como no fui tan alto croma con las primeras, segundas capas, soy capaz de ir un poco más intenso. Entonces otra vez, reservando colores, siempre tratando de ser tacaño con el chroma. Y de esa manera si lo necesitas más adelante, está ahí para que utilices un poco de reparación aquí en la sombra de yeso para la manzana. Entonces me encargaré de eso. Y entonces puedo empezar a dirigirme al frente de esa cola. Porque cambio el valor superior, quiero bajar el valor en el frente. No hay mucho cambio de valor. Entonces el cambio de frente a arriba es muy sutil y eso es lo que estoy tratando de captar. En esta etapa. Todo se está juntando bastante bien. Creo que puedo mirar alrededor, asegurarme de que no haya ninguna limpieza. Siempre hay unos cuantos bordes que podrían refinarse. Entonces tomaré un poco de mi gris que he mezclado para el plano de tierra y haré un poco de limpieza, básicamente refinando el lado izquierdo de ese bloque amarillo y luego chapoteándolo aquí y allá. Y también tratando de remodelar algunas de las sombras de efectivo. Por lo que un poco más de esfuerzo y atención al detalle entraron en esto. Pero creo que el resultado final es bastante bueno. Por lo que ojalá entiendas lo útiles que pueden ser los buenos bloques geométricos viejos. Se mezcló con una manzana y te conseguiste un tema maravilloso para tu ejercicio recomendado. Usa esta misma imagen que yo hice. Yo lo he amueblado con los activos y este curso. Y no te pongas mucha presión. No tiene por qué ser perfecto. Es decir, mira en mi Apple como un poco irregular En algunos lugares, otras áreas quizá sea un poco más suave, pero en su conjunto funciona. Se puede ver que hay bloques, voluntad entonces Apple. Eso es todo lo que intentas hacer es pintar símbolos. Entonces eso es Apple on block demostración al mismo flujo de trabajo que hicimos en la primera demostración. Buscaré ángulos interesantes y mi único enfoque fue el valor en tono. Tienes un ejercicio recomendado. Entonces ve a disfrutar pintando manzanas y cuadras. 59. Flujo de trabajo: Flujo de trabajo, maximizando el tiempo de tu estudio. Voy a repasar el panorama general. Dar los pasos correctos, incorporar lo que es importante. Establecer metas y recordatorios. Siempre hacer preguntas. El medio es el más importante. Empecemos con el panorama general. Y lo que hay que saber aquí es que todo el arte, cada pintura jamás creada, todo comenzó con una idea. Por lo que r es igual a una idea. Por supuesto, imaginamos hacer algo muy maravilloso. Pero las cosas cambian una vez que esa idea llega al papel o a Lienzo. Entonces vamos a hablar de este proceso a medida que avanzamos por este video. Y ojalá el flujo de trabajo que te expongo, te ayudaremos a obtener los resultados óptimos. Pero primero necesitas saber que tus ideas son muy crudas. Puede que te hayas inspirado en una fotografía, algo que has visto en Pinterest o presupuestos de Instagram no, que necesita trabajo. Entonces una vez que tengas la idea, quieres pasar por una serie de pasos que te ayudarán a tener más éxito, más a menudo, Hablemos de esos. Por lo que una vez que tengo una imagen, me gusta hacerme una serie de preguntas y estas preguntas me ayudarán a simplificar mi tarea. Entonces la principal es, ¿cuál es la y? Esta es la más importante porque es la razón por la que quieres pintarla para empezar. Y la clave aquí es apuntar a una idea simple. Podría ser la forma en que un grupo de personas camina cruzando la calle y la forma en que sus sombras vienen hacia ti. Podría ser la forma en que la luz está golpeando el granero rojo con un grupo de vacas que se están reuniendo alrededor de un silo. Pero el punto aquí es tener algo específico en la imagen a la que estás apuntando. Trata de no apuntar a toda la imagen. Sólo encontrar uno ¿por qué? Una razón que se puede extraer de esa imagen, esa fotografía. Y de esa manera tienes un objetivo claro y conciso en mente para lo que quieres lograr con tu obra de arte. Una vez que tienes una idea simple y limpia, entonces puede mirar los diseños de composición. Y hay tres opciones realmente, puede hacer un diseño cuadrado, un diseño de retrato, o un diseño de paisaje. Hay otros, pero estos tres suelen hacer el trabajo. Por lo que has tomado una imagen muy compleja y has encontrado tu y. una idea simpática y sencilla. Por lo que la tarea ahora se convierte en ponerla en un diseño de composición. Y eso es todo sobre thumbnailing. Básicamente tomando un espacio muy pequeño, ahí la palabra miniatura, para luego ver cómo encaja tu idea en ella. Entonces aquí puedes ver que estoy empezando con un diseño de retrato. Y tengo un árbol con fondo de casco y una rotura esto viniendo hacia mí. Eso me gusta, pero luego voy a ver cómo funciona eso. Con una disposición paisajística. A mí me gusta eso, eso está funcionando. Veamos cómo se ve con un diseño cuadrado. Esas son mis tres grandes opciones. Una vez que empiezo a ver mi idea dentro de estos diferentes diseños, entonces puedo decidir cuál funciona mejor y puedo empezar a seguir adelante. Entonces estamos construyendo un flujo de trabajo que tiene sentido, estableciendo estas metas y los sutiles recordatorios que nos ayudan a construir estas habilidades fundacionales que he compartido con ustedes en este curso. Entonces puedo tomar mi idea, que ahora entiendo era una especie de diseño que quiero y hacer un estudio de valor. Por lo que esa es una gran manera de incorporar los estudios de valores a tu flujo de trabajo. Y por supuesto, hay mucho que recordar y aquí hay mucho que aprender. Puedes agregar rápidamente tu idea de tema aquí a través este pequeño estudio de valor en miniatura y luego empezar a incorporar todas las cosas de las que hemos hablado. Encontrar la luz más clara, encontrar la oscuridad más oscura, y por supuesto, todos los valores intermedios. De nuevo, recuerda que hablamos de una fuente de luz. Entonces toma tu idea con tus valores, estudia aquí y baja tu fuente de luz, entonces puede empezar a aplicar valores en consecuencia. Simplemente una manera realmente inteligente de trabajar, no importa si eres un principiante o un artista experimentado. Y una vez que llegues a esta etapa, puedes hacer otras preguntas. Cosas como, ¿Sería inteligente agregar una gradación en el cielo, esa montaña y el fondo, debería eso ser más claro u oscuro de lo que mi oscuridad tiene valor? Y simplemente realmente planear bien las cosas. Y esa es la clave para evitar la pintura y los círculos, lo que volverá a llevar a la frustración y mucho tiempo perdido. Entonces al girar esta planeación de tiempo, estás pintando. Te vas a encontrar con unas soluciones y vas a ver temas en los que ni siquiera pensaste. Y esto hazte una serie de preguntas realmente buenas que te ayudarán a pintar la pieza antes de que tu pincel llegue al papel. Una vez que has trabajado en tus estudios de valor, estás contento con cómo se ven y se arreglan las cosas en tu pequeña miniatura ahí, entonces puedes empezar a pensar en los colores. Recuerda los colores locales. Entender el color principal, el color que vas a construir alrededor para cada componente mayor de tu tema. Entonces tengo un cielo, por ejemplo. Tengo un plano de tierra, tengo montañas lejanas, tengo un árbol de primer plano. Entonces bajando estos colores, ayúdame a imaginarme cómo van a funcionar juntos estos colores. Y luego también cómo los mezclaré. Y todo el tiempo, estás construyendo una pintura más sólida y estás ganando confianza con todas estas diferentes técnicas. Y de esa manera se están aplicando las lecciones que has aprendido en este curso en lugar de olvidarse. Entonces lo que hay en medio es lo más importante. La idea es sólo el principio. Qué haces entre tu idea en el cuadro final. ¿ Qué va a hacer más impacto en tu arte? Te ayudará a evitar la frustración y también te dará longevidad para que no te conviertas en un quemado principiante. Y una vez que termines este pequeño ejercicio y luego podrás agarrar tu Lona, tus pinceles en tu pintura, y empezar a divertirte un poco. Esta lección es enorme, tan importante, te animaría a volver atrás y verla un par de veces. Te he dado todas las imágenes demo que he creado en este curso, ninguna de las cuales es tan importante como esta. Flujo de trabajo maximizando tu tiempo de estudio. Te di el panorama grande. Dar los pasos correctos para asegurar su éxito incorporar lo que es importante. Establecer metas y recordatorios para trabajar en las cosas que construirán tu base. Siempre haz preguntas y recuerda lo que haces entre tu idea y cuando la pintura tiene el lienzo es la parte más importante de tu proceso de pintura. 60. Diseño de proyectos de paisaje finales y bloqueo y: Inicio estirar la demostración final. Voy a repasar la preparación, añadir el diseño, y luego por supuesto el final del bloque. Empezaremos con la preparación. Y recuerda esta vieja lección de flujo de trabajo. Empecé con mi idea. Lo bajaré yo. Pasé por mis diseños, el thumbnailing, un estudio de valor, pensé en colores, preparación de Vesta que hice para esta pieza final, el único paso por Skip era no tener una referencia fotográfica. Yo inventé esto a pura imaginación, así que no tuve que pasar por ese proceso, pero aún así tenía mi y sabía que quería enfocarme en el árbol y una sombra que venía hacia mí y todo lo demás se alineó con usar esta buena racionalización flujo de trabajo. Ahora voy a empezar a añadir el layout. Mi lienzo para esta pieza en particular es un gris oscuro. Por eso, lo voy a diseñar usando un valor más ligero, que es blanco titanio y un poco de amarillo, y eso es ocre amarillo y luz amarilla cad. Ahora porque ya he cubierto muchos de estos temas que estaremos haciendo en esta demostración. Lo verás a dos veces la velocidad normal. Siempre puedes ralentizarlo en tu in si quieres ver un tiempo real. Y entonces también, sólo voy a narrar a las cosas que son más importantes porque de nuevo, ya has escuchado muchas de estas cosas. Entonces solo voy a destacar las cosas que necesito que sepas o siento que sería un buen recordatorio, se hace el diseño. Y ahora podemos iniciar la etapa final de bloque. Voy a empezar eso con el cielo. Te recordará que no intentes conseguir el color perfecto la primera vez. Piensa en el color local y luego baja eso. Siempre vas a tener que volver y hacer la siguiente capa, y tal vez incluso una tercera, cuarta capa. Entonces el objetivo aquí es bajar un valor que está en el estadio. Y luego una vez que todo está bloqueado, entonces podremos empezar a comparar los tonos y valores entre sí. Y entonces podemos empezar a hacer los cambios que marcarán un poco más con precisión. Ahora que el cielo está hecho, cual usé titanio blanco, algunos surdo y azul y un toque de ocre amarillo. Puedo comenzar con las montañas distantes, eso será un violeta cálido. Entonces mezclé un violeta base usando azul ultramarino y Alizarin carmesí, y luego le agregué un poco de ocre amarillo también que se puede ver lo rápido que estoy trabajando. Sé que esto se aceleró dos veces la velocidad, pero créanme, realmente no estoy tratando de ponerme quisquilloso para nada con lo que está pasando. El objetivo aquí es simplemente bajar algo que esté cerca. Y luego me pondré quisquilloso más adelante si es necesario. Entonces aquí tengo un bonito amarillo cálido que está mezclado con amarillo ocre cad luz amarilla, un poco de blanco titanio y hasta un poco de cad Red Light. Y yo neutralizaría eso bastante a, así que ves que tenías esos verdes y azules ahí en el medio. Y ahora solo ayudó a derribar esa saturación y croma solo un poquito. De nuevo, no quiero que estos colores te griten ni a ti ni a mí. Por lo que siempre me gusta un poco tonificarlos versus usarlos. Y una forma de alto croma, esta sección de la demo sí tiene un poco de resplandor en ella, es realmente difícil alejarme de eso cuando estoy filmando bajo las luces. Pero conseguiremos que la luz se corrija un poco más adelante. Ahora, el árbol, estoy mezclado con un poco de azul booleano, y luego también la luz amarilla cad. Y yo mezcle un poco de los neutrales, violetas, y diferentes colores en eso también, probablemente como lo adivinaste, para derribar esa saturación un poco aquí, voy con un poco de rojo en ese verde y eso me va a dar marrón. Entonces si mezclas verde y rojo, te pones marrón y eso me dará un buen color base para mi baúl. Ha el color es mucho mejor aquí. Tuve que inclinar la pizarra lejos de EU. Esa parte superior de esa pizarra se va un poco de ti. Tengo una toalla debajo del borde inferior de esa tabla, así que un poco sesgado, pero creo que conseguimos una mejor iluminación así. Ahora estoy usando un verde base, que es cad amarillo luz, el Cerulean, un poco de blanco titanio ultra marino. Y estoy mezclando algunas de esas violetas y neutrales y verdes y pastando todo en ella. Otra vez sólo para empujarlo un poco hacia atrás. Si empiezo con colores realmente intensos, altamente cromáticos que no tenía a dónde ir. Sé que me estoy repitiendo aquí, así que eso es Q un poco de música mientras termino este bloque en. Bueno, eso lo hará. Entonces otra vez, muy crudo, de aspecto muy inacabado. Y ahora la clave es dejarla secar. Y luego agregaremos las siguientes capas. 61. Finalidad de el proyecto final del paisaje del paisaje final: Inicio estira la demo final, agregando capas a la capa previamente seca, algunos ajustes finales, y luego terminamos todos. Esto. Apártala con agregar algunas capas de Geta. Dilo de nuevo. Todo está 100% seco. Ahora marcaré las cosas un poco más cerca. Sí, estoy pintando con color, pero estoy más enfocado en valores, valores y tono. Entonces quiero asegurarme de que mis valores sean buenos. Siento que si consigo los valores correctos, entonces la pintura debería quedar bastante bien. Los colores pueden estar apagados si mis colores están apagados, pero teniendo los valores en su lugar, haremos que el cuadro sea más creíble. Por lo que ajustando valores en tonos, me abriré camino por las mismas partes de la pintura, empezando por el fondo, las montañas, el plano de tierra, y luego el árbol. Todos los colores locales son iguales. Pero en general, probablemente tendré que hacer que el cielo sea más ligero. Las montañas en el fondo un poco más ligeras y valoran, creo que el valor del plano terrestre es bastante bueno. Probablemente trabajaré un poco de verde en eso a medida que avance. Y luego en el árbol, el lado de la sombra del árbol necesita ser un poco más oscuro. Y entonces quiero que la luz que está golpeando el costado de ese árbol sea un poco más de un amarillo dorado o quizás más de una naranja en esas hojas. Entonces quizá el mismo valor. Yo solo quiero cambiar un poco ese color. Entonces ahora que ya sabes lo que estoy haciendo, voy a hacer cola algo de música y terminar esta demo, pero volveré cuando haya cosas importantes que necesitas saber. Entonces aquí usando la misma base violeta por uno de eso para ser un poco más ligero, por lo que un poco más blanco en esa mezcla. Entonces también saqué un poco de ese azul. Entonces como líder, inclinándose más hacia un violeta rojo de lo que era antes. Por lo que introduciendo algunos valores más ligeros al plano de tierra, también un poco de verde. Yo quiero probar eso. Esto asegura que no choque demasiado con el follaje en el árbol. Por lo que quiero que la sensación general del plano terrestre sea más marrón. Creo que teniendo un poco de verde ahí dentro, ¿qué lo rompe? Por lo que no se vuelve demasiado monótono y demasiado ruidoso y me quita a mi principal punto focal, que es el árbol. Empezando a ajustar el valor en el árbol aquí. Pero quería añadir algunos hoyos más celestiales. Por lo que los agujeros del cielo son básicamente áreas y el follaje donde no es tan denso y hay pequeños agujeros donde se puede ver a través del otro lado. En este caso está el cielo. Eso se ve un poco mejor. Y ahora estoy agregando unas nubes a ese cielo. Cosa. Eso le va a dar un poco más de intereses porque hay bastante cielo en este diseño. Un poco de gris bajo esas nubes sólo lo hará un poco más creíble. Y ahora puedo volver mi atención a las sombras y los árboles. De nuevo, de verdad quiero oscurecer esto, pero no quiero ir completamente negro. Por lo que siempre quiero darme un poco de espacio de meneo para oscurecerme. Creo que hay ajustes están empezando a verse bastante bien. El valor más oscuro del lado derecho de ese árbol realmente empujó a la jerarquía donde necesita estar. Entonces recuerda que la oscuridad más oscura estaba en el lado derecho de ese árbol. Entonces probablemente esa sombra, la montaña vertical en la parte trasera. El cielo probablemente va a ser el valor más ligero, que tengo una gradación pasando ahí también, por cierto. Por lo que es un gris blanco más claro hacia la cima de las montañas y funciona hasta un azul más oscuro ya que va a la parte superior del lienzo. Entonces esa es una buena manera de usar la gradación. Pero con todo esta segunda capa está empezando a desmoronarse. Típicamente para un estudio como este, trataré de noquearlo en dos capas, pero siempre trataré de no juzgar las cosas de inmediato. Por lo que voy a añadir una segunda capa y luego sólo dejar que respire un poco. De esa manera no termino pagándome a mí mismo y a los círculos. Por lo que agregando unos grises aquí y allá para empatar en ese Color de Sombra. Y entonces lo dejaré descansar. Y empezaremos a considerar hacer algunos ajustes finales. Tiempo para algunos ajustes finales y otra vez, dejar que las cosas se sequen, tomando algún tiempo sólo para observarlo para asegurarme de que no sólo estoy pintando para pintar. Estoy realmente enfocado en lo que necesito hacer. Por lo que cada capa debe tener un propósito, no lo han hecho. Terminarás pintando sobre cosas que probablemente solo encuentren un valor un poco más ligero aquí. Diré la cámara, las luces y la forma en que las cosas son películas, nunca se obtiene del todo un buen color preciso de lo que está pasando. Pero cuando veas la imagen final, verás que esto tiene un bonito resplandor ahora naranja, verde a ella, que de nuevo, la, la lente simplemente no está recogiendo eso ahora mismo. B, quería hacer ese valor un poco más tarde. Voy a trabajar un poco en las sombras. Creo que el valor es bueno. Yo solo quiero limpiar algunas de las formas que hay ahí dentro. De acuerdo, eso se está juntando bastante bien. Por lo que en esta etapa, yo diría que todos hemos terminado. Esto, echa un vistazo a la demo final, que de nuevo comenzó con ese flujo de trabajo que compartí contigo. Por lo que sólo se te ocurre tu idea, simplifícalo. Piensa en tu diseño. ¿ Cómo encaja dentro de los tres tamaños principales? No quiero un estudio de valor, repasa algunos colores locales. Por supuesto, siempre se podía forzar un esquema de color del que hablamos con armonía de color. Y entonces estás listo para seguir adelante para tu ejercicio recomendado. Te he compartido un montón de imágenes de inspiración. Algunos son bodegones, otros son paisaje. Pero escoge uno y pasa por el flujo de trabajo. Te dará tantos recordatorios de cosas que te has olvidado. Y por supuesto señalará las zonas débiles. Entonces si su color, vas a averiguar si sus habilidades de dibujo, vas a saber si realmente no ves valores tan bien, entonces adivina lo que vas a saber. Por lo que antes de pasar a un cuadro final, sólo tómate un tiempo y apuntala esas áreas débiles. Siempre puedes volver a la pintura. Sentimos que has fortalecido algunas de esas habilidades débiles. 62. Reflexos y proyectos finales: Bueno, eso nos lleva al final de la pintura acrílica para principiantes al pensar en lo que quería incluir en este curso, mi enfoque principal fue solo darte las habilidades que vas a necesitar para sobresalir. Mi mensaje final es uno que ya has escuchado. Mantenlo sencillo. Te animo a que no te enfoques en la pintura, arte acabado en este momento solo hagas ejercicios y estudios que te ayuden a entender el color, valor y cómo la luz sobre la forma impacta a tus sujetos. Mantén tus temas muy sencillos. Una botella de ketchup, una taza de café, una botella de vino, una cerrada. Eso es todo lo que necesitas para tus primeros seis meses a incluso un año. Aprende a dibujar. Eso es esencial para todos los pintores que no cubrí habilidades de dibujo permitidas en este curso. Eso es algo que necesitas estudiar de forma individual y debes estudiarlo por un tiempo. Yo sí tengo unos buenos cursos de dibujo fundamental. Dejaremos los vinculados en la descripción de esta clase. Y una cosa más, pinta pequeña y pinta a menudo. De verdad espero que disfrutes de este curso y que te impacte de una manera muy positiva a medida que avanzas. Gracias de nuevo por su apoyo. Si alguna vez tienes alguna pregunta, nunca dudes en ponerte en contacto. Para eso estoy aquí. Cuídate y te veré la próxima vez.