Introducción a la producción de películas de animación

1. Introducción: Hola. Mi nombre es Eve Leonard, y bienvenido a la introducción al cine de animación. He estado enseñando animación y producción cinematográfica durante la mejor parte de 20 años. Actualmente estoy en Pratt Institute en Brooklyn, Nueva York, dando clases en el departamento de Artes Digitales. He diseñado este curso para Skillshare porque estaba un poco frustrado por la disponibilidad de tutoriales de nivel intermedio. La mayoría de los tutoriales de animación que he encontrado son en su mayoría ya sea técnicos, o muestran métodos muy básicos de producción de animación. Este curso está diseñado para llevar a cualquier animador con habilidades muy principiante o rudimentarias, y permitiendo que esos proyectos se desarrollen en cortometrajes. Si nunca has hecho un cortometraje antes, pero te interesa llevar tus habilidades al siguiente nivel, este es absolutamente el curso para ti. También me gustaría señalar que este curso no es específico de software. Utilizo el Adobe Creative Cloud como parte de mis demostraciones técnicas. No obstante, los conceptos que estaremos discutiendo pueden aplicarse a cualquier software que haga composición digital de imágenes y cualquier manipulación digital. Esta clase cubrirá un flujo de trabajo integral para la producción de animación, por lo que podrá reutilizar estos pasos para proyectos más grandes. Aquí te presentamos algunos ejemplos de cortometrajes comerciales, para que puedas entender su aplicación práctica fuera de un portafolio personal. Espero que esos ejemplos te inspiraran a hacer tu propio proyecto. Muchas gracias por ver. Te veré en la siguiente lección. 2. Cintura de animación: Hola. Bienvenido de nuevo al cine de animación. Esta es la lección 2, técnicas de cine de animación. Ahora, antes de empezar, me gustaría definir de qué estamos hablando para que estuviéramos en la misma página. Ahora, defino las técnicas de creación de películas de animación como el uso herramientas de posproducción y manipulación de imágenes con el fin de hacer un cortometraje. Nota rápida de la cámara antes de seguir adelante, sí tengo este increíble guión que he escrito para ustedes chicos, pero desafortunadamente está un poco fuera de pantalla. Entonces cuando mis ojos empiecen hacia abajo, no es que te esté ignorando, es que sí necesito leer mi guión para poder comunicarte de la mejor manera a ti. Cuando hablamos de cine normalmente nos referimos a película de acción en vivo. La animación es sólo una técnica que se utiliza para contar historias de la misma manera que usamos podcasts o teatro. No obstante, cuando hablamos de películas de animación y cultura pop, normalmente nos referimos a algo que es amigable con la familia, y en el género de acción aventura. El motivo de esto es porque las películas animadas son extremadamente caras, y consumen mucho tiempo. El tiempo promedio que tarda en hacer una película de acción en vivo es de unos 18 meses, compare eso con hacer una película de animación que tarda aproximadamente unos cinco años, de guión a pantalla. Debido a la cantidad de tiempo que lleva hacer una película de animación, estudios necesitan recuperar todos esos gastos, por lo que en el género de acción-aventura amigable con la familia, puedes conseguir el público más amplio posible. Sí, sé lo que vas a decir. ¿ Y si Your Name, el drama animado japonés de secundaria, largometraje de ciencia ficción, recaudara 400 millones de dólares en todo el mundo? ¿ Qué pasa con Loving Vincent, la película pintada a mano sobre los últimos días en la vida de Vincent van Gogh, que fue nominada en 2018, un Premio de la Academia? Entonces, ¿qué te trae a Auvers? ¿ O qué pasa, I Lost My Body, que acaba de ser nominada a Mejor largometraje animado este año? Si no conoces alguna de estas películas, por favor hazte un favor y búscalas, son absolutamente increíbles. Pero estas son excepciones. No son la regla. Los cortos, por otro lado, son una excelente manera de experimentar con la narración de cuentos, y no exigen el mismo tiempo y atención que necesita un largometraje más grande. El Internet ha explotado con una variedad de géneros, y técnicas, con el fin de exponer estas películas a un nuevo público. Aquí te dejamos algunos ejemplos del National Film Board de Canadá. Al igual que yo, Ryan es cineasta [inaudible] Ryan es un documental animado sobre el afamado animador de la NFB, Ryan Larkin, y su lucha diaria contra la adicción al alcohol. Es el creador de varios cortometrajes, dos de los cuales han asegurado su lugar en la historia del cine animado. ¿ Quieres que confiese? Freaks of Nurture es un drama familiar sobre una joven artista profesional comparando su vida con su madre, quien ha convertido las habilidades maternales en una carrera. Hola. Oye, mamá. Es una emergencia. Me estoy volviendo loco. Mi plazo es mañana, y no voy a lograrlo. Blinkity Blank es una película experimental que utiliza técnicas no convencionales, con sonidos y formas, para ilustrar el movimiento. Nuestra clase te estará enseñando a hacer películas en tres áreas distintas. Técnicas de producción. Cómo reutilizar activos en lugar de partir de cero. Esto resulta útil a la hora de crear tu portafolio, o comenzar tu propio cortometraje. Introducción a la cinematografía. Cómo utilizar la cámara virtual como herramienta creativa. Los animadores de inicio esperan demasiado tiempo para considerar la cámara. Te estaré mostrando cómo usar la cámara de manera efectiva, con propósito. Diseño de producción. Cómo utilizar herramientas de iluminación y composición para construir un escenario para una escena. Un activo animado puede ser tan pequeño o tan grande como quieras. Discutiremos el diseño de producción como una forma de mejorar tus habilidades de narración de cuentos. Para empezar, comenzarás investigando tus intereses y recogiendo tu trabajo. Aquí tienes una asignación de dos partes para que empieces a trabajar en este proyecto. Investigación. Empieza a mirar alrededor en la Web para cualquier cosa animada que te inspire. He incluido algunos sitios para que empieces. Encuentra sobre seis diferentes obras de animación. Pueden ser loops en Instagram, programas de TV, videojuegos, cualquier cosa, siempre y cuando sea animado. Una vez que encuentres a tus seis, identifícate quién es el artista, artistas, o el estudio. ¿ Cuál es el método de animación? 2D, 3D, stop motion, pixelación. ¿ Cuál es el género? ¿ Es comedia, drama, horror, western, slapstick, etc.? Comienza a identificar similitudes y escribe de breve declaración sobre tu interés. Segundo, recoge tus animaciones. Los necesitarás para este proyecto. Pueden ser pruebas cortas, algo que hiciste por diversión, un tutorial, lo que sea, debe cumplir con estos criterios. La animación debe tener al menos cinco segundos de duración, cualquier método está bien, stop motion, pixelación, 2D, 3D, etc., sin fondo. La animación no debe tener un fondo, o debe tener la capacidad de quitar el fondo. En la siguiente lección, vamos a discutir cómo limpiar esta animación, que puedas usarla para tu cortometraje. Muchas gracias por su tiempo y atención, y nos vemos la próxima vez. 3. Limpia: Bienvenido de nuevo a la introducción a la realización del cine de animación. Esta es la Lección 3, limpia. Ahora, limpiar se refiere al proceso de revisión de tu activo animado para ver si hay algún error o áreas que puedas mejorar. El activo animado se refiere al elemento animado en la escena. El primer paso es la selección. Para este proyecto, puedes elegir cualquier animación que tengas menos el fondo. El activo puede ser algo tan simple como una bola rebotando o algo tan complejo como la animación de sincronización de los lip-sync. El activo también puede estar en cualquier medio que elijas. Si estás eligiendo tu activo de animación asegúrate de eliminar el fondo. O bien la animación se creó sin fondo o puedes volver a los archivos del proyecto y quitar el fondo. Aquí hay dos ejemplos. En este primer ejemplo tengo una animación 2D que tiene cuatro fotogramas de largo, realizada en Adobe Photoshop utilizando la función Línea de tiempo. Se han cronometrado los fotogramas por lo que el personaje está mirando algo antes de que griten. Esta animación fue creada para que se pueda quitar el fondo. El segundo ejemplo es una prueba de animación de 44 fotogramas stop-motion que he hecho. Está encima de un fondo de pantalla verde. Estaré quitando el fondo más adelante en este video. He elegido ambos activos para estar en la misma escena. Antes de empezar, quiero abordar algunos malos hábitos que experimentan los artistas cuando empiezan por primera vez. Los artistas tienden a aferrarse a su obra porque representa horas de trabajo duro, sobre todo en animación. Incluso cuando un proyecto demuestra muchos defectos. Esto es un problema cuando un artista transita de la escuela al entorno profesional. Parte del proceso de producción es obtener retroalimentación de sus supervisores y compañeros. Si no estás dispuesto a cambiar un proyecto basado en esa retroalimentación, tus habilidades como artista van a entorpecer. Es importante pensar en tus habilidades de la misma manera que un atleta piensa en su cuerpo. Debes practicar tu oficio para poder mejorar. Con cada hora de práctica, te volverás más eficiente con tu tiempo. Por lo tanto, tienes más tiempo para solucionar problemas significativos. Por cada pintura maestra, escultura, película, etc, hay miles de fracasos y errores. Date permiso para fallar para que puedas mejorar. Parte de mi práctica profesional es volver a visitar tutoriales fundacionales con el fin de practicar un conjunto de habilidades que no he usado en un tiempo. Esto me ayuda a mejorar mi cronometraje y me hace más eficiente en la producción. Te animo a hacer lo mismo. ¿Por dónde comienzas? Bueno, empieza a identificar proyectos que te traen alegría. Puede que no sean perfectos, pero hay al menos uno o dos aspectos de tus habilidades que realmente brillan. Comienza a categorizarlos en conjuntos de habilidades. Qué proyectos muestran tus habilidades de automatización, qué proyectos muestran tus habilidades de diseño. Después de haber terminado, organizando tu biblioteca, puedes comenzar a seleccionar proyectos en los que quieras seguir trabajando. Puede ser un proyecto que quieras hacer más largo o proyecto que solo quieras mejorar. He elegido la mano stop-motion porque me gusta el tiempo del movimiento y el diseño de la mano. He optado por emparejarlo con las pruebas de pantalla porque siento que pueden encajar juntos. El rostro puede estar reaccionando a la mano a medida que se mueve. Yo quiero desafiarme para que coincida con el tiempo de la pantalla y el tiempo de la mano. Estas dos piezas también coinciden con la estética que me interesa explorar, mezclando una variedad de medios para que sientan que forman parte del mismo mundo. La tecnología de bajo costo ha hecho posible este enfoque con una variedad de creadores. Algunos ejemplos de esta técnica se pueden encontrar en redes de dibujos animados, Amazing World of Gumballs que mezcla 2D, 3D, títeres y fotografía. Blink industrias, Don't Abg Me, tengo miedo, que a menudo hace este títere de acción en vivo con animación 2D y 3D. Ahora, el segundo paso es la evaluación. fregado es el proceso en el que puedes pasar por tu clip animado a cualquier velocidad con el fin de identificar problemas. Cuando estés fregando a través de tu click seleccionado, considera la crítica en dos áreas diferentes, la calidad y el tiempo. La calidad se refiere al estándar del marco. El tiempo prefiere a cuánto tiempo permanece el marco en pantalla. Ahora bien, puedo arreglar esto de dos maneras diferentes. Puedo hacer que los fotogramas actuales sean más largos, o puedo agregar algunos fotogramas adicionales. Dado que esta animación es más corta que el stop motion, estaré ajustando el tiempo, por lo que ambos clips tienen el mismo tiempo de ejecución. También quiero abordar algunos problemas descuidados incompletos, como aquí mismo en la línea del cabello y en este marco por aquí, tengo un poco de pintura fuera de los bordes y también tengo una línea recta por aquí. En cuanto a la mano, siento que el tiempo para la animación es bastante consistente y se mueve a una velocidad que me gusta. Pero necesitaré hacer un poco más de trabajo para limpiar este fondo. Estaré abordando eso en otro video. Para los animadores 3D por ahí, cualquier problema con el que te estés topando se puede resolver fácilmente viendo el manual técnico del software o haciendo preguntas sobre los hilos de la comunidad. Alrededor del 90 por ciento de los temas que he tenido con cualquier animación 3D se ha resuelto de esta manera. Cuando estés fregando, aconsejo que primero anotes todos los problemas que encuentres con la animación antes de empezar a resolverlos. En mi experiencia, he encontrado que cuando estoy resolviendo un problema, puede tener un efecto ondulado y resolver aún más problemas. O mientras arregla un problema, puedo crear problemas adicionales. Es importante anotar todo primero para que puedas hacer un seguimiento de tu progreso. Además, realiza un seguimiento de dónde estás encontrando tu información, podría ser un buen lugar para volver atrás y resolver otro problema si la información era buena. El tercer paso, simplemente limpiando. Ahora que has identificado los clips que quieres usar, ve a través y limpia la imagen en base a lo que has identificado como correcto e incorrecto. En el siguiente video, desglosaremos cómo quitar el telón de fondo en la animación stop-motion y discutiremos algunos términos técnicos. Muchas gracias por su tiempo y atención. Espero verte la próxima vez. 4. Canales Alpha y Rotoscoping: Hola, bienvenido de nuevo a la introducción al cine de animación. Se trata de la Lección 4 canales alfa y rotoscopio. Yo quiero pasar unos minutos hablando de estos dos términos técnicos. Creo que es importante entender estos términos porque te ayudarán tremendamente en cualquier producción. Canal alfa se refiere al área de la imagen que es transparente en la composición digital de imágenes, estaré usando Adobe Photoshop para explicar cómo funciona. Aquí está el grito 2D cargado en Adobe Photoshop. Es importante entender que los canales alfa se refieren a la transparencia en tu imagen. Ahora, la transparencia se puede utilizar de forma creativa para nuestros propósitos ya que se trata de un curso introductorio, estaremos utilizando las transparencias como forma de componer imágenes juntas. Queremos que el fondo sea completamente transparente, está indicado en Photoshop por este patrón a cuadros gris y blanco. Ahora, los archivos de Adobe Photoshop se reconocen automáticamente en Adobe After Effects, por lo que puedo guardar esto como un archivo de Photoshop, puedo abrirlo en After Effects y se conserva toda la transparencia. Pero digamos por el bien del argumento, estoy usando un tipo diferente de programa de composición y quiero exportar esta imagen. Puedo ir a exportar como. Ahora, aquí es importante hablar de formatos de archivo, este formato de archivo PNG conserva la transparencia para que pueda acercar aquí y se puede ver que este dibujo automáticamente tiene el patrón a cuadros, lo que me indica que es transparente. Pero digamos que quería renderizar un archivo JPEG. Con eso seleccionado, el formato JPEG no conserva la transparencia en esta aplicación en particular. Si estoy exportando JPEG, no tendré el fondo transparente. Es importante hacer un seguimiento de estas cosas cuando estás preparando tus activos animados para componer. Para demostrar aún más la importancia de los canales alfa, estoy cambiando a mi programa 3D Autodesk Maya. Aquí tengo mi configuración de render abierta. Ahora bien, esta secuencia es simplemente geometría simple con materiales muy básicos en ella. En mi configuración de salida de archivos, tengo una variedad de opciones, tengo opciones de películas, que son películas Avis y QuickTime, pero también tengo una variedad de opciones fijas como GIF o JPEG y TIF. Como artista 3D, siempre recomiendo renderizar secuencias de imágenes fijas sobre secuencias de películas. Las secuencias de películas se comprimen en el compuesto, son muy difíciles de agregar efectos y que se vean bien, por lo que quieres trabajar con la más alta calidad posible cuando vayas a componer. También deseas tener control sobre tu secuencia de imágenes. Los archivos de películas tienden a ser obsoletos cuanto más viejos se vuelven porque los códecs ya no están disponibles para leer el archivo de la película. Las secuencias de imágenes tienen una vida útil más larga y son bastante consistentes entre los paquetes de software. Para demostrar canales alfa, estaré exportando una secuencia JPEG y una secuencia TIFF. Ahora, en mi configuración de render, me aseguraré de que el canal alfa esté seleccionado para que haya una máscara alfa en cada fotograma. Aquí en el compuesto en Adobe After Effects, he cargado aquí mi secuencia de imágenes 2D, para fines de demostración, he creado este objeto estrella por lo que el objeto estrella, como lo estoy arrastrando a través de mi imagen, se puede ver que es visible dentro de la transparencia, por lo que puede moverse detrás del objeto o en este caso, nuestro activo animado. Ahora bien, me gustaría traer nuestras secuencias JPEG y nuestras TIFF para que podamos compararlas. Voy a empezar con nuestra secuencia JPEG, llevándola a mi línea de tiempo como puedes ver de inmediato el fondo es opaco, no es transparente. A pesar de que la transparencia fue comprobada en nuestro programa 3D. Si eres un animador 3D y lo estás experimentando primero, comprueba de nuevo el formato de archivo que estás usando JPEG no registre transparencias. Por lo que aunque tengas seleccionado tu canal alfa, tu transparencia seleccionada, los JPEG no tienen la capacidad de leer transparencias. No obstante, comparemos eso con nuestra secuencia TIFF. Por lo que cargarlo aquí, registra automáticamente la transparencia, lo puedes ver y está listo para componer. Esta es la mejor manera de renderizar objetos 3D y también es importante entender esto si estás teniendo problemas para exportar. Ahora, pasemos al rotoscopio. rotoscopio es el proceso en el que un artista o un técnico trazará un área que se va a quitar de una imagen para ser estratificada encima de otra imagen. Esta técnica se utiliza a menudo en la composición de imágenes en efectos visuales para la animación de efectos, o en la animación stop-motion para insertar un fondo complicado. Para el stop motion, estaré rotoscopiando mi tapete de basura con el fin de cortar todo lo que no es verde para la clave croma. Aquí tengo mi activo stop-motion cargado en el After Effect, ya se puede ver que hay problemas. Hay reflejos fuera del plexiglás en la parte superior e inferior, por todos lados hay vistas extendidas de mi área de trabajo pero todo lo que realmente queremos es la animación en el medio. Ahora, disparé esto encima de un papel verde para poder quitar ese color en After Effects puedes tener el efecto llamado luz clave que puedes ver en la línea de tiempo aquí. Con la luz clave visible, creé un fondo azul en mi configuración compuesta para que puedas ver la diferencia. Ahora, me quito el verde y eso es genial, pero aún tengo mi área de trabajo y las reflexiones del cristal que quiero quitar. Necesito crear un tapete de basura. Por lo que con mi capa stop-motion frames seleccionada, voy a subir a la parte superior en After Effects y seleccionar la herramienta Pluma. Con la herramienta de lápiz seleccionada, voy a dibujar rápidamente una forma alrededor mi animación y en cuanto se cierra, corta todo lo demás. Ahora, por mi cortometraje que voy a estar demostrando, he elegido estos dos activos porque los médicamente recuerdan, creo que encajan juntos. Quiero que mi personaje 2D esté reaccionando ante esta mano saliendo del suelo. Voy a ajustar el tapete de basura para darle más de un plano plano, voy a ir al frente y sólo voy a cubrir esos nudillos y estos pequeños pedazos blancos de arcilla ahí van a representar sólo rocas de tierra saliendo del suelo, así que ese será mi primer cuadro. Antes de seguir adelante, voy a bajar a mi línea de tiempo y revelar los menús debajo de mi máscara, voy a seleccionar “Camino de máscara” y camino de máscara va a animar la forma de mi tapete. Voy a desplazarme por mis marcos hasta el cuadro 4 esto se ve bastante decente. Pero luego en el cuadro 5, corta una de mis rocas, así que voy a agarrar mi herramienta de selección, seleccionar este punto y solo voy a animar rápidamente ese punto y este es el basurero completamente limpiado arriba y luego con mi mano moviéndose de ida y vuelta, quiero hacerte saber rápidamente que hay dos efectos en esta capa stop motion. Observe cómo esta mano sólo quería señalar esto realmente rápido, note esta mano que estoy haciendo zoom tiene muchas sombras en ella. Añadí un efecto llamado Gargantilla Matte. Gargantilla mate, es un atajo agradable toma todos esos pequeños pixeles que la luz clave pudo haber perdido y rápidamente hace un ajuste a la ganancia y los elimina. Puedes hacer esto manualmente ajustando los ajustes en tu efecto cualquiera que estés usando para la clave croma en esta instancia, es luz clave. Pero After Effects tiene este gran efecto gargantilla mate que automáticamente saca eso y te hace la vida mucho más fácil. Como pueden ver, tengo esto todo bonito y limpio y listo para la composición. Recuerda terminar de quitar el fondo, añadir fotogramas clave donde sea necesario, limpiar lo digital incompleto y simplemente terminar limpiar para pasar a la siguiente lección de nuestra serie. Muchas gracias por su tiempo y atención. Espero que muchos de estos consejos y esta revisión técnica te hayan sido útiles en la limpieza de tu propia animación. Antes de entrar en el siguiente video, asegúrate de que tu activo animado esté limpio y esté listo para componer. 5. Proyección de la escena: Bienvenido de nuevo a la introducción al cine de animación. Esta es la lección cinco, escenificando la escena. Repasemos. Tienes un activo animado que ha sido limpiado y listo para componer. Ahora empecemos el proceso de construir un cortometraje alrededor de ese activo. Lo primero que necesitarás aquí es el cuaderno de bocetos o una tableta con una aplicación de reserva de bocetos en él. Yo personalmente, prefiero un cuaderno de bocetos sólo porque no tienes que preocuparte por ello, perdiendo poder o corrupción de datos, lo que sea, pero cualquier cosa está bien. El primer paso es mirar tu animación y preguntarte, ¿qué historia puedo construir a partir de esto? Tal vez te estés diciendo, Eve, animé un pedazo de hierba soplando en el viento, ¿cómo haces de esto una historia interesante? Yo respondería entonces, bien joven paddle on. Piensa en cómo puedes usar el pasto en una escena más grande. Una sugerencia sería crear una escena donde un soldado esté sentado en lo alto de una colina herbácea con la cabeza en las manos. Enrolle la hierba que fluye, amplíe la cámara y tenga música de piano triste tocando durante siete segundos, o tenga una silueta de dos niños lejanos en un campo largo como las puestas de sol. Estas son buenas sugerencias si eres bueno en el dibujo de figuras, pero digamos que no eres tan bueno en el dibujo de figuras. Yo diría, piensa en un paisaje donde pudieras usar tu pasto que fluye. Otra sugerencia sería tener un castillo de fondo que se ha ido desmoronando de años de abandono o un lote abandonado con pasto escaso y un fuerte infantil casero al fondo. Estas escenas son mucho más interesantes de mirar en un portafolio o un carrete demo que el activo solo. Aquí la clave es captar la atención de tu público. Bueno, bien, ¿cómo se hace eso? Bueno, para empezar, hagamos un pequeño experimento. Me imagino que estás familiarizado con internet, el contenido en Internet. Ahora, hay millones de clips por ahí tratando de competir por tu atención todos los días. Probemos en un pequeño experimento y comprendamos aún más tus propios hábitos de visualización. La próxima vez que estés en un servicio de streaming o simplemente estás perdiendo tiempo en internet, comienza a identificar por qué estás eligiendo ciertas partes de los medios. Para un servicio de streaming, ¿vas a un género que disfrutes y te desplazas hasta ver algo que no es familiar o interesante. Cuando te detengas en cualquier pieza de medio deseado, empieza a preguntarte, ¿por qué tomaste esa decisión? ¿ Fue la miniatura que usaron, fueron los colores que usaron, fue el título de lo que sea que te atrajo? Cuando empieces a entender tus propios hábitos de visualización, eso te ayudará a entender mejor cómo comunicarte con tu público. Como educador, creo que te entenderás mejor entendiendo lo que te atrae al contenido que disfrutas. Sé específico cuando te hagas estas preguntas. ¿ Te gusta el color o la miniatura, o hay algún actor en particular al que te gustaría seguir? Cualquiera que sea la razón, empieza a anotar estos para que así puedas aplicar algunas de estas técnicas a tu propio trabajo. Ahora que tienes una mejor comprensión de tus hábitos de visualización, empecemos a la lluvia de ideas como puede ser tu escena. Aquí te dejamos algunos consejos para empezar. Recoger historias, escuchar un podcast, ver cortos en internet, leer un ensayo, prestar atención a los tipos de historias que te atraen y consumir historias con contenido similar para ampliar tus conocimientos sobre el tema. Conservar tantas perspectivas como sea posible. Haz la investigación, en lugar de escribir palabras aleatorias en tu motor de búsqueda, ve a la biblioteca, visita un lugar y toma fotos con tu teléfono. Siempre recomiendo experiencia de vida. Después de años de trabajar en la industria, es obvio ver a alguien que está apenas en una hora de investigación en Internet versus a alguien que realmente ha visitado un lugar. Obtén ayuda. Admitiré que soy un escritor terrible cuando estoy trabajando solo. A menudo invito a un amigo a salir a comer o ver una película con el fin de sacarme de una cuadra. Por suerte, tengo un montón de amigos a los que les encanta contar historias. A menudo tomo notas y pido usar parte de su historia en mis propias narrativas. Las historias de la vida real incluyen pequeños detalles que a veces son difíciles de conjurar por su cuenta. Aplica estas ideas en tu cuaderno de bocetos. Empieza a combinar lo que has aprendido de tus hábitos de visualización y lo que has aprendido de tu investigación. Aquí tienes una copia de mi cuaderno de bocetos. He tomado los dos activos animados que he demostrado y los he combinado en esta casa embrujada como escenario donde la mano está saliendo del suelo y el personaje 2D está reaccionando. Ahora, necesito crear el resto de los activos en este dibujo, como la casa y el árbol y el fondo. Esto será muy divertido. En nuestra siguiente lección, comenzaremos a enumerar los activos que necesitamos hacer para nuestra escena corta en base a nuestros bocetos, luego discutir cómo hacerlos. Muchas gracias por su tiempo y atención, y nos vemos la próxima vez. 6. Crear recursos: Bienvenido de nuevo a la introducción al cine de animación. Esta es la lección 6, crear activo. Me han escuchado utilizar bastante el término activos durante esta serie hasta ahora. Activo se refiere a cualquier cosa que el artista haya creado para ser reutilizado en la película. Los activos pueden ser personajes, apoyos, muebles, cualquier cosa de fondo. Los animadores tienen bibliotecas de activos de la misma manera cineastas tienen actores o muebles o utilería. Como director, tengo mi propia biblioteca personal que revisito con el fin de hacer experimentos o utilizar para futuros proyectos. Ahora empecemos a planear y crear nuestros propios activos. Para este ejercicio, tendremos que volver a nuestro cuaderno de bocetos. Tengo mi lista. Voy a organizar mi lista en personajes, apoyos, ambiente, y antecedentes. No olvides los sonidos. Asegúrate de que tu lista tenga los tipos de sonidos que necesitarás para tu escena. Los sonidos pueden ser música, efectos de sonido, diálogo y atmósfera. Atmósfera para tono de habitación se refiere a los sonidos de fondo en una ubicación. Por ejemplo, si tu ubicación está en un parque, posible que quieras caminar hasta tu parque local, encontrar un lugar donde no haya gente y grabar unos minutos con tu teléfono o cualquier otro dispositivo de grabación de sonido. Después de grabar y recopilar tus sonidos, ponlos en una carpeta y etiquetar adecuadamente cada archivo. Volveremos a ellos en la lección 10. Volver a los visuales. Ahora necesito determinar cómo voy a estar haciendo mis activos visuales. Existen otros métodos que puedes usar para tus activos de fondo. Algunos de los más comunes son la fotografía y la pintura mate. Estos dos métodos son un poco complicado. Para la fotografía, debes asegurarte de que tengas el tamaño de imagen correcto y que sea lo suficientemente grande como para ponerlo en tu fondo. Además, la iluminación es un poco complicado con la fotografía. Si no puedes igualar correctamente la iluminación, será muy difícil para tu público entender que tanto tu elemento fotografiado como tus activos animados están en la misma escena. Casi parecen que están pegados. Un cuadro mate es una representación pintada de un fondo en un entorno. Es para crear la ilusión de un conjunto más grande, lo que comúnmente llamamos las extensiones de conjunto de negocios. Las pinturas mate son bidimensionales y a menudo representan espacios tridimensionales que requieren una comprensión de la iluminación del mundo real. Para esta lección, estaré demostrando con pintura mate, pero te recomiendo encarecidamente que lo mantengas simple y crees un fondo usando el mismo medio que tu activo automatizado. Para este punto en particular del plan lectivo, sí quiero plantear la ley de derechos de autor. Sé que hay varios estudiantes que toman esta clase que operan en sus propios países, por lo que la ley de derechos de autor puede variar dependiendo de tu ubicación. Con eso en mente, quiero darte algunos consejos generales para mantenerte alejado de problemas a medida que produzcas tu trabajo. Si estás haciendo trabajo en Internet, es fácil copiar y pegar fotografías o diseños o fan art para tus proyectos. A menudo hago referencia a material protegido por derechos de autor para mejorar mis propias habilidades para la práctica. No obstante, nunca uso materiales con derechos de autor para trabajos de cliente ni trabajos comisionados por los que me están pagando. Te animo a usar materiales con derechos de autor lo menos posible, para que así evites caer en cualquier escollo legal. Esto también incluye tutoriales. ¿ Sabías que los tutoriales son propiedad intelectual del autor? Si descargas activos para un tutorial, técnicamente no son tuyos. Si publicas el resultado de ese tutorial, no puedes afirmar que es tu propio trabajo, en realidad es obra del autor. Significa que solo estás siguiendo indicaciones que el autor te ha dado. Si estás interesado en aprender más sobre la ley de derechos de autor, recomiendo encarecidamente que vayas a la página web de tu gobierno para ver de qué se trata las leyes de ese país individual sobre el material protegido por derechos de autor. También te recomiendo que vayas a creativecommons dot org. Cuentan con excelentes recursos para materiales que se publican y distribuyen en Internet. Hay varias cosas que sí necesitas tener en cuenta cuando estás creando tus activos. Tamaño del marco. ¿Cuál es el tamaño de tu marco? Para este proyecto, estamos trabajando en formato HD. El marco tiene 1920 píxeles de ancho por 1080 píxeles de altura. Esto es importante saber antes de empezar a trabajar, siempre investiga cómo estará distribuyendo su animación y descubra el tamaño del cuadro. Para fondos, mi regla general es crear tu fondo el doble del tamaño de tu marco para que puedas acercar o desplazarte dentro de tu fondo sin perder calidad. Estaré discutiendo esto más adelante en futuras lecciones. Tamaño del activo. ¿ Qué tan grande es tu activo en el marco? Los activos más pequeños pueden ser menos detallados que los activos más grandes. Paleta de colores. Asegúrate de que tus activos parezcan pertenecer a la misma escena. Artistas conceptuales harán algo llamado guión de color, que es la paleta de colores que determina los colores en producción para cualquier escena dada. Los colores pueden determinar la hora del día, el estado de ánimo o el género. El estético necesita ser consistente para ser creído. Paralaje de movimiento. Dividir tu escena en activos de primer plano, medio suelo y fondo. Este será el tema de nuestro próximo video. Muchas gracias por su tiempo y atención. Antes de pasar a crear sus activos, le recomiendo encarecidamente que revise la siguiente lección, paralaje de movimiento, con el fin de darle más información y consejos sobre la creación de sus activos. Muchas gracias. Cuídate. 7. Cámara: Bienvenido de nuevo a la introducción al cine de animación. Esta es la Lección 7, cámara. Existe un error común que los animadores desprecien por completo a la cámara. En la animación, la cámara no es un método común para la creación de imágenes. Creamos nuestros activos, luego usamos la cámara para capturar esos activos en el fotograma. Para el cine de acción en vivo hacer la cámara es la primera herramienta que utilizan los artistas para dominar en animación y storyboarding. Considerando la cámara y el storyboarding, mi regla general es mover la cámara con propósito de acuerdo a la trama y acción. Si no tienes la razón de la historia para mover tu cámara entonces no la muevas. Un viaje familiar para mis alumnos sigue este orden de eventos; La ignorancia de cámara, los personajes y los apoyos están dispuestos en un marco bidimensional, similar a una sitcom, un escenario de teatro o un videojuego 2D. En este primer ejemplo de los Simpsons, la tripulación estaba limitada por el tiempo y los fondos. El acto es plano a lo largo de un acceso bidimensional. Cámara desquiciada, cuando el artista reconoce que hay una cámara, se encuentra por todo el lugar sin razón alguna. En el largometraje Foodfight, la cámara vuela por el paisaje en la introducción. El tiempo es malo porque las cámaras se ralentizan cuando no hay acción y se acelera durante la acción, lo que dificulta que el público reconozca lo que está pasando. Después está la cámara madurada, el medio feliz entre los dos, donde la cámara se mueve de manera efectiva para realzar el estado de ánimo para que su historia revele. En The Incredibles, la cámara se mueve con la acción para potenciar el impulso del mar. En el proceso de animación, colocación del cuidador se decide en la fase de storyboard del proyecto. A lo que llamamos preproducción. preproducción es cuando se escribe la historia, se dibuja y edita el storyboard y automático y se graba el sonido temp. La producción es cuando los activos se organizan y animan en función del guión gráfico y automático. Esto es esencial porque la animación necesita saber qué crear y cómo hacer trampa. Ahora el concepto de engaño no es insidioso. Piénsalo, cuando estás en un set de acción en vivo frente a ti, ves el set y los personajes y los apoyos pero a veces hay una pantalla verde o hay un equipo alrededor de la cámara. Hay mucho que no se ve detrás de la cámara o lo que pasa detrás del set. Esto es lo mismo para la animación, cuando la cámara está encendida, ¿ves esto? Detrás de la cámara, ves esto. Stop motion es el método de producción más cercano a vivir la acción, ya que los animadores están tratando con objetos físicos y cámaras, sin embargo, el método de animación utiliza los mismos principios. Estoy demostrando este concepto en After Effects. Cuando estoy keyframe un objeto 2D, lo moveré por la escena, pero no seguirá animándose una vez que esté fuera de la pantalla fuera de esta caja, no existe en ningún contexto de mi película. Aquí está Autodesk Maya, un programa de animación 3D. A ver cómo muevo estos objetos y los organizo de acuerdo a la cámara. Mira lo que pasa cuando muevo mi cámara. Muchos de estos objetos no están terminados, donde se colocan de una manera de ocultar sus defectos. Esto no quiere decir que sea perezoso o no calificado. Muchos estudios profesionales como Pixar o la animación de Sony usan los mismos principios para engañar todo el tiempo. Es un método para ser eficiente con tu tiempo. Cuanto menos tiempo pases en inconsecuentes, más tiempo podrás dominar lo que es importante para tu historia. Crear activos con la mente de la cámara es esencial para ser un buen cineasta de animación. Uno de estos principios que los animadores necesitan dominar es la idea del paralaje de movimiento. paralaje de movimiento se refiere al hecho de que los objetos que se mueven a una velocidad constante a través del cuadro parecerán moverse en mayor cantidad si están más cerca del observador, entonces lo harían si estuvieran a una distancia mayor. Si un objeto está cerca de la cámara y se mueve a la misma velocidad exacta que un objeto lejos de la cámara, el objeto más cercano a la cámara se moverá rápidamente a través del marco, mientras que el objeto más alejado de la cámara aparecerá para moverse más despacio. Walt Disney reconoció este efecto y puso a prueba a su equipo de animación para crear la cámara multiplano en la década de 1930. Fue utilizado por primera vez en un experimento en la producción de The Silly Symphonies Old Mill. Demostremos por qué esto importa. Digamos que me dan el fondo y la historia pide es acercar el marco. Tomemos este fondo y acerquemos. Eso es genial en literal, pero es plano y aburrido. Pero mejores formas de romper el fondo en capas. La cámara puede parecer estar moviéndose por el paisaje. Cuando estoy creando estos activos, los estoy haciendo más grandes que el tamaño del marco por lo que parecen tener la misma calidad que si los mantuviera al mismo tamaño de cuadro. Ahora mira cómo se logra el zoom de la cámara. El fondo se rompe en capas y se mueve en diferentes velocidades para crear la ilusión de paralaje de movimiento. Si quieres saber más sobre la ciencia del paralaje de movimiento o la historia de la cámara multiplano, he incluido algunos enlaces de sitios web para empezar. El uso de esta técnica definitivamente mejorará la calidad de tu película. Si estás considerando esta técnica, es importante tomar esa decisión cuando estás creando tus activos para que conozcas la calidad y el tamaño de cada activo. A medida que completes tus activos, recuerda considerar la cámara. Tendrán que terminar para pasar a la siguiente lección. Muchas gracias de nuevo por su tiempo y atención.En nuestra próxima lección, estaremos cubriendo la iluminación. Gracias. Cuídate. 8. Iluminación: Bienvenido de nuevo a la introducción al cine de animación. Esta es la lección número ocho, iluminación. Hemos cubierto lo básico en limpieza, creación de activos y cámara. Es hora de pasar a la iluminación. Para hoy, quería abordar rápidamente cómo la luz es una parte importante de la realización de películas de animación. La luz puede servir para muchos propósitos en una película. Se puede identificar el propósito de la escena. Puede traer conciencia a un objeto o personaje importante para la historia. Puede revelar una pista vital a la trama narrativa. Puede revelar la identidad de un personaje, y puede ayudar al público a pasar de una escena a otra. Todo el mundo te ama. Mike. Nunca sabrás lo que es fallar, porque naciste Sullivan. Puedes estropear una y otra vez, y todo el mundo te ama. Mike. Nunca sabrás lo que es fallar, porque naciste Sullivan. Sí. Yo soy Sullivan. Soy un Sullivan que reprobó cada prueba. El que fue expulsado del programa, el que tenía tanto miedo de defraudar a todos que yo engañé y mentí. Eva. Los artistas han estado utilizando la iluminación creativa durante siglos. Este cuadro Night Watch, del pintor holandés Rembrandt, utiliza la iluminación creativa como una forma de revelar personajes y las relaciones en la composición. La figura central, la mujer en el vestido dorado, se coloca en la parte posterior de la composición, lejos de las figuras en primer plano. No obstante, la iluminación separa su figura de los personajes circundantes. A continuación, una luz que parece estar viniendo directamente desde el techo, revelando los dos personajes frente al grupo. Otra luz del lado derecho, otra del piso. Estas luces ayudan al público a mover su enfoque alrededor de la pintura. Todo esto es vestirse de conjunto, para apoyar la relación central entre el hombre de la derecha, y su mirada hacia la mujer de fondo. En esta imagen del parque Yosemite, el fotógrafo Ansel Adams, utiliza técnicas de cuarto oscuro para controlar la iluminación alrededor de toda la composición, por lo que el público podría tomar en el paisaje, como una magnífica bodega equilibrada. Para nuestra clase, quería introducir rápidamente la técnica de iluminación de tres puntos como una forma de iluminar cualquier tema. iluminación de tres puntos es la práctica estándar en cualquier producción cinematográfica. Una configuración básica es poner dos luces frente a un sujeto, a 45 grados a la izquierda y a la derecha. Después pon la tercera luz detrás del sujeto, para conseguir una cantidad pareja de iluminación en la escena. El luz clave es nuestra fuente de luz primaria. Normalmente es la luz más brillante de la escena. El luz de relleno tiene menos intensidad que la luz clave, su función principal es iluminar las secciones del sujeto que quedaron oscuras, por la luz clave direccional, sin sobreponerla. Después está la luz de atrás o la luz del cabello. Al aligerar sujeto humano, la luz de fondo ha sido apodada la luz del cabello, porque le da al cabello un efecto halo. El propósito de la luz del cabello, es separar al personaje del fondo y reducir la cantidad de sombra de la luz clave. Para stop-motion en animación 3D, las luces son más como objetos físicos que se pueden mover en la escena. Los animadores 2D necesitan diseñar la fuente de la iluminación y conceptualizar cómo la iluminación afecta el color en la escena. En un estudio profesional, cuentan con todo un departamento que solo trabaja en activos de iluminación. forma en que aplique la iluminación depende de la técnica que haya elegido, para su animación. Los animadores stop-motion incluyen la iluminación durante la producción. Si están disparando encima de una pantalla verde, imitan la iluminación que planean utilizar para el fondo, lo que el equipo de composición puede igualar la iluminación entre tomas. En la animación 2D y 3D, iluminación ocurre en el proceso de posproducción, en una capa separada del color. Permítanme demostrar con estas averías. En el largometraje animado Klaus en Netflix, estudio de animación SPA, separa el pase de color del pase de iluminación. Compró una mercancía frágil, peor en disco. Amigos, compraron una mercancía frágil, peor en disco. En la película original del Pixar Animation Studio, Toy Story, el renderizado de color está separado del renderizado de iluminación. Pero no del sombreado, y aquí está el sombreado, pero nada de la iluminación. En realidad, se pueden ver las texturas, todas las texturas sobre leñoso. El diferencia está en la superficie, algunos son de tela, algunos son de plástico, todo eso está hecho. Pero entonces la mirada real, ese estado de ánimo y ambiente, tirando de los personajes del fondo, dándole a todo su forma real, eso se hace todo en iluminación aquí, por el fondo y por el personajes. Dónde está esa tira de unión. Y otra cosa, detente con esta cosa del hombre espacial. producciones separan los pases de iluminación, por lo que tienen control sobre ellos en la posproducción. Si algo necesita cambiar en la iluminación, la capa de iluminación se puede cambiar en el compuesto, lugar de renderizar nuevamente la animación. Estaremos saltando por un momento y demostraremos cómo se crea la iluminación en producción, luego ajustarla en posproducción. Aquí una demostración de cómo estaré manipulando la iluminación en el compuesto. Para mi capa 2D, he notado que tengo los colores bloqueados, y tengo alguna definición en su área de oídos, ojos y nariz, pero no hay una definición real de iluminación. He identificado la iluminación cuando está parada frente a la ventana, a volverse desde la esquina superior derecha. Entré a Photoshop y creé algunas sombras. Simplemente tomé el tono de piel y el tono de vestido, y lo bajé un par de puntos porcentuales en el área de brillo. Para los más destacados, he decidido que el color de la luz será amarillo. He identificado un par de áreas en su frente, los huesos de las mejillas, y en el área del hombro, áreas que estarían saliendo en términos de 3D. Poniendo estas capas encima de mi figura, el área de sombra se ve bastante bien, pero mi área de punto culminante es demasiado brillante, ahora mismo parece maquillaje que me he abofeteado. Quiero mezclarlo un poco más en la figura usando un modo de mezcla. En After Effects, los modos de fusión se encuentran en el área de capas. Cualquier programa de composición que utilices, tendrá un modo de fusión. El otro programa de composición más común, Nuke, sí tiene una versión de esto cuando fusionas tus capas. Los modos de fusión tienen varias opciones, y todos estos modos de fusión están haciendo es simplemente averiguar cómo encajan las imágenes una encima de la otra. En lugar de normal, eso simplemente coloca una imagen encima de otra, puedes elegir que los píxeles se mezclen de diferentes maneras. Ya que este es un área destacada, quiero ir a la iluminación. Observe aquí que la saturación del color se ha sacado un poco, y esto se mezcla mucho mejor en la figura. Esto tiene un poco más de definición y encaja un poco más naturalmente en la figura. Aquí podrás comparar el resultado final. Este es el pre-compuesto sin reflejos y sombras. Aquí está el pre-compuesto con reflejos y sombras. Es una diferencia muy sutil, pero necesaria a medida que continúas con este proceso. Para comparar, aquí está el metraje crudo de mi mano stop-motion. Ahora nota lo saturado que está ese rojo, casi se siente como si estuviera saliendo de la pantalla. He usado dos tipos diferentes de efectos para manipular la iluminación. Por lo que se puede ver ese claramente. He usado tonalidad y saturación. Este efecto apenas baja la saturación, con el fin de igualar a los demás elementos de la escena. Esto afecta, exposición, esto es útil porque controla el brillo y la oscuridad. El efecto de exposición funciona de manera muy similar a una cámara física, ya que estoy usando imágenes de stop motion, esto tiene sentido. Para ser incluyente, quería incluir un ejemplo de animación 3D. Aquí tengo un ciclo de caminata muy genérico. Esto es la mitad de un ciclo de caminata a través de un paisaje fotografiado. Cuando rendericé a este personaje fuera del programa de animación 3D, Autodesk Maya, incluí un pase de belleza. Un pase de belleza simplemente me da los colores y la forma de mi personaje. También realicé algo llamado pase de normal. El pase de una normal me da información de iluminación que se traduce en información de color. Me da un color rojo, verde, y azul, que corresponde con el espacio X, Y, y Z. Esto me da control sobre la profundidad y cómo el programa de composición traduce esa profundidad. Con el pase de iluminación separado, puedo controlar qué tan clara u oscura es mi imagen. Eso es todo para la lección ocho. Muchas gracias por su tiempo y atención. Siguiente lección, estaremos hablando de algunos principios básicos en tu compuesto. 9. Composición: Bienvenido de nuevo a Introducción al cine de animación. Se trata de la Lección 9, componiendo. En esta lección, definiremos la composición y compartiremos algunos consejos para sacar lo mejor de tu composición. composición es el acto de combinar dos imágenes para hacer una sola imagen. El compuesto básico en animación es el carácter frente al fondo. El fondo permanecerá estático mientras que el personaje puede moverse dentro de la ubicación. El tiempo del animador CFC para que no tengas que volver a dibujar el fondo con cada fotograma. El proceso de composición puede ser tan simple o tan complejo como quieras. Echemos un vistazo. Este de aquí es nuestro compuesto más básico. Tenemos a nuestro personaje en primer plano y el fondo moviéndose consistentemente con nuestro personaje. Lo bueno de componer es que tengo libre control independiente sobre este personaje. En cualquier momento, si quisiera, digamos, cambiar el tiro y hacerlo un primer plano, podría hacer mi personaje mucho más grande aquí, y podemos ver al personaje adentro para un primer plano. Además, si quería reutilizar este ciclo y luego hacer aparecer este personaje como si estuvieran más lejos de la cámara, tengo la libertad de hacerlo también en el compuesto. Para el ejemplo de clase, tengo algo mucho más complejo. El motivo por el que he construido este complejo es para que tenga controles independientes sobre todos los activos en la escena. Puedo reposicionarlos, puedo redimensionarlos, y también puedo hacer algo más de animación dentro del compuesto. Ahora es un buen momento para traer archivos de datos. ¿ Qué tipo de archivos deberías estar usando en tu compuesto? Cuando estés utilizando cualquier software de manipulación de imágenes, 2D o 3D, tendrás una variedad de opciones para explorar tus archivos. La mayoría de los animadores exportarán un archivo de película porque estás creando medios de movimiento. Los formatos más comunes are.mov, .mpg, .mpg4, and.avi. Estos formatos crean un problema para la composición por dos razones. Una es la compresión. Para poder reproducir un archivo de video, el equipo abreviará la imagen para una reproducción suave. ¿ Alguna vez has hecho zoom en una foto y se ve así? Eso es compresión. Esto es malo si estás redimensionando tu activo, se pixelará en el proceso. Dos, canales Alpha, no todos los formatos de video preservan el canal Alpha. Había una opción para preservar el canal Alpha en la mayoría del software, pero no siempre es confiable por la compresión. La mejor y más confiable forma de exportar tu activo animado es seleccionar una secuencia de imágenes en un formato sin pérdidas. Tus formatos sin pérdida son TIFF, PNG y GIF. En la animación 3D, también puedes usar EXR. JPG es un formato con pérdida. Eso significa que cuando redimensionas tu imagen, puede romperse debido a la compresión. Cuando importes tu metraje al programa de composición, habrá una opción para leer tu archivo como una secuencia de imágenes. Asegúrese de que su secuencia de imagen esté etiquetada correctamente. Si te equivocas con tus archivos, el programa de composición no podrá leerlos. Quería demostrar visualmente rápidamente de lo que estoy hablando cuando hablo de etiquetado adecuado. Aquí tengo mi secuencia de animación 2D. Esta es la secuencia fotográfica original que tengo. Cómo creé mi animación 2D es que la dibujé a mano en papel, y luego la fotografié usando el software Stop Motion. El software Stop Motion etiqueta automáticamente cada fotograma de forma numérica. Ahora, cuando se etiqueta numéricamente, el programa de composición puede leer fácilmente la lógica de la secuencia. Entonces 1, 2, 3, 4, etc. Puede entonces importar ese archivo. Con mi primer fotograma seleccionado, no puedo elegir ningún fotograma dentro de la secuencia. Necesito elegir el primer fotograma de la secuencia. Entonces puedo bajar aquí a mis opciones de secuencia. El programa de composición que estoy usando After Effects reconoce automáticamente el formato de archivo en este sentido, es un TIFF, y puede importarlo como metraje. La misma lógica va para mi animación 3D. Para mi animación 3D, exporté mi secuencia de animación como EXR, aplica el mismo principio de importación. Numera cada fotograma 1, 2, 3, 4, etc. Entonces el programa de composición reconoce automáticamente la secuencia EXR tan pronto como elijo el primer fotograma, y luego puede importarlo de inmediato. Quería aclarar algo que surgió después de que escribí el guión para este episodio. Alguien me había preguntado sobre exportar desde el compuesto, y quería dejar muy claro que usar un programa de composición como After Effects, solo te da una opción para exportar un archivo de video sin comprimir. Ahora bien, esto no es menos que una secuencia de imágenes. De hecho, unos archivos de película son preferibles para la fase de edición de tu proyecto. La edición es esencialmente cuando tomas varias tomas y las juntas. composición realmente solo debería suceder para un disparo a la vez, por lo que solo debes tener una composición por cada disparo. Ahora, hay algunas composiciones que puedes reutilizar en tu secuencia y eso es totalmente aceptable. No obstante, para los efectos de esta clase en particular, sólo quería introducir la idea de la composición. Ahora, con fines de edición, Adobe After Effects solo bombea un archivo de video para que puedas usar ese archivo de video con varios otros archivos de video en la edición. Ahora, para que quede claro, el archivo de video sin comprimir es enorme. Va a ocupar mucho espacio en el disco duro. Es importante asegurarse de que tiene suficiente espacio en su disco duro para acomodar el render. En la composición, tienes más opciones para manipular tus metrajes, como el tamaño, el color y el tiempo. Comience a construir su compuesto importando sus activos y organizándolos en su marco. Siéntase libre de seguir jugando con las opciones que están disponibles para usted a través del software. Experimenta y explora. Oigan a todos. Quería hablarles rápidamente de parte de mi proceso creativo, sobre todo cuando se trata de posproducción. Como usted vio antes en mi cuaderno de bocetos, yo había creado la idea de mi activo 2D, esta mujer gritando y ella mirando la ventana de una casa a las manos saliendo del suelo. Eso es lo que inicialmente planeé. Ahora, originalmente, la quería en un cementerio, pero mientras estaba creando activos de cementerio, me di cuenta de que el marco lucía realmente desordenada y estaba alejando la atención de las manos. Entonces me deshice de esos y me pegué con el árbol. No obstante, cuando empecé a crear estos activos, si la viste en videos anteriores, mi activo 2D era enorme en el fotograma. Su cabeza retomó alrededor de una cuarta parte del tamaño si lo veías en videos anteriores, y mientras yo estaba en proceso de composición, me di cuenta de que su cabeza era demasiado grande, así que decidí redimensionarla y moverla más pequeña en el marco. No obstante, como resolví ese problema, creé otro problema en que realmente no tenía cuerpo para ella. En lugar de reanimar todo un cuerpo, pareciendo como si estuviera caminando en el marco. Simplemente decidí esconder un poco el cuerpo con algún follaje cuidadosamente colocado, incluí el follaje en esta otra ventana, así que hay consistencia en todo el marco. Parece que es alguien que mantiene las plantas a un costado de la casa. Yo también quería preservar sus colores. No quería desaturarla, para que pareciera que no estaba en el escenario nocturno. Añadí estas luces en el compuesto con el fin de darle sentido a esa coloración. Nuevamente, seguí siendo creativo y sumándome a la escena en el compuesto. Ahora bien, esto es algo que sucede bastante regularmente en el estudio así como en mi propia práctica personal. Cuanto más lo meto en las manos, más ideas aparecen. No tengas miedo de seguir planeando y ajustando y creando cuanto más te metas en el proceso. Simplemente no te dejes llevar por ello porque eventualmente quieres terminar tus proyectos. En la siguiente lección, comenzaremos a poner sonido a nuestras películas. Muchísimas gracias. Te veré la próxima vez. 10. Sonido: Bienvenido de nuevo a la introducción al cine de animación, esta es la Lección 10, sonido. Podrías estar preguntándote, Eve, por qué estás susurrando en un micrófono, es para llamar tu atención sobre el sonido. Ya ves, cuando el sonido no está funcionando en el cine animado, realmente lo notas. Banda sonora muy bien comisariada y mixta puede acrecentar tu experiencia al ver una película. Es igual de importante para el éxito de tu película como las imágenes. Aquí es donde recuerdas en la lección seis, cuando estábamos ensamblando nuestros activos, que te recordé que crearas una carpeta para tus sonidos grabados. Ahora es el momento de volver a esa carpeta, empezar a sacar esos sonidos y realmente jugar con ellos en la mezcla de sonidos. Estaremos utilizando el software de edición, Adobe Premiere, con el fin de hacer nuestra mezcla de sonido. Una palabra rápida sobre eso, hasta este punto, hemos estado utilizando principalmente el software de composición, Adobe After Effects, para la mayoría de nuestras demostraciones técnicas. Si bien este software sí tiene la capacidad de importar y mezclar sonidos, recomiendo encarecidamente que utilices Adobe Premiere para hacer tu mezcla de sonido, no Adobe After Effects. Todo el propósito de importar sonidos a un programa de composición, es agotar el tiempo de espera de tu animación o volver a cronometrar parte de tu diálogo o sincronización de labio. O si tienes una banda sonora pregrabada, solo para asegurarte de que los beats en tu composición, coincidiendo con esa banda sonora. En Adobe Premiere, es mucho más apropiado editar sonidos que estarás poniendo en lo visual, y además mezclar adecuadamente la música y el diálogo juntos. Con eso hay mejores herramientas, y es mucho más fácil de usar. Entonces echemos un vistazo. Actualmente estamos en Adobe Premiere y he exportado mi animación a media resolución. Esto permitirá una reproducción muy fácil ya que estoy fregando y mezclando mis sonidos. Escucha lo que he hecho hasta ahora. mí me gusta adónde va esto hasta ahora, dejarte pista en cómo me gusta hacer la mezcla de sonido es, me gusta trabajar de abajo hacia arriba. Cuando estoy editando diálogos y efectos de sonido, esos efectos tienden a tener más ediciones porque tengo que emparejar la imagen con lo que está pasando en la banda sonora. Tiendo a mantener esas pistas lo más cerca posible de mi imagen, para que así, pueda alinear imagen y sonido. Para otros efectos de sonido como ya sea música o ambiente, tiendo a dejarlos hacia abajo porque corren por toda la pieza y normalmente no los edito mucho. Hay un efecto de sonido crítico que falta esta composición y ese es el grito al final. Empecemos a editar ese grito. Por aquí, he creado un bin para que entren mis efectos de sonido y tengo una variedad de efectos que venían de un CD libre de regalías, que tengo de mucho tiempo atrás en el día. También tengo algunos sonidos que grabé en mi teléfono. Suena como los ruidos exteriores y algunos del suelo moviéndose. Pero ahora quiero escoger a una mujer gritando. Voy a ir a mi expediente que dice mujer grita, selecciona eso. Voy a escuchar un par de sonidos y ver cuáles me gustan. Me gusta mucho ese último, creo que eso encaja mejor al personaje. Voy a seleccionar ese clip poniendo puntos de entrada y salida a cualquiera de los lados del mismo. Entonces voy a volver aquí abajo a mi secuencia, voy a asegurarme de que se seleccione la pista adecuada. Adobe Premiere te da la posibilidad seleccionar cualquier pista de audio o video en la que puedas importar. Para mí, voy a estar importando a esta pista de audio superior aquí, y queremos que nuestro audio entre justo aquí. Voy a golpear sobrescribir, el fin de poner eso directamente en nuestra pista. Asegurémonos de que esté alineando. Yo quiero que eso pase un poco más tarde. Otra cosa bonita de Premiere es que, puedo ver el archivo WAV, para que pueda observar donde empieza ese audio. Ahora mismo estoy alineando el cabezal de juego para emparejar cuando ella comience a abrir la boca, y ahí es cuando empezará nuestra pantalla. Voy a deslizar esto hacia abajo y esta línea recta aquí me dice que no hay sonido aquí, así que sólo puedo hacer ese clip un poco más corto. Vamos a jugar eso atrás y asegurarnos de que coincida. Tenemos que darle un poco más de tiempo para que esa pantalla se presente, así que vamos a bajar eso. Eso está funcionando mucho mejor. Para poder hacer mi mezcla, voy a necesitar acceso a más herramientas. Debajo de mi ventana voy a los espacios de trabajo y elijo Audio. Lo bueno de Premiere es que tiene una variedad de presets que hacen que este proceso de mezcla sea más eficiente. Ya que no soy un diseñador de sonido, estas herramientas son muy beneficiosas para mis propósitos. Con esta pista seleccionada, voy a etiquetar como un efecto de sonido. Tengo una variedad de presets para elegir. Para este, quiero que sea un poco más distante. A ver cómo eso. mí me gusta la reverberación en él, pero es muy tranquilo en la mezcla, así que quiero arreglar eso. Yo también mientras jugaba esto a través, identifiqué un problema. Ahora, muchos animadores tienden a simplemente confiar en sus oídos, si están usando auriculares para mezclar sonido, ese no es el mejor método, realmente deberías estar prestando atención a los alcances que tienes aquí. la misma forma que pondrías atención a cualquier tipo de alcances si estás haciendo una corrección de color avanzada. Cuando ves aquí estas líneas rojas, eso indica que el efecto de sonido está un poco más modulado y sonará crujiente al reproducirlo en otros dispositivos. Para arreglar eso, quiero derribar. Voy a sacar el EQ, que impulsa un poco más la pista sonora. Ya veré si eso soluciona el problema. No, aún está sobremodulada. Parece que voy a necesitar bajar la sonoridad. Sigue en voz alta, así que ahora voy a ajustar el volumen. Con mi clip seleccionado, voy a subir aquí y voy a bajar el volumen. Ahora puedes ver que no tengo ninguna advertencia de que el sonido esté más modulado. Para nuestra otra banda sonora, voy a sacar eso unos decibelios. Esa es una demostración rápida de cómo iniciar el proceso de mezcla de sonido. En este punto, puedes seguir trabajando en tu imagen hasta que esté lista para renderizar. Así que sigue trabajando en tu composición, tu iluminación, jugando con tus colores, e incluso tu cámara. Siguiente lección, nos vamos a preparar para renderizar. Muchas gracias por su tiempo y atención. Espero verte la próxima vez. 11. Renderizado y compartido: Bienvenido de nuevo a Introducción a la Animación Cinematografía. Esta es la Lección 11, Renderización y Compartir. Nosotros lo hicimos. En este punto. Debe estar terminado, el proceso de producción y postproducción. Se debe hacer la composición, se debe resolver la mezcla de sonido. Ahora, preparémonos para golpear render de ese compuesto. Antes de hacer eso, asegurémonos de tener los ajustes adecuados para poder explorar nuestro proyecto. Estamos de vuelta aquí en Adobe After Effects, mi compuesto está completamente terminado y ahora estoy listo para la exportación. Subiré a Archivo, y bajo Exportar, tengo una variedad de opciones diferentes que incluyen enviarlo a Adobe Media Composer para compresión, enviarlo directamente a la cola de render, lo que me da un archivo sin comprimir. Lo estamos enviando al programa de edición, Adobe Premiere Pro. Mi método es enviar siempre composites de After Effects a la cola de render porque quiero una versión sin comprimir de mi proyecto. El motivo por el que hago esto es para que no tenga que seguir abriendo mis archivos de proyecto cada vez que necesito una nueva versión de este archivo de video. Ahora he traído mi proyecto a Adobe Premiere, tengo la versión sin comprimir de mi proyecto, y ahora lo estoy deslizando en mi línea de tiempo para acompañar mi banda sonora. Ya estoy listo para la exportación. En primer lugar, quiero volver a comprobar mis ajustes de secuencia para asegurarme de que todos estén en su tamaño adecuado. Mi tamaño de marco es de 1920 por 1080, y estoy trabajando a 30 fotogramas por segundo. También quiero asegurarme de que la secuencia esté en píxeles cuadrados, cualquier otro preset hará que el resultado sea oblongo o distorsionado. Ahora voy a exportar. Cuando exporto desde Adobe Premiere de la misma manera que desde After Effects, quiero asegurarme de que estoy exportando una versión sin comprimir, y lo puedes ver en el resumen de la configuración de exportación. Para esta versión en particular, voy a estar usando un códec QuickTime con un preestablecido de apple progress 422. Eso me da una versión sin comprimir a 30 fotogramas por segundo usando 1920 por 1080. Asegúrate de que tu audio y video estén seleccionados, o de lo contrario, es posible que uno u otro no salga. También tienes la capacidad de fregar a través tu animación para asegurarte de que todo se vea bien antes de golpear render. Ahora estoy en Adobe Media Encoder. Estoy fregando mi cortometraje. Ahora me gustaría prepararlo para una variedad de métodos de distribución. El método de distribución más común es el uso de compresión H.264. Al mirar los presets, otra razón por la que me gusta usar la suite de Adobe como parte de mi demostración es porque hay diferentes presets que son aplicables a las distribuciones populares de redes sociales como Facebook, Twitter, Vimeo y YouTube. Puedo elegir cualquiera de estos dependiendo de cómo voy a estar exportando mi película o cómo quiero que mi público vea mi película. Una vez que tenga seleccionado el adecuado, puedo presionar mi botón de reproducción y estoy listo para exportar. Con esta versión sin comprimir, puedo tener una variedad de métodos diferentes, como YouTube, Vimeo, etc. Puedo configurarlos todos y configurarlos para renderizar en sucesión. Antes de continuar, haz tu investigación. ¿ A dónde quieres que vaya esta película? qué plataformas de redes sociales te gustaría compartirlo, o solo quieres subirlo a una página web? Cada toma de distribución tiene criterios para los tipos de formatos de archivo que requieren para poder colocarse en su plataforma. Asegúrese de exportar con la estructura de archivos correcta. Siempre debes probar cada archivo antes de ponerlos en tu cuenta. Estás buscando algún fotograma caído o si el sonido no está sincronizado, o tal vez simplemente hay un error. Siguiente y última lección, discutiremos cómo ganar audiencia para tu cortometraje. Muchas gracias por su tiempo y atención. Te veré la próxima vez. 12. Distribución: Bienvenidos a la última lección de Animación Cinematografía, aquí Lección 12, distribución. Enhorabuena, has hecho un cortometraje. Ahora para hacer la pregunta milenaria, si has hecho una película y nadie la ha visto, ¿existe? Para ti, seguro. Por supuesto que existe. Demuestra un trozo de tiempo en tu vida en el que pones mucho esfuerzo, tal vez esto sea solo un gran ejercicio creativo. No obstante, te animo a que encuentres público con tu trabajo. Siempre es útil compartir algo y obtener algunos comentarios significativos. Ahora sé que esto es Internet y a veces no consigues comentarios realmente geniales, pero podrías conseguir algo realmente útil o inspirador. No tengas miedo, sal por ahí, encuentra a tu público. El último paso en este proceso es identificar a esa audiencia. ¿ Quién quiere ver tu trabajo? Primero pregúntate al crear este proyecto, ¿qué propósito te sirve este proyecto? ¿ Es esta práctica? Si se lo muestra a la gente que te dará una crítica útil. ¿ Buscas trabajo? Asegúrate de que las habilidades que demuestres en el corto sean aplicables a la descripción del puesto. Esta es una prueba de concepto. Asegúrate de que esto resume el tono y el carácter en un clip corto. Compártelo con personas que estarían interesadas en conocer más sobre tu proyecto. Sea cual sea tu motivo, asegúrate de mostrárselo a las personas adecuadas con el fin de darte consejos útiles para tu progresión como artista. Aquí es donde las redes sociales son realmente valiosas. Cada año asisto al Festival de Animación de Ottawa para referencias profesionales y networking. En 2018, escuché de la animadora Celia Bullwinkel sobre su cortometraje de animación autoproducido: Aceras. La acera es una metáfora visual sobre una mujer que camina por la vida, confrontando su cuerpo cambiante, y aprende a amarse a sí misma. Que hay más de tres millones de visitas sobre Vimeo y ganó varios premios y festivales de cine. Durante su charla, Celia delineó su estrategia para encontrar un público en línea. Horario, Celia escogió una fecha para publicar su película en su cuenta de Vimeo. investigación, encontró sitios web y grupos de redes sociales que apoyan los temas de las mujeres. Contacto, envió a los administradores de estos espacios en línea un mensaje personalizado y preguntando si anunciarían la película a sus espectadores. Incentivo, como bono añadido, cualquiera que estuviera de acuerdo, obtuvo un enlace de acceso anticipado para compartir con su público. Para su deleite, Celia obtuvo una respuesta universalmente positiva. Bueno, esta es una historia de éxito bastante excepcional. Yo sí creo que la estrategia de Celia para ganar una audiencia es bastante universal y accesible. Espero que hayas disfrutado de esta clase y hayas aprendido a usar tus habilidades de animación para proyectos mucho más grandes. Te animo a seguir practicando y compartiendo tu trabajo. Muchas gracias nuevamente por su tiempo y atención y espero trabajar con ustedes para futuras clases. Gracias y cuídate.