Introducción a la escritura de melodías

1. Introduccion: Hola, y bienvenidos a mi clase de Melody Writing one oh one. El objetivo de esta clase es asegurarse de que tienes muchos dispositivos para que cuando estés creando melodías, tengas muchas opciones para elegir que sabes que son opciones melódicas estándar Te estaré proporcionando muchos ejemplos melódicos, y hacia el final, incluso estaremos escribiendo algunos de estos ejemplos melódicos en un PDF e identificando las técnicas melódicas directamente en la página para que realmente puedas ver cómo Entonces vamos a hablar de tonos vecinos, tonos pasajeros, tonos cromáticos vecinos, tonos cromáticos de paso, adornos como mordedores, giros y Vamos a hablar de recintos, arpegios, y vamos a ver cómo se arma todo Esta clase puede ser útil para productores, compositores e intérpretes de casi cualquier género Y debido a que los géneros pueden diferir enormemente entre si se balancean o si no se balancean, también cubriré una clase pequeña hablando ritmos swing y rectos y cómo se aplican a la escritura melodía Ahora, sí tienes un proyecto para este curso, y vas a tener dos opciones. Si te sientes cómodo escribiendo música, vas a estar escribiendo algo, y si te sientes cómodo interpretando, vas a estar haciendo algunas presentaciones. Quiero que crees una progresión de acordes de cuatro acordes. Puede ser muy sencillo. Puedes mantenerlo en las teclas blancas, y vas a crear algún tipo de melodía que utilice al menos dos de los dispositivos melódicos que cubrimos dentro de este Si estás anotando tu melodía, sería genial si pudieras identificarte en la página Dónde estás usando esas técnicas específicas. Aunque no es necesario porque voy a poder verlo. Creo que podría ayudarte solo para ver realmente cómo puedes comenzar a desglosar estas cosas e ir a escribir tu melodía de una manera un poco formulaica mientras también usas un poco de la naturaleza intuitiva que aportamos a nuestra escritura de melodía Entonces estarás suministrando un PDF o una imagen de tu partitura o suministrando una grabación de video o audio tuya tocando a través de la melodía. Voy a repasar todos los detalles de este proyecto dentro la clase dedicada a los detalles del proyecto, así que asegúrate de comprobarlo. En este punto, he proporcionado muchos cursos sobre armonía porque es lo que me apasiona mucho. Pero la armonía y la melodía se relacionan tanto entre sí que tuve que poner este curso a cualquiera de ustedes que estén esperando a ver cuáles son algunos consejos que tiene Josh hacia la escritura de melodía. Esta es la clase para ti. Lo mantenemos sencillo. Vamos a lo básico, y a partir de ahí, puedes permutar y armar estas cosas de tantas maneras diferentes que se convierte en tantas maneras diferentes que se convierte posibilidades casi infinitas Entonces, si buscas no solo mejorar tu escritura melodía, sino también entender mejor lo que estás haciendo dentro de tu escritura melodía, esta es la clase para ti. Entonces espero que se diviertan en este curso. Estoy seguro de que aprenderás algo nuevo, y me emociona compartir contigo algunas de las técnicas que más utilizo en mi propia escritura de melodía. Empecemos a indagar en ello. Te atraparé en primera clase. 2. Proyecto de clase: Bien, entonces para este proyecto de curso, vas a tener algunas opciones diferentes que todo tipo de gira en torno a la misma idea Vas a crear una progresión de acordes de cuatro acordes, y sobre esa progresión de acordes, vas a crear algún tipo de melodía. Si eres pianista, eso podría significar que los acordes están en tu mano izquierda y la melodía está en tu mano derecha Si eres guitarrista y no eres guitarrista de jazz o flamenco e incapaz de tocar acordes y melodía al mismo tiempo, lo cual entiendo que es muy difícil, siempre puedes simplemente grabar múltiples capas, grabarte tocando los acordes, y luego grabarte tocando la melodía, y puedes Pero me estoy adelantando un poco porque puedes hacer un proyecto de porque puedes hacer grabación o puedes escribir tu melodía y acordes en forma de partitura Hablemos de ambos. Entonces, para el proyecto de partituras, no tendrás que tocar nada en absoluto. Puedes tener símbolos de acordes flotando sobre el pentagrama como lo verías en una tabla de jazz o pop, o puedes hacer clave de agudos y clave de bajo, y los acordes pueden estar abajo en la clave y los acordes pueden estar abajo en la Vas a escribir tu melodía en la clave de agudos. Y si quieres ir ese kilómetro extra, identificarás los tonos vecinos, tonos pasajeros, recintos, todas las técnicas melódicas que has incorporado Quiero que encuentres una manera de lápiz en algún tipo de identificador para esos. Otra vez, no tienes que hacerlo, pero creo que sacarás más provecho del proyecto si haces eso. Ahora, puedes suministrarme el material de dos maneras distintas. Puedes escribirla a mano, tomar una foto y enviarla , o preferentemente, podrías escribirla en algún tipo de programa de partituras como Sebelius o MuseScore, o Dorico o lo que sea que estés usando A partir de ahí, lo exportarás desde el software y me suministrarás un PDF. Ahora la otra opción es que puedes suministrar una grabación de ti mismo ya sea audio o video reproduciendo los acordes y la melodía juntos Para los pianistas, esto es bastante claro, acordes de manos izquierdas, melodía de mano derecha Para un guitarrista, es posible que necesites una pista de respaldo para los acordes o un pedal de bucle o algo así Pero puedes sentirte libre de ser creativo. Quiero escuchar los acordes, y quiero escuchar esa melodía Ahora bien, si quieres enviar una grabación de audio, recomendaría hacer la grabación, subirla a SoundCloud, solo puedes usar una cuenta gratuita y luego proporcionar un enlace público de ese archivo subido dentro de ese archivo subido dentro descripción del proyecto de este envío del proyecto Del mismo modo, si estás haciendo una grabación de video de ti mismo, subirla a YouTube, y en ese caso, seguirás suministrando un enlace público dentro de la descripción del curso para este envío de proyecto. A partir de ahí, o bien tendré una grabación de audio, grabación de video o algún tipo de archivo que muestre la partitura de este proyecto. Lo evaluaré y te haré saber lo que creo que mejor hiciste y tal vez algunas áreas de mejora. Sé que hay muchas opciones para este proyecto de curso, pero no puedo asumir que todos los que toman este curso sean pianistas Entonces quiero asegurarme de que las opciones estén disponibles. Así que de esa manera, ya seas cantante, guitarrista, pianista, hay algo disponible para que puedas proveer un proyecto de curso para este curso Y además, es un poco divertido tener algunas opciones. En definitiva, también, si quieres anotar las cosas y luego hacer una grabación de ti mismo, eso también está perfectamente bien Estarás haciendo un esfuerzo extra si haces eso y te felicita Entonces esa también es una opción. Pero por ahora, no tiene que ser tan complejo. Asegúrate de estar puliendo tus partituras o practicando el material que vas a suministrar dentro de tu grabación de video o audio. Quiero asegurarme de que estás haciendo esto en un día que se sienta cómodo. El proyecto no debe sentirse forzado, así que asegúrate de que te sientes en la zona. Cualquier otra duda que tengas, siéntete libre de contactarme, y estoy feliz de responderlas. Eso es todo para este proyecto de curso. Te atraparé en la siguiente clase. 3. Qué hace una buena melodía: Entonces, ¿qué hace que sea una buena melodía? En pocas palabras, creo que cuanto más cantable sea una melodía, más se va a quedar con tu oyente Ahora bien, ¿qué hace que una melodía sea cantable? No queremos estar saltando demasiado. La idea es no estar saltando una octava varias veces, y luego quintas y cuartas partes y tritonos. Puedes salirte con la tuya con el salto extraño, pero en su mayor parte, quieres asegurarte de que sea cantable dentro de un rango agradable y estrecho, en su mayoría pasos, saltos y repeticiones También, elegir notas que sean de una colección diatónica, como una escala mayor o una escala menor Va a ser bastante importante, sobre todo para la música en Occidente porque estamos tan acostumbrados a escuchar estas escalas que seamos o no cantantes o músicos fantásticos, todavía somos capaces de escuchar la colección de notas algo así como inconscientemente Entonces mientras cantamos, estamos familiarizados con el conjunto de notas. Y también, muy a menudo, podemos anticipar a dónde podría ir una melodía. Queremos que nuestro público se sienta inteligente, así que este tipo de idea de configurar una nota dentro una melodía que el público pueda adivinar es algo realmente importante. Al igual que, si toco algo así como ¿Escuchas la última nota quiere resolver de nuevo? Así que es posible tipo de señal un poco al oyente para que esté listo para la nota que estás a punto de tocar Se sienten especiales e inteligentes. Has suministrado una melodía que ellos disfrutan, todos ganan. Además, la melodía debe interactuar bien con la armonía. Por ejemplo, si tengo un acorde de Do mayor en mi mano izquierda, es muy posible que se vayan a encontrar C Es o Gs en la melodía. Vamos a estar hablando mucho más de esto más adelante en el curso, pero como visión general por ahora, cualesquiera que sean las notas que estén en armonía tienden a sentirse muy seguras dentro de la melodía. Y si estás eligiendo una nota no en la armonía, sino aún desde la escala general, vas a obtener un resultado más colorido. Entonces en este caso de un acorde de Do mayor, si estamos en la clave de Do mayor, Ds, Fs, As y Bs se sentirán un poco más coloridas. Entonces, cuando estás usando una colección diatónica de notas, relacionándola bien con la armonía, no saltando por todas partes y dando al público algo que puedan anticipar un poco, pero también dándoles algunas sorpresas divertidas en el camino, creo que es una gran fórmula para tu oyente una melodía que van Otra cosa que quiero decir de que una melodía sea cantable es que hay que considerar la velocidad a que estás navegando por la melodía Si sucede que es así, nadie va a poder cantar eso, ¿de acuerdo? Así que hasta a media velocidad, Nadie va a poder cantar eso, entonces, ¿cuánto tienes que marcar algo atrás para que sea bastante fácil que el público en general pueda cantarlo o cantarlo en su cabeza Entonces, entre no darles demasiados saltos y mantener la velocidad manejable, esencialmente les estás dando una melodía simple Y muy a menudo, las melodías simples son las más efectivas. Ahora bien, no estoy diciendo que ninguna parte de tu melodía no pueda tener cierta complejidad, pero si es demasiado compleja, entonces tiende a ser para un conjunto muy nicho de oyentes Pero si quieres mantener tu melodía atractiva para un grupo más grande de oyentes, mantenla simple, asegúrate de mantener las cosas diatónicas o verdaderas a una llave o escala y relacionar las cosas con tu armonía para que tu mano izquierda y derecha estén trabajando Si puedes hacer todo eso, estás en muy buena forma. Otra cosa que podría valer la pena mencionar es algo llamado complejidad melódica, y creo que lo mejor es que realmente naveguemos eso en su propia clase completa Así que vamos a sumergirnos en la siguiente clase donde vamos a estar hablando de complejidad melódica 4. Complejidad melódica: La forma en que los miembros de una banda o una orquesta se comunican entre sí a través de su música es muy importante. Si cada jugador está jugando algo súper complejo o súper simple, entonces tiende a simplemente una especie de línea plana. No tiene la agradable yuxtaposición de, puedo optar por afinar mi oído para escuchar el elemento simple o para escuchar el elemento más complejo No tenemos suficiente en la paleta para darnos variedad. A pesar de que todo se entrelaza cuando se tienen elementos complejos y no complejos, todavía podemos elegir separar y escuchar diferentes elementos Pero si todo es complejo, todo es más difícil de escuchar. Y si todo es súper simple, entonces es simplemente un poco aburrido. Entonces mi guía para ti por ahora es escuchar la sección rítmica, especialmente la batería. ¿Los tambores están haciendo algo súper complejo? Si lo son, mantén una melodía un poco más sencilla y cantable Es decir, piensa en el metal. Tienes tambor muy pesado, da da gut. Y ¿qué está haciendo el cantante overtop? Estilo casi operístico, lo que podrías llamar campana canto voces, una hermosa voz pasando por encima Pero no es como el rap y el metal fundidos. ¿Estoy diciendo que el rap y el fusible de metal es algo malo o no deberías hacerlo? No necesariamente. Sólo digo que hay muchos elementos complejos, la complejidad del ritmo de la voz, la complejidad de la densidad de la batería, y luego probablemente muchos otros instrumentos overtop Si los tambores están haciendo algo más complejo y tu voz está flotando sobre la parte superior, hay una buena yuxtaposición, y todo se siente como si estuviera encajando en su Es como si tuvieras una pizza y tuvieras una cobertura que fuera realmente aventurera, eso podría ser divertido Pero si cada cobertura es realmente aventurera y realmente algo extrema en la paleta, entonces realmente no puedes diferir muy bien todos los sabores y se vuelve un poco Entonces, cuando se te ocurra tu melodía, solo pregúntate, qué tan compleja es la instrumentación en general, especialmente la sección rítmica. Y si eso cambia de sección a sección, entonces tú también puedes. A lo mejor el verso es muy complejo instrumentalmente, pero tu voz está flotando sobre parte superior en ese estilo campana Canto A lo mejor el coro, todo se rompe bastante, y te da la oportunidad de ser un poco más ágil y denso con tus ritmos vocales Ritmos a un lado, si los instrumentos afinados están moviendo grandes saltos por todas partes, probablemente sea mejor mantener su melodía un poco más a tierra a través de la repetición, pequeños pasos Pero si tienes instrumentación que es solo especie de revuelo en un solo lugar, entonces tal vez puedas ponerte más aventurero con los saltos que das y el tipo de amplitud o ancho de tu das y el tipo de amplitud o ancho de o ancho Ahora bien, no siempre estamos tratando de hacer exactamente lo contrario. Tambores complejos, ritmo sencillo. Guitarra compleja, movimiento simple con tu melodía. Tiende a ser una fórmula fácil trabajar, pero al mismo tiempo, va a haber momentos en los que quizás quieras combinar perfectamente con un riff de guitarra que es complejo A lo mejor el si está tocando y tú estás cantando ese mismo riff Entonces realmente depende de lo que vayas por la estética estilística y también cuándo y cómo romper las reglas Cuanto más tiempo hagas esto, más vas a tener una buena idea cómo quieres romper las reglas y qué reglas quieres romper. Ahora bien, si estás pensando, Josh, soy un músico principiante. No quiero tener que aprender esto durante los próximos diez años de práctica de banda. Quiero decir, no tienes que hacerlo. Solo mucho escuchar cualquier estilo que te entusiasme realmente va a ayudar. Entonces, debido a que la voz realmente no suministra armonía fuera de tal vez esbozar formas de acordes a través de una moda rota, realmente estás escuchando el ritmo de la banda y cuál es el movimiento de los instrumentos pitcheados No vamos a llamarlo melodía, pero podría ser una contramelodía o el movimiento de esas progresiones de acordes Entonces el ritmo, y luego el ancho o saltos de los instrumentos afinados y tratando yuxtaponer esos de una manera Creo que si estás haciendo eso más de lo que no, entonces estás bien. Y si quieres hacer complejo con complejo veces o realmente simple con realmente simple, eso está bien, también. Pero como punto de partida general, especialmente para principiantes, asegúrate de estar desafiando lo que está haciendo el resto de la banda para asegurarte de que te quedes metido en tu bolsillo. No estoy diciendo desafiar con malas notas o malos ritmos. Sólo digo que si la banda es compleja, recuéstate un poco. Si son simples, puedes sacarlo a colación un poco en términos de esa complejidad. Es un concepto sencillo, pero creo que es muy importante. Así que asegúrate de estar considerando la banda en general y lo que están haciendo y cómo encaja tu papel como cantante, digamos, pero al mismo tiempo, podría ser el primer violinista de silla, un sintetizador en una pista electrónica, etcétera Si estás a cargo de la melodía, escucha lo que está haciendo la banda y ajusta tu melodía en torno a eso. Ahora, hemos alejado bastante y hemos echado un vistazo a las melodías desde una perspectiva más amplia Pero si aún no estás seguro de cómo crear una melodía, en la siguiente clase, vamos a hablar de algunos enfoques en los que puedes tomar algo un poco más acercado, pero no vamos a estar indagando en las malas hierbas de la teoría todavía. Entonces después de la siguiente clase, profundizaremos en algunos pero en esta siguiente clase, estaremos hablando de enfoques melódicos Te veré ahí. 5. Enfoques melódicos: El entonces, ¿cuáles son algunos enfoques para crear melodías? ¿Por qué empezamos agradable y sencillo y hablamos de melodías simples Digamos que tengo una progresión de acordes. do menor, Mi bemol mayor, bemol mayor, Si bemol mayor. En cuanto a una melodía simple, podríamos encontrar una nota que es bastante común entre esos acordes Mi bemol está en el primer acorde. Mi bemol está en el segundo acorde. E bemol está en el tercer acorde, y podemos esquivar a una nota muy cercana, en este caso, D para el último acorde, que no tiene un plano E. Entonces ahora si hacemos un ritmo muy sencillo sobre la parte superior, usando esas notas, podríamos tener algo como esto. Para que veas que no tiene por qué ser demasiado complejo, e incluso podemos empezar a bailar alrededor de esa nota un poco. Como, si eso es demasiado repetitivo para ti, ¿qué pasa con algo como esto Bien. Entonces ya estás empezando a recoger un concepto realmente clave en el que nos sumergiremos más adelante, que es que la melodía debe relacionarse con la armonía. Ya sea que estés tratando de desafiar la armonía o estar de acuerdo con la armonía, eso depende de ti. Pero he elegido notas que están específicamente dentro de mis acordes, y vamos a sumergirnos en eso un poco más después, pero solo quería mostrarte que es una forma muy segura de comenzar A continuación, podrías tener algún tipo de tema. Digamos que tu tema es de tres notas, y luego bajas a otra nota. Bueno, podrías ser Beethoven si ese es el caso, porque tendríamos algo como Bien, entonces movió ese tema tres notas abajo un salto en este caso, y luego lo bajó A esto lo llamamos una secuencia. Esa es una especie de aliento inicial a su quinta sinfonía. A partir de ahí, vamos a tomar ese tema y empezar moverlo lentamente hacia arriba a veces con pasos, pero son tres notas y luego hacia abajo un paso o un salto. Entonces podrías llamar a este tema y variación. Estamos tomando una pequeña pepita de una idea. Lo estamos moviendo. Podrías voltearlo boca abajo. Podrías jugar con el ritmo. Hay mucho que puedes hacer con él. Pero si estamos hablando de un tema más largo, digamos que el tema es Bien, entonces ese es nuestro tema una vez más. Bien, así que si estoy poniendo esto en el contexto de algo como cine, podría conseguir algo así como. Pero no tiene que ser tan menor. manera innata, esta línea sí suena menor, pero ¿y si la pongo en fa mayor algo así como? Ahora, de repente adquiere un poco más de una característica mayor. Entonces escucharás esto mucho como Star Wars y Harry Potter y todas estas partituras de John Williams, donde volverá una melodía principal, pero en un contexto completamente diferente, para hablar de Harry Potter, tal vez los dementores tengan un tema, y estamos acostumbrados a escuchar Pero entonces cuando derrotas a los dementores, escuchas el tema, pero de una manera más ligera Eso no es verdad con la película, pero solo digo que puedes tomar un tema e inicialmente hacer que sea muy oscuro, pero también podrías hacer que sea un poco más feliz, y también puedes cambiar el final también, también. Entonces, si tenemos algo así como al final, podríamos haberlo hecho pero también podríamos engañar un poco al público con Así que incluso cadencias engañosas, que podemos hablar fuera del contexto de este curso, pero básicamente pasar a un acorde que no se anticipa puede ser una gran manera de cambiar una especie de tema, por lo que tiene una sensación muy diferente Entonces, para temas más pequeños, puedes variarlos, moverlos y jugar con el tema Y para temas más grandes, puedes cambiar la armonía o incluso cambios sutiles dentro del tema mismo para darle una emoción completamente diferente al oyente Ahora, tomando el tema de Leah, que apenas estaba tocando, hablemos un poco sobre cómo hay un viaje involucrado dentro de esta melodía Y este es el siguiente concepto es crear una melodía que lleva a un oyente en un pequeño viaje Esto es algo que he conceptualizado para esta melodía en particular No sé que John Williams se sintió así exactamente, pero hablemos un poco de ello. Le gusta comenzar sus melodías con un cinco de cualquier llave en la que se encuentre Si está en Do menor, comenzará con la quinta nota de Do menor y nos llevará a la primera nota de Do menor. Ahora, a veces se puede escuchar alguna influencia militar en su música, y creo que esto es algo parecido a una llamada de corneta El tipo de quintas y cuartas partes y el así que hacer Leiden o cinco a uno Leden Lo hace con el tema de Lea. Pero también Harry Potter y muchos otros temas también. Entonces es como si estuviera empezando con eso. No sólo el Soulfg así, sino que es como una frase. Él es como, Entonces, ahí está un tipo llamado Luke, y tiene un poco de problemas, que escuchamos en este sonido menor aquí. Pero no te preocupes. Tiene algunos amigos que le van a ayudar, que escuchamos en este acorde mayor aquí. Es como, Oh, hay un poco de esperanza. Pero en última instancia, la estrella de la muerte no es nada con lo que jugar, ¿verdad? Entonces es, como, muy triunfante. Estamos subiendo a la cima. Es menor. Entonces hay algún tipo de conflicto. Hay algo de tristeza, hay algo de epicaridad. Pero al mismo tiempo, hay un viaje. Se trata de nosotros tratando de destruir la estrella de la muerte, sea lo que sea. Y entonces tenemos. Esta pequeña frase al final, que sigue siendo en última instancia bastante menor. ¿Se hace la primera película? No, es una trilogía, y va a seguir siendo tumultuosa para los Así que tenemos que asegurarnos de que estamos suspendiendo una melodía que no se siente feliz y resuelta demasiado pronto. Entonces, de nuevo, tenemos esto tan liderado. Y entonces aquí mismo en esta bemol E, ahora escuchamos que es menor, porque hasta ese punto, podría ser Y tal vez esa sería una buena variación del tema para una escena más triunfante o gloriosa adelante en la película. Pero eso no lo conseguimos. Ahora bien, la armonía también es un poco de regalo enseguida escuchamos este acorde menor, así que sabemos que es Pero solo te estoy mostrando que la melodía misma está regalando pequeñas pistas sobre lo que podríamos imaginar como parte de la historia más grande o del viaje Y si tomas algo de estas notas sobre que la melodía es un viaje, creo que realmente es esta parte de aquí. Donde llegamos a la altura de la historia, la altura de la melodía. Eso es lo que quieres es que quieras tener este tipo de punto culminante en tu No tiene que ser para cada sección de una canción, pero en algún momento realmente deberías llamarles la atención con algo que hayas hecho en tu melodía. Una cosa más voy a mencionar, y es un poco más abstracta, pero lo hacemos bastante es imitar a Ahora bien, una de las formas más sencillas en las que podemos imitar a la naturaleza es en ecos Y los ecos en la música serían simplemente repetición. Ahora bien, ¿es un eco más fuerte que su declaración inicial? No, va a estar más tranquilo. Entonces si tenemos algo así como Esa repetición de las mismas tres notas abajo la octava es más silenciosa Esto es incluso cierto en la música clásica cuando estás tocando una pieza de piano y hay un sistema o una línea de música que hace una repetición exacta, y no hay marcas dinámicas. En otras palabras, no te están diciendo qué tan fuerte es tocar la línea la primera vez y la segunda vez. Como regla general, la segunda vez solo juegas un poco más tranquilo Va a hacer que la línea un poco más interesante. Va a dar algún tipo de variación, y también está imitando Así que estamos acostumbrados a escuchar esta idea de que algo es un poco más fuerte y luego un poco más silencioso Entonces, si bien ese es solo un ejemplo de cómo podemos usar la naturaleza para imitar dentro de nuestras melodías, puedes ponerte más aventurero, tal vez escuchar algunos pájaros, escuchar el viento, sea lo que sea, y puedes intentar imitar Va a dar un enfoque muy natural a tu melodía y podría hacerte pensar un poco fuera de la caja. Entonces, si bien esos son algunos grandes enfoques para crear melodías, todavía tenemos que profundizar en el funcionamiento interno de la teoría. Vamos a empezar a sumergirnos en eso dentro de la siguiente clase. Te veré ahí. 6. Imanes y metal: Voy a comenzar con uno de mis enfoques favoritos para escribir melodía. Al salir de la puerta, vamos a estar relacionando nuestra melodía con nuestra armonía porque al final del día, eso va a ser súper importante. Ahora bien, si estás cantando una melodía y no tienes otros instrumentos de tono, ni instrumentos de acordes, ni fundamento armónico, entonces esta clase tiene un poco menos de relevancia Pero la mayoría de la gente en la música moderna de hoy, estamos combinando melodía, armonía y ritmo juntos de formas nuevas y emocionantes. Así que la melodía y la armonía juntas es algo muy importante en lo que pensar. Y en esta clase, vamos a hablar de cómo la armonía actúa como imanes. Ahora pienso en la melodía como pequeñas piezas de chatarra, y pienso en armonía como imanes. La melodía quiere jalar a la armonía. La chatarra quiere tirar a los imanes. Ahora bien, si mi mano izquierda está abajo en este acorde de Do mayor y mi melodía está arriba en esta C, estoy pensando que este acorde está en cada punto del piano. Sí, lo estoy jugando aquí abajo, pero también estoy pensando que todas las Cs, Es y Gs en ese momento ahora se han encendido como imanes. Así que sea lo que sea que esté tocando en mi mano izquierda, esos son los imanes en todo el piano. Escuchemos cuando la chatarra tipo de metal se tira del imán. Entonces, si toco notas C, E o G desde mi armonía, debería sonar resuelto y bastante consonante o agradable. Aquí vamos. Aquí está C. No hay temas muy resueltos. Aquí está E. Resuelto y una especie de resaltar la cualidad más importante del acorde. Es una especie de sonido muy importante y aún muy resuelta. Y luego nuestro G, este todavía está resuelto, sigue consonante, pero es un poco más de extremo abierto No es fundacional como el C. No va a dar la tonalidad mayor o menor, como la E. Es sólo una especie de nota de relleno Pero es realmente genial si quieres dejar una especie de pregunta o no tener algo tan fuertemente resuelto o fuertemente feliz y triste, pero simplemente directamente consonante, algo que suena agradable con la armonía Eso nos deja con D, F, A y B. Ahora podemos decir que esta pieza de chatarra, D, quiere tirar a los dos imanes más cercanos, C o E porque esas notas en mi mano izquierda actualmente están iluminando todas las Cs en E y Gs en el piano como imanes. Entonces D quiere tirar a C o a E. Ahora bien, he llegado a encontrar que un poco la mayoría de las veces, la resolución va a ser a la baja. Mi mejor conjetura tiene que ver con el hecho que a veces los humanos son un poco de que a veces los humanos son un poco perezosos y como un rayo, tomamos el camino de menor resistencia. Entonces, si estoy en un coro, es más fácil para mí cantar, y es un poco más fácil asentarme en un tono afinado. Tirar hacia arriba es un poco más complicado. Si no me crees, prueba carreras vocales. Si pudieras hacer una carrera vocal, probar algo así como en lugar subir más alto puede ser un poco más difícil en términos de la agilidad que se necesita vocalmente Ahora bien, no estoy diciendo que siempre resuelvan hasta los imanes. Sólo digo que he llegado a encontrar eso por un pelo pequeño, voy a ver estas resoluciones hacia abajo un poco más que hacia arriba. Entonces D quiere tirar a C o E. Esas son las resoluciones. F quiere tirar a E o G. Esas son las resoluciones basadas en lo que está más cerca en cuanto a los imanes. A quiere tirar hacia abajo a G. Podría como tirar a C. No está muy lejos. Pero si tuviera un imán sentado aquí y sentado aquí, podría ver que la chatarra tiraría al imán más cercano. Y luego, por último, B va a querer jalar a esa C. Después de todo, se llama el tono principal. Nos lleva la oreja hasta C. Pero de nuevo, también podría bajar a G como plan de respaldo. Pero como mencioné, si estos son los dos imanes y aquí está la pieza de chatarra, va a querer más a menudo que no tirar a la C. Ahora bien, mencioné esta idea de que los imanes están un poco más cerca de la melodía, y cualquiera que sea el imán que esté más cerca, es más probable que la melodía quiera tirar de ese imán He aquí un gran ejemplo. F era una de las notas que habíamos tocado. Está al lado de E y G por un paso, pero los pasos no son iguales. F a E es un semitono, y F a G es un Escucharemos ambas resoluciones y melodías, pero F a E, escucharás un poco más Después de todo, es la base de Amén al final de un himno de iglesia Entonces tenemos F tirando a E porque técnicamente este imán está un poco más cerca. Está a un semitono de la chatarra, mientras que G está a un tono de distancia o a dos semitonos de la chatarra. Ahora bien, este es un conjunto flojo de reglas. No estoy diciendo que F tenga que resolver a E cada vez, y nunca se puede resolver a G. Pero si puedes empezar a enmarcar las cosas de esta manera de tener sentido, como, ¿por qué esto no suena bien? ¿Por qué suena raro esta F? Bueno, piénsalo. Si tengo un imán aquí y pongo un pedacito de metal aquí mismo, no se mueve al imán. Eso es tenso. Ahí hay algo de tensión. Es como si sostengo una manzana y luego la suelto, y simplemente flota ahí, hemos llegado a esperar ciertas cosas como la gravedad tirando la manzana o el magnetismo tirando de esa pieza de chatarra Entonces cuando estoy en esta F y me quedo en esta F, por eso estamos escuchando esa tensión porque realmente quiere tirar al imán Ahora, a medida que vayas escribiendo melodías cada vez más, te sentirás cómodo con el color y eventualmente incluso con alguna disonancia color, por el bien de este curso, va a ser un tono. Entonces, cuando estoy tocando un acorde de C mayor y tocando D, D es un tono alejado de C, uno de los imanes, y D es un tono alejado de E, el otro imán. Entonces, debido a que solo hay tonos a cada lado, flota alrededor como bastante colorido En el caso de F, ahora hay un semitono chocando entre esta E, donde realmente podríamos traer la E Nuevamente, son todos imanes, todas las E. Ahora podemos ver ese semitono. Entonces eso es más disonante o algo crujiente. Y puedes aprender a apoyarte en eso, pero quieres empezar a escribir tus melodías bastante seguras y luego agregar algo de color y luego aprender a inclinarte en esa disonancia Entonces si tengo algo así como, eso resuelto, pero ese persistente en esa F es temporalmente tenso, así que hay que aprender a lidiar con eso, y eso en su mayoría va a provenir de solo un montón de melodía escrita Entonces de la misma manera esta F quiere tirar a E, también obtenemos el mismo conflicto con B. B es un semitono de distancia de C, actualmente uno de nuestros imanes, así que realmente quiere tirar a esa C, y la otra opción es que baje a G, un salto completo Entonces se puede ver, en ese caso, la B muy a menudo va a jalar al C. Y nuevamente, en la música clásica, es por eso que la llamamos un tono protagónico. Está llevando nuestra oreja hacia atrás para hacer en este caso. Así que tirar a las notas magnéticas de la armonía es seguro. Si una nota está flotando un tono lejos de todos los imanes, va a ser colorida, y tiene algunas excelentes opciones en cuanto a dónde puede tirar. Si una nota choca por un semitono con uno de los imanes, lo más probable es que quiera tirar en la dirección de ese semitono para resolver en algún momento Nuevamente, todas estas son reglas sueltas, pero es una excelente manera de comenzar. Ahora, aquí está la cosa. Tu armonía va a cambiar. No vas a tocar una canción entera en Do mayor. Podrías tocar Do mayor, menor, F mayor G, una de las progresiones de acordes de corazón y alma más comunes progresiones de acordes de corazón y alma Entonces, si tomamos esa progresión de acordes, y consideramos que estos son los imanes actualmente CE y G. Cuando me muevo hacia abajo a La menor, los imanes han cambiado. Tengo algunos estudiantes pensando que CE y G son siempre los imanes cuando estás en la clave de Do mayor. No es verdad. Los imanes cambian en base a lo que está haciendo la armonía. Y es por eso que los músicos de jazz, si tenemos un acorde realmente complejo como G dominante siete, flat 13, flat nine, no hace falta conocer este acorde, pero es aventurero Y las notas que lo hacen aventurero, este E flat y A flat suelen resaltarse en la Es como una oportunidad única para tocar temporalmente una de esas notas. Yo pienso, y esta podría ser una analogía extraña, pero creo que es cuando un padre le dice a un niño: Bien, puedes usar palabrotas para los próximos 30 segundos. Los niños van a usar algunas palabrotas. Van a ir a por ello, ¿verdad? Es una oportunidad única que no suelen tener de apoyarse en la disonancia de las palabrotas o en este caso, la disonancia de las notas de Entonces músicos de jazz y música clásica y rock en todos los ámbitos, pero específicamente jazz muy a menudo cuando tienen la oportunidad de tocar una nota única que está en la armonía, bueno, ese imán ya está disponible. O la melodía. Entonces, ¿por qué no destacar esa oportunidad única? Así que pasando despacio, voy a tocar algunos de estos imanes a medida que cambian los acordes, y te voy a mostrar mis marcos de pensamiento a medida que voy atravesando Voy a empezar por E. Y no voy a hacer nada demasiado elegante porque todavía tenemos que desarrollar muchas más técnicas, pero sólo vamos a sostener algunas notas. Entonces tenemos E. Bajando a mi acorde A menor. E está en realidad en mi acorde A menor, así que volvamos a tocarlo. Ahora me estoy moviendo hacia abajo a un acorde en fa mayor. ¿E está en mi acorde de F mayor? No lo es. Entonces voy a tirar a una nota que está cerca dentro de este nuevo conjunto de imanes. F está disponible aquí mismo. Y luego me voy a un Gchord. Podría bajar a una D, que está disponible en mi G Cord, pero G está aún más cerca, así que vamos con eso. Ahora tenemos y esas notas funcionan muy bien porque siempre están siendo apoyadas por las notas dentro de la armonía. Es decir, la chatarra está tirando hacia los imanes de cada nuevo acorde. Ahora bien, si eres alguien que prefiere ver las cosas a través partituras y estás más viniendo de un enfoque tradicional, como, digamos que eres pianista clásico y quieres saber cómo se ve todo lo que estoy explicando verbalmente y mostrándote te estoy explicando verbalmente y mostrándote en las teclas en la página, te voy a suministrar un pequeño PDF mostrándote las tres principales la melodía puede interactuar con la armonía. O el metal está en el imán, está resuelto o consonante La melodía está al lado del imán de una manera colorida. En otras palabras, sólo estamos escuchando tonos y saltas chocando o tonos y tercios o tonos y tercios o revés donde tenemos un choque de semitonos en alguna parte, las cosas se sienten más disonantes y un poco más inestables y Dentro del PDF, te estaré dando algunos acordes diferentes y diferentes notas melódicas y cómo se relacionan con esos acordes, pero en la página Entonces, si eres alguien que prefiere aprender fuera de la página, te tengo cubierto, asegúrate de revisar ese PDF. Entonces a medida que pasamos por el resto de este curso, quiero que estés pensando en la armonía como imanes, melodía como piezas de metal que bien son atraídas por el imán y sentadas agradables y estables o flotando muy cerca con mucha tensión, queriendo tirar o algo así flotando, digamos, entre dos imanes. Al igual que, si ustedes dos imanes y tuvieras un pedacito de metal flotando en el medio. Ese es un pequeño fenómeno agradable. Eso es algo así cuando estamos recibiendo color cuando somos un tono o un salto lejos de uno de los imanes. No basta con tirar realmente del metal, así que flota de una manera que no está resuelta, pero que aún así suena bastante agradable Entonces eso es todo para esta clase de extraer nuestra melodía de la armonía, te atraparé en la siguiente clase. 7. Tonos vecinos y de paso: A continuación, vamos a hablar de tonos vecinos y tonos de paso. Esta clase va a ser un poco más sencilla y un poco más corta porque el concepto no es súper complejo. Una vez que entiendes desde la última clase, el concepto de atraer notas de melodía a notas de armonía o metal atrayendo a imanes, esta clase es bastante fácil de entender. Entonces digamos que mi acorde es amigable viejo Do mayor, y mi nota melodía es, de nuevo, comenzando en E. Sabemos que hay otros dos imanes o destinos bastante cerca. Ahí están C y E, las otras dos notas de nuestro acorde en Do mayor. Ahora, antes de que intentemos aventurarnos de E a una de esas otras dos notas, veamos si podemos quedarnos un poco en esta E. Quiero que imaginen que la Chatarra está tocando el imán, y la saco un poco , y luego la devuelvo. Bien, entonces esto se llama un tono vecino donde estamos eludiendo a otra nota y luego regresando a esta elección armónica segura Entonces si tenemos E, podría tener un tono vecino superior, intensificando una nota y luego volviendo a la E. Yo digo arriba una nota. No me refiero siempre a un semitono Suba una nota en cualquier clave en la que estés o en la escala en la que te encuentres. Y ahora mismo estamos en Do mayor. Entonces, si estoy en mi acorde A menor o acorde F mayor, en este caso, sigo en la clave de Do mayor. Sólo estoy jugando con diferentes acordes. Disponible dentro de esa clave. Entonces tenemos que considerar en qué clave estamos. En este caso, es C mayor. Entonces nuestro conjunto principal de notas sería CDE FGBC. Volviendo a nuestro ejemplo, mi acorde es Do mayor. Mi nota melodía es E, una de mis opciones armónicas. He intensificado una nota en clave de Do mayor, y he vuelto. Ese es un tono de vecino superior. Mismo trato si bajo una nota en Do mayor y vuelvo, ese es un tono de vecino inferior. Ahora bien, si queremos pasar a una de esas otras notas, digamos G o C desde nuestro punto inicial de partida E, puedo pasar por esta F camino a G. Otra vez, permaneciendo diatónico, manteniéndome fiel a la clave de Do mayor También puedo moverme hacia abajo a través una D a una C. Estos se llaman tonos de paso. He pasado por una nota no acorde para llegar a la siguiente nota de acorde. Podría tener tonos de paso superior, tonos paso inferior, tonos vecinos superiores o tonos vecinos inferiores. Vamos a probar un ejemplo donde tocaré acordes en Do mayor, A menor, F mayor y G mayor como en la última clase, y hablaré a mi manera Va a ser un poco irregular y lento. No nos preocupa demasiado el ritmo, pero voy a platicar mi camino a través de lo que estoy haciendo con estos tonos vecinos y tonos pasajeros . Vamos a por ello. Entonces voy a empezar por E otra vez, y vamos a empezar con un tono de vecino superior. Y luego voy a bajar al siguiente acorde, que todavía tiene una E en él. Entonces esta vez, hagamos un tono de vecino más bajo, sólo para variarlo un poco Ahora estoy en F mayor. F está muy cerca. Es mi imán más cercano del siguiente acorde. Entonces voy a empezar por aquí. Hagamos un tono de paso hasta A, y luego voy a pasar a una G. No, voy a pasar a una B siguiente, que está muy cerca de esta A, y voy a hacer un tono de paso más bajo. Así que hemos hecho vecino superior, vecino inferior, y hemos hecho tono de paso superior, tono de paso inferior. Aquí está sin que yo hable. Ahora bien, el ritmo es algo aburrido, pero la melodía habla por sí misma. Es muy sencillo. Funciona muy bien en términos de ser cantable al oyente Es algo capaz de anticiparse esto. Y luego el oyente, una vez que escuchen estas primeras notas, pueden anticipar ese tipo de llamada y respuesta Aquí está la llamada y aquí está la respuesta. Entonces todo sigue reglas simples. No estoy haciendo ninguno de los enfoques de los que hablamos antes, pensando en el viaje o pensando en tema y variación. Esa cosa viene después. Es un poco más como encima de la teoría. Pero solo indagando en la teoría misma, puede ver que se nos suministran melodías realmente capaces, algo que realmente podría funcionar bien dentro de una canción Ahora, voy a suministrar un PDF que muestre algunos acordes. Vamos a estar en algunos tonos de acorde, trabajando con tonos vecinos y tonos de paso para que veas cómo se ve todo esto en el contexto de la partitura. Entonces como mencioné, el concepto es sencillo. Tonos vecinos, estamos en un tono estable, arriba y abajo o abajo y hacia arriba de nuevo a nuestro punto de partida y pasando tonos, comenzando en una nota y subiendo o bajando para llegar a la siguiente nota de acorde. Ahora, es posible tener algo que podrías llamar un tono de doble paso, donde tenemos un acorde en Do mayor, y G es nuestra nota melodía. Claro, puedo bajar a E a través de un tono pasajero, F. Pero, ¿y si quisiera subir a esta C alta? mejor ahora me estoy moviendo a través de dos notas para llegar a ese alto C. Así en contexto, eso podría sonar algo así. Verás, tuve que añadir un poco más de densidad rítmica para conseguir a través de esa nota extra, pero aún así sonaba genial No hay problemas, y sólo estamos siguiendo reglas. Entonces eso es todo en lo básico de tonos vecinos y tonos de paso. La última clase y esta, si solo fueras un especialista en estas dos clases, podrías obtener toneladas de kilometraje como escritor de melodía. Entonces no pienses que todo esto va a venir dentro viendo el video y practicándolo durante 10 minutos. Realmente quieres seguir aplicando estas cosas una y otra vez para sacarle el máximo partido. Así que asegúrate de que lo estás practicando. Diviértete un poco y te pillaré en la siguiente clase. 8. Estabilidad - Color - Disonancia: Hasta este punto, dentro del coro, hemos estado bailando alrededor de la idea de estabilidad, color y disonancia Vamos a desglosarlos un poco más y comencemos a hablar de cómo puedes conceptualizar cómo se siente tu melodía en un momento dado Cualquiera que sea tu acorde , cambiémoslo esta vez a A menor. Si estás tocando una de las notas de ese acorde menor, va a sonar de manera innata muy estable En otras palabras, consonante, lo contrario de disonancia o Entonces si tenemos esta A o C o E, trabajando con nuestro acorde A menor, creo que la pregunta que tienen algunos alumnos es, bueno, ¿por qué está funcionando? Está en un lugar diferente en el piano. Pero considera esto. Si solo toco un acorde A menor en ambas manos, eso sonaría bien, o si lo hiciera aquí, sonaría bien, o si lo hiciera con un poco más de espacio entre, sonaría bien. Ahora, todo lo que estoy haciendo es con mi mano derecha, en lugar de tocar el acorde completo, tal vez solo estoy eligiendo una nota de ese acorde. Así que cada vez que tocamos un acorde, como pianistas, hasta cierto punto, es casi como si nuestra mente iluminara todas las notas de ese acorde en todo el keybd Ahora bien, si estoy tocando un acorde con ese acorde o una nota de melodía de ese acorde con mi acorde, sé que va a sonar perfectamente bien y estable. Entonces, ¿una A va a sonar mal con una A? No, son la misma nota. ¿Una A va a sonar mal con una C? No, es un salto, y después de todo, los saltos son realmente fundamentales en armonía Y si voy en la otra dirección, está a un sexto de distancia. Y sexto sonido súper agradable también, también. Y entonces tenemos E. ¿A va a chocar con E? No, es un cuarto perfecto lejos de una E y una quinta perfecta lejos de otra E. Así que no hay nada en este acorde que diga que esta nota no pueda funcionar. Entonces, la estabilidad es tomar tu acorde, sea lo que sea, y tocar una de esas notas dentro de tu melodía. El color, en este caso, sería tomar una de las notas que no está en tu acorde que no tiene un conflicto de semitonos Es decir, esta B, la siguiente nota disponible, choca con esta C por un semitono desplazado Es decir, si muevo esto hacia abajo un par de octavas, puedo ver ese semitono Pero otra vez, no lo olvides, estamos pensando en estos acordes por todo el piano Entonces, cuando estoy tocando esta B, estoy pensando en ello como chocando con mi C desde este tipo de acorde imaginario de aquí arriba Pero ¿qué pasa con D? D es un tono alejado de C, y es un tono lejos de E dos de mis tonos de acorde. Entonces este es un gran ejemplo de dónde las cosas pueden sonar un poco más coloridas. Es una especie de sonido flotante, y se puede usar bastante en, como, acordes de jazz Tengo todo un curso que está agregando color a los acordes, y es un concepto similar a este de, como, ¿qué colores funcionan bien y por qué funcionan bien Gran parte de ello es, ¿ es el colorido de un tono rozando contra algo o la disonancia y aspereza de un En este caso, tenemos un tono a C y un tono a E. Así que simplemente flota alrededor como siendo muy colorido Ahora, si seguimos subiendo, tenemos a F y G como nuestras dos últimas notas. F está a un semitono de E, y de nuevo, estamos imaginando un acorde aquí arriba, así que F va a ser un poco más Y entonces si me muevo más alto, terminamos obteniendo nuestro G. Ahora, G está a un tono de distancia de A, que es colorido y seguro, y es un salto de E, que es aún más seguro. Nuestros acordes están hechos en skips. Entonces no hay nada que diga realmente que esto va a sonar mal. Y creo que por eso uno de los primeros colores que aprendemos como jazz o pianistas en general son los acordes séptimos Porque sabemos que el séptimo no está conflicto con el quinto del acorde, en conflicto con el quinto del acorde, es decir, la tercera nota, en este caso, E, porque es un salto de distancia, y nos estamos manteniendo fieles a nuestra escala en este punto Y es un tono alejado de esta otra nota, en este caso, A. Así que es un poco colorida y un poco estable. Es una gran manera de presentarnos a algún color en los acordes. Ahora las dos notas que estaban chocando con mi acorde A menor que sonaba disonante o desagradable eran B y F. Y nuevamente, la razón de eso es que B está chocando con C de mi acorde, por un semitono, y F está chocando con E de mi acorde, también por un y F está chocando con E de mi acorde A menor que sonaba disonante o desagradable eran B y F. Y nuevamente, la razón de eso es que B está chocando con C de mi acorde, por un semitono, y F está chocando con E de mi acorde, también por un semitono. Pero, ¿cómo suenan? Solo escuchemos por un momento. Eso suena medio decente. Intentemos aterrizar en la F esta vez. Eso es raro. El F suena peor que el B. Así que incluso cuando estamos en este territorio disonante, hay niveles de Y porque nos mantenemos fieles a nuestra escala, somos diatónicos, hablemos un poco de esa disonancia diatónica ¿Por qué la B suena ligeramente mejor que la F? Bueno, tiene que ver con semitonos, y cuando empezamos a desplazarlos por octavas, las dos opciones Por ejemplo, si tengo una B a una C y subo la B una octava, tengo una séptima mayor, la primera nota de una escala mayor a la séptima Y la mayoría de la gente estamos de acuerdo en que suena disonante, pero no es terrible Ahora bien, si tuviera C a C agudo y le traje la C afilada una octava, ahora tengo algo que se llama una novena menor, un semitono más de una Y esto es mucho más desagradable para la mayoría de la gente. Entonces cuando volvemos a nuestro acorde A menor, y nos preguntamos, Bien, esta B está chocando con qué? Está chocando con C. Bien, entonces ese choque que estamos escuchando, sí, es un semitono desplazado, pero está tomando la característica de un séptimo mayor, mientras que la F choca con E, y ese es nuestro noveno menor, posiblemente, posiblemente, Entonces, cuando hablamos estos semitonos son disonantes, hay una especie de dos niveles a la Si representa un séptimo mayor en conflicto con una nota en la mano izquierda, es disonante Y si está en conflicto con la nota de la mano izquierda por una novena menor, es disonante y muy probablemente no tan transitable para la mayoría no tan transitable para Ahora, en realidad hay una tercera forma en que podemos obtener disonancia con un semitono o con tonos, y eso es aventurarnos Entonces, si estoy en La menor, y toco un bemol E, eso está en conflicto con mi E por un séptimo mayor Ahora, podrías estar pensando, Josh, dijiste que el séptimo mayor no está tan mal. Es la novena menor a la que tenemos que estar atentos. Sí, pero esta nota no forma parte de nuestra escala. Entonces hay algo que pone a tierra en A minor, donde como que superponemos en nuestra mente la colección de notas disponibles que sonarán bien con ella Y cuando tenemos este sonido desde fuera de la escala, parece intranquilo. Ahora, ¿puedo tocar esta nota? Claro. Estoy en la menor, y estoy jugando mucho de este D sharp o E flat. Pero de nuevo, es todo lo que haces con él. Y los músicos de jazz serán de los primeros decirte que todas las notas están disponibles. Nunca estás a más de un semitono de una nota correcta. Si estoy tocando este bemol, suena mal, pero puedes encontrar manera de resolverlo a una nota que tenga sentido. Y nuevamente, estoy jalando de esta bemol B a esta A, pensando en la chatarra tirando al imán más cercano. Pero solo tomé un enfoque un poco más largo para llegar allí. Creo que lo jugué ligeramente diferente, pero el mismo tipo de idea. Esto sigue resolviendo a esto, pero con un poco de baile alrededor por resolver. Entonces hay estabilidad. La nota dentro de nuestra melodía está representada dentro de nuestro acorde. Hay color. La nota en nuestra melodía está en conflicto con el acorde, pero sólo por tonos. Entonces no suena tan disonante. Suena un poco más colorido. Y luego está la disonancia La melodía entra en conflicto con la armonía por algún tipo de frotamiento semitono Si cuando has movido las cosas y has determinado, es un séptimo mayor o un noveno conflicto menor, entonces puedes poner esa disonancia en especie de dos categorías de ser disonante Entonces, claro, abrimos la caja de Pandora diciendo que también podemos tocar notas desde fuera de la escala. Está un poco fuera del contexto de este curso, pero prácticamente todos van a sonar un poco mal a menos que los resuelvas de la manera correcta. Entonces suenan totalmente bien. Pero solo hay mucho más margen de error, así que ten cuidado si eliges notas de fuera de tu llave Ahora, recuerden, cada vez que cambio acordes, los imanes en el piano cambian por todas partes Así que tenemos que considerar que las reglas te he dado de esta clase sí se aplican a cada tipo de acorde mayor, cada tipo de acorde menor, también es cierto para acordes de colores como séptimos acordes y nueve acordes, lo que sea que esté en la armonía, considera cómo eso está interactuando con la melodía, y cada vez que cambia tu acorde, todo cambia, y ahora pensando en un nuevo conjunto de imanes. Puedes ver por qué se requiere mucha práctica en el instrumento porque para iluminar el cerebro y pensar nuevos imanes, nuevos imanes, y cómo interactúa bastante la melodía, pero en realidad es muy divertida cuando la llegas al punto en que es intuitiva y es totalmente posible. Solo toma algo de tiempo y práctica. Nuevamente, te voy a suministrar un PDF mostrándote esta estabilidad, color y disonancia en acción en la página Así que asegúrate de comprobarlo si eres alguien que prefiere leer partituras. Así que ahí está, la estabilidad, el color y la disonancia, una inmersión un poco más profunda porque ya lo hemos mencionado hasta este momento, pero quería ir unas capas más profundas para que tengas una comprensión más profunda de cómo estos tres tipos de funciones principales de la melodía interactúan con armonía y cómo vas a poder en cualquier momento cuando estés tocando tu Entiende la función de esa nota en relación con tu armonía. ¿Entonces eso es todo para esta clase? Te atraparé en la siguiente. 9. Paso cromático y tonos vecinos: Bien, hablemos de cromáticos de paso y tonos cromáticos vecinos Los tonos de paso cromáticos pueden ocurrir de distintas maneras, pero en base al contexto de lo te he dado dentro de este curso, hasta este punto, te voy a dar algunos acordes con un poco más de color para que aún podamos usar esta analogía de imán y chatarra Digamos que mi acorde es Do mayor, agrega dos. Ahora tengo una D dentro de mi acorde. Así que los imanes en el piano ahora se convierten en CD E y G en todos los ámbitos. Lo que eso significa es que mi tono de paso de E hacia abajo a C ya no es realmente un tono de paso. Esto ahora se considera un tono más estable porque está dentro de nuestra armonía, y se convierte en un imán. Pero, ¿y si quisiera moverme entre D y C? Sólo hay una nota en el medio. O D y E. Sólo hay una nota en el medio. También obras C a D o E a D. Cualquiera de estos tonos van a tener pequeño semitono o una nota cromática en el medio, algo que no está dentro de nuestra clave o de nuestra escala principal Entonces, si estoy en E y quiero pasar a una D, otro tono estable, puedo moverme a través de un tono de paso cromático También puedo bajar de D a C de la misma manera. Entonces C a D o D a E, todo funciona. Pero como puedes ver, una vez que empiezas a hacer demasiados de estos, simplemente se siente arremolinado y algo retorcido Así que queremos asegurarnos de que estamos usando estos solo un poco aquí y allá. Entonces digamos que tengo G, tono vecino, tono paso a E, y luego tengo E, tono de paso cromático a D, y luego un poco de salto a un tono de acorde G, y luego de vuelta a C. Hay un caso en el que un salto podría estar bien porque estaba haciendo tanto trabajo de tonos y semitonos aquí arriba que para cuando bajé a esta G, un salto fue realmente un poco Entonces, como práctica, podría valer la pena tocar tu acorde, comenzar en la raíz, y luego hacer todos los tonos de paso disponibles. Entonces tono de paso cromático, C a D, tono de paso cromático, D a E, tono de paso diatónico, E a G, significado diatónico fiel a G con un tono de doble paso hasta C. C, doble tono de paso hacia abajo. Paso de tono a la E, paso cromático, tono de paso cromático, también se puede revertir el proceso Vas a escuchar tonos cromáticos de paso y tonos cromáticos vecinos, un poco más en la música clásica posterior y mucho jazz y música moderna Si vas muy atrás, verás un poco de ella dentro, como, Barroco, por ejemplo, obras de Bach, pero es algo que se puso un poco más aventurero a medida que nuestros oídos se expandieron para disfrutar un poco más del cromatismo Entonces hablando de tonos cromáticos vecinos, profundicemos en esos Ahora, necesitaba suministrar este acorde para mostrarte estos pequeños tonos pasajeros, pero los tonos cromáticos vecinos pueden funcionar literalmente en cualquier acorde Tocas cualquiera de las notas de ese acorde, y mueves el semitono a una nota no diatónica En este caso, si muevo un semitono hacia arriba, eso es F, que está en mi escala de C mayor Pero si muevo un semitono hacia abajo, ahora estoy en mi bemol Así que hemos vecino lo tonificó, por así decirlo, donde nos estamos moviendo de nuevo a la E después de este piso E. Ahora, de nuevo, solo hay un tono cromático vecino en un lado de esta E. Pero ¿y si mi nota fuera G Ahora bien, si bajo un semitono, estoy fuera de la clave de Do mayor Si subo un semitono, misma idea. Esto es, de nuevo, un sonido un poco más aventurero, pero no hay nada técnicamente malo en ello si vas por ese Voy a lanzar un tono cromático vecino dentro una melodía corta y ver si puedes atraparlo. Suena así. ¿Capturaste ese G agudo? Bien, vamos a hacer un ejemplo más, quizá. Ahora tenemos este F Sharp, por ejemplo. Entonces uno de mis spots favoritos para poner tonos cromáticos vecinos es alrededor del quinto Y Chopin lo hizo bastante, sobre todo en su música menor Realmente bailando alrededor de ese quinto. Es una especie de sonido muy siniestro y colorido. Entonces algo con lo que puedas jugar. Ahora bien, dicho eso, si quieres hacer un tono de vecino cromático a tu raíz o tercero o séptimo o noveno, todo eso es aceptable, también, dependiendo de lo que tengas en tu armonía en ese momento Así que en pocas palabras, los tonos de paso cromáticos y tonos cromáticos vecinos son los mismos que los tonos de paso y los tonos vecinos, pero no nos estamos quedando No nos mantenemos fieles a una escala. Estamos apartando un semitono a una nota desde fuera de nuestra escala, ya sea para regresar o eventualmente pasar a otra nota disponible dentro Como es habitual, dentro de este curso, te daré un PDF que describe algo de lo que hemos hablado en caso de que seas alguien que prefiere aprender fuera de la página. Así que asegúrate de que sí estás pendiente de ese PDF. Eso es todo para esta clase de paso cromáticos y tonos vecinos, y te atraparé en la siguiente clase 10. Adornos: Si estás buscando agregar un poco más de brillo y complejidad a tus melodías, entonces los adornos podrían ser el camino a seguir Vamos a hablar de tres de los adornos más populares que puedes agregar. Funcionan particularmente bien en instrumentos afinados como piano y guitarra Si bien algunos de ellos puedes cantar, en realidad son bastante rápidos. Entonces creo que estos se traducen un poco mejor hacia los instrumentos. Vamos a estar hablando de mordentes, giros y trinos, así que profundicemos Mordint es básicamente lo mismo que un tono vecino. En su mayor parte, vas a estar manteniendo estos diatónicos o verdaderos a una escala Entonces digamos que tengo un acorde de Do mayor, y mi nota de melodía es una E. Un tono vecino superior, si estoy diciendo fiel a Do mayor, sería hasta F y de vuelta a E, o un tono de vecino inferior estaría abajo a D y de vuelta a E. Los mordentes funcionan de la misma manera. Simplemente son mucho más rápidos. Es más bien una especie de gracia rápida hacia la segunda nota. Y realmente, recomendaría usar tus dedos más rápidos como mordens entre los dedos cuatro y cinco van a ser mucho más duros que entre los dedos dos Así que tenemos mordens superiores visitando un tono vecino superior y regresando muy rápido Mórdenas más bajas visitando un tono de vecino más bajo y regresando muy rápido Y esos son tus dos mordentes básicos. Entonces, si los ponemos en contexto de una melodía, podría sonar algo así. Bien, entonces hay una superior y luego una inferior de A hacia abajo a G, en ese caso. Entonces lo mismo se aplica donde a medida que cambia tu armonía, tienes que reconsiderar una especie de todos los diferentes imanes disponibles y donde las notas melódicas quieren atraer hacia esos imanes o en otras palabras, los tonos armónicos de cualquier acorde que estés tocando en ese momento La mayoría de tus adornos van a funcionar mejor en tonos de acordes. Entonces en otras palabras, te darás cuenta para el acorde de Do mayor, le di a E como ejemplo. G sería un gran ejemplo, así como C. Técnicamente puedes hacer un mordiente en color o en tensión, pero solo ten en cuenta los diferentes roles dentro de tu escala y cómo va a sonar cuando aplicas ese mordiente Si te estás inclinando hacia el color como digamos D, o entonces quizás quieras considerar a dónde quieres ir después de eso Y si te sientes cómodo permaneciendo dentro del color, está bien. Pero algo así como F, Ooh, bastante tenso. Entonces tal vez algún otro adorno para llevarte a un lugar de resolución. Entonces eso es Mortens superiores y Mortens inferiores Ahora hablemos de giros Se vuelve si hay una nota, por ejemplo, C, y hay esta línea temblorosa encima de ella, tienes tu turno sucediendo en C. En realidad no comienzas en C. Comenzarías una nota arriba diatónicamente, tan fiel Baja a tu C, luego diatónicamente y vuelve Ahora, es posible hacer adornos que no sean diatónicos, que sean Creo que se está saliendo del contexto de este curso. Por ahora, quiero darte lo básico. Pero ahí afuera hay un montón de adornos. Han cambiado en base a, ¿es el Morden de la época clásica barroca o romántica? ¿Está alineado con la nota? ¿Está entre las notas? Se les trata de manera ligeramente diferente, y creo que podrías hacer una clase completa solo en ornamentación Y muy bien puede que en el futuro. Pero por ahora, solo quería hacértelo saber, nos quedamos con adornos diatónicos, donde siempre nos mantenemos fieles a nuestra escala, pero puedes sentirte libre de exper notas fuera de la escala y ver cómo te suena eso Entonces, en referencia a la C con el giro por encima de ella, digamos que nuestro acorde es A menor, que tiene una C en ella. Yo estaría por encima de mi C, tocaría la C. Debajo de la C, tocaría la C. Suena así o a la E o a la A. Tres, dos, uno, dos serán tus dedos más rápidos disponibles, pero te recomendaría probarlo con otros dedos Obtendrías sonidos como 43, dos, tres o 5434 Es importante asegurarnos de no ignorar estos dedos más débiles, pero al mismo tiempo, queremos asegurarnos de que podamos resaltar nuestros dedos más rápidos por lo sirven, que es ser rápido Lo mismo aplica. Si hago un giro en una D, voy a conseguir algo de color o en una F. Voy a tener algo de tensión en A y B, voy a conseguir un poco más de color también, también. Entonces considera ¿dónde estoy dentro la escala en términos de dónde estoy aterrizando en este ornamento? ¿Y me va a dar un sonido resuelto, un sonido colorido o un sonido disonante Cuanto más disonante es, más necesitas lidiar con Una vez que hayas terminado el adorno, probablemente necesites resolverlo. La resolución colorida te va a permitir quedarte un poco más, pero probablemente todavía quiera resolverlo. Y donde debes comenzar con estos adornos es con estabilidad o consonancia. En otras palabras, algo que suena bien, uno de los partones disponibles en ese momento Por último, hablemos de trinos. Los trinos son como giros en que empiezan por encima de una nota. Entonces, si la nota es una C y estamos viendo este TR con una línea squiggly arriba de ella, ese es nuestro Vamos a comenzar una nota arriba diatónicamente. Entonces, si tengo un acorde en Do mayor y se supone que debo estar trilling en C, comenzaré en D y luego resolveré a la C. No tiene que ser una velocidad exacta Puedes trinar más lento, o puedes trollear rápidamente. Lo más rápido que puedas. Muy a menudo, van a durar bastante tiempo. No se suele ver un trino al final, por ejemplo, para, como, una octava nota o una nota de cuarto porque en ese punto, se siente un poco más como un mordiente Entonces los trinos sí duran un poco más, y ciertos instrumentos los tendrán con bastante más frecuencia Creo que el instrumento que primero me viene a la mente es la flauta. Escuchamos flautas trinando mucho dentro de las orquestas. Por lo tanto, tenga en cuenta que la selección de instrumentos puede ser importante cuando aplique estos adornos a un instrumento específico. Entonces, en el caso de un acorde menor A, podríamos trinar en A, comenzando en B. Podríamos trinar en C, comenzando en D, o podríamos trinar en E comenzando en S. Incluso puedes trinar Digamos que tengo algo así como. Bien, tal vez un poco duro. Estoy siendo un poco ruidoso con esto para que realmente puedas escuchar el trino Pero esa es la idea básica que un trino no tiene que durar solo en un acorde Son lo suficientemente largas como para que puedan durar sobre múltiples acordes. Así que vamos a juntar esos tres adornos en una pequeña melodía con un poco de progresión de acordes en la mano izquierda. Voy a estar jugando A menor, re menor y mi mayor en ese orden, y revisaremos el orden de los adornos de la manera en que te los he presentado. Te voy a dar un mordiente superior, un mordiente inferior, un giro, y un Vamos a por ello. Sonaría algo así. Ahí lo tienes. Así que no olvides revisar el PDF de esta clase donde voy a estar mostrándote los símbolos de estos ornamentos particulares directamente en la página por si así es como prefieres aprender. Espero que te hayas divertido en esta clase, aprendiendo sobre mordientes, giros y trinos, y te pillaré en la siguiente 11. Recintos: A continuación, vamos a hablar de recintos. Encerrar una nota es básicamente rodearla y luego aterrizar sobre ella. Y hay muchas maneras diferentes en las que podemos hacer esto. Te voy a dar un par de ejemplos de recintos. Vas a ver los recintos más dentro del jazz. Puede que también los encuentres en la música clásica y romántica , pero no sé que en ese momento se llamaran recintos Los recintos son muy populares dentro de los solos de jazz en la escritura de melodía de jazz Y cualquier estilo que se ramifique del jazz, ya sea Nosol o R&B o lo que sea, vas a poder encontrar algunos recintos ahí también Entonces les voy a dar cuatro ejemplos diferentes de cerramientos. Si esta es nuestra nota, podríamos jugar encima de ella, debajo de ella, y luego llegar a ella. Y hay dos formas en las que podemos hacer eso para comenzar. Te voy a mostrar. Entonces digamos que estoy tocando un acorde de siete en Do mayor para que las cosas suenen un poco innadamente jazzy Puedes tomar cualquier nota de tu acorde de Do mayor siete y rodearla por un semitono por encima de la nota, un semitono debajo de la nota y luego llegar. A la nota. Entonces podría sonar como ese pequeño recinto al final, yo estaba encerrando una G, semitono arriba, semitono abajo, y Ahora bien, si hay un tono por debajo de la nota disponible diatónicamente, decir, ahora mismo estoy en Do mayor Estoy tratando de encerrar una G, y un tono por debajo de G, tengo una F, entonces lo que podemos hacer es comenzar un semitono arriba, ir a esta nota, un tono abajo, y luego sacar semitonos hasta llegar a mi nota a la que estoy Eso sonaría algo así. Suena súper jazzy, ¿verdad? Entonces estoy bajando por la tríada principal, C mayor siete, uno extra siete Y luego haciendo nuestro cerramiento, semitono arriba, tono abajo, y luego Los otros dos tipos de recintos son justo opuestos. Entonces podría tener un semitono abajo, semitono arriba, y luego llegar a Ahora bien, no sé que escuche tanto ese recinto, pero todavía se usa con mucha frecuencia. Y se aplica la misma regla. Si hay un tono por encima nuestra nota de destino disponible diatónicamente fiel a nuestra escala En este caso, estoy en Do mayor, y así G tiene una A por encima de ella, un tono arriba. Así puedo iniciar un semitono por debajo la G ir un tono arriba y luego caer por semitonos hasta llegar a la nota a la que estoy tratando de llegar o la nota que Entonces, comenzando con solo semitonos a cada lado del recinto, eso sonaría así O si hago el tono arriba esta vez, así semitono abajo y tono arriba, sonaría así Todavía suena bien, pero esto es un poco menos común entonces. Simplemente lo escucharás mucho. Este recinto en particular es uno de los que creo que más escucho. Entonces tenemos, de todos los recintos disponibles, semitono arriba, semitono abajo, golpearlo, semitono arriba, tono abajo , rellenar semitono abajo, semitono arriba, rellenar semitono abajo, semitono golpearlo. Semitono abajo, tono arriba, rellene. Mientras que los semitonos que rodean la nota que estamos tratando de encerrar siempre pueden funcionar Este semitono de un lado y luego un tono por el otro no siempre funciona, porque, por ejemplo, si estoy tratando de encerrar mi nota E, y estoy empezando un semitono por debajo de mi E, un tono por encima de mi E un tono por encima Ahora, me gusta mucho tocar C Lydian sobre Do mayor siete acorde Pero digamos que estamos tratando de quedarnos en Do mayor. Ya ves que estaría rompiendo eso bastante rápido aquí. Tengo semitono abajo. Estamos pensando en esto como cromático, y luego un tono arriba Bueno, esta nota aquí F Sharp no está en Do mayor. Puede probarlo. Veamos cómo suena. Todavía suena bastante jazzy, pero como punto de partida, yo diría que trata de mantener el tono cuando estés alejando un tono de tu nota de destino Intenta mantener esa diatónica para comenzar, y luego podrás ponerte más aventurero Aquí hay otro ejemplo aún más aventurero. Si quisiera encerrar la C, semitono arriba, y tono abajo, aquí hay un Ahora tengo un siete plano mientras estoy tocando un acorde de siete mayores, así que tengo siete mayores y siete dominantes sucediendo al mismo tiempo. Todavía puede funcionar debido a la rapidez con que ocurren estos recintos Compruébalo, pero de nuevo, no recomendaría comenzar con este tipo de cerramientos. Vamos a darle una oportunidad. Es un poco más allá afuera, ¿verdad? Tenemos Y entonces este piso dos plano siete. Guau. Es bastante aventurero Así que todavía funciona siempre y cuando estés resolviendo a una nota que se resuelva con el cable. Si tuviera que hacer ese mismo tipo de cosas, pero en una nota que no se resuelve dentro del cordón, obtendrías algunos resultados realmente apestosos Entonces digamos que mi cordón es G dominante siete y hago ese mismo tipo de cerramiento, aterrizando en una C, ese no es un destino muy bueno. Suena así. Suena mal, ¿verdad? Entonces por ahora, lo que yo diría es similar a los ornamentos, recintos quieren ser finalizados en una nota que tenga sentido Entonces una de las notas de acorde que tienes sería una gran nota para encerrar O si estás anticipando que viene un acorde, esto es muy, muy común con los recintos Como, digamos, tengo una progresión menor de 251 acordes en Do menor, podrías conseguir algo como esto. Entonces lo que hice fue tocarlo con algunas escalas que están fácilmente disponibles para los dos y los cinco acordes. Ahora, mi acorde único, Do menor siete está a punto de llegar, así que estoy encerrando una G como forma de terminar esa frase en particular Así que puedes encerrar notas en un solo acorde si vas a vamping en él por un tiempo Entonces algo así como Así que estoy en A minor por un tiempo, y termino con un pequeño recinto, o puedes usar recintos como una forma de anticipar un cambio de acorde que se avecina, como en ese ejemplo 251 que te di Entonces, al igual que nuestras otras clases, va a haber un PDF disponible para ti que te muestre los conceptos básicos de estos cuatro tipos diferentes de recintos Entonces, si eres del tipo de estudiante al que le gusta aprender fuera de la página, no te preocupes. Te tengo cubierto. Debo mencionar que hay más tipos de recintos que los que te han dado Pero en algún momento, si solo te tiro todo tipo de recinto, es como, demasiada información, sobrecarga de información. Entonces yo diría, comience con estos cúmulos cromáticos, simplemente rodeando una nota por semitonos y trabaje en tener un tono a cada lado y rellenarlo Parte de esto tiene que ver con la forma en que funciona el timing, y esto solo se va a adquirir escuchando toneladas de jazz y solo practicando la práctica. Entonces, si estoy jugando en Beats four y y quiero llegar a una nota sobre beat uno, entonces usaría el enfoque cromático, semitono en un lado, semitono Como ejemplo realmente básico, uno y dos, y tres y cuatro, y uno. Entonces tenía cuatro y esas dos mitades del compás cuatro estoy usando como mi recinto, y luego estoy llegando en una nota en el beat uno. Ahora si quiero hacer el tono por un lado, tengo que iniciar mi recinto al final del compás tres. Esto es si quiero llegar a mi nota en el beat one. Puedes llegar a tu nota en beats uno, dos, tres o cuatro como un buen punto de partida o incluso en un y, pero tienes que encontrar una manera de hacer que tenga sentido, y todo esto viene de comenzar con lo básico y abrirte camino. Entonces, si quiero estar en esta G en el primer golpe, tendré que estar jugando mi bemol A al final del compás tres. Suena como este uno y dos, y tres y cuatro, y uno. Entonces hay que decir, Bien, o tengo dos medios latidos o tres medios latidos antes de que mi recinto finalice por completo ¿Dónde estoy dentro del bar? Y cómo puedo llegar a mi nota de destino, ya sea en el ritmo uno, dos, tres o cuatro, digamos, apropiadamente basado en el tipo de recinto que uso. Otra vez, no vas a pensar en todo esto sobre la marcha. Entonces por ahora, puedes aislarlo dentro de tu práctica, algo parecido a lo que acabo de decir. Toma un acorde como Do mayor siete, toma una báscula, y solo trabaja tu camino a través de ella, y luego pregúntate, Bien, ¿cuándo necesito iniciar mi recinto? Uno y dos y tres, y simplemente subir por la báscula y luego preguntar, ¿ Dónde quiero encerrar A lo mejor es una E cuatro y una. Eso sería uno y dos y tres, y cuatro y uno. O, de nuevo, si es necesario iniciarlo al final del compás tres en este ejemplo en particular, sería uno y dos, y tres y cuatro, y uno. Todos suenan muy jazzy y muy calculados, pero es difícil de calcular sobre la marcha, así que vas a tener que poner algo de práctica Y otra vez, solo escucha mucho jazz si realmente te gusta el sonido de estos recintos Yo recomendaría comenzar con algunos saxofonistas, como Charlie Parker y John Coltrane, porque estos tipos usaban mucho recintos mucho Así que siéntete libre de echarles un vistazo. Espero que hayas disfrutado de esta clase en recintos, y te pillaré en la siguiente clase 12. Arpegios: Bien, hablemos de arpegios. Son atemporales. Abarcan casi todos los géneros posibles, y son realmente geniales dentro tu escritura de melodía porque pueden ayudarte a navegar de un registro de tu instrumento a otro. Entonces, por ejemplo, si estoy tocando un acorde de sol mayor y estoy en la clave de G mayor, y mi melodía está en sol mayor, tal vez esté aquí abajo en medio del piano, pero quiero trabajar eventualmente a esta nota climática B aquí arriba Bueno, podría simplemente correr una báscula hasta B o algo así pulgada hasta que finalmente llegue a una B, y no hay nada de malo en ninguno de esos. Pero digamos que necesito hacerlo en poco tiempo. Podría tener algo así como Así que ese es un ejemplo de arpegio arpegios en el sentido más tradicional, como en la música clásica, se practicarían más como Y entonces puedes tocar versiones de esos y hacer lo mismo con los acordes séptimos Pero por ahora, en su mayoría solo nos preocupa nuestra mano derecha porque esa es la mano que está navegando a través de estas melodías Y no tenemos que atravesar múltiples octavas con estos arpegios Se vuelve muy insingable en algún momento. Así que realmente depende de qué nota estés empezando y a qué nota intentas llegar. Pero lo que recomendaría por ahora es con tu mano derecha, solo prueba algunos arpegios de posición de raíz conmigo Sólo vamos a ir una octava. Empecemos por C con nuestro pulgar, y sólo vamos a jugarlo roto con los dedos uno, dos, tres, y luego podremos tocar nuestro meñique arriba en una C alta Ahora bien, si quieres seguir pasando por nuestros piggios, suele haber una cruz grande involucrada Por ejemplo, cruzando de G con el dedo tres hasta C con nuestro pulgar. Y muchos errores que cometen los principiantes es o mirar debajo de su mano, así que estoy levantando mi mano y mirando debajo para ver los dedos de esta manera para que pueda ver esta cruz. Pero, de hecho, por lo general la cruz debería ser ciega. Se puede ver desde la cámara de arriba, si me cruzo el pulgar, no lo puedes ver ahora mismo, y tampoco yo, pero aprendes a juzgar y medir como se siente esa distancia. Entonces, si quieres seguir yendo, suele haber una cruz grande involucrada. Pero por ahora, digamos que estamos trabajando en CE G, y luego hasta una C. También podría ser el caso en el que estés trabajando a través de algún tipo de inversión del ord, y en algún momento, simplemente se vuelve demasiado cargado para darte un PDF completo en cada inversión de cada arpegio y Es como casi toda una clase en ese momento. Entonces lo que voy a hacer es mostrarte ahora mismo algunos de los arpegios más básicos en posición de raíz, y puedes tocar todos estos con los dedos uno, dos, tres, cinco Estos no son arpegios de múltiples octavas, de nuevo, donde estás tocando como dos octavas, pero eso es algo así como fuera del contexto de la escritura de melodía de contexto de la Así que cada acorde en posición raíz en tu mano derecha, puedes salirte con la tuya tocando uno, dos, tres, y luego el meñique arriba una octava Entonces ahora hablemos de, nuevamente, este arpegio de una octava raíz a raíz Vamos a suponer, en este caso, que nuestro destino es una raíz arriba, y vamos a empezar en medio del piano, trabajar un poco hacia abajo para que tengamos una excusa para decirnos, quiero levantarme más alto, pero no quiero estar arriba en este rango extremo. Entonces la progresión de acordes podría ser C menor siete, Mi bemol menor siete, F menos siete, Un bemol, siete mayor. En la F, voy a jugar uno, dos, tres, cinco hasta esta F alta aquí. Vamos a probarlo. Suena algo así. ¿Lo escuchaste ahí, la F trabajando su camino hasta la siguiente F. Así que realmente, estamos saltando sobre almohadillas de lirio en todos los imanes o todos los tonos de acordes que están disponibles en el acorde de F menor siete, trabajando un acorde de F menor. Claro, podrías trabajar a través la nota extra del séptimo. Eso depende de ti, pero quiero que te asegures de que te sientes cómodo haciendo esto en una posición básica de raíz. Se puede probar con séptimos, primera inversión con siete, primera inversión regular Segunda inversión con siete, segunda inversión regular. Como dije, esto se vuelve realmente cargado muy rápido. Entonces, por ahora, uno, dos, tres, cinco en posición raíz. Cualquiera que sea tu acorde es un bemol menor, mi bemol mayor, en sol mayor, esa digitación funcionará para ti. Entonces te he dado todas las digitaciones para los arpegios de la mano derecha, pero no he incluido los acordes séptimos porque eso es, creo, un poco demasiado cargado Entonces, por ahora, solo vamos a trabajar con formas básicas mayores y menores básicas, y puedes encontrar esas formas disponibles dentro del PDF para esta clase. Por último, podemos usar estos arpegios algo así como inversos donde nos encontramos demasiado altos y necesitamos trabajar nuestro camino hacia A lo mejor no queremos correr por una escala o una especie de cúmulo de notas se está abriendo camino hacia abajo. Queremos llegar allí de manera rápida y eficiente, y queremos saber que todas las notas sobre el camino tienen sentido. Si bien no verás que el arpegio descendente se usa tanto en las melodías por el motivo que sea, todavía vamos a probarlo, pero solo ten en cuenta, generalmente verás que estos se usan un poco más ascendentes en lugar Los mismos acordes que antes, Do menor siete, Mi bemol mayor siete, F menor siete, Una bemol mayor siete Y en el acorde de fa menor siete, voy a bajar a través una tríada de F menor, pero más la octava Entonces una versión de cuatro notas de un acorde en F menor. A lo mejor voy a probarlo en esta parte del piano. Así que vamos a trabajar nuestro camino hasta esta F y luego encontrar el camino de regreso hacia abajo. Sonaría algo así. Bien, entonces ahí está. Bajando ese acorde de F menor, aunque mi acorde sea F menor siete, no tengo que tocar todas las notas del séptimo acorde. F menor funciona igual de bien. Entonces ahí lo tienes arpegios diestros para llevar tu melodía de un registro a otro de una manera que tenga sentido con algunas notas seguras en el camino Espero que hayas disfrutado de esta clase en Arpegios y te pillaré en la siguiente 13. Densidad rítmica: Et habla de densidad rítmica. La densidad rítmica es algo de lo que podrías estar hablando fuera del contexto de las melodías Podría tratarse del arreglo de una orquesta o de una banda de rock, pero incluso funciona en el caso de analizar melodías o simplemente adoptar generalmente un enfoque que tenga más sentido Las melodías pueden ser rápidas y desbaratadas o lentas como una melodía de balada Pero si jugamos demasiado en cualquiera de esos extremos del espectro, se vuelven abrumadores o un poco aburridos. Como ejemplo, aquí hay una melodía realmente rápida que es implacable, algo así Y yo solo sigo divagando como una frase sin descanso Lo inverso de eso sería una melodía que es lenta y nunca coge realmente el ritmo como una balada que en realidad está destinada a ser súper reflexiva Funciona, pero puede ser un poco aburrido. Compruébalo, algo así. Y podemos seguir así, pero en realidad no he captado tu interés. Es como, Esto es genial si estás tratando de poner a alguien a dormir, o tal vez está destinado a ser un guión bajo en el cine Pero generalmente, las melodías funcionan mejor con un poco de equilibrio rítmico Entonces la densidad rítmica es ¿qué tan denso es el ritmo? ¿Son muchas las notas 16 muy agrupadas, o son medias notas generalizadas o notas enteras? A eso me refiero cuando digo densidad rítmica. Y el flujo y reflujo de la densidad rítmica es realmente importante para asegurarte de que estás contando una historia que Incluso solo esa frase, para asegurarse que estás contando una historia, eso tiene sentido. Bitty bi dei bi dei bi Bibi B. Hacemos esto en inglés y estoy seguro de muchos otros idiomas, donde tenemos ráfagas rápidas de información, y luego para enfatizar realmente un punto, bajamos la velocidad, bajamos la velocidad Podemos hacer lo mismo en nuestras melodías. Entonces, para tomar ese primer ejemplo donde soy realmente rápido y desordenado, tomemos algunos momentos para ser reflexivos y ver cómo nos atrae un poco más a las partes rápidas Es como lo dulce no es tan dulce sin lo agrio. Vamos a echarle un vistazo. ¿Algo así como? Así que mucho es muy rápido, pero ahora hay algunos momentos que se rompen para ser un poco más lentos. O lo contrario, volviendo a nuestro ejemplo balled, algo así como arrojar un pequeño adorno, arrojar algunas notas octavas y cuartos para yuxtaponer, todas estas notas más largas que podrían terminar siendo un Así que de nuevo, ya sea que estés tocando una melodía que sea rápida o lenta, intenta una especie de contrarreacción ante esta idea de Es música lenta, así que la melodía debe ser lenta o es música rápida, por lo que la melodía siempre debe ser rápida. Asegúrate de estar poniendo un poco de esa yuxta posición, así que no es solo rápido o solo lento De esta manera, le das algo de variedad a tu oyente, y realmente puedes afinar en algunos momentos en los que intentas llamar su atención Ya sea que tu melodía sea siempre material realmente rápido o un material realmente lento, aún obtienes esta línea que se nivela. Términos de capacidad de atención, podríamos ser captados justo al comienzo de algún material realmente rápido, Whoa , esto es una locura, complejo y divertido de escuchar Pero con el tiempo, es solo una especie de líneas planas como, es lo mismo. O si es muy lento, podríamos irnos, Oh, me has captado el interés. Esto es lento y reflexivo. Siento que estoy de un humor particular basado en lo que estás jugando. Pero de nuevo, si no se mueve y simplemente se mantiene lento todo el tiempo, es líneas planas, y terminas perdiendo el interés del oyente Pero si algo es lento y alcanza su punto máximo un poco, es como, Bien, es un limpiador de paleta Oh, eso fue interesante. Oh, ahora volvemos a las cosas lentas, y las cosas lentas se sienten frescas otra vez. Es como pulsar un poco de botón de reinicio en tu melodía en cuanto a su ritmo. Entonces te voy a dar un PDF básico para esta clase mostrándote alguna densidad rítmica donde siempre es rápida, siempre lenta, y luego Entonces, el material más rápido se encuentra con un material más lento como limpiador de paladar, y el material más lento se encuentra con un material más rápido como limpiador de paladar Pero en definitiva, este será un PDF pequeño porque hay infinidad de formas en las que puedes hacer algo así en cuanto a la densidad rítmica Entonces lo voy a descomponer de una manera sencilla. Eso tiene sentido para ti. Entonces, si bien esta clase fue un poco más filosófica en cuanto a su enfoque melódico, siento que lo mejor es no dejar ninguna roca sin mover Espero que hayas disfrutado de esta clase, y te pillaré en la siguiente. 14. ¿A swing o NO al swing?: Para balancear o no balancear, realmente tienes que considerar para qué tipo de género estás escribiendo tu melodía. ¿Es jazz, soul, hip hop? En cuyo caso, sí, querrás balancearte. ¿Es algo un poco más recto? Al igual que, incluso disco y funk, podrías asumir swing, pero muy a menudo, el ritmo es recto Lo mismo con la música latina. Todavía puedes realmente surcar sin necesariamente tener un ritmo oscilado Entonces esta es una clase rápida, pero quiero que consideres cuando escribes tu melodía, debería escribirla con un ritmo recto o un ritmo oscilante Y también vamos a repasar los fundamentos de lo que son ambos enfoques rítmicos Primero, hablemos de un ritmo directo. Cuando hablamos de heterosexuales versus oscilantes, estamos hablando de octavos. Como, por ejemplo, las notas de cuarto, si estás balanceando suenan igual que las notas de cuarto si eres recto, dos, tres, cuatro. De cualquier manera va a ser lo mismo. Pero qué haces con los beats entre los beats principales o los s, podrías decir, uno y dos. ¿Es igual? En otras palabras, ¿todo se corta bien y recto en la parrilla o se balancea ¿La octava nota es un poco más tarde representando como un valor de dos tercios y un tercio para tu uno o el downbeat y el upbeat Entonces, para jugar recto, querrías asegurarte que solo tienes uno y dos simples, y tres y cuatro con acentos en los números uno y dos, y tres y cuatro finales. Así que pruébalo. Nuevamente, es uno y dos, y tres y cuatro. Hay un ejemplo de melodía recta, y vamos a seguir con eso hablando de cómo aplaudir, columpiar, y luego cómo traducirla a tu instrumento Entonces con swing, seguimos contando uno, dos, y tres y cuatro final, pero nuestro final se va a sentir un poco tarde. Uno y dos, y tres y cuatro, igual que un caballo galopando Pero esto no es lo que hace que el swing sea duro. Tengo muchos alumnos que pueden hacer eso el primer día, pero el acentuar el y, en otras palabras, tocar el y un poco más fuerte, esa es la parte difícil Todo está realmente al revés desde el ritmo recto. No es igual, es algo torpe. No es acentuar el downbeat, es acentuar Es algo así como el concepto de swing, tomó el ritmo recto clásico y simplemente lo giró de cabeza. Entonces con esos acentos, terminas obteniendo uno y dos, y tres y cuatro y. Y en lugar de enfocarse en ser ruidoso al final, concéntrese en comenzar tranquilo y luego ser ruidoso al final. Lo que probablemente va a pasar es que lo voltearás. Irás uno y dos, y tres y cuatro. Entonces tendrás un y eso es ruidoso y luego un downbeat, como tres que es ruidoso, y luego todo se voltea Así que practícalo un montón con contar primero. Incluso se puede practicar con escalas, una y dos, y tres y cuatro, y una y dos, y tres y cuatro. Entonces puedes aplicarlo a tu canción. Una melodía balanceada podría sonar algo así como esto. Escucha esos pequeños acentos. Y lo que haré, y la mayoría de los músicos también lo harán, también, es acentuar algunos de los downbeats para que tengas tu swing principal que está sucediendo en el acentamiento de los Pero a veces simplemente realmente funciona bien para acentuar un downbeat, también, también. No hay nada que diga que no puedas, pero el acento general debe permanecer en lo poco común. Entonces voy a suministrar un PDF que repasa estos conceptos básicos, pero realmente se trata de lo que haces con tu práctica para avanzar hacia sentirte cómodo jugando con un ritmo oscilado Estoy asumiendo que la mayoría de ustedes ya pueden tocar con un ritmo recto, ya que tiende a ser un poco más recurrente dentro de la mayoría de los géneros musicales. Pero de cualquier manera, te ayudaré con ese PDF, y eso es todo para que esta clase se balancee o no se balancee. Te veré en la siguiente clase. 15. Unamos todo: Bien, así que vamos a juntarlo todo. Vamos a hacer cuatro ejemplos donde voy a explicar mi camino a través de cómo estoy creando una melodía con una progresión de acordes de cuatro acordes. Estas melodías se suministrarán en formato PDF, así que asegúrate de estar comprobando eso. Y los recintos y los tonos pasantes y los tonos vecinos y todas esas cosas van a ser identificadas en la página para que lo veas de corte bonito y claro Vamos a adentrarnos en el primero. Vamos a comenzar nuestros dos primeros ejemplos con ritmos rectos, y vamos a estar en las teclas blancas Para la mayoría de estos ejemplos. El último que te daré en Do menor. Pero para empezar con estos dos primeros, sólo estamos en las teclas blancas. Vamos a hacer uno en Do mayor. Vamos a hacer uno en Do menor. El primero en Do mayor va a usar tonos vecinos y tonos de paso solo para mantenerlo agradable y simple, y suena algo así. Nuestros acordes son Do mayor, F mayor, A menor, G mayor, o vamos G dominante siete Suena algo así. Bien, entonces ahí está. Nuestro siguiente va a ser La menor, F mayor, D menor, E dominante siete, una progresión de acordes de 1645 en La menor Aún así, estamos haciendo un ritmo recto. Suena así. Bien, entonces ponemos algunos mordens superiores, mortens inferiores y estrillos en ese ejemplo A continuación, vamos a estar haciendo algunos tonos de paso cromáticos y tonos vecinos cromáticos así como algunos Sea que ahora nos estemos balanceando, los recintos son un poco más apropiados Así que vamos a tirar un montón de cosas. Entonces este siguiente ejemplo va a tener C mayor siete, E menor siete, D menor siete, y G dominante siete como nuestra progresión de acorde principal. Te puedo dar tonos cromáticos de paso , tonos cromáticos vecinos Y porque ahora nos estamos balanceando, voy a poder darte recintos que son un poco más apropiados en este momento Entonces nos estamos balanceando. Estamos en Do mayor. Esa es la progresión de acordes. Vamos a por ello. Suena algo así. Bien, para que veas que hay mucho cromatismo Y nuestro último ejemplo te va a dar arpegios. Voy a subir un arpegio y después, bajaré un arpegio Y, por supuesto, es casi imposible evitar lo básico como tonos pasajeros y tonos vecinos. Así que vamos a conseguir algunos de esos en la mezcla, también, también. Suena así. Realmente empezando a unirnos. Ahora, asegúrate de que estás revisando el PDF que te he suministrado. Las melodías deben ser lo suficientemente simples como para tocarlas. Con algo de práctica, puedes ponerlos al día. Pero lo más importante, podrás ver todos estos dispositivos melódicos muy claramente dentro de las melodías ya que se identifican dentro del PDF Entonces el objetivo de esta clase es mostrarte que cuando lo pones todo junto, no solo estás usando uno de estos dispositivos melódicos o incluso solo un Vas a usar muchos de ellos. Mantén las cosas interesantes y mezcladas lo suficiente como para que tu oyente esté intrigado mientras tocas tu melodía Quería asegurarme de que tuvieras ejemplos claros de cada uno de los dispositivos de los que hemos hablado, así que creo que este PDF te va a suministrar eso. Espero que te hayas divertido en esta clase. Este va a requerir bastante práctica fuera de la página. Así que asegúrate de que estás poniendo en ese tiempo. Te veré en la siguiente clase. 16. Conclusión: Enhorabuena por superado este curso de Melody escribiendo uno oh uno. A estas alturas, deberías tener muchas ideas con las que puedas trabajar para ayudar a mejorar tu escritura de melodía y entender mejor lo que estás haciendo dentro de tu escritura melodía. Se aconseja que tomes nota de cuáles fueron algunos de tus trucos favoritos e intentes usarlos un montón dentro de tu propia escritura. En definitiva, siento que esto es parte de lo que nos ayuda a reducir nuestro estilo como compositor o como intérprete. Toma preferencia por algunas de las técnicas y realmente exageras hasta el punto en que se conviertan en una segunda naturaleza para ti No olvides que va a haber un proyecto de clase para este curso donde vas a estar escribiendo o realizando una progresión de acordes de cuatro barras con una melodía sobre la parte superior, usando al menos dos de las técnicas que cubrimos dentro de este curso. Nuevamente, si has superado la clase que pasa por los detalles del proyecto, asegúrate de revisarla nuevamente porque todos los detalles que necesitas para ese proyecto están dentro de esa clase Mi esperanza es que sea cual sea el estilo de música para el que toques o compongas, haya algo en este curso que pueda ayudarte a realzar tu escritura melodía a ese siguiente nivel Pero va a tomar mucha práctica de tu parte. Entonces, como de costumbre, te recomiendo encarecidamente que practiques este material a fondo y siéntete libre de revisar el material del curso tantas veces como necesites para absorber adecuadamente la información. Ahora bien, si quieres saber más sobre mí, puedes dirigirte a Cook hyphenmusic.ca Ese es mi sitio web personal donde puedes revisar mi portafolio, pero también hay enlaces a mi tienda y a la escuela de música que dirijo. Ese es mi sitio web personal donde puedes revisar mi portafolio, pero también hay enlaces a mi tienda y a la escuela de música Entonces, ya sea que estés buscando clases virtuales con un profesor, y nosotros ofrecemos clases de, como, violín, mezcla y masterización Piano, realmente tenemos una amplia variedad de profesores O si buscas comprar algunas partituras de la tienda de composiciones originales que he compuesto, Cook hyphenmusic.ca te conseguirá todos los recursos que necesites para aprender más sobre mí y lo que estoy haciendo dentro de mi También podrás obtener enlaces a mi canal de YouTube donde proporciono algunas lecciones complementarias que no están disponibles dentro de mis cursos. Y, por supuesto, también podrás encontrar mis manejadores de redes sociales ahí. Pero para una referencia rápida, puedes encontrarme en Instagram en Let's Cook Music. Así que gracias por tomar este curso. Si lo disfrutaste, por favor da una reseña. Esas reseñas sí van para ayudar a mis cursos, llegar a otras personas como tú. Siempre estoy tratando de mejorar la calidad de estos cursos, y siempre estoy abierto a las ideas de cursos de mis alumnos. Y algo que quiero mencionar es que estoy tratando de llegar a 100 cursos. Ya tengo 140 ideas de cursos, y he desglosado la estructura de clases para cada uno de esos cursos. Pero hoy me marca terminar mi 25 curso, lo cual fue un gran hito para mí en este proceso. Entonces pad en mi propia espalda, supongo, pad en tu espalda para terminar este curso. Espero que se comprometa conmigo. Incluso en el otro lado de Internet. Siempre es genial escuchar a nuevos músicos. Si tienes algunas preguntas en el camino , asegúrate de comunicarte. Realmente espero que hayas disfrutado ese curso, y te pillaré en el siguiente.