Impresionismo con gouache

1. Introducción: Hola, mi nombre está diciendo esa leona, soy lo que artista de medios y bienvenido a mi clase. Impresionismo con goulash. El impresionismo fue un movimiento artístico de finales del siglo XIX que es extremadamente popular y admirado hoy en día. Eran un grupo de artistas que rompió con los cánones del arte académico a los que los artistas se adhieren durante siglos. Los impresionistas trabajaron al aire libre, observando los cambios de luz y pintando la vida a su alrededor y agregando su visión única a sus obras de arte. Nosotros, como artistas del siglo XXI, podemos aprender mucho del periodo del impresionismo. En esta clase, daremos un pequeño paso en este aprendizaje. Como probablemente sabrás, la mejor manera de estudiar una obra de arte no es simplemente mirarla, sino intentar copiarla. Estudiaremos pinturas de Auguste Renoir y Claude Monet y trataremos de entender su interpretación de la forma y el uso del color. Entonces intentaremos aplicar el mismo enfoque a nuestra propia pintura para hacer mi tarea un poco más fácil, comenzaré con pinturas florales y no con retratos y paisajes, que esos artistas pintaron a Platón como bien. Ya que no trabajo con aceites como Renoir y dinero, estaré usando goulash. Una de las lecciones de esta clase se dedicará a ir lavados. Te explicaré qué tipos de goulash están disponibles para los artistas en estos días. También echaremos un vistazo a cómo mezclar y aplicar goulash a nuestra superficie de pintura. Y hablaremos brevemente de otros materiales que necesitaremos para crear réplicas en esta clase, así como nuestra pintura original. Después de tomar esta clase, espero que estén lo suficientemente familiarizados con este maravilloso medio. No lo incluyas en tu caja de herramientas artísticas. Empecemos. 2. Los orígenes del impresionismo: Bienvenidos a la clase. En primer lugar, hagámonos la pregunta, ¿quiénes fueron los impresionistas y por qué deberíamos aprender de ellos? En el siglo XIX, arte fue estrictamente regentado debido al sistema de academia en vigor en Europa en su momento, el sistema de la Academia de Arte comenzó en el siglo XVI con la fundación de la academia acompañar empresa. Están diseñados nuevos en Florencia, Italia. esto le siguió la Accademia di San Luca, fundada alrededor de una década después en Roma. Accademia di San Luca sirvió de modelo para la academia. Ah sí, me sumerjo en este grupo fundado en Francia en 1648. Esta academia que más tarde se convirtió en la Accademia di bizarre. La academia francesa fue fundada en un esfuerzo por distinguir artistas que eran caballeros practicando un arte liberal de artesanos que se dedican al trabajo manual. A mediados del siglo XIX, la academia, los arcos están dominados el arte francés. Se veían a sí mismos como el conservador de los estándares tradicionales de la pintura francesa de contenido y estilo. Materias que están restringidas a temas históricos, mitológicos y religiosos. Se alentó el retrato. Se dio preferencia estilística a disfrazar la mano del artista donde no se visitaban trazos de pincel. Por lo que incluso cuando se examinan de cerca las pinturas mantienen su aspecto realista, la moderación, color, y el uso del negro caracterizaron su estilo académico principios de la década de 1960 para joven pintor. Por lo que estudiando bajo sus artistas académicos, agudo resplandor descubrió que compartían interés en pintar paisaje y vida contemporánea más que escenas históricas y mitológicas. Fueron Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley, y Frederick por x2. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, muchas veces se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre. Artistas trabajaban al aire libre antes, pero sólo para hacer estudios. Pero estos artistas trabajan de manera diferente. Estaban al aire libre con la intención de crear trabajos terminados fuera del estudio pintando a la luz del sol directamente desde la naturaleza y haciendo audaz uso del color, comenzaron a desarrollar un encendedor y forma más brillante de pintura. Este artistas a menudo se reunían en el café parisino para discutir el arte. Estas discusiones fueron a menudo encabezadas por Edouard Manet casa, los artistas más jóvenes admiraban mucho. Otomano, no se asoció con impresionistas, pero fue el primero en empezar a pintar personas reales en réplicas de sujetos clásicos que escandalizaron extremadamente a la sociedad. Se le considera la inspiración del impresionismo. Al grupo inicial de impresionistas pronto se sumaron Camille Pissarro, Paul Cezanne, y Armand de amount. Y durante la década de 1960, el jurado del Salón rechazó rutinariamente alrededor de la mitad de las obras presentadas a la gran exposición anual de Edouard Manet, Claude Monet y sus amigos a favor de obras de artistas fiel al estilo aprobado. Si bien el jurado del Salón aceptó rutinariamente desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenan a Manet por colocar un desnudo realista en un entorno contemporáneo en su pintura a través del tradicional almuerzo de capa de seda en el pasto donde representaba en mujer desnuda y para cerrar hombre en el picnic que obviamente no criaturas mitológicas sino parisinas regulares. Después del emperador Napoleón el tercero vio las obras rechazadas de 1863, sometidas al Salón de 1863. Decretó que se permitiera al público juzgar la obra por sí mismo. Y esto solo, hay unos cuantos Zai se organizó mientras que muchos espectadores, cuando están sólo para reírse el cilindro lo rechazan, llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en arte y atrajo a más visitantes que el salón regular. En diciembre de 1873, manet Renoir y algunos otros artistas organizaron su propia sociedad independiente. Y la exposición se llevó a cabo en abril y mayo de 1874 durante la exposición. Por lo que el artista no asociado a la academia exhibió más de 200 obras que fueron vistos por cerca de 4000 personas. Como era de esperar, la gran mayoría de los críticos de arte eran muy miopes, conservadores, y tenían muy poco bien que decir sobre este nuevo movimiento artístico crítico y humorístico, Louise Bourgeois escribió una crítica mordaz en el que hacer juego de palabras con el título de Impression Sunrise de Claude Monet y Christiane Soleil avant. Dio a los artistas el nombre por el que se dieron a conocer. Tituló su artículo, la exposición de los impresionistas. El término impresionista rápidamente gana favor con el público. Entonces el artista también aceptó en sí mismos. Artistas contemporáneos que no formaban parte del grupo inicial de impresionistas fueron muy influenciados por el arte del perro, Cezanne Gauguin. Por lo que HA y muchos otros artistas del siglo XX y XXI continuaron observando y representando el mundo que los rodeaba de esta nueva manera. 3. ¿Qué es el gouache?: Impresionistas pintados con aceites. Este medio requiere bastante tiempo de secado y también bastante extensa limpieza después de cada sesión de pintura, mi sugerencia para esta clase es usar gosh, es un medio soluble en agua, más fácil de usar, más fácil para limpiar. Y el enfoque de pintura es muy, muy similar a los aceites, como los aceites, hogwash suele aplicarse con capas que cubren completamente el sustrato sobre el que estamos pintando. A diferencia de los aceites que los impresionistas pintados con gouache se seca rápidamente con un acabado mate, haciendo que el proceso de pintura sea mucho más rápido. Como mencioné, es pintura soluble en agua. Por lo que durante proceso de pintura y también para limpiar nuestras presiones después, sólo estaremos usando agua. Go ash está hecho de pigmentos naturales y sintéticos del agua en aglutinante. Son tres sustancias que se utilizan como binarias en gouache pagado gosh, que tiene artista o diseñador en la etiqueta, tiene goma arábiga tiene aglutinante, mismo que columna de agua moderna gosh, lomismo que columna de agua moderna gosh,tiene un acrílico aglutinante y es básicamente pintura acrílica con acabado mate. Si la etiqueta solo dice goulash, el aglutinante suele ser dextrina, que es almidón de patata. En esta clase, estaré usando Arches goulash hecho por M. Graham. Puedes usar cualquier marca de gouache que tengas disponible, incluso gouache acrílico. Todos trabajarán por las técnicas que se muestran en este vaso. base de artista, diseñador y dextrina guage abase de artista, diseñador y dextrinafunciona mejor fresco fuera del tubo. Se puede volver a mojar con agua, pero nunca tendrá la misma consistencia cremosa. El lavado acrílico de uno en seco no se puede reconstituir. Entonces, no importa qué tipo de vidrio uses, apriétalo en tu paleta justo antes de que estés listo para pintar en una pequeña cantidad en cerrados todos los recipientes tipo Lim para uso en paladar, ya sea desechables paleta de papel. Incluso puedes simplemente tomar un trozo de papel de acuarela, tal vez solo un chatarra y usar que una paleta de cerámica también funcionará. O incluso puedes usar un plato blanco. Se limpiará con jabón y agua después que hayas terminado de pintar son los materiales necesitarán para gouache a base de goma arábiga que tenga artista o diseñador en el tubo o para delicado gosh como hemi, papel de acuarela lo hará un buen sustrato para tu pintura. Normalmente lo tonifico con acuarela antes de empezar a pintar. Entonces ten un conjunto pequeño, Hey, papel indio no tiene por qué ser caro. El papel de algodón apenas empezó lo suficiente para sostener una capa de pintura, al menos 140 libras o 300 gramos. Texturas más suaves como prensado en frío o prensado en caliente. Preferible si tienes una pieza de tablero de ilustración que también funcionará. Gosh, puede ser suelo quebradizo y seco. No quieres pintarlo en algo endeble, gouache a base de acrílico funcionará en diversas superficies. Puedes pintar con él en un nuevo papel grueso sobre paneles de lona o sobre una superficie de tablero duro. Utilizo pinceles sintéticos bastante pequeños, planos y redondos para curso de artista, también puedes usar pinceles de acuarela de pelo natural. Para gouache acrílico, usaría un conjunto separado, tal vez el mismo. Utilizas pintura acrílica. Porque si incluso una pequeña cantidad de pintura se seca en el pincel, tendrás que usar disolvente para eliminarlo y eso podría dañar las fibras naturales. Dependiendo de tu superficie, necesitarás un lápiz o un trozo de carbón para esbozar tu dibujo. Si se utiliza papel, cinta adhesiva, y puede ser útil para sostener el papel en su lugar. Y siempre ten dos recipientes de agua, uno para lavar tu cepillo y otro para agua limpia para pintar, y algunas toallas para la limpieza. Todos estos materiales están listados en el documento PDF adjunto a esta clase. Cuando pintamos con goulash o básicamente con cualquier medio opaco, hay dos formas en las que podemos acercarnos mostrando volumen en la hoja plana de papel. Yo diría que la primera vía es muy tradicional. Fue utilizado por el artista que trabajó con aceites a lo largo de los siglos. Lo que harían es crear un túnel bajo la pintura, básicamente resolver todas las relaciones tonales, encontrar todas las sombras, todos los pueblos medios, no necesariamente usarían gris. Con la pintura al óleo, usualmente utilizamos umber crudo o CPO, algo similar para crear el subpintándolos. Artistas dejarían que esa capa se secara y luego pintarían capas de color transparentes encima de ella para mostrar colores de diversos objetos. Este sería el enfoque académico que discutimos en la lección anterior, que los impresionistas se alejaron de Otra manera, forma más impresionista de pintar con paredes gouache o acrílicos sea para pintar con diferentes colores desde el principio, mezclar esos colores en la paleta o en papel o lienzo. Te mostraré las tres formas de mezclar colores en tan solo un segundo. Aquí lo principal es que no tenemos un bajo pintura. Empezamos directamente con colores y no usamos negro ni gris ni nada por el estilo. Incluso para las sombras, las sombras tienen Calit2 y son opuestas en temperatura al objeto que estamos pintando. Si mi hoja es mayormente blues y greens con solo un poco de amarillo frío que mi sombra se calienta Morado y tiene algo de rojo en ella. Es así como creo la ilusión que hay espacio entre la hoja y, digamos el muro que arroja una sombra sobre esta explicación. Esto es un poco simplificado. Habría todo tipo de excepciones a esta regla, pero sólo quería mostrarles el principio principal, estos dos enfoques principales a este problema. Cómo mostrar un objeto tridimensional en una hoja plana de papel, y cómo crear la ilusión de volumen y espacio en tu pintura. Entonces uno estaría a través, digamos, túnel en escala de grises bajo pintura con colores transparentes en la parte superior. Y el otro será con colores desde el principio y creando luz, medio tono, y sombra con color. Otro aspecto que quería discutir en este video es mezclar colores. Cuando pintemos con gouache, esto realmente se aplicará a otros medios opacos como aceites y acrílicos. Con la primera vía sería la más obvia es la mezcla mecánica. Tomamos un par de pigmentos. Digamos que tengo este azul primario y rojo en mi paleta y los mezcle juntos y me pongo morado dependiendo de cuánto azul y cuánto rojo agrego a la mezcla, obtendré diferentes tonos de morado en ese enfoque los impresionistas realmente utilizados es la mezcla óptica. Por lo que comienzas con un color y luego le agregas otros colores directamente sobre papel. No cubres toda la superficie. No premezclas colores. Los colores se mezclan cuando el espectador los mira. Por eso es mejor mirar la pintura impresionista desde lejos, porque entonces la mezcla óptica comienza a funcionar y se puede ver no solo pinceladas de color separadas, sino que se ve lo que se está diciendo en el imagen. Esto es aproximadamente lo que haría Claude Monet en sus cuadros. Pintaría un color base y luego le agregaría unos trazos encima para modificar la temperatura o el tono de esa zona de su pintura. Renoir hizo algo similar, pero sus pinceladas eran mucho más pequeñas y todas tienen diferentes colores. Y cuando los miramos, crean un área de cierto color. Eso es lo que le da a sus pinturas ese tipo de efecto brillante. Algunos impresionistas llevaron este enfoque aún más lejos y pintaron con pequeños puntos de diferente color. El artista que inventó este enfoque es George Ciroc. Es considerado el fundador del puntillismo. Entonces aquí están nuestras tres técnicas de mezcla, mezcla mecánica y dos tipos de mezcla óptica. 4. Replicar los lillo de agua de Monet: El primer ejemplo que quería mostrar en esta clase son los lirios de agua de Claude Monet. Esta es una de aproximadamente 250 pinturas de lirios de agua que creó. El composición es bastante simple, así que pensé que será un buen comienzo para nuestro estudio del impresionismo. Averigamos cómo vamos a replicar este cuadro. Vamos a querer partir de formas grandes. Y la forma más grande aquí es el agua, que también pasa a ser un área oscura con un gran medio de comunicación, generalmente trabajamos de oscuro a claro. Después de eso, pasaremos a los tonos medios. Yo diría que serían hojas. Tienen algunas zonas más ligeras, pero las vamos a sumar en última instancia. Después trabajaremos en las flores, que son la forma más ligera en la pintura. Y nuestro último paso será agregar pequeños detalles, pequeñas sombras en las hojas y las flores, y también ayudar en los reflejos. Ahora que tenemos un plan de acción aproximado, empecemos a trabajar en la pintura. Tengo una hoja de papel de acuarela muy barato pegada a mi tablero de dibujo. Es prensa fría, papel de 140 libras. Es sustrato bastante robusto adecuado para gouache. Estoy esbozando el contrato de arrendamiento con el lápiz apenas aproximadamente habitación. No importa si no tengo el número correcto de hojas o los alelos son de tamaño ligeramente diferente. El objetivo para nosotros es estudiar la pincelada en el proceso de mezcla de columnas. Los colores que voy a usar, voy a apretar frescos en mi paleta de papel desechable, los colores cálidos son el amarillo cadmio y el carmesí Alizarin. Y los colores fríos van a ser azul ultramarino y cobalto. Y estoy pensando, vamos a añadir siena quemada a los colores cálidos también. Me ayudará a conseguir esos verdes oscuros que veo en el agua. Voy a apretar colores cálidos en el lado izquierdo de mi paleta y colores fríos en el lado derecho. Y yo por supuesto, necesito un poco de blanco. Por lo que haré dos manchas de blanco. Me gusta tener un ancho separado para mezclar con colores cálidos y para mezclar con colores fríos que ayude a prevenir contaminación y barro innecesario en mi pintura. Antes de empezar a pintar con gouache, voy a darle a mi hoja de papel un lavado rápido con Acuarela amarilla. El color aquí realmente no importa porque el único propósito de esto es deshacerme del blanco del papel para que pueda ver las relaciones tonales en un poco mejorlas relaciones tonales en mi pintura. Voy a empezar a pintar desde pasajes oscuros. Será simplemente más fácil para mí empezar. Si no veo el blanco brillante del papel, empezaré con las zonas más oscuras de mi pintura. Esta será el agua, y mezclaremos amarillo cadmio con azul ultramarino para neutralizar ese color para que sea un poco más de verde oliva, le voy a añadir un poco de siena quemada y mezclaremos amarillo cadmio con azul ultramarinopara neutralizar ese color para que seaun poco más de verde oliva, le voy a añadir un poco de siena quemada usando un pincel plano de media pulgada. Voy a amasar en todas las zonas oscuras de mi pintura. No me preocupan las edades. Siempre puedo corregirlos y los estaré corrigiendo a medida que avanza la pintura. Por lo que este primer paso será sólo cubrir toda el área del papel. No quiero que se muestre ningún blanco y que trate de distribuir todos mis colores. Estoy usando la cantidad mínima de agua. Estamos tratando de mantener mi pintura opaca, viscosa. Humedezco ligeramente el pincel para extender la pintura, pero no estoy pintando con un lavado y pintando impasto con el color. Hagamos también la porción superior. Puede caer en un poco más de azul ultramarino en la mezcla si es necesario. Se ve mucho más oscuro que la referencia, pero le haremos algunas cosas más adelante. Yo solo, este primer paso es solo construir la base para el desarrollo futuro. Gratia es muy diferente a la acuarela en el respeto de que cuantas más capas aplique, mejor se ve crea complejidad de la superficie de pintura. Ese efecto resplandeciente que tienen las pinturas impresionistas. Creo que parte de ello es que hay tantas capas de hermosos colores crea intereses visuales. Por lo que trataremos de replicar eso en nuestras pinturas con gouache y trabajando en torno a eso. Depende. Podría pintarlas encima del agua, pero no hay razón para desperdiciar pintura que va a ser mucho más ligera. Mi siguiente paso será pintarlas porque son un poco más ligeras. Ese será mi tono medio. Por lo que habrá una especie de en medio las zonas más oscuras y las más claras. El agua, por supuesto, no es uniformemente verde. Tiene alguna variación de color también. Entonces estoy cayendo un poco de azul cobalto en esa zona donde API en el agua, empezando a construir ese interés visual en mi superficie pintada. Entonces empieza a agregar áreas más oscuras bajo los caminos de la ley. Darme un poco de ventaja sobre ellos y estaremos mezclando otros colores ahí también. Pero el azul oscuro será la base de las sombras que realmente almohadillas echan sobre el agua. Pasemos al segundo paso, los tonos medios. Mezclo un poco de blanco en mi azul cobalto y voy a crear la base, cita, almohadillas de lirio. Si miras de cerca la foto de referencia, tienen mucho azul claro en ellas. Yo quiero recrear eso. Por lo que estaré mezclando LED azul con un poco de verde claro, tal vez un poco más oscuro, azul ultramarino. Espero que todos estos colores bien, visualmente se mezclen. Eso. Cuando la gente mira el cuadro, lugar de ver colores separados, verán que las almohadillas aludidas, todos estos colores se mezclarán ópticos y se verán como unas almohadillas Leila realistas, pero no aplanarán delta, pero interesantes y pictóricas como las que Claude Monet creó en sus pinturas. Hilbert, ya sabes, el pincel de inundación. Y dejemos caer un poco de amarillo cadmio encima del azul. Nuevamente, un poco de amarillo cadmio será bueno también para crear un tono más claro de verde. Me puedes ver agregando color a mi paleta. No me gusta hacer charcos grandes si no uso el color. No es un problema durante pintura gouache para parar y agregar un poco de color. Prefiero eso que tener demasiado y desperdiciar pintura. Continuar trabajando en el paralelo Luder, nos quedan unos cuantos. Las dos áreas que quedan sin pintar serán mis flores. Como dije, estoy trabajando de la oscuridad a la luz. Por lo que las flores serán lo último que voy a pintar. Hay un poco de garabatos carmesí de Alizarin los lados de las pequeñas almohadillas. Eso voy a pintar con mi Alizarin carmesí también porque echan un poco de sombras en el agua. Una de las cosas de las que hablaremos un poco más tarde, esa depresión es, ¿pintaron sombras con colores? Por lo que estoy recreando eso. El sombra está pintado con columna con Alizarin carmesí. Si pinzas trazos con azul y solo verificas las formas de la almohadilla y agrega algo más de variación de color. Y pasemos a nuestro nuevo paso. Estoy cambiando a un cepillo redondo porque necesito un poco más de precisión. Voy a pasar a mis zonas más ligeras, que son las dos Lily, las flores. Empiezo con amarillo cadmio. Tienen centros amarillos en la pintura y pintan las sombras. A continuación, me mezclé en un blanco en el verde que ya tengo en la paleta alrededor del pincel me da un poco más de control, más kin con amplio tipo de trazos redondeados tratando replicar lo que veo en la pintura sólo me lleva unos minutos fijarme esto y no muy grande, el foro está muy simplificado, no muchos detalles. Y ahora los necesito en pincel más pequeño para agregar los detalles a mi pintura. ¿ Ves cómo le dieron a esos lirios de agua algunos detalles con Alizarin carmesí? Haré lo mismo con un pequeño trabajo de pincel en el perímetro de los pétalos, también en los centros. Las áreas más claras que pinté, todavía fresco para que pueda mezclar en esos detalles más brillantes en la pintura. O puedo mezclar alizarin carmesí con blanco y suavizar algunas áreas con pinceladas adicionales más ligeras. Y quedar embarazada de mi blues porque hay un azul son bastante grandes y son parte de la mayoría de los colores que estoy usando para la pintura. Voy a añadir un poco más azul ultramarino conjunto mixto de con Alizarin carmesí y pintar las sombras debajo de cada Lilypad. Siguen usando un pincel pequeño porque necesito más control para esos detalles más finos, pesar de que estoy pintando de oscuro a claro. Cuando trabajo en los detalles, tengo que ir y venir entre áreas más claras y oscuras porque estoy equilibrando todo y haciendo pequeñas correcciones y ajustes. Añadamos algunos detalles al agua. A lo mejor trabajar en las almohadillas de lirio con un pincel más pequeño. Como ves, ahora tengo dos pinceles pequeños. Estoy usando uno para pintura oscura en una pintura completa más clara que me permite no lavar el pincel constantemente después de recoger cada color. Y de esa manera no traigo tanta agua a mi pintura. Quiero aplicación de pintura opaca. Estoy tratando de replicar pintura al óleo con mi gosh. Por lo que necesito la menor cantidad de agua posible en mi pintura. Hagamos esas pinceladas garabateadas en las almohadillas de lirio que vemos en el cuadro original. Este es un pincel muy pequeño, redondo y reafirmemos las sombras debajo de cada lirio, empezaron a desaparecer un poco, pero puedo traerlas de vuelta. Simplemente mirando la foto de referencia y tratando de encontrar áreas de diferentes colores y tipo de evaluarlas y reafirmarlas. Mi pintura se ve muy oscura. Entonces lo último que necesito hacer es agregar los aspectos más destacados. Estoy extendiendo mucho más blanco en mi verde. Y de nuevo, estoy usando un pincel pequeño para agregar ese tipo de reflejos azul claro, ligeramente púrpura que veo en cada Lilypad. A lo mejor unas cuantas más sobre las flores que un poco demasiado oscuras también y necesitan reafirmar algunas sombras sobre las flores. Voy a imitar una especie de firma de Claude Monet. Es parte del cuadro, así que obviamente no va a parecer exacto, pero unos garabatos aquí en la parte inferior izquierda. El inferior derecho estaba ocupado por un Lilypad, lo que firmó por la izquierda. Y aquí está mi versión de Lirios de Agua de Claude Monet. En este cuadro, mi objetivo era estudiar lo siguiente. paleta de colores de Claude Monet obtiene técnicas de mezcla de columnas, su pincelada, sus pinceladas, y también su acercamiento general al tema, simplificando la forma y trabajando con color y expresivamente para preservar la frescura y espontaneidad del momento. 5. Replicación de el musa de musa Renoir's: En esta lección, eso se debe en estudio a fondo de Pierre Auguste Renoir es rosas de musgo. Me acercaré a esta réplica en aproximadamente el mismo orden que hice lirios de agua. Empezaré distribuyendo formularios grandes. Trabajaré primero en las zonas más oscuras, luego añadiré algunas luces. Y lo último que voy a punto se equilibrará todos los detalles con pinceles más pequeños y además se agregarán los reflejos de la pincelada Reynolds, su técnica de aplicación es muy distinta y muy distinta de El de Claude Monet. Entonces creo que es importante para nosotros estudiarlo también tener más opciones cuando trabajamos en nuestra propia interpretación de un tema de estilo impresionista. Empecemos dándole a nuestra hoja de papel de acuarela un lavado de azul cobalto con acuarela, color exacto no importa, solo más fácil no comenzar en papel blanco. Aquí está mi paleta desechable. Preparemos nuestro gouache, los colores que usaré para este cuadro, nuestro amarillo cadmio, Alizarin carmesí y solo dos azules, ultramarino y azul cobalto. Tengo unos pinceles planos y redondos, bastante pequeños porque mi pintura no es muy grande. Es de 11 por 15. Y por supuesto, necesitaré un poco de titanio blanco. Dibujé esa cara con rosas muy generalmente en una hoja de papel de acuarela que le di un ligero lavado de azul cobalto solo para deshacerme del blanco del papel. Y voy a empezar a pintar. Empiezo con los antecedentes. Esa es una de las zonas más oscuras que veo en este cuadro. Como que salté a ella y lo creó mezclando todos los colores que tengo en mi paleta. Renoir probablemente empezó con las propias rosas, pero fue más fácil para mí averiguar en qué va a estar la oscuridad más oscura. Entonces usa eso como referencia para el desarrollo posterior de mi. De acuerdo, Una vez hecho esto, vamos a clavar las rosas y mezclar en un poco de blanco en mi carmesí Alizarin. Creo que el rosa está bastante cerca lo que veo en el cuadro en solo voy a distribuir las formas grandes muy vagamente y generalmente pintar todas las flores ligeramente variando la sombra de rosa, tal vez usando un poco más de blanco, un poco más Alizarin carmesí y algunas áreas. También necesito tomar ese tono oscuro y mezclado Alizarin carmesí con azul alternativo. Necesito llevarlo a esa librería, sobre todo si entrecerras al mirar la pintura de Renoir, verás esas zonas muy oscuras entre todas las flores. Y sé que tuve problemas en el pasado con pintar con gouache. Voy a estar un poco atascado en ese rango de luz y medio tono. Y si bien no ignoraría a los oscuros y si no tienes toda la gama entre los oscuros y los reflejos más oscuros en tu cuadro, se va a quedar bastante plana. No lograrás esa profundidad del espacio y que te des cuenta de que ves en la referencia y en la pintura Renoir. También se trabaja en las hojas. Lo importante aquí es usar verde mixto. Estoy bastante seguro de que eso es lo que argumenta Renoir. Que mezcló el azul y el amarillo en diferentes proporciones para pintar esas hojas porque tienen mucha variedad de diferentes tonos de verde en ellas. Y lo más fácil de hacer eso sería mezclando un poco más de amarillo en el azul o usando azul LUMO, tal vez agregando un poco de blanco para ponerse azul más claro. Y de esa manera obtenemos la misma variedad que vemos en la referencia. Si pinzas trazos para la base, trabajaremos en eso un poco más tarde. Es bastante ligero. Acabo de marcar algunas reflexiones oscuras que veo en ella. Mi siguiente paso será trabajar en los tonos medio. Cambio a un pincel redondo más pequeño y estoy agregando algunos detalles a las flores, algunas áreas más claras. El corrido muy, muy texturizado argumenta esos pequeños trazos de pincel para crear sus pinturas mucho más pequeñas de lo que vemos en el de Claude Monet o así. Estoy usando carmesí blanco, rosa y alizarina carmesí, alizarina pura en diferentes proporciones, en trazos de pincel de diferentes tamaños para crear la textura de esas rosas de musgo. Estoy haciendo mínima mezcla en la paleta. Recogiendo pintura y la estoy aplicando muy impasto bastante grueso sobre papel. Y estoy permitiendo que esas pinceladas se sientan uno al lado del otro. Y eso crea una ilusión de que hay variaciones de Ptolomeo, que hay áreas más claras y oscuras en esas rosas. Recogí un pincel más pequeño. Voy a trabajar con dos pinceles ahora porque necesito acercar esas áreas oscuras entre las esas áreas oscuras entre lasflores a cada flor. Por lo que estoy empezando a verificar los detalles y es mucho más fácil trabajar con dos cepillos en lugar de lavar un cepillo constantemente, que podemos traer mucha agua en el lavado y hacerlo también transparente. Acelera el video sólo un poquito para que no dure horas y horas. Se puede ver muy claramente aquí cómo mi pincel tipo de baila en la superficie del lienzo porque las pinceladas son muy pequeñas, no pinto áreas grandes con el mismo color o tono durante aproximadamente el misma cosa en las zonas más oscuras. No quiero que sean planos. Estoy tratando de tener alguna variación de color. Estoy usando más azul en algunas zonas, un poco más, morado en otras, o tal vez verde más oscuro en algunas zonas. Si miras de cerca la pintura de sus renderers, él no tiene una sola área plana grande. Es de todo Schlemmer y hay mucha y mucha variación de color por todas partes. Aplicar pintura así lleva un poco de tiempo, pero solo podemos disfrutar del proceso y no apresurarnos a través de él. Pero traté de estudiar este cuadro a profundidades y hacerse una muy buena idea de lo que Renoir intentaba lograr aquí. Una de las muchas razones por las que me encanta la pintura impresionista es también que todos se ven muy sin esfuerzo. Y esa será una de las cosas que trataré de aprender y también de transmitir en mis propias pinturas. Parece que se sentaron y tiraron algo de pintura sobre lienzo. Por supuesto, no es cierto. Trabajaron muy duro y las pinturas, estoy seguro que estaban planeadas y pensaron mucho en lo que hicieron hasta el resultado final para que pareciera. Pero creo que la espontaneidad y esa inmediatez del impresionismo es realmente lo que nos atrae. Y eso es lo que me encanta, traté de tener en mis cuadros también. Sigo trabajando en los oscuros, si te acuerdas. Traté de agregar algunos en las primeras etapas del cuadro, pero como no tenía un dibujo preciso, entonces no pude hacerlo exactamente. Por lo que ahora solo trabajaremos en los detalles, tanto las áreas más claras como las más oscuras, y trataremos de verificar todos los contornos, encontrar todas esas formas más oscuras en el libro. Al mismo tiempo no permitir que esos oscuros se coman como todas nuestras flores. Por lo que necesitamos mantenerlos y ellos los mantienen en los lugares correctos. Y son sumamente importantes para el realismo y la profundidad del espacio de nuestra pintura. También estoy verificando el contorno del libro. No me preocupa particularmente porque lo corregiré al orinar en el mantel. A esto se le llama pintura negativa para medios opacos con las áreas más oscuras primero y luego usamos la luz para encontrar precisión en las edades de esas áreas oscuras. Entonces solo necesito pintar algo. Y si es demasiado, cuando pinte el mantel, las haré correcciones y lo haré más exacto, más preciso. Montones y montones de pinceladas. El cuadro es muy texturizado, así que necesito recrear todos esos pequeños trazos de pincel que Renoir aplicó en su pintura, sin olvidar el jarrón. El jarrón también tendrá áreas oscuras las cuales pinté ya zonas de medio tono que estoy aplicando de vez en cuando añadiré algunos reflejos. Última cosa que necesitamos tipo de reloj para la geometría de la traza, porque al pintar podemos dejarnos llevar un poco y éstos empezarán a caer a un lado o a desaparecer. Por lo que al mismo tiempo, estoy verificando la geometría de la base. ellos para trabajar en el mantel hay una costura, lo voy a marcar en alguna parte, un pliegue en el mantel. Y ahora vamos a pintarlo cuando el soporte que es un mantel blanco, pero no creo que haya un solo área blanca en eso. Todo está compuesto por pinceladas de diferentes colores. Mi pallidus demasiado abarrotado para trabajar en áreas más ligeras, así que voy a conseguir un poco de blanco fresco y un poco de azul fresco y empezar a pintar el mantel. El lado izquierdo está entrar en Beam, muy cálido. Estoy mezclando un poco de amarillo en mi blanco. Y así es como hacemos pintura negativa en Guassian. Ya que estamos trabajando de oscuro a claro, podemos usar el color más claro, nuestro blanco o cualquier color que necesitemos para verificar las edades de los objetos que ya están pintados. Por lo que estoy trayendo esos trazos de pincel más ligeros en mi ramo para darle alguna definición y para definir sus bordes. Estoy aplicando blanco, muy, muy impasto, estoy tratando de hacer los trazos de pincel muy texturizados y robos porque eso los trae visualmente hacia nosotros. Y pintar tus oscuros un poco suave y pintar tus luces más texturizadas, le da a tu pintura más volumen y más profundidades de espacio. Entonces solo un pequeño truco que puedes tener en cuenta cuando estás pintando con un medio de pago. Hagamos también el lado derecho. Ve que las pinceladas son todas color amarillo pálido, azul claro. Ahí hay un poco de rosa o el ramo se refleja en el blanco, arroja esa sombra rosa sobre el mantel. Por lo que todo necesita ser reproducido en nuestra réplica también. Necesitas volver al ramo. Le falta algunas de las hojas. Voy a clavar ese verdadero rapido con verde claro verificar la edad también. Antes de trabajar en el mantel de ese lado, Encuentra la pintura, esas réplicas muy agradables, mucha diversión, porque toda la interpretación de realidad la hacen para mí esos grandes maestros del pasado. Todo lo que necesito hacer es estudiar su trabajo y tratar de replicar las pinceladas. Y consigo una hermosa pieza de arte y se llega a una especie de vislumbre en su proceso, en, en su forma de pensar. Creo que es muy valioso y muy divertido para mí. Perdí algunos oscuros en la base del jarrón. Voy a traerlos de vuelta. Verifica algunos detalles en el libro K, los greens se ven bastante cool, así que siento que necesito agregarles un poco de un verde amarillo más cálido. Básicamente es casi amarillo que estoy mezclando con elpatrón de límitede reservas patrón de límite o una firma ya que eso es parte de la pintura. Y lo último que necesito hacer es agregar los reflejos y buscar áreas muy claras en las flores, también en la base. A lo mejor habrá unos cuantos en el mantel para darle aún más volumen a mis flores, al tema usando el pequeño pincel redondo. Charles, dos distintos, Vamos a enmascararlo un poco, ocultarlo en las pinceladas. Algunas flores tipo de desaparecieron entre las hojas en esas zonas oscuras, pero es muy fácil sacarlas con poco de pintura de gouache blanco. Mi pintura está hecha, va a quitarse con cuidado la cinta, no tirando hacia arriba sino tirando hacia un lado, gosh, a veces hace que la cinta pegue muy firmemente al papel. Tirando mi paleta y esta es mi réplica de PR ago hilos de tensión, musgo, rosas. Intenté realmente imitar sus pinceladas y su paleta de colores. 6. ¿Qué podemos aprender del impresionismo?: Ahora que estudiamos a fondo dos pinturas de los fundadores del movimiento impresionista. Tratemos de entender qué temas importa. Los impresionistas estaban interesados en su mayor parte en su acercamiento a esos temas. También, hablemos algunas técnicas de pintura que podemos vislumbrar desde sus pinturas con el objetivo de aplicar esas técnicas a nuestras propias pinturas. arte impresionista no es fácil de clasificar. Cada artista tiene su propio estilo único, y muy a menudo ese estilo no igual a lo largo de los años, cambió y evolucionó. En esta lección, veamos Renoir y el dinero. Ya que estamos estudiando sus pinturas en, creo que todos podemos estar de acuerdo en que tendremos impresionistas, no por sus ideas revolucionarias, sino por el soleado mundo romántico que crearon. Un tema importante para ambos pintores será la gente, especialmente las personas en entornos urbanos. Renoir pintó muchos retratos y también muchas composiciones figurativas. Claude Monet eventualmente eliminó todas las personas y se concentró en la naturaleza. Pero podemos decir que estaríamos muy presionados para encontrar algún comentarista social, una representación de los acontecimientos históricos contemporáneos en el arte impresionista, paisaje será otro tema muy importante para ambos pintores. Ya se mencionó en la nota histórica que el impresionista pintó al aire libre al aire libre para crear inmediatez en sus pinturas y para captar los momentos fugaces de constante cambio naturaleza. Estaban especialmente interesados en captar cómo cambiaban los colores con el cambio de estaciones y también todos esos rápidos cambios en el cielo, en las sombras. Y otro punto de interés para ellos, Somos reflexiones, reflexiones de la naturaleza en el agua. Por supuesto, a pesar de que se esfuerzan por terminar su obra fuera, trabajaron en el estudio está bien terminando y refinando sus pinturas. Y pudieron hacerlo porque desarrollaron sus poderes de observación y memoria artística. Y hablando de momentos fugaces, claro que tengo que mencionar las flores, probablemente el tema favorito tanto de Monet como de Renoir. Por eso hice de las flores el tema de esta clase. Como dije, impresionista que están muy interesados en representar la luz. Ese fue otro tema de estos estudios. Por ejemplo, Manet hizo numerosos estudios de catedral equivocada en Normandía en Francia, pintándola en diferentes momentos del día. Expuso los mejores, como dijo en 1895 en ahí estaban Twain a ellos. Por lo que te imaginas cuánto tiempo pasó estudiando el mismo tema en diferentes vuelos y condiciones atmosféricas indiferentes. Tiene otras series famosas son Haystacks que PR, también pintó una y otra vez en diferentes momentos del día y en diferentes temporadas. Y por supuesto es lo que alelos a los que ya le echamos un vistazo. Y ya sabes que creó más 150 pinturas de su estanque de lirios de pequeños, murales demasiado enormes exhibidos en el Museo del jurado Aprender de París. Ahora hablemos de técnicas de pintura que usaron los impresionistas. Los impresionistas en general no usaban pigmentos negros. Renoir, por ejemplo, mezcló azul y rojo para obtener tonos más oscuros. Dijo, una mañana, uno de nosotros se quedó sin negro. Fue el nacimiento del impresionismo. Impresionistas pintaron sombras con colores en lugar de tonos de gris para crear las profundidades del espacio en sus pinturas. Pintaron en primer plano cálido y fondo fresco o al revés. Por lo que usaron el color, la temperatura más que el tono. Es decir, objetos más claros delante sobre fondo más oscuro, igual que los pintores académicos, no coloreaban. En cambio, pusieron trazos de colores complementarios para crear un cierto tono y que crea un efecto brillante en las pinturas, la luz que tanto les interesaba no estaba acostumbrada a describir la forma de manera distintiva. Se come como en los contornos de cada tema, dejando mucho a la imaginación. Una característica muy importante del impresionismo es la forma simplificada. Tendieron a mostrar el menor detalle posible, justo para describir el tema que les ayudó a mostrar la luz, el entorno natural, y también ayudó a despertar la imaginación del espectador. Hagamos un rápido resumen de las cosas que necesitamos tener en cuenta cuando tratamos de aplicar principios impresionistas a nuestra propia pintura. No hay pigmentos negros. Usamos el color para las sombras, no las hagas grises. Pintar el primer plano con colores cálidos y fondos con colores fríos o al revés. Trata de no mezclar colores en la paleta, pero usan diferentes trazos de pincel de color para crear la ilusión de volumen, hacen que la mayoría de los bordes sean suaves. trató de crear el efecto borroso al pintar y no poner en muchos detalles, simplificar los foros y pintar y la impresión de este objeto. 7. Usar el impresionismo como inspiración: En esta demostración, estaré pintando este iris siguiendo los principios del impresionismo ya que ese iris será flor adecuada, Claude Monet, teníamos muchos de ellos en su jardín. Podemos verlas en muchas de sus pinturas. Seleccioné solo una flor para hacer mi tarea un poco más fácil ya que solo estamos aprendiendo y practicando. Empezaré matando al blanco. Sólo le estoy dando a mi página un ligero lavado de verde viridiano. Vamos a exprimir nuestros colores para colores fríos Estoy usando el azul fthalo. También tienen bomba ultra marina, quieren algunos azules profundos para crear. Verdes y morados, tienen algo de amarillo Hansa, que n-gram me dice es M, amarillo primario. Tengo amarillo cadmio. Tengo rojo pirrol, que también es de color primario, y tengo Alizarin carmesí. También voy a hacer dos montones de blanco. Entonces tengo dos amarillos, uno más cálido, un color a rojo, uno cálido o un color, y dos azules. Empecemos a pintar con las zonas más oscuras como instalables. Básicamente solo distribuyendo mis colores y pintando las zonas más oscuras que veo en la foto de referencia. Casi de inmediato se agota un poco porque este no es un enorme trozo de papel. Este es el análisis de 11 por 15, lo que pegado márgenes bastante grandes, pero aún así necesitas bastante pintura para cubrir esa zona. Estoy trabajando alrededor de zonas más ligeras, lo cual es estrictamente hablando, no absolutamente necesario, pero no quiero perder mi dibujo. Entonces voy a pintar más o menos negativamente alrededor de las zonas más claras cuando aplique mis oscuros. Mezclemos un poco de amarillo cadmio con amarillo, azul para crear un color verde profundo. Sigo trabajando en el fondo. Ahí hay muchas más variaciones de color, pero no voy a llegar a ellas gradualmente construyendo relaciones de túnel en mi pintura. Esta primera etapas importante, pero estoy trabajando bastante rápido porque por ahora solo necesito cubrir básicamente el papel y distribuir los colores. Pero el paso no debe tardar mucho y la barbilla sea demasiado laboriosa porque se trata de un trabajo preliminar. No me preocupa mucho conseguir colores exactos ni nada por el estilo. Esto es sólo el principio. Entonces usando un pincel plano de media pulgada, pinceladas audaces, estoy girando un poco el pincel para variar la dirección en la que estoy trabajando. El así los trazos se ven más interesantes. Yo no los estoy alisando. Quiero un poquito de esa textura porque mezclé mi verde también obtengo esa interesante variación de azul y amarillo en lugares. Por lo que eso se suma también al interés visual. Puedo añadir un poco más de azul en algunos puntos. Puedo variar la sombra de verde en algunas zonas. que todo contribuya a crear en primer lugar, profundidades del espacio y luego interés visual en mi pintura. Esperando lograr esa oscuridad resplandeciente, que los impresionistas fueran tan buenos en la creación sin usar el negro anión. De acuerdo, mis oscuros, estoy más o menos repartido. Por supuesto estaré trabajando un poco más en el fondo a medida que avanza la pintura. Pero por ahora, podemos pasar a nuestra siguiente etapa y empezar trabajar con colores un poco más claros. Por lo que encontraremos algunos pueblos medios y algunas quizá unas luces de fondo. Yo también empecé a trabajar en la flor. El tallo tiene algunas áreas verdes más oscuras, gira eso y también empecemos a insinuar esos sitios para que rodeados y mezclados en algún blanco en mi verde para pintarlos. Y también querré usar algo de ese amarillo Hansa porque mezclando verde con el blanco, mezclar un verde fresco en si necesito un verde más cálido, tengo que usar amarillo para calentar mi verde. Puedo pintar áreas más claras en mi flor, en la flor central, y también en las flores circundantes con el amarillo hansa. Otra cosa que quería hacer es calentar las sombras. Estoy usando alizarin carmesí, que estoy aplicando con un pincel más pequeño sobre algunas de esas áreas de color azul oscuro que crea un color más profundo. De esa manera, puedo variar aún más los oscuros si recuerdas, cuando estábamos pintando líderes de agua y también cuando estábamos pintando el fondo sobre rosas de musgo, usamos tonos más fríos y cálidos. Queríamos que los oscuros no fueran monocromáticos, pero queremos que sean coloridos. Entonces por eso estoy cayendo en otro color en algunas de las áreas del fondo. Y uno que efecto resplandeciente en mis zonas más oscuras. Mi antecedente está hecho. Puedo pasar a trabajar en la flor. Esta es la parte divertida. Pasamos a pintar zonas de medio tono y oscuras en la flor. Pero cuando mezcle alizarin carmesí con y a y también aunque añado un poco de azul ultramarino a Alizarin carmesí, no me estoy poniendo ese rosa brillante. Veo en la flor, pero creo que me estoy poniendo y más, creo que tipo de, quiero decir un poquito más sobrios rosados y morados que creo que se verán mejor en este cuadro. Porque durante el tiempo de los impresionistas, no tenían todos esos compuestos sintéticos que se desarrollaron bastante recientemente. Entonces creo que usar los colores que estoy usando, alizarin carmesí más una mezcla roja primaria y también morada con azul ultramarino hará que mi pintura luzca un poco más y diga vintage, especie de más exacto históricamente en estilísticamente preciso. Por ahora, estoy pintando esas coloridas áreas en las flores, que van a ser en medios tonos y oscuros atrás cuando termine con eso, uh, estaremos agregando algunos reflejos un poco más tarde, pero por ahora, necesito construir la base para esos aspectos destacados. Pintar en áreas más oscuras. Estoy usando un pincel redondo pequeño y estoy tratando trabajar con trazos de pincel emplumados, y estoy tratando de usar la mezcla óptica de color, así que no estoy mezclando suavemente los colores, las áreas del color. Estoy dejando esos trazos de pincel emplumados en los bordes de cada área. Espero que se mezclen visualmente y creen una transición de aspecto natural entre diferentes tonos entre diferentes áreas tonales. Entonces estoy recordando la forma en que pinté esos lirios de agua. Entonces la forma en que pinté la mayoría de las rosas en tratar de usar, no diré lo mismo sino pinceladas similares y enfoque similar. Con gosh, a veces es un poco complicado conseguir que el tono sea correcto en el primer intento. Por lo que algunas áreas necesitan ser ajustadas y corregidas a medida que avanzamos, hacerlas más claras u oscuras dependiendo de lo que veamos en el embudo de referencia. Estoy usando dos pinceles, uno para colores oscuros y otro para luz, hay que ir y venir. El equilibrio en mis trazos de pincel, usando dos pinceles me permite no verlos después cada pincelada y evitar traer demasiada agua a mi pintura. A veces no las meto mezcladas, pero en su mayor parte traté de recordar cambiarlas. Mi siguiente paso, será verificar todos los detalles. El cuadro está a mitad de camino hecho, probablemente más que a mitad de camino. Por lo que ahora quiero agregar esas zonas más claras al fondo, en el tallo y las hojas de la flor. Estoy usando hansa yellow, mi amarillo fresco. Y lo estoy mezclando con el pequeño pincel redondo en el fondo que tengo. El fondo es seco, pero debido a que galoshes lamentable, se trata de squash artista. Y también porque estoy usando la mezcla óptica de los colores mediante el uso de esas pinceladas de quinta o duda, soy capaz de aplicar esas áreas más claras sin mezclar realmente ningún color. Sólo estoy usando un amarillo Hansa recto, y agrego esos trazos de pincel más ligeros a mi pintura existente. Algunos de los bots tienen más morado en las puntas. Añadamos esto. Y perdí ante algunas de las sombras más oscuras en el tallo cuando estaba aplicando luces. Vamos a restaurarlos. Tienes que ir y venir entre detalles más claros y oscuros. A veces. Mi último paso al trabajar en este cuadro, estaremos sumando los aspectos más destacados. Tengo agua limpia. Tengo pintura blanca limpia que acabo de exprimir. Mis cepillos limpios. Estoy usando el cepillo redondo más pequeño que tengo. Y estoy entrecerrando al mirar la foto de referencia, tratando de encontrar esas zonas más ligeras en la harina en mi iris. De nuevo, no soy alisar los bordes. No voy a mandar la pintura. Solo estoy aplicando trazos de pincel pequeños, muy ligeros en la mezcla visual con el resto de la pintura. En este cuadro creo que iba más por enfoque de Reynolds luego por el del lunes, es por supuesto mi pintura. Es la forma en que pinto. Pero creo que si la pintura era más grande, entonces las pinceladas se verán más pequeñas en comparación con el tamaño general de la pintura. Se parecería un poco más a Renoir, Claude Monet, pero aprendí de ambos. Y copiar pinturas de ambos artistas fue realmente valioso para mí en desarrollar especie de mi propio acercamiento a los temas florales. Encontremos algunos aspectos destacados en los brotes. Estoy tratando de darles a todos diferentes, ese tipo de borroso en el fondo, en la foto. Pero podemos usar nuestra imaginación y simplemente hacerlos muy abstractos, no súper desarrollados. Creo que mi pintura está hecha, voy a firmarla y así es como se ve. Mi interpretación de un iris usando a los impresionistas como mi inspiración. 8. Proyecto de clase y palabras finales: Para los proyectos de clase juventud Galatia, la copia de una o varias pinturas impresionistas, presta especial atención a las opciones de color y dos pinceladas. Trata de replicarlos lo más cerca posible. Referencia eso a pinturas que discutí y copié en esta clase. O puedes usar como referencia cualquier pintura de ese padre que admires. Cuando te sientas más seguro trabajando en este estilo, trató de crear una pieza de arte original utilizando los mismos principios artísticos, se proporcionan algunas sugerencias de referencia fotográfica en los materiales de la clase. O puedes pintar desde cualquier foto que te guste. Pintura presumida en la sección de proyectos, me encantaría verlo. Si te gustaría ver cómo pinté esta réplicas de pinturas de Renoir con gouache y acrílicos. O si quieres encontrar algunos ejemplos adicionales de pintura en estilo impresionista, puedes ver todas estas manifestaciones en Tanner de chiflados canal en YouTube y retumbar. Bajo Undrip.com, puedes encontrar mis pinturas y bocetos, información sobre clases que imparto en varios e-books que también me siento libre. Estaré encantado de conectarme contigo a través de las redes sociales. Sigue por el estudio rampa en Facebook, instagram, Twitter o Pinterest. Y no olvides etiquetarme si publicas tu obra de arte. Muchas gracias por tomar esta clase. Ellos creativos.