Ilustrar a pedido: el proceso profesional

1. Introducción: Bienvenidos a ilustrar y comisiones. Soy ilustrador, arpegiador, Clint claramente, soy mejor conocido por mi trabajo que he hecho para juegos de fantasía en los últimos diez años más. Y además de ser el creador y anfitrión de muestras, materiales de educación artística y canal de YouTube. Por lo que a lo largo de los años, he enfrentado muchas dificultades diferentes en mi carrera artística. Y una de las primeras y realmente no esperaba fue la de tener que trabajar desde un esbozo. Eso es alguien más se le ocurrió la idea de la escena, pero luego tuve que darme cuenta de esa idea. Ver a muchos artistas hasta ese punto antes de que eso se conviertan en profesionales. Simplemente trabajan en lo que les interesa. Es su idea y deciden lo que está bien o mal para esa idea. Pero como ilustrador profesional, no siempre es así. Y ya sea que seas un profesional trabajador y de bebé, estamos hablando de un reto de arte o incluso de un concurso de arte. Todavía tienes que seguir las reglas de otra persona. Entonces, ¿cómo consigues la idea de otra persona y obtienes su contorno y le conviertes eso a una imagen profesional, de alta calidad. Bueno, a eso se dirige esta clase. Y pasamos por todo el proceso desde la lectura inicial del esquema, lo que debes prestar atención, y creando tu plan de juego sobre cómo te vas a acercar a tu impresionante imagen. Y pasamos por la fase de esbozo y diseño de personajes, haciendo estudios valorados y estudios de color. Porque se trata del flujo de trabajo que te da ese sistema confiable para conseguir una buena imagen al final. Por lo que espero que se unan a mí en ilustrar comisiones, y les mostraré lo que he aprendido en los últimos diez años más de educación y trabajo profesional. Te veré ahí. 2. Comisión y flujo de trabajo: Tienes una condición en la que asumiendo que haces a lo largo de esto, que estarás trabajando desde algo que tiene un esquema, ya sea una comisión pagada o algún alguien para desafiar o competir. Puede ser desalentador asumir una ilustración compleja. Y este material vamos a caminar por un ejemplo de proyecto de comisión completa qué hacer y no hacer a cada paso. Y discutir ese proceso de pensamiento desde dos puntos de vista, desde el novato y desde el Pero. Y el novato es ambicioso, pero no tiene experiencia. Empezaría diciendo, leamos el esbozo fue bastante buen enfoque, pero el pro, otro lado, es creativo y experiencia para él sabe mejor que sólo leer esa línea. Estudiemos el esquema y el plan. Por lo que construyes un árbol para él de niño sin un plano. Pero como adulto, no construyes una casa sin una. Garabateas sin plan, pero no ilustras una comisión sin uno. Tener un plan de juego de cómo vas a lograr tu impresionante imagen asegura un mayor nivel de éxito eventual. Entonces nos damos cuenta de que los profesionales de TI planean y los novatos no, no solo salten para abordar todo a la vez, ideen un plan y seguirlo. Eso es signo humano artístico y general de madurez. A mi profesora de arte me enseñó de nuevo como secundaria. Ese arte es como malabares. Empiezas con un balón y practicas hasta que puedas hacer malabares sin relleno. Después añades otro hasta que puedas hacer malabares con ellos sin caídas y repetir este proceso. Para nosotros, las bolas son aspectos de la imagen. Es el diseño, composición, los valores, el forro, los colores, cada bola representando un aspecto diferente. Ahora si saltas sin planear, es como simplemente ir y recoger ocho bolas y tratar de empezar de inmediato a hacer malabares con todos. Se van a dar muchas pelotas al piso, van a perderlas todas. Muchos de los aspectos de la imagen para nosotros van a caer planos si nos acercamos de la misma manera. Por eso tenemos un plan. Descomponemos el proceso en un flujo de trabajo. Esto nos permite agregar una bola que es un aspecto de la imagen a la vez al proceso. Entonces no terminamos con un lío de ellos en el piso. Este es el problema inicial que hacen muchos novatos. Dejan que su ambiciosa creatividad anule su buen sentido. Se meten con ambos pies y terminan cayendo muchas bolas en el piso. A lo mejor un aspecto o dos de la imagen termina por estar bien. Pero los otros todos caen planos. Entonces queremos hacerlo mejor cuando usamos el enfoque de pros y tomarlo de uno a la vez, poner en una intención plena en cada aspecto antes de seguir adelante. En cuanto nos sumergimos directamente en la pintura final, vamos a seguir un flujo de trabajo que nos permite enfocarnos en cada aspecto individualmente fueron posibles, vamos a utilizar la ilustración Pegasus como ejemplo del proceso. Y la ilustración Pegasus era una portada de libro que me encomendaron hacer. Y creo que es un buen ejemplo de cada etapa a lo largo del proceso, pero también estará complementando con algunas otras ilustraciones y comisiones que también se hacen. Si siento que pueden ejemplificar mejor ese punto en particular. Ahora el novato tiene el enfoque general de, solo quiero conformar el proceso cada vez que lo voy a averiguarlo a medida que voy. Para el pro, por otro lado, va a utilizar un flujo de trabajo lógico confiable. Pero seamos claros aquí, no todos los pro usan este flujo de trabajo en particular. Y eso está bien. Este es en realidad bastante lento ahora mismo lo estoy haciendo porque necesito que ustedes puedan ver la etapa clara de lo que se está logrando en cada paso. Este no es el momento de un nuevo enfoque creativo. Esto no se trata de tu libertad como artista. Se trata de llevar una imagen de calidad a tu cliente para su proyecto. Palabra del día, iteraciones, vamos a estar pegando en iteraciones varias veces a lo largo de este proyecto. Yo sólo quería meterte eso en la cabeza ahora mismo, pagado para hacerlo a medida que avanzamos. 3. Planificación de conceptos: Comenzamos en la fase conceptual. Aquí es donde empezamos a echar un vistazo al contorno. Ahora también aquí es donde vamos a investigar, a hacer una lluvia de ideas y a esbozar cómo vas a abordar tu proyecto. Esta es tu planta. la misma manera que un chef se va a asegurar que tengan todos los ingredientes que necesitan antes de que realmente empiecen a hacer un plato. Número uno, comience por familiarizarse con el esquema proporcionado. Y estamos asumiendo que tu trabajo desde uno. Muchas de las cosas que vamos a repasar serán aplicables incluso a un proyecto personal. Pero esto está específicamente diseñado para abordar uno que estás teniendo de un esquema. Entonces si realmente quieres acercarte a eso, incluso podrías escribirte un esquema para tu propia pieza personal y trabajar de la misma manera. Número dos, si algo no está claro en el esquema, pregunte al respecto. Ahora si estás trabajando desde una comisión, entonces eso significa que probablemente tengas un director de arte, ese director de arte está en tu equipo. Su trabajo es dirigirte literalmente y ayudarte a lograr tu objetivo. Número tres, determinar la toma o uso. Es decir, ¿cómo se iba a utilizar esta imagen? ¿ Se va a imprimir un anuncio en un pasillo o en una portada de libro? ¿ Cuáles son las especificaciones a seguir? Cuántas pulgadas, qué ancho, ese tipo de cosas, indefinidamente. ¿ Cuáles son los plazos y ponerlos en tu calendario? Número cuatro, escribir notas sobre escenas solicitadas. Sepan exactamente lo que están pidiendo. Las referencias de egresado que necesitarás, pero aún no las recojas. Voy a decir que no les hagas clic todavía porque no quieres ser demasiado influenciado hasta que tengas tus bocetos rudos hechos. Después hará clic en sus referencias. Olvídate de mis nueces. 0s y 1s que empecé a hacer más recientemente o después de algunos años de experiencia. Perdóname, los nudos son cosas que siento que en realidad probablemente olvidaré en la imagen. No olvides que esta persona tiene este artículo en particular. No olvides que este tipo de edificios tiene que estar en segundo plano. Y haz una nota pequeña, asegúrate de que esa sea una imagen extra o ponla en una nota pegajosa y ponla en tu monitor. Y también empieza a hacer una lista de palabras clave. Vamos a pasar por esto y te mostraré cómo haría tal cosa aquí del lado derecho. Tienda con 56 número cinco, ¿verdad? Una lista de estos conceptos vistos que desea bosquejar. El grid out cuáles son tus ideas que quieres dibujar antes de empezar a dibujar. Número seis, reunir referencias de ideas. Ahora bien, estas son referencias diferentes. Aquí están para los artículos reales en la escena. Vas a estar dibujando a una persona, vas a conseguir una referencia para los posts. No entres eso todavía. No obstante, sí necesitamos referencias de ideas. Esto incluiría definitivamente no se crean preexistentes para la propiedad intelectual de IP. En este caso. La ilustración Pegasus fue con el segundo libro de la serie. Por lo que necesitaba asegurarme de encontrar una copia de la primera portada del libro para que pudiera ayudar a igualar la apariencia de los personajes y el estilo y las imágenes de género similares pero no referencias temáticas. Estos sirven como tablero de ideas. Dirá la sonda, no subestimes la importancia de la fase conceptual. Recuerda la regla 80-20, 80% de un resultado a menudo se establece por el 20% inicial del proceso. Y si tienes una fase conceptual realmente buena y te aseguras de poner tu tiempo en. Va a valer la pena, ¿verdad? Se pagará por sí mismo en el tiempo. 4. Lectura del esquema: Está bien. Aquí está el esquema del proyecto Pegasus que me dieron. Yo sí abrevié un poco. Ahora las escenas ahí estaban bastante abiertas adelante varias ideas lo cual es muy agradable. Me da algo de espacio para trabajar. Habrá dos Pegasus y una chica en cada concepto. Considera colocarlos en un exuberante entorno de caída ya que parte de la historia se lleva a cabo allí. También quisiéramos que la Pegasus más joven estuviera criando con energía y la niña sosteniendo o se elevara como depredador tipo pterodáctilo, vuela por encima, aterrorizadamente. Explora lo que podría estar haciendo el Pegasus, acostado, volteándose hacia la niña o notando una serpiente cerca o edita drama o Suspense. Otra ubicación a probar sería una playa u océano. El chica y Pegaso observa un gigante voluntad yo criatura rompe desde el agua. Entonces después de leer el esquema, no quise empezar a tomar algunas notas y hacer en mi cabeza lo que voy a hacer en cuando llegue a ciertos puntos y averiguar cómo voy a acercarme a esto. Empezaré poniendo una lista de referencias que necesitaré. Sé que necesito anatomía de fuerza. No dibujo mucho caballos. Ciertamente no hagas Pegasus. Pondría eso ahí dentro. Necesito referencias ala. Necesitaré una pose de referencia para la niña. También probablemente necesite una referencia de selva y un pozo también, porque no es algo que dibuje muy a menudo. También podría necesitar una referencia de serpiente y necesito imágenes IP existentes. Entonces como dije, esa imagen anterior de las palabras clave de la serie, esta es una que no creo que muchos novatos lo hagan, pero es una que siempre quiero hacer. Cuál es, de qué se trata esta imagen? ¿ Cuál es la emoción, cuál es el sentimiento? ¿ Es o no? Necesito asegurarme de que, esa imagen que les doy tenga ese sentimiento. Creo que la más grande aquí es la aventura. Este es un MOOC aventura. Pobres chicos, ¿verdad? Y así se necesita tener que podría haber un elemento de misterio, tal vez, tal vez de mito. Pero un emprendimiento va a ser mi palabra clave principal, localizaciones. Entonces, ¿dónde tienen que llevarse a cabo estas imágenes? Simplemente voy a despejar en mi cabeza, cuando básicamente tenemos que tener una selva y luego tenemos como una ubicación de playa o océano. Entonces ahí vamos y luego la lista de conceptos. Pero aquí es donde en realidad empiezo a anotar lo que creo que son las escenas que podría estar dibujando. De acuerdo, bueno, ya solicitan un par de cosas. Queremos ver al trío en la selva. Ok, este sólo va a ser mi clásico. Tres personas en la selva en una aventura especie de ver, a continuación vamos a tener herido Pegasus, niña vigilante. A continuación queremos tener algunos desde el océano y la ubicación de la playa. Tan trío viendo. Bueno criatura lo pondré bien, sé que no es exactamente un Bien, pero sí. Entonces tendremos al trío volando sobre el océano. Entonces está el tipo de sabe que esto es algo realmente bueno. Porque si puedes pensar en esto, puedes ahorrarte mucho tiempo yendo hacia adelante y que en realidad no tienes que sacarlo. Se puede simplemente jugar fuera y su cabeza ver lo que necesita y luego entrar. Ahora bien, esto es lo mismo que nuestro corporativo o hace. Él mira lo que necesita hacer. Le da algo de pensamiento. Y luego crea lo que se llama corte. Y que esta es una lista de, necesito 510 por 12 en tableros de este tamaño, necesito, y tú solo haces una lista de cada corte de cada tabla que necesites. De esa manera no estás teniendo que averiguarlo una vez que realmente llegues a la sierra. Y de la misma manera que estamos para Granta, exactamente lo que hace nuestro transparente antes de llegar a la porción de dibujo. 5. Cretividad controlada: Queremos saltar al dibujo, pero antes de entonces vamos a tener una conversación rápida. Creatividad incontrolada. Desde artistas, somos gente creativa. Clientes hirers para ser creativos y para dar vida y emparejarlo hasta asientos. No obstante, un encargado en otros proyectos esbozados, debemos ejercer control, creatividad, y piezas personales que podamos correr con lo que sea que haga es tomarnos la fantasía, pero esbozar proyectos tienen limitaciones. Eso significa que necesitamos identificar los parámetros en los que se puede utilizar nuestra creatividad y dónde no puede. Y estos casos, sólo porque una idea puede ser genial, no significa que sea viable. A menudo tenemos creatividad en nuestro diseño, en el renderizado de la escena, pero no reimaginarla, a menos que el cliente diga lo contrario en algún tipo de hit sea el caso. La mayoría de las veces no están buscando tu nueva toma personal en su propiedad. Están buscando YouTube, fielmente renderizaron su propiedad de una manera visualmente creativa y atractiva. Si tienes una idea que sientes que mejoraría el proyecto, pero no estás seguro de cuál tomó demasiada licencia creativa, entonces pregúntale a tu director de arte, eso te hará saber si es un concurso de arte o un reto y no hay director de arte disponible, entonces es mejor mantenerse dentro de los contornos claros. Proporcionado. Un poco de consejo. Si tienes una idea interesante y no es utilizable en el proyecto de esquema. No quiere decir que sea una mala idea. Y probablemente signifique que la idea simplemente no es la adecuada para ese proyecto en particular. Y eso está bien. Por lo que acabas de guardar la idea o el boceto y buscar oportunidades de que se pueda adoptar para otro proyecto y considera convertirlo en tu propio proyecto personal. Obviamente, no se quiere utilizar nunca ninguna propiedad intelectual o personajes de propiedad. Pero por lo general no se necesita mucha modificación para darle vida desde un ángulo ligeramente diferente. Entonces aquí tenemos nuevamente el esbozo. Y este caso hay ciertas cosas que podemos cambiar y ciertas cosas que no podemos. De Bernstein, probablemente podamos cambiar el color del vestido de la niña. Y podríamos cambiar la pose en la que están los personajes. No tenemos ninguna indicación de la iluminación ni de la media del marco de la escena. Por lo que ahí hay mucha creatividad. Lo que no tenemos derecho a hacer o la libertad creativa es, por ejemplo, cambiar el género. Podría decir aquí, ve a saber qué sería realmente genial. Sé realmente cool si uno de los Pegasus fuera cibernético. Y así como una era orgánica y él era la última Pegasus orgánica o que la otra era como esta Pegasus artificial que la niña creó porque ella es como este juguetero y ella conoció a esta otra, la última Pegasus. Y ella pensó, no, voy a hacer un amigo para él para que no sea el último mientras ella construye esta otra Pegasus. Sí, eso es realmente genial. Y entonces tal vez comparte como este brazo que también es cibernético. Ella lo perdió un accidente cuando es como construir la otra Pegasus. Ok. De esta manera todo fresco. Pero eso no es lo que el cliente lo está pidiendo. Y ese es el tipo de cosas que seguro. Puedes anotarlo si te gusta esa idea. ¿ Crees que eso sería divertido de hacer? Anotado, ¿arreglado? Eso no es lo que quiere el cliente. No necesitan que reinterpretes su proyecto. Necesitan que solo haga que se vea bonita. Está bien. Ya tienen su idea. El concepto ya está creado, ese no es tu trabajo en este caso. Lo que hay que hacer es conseguir lo suyo y hacer que se vea bien. Esto es potencialmente un problema para muchos novatos porque hasta este punto, todo ha sido su propio trabajo personal. Simplemente no están acostumbrados a trabajar desde un esquema. No están acostumbrados a que alguien más pueda decir lo que está bien o mal en un proyecto. Y como ilustrador profesional, Puede ser un poco un cambio duro, pero es uno que tenemos que aprender dónde están esos límites para que podamos entregar lo mejor que podamos para nuestros clientes. 6. Diseño de personajes parte 1: Ahora pasamos a la fase conceptual donde vamos a empezar con realmente el diseño del personaje. Ahora me encanta el tema del diseño de personajes. Creo que en realidad muchos artistas sí, sobre todo en el concepto arte y el ilustrativo llenaron al novato, diremos, solo conformaremos la pared de personajes que pintamos. La sonda lo sabe. A veces puedo salirme con la suya. Pero tú no eres MI diseño primero. Pintar mesero. Los mini-proyectos requerían que aparecieran nuevos personajes en un C. Así que aborda el diseño del personaje antes de empezar a pintar. Para que puedas poner toda tu atención en ello sin distraerte al tener que hacer malabares con todos los demás aspectos. Si alguno de los personajes que estás ilustrando ha sido ilustrado antes. Como dije, estamos ip existente, obtenemos copias de esas imágenes para consistencia y diseñamos una referencia. En realidad muchos clientes te enviarán esto. Cuando te envían tu comisión, puedes estar trabajando en los diseños de personajes en miniaturas compositivas. Al mismo tiempo. La ilustración Pegasus no requería casi ningún cuidado ni diseño ya que un personaje ya estaba prediseñado y los demás eran bastante sencillos. Ambos Pegasus lucen blancos, similares. Entonces no hubo mucho cambio ahí. Y la chica básicamente solo agrega un peinado sencillo y un vestido sencillo con una espada. Por lo que no tuve que poner mucho tiempo en el bate y no fueron muy interesantes. Por lo que he usado otros ejemplos para mostrar la iteración del diseñador de hamburguesas. El clave de las buenas ideas y diseños son las iteraciones. Debes explorarlos, desarrollarlos y producir más de ellos. No todas las escenas que viste producen algo. Es por eso que ustedes tan más semillas que el mínimo. Si quieres un árbol, no plantes AC. Pero un par de asientos. Las ideas también son así. Desarrollar más ideas que solo una. Porque por mucho que te guste, podría ser un dud. iteración se trata de renderizar un lote de ideas que escoger las apuestas con la imagen elegida a un lote de variaciones y escoger lo mejor y la repetición. Ahora se trata de un viejo personaje que S probablemente hizo esto hace diez años, pero es una buena ilustración de cómo se ve la iteración. A hizo una pose básica. Y luego lo copié un montón de veces. Y luego simplemente hizo muchas versiones del personaje. Yo sí escogí mis seis favoritos y los limpié un poco, les agregué un poco más de detalle, hice algunas variaciones de color de esos, cogí mi favorito y luego trabajé en eso subió. Por lo que la imagen final aquí es la tercera iteración. El primero es justo en todo el lote. El siguiente es donde lo dibujamos y lo coloreamos. Y el tercero es donde conseguimos eso y lo pintamos completamente. Y creo que es lo mejor para ello. Y ese es el enfoque que vamos a utilizar a lo largo del diseño de personajes. Hay mucho más en el diseño de personajes que esto. Pero sólo estoy tratando de darles algunos aspectos destacados. Eso será suficiente para que trabajes durante tu proceso de creación. Número uno, anota las características proporcionadas del contorno para que no te olvides de nada. Yo lo he hecho, otras personas lo hacen. Sucede. Escríbelo para que no lo olvides. Y este esquema de caso es un guerrero herrero de fantasía. Por lo que dibujamos el cuerpo básico y hacemos al menos tres copias del mismo. En realidad diría que hacer mucho más. Pero si estás presionado por el tiempo, R0 es probablemente tu mínimo. Es entonces cuando obtienes esos y esbozas variaciones sobre las copias, apunta a la variación de formas, silueta, y simetría. Pero estamos hablando de simétrico y asimétrico. No hay detalles en esta etapa. De eso no se trata, solo representan elementos con formas C. Bueno, en esta etapa pasan muchas cosas. Entonces vamos a ir a tres EI, que se considera la ubicación y la historia de los personajes para plasmar lo que ellos donde y poseen. Por lo que este personaje es de un clima frío. Probablemente necesiten mantenerse calientes. Necesitan comida para sus viajes. Necesitan una capucha para el si van a estar fuera mucho. Todo esto informa al personaje, los hace más creíbles y ayuda a darte una idea de cómo debe ser el personaje. 3b, considere diseñar elementos para seguir un patrón visual. Metodología Will. Hacer esto proporcionará respuestas al tamaño, la naturaleza y la ubicación de las formas a utilizar. Las metodologías pueden unir elementos dada una mirada cohesiva. Hay muchos paradigmas en los que basarlos. Estos son sólo algunos ejemplos. Entonces la metodología es, ¿qué pongo, dónde, qué tan grande es? ¿ Cómo consigo todas estas cosas diferentes y las hago trabajar juntas? En este caso, estamos usando un patrón en zigzag en esta versión del chico es, en lugar de hacer la corbata de lado a lado va recto a través, lo ponemos en ángulo, luego dejaría que ese ángulo se moviera al tener la correa para el cuello debajo de ella a través del pecho. Ve lo que el ángulo opuesto. Tenemos entonces la siguiente línea de la camisa de tableta dintel ir a y ángulo opuesto a eso. Por lo que a lo largo, a lo largo de todo, tenemos una serie de patrones zag que mantiene el ojo en movimiento. Y esa es la metodología general para el personaje. Aquí abajo tenemos tres personajes Dryad, cada uno de ellos teniendo una apariencia muy similar y usando muchos de los mismos objetos visuales y formas, pero arreglándolos de maneras completamente diferentes. Nuevamente, este es un patrón exagerado en zigzag. Pero una vez que entendemos que ese es el patrón que estamos usando para los artículos y tomamos la decisión de dónde poner qué y qué tan grande debería ser en qué ángulo, debería ser mucho más fácil. A continuación tenemos un patrón X o cultivos. Y todo aquí está siguiendo ese patrón. Variación de tamaño usando las mismas formas en diferentes tamaños dispersos a lo largo, pero todos siguiendo el mismo diseño simétrico. Esta sería en realidad una buena práctica de sentarse y tratar de pensar diferentes tipos de metodologías o estudiar otros personajes y ver cuál es una de las metodologías que utilizan. El tipo de lógica a la colocación de los tamaños de las formas y los ángulos sobre el personaje. Número cuatro, elige el mejor diseño. Ahí está, iteración. Y hacer estudios de sujetos del mundo real que pudieran informar el diseño y los elementos que puedan incluirse. Por lo que para el guerrero herrero de fantasía, hice estudios de diseños vikingos históricos. También diseñé algunos accesorios que el personaje podría estar llevando. Esto me ayuda a tener un sentimiento más fundamentado a cómo se ve este personaje. Esto es un error que muchos novatos cometen es que no basan suficientes cosas en la realidad. Dibujan demasiado de la imaginación y sus conocimientos, su conocimiento innato de cómo hacer que las cosas se vean más reales y más fundamentadas simplemente no está ahí, no tienen suficiente experiencia para eso. Así que asegúrate de que estás dibujando información de sujetos Rio World y deja que eso informe a tu personaje para que sean más creíbles. 7. Diseño de personajes parte 2: Muy bien, Pasos cinco a siete refinan el concepto elegido con un conocimiento de los estudios para ayudar a mejorar la precisión de diseño y credibilidad de los elementos. buen diseño a menudo es solo realidad con un giro. Entonces consigue algo relable, como disgusto que solo estudie y le dé un empuje de diseño en una dirección diferente. Esto puede ser un cambio en su género, tecnología, fisicalidad, o incluso un cambio de periodo de tiempo. Entonces este es el personaje dibujado de nuevo con más conocimiento recogido de los estudios del mundo real, el personaje aún puede ser genérico. Entonces queremos encontrar de qué se trata el núcleo de esta persona y decirlo. Podría haber múltiples cosas o en las que podrías enfocarte. Así que elige un aspecto, dale un megáfono, y dibuja otro conjunto de iteraciones. Uno, otro. Sí, otra. ¿ Recuerdas genérico, demasiado específico o común a uniq? Esto se siente como solo tu NBC promedio. No parece muy cohesivo. Está pasando mucho. Visualmente, hay mucho que mirar. Pero aún no se siente como un personaje único. No se siente como si se tratara de una sola cosa. Se trata de un montón de cosas diferentes. Y así ahora estamos tratando de conseguir un aspecto de él sobre ese personaje, sobre su mirada, sobre su persona y dejarlo más claro. En primer lugar, tenemos esta versión que se inclina en ser un guerrero ártico. Queremos retocar ese aspecto frío de Helmand donde está y hacer que se sienta más como un guerrero y menos como un herrero. Le damos la mirada más pesada. Le damos por un forro en muchos de sus pedacitos de armadura. Tenemos nieve acariciada en el fondo de su manto. Damos más corbatas y su cabello o haciendo un aspecto un poco más rugoso. Este también es el mismo personaje, pero nos estamos centrando en un aspecto diferente. No nos estamos centrando en el guerrero ártico, nos estamos centrando en el herrero. Ahora tenemos más de las herramientas colgando de su cinturón que podría estar usando durante su oficio. Mostramos parte de su obra con la armadura bajando por el brazo ahí. Demostramos que es tal vez tuvo un accidente en su tienda, estaba trabajando. Entonces como un iPad, ambos llenando personajes más únicos. No hay sólo el fondo PNJ, Macabee, El personaje principal. Ahora el concepto film más específico y único que genérico. Tener ropa son importantes. Este sería el momento de escoger el mejor concepto para nuevos estudios de colores sobre. Haría al menos tres variaciones y elegiría la mejor. Este personaje no necesitaba colores, por lo que está terminado en esta etapa. Pero en la escena bosquejando. No obstante, nota rápida sobre lo que se necesita. Si quieres resultados de nivel pro, tienes que poner en esfuerzo de nivel pro. Es posible que veas videos donde procede a producir sin esfuerzo un personaje dinámico. Pero lo que no estás viendo son las miles de horas de estudio sobre los cientos de dibujos que hicieron. Para que sus diseños promedio pudieran estar en ese nivel. Hay mucho trabajo detrás de bambalinas que entra en grandes ilustraciones. Y la mayoría de la gente nunca lo ve como un iceberg. Sólo se ve la parte superior de la misma. Terminas, ves la imagen terminada. La mayor parte es invisible. Todos los conceptos descartados, todo el disco a 100 caracteres, todas las composiciones de cambio, todas las reobras. No ves esas cosas. No muy a menudo. Si sí quieres profundizar en el tema del diseño de personajes, sinfín remiss si no recomendé y nota que sí tengo un eBook llamado personajes diseñando y dibujando. Puedes recogerlo una vez mucho como art.com. De ahí se toman todos estos ejemplos. Y entro en mucho más detalle y tengo varias ilustraciones más. Entonces siéntete libre de salir por ahí y echar un vistazo a eso. 8. Miniaturas de escena: Y las miniaturas compositivas, el novato puede acercarse a ella pensando, yo sólo quería empezar a pintar y esperar que resulte bueno. Enfoque dice, esbozo muchos conceptos y posando intencionalmente cada elemento que elijo mejor. No tienes que esperar. Podrás conocer miniaturas compositivas armadas con tu lista de escenas, es hora de empezar realmente a bosquejar. En esta etapa, todo se trata de composición. No se trata de detalles, iluminación, o incluso valores. Apenas la composición de elementos en el marco. Para ser claros, hay muchos enfoques para construir novedad. Ve donde tal vez haces tus estudios de composición al mismo tiempo que haces en tus estudios de valores, muchos artistas trabajan de esa manera, tal vez incluso con color. Pero lo estamos tomando un aspecto de su tiempo para simplificar el proceso. Y a medida que te pones más cómodo con él, es cuando puedes empezar a jugar un poco con el flujo de trabajo en si puedes hacer múltiples cosas al mismo tiempo. Pero por ahora nos vamos a centrar sólo en la composición misma. Una buena composición dirigirá el ojo a los puntos focales, hará que un complejo parezca más legible y ayudará a transmitir el estado de ánimo deseado. La composición no es cosa en sí misma, sino el contexto del tema. Cómo se relacionan todas las cosas entre sí. No es la imagen en las piezas del rompecabezas, es el rompecabezas en sí. Muchos no profesionales subestiman lo crítica que es la composición. Concentran todo el petróleo y la imagen real en lugar de cómo se relaciona todo. Y por eso queremos dar especial atención al escenario. La composición afecta el estado de ánimo más fuerte a través de una sensación de equilibrio. Energía, y el espacio es importante para tener una idea de cuál es el estado de ánimo deseado o simplemente de las imágenes. Para que puedas usar y disposición compositiva que refleje eso y vamos a entrar en eso aquí en un momento. Entonces aquí está el ejemplo de los roughs que creé para este proyecto. Ahora otros refs que también bosquejan, pero estos fueron los más prometedores, así que sigo con ellos. Terminé en realidad borrando los que no necesitaba. Por lo que no se incluyen aquí. Pensé que lo mejor se va para el trabajo. Entonces eso es lo que vas a ver progresando para mejorar en esta etapa, una gran práctica para mejorar tu composición y valores habilidades es hacer estudios desde el cine. Busca películas con buena cinematografía y no utilices detalles. Esto fue tomado de Señor de los Anillos, Fellowship of the Ring. Observe que hay muy poco detalle, caso, en estas escenas. Cuando estoy prestando atención es donde alinean al personaje en el marco. El tamaño de los personajes es un tiro medio de tiro ancho, tiro cercano. Y entonces también ¿cómo equilibran los valores en la escena? Buena práctica, ¿verdad? Son fáciles de hacer. 9. Uso de patrones de composición: Patrones de los que hemos hablado usar un patrón compositivo. Vamos a pasar por ello. Realmente note que la escena puede ser confusa al armar un rompecabezas sin una imagen de cómo se supone que realmente debe ser la final. Puedes pasar edades simplemente moviendo las cosas y esperando tropezar con un arreglo que funcione. O podría simplificar ese proceso mediante el uso de patrones y guías confiables. Toda la idea es conseguir una colección de diversos temas y formas y crear un orden fuera de ella que coincida con las imágenes puntos de ánimo deseados para recordar es llenar el marco con el sujeto. Uno de los mejores consejos para recordar en esta etapa. Generalmente se quiere simplemente construir un marco con el tema. Es decir, hacerlos retomar más de lo visual Real Estate era alguien que se apegara a formas simples sin detalles. Puedes hacerte la pregunta de, ¿a qué elemento quieres llamar la atención? La sinterización hace que el personaje de la película sea más estable. El estudio de la composición, encontrarás que poner un personaje en ellos, ceniza, ir completamente plomados verticalmente a los lados del lienzo los hará sentir más estables y confiables, más confiables. El arco triangular hace que los personajes y la unidad a, equipo C, Todos estos chicos están alineados con el fin de hacer un patrón simple. Esto le da cohesión. Les hace sentir como si fueran parte de un equipo. Si rompiste eso al tener otro personaje por aquí, se llenaría como si fuera parte del equipo. Y lo podemos hacer para dar esa impresión de que el uno no forma parte del otro. Pero para estos tipos que lo son, están alineados de esta manera. El barrido de los ángulos z mantiene el ojo moviéndose por toda la imagen. Entonces aquí estoy pensando en este tipo va a estar criando de esta manera. Es decir, las alas podrían crearse patrón de esta manera. No quiero ir directo al otro lado. Ese es Boyne. Ahí no hay movimiento. Eso no es muy interesante. Entonces fuimos a angularlos de esta manera. ¿ Y qué significa eso? Eso quiero el siguiente e ir en un contrapunto ángulo a eso, y luego la siguiente isla e ir Editar ángulo de contador a eso. Esto mantiene el ojo moviéndose por toda la imagen. Es un gran patrón compositivo. El siguiente, el Pegasus envuelve a la chica dando vueltas a nuestra atención hacia ella. Este es casi un diseño tipo espiral o Q al patrón donde el Pegaso está tendido en el suelo, envolviendo la cabeza alrededor de la niña. La niña vuelve a estar centrada, convirtiéndola en el punto focal. Esta mezcla de patrones que tú o yo acabamos en ese personaje. Todo el diseño de éste es una escena dentro una silueta Pegasus que se acerca a la imagen de una manera gráfica que puede ser muy dramática. Entonces todo esto aquí fuera, este espacio negativo sería escena completamente diferente o diferente color. Bueno, todo lo existente dentro de esto sería una escena selvática donde uno de los Pegasus ha sido herido. Esto no es realmente algo que este proyecto en particular pidió y obtener una especie de enfoque gráfico al respecto. Pero es un diseño que muchos de los libros del género usaban. Entonces por eso quería ponerlo aquí y darles la opción. Pero al siguiente vemos que esta curva de fin de semana desde el Pegaso hasta el pozo la mantiene fluyendo por toda la imagen. Y el segundo Pegasus mira en una contracorriente que dirige nuestra atención hacia la niña. Y fuera de la esquina. Nuevamente, personaje centrado porque la queremos como el personaje principal. Y el último concepto vemos que el personaje sigue siendo una banda horizontal, dejando espacio para texto y dejar personajes sugeridos. Y el ángulo del pozo se contrarresta por el ángulo de los neuropéptidos. Y así el más cercano Pegasus se pone en ángulo, ¿por qué? Es más interesante, es más dinámico que hacerlos cruzar directamente. Entonces queremos hacer eso. Tampoco lo queremos entonces poner el pozo yendo en el mismo ángulo. Nosotros queremos contrarrestar eso. Entonces esto lo hace realmente buena dinámica. Ahora esto se ambicionó en una banda porque en muchas imágenes en portadas de libros querían sugiere el tema o el necesariamente lo dicen. O quieren que el título y el nombre del autor básicamente vendan el libro, no tanto la imagen, de nuevo, mostrando una variedad, solo queriendo ponérselo al cliente y ver qué tipo de retroalimentación es sobre lo que están buscando. 10. Elige un diseño de composición: Elegir un diseño, ok, entonces debes usar un patrón visual, pero ¿cómo decides cuál? Como punto de partida? Determiné las imágenes, el estado de ánimo o el tema. Entonces interpretamos ese estado de ánimo en términos de energía visual. Dado que de todas las diferentes métricas, composición, mayoría de los efectos, las escenas, la energía, todos los arreglos, patrones caen en algún lugar en la habilidad de baja energía, que es cosas muy estables, y de alta energía, que es muy usualmente cosas activas. Esto significa que queremos elegir un patrón que coincida con nuestros niveles de energía de escenas. Bueno, un pequeño desglose aquí. ánimo de alta energía son temas, a menudo se considerarían una aventura o acción dinámicas, épicas, alegres o mágicas escenas. Donde por otro lado, ánimo y temas de baja energía serían escenas pacíficas son ambientes sombríos. A lo mejor una escena, un misterio, o un sentimiento ominoso o ninguna guerra. Por supuesto, sí existen excepciones a este desglose. Pero estas son reglas generales. Hay excepciones para casi todo. Bajo consumo energético o estático. Las líneas planas son estáticas, ciruela y bajo nivel. No hay movimiento para ellos. Eran completamente, por otro lado, escenas de alta energía o activas probablemente deberían estar usando más líneas angulares las cuales tienen una sensación de ser más activas o emociones o tener mayor energía y escenas bajas y estáticas, poco a nada es película sería como un árbol o construir más personaje, sentado tranquilamente en algún lugar. Y estos pueden provocar emociones positivas o negativas. Se buscó utilizar una disposición simétrica centrada y o alineación de plomada al marco. Adicionalmente, colocar a un personaje en el centro de puede ayudar a transmitir constancia, control e importante. De igual forma, semillas de alta energía o activas. Los ángulos en diagonales tienen más energía que la ciruela, verticales y horizontales a medida que obtienen la sensación de desequilibrio o movimiento. Los diseños curvos también tienen sentido de vida y uso del movimiento. Estas fueron escenas con alta energía física o emocional. Ahora este tipo de patrones son los que quieres estar pensando en usar en tus miniaturas compositivas. Este sería un patrón objetivo, que es muy similar a la espiral, pero no del todo tan enérgico. Y todo sigue segmentado y no continuo. Ciruela, verticales y horizontales así como un triángulo estático. Y pensamos que eso es equilibrado, pero usa diagonales. En todo caso. Este tipo podría realmente sentarse en algún lugar aquí en el medio, es una combinación de la simetría equilibrada de la baja energía con diagonales de la energía superior. Una opción de go-to en escenas energéticas activas es irradiar líneas. Ahora eso puede irradiar muchas veces del tema. Puede ser la cabeza del sujeto o tal vez dónde están parados, ¿no? Y quieres que todo apunte hacia dónde está ese principal punto focal, ya sea para carácter de un elemento o una ubicación. Continuando, mirando los patrones y diseños y baja energía, inactiva en patrones estáticos, quizás no haya mejor todo alrededor del patrón compositivo para los ilustradores. Y luego el triángulo. Funciona para la mayoría de las imágenes verticales y horizontales. Y la mayoría de las veces puedes organizar un personaje para usar ese patrón o algunas imágenes clásicas que usan ese patrón triangular o piramidal fuerte. También personajes de autor. Y otras formas simples como números y letras pueden hacer grandes patrones compositivos también. Personajes que pueden funcionar bien con patrones o AC, GH, JL, OK. TV de Yahvé, XYZ 12, 69. Todos estos tienen un buen equilibrio y simetría o un ángulo hacia ellos. Pueden funcionar como un patrón compositivo. Ahora el poema verticales y horizontales de la tumba, combinado con el centro y posicionamiento da una impresión estable, tranquila. Nuevamente, todo es muy estático. No se mueve, no es diagonal. Y las escenas activas o de movimiento de alta energía buscan usar más diagonales, ángulos irradiantes y convergentes, espirales, y personajes posando fuera de equilibrio y o en un movimiento torcido. 11. Simplificar la composición: Si no usas un patrón prediseñado específico como unas líneas irradiantes o una espiral. ¿ De qué otra manera se puede acercar? De lo que no tienes que usar una guía prefabricada. Pero sea cual sea el diseño que vayas con, asegúrate de que sea sencillo. Recuerda, en la composición no se puede indicar con tan solo un par de formas y líneas simples. Es probable que se complica y debería serlo. Lo mejor es averiguar cuáles son los patrones compositivos básicos en los primeros bocetos para salvar la molestia del mini, cambios después. Si ya has sido agresivamente imagen a donde estás poniendo detalles y tienes múltiples fuentes de luz y sombreados y expresiones de carácter y todo eso. El nuevo almacén hepta reelaborando la composición. Esa no es una situación ideal. Vas a perder un montón de horas trabaja esto fuera temprano para que no estés perdiendo el tiempo teniendo que volver atrás y editar cosas. Y estas dos ilustraciones que hice, no estaban usando un solo patrón compositivo básico que estaba prehecho como la letra G por ejemplo. Entonces fui con patrón básicamente irradiante, combinándolo con un óvalo. Y éste, son líneas curvas que suben al centro. Nuevamente, el punto focal es el rostro del personaje. Por lo que todo se curva para llevarte la atención a ese spot. Y lo mismo con su personaje hermano aquí, que las alas están diseñadas intencionalmente para seguir una forma ovalada con todos los elementos irradiando en un patrón predecible. Ahora probablemente no te das cuenta de esto cuando estás mirando la imagen misma. Pero fue diseñado intencionalmente esa manera porque consigue algo que puede ser muy caótico. Con alas y brazos y piernas, en Espada y telas, en cosas técnicas y ondeando error que se vuelven todos locos. Pero los alinearé de tal manera que la mayoría de los mayores están siguiendo un ángulo predecible. No tenemos que usar solo un patrón compositivo están diseñados. De hecho, la combinación es una muy buena idea. estratificación y la combinación de patrones pueden aumentar el punzón visual, fortalecer la composición y ayudar a dirigir el ojo hacia el punto focal. Entonces cuando esta ilustración aquí vemos múltiples patrones compositivos que se utilizan. En primer lugar, vemos el patrón de las líneas radiantes todas saliendo de la cabeza y ella era la diosa del amanecer. Lo que tiene sentido que hubiera unos rayos de luz saliendo de su alrededor. También tenemos el fondo y los demás elementos alineando dos anillos concéntricos y un patrón objetivo. Ambos juntos llaman mucha atención, refuerzan sus destinos. Ahora volvamos nuestra atención a estas otras dos imágenes. Ahora no tienen ninguna línea puesta sobre ellos para indicar la composición. Entonces vamos a hacer eso. vamos a examinar y ver qué está pasando en la composición que los hace funcionar. En primer lugar está esta ilustración de j's que he hecho. Y notamos que está centrado. Esto inmediatamente lo convierte en el punto focal de la pieza y lo hace sentir más confiable y estable. Esto está situado por el hecho de que su parte inferior del cuerpo crea un patrón triangular muy fuerte que nuevamente lo hace llenar. Estable. Se plantan pies amplios y ese ángulo apunta a su cara. Algo más pasando con su cara es que todos estos pequeños modos azules de magia están rodeando su cabeza. Esto está utilizando ese mismo tipo de patrón de esta otra imagen, que son los REMS concéntricos, que llaman nuestra atención visual. Entonces eso está pasando ahí. El fondo tiene un par de cosas pasando con él también. Y utiliza una especie de forma de ventilador o podría considerar líneas irradiantes. Básicamente todo deriva de un punto justo aquí, donde tenemos este ángulo y este lado que se equilibra con el mismo ángulo del otro lado. Ahora bien, no quieres mantener las cosas absolutamente perfectas. Por ejemplo, no quiero una línea recta ahí, pero tú quieres arreglar las cosas para que básicamente siguieran ese patrón. Y luego a medida que continuamos hacia arriba, estas líneas continúan desde el árbol siguiendo el ángulo del tipo de patrón de ventilador irradiante de estar en casa justo en el medio trae más atención. Ese personaje. Se trata un patrón compositivo sutil pero fuerte que se está utilizando en la escena. Ahora con todas estas líneas corriendo hacia los bordes, no queremos correr el i fuera de la imagen. Entonces ponemos algo ahí con el fin de bloquear escena. Aquí tenemos agua bajando de este lado, lo que crea una especie de barrera visual que te patea de nuevo a la escena. Y de la misma manera que venimos y golpeamos a toda esta colgantes flores y poca vegetación corriendo hacia la siguiente cascada, y te trae de vuelta al asiento. Si estás teniendo muchas cosas señalando fuera de la escena, busca organizar algo ahí en la esquina que tipo de bloquee el ojo o curva el ojo hacia atrás. Ahora en esta otra escena, tenemos un trío de personajes y una muy fantasías. Alguna imagen divertida aquí. Realmente disfruté haciendo éste. Y este utiliza también algunos patrones compositivos muy simples. Nuevamente, se centró. Queremos que esto sea un equilibrio. Ves, esto es muy especie de marco centrado clásico. Y por supuesto la luna. El luna es una herramienta composicional visual muy fuerte que nos mantiene justo en el centro de atención. Valor sabio, esto también es fantástico porque nos da un fondo brillante, todos los elementos más oscuros y los personajes contra los que presentarse. Y el brillante Keller ayuda a añadir un buen pop a la escena. Pero, ¿qué más está pasando? ¿ Otra vez? Triángulo difícilmente puede ir mal con el triángulo. Y si lo miras, probablemente lo puedas ver también. Todos estos tipos están dispuestos para encajar en un triángulo. Missouri pasó casualidad de que estén arreglados así? No en absoluto. Estaban intencionalmente dispuestos de esa manera porque sabía que eso iba a funcionar mejor. Y por eso también no hay otra roca aleatoria aquí mismo que no quepa nada que no tenga sentido. Entonces no hay uno ahí. También es por qué el otro personaje no se escucha por oído en lugar con su arco fuera de esta manera, eso no tendría sentido. No seguiría el patrón. Por lo que todo está alineado de una manera que tiene sentido y devuelve la intención. la misma manera tuvimos este tipo de polvo irradiante y de los árboles de fondo, también lo tenemos de las nubes en esta donde guardamos todas estas curvas en esta escena para volver a llamar nuestra atención a los personajes. Esto es en lo que hay que estar pensando en esta etapa. Y quieres estar dibujándolos de manera muy floja, pero muy intencionada para averiguar cuáles son tus patrones. 12. Consejos de composición adicional: Bueno, echemos un vistazo a algunos consejos compositivos adicionales para que recuerdes mientras haces bocetos. En primer lugar, una línea de visión, la colocación de elementos en la escena puede dibujar al espectador o bloquearlos. A menos que tengas una razón específica para evitar colocar a todos tus sujetos en un gol de extremo plano al plano de observación parece de aventura y la epiglotis necesita que el mundo se sienta expansivo y un Vitis en la aventura. Y lo hacemos permitiendo una línea de visión a través a la distancia. Empecemos con este tema echando un vistazo a estos dos ejemplos. Este, quiero que la escena cubra gastos. Yo quiero que sientas la sorta emoción que tiene al mirar hacia fuera esta vista en la primera imagen. Es por eso que se trata menos del personaje específico y más de la relación de este personaje con el trasfondo. Por eso es que es empujado hacia un lado y no completamente centrado. Yo quería moverlo un poco para que podamos ver lo que ve. A, esto es una línea de visión a través. Es decir, nuestra visión está mirando hacia la distancia y no hay nada que nos rompa de ver esa distancia tan lejana. No había montaña justo aquí en medio para bloquear nuestra vista. Por lo que esto ayuda al mundo Fillmore expansivo y nos invita a entrar. No obstante, aquí abajo tenemos el mismo tipo de cosas, pero se usan de manera diferente. El mundo sí existe. Hacemos SeaWorld fuera en este personaje, en, en, hacia la distancia. Pero usamos ese patrón con el fin de llamar nuestra atención hacia el personaje. Todas estas líneas irradiantes desde la perspectiva, ponen nuestra atención aquí mismo. Pero esto está enfocado todo sobre el personaje. No se trata de los personajes y de la relación con el medio ambiente, y ciertamente no se trata del medio ambiente. Por lo que tan pronto como pones un personaje o cualquier otro objeto en medio de la línea de visión, hace que la división se detenga. De verdad tienes que tomarte tiempo y hacer esfuerzo para mirar al fondo y averiguar qué está pasando ahí atrás y qué es el resto del mundo. Porque esto te está bloqueando cuando estás armando tu escena. No se quiere poner todo en una línea. Entonces digamos que aquí tienes tu cámara y mirarás hacia fuera esta dirección que en tu escena. Diga que tiene su avión de observación aquí. Y en tu plano de observación, los personajes están de vuelta aquí. No quieres tener un personaje aquí y un personaje aquí, y un personaje aquí, y luego un árbol en este mismo plano exacto. Entonces quieres esta casa exactamente en el mismo avión. Porque por qué no hay profundidad. Entonces en cambio lo que quieres hacer es tener tu cámara con su ángulo de visión y su área de visión. Y entonces querrás tener como un personaje aquí y un personaje allá, y un personaje aquí. Y luego quieres que el árbol vuelva aquí. Y luego quieres la casa allá atrás. De esta manera. Tiene una profundidad a ella. Pero esto es sólo si quieres que ese personaje sea el personaje principal. De lo contrario, lo que quieres hacer es realmente mover el personaje de lado porque queremos tener una línea de paso al fondo, en cuyo caso quieres colocar a todos alrededor de eso. A través de la línea y no en el camino porque queremos dibujarte en la distancia. Siguiente paso vemos dividida. Evite dividir una imagen en el medio directo, ya sea horizontal o verticalmente. Ajustar la división incluso 10%, cualquiera de las direcciones puede marcar una gran diferencia. Entonces viendo que tenemos una escena que estamos mirando al costado de un edificio. Y tenemos el edificio aquí. Tendríamos el edificio así y luego tenemos las ventanas. Y es agradable porque sabes que las ventanas están en perspectiva y hace que se sienta como si fuera más real. Pero acabamos de poner el borde del edificio justo por la mitad del marco. Eso no es muy bueno porque queremos un desequilibrio aún poquito. Y en términos generales, el desequilibrado necesita tener el punto focal y la mitad grande. Entonces si lo ponemos así, y el edificio está aquí y tienes todas las ventanas a lo largo de este lado. Esto ahora se empuja un poco. Naturalmente esperaríamos si somos conscientes de ello o no, que el punto focal de la escena va a estar por aquí porque este lado es más grande que ese lado. Y así queremos solo estar al tanto de cuándo lo dividas, no lo dividas y luego pongas tu punto focal de este lado. A menos que estés arreglando las cosas de cierta manera. Está bien. Había momentos para hacer eso, pero eso es sólo una regla de oro. Lo mismo entre comillas va horizontalmente. Diga que estamos teniendo una escena de una playa y tú tienes la corteza de playa aquí. Y luego tienes el océano. El lugar que no quieres poner la línea del océano está ahí mismo en medio directo de la escena, ¿verdad? Queremos hacer que suba o abajo. Y escenas horizontales que están a la altura de los ojos, escenas verticales también. Pero si estás imitando Nivel II, generalmente quieres ponerlo a cerca de un tercio a la derecha por ahí. Esa es una especie del consenso de lo que se siente más correcto para igualar el nivel del ojo humano. Ahora orientación, emparejar la orientación de las químicas con la dirección del movimiento en la escena. ¿ Y qué aspecto de la imagen quieres situar? Entonces si tenemos un cohete despegando, ¿cuál es la dirección del movimiento? Ambos hacia arriba, tal cohete. Por lo que probablemente queremos tener un lienzo vertical. De acuerdo, queremos que el cohete suba por aquí. Ponga pequeños spoilers ahí. Entonces. Entonces ahora tenemos mejor sentido que otro cohete despegue y no se llenaría bien, para tener una escena horizontal con el cohete aquí. Podría esto, esto, todo esto termina siendo espacio muerto ahí fuera. Y no necesitamos eso. De igual manera, si es una escena de quizá un tren, lo que queremos que vaya de lado a lado, ¿verdad? El tren va a estar yendo en esta dirección. Por lo que queremos tener una escena que siga el movimiento del tren. Ah, sólo ten eso en mente si estás tratando de averiguarlo. Y esto también ayuda a hacer qué? Llenar el marco con el tema. Ese es el problema con éste. No está llenando el marco con el tema. Es usar la mayor parte del lienzo o algo que no es el tema. 13. Demostración de miniatura de la composición: Llegamos ahora a la demo de miniaturas. Ahora no vamos a estar haciendo el esquema de ilustración Pegasus. De nuevo, ya lo he hecho. Por lo que escribí aquí un nuevo esquema, un matón y sus dos jóvenes amigos arrastrantes van en una búsqueda para encontrar último sobre los dragones élderes que solos pueden ser capaces de detener a la Gorgon despierta. Como dije, acabo de hacer esto. Yo quería encontrar algo que fuera un libro similar cubre estilo historia contorno. Eso sería como la ilustración Pegasus, pero obviamente no lo mismo. Comenzando. Una de las primeras cosas que quiero hacer es considerar ¿cuáles son el tipo de ingredientes o unas piezas de rompecabezas con las que tengo que trabajar? Estos son los principales que tendrían que ser incluidos. El resto de éstos son una especie de tomarlo o dejarlo dependiendo de cuál sea la idea. Si sólo me sentara dibujo histórico, probablemente me tocaré con un poco de bloqueo mental. Entonces me voy a dar alguna pauta o criterios ordenados para tratar de cumplir con el fin de maximizar los bocetos que estoy a punto de hacer. Eso significa ir a mi sin fisuras, estoy quiero anotar solo un par de ideas que tienen una especie de escenas, diferentes tipos de maquetación con el fin de ayudarme a conseguir unas mejores imágenes yendo y potenciar mi creatividad. Ahora hago esto saliendo a Pinterest en armar a lo largo de un par de minutos, I Tablero de algunas ideas diferentes de ilustraciones y portadas de libros. Yo sólo estoy mirando esos. ¿ En cuanto a cómo arreglaron el asiento o está cerca? Fue de lejos fue gráfico era ilustrativo, ¿eran un simétrico era asimétrico, ese tipo de cosas. Entonces anoté algunas ideas aquí en un pedazo de papel a mi lado, y vamos a estar revisando estas y dibujando esas. Y el primero que voy a hacer es un niño que está centrado y los dragones o bien recortados a su alrededor. No me preocupa de verdad la exactitud de la anatomía ni de ninguna de esas cosas. Y luego quiero que los dragones den vueltas alrededor de él. Y su cuello es una especie de dando vueltas alrededor del dragón allá. El otro, creo que podría estar dando vueltas por aquí debajo de él. Y a lo mejor hasta tiene la boca abierta porque eso la convertiría en una bonita silueta. A lo mejor arreglar un ala o algo para estar de vuelta ahí solo para que en realidad no tengamos ningún espacio negativo. Y creo que esta podría ser una imagen bastante guay. En este caso, estamos buscando sumar la marea aquí abajo. Y estoy pensando en esto como una portada de libro, así que quería ponerlo de tal manera que tuviera espacio para un título. Podrías pasar por bastantes variaciones para averiguar cómo funcionaría eso. Pero en general, esta idea, creo que echa un vistazo y eso es un poco genial. Siguiente arriba silueta niño con un dragón dentro de la escena. De acuerdo, en este, definitivamente es más gráfico. Hacemos el título aquí abajo otra vez. Creo que tenemos la silueta del chico retomando la mayor parte de esto. Y entonces tendrías la escena de los dragones dentro de aquí. Y probablemente los querríamos en pose más interesante. Al igual que van a estar volando por ahí, no sólo parados ahí como está. Y no todos los proyectos realmente necesitan un enfoque gráfico como este, pero es divertido y probablemente vale la pena el tiempo solo para darle una oportunidad y ver cómo funciona. El siguiente concepto sería un niño caminando por encima con las sombras de dragón. Sí, esta es algo genial y trae una idea diferente que no siempre quieres mostrar e ilustrar directamente los temas. Es decir, no tengo que renderizar plenamente de manera realista en show todos estos, a pesar de que estos son los temas principales. Y este caso lo hicimos aquí con esta silueta que indicamos los chicos solo por la silueta de su forma sería la imagen dentro de esa forma. Pero directamente declaramos que el dragón es por ilustrarlos. De acuerdo, trabajaría en absoluto esa pose más tarde, pero eso sólo me da la idea, así que no lo olvido. Y entonces aquí quiero el título aquí abajo porque está caminando hacia abajo. Y eso significa que R i va a estar dirigiendo esa dirección que va. Por lo que queremos ahí abajo el título. Y aquí es donde tenemos las sombras de los dragones. Y así aquí vemos una silueta muy clara del dragón en esta ala estaría tal vez cayendo incluso a través de parte de él allá. Esto está indicando un rumbo, los tres sujetos sin necesariamente mostrar los dos dragones. Si fuiste a declarar quién es este personaje del que hemos hablado, ¿ estás sugiriendo el personaje al espectador o te quedaste en el Caribe? Esto sería afirmar el personaje porque es totalmente visible para nosotros y caminando hacia nosotros. No obstante, lo contrario también podría ser cierto donde estamos mirando la parte posterior de la cabeza del personaje y él se está alejando. Y luego tenemos las sombras yendo por ahí. Y luego ponemos el título aquí arriba. Y este caso indicamos a los tres personajes principales sin mostrar realmente ninguno de ellos. Y al cliente puede gustarle eso, conocer un montón de portadas de libros. A ellos sí les gusta simplemente sugerir cosas. De acuerdo, y ciertamente chico en el error, esencialmente está parado aquí en una especie de repisa, pedestal, rama de árbol viejo. Es decir, realmente no importa. Y luego lo tenemos siendo encerrado en el error por su amigo dragón. Busco este tipo de patrón. Podría estar haciendo banca y su alado podría estar ahí. Y busco usar la superposición para ayudar a construir un sentido de profundidad. Entonces está superponiendo esto, y está superponiendo a ese tipo. Si vas a haber visto lo que un personaje estático, entonces puedes poner mucho movimiento a su alrededor eran los otros personajes. Y a pesar de que estos son los chicos en movimiento, porque está centrado, va a sentir más como el tema principal. Y el siguiente es similar, pero un poco diferente y da un estado de ánimo diferente. Y eso sería lo que el niño emisor también. Pero se está cayendo. Definitivamente iría ir a revisar algunas referencias o personas cayendo. Y entonces estoy pensando en los dragones o especie de bucear a su alrededor. Y queremos conseguir este sentido de caída libre, pero también de mucho sentido de profundidad en esta escena. Estamos buscando lugares para solapar. Usan solapamiento ese Dragón o que este dragón va a venir por aquí y se superponen con él. Pero esa sería la idea básica y nada que pueda ser bastante guay. Pero queremos descansarlo. Por lo que probablemente todo el asunto necesitaría ser movido hacia abajo y agregar el título ahí arriba arriba. E incluso podrías mirar algunos elementos, particularmente de algún tipo en el error. Entonces si esto era más de un crepúsculo como se ve en el cielo aquí atrás, se conoció más oscuro de lo que podríamos tener como empleadores en el error de un incendio. A continuación tenemos el estilo de póster de película. Ahora bien, esta es una gran opción si el cliente está pidiendo tipo de todo en el fregadero de la cocina. Entonces si quieren ver a los chicos y dos dragones, y al dragón mayor y a los monstruos Gorgon y algunas de las localizaciones principales. Y te vas de nuevo, ¿cómo arreglo una escena que literalmente tiene todo en ella? Bueno, una de las mejores formas de hacer eso es lo que hacen con carteles de películas, que es acercarle al estilo collage. Y es que no estás teniendo una escena literal. Estás teniendo un puré de tamaños en cultivos. Había muchas maneras de hacer esto. Un clásico formas de tener una cara grande en el fondo. Entonces tal vez estás mirando la cara del chico para que tengamos esa conexión humana con la ebullición aquí arriba. Tenemos quizá al dragón mayor, ¿de acuerdo? A los dos dragones principales, los queremos en pose entrelazada de algún tipo o patrón X. Entonces aquí es donde atrás aquí entre esos dos planos podemos tener como siluetas de algunos de los villanos u otros personajes secundarios. Y podríamos tener tal vez de vuelta aquí como la montaña o castillo del que vienen. Por lo que este tipo de enfoque puede llevar mucho tiempo. Necesitas pasar por montones y montones de variaciones para averiguar de quién la cabeza usas? Lo usas en el lado izquierdo o el lado derecho están centrados y todo este tipo de cosas. Y sugiero ir a mirar una colección de carteles de películas y ver cómo se presentan. Bordes, gran silueta de otro arrastre. Este es genial si puedes hacerlo, ¿verdad? Y es que estás usando la forma de una cosa, la forma positiva de una cosa para crear la forma negativa de otra cosa. Silueta del dragón mayor. ¿ Puedo usar algún tipo de elemento positivo como el niño o los otros dragones para llenar toda esta zona y dejar este espacio. Para que esto parezca la silueta de otra cosa. Como si tuvieras el niño año, al igual que el costado de su cara y luego su manto se volcó. Podrías construirlos, sido como el fuelle de la tela para hacer la forma debajo de que los dragones mandíbula y a lo largo de su cuello. Entonces tal vez tengas otra de la línea Dragones, la parte inferior de la otra vida Dragón forma esa forma. Estos son una especie de complicado de hacer, pero pueden ser realmente geniales si él los puede sacar. Bueno, esas son todas las ideas que había visto. ¿ Por qué bosquejado para probar alguno de estos creo que tiene mérito suficiente para intentarlo personalmente, si yo sólo fuera para seguir adelante con éste, cuál creo que sería el más divertido? ¿ Cuál creo que podría funcionar mejor? A mí me gusta que te den una cosecha muy cercana de todo esto. No soy un gran fan de la silueta con la escena dentro. Lo haría absolutamente si el cliente lo estuviera pidiendo, pero ese no sería mi primer pensamiento. Esperemos que te resulte útil esta demo y tal vez te des algunas ideas sobre cómo abordar el proceso tú mismo. Pero tenemos que envolverlo ahí arriba y pasar a refinar los bocetos. 14. Perfeccionar el boceto: Con un bocetos en bruto dibujados se selecciona, y es hora de refinar esos bocetos en dibujos claros. Eso significa dado sombreado simple luego presentado al cliente. Ahora la claridad es clave en este punto. Si el cliente no entiende lo que está viendo, no es bueno. Eso no significa que tenga que ser detallado y significa que no haya borrosas, efectos de filtro o formas ambiguas. El objetivo de esta etapa es convertir nuestros conceptos brutos en direcciones de imagen razonablemente precisas. Y queremos manejar bien nuestro tiempo en esta etapa, aflojarnos. Este es un lugar donde mucha gente pierde mucho tiempo. Es fácil perder horas persiguiendo lo perfecto nuestra referencia y meticulosamente renderizar detalles extraños fue simplemente sobre renderizar para esta etapa en particular se verá algunos errores comunes en un momento. Por ahora, solo veamos un ejemplo de cómo aplicé esto y trabajé a través de este proceso con el concepto uno. A mí me gustó esto fuera que había un mérito a esta composición. Por lo que necesitaba convertir esto en algo que fuera más preciso, más realista, pero también hacerlo lo más efectivo posible. Número uno, el boceto ahora sirve como dirección, una aproximación de la colocación y poses. Empiezo haciendo una lista de las referencias que necesito. Y R2, encuentro referencias de marcador de posición que son rápidas de localizar y lo suficientemente buenas o una precisión razonable. Ahora las imágenes están borrosas debido a los derechos de autor. Pero estas son imágenes que acabo de sacar de una búsqueda de imágenes en línea. Y yo buscaba algo que fueran mantos que me dieran suficiente información que pudiera usar eso en combinación con mi comprensión de los temas y poder conseguir algo que coincidiera con mi boceto rudo. Ahora bien, no quería pasar tanto tiempo en la referencia del Wi estatal porque no sé que se va a elegir esto y no quiero desperdiciar esas horas. Número tres, combino la información relevante de las fotos. Es decir, no les copié una palabra literal. Utilicé lo que era relevante para mi boceto que se ajustaba a la dirección de la imagen y refinaba el dibujo. El sombreado será posteriormente un número para las líneas refinadas o el concepto, o ahora terminado. Puedo resolver el boceto inicial para asegurarme de que la dirección de la imagen no se haya desviado durante el renderizado. Hacia este fin, no es perfecto. Ni siquiera es muy detallado. No he trabajado todos los árboles. No he averiguado dónde están todas las plumas y, ya sabes, toda la tela y esas cosas están. Está bien. No es perfecto hasta reelaborarlo público. Pero eso está bien. Está bastante claro que el cliente entendería todo lo que están mirando. Especialmente una vez que conseguimos un poco de sombreado ahí. Y simplemente pasaremos por estos otros dos a través de cuatro conceptos. Y sepan que hay muchas maneras de ir a destruir etapa, como dije antes. Por lo que algunos artistas apenas comenzarán a pintar con todo color y refinados a medida que van. Pero no estamos haciendo eso. Estamos pasando por vía viable para no prosa, lo que significa separar el dibujo y el sombreado y los escalones de color uno del otro. Malabares y recuerden, ten en cuenta que no todos los proyectos necesitan múltiples imágenes enviadas por las que estoy sometiendo, para este. Ese no siempre es el caso. A menudo sólo se requiere un concepto. Por lo que aclaró esa expectativa con un cliente antes de comenzar a refinar sus conceptos. Y este caso, habíamos acordado les enviaría un conjunto de conceptos que serían claramente diferentes entre sí. Entonces con concepto a, estaba usando la silueta de la imagen en un enfoque de imagen, pero esto simplemente no era una silueta muy buena. Y así terminó cambiando eso al usar una mejor vista lateral de la Pegasus y poner la imagen en eso en su lugar. Concepto tres, de nuevo, cámara web foto de mí mismo como ella. Sí, la anatomía no es perfecta. La ropa no es perfecta, pero me basta ponerla muy rápidamente en esta etapa. Y el último, el mismo tipo de cosas, simplemente machacando un poco rápido para encontrar fotos y conseguir esa información ahí dentro. 15. Errores comunes parte 1 1 1: ¿ De qué se suele bajar la gente en esta fase conceptual cuando están dibujando esto y refinándolo, solo voy a echar un vistazo. El número uno hace referencia a los novicios. Oye, he visto un video sobre anatomía. Soy bueno sin referencia ese proceso. Enseñé un video sobre anatomía y aún refería a la burocracia. Una de las diferencias definitorias y el proceso de pintura entre novatos y profesionales es el uso de referencias. Si no conoces el tema y si no eres literalmente un experto en el tema, entonces encuentra una referencia. Detener. Adivina. Visto. Es probable que la implementación del uso de referencia sea la forma más sencilla y efectiva de mejorar un arte no bros. Cuando empiezo a hacer que mis estudiantes de arte tengan que tomar referencia. Tienen que tener referencia opuesta, una referencia de fase, una referencia de iluminación. ¿ Adivina qué? Mejora su trabajo. ¿ Por qué? Porque no saben lo suficiente en este punto para tratar de ir sin ella. Y un profesional incluso se da cuenta muchas veces que ni siquiera vale la pena intentar cortar ese rincón. Y lo mejor es solo tener algo que ver. No tiene por qué ser perfecto. Al igual que echamos un vistazo a esto aquí abajo. Esa fue una foto mía que tenía una ingesta de amigos en ángulo recto y no, no estoy usando un atuendo de j's y no es perfecto. Y no me parezco exactamente a Jake. Pero hay suficiente buena información en que me puede hacer empezar en el proceso. Lo mismo con como el hombrecito y arma aquí abajo. Entonces el mundo visual es algo complejo y nadie podía recordar cómo se ve todo. Entonces haz lo que los demás no lo hagan. Referencia. Texto y gráficos. ¿ Necesitas dejar espacio para texto y otros gráficos? La mayoría de las ilustraciones utilizadas para la comercialización como portadas de libros, carteles , empaques, arte, todas tendrán áreas de textos que necesitarás contabilizar. Esas áreas aún tendrán que ser pintadas. Pero no se puede poner nada crítico en ella ya que probablemente estará cubierto. Por lo tanto, mantén pautas de sobredibujo que marca estas áreas seguras y preocúpate por conseguir toda esta información central ahí dentro. No te he mostrado esto hasta ahora, pero sí, sí tenía lineamientos y cajas configuradas para que recordara dónde se encuentra el texto y no poner, por ejemplo, ninguno de sus rostros en ninguno de estos bloques. Una tarjeta MTG como esta con J's solo las áreas dentro de la ventana o totalmente visible en la tarjeta Walker de llanuras. Es necesario que la composición funcione en cuadro y escena completa. Entonces llegamos a ver todo lo que necesitamos de J's para entender quién es, tipo de lo que está pasando con él y la ubicación en la que está solo con este marco. Pero si ves la obra sin el marco, también necesita trabajar en plena figura. 16. Errores comunes parte 2 2 2: A continuación, enmarcar errores comunes con encuadre, es importante llevar a sus sujetos para que coincidan con las necesidades de tu imagen. Porque cada tipo de disparo como cuerdas y debilidades. Por ejemplo, el personaje debe ocupar la mayor parte de los bienes inmuebles visuales en la ilustración del personaje. Si hay pequeño, cambia el contexto. Algunos ejemplos anteriores, a menos que tengas una buena razón, lo contrario, vivirán fotograma con el sujeto. Y esto también facilita la lectura de la imagen en un formato más pequeño. Entonces cuando arriba vemos un rango de encuadre sobre lo cerca que se recorta la cámara en el sujeto. Y usando un poco de carácter aquí como nuestro sujeto. Un primer plano extremo se trata de los personajes. Emoción. No tiene en cuenta el fondo es básicamente sólo recortado a los ojos. Y al acercamiento se trata de la emoción o de un pensamiento del personaje. Poco fondo tiene visible, generalmente recortado a la cara. El medio empieza a cambiar que ahora mismo estamos consiguiendo mucho más fondo. Todavía se trata de la expresión, pero hay un elemento menor del fondo. Estamos muy conscientes de dónde están. Presionar a la cabeza y los hombros. Y el tiro medio, se trata de las acciones del personaje. ¿ Qué están haciendo? Y no es su emoción, y no son sus pensamientos. Es lo que es su acción física. ¿ Están recogiendo un libro o la puesta abajo de ese tipo de cosas? El fondo tiene mucho más predominante y ahora tiene que esta persona esté en este lugar. Prop desde la cintura hacia arriba. Y el tiro ancho está en un tiro estableciendo, usualmente usado para establecer la ubicación de donde está este personaje, luego te mudarías a un tiro medio o a un tiro más apretado. Si esto fuera en el cine, esto se divide entre el personaje y el fondo. Nuevamente, está estableciendo a la OMS en el donde, no estar sobre los antecedentes y no estar sobre el carácter de ser sobre la relación de los dos de ellos, que generalmente es cultivo al cuerpo completo. Son tiro muy amplio está centrado en el medio ambiente. Nos hemos alejado de que el personaje sea el sujeto. Ahora el personaje es el tema principal aquí. Y dividirse básicamente entre el personaje en el entorno al que se llega al tiro ancho. Pero una vez que se llega al tiro muy amplio, se trata más sobre el medio ambiente es el personaje. Y luego un tiro ancho extremo, el ambiente sigue siendo un sujeto y el personaje ha sido degradado a ser básicamente un pero menor. Queremos usar el encuadre y el recorte. Eso es correcto. Escena de desorden Bo que estás creando. ¿ Se trata del personaje? De acuerdo, que no queremos usar un tiro realmente amplio. Es por el medio ambiente a no queremos usar un tiro medio de primer plano. Entonces sea cual sea la escena, construye un marco con ese tema. Primero, tercera persona. Otro fotograma que trampas es colocar la cámara fuera de la acción en la escena. Por lo general lo mejor es estar en la acción. El padre de la cámara es de los hechos. Cuanto más abstractos se vuelven. Digamos, una visión más amplia da un contexto mayor para lo que está pasando en la escena. Pero a costa de quitar la conexión personal y el dinamismo, al colocar la cámara al nivel de los personajes, nos convertimos en un participante invisible. Ten esto en cuenta para escenas de batalla donde vista en tercera persona dará una vista de advenimiento, pero una primera persona lo harás más visible. Entonces tenemos esta conversación quizá acalorada entre estos dos personajes. Pero en tercera persona viendo estamos arriba los personajes se vieron mucho del ambiente. realidad no estamos invertidos en lo que está pasando es más sólo sobre tipo de dónde están y lo que está pasando de manera general. Pero aquí abajo en la vista en primera persona es más sobre el intercambio emocional y la dinámica de lo que está pasando entre estos dos personajes. A menudo quieres esto, si quieres más energía en tu escena. En ocasiones quieres esto si solo estás exhibiendo una ubicación. Pero si se trata de los personajes, baja la cámara con los personajes al nivel del ojo de los personajes bajo o en algún lugar cercano a eso. 17. Errores comunes parte 3 3 3: Pose ortogonal, medios ortogonales de o que involucran ángulos rectos. Cuando los personajes han posado ortogonal al ángulo de visión y hacen algunos Phil planos o poemas. Ya ves que cuando oponerse es completamente plano para ti, el brazo está completamente recto en la cara es completamente recto a ti. Mirado un poco de inclinación y gire hacia el cuerpo y las extremidades para agregar una mayor sensación de profundidad y hacer que la pose se llene más natural. Y el ejemplo aquí tenemos una pose ortogonal se puede multar por diseño de personajes porque simplifica la tarea. No obstante, incluso en la pose final es estar recto en un poco de inclinación y girar hacia el cuerpo. Película fotográfica más 3D. Entonces simplemente torciendo esa parte superior del cuerpo de esa manera un poco. Al inclinar un poco la cabeza hacia abajo. Hace que el cuerpo lleno sea más natural y tiene un poco mejor sentido del volumen. Ahora, probablemente incluso quiera ir más allá que eso. Pero incluso eso es una gran mejora. Así que estar atentos para evitar chasquear la pose a ser completamente cara en o vista lateral. Nuestros cerebros naturalmente quieren chasquear cualquier extremidad que sea casi ortogonal a ortogonal. Esto es a menudo el caso y poner piernas por cualquier razón, las piernas son particularmente susceptibles a ser posadas perfectamente de lado cuando una pose de tres cuartos de lo contrario. Ahora el punto de vista ortogonal también es un tema. Ahí es donde estás arreglando las cosas y ortogonal y plano de 90 grados a la cámara. Recuerda que la escena es el escenario, y tú eres el director. Puedes mover esa cámara donde quieras que esté. Depende de ti determinar dónde deben estar las cámaras. Para ser más efectivo. nivel del ojo recto y las vistas laterales planas pueden ser la mejor opción cuando la legibilidad de la escena es primordial. Ahora esto puede incluir escenas que son realmente complejas y mucho tema ocupado. Muchas cosas en movimiento o acción o las imágenes se van a ver en un tamaño muy pequeño. Pero si uno de esos puntos no aplica, entonces busca usar un ángulo de cámara más dinámico. Ahora prueba la cámara en diferentes posiciones en tus bocetos o en la escena. Se puede drogar. Ponlo bajo hasta que la cámara un poco más cerca del sujeto, bala hacia atrás más lejos del sujeto. Es necesario pensar en esto, porque esto es algo que rara vez es considerado por el novato. Y el novato solo escoge la colocación de primer pensamiento más directa para la cámara, y luego nunca lo vuelven a considerar. Y quieres considerarlo porque simplemente mover la cámara puede marcar una gran diferencia en la escena. A menudo, no es el diseño del personaje lo que necesita cambiar. Ni siquiera los colores son los valores. La cámara no estaba en la posición óptima EN tu pequeño escenario. Ahora es así como a menudo pienso realmente en ello. Pienso en esta escena que estoy ilustrando como un diorama poco o como si solo fuera una obra de teatro que se desarrolla en un escenario. Y que reconocí que todo lo que está ahí fuera, es sólo un poco de utilería. Y yo solo pienso, vale, bueno, yo soy el director. Puedo mover mi cámara donde quiera. A lo mejor debería estar aquí abajo buscando a ese personaje. O tal vez debería estar aquí mirándolo desde el costado. Entonces hago algunos bocetos para averiguar dónde debería estar presumiendo esa cámara de un tren. Entonces nosotros buena idea. Claro, tenemos que entrenar y comprensible. Y si le pides a alguien que dibuje tren, podrían acercarse de esa manera. Y la mayoría de la gente lo entendería. Pero ¿es realmente el lugar óptimo para poner la cámara para esa escena? O sea, ¿no podríamos hacerlo mejor? Entonces, ¿y si lo movemos? ¿ Y si en cambio tratamos de hacerlo un poco más interesante? Pequeña habitación ahí. ¿ Y si el nivel de los ojos se mantuvo aproximadamente igual? Pero en cambio, el tren dio vueltas hacia la cámara. Ahora eso parece más interesante, ¿verdad? O incluso podrías cambiarlo a ser vertical si ponemos el ángulo de la cámara más bajo. Tienes este tipo de peces creo que pasando con él. Ahora que esto también está más interesado, pero todo esto es más interesante que solo una vista lateral plana. Es decir, eso está bien. Si solo como que trabajas lo que tiene que estar en la escena, solo tienes una especie de averiguar esas cosas. Pero es realmente, realmente aburrido. Busca otras formas de colocar la cámara más cerca, sean más altas o más bajas para que toda la escena lea tenga un poco más interesante y atractivo. 18. Errores comunes parte 4 4 4: No posicione a sus sujetos. Por lo que el tiene un buffer visual entre ellos y aplana la imagen y hace que se llene antinatural en su lugar, usa la superposición para ayudar a agregar profundidad y hacer que los sujetos encajen en el entorno. Haré un boceto aquí, pero déjame leer el resto. Y la mayoría de los casos se quiere establecer un primer plano, medio suelo y fondo que se superponen elementos de cada plano con el plano detrás de él. Si apilar todos los sujetos en el mismo plano, la escena se llenará plana, similar a jugar viendo los sujetos ortogonales al ángulo de visión. Por lo que tomas o usa la superposición para crear una mejor sensación de profundidad y crear un primer plano, medio suelo y fondo. De acuerdo, digamos que sólo tenemos una pequeña escena. Aquí te dejamos un par de temas sencillos. Voltaje para tener una línea de horizonte ahí. Tenemos a nuestro personaje parado aquí en medio porque están en la sub principal o.Y luego tenemos un árbol. Y el árbol está por aquí. Y luego el árbol sube en sus ramas aquí, viene así y hay como follaje y cosas ahí arriba. Diré que hay una casa al fondo. Y las casas por aquí suben por ahí así. Después hay una silla sentada ahí junto a ellos y simplemente configuran que tiene todos los temas en ella. Pero de esto es de lo que estoy hablando, buffering. Ahí hay un área de amortiguación, ninguno de los cuales se superpone. ¿ Algo más? Cada cosa tiene espacio al lado, por lo que no hay solapamiento en esto, aplana esta escena. Aunque tengas esta escena completamente aburrida de un personaje en un árbol, en una silla y solo se solapa parte de ella. Sería un poco mejor. Y ahora se siente como si existieran en el mismo universo. Ahora aquí tenemos mucha superposición pasando. Donde tienes el elemento de primer plano, que es este edificio de botones. Y ella, el elemento medio suelo, que es básicamente esta serie de edificios y estos edificios. Y luego las torres de tierra lejana. Y se permite que cada uno de estos se superponga. El otro, Príncipe, no quiero sólo tener este edificio aquí mismo suban dos ahí y paran. No, yo quería seguir por detrás de ella. También usando cosas como nubes para ayudar a los actos en el centro de los sordos. Para mirar para hacer eso, intenta crear un primer plano, medio terreno y fondo. Ponga las cosas en un ligero ángulo. Estos edificios están intencionalmente angulados qué dibujarte en la escena. No se dibujan completamente planos al ángulo de la cámara. Y lo último que vamos a ver es sobre renderizado. Por lo tanto, evita poner demasiado detalle en el concepto pitch que no ha sido aprobado para su ultimación. No se elige la escena, perderás valiosas horas de tiempo de trabajo. Por lo que elementos como habilidades, eslabones de cadena, y tatuajes, son partes secundarias que pueden estar implícitas en un boceto con muy poco tiempo. Pero eso no significa necesariamente necesidad de ser descuidado. Entonces como puedes ver arriba, la imagen es clara, las proporciones son buenas y todos los elementos lo están contabilizados, simplemente no es realmente detallada. Todo está donde debe estar. Todo está siguiendo la perspectiva correcta. Todo es del tamaño correcto. Simplemente no corrí todas las líneas de perspectiva para todo. No puse todas las piezas de engranajes y los matices. Entonces le di esto al cliente y digo, oye, ¿ esto tenía el SIG correcto, es este sentimiento correcto para ti? Y dijeron, sí, eso nos gustaría, adelante y seguir con ello. Y es sólo después de que eso se aprobara que me pasé y pasé el tiempo para perfeccionarlo hasta el sorteo final. Entonces lo envolvemos allá arriba en los errores comunes y pasamos a estudios de valor. 19. Estudios de valores: Pasando a la siguiente etapa, vamos a poner algo de sombreado. Y recuerda que el dibujo establece el tema, la iluminación establece el estado de ánimo. Y queremos usar la iluminación se establece un cierto estado de ánimo, pero también sólo por el bien de la claridad. En este proyecto está sombreando pases necesarios aunados los conceptos se someten al director de arte. Lo que ven aquí son las finales que elijo pecar, pero lo que no ven son las variaciones de cada una con la que experimentaron antes de llegar a éstas. Desgraciadamente eliminé esas variaciones ya que no sabía que las iba a necesitar para este video, pero vamos a echar un vistazo a la demo del proceso un poco más tarde. El objetivo de esta etapa es establecer un esquema de iluminación que refleje el, el deseo y el estado de ánimo y mantenga comprensible la imagen. Si no tienes una buena comprensión de los valores. Echa un vistazo a mis fundamentos de arte, episodio de valores en youtube.com slash swatches. Ahora cliente puede querer ver más variaciones de constante elegida particular, pero por ahora, uno de cada uno es suficiente estudios de valor. El novato podría pensar, normalmente solo empiezo a sombrear y a ver cómo va. Soy un de moda, dice que hago estudios de valor para elaborar el esquema de valor. Entonces sé a dónde irá. Hacer lo que al menos tres estudios de valor de cada concepto. Cada estudio se debe utilizar un valor diferente y disposición de iluminación, no sólo pequeñas variaciones del mismo. Existen dos factores con los que experimentar. Buena variedad. A es la posición de la fuente de luz y ser el patrón claro y oscuro con una posición de luz. Intenta mover la fuente de luz en la escena. Delante, lado izquierdo, lado derecho, arriba abajo. Y combinado con ser alto o bajo. Ideas moviendo la cámara por toda la escena. Para conseguir una escena más dinámica, queremos considerar mover la fuente de luz alrededor para que tenga el estado de ánimo adecuado para la imagen y crear un patrón dinámico de luz y oscuridad. Para el patrón claro y oscuro, tu enfoque en Colocar cosas claras contra la oscuridad y viceversa. Creo que en cuanto a unidades grandes o áreas como un personaje entero o Obamacare. Y hacer que una unidad destaque porque es promedio más clara u oscura que el fondo. Paso a través de él. Comience haciendo mapas de las diferentes áreas principales de la imagen. Esto suele ser las llanuras, pero tal vez unidades grandes como personajes. Toma un momento en lugar de misa. Pero si estás haciendo múltiples variaciones de lo que es más rápido a largo plazo. Y este caso se divide en personajes de primer plano, medio suelo, y fondo. Para dependiendo de la escena, es posible que desee subdividir una de las áreas como la unidad de caracteres en mapas individuales. Eso es tan específico como quieres tomarlo en este punto. No subdividas en elementos de ropa y piel y las diferentes plantas de fondo. Tengo nota, los conceptos de esquema de valores son más sobre cambiar el patrón de luz y sombra en la escena que cambiar los valores de los objetos en esa escena. No estamos experimentando con hacer que la Pegasus tenga un abrigo de color más brillante u oscuro. Pero si estamos poniendo a la Pegasus en luz o en la sombra, esta es una diferencia importante y una que a menudo los novatos se equivocan. 20. Study de estudio de valores: Enfoques de sodio de valor. De acuerdo, entonces necesitas hacer algunos estudios de valor. Pero, ¿dónde lo guardas? ¿ Cómo siquiera acercarse a esto? ¿ Qué, cuál es la pauta aquí para hacer un estudio de valor decente? Porque de qué se trata esto, queremos crear esquemas de valor simples con valores limitados. Ahora dos enfoques para comenzar con nuestros tres planos de valor y gradientes inversos. Estos son solo los que me nombré para mí mismo que a veces uso que creo que tienen algún mérito en cuanto a ser muy fácil de recoger por otra persona. En el lado izquierdo, sólo tenemos un pequeño desglose aquí que hay muchas formas de utilizar tonos y gradientes de valor simples para crear esquemas de valor claros y atrayentes sin detalles. Todos estos tienen un esquema de iluminación diferente ahí en el desglose. Y cada uno aparece simplemente bien. Pero muestran por diferentes razones. ¿ Es claro contra medio, o es claro contra oscuro o medio contra más oscuro, oscuro contra medio? Una oscuridad contra la luz. ¿ Se mantiene el tono consistente? ¿ Va de oscuro a claro a medida que va de arriba a abajo o abajo a arriba o de lado a lado. Este tipo de variaciones son lo que buscamos en el estado. Ahora los tres planos de valor es una manera muy, muy sencilla de acercarse a los estudios de valor. Pero repasémoslo porque aquí tiene el concepto más básico. Asignar cada plano o suelo, medio suelo y fondo. Uno de los tres valores de luz, medio o no. Si no quieres empezar con esquemas de valor que te puedan mover. Algunos se verán bien de esos no lo harán. Y eso es bueno. Esto te ayuda a darte una dirección para moverte o dirección para no moverte. Ahora ejemple uno por aquí tiene mérito con un esquema de tonta a luz que retrocede. Esto es muy consistente y muy alcanzable como espectador. También mantiene a los personajes principales en el rango de valor medio, que es donde vas a tener más saturación de color. número tres es bueno con un haz de luz en el punto focal. Entonces es el más brillante aquí, ese fondo es oscuro. Este bonito contraste entre la luz y la oscuridad allí. número dos se puede descartar porque tener a los personajes y las sombras oscuras simplemente establece el tono equivocado y los hace casi como si fueran los villanos de la historia y eso no es lo que estamos buscando. número cuatro se ha alineado en la roca de primer plano, que apenas distrae y hace sentir que los personajes están acechando en las sombras. Por lo que también descartamos uno de tres sería lo mejor para probar zona de variación padre. Y como dije, iteraciones. Pero los gradientes inversos, estábamos usando la herramienta de gradiente para bloquear en los valores y el revestimiento. Y se llama gradientes inversos porque queremos posicionar la mitad ligera de un gradiente contra la mitad dork del siguiente. Esto asegura que todos los sujetos se destaquen entre sí y eviten los emparejamientos de oscuros, oscuros o claros, claros. Y eso es en lo que siempre estoy pensando cuando estoy colocando estos. Es el emparejamiento. Y sólo hay cuatro posibles emparejamientos. Si solo trabajaras con la idea de luz y sombra. Y eso es luz y luz. Claro sobre oscuro, oscuro sobre claro, o oscuro contra oscuro. Y si tienes tonos medios y entonces ya sabes, hay más juego ahí. Pero esta es la forma más sencilla de pensarlo. Entonces vamos a dar un paso a través de cómo se ven estos. No es necesario utilizar todo el rango de gradiente. Ejemplo número uno. Bueno, mirando esa pudrición en primer plano, porque ese era un elemento personajes o un fondo de elemento como elemento. Entonces esto no se pone realmente brillante aquí abajo. Solo hay usos el extremo oscuro del gradiente, pero no la luz adentro porque realmente no necesito luz en esa roca de ahí. Número dos, utilizar un gradiente recto o gradiente circular puede ser mejor. Alterna entre estos en función de su escena y sus necesidades. Y el gradiente de tensión sólo va a hacer las cosas más claras u oscuras en línea recta todo el camino a través del gradiente circular. Se puede ver por aquí un ejemplo de tres, que es la parte más ligera, está justo ahí en el medio, y se irradia en un patrón de círculo. Entonces, ¿cuál tiene razón? Probablemente use un círculo más de lo que hago la recta. Pero uno no necesariamente siempre es mejor que el otro. Experimenta con la luz que entra en diferentes direcciones. Como se muestra en la imagen, arriba abajo, arriba a la izquierda, diagonal, y centro. Entonces éste tiene la luz bajando de esta manera. Éste ha dejado, viniendo por ahí. Este se ha centrado en salir en todos los sentidos. Nuevamente, estamos viendo la variedad en esta etapa, que está tratando de cubrir un espectro de opciones para ver tipo de qué funciona y qué no. Y hay ejemplo de gradientes inversos. Y podemos ver que con la luz en del gradiente sobre los personajes se coloca en la parte superior izquierda. El oscuro en su lugar en la parte inferior derecha. Pero lo inverso se hace con el fondo. Entonces cuando el fondo, la luz está aquí abajo. Por lo que tenemos contraste de oscuridad contra una luz. Y luego en el otro extremo tenemos la oscuridad contra una luz aquí arriba. Esta es la potencia del enfoque de gradiente inverso. Ahora este es un ejemplo de uno hecho mal que utiliza un oscuro, oscuro y claro, padres de luz eran la luz en del gradiente se está utilizando en la parte superior de estos personajes con una media base y sombra. No hay nada de malo en eso. Exactamente el mismo tipo de cosas que tenemos aquí. No obstante, imitamos exactamente lo mismo en segundo plano. Con el fondo también es claro a oscuro con la misma dirección. Y eso significa que los personajes no sobresalen en absoluto. Y lo que en realidad más sobresale es esta roca que hay en primer plano. 21. Demostrador de degradado inverso: Tengo cada uno de estos planos en una capa diferente dentro de una máscara de recorte, como ya hemos visto desde el fondo. Voy a ir por aquí. Voy a tirar hacia arriba la herramienta de gradiente. Y luego voy a empezar con los antecedentes. Y creo que tal vez vamos a experimentar con algo un poco diferente. Suba la luz. De esta manera. Es algo interesante. Entonces en los personajes medianos del suelo, tal vez la luz está bajando en dirección opuesta. Puede estar bajando así. Pone más énfasis aquí en esta fuerza. Pero obtenemos excelentes bordes hasta aquí y obtenemos excelente silueta por ahí. Y ese caso, en realidad quiero asegurarme de que esta pata de caballo sea mejor. Probablemente queremos levantar eso para que pueda verse un poco mejor como silueta, ya que eso no va a tener suficiente luz en ella. Ahora en la roca y a ver ¿qué queremos hacer ahí? Queremos luz en eso o no, hay que cambiarla a un gradiente recto. Y podríamos hacerlo así, digamos, vale, bueno la parte superior de esa roca estar atrapando algunos. Pero realmente no necesito luz por aquí que tipo de nos saque. Y también lo estamos perdiendo ahí, que es una luz contra el mirón de la luz. Entonces tal vez podría estar todo oscuro o tal vez puede estar bajo iluminado, lo cual es algo interesante, pero no queremos que sea tan brillante como el resto. Entonces eso es algo genial. En general, me gusta la forma en que los valores son llanos unos contra otros ahí. Sería el trabajo del artista entonces vender esto. ¿ Por qué es así es hay algo brillante sustantivo aquí. ¿ Podría esto ser luz reflejándose fuera de una piscina? Podría tener una amplia gama de medias de efecto fundido sobre los personajes en este estado. Además, estamos perdiendo un poco ahí en esa pierna. Entonces este podría ser un caso en el que quisieras realmente crear una luz de borde secundaria solo para sacar algunas de esas, o podríamos jugar con ella. Juguemos por un momento con algunas otras opciones. ¿ Y si, por ejemplo, que los personajes estuvieran bajo encendido? No tenemos una variación de esa manera. Entonces si esto iba saliendo así, algo interesante, ahora todavía se levantan bastante bien desde el fondo, no mucha cambiabilidad necesaria. Cámbiala y ve qué obtenemos. De acuerdo, bueno, eso es un muy intenso, pero me gusta mucho cómo los pone en esa sombra son caras ahora sólo parecen excesivamente ominosas. Y eso es algo interesante. Algo así me gusta. Para que este tipo pudiera tener una luz brillante entrando solo golpeando sus bordes por ahí. Y básicamente va a estar en la sombra, pero estos tipos van a estar atrapando esto subyacente, podría incluso tirar de esto un poco más y se sale más sobre el vino. Y luego en esta roca sí necesitamos hacer un cambio, bajar algo de luz en la parte superior de este cultivo porque va a estar teniendo un emparejamiento oscuro y oscuro contra el fondo ahí. Entonces conseguiremos ese primer plano. Y lo que va a conseguir que este arroje un poco de luz sobre ella. No del todo tan brillante como el personaje, pero lo que sería como alguien que derrame luz también está recibiendo luz reflejada. Este es un enfoque que siempre uso. No siempre hago ningún enfoque en particular, pero es uno que definitivamente uso y es uno que sí recomiendo porque se puede conseguir mucha información en muy rápido. Y de inmediato construye un esquema de valores fuerte. Y si lo haces correctamente, tampoco subestimes al público. Muchos novatos hacen muchos tonos planos, que el personaje está uniformemente iluminado. Generalmente, los gradientes son más interesantes. Se mueven de la luz a la oscuridad. Hay una transición a través de los personajes y los sujetos. Y esa es una mejor opción. 22. 3 planes de valores: Los estudios son muy sencillos como sobre todo los tres planos de valor. Y es necesario que los embellecen un poco antes que estén listos para su envío a su cliente, usará la variación uno de los tres estudios de planicie de valor como nuestro ejemplo, aunque el proceso todavía se puede utilizar en los gradientes inversos también. En realidad creo que las versiones de gradiente inverso son más interesantes, pero no quería dar un ejemplo de cómo se puede aplicar incluso a la versión más simple. Entonces agarré éste. El objetivo aquí es establecer un patrón de luz y sombra en nuestros valores. Esto es importante sin comprometer el esquema de valores. Aquí es donde la gente comete el error. Crean un esquema de valor. Después empiezan a entrar y a añadir luz en sombra sobre todos los diferentes temas. Y desatienden totalmente el esquema de valores y lo socava. No queremos hacer eso. Eso significa que no podemos desviarnos demasiado de los valores base ya puestos. La capa de líneas está en la parte superior y está configurada para multiplicarse. Por lo que siempre estaremos más oscuros que las cosas debajo de ella. A tonos planos o debajo de las líneas entre ellos, se hace un nuevo error normal, y se establece alrededor del 33% de opacidad. Ese es un tercio que es importante. Esto es importante porque si permitimos que se mueva más de un tercio, entonces estamos permitiendo que la luz pase a transiciones a los médiums y los médiums a los oscuros. Y eso socavaría todo el esquema de valor. Podríamos ver la diferencia por aquí. Este es nuestro valor base, esta es nuestra luz, este es nuestro medio, y este es nuestro oscuro. Y dentro de eso queremos poder tener una luz, media y oscura de cada una de estas. Pero sabrás que a ninguno de estos se les permite tener el rango de valor completo. Esencialmente, lo oscuro de esto es sólo llegar a éste. Y lo oscuro de esto está llegando al final de éste. Nadie en esto puede llegar a esto, ¿verdad? Y esto mantiene las cosas más coherentes. Pero puedo pintar con blanco y negro. Simplemente puedo presionar la letra D en mi teclado por defecto, que es negro por delante, blanco y detrás, puedo presionar la tecla X para intercambiar esos. Siempre cambiarás primer plano y segundo plano. Si haces eso, sólo voy a agarrarme aquí un pincel cuadrado redondeado. Escalar eso un poco. Y puedo pagar en mis luces y sombras sin preocuparme si van a rebasar en el siguiente valor. Porque esta capa está puesta, como dije, treinta y tres por ciento. Voy a poner un poco de tono ahí en los árboles de fondo. Yo sólo quiero que algunos de esos sean siluetados. Si vas a mirar mucho trabajo profesional, verás que esta es una característica importante que utilizan en su trabajo, que es el valor límite en las cosas a un cierto rango de valores, especialmente para las cosas que retroceden a la distancia. Ahora, cuando estos chicos, digamos que la luz es una especie de entrar a ver desde una vista superior. Podemos conseguir un poco de sombra ahí porque está arriba por debajo y eso está realmente enfermo. Eso es básicamente un ORM ahí debajo. Y así dejaré que eso se oscurezca un poco. Y entonces eso va a salir bien porque por qué sigo pensando en patrones claros, oscuros, aunque no pueda ir el rango de valor completo, no quiere decir que no esté pensando en los patrones claros y oscuros. Entonces quiero que la luz la lleve ahí. La red lo pone contra la sombra del ala que se está echando aquí. Ahora voy a decir que esta otra Pegasus está quizá fuera de debajo de la sombra de ese ala. Y así voy a dejar que se ponga luz. Yo sí quiero indicar el formulario. Eso es algo que se quiere hacer en esta etapa es simplemente agregar un poco de luz para ayudar a sacar cuáles son las formas que se verán. Y ahí vamos, eso sería un valor rápido y paso de luz sobre esto. Sólo un poco de trabajo cuáles son las dinámicas. Y podrías apagar esto y podrías hacer otra variación donde pongas la luz entrando desde una dirección diferente. Si vengo aquí abajo y empujo esto hacia arriba, eso es total opacidad. Y el esquema de valor acaba de salir por la ventana. No cometas este tipo de errores. Se puso fuerte al tener un poco de control en realidad. Ahora si quieres buena esta escena general y dado un ajuste, absolutamente, puedes hacer eso y copiar y pegar eso. Y entonces sólo puedo hacer un valor. Diga: OK, voy a ajustar ahí los valores generales. Si sientes que tal vez se está poniendo demasiado claro o demasiado oscuro, puedes hacer ese cambio. 23. Dirección y discusión de colores: Después de tomarse tiempo para revisar los conceptos y el cliente se instala en concepto para se presentó. Ahora esto es bastante común que el cliente elija uno, pero también cuando algunos cambios al mismo tiempo. Y este caso, les gustó esta escena, pero quieren estar más cerca de los personajes con la cámara, con ellos llenando más del marco. Ahí le gustaría ver que los cerdos traseros se colocan a la izquierda y por debajo del frontal Pegasus para aprovechar mejor el espacio de la nueva composición. Ahora esta es una buena llamada si sí quieres estar más cerca del personaje, es esta colocación de la Pegasus sobre al otro lado sí hace un mejor uso de la habitación en general. Ahora algunas portadas de libros Quieres sugerir al personaje principal manteniéndolos más pequeños con su vuelta de espalda o manteniéndolos a la sombra. Y esto permite que la imaginación del lector y el personaje aún se desarrollen, nos hacen que no estén específicamente representados en el arte. Alternativamente, algunos Klein's fueron a representar claramente a los personajes estableciendo exactamente cómo se ven. Ahora los cambios que solicitaron trasladarán concepto para del enfoque sugerido al enfoque específico. Se trata de una petición sensata que se implementa de inmediato. Vamos a caer en los personajes, movió el Pegasus. Y si los cambios solicitados o o por cualquier motivo a tu director de arte o a tu cliente, entonces pide aclaración. No empieces bien, adivinando lo que quieren y haciendo todos los cambios para luego ver si eso es correcto. Ahora corríjalo con ellos primero. Después ve a implementar los cambios. Por lo que un rápido cultivo y reposicionamiento más adelante, se establece la nueva composición. Antes de continuar, esto se envía al cliente para la confirmación de que estos son los resultados que estaban deseando. Está bien. Por lo que hablar de color y el contorno proporcionado no establecían una hora específica del día o esquema de color. Por lo que ahora necesitamos hacer variaciones de color e iluminación. Y tal vez que el cliente y una vez un conjunto de opciones para elegir como fue en este caso. obstante, aunque no necesiten opciones, aún debes hacer un mínimo de tres variaciones solo para que te asegures de que estás cubriendo tus bases. Iteraciones, mejorar la imagen, y sí quieren ver algunas opciones. Yo les dije, escoge tu favorito del lote de cuatro. Ya he estado, voy a hacer algunas variaciones de color. Te lo enviaré yo. Hazme saber cuáles te gustan más. Y entonces en eso voy a estar trabajando a estas alturas. Ahora, bueno, se ha establecido la dirección del esquema de valor. Todavía había mucho margen de maniobra en cómo se pueden manejar la luz y los colores. Esencialmente, necesito retener estos factores de que los personajes siguen siendo más ligeros que el fondo. El fondo es principalmente oscuro y la luz directa está golpeando a los personajes. Dentro de eso, todavía hay mucho juego con qué dirección viene la luz y qué colores es todo, ya que devaluaría los estudios. No se trata de cambiar el tono de los elementos individuales en la escena, sino de cambiar el esquema de color y la paleta de colores entrarán en esto. Entonces entiendes eso en algún lugar diferente. Y antes de los estudios, hablemos de color. Un estado de ánimo degradante clave en la imagen es limitar la paleta de colores. Ahora el novato tiene tendencia a pensar que más colores mejor. Pero el pro reconoce que para crear un buen estado de ánimo, muchas veces es cierto lo contrario. Limitar la paleta de colores hace que las cosas sean más armoniosas, une las cosas y crea cierto estado de ánimo controlado. Aprende a reconocer esquemas de color exitosos y guárdalos para referencia más adelante. Ahora no te sientas culpable por usar un esquema que es similar a otras imágenes. Porque ya se han utilizado todos los esquemas. Toda combinación de color de claro y oscuro, todo tipo de paleta de colores ya ha sido utilizada por alguien en algún momento. Y eso está bien. Ahora, obviamente no queremos copiar las obras de arte de otra persona. Pero si tienes un tema completamente diferente en un género completamente diferente, incluso y quieres usar los mismos colores, entonces hazlo. Tampoco es que fueran la primera persona en usar ese esquema de color. Todos estamos trabajando desde la misma alberca de colores. Nadie tiene propiedad de ninguno de ellos. Y también, queremos aprender sobre lo que sí funciona. Nosotros queremos averiguarlo. Los colores mismos rara vez son tan importantes como la relación de los colores. Una vez que definas la relación de los colores a partir de tus referencias, se convierte en información utilizable. Se puede desplazar los colores que se utilizan, pero siempre y cuando se mantenga la misma distancia relacional y variaciones de la vibrancia, y luego se adapte esquema de color funcionará. Ahora esto tiene que ver con que los colores sean subjetivos. Y mientras mantengas la misma distancia entre tus calentamientos y enfrías, puedes desplazar un calienta y se enfría alrededor a través de la paleta y luego permanecer la misma distancia y ellos tienen la misma relación entre sí, mirarán más en eso. La diferencia entre un esquema de color y una paleta de colores es que un esquema se refiere a la disposición respecto a sí mismos en la rueda de color. Si bien la paleta de colores es un conjunto específico de colores en el testamento. Por ejemplo, un esquema de color análogo es cualquier conjunto de colores vecinos, digamos justo estos aquí mismo, que podría ser de cualquier lugar en el Will. tanto que un esquema de color cálido también es análogo, eso es familia similar, pero se encuentra específicamente en el lado cálido de la rueda de color. Por lo que el esquema de color tiene que ver con el grupo de colores en que puede sentarse desde cualquier lugar en la rueda de color. Análogo podría ser análogo en el tono verde o análogo en el tono rojo. Y paleta de colores siempre es un conjunto específico de colores y no puedes moverlos alrededor de eso, ese es tu paladar. Es como decir, he quemado umber y blanco y negro. Esa es una paleta específica. No es un esquema. 24. Esquemas de color: Ahora veamos algunos esquemas de color. Todos estos se basan en este mismo color. Tendremos aquí abajo monocromático, que es de un color y diversos grados de luz y oscuridad y diversos grados de saturación. Y puedes hacer una imagen completa con un tono como este. Esquemas de color análogos es cualquiera de los colores similares. Puede ocupar alrededor de un tercio de la rueda de color. Y te das cuenta de que eso no sería más o menos lo mismo que si llegas más allá de un tercio del color, vamos entonces realmente estás consiguiendo cosas que terminan siendo opuestos. Entonces si ampliamos esto hasta aquí, ahora realmente tienes colores de cortesía dentro de esa misma cosa. Y eso no va a funcionar. Ya no es vistas análogas tienes dos opuestos. Por lo que tienes que mantenerlo dentro del 30% del color lo hará. Esto tiene un tono afín o como de mente, y este es un esquema de color muy cohesivo y se puede utilizar para pareceres positivos, se puede utilizar para emociones negativas parece. Pero juega juntos muy bien. esquemas de color complementarios crean mucha tensión u oposición o hacen bien en ejemplificar aquellos porque se basa en tener colores opuestos. En el caso de esto aquí arriba es rojo y verde. A continuación tenemos estos acarreo complementario dividido. Este en realidad es uno de mis favoritos porque te da la tensión de tener tonos básicamente opuestos. Pero es un poco más de equilibrio. Entonces no solo estás usando opuestos completos. Te das cuenta aquí que en el cumplido split Mary, no estás usando lo contrario directo. Estás usando al vecino a cualquiera de los lados de ese directo opuesto. Este es en realidad el esquema de color utilizado aquí abajo en esta pequeña pieza de Yana, para que tengas el tono violeta. Pero entonces en lugar de tener el directo un amarillo como lo contrario, tenemos el verde amarillo y el amarillo naranja. Y esto funciona en conjunto bastante bien. No, lo que hicimos unas imágenes muy coloridas. Y el triádico es bastante complicado. Es muy colorido porque tienes un triángulo en todo el asunto. Ninguno de ellos está usando sus opuestos directos. Pero esencialmente usar todas las primarias son todos los colores secundarios. Y está bastante bien equilibrado. Pero realmente no creas mucho humor fuera de ella porque solo cubre todo el testamento. Y este también es uno que era mucho más popular en los cómics porque en los viejos tiempos sólo tenían un par de colores con los que trabajar. Y por eso tienes a los personajes principales en los cómics usando rojos brillantes, azules y amarillos ya que muchos de los colores principales eran los personajes de la vieja escuela. Pasando por encima. Tenemos la raíz cuadrada de este es muy colorido, pero es complicado de usar porque de nuevo, son dos conjuntos de opuestos. Se trata de dos esquemas de color complementarios que se utilizan al mismo tiempo. Y esto se trata más de sólo tener color. No vas a crear mucho humor con mucha facilidad. El esquema. Si quieres crear más estado de ánimo, quieres ir con uno de estos chicos de aquí abajo porque puedes controlar los colores un poco mejor. El rectángulo es muy similar, de nuevo, muy colorido. Se trata también de dos conjuntos de complementarios, y redondearlo es discordante, que es todo está básicamente dentro de la gama gris o de un Kaldor muy grande similar. Y tienes un color de acento como tenemos aquí arriba. Ahora el tono gris en realidad es ligeramente parduzco, pero entonces es esencialmente solo vat en rojo. Y esta puede ser una imagen muy cruda. Puede tener mucha importancia para ese tono de color en particular. ¿ Qué significa esto para ti? ¿ Qué significa esto para mí? Significa que necesito estar consciente de que cada una de estas es mejor en algunas cosas y luego otras son mejores en otras cosas. Y quiero elegir uno que siga el tipo de estado de ánimo y dirección que quiero para mi imagen. Entonces si quiero algo que sea realmente colorido, no voy a escoger análogo porque análogo no me va a dar suficiente rango de color. Probablemente quiero escoger uno de estos tres. ¿ Y si quiero algo que tenga un sentimiento muy pacífico, un sentimiento muy armonioso? No voy a intentarlo en triádico porque eso está por todo el lugar. Yo quiero probar con uno de estos tipos. Y si quiero algo que tenga una más dinámica a ella como un conflicto entre dos bandos opuestos diferentes. No quiero esto porque no hay suficiente contraste de matiz en los colores. En cambio, quiero algo que tenga contraste de colores de un lado contra el otro lado. Entonces obtenemos esa información del estado de ánimo en la imagen, y lo traducimos a través de la composición como lo hicimos antes. Y ahora traducimos eso a través de la paleta de colores también. 25. 3 paradigmas del color: Todos esos esquemas de color que acabamos de ver, apuntan a lograr uno de tres objetivos, ya sea armonía, contraste o plenitud de color. En la armonía. Incluye los esquemas cromáticos, monocromáticos, y análogos de color. Y tienen como objetivo lograr el poder visual a través de la similitud de color. Esto puede crear escenas armoniosamente pacíficas o armoniosamente aterradoras. Su poder proviene de que todos los colores son muy similares. Se junta las cosas y tiene una cosa en particular que dice, y lo dice muy claramente. Armonía de colores es lo que estaban usando muchas pinturas clásicas para crear un impacto visual. Por lo que una gran cantidad de sus imágenes clásicas y sus pinturas maestras, Sin embargo, esquemas de color de contraste utilizan dinámica completamente diferente. Ahora estos chicos incluirían cortesía, split, cortesía, rectángulo, y desechados. Y quieren crear impacto visual a través un choque de colores que reflejen el conflicto emocional, psicológico o físico que ocurre en la escena. Entonces si tienes una escena que se ocupa de uno de esos temas, y probablemente quieras usar uno de estos esquemas de color. Esto es principalmente lo que se ve en los anuncios. Cuando están tratando de vender algo, cuando están tratando de poner un póster y llamar tu atención, van a usar el contraste para hacer eso. Colores opuestos brillantes que sobresalen el uno del otro. Y el último es colorido, que incluye esquemas triádicos en color cuadrado, los cuales son más comunes en temas orientados hacia los niños. Los niños responden la mayoría de dos colores, en lugar de armonía de color o contrastes de fantasía de color. Simplemente responden a la vitalidad. Ten en cuenta que entre más colorido irás con tu imagen. Es decir, cuanto más amplia sea la gama de colores, más difícil puede ser. Gran emoción basada en colores ricos en la escena. A menudo cuando estoy haciendo dolores para los estudiantes, una de las primeras cosas que hago es limitar la gama de colores porque muchas veces van demasiado amplias con los colores. Tienen naranjas completas para amarillos, greens completos, blues bowl, y simplemente no tiene emoción cohesiva a ella, entonces eso realmente simplemente no puede funcionar porque no todos los colores existen bajo todas las luces. Por lo que al limitarlo, muchas veces se nos ocurre una imagen mejor, más profesional. Hablemos de la armonía de color. Aquí hay un par de opciones. Es importante darse cuenta de que hay varias formas de armonizar los colores. Y los esquemas de color hacen esto usando sólo colores vecinos. Ejemplo monocromático, y análogo que aquí con el color sólo lo limitará a una sección, como el área análoga ahí alrededor del amarillo. Esos se armonizarán naturalmente porque son colores vecinos. Otra opción es desaturar. Pellet infantil todos armonizan ya que desaturados, sobrios palets hacen esto en esquemas acromáticos, blanco y negro naturalmente, todos los colores D saturan a gris en el medio. Eso significa que todos me aquí mismo. Entonces a medida que las cosas D se saturan, se vuelven más alineadas. Por lo que en realidad podemos armonizar los colores empujando num más desaturado. Si tienes una escena que tiene que tener muchos colores, pero no quieres ir por la borda con que sea tan colorido. Esta es probablemente una muy buena opción para solo traer la saturación, la vitalidad del color está bajando un poco, y voy a hacer que jueguen juntos mucho mejor. Por último, se puede utilizar un color unificador o clave a los otros colores. Puesta del sol naranja, naturalmente hacer esto. Como dijimos. No todos los colores pueden existir en todas las situaciones porque el color depende de la luz. Y si la luz está muy tendida, como puede ser de una puesta de sol, entonces ese solo estaño va a atender todo lo que golpee y hace que todos los diferentes colores jueguen juntos. ¿ Ahora qué? Esa es mucha información por la que acabamos de estrellarnos. Entonces pongámoslo en contexto. En primer lugar, queremos definir el estado de ánimo de las imágenes, determinar si ese estado de ánimo es más armonioso, contrastante, o simplemente orientado hacia los niños, que nos llevaríamos siendo más coloridos. Después busque esquemas de color que se ajusten a la categoría seleccionada y experimente con esos. Y no es un sistema perfecto, pero es una manera sólida de empezar en una dirección. Entonces ahora pasemos a los estudios de color. 26. Estudios de color: Ahora con la historia de Pegasus siendo aventurera centrada, puedo traducir eso para contrastar algún esquema de color base. Esto significa que quiero enfocarme en usar esquemas de color split, complementarios, rectángulo y descartados de cortesía . Empezaré reuniendo referencias de ambos arte en fotografías que utilizan esa combinación de colores. Vamos a repasar las notas. Diferencia de valor. Por lo que cada uno se mantiene en su propia capa para facilitar el ajuste del recorte. Es una buena idea mantener una capa de cultivo encima de todo para comprobar de vez en cuando que se está agregando suficiente espacio a lo largo del borde o en voz alta a lo largo del borde. Para el proceso de impresión, generalmente, se puede permitir un cuarto de pulgada alrededor del borde. Esto es especialmente cierto en cualquier cosa que vaya a estar en una pieza de marketing que se va a imprimir físicamente. Necesitan un poco más de imagen que la imagen real porque se va a cortar parte de ella. Y también va a haber una pequeña mesada. El papel puede ser jalado un poco en una dirección u otra. Por lo que necesitas más imagen, entonces realmente tendrás visible. Por último, basta con echar un vistazo a estas imágenes aquí a la derecha. Si bien la imagen es centrada aventurera, que como dije, equiparé a unos colores contrastantes. Sí quiero incluir uno, un esquema de color análogo solo para probar las aguas con el cliente. Ahora no terminan eligiendo, pero pensé que sería bueno darles esa opción. Las otras variaciones o alguna combinación de una dinámica cálida, fresca. Y porque estábamos apuntando a unas villas razonables en cada variación de color se basaba en una foto o obra de arte, no solo yo, Polonia colores fuera del aire. Tenga en cuenta que cada variación también utiliza una dirección de iluminación diferente. Tenemos uno del lado derecho, tenemos uno de arriba. Tenemos uno del lado izquierdo, y no hemos llegado básicamente por atrás. Entonces mientras estoy experimentando con las paletas de colores, voy a seguir adelante y experimentar con la dirección de la luz así como cada una de estas crea un patrón de sombra de luz diferente. Y al cliente puede realmente gustarle el patrón de uno, pero los colores del otro. Y eso está bien. Yo fácilmente puedo hacer ese cambio. Quería mostrarte el proceso de crear algunas variaciones de color y sostuvo que había varias maneras de ir a crear eso. Por lo que estaremos viendo tres opciones diferentes. En primer lugar, vamos a estar buscando agarrar algunos colores e inspirarnos en los colores de las semillas de cine. Y entonces vamos a estar haciendo eso simplemente el color es también otra variación donde estamos creando una pseudo paleta basada en la nariz. Y la última semana, estaremos echando un vistazo a la voluntad del color y creando algunas paletas de colores basadas en alguna masa de eso. Entonces, empecemos por mirar estas imágenes. Estas son solo capturas de pantalla de tres películas diferentes. Hobbit, Gladiador, y La vida de Pi respectivamente. No quiero estar pensando un poco en cómo voy a ir realmente a adaptar algunos de esos colores a mi asiento. También estoy viendo el esquema de valor aquí. Ahora por estas variaciones, no voy a estar siguiendo los esquemas de valor que configuramos antes. Yo soy, me dejaré dirigir más por lo que mi inspiración en mis guías de color están aquí. Entonces para éste, tiene un retroceso de oscuro a luz. Es decir, el objeto de primer plano está en la sombra más oscura, y luego se pone un poco más claro que el fondo es muy ligero. Ahora ciertamente podríamos seguir eso aquí. Fui a probar el tono promedio, que está en algún lugar del medio. No quiero agarrar al Blanco y no quiero agarrar la parte más oscura del fondo. Voy a agarrar algo en medio justo por ahí. Así que adelante y llene todo sobre eso. Y luego en un momento y agarra una selección que he prehecho de justo el pozo. Y el pozo va a ser algo así, ¿no? Es como que va a ser un suplente para el mundo. Ese tono ahí atrás. Agarra eso de vuelta Pegasus. Realmente caliente justo ahí. A lo mejor necesita ser un poco más oscuro. Y luego volveré a agarrar a ese personaje de primer plano. Las selecciones ya las guardaron solo para ahorrar tiempo. Y entonces eso va a ser algo así como su teorema de barba blanca. Para que pudiera ver que eso es algo interesante. He estado en este personaje de primer plano. Ahora esto no es el curso de agua aprobado por el cliente. Yo sólo estoy haciendo esto por ejemplo, los propósitos netos. De acuerdo, que podrías tenerla a la sombra, pero ten algo de esa luz real ahora para imitar eso y no tener que muestrear una y otra vez ominosa, adelante y cambiar a un Dodge Linear era una especie de tono marrón. Y ven aquí y solo a ver cómo sería eso si estuviera corriendo algún borde la luz cruza esto y tal vez su principal pueda estar captando algo de luz. Voy un poco mi oído pastoso despedir algo de eso en para que puedas ver donde estoy usando la inspiración y los colores de eso. Pero no necesariamente sólo muestrear cada color y tratar de copiarlo textualmente. No quiero estar limitado por ello. Yo quería ser guiada por ella. Entonces esto es algo genial. Y luego también ves que hay mucha luz fría haciendo el relleno aquí. Entonces voy a agarrar un tono mucho más fresco, un azulado tal vez ligeramente al lado más cálido ahí. Que mi opacidad se siente alrededor del 30%. Sólo tengo curiosidad por tal vez poner un poco de luz de relleno que está en el lado fresco. Aquí como el ojo pudo ver esto funcionando que parece que tiene una dirección interesante ahí. Por lo que eso servirá como nuestra variación judicial uno. Probablemente repasaría esto un poco más si lo estuviera haciendo por mí mismo. Pero tenemos que estar moviéndonos a través de algunas ideas más. Pero el siguiente a mirar, éste con Gladiador. Y éste tiene un contraste muy alto entre lo iluminado a la sombra de las sombras están cayendo a negro muy rápidamente. Y hay varias maneras a las que podríamos llevar esto. Queremos usar la luz directa aquí. ¿ Queremos realmente sólo tratarlo tiene un esquema de color análogo. Podríamos hacer eso, algo en este tono azul. Empecemos con eso y nos vamos, y entonces el pozo va a ser más como lo que tenemos con ese árbol trasero. Solo estoy pensando que bien está muy siluetado. Y algo del derrame, el tono más claro de la niebla allá atrás. Yo quiero algo de eso, pero no quiero uniformarme completamente. ¿ Y qué voy a hacer con esta espalda Pegasus? O bien puedo tratar de tratarlo mucho más ligero o mucho más oscuro. Y si tratamos en un poco como la nieve aquí abajo, así que la, la mayor parte de la escena es justo el mismo tipo de colores. Es muy análogo. Y esta podría ser una escena nocturna. Eso se ve funcionando. Ya sabes, si fueran realmente oscuros, eso sería algo interesante. Entonces estamos usando el mismo contraste que tenemos en el personaje de los cuervos de lucha aquí. Si hiciéramos eso cuando realmente brilla luces, así podría tener esto, entonces esto sería realmente bien iluminado en cualquier área la luz se está arrastrando sobre una montaña o se está arrastrando por encima y alrededor de esas abejas a lo que sea. Esto no sería un poco complicado de hacer porque necesitaríamos construir un tell mucha información con sólo un poco de lado mintió o luz de borde. Y eso podría ser realmente, realmente complicado. Y tendríamos que sacar un poco más de tono alrededor del cielo para que esa forma oscura se presente. Y volvamos con el otro tipo. Y esto es un acto de equilibrio. Sólo los estamos poniendo. Estamos juntando el rompecabezas y averiguando cuál es el rompecabezas al mismo tiempo. No mi favorita, pero es una divertida de probar. Normalmente no pensaría usar una sombra realmente oscura con un alto contraste en el personaje principal. Pero es algo interesante. No sé la forma en que en realidad podrías tomar esto es subir aquí y agarrar esta capa que tiene las capturas de pantalla. Yo quiero subir a filtrar, filtrar galería derrocar anteojos. El último que uso, por lo que surgió automáticamente. Pero puedes cambiar el tamaño de celda dependiendo de qué tan preciso quieras obtener. Quieres lindas células grandes y células pequeñas. En este caso. Yo quiero justo lo suficiente para que pueda tipo de seguir eso. Ahí vamos. Entonces podríamos simplemente tomar muestras de esto si quisiéramos. Y yo sólo podría llenar el fondo y decir, oye, vamos a hacer esto más como un esquema de color análogo. Entonces solo lo voy a hacer de esta manera en el fondo, bueno va a ser este color. Y voy a usar este tono para el chico principal. Y puedo ver que me vendría bien unas luces brillantes como este cuatro. Y así esto esencialmente sólo se convierte en un palet para tomar muestras de. Y porque se rodó en la vida real con la dinámica real normal de la luz y el color. Hay cierta armonía a esto que simplemente funciona automáticamente. Apagarán eso. Echemos un vistazo al otro sustantivo de opción aquí abajo. Yo soy uno mirando cómo usar esta imagen para sacar algunos colores de ella, o cómo puedo emparejar algunos de los colores en esta a mi escena. Por ejemplo, si los quiero realmente brillantes en mi escena, una semilla de que se supone que este es un Pegaso blanco y este es un barco blanco eran varias cosas blancas como sus pantalones. Y así casi pude mapear los colores por aquí. Y el de atrás podría simplemente estar la sombra o ser similar a lo que tenemos en las nubes y el pozo, los cursos de tono azulado para que pudiera usar el agua. Por lo que son varios marcadores en esta imagen los que podría usar con el fin de generar un pellet. Y esa es una de las razones por las que he elegido. Y esto es una especie de tonos fríos, muy suaves ahí en el fondo. Pero obtienes un buen sentido de esa luz. Voy a bajar la opacidad aquí. Y estoy solo indica algo de eso en las alas. Creo que esto en realidad es muy similar a cómo lo bloquearía originalmente solo usar la opacidad más baja, 40% más o menos con un Dodge Lineal con el fin de conseguir esa luz a través de las alas. Entonces seleccionaré el testamento y luego lo pondremos un poco más oscuro. No tiene suficiente de esa diferencia de valor. O el azul para la espalda Pegasus y las piernas del primero en destacar. Entonces tienes que jugar con estas prohibiciones y verte un poco lo que funciona. Pero ese sería un enfoque interesante también. Entonces echemos un vistazo a la paleta de colores en cómo podrías generar algunos colores u obtener algunas ideas de una paleta de colores como esta. Queremos limitar los colores. Recuerda, no quiero solo muestrear de ningún color en la paleta limitándolo, normalmente puedo obtener una mejor sensación del estado de ánimo y colores cohesivos. Entonces lo que he creado es una serie y básicamente masa el fin de limitar el esquema de color a una disposición de color estándar. Y esto se basó en algunas cosas que aprendí de James gurney, libro de color y luz. Muestra donde tiene una paleta de colores física que crea una pieza de plástico y le corta un agujero y pasa por encima de su rueda de color para que pueda ver qué colores quiere permitirse usar en su imagen. Por lo que esta sería tu split complementario. Entonces puedo obtener esta capa y simplemente ejecutar una transformación sobre ella y girarla alrededor y decir, vale, bueno, qué esquema de color quiero, y eso será un esquema de color complementario dividido. O podría subir aquí y decir si voy a hacer un esquema de color análogo, y eso me va a dar el 30% de la rueda de color. Simplemente puedo rotar eso alrededor y ver cuál me gusta. Ahora puedes ir con las estándar que ya hemos mirado. O podrías crear las tuyas propias como la lluvia boomer. Y esto te daría, nuevo como conjunto primario de colores. Pero no son las versiones completas de todos los colores. Di que vamos con éste y solo ejemplificamos una idea. Diga que ahora queremos crear nuestra nueva paleta de colores sobre esto. Por lo que este es nuestros nuevos colores de refrigeradores. Entonces eso está aquí abajo en esto en lo más amarillo que tenemos es en realidad esto, que no es real Amarillo. Y lo más caliente que tenemos es esta cizalla roja, que obviamente no es de color rojo puro. Pero esta es nuestra nueva paleta. Y si quiero que jueguen juntos más, solo puedo moverme al centro porque cuanto más desaturados se pongan todos, más similares se pongan, y más armoniosos serán a lo que puedas hacer con él entonces es solo muestra de esto y esto sirve como tu paleta de colores y debería tener usando tu menú completo de muestras ahí mismo. De acuerdo, bueno, no vamos a crear otro. Creo que pasamos por eso contigo. Esperemos que tal vez tengas algunas ideas sobre esto o diferentes formas de hacer para crear un esquema de color. Pero lo envolveremos ahí arriba y seguiremos adelante y pasaremos a la dirección está establecida. Las monedas han elegido variación polar uno, pero el lado brillante Lloyd y la cálida, ligera, fresca sombra dinámica. El siguiente paso es pasar a refinar la burocracia del dibujo, lo que significa que se necesita recolectar un mejor lote de referencias específicas sobre ti lo hacen mejor que los tenedores de lugar rápidos que agarré originalmente. Solo por crédito extra, aquí te presentamos algunos conceptos de un proyecto diferente. Nuevamente, sólo tratar de tener a cada uno tiene un esquema de color diferente, visual un poco dinámico pasando. Y a esto se le acaba de dar al cliente opciones para ayudarles a decirme qué dirección les está gustando. 27. Refinar el dibujo: Para refinar el dibujo. A este punto, Detroit se ha basado en referencias de marcador de posición y en mi conocimiento general del tema. Ahora eso ya no es suficiente para sumarse ahora necesita ser refinado y se requieren referencias más específicas y estudios adicionales para ello. El novato puede decir, no me gusta gastar dinero en un recurso para mejorar la imagen. Libre es el camino a seguir. El proceso. Yo por modelos y paquetes de fotos, un construir mercados y contratar modelos para mejorar la imagen. Un chef que compra atún enlatado y una especie de atún fresco es en última instancia contraproducente. Fresh costará un poco más y requerirá más esfuerzo para obtener, pero el resultado será mejor sabor, vistas, mejores ingredientes. Tendrá mejores resultados. De la misma manera con nosotros como es el arte. ¿ Habíamos trabajado desde mejores imágenes, tener mejores recursos a partir de los cuales construir. Vamos a tener un mejor resultado. Entonces si solo vas con las opciones gratuitas fáciles de encontrar, entonces probablemente estés trabajando con ingredientes inferiores como proporcional. Iré allí y compraré ese mercado. Construiré un poco de diorama, lo que sea que necesitara hacer para conseguir los recursos para construir la escena al grado que yo quiera. Echemos un vistazo a la respuesta que está pasando aquí. Es hora de tomar las formas básicas en subdividirlas en más complejas, una colección de formas precisa. Entonces todo es una colección de pequeñas formas construidas juntas para hacer formas más grandes, más complejas. Por lo que esto es más bien como cambiar un modelo 3D de un recuento de polígonos bajo a un mayor recuento de polígonos. Eso lo vamos a ver con las piernas de esta guerra aquí. A básicamente sólo tenía un pequeño cilindro para la parte superior de la pierna ahí. Pero luego entro y subdivido eso en tres formas diferentes más pequeñas. Solo estamos consiguiendo esto y siendo más precisos con TI. Ciertamente en la cara ahí, en la cabeza. Y conseguir ese tipo básico de forma ambigua de sí, generalmente es parecido a un caballo. Ahora estamos descubriendo exactamente dónde están los ángulos, exactamente dónde están las entidades, y los volúmenes en esas características. Se presta especial atención a entender y establecer los planos de una formas. Esto es importante porque si queremos reproducir la realidad o al menos una versión ilustrada de la misma, tenemos que calcular las variables que hacen que la realidad se vea de la manera en que lo hace. Eso significa entender los foros y cómo la luz caerá a través de ellos. Y de esta manera trabajamos como un programa de renderizado, mapeando la luz en nuestra forma de estructura alambres. Hablo de esto hasta cierto punto. Él mi consejo de video arte que te ahorrará años en el canal de arte ahí en YouTube. Ahora aquí un ejemplo de las referencias que armé crearon con el fin de ayudarme a tener una comprensión más completa de cómo ilustrar esto. Salí y compré dos modelos de cinturón BAD, este pequeño modelo de fuerza de mano, que no era perfecto. En realidad era todo a Brown le gustaría tonos dorados en él. Y lo conseguí y rocía pintada en este gris plano para que pueda ver sombras y tonos mucho más fáciles. Y usé una ventana para una luz y la posé de la manera en que la necesitaba. Y debido a que habría sombras echadas de las alas, conseguí un trozo de cartón y lo puse ahí para imitar la sombra de las alas. Y eso me ayudó a darme mucha información, sobre todo sobre el cuerpo. Ahora no pude conseguir que posara exactamente de la forma en que lo necesitaba. Había una limitación a que se une. Pero puedo plantear una sección de ella de la forma que quería entonces posar la otra sección de la forma en que lo quería. Y al combinar civil de ellos juntos, puedo obtener la información que la necesito. Ahora la cabeza era un poco pequeña y no pude conseguir fotos realmente buenas de eso. Entonces compré un segundo modelo, que en realidad era un artículo de decoración para el hogar. Y esta era cabeza era bastante grande. Se trata del tamaño de mi propia cabeza. Y yo lo pinté también. No fue el tono correcto. Y lo configuré tanto con una luz de ventana como con una luz de relleno de una lámpara fin de conseguir algo de luz de rebote y controlar el ambiente para sacar más información de ella. Entonces me puse en contacto con algunos amigos sobre tal vez fotografiar a uno de ellos para el sustituto de mi modelo. Y ella no se ve exactamente de la manera que yo necesito, pero se trata principalmente sólo de la forma general bajo esa perspectiva. En el sentido de la gravedad y del movimiento humano normal que voy a conseguir. ¿ Podría usar ya un modelo 3D? Pero son limitados. De acuerdo, cuando se usa un modelo 3D de un humano, no se computa para la gravedad, no se computa para el movimiento, y no se computa para el equilibrio. Entonces no sabe que si dejo caer la cadera por un lado que necesito un equilibrio lo con los brazos. De acuerdo, naturalmente hacemos esto. Un modelo no va a hacer esto de forma natural o hasta este punto, no están hechos para hacerlo. En realidad no me preocupan las fases. Estas son caras adicionales de otras cosas que uso solo para ayudar a dar una idea de la edad y la dirección adecuadas para ir con el personaje. No soy dueño de esos, así que esos están borrosas. En realidad no necesito mostrarte quién es ella. Entonces yo también la desdibujé. Cuando recibimos la progresión de la cara a la izquierda, vemos el bloque básico en solo yo sabía del tamaño de la ubicación que la cabeza debía rodillas iba, pero que dentro y luego dibujo las características en base a mi foto. Pero no quiero que me constreñan por eso porque este personaje necesita verse un poco diferente de lo engañado. Entonces nuestro refinarlo y yo cambio las características, las hacen un poco más ilustrativas y un poco menos literales. 28. Lengths y nivel de detalle: No todas las imágenes requerirán que construyas dioramas y figuras del mercado o rango de sesión de fotos con una modelo, con un disfraz. Pero a veces lo hace. Y necesitas estar dispuesto a hacer eso. Puede ser parte muy divertida del proceso de creación. Y puede que encuentres que te encanta hacer enloquecido en fotografía o fabricación de vestuario. Por lo que en este punto, priorizar la calidad sobre la velocidad. En un mundo de dolores de velocidad y trigs digitales. Un estudiante de arte para tener la idea de que todas las imágenes pueden y deben poder crearse rápidamente. Y simplemente no son condiciones tan complejas muchas veces toman tiempo significativo para ilustrar. Enfócate primero en poder alcanzar la calidad ahí que desees. Independientemente del tiempo que implique, a menos que no seas fecha límite que honestamente tienes que cumplir con ese plazo. No sacrifiques la calidad por la velocidad porque nunca puedes caer lo suficientemente rápido como para compensar la inexactitud. La velocidad siempre vendrá con experiencia. No te preocupes por ello. Cuanto más lo hagas, más rápido te pondrás. Pero no se puede ir tan rápido para compensar el hecho de que está mal. Regla de pulgar para no prosa. Por mucho tiempo que creas que te debería llevar crear la imagen, triplicarla. Eso no es una broma. Son pocos los problemas que no se pueden arreglar lanzándole más horas. Esto es algo que aparece con bastante frecuencia en la consola 101 que tengo con los alumnos. Y es que subestiman enormemente el tiempo que se tarda en crear algunas ilustraciones más grandes. Ponen su tiempo en ello. Y no es llegar al nivel de profesionalismo que querían o esperar que pudiera. Y me preguntaron, bueno, ¿qué necesito hacer de manera diferente? Yo diré: Bueno, ¿cuánto tiempo trabajaste en ello? Bueno, trabajé en ello como cinco horas. Uh, ¿en serio? ¿Sabes cuánto tiempo trabajo en alguno de los míos? No. Y creen que quiero decir como ocho horas, 30 horas, o 40 horas. Y sus ojos se van amplios, como, sí. Este es un trabajo real. Lleva mucho tiempo. Cualquiera que sea la cantidad de tiempo que pongas. Realmente no importa. Y no estás obteniendo el resultado que quieres, no es suficiente. Por lo que sigues poniendo más tiempo hasta que llegue a donde necesitas ir. Conozco una de mis piezas anteriores, hice una imagen de algunas adiciones NIH en un agua. Pongo unas 20-30 horas en ella, que es más o menos que lo he metido en una imagen hasta ese momento. Y no se veía bien. Entonces lo apagué en algunas formas de arte. Y estaba empezando a obtener algunos comentarios de la gente y me doy cuenta de cómo puedo mejorar la pieza. Por lo que solo seguí lanzando más horas agregadas y cada vez más para mejorarlo y seguir mejorándolo y seguir mejorándolo. Y nunca había empujado tan duro en una pieza antes. Nunca empujó una pieza por tanto tiempo antes. Y eventualmente se convirtió en una de mis piezas favoritas en aprendí tanto llevándome eso hasta donde pude. Y estoy conectado mucho más de 100 horas en la imagen. Pero eso fue lo necesario para que me superara esa meseta. uno al siguiente nivel. Echemos un vistazo a algunos ejemplos por aquí. James gurney, gran fan de su trabajo y de su enseñanza. James gardening construye dioramas, mercados y trajes para respirar creíbilidad en su trabajo. Recogida como libros donde explica su proceso. Ahora es el creador de las propiedades de DynaTac Olbia. Los libros. Repasa este proceso en sus libros de realismo imaginativo. Entonces si te interesa eso, recoge ese libro. Si quieres entender más sobre la forma en que se acerca al color y luz y su comprensión de estos temas como artista. Y luego recoge su otro libro, color y línea. Por aquí vemos algún trabajo de Gil L1 en Norman Rockwell. Ambos contrataron rutinariamente modelos e hicieron trajes para sus sesiones de fotos. Quieres sus resultados, entonces tienes que hacer lo mismo. Ve y haz lo mismo. Hablemos de nivel de detalle. No queremos refinar el dibujo sólo para refinarlo. Y lo refinamos para aclarar la ambigüedad de las formas y ayudarnos a entender las formas al grado necesario para renderizar el OEM y manera realista. Por lo que había un propósito a esto. Y es para ti, los artistas entender los volúmenes en los temas y construir la precisión en tus temas. Queremos aclarar cualquier cosa que fuera un poco ambigua. Un poco, OK, acabo de poner una forma ahí para representar esta cosa. Tenemos que ir de. Es como que representa la cosa también. Esto en realidad es como se ve la cosa ahora, es por eso que cada imagen requerirá un nivel de detalle diferente para el dibujo refind. Algunos elementos serán sencillos de entender y lo que requerimos mucho refinamiento para que sepas exactamente cómo renderizarlo. Otros elementos como la anatomía Pegasus aquí, me requirieron pasar un tiempo considerable acuñado sobre las formas y anatomía. En este caso, no reencontré a los Weems porque he estudiado y dolor y alas varias veces antes y estaba confiado en poder establecerlos durante el proceso de pintura. Un poco de bono aquí, aquí te presentamos algunos otros ejemplos que mostraron el nivel y forma de detalle en cómo cambia de pieza a pieza. Pero el sombreado aquí es realmente necesario. Por lo que cada uno de estos ha sido llevado al nivel necesario para que yo comprenda adecuadamente dónde están todos los detalles y en qué están todos los temas, cuáles son las formas para cada una de las imágenes. 29. Pintura de bloqueo: Es hora de comenzar el bloque de pintura real en para la imagen final. Hay muchas maneras en las que puedes ir sobre esta etapa, pero seamos claros. Podrías empezar con escala de grises y pasar al color. Podrías usar fotos y machacarlas y pintar sobre esas. Podrías decir, oye, voy a reiniciar fresco de un lienzo blanco y solo usar mis otras cosas como recursos y dirección. Podrías continuar desde el estudio del color, etcétera, derecha. Esas otras opciones ahí también. No tengo tiempo en este material para repasar todos esos enfoques. Triplicaría el tamaño de este material. En cambio, estoy planeando realmente cubrir eso en un contenido futuro. El código es sodio ya fue aprobado. Entonces comencé a pintar en eso. Bueno, esta no siempre es la elección correcta. Ni siquiera es lo que hago la mayor parte del tiempo, pero fue la decisión correcta en este caso. Tómate un momento y decide cuáles son los mejores enfoques para tu imagen. Te puede ahorrar horas a largo plazo. Entonces no solo pienses que me voy a reunir, al menos empieza a pintar sobre él desde el estudio del color. En realidad podría haber una mejor manera. Es posible que encuentres que si das un par de pasos atrás, lo repintas desde el principio que vas a obtener un mejor resultado. No digo que esa sea la respuesta, pero hay que pensarlo un poco. Basta con hacer una pausa por un momento. Dale cinco minutos. Piensa en cuál sería la forma más efectiva de abordar esto y luego ir con él. También, una de las cosas que hago aquí ahora que estoy empezando a meterme realmente en el proceso de pintura, empieza por disminuir la opacidad de las líneas. No quiero estar excesivamente confiando en las líneas. Recuerda que lo miramos antes. Y si tenemos buenos valores y tenemos un buen patrón de luz contra oscuro con los valores, entonces no necesito depender de la claridad de las líneas. Y simplemente eventualmente los volví todo el camino hacia abajo porque tengo suficiente información puesta con los colores y valores que ya no los necesito como guía. O simplemente puedes pintar en la parte superior de la línea. Y encuentro que no sabías si empiezo a hacer eso, tengo una tendencia a dejar que algunos de ellos se queden. Entonces esa no es mi primera opción, es ayudar a mantener mi imagen por buen camino. Guardo una colección de imágenes junto a mi pintura. Y esto puede incluir que estudio de color, alinear refs, anatomía impuesta refs, estilo ilustración oral refs y preexistentes no son de la propiedad. Entonces si este es mi lienzo y yo estaba pintando en esta área justo aquí, entonces lo que hago a menudo es crear una habitación extra a este lado de la imagen. Aumento el tamaño del lienzo. Y luego por aquí tengo todas mis imágenes de referencia que necesito tener acceso rápido a mirar. Y yo sólo los dejo encendidos ahí mismo y yo sólo pintaría por aquí en esta zona. Y eso me funciona bastante bien. También hay otras opciones. Pero si normalmente no tienes tus guías ciudadanas urbanas abiertas ahí para que solo puedas estar buscando entre los dos. Yo sí sugiero tratar de trabajar de esa manera por un rato. Y ahí te ahorrará tener que encender y apagar capas todo el tiempo. Voy especial atención se da a establecer la forma a través del color y la iluminación. Cambia a través de los planos. Los aviones que captan luz directa son cálidos, en este caso, los aviones en sombra toman el color azul del cielo. Entonces ven aquí usando la información que tengo de mis fotos, tengo una bastante buena idea de los foros y la anatomía del rostro. Y quiero realmente retocar el sentido de las formas. Y esto es algo que los novatos tienden a pasar por alto. Simplemente empiezan a poner colores, pero no coinciden con ese color de una manera que nos ayuda a situar las formas. Yo quiero indicar los aviones en la cara. Porque si puedes trabajar las cosas en términos de aviones, tienes mucho mejor sentido del volumen del tema. Bueno, en realidad se trata de mocasines fotográficos. Somos momento. No todo el mundo hace esto, pero me parece algo útil. Ocasionalmente. Es, a veces puede ser útil caer en un elemento fotográfico solo para ver cómo se verán el color y el patrón en la pintura. Ahora nada de la foto termina en el cuadro. Pero puede acelerar el proceso de toma de decisiones para tener un sustituto para juzgarlo. Seamos claros, no hay nada de malo en golpear fotos. Si eres dueño de la foto. Y ese es el estilo con el que el cliente está contento. Ahora paliza foto sin duda se usa muy a menudo en el concepto no se llenan. Donde sólo se trata de la idea de lo que es más importante. Realmente no les importa cómo se llega con la imagen siempre y cuando la imagen transmita lo que necesita. Entonces en este caso, quiero todo pintado a mano y queremos ese look pintado a mano. No queremos una mirada de golpes fotográficos, pero eso no quiere decir que no pueda echar un vistazo a una foto MOG empezar a ver cómo se vería ese patrón en mi escena si sigo esa dirección. Entonces eso es lo que he hecho aquí. Tengo el bloque de color en. Y luego aquí tengo fotos de algunas alas que tenían colores y valores bastante cercanos que necesitaba. Y en realidad sólo las hice para igualar más cerca de mi imagen. Y luego los puse ahí. Y entonces puedo mirar eso y decir, vale, bueno, si sigo esto, mi resultado va a parecer muy similar a eso. ¿De acuerdo? ¿ Qué me gusta de eso? ¿ Y por qué no me gusta eso? ¿ Qué querría cambiar durante el proceso? Si bien veo que esto ha sido realmente volado aquí, ¿verdad? No sé si soy un gran fan de eso. Pero sí me gusta este tipo de transición fresco a cálido que hay, eso es un poco cool. De nuevo, este patrón se ve un poco manchado, así que podría tratar de igualar eso un poco. Y de esto es de lo que estoy hablando. Estoy usando esto para ayudarme a tomar decisiones antes de realmente tener que empezar a pintar. Por lo que sirven de guía, no como regla. Ahora hay alas a tu imagen. Esto es sólo en el tema de las alas son ocho, estudio de la anatomía del ala. Tómese el tiempo para mirar un tutorial sobre cómo dibujar y pintar. Winx es, es algo que veo surgir con bastante frecuencia en el trabajo no profesional. Donde tenían esta comprensión básica de cómo funcionaban los patrones de viento y cómo se doblaban las alas. Pero realmente no lo entienden. Y así lo bloquean, en todas las plumas son simétricas. Ahí uniforme en eso simplemente realmente no es el caso. La mecánica de lo que está pasando ahí significa que necesita haber diferentes tamaños, necesita haber diferentes ángulos. Y luego puedes tener múltiples elementos superpuestos, alas todas trabajando juntas. Entonces si necesitas saber algo como esto, si son alas o cómo funcionan los pliegues, o cómo se ve el agua cuando chapotea. Se fue a alguna palabra como Pinterest y acaba de poner un tutorial de arte, pintura y dibujo de alas. Alguien ha armado un tutorial de una página realmente bonito, conciso que te da la información más destacada de cómo funcionan las alas y cómo funcionan las dinámicas de plumas. Entonces ve a echar un vistazo a eso. Muchos pros se tomarán el tiempo para hacer eso. Muchos novatos no lo harán. 30. Painting de pintura: qué piensas de lo que te estás enfocando, el tipo de preguntas que te estás haciendo. Estos son realmente importantes durante el proceso de pintura. Entonces, pasemos por algunas notas aquí. A partir del punto focal cuando un hacer cada elemento comprensible para el espectador, todo debe estar claro. No significa detallado, pero debe quedar claro que el espectador puede mirar la imagen y distinguir, vale, esa cosa es una persona, eso es una roca, eso es un árbol. Este es un trozo de tela, etcétera. Simplemente empieza en el punto focal porque ahí es donde es más importante. Y luego trabajas tu salida solo le das un pase a todo, refinándolo y dejando claro lo que están mirando. Recuerda, consistencia ligera. Deberás asegurarte de que la dirección de la luz, la intensidad de la luz y el color de la luz se mantengan consistentes en todas las cosas que se están iluminando. Esto es algo que los novatos empiezan a bajarse. Permiten que haya demasiada varianza en la luz. Dom, tal vez como el brazo con dirección de luz viniendo aquí abajo, pero luego no hay luz, la cabeza como si esas luces viniendo directamente del frente. Entonces no queremos hacer eso. Queremos asegurarnos de que sea consistente en toda la escena. Dar un pase de pintura a todas las áreas de la imagen. Distorsionar nuestro punto focal es trabajar tu camino alrededor de todo el asunto, limpia bordes, aclarando cualquiera que sea el tema. Entonces qué comprensible. También se quiere subdividir los barcos grandes a los más pequeños, interesantes a canta se acercaría medio, como lo hicimos con refinar el dibujo de dar las formas básicas del sujeto y subdividirlas, esencialmente consiguiendo que el polígono superior cuente fuera del sujeto de estructura alambres. Y ahora estamos haciendo lo mismo con colores en planos. Pintar las líneas o bajar la opacidad de la capa de línea. Vamos a estar continuamente alejándonos de la dependencia en esas líneas. Entonces esta es una buena etapa para hacer eso. Al comenzar cualquier elemento de autenticidad a partir de referencias. Esto podría ser Tela y pliegues. Expresión, materiales, luz rebote, etcétera. Si puedes ir a ver ejemplos del mundo real de estas cosas y obtener esa precisión y agregar esa precisión a tu escena. Y entrar realmente en la ayuda misma como ser más auténtico y más creíble. Ahora éste realmente podría haberse agregado antes, pero aquí es donde lo puse en solo una opción diferente. Considera comenzar bajando los colores base como si estuvieran bajo sombra, luego agregar la iluminación en sombras profundas. Este es un enfoque que uso con frecuencia. Tengo mis líneas, pondré los colores base y mis temas, pero las pongo como si estuvieran todos nublados. Todo está en esta especie de sombra suave. Entonces agrego mis fuentes de luz a eso. Me gustó mucho trabajar de esta manera. Tiene mucho sentido para mí. Y así lo hago con bastante frecuencia y sí recomiendo otras personas le den una oportunidad porque también podrías encontrar que hace clics Bueno, la forma en que piensas. Para escenas realistas, es el momento do turno. Todo desde lo que crees que se vería hasta cómo se vería en realidad. Esa es una gran diferencia. Ver relativamente por lo general tiene más matizado en colores armoniosos que nuestra imaginación considera primero. Pero tenemos que luchar contra es el tipo de programación mental que hicimos niños con nuestra caja de crayón OCR, ¿verdad? ¿ Dónde? Hierbas verdes. Sí, pero no suele ser este tipo de verde. Si vas a mirar la hierba, hierba suele ser algo más como esto. Es un poco más aburrido. Es mucho más cálido. Y así es este tipo de cosas de las que quieres alejarte. Quieres decir, sí, en mi mente, pienso pasto, verde. Pero tengo que darme cuenta como artista observante que no es ese tipo de verde. Eso es más matizado que eso. Y eso es lo que vemos aquí en esta imagen que sí, ella tiene ropa verde. Pero bajo esta condición de forro, simplemente no vas a ponerlos tan calientes. Entonces están más matizados que eso. Y lo mismo con los payasos. Podría bloquear en Nube, decir que solo hay estas grandes formas hinchadas blancas. Sí, a veces, pero ese es el tipo de enfoque básico. De hecho, probablemente se vea mejor y sea moralista si hubiera mucho más cálido que el cielo detrás de ellos. Entonces, por eso necesitamos echar un vistazo a las referencias. Nos aleja de nuestra simple comprensión holística o pensamiento en lo que parece al imitar lo que realmente se ve. Ahora aquí las hojas se dan una vez más. Al agregar sombras proyectadas en luz directa. Se trata de convertir una forma en sujeto. 31. Copia y principios: Copia y principios. Cuando estás usando tus referencias. No sólo los copie, por favor. Yo quiero que busques entender los principios de lo que hace que las cosas parezcan como lo hacen. Es como el viejo adagio de enseñar a un hombre a pescar y solo lo copias. Es un uso de una sola vez. No obstante, si aprendes los principios del tema de lo que está pasando visualmente en y, entonces puedes reutilizar ese conocimiento para siempre. Si aprendes los principios , también te libera de la referencia. Esto es muy importante. Ya no necesitas seguir exactamente porque puedes cambiar el diseño y extrapolar cómo se aplicaría el principio al nuevo diseño. lo que durante el transcurso de tu pintura, quieres mover las cosas de genéricas a únicas. Cuando eliges algo para la imaginación, suele ser genérico. Es inespecífico es la idea de una cosa. Simplemente miramos eso en la otra imagen, ¿verdad? La luz azul, las nubes azules, esa es la nube genérica. Ese es solo mi primer pensamiento inicial sobre cómo debería ser la nube. Pero no es único. No es específico, y no es preciso. Entonces al cambiar las nubes, al observar que a menudo hay más cálidos en esa situación, que las hace únicas y más precisas. Nosotros queremos pasar más allá de eso. Esto sólo viene por la observación y el aprendizaje de principios y ejemple. Quieres que tus personajes se sientan como una persona específica, no sólo un ciego. Nuevamente, echemos un vistazo. Lo que tenemos por aquí. Bien referenciado en tela renovada es una marca de un bro. Se quiere ser un pro. Eso es algo a lo que quieres poner atención. El aversión temprana izquierda llena genérico en poco interesante. Si bien la versión correcta, Brinkley a la real de Phil. Entonces la tela aquí es lo que acabo de esbozar. Y yo coloreé eso y creo que básicamente son colores correctos. Es básicamente el valor correcto. Tiene la idea general de lo que debería estar haciendo la cláusula. Dentro de qué. Fui y encontré alguna referencia fotográfica. Encontré una referencia fotográfica de un poco esta área aquí mismo. Ahora no era exactamente así. Tenía algunos de estos elementos. Puedo recordar lo cerca que estuvo de eso. Pero tenía algo de este elemento pasando aquí mismo. Y conseguí esa información, y la seguí. Entonces extrapolé, sostuve ese mismo tipo de patrón en forma y se podría aplicar un flujo al resto de la tela. Eso se construye como lo que la tela realmente haría eso creíble. Y si no costó tanto esfuerzo. Pero sin embargo se ve mucho más profesional. Por aquí, referencia adicional en estudio lleva al personaje de sólo ser un personaje a llenarse como una persona específica. Esto se siente como un tipo en la pintura de alguien de un tipo. Y para mí esto fue casi como una persona, como una persona individual, no sólo alguien que está dibujando de una persona que parece más real, más creíble. Y solo hay una tonelada de pequeños cambios sutiles ahí a éste que había pintado con especie de referencia de tu marcadores de posición. Pensé que sabía lo suficiente de dibujar la cara que podría usar esas referencias combinadas con lo que conozco para llegar al nivel que quiero. Y puse eso en, dijo el director de arte, es bastante bueno, pero creo que podríamos hacerlo mejor. ¿ Puedes darle otro pase? Entonces lo hice. Fui y tomé aún más referencias, referencias más precisas, referencias que imitan más la dirección de iluminación. Y descubrí qué era esto demasiado brillante. Sería mejor para un tono que abajo. Y hay cambios sutiles como el lado de la cara aquí y cómo ese cabello salía demasiado lejos para ese ángulo en particular. Y luego las sutiles variaciones de tono de piel donde la línea de la mandíbula está más fría o ahí, pero luego la calidez de la luz que llega a través las fosas nasales con una dispersión subsuperficial. Por lo que todas estas diminutas variaciones se suman para que se sienta más como una persona real. Ejemplos 567, aprender los principios de las plumas retroiluminadas me permite mejorar las referencias aclarando las áreas sobreexpuestas y ajustando el diseño. Entonces aquí es donde queremos crecer más allá de la referencia. Recuerda las referencias, la guía. No es la regla, no es el contenedor. Un estudio de color aquí fue esto. Y creo que muchos de los tonos funcionaban bastante bien. Ahora el bloqueo se basó fuertemente en la referencia fotográfica. Pero en realidad pensé que podría hacerlo mejor. Puedo hacerlo más dinámico donde lo hago mejor para mi imagen. Lo que significa que realmente no quiero este soplo que fuertemente a lo largo de los bordes. Y algo así me gusta este diseño de patrón del patrón claro oscuro. Entonces voy a seguir con eso. Entonces aprendí lo suficiente sobre cómo funciona esto, cómo las plumas se superponen entre sí y cómo la luz llega a través de las sombras, una pluma contra la pluma detrás de ella. Y cambio el sistema de diseño. Esto tenía una gran cuadra de esta manera. Ahí estaba muy redondeado y quería dejar que eso fuera un poco más curvo, una red alargar fuera para ser una transición más suave. Entonces entendiendo aquí los principios, soy capaz de modificarlo y en realidad aclarar desde el boceto porque la foto estaba un poco borrosa. Por lo que en realidad puedo conseguir más detalles y ser más interesante que la cosa en la que realmente lo basaba. Al extrapolar cómo se vería en un diseño ligeramente diferente. 32. Patrón luz y negro: Patrón claro y oscuro. Ganamos los elementos y se ve que son claramente distinguibles entre sí, sobre todo el personaje que sobresale desde el fondo. Apegarse a tus estudios de valor debería ayudar con esto. Pero también quieres buscar oportunidades para grandes un contraste de valor claro, oscuro a lo largo de la escena. Esto es algo que puede dar gran diferencia muy rápidamente. ¿De acuerdo? Estos pequeños juicios de valor aparecen a lo largo de los profesionales trabajan. Pero son realmente notados. Su colocación a veces ocurre por casualidad, pero a menudo es por intención. Durante el transcurso de realizar estos ajustes claro-oscuros, es posible que encuentres que en realidad puedes sugerir objetos y formas sin tanto detalle. Además, esta es una buena manera de pasar más allá de cumplir las líneas. Hacer definir bordes en un trabajo realista con contrastes de valor adecuados entre elementos, las líneas de apoyo visuales simplemente no son necesarias. Tenga en cuenta aquí que los contrastes de color para la separación son buenos, pero el contraste de valor es más efectivo y más importante. Notas. Y tendremos una pequeña demo aquí. Busque lugares donde dos objetos, bordes o planos hagan una dinámica oscura, oscura o clara, luminosa. Esto lo veremos en los estudios de valor, ¿verdad? mismo tipo de cosas. Pero queremos volver a visitar este tema ahora que nos metemos en el proceso de pintura y también utilizamos en color. A menos que haya razón para mantenerlo de esa manera. Vas a querer cambiarlo a una luz clara, oscura O oscura. No, lo que quiero decir con eso es que a veces quieres hacer lo que James Gurney llamaría soldadura de forma. Que es que quieres simplificar algunas sombras y luces para hacer una unidad más grande. No necesariamente quieres sacar cada uno de los artículos. Por ejemplo, las hojas aquí abajo. No quiero ir a hacer un patrón claro, oscuro en cada hoja, así que cada hoja destaca. Simplemente no necesito ese tipo de contrastes ahí. No necesito un llamar la atención conocida ahí. Por lo que permito que algunas de esas sombras se sangren entre sí. Yo los sueldo juntos para que simplifiquen esa recolección de información. Pero por lo general en un personaje canta así, quieres asegurarte de que haya mucho el patrón claro, oscuro para que el personaje salga del fondo. Entonces si tienes un artículo que es claro y cuando elemento que es oscuro, pero entonces necesitas que ese oscuro sea realmente la cosa de luz aquí abajo que permite que este sea ahora el objeto claro contra el siguiente objeto oscuro. Por lo que mediante el uso de gradientes, podemos cambiarlo. Podemos flip flop con una forma en que ese patrón esté funcionando a través de la imagen. Esta es una práctica de go-to que implemento en el dolor overs que rápidamente puede marcar una gran diferencia. Si alguna vez vas a ver algunos de mis pintados encima es que hago por los retos de arte y arroyo propio. Verán que esta es una de las cosas que hago para las cosas se aclaren y destaquen en una escena. Hagamos una demo rápida aquí sobre este personaje de Liliana. Y luego examinaremos cómo se aplica este mismo tipo de cosas a algunas de estas otras imágenes de aquí abajo. Usaré mi pincel redondeado y echémosle un vistazo. Estamos buscando qué dinámica de la plaga oscura, oscura y clara no bien, escribirlas versus podemos ver aquí tenemos el pelo oscuro contra un fondo oscuro. Eso no es bueno. Algo básicamente todo el camino aquí abajo. Lado oscuro del personaje contra un fondo oscuro. Ese no es un buen personaje oscuro, fondo oscuro. Habría algunos mayores ahí. Diremos que esto es bastante oscuro. Es casi como un medio contra una oscuridad. Por lo que pude ver que también se corrigiera eso. Empecemos con esos y veremos si podemos encontrar algunos más. Voy a venir aquí y aplicarlo a este lado. Voy a decir, realmente necesitamos traer este borde porque sólo tenemos un fondo oscuro y Gibson borde oscuro ahí. Ahora no quiero sólo hacer esto ahora. Este es un error que cometen muchos novatos y es la solución más barata a este problema. Lo que realmente reconocerá un novato, lo que quiero que destaque esa ventaja. Entonces lo más barato que puedes hacer es decir, oh, yo sólo voy a añadir una luz que va por el borde de todo esto. Voy a tener esta luz de borde. Sí aclara el borde. Pero chicos, por favor no lo hagan. Si vas a poner una luz, pesada para ser una fuente de luz adecuada donde va a estar desarrollando la forma y no sólo una pequeña luz de borde. quiere usarlo para que en realidad atraviese un ex ayuda a indicar los volúmenes de todo y necesita afectar todo lo que la luz está golpeando. Pero en general, una mejor opción es buscar el cambio general de valor que puedas hacer. Entonces en este caso, ya tenemos algunos elementos en el cielo que son un poco más ligeros. Alguien agarró ese tono más claro ahí. Y voy a dejar que haya algunas nubes más ligeras que suban hasta ese rincón. Y entonces puedo averiguarlo. Y eso es suficiente para sacar eso y parecer algo así aquí. A lo mejor alguien este tono más claro. Y tal vez haya una luz que se cruza en golpear el cielo, una que en forma de pirámide allá atrás. Y podemos añadir la suficiente luz. Ese cabello y ese brazo oscuro de ahí destacan. Y podemos hacer lo mismo aquí también. Podríamos agregar, solo apaga una luz ahí. Podríamos dejar que oscurezca para que esa tela blanca tenga algo contra lo que oponerse. Pero si tenemos un poco más claro aquí abajo, entonces esa parte oscura de los residuos puede sobresalir. Ahora que si hubiera algo de luz, esta luz aquí que está golpeando este lado, los escalones se estaban derramando en realidad hacia este lado. De acuerdo, entonces podríamos tener las copas de algunos de estos escalones viniendo esta manera y golpeando un poco de la arena de este lado para que esas ovejas oscuras destaquen. De nuevo, estamos viendo ahora tener un patrón oscuro contra luz. Podríamos hacer por el contrario, la cosa de aquí que tenemos un patrón de luz, un patrón de luz, podríamos agarrar algún tono más oscuro ahí. Bueno, que algunas de estas sombras lleguen realmente hasta aquí. Y puede estar entrando en la sombra a medida que se mueve hacia arriba. Entonces esta es una mejor luz en patrón oscuro que estamos ayudando a que ese personaje salga un poco más. Pero la mayoría de los espectadores nunca notarán este tipo de cosas. Eso sólo pensará, bueno, es realmente bonito que ese cielo sea más ligero por lo que destaca la cabeza del personaje. Eso no es por accidente, eso fue colocado intencionalmente ahí. Entonces otras cosas que están pasando aquí abajo. Y podemos mirar a estos tipos. Y si también estás tratando de aprender esto y observar esto desde otras obras de arte. Sí, puedes lanzar, sobre Capa de Ajuste Blanco y Negro y echar un vistazo a solo los valores si quieres ver los valores. Pero también puedes aprender a hacerlo sin necesidad del filtro blanco y negro. Aquí tenemos versión oscura pero al menos sombreada, ¿verdad? Y lo mismo aquí. Esto es oscuro y la versión más corta de eso. Entonces esta zona se perdería si en realidad fuera del mismo color, ¿verdad? Tendríamos oscuridad contra oscuridad, y luego perderíamos todas las formas de lo que está pasando ahí y eso no es bueno. Por lo que se agrega luz. Específicamente agregué luz ahí dentro en la parte trasera de esas plumas para que la pose de esa pierna y el borde de ese dinero de caballo fuera distinguible. Llevar ese mismo pensamiento hasta el, aquí está la Garza es tu luz, obviamente atrapando luz directa por aquí estaba en la sombra. Ahora la sombra podría ser este idiota, y ya lo hemos establecido por aquí. Pero entonces tenemos una oscuridad contra una oscuridad y hay dos tonos de cierre, pesar de que son colores diferentes. Entonces dejo que eso se vuelva cada vez más ligero, pero dejaré que se quede en el rango más fresco. Entonces ahora tenemos una luz cálida contra una luz fría porque en realidad no se pone mucho más oscuro. Por lo que esta transición del Hue, combinada con una transición medio hadrones como no debería realmente tener un valor, se equilibra para que esto siga siendo la luz contra la oscuridad ahí. Entonces en la siguiente imagen de las J's, Tenemos un montón de pequeños patrones oscuros aclarados pasando para que las cosas se destaquen unas contra otras. Tenemos la pierna oscura y la parte ligera de la pierna. Ahora aquí esto es problemático porque este fondo naturalmente es aproximadamente el mismo valor que la parte ligera de esa pierna. Entonces eso no iba a sobresalir y necesitaba alguna parte de esa pierna para estar captando la luz. Entonces, ¿qué hago? Tengo que ir extra oscuro con el fondo en esa zona o necesito ir extra ligero. Entonces eso es lo que hice ya establecí que estas plantas de abanico en el fondo, hay algunas por aquí en la otra parte de la imagen. Entonces me moví uno por aquí para que podamos tener una luz contra esencialmente un idiota. Y entonces eso puede servir como una luz contra una oscuridad también. Pero si estás trabajando con un rango más amplio de valores, el medio en realidad puede servir como un claro u oscuro Del otro no es extremo. Entonces el médium está sirviendo como la luz contra esta oscuridad, pero está sirviendo como la oscuridad contra esa luz. Realmente tipo de interesante. Eso es por lo que realmente se puede empujar hasta donde un medio puede ser uno u otro. Y entonces tenemos la forma oscura aquí contra la hoja de luz allá, ¿verdad? Pero en realidad es más ligero que el más oscuro por aquí. Entonces esto es oscuro, se vuelve luz. De nuevo, golpeando a ese avión de mediano alcance en ambas direcciones por aquí. Y tenemos un tipo similar de circunstancias pasando donde teníamos ese foco, el foco que está golpeando esta zona aquí también está golpeando esta zona aquí. Entonces aquí tenemos una oscuridad en la sombra contra la luz. Y tenemos esa luz contra la oscuridad, sobre esa oscuridad contra una luz y esa luz contra un idiota. Y así funciona este patrón para que todo comience a destacarse el uno del otro. Y de manera intencional no queremos que esto se encienda muy bien, porque queremos que la intención del rostro y esa luz en el rostro salga realmente. Y no funcionaría si todo esto fuera el mismo brillo. Entonces cuando hacemos eso intencionalmente, la misma manera que tenemos aquí la luz que ayuda a distinguir lo que está pasando con esa pierna y el costado del caballo. Se ha agregado luz para filtrar por la parte inferior del manto ahí para que podamos ver el borde del personaje y el brazo. Naturalmente, pensarías que probablemente sería la zona más oscura. Pero si haces eso, sólo la pone en tanta sombra y no tenemos suficiente color. Por lo que querré asegurarme de que ese color esté saliendo. Y tengo que subir un poco el valor para que eso suceda. 33. Reevaluación: Antes de pasar a los detalles finales, que es el siguiente paso, vamos a hacer una pausa y comprobar su progreso antes de proceder. Este es el momento de asegurarse de que la imagen esté todavía en camino. Estas son las cosas que se quiere considerar en este punto. Vuelve a leer el contorno y pregúntate, como el recién cambiado. Esto nos pasa, ¿de acuerdo? Tenemos una idea. Empezamos a correr con una idea. Y realmente nos alejamos demasiado de lo que el esquema lo estaba pidiendo. Ya he hecho esto antes. Ya he visto a estudiantes hacer esto antes. Todo artista hace esto en algún momento. Pero intenta comprobarte de nuevo. Volver a entrar, releer el esquema y decir, ¿parece esto ser lo que el cliente o la competencia o el reto está solicitando. También, ¿Has olvidado algo del contorno? Yo he estado ahí, lo he hecho. Elementos que se pide específicamente que se olviden y no se incluyen. Comprobarlo dos veces. También vuelve a comprobar el plazo es la fecha que crees que es. ¿ Esa fecha que en realidad es volver a hacer, error que he cometido por eso hábito en mi lista de comprobación o los colores siguen en camino con un estudio de color? Oye, esto pasa, empiezas a equilibrar un color contra el otro. Cuanto más trabajes con él, los colores, esquemas, y las paletas de colores tienen tendencia a la deriva. Entonces mira dónde estás. ¿ Se parece a dónde estabas queriendo ir inicialmente? ¿Está cerca? Ok, genial. Y si se ha desplazado un poco, probablemente eso esté bien. Pero no queremos ir demasiado lejos. Consulta para ver si los colores son TO HACER o sobresaturados. Nuevamente, estas son cosas que a lo largo del tiempo de horas y horas de trabajar en una imagen, puedes tener que cambien un poco sobre ti y no te das cuenta de que su general llegando a DOE o se sobresaturan. Este es también un lugar donde podrías lanzarlo a alguna retroalimentación. Si no estás bajo NDA y acuerdo de no divulgación, consulta con algún otro artista o consulta con un instructor de arte. Voltea la imagen horizontalmente y comprueba si hay problemas. Por lo que obtienes tu imagen blip en horizontal. Esta es una de las mejores maneras de comprobar para ver si había algo mal con el dibujo, las formas, la perspectiva, ese tipo de cosas. Te hace ver la imagen de efecto fresco. Si aún no lo has estado, es hora de voltear la imagen horizontalmente y comprobar si algo llama tu atención, entonces el trabajo en la imagen de esa manera por un tiempo. Hago esto todo el tiempo. Trabajaré en la imagen y la nuestra en una dirección. Y luego lo volteo. Y luego trabajo en él durante una hora esa dirección, y la volteo hacia atrás, hago una Capa de Ajuste en blanco y negro y compruebo si el esquema de valor sigue siendo fuerte. Ahí hay una obra de escena en blanco y negro. ¿ Los valores están a la deriva a bajo o alto en contraste? ¿ Están a la deriva en general demasiado oscuros o claros? También ha depuesto desplazado de la referencia o del post estudio. Aquí vemos un ejemplo de eso. A medida que el poste se desplazó durante el cuadro, coloca tu boceto de post sobre el personaje actual y comprueba que aún quepan correctamente en su atuendo o que su atuendo encaje correctamente en ellos. Entonces cuando un personaje como este donde tienes una armadura grande y voluminosa y todo tipo de capas de materiales está en el personaje. Puede ser que empieces a cambiar las formas de estos tipos y no te des cuenta que de hecho, la figura humana ya no encajaría naturalmente dentro de esa pose. Entonces quieres volver a comprobar eso y asegurarte de que no solo has contorneado a tu personaje en una posición antinatural. Y has buscado retroalimentación de muelles de arte o de un instructor profesional? Esta puede no ser siempre la opción si estás bajo un NDA, pero es algo que es una buena opción si no eres tan buena, algunos comentarios ven desde ojos frescos, desde el punto de vista de otra persona. De acuerdo, ahora pasamos a los detalles finales. Estamos casi hasta el final. 34. Detalles finales y conclusión: Los detalles no hacen una imagen, pero usan correctamente. Pueden hacer que se sienta más real y sea más visualmente interesante. Así que empieza por detallar en los puntos focales y es probable que encuentres que no tanto detalle como sea necesario en otros lugares. Ahora los puntos focales son donde la gente quiere mirar más y ahí es donde debe estar la mayor parte del detalle. De hecho, demasiado en detalle y áreas no focales en realidad pueden estar distrayendo enImage, todo recibe una señal cantidad de detalle. Básicamente dice que todo es igualmente importante. Y eso no queremos. Queremos que la mayor parte de la atención y la mayor parte del detalle estén en esos puntos focales. De acuerdo, los detalles para estar prestando atención a los puntos focales y sobre todo a las caras de los personajes no saltan en las fases. Renderizado de materiales. ¿ Se llena la tela como tela? ¿ Se moja el agua llena? ¿ El metal se siente endurecido, brillante? Representación de material de doble comprobación, intentemos mantenerlo alejado de ser todo ese mismo tipo de tono plasticky. comprobar tu trabajo de borde. Elimina los bordes de selección duros con un medio tono para suavizar. Si estás usando mucha masa o aristas de selección durante tu proceso de pintura, probablemente vas a tener esto realmente duro en el borde afilado digital. Y a veces se necesita eso. Pero la mayoría de las veces aún no lo hacen. La mayoría de las veces va a ser mejor si solo lo ablandas un poco. Y a veces lo correcto es conseguir un poco de medio tono, un medio tono puro. Y que puedes correr justo a lo largo del borde para ayudar a suavizar entre los dos tonos. Entonces, ¿cuándo está terminada la imagen? Bueno, puede considerarse terminado. Y cuando te quedas sin tiempo, sí, ese es realmente básico. Pero si llegas a tu fecha límite, ya está hecho, hombre. Entonces, dondequiera que esté, está terminado. Tienes que darle la vuelta de otras maneras, agregando más exceso de trabajo de madera y bajando su energía. No quieres hacer eso. No quieres trabajar en ello tanto tiempo que desaparezca la energía general y la ralladura y frescura de la imagen. Considera también que si dice todo lo que necesita decir, probablemente esté hecho, por eso no hace falta que todo sea detallado. Si se trata de transmitir cierta emoción de ella se trata de conveniencia, cierta idea, bunker Venus o una acción. Y ahora la imagen ya está haciendo eso y puede que sólo se haga. Entonces no te preocupes por ello. Por último, más sería superfluo y menos sería inadecuado. Off preocúpate, aprendí éste, pero me gustó mucho. Entonces se lo voy a pasar a ustedes chicos. Si agregaste más a la escena en este punto y sientes que sería superfluo, entonces no agregues más. Pero si fuera a quitarle algo y simplificar más la escena de aquí y se sentiría más inadecuada. Es decir, probablemente tengas el equilibrio adecuado. Más sería esperma Oculus. Menos sería un adecuado. Suena como las imágenes probablemente terminadas. ¿ Qué intentas establecer en esta etapa de detalle? Tonos Will, hacer cualquiera de las grandes áreas tonales necesitan ser ajustadas para que la imagen de lee mejor cuando es pequeña. Esto no es realmente una cosa detallada. Se parece más a un ajuste final y sin duda es algo que debes considerar en esta etapa. Ahora este fue el caso con la Pegasus que necesitaba ser iluminada. Aquí había estado trabajando en el Pegasus y todo se veía bastante bien para sí mismo. Pero en general, solo estaba metiendo un poco demasiado en los tonos medios, poniéndose un poco demasiado oscuro, y llegando a similar y tonificando a la espalda. ¿ Lo comprobaré contra mi esquema de valores original? Y darse cuenta de que estos chicos en general necesitan ser un paso decente más ligero que el fondo. Entonces simplemente lo iluminé. También unificé sus colores para que estuviera en general un poco más cálido que el fondo. Y no está usando tanto blues como el fondo son caras. Se debe prestar especial atención a los rostros. Incluso los no humanos. Aclarar cualquier forma imprecisa en las sombras, ayudar a transmitir la textura de servicio correcta. Y comprueba dos veces la expresión. Segunda lectura. Este es el momento de ponerlo en una segunda lectura detalles como costura, papeles text-align, letreros, etiquetas, arañazos, intemperie, etcétera. Estos detalles no van a hacer que la imagen, pero sí la hace sentir un poco más real. Y sí lo hace sentir un poco más táctil. Y la segunda lectura, se llama así porque a primera vista de la imagen, realmente no te das cuenta de esta costura. No te das cuenta de los bocetos ni de las líneas en el papel. Te has dado cuenta de la escena general, te haces una idea de lo que está pasando en la escena en general. Pero en la segunda lectura, estás girando más tiempo, tus ojos vagando por ahí y estás recogiendo pequeños detalles en la escena. Genérico. Cualquier cosa que aún sea demasiado genérica debe ser reelaborada para ser más única e interesante. Este fue el caso de este guardia de Espadas aquí. Esto se basó en una foto que vi. Pero francamente simplemente no es tan interesante. Y no es realmente tan único. Entonces nuestra la reelaboró para que fuera mucho más interesante mirar una película como la hoja personal de alguien y que tal vez fuera hecha a medida. Por lo que este sería un buen ejemplo de tomar algo de genérico a ser más único. El proceso de ilustración ya está completo. Por lo que quiero agradecerles por acompañarme a lo largo de este material. De verdad espero que te resulte útil. Y si quieres comprometerte más y poner en práctica estas cosas, odio. Corro retos de arte cada mes. Podrás echar un vistazo a esos en mi canal de YouTube, youtube.com slash swatches. Prueba esto, de acuerdo, ve a buscar un esquema, encuentra una competencia, recoge un trabajo, y sigue el material. Creo que te resultará útil. Y hasta que te vea la próxima vez, mantente dibujado.