Transcripciones
1. Introducción: Hola ahí. Mi nombre es Katherine. Soy diseñadora e ilustradora. Hago diseño de producto digital, pero también dirijo mi propio pequeño negocio llamado Meridrop, haciendo artículos para el hogar motivacionales y alegres y estacionarios. En esta clase, te estaré mostrando cómo hacer tu propio hermoso póster motivacional con una de tus citas favoritas y dibujado con las Herramientas de simetría en Procreate. A lo largo de esta clase, aprenderemos un par de teclas juntos. Escogiendo una paleta de colores limitada, bosquejando diseños para encontrar uno que funcione con tu cotización. Usando herramientas en Procreate con Herramienta de simetría y agregando texturas y profundidad a tu arte digital para que destaque. Esta clase está dirigida a estudiantes que tengan alguna experiencia haciendo arte digital, y específicamente, para beneficiarse más de esta clase, necesitaremos un lápiz iPad y Apple, así
como alguna experiencia con el Procreate aplicación de dibujo en el iPad. En cuanto a quién debe tomar esta clase, realmente está destinado para cualquiera, así que si haces arte para ganarte la vida o
solo quieres robarte algunas tarjetas o carteles para tus amigos. Vamos a estar creando carteles juntos, pero puedes usar lo que aprendes en esta clase para hacer casi cualquier tipo de producto físico. Por ejemplo, en lugar de un póster, podrías hacer postales, pegatinas, o incluso almohadas. Realmente cualquier cosa que te puedas imaginar imprimiendo. Al final de esta clase, tendrás tu propio cartel hermoso con tu cotización favorita. Pero también habrás aprendido lo que necesitas para seguir haciendo arte digital cohesivo, hermoso con mucha vida y textura.
2. Proyecto de clase: Para tu proyecto de clase estarás haciendo, de principio a fin, un cartel con una de tus cotizaciones favoritas. Todos los carteles detrás de mí son ejemplos del resultado final. Aunque, por supuesto, el tuyo va a verse un poco diferente dependiendo tu estilo personal y de la inspiración que encuentres. Caminaremos por todo este proceso juntos. En primer lugar, te compartiré algunos consejos sobre escoger una cotización. Después nos sumergiremos en coleccionar inspiración para informar los elementos gráficos, elementos de
ilustración, paleta de colores, tipo y estilo de tu póster. Después empezaremos a bosquejar diferentes diseños en Procreate para ver qué va a funcionar en torno a tu cotización y también empezaremos a aprender sobre la herramienta de simetría. Entonces comenzaremos a finalizar tu póster, aún usando la herramienta de simetría para crear tu obra final y ponerla en tu paleta de colores. Por último, añadiremos algunos toques finales con textura y detalle para que tu póster tenga más profundidad. Asegúrese de documentar su proceso y compartir cada paso del mismo en la galería de proyectos para que todos en la comunidad puedan aprender e inspirarse en los proyectos de los demás.
3. Elegir una cita: Cuando estás eligiendo una cotización, hay pocas cosas que debes tener en cuenta. El primero es la longitud de la cita. ¿ La cotización es fácil de exhibir y leer en un póster? Obviamente, hay una gama de longitudes que pueden elegir, y también puedes incluir algunas cotizaciones más largas. Pero probablemente no quieras escribir como una página completa, o párrafo en tu póster. En segundo lugar, la claridad. ¿ Es comprensible la cotización sin contexto? Si vas a publicar tu cotización, o tu póster, supongo que en algún lugar en línea, por ejemplo, Instagram. Definitivamente puedes usar tu leyenda, o las otras partes alrededor de tu pieza para realmente contar más de tu historia. Pero si vas a imprimir tu póster y ponerlo en una pared, no debería ser súper confuso para la gente lo que significa la cotización, a menos que ahí sea por donde vas. Entonces lo tercero son las imágenes. ¿ La cita trae consigo alguna imagen o símbolos específicos, que podrían ayudarte a pensar en lo que quieres incluir en tus elementos de ilustración? Por supuesto que está bien si no se te ocurre nada, o si la cotización es simplemente muy general y no trae nada específico. Por ejemplo, a menudo incorporo una gran cantidad de florales y elementos botánicos en mis carteles, aunque realmente no tenga nada que ver con la cotización original. Pero si sí tiene algo específico, te ayudará a pensar en lo que quieres ilustrar, y cómo podrías desear poner tu póster. Ahora hablando un poco sobre dónde encontrar tus cotizaciones. Una de la que a menudo extraigo son mis propios pensamientos. Tengo un diario bastante ocasionalmente, pero a veces voy a volver y tratar de buscar cosas en las que estaba pensando, y tal vez como citas de mi diario de las que podría sacar. También puedes, por supuesto, buscar cotizaciones sobre casi cualquier cosa en Internet ahora, decir citas sobre creatividad, o citas sobre soledad, o lo que sea que realmente te esté tirando ese día. Si realmente te interesan las afirmaciones positivas, hay tantas en línea. Este es un tema realmente bueno para un póster en realidad, porque si sí quieres colgar tu afirmación positiva en tu habitación, un póster es un recordatorio físico realmente bueno para ti. Por último, citas de libros, o películas. Creo que este es otro gran porque te ayuda a relacionarte con un público más amplio, dicen personas que antes no hubieran sabido de tu arte. Si han visto la misma película, o han leído el mismo libro y son realmente grandes fans de ella, podrán relacionarse con tu arte. A menudo los libros y las películas tienen citas realmente grandes y memorables. La cita que terminé eligiendo es : “Hasta la noche más oscura terminará y el sol saldrá”. Esta es una cotización de Victor Hugo, de mi musical favorito Les Miserables. No sé si estoy diciendo eso correctamente, pero esta es la cita por la que voy a dibujar mi póster. Ya verás cómo informo a mi pizarra de humor en la inspiración que colecciono, y eventualmente, el diseño y el arte final.
4. Coleccionar inspiración: Ahora que tienes tu cotización, es hora de saltar y empezar a reunir inspiración a su alrededor. Por supuesto, si ya tienes una muy buena idea de cómo quieres que luzca tu póster, qué tipo de colores quieres usar, y las imágenes que quieres incluir,
puedes ir directamente a bosquejar, pero siempre me gusta hacer un poco de investigación e inspiración reuniendo solo para ver cómo puedo expandir mis ideas. Estas son algunas cosas para las que me gusta encontrar inspiración. El primero son los colores. Una paleta de colores limitada realmente puede ayudar a que tu arte destaque. Puedes limitarte a dos o tres colores si realmente quieres ser estricto al respecto,
pero mis paladares personales suelen incluir alrededor de cinco o seis colores principales con algunos tonos diferentes de cada color en el medio. Segundo, me gusta mirar a lo que llamo estilo del cartel. ¿ Se basa más en la tipografía o más en la ilustración mientras que el tipo toma un asiento trasero? ¿ Se ve todo realmente dibujado a mano y tiene un poco de ese borde áspero en el estilo, o es realmente limpio y vectorizado y tiene más del look digital? Por último, me gusta buscar ejemplos de imágenes o símbolos que podría querer incluir, por lo que más como elementos gráficos e ilustrados de su póster que ayude a apoyar el mensaje de su cita. Cuando buscas inspiración en línea, es posible que veas algunos de todos estos elementos que quieres meter en tu póster. Por coleccionar inspiración, me gusta mucho usar Pinterest porque es tan fácil guardar todas tus ideas en un solo lugar y Pinterest en
realidad tiene tanto contenido que solo podrías quedarte en Pinterest, o si tienes tus propias fotos o tus propios recortes de revista que quieras referir, puedes subir esos como tu propio pin y que todos se sientan juntos en tu pizarra. He creado un tablero de humor en Pinterest para que esta clase recoja inspiración e incluye un montón de imágenes que me gustaron mucho que pensé o el color realmente se destacó para mí donde tenía algunos elementos gráficos que pensé eran realmente cool, así que quería guardarlo para poder referirme más adelante. El genial de Pinterest es que aunque solo tengas unos alfileres en el tablero, así que por ejemplo aquí, realidad no tengo tantos alfileres en mi pizarra, le
recomendarán más ideas para tu pizarra. partir de los que tengo aquí, mostrarán más contenido de Pinterest que es similar en estilo, o tal vez sea del mismo artista, y de esa forma, puedes tirar cada vez más contenido para simplemente inspirar tu propio trabajo. El presupuesto que he elegido para mi póster es : “Hasta la noche más oscura terminará y el sol saldrá”. Entré y solo jalé un montón de imágenes que pensé que realmente me destacaban en el contexto de esta cita. Por ejemplo, algunas de estas imágenes de sol que se pueden ver tienen un estilo realmente dibujado a mano, que es más de mi estilo personal. En realidad no voy por el look de línea digital
vectorial realmente limpio . Me gusta mucho tener un poco de bordes ásperos y textura en mi arte. Entonces algunas de estas, como la paleta de colores realmente me destacaron, así que creo que veo tres temas principales de paleta de colores entre los que podría terminar eligiendo. Una es este fondo realmente oscuro que se puede ver en un par de estos en realidad, con colores realmente brillantes que salen de ese fondo. Creo que eso es realmente, realmente genial. Otra es tener más de una paleta neutra. Por ejemplo, este pin o este con este gradiente de colores donde ninguno de ellos realmente se destaca como el principal pop de color ahí, pero todos están encajando realmente bien. Entonces el último tema que realmente me gusta es este look monocromático donde
realmente están tomando un color y simplemente agregando diferentes tonos de eso. Por ejemplo aquí, todas son diferentes tonalidades de rojo y creo que esa podría ser otra escena genial. El principal que quieres tener en cuenta con inspiración es que no quieres copiar lo que están haciendo otras personas. Por ejemplo, si tomara la paleta de colores de uno de estos pines, no
me gustaría también copiar como los símbolos que hay en ella o copiar el estilo necesariamente. Creo que lo que realmente quieres es mirar todas estas cosas que realmente resuenan contigo y escoger pedacitos y piezas que puedes usar para informar tu propio trabajo e incorporar a tu propio estilo. Podría inspirarme en los colores, pero también mirar los símbolos de otra pieza o mirar la forma en que la gente ha dibujado, por ejemplo, esta pieza sin ningún contorno sobre los personajes. Ese es el tipo de cosas de las que estoy hablando cuando estoy recogiendo inspiración. Es realmente igual que todos estos pedacitos y piezas de trabajo que me gusta mucho que digo: “Oye, tal vez pueda intentar explorar ese tipo de concepto en mi propio trabajo”. Al alejarme un poco de Pinterest, he creado un poco de resumen aquí de todas las cosas para las que había querido reunir inspiración. Entonces uno para los colores, decidí ir con esa paleta de colores que realmente me gustó con el fondo azul más oscuro, casi medianoche. Entonces agregué en algunos colores que pensé que realmente estallarían con él. Dos, para el estilo, elegí dibujado a mano, que básicamente es siempre mi estilo personal. Por lo que realmente no es único a este cartel. Pero finalmente, para las imágenes, pensé que algunos símbolos o imágenes que iban realmente bien con mi cita es un sol y estrellas, obviamente, ya que la cita menciona el sol saliendo. Entonces también pensé que la cita me recordaba como una promesa de que la noche más oscura terminaría y siempre hay esperanza en el futuro, y pensé que arcoíris o flores, cualquier tipo de símbolo de vida realmente iría bien con eso. Yo también quería explorar esos conceptos. No estoy diciendo que definitivamente los voy a agregar, pero definitivamente algo a tener en cuenta cuando estoy dibujando y tratando de averiguar qué va a entrar en un cartel.
5. Uso de la herramienta de simetría: Ahora bien, si eres un [inaudible], ojalá tengas una buena idea de cuál va a ser tu paleta de colores, así
como algunas de las inspiraciones de estilo e imágenes que tal vez quieras incluir en tu pieza. Paremos en Procreate, y empecemos a aprender sobre la herramienta de simetría, y cómo podemos usarla tanto para nuestros bocetos como para nuestra obra final. Una vez que abras Procreate, querrás seguir adelante y crear un nuevo lienzo usando este icono de arriba a la derecha. Ahora, puedes ver que puedes establecer el ancho y la altura de tu lienzo, que va a ser del tamaño de tu arte. Entonces, dependiendo de lo que intentes imprimir, o del tamaño de póster que quieras crear, asegúrate de tener en cuenta esas dimensiones, y consulta con la imprenta que tal vez quieras usar. También quiero mostrarte que cuanto más grande sea tu lienzo, menos capas tendrás que trabajar. Por ejemplo, aumentar la altura aquí ha reducido drásticamente el número de capas máximas. Yo sólo voy a seguir adelante y mantenerlo en 3,000 por 3,000. Se puede ver que el DPI aquí es de 350, que es realmente alto. Por lo que es bastante bueno para imprimir en un producto físico en cualquier lugar. Ahora cambiando a la opción de perfil de color, verás que tienes dos opciones grandes. Digamos que tienes RGB y CMYK. RGB está destinado principalmente para arte digital mientras que CMYK puede ser utilizado por las impresoras. Entonces definitivamente revisaría con cualquier imprenta con la que decidas ir, qué tipo de formatos aceptan, y luego basar tu decisión fuera de eso. Voy a saltarme las opciones de propiedades time-lapse y Canvas aquí, sólo porque no son tan relevantes para lo que vamos a estar haciendo. Una vez que he creado mi lienzo, puedes ver que es solo un tablero de arte blanco en blanco, y vamos a sumergirnos en cómo usar herramientas de simetría. Al tocar este icono de herramienta, que es el primero en la parte superior, verás que tienes un par de acciones. Tocaré en la acción Lienzo, y puedes ver aquí que hay una opción de guía de dibujo que puedes activar y desactivar. Una vez que eso esté activado, puedes pulsar en “Editar guía de dibujo” y verás que tienes las opciones para cambiar básicamente todos los ajustes de esta guía. Voy a pasar a la última opción llamada simetría, y se puede ver que se tiene un par de opciones de guía diferentes; vertical, horizontal, cuadrante, radial. Esto son solo diferentes formas en las que tu arte se va a reflejar sobre estas guías. Voy a ir con la vertical, lo que significa que las mitades izquierda y derecha se reflejarán entre sí. Aquí puedes ver que también puedes ajustar el grosor, la opacidad de la guía, y esto es realmente solo para ayudarte a ver mejor la guía. También puedes ajustar el color en caso de que sea más difícil ver ciertos colores encima de tu obra. Ahora, volviendo al tablero de arte en sí, vamos a ajustarnos para que puedas ver todo el tablero de arte. Si entras en tu panel Capas, que es el icono de la parte superior justo aquí, realidad
puedes ver que esta capa que tenemos, dice Asistida en la parte inferior. Lo que eso significa es que el Asistente de dibujo está activado al tocar la capa, y eso significa que la simetría está activada. Entonces lo que sea que dibuje a la izquierda o dibuje a la derecha se
reflejará en el otro lado de esta guía, y sí, funciona. Si vuelvo al panel Capas y decido desactivar Drawing Assist en esa capa, verás que la etiqueta Assist en la capa desaparece, y lo que sea que dibuje en el lado izquierdo, en el lado derecho no se reflejará. Simplemente dibujé algo realmente aleatorio que era como un dibujo normal. Voy a volver a activar Asistente de dibujo, y se puede ver que ahora el dibujo en realidad se refleja de nuevo. En realidad, otro método que más me gusta es simplemente mantener las cosas en diferentes capas. Aquí puedes ver que mi Capa 2 no tiene activado el Asistente de dibujo, por lo que es solo una capa de arte normal. Aquí puedo escribir, puedo dibujar cosas que no quiero que se reflejen sobre la línea, y creo que esto es solo una forma más limpia de organizar tus capas y apagar y en Dibujo
Asistido para una sola capa siempre que quieras algo ser simétrico o no. Analicemos algunos ejemplos de los diferentes tipos de simetría, y cómo aparecerían en una obra de arte. Ya miramos la simetría vertical, pero básicamente la idea es que tu guía esté cortando tu arte a la mitad de arriba a abajo, por lo que lo que hay a la izquierda se reflejará a la derecha y viceversa. Obviamente, también puedes ver aquí que la cita que he escrito arriba es lo único que no es simétrica en esta pieza, Desafortunadamente, no uso mucho la simetría horizontal en mi obra, pero solo quería mostrarte un ejemplo girando el último dibujo en 90 grados, y se puede ver aquí que la guía realmente cortaría de izquierda a derecha, por lo que lo que hay en la parte superior se reflejaría hacia abajo. simetría de cuadrante también es muy interesante, y brinda muchas oportunidades para seguir jugando con la simetría. Aquí puedes ver que con simetría de cuadrante tu arte se cortará tanto de arriba a abajo como de izquierda a derecha. Entonces lo que hay en cada uno de estos cuatro cuadrantes se refleja en los otros tres. Por último, en simetría radial, se complica aún más con tu arte siendo cortado en muchas direcciones diferentes, y con esto puedes conseguir muchos patrones realmente bonitos e intrincados. Aquí puedes ver que esta es incluso una buena manera de hacer un patrón de mosaico repetido, por ejemplo, sobre todo cuando quieres un poco más de ese estilo elegante donde tienes muchos detalles.
6. Dibujar diferentes diseños y conceptos: Entrémonos en bosquejar. El presupuesto que he elegido para mi póster hoy es incluso la noche más oscura terminará y el sol saldrá. También puedes bosquejar con solo un bolígrafo y papel. Pero como queremos que nuestro póster final sea simétrico, sólo
me resulta mucho más fácil hacer el bosquejo correcto y apropiado donde realmente pueda ver
la simetría que se está haciendo en vivo en lugar de tratar de hacer que la simetría suceda en el papel. Genial. Ahora antes de saltar al bosquejo, aquí hay algunos consejos. El objetivo del boceto es realmente crear el plano para tu pieza. Por lo que encontrar un layout que ambos funcione con tu cotización e incorpore algunas de las imágenes relevantes. Por ejemplo, las imágenes y los símbolos que encontraste mientras recogías inspiración. Siempre trato de hacer algunos bocetos tal vez dos o tres o incluso más que eso antes de decidirme por uno de los diseños solo para estirar mis ideas y tratar de llegar
a conceptos que tal vez no pensé durante mi primer boceto. Por último, siento que bosquejar se trata de enfocar en la estructura general de la pieza y cómo encajarán las ilustraciones de tu cita. Pensar en colores exactos puede venir más tarde. Por supuesto, si lo deseas, también
puedes intentar agregar un poco de color a tu boceto para ver cómo funcionarán juntos los colores. Pero encuentro que a menudo cambio mis colores más tarde en el arte final de todos modos, y te mostraré un par de consejos para eso más adelante. Por ahora solo céntrate en tu estructura general y diseño. Aquí a la derecha se puede ver el boceto que hice para una de mis piezas anteriores. Te mostraré cómo los elementos finales del dibujo se sentaron encima de ese boceto. Como se puede ver, en realidad se quedó bastante cerca del boceto inicial, pero en algunos casos, la obra final que sí sí termina mostrando bastante si siento que, en medio del proceso de arte final, algunos los elementos simplemente no están trabajando juntos y voy a cambiar algún posicionamiento o cambiar un poco el diseño. Pero espero que esto te dé una buena idea de lo útil que
puede ser el boceto como plano para refinar tu arte más adelante. Empecemos esbozando nuestro primer concepto. Para el concepto número 1, pensé en el sol saliendo del valle y también pensé en los rayos del sol como una
especie de motivo del arco iris y la luna y las estrellas están arriba como si el sol lo estuviera empujando fuera del camino o los motivos de la planta están sentados en la parte inferior compartiendo que el sol está trayendo vida, y la cita está ahí sentada en medio. Se puede ver que he incorporado bastante de las diferentes imágenes de las que
hablé en la sección de inspiración y ya veremos cómo va el próximo concepto. Tiempo para nuestro concepto número 2. En este concepto, quería llevar a la vanguardia la metáfora de la vida de las plantas. Tengo un sol casi como crecer fuera de la mitad de la flor. No estoy seguro de lo clara que va a ser esta metáfora, pero espero que los colores ayuden a unirla. Solo estoy agregando un poco de detalle extra como los rayos del sol y las hojas para ayudar a destellarlo un poco más. También estoy agregando las estrellas en la parte inferior como si el sol estuviera alejando esas estrellas, y ahora tengo mi cotización arriba en la parte superior para equilibrar todo. Por último, sólo añadiendo unos pocos rayos de sol más solo para ayudar a igualar toda la imagen. Ahora saltemos a nuestro concepto final. Para el boceto número 3, el concepto va a tener el sol como elemento central otra vez, pero esta vez realmente tomando el centro del escenario. Tengo los rayos del sol emanando del medio, y voy a dibujar en un par de manos sosteniendo el sol. Esto va a ser un poco difícil, así que tendremos un par de intentos para que las manos se vean un poco más mano-parecidas. El motivo por el que quería sacar las manos es compartir que los humanos están sosteniendo el sol, que es un símbolo de esperanza y vida para el futuro. Ahora solo terminando las cosas agregando la cita, que será un poco interesante porque estoy tratando de
incorporarlo al propio sol y luego finalmente rodearlo con estrellas, demostrando que los rayos del sol se están alejando la oscuridad. Ahora tenemos nuestros tres conceptos, nuestros tres bocetos sentados uno al lado del otro. Es hora de decidir cuál realmente queremos usar para nuestra obra final. sólo mirar estos tres de lado a lado, creo que los dos primeros son un poco más visualmente interesantes, hay más elementos, hay espacio para un poco más de detalle ahí. Lo he reducido a los dos primeros conceptos, el sol que sale del valle y el sol que crece de una flor. Pero sí creo que me gusta el concepto de la primera sólo porque incluye tanto más imágenes y también tiene un poco de esa metáfora del arco iris y también me permite dibujar en la luna, lo
que la hace un poco más clara qué es la oscuridad, donde está el cielo en relación con el sol y las flores y las plantas. Por ahora voy a ir con el concepto número 1, aunque definitivamente podría intentar explorar
las tres con más detalle y ver cuál funciona con colores. Saltemos a la siguiente sección.
7. Refining tu arte: Antes de empezar, un consejo rápido es hacer realmente tu paleta de colores en Procreate para que sea realmente fácil
dibujar a partir de los mismos colores que estás haciendo tu arte. Ahora, empecemos a convertir realmente nuestros bocetos en nuestra obra final. Se puede ver aquí que tengo mi boceto como capa base y realidad
he bajado la opacidad a alrededor del 15 por ciento, 20 por ciento, sólo para que todavía pueda ver mi boceto, pero no está demasiado en el camino como estoy dibujando. También voy a activar Drawing Assist para una nueva capa solo para iniciar mi nuevo arte y también voy a hacer de mi fondo el color más oscuro en mi paleta de colores. Ahora, puedes ver que realmente no puedo ver mi boceto así que en realidad voy a
ir al panel Capa e Invertir mi boceto para
que el color del boceto sea más claro en vez de más oscuro, y de esa manera aún puedo verlo. Sólo por buenas prácticas, voy a renombrarlo como Mi capa de boceto solo para saber cuándo estoy buscando en el panel Capas. Ahora que tenemos el color de fondo y la capa de boceto en su lugar, solo
podemos empezar a dibujar en nuestro arte final. Este paso debe ser bastante sencillo porque ya tienes tu boceto y sabes usar Drawing Assist para usar sus Herramientas de simetría, por lo que realmente se trata de convertir tu boceto en el arte coloreado final. Un consejo que sí tengo es mantener todos tus colores en diferentes capas. Se puede ver aquí que este dibujo azul parecido a una llana, me estoy quedando en una capa separada y ahora voy a empezar a dibujar el sol en pero en una capa diferente. De esta forma podrás cambiar tus colores realmente fácilmente más adelante. Si quisieras, podrías dibujar todo en una capa, pero imagínate si quisieras cambiar el color de un elemento, sería realmente difícil volver a elegir ese elemento y cambiarlo sin afectar todo sino en tu obra final. Sólo por esa razón, aconsejo mantener tus capas separadas y trabajar con tantas de ellas como puedas solo para que tengas un momento más fácil con la limpieza y si quieres cambiar algo, puedes hacerlo realmente fácilmente sin impactar el resto de tu arte. Una cosa más a tener en cuenta mientras estás haciendo tu obra final es que está totalmente bien desviarte de tu boceto original. A medida que estás dibujando tu arte final y poniendo tus colores, podrías darte cuenta de que algunas de las cosas que se veían bien o pensabas que podrían quedar bien en forma de boceto, en realidad
no funcionan cuando estás poniendo los detalles y los colores. En estos casos, puedes probar diferentes diseños, diferentes patrones, y podrás ver en la comparación final en realidad que sí
cambié mucho del posicionamiento de la planta, Aquí puedes ver que empecé a dibujar las plantas en un patrón horizontal, mientras que en mi
boceto, las tenía dispuestas más verticalmente, pero sólo pensé que toda la pieza fluía mejor junto con las plantas siendo horizontales. Por lo que está totalmente bien cambiar de opinión mientras estás dibujando, todo
es parte de tu proceso creativo. Increíble. Ahora, tenemos nuestra obra casi final, debo decir, sólo porque no hemos agregado esa capa final de texturas y profundidad a la pieza, pero casi estamos ahí y la pieza final va a terminar luciendo muy similar a ésta, pero con un poco más de detalle. Saltemos a cómo agregar textura.
8. Agrega texturas y profundidad: Para los toques finales a nuestros carteles, quería repasar dos temas. Uno es ajustar los colores para llevarlos a donde queremos que estén. Dos es agregar texturas para darle a nuestros carteles un poco más de esa sensación hecha a mano. En primer lugar, vamos a saltar a cómo ajustar los colores. Para hacer una demostración de cómo cambio de colores en una capa, voy a usar esta capa de colina azul como ejemplo. El primer método es utilizar los deslizadores de tonalidad y saturación y brillo en el menú de ajustes. Una vez que toques esa opción, verás subir un montón de deslizadores en la parte inferior. El primero realmente cambia el tono, lo que significa el color en el espectro de colores. También puedes cambiar la saturación, que es igual a cuánto color hay versus qué tan gris es. Entonces el tercer deslizador se ajusta para el brillo, qué tan oscuro o claro es ese color. Puedes hacer eso para hacer pequeños ajustes si solo quieres ver
cómo podría verse un color diferente o brillo diferente con esa capa. El segundo método es lo que llamo el método Alpha Lock. En el panel de capas, voy a seguir adelante click “Alpha Lock” en la capa de colina azul. Lo que eso significa es que sólo los píxeles que ya tienen color en ellos se verán afectados por cualquier cosa que haga en esa capa ahora. Si tengo un color específico que quiero usar, por ejemplo, quiero cambiar el color de este cerro a este rosa, puedo seguir adelante y pintar con un pincel realmente grande ahora. Sólo va a afectar a los píxeles que tienen color. Por lo que sólo colores en la parte que ya está el cerro. No va a afectar a ninguno de los píxeles transparentes. El otro método es llenar la capa. Esto se puede hacer desde el menú de capas. Nuevamente, sólo va a poder llenar los píxeles que tienen color. Esa es otra buena manera de hacerlo. Básicamente el primer método que diría es más si quieres hacer ajustes menores, o simplemente jugar con el color y ver qué pasa. El segundo método es un poco más preciso. Para empezar, ya sabes a qué color quieres cambiarlo. Entonces solo puedes seguir adelante, Alpha Lock y limpiar sobre él. Muy bien, saltemos a añadir texturas. Mi secreto para agregar texturas es usar realmente fotos texturizadas. Si vas al menú de acciones, pulsa “Añadir” e inserta una foto, abrirá tu galería de fotos en tu iPad. Aquí puedes ver que en realidad he guardado un montón de imágenes texturizadas que me gustan mucho. Podrás encontrarlas en línea o tomar tus propias fotos, lo que sea que te funcione. Una vez que toques una de estas fotos, caerá justo en tu lienzo donde podrás usarlo para empezar a texturar tu obra de arte. Puedes usar básicamente cualquier textura. Aquí, tengo papel y acuarela, dos texturas que creo que funcionan muy bien y le dan más de esa sensación artesanal. Empecemos agregando esta textura de acuarela a nuestro sol medio. Esto es lo que llamo textura de una sola capa, que básicamente es simplemente aplicar una textura a una sola capa en tu arte en lugar de todo el lienzo. En el panel de capas, primero, voy a empezar por golpear “Seleccionar” al sol. En el panel inferior aquí, se
puede ver que puedo seguir adelante y tocar “Invertir”. Lo que esto significa es que ahora he seleccionado toda la zona de mi lienzo excepto por mi sol. Ahora cuando abro la textura, puedo seguir adelante y decir “Clear”, lo que significa que toda la zona fuera del sol será despejada. Voy a arrastrar la textura encima de mi sol. Ahora puedes ver que la textura de la acuarela es básicamente del mismo tamaño y forma que el sol. Se ve bien la textura, pero no queremos que nuestro sol sea azul. En el modo de mezcla, voy a ponerlo en superposición. Pero puedes usar cualquier modo de mezcla, así que solo prueba todos y ve qué crees que se ve mejor con la textura. Debido a que nuestra capa de acuarela es azul, ha distorsionado el color del sol. Al ir a los ajustes y los deslizadores de tonalidad y saturación, voy a bajar a cero la saturación de la capa de acuarela, que
así tengamos el color original de nuestro sol, pero con la textura añadida de esa acuarela. En el panel de capas, se
puede ver que la capa de acuarela se volvió de azul a esta cosa de aspecto fantasma gris y eso es lo que queremos. Ahora voy a hacer esto para nuestra capa de textura de papel. Hablemos de la textura entera del lienzo. Ahora queremos cubrir todo nuestro lienzo con una sola textura, que va a ser esta textura de papel aquí. Voy a seleccionarlo y sólo ampliarlo para cubrir todo el lienzo. De nuevo en el panel de capas, puedes cambiar el modo de mezcla, así que lo he cambiado para superponer de nuevo. Ahora, cuando acercas el zoom, en realidad
puedes ver que hay un poco de esa textura de papel sobre toda la obra de arte. Ha cambiado un poco el color para ser ese color amarillento del papel. En realidad puedes ajustar el tono solo para ver cómo puede atar toda tu pieza al agregar un nuevo color en la parte superior. Pero en este caso, sólo voy a bajar de
nuevo su saturación por lo que tenemos todos nuestros colores originales. Pero aún se puede ver que la textura del papel está sentada en la parte superior. Ahora solo es cuestión de seguir agregando texturas a cada capa. Por ejemplo, la luna arriba, las otras partes del sol, el cerro. Simplemente voy a avanzar rápidamente a través de eso mientras sigo aplicando la estrategia de textura de una sola capa a todas nuestras capas. Otra cosa a tener en cuenta es que si sientes que la textura es demasiado abrumadora, tal vez no se vea realista porque es simplemente demasiado brillante, puedes bajar la opacidad de esa capa y de esa manera se verá un poco más sutil sobre tu obra de arte. Ahora que se agrega la textura, estamos hechos. Hagamos una comparación del boceto con nuestra obra casi final sin las texturas, y nuestra obra final con todas las texturas y un poco de detalle extra agregado. Podría ser difícil decir desde lejos cómo la obra casi final y final son diferentes. Pero si acercas y miras los detalles, realmente
hace una diferencia solo para ver un poco de esa textura que aporta un poco de encanto extra a tu obra digital. Con eso, terminamos. Aquí está la pieza final.
9. ¡Envoltura!: Muchas gracias por unirte a esta clase. Espero que hayas tenido un montón de diversión y también hayas aprendido muchas nuevas habilidades para llevar adelante contigo en tu entrenamiento artístico. No olvides documentar todo tu proceso desde tus tablas de humor e inspiración hasta tus bocetos, hasta tu obra de arte final, y compartirlo con todos en nuestra comunidad a través de la galería de proyectos. No puedo esperar a ver lo que todos ustedes vienen con y nos vemos la próxima vez.
Katherine Liu, Designer & Artist
