Ilustración y negocios: concepto básico de los portafolios y cómo fijar el precio de tu arte

1. Introducción: Hola. Mi nombre es Kendyll Hillegas y soy ilustrador freelance de tiempo completo. Como artista comercial, trabajo con clientes grandes y pequeños en todo, desde una vestimenta hasta editorial hasta empaques. Lleva años, pero he construido mi negocio para que no solo sobreviva como artista, sino prosperando. Trabajando regularmente con clientes como el Wall Street Journal y Real Simple, así como con las principales marcas de alimentos nacionales e internacionales. Si bien puede sonar genial y parecer rosado desde fuera, fue un camino largo y desafiante llegar hasta aquí. No soy un natural en absoluto con las cosas del arte y los negocios. Cuando me gradué de la escuela, no tenía absolutamente ni idea de cómo realmente hacer una carrera como artista. Tenía algunas habilidades artísticas básicas y podía dibujar, y era creativa, pero realmente no tenía mucha dirección ni claridad más allá de eso. Tomó años de dolorosa lucha y de descifrar las cosas por mi cuenta para convertir mi pasión en una carrera satisfactoria. Entonces si estás en ese mismo barco, si tienes algunas habilidades creativas y artísticas y te interesa perseguir el arte como vocación donde realmente ganas dinero, pero realmente no estás seguro de qué hacer a continuación ni de cómo convertirlo en un negocio, esta clase es para ti. Este será un curso de encuesta, lo que significa que tendremos una visión amplia de las 10 cosas empresariales prácticas más importantes que muchas veces no se imparten en la escuela de arte. Por lo que abordaremos todo, desde las habilidades diarias necesarias para dirigir un negocio de arte hasta las fundacionales necesarias para construirlo como carteras, servicio al cliente y encontrar tu nicho. Tantos artistas se encogen cuando escuchan la palabra negocio, y pensar en facturas o estándares profesionales de la industria o mercadotecnia les hace querer correr y esconder la cabeza bajo una almohada. Pero estoy aquí para decirles que realmente no es tan malo y que construir una carrera creativa exitosa es totalmente posible. En este curso, haré todo lo posible para desmitificar incluso el tabooest de los temas de negocios del arte para que después tengas una visión sólida fundacional de algunos de los aspectos más importantes de dirigir un negocio de arte exitoso. Por favor ten en cuenta que estamos tomando mucho en esta clase. Cubriré lo que veo como las cosas más importantes y vitales a saber para establecer tu negocio del arte. Pero aún habrá más por aprender. Ya que yo mismo soy artista comercial e ilustrador, este curso está orientado específicamente a otros artistas e ilustradores. También es el más adecuado para personas que tienen un agarre sólido de sus habilidades artísticas y estilo reales. Entonces si todavía estás aprendiendo a dibujar o pintar o luchando por encontrar tu estilo, te recomendaría que cambies a una de mis otras clases y te enfoques primero en tu habilidad técnica artística, antes de poner demasiada energía en el negocio lado. Habrá tiempo de sobra para eso más adelante. Pero si estás en un nivel más intermedio y tienes un estilo de desarrollo bastante consistente y te sientes listo para empezar a transitar a trabajar profesionalmente, entonces vamos a sumergirte. 2. Cómo darte cuenta de que tu portafolio tiene un nivel profesional: Lección 1, cómo saber cuándo mi portafolio está a nivel profesional. Ya sea que seas un nuevo graduado o un artista autodidacta, puede ser difícil saber cuándo estás listo para dar el salto al nivel profesional. Como tipos creativos, tendemos a cuestionar nuestras capacidades y luchar con la duda de nosotros mismos. Una pregunta con la que personalmente luché y escucho todo el tiempo es ¿cómo puedo saber si mi trabajo es a nivel profesional? Independientemente del estilo y la ilustración comercial, trabajo de nivel profesional comparte tres características comunes. Número uno, calidad; muestra clara habilidad y artesanía sin importar el estilo. Número dos, cantidad; la habilidad y el estilo muestran consistencia en todo el portafolio. Número tres, estrategia; el creador ha dado algún pensamiento real sobre cómo y dónde podría caber su trabajo en el mercado. Ahora hablemos de cómo estas tres características realmente se juegan en la vida real al hablar de tres fases de una carrera artística. La etapa de brote, la etapa de crecimiento, y la etapa de floración. Escucho vía correo electrónico y DMs de muchos artistas principiantes que quieren perseguir una carrera creativa y están frustrados de que no estén encontrando ninguna atracción. Hacen proyectos personales, los comparten en línea, hacen las cosas que se les ha dicho que hagan, y sin embargo no les contratan ni comisionan y esto es comprensiblemente muy frustrante. Siempre que escucho de estas personas y le echo un vistazo a su trabajo, una vez que perforo, me parece que falta al menos una de esas tres características que mencioné. O su trabajo no está a la altura de una calidad profesional, su trabajo no está en una cantidad profesional, o su trabajo no está enfocado y dirigido a ningún mercado en particular. Si el escenario número uno es cierto y su trabajo aún no está a la altura de una calidad profesional, consideraremos a esta persona creativa en la etapa de brote. Un artista brote puede tener habilidades básicas decentes y saber usar herramientas y suministros. En realidad no son un principiante, pero probablemente aún pasan mucho tiempo experimentando, probando diferentes enfoques, probando diferentes enfoques, y es probable que carezcan de un enfoque claro en su trabajo. Dependiendo de su personalidad, un brote artistas pueden estar sintiéndose un poco perdidos y frustrados por no poder producir lo que quieren o pueden estar simplemente divirtiéndose realmente y disfrutando del proceso de experimentación. Si la cantidad o el tamaño de la cartera es el tema, podemos considerar a esta persona en la etapa de crecimiento. Un artista de la etapa de crecimiento probablemente está empezando a cero en un estilo, realmente afinar en eso. Tal vez incluso enfocándose en temas específicos o en cierto tipo de medios, y casi definitivamente están invirtiendo tiempo serio forma regular y realmente cayendo en algunas raíces profundas a su práctica creativa. Habrá temas consistentes emergentes y una mirada y un sentimiento cohesivos a su trabajo. En este punto, probablemente tengan un cuerpo de arte más grande e incluso pueden estar aterrizando un cliente pagador aquí o allá. Por último, nuestra persona creativa en fase de floración se ve similar a la persona en etapa de crecimiento, pero además de eso, cartera más grande, calificada y consistente, están empezando a dirigir su enfoque en áreas específicas para adaptarse a una clara necesidad del mercado. Siempre están creciendo incluso en esa etapa de floración, pero su trabajo ahora no sólo tiene un aspecto y un tacto distintos, sino también un objetivo muy claro. En este punto, si aún no lo han hecho, realmente deberían comenzar a promover activamente su trabajo. Para mí cuando estaba en la escuela de arte, aprendí mucho y mis habilidades de arte mejoraron, pero una vez que me gradué, aún no estaba produciendo un nivel profesional de obra de arte y eso no es nada raro. Mi trabajo estaba por todo el lugar. No sabía motivarme de manera efectiva y realmente me costó invertir grandes trozos de tiempo en mi trabajo. Yo estaba constantemente frustrado y decepcionado de mí mismo y de mi arte. Esencialmente sin saberlo, yo estaba en la etapa de brote. Este ciertamente no es el caso para todos, pero muchos graduados de escuelas de arte y artistas autodidactas están en el mismo barco. Si regularmente no estás seguro de qué dibujar o sientes ansiedad por dibujar, o te está costando motivarte a hacer trabajo, o muchas veces te encuentras pensando : “Solo necesito conseguir un cliente y luego me motivaré a dibujar”, puede que estés en la etapa de brote también. Recomendaciones para la etapa de brote. Si estás en esta etapa de tu viaje creativo, tu objetivo principal debe ser encontrar la cosa, ya sea el estilo, el tema, los medios, la historia, la idea de que encontrar esa cosa por la que estás tan emocionado y te sientes tan conectado con que puedes pasar fácilmente horas y horas y horas, las horas y horas y horas que se necesitan para conseguir tus habilidades y calidad de trabajo hasta un nivel profesional. Básicamente necesitas trabajar primero en encontrar tu estilo, que considero como hacer crecer tu sistema radicular. Todavía puedes tomar absolutamente esta clase, pero si estás en la etapa de brote, mi recomendación honesta sería pausar este curso e ir a tomar mi otra clase, el método científico para artistas en su lugar. Todo se trata de encontrar tu estilo encontrando esa cosa que te va a motivar e inspirar a invertir el tiempo que se tarda en desarrollar un estilo personal. Ahora bien, si ya te sientes impulsado y motivado para crear trabajo y puedes sentarte y con gusto pasar horas, pero tu trabajo aún no es consistente o no tienes una gran cantidad de él, es posible que estés transitando de la etapa de brote al crecimiento etapa. Algunas recomendaciones de la etapa de crecimiento. Si estás en esta fase, tu objetivo principal es profundizar realmente tus raíces creativas haciendo un cuerpo de trabajo grande y consistente. Etapa Sprout tiene como objetivo que la calidad o la salud utilice una metáfora llana. Etapa de crecimiento tiene como objetivo la calidad y la cantidad. En este punto se trata de salud y tamaño. Ahora, tal vez te estés preguntando, ¿qué tan grande es? ¿ Cuántas piezas? ¿Cómo sabré si mi portafolio es lo suficientemente consistente? Nuevamente, aquí hay bastante subjetividad, pero abordemos esto con una historia. Mi primera asignación comercial para empaques llegó después de que había estado dibujando todos los días por cerca de un año. Era por un paquete de pretzel y para cuando el cliente me contactó, ya había dibujado alrededor de 10 diferentes artículos de pan y galletas incluyendo un pretzel. Eso sin contar las decenas de otros tipos de alimentos y otras categorías como animales o botánicos en los que estaba trabajando en ese momento. Si te encuentras pensando: “Oye, hago un cono de helado un par de veces, ¿por qué nadie me está contratando para dibujar helado”, o “he dibujado comida como 10 veces, ¿por qué nadie me está contratando para dibujar comida?” Es probable que necesites perforar en categorías y temas más específicos dentro de alimentos o botánicos, o paisajes, interiores, o lo que sea tu categoría, y dibujar esas cosas muchas, muchas veces más. Cuando estás en esta fase, te recomiendo que no pases una tonelada de tiempo en postales, correos fríos, configurando colaboraciones, poniéndote súper estratégico con las redes sociales. Puedes por todos los medios compartir tu trabajo y te animo a que compartas tu proceso y te familiarices con las prácticas empresariales básicas. Esta clase es un gran inicio. Pero hasta entonces, hasta que realmente tengas ese gran cuerpo consistente de trabajo pulido, puede ser difícil atraer clientes comerciales y el crecimiento como artista debe seguir siendo tu objetivo principal. Por último, la etapa 3, la etapa de floración. Ahora bien, si tienes un gran cuerpo de trabajo consistente y te conectas con todo lo que mencioné sobre la etapa de crecimiento, pero aún no has dado del todo tu paso con clientes realmente aterrizando. A lo mejor has tenido algunos aquí y allá, pero no es nada consistente, puede que estés transitando de la etapa de crecimiento a la etapa de floración. Recomendaciones para la etapa de floración. artistas escénicos de Bloom o bloomers deben seguir enfocándose en todo lo que hicieron en la etapa de crecimiento, en cuanto a hacer regularmente trabajo de calidad y agregarlo a su creciente cartera. También deben comenzar a tratar de promover activamente su trabajo desprendiendo un pequeño porcentaje de su tiempo de arte, tal vez 25 por ciento para empezar a poner a investigar su nicho de mercado y posicionarse dentro de él a través de la creación de aún más trabajo y la presentación de su trabajo existente. no sonar como un récord roto, pero esta clase es realmente la más adecuada para los tardíos cultivadores y bloomers ya que la mayoría de los temas que abordaremos son cosas en las que deben enfocarse. Incluso si tienes mucha libertad para pasar tiempo trabajando en tu carrera artística, todos tenemos horas limitadas en el día, por lo que es vital dedicar tu tiempo de manera estratégica y apropiada para el escenario en el que realmente estás. El encargo para esta lección es averiguar en qué etapa estás. Probablemente ya tengas un buen sentido de dónde te basas en mis descripciones. Pero si necesitas un poco más de ayuda o si eres como yo y solo disfrutas tomando cuestionarios, puedes buscar en la sección de proyecto de clase la asignación de la Lección 1 y tomar el quiz. Entonces te animo a presentarte creando un proyecto de clase, puedes subir una pieza de tu trabajo o una foto tuya y hacernos saber en qué fase estás. 3. Cómo identificar tu mercado y nicho: Lección dos. Cómo identificar su mercado y nicho. Ahora que tenemos un buen sentido sobre la madurez del portafolio, y cuando una cartera está a nivel profesional, es momento de hablar de otra pieza clave del rompecabezas para convertir tu arte en una carrera: Identificar y posicionar tu trabajo dentro de un mercado que es el principal reto para los bloomers. Si vas a ganarte la vida con tu creatividad, en algún momento tendrás que considerar cómo se pueden monetizar tu creatividad y habilidad. Identificar tu mercado te ayudará a decidir cómo perseguir estratégicamente ganar dinero con tu arte. Ahora bien, no podemos avanzar aquí dentro de este tema sin reconocer que este tema o realmente cualquier discusión sobre dinero y arte juntos puede ser un verdadero tabú en el mundo del arte. Son muchos los artistas que realmente odian incluso considerando cómo su arte podría ser usado para ganar dinero. Quieren crearlo a partir de una autenticidad pura sin siquiera considerar la cuestión del dinero antes de que hagan la obra. A esos artistas les diría esto: Si quieren ganarse la vida confiable desde su trabajo creativo más allá de solo esperar que algún coleccionista de arte multimillonario decida ser su mecenas, deberán considerar otros valores, otras cosas que son importantes para ti aparte de la pura autenticidad. Me gusta pensar en el proceso de encontrar tu nicho de mercado e imaginar cómo se podría utilizar tu arte dentro de él o qué necesidad podría llenar como el desarrollo de la empatía. Sí, claro, puedes y debes hablar desde tu voz y estilo auténticos como creador, pero para que esto sea una carrera real, también tendrás que hacer crecer tu empatía hacia las personas que te pagará por tu trabajo. Ahora, creo que algunas personas creativas realmente tienen una respuesta diferente a la pregunta del dinero, y están ansiosos por convertir su pasión en una ganancia desde el primer día. Ahora bien, eso es genial en un nivel pero a esos artistas les diría esto: Centrarse demasiado pronto en la parte del beneficio puede ser tan problemático como negarse a reconocerlo en absoluto. Es como decidir que quieres correr un stand de limonada antes saber si realmente disfrutas el proceso de hacer limonada. Por ejemplo, tal vez te guste beber limonada o la estoy haciendo en ocasiones en pequeñas cantidades para tu familia y amigos, pero lo que realmente te gusta hacer, lo que termina realmente iluminándote por dentro y sacándote de la cama día en y día fuera es realmente hacer las galletas que vendes la limonada, no hacer la limonada en sí misma. No hay forma de conocer la respuesta a esta pregunta hasta que la pruebes realmente a fondo. Si quieres tener una carrera creativa satisfactoria, te aconsejo que evites pasar mucho tiempo en investigación de mercado en un principio hasta que estés bien por la etapa de brote y tengas una idea muy clara de lo que eres apasionado y motivado por, y en qué proceso realmente disfrutas involucrándote. Si estás en la etapa de brote, trata de enfocarte primero en seguir tu pasión hasta que tus habilidades sean perfeccionadas y realmente bien desarrolladas. Pero si eres un cultivador o un bloomer y estás listo para empezar a identificar tu mercado, aquí te presentamos algunas preguntas iniciales clave. Número 1, ¿dónde encaja tu arte? Esta es una pregunta sencilla bastante simple. Mira a tu alrededor y encuentra el arte y artistas cuya obra es similar a la tuya, ya sea en estilo, en materia, en contenido. ¿ Dónde están trabajando? ¿ Quién está comprando realmente su trabajo? Esto debería darte una idea aproximada de dónde podría caber en el mercado más grande. Pregunta número 2. ¿ Eres un artista de negocio a negocio o un artista de empresa a cliente? Básicamente lo que esto significa es, ¿vendes tu trabajo directamente al cliente, la persona que va a usar tu arte ellos mismos, o vendes tu trabajo a un negocio que usará esa ilustración, esa ilustración, a promover, vender, construir su propio negocio? Algunas otras preguntas para ayudarte a discernir si eres un artista de negocio a negocio o artista de empresa a cliente. ¿ Quieres tener control total sobre tu trabajo? ¿ Quieres desarrollar tus propios productos como novelas gráficas, pegatinas, estampados de arte, tazas, y venderlos directamente a tu base de fans, a tus clientes? ¿ Parece que mucha gente se relaciona realmente con tu trabajo o lo encuentra compartible, o tal vez te considerarías más de buen artista, es decir, tomas comisiones o vendes en galerías? Si respondiste sí a alguna de estas preguntas, puedes ser un artista de empresa a cliente o un artista de B2C, lo que significa que creas tu trabajo directamente para tus clientes. Tus clientes son tu público. Por otro lado, para artistas de empresa a empresa, ¿quieres tener tu trabajo en productos diseñados por otra persona, o en libros o revistas? ¿ Quieres trabajar con clientes y empresas y marcas? ¿ Eres bueno tomando feedback y abierto a escuchar la entrada de los demás cuando se trata de tu trabajo? ¿ Estás dispuesto a usar tu habilidad artística para ejecutar la idea de otra persona? Si respondiste sí a alguno de estos, puedes ser más un artista de negocio a negocio, lo que significa que creas trabajo para que las empresas usen y ayuden a vender lo que sea que estén vendiendo, o para hacer que sus productos se vean bien, o para contar una mejor historia, etcétera. En ese caso, los dueños de negocios y los directores de arte que trabajan con ellos y que te contratan son tu público. Ahora bien, esta no es una categoría fija dividida por ningún medio. Muchos artistas empiezan como artistas de empresa a cliente y luego van B2B, o viceversa. Muchos artistas son ambos al mismo tiempo, pero es una buena idea enfocarse más en uno inicialmente ya que sí tienen procesos diferentes. A continuación, después de considerar si eres un artista B2B o un artista B2C, intenta profundizar aún más y averiguar en qué industria encaja tu trabajo. Ahora parte de esto, por supuesto, se decidirá por si eres B2B o B2C ya que tienen industrias diferentes, pero en términos generales podrías pensar en industria como el país en el que vive tu trabajo. Podría ser arte fino, ilustración, animación, productos de diseño de superficies, etcétera. Siguiente después de la industria, ¿con qué mercado se conecta tu trabajo? El mercado es como el estado dentro del país. Por ejemplo, algunos mercados dentro de la industria de la ilustración serían libro infantil, editorial, packaging. Por último, ¿qué nicho? El nicho es como la ciudad, perforando aún más en ese nivel de detalle. Algunos ejemplos de nicho serían comida, retratos de moda, animales. Niche también puede incluir el estilo o los medios que utilizas, por lo que el realismo, plano, fantasioso, divertido, etcétera. Estas preguntas están todas en la sección de proyectos de clase por cierto así que no hay necesidad de tomar notas furiosamente aquí. medida que trabajas a través de las preguntas del nicho del mercado de la industria, es natural empezar realmente amplio, o encontrarte difícil acostarte, sobre todo si llegas más temprano en tu carrera. Por ejemplo, como alguien que ilustra mucha comida para revistas, y empaques, y publicidad, a menudo me preguntan cómo irrumpir en la ilustración alimentaria. Esta no es una respuesta simple porque la ilustración alimentaria no es lo suficientemente específica. La ilustración alimentaria podría hacerse como artista de negocio a negocio o artista de empresa a cliente, podría ser comisiones privadas, podría ser ilustración de recetas, podría ser ilustración editorial, o embalaje, o patrón de superficie, o libros de cocina, o un paralelo, o publicidad. Podría tener un millón de estilos diferentes, por lo que necesita obtener lo más específico posible a la hora de identificar su nicho de mercado de la industria. Esto hará que sea más fácil entrar, y te lo hará más claro cuando hayas tenido una victoria o un éxito, o cuando estés listo para seguir adelante. Si tu trabajo pudiera caber en varios nichos diferentes, concéntrese en desarrollar uno a la vez. Eso va a ser un tema aquí una cosa a la vez. Se puede elegir el primero en base a un montón de criterios diferentes. Podrías, por supuesto, escoger primero la fruta baja que cuelga, cualquiera que sea el nicho que parezca el más fácil, podrías elegir el primero más emocionante, el que más te apasiona y con el que te sientas profundamente alineado, o podrías escoger el que haga más fácil el siguiente. A veces irrumpir en un nicho puede hacer que el que sigue a eso sea más simple. Ahora bien, si encuentras que te sientes hamstrado por tener que decidir, quita la presión y recuerda que todo esto es un gran experimento, y es probable que cambies de opinión y tu enfoque varias veces durante los próximos meses y decenas de veces a lo largo de tu carrera. Date permiso para elegir el nicho equivocado. Todo va a estar bien aunque lo hagas. Su asignación. Usa las preguntas de reflexión que pasamos para identificar un nicho de mercado de la industria y si eres un artista de negocio a negocio o un artista de empresa a cliente. Recuerda una vez más, no estás eligiendo tu destino definitivo para siempre, estás escogiendo algo en lo que enfocarte por un tiempo. Piensa en una ventana de 1 a 6 meses inicialmente. Entonces por favor comparta lo que descubra de las preguntas en su proyecto de clase, así como cualquier otro pensamiento que tenga sobre el proceso. 4. Cómo ponerle precio a tu ilustración: Lección 3, ¿Cómo trabajar el precio? Pasando al tema favorito de todos, Precios. Antes de sumergirnos en un rápido descargo de responsabilidad; precio en ilustración y arte es notoriamente complejo y varía dependiendo de todo, desde la habilidad y el estilo, y la experiencia del artista, hasta el tamaño e influencia de el cliente, al nicho de mercado de la industria particular. Voy a hacer todo lo posible para descomponer las cosas de la manera más sencilla posible, pero ten en cuenta que estaré llegando a esta discusión con la lente de un artista comercial que se especializa en publicidad, empaque en una ilustración tutorial. Mi experiencia en otros nichos como licencias, patrón de superficie, médico, o incluso libro infantil es realmente limitada. Si te diriges a algo súper especializado como animación o ilustración médica, toma todo esto como punto de partida y haz un poco más de investigación adaptada a tu industria. Además, ya que vivo en EU, todo lo que voy a hablar será en USD. Adelante y lleguemos a ello. Para los freelancers existen dos enfoques básicos, diurnas y por hora y las tarifas basadas en el valor o planas. precio de tarifa horaria utiliza una fórmula que toma en cuenta las horas que trabajas en un año, el trabajo no remunerado o administrativo que se incluye en eso, gastos, costo de vida, cualquier sobrecarga que tengas para tu negocio, margen de beneficio, etc. Pondré una fórmula básica para averiguar tu tarifa por hora en la sección de proyectos de clase. Tanto si lo usas regularmente como parte de tu esquema de precios, es una buena idea tener un sentido de tu tarifa por hora. Hay algunos campos en el arte donde una tarifa por hora es muy utilizada o incluso es estándar. Un ejemplo que conozco es la animación y a muchos artistas les resultará útil también cuando se trata de comisiones de precios o pinturas terminadas, solo para tener un buen sentido de cuál es su tarifa por hora. Ilustradores comerciales como yo, que no suelen utilizar una tarifa por hora todavía necesitarán revelar una en su contrato en caso de que surjan cambios imprevistos en el proyecto. Por ejemplo ediciones adicionales que no se incluyeron en el precio base y hablaremos todo al respecto en la sección de contratos. En general, a menos que estén en un campo donde el precio por hora sea estándar, no recomiendo que la mayoría de los artistas lo utilicen como su única estructura de precios. basado en valor o tarifa plana es mi método preferido y definitivamente es más estándar para la ilustración comercial. Este precio toma en cuenta la tarifa base que necesitarías realizar para hacer valer la pena la creación de la paz, que incluye, por supuesto, el tiempo requerido, los lados de la pieza, el nivel de detalle, el medio utilizado, su experiencia, etc., y aumenta ese número contabilizando el valor que la obra traerá al cliente. Esencialmente, el cliente te paga para hacer la obra, tu cuota base, más el derecho a utilizar la obra de una manera específica. Todo esto se enrolla en una sola tarifa plana que es fácil para el cliente de entender y para presupuestar. El precio de tarifa plana es estándar en muchos nichos del mercado, incluyendo editorial, libro infantil, packaging, publicidad, científica y médica, básicamente la mayoría de nichos en arte e ilustración. Vamos a desempacar un poco de precio de tarifa plana ejemplo. Digamos que hago una ilustración realista 5 por 7 de una manzana. Si se usa para una revista, tal vez se acostumbre como ilustración puntual. Una ilustración de spot es una ilustración que se utiliza dentro del contexto del texto en un diseño de página. Si es para una tarjeta de felicitación o un patrón de superficie, es probable que se acostumbre de manera más amplia, probablemente como una característica prominente del producto. Si es para un logotipo o para empaque, se usará en gran medida, prominente y frecuentemente para ayudar a vender un producto para que el cliente obtenga más valor de él que cualquiera de los otros dos ejemplos y posteriormente deberá pagar más. Otro factor es el tamaño del cliente. Una pequeña revista no será vista por tantas personas, mientras que una grande internacional o una nacional tendrá una enorme audiencia. Del mismo modo, una ilustración de puntos es menos visible e importante que una ilustración de portada. Sé que todos quieren saber cuáles son los números duros reales, así que aquí hay algunos ejemplos de precios comerciales. Volvamos a esa pequeña ilustración 5 por 7 de una manzana. Si se trata de una ilustración puntual para una revista local o regional, podría estar en algún lugar del rango de $200 a $300 para un estilo simple, algo realista. Esa misma ilustración para una empresa nacional de tarjetas de felicitación estaría probablemente más cerca del rango de los 600 dólares. Nuevamente, esa misma ilustración para el paquete de una pequeña empresa sería de 800-1,000, y para el paquete de una gran empresa o para tal vez una campaña publicitaria nacional podría estar en cualquier lugar de 1,500-3,000. Básicamente, si la ilustración es más visible y más utilizada, tiene más valor para el cliente y por lo tanto debería tener una etiqueta de precio más alta. Ahora por otro lado, precios privados no comerciales son bastante diferentes. Si eres un buen artista y creando trabajo mayormente para que la gente cuelgue en sus casas o si estás creando comisiones, tu precio debe tener en cuenta esa cuota base de la que hablamos, además de incorporar la tasa de mercado o para qué está vendiendo su trabajo su competencia. Si tienes representación en galería, también tendrás que tener en cuenta las cuotas que la galería tomará. De comisión, trabajo que estás creando para otra persona que se especifica, el tema lo especifica otra persona, las comisiones privadas siempre deben costar más. Por ejemplo si estás vendiendo una pintura de paisaje 8 por 10 existente que acabas de hacer y ya está ahí, ya está existente. Si estás vendiendo eso en tu tienda por $400, una comisión debe costar al menos 25-50 por ciento más porque es más trabajo para ti colaborar con el cliente y crear trabajo a sus especificaciones de lo que es para ti solo vender una pintura existente. Ahora bien, cualquier discusión sobre precios no estaría completa sin tocar rápidamente en trabajar de forma gratuita o por publicidad o por producto. Mi consejo sobre este tema en tres palabras es, no lo hagas. Por supuesto que puedo decir que es malo para la industria o malo para la fijación de precios en general y esas cosas pueden ser ciertas, pero la honesta razón por la que lo desanimo es porque es exasperante, se desinfla la estima, y simplemente no es necesario avanzar en tu carrera. Si estás tentado a asumir el trabajo libre porque quieres la práctica, practica trabajando en tus propios proyectos autoiniciados en su lugar, tienes control total en ese caso y todo el beneficio. Todavía puedes hacerlo como una asignación. Escoge tu perfume favorito y haz de ese perfume una campaña publicitaria ilustrada o podrías reducir algunos de los spots para un artículo que realmente disfrutaste o puedes hacer una tela para usar en regalos para tu familia. Si estás tentado a trabajar gratis porque quieres experiencia profesional, me da pena decir que es poco probable que encuentres con un cliente que te está pidiendo que trabajes gratis, porque estos clientes no están siendo profesionales a sí mismos. A menudo no se les compra en los proyectos por lo que no se toman en serio los plazos o límites, es decir, no actúan profesionalmente y también es poco probable que lleve a un futuro trabajo remunerado con el cliente, aunque así lo diga. La verdad honesta es que si estás trabajando gratis, te están eligiendo porque eres la opción libre, no la opción que más les gusta. Dicho todo eso, sé que algunos de ustedes todavía decidirán trabajar de forma gratuita en algún momento. Si realmente quieres trabajar gratis o por producto, asegúrate de retener los derechos de autor y que tanto tú como el cliente firmen un contrato que se indique claramente que eres dueño de la obra y que les estás dando el derecho de usarla solo en una capacidad limitada, y asegúrese de describir cuál es esa capacidad. Veo a un montón de artistas jóvenes y principiantes que trabajan por exposición o por producto y terminan regalando sus derechos también. Otra cosa que quieres hacer es asegurarte de que tengas un control creativo total. Una situación en la que he trabajado de forma gratuita y todavía lo hago ocasionalmente es con familiares y amigos. Les daré la elección del descuento familiar y amigos, que básicamente es yo tomando su breve o su proyecto y corriendo con él. No llegan a pedir ediciones y yo lo hago exactamente como quiero o simplemente pueden pagar una tarifa estándar de mercado si no quieren hacer eso. De la forma en que lo veo, si estás trabajando gratis, debes por lo menos tener el máximo control creativo y agencia sobre tu trabajo. Ahora si todo esto se siente un poco abrumador, solo ten en cuenta que te sentirás más cómodo, te pondrás más cómodo con los precios más experiencia que tengas debajo de tu cinturón, pero nunca será de corte completamente claro. Hay tantos factores como discutimos, por lo que tener un conjunto de talla única se ajusta a todos los precios simplemente no será posible para la mayoría de los creadores y artistas. Es probable que necesites valorar cada pieza, cada producto, cada proyecto comercial de forma individual utilizando tu propia experiencia y tomando en cuenta las cosas de las que hablamos, especialmente la visibilidad es igual a la ecuación de valor. Complementar esto con recursos externos realmente puede ayudarte a sentirte más confiado y sin duda fue de gran ayuda para mí. Por esa razón, recomiendo a los artistas comerciales, sobre todo en EU y posiblemente también en Europa, obtener una copia del Manual de Guild de Artistas Gráficos para Pricing and Ethical Guild Guidelines. Si no puedes conseguir el Guild Handbook, muchas bibliotecas públicas en EU tienen una copia de este libro. También puedes conseguir uno usado. Tiende a correr por unos 30 dólares, es uno de esos recursos que compré un par de años en mi carrera y si pudiera volver atrás y decirme a mí mismo al día 1, para invertir en algo, sería eso. No obstante, si no puedes obtener el Guild Handbook, todavía hay un montón de recursos gratuitos como Box.net tiene presentaciones de la vida real de ilustradores reales. Jessica Hische es una artista de letras de mano y profesora de Skillshare, y tiene muchos recursos de precios gratuitos en su sitio web, su PDF, “El arte oscuro de los precios”, debería ser requerido de lectura en mi opinión. También acaba de lanzar, creo que es seminario de precios de $10 o $15 que va realmente en profundidad en el precio comercial. Recursos tanto gratuitos como pagados de Jessica Hische. Los hashtags de Twitter también pueden ser otra fuente realmente grande de información, es decir Publishingpaidme, esa es una gran. Pueden tener mucha información buena en esos hashtags. Entonces la investigación de precios por pares, esto es especialmente útil para artistas de negocios a clientes. Esto implica averiguar qué están cobrando otras personas. Esto se puede hacer mirando sus productos y tiendas en Etsy o Patreon, y tomando nota de los precios de otros artistas en Instagram o en las galerías que los representan. último pero no menos importante, por recursos de precios gratuitos, tengo mucho en mis videos de YouTube. Yo por supuesto tengo un canal de YouTube donde he compartido toneladas de recursos gratuitos para ilustradores y artistas, incluyendo lotes sobre precios. Una nota final sobre la fijación de precios es que por supuesto puede depender de la ubicación del artista y de la ubicación del comprador o negocio. Por ejemplo si vives en un país donde el costo de vida es menor que EU, pero tu cliente está en EU, puedes asegurarte de seguir cobrando precios basados en el mercado estadounidense, viceversa también es cierto. Si vives en EU donde el costo de vida es alto, pero tu cliente está en algún lugar con un costo de vida mucho menor, posible que necesites cobrar una tarifa más baja de la que lo harías para un cliente estadounidense. Dicho todo eso, el principado de visibilidad iguala valor debe seguir siendo consistente en todos los mercados. Una ilustración publicitaria debería ser generalmente más cara que una ilustración puntual, independientemente de si el cliente está en Estados Unidos o Canadá o Taiwán o Sudáfrica. Tu tarea para esta lección es escoger uno de los escenarios de precios de la sección de proyecto de clase y llegar a tu propio precio. Asegúrate de tomar en cuenta tu cuota base, que incluye todas esas cosas de las que hablamos, el tiempo requerido, el tamaño de la pieza, el nivel de detalle, el medio utilizado, tu experiencia, etc., y el valor que la obra hará llevar al cliente. Comparte tu esquema de precios en tu proyecto de clase. 5. Cómo hacer un sitio web para tu portafolio: Lección 4, cómo hacer un sitio web de portafolio. Al igual que considerando tu nicho de mercado en algún momento, si quieres ganarte la vida de tu arte, necesitarás un sitio web. Por supuesto, hay raros ejemplos de artistas que tienen éxito sin uno, pero son la excepción poco común y no deben ser la regla. Vamos a hablar de opciones para crear y hospedar tu sitio y cómo hacerlo parecer profesional y adaptado al mercado al que estás apuntando. En primer lugar, algunas plataformas comunes para sitios web. Por supuesto, WordPress, solía usar esto desde el principio. Es gratis, pero es probable que necesites algunos agregados pagados a menos que estés realmente cómodo con el código. Ahí está Squarespace. Esto es lo que uso actualmente y he usado desde hace varios años. Es muy fácil de usar y genial si quieres algo que se vea bonito y está listo para que solo caigas en tu contenido. Squarespace se paga, pero tiene múltiples niveles de precios. Ahí está Wix también. Esta es otra plataforma popular que también se paga. No lo he usado personalmente, pero sé que algunas personas lo prefieren porque es un poco más flexible que Squarespace. Otras opciones gratuitas serían alguna plataforma de blogging libre como Tumblr, a la que aún puedes conectar un dominio personalizado. También hay muchas otras opciones. Esto dista mucho de ser una lista exhaustiva. Solo estoy mencionando unos cuantos aquí para iniciar la conversación. Si tienes una plataforma que usas y te gusta, puedes sentirte libre de añadirla a las plataformas del sitio web para artistas hilo en la sección de discusión, vamos a tratar de conseguir unos hilos ahí adentro yendo. Chateemos un poco sobre URLs o nombres de dominio. Ahora, puede que ya estés súper familiarizado con esto. Sólo voy a explicar un poco sobre cómo se ven las URL personalizadas y dedicadas. Si ya estás súper familiarizado con eso, solo puedes saltarte esta sección. Pero para aquellos que no lo saben, una URL dedicada es básicamente sólo el www.tu nombre. sea cual sea el sufijo. Si bien una URL gratuita se parece más a www.tu nombre.tumblr.com o.ntc.com, etc Cualquier URL dedicada siempre se paga. Si vas a tener algo que es tu nombre.com, eso va a ser algo que tendrás que pagar. Te recomiendo que elijas el servicio de tu sitio web en base a dónde te encuentres en tu carrera. Si estás más lejos en la etapa de crecimiento o en la etapa de floración, gasta más esfuerzo y más dinero, si tu más temprano, digamos en la etapa de brote, gasta menos. Al principio podrías optar por una plataforma gratuita con una URL gratuita y luego pasar a un sitio de pago más adelante. No necesitas sentirte consciente de tener tu página web gratuita, la calidad del trabajo y la presentación de la obra importan mucho más. He visto un montón de sitios web de artistas pagados que se ven muy poco profesionales. Tener un sitio web de pago no es garantía de que te van a tomar en serio. Siguiente paso, quieres elegir tu URL sabiamente, sobre todo si se trata de una pagada. Suma opta por usar su nombre como yo tengo, algunos optan por un nombre comercial, algunos optan por incluir arte o ilustración o estudio en la URL. Si decides hacer esto, recomiendo usar una palabra que tu público usaría en realidad para encontrarte. Por ejemplo, si eres un libro infantil Illustrator que tiene tu URL como estudio de Sarah Smith, puede parecer genial, pero no agrega mucho valor porque la mayoría de la gente no busca un libro infantil Illustrator buscando en estudio. De igual manera, si decides usar un nombre asumido o un nombre comercial en lugar del tuyo propio, dale un poco de pensamiento y asegúrate de que es algo que realmente crees que funcionará y que te atendrás a largo plazo. A veces desearía haber usado un apellido diferente o incluso simplemente acortar el mío a Hille porque Hillegas es tan bocado. Pero ahora que estoy establecido, es difícil cambiarlo. También puedes considerar elegir más de una URL para mejorar tu SEO. Por ejemplo, tengo tanto Kendyll Hillegas como ilustración alimentaria realista. Antes de terminar, quiero ir más de 10 en principios generales de diseño y diseño a tener en cuenta para sitios web de arte. Número 1, se desea mantener el formato simple y enfocado en las imágenes. Hay una razón por la que muchos sitios web de artistas se ven realmente similares, sobre todo si solo estás suplicando, intenta no poner demasiado esfuerzo en hacer que el formato de tu sitio web destaque. Quieres que tu trabajo destaque. Concéntrate en dejar que tu obra de arte sea el captador de atención más grande. Opta por un fondo limpio sin patrón. blanco suele funcionar mejor, pero no necesariamente siempre es cierto. Por ejemplo, el sitio web de mi amiga Fabiola es súper colorido, pero funciona muy bien con su estilo y la imagen sigue siendo realmente pop y son la estrella del show. También quieres que sea fácil para directores de arte o compradores o galerías ver la obra real, así que hazla prominente en la página de inicio. Esto parece un ingenuo, pero tanta gente entierra su trabajo detrás menús y botones a los que hay que hacer clic y los directores de arte no tienen tiempo para esto y mayoría de los compradores no son lo suficientemente pacientes como para cavar. En mi propia página web, la página principal capta alrededor del 90 por ciento del tráfico, lo que significa que el 90 por ciento de las personas que visitan mi sitio web nunca salen de la página principal. Solo ten eso en cuenta cuando estés juntando tu portafolio. Si tienes un portafolio grande, puedes organizarlo en colecciones y tener una imagen que represente cada colección en tu página de inicio. Mi sitio web es un ejemplo de esta organización y de ninguna manera es único, es una forma muy común de organizar tu sitio web. Si tu portafolio es más pequeño, por otro lado, menos de cinco imágenes en la colección, o tal vez menos de 30 imágenes en total, asegúrate de mantenerlo todo en la página de inicio. No hagas que el usuario haga clic innecesariamente. Se pueden organizar colecciones por proyecto. Trabajar en una asignación en particular, por cliente, así que trabajar para un cliente en particular, o por temas, es decir, fruta, botánica, retratos, escenas, etc. También puedes hacer ambas cosas, que es lo que hago en mi página web. También quieres incluir sólo la obra para la que quieres ser contratado. No agregues imágenes aleatorias, no relacionadas solo para llenar los vacíos. Puede que te sientas tentado a hacer esto, todo porque he hablado de que la cantidad es importante, pero recuerda, la calidad siempre es la primera preocupación. En esa nota, incluya sólo su mejor trabajo. Es más fácil hacer esto cuando llevas haciendo trabajo por más tiempo y tienes más para elegir, pero solo ten eso en cuenta desde el principio. Además, desea estar seguro de que sus imágenes tienen el formato adecuado. Asegúrate de que sean 72 DPI. No quieres tener bonitas y jugosas imágenes de alta resolución en tu página web para que la gente descargue e imprima en SoCs. Agrega firmas sutiles a tu trabajo. No tengas una gran marca de agua tocando bocinazos sobre la imagen. Sé que todos estamos nerviosos de que la gente robe cosas, como acabo de mencionar. Pero la solución a eso, desafortunadamente, la única solución real a eso es simplemente no poner tu trabajo en línea nunca y eso no es realista para la mayoría de nosotros. Trata de mantener tu firma sutil, ya que es visible y te recordará a las personas que hicieron la obra, pero no lo hagas ese impedimento real para que un director de arte vea tu obra. Asegúrese de que su dirección de correo electrónico sea prominente, visible y fácil de encontrar. No hagas que un director de arte tenga que trabajar para enviarte un correo electrónico. Te sorprendería cuántas personas lo pasan mal con eso o tienen su dirección de correo electrónico enterrada en algún lugar de su página web o solo tienen formulario de correo electrónico. A muchos de nuestros directores realmente no les gustan los formularios de correo electrónico. Haz que tu dirección de correo electrónico sea súper visible. A continuación, quieres hacer un sencillo sobre la página con una foto tuya. gente le gusta realmente ver el rostro de la persona con la que están trabajando, y claramente afirman que eres artista o ilustrador. Este es otro gran lugar para tu dirección de correo electrónico, puede estar en más de una ubicación en tu página web. Su asignación para esta lección. Si aún no tienes un sitio web, haz alguna investigación y busca en qué plataforma sería la mejor para ti. Dale alguna consideración a tu nombre de dominio, qué URL usarías, haz alguna investigación básica sobre si tu dominio preferido está incluso disponible. Hay muchos motores de búsqueda que te permiten hacer esto. Si ya tienes un sitio web, dale una auditoría, echa un vistazo honesto a tu sitio web y evalúa en base esos 10 criterios generales para los sitios web de arte, ¿dónde puedes mejorar? Agrega tus hallazgos a tu proyecto de clase. 6. Conceptos básicos de las redes sociales: Lección 5, cómo utilizar las redes sociales. Es hora de tener sólo una charla muy breve sobre las redes sociales. Podríamos tener toda una clase sobre este tema. Ya hay algunos excelentes en Skillshare, pero si lo hiciéramos, no sería la mejor persona para enseñarlo. Hay artistas e ilustradores con audiencias sociales masivas que realmente entienden y usan la herramienta de una manera sofisticada. Por suerte, ninguna de esas cosas es necesaria para tener una carrera artística exitosa. Un público comprometido independientemente del tamaño y siguiendo de manera consistente algunos principios clave para usar las redes sociales para promover y compartir tu trabajo, son los dos factores más importantes. Los principios clave no son nada nuevos ni revolucionarios y probablemente ya los conozcas, sólo vamos a ir por ellos muy rápido. Están para presentar bien tu trabajo. Toma buenas fotos o escanea y edita tu trabajo antes de publicarlo. Número 2, se quiere compartir el proceso de lo que entra en la obra, no sólo las piezas terminadas. Te vas a mostrar a ti y a tu historia. Esto es algo que yo personalmente podría mejorar en hacer. Tiendo a simplemente mostrar mucho trabajo terminado, pero compartir eso detrás de bambalinas puede ser realmente importante y útil también. Número 3, quieres publicar regularmente, por lo que tres o más veces a la semana. Número 4, escribe subtitulaciones reflexivas, y número 5, interactúa con tu público tanto como sea posible. Después contesta a sus comentarios, sé amable, comenta sobre el trabajo de otras personas y de quienes te siguen. Número 6, asegúrate de que tu información de contacto sea claramente visible en tu perfil de redes sociales, y declara que eres un artista freelance o un buen artista. Si tienes un poco de experiencia de cliente, puedes nombrar a un par de clientes para los que has trabajado, pero básicamente solo quieres ser realmente obvio y decir tu nombre y el hecho de que seas un ilustrador freelance, ilustrador comercial, artista fino, lo que sea, ilustrador de libros infantiles. Entonces también por supuesto, quieres incluir tu sitio web en tu bio si tienes una. Algunas otras cosas a tener en cuenta cuando se trata de redes sociales. Se quiere elegir una o dos plataformas en las que enfocarse, sobre todo inicialmente, hay tantas disponibles que puede ser realmente abrumadora. Si eres nuevo, intenta enfocarte tal vez en solo uno para empezar. Si estás en la etapa de brote, por todos los medios, comparte tu trabajo y tu proceso de aprendizaje. Esto en realidad puede ser un gran momento para construir un siguiente porque a la gente le encanta ver eso detrás de las escenas. Pero no te metas demasiado en tratar de construir una mega audiencia por su propio bien. Para la mayoría de la gente, no hay atajos en las redes sociales, y tener una audiencia social masiva no es una panacea. Si quieres construir una próspera carrera artística de B2C, carrera arte de empresa a cliente, necesitarás un público comprometido independientemente del tamaño. Si quieres construir una próspera carrera de arte B2B, necesitarás ante todo ese cuerpo grande y consistente de trabajo de calidad. Si eres cultivador o bloomer y estás listo para poner más foco en la promoción y la construcción de audiencias, pondré algunos enlaces en la pestaña de recursos de clase para buenas clases intermedias de redes sociales. Yo los invito a todos a que hagan lo mismo en la sección de discusión también. Si hay una clase de redes sociales en Skillshare que has tomado o tal vez incluso un video gratis en YouTube que te pareció un recurso realmente útil, por favor agrega eso al hilo en la sección de discusión. 7. Presentación en frío y promoción activa: Lección 6, cómo hacer tono frío y promoción básica. Ahora que hemos cubierto sitios web y redes sociales, que son formas más pasivas o residuales de autopromoción, vamos a cambiar de marcha y hablar de formas más activas de autopromoción, como pitchear tu trabajo, frío enviando correos electrónicos a directores de arte, y enviando correos. Una salvedad rápida antes de sumergirnos. Algunos artistas nuevos y aspirantes tienden a querer lanzar su trabajo demasiado temprano antes de que esté completamente desarrollado. Están buscando “ser descubiertos” por un director de arte o una agencia que los sacuda de la oscuridad y se encargue de todos sus problemas artísticos. Ahora bien, si bien esto puede suceder para unos pocos muy afortunados, no es la norma y no debes depender de ello. Todo el pitching y la promoción activa en el mundo no van a conformar un trabajo que carece de calidad, cantidad, o enfoque. Si estás en la etapa de brote, puedes escuchar absolutamente y aprender de esta sección del curso, pero te aconsejo que no pases demasiado tiempo en esto hasta llegar tarde a la etapa de crecimiento o a la etapa de floración. En cambio, ya sabes qué hacer, pasar ese tiempo realmente haciendo el trabajo. Si estás en la etapa de floración o en la etapa de crecimiento tardío, ¿qué necesitas hacer para que directores de arte te encuentren y te den tareas freelance? Los componentes fundacionales son cosas que ya hemos cubierto. Número 1, quieres hacer ese cuerpo de trabajo grande y de alta calidad y seguir sumando a él con proyectos estratégicos, autoiniciados que encajan dentro de tu nicho de mercado. Número 2 es que quieres mantener ese sitio web con un limpio, fácil de encontrar ejemplos de tu mejor trabajo y trabajo que deseas que te contraten para hacer en tu información de contacto. Número 3, quieres publicar ese trabajo en redes sociales con regularidad. Simplemente vas a leer y repetir estas tres cosas una y otra vez, continuando experimentando, refinando e iterando cada vez. Si quieres llevarlo un paso más allá y buscar activamente nuevos clientes, puedes probar algunas tácticas diferentes, incluyendo mailers y correos fríos. Vamos a hablar primero de correos fríos. Un correo electrónico frío es cuando encuentras una información de contacto para un director de arte o cliente con el que quieres trabajar y te pones en contacto con ellos para presentarte. Hay algunos lugares para encontrar su información de contacto. Se puede comprar un listado de información de contacto. Por revelación, nunca he hecho esto, pero sé que la gente sí. Número 2 es que puedes obtener la información de un amigo o de una referencia, alguien que quizá haya trabajado con ese cliente antes. Número 3, lo puedes encontrar en la página web del cliente, y número 4, puedes google, que es lo que normalmente he hecho. Para google para encontrar el nombre de un director de arte e información de contacto de un director de arte. Al buscar en Google, se quiere buscar el nombre de la empresa y la frase director de arte, o tal vez director creativo. Una vez que tenga una dirección de correo electrónico y un nombre y esté listo para redactar ese primer correo electrónico frío, recuerde mantener el mensaje personal, así que use su nombre real, no a quién le pueda interesar. Quieres referir algo que te guste la publicación o de la empresa o de la obra de ese director de arte o alguna razón específica por la que decidiste realmente dar el paso proactivo de ponerte en contacto con ellos. Número 2, pithy. Corto y dulce. No sigas y sigas. Se preocupan por el trabajo, no por tus calificaciones, educación, etcétera Esto no es un currículum. Número 3, práctico. Menciona que estás disponible para trabajo freelance e incluye tu información de contacto, un sitio web, y el número 4, bonita. Elige imágenes que parezcan que realmente funcionarían para ese cliente y que coincidan con su estética. No sólo elijas cosas aleatorias. Adjunta 3-10 imágenes y asegúrate de que tengan el tamaño adecuado. No quieres inundar su bandeja de entrada y que tengan tu nombre en el título de la imagen. En realidad pon tu nombre en el título de la imagen cuando titulo el archivo. Pondré una muestra de correo electrónico frío en la sección de proyecto de clase. Una vez que has frío envió por email a alguien, si de verdad quieres trabajar con ellos, puedes agregarlos a tu lista de actualizaciones de email regulares y enviar actualizaciones con tu nuevo trabajo cada 3-6 meses. Una confesión, esto es algo que siempre he sido realmente terrible haciendo porque francamente, lleva mucho tiempo y siempre he conseguido trabajo justo a través de los otros métodos de los que hemos hablado. Proyectos personales, tener un sitio web, y publicar regularmente en redes sociales. Pero últimamente he estado tratando de mejorar sobre mantenerme al tanto de esto para que pueda mantenerme en contacto con clientes existentes con los que realmente disfruté trabajando e incentivar la repetición de negocios. Siempre es súper agradable trabajar con alguien con quien has trabajado antes, asumiendo que fue una buena experiencia laboral. Ahora hablemos de enviar esas actualizaciones de seguimiento y cómo son diferentes o similares a los correos fríos. Para enviar una actualización quieres seguir más o menos la misma estructura que utilizas para el correo electrónico frío. quiere mantenerlo personal usando su nombre, etc, haciendo referencia al último proyecto que hicieron juntos, tal vez la última vez que supieron de ti. Pithy, de nuevo, corto y dulce esta vez probablemente más corto y más dulce. Menciona que has estado ocupado y que tienes algún trabajo nuevo que quieres compartir. Número 3, práctico, menciona que aún te gustaría trabajar con ellos y aún estás disponible. Cuatro, guapa. Elegir esas imágenes relevantes, asegurándose de que sean cosas que aún no has enviado a ese cliente antes. Una forma sencilla de hacerlo es tener dos carpetas diferentes llenas de imágenes. Tengo una carpeta de imágenes que utilizo si estoy llegando a alguien por primera vez y luego una carpeta llena de imágenes que utilizo para correos repetidos, para correos electrónicos de seguimiento, y refresco las imágenes ahí en esa carpeta cada tres meses ya que creo nuevo trabajo. Mi lista tiene alrededor de 40 personas de largo, conformada en su mayoría por clientes existentes con los que me gustaría volver a trabajar, y si no quiero volver a trabajar con alguien, simplemente no los pongo en la lista y clientes aspiracionales o soñados. No tengo mega listas de cientos de directores de arte a los que envío correos masivos. Este es un enfoque que funciona para algunas personas y que algunas toman, pero nunca ha sido mío. Otros tipos de promo. Por supuesto, existen otros tipos de contenido promocional incluyendo postales, mailers físicos, pegatinas merch, etc, paquetes de agradecimiento y más. He hecho algunos postales en mi tiempo y regularmente envío pequeños paquetes de postales, pegatinas, y a veces pequeños originales a clientes con los que ya he trabajado. Pero similar a los correos electrónicos fríos, esto nunca ha sido un gran foco para mí. Las ventajas de enviar mailers físicos son que a menudo es más fácil encontrar la información de contacto para el director de arte. Solo necesitas su nombre y la dirección de la empresa. A algunos directores de arte también les gustan mucho los mailers físicos y guardarán postales en un lugar visible en su estudio en lugar de en una carpeta de su servidor de correo electrónico. También es divertido. Las pocas veces que lo he hecho, realmente lo disfruté. Es un listón más alto para la entrada así que no tantas personas lo hacen porque, claro, hay que pagar para que se hagan las postales. Si sí decides que quieres enviar una postal, puedes encontrar información de contacto similar a cómo encontraste correos electrónicos, ya sea comprando listas o buscando en Google. Hay un montón de lugares para obtener tarjetas impresas. He usado Vistaprint y MOO. En lo personal, MOO tiene una calidad mucho mejor, pero son bastante más caros. Vistaprint ha estropeado mi pedido varias veces, pero siempre están dispuestos a corregirlo de forma gratuita. Si sí vas por la ruta Vistaprint, te recomiendo elegir uno de sus papeles de gama alta ya que eso realmente marca la diferencia. Cuando es hora de hacer realmente tu postal, te sugiero que elijas una imagen clave en lugar de una colección de imágenes. Eso hace que la imagen realmente destaque mucho más ya que es la estrella del espectáculo. Por supuesto, siempre se pueden hacer algunas postales diferentes con diferentes imágenes y enviar varias en un sobre a cada director de arte. Un enfoque a considerar es enviar una postal y luego dar seguimiento con un correo electrónico o viceversa. Ahora para cualquier tipo de promoción, ten en cuenta que obtendrás una tasa de respuesta muy pequeña. Mi tasa de respuesta es mayor ahora que estoy más establecida y que mi lista incluye a mucha gente con la que he trabajado. Pero cuando empecé por primera vez, sería alrededor del 5-10 por ciento en un buen día. Si enviara un correo electrónico a 30 personas, tendría mucha suerte de tener tres personas respondiendo. No tres personas en realidad me dan trabajo, sino tres personas simplemente diciendo, gracias por enviar un correo electrónico. Si envías una gran explosión de correos fríos y solo son grillos, no te desanimes. hecho de que alguien no responda, no significa que no le guste tu trabajo o que no quiera trabajar contigo. Puede que no respondan porque están muy ocupados o porque no tienen exactamente el proyecto correcto en este momento, o porque piensan que tus habilidades aún no están ahí, pero están interesados en vigilarte. Si aún quieres trabajar con alguien y no te han enviado por correo electrónico pidiendo que te retiren de tu lista, por todos los medios puedes mantenerlos en esa lista y seguir enviándoles actualizaciones trimestrales aunque nunca te respondan. Ahora bien, lo que me ha funcionado en términos de promo. He tenido trabajo provienen de búsquedas de imágenes de Google. Esa es probablemente mi referencia principal, de Instagram, que es la siguiente, de Tumblr, de Etsy, de Pinterest, de Twitter, y de Behance. El alcance directo del cliente nunca ha sido un gran temor para mí. Su asignación para esta lección. Muy bien para esta lección, vamos a tratar de encontrar la información de contacto para un director de arte con el que te gustaría trabajar o hasta cinco si te sientes ambicioso. Sigue los pasos que usamos para hablar de cómo rastrear realmente a un director de arte. También voy a poner un enlace a un video de YouTube que hice que realmente va en profundidad y en detalle a encontrar información de contacto de director de arte. Después quieres redactar el correo electrónico usando la plantilla que repasamos, y de nuevo, eso será en la sección de proyecto de clase o una postal si quieres. Esto lo puedes compartir en tu proyecto de clase. No tienes que compartir la información de contacto que encontraste. Eso lo hiciste, eso es tu desgarrador. Guárdalo todo por ti mismo, pero comparte, si lo harías, pero comparte, si lo harías, el borrador de correo electrónico y las imágenes que le adjuntarías. 8. Presentar el trabajo final y los estándares de la industria: Lección 7, cómo entregar el trabajo terminado y lo que esperan los clientes. Hablemos de cómo entregar el trabajo terminado y lo que esperan los clientes cuando lo haces. Ahora bien, si estás creando bellas artes para clientes no comerciales, esto es bastante sencillo. Normalmente solo quieren el trabajo físico terminado real, pero para los clientes comerciales, es un poco más complicado y definitivamente hay expectativas específicas en torno a cómo se debe formatear y entregar el trabajo final. El primero que hay que considerar es el formato de archivo. Existen varios tipos de archivos comunes que utilizan la mayoría de los clientes de ilustración comercial. Vamos a repasar rápidamente cada uno y para qué se utiliza. Primer paso, hay un JPG o JPEG, a veces esto se usa para imprimir, pero más a menudo, se usa para aplicaciones en línea cuando no se necesita un fondo transparente o tal vez para compartir borradores ásperos. Siguiente es PNG, esto suele ser solo para aplicaciones en línea o digitales. Nunca se usa realmente en impresión, y se usa cuando se requiere un fondo transparente. TIFF para T-I-F-F, esto generalmente se utiliza sólo para impresión y puede tener un fondo transparente o no. Es un archivo de imagen de mayor calidad que un JPG. Entonces, por fin, hay un archivo PSD. Generalmente, los archivos de photoshop se utilizan cuando el ilustrador está suministrando cliente un archivo en capas donde cada capa necesita poder editarse individualmente. No tienes que usar Photoshop para esto, puedes usar un [inaudible] como Affinity o Pixelmator y exportarlo a un archivo PSD. Esto es lo que hago personalmente. Por último, mencionaré SVG y EPS. Estos suelen utilizarse para ilustradores que trabajan en formato vectorial en lugar de ráster. Por supuesto, existen otros tipos de archivos especializados que usan animación, por ejemplo. Pero de nuevo, esto es desde el punto de vista de un ilustrador que trabaja ilustración comercial, por lo que nos estamos centrando principalmente en tipos de archivo específicos de ilustrador. Siguiente arriba es el perfil de color. Algunos clientes solicitarán un perfil de color particular, por ejemplo, en pantalla o aplicaciones digitales, generalmente requieren alguna forma de RGB e impresión suelen requerir CMYK. Ahora bien, si eres un artista digital trabajando desde cero y procreate o photoshop para hacer tu trabajo, y estás creando para imprimir, por todos los medios, puedes elegir CMYK cuando estés configurando tu archivo. Pero si eres como yo y creas trabajo tradicional y luego lo escaneas, todos tus escaneos serán RGB por defecto. A algunos ilustradores les gusta editar el perfil de color ellos mismos, y esto está totalmente bien, pero rara vez lo hago y he aquí por qué. Traducir RGB a CMYK en realidad es toda una habilidad sobre sí mismo, y hay tantas versiones diferentes de cada uno de esos perfiles. Muchos clientes comerciales preferirán hacerlo ellos mismos ya que trabajan con separadores de color profesionales. Además, los perfiles de color y la forma en que se ve una imagen cuando se imprime pueden variar dependiendo del proceso de impresión y del sustrato, por lo que sea en la que se imprima la imagen y otros factores también. Otra cosa a considerar es que incluso cuando haces trabajo en CMYK en tu iPad o en una computadora, todavía estás viendo los colores en RGB. Es sólo una aproximación de lo que sería CMYK. Siempre puedes preguntarle al cliente cuál es su preferencia y esto no se considerará poco profesional, o puedes decirles cómo lo proporcionas de manera estándar y preguntar si eso está bien. Diferentes nichos también tendrán diferentes requisitos aquí, así que si estás trabajando en un nicho poco familiar, entonces probablemente sea mejor seguir adelante y hacer la pregunta solo para que sepas lo que espera el cliente. El tercer expectativa para entrega con clientes comerciales es claro corte. Si tienes un enfoque que es similar al mío donde tu trabajo es un tema aislado sobre un fondo blanco, mayoría de los clientes esperarán que elimines ese fondo antes de entregar tu trabajo. Esto a veces se denomina corte claro o corte limpio o incluso capas o capas, lo que esencialmente está convirtiendo la ilustración de escaneo terminado en su propia capa independiente. Esto sólo será realmente una preocupación para los artistas de medios tradicionales que escanean su trabajo y digitalizarlo, porque si estás trabajando digitalmente, solo puedes apagar la capa de fondo. Por último, hablemos de tamaño de archivo. Se desea asegurarse de que el tamaño del archivo y la densidad sean apropiados para el cliente en su propósito. No hay tamaño estándar, pero en cambio, el dimensionamiento se basa en el uso final. Si estás haciendo una ilustración digital o un banner, es común que se le den las dimensiones exactas de esa ilustración en píxeles. Si es para una revista impresa, a veces, pueden darte proporciones ásperas, a veces te darán dimensiones exactas en pulgadas o en centímetros. Básicamente, si el cliente ha solicitado un tamaño particular, asegúrese de entregar ese tamaño exactamente. Puedes usar un programa como Pixelmator o como Affinity para crear un lienzo que tenga esas dimensiones exactas y luego importar tu imagen, tu escaneo, directamente a ese lienzo. cuanto a la densidad, si tu cliente es digital, quieres exportar algo en el rango de 72-150 dpi, o si es una revista impresa, más cercana a la gama 350, y si es empaque o publicidad, generalmente, es más como el rango 400-600, ya que a menudo lo usarán en unas pocas aplicaciones diferentes. Una vez más, puedes preguntarle al cliente cuáles son sus expectativas y qué necesitan si no estás seguro, y siempre es mejor preguntar y nunca poco profesional preguntar. No hay asignación para esta lección. Simplemente vamos a saltar directamente a nuestra siguiente lección, trabajando con clientes. 9. Trabajar con los clientes: Bienvenido de nuevo. Se trata de la Lección 8, cómo trabajar con clientes. Otro nombre para esta lección sería atención al cliente para artistas e ilustradores comerciales. Ya sea que seas un artista de empresa a cliente o artista de empresa a empresa, tendrás clientes. Si su negocio a negocio, llamarás a esos clientes, y todo el que tenga clientes necesita practicar algún nivel de servicio al cliente. No hay nada complicado ni loco en esto, trato de seguir sólo cinco principios básicos: Número 1, quieres ser amable y empático. Esta es una regla tan simple pero es tan importante y puede ser fácil de olvidar, sobre todo si estás trabajando con clientes comerciales. Busca oportunidades para que el cliente se sienta visto y comprendido, y apreciado. Trata de ver las cosas desde su perspectiva cuando puedas, y sobre todo, preocuparte por su proyecto y sus metas. Haz que sea tu trabajo preocuparse por las cosas que les importan. Número 2, quieres ser por adelantado, directo, y claro. Hágale saber al cliente cómo es en realidad el proceso de trabajar contigo. Así que asegúrate de tener claro lo que realmente está recibiendo el cliente, cuánto tiempo tardará en conseguirlo, qué habrá terminado para cuándo; así las diferentes fases del proceso, y lo que necesita del cliente para hacerlo. último, pero no menos importante, tenga claro el precio del cliente. ¿Cuál costará esto? ¿ Y si necesitamos agregar extras? El tercer principio es ser proactivo y puntual. Busca y atiende posibles puntos problemáticos antes de que emerjan. A veces parece que si pudiera haber el potencial de mala comunicación o manchas pegajosas, tendemos a rehuir y esperamos que simplemente desaparezcan y que no tengamos que lidiar con ellos. Esto no te servirá al final. Si sientes que viene un hipo con el cliente, intenta cortarlo en el pase, y estar dispuesto incluso a subirte al teléfono cuando sea necesario. Todos los clientes aprecian la comunicación rápida. También deseas responder lo antes posible dentro de lo razonable. Por supuesto, no vas a responder a las 11:00 PM de un viernes, pero no intentes hacerte parecer difícil de conseguir o obligarte a esperar tres días para contestar a un cliente para que piensen que estás realmente ocupado o importante. Basta con responder razonablemente rápidamente. Básicamente, trata al cliente cómo quieres que te traten. El cuarto principio es ser humilde y abierto a la retroalimentación. Preocúpate más de ayudar al equipo a lograr el objetivo general que de ser la estrella del espectáculo. Esto es especialmente cierto para los artistas de negocios a negocios. Si dejas caer el balón o si cometes un error, discúlpate. Si quieres crear trabajo comercial o asumir comisiones como buen artista, tienes que estar abierto a la retroalimentación de los clientes y cambiar en la obra de formas que potencialmente no te gusten. A veces vendrás a gustarte al final y a veces no lo harás. A medida que te establezcas más, podrás ser más exigente sobre los tipos de trabajo y proyectos que asumas, y solo asumir un trabajo que se alinea bien con tu estética. Pero incluso entonces, los clientes pueden querer hacer las cosas de manera diferente a ti, es súper común. Si no puedes tomar comentarios con gracia o si te quita por completo el viento de tus ventas y te hace imposible trabajar, puede que este no sea el nicho para ti. El quinto y último principio para un servicio al cliente es llegar a tiempo. Establece una línea de tiempo realista y apégate a ella. Especialmente si apenas estás empezando, posible que quieras ser conservador en tu estimación inicialmente. Entonces si crees que algo te llevará dos días, entonces estima tres días. Si por alguna razón sabes que no vas a hacer una fecha límite que ya fijaste previamente, díselo al cliente en cuanto sepas, no esperes hasta que se aproxime la fecha límite. No les digas el día que no vas a poder conseguirles la asignación, que va a ser tarde. Si conoces el día anterior, díselo el día anterior. Ese tipo de comunicación clara siempre será muy apreciada por cualquier cliente, pero nuevamente, sobre todo por negocios y marcas. Su asignación para esta lección. Esto va a ser un poco diferente. Aquí vamos a hacer un ejercicio de reflexión. Imagina tu proyecto de cliente ideal. ¿ Con quién estás trabajando? ¿ Qué estás haciendo? ¿ Cuál es la asignación? Ahora imagina que eres el cliente. Después de que hayas articulado todo eso, intenta tal vez escribirlo. Ahora te vas a imaginar que tú mismo eres el cliente. Trata de imaginarte en sus zapatos; ¿cuáles son sus objetivos? ¿ Por qué te habían elegido como artista? ¿ Cuáles son algunas de sus mayores preocupaciones o incertidumbres sobre trabajar contigo? ¿ Cómo se puede abordar de manera proactiva estos? Si te sientes cómodo, comparte algunos de tus pensamientos y reflexiones en la sección de proyecto de clase. 10. Cómo preparar y entender un contrato: Lección 9, cómo armar un contrato básico. Entonces nos acercamos al final de este curso, pero antes de terminar, tenemos que abordar una de las habilidades empresariales más importantes que puede tener un artista, creando y entendiendo contratos y acuerdos. Por supuesto, tengo que decir de frente aquí que no soy abogado ni profesional jurídico. Yo sólo soy un artista que ha trabajado para entender los contratos de propiedad intelectual, que es el gran paraguas que normalmente caen nuestros contratos. Pero debes tomar todo lo que digo con un grano de sal y al igual que el resto de esta clase, úsalo como plataforma de lanzamiento para aprender más. De acuerdo, vámonos. Para mí, los contratos y acuerdos fueron uno de los aspectos más intimidantes de mi temprana carrera freelance. Sabía que necesitaba tener algún tipo de acuerdo o contrato, sobre todo si iba a hacer esto a largo plazo. Pero todos parecían tan abrumadores y largos e incomprensibles. He aprendido a través de ensayo y error que hay 10 cosas fundacionales que necesito incluir en cada contrato, ya sea para una gran empresa puesta en marcha ilustración para una campaña nacional o para una privada individual comisionando un retrato de mascota para su abuela. Esas 10 cosas clave son el número 1, los nombres de las fiestas, así que tú y el cliente. Número 2, entregables. Los entregables son lo que está recibiendo el cliente y la forma en que van a entrar. Esto podría ser una obra de arte física, una descarga digital, etc. También debes incluir las dimensiones, el estilo, el contenido, básicamente una bonita descripción minuciosa de lo que específicamente está pagando el cliente. Te sorprendería cuántas malcomunicaciones dolorosas se pueden evitar con sólo describir a fondo los entregables. Número 3, cronología y proceso, por lo que cuándo se realizará el trabajo y cómo. Se quiere describir cada etapa de su proceso y llegar a plazos para cada fase. No confíes en que el cliente haga esto. También quieres deletrear las revisiones. Cuántas veces el cliente puede pedir cambios y qué tipo de cambios pueden pedir. Nuevamente, sé muy específico aquí, así que deletrearlo de la manera más clara y sencilla posible, qué cambios puede hacer el cliente y en qué fase del proyecto. También quieres mencionar lo que costará si el cliente necesita tener cambios adicionales. Si eso sucede, por lo general se construye sobre una base horaria, por lo que solo puedes afirmar que esa tarifa adicional se construirá a tu tarifa por hora estándar de cualquiera que sea tu tarifa por hora. Número 5, quieres incluir, por supuesto tu precio o tu cuota, entonces cuánto cuesta esto. Asegúrese de indicar si es por ilustración o imagen y hacer que el costo total sea muy claro y obvio. Una estructura de pago, por lo que esto podría incluir un depósito de 25-50 por ciento, información sobre cómo y cuándo aceptas el pago, etc. así que si haces cheques o pago en línea o PayPal, recomiendo encarecidamente obtener un depósito si puedes. En algunos mercados, simplemente no es tan común, en editorial por ejemplo, pero siempre debes solicitarlo. Con clientes particulares, de manera estándar hago un depósito del 50 por ciento y luego un pago final del 50 por ciento antes de enviar el trabajo real. A continuación, también se quiere incluir una cuota de muerte, que es cuánto se le pagará en caso de que se cancele el proyecto en diversos puntos. Entonces imagina que tienes a mitad de camino por una ilustración de acuarela y el cliente canceló de repente el proyecto porque ya no necesitan usarlo. Necesitas estar protegido y asegurarte de que te pagarán manera justa por tu trabajo aunque el cliente cambie de opinión. También se quiere tener una cláusula de pago contingente. Esto establece que el derecho del cliente a utilizar la obra depende de que te paguen. Entonces esto realmente sólo se necesita con clientes comerciales. A continuación, los derechos de uso, cómo el cliente puede utilizar la obra terminada, y quién es el propietario de los derechos de autor. Esto puede parecer contrario a intuitivo, pero deberías tener esta cláusula en una comisión privada así como en una comercial. Esto es lo que explica el valor que está recibiendo el cliente. Sé específico una vez más. Describa exactamente cómo el cliente puede usar el trabajo. Entonces si están planeando ponérselo en toallas, no solo digas ropa de cama, digamos toallas. Declarar que cualquier uso adicional deberá negociarse por separado y podrá incurrir en honorarios adicionales. Siguiente es el término. El término es el tiempo que el cliente puede utilizar la obra para el fin especificado. Esto sólo es realmente necesario para las comisiones comerciales porque realmente no hay tiempo específico, ningún término que una comisión privada pudiera tener el retrato de mascota pintado para su abuela colgando de la pared. Por lo que esto varía una vez más según el mercado, pero un término podría estar en cualquier lugar de seis meses a unos pocos años a indefinido. Por supuesto, estos son solo los fundamentos y puedes incluir muchas otras cosas en tu acuerdo. Además de estos 10 ítems, cuando estoy trabajando con un cliente comercial, utilizo una plantilla del manual calificado artista gráfico que cubre cosas como la mediación y una cláusula de indemnización. También puedes Google plantillas de contrato o plantillas de contrato para ilustradores o artistas o puedes comprar tu propia copia del manual de GAG. En ocasiones, una empresa te proveerá con su propio contrato. Esto en realidad es bastante común si se trata de un cliente corporativo más grande y si esto sucede, siempre leo a través del contrato con especial atención a las 10 cosas anteriores que mencioné. También puedes pedir al cliente que firme tu contrato aunque hayas firmado el suyo o si no están abiertos a hacerlo, puedes pedirles que modifiquen su contrato para incluir las cosas que podrían no haber incluido en él, como una línea de tiempo específica o una tarifa de muerte. Entonces el solo hecho de que una empresa te envíe un contrato no significa que tengas que aceptar los términos y firmar como está. Pedir cambios es muy común y lo hago todo el tiempo. Por ejemplo, se está volviendo cada vez más común que las empresas incluyan una cláusula de todos los derechos en su contrato. Esto básicamente significaría que el cliente es dueño de tu trabajo en su totalidad y no puedes usarlo para nada más nunca. Ahora, hay algunas situaciones en las que el cliente sí necesita esta latitud. Pero en general, para algo como editorial o libro de imágenes o licencias, sólo lo necesitan para un uso muy específico. Si el contrato del cliente tiene una cláusula de todos los derechos en él y parece inapropiado, te animo a negociar y solicitar si estos derechos de uso se limitan solo a lo que realmente necesita el cliente. Ahora, sólo porque el cliente haya incluido una cláusula de todos los derechos en su contrato, no significa que sean maliciosos o que estén tratando de aprovecharte de ti. A veces, estos contratos, son contrato de forma. Están armadas por algún departamento jurídico o tal vez un abogado que han contratado una vez para hacer el contrato y que trata de redactar el contrato de una manera que sea la más ventajosa para el cliente. Entonces no es indicativo de que traten de pisarte o traten de aprovecharte de ti, y como tanto más razón por la que desde que solo era un contrato de formulario elaborado por un abogado que no necesariamente conoce todas las entresijos específicos de la industria de precios, tanto más razón para que sigas adelante y pidas que te hagan cambios al mismo. Si insisten en todos los derechos, si el cliente sí insiste en esto, el precio debería subir de manera significativa. O si se oponen a un salto de precio, limite los derechos. Por lo que no hace falta una revista que imprima tu ilustración una vez para poseer todos los derechos para siempre. Si estás creando tu propio contrato, puedes crear un PDF y enviarlo al cliente para una firma electrónica, o puedes pedirles que lo impriman y lo firmen y te lo devuelvan, o puedes usar un servicio como DocuSign o HolloSign. Personalmente, uso algo llamado Bonsai para crear mis contratos usando la plantilla GAG que acabo de importar en ella, y también rastrea firmas y se abre para mí. Pero solía usar PDF en los primeros días porque es fácil y gratis. O podría tener una combinación en la que firme el contrato del cliente que detalla los precios y los entregables y el uso, pero no incluya una línea de tiempo ni información sobre revisiones. Podrían entonces martillar los detalles de esas cosas en el cuerpo de un correo electrónico. Básicamente, lo importante a recordar los contratos y acuerdos es que se necesita un registro claro por escrito de lo que usted y el cliente acordaron con respecto al proyecto. Su tarea para esta lección es ponerse cómodo con la creación su propio contrato o acuerdo elaborando una plantilla de contrato que pueda utilizar más adelante. Así que algunas investigaciones, plantilla de contrato de Google para ilustradores, contrato de muestra para freelancers, lee varias de estas plantillas, y Google cualquier término que no entiendas, intenta conseguir familiarizado con el lenguaje. Después quieres escoger una o dos plantillas y buscarlas con esas 10 cosas clave de las que hablamos en mente. ¿ Están ahí los 10? ¿Se ven diferentes? ¿ Es necesario añadirlas o modificarlas? ¿ Hay cosas extra en este contrato que no sean específicamente relevantes para ti? Si es así, simplemente puedes eliminarlos o reemplazarlos por algo que sea. Por supuesto, siempre puedes trabajar con un abogado de propiedad intelectual o buscar ayuda legal para artistas si realmente te sientes incómodo con este aspecto del trabajo. Puedes tener a alguien armar un contrato de formulario para ti. Si alguna vez te encuentras en una situación en la que las apuestas son muy altas, por lo que un proyecto realmente grande que te va a llevar un año o más para trabajar, ilustración de libros infantiles es un buen ejemplo de eso, podrías considerar hacer que sin importar, buscando alguna ayuda, ya sea un agente o un abogado que pueda navegar por algunos de los aspectos legales de la misma para usted. Pero te animo encarecidamente a familiarizarte con los contratos y el lenguaje jurídico básico relacionado con el arte independientemente, sobre todo si estás apuntando a una carrera en el sector comercial. pesar de que vayas a trabajar con un abogado para algo de ello, aún te interesa entenderlo y aunque sea un poco aburrido, te servirá muy bien a la larga. 11. Facturas y aspectos financieros básicos: Lección 10, cómo manejar las finanzas básicas. Estamos en la última décima habilidad empresarial, recibiendo pagos y lidiando con dinero. Primer paso, un último descargo de responsabilidad. Todos ustedes ya saben que no soy abogado. Pero por si acaso hubiera alguna duda, tampoco soy un CPA ni un pro financiero. Yo sólo soy un artista que ha aprendido a entender algunas de esas cosas y está aquí para ojalá desmitificarlas un poquito para ti. Dicho eso, vamos a sumergirnos en nuestro primer tema. Elaboración y envío de facturas. Similar a los contratos, puedes crear facturas súper simplemente con solo un PDF o con un programa como Bonsai o FreshBooks. Empecé con el modelo PDF igual que lo hice con contrato y me muevo hacia Bonsai una vez que se hizo demasiado difícil hacer un seguimiento de qué clientes habían pagado y cuáles no. Esto ha sido útil, pero por supuesto el inconveniente es que el Bonsai cuesta dinero. Por esa razón, si apenas estás empezando y solo tienes unos cuantos proyectos de cliente o uno de vez en cuando, recomendaría absolutamente la ruta PDF inicialmente. Algunos consejos útiles sobre armar en voces. Se quiere incluir gran parte de la misma información que estaba en el contrato, y como mínimo, estas cuatro cosas. Número 1, tu información de contacto y la información de contacto de los clientes. Número 2, la fecha de emisión y el número de factura. Tener esos arriba en la parte superior de la factura si es posible. caso de necesitar contactar al cliente para recordarles la factura, es mucho más profesional referir el número de factura y la fecha en lugar de simplemente decir: “Oye, recuerda lo que te pedí que me pagaras esa vez”. Poner una fecha de vencimiento prominente en la parte superior de la factura también es bueno, este es el número 3. Te sugiero un neto de 30 días, lo que significa que te pagarán o que necesitarán pagarte 30 días después de la fecha de emisión. Si envías el primero de junio, vencerá el 30 de junio, y ese 30 o 45 neto es estándar para la mayoría de los clientes comerciales. Pero si estás haciendo comisiones privadas, es más estándar tener ya sea 100 por ciento por adelantado cuando se reciba la factura antes de que comience el trabajo o 50 por ciento por adelantado y 50 por ciento al cierre del proyecto. número 4 es una descripción de lo que realmente está cubierto en esta factura. Esto se vuelve especialmente importante si trabajas con un cliente varias veces o a través de un proyecto multifásico. quiere dejar súper claro qué se había pagado cuando, a fin de evitar cualquier preocupación con doble facturación. Después da título al archivo con el número de factura y con su nombre. ¿ Cuándo enviar una voz? Se desea enviar una factura para un depósito tan pronto como se haya firmado el contrato antes de que realmente empiece a trabajar, y luego se desea enviar la factura del depósito final tan pronto como el cliente haya firmado la obra final. ¿ Cuándo dar seguimiento a una factura? Me gusta enviar un recordatorio una semana antes de que venza la factura. Bonsai hace esto automáticamente por mí, lo cual es super agradable. Entonces si la factura no se paga antes de la fecha de vencimiento, típicamente espero 3-5 días hábiles y luego envío otro recordatorio. Esta vez está escrito personalmente. Siguiente paso, el seguimiento de las finanzas. Tengo preguntas sobre esto todo el tiempo y parece ser algo por lo que mucha gente se pone realmente nerviosa. Vamos a mantenerlo sencillo y hablar mi consejo número 1 para rastrear las finanzas de su negocio, y eso es tener una cuenta separada y tarjeta de débito para su negocio. Esto puede ser realmente útil y puede simplificar el seguimiento de ingresos y gastos. Se trata de una referencia todo en uno que es súper útil no solo en tiempo de impuestos sino a lo largo del año para permitirte ver patrón y mantenerte al tanto de tus finanzas empresariales. Tengo una cuenta separada y cada vez que me pagan, ya sea de un cliente, de una venta en línea de Skillshare, todo va a ese mismo lugar. También uso la cuenta para todos mis gastos de negocio como alojamiento web, estudio, renta, subcontratistas de pago, etc. Dicho eso, no tienes que tener esta separación del get-go, al menos no lo tienes en EU. Especialmente, si solo estás recogiendo algunos clientes aquí y allá, está bien esperar para dar ese paso a hacer realmente una cuenta separada. El punto de referencia más importante es que quieres poder rastrear cuánto trajiste y cuánto pagaste en gastos. Puedes hacerlo al principio, aunque no hayas separado tus finanzas. Pero una vez que empieces a conseguir un trabajo más consistente, te recomiendo conseguir una cuenta separada. De lo contrario, puede ser fácil perderse cosas y cometer errores. Por último pero no menos importante, los impuestos. Lo que estoy a punto de decir es realmente aplicable sólo a los residentes de Estados Unidos, y no voy a entrar en un tonelada de detalles aquí porque como ya lo mencioné, no soy un CPA ni experto en impuestos. Esperemos que sólo pueda darte una visión general amplia y un buen sentido de dónde podría necesitar aprender más. En primer lugar, lo básico, cualquier ingreso por cuenta propia se gravará de manera diferente al ingreso laboral. Debido a esto, dejar de lado el dinero para los impuestos se vuelve súper importante. De lo contrario, puedes terminar con una gran factura de miedo cuando es hora de impuestos y no hay suficiente efectivo a mano para pagarla. personal, cada vez que me pagan de un proyecto de cliente, aparto 20-30 por ciento en una cuenta de ahorro fiscal. Esto es un reto de hacer pero la forma en que lo miro es si fuera un empleado regular, nunca vería ese dinero en mi cheque de pago de todos modos, simplemente se sacará automáticamente. Intento tratarlo de la misma manera. Yo estoy reteniendo en mi propio nombre, esa es otra razón por la que tener una cuenta bancaria separada es útil. Cuando entra un depósito, primero saco los impuestos y luego transfiero una cantidad fija a una cuenta personal por mi salario. Mantenerse organizado en enero. En enero, una vez que sea hora de impuestos, recibirás 1099 en lugar de W-2s. Como freelancer, es probable que tengas varios 1099 diferentes. Debido a esto tener un archivo tanto digital como físico para ahorrar 1099 ya que entran es súper útil. De verdad no voy a entrar en más detalles sobre eso sobre impuestos porque no soy un experto y los umbrales y las reglas cambian todo el tiempo. Para responder preguntas como, ¿cuánto necesito hacer de freelance antes de necesitar pagar impuestos? Lo mejor es hacer algo de Google para que puedas obtener un entendimiento básico tú mismo. Lo más importante, está bien pedir ayuda a un experto en impuestos real y trabajar con un profesional si es necesario. En esa nota, revelaré que mi pareja es genial con números y usa TurboTax. Yo sólo le doy todos mis gastos e informes y 1099 y él se encarga de ello. Pero si ese no fuera el caso, definitivamente pagaría 100 por ciento a un pro para hacerlo por mí porque no es lo mío y no hay vergüenza en admitir eso. Pondré algunos enlaces a trabajadores independientes de impuestos útiles [inaudibles] en la sección de recursos. Tu tarea para esta lección es ponerte cómodo con la creación tus propias facturas elaborando una plantilla de factura que podrás utilizar más adelante. Nuevamente, al igual que hiciste con los contratos, haz alguna investigación, prueba plantilla de factura para ilustradores o factura de muestra para freelancers. Lee varias de estas plantillas y Google cualquier término que no entiendas para familiarizarte con el idioma. Después elige una plantilla para usar como punto de partida y agrega o modifica esos cuatro componentes básicos de los que hablamos. El info de contacto, fecha y número de factura, fecha de vencimiento, y la descripción de lo que se está construyendo. A algunas personas les gusta ponerse un poco de fantasía con el diseño su factura y sin duda está bien hacerlo. Pero en general, te recomiendo que lo mantengas claro, sencillo y fácil de entender. Entonces si lo deseas, puedes subir una imagen de tu plantilla de factura completada a tu sección de proyecto de clase. 12. LECCIÓN EXTRA: edición de imágenes: Lección extra, cómo fotografiar y escanear trabajo. Para esta lección extra, nos vamos a centrar en una de las habilidades más básicas y prácticas que un artista pueda tener captando imágenes de su trabajo. Debatí si quería incluir esta lección en la clase porque en realidad no es estrictamente una lección relacionada con los negocios. Pero para mucha gente, cuando están dando el salto a solo crear trabajo como hobby o crear trabajo como principiante y queriendo hacer la transición a un profesional en trabajo, lo que se interpone en su camino es compartir imágenes de calidad de su trabajo. Cuál es el impedimento real para que compartan imágenes de calidad de su trabajo es hacer imágenes de calidad. Entonces para mí, a pesar de que esto no está relacionado con los negocios en el mismo sentido que como el marketing o las finanzas, realmente es una habilidad que tiene importancia bastante clave para el éxito de tu negocio como artista. Nos vamos a sumergir en eso hoy. Ahora, algunos artistas, especialmente fotógrafos, pueden haber aprendido estas cosas en la escuela de arte, pero muchos artistas mediáticos tradicionales, yo incluido, no lo hicieron. Si eres fotógrafo o si ya te sientes súper competente en capturar imágenes de tu trabajo, probablemente puedas saltarte esta lección a menos que quieras aprender sobre los escáneres. Vamos a abordar las dos formas principales de capturar imágenes de su trabajo para presentación, fotografía, y escaneo. Primer paso, los fundamentos de fotografiar tu arte para exhibición o para presentación, no para reproducción. Número uno, se quiere disparar en luz natural, indirecta. Esto significa que quieres un ambiente bien iluminado, pero no quieres la luz directamente en tu arte. Esto se puede lograr de algunas maneras diferentes. Puedes estar fuera a la sombra, esto es realmente ideal, o puedes estar dentro de una habitación bien iluminada con al menos dos ventanas o en interiores usando equipos de iluminación. También quieres disparar desde una variedad de ángulos. Por supuesto, quieres un buen disparo frontal, que muestre toda la imagen. Puedes usar una cuadrícula en tu cámara, o incluso tu iPhone tendrá esto, para asegurarte de que realmente estás directamente al frente, no disparando desde un ángulo, y quieres intentar retroceder para evitar cualquier distorsión de imagen. Después intenta disparar desde un costado y desde cerca. Disparar desde un costado muestra textura y dimensión en tu trabajo, lo cual es especialmente importante si el trabajo es en Lienzo o panel o tiene alguna dimensión de tipo al mismo. También quieres mostrar escala. Dispara al lado de una prop o un caballete o ten la obra sostenida por una modelo. Ahora, punta número tres, esto es sencillo y es solo para usar la mejor cámara que tengas. Esto no necesariamente tiene que ser una DSLR. Puede ser un iPhone o un smartphone, pero si tienes una mejor cámara, por todos los medios, úsala. Por supuesto, quieres usar un trípode si tienes uno también. Si eres estable al disparar, la imagen tendrá más detalle y se verá más nítida. Esto también puede ayudar con el centrado y asegurarte de evitar cualquiera de esa distorsión de imagen. Si no tienes un trípode, puedes intentar configurar los tiros y puedes afianzar el brazo sobre un mueble o una pared, y luego una vez que tengas una foto, editarás usando una app de fotos básica como iPhoto. Seguramente querrás ajustar el balance de blancos y la exposición, sobre todo si el arte está sobre un fondo blanco o tiene muchos colores claros sobre él. También querrás modificar la saturación. Tu objetivo debe ser hacer que se parezca lo más posible a lo real. De nuevo, asegúrate de que cuando estés tomando fotos de esta manera, esto es para presentaciones, por lo que por incluirla en tu sitio web tal vez, o por enviarla a una galería o a tu Instagram. Pero esto, no serías capaz de tomar fotos para hacer reproducciones usando este método, necesitarás una cámara diferente, mucho mejor equipo, todo eso. Ahora, antes de pasar al escaneo, una nota rápida sobre hacer impresiones artísticas a partir de fotos. Si quieres fotografiar tu trabajo para poder realizar reproducciones, necesitarás una cámara muy buena, una configuración de iluminación Pro, y un trípode. Por esta razón, puede ser mejor trabajar con un fotógrafo profesional o utilizar un escáner si es posible. Está bien. Pasando al escaneo. Los fundamentos de escanear tu arte, ya sea para exhibición o para reproducción. Podríamos pasar toda una clase revisando los escáneres y cómo funcionan. Pero vamos a tratar de enfocarnos hoy en los conceptos básicos esenciales que debes prestar atención a la hora de elegir y operar un escáner. Si estás escaneando obras de arte, quieres intentar elegir un escáner de cama plana independiente. Es posible que pueda obtener la calidad de escaneo que necesita de un escáner de impresora combinado, pero el área de superficie de la placa de escaneo suele ser mucho más pequeña, por lo que puede ser complicado. Cuando elijas un escáner, verás un montón de medidas y números en esa descripción. aquí hay dos a los que definitivamente debes prestar atención y son explicaciones de laico no técnico muy simples: Resolución óptica. O es cuánto detalle el escáner es realmente capaz de capturar por pulgada. Más es mejor, una resolución óptica más alta es mejor. Mi escáner tiene un OR de 6400 DPI, pero deberías buscar algo con un OR de al menos 1200. El número dos es la profundidad de color. La cantidad de información capturada en cada píxel, ya sea de 32, 36, 42 y 48 bits, todas estas son mediciones bastante comunes aquí. Busca más alto, de nuevo, 42 o 48 bits si es posible. Consulta la sección de proyectos de clase y recursos para ver las recomendaciones de mis escáneres. Yo diría Epson perfección V600 en el extremo alto. Este es un escáner que uso. Se vuelve a cola para alrededor de 220 y la perfección de Epson B39 en el extremo inferior, que se reconecta para 100. Está bien. Entonces a usar realmente su escáner. Una vez que tengas tu escáner, descarga el controlador del escáner, que es el software que permite a tu computadora hablar con el escáner. Siempre que lo enciendas, lo estás operando, asegúrate de seleccionar primero el modo pro o manual en el menú del conductor. Dependiendo del escáner que elijas, al abrir el controlador, tendrás varias opciones para el modo de escaneo, similares a usar una cámara. Generalmente, hay un modo automático y un modo parcialmente automático, y el modo manual. En mi chofer, el modo manual se llama profesional. Prácticamente siempre quieres elegir el modo manual para que los ajustes de auto estén apagados. Muchos de estos ajustes de auto son para fotos o para documentos o incluso negativos. Se desea que el escaneo llano sin editar funcione. Dentro de promo, desactiva cualquier ajuste. pasaba tiempo ajustando específicamente la configuración de cada escaneo para que la imagen se viera exactamente de la forma en que la quiero. Pero generalmente ahora a menos que esté escaneando una pieza particularmente problemática, por lo general una es todo amarilla o tiene muchos colores muy claros, elijo el modo manual profesional y simplemente apago cualquiera de esas modificaciones, ajustes incluida la exposición automática. Hago esto porque prefiero editar el escaneo yo mismo en un programa de edición de fotos. Encuentro que en última instancia ahorra tiempo y me consigue los mismos resultados al final. También deseas elegir foto como configuración de escaneo y configurarla 48 bits o la opción más alta que tienes para capturar la mayor cantidad de información de color posible. Entonces quieres elegir tu DPI. Casi siempre escaneo en el rango de 350 a 700 DPI, y esto debería ser suficiente para la mayoría de las aplicaciones de arte. Se puede, por supuesto, escanear más alto, pero los archivos serán enormes y serán realmente lentos de editar. En última instancia, debes elegir tu DPI en función del uso final. Por ejemplo, si estoy escaneando una ilustración cuatro por seis que se imprimiría en una revista. Simplemente lo escanearé a 350 DPI. Pero si estoy escaneando una ilustración cuatro por seis que se utilizará para empaques y publicidad, iré en el rango de 600 a 700 DPI, ya que es probable que ese cliente quiera agrandar ilustración y usarla y otras aplicaciones. En cualquiera de los dos escenarios, también exportaré una versión de menor resolución para mi portafolio y para uso en línea. Ten en cuenta que siempre puedes reducir el tamaño del archivo más adelante, pero no puedes ajustarlo sin volver a escanear. Entonces cuando tenga dudas, escanee con una res más alta. Una vez que tengas tu escaneo, tendrás que editarlo. Necesitarás algo con un poco más umph que iPhoto. Te recomiendo usar ya sea Pixel Meter o Affinity Photo. Por supuesto puedes usar Photoshop, pero es un bateador bastante pesado y si todo lo que lo estás usando es un poco de edición post-scan, realmente no lo necesitas y puedes evitar fácilmente el gasto. Se puede exportar los mismos archivos profesionales de alta calidad desde Pixel Meter o afinidad y personalmente nunca uso Photoshop. Mis objetivos al editar un escaneo son generalmente hacer que se parezca lo más posible al original. Esto generalmente significa ajustar el rango tonal con la herramienta de curvas y, a veces, hacer ajustes de saturación y exposición también. Aquí no hay recomendación o ambientación universal ya que el gusto y el estilo de todos y las ilustraciones medianas y reales son diferentes. Necesitarás simplemente meterte y averiguar qué te gusta en términos de la configuración y cuáles son tus objetivos visuales. Dado que mi trabajo suele ser sujetos aislados sin fondo, también es muy importante quitar el espacio vacío alrededor de la ilustración para que te quede con un fondo transparente. Hablamos de esto antes en la sección donde estábamos hablando de las expectativas de los clientes en torno a la entrega del trabajo. Por lo que esto hace que quitar el fondo aquí hace que reproducción como hacer impresiones y fusionarse sea mucho más fácil, y también usará menos tinta si estás usando los escaneos para hacer impresiones artísticas. Por supuesto, si estás apuntando a trabajar con esos clientes comerciales, casi todos querrán y esperarán que el archivo final haya tenido los antecedentes eliminados. Por lo que quieres mostrar tu trabajo formateado de esta manera, aunque solo lo estés compartiendo en redes sociales o en tu página web, aunque solo se haya hecho para un portafolio y no para un cliente. Ahora, ya he hecho toda una clase sobre quitar fondos de tu trabajo. No vamos a entrar en mucho más detalle que eso ahora mismo, pero voy a vincular la clase en la sección de materiales. Obviamente, si tu obra tiene antecedentes, como si fueras artista de fondo o si crearas pinturas de escena totalmente renderizadas, no estarías quitando el fondo. Simplemente recortarías cualquier borde desordenado para crear una imagen limpia y agradable. Antes de terminar, una charla rápida sobre quién debe usar una cámara y quién debe usar un escáner. muy amplia, un artista cuyo trabajo tiene mucha textura, ya que en la obra en sí es un poco 3D o que pinta sobre grandes superficies dimensionales como lienzos o paneles, con más frecuencia necesitará usar una cámara porque solo va a ser bonita difícil conseguir que ese trabajo quede plano en una cama de escáner, un artista que pinte sobre papel o tal vez en paneles realmente pequeños y tenga una textura más sutil podría ir en cualquier dirección. Un artista que quiera hacer impresiones de su trabajo o trabajar con clientes comerciales, editorial, libro infantil, etc., necesitará un escáner. Eso es algo así como una herramienta de negocios esencial. Por lo que tu tarea para esta lección es capturar, editar y compartir una imagen de tu trabajo. Se puede utilizar ya sea una cámara o un escáner, editar la imagen de acuerdo al uso final. Si quieres usar la foto en tu tienda de Etsy, ten eso en cuenta cuando estés tomando una foto y escenificarla de esa manera. Si desea utilizar el escaneo como parte de su cartera de patrones de superficie, tenga eso en cuenta también. Así que háganos saber su uso previsto cuando comparta la imagen en su proyecto de clase. 13. Ronda relámpago: Lección 12: Ronda de iluminación o solución de problemas. Si aún no estás harto de hablar de negocios, vamos a abordar algunas preguntas o hipo adicionales que pueden surgir para los nuevos dueños de negocios creativos. ¿ Qué pasa con los NDA? Un NDA es un acuerdo de no divulgación. Es básicamente que prometes no hablar del proyecto del cliente hasta que digan que está bien hacerlo. Es muy común que se le pida firmar un NDA antes de que le ofrezcan un trabajo, antes incluso de cotizar un precio, sobre todo con una marca más grande o un cliente más prominente. No hay nada turbio en ello. Tengo un archivo lleno de NDA para trabajos realmente geniales que no terminaron haciendo paneo. Por lo general si terminas aterrizando el trabajo, una vez que la obra sea pública, podrás hablar de ello. Asegúrate de leerlo como lo harías con cualquier forma legal solo para entender lo que estás firmando. Pero no hay problema con firmar NDA y no hay nada raro un cliente te pida que firmes uno antes de que aceptes hacer el trabajo. ¿ Y el trabajo por contrata? Trabajo por contratación es un término que verás en algunos contratos creativos. Básicamente, significa que cualquier cosa que hagas para el cliente es propiedad de ellos en cuanto se hace, similar a todos los derechos. Pero esto es aún más integral ya que ni siquiera eres dueño la autoría de obra que se hace bajo un arreglo de trabajo por contratación. Recomiendo evitar el trabajo por arreglos de contratación a toda costa excepto en circunstancias muy específicas donde es más estándar. Por ejemplo, trabajar en una animación en una propiedad existente. ¿ Qué pasa con los pagos atrasados? Es inevitable que en algún momento te encuentres con un cliente que llega muy tarde en el pago de su factura. Un poco tarde, 1-2 semanas más es súper común en mi experiencia, y enviar un recordatorio educado es algo que tienes que estar cómodo haciendo. Pero ciertamente hay clientes que, ya sea a través del olvido o algo más intencional, empujarán camino, mucho más allá de la fecha límite. Al igual que con muchas cosas, la prevención es la mejor medicina. Aquí hay tres formas de evitar pagos atrasados. número uno 1 es incluir una cuota tardía en su contrato, mío es de 1.5 por ciento. Esto comienza a acumularse tan pronto como la factura llega tarde. El número 2 es incluir un contingente de cláusula de pago. Escribe en tu contrato que el cliente no tiene derecho a usar la obra hasta que te hayan pagado. número 3 es para que te paguen por adelantado o antes de que entregues las finales. Si estás trabajando para un cliente realmente pequeño o desconocido, mejor es que te paguen por adelantado, todo si tienes una sensación divertida al respecto. Si se trata de un cliente comercial más grande, conseguir al menos 50 por ciento por adelantado y 50 por ciento antes de entregar la obra es una buena idea, pero no siempre es posible. Asumamos que lo inevitable finalmente ha sucedido y usted ha tenido su primera factura atrasada. Aquí te presentamos cuatro maneras de lidiar con ello. Número 1, envía recordatorios semanales una vez vencida la factura. Número 2, hacer cumplir la cuota tardía si vence más de una semana, y ciertamente si un cliente ha llegado tarde antes, cortésmente les hago saber que voy a hacer cumplir la cuota tardía que acordamos en nuestro contrato. El número 3 es para recoger el teléfono. Da miedo, pero a veces en realidad hay que coger el teléfono y hablar con un humano para que le paguen la factura. Número 4 esto es algo para guardar más en tu bolsillo trasero como último recurso, y eso es alcanzar la cadena alimentaria. El peor caso de retraso en el pago que tuve fue trabajar para una organización nacional sin fines de lucro, eran algo así como ocho meses vencidos y habían ignorado mis muchos correos electrónicos y llamadas telefónicas, y finalmente por desesperación, yo investigó a los miembros de la junta y envió por correo electrónico a cada uno de ellos de manera individual, y me pagaron dentro de una semana. Pasando adelante. Otra pregunta común es, ¿ debo formar una LLC? Eso depende. Personalmente no he formado una LLC porque aún no tiene sentido financieramente. Hay muchas cargas de reportaje y más papeleo por tratar, y la estructura fiscal es más complicada que para los propietarios únicos. Para artistas e ilustradores, no hay razón para sentir que tienes que formar una LLC antes de poder empezar a trabajar. Siempre puedes hacerlo por el camino cuando tenga sentido. Básicamente, realmente depende de tus circunstancias. ¿ Debo conseguir un seguro de negocios? Ya que opté por no formar una LLC todavía, una vez tuve un estudio separado al que la gente pudiera entrar y visitar, sentí que era importante conseguir un seguro de negocios, tanto para asegurar mi equipo, sino también por razones de responsabilidad. En caso de que alguien se tropezara con un cordón de pintor y saliera herido, por ejemplo. Si tienes un estudio en casa, aún puedes obtener un seguro de negocio para cubrir tu equipo. Al igual que la pregunta de LLC, esto no es algo que tengas que responder de inmediato o antes de empezar. He sido freelancer de tiempo completo desde 2013 y solo sentí que tenía sentido asumir el gasto del seguro de negocios en 2019. Ahora bien, si tienes alguna otra pregunta relacionada con negocios o arte relacionada con negocios y arte que no he abordado en esta sección en particular o en otro lugar de la clase, por favor siéntete libre de dejarlas en la sección de discusión de la clase, lo haré estar filmando una sesión de seguimiento de preguntas y respuestas un mes después de que esta clase publique, y haré todo lo posible para incluir todas las preguntas sin respuesta. 14. Cierre: De acuerdo amigos, eso es todo para este curso. Tú lo lograste. Si has estado trabajando tu camino por el proyecto de clase como fuimos, bien hecho. Gracias. Por favor, sí asegúrate de compartirlo. Por supuesto, si aún no has empezado el tuyo, todas las indicaciones y descripciones están en la pestaña de proyectos y recursos. Echa un vistazo y zambullirte. práctica empresarial práctica puede no ser tan divertida como la práctica práctica de arte práctica, pero es igual de útil. El mejor modo de ponerse más cómodo y familiarizado con redacción de contratos y la cotización de precios es solo empezar a hacerlo. Muchas gracias por tomar esta clase. Si te ayudara, realmente agradecería una revisión positiva. Si tienes otras preguntas o recursos empresariales para compartir con nuestra comunidad, sobre todo si son relevantes a los nichos específicos de los que hablamos, como libros infantiles o arte de galería o patrón de superficie, te animo a compartir ellos en la pestaña de discusiones. Cuanto más compartamos lo que sabemos, mejor estaremos todos. Si quieres aprender más de mí, puedes tomar una de mis otras clases de Skillshare o visitar mi canal de YouTube. Hasta la próxima vez, amigos. Adiós.