Transcripciones
1. Introducción: Hola a todos. Mi nombre es Sarah Nelson. Soy artista e ilustrador en Los Ángeles California. Me encanta dibujar, me encanta crear, está en mi sangre, provienen de una gran familia. Llevo haciendo esto todo el tiempo que puedo recordar. He aprendido tanto en el camino. Empecé en más fino, todavía hago mucho de eso con pluma y dibujo de Margaret. Después, en 2017, aprendí a hacer algunos dibujos digitales, gráficos
Kim y iPad,
y luego lápiz Apple, que son dos de las cosas que necesitarás para esta clase, y una aplicación de dibujo en mi carrera fue cambiada para siempre. He sido capaz de hacer oportunidades que nunca habrían venido a mi manera. Conozco el poder del mundo del dibujo
digital y cómo eso puede transformar tu carrera, puede ser terapéutico. Te puede dar alegría y ampliar tu talento. De verdad quería enseñarte esto y las herramientas que utilizo. Estoy muy emocionado de que voy a descomponer esta clase para que sea apropiada para todos los niveles. Nunca antes habías hecho nada con el dibujo digital, no te preocupes, caminaré contigo y si hay algo con lo que estás familiarizado a lo largo de la clase. Cabina en toda la cabina a su propio ritmo. Aprende a hacer las cosas que te sientes incómodo haciendo. Voy a repasar cómo crear forma y forma que sea proporcionada. Después pasaremos por la textura y cómo agregar textura turistas objetos. Entonces vamos a repasar las capas de color, tanto en pinceles de píxeles como en corridas vectoriales. Antes de que hagamos todo eso, te
voy a enseñar a usar Adobe fresco. En tu proyecto de clase, cosa que vamos a estar construyendo para un en esta clase, dos tipos diferentes de ave del paraíso. Tanto el pájaro, hay tantos tipos diferentes de variantes, pero tengo una escogida y luego el ave del paraíso, la planta. Juntos vamos a usar todas esas técnicas de las que acabo de hablar. Te vamos a empoderar para crear tu propia ilustración de una manera que vas a estar realmente, muy orgulloso. No puedo esperar a ver lo que creas. Creo que va a ser increíble y creo que te vas a volar. Empecemos con una introducción a Adobe Fresco.
2. Introducción a Adobe Fresco: Vamos a sumergirnos en el fresco de Adobe. Estoy tan emocionado de presentarles esta plataforma. Nuevamente, si ya estás realmente familiarizado con Adobe fresco o vas a trabajar con procreate, siéntete libre de saltarte esta lección o ir a otra clase de habilidadcompartir que se sumerge aún más en este tipo de plataformas para simplemente cepillar todas las opciones que tienes en todas las formas que funciona la plataforma. Si eres nuevo, te voy a guiar por todas nuestras opciones de menú,
las diferencias entre pinceles, algunas de las formas en que funciona la herramienta, solo para que estés totalmente configurada con el fin de completar este proyecto de clase. Quiero empezar con nuestros botones y herramientas. Este es tu menú de pinceles de pixel, viene con conjunto inicial de pinceles, pero hay una enorme cantidad de pinceles que puedes descargar, solo google como importarlos, es proceso rápido y fácil. Los pinceles que realmente recomiendo son cientos de pinceles gratis llamados pinceles de Kyle, los uso todo el tiempo, pero empezaremos con pinceles de píxel. Operan igual que su nombre sugiere. Sus limitaciones dicen que no se pueden expandir infinitamente, pero sostienen una gama tan amplia de textura increíble y pueden manejar ser ampliados a la mayoría de los tamaños de archivo más utilizados. Los pinceles vivos son diferentes. Vienen tanto en color aceite como agua. Entonces aquí está el pincel de acuarela, en última instancia
son pinceles de píxel, pero son capaces de imitar tanto los medios de color de aceite como el agua mezclando, absorbiendo, al igual que esas pinturas lo hacen en la vida real. A medida que acercas, puedes ver cómo la textura
refleja realmente los medios que están tratando de imitar. Se quedan si notarás en el mismo tipo de capa que cualquier otro pincel de píxeles lo hace, y puedes ver que hay un indicador en el lado de esa capa en el lado derecho de tu pantalla, tiene un pequeño píxel, y luego si te mueves a un pincel vectorial, se convierte en un círculo rellenado. Hablemos de pinceles vectoriales, estos pinceles tienen opciones de pincel más limitadas, pero pueden expandirse infinitamente, no
pierden su resolución. Entonces, como ves, acerco aquí y las líneas simplemente permanecen rectas y claras. Me encanta usar estos pinceles. Me han sido realmente útiles en mi trabajo. Pude envolver todo este tren con pinceles vectoriales en esta aplicación de dibujo. Nos vamos a sumergir en algunas herramientas más clásicas, comenzaremos con el borrador, puedes cambiar su tamaño. Hay algunas otras opciones, como bordes más suaves que puedes usar para el borrador. Después tenemos las herramientas de forma, vienen en algunas formas diferentes, puedes cambiar el tamaño con solo usar las esquinas y
también puedes usarlo como borrador en su lugar para que puedas borrar la forma que has creado. Entonces tenemos la herramienta de movimiento, que hace exactamente lo que crees que
sería, puede expandirse y contraerse, pero también puede mover lo que hayas seleccionado en esa capa. Después tenemos la herramienta de selección, que permite seleccionar porciones específicas luego capas,
moverlo, dejarlo,
enmascararlo, expandirlo, contraerlo. Cuando termines con esa herramienta, solo recuerda golpear desselección. La herramienta de relleno también es un clásico. Te permite rellenar con tu color seleccionado. Sea lo que
sea que tengas en ese círculo, llenará ese color alrededor o dentro de ciertos objetos de esa capa y podrás elegir entre un píxel o una película vectorial. Entonces contamos con nuestra herramienta de muestreo de color, te
permite encontrar colores que quieras que coincidan perfectamente, puedes mover el círculo de muestra alrededor del área de la que estás buscando dibujar color y escogerá ese color exacto para ti en el multi- herramienta de muestreo. Puedes usar ese mismo círculo de muestreo y encontrar un área que tenga múltiples colores en capas en él y en realidad muestrea esos colores y lo crea en un color que puedes usar con tu pincel de píxel y guarda todos los colores y la opacidad que los usas arriba en un paladar abajo. También puedes cambiar la configuración de tu pincel, puedes cambiar su tamaño, flujo dependiendo del tipo de pincel habrá un tipo diferente de opciones de configuración. Después tenemos nuestros clásicos botones de deshacer y rehacer. Nuestra sección de ayuda ofrece una serie de tutoriales específicamente para Adobe fresco by Adobe fresco. Después tenemos nuestras opciones de publicación de exportación, e incluso puedes transmitir en vivo tus trabajos en curso a las pistas. A continuación tenemos nuestra configuración de documento, tamaño de lienzo, puedes alterar un flip, lienzo es rotar cosas, encontrar a pantalla completa, puedes presionar ese botón y cualquier herramienta que no estés usando activamente desaparecerá de la pantalla. Si haces clic en la capa, puedes mezclarlos de diversas maneras o puedes cambiar su opacidad como una capa completa. Hay un botón más e i. el botón más permite agregar capas y resaltar capas. Por último, cuando cierres tu proyecto, y termines se guardará y volverá a la galería donde podrás encontrar todos esos tutoriales. También recuerda echar un vistazo a esta habilidad compartir tutoriales en un fresco de Adobe y procreate que he enumerado en la sección de recursos de clase. Espero que esto haya sido realmente útil. Te veré en la siguiente lección.
3. Figura y forma: En realidad llegamos a empezar a dibujar. En esta lección, vamos a repasar cómo crear el contorno y
la estructura básica de nuestras especies de aves y nuestra especie vegetal. Pero antes de empezar todo eso, tengo que hablar de fotos de referencia, iluminación, resolución, pose, ángulo, todas estas cosas ayudan a crear un buen dibujo. La foto de la planta es una que me tomé un tiempo atrás, pero el pájaro del paraíso es un reto porque es originario de Papúa Nueva Guinea, no es una a la que tengo acceso, así que encontré esta imagen en Adobe Stock Photos, compré para esta clase, pero siempre y cuando no estés violando los derechos de autor, imágenes de
Google, Pinterest, Foto de stock, son todos grandes lugares para encontrar fotos de referencia.Compré fotos disponibles en la sección de recursos de clase junto con hojas de trabajo de montón para que practiques trabajando desde, y yo simplemente realmente te animaría a tratar encontrar tus propias fotos de referencia y dibujar de ellas. Hay tantos tipos de aves del paraíso y tanto por descubrir sobre ellas,
así que por favor búscalas y pruébalas usando estas técnicas por tu cuenta, usando una foto de referencia que has encontrado. Puedes importar estas fotos a través del ícono de la foto y el lado derecho de tu menú. Esta lección se trata de hacer bien el esbozo de nuestras materias. He desglosado este proceso en dos métodos, construcción de
formas y mano libre. Voy a empezar con la construcción de formas en el pájaro, y luego después haré dibujo a mano libre con la planta, y después de que terminemos con ambos, te
voy a mostrar cómo revisar tu trabajo. La construcción de formas es proceso de descomponer un objeto complejo en sus formas más básicas, y la complejidad que se agrega lentamente. Voy a sacar esta foto del lienzo apenas un poquito, me gusta usar pinceles vectoriales para hacer bocetos porque me permite dibujar más allá del lienzo, así que voy a añadir una nueva capa y cambiar el color de mi pluma. Cuando veo este pájaro y busco sus formas más básicas, veo un óvalo para la cabeza y un rectángulo para el cuello, bulto
circular en la cabeza, triángulo para el pico, ovalado para el cuerpo, rectángulo
curvo para la cola, y algunas líneas de barrido aquí en la base. Una vez que tenga estas formas, voy a agregar una nueva capa y cambiar mi bolígrafo a negro, y me gusta volver a empezar con la cabeza, vamos a refinar lo que empezamos, cuando miro el cuello y la cabeza, Voy a ver que hay una línea de cuello ligeramente curvada, y mira de cerca los ángulos, las curvas, y voy a notar que mis formas podrían no estar perfectamente alineadas, podrían ser demasiado pequeñas o demasiado grandes, puedo arreglarlo como soy yendo alrededor de ellos, recuerden esto es sólo un esqueleto del que trabajar. Cuando miro el pico, puedo decir que el pico es curvo, no sólo triángulo plano. Voy a empezar a llenar algunas de estas plumas de ala, asegurándome de que este contorno sea preciso o lo más cercano que pueda ser, tan importante porque va a asegurar que todo el trabajo que hacemos en las siguientes lecciones, textura de pluma y capas de color, que todo se ve bien desde aquí. Creo que hemos sacado al pájaro a un buen comienzo. Hablemos de mano libre, esconda tus capas en las que has trabajado hasta ahora con el pájaro, nos quedaremos en nuestro cepillo vectorial, voy a empezar con el negro de inmediato. mano libre es el método de dibujo donde dibujas lo que ves como lo has visto, y comienza por encontrar tu punto de partida. Al dibujar, mantengo los ojos puestos en la imagen por más de lo que realmente estoy dibujando, ya que estoy dibujando, estoy prestando atención a todos los pequeños detalles, siempre
estoy revisando qué alinean con lo que actualmente estoy dibujando, cómo se sienta en relación con otras curvas, otros pétalos, y siempre quiero asegurarme que nunca estoy dibujando algo más alto de lo que se supone que
sea, realmente es toda esa observación. Trabajo muy lentamente alrededor de la flor desde mi punto de partida, este es un proceso que más uso en mi propio trabajo, pero normalmente lee para mí la menor cantidad de correcciones porque estoy poniendo tanta atención como estoy creando. Parece que hicimos un trabajo bastante bueno de hacer bajar al ave del paraíso, así que vamos a hablar de cómo revisamos nuestro trabajo. En primer lugar, voy a agregar en seleccionar una nueva capa, cambiar el color de mi lápiz. Voy a usar un método al que llamo anclaje. Yo lo llamo así porque nos ayuda a solidificar y anclar lugares juntos. Al acercarme a este pájaro, puedo decir que el ojo se alinea con la misma punta del pico, y el pecho al pájaro se alinea donde se encuentran la parte superior del pico y la cabeza. También puedes usar esta herramienta de línea recta, y puedo decir que la base del pie está golpeando el borde de ese color se desvanece en el extremo del pie golpea el centro de la franja amarilla. También puedes ir horizontalmente. Puedes entrar en tantos detalles como quieras, y eventualmente tendrás esta cuadrícula desde la que trabajar. Se asegura de que las cosas estén alineadas, es increíblemente importante cuando se necesita dibujar algo que
tiene que ser identificable en función de las características, que asegurarse de que las manchas estén en el lugar correcto, solo uno cambio en esas características podría llevar a alguien a creer que es un tipo de ave completamente diferente. Como se puede decir, tengo muchas correcciones que necesito trabajar, que dicho, pájaro sin esta rejilla se ve bastante bien por sí mismo, así que refinaré cualquier cosa que sienta que necesita ser refinada para poder ser identificable o simplemente porque se ve mal. Una vez que hayas corregido cualquier cosa que sientas que necesites en tus propios dibujos, estás listo para la textura de penn, que estoy tan emocionado. Tómate tu tiempo con este esquema, asegúrate de usar la sección de recursos de clase, ya
tienes totalmente esto y te veré en textura penn a continuación.
4. Textura de la pluma: Bienvenido a la textura de pluma, así que primero vamos a hablar de eclosión y travesuras. Entonces vamos a hablar de textura y cómo aplicarla, dónde aplicarla dentro de una especie. Al final de esta clase, tendrás textura y valor dado a tu ave y a tu planta. Va a ser increíble. Hablemos de la textura de la pluma. Sirve un papel, sobre todo cuando se usan pinceles vectoriales, porque el pincel no tiene textura incorporada en el pincel, mientras que los pinceles de píxel pueden estar llenos de textura por sí solos. Empecemos con un rápido vistazo a la eclosión y el cruzado. El sombreado es solo usar líneas rectas arriba y abajo, repetitivas, viniendo de la misma dirección, ya sea subiendo o simplemente bajando a través de la repetición creamos valor, y así cuanto más cubras un área con esas líneas, más oscuro se vuelve. Esto se puede practicar creando una escala de valor como lo estoy haciendo yo. Asegúrate de poder identificar claramente tus tonos oscuros, medios y claros. Líneas más cortas espaciadas más separadas, hacen que las áreas más claras y las líneas largas oscuras hacen para áreas más oscuras, y usa el peso de tu papel, tu lienzo para ayudar a crear tus tonos claros. Crosshatching es exactamente lo que suena. Empezaste de la misma manera que lo haces cuando estás usando eclosión, donde estás empezando con sólo líneas rectas. Cuando le agregas coincidentes cruzados a eso, solo
estás agregando líneas anguladas para crear tus tonos oscuros, medios y claros. Sigues usando la repetición, no la presión para crear tu escala de valor. Ambas técnicas son realmente,
realmente útiles para hacer que las cosas parezcan redondeadas. Dominar esto es realmente útil y un ejercicio que realmente recomiendo antes de pasar a tus dibujos reales, es tratar de dibujar un círculo y recoger donde tus fuentes de luz y luego usar eclosionar y rayar para que se vea redondo. Nota muy importante a esto es que no curvas las líneas, las mantienes rectas y solo mueves la línea de líneas rectas. Se mueven esas líneas con la curva de la forma. Usaré el crosshatching para empezar a agregar algunas sombras más oscuras a la base. Observe que estoy agregando líneas más cortas, haciéndolas más espaciadas a medida que me acerco al punto más ligero. La dirección de la línea es realmente, realmente importante y te va a ayudar a que las cosas se vean redondeadas. Tómese un tiempo para practicar esto, consulte la sección de recursos de clase para ver notas sobre eclosión y eclosión cruzada. Ahora hablemos del Pájaro en el Paraíso. Vamos a empezar con el pájaro. Voy a añadir una nueva capa. Hay dos formas en que decido a dónde pertenecen la eclosión y la eclosión cruzada. Lo primero que estoy preguntando es dónde están las partes más oscuras, porque este negro en mi pluma va a ser la parte más oscura de mi dibujo. Pero debido a que la eclosión y la eclosión cruzada tienen estas texturas porosas a ella, puedo hacer que mis negros sean dinámicos si los mantengo un poco más ligeros y no solo llenan todo. Entonces si empiezo con esta porción negra de la cabeza, noto que mi pluma está puesta en los bordes de las partes más oscuras y moviéndome hacia adentro, puede
que llene algunas de las grietas,
pero quiero dejar espacio para que brillen diferentes tonos oscuros. También me voy a colorear en una porción del ojo y voy a dejar un punto culminante. Lo segundo que voy a buscar se aplica ahora, ¿
dónde tengo que implicar que hay una textura que necesita definirse. Por lo general no le daría a un pájaro un contorno recto porque sus bordes están emplumados. Por lo que en realidad voy a agregar otra capa y hacer que mi contorno inicial sea un poco transparente para que pueda crear líneas discontinuas y aplicar plumas en el exterior. También voy a añadir las pequeñas líneas que representan mechones a lo largo de la cabeza, a lo largo de las plumas, y donde hay líneas duras, sólo
voy a añadir una línea más definida. A mí me gusta llamar a este método
líneas implícitas básicamente significa que no estás dibujando cada cosita que has visto, pero estás dando pistas de lo que existe para que nuestras mentes puedan llenar los espacios en blanco. El ángulo de tu línea te ayudará a implicar que hay una curva, en
que dirección van las plumas, etc. Ahora mirando el ala inferior, es tan oscuro y luego añadir una capa de eclosión
y eclosión cruzada para agregar algunos dimensión a esta área oscura, este proceso definitivamente toma paciencia. Tendré esta capa disponible en mi sección de recursos de clase solo para que puedas acercarte a cómo agregué textura tanto al pájaro como a la planta. Creo que esta textura se ve bastante bien. Vamos a revisar y ver cómo esto se traduce en un ser no plumas. Línea implícita va a estar en su mayoría afirmando que las superficies de pétalos son lisas y también va a mostrar dónde están nuestras sombras. Así que recuerda quedarte aquí en vector y veamos dónde agregan pequeñas líneas para mostrar dónde se desplazan las sombras y la forma. Yo quiero que esa base, sobre todo se sienta redonda y los pétalos siguen
pareciendo que se están doblando y cambiando uno encima de otro. Observe cómo las líneas anguladas ayudaron realmente a enfatizar la redondez de esta base. Debido a que la característica primaria de las flores es la coloración audaz, no es necesario agregar demasiada textura de pluma. Queremos que los colores realmente estallen, pero esto nos ayudará a enfatizar su textura y parte de la forma. Se ve que estoy siguiendo las sombras y los pétalos no estoy curvando mis líneas. Simplemente haciendo que la fila de líneas curvas se mueva con el ángulo de la sombra. Simplemente agregando esta cantidad de sombreado, realmente
está empezando a dar vida a esto, lo cual es tan divertido. Consulta la sección de recursos de clase para echar un vistazo más de cerca a esta textura de lápiz para ambos dibujos. Éste porque hay tanto color audaz, no tardó tanto tiempo. A continuación, estamos buceando en capas de color.
5. Pinceles de píxeles y pájaros: Es hora de colorear. Estoy tan emocionado. Vamos a empezar con pinceles de píxel y en la siguiente lección vamos a hablar de pinceles vectoriales. Deberías experimentar más allá de lo que te voy a enseñar en qué pinceles se convierten en tus favoritos y cómo interactúan unos con otros, pero vamos a aprender las cosas que uso con más frecuencia y creo que te van a ser de ayuda a medida que nosotros ir. Estoy muy, muy emocionado de compartir estas técnicas contigo y no puedo esperar a ver qué haces. Hablemos primero de los pinceles de píxel. Tómate un tiempo para ver tus pinceles de píxel, y tus pinceles en vivo si aún no lo has hecho. Asegúrate de descargar esos pinceles Kyle también si no lo has hecho. Personalmente voy a acercarme a esto desde una texturas de acuarela, mi favorito es el papel de acuarela AM de Kyle, un pincel de 116 píxeles. He creado una nueva capa que está debajo del contorno y las capas texturizadas. Voy a empezar usando mi selector de color, moviéndome sobre la foto, empezaré primero con tus tonos más claros, empezaré con amarillo y la usaré para crear esta capa base, esta herramienta, incluso cuando esté ajustada a un 100 por ciento opaco, sigue siendo bastante transparente y continúa en capas u oscurecido solo agregando presión. Me encanta este pincel. Cuando miro esta porción amarilla de la parte posterior de la cabeza y la espalda, hay una franja más ligera de amarillo que realmente quiero conservar. Entonces a medida que me muevo, quiero agregar presión y capas de color a las zonas más oscuras en la parte superior y la inferior y aligerarme en esa zona media. No te preocupes por pintar fuera de las líneas. Estás pintando en una capa separada para que puedas
borrar fácilmente cualquier capa de pintura hasta el borde sin estropear tu contorno, con eso todos los colores que utilices y su nivel de opacidad se guardarán con tu rueda de color. Ahora voy a crear una nueva capa y empezar a derivar en rojos y naranjas. Nuevo es mi recolector de color tratando de capturar el tono correcto de rojo. También puedo usar mi pincel como herramienta para incubar. Ten eso en cuenta como una opción textural siempre y cuando no recojas tu bolígrafo, el color que has establecido ya solo se va a mezclar a la perfección en sí mismo. No todos los pinceles funcionan de esta manera. Tan solo recuerda una vez que lo recojas, se va a sumar encima de la primera capa que ya pusiste. Voy a tratar de mantener mi presión igual para que le dé más de un tono plano. Ahora voy a agregar morado más oscuro, y voy a usar presión iluminada como lo tenía hasta zonas resaltadas. Como dije antes, me gusta crear capas separadas para todos los diferentes colores. Me protege de cometer errores que son realmente difíciles de deshacer. Veremos cómo empiezan a construirse estas capas. Estos colores pueden llegar a ser tan ricos, es tan divertido, empezarán a ir un poco más profundo. Voy a agregar más varianza a las partes negras de la cabeza, permite que la cabeza oscura sea más dinámica y no se sienta tan plana. Por lo que puedes usar tu borrador para crear algo de textura si estás usando diferentes capas y tienes un color debajo de un tono más oscuro, puedes borrar la capa superior con pequeñas líneas sombreadas a gran manera de crear reflejos emplumados. Voy a oscurecerme y añadir una nueva capa. Voy a cambiar a cepillo húmedo 1, que te va a dar un ejemplo real. Para sentirte libre otra vez para probar todo tipo de pinceles y encontrar los que más te gustan. Recuerda que cada herramienta que utilices, presión y la forma en que
se estrena, va a ser diferente. Estoy agregando mucha sombra y tonos más profundos a esta parte baja del ala. El color se está haciendo cada vez más rico, lo cual es tan divertido. Se puede ver la diferencia que la textura de la pluma está haciendo realmente agrega algo especial. Yo quiero mostrarte proceso me encanta. Esta mezcla especial entre lápiz 2B y pinceles de acuarela
en vivo de Adobe y añade esta textura realmente emocionante. Voy a usar esto para crear reflejos rojos en la cola, voy a cambiar a acuarela y la capacidad
del pincel hacia abajo para que podamos ver lo que hace. mí me gusta poner la línea de acuarela justo al lado, no encima de ella para que el color sangra orgánicamente en el agua. También puedo usar la escala de opacidad de capa. Puedo cambiar es vibrancia. Entonces como puedes ver, los procesos para trabajar mi camino de la luz a la oscuridad, siempre añadiendo nuevas capas a medida que voy. A veces experimento, en cualquier momento no estoy seguro de algo, solo
agrego una capa para ver cómo se ve. Echemos un vistazo a las cintas del cuento. Voy a usar un cepillo donde llego a cambiar el grosor a medida que pongo presión. Tenemos todas estas pequeñas plumas blancas en la base y no van a aparecer sobre un fondo blanco. Algo que puedes hacer es ver cómo se ve dibujando sobre un fondo oscuro. Algunos de nuestros pinceles son transparentes, así que vamos a encontrar un pincel muy opaco y vamos a usar el color blanco y vamos a colorear la silueta del pájaro y la rama para que nuestros pájaros aún tengan una cara blanca. Pasemos a la sucursal y probemos el cepillo de medios secos. Yo pruebo el pincel pastel de Kyle. Usaré el pincel vivo para mezclar los colores y las texturas, podría agregar un poco de azul y seguir cambiando entre pinceles de
textura y el pincel vivo de acuarela. Nosotros lo hicimos. No puedo esperar a ver tus pájaros. Esto es tan emocionante. Espero que te sientas orgulloso. No puedo esperar a que compartas con el mundo. Pero antes de que lo
hagamos, sumerjamos en cepillos vectoriales y terminemos nuestra planta.
6. Pinceles de vector y plantas: Cepillos vectoriales. Aquí vamos. Si solo en procreate, solo te recomiendo que uses los elementos de pincel de pixel y lo hagas para tu planta de Bird of Paradise también pero para aquellos de ustedes que están usando Adobe fresco, esto es emocionante. Vamos a hablar de nuevo, capas de
color, cómo funcionan los pinceles, opacidad. Son un poco diferentes cuando se trata de vectores. Estoy muy emocionado de compartir estas herramientas contigo. Hablemos de pinceles vectoriales. No puedes usar cepillos vectoriales para la mayoría de las cosas de tu vida. Pero estoy tan emocionado de compartir este proceso contigo porque creo que te da herramientas que necesitas para apoyarte en oportunidades que te puedan venir. Al igual, nunca podría haber ilustrado el interior y exterior del tren sin estos cepillos vectoriales. En caso de que algo a gran escala te venga y
quiere que tengas confianza en tu capacidad para apoyarte en ello. Solo voy a usar cepillos vectoriales y voy a estar trabajando con el pincel redondeado porque es la calidad de línea más consistente. Los principios son los mismos que con los pinceles de píxel. Voy a escoger el color más claro entonces también lo voy a hacer bastante transparente. Simplemente voy a usar ese nivel de color y transparencia para crear un tono base para mi dibujo. Voy a empezar con los pedales, al agregar esta capa base, la negrita naranja podrá verse un poco más dinámica. Cuando levantas tu colgante deja de mezclarse con tu capa inicial. Si quieres hacerlo sin fisuras, solo sigue tirando hacia abajo de tu bolígrafo hasta que termines totalmente con ese color después de eso, puedes construir encima de él. Ahora empecemos a construir sobre nuestras naranjas. Voy a ir un poco más audaz y voy a añadir una capa y cambiar la opacidad. Decidí agregar un toque amarillo a esta naranja. No necesito agregar esto a cada pedal, pero solo a unos pocos, solo para que se sienta como si hubiera algunos reflejos, un
poco de diversidad a la naranja, aunque no se sienta plana. En este caso, la opacidad es tu mayor amigo. Necesitas encontrar tus tonos medios que vas a seguir
volviendo para ayudar a mezclar colores juntos. Es puente entre los niveles de color. Guardo tus agregando capas,
las más oscuras y atrevidas, voy con mis colores. Siempre quiero asegurarme de que tengo una capa separada para probarlos. Si no estás seguro de si hiciste un color demasiado opaco, siempre
puedes trabajar con la opacidad de la capa y solo tratar afinarlo un poco para ver si permite que otros colores brillen. Se puede ver que mientras estoy estratiendo estos, el color se está volviendo mucho más rico. Se está poniendo emocionante. Sigo tratando de dejar reflejos. Elegí hacer los pétalos primero porque todos son un solo color y quiero hacerlos todos a la vez para mantenerlos consistentes. Cuando empiezo a agregar esos tonos más oscuros, lo uso con moderación tratando de mantenerlos áreas confinadas donde mi textura de pluma muestra sombra y esa textura de pluma realmente termina siendo mi guía. Usaré algunos del mismo marrón que una sombra y algunos de los otros pétalos,
los todos crean una consistencia agradable. Al igual que con los pinceles de píxeles, estás tratando de construir capas de colores con opacidad variable, puedes refinar infinitamente tu libro de naranjas. Ahora voy a pasar a la base. Voy a añadir una nueva capa y le voy a dar una opacidad baja y empezar a añadir un azul base luego voy a añadir un poco de fucsia a la parte superior de esa base. Esta planta es tan salvaje, sus colores son tan audaces, es uno de mis favoritos. Entonces lo voy a hacer aún más transparente y mezclado en la capa azul púrpura. Estas bases especialmente complejas porque está mezclando colores atrevidos a la perfección, lo cual no es fácil de hacer. Esto va a llevar algún tiempo y potencialmente algunos do-overs. Echemos un vistazo a estos reflejos secos. Podemos imitar algunas de las texturas incluso con un pincel sin textura
agregando líneas horizontales sobre una capa con una manera transparente. Pondremos esa capa por encima de todas las demás capas de color. Ahora empecemos a sumar nuestros oscuros y vamos a empezar por la parte posterior de la base donde se encuentra con el tallo y seguir la forma de las sombras y ahora necesitas agregar algunos verdes amarillentos. Añadí una nueva capa y solo voy a añadir este verde cambiando su opacidad a medida que voy para que se mezcle. Yo también voy a añadir este color al tallo. Puedo meterme con su orden y ver si se ve mejor debajo algunas otras capas y puedo cambiar su opacidad de capa también y todas esas herramientas, cambiar el orden de tus capas, cambiar la opacidad de capa, todas esas cosas realmente ayudan crear algunos colores mezclados ricos realmente bonitos. Ahora voy a añadir un poco más de un
verde gris claro en la parte superior con el fin de darle un poco de destaque. A partir de ahí, es solo agregar color usando tono de mezcla. Voy a admitir totalmente que esta planta no es fácil, pero enseña tanto. Tiene colores atrevidos que son complicados de mezclar, tiene colores que simplemente no sienten que se
mezclan de forma natural entre sí y contentos de que estén trabajando en ello. Más allá de eso creo que hicimos un buen trabajo. Estoy muy orgulloso de ustedes chicos, hicimos tanto la planta como el pájaro, y ahora llegamos a hablar de compartirlo con el mundo. A continuación descubramos cómo publicar estos y dejar que el mundo vea lo que hemos creado.
7. Cómo exportar y publicar tu trabajo: Hablemos de compartir tu trabajo. Cómo tienes dos aves del paraíso. Tienes el pájaro, tienes la planta están totalmente ilustrados, están en tu programa. Hablemos de cómo sacar eso de tu programa y al mundo. Esta parte es muy importante. Adobe Fresco y todas las demás plataformas ofrecen una amplia gama de tipos de archivos con los que puedes exportar tu trabajo como. Encontremos el botón Compartir en la parte superior derecha, pulsa “Publicar y exportar”. La exportación rápida es una gran opción, pero por lo general es un JPEG predeterminado, Publicar y Exportar permite también cambiar el nombre del archivo y elegir entre una gama más amplia de opciones de archivo. Tienes la opción de exportar como PNG. Si vas a hacer eso, solo recuerda quitar el fondo coloreado, ya sea blanco o un color nuevo que elijas. También puedes exportar como un JPEG el cual automáticamente agregará un fondo blanco, aunque no tuviera uno. Entonces puedes exportarlo como archivo de Photoshop si quieres
conservar todas tus capas y trabajar un poco más en él en algún otro programa. Si lo guardas como PDF, guarda todas las cualidades vectoriales de los pinceles para que permanezcan en su superpotencia de expansión infinita y
se puedan reabrir en Illustrator y trabajar desde ahí. También puedes compartirlo como una transmisión en vivo de tu trabajo. Podrás compartir tu trabajo directamente a Behance, que es una plataforma impresionante para creativos. Si no lo has comprobado ya, lo recomiendo encarecidamente. Por último, puedes exportarlo como un lapso de tiempo, lo cual es súper divertido, grabación de alta velocidad de tu trabajo uniéndose. Se guardará en tus fotos y me encantaría ver tu time-lapse junto con tus productos finales en la Sección de Proyectos de Clase. Lo que sea que creaste en Fresco se puede recrear en toda una serie de formas y compartirlo con clientes y amigos de forma súper sencilla y muy rápida. No puedo esperar a ver qué creaste así, llegar a exportar para que podamos celebrar tu increíble trabajo.
8. Reflexiones finales: Amigos, lo hicieron. Has dibujado oficialmente una imagen proporcionada. Después de aprender a crear en una plataforma de dibujo digital, has aprendido a agregar textura, luego has aprendido a crear capas de color que sean ricas y
hermosas y darles vida tanto en pinceles de píxel como vectores, y has compartido tu trabajo. Eso es asombroso. Estoy tan bombeada, estoy tan emocionada. Espero que te sientas orgulloso, sólo vítores a ti. Espero que te sientas empoderado. Espero que sientas que todo lo que aprendiste en esta clase se pueda traducir más allá de este momento. Sé que puede ser, sé que
te puede empoderar para decir las cosas que quieres decir en el mundo, y espero que las uses para eso, y espero que las compartas a la sección de proyectos de clase porque esa es la parte más cool de este siguiente paso es una vez que compartas esto, llegamos a celebrarlo, se llega a animarte. Enhorabuena, gracias por formar parte de esta clase. Por favor revisa, por favor comparte tu trabajo, echa un vistazo a mis otras clases en Skillshare, y ojalá te vea en otra clase pronto.
