Ilustración de personajes: dibujar gestos expresivos y poses en Procreate

1. Introducción: Contar una historia a través de tu obra de arte es mucho más que simplemente crear una imagen bonita. Se trata de transmitir un mensaje o un sentimiento que crea una conexión emocional entre tu trabajo y el espectador. Hola, soy Sarah Holliday, y soy ilustradora de Escocia. La narración visual es algo en lo que me enfoco mucho tanto en mi trabajo personal como en encargo. general, lo que mantiene una historia unida son las relaciones entre los personajes. Cómo interactúan los personajes entre sí no sólo ayuda a impulsar una historia hacia adelante, sino que también te cuenta mucho sobre sus personalidades y motivaciones. Una de las formas más efectivas de comunicar esto visualmente es a través del lenguaje corporal. En esta clase, te enseñaré a entender y transmitir el lenguaje corporal a través de tus dibujos, que puedes usar para comunicar interacciones interesantes y empujar tus habilidades de narración. En la primera parte de la clase, estaremos haciendo algunos ejercicios para practicar técnicas clave, dibujando desde la imaginación y observación hasta dibujar gestos de mano y expresiones faciales. Después, en la segunda parte, juntaremos todas estas técnicas en el proyecto de clase para crear una ilustración emotiva con dos personajes interactuando. Esta clase es para cualquier persona que quiera mejorar su lenguaje corporal, interacción de personajes y habilidades de narración, y ya es competente en diseñar y posar personajes. Si has tomado mi curso anterior, Dibujar gente: Creando posturas de carácter único y dinámico en Procreate, entonces podrás subir de nivel tus habilidades en esta clase. Si eres principiante, entonces te recomendaría que tomes mi clase de Dibujo de Personas antes de esta. Estaré usando mi iPad Pro con Procreate en mis demostraciones, pero siéntete libre de usar cualquier software o medio con el que estés más cómodo dibujando. Si estás listo para empezar, entonces no puedo esperar a verte en clase. 2. Descripción de la clase: Esta clase se divide en dos secciones principales, comenzando con nuestros ejercicios de práctica, luego pasar al proyecto de clase principal. En la primera lección, estaremos viendo comportamientos comunes del lenguaje corporal y lo que estos comunican. Después pasaremos a nuestros ejercicios. Nos calentaremos con nuestro ejercicio [inaudible], donde practicaremos la aplicación del lenguaje corporal y las expresiones dentro de un diseño realmente sencillo. Practicaremos el dibujo observacional viendo una película o serie en el estudio del lenguaje corporal del actor. Después practicaremos el dibujo de expresiones faciales, gestos de mano, y poses de figura de palo. Una vez que hayamos practicado esas técnicas, estaremos listos para reunirlas por completo para crear un proyecto de clase. Estaremos trabajando con dos diseños de personajes preparados previamente. Puedes usar absolutamente cualquier personaje de tu portafolio, o puedes diseñar algunos completamente nuevos para el proyecto. Empezaremos haciendo algunos bocetos iniciales para practicar el dibujo de nuestros personajes transmitiendo diferentes expresiones antes de miniaturas varias opciones para nuestro escenario final, luego pasar a refinar y colorear la ilustración. Este proyecto va a reunir todas esas habilidades de nuestros ejercicios de práctica y nos permitirá crear una ilustración emotiva y atractiva. Hay mucho que cubrir en esta clase, así que siéntete libre de tomarte tu tiempo en cada etapa, y probablemente querrías repartir las lecciones en varios escenarios para poder completar todos los pasos a tu propio ritmo. Voy a estar usando mi iPad Pro con Procreate para mi demostración. Tal vez te resulte más fácil seguirlo si también tienes algún tipo de software de dibujo digital. Pero aún puedes tomar esta clase usando solo medios tradicionales. Si bien voy a estar dibujando en Procreate y compartiendo algunos consejos sobre la aplicación en el camino, así no es cómo usar la clase Procreate. Si tienes una familiaridad decente con cualquier software o medio que vas a estar usando, entonces eso definitivamente ayudará. También necesitas un par de diseños de personajes preparados antes de comenzar el proyecto de clase. Si necesitas ayuda para diseñar tus personajes, entonces puedes echar un vistazo a mi clase anterior sobre dibujar personas, donde cubro cómo diseñar y poner personajes estilizados con formas corporales únicas. Encontrarás un enlace a eso en la descripción de la clase. No voy a estar hablando demasiado en esta clase proporciones corporales ni de diseñar personajes. El foco aquí está realmente en retratar las emociones y la narración a través de los movimientos de tus personajes. También te animo a publicar tus ejercicios y bocetos de trabajo en progreso en la sección de proyectos de clase a medida que avanzas para que todos podamos ver tu progreso, y avísame si quisieras alguna retroalimentación específica en cualquier etapa, y estaré feliz de ayudar. Estoy tan emocionado de ver tu creación, así que si tienes tus herramientas de dibujo disponibles y un espacio cómodo para trabajar, entonces te veré en la siguiente lección. 3. Entender el lenguaje corporal: Antes de comenzar nuestros ejercicios de práctica, quería repasar algunos comportamientos comunes del lenguaje corporal para que podamos aplicarlos intencionalmente, a la hora de dibujar nuestras expresiones. El lenguaje corporal se define como los movimientos y posturas conscientes e inconscientes mediante los cuales se comunican actitudes y sentimientos. Normalmente puedes discernir mucho sobre alguien por cómo mueve y se comporta en ciertas situaciones, lo cual puede ser una herramienta realmente poderosa cuando tu narración para comunicar cosas como emociones, estatus social, relación dinámica, y sensaciones físicas. Al leer emociones en otros, generalmente miramos primero a la cara, que es una de las partes más expresivas del cuerpo. Podemos reconocer y relacionarnos con contorsiones específicas de los músculos oficiales y aplicar nuestros propios juicios sobre lo que esa persona podría estar sintiendo, considerando el contexto de la situación y relacionándolo con nuestras propias experiencias. Si bien el rostro se adapta en extremo a expresar emociones, nuestro lenguaje corporal en general ayuda a exagerar o contradecir aún más estas expresiones para comunicar el efecto deseado. Esto se logra a través de una combinación de postura, gestos de brazo y mano, y movimientos de piernas y pies. Para ser aceptados en grupos sociales, los humanos a menudo intentarán ocultar sus verdaderos sentimientos. Pueden ponerse una sonrisa falsa y tratar de medir a sus compañeros el lenguaje corporal, por ejemplo. Si bien la expresión facial es importante tener en cuenta al intentar leer los sentimientos de un individuo, el cuerpo en su conjunto a menudo dará pistas que pueden ayudarnos a descifrar sentimientos y motivaciones con mayor precisión. Generalmente, cuanto más lejos esté una parte del cuerpo de la cabeza, como las manos y los pies, más difícil es controlar y por lo que estas partes del cuerpo pueden ser especialmente reveladoras. Cuando la gente se siente incómoda, por ejemplo, si estamos nerviosos o cansados, tendemos a usar muchas conductas pacificantes. Tocando nuestros rostros y manos, frotándonos la nariz, mordiéndonos los labios o las uñas. Esta es la forma del cuerpo de intentar equilibrar la incomodidad y hacernos sentir mejor a través del tacto. Estas conductas pacificantes son más propensas a ocurrir alrededor de las partes más sensibles del cuerpo. Esas son nuestras manos, yema de los dedos, cara y labios. También podríamos frotar grandes superficies de nuestra piel, como nuestros brazos o muslos. Cruzar nuestros brazos también actúa como un chupete ya que estamos protegiendo nuestra zona vulnerable del pecho y básicamente dándonos un abrazo al mismo tiempo. Debido a que los pies son la parte más alejada del cuerpo de la cabeza, no siempre estamos conscientes de lo que están haciendo y así pueden ser parte muy honesta de una persona. Especialmente si el individuo está tratando ocultar sus emociones en otro lugar del cuerpo, nuestros pies tienden a enfrentar hacia las personas o cosas que les gustan o donde quieren estar. Si le estás hablando cara a alguien y te das cuenta de que sus pies se apartan de ti, lo más probable es que esto indique que se sienten incómodos y desean salir de la situación. El jefe también tiende a seguir esta regla. Enfrentarse de personas o cosas que no les gustan, y mirar hacia objetos o lugares de interés. Los gestos de cabeza también nos dicen lo agradable y en relación que alguien más está con nosotros. Qué tan comprometidos están en el suceso actual, o dónde radica sus verdaderos intereses. Al observar cómo las personas actúan entre sí, se puede empezar a entender cómo se sienten unos por otros, sobre sí mismos y sobre su situación. Al entender estas dinámicas, podrás traducir entonces este conocimiento en tus dibujos para comunicar relaciones interesantes. Podemos pensar en los comportamientos del lenguaje corporal como estar divididos en dos grupos, comodidad e incomodidad. Con lenguaje corporal cómodo tendiendo a ser más abierto y relajado mientras que el lenguaje corporal cerrado y tensado comunica molestias. Cuando un personaje está totalmente cómodo y se siente en control de una situación, es probable que se extiendan en su entorno. Hazse lucir más altos y más grandes y deja el área del torso y el cuello abierta y expuesta en una actitud intrépida. uso de este comportamiento hace que un individuo parezca asertivo, relajado, y en control. Otros tendrán más probabilidades de respetar su autoridad y confiar en ellos para llevar una situación. No obstante, este lenguaje corporal también puede percibirse como arrogante e insolente en ciertas situaciones. Cuando un personaje se siente nervioso e incómodo, a menudo se harán parecer más pequeños e intentarán desviar la atención no deseada. Encorvando su postura y sus hombros para defender su cuello, cubriendo su torso con los brazos o las piernas, manteniendo la cabeza baja y evitando el contacto visual. Estas conductas permiten que el personaje proteja a sus zonas vulnerables del asalto y evite provocar agresiones en otras. También es probable que veas a estos personajes moviéndose mucho y usando comportamientos pacificantes para tranquilizarse. Al evaluar estos diferentes comportamientos entre un grupo de personas, a menudo se puede empezar a descifrar la dinámica de poder y el estatus social dentro de ese grupo. Con los que exhiben posturas abiertas y asertivas clasificándose más arriba en la jerarquía de dominancia, comparación con aquellos con lenguaje corporal cerrado e incómodo. uso de extremos de estas conductas en tus dibujos puede crear un contraste interesante entre tus personajes, para resaltar aún más estas dinámicas y sentimientos sociales. Además de comunicar estados emocionales y psicológicos, el lenguaje corporal también puede transmitir las sensaciones físicas de un individuo como sus niveles de energía, temperatura corporal, y si la persona está en algún dolor físico o malestar. Cuando tienes frío podrías envolver tus brazos alrededor ti mismo e intentar crear calor frotando grandes áreas del cuerpo o si estás experimentando dolor físico en algún lugar de tu cuerpo, puedes intentar frotarte en proteger esa zona para hacer tú mismo te sientas mejor. Si tienes mucha energía, puedes usar muchos movimientos expresivos rápidos y exagerados, mientras que si tienes poca energía, tus movimientos serán muy débiles y lentos. El espejado es un fenómeno que se produce cuando dos o más personas que gustan entre sí comienzan a imitar inconscientemente las conductas demás. Espejarán expresiones faciales como sonreír o bostezar, y copiarán comportamientos y gestos del lenguaje corporal. Al mostrar el comportamiento sincrónico, los personajes comunican que se sienten igual entre sí. Estas emociones compartidas ayudan a establecer empatía, confianza y conexión, por lo que crea o refuerza un fuerte vínculo entre los personajes. Todos tenemos diferentes áreas de espacio interpersonal reservado para personas con las que compartimos diversos niveles de cercanía. Con aquellos a los que estamos más cercanos, como familiares y parejas se les permite extremadamente cercanos a nosotros, con posiblemente mucho contacto físico involucrado, entonces nuestros amigos aún cercanos pero tal vez no tocando, conocidos más lejos, entonces extraños aún más, y los que no nos gustan o tememos, intentarán evitarnos y mantenernos alejados de nosotros lo más posible. Ocasionalmente se van a violar nuestras áreas del espacio personal, lo que puede desencadenar sentimientos de tensión y llevar a un posible conflicto. Esto se basa principalmente en la confianza. Aquellos en los que confiamos completamente no nos hagan daño ni física ni emocionalmente, se les permite acercarse lo más que les guste, mientras que aquellos en los que no confiamos en absoluto o desconfiamos activamente, nos mantendremos lo más lejos posible de nosotros . Puedes usar este sentido de cercanía o distancia para transmitir lo bien que tus personajes se conocen y confían entre sí, o para crear una sensación de tensión entre los personajes. Si bien gran parte de nuestro lenguaje corporal es instintivo, muchos comportamientos que nos ocurren de manera muy natural son en realidad culturales. Significa que son comportamientos aprendidos dependientes de las tradiciones y hábitos de nuestro entorno y crianza. Tomen saludos, por ejemplo, hay muchas variaciones diferentes de esta expresión alrededor del mundo, y cada cultura tiene su propia etiqueta social hacia ellos. Algunos ejemplos son besarse entre sí en las mejillas, estrechar la mano, inclinarse, saludar o abrazar. Entonces hay muchas variantes sociales dependientes de lo bien que conozcas a la persona, cuánto tiempo lleva desde que las has visto, si te encuentras por primera vez, su género, su edad, y su situación social en le respeta. Otro lenguaje corporal cultural a considerar incluye gestos de manos, movimientos de cabeza, posiciones sentadas, así como diversos niveles socialmente aceptables de contacto visual y contacto físico. Yo sólo he arañado realmente la superficie aquí, pero espero que esto te dé una buena visión general con la que puedas empezar a notar diferentes comportamientos y todos los matices y significados involucrados. Al observar a los humanos interactuando entre sí y su entorno, te volverás cada vez más consciente de los gestos y comportamientos que se relacionan con diferentes expresiones, y poder integrarlos en tus dibujos para crear trabajo más emotivo. Ahora que hemos aprendido un poco sobre la comunicación del lenguaje corporal, pasemos a los ejercicios de clase donde podemos empezar a aplicar y explorar más estas expresiones. 4. Ejercicio: sacos de harina: En este ejercicio, vamos a estar dibujando sacos de harina y aplicándoles emoción. Este ejercicio es comúnmente utilizado para formar estudiantes de animación, ya que permite aplicar varias técnicas importantes dentro de un diseño simple. Si bien esta no es una clase de animación, creo que es útil para nosotros porque de esta manera podemos empezar a explorar la expresión y la postura, sin tener que preocuparnos por dibujar anatomía o diseños complejos en esta etapa. Para empezar, dibujemos nuestro diseño básico de saco de harina, que está conformado por una forma de rectángulo cónico, que se vuelve ligeramente más ancha hacia la parte inferior, y tiene estos cuatro pequeños lazos alrededor de las esquinas. También puedes simplemente agregar en un par de líneas para indicar la tela del saco. Entonces solo definiré un poco más la forma agregando en algunas curvas. Tenemos este peso pesado en la base y se puede pensar en este saco de harina como realmente maleable y elástico. Vamos a estar dibujando totalmente de la imaginación en esta lección. En primer lugar, solo quiero que intentes dibujar un saco de harina desde diferentes ángulos y posiciones, y simplemente jugando con cómo se mueve. Voy a comenzar mi primera pose con sólo empezar con una curva, y voy a construir la postura de mi saco alrededor de eso. Estoy usando montones de curvas aquí, para definir el movimiento de esta pose. Se puede ver cómo he construido mi forma alrededor de esa curva inicial. Entonces sólo voy a sumar en una costura a un costado aquí, para ayudar a mostrar la dirección de esta pose. También estoy agregando un par de arrugas en el material del saco de harina, para mostrar el agrupamiento de la tela ahí. Entonces solo estoy realzando y agregando algunas curvas más y dando esta forma general, hasta que estemos un poco más de interés. Ya, se puede ver que por aquí viene un poco de expresión, sólo por haber aplicado un sentido de postura y movimiento. En esta siguiente pose, empezaré con unas curvas en forma de C para crear una pose más gotera. De nuevo, estoy dibujando mi forma de saco de harina alrededor de eso. Se puede pensar en estos pequeños lazos en la parte inferior como pies y luego los lazos en la parte superior pueden representar las manos o las orejas dependiendo de la expresión. Yo estoy trayendo esa parte superior del tora-saco justo hacia abajo en esta posición encorvada, y luego estoy exagerando el peso en la parte inferior del saco para transmitir ese pesado sentimiento abatido. Nuevamente, estoy empezando con una línea curva para definir el flujo general de la pose. Esto también se conoce como la línea de acción. Simplemente puedes jugar con eso y después de hacer algunos de estos dibujos, comenzarás a ver una variedad de expresiones viniendo en base a cómo te mueves y posas tu saco de harina. Se puede ver que solo estoy siendo realmente rudo y bocazas con mis líneas, así que no estoy apuntando a la perfección en absoluto aquí. Esto es solo un calentamiento para meternos en el swing de las cosas, así que diviértete y simplemente juega y experimenta. En esta pose, estoy jugando con la distribución del peso, al hacer que mi top de saco de harina sea pesada para ayudar a exagerar esta expresión orgullosa y dominante. Se puede ver que me he movido así desde la parte inferior de nuestro diseño inicial hasta la parte superior del saco de harina en esta pose, solo para realzar esa expresión. Eso es algo más con lo que puedes jugar. También podemos pensar en contrapposto en estas poses. Generalmente, en la anatomía humana, si las caderas están descansando en ángulo, entonces el ángulo de los hombros también rota en oposición a eso, lo que crea una ligera curva en el torso. Esta es una técnica bastante útil que podemos aplicar, con el fin de transmitir movimientos más naturales en nuestras poses. Estoy frotando algunas de estas marcas de bosquejo a medida que voy, para que estas expresiones sean más claras. Pero en general, solo estoy manteniendo todos estos dibujos muy sueltos y bocetos. Voy a hacer todos estos dibujos un poco más pequeños ahora, para que tenga más espacio en la página para dibujar más de estas expresiones. Siéntete libre de dibujar tantas de estas poses como te apetezca, y simplemente estira tu imaginación aquí. Puede ser tentador en este ejercicio sólo copiar las poses que estoy dibujando ya que no estamos trabajando desde referencia, pero creo que sacarás más de ello si usas tu propia imaginación y tratas de llegar a algunas poses únicas de tu propia mente. Otra técnica con la que jugar, es aplastar y estirar tu saco de harina. Aquí realmente estoy estirando y alargando mi saco de harina hasta su límite, lo que crea una pose bastante extrema. Se puede sentir que aquí hay una sensación de movimiento energético. Estoy agregando algunas arrugas solo para agregar a la tensión, y hago el desperdicio un poco más delgado, solo para realzar realmente ese estiramiento. Voy a crear una pose realmente aplastada ahora. Esto va a ser mucho más ancho y más arrugado que la pose anterior. Estoy empujando esto al extremo opuesto. Podrás jugar con algo de torsión también y también tratar de retratar una sensación de movimiento en tus poses. A pesar de que se trata de dibujos estáticos, creo que es divertido intentar capturar algún movimiento que se suma a la sensación de drama o quietud o cualquier sentimiento que quieras lograr a través de tus poses. Además, trate de evitar la simetría en estos dibujos. Se puede ver cómo tenemos una pose muy simétrica en nuestro diseño inicial y se ve bastante rígida y aburrida cuando se compara con todos nuestros otros dibujos aquí, que son en su mayoría asimétricos. No digo que nunca debas usar simetría en tus expresiones, pero generalmente, las posturas asimétricas se ven mucho más naturales y dinámicas. simetría se puede usar intencionalmente si quieres crear una sensación de estabilidad y fuerza, pero de lo contrario, generalmente simplemente no es tan interesante mirar en una pose. Simplemente voy a seguir adelante con estas poses y tratar de exagerar realmente mis expresiones y transmitir diferentes emociones y estirar mi creatividad con este diseño. Si sí quieres llevar este ejercicio más allá, entonces podrías intentar que tu saco de harina interactúe con otros objetos u otros sacos de harina y ver cuánta expresión puedes comunicarte a través de estas interacciones. Pero de lo contrario, lo vamos a dejar ahí para esta lección. Mira cuánta expresión pudimos transmitir justo a través de este diseño muy básico. Si podemos comunicar todo esto a través de un objeto sin rostro, sin limar , inanimado, entonces imagina cuánta expresión vamos a poder transmitir a la hora de dibujar a nuestros personajes más adelante. Una vez que estés listo, pasemos al siguiente ejercicio. 5. Ejercicio: dibujo observacional: En este ejercicio, vamos a elegir una película o serie de TV y hacer estudios rápidos de los gestos de los actores y el lenguaje corporal. Adelante y elige cualquier película o programa de acción en vivo que te guste para este ejercicio, o tal vez incluso solo una escena específica o un video de YouTube. Pero recomendaría usar algo que contenga una cantidad razonable de interacción entre personajes y preferiblemente uno que hayas visto antes solo para que sea menos probable que te distraiga la historia. Para este ejercicio, he optado por estudiar a partir de la película La La Tierra. Es toda una película teatral. Se dan muchos tiros que muestran el cuerpo completo y expresiones exageradas. Es posible que encuentres ciertas películas más difíciles de sacar si se centran principalmente en los primeros planos de la cara, pero que todo depende del género y el estilo de donde estés estudiando. Tan solo ten en cuenta eso cuando estés haciendo tu selección. Básicamente lo que quiero que hagas es pasar por tu película y pausar la pantalla en momentos que sientes transmitir interesante lenguaje corporal, para luego hacer bocetos rápidos de los personajes. Me estoy dando más o menos un par de minutos por cada estudio para que pueda enfocarme sólo en la esencia principal de las poses y tratar replicar esas mismas expresiones que los actores están transmitiendo. Aquí estoy empezando por desbaste la forma de la cabeza y luego mapeando una forma rugosa para esa zona de hombro y pecho. Voy a bosquejar en algunas líneas para definir el posicionamiento de los brazos. Entonces realmente estoy dibujando más o menos los gestos de la mano con una forma para la palma y líneas para los dedos, y notando cualquier objeto o utilería con el que el personaje podría estar interactuando, por ejemplo, este pedazo de papel que está sosteniendo. Voy a agregar más detalle a esos gestos de mano primero porque eso es realmente lo que siento que está impulsando esta expresión. Entonces me acumularé hasta el antebrazo un poco más alrededor estas líneas iniciales y formas del área de brazos y torso. Entonces una vez que tenga definida la pose general, voy a detallar estos rasgos faciales, notando la sutil expresión en su rostro y luego añadiré unos detalles más al cabello para completar este boceto. Por último, solo estoy definiendo un poco más esa postura en el área del pecho. En esta siguiente pose, estoy desbaste la cabeza, marcando el área del hombro que es bastante tensa y jalada cerca de la cabeza. Entonces estoy mapeando los gestos de brazo y mano y la postura general. Entonces entraré y extirparé estas formas. Estoy marcando más o menos esos gestos de mano y luego definiendo el área del torso. Entonces estoy dibujando esta expresión facial sorprendida y luego el cabello. Lo estoy manteniendo realmente áspero y simple y solo trato de observar estos movimientos y entender cómo están afectando el sentimiento general que se está transmitiendo. En esta siguiente captura de pantalla, tenemos un poco de interacción de personajes pasando. Dibujaré primero al personaje principal, y notaré los ángulos de estos antebrazos y cómo estas manos se están sosteniendo entre sí. Es una especie de pose protectora con esos brazos que cubren el área del torso y las manos agarrándose entre sí de una manera pacificadora. Ella está mirando hacia un lado hacia su amiga, así que podemos decir con toda confianza que es ahí donde está su interés y atención ahora mismo. Es casi una pose derrochadora. Entonces en contraste con esto, su amiga está retratando un lenguaje corporal más dominante con una mano en la cadera y mirando hacia abajo al personaje principal. Estoy captando ese contacto visual entre los dos ahí también. Después notando cómo se inclina hacia atrás con la mano apoyada sobre la cadera y la otra mano sosteniendo las gafas de sol. Esta pose muy confiada está contrastando mucho al otro personaje con su lenguaje corporal cerrado. Usar un contraste similar de comportamientos entre tus personajes puede funcionar realmente eficazmente si quieres resaltar ciertas diferencias entre sus actitudes y sentimientos. Para la parte de dibujo, se trata de simplemente mapear aproximadamente el flujo general de la forma del cuerpo, la postura y la silueta con líneas y formas realmente ásperas, y luego definirlas un poco más con detalles y correcciones si es necesario. Pero manténgalo boquiabierto, manténgalo rápido. Tan solo trata de observar estos movimientos y entender cómo están afectando el sentimiento general que se está transmitiendo. En muchos de estos alambiques, no podrás ver el cuerpo completo, pero podrás verte suficiente de los gestos que se necesitan para comunicar el sentimiento y la emoción en ese momento de la historia. Siempre estoy dibujando la expresión facial última para que fluya sin problemas con el resto de la pose. Si bien estoy haciendo estos estudios, me estoy haciendo preguntas como, ¿cómo está esta persona de pie o sentada, cuál es su postura, dónde están llevando su peso, están usando abierto o cerrado lenguaje corporal, ¿qué hacen sus manos y pies, y en general justo cuál es el principal sentimiento e impresión que estoy obteniendo de esta pose? Se trata de mucho más que simplemente copiar lo que estás viendo en la pantalla. Realmente necesitas estar analizando lo que estás dibujando y haciendo conexiones entre los gestos que se están haciendo y los sentimientos que se están comunicando. Al estudiar interacciones entre dos o más personas, puedes ver cómo estos personajes se juegan y afectan mutuamente los comportamientos de los demás. Se puede notar si tal vez hay algún espejado pasando o tal vez hay un fuerte contraste o un conflicto entre los comportamientos del lenguaje corporal que llame la atención actitud particular de un personaje hacia alguien o algo así. Podrás preguntarte, quién tiene el poder o el foco en esta escena, ¿cómo se sienten los personajes unos por otros, y cómo se sienten por sí mismos, y qué es de su lenguaje corporal lo que te hace llegar a esta conclusión? Hay mucho más en qué pensar que solo estos movimientos externos porque se comunican mucho sobre lo que está pasando dentro de la cabeza de ese personaje. Al estudiar de esta manera, podemos observar cómo estas ciertas emociones son expresadas por los actores en la narración de cuentos, y podemos usar este conocimiento más adelante cuando se trata de posar nuestros propios personajes. Podemos observar cómo estos personajes usan sus manos, su postura, sus expresiones faciales, y su lenguaje corporal en general para comunicar sentimientos y comenzar a reconocer muchas acciones sutiles que contribuyen a que el espectador escoja arriba de estos sentimientos. Debido a que nuestro reconocimiento del lenguaje corporal suele ser un acto tan subconsciente, este método de estudio realmente nos ayuda a identificar todos los gestos y comportamientos sutiles que de otra manera podríamos pasar por alto. Además de estudiar el comportamiento del lenguaje corporal en este ejercicio, también podemos comenzar a observar cómo se puede utilizar en un contexto de narración a gran efecto. No sientas que tienes que pasar por toda una película o episodio. Es posible que solo quieras enfocarte en una escena en particular o en algunas escenas de diferentes fuentes. Es posible que desee estudiar también desde diferentes géneros, solo para analizar toda una gama de diferentes estados de ánimo e interacciones. También te recomiendo que no hagas tus dibujos demasiado grandes porque tal vez entonces te sientas tentado a añadir más detalles. Al hacer pequeños estos estudios, solo captarás los ingredientes esenciales del gesto, que es lo que queremos. Trata de no quedar atascado en perfeccionar una pose también. Basta con mantenerlo áspero y pasar a los siguientes. Cada vez que hagas esto, te relajarás un poco más y podrás enfocarte más en analizar los movimientos y gestos en lugar de tus dibujos. Se puede ver que dentro de estos estudios, he logrado captar una amplia gama de diferentes expresiones e interacciones, y cada una de ellas me transmite sentimientos claros. He captado algún conflicto, algunas conversaciones atractivas, algunas interacciones incómodas, coqueteo, molestia, y desperdicio entre otros. Una vez que hayas realizado tus estudios, tómate un tiempo para reflexionar sobre tus dibujos e intenta identificar los sentimientos que comunican. Más importante aún, cómo se transmiten esos sentimientos particulares a través de ciertos gestos y comportamientos. Una vez que estés listo, pasemos al siguiente ejercicio donde estaremos dibujando expresiones faciales. 6. Ejercicio: expresiones faciales: En este ejercicio, vamos a estar dibujando expresiones faciales. Los rostros son una de las partes más caras del cuerpo. Como humanos, somos realmente adeptos a leerlos. Siempre que haya un rostro en una escena, naturalmente nos dibujaremos hacia ella e intentaremos descifrar lo que están comunicando. En primer lugar voy a descomponer seis expresiones faciales que podemos usar como base para crear todo un espectro de emociones, y luego vamos a utilizar este conocimiento junto con algunas fotos de referencia para crear expresiones estilizadas. Empecemos con felicidad. Esto se caracteriza por una sonrisa donde las esquinas de los labios se elevan diagonalmente, empujando hacia arriba las mejillas y creando arrugas de patas de gallo en las esquinas exteriores de los ojos. Con los músculos apretados alrededor de los ojos, los marfil generalmente se relajan en una posición neutral. Una sonrisa genuina siempre tendrá estos pies de gallo y ojos apretados. Entonces si en su lugar quieres retratar una sonrisa falsa, puedes excluir éstas y simplemente mostrar el movimiento de la boca. Una triste expresión se caracteriza por un levantamiento de las esquinas interiores de las cejas y las esquinas de los labios tiradas hacia abajo. El signo más revelador de una triste expresión es que el aumento de cejas internas, que es realmente difícil de falsificar. enojo aparece como un tirón hacia abajo de las cejas, un apriete de los labios, y los labios gobernando hacia adentro. Esto suele servir como un dicho de advertencia a los demás. En expresión de disgusto, vemos las cejas derribadas, la nariz arrugada, el labio superior jalado hacia arriba, y los labios sueltos. Esto generalmente sirve para proteger el pasaje nasal de humos peligrosos y también protege los ojos. Una expresión temerosa es una respuesta a un suceso aterrador que muestra que las cejas se están levantando, y juntos, los ojos se ensanchan y la boca se estira abierta. Esta expresión básicamente está preparando el cuerpo para pelea o huida ya que el ojo ha tomado tanta información sobre la situación como pueden y después la boca inhala grandes jadeos de aire listos para que el cuerpo reaccione. Sorpresa es una expresión extremadamente breve que nos permite tomar en nuestro entorno y cambiar rápidamente nuestra atención. Esta es una expresión muy similar al miedo con los ojos ensanchados y la boca abierta. No obstante, las cejas aparecerán más curvas y la mandíbula más relajada. Ya sea que la sorpresa sea buena o mala, la expresión es la misma antes de transformarse rápidamente en otra expresión ya que la persona es capaz de hacer un juicio sobre su situación. Aparte de estas que acabo de describir, hay una gama masiva de expresiones diferentes, mayoría de las cuales se pueden conformar combinando diferentes elementos de éstas. Ahora, pasemos a nuestro ejercicio donde vamos a estar usando la cara de uno de nuestros diseños de personajes y dibujándolos con varias expresiones diferentes. Elige uno de tus personajes para los que quieras dibujar algunas expresiones, y si aún no tienes un diseño, entonces solo puedes dibujar una cara realmente simple por ahora para practicar estas expresiones. También puedes seguir adelante y reunir unas cuantas imágenes de referencia de diferentes expresiones de las que sacar. Aquí puedes elegir cualquier expresión. No tienes que seguir las mismas que yo he elegido. Empezando por dibujar la forma principal del rostro, que en este caso es un círculo, y voy a dibujar en un par de cruces para marcar dónde van a estar los rasgos faciales en esta esfera. Básicamente he dibujado una línea horizontal alrededor de esa forma de cabeza donde van a ir los ojos y una línea vertical para marcar la mitad de la cara donde estará la nariz. Entonces estoy definiendo un poco más la forma de la cara dibujando en la oreja y luego en el cuello, y luego estoy bloqueando la forma de mis personajes aquí. Entonces puedo empezar a dibujar en los rasgos faciales. Esta va a ser una expresión neutral. Estoy dibujando la nariz más o menos donde señalé esa línea vertical en el centro de la cara, y luego dibujaré los ojos a lo largo la línea horizontal y solo trataré de mantener los ojos luciendo consistentes entre sí. Entonces puedo dibujar en la boca y las cejas para corresponder con el posicionamiento de mis ojos y nariz. A mí me gusta dibujar ligeramente la boca hacia un lado de la cara, pero esa es solo mi preferencia estilística. Entonces solo dibuja lo que se sienta bien para ti y para tu estilo. Generalmente, los ojos se colocan aproximadamente a mitad de camino por la cabeza y la nariz se alinea más o menos donde se coloca la oreja, y la boca se coloca aproximadamente a mitad de camino entre la barbilla y la nariz. Pero estas proporciones no están fijadas en piedra, por lo que se pueden estilizar fácilmente para crear características y diseños de caras realmente únicos. Solo estoy agregando un poco más de forma y definición al espacio para que no sea tan esférico, y luego solo estoy definiendo algunos detalles más. Voy a agregar en una sombra debajo de la barbilla para crear un poco de profundidad entre la cara y el cuello, y luego le añadiré algunos detalles más al cabello, y luego solo dibujaré el área trapecio donde el cuello se une a los hombros. Una vez que tengas sacada tu expresión neutral, podemos pasar a practicar algunas emociones diferentes para el mismo personaje siguiendo vagamente algunas fotos de referencia. Cada vez que dibujo a mi personaje, empiezo con un círculo áspero para la cara y luego dibujando estos crosshairs para definir la colocación de las características y luego dibujar el cuello. Aquí voy a dibujar una expresión sorprendida. Empezaré dibujando en esa boca abierta. Ya que aquí se va a estirar la mandíbula abierta, la cara se va a alargar y estirar un poco con ese movimiento de mandíbula. Voy a cambiar ligeramente la forma de la cara para mostrar ese estiramiento. Entonces estoy dibujando en los ojos y en realidad los estoy dibujando un poco más por encima la cruz horizontal aquí porque creo que ayuda a agregar al estiramiento mirar esta expresión. Entonces estoy dibujando en las cejas. Una de las principales características de esta expresión es la forma en que se muestran los ojos. Ya que solo tengo puntos para los ojos realmente y una línea para las pestañas, necesito separar esos para crear ese look de ojos ensanchado. Entonces también voy a reposicionar estas cejas para que estén realmente estiradas también. Tenemos la expresión media aquí ahora, y luego podemos simplemente limpiar algunas cosas y agregarles detalles extra a la cabeza como el pelo, y entonces en realidad voy a jugar más allá con esa forma de boca. Yo quería mostrar esta boca colgada abierta, así que la colorearé mayormente de negro, y luego borraré solo un par de pequeñas líneas para mostrar un poco estos dientes. Creo que las cejas mirando que se perdieron dentro de ese fleco, así que voy a separarlas una de la otra para que el movimiento de las cejas destaque más. Porque cierro la boca, un poco de mandíbula ya no es tan extremadamente estirada, así que voy a redondear el área de la barbilla para que ese aspecto se vea un poco más creíble. Entonces, por último, añadiré una sombra debajo de la barbilla y algunas líneas en el cabello para ayudar a recrear aún más la semejanza de mi personaje. En realidad, voy a cambiar donde está mirando, así que sólo voy a agregar líneas para definir el fondo del ojo para que ella pueda estar mirando hacia abajo. No tengas miedo de agregar más detalles que no estén en tu diseño original si van a ayudar a transmitir más esta expresión. La siguiente expresión que voy a dibujar es la tristeza. Estoy dibujando su cara mirando hacia abajo y su barbilla está metida en su cuello ahí. Podemos ver más de la parte superior de la cabeza mientras mira hacia abajo. Voy a tenerla cerrando los ojos, así que estoy dibujando unas curvas orientadas hacia abajo y luego la nariz, y su boca es otra pequeña curva orientada hacia abajo. Una de las principales características de la tristeza es que la ceja interior se levanta. Yo estoy dibujando eso con las cejas curvas hacia arriba mientras se encuentran en medio de la cara. En ocasiones verás un poco de línea en medio de las cejas aquí dependiendo de la intensidad de esa emoción. Simplemente dibujaré eso, entonces sólo te diré unas cosas aquí arriba con la herramienta de borrador. En realidad voy a mover un poco el cuello hacia atrás y luego definir algunos detalles más. Estoy agregando esa sombra de cuello y luego unas líneas en el cabello. Está bien. La siguiente expresión va a ser felicidad. Para esta expresión, tendré nuestra mirada hacia arriba en contraste con la mirada anterior. Se puede ver que he colocado esa cruz horizontal mucho más arriba para mostrar ese levantamiento de la cabeza, y vemos menos del cabello esta vez mientras se levanta la cabeza. Dibujaré en la nariz y luego voy a dibujar curvas orientadas hacia arriba para los ojos. Estamos literalmente contrastando esa triste expresión anterior volteando la posición de la cabeza y estas curvas oculares. Entonces sólo definiré la forma de la cara aquí. Las cejas también van a estar bastante curvas y le voy a dar una gran sonrisa, que también está conformada por curvas orientadas hacia arriba. Cuando sonreímos, los labios superiores se separan más de la cara para que aparezcan un poco más cerca de nuestra nariz en comparación con cuando están en una posición neutral. También se empujan las mejillas hacia arriba y eso empuja hacia arriba nuestros ojales inferiores. Si queremos intensificar esta sonrisa, podemos oscurecer el interior de la boca y solo mostrar la fila superior de dientes para crear una sonrisa abierta. Entonces solo seguiré adelante y definiré todo el resto de estos detalles. La siguiente expresión que voy a dibujar es el miedo. Nuevamente, acabaré de oscurecer la forma de la cabeza y el cabello, primero que nada, y luego estos crosshairs. Voy a dibujar la boca ligeramente abierta y curvar hacia abajo. Se van a levantar las cejas y juntas manera similar a la anterior triste expresión, y voy a mostrar estos ojos ensanchándose. Nuevamente, oscureceré esta boca para demostrar que está abierta y dejar una fila de dientes blancos en la parte superior. Para mí, esta expresión no es realmente temible en este momento. Creo que se parece un poco más a molestia, así que creo que necesitamos definir ese ojo ensanchándose un poco más y resaltar esas cejas moviendo el fleco fuera del camino. Se puede ver sólo estoy rehaciendo un poco esas cejas para que sean más obvias, y también estoy agregando una línea en la parte inferior de los ojos para exagerar ese blanqueamiento. Simplemente ensancharé la boca también. Estos cambios sutiles realmente pueden ayudar a realzar el estado de ánimo de tu expresión. Entonces echar un vistazo crítico a tu expresión y preguntarte qué te está comunicando también va a ayudar porque tus expresiones idealmente deberían ser realmente obvias en cuanto a lo que la emoción está retratando. Si no lo es, realmente lo puedes decir con bastante rapidez, y entonces tendrás que averiguar qué es este dibujo de la expresión para que puedas arreglarlo. Se puede ver que estas expresiones de sorpresa y miedo son realmente similares. Excepto en mi expresión temible, he curvado un poco la boca hacia abajo para comunicar ese disgusto y también las diferentes tallas de las cejas hacen una gran diferencia. La siguiente emoción es la ira. Con enojo, voy a inclinar un poco la cabeza hacia abajo otra vez, estrechar los ojos, y dibujar las cejas tirando hacia abajo. Casi crean una forma de V ya que tiraron hacia abajo hacia el centro de la cara. Simplemente dibujaré el cabello en. Debido a esta tensión en las cejas, conseguirás que aparezca este pliegues entre ellas por encima de la nariz. Voy a exagerar esa tensión inclinando aún más las cejas, y puedes jugar bajo diferentes formas de boca en tus expresiones. Podría tener un lado de la boca arqueando hacia arriba de manera agresiva, pero creo que mantendré los labios cerrados en esta expresión en particular. Hay montones de diferentes formas en las que puedes variar estas expresiones e intensificarlas o hacerlas más sutiles jugando con las curvas de las cejas y los párpados y probando diferentes formas de boca. Es útil experimentar con diferentes variaciones de la misma emoción solo para mantener las cosas interesantes con tus personajes. Dibujemos una última expresión, así que vamos por una mirada escéptica aquí. Se trata de una expresión bastante asimétrica con un lado del rostro más tenso, mientras que el otro está más relajado. Las cejas fluyen entre sí con una en ángulo hacia arriba y luego fluyen hacia la forma más curva de la segunda ceja. Dibujaré esa boca en ángulo curviéndose hacia abajo del otro lado de la cara. Puedes seguir haciendo este ejercicio con tantas expresiones como quieras, y quizá quieras intentar dibujar algunas de la imaginación también. Simplemente juega con él y ve qué funciona para ti. Cuando estés listo, vamos a pasar a dibujar manos. 7. Ejercicio: estructura de la mano: Ahora es el momento de practicar el dibujo de manos. Sé que este es un área que muchos artistas evitan porque definitivamente es una de las áreas más complejas de la anatomía. Pero una vez que logres superar este obstáculo y encontrar formas simplificadas de dibujar manos, te ayudará a mejorar enormemente tu trabajo. También descubrirás que tienes más libertad para dibujar postes y expresiones que podrías haber evitado de otra manera, y tu trabajo se hará mucho más rico. Entonces primero romperé la anatomía de la mano para que podamos empezar a pensar en ello en cuanto a forma y construcción. Después pasaremos a estudiar algunos gestos de mano. En primer lugar, vamos a dibujar la estructura de la mano. Dibujemos una forma redondeada, cuadrada para formar nuestra palma. Entonces nuestra palma se puede dividir por la mitad aproximadamente. Podemos dibujar en estos dos bits carnosos a cada lado de nuestra palma con la parte carnosa que toca al pulgar siendo un poco más ancha. Entonces podemos adjuntar nuestra muñeca que es un poco más delgada que la palma. Para los dedos, me gusta empezar dibujando una forma de manopla con un punto a la parte superior donde estará nuestro dedo medio. Nuestro dedo medio es el más largo y generalmente es la misma longitud que nuestra palma para que puedas revisar más o menos esas medidas. Entonces podemos dividir esta forma de manopla en cuatro dedos y rimar aquí desde la parte superior de las yemas de los dedos. Puedes mirar tu propia mano como referencia mientras haces esto, solo para estimar esas mediciones y alturas de los dedos y pensar en la relación especial de cada dedo con los demás. También voy a dibujar algunos pequeños pliegues aquí donde estos dedos se adhieren a la palma. Se pueden ver que aparecen como líneas diagonales cortas, entonces podemos dibujar en nuestro pulgar. mí me gusta pensar que el pulgar es casi parte de esta parte más grande y carnosa de la palma y sale de la palma a mitad de camino hacia abajo de los dedos. Si presionas el pulgar además de los dedos, puedes ver que gira desde un poco por encima de donde comienzan los dedos. Puedes usar esa técnica cuando estás dibujando tu pulgar dibujando una curva para imitar ese pivote. Nuestro pulgar tiene dos nudillos y también hay una articulación al lado del resto ahí. Podemos dibujar un par de pliegues a ambos lados de esos dos nudillos y luego también podemos sujetar ese pulgar a la palma con un poco de piel ancha ahí. Voy a redondear un lado uno el pulgar y el lado opuesto donde está el clavo será un poco más plano, por lo que puedes reconocer con bastante claridad a qué dirección se enfrenta el pulgar. Rápidamente limpiaré un poco esto y luego podremos dibujar en los pliegues de nuestros dedos. Observe que estos dedos todos se unen en un poco de curva, no hay líneas rectas reales en la mano, está compuesta principalmente por curvas. Podemos dividir aproximadamente cada dedo hacia arriba en tercios con tres pliegues en el lado opuesto de cada nudillo. Observe de nuevo cómo fluyen estos pliegues en una curva entre los dedos. También voy a seguir adelante y definir estos dedos un poco más ahora. También tenemos un poco más carnoso en la palma aquí debajo de cada uno de los dedos. Con todas estas partes carnosas elevadas, eso crea un chapuzón en medio de la palma. Voy a seguir adelante y sólo limpiar todo este bosquejo. Al mirar esto ahora, creo que he dibujado el pulgar un poco a lo grande, así que sólo voy a retocar eso con la herramienta de selección. Dibujemos el dorso de la mano ahora con los dedos extendidos esta vez. Podemos comenzar de la misma manera dibujando esa forma cuadrada redondeada y luego cuando nuestros dedos se extienden hacia afuera, se pueden ver que forman una forma de abanico con todos estos tendones saliendo de alrededor del mismo punto hacia el resto. También nota la curva que se forma entre estas yemas de los dedos, y recuerda dar cuenta de las diferentes alturas de tus dedos. Podemos simplemente dibujar un poco de formas de salchicha para empezar, haciendo que el dedo medio sea más alto y nuestro dedo meñique más pequeño. Otra cosa a notar al dibujar estos dedos estirados es la ondulación que aparece entre ellos. No todos están totalmente aglomerados, tenemos un poco de espacio entre cada uno de nuestros dedos. Podemos imaginar del otro lado de nuestra mano tenemos nuestro pulgar unido a esa parte carnosa de la palma, que está saliendo hacia un lado. Voy a estirar un poco más este pulgar en este dibujo, así que casi está tallando ligeramente hacia atrás aquí. Voy a dibujar en el resto de ese más estrecho aquí otra vez. También tenemos algunos huesos y partes nobles y el resto, que a veces se puede ver, pero eso depende del posicionamiento de la mano y también de diferentes tipos de cuerpo. Pero generalmente cuando estás dibujando manos estilizadas, no necesitas preocuparte demasiado por eso. Dibujaremos los nudillos y en estos dedos dividiendo cada dedo aproximadamente en tercios. Entonces voy a definir un poco más las formas de los dedos con líneas más audaces. Se puede ver en realidad estos dedos tienen muchas curvas y tienden a abultarse hacia afuera alrededor de los nudillos, pero no me voy a molestar entrar en tanto detalle aquí. Dibujaré las uñas y así con algunas formas ovaladas en la parte superior de los dedos. En el pulgar realmente no podemos ver demasiado ese nudillo inferior por el posicionamiento del pulgar aquí. No me molestaré en dibujar y también dibujaré la miniatura. Dibujando esta parte carnosa de la mano que está puñetando. Se puede ver que hay montones de pedacitos y piezas en la mano de las que tenemos que estar conscientes y es una parte realmente compleja del cuerpo para dibujar sólo porque hay tantas posiciones en las que podemos colocar la mano. Pero una vez que tengas un agarre sobre qué formas forman la mano y qué movimientos podrían hacer, entonces empezará a ser más fácil dibujarlas. Esa es más o menos la estructura principal cubierta. Ahora pasemos a dibujar gestos de mano. 8. Ejercicio: gestos de la mano: En preparación para esta lección, tomé un montón de fotos de mi mano en diversas posiciones, así que he agregado esas a los recursos de clase si también quieres estudiar de ellos. De lo contrario, puedes hacer estudios desde fotos en línea o sitios web como line-of-action.com. Para estos estudios, no me voy a dar un límite de tiempo estricto. Voy a tomar probablemente 5-10 minutos dibujando cada gesto de mano y sólo tratar de entender la forma en que está trabajando la mano para formar estas poses. Empecemos con nuestro primer gesto. Cuando empiezo el dibujo, busco las formas muy básicas que componen la imagen, y me gusta notar curvas, por lo que notando cómo estos dedos fluyen entre sí para formar una forma. Aquí, estoy mapeando más o menos toda la forma de esa sección del dedo y luego estoy dibujando en posición del pulgar. Algo importante a saber de este pulgar es su plano de movimiento. Tu pulgar puede estar en línea con la palma, pero también puede girar y doblarse hacia adentro en esa zona de la palma. Por eso me gusta pensar en esta parte carnosa de la palma como parte del pulgar, porque se puede ver que cuando el pulgar gira hacia adelante, esa parte de la palma se mueve con el pulgar. Por eso puede ser tan útil estudiar tus propios movimientos desde diferentes ángulos para que puedas tener una idea de lo que está sucediendo en ese espacio 3D. Lo que está pasando aquí es que en lugar de que nuestro pulgar esté plano contra la palma, el pulgar está retorcido hacia adentro, así que obtenemos esta forma de triángulo formando. Simplemente dibujaré el ángulo de la muñeca ahora. Me gustaría pensar en primer lugar en la mano como manopla, así que dibujando primero todo el grueso de los dedos, y luego a partir de ahí, puedo trazar dónde se encuentran los dedos individuales dentro de esa forma. En esta pose, se está haciendo una forma de abanico, y verás que en muchas manos poses y gestos con respecto a los dedos. Me gusta bloquear las formas de los dedos ásperos antes de empezar a dibujar en las articulaciones. Con mis estudios, me gusta ser realmente bocoso, haciendo marcas de luz para empezar, y luego repasándolas con marcas más audaces una vez que tengo bloqueado el gesto principal. Entonces si quieres, puedes ir a poner algunos detalles como uñas, y pliegues de los dedos. También voy a frotar algunas de estas marcas realmente escasas para deshacerme de algunas distracciones. Esa forma de pulgar se ve un poco apagada, así que volveré a intentarlo. El clave es seguir mirando tu referencia y no solo mirar ciegamente, sino notar las relaciones entre formas y ángulos que puedes traducir en tu dibujo para construir la forma. Esa fue una posición de mano bastante difícil de conseguir la derecha. Si lo deseas, siempre puedes dibujar el mismo gesto de mano por segunda vez, pero esta vez intenta dibujarlo más pequeño y más rápido que tu estudio anterior y ver cuánto puedes simplificar las formas esta vez o mejorar en tus proporciones, y qué efecto tiene el tiempo que pasas en el estudio en tu dibujo general. En el estudio anterior, creo que me enfoqué demasiado en esa forma de triángulo y consecuencia la dibujé un poco grande en proporción a la mano en general. Esta vez, todo se siente un poco más en proporción. Además, nota cómo la muñeca se adhiere a la mano. No siempre se fija en línea recta, se dobla en diferentes ángulos, así que eso también es algo para tener cuidado. Cuando estoy estilizando mis manos, no suelo añadir todas las curvas en los dedos. Puedes jugar con simplificar y estilizar las formas de tus manos, pero dejaremos esto así por ahora. En ese segundo dibujo, creo que sus proporciones están mejoradas y fue sólo un pequeño cambio, pero sí marca la diferencia. Borraré aquí el gesto anterior. El siguiente es esta mano de aspecto relajado. Empiezo dibujando la forma de la palma, luego bloqueando la forma principal de los dedos, bloqueando en el pulgar junto con la sección de palma del pulgar carnosa. Entonces solo trazaré líneas para esas curvas de los dedos en forma casi de abanico con el meñique, el más curvo y luego haciéndose más rectas hacia el dedo índice. Se puede ver que si estiras la mano así, se necesita un poco de esfuerzo para hacer eso. tanto que una posición de descanso más natural para nuestras manos es estar en esta posición relajada. Se puede ver que nuestros dedos se curvan con nuestro meñique siendo el más rizado y nuestros dedos se abren en un abanico graduado. Eso es lo que estamos dibujando aquí. Por eso es realmente útil usar curvas y formas de abanico cuando estás dibujando estas posiciones de mano. También solo le da a tus dibujos más de un flujo y más de un aspecto agraciado y natural. Cuando se trata de sacar manos de la imaginación, siempre me gusta usar esos conceptos además de recordar poses de mano que he dibujado mucho antes de referencia. Recuerda, aquí también hay una curva. No es una línea recta. Eso sólo haría que nuestra mano se viera rígida y extraña. Convertirse en bueno dibujando manos realistas no va a ser una tarea fácil. No hay queso real aparte de sólo aprender la anatomía y cómo funciona la mano, y luego hacer montones y montones de estudios y practicar. Se puede ver que esta parte de la palma tiene muchas arrugas, por lo que los dibujaremos y dibujaremos el resto también. Se puede ver que he alargado un poco un par de esos dedos porque olvidé dar dar cuenta de las diferentes longitudes de los dedos. Apenas estoy de noche arriba esas proporciones ahora y después frotando algunas de mis líneas desordenadas. Poder mirar tus dibujos críticamente aquí es bastante importante porque como la mano es tan complicada, hay mucho que pensar a la vez, así que estás obligado a cometer algunos errores para empezar. Pero lo bueno es que podemos corregir esos errores. En realidad no son errores, son sólo parte del proceso que podemos retocar y construir para cubrir estas formas. A mí me gusta usar la herramienta de borrador también bastante, así que bien podríamos hacer uso de ella mientras esté ahí. Pasaré ahora al siguiente. Otra cosa a notar es que cuando una mano está sosteniendo algo, se va a moldear a la forma del objeto que está sosteniendo y no al revés. En estos casos, es útil dibujar primero tu objeto y eso te ayudará mucho en lugar de tratar de dibujar la mano y después tener que mover el objeto dentro de la mano, lo cual simplemente va a parecer realmente extraño. En este caso, voy a bosquejar realmente más o menos la forma de manzana, que es básicamente un círculo con algunos bordes cónicos y aplanados. Entonces podemos dibujar la mano en relación a la manzana. Podemos notar cómo el pulgar se está agarrando contra él. El fondo de la palma está aquí abajo. El otro lado de la palma está abrazando alrededor de ella. Todos los dedos están abanicándose alrededor de la manzana para sostenerla. Nuevamente, solo estoy buscando formas, buscando relaciones entre formas, y también puedes imaginar lo que está pasando detrás de la manzana. Entonces podemos usar algunas líneas más oscuras para definir la forma de la misma más para que veas cómo capturé esa línea recta de este lado y la forma redondeada más carnosa del otro lado. También puedes pensar en el escorzo de los dedos también. Dibujaré en algunos de esos pliegues en la palma también. Yo sólo voy y agregando más detalles aquí. Siéntete libre de tomarte el tiempo que quieras con estos estudios, pero no te preocupes por esforzarte por la perfección. Tan solo trata de entender tus formas y anatomía y lo que está pasando, para que sea mucho más fácil a la hora de estilizar las manos. Si quieres agregar en sombreado, si te ayuda a conseguir más una idea de forma, entonces eso está totalmente bien. Ahora que he encogido esto hacia abajo y volví a echar un vistazo crítico a mi referencia, creo que los dedos en realidad están un poco apagados. Este meñique viene mucho más hacia nosotros y agarrando la manzana desde el costado del dedo en lugar del fondo, así que voy a corregir eso ahora. Estoy dibujando todos los demás dedos para fluir junto con ese meñique también, y creo que eso se ve mucho más natural ahora. Cuando estamos dibujando manos más estilizadas, podemos comenzar con esa forma de palma y luego marcar los dedos, asegurándonos de pensar en tallar y abanicar. Entonces podemos mapear en el pulgar. Una vez que tengas ese marco del gesto general, puedes comenzar a aplicar todo tipo de formas dependiendo tu estilo para estilizar un poco más tu mano. Es exactamente el mismo concepto que uso para estilizar poses y formas corporales. Una forma de estilizar la mano es pensar en las formas de tus dedos. A mí me gusta tener mis dedos rectos por un lado y curvados a la punta de los dedos, y por lo general no tiendo a dibujar en las uñas. Eso indica a qué dirección se enfrenta el dedo. Existen diferentes formas de estilizar estos dedos. Pensando en algunas formas diferentes que puedes usar. Por ejemplo, puedes hacer algunos dedos realmente óseos y brujos o dedos cuadrados y bloqueados o nublados o simplemente súper redondeados. También puedes estilizar las articulaciones también para que no tengas que dibujar en los nudillos específicos con curvas específicas en ellas. A mí me gusta hacer estas curvas bastante lisas y no dibujar los nudillos de los dedos. A menos que realmente quiera indicar alguna tensión o alguna pose específica que se vería rara sin ellos. Lo que estoy haciendo aquí es usar referencia previa para dibujar esto, pero le estoy poniendo mi propio estilo y es mucho más fácil dibujar ya que dibujé uno realista desde referencia. Entiendo más o menos la estructura para poder simplificar lo que no necesito y aún así lograr captar la esencia de la pose. Encontrarás que con algunas poses de mano, sí necesitas dibujar en las curvas en las articulaciones. Depende de lo relajado o tenso que quieras que se vea la pose y también de lo realista o caricatura que sea tu estilo. Otro consejo es mirar un puñado de la obra de tu artista favorito y estudiar cómo estilizan sus manos. También puedes mirar dibujos animados y ver cómo se estilizan las manos, sobre todo en animación, verás montones de diferentes estilos de manos. Porque es muy útil para los animadores poder simplificar las manos para que sean mucho más fáciles de dibujar. Es posible que veas personajes que solo tienen tres dedos o personajes con manos realmente gorditas, por que no tienen tantos huesos ni articulaciones en ellos. Hay mucho con lo que jugar cuando se trata de estilo. Una vez que tengamos esa estructura, entonces podremos bajar la opacidad y repasar el dibujo y simplemente dibujar en los elementos muy básicos en los que queremos mantener. Al simplificar y estilizar formas de esta manera, podemos hacer las cosas un poco más fáciles para nosotros mismos y también crear manos de aspecto más atrayentes sin preocuparnos todos esos detalles que realmente no son necesarios para comunicar el gesto. Intentemos crear una mano estilizada justo directamente de referencia ahora. Se puede ver que éste está sosteniendo algo. Voy a dibujar primero la pluma y luego trazar la mano alrededor de ella. Simplemente dibujando las pequeñas líneas para indicar los ángulos de los dedos, y luego el pulgar está presionando contra esa pluma. Entonces mapearé en toda la zona de la palma y la dirección de la muñeca. Entonces puedo empezar a aplicar mis formas estilizadas alrededor de eso. Mis formas siguen siendo semirealistas a pesar de que las estoy simplificando mucho, sigo manteniendo esas reglas de proporción. Pero ya verás no estoy dibujando en demasiados detalles esta vez como pliegues y uñas. Estoy tratando de quedarme con la esencia principal de la pose. Me resulta mucho más fácil estilizar mis manos cuando las dibujo más pequeñas porque me obliga a dejar fuera cualquier cosa extra y simplemente enfocarme en las formas. Siéntete libre de usar estas fotos que he tomado como referencias, las dejaré para ti en los recursos de clase, así que asegúrate de revisar eso. Hagamos un par más. Esta vez, va a ser un puño apretado. Estoy empezando con algunas formas muy básicas, notando ese ángulo curvo formado por estos nudillos, y luego estoy dibujando en este pulgar partiendo de la palma y notando cómo casi se divide en tres secciones mientras se dobla de cada nudillo. Entonces estoy dibujando en los dedos. Observe cómo cuando está dibujando una mano extendida, los dedos se abanizan hacia afuera. Si bien sucede lo contrario cuando los dedos se rizan y se ventilan hacia adentro. Sólo recuerda que cuando estás dibujando los dedos y los puños acurrucados. Lo último es juntar dos manos. A diferencia de cuando estamos dibujando manos alrededor de un objeto, ambas manos se moldean entre sí, por lo que tenemos que dibujar esas formas al mismo tiempo. Se puede ver que acabo de mapear algunas formas y estructura muy básicas, y ahora estoy delineando eso un poco más. Nuevamente, apenas notando las relaciones entre estas formas y proporciones. Nuevamente, también ayuda a visualizar las partes de la mano que están ocultas para lograr aquí proporciones e interacción más creíbles. Solo necesitas practicar todo lo que puedas y tratar de entender estos movimientos, e intentar construir una biblioteca de movimientos que puedas usar con tus personajes. Dibujar manos no es fácil, y a veces sigo luchando con ello. Si estás luchando, no te preocupes. Se necesita práctica y lleva tiempo y luchar es solo parte del proceso de aprendizaje. Tómate un tiempo para absorber esta información y practica tus propios gestos, ya sea de mis fotos, o en línea, o usando tu propia mano. Una vez que estés listo, vamos a pasar a un ejercicio divertido y rápido, dibujando poses figura de palo. 9. Ejercicio: poses de figura de trazos simples: En este ejercicio, vamos a estar dibujando poses de figura de palo iniciando con algunas curvas y creando poses a partir de la imaginación basadas en esas. El propósito principal de este ejercicio es ayudarnos a aflojarnos y pensar de manera expresiva al dibujar poses de carácter desde la imaginación. Esto nos ayudará más adelante a la hora de crear nuestro proyecto de clase. Voy a empezar por usar un pincel de color rojo. Simplemente bajaré el tamaño de esa línea. Voy a estar usando el cepillo Mercury el cual se necesita para procrear para esto para que tenga una linda línea dura para ver con claridad. Entonces solo estoy dibujando aquí una serie de curvas de forro aleatorizadas. Puedes pensar en dibujar algunas formas S, formas curvas y líneas diagonales. Se pueden dibujar algunas curvas bastante extremas o más sutiles, y éstas van a definir la postura de nuestras figuras de palo. Simplemente llena una página con estos por ahora y pueden ser realmente aleatorizados. No necesitas pensar demasiado en ello en esta etapa, pero solo asegúrate de que vas a ser capaz de formar fácilmente una pose alrededor de ellos. Una vez que tengas esa página llena con una buena cantidad de estas líneas, podemos iniciar una nueva capa y cambiar el color del pincel a negro para dibujar nuestras poses sobre estas líneas. Puedes empezar dibujando en la posición de la cabeza en la parte superior de esta línea y luego agregando en tu cuerpo partes alrededor de eso. Voy a dibujar aquí la pierna siguiendo junto con el flujo de esa línea. Te puedes imaginar que esta línea es la columna vertebral y puedes hacer que ese movimiento fluya hacia el resto de la pose de alguna manera, ya sea hacia una de las piernas o simplemente inspirando el flujo general de la pose. Con esta postura, está bastante encorvada. Se ve bastante triste y de baja energía. Voy a dibujar estos brazos colgando hacia abajo sólo para sumar a ese sentimiento abatido, apático. En esta siguiente pose, esta persona está aún más encorvada. A lo mejor van a estar enterrando la cabeza en sus manos y una sensación de desesperación. Simplemente se van a quedar quietos. Dibujaré esas piernas rectas hacia abajo, quizá tallando un poco hacia adentro. Puedes dibujar una forma para el torso si te apetece. Pero no te preocupes demasiado por las proporciones en este momento porque solo nos estamos centrando en la expresión. El siguiente, me imagino, es alguien acurrucado en una pelota. A lo mejor están dormidos o reconfortándose en la posición fetal ahí. Aquí, solo estoy compensando un poco las piernas el uno del otro para darle más interés a esta silueta. Esta siguiente pose parece que es alguien quizá de rodillas con las manos extendidas en una expresión desconcertada. Este siguiente parece estar más relajado. Tienen las manos sobre la cabeza y están acostados sobre un [inaudible] o algo así. Estoy agregando algo de asimetría a esas posiciones de pierna. Algo de lo que hay que estar al tanto también es la distribución del peso y el equilibrio de tus poses. Porque si este personaje de aquí no tuviera nada en qué descansar su peso, en un entorno realista, esto no sería una pose equilibrada, y así la persona estaría cayendo en lugar de descansar en una posición estática. Método para resolver esto es pensar en el centro de gravedad del personaje, que es el punto en el cuerpo donde el peso está uniformemente equilibrado. Por lo general, esto se encuentra en algún lugar del área inferior del torso, pero puede variar dependiendo del peso corporal y la postura. Si hacemos una línea recta desde el centro de gravedad verticalmente hacia abajo, podemos comprobar si eso está sobre nuestra base de apoyo, que suele estar entre sus dos pies si estamos en posición de pie. Pero la base de apoyo es básicamente cualquier parte del cuerpo que esté sosteniendo nuestro peso. Si esta fue una pose deslumbrante, podemos ver claramente que el centro de gravedad no está sobre la base del soporte, lo que significa que no es una pose equilibrada. No obstante, en este caso, debido a que nuestro personaje está descansando todo su cuerpo sobre algo, se equilibran sobre el objeto. Podemos comprobar el equilibrio en estas otras poses marcando más o menos el centro de gravedad y dibujando una línea vertical recta hacia abajo. Aquí se puede ver, hay una base bastante amplia de apoyo en esa zona entre esos dos cobertizos y el suelo. Esta pose, nuevamente, todo el cuerpo está acostado, por lo que toda la parte del cuerpo que está en contacto con el suelo puede considerarse la base de apoyo. Para éste, estamos poco más allá de la base de apoyo ahí. Si este personaje se inclinara más hacia adelante, probablemente se volvería inestable y necesitarían ampliar su base de apoyo para compensar eso. Esto es sólo algo de lo que hay que estar al tanto. No necesitas estar siempre pensando en ello. Pero si tu personaje sí se ve un poco desequilibrado, entonces eso es algo que puedes comprobar. Ten en cuenta que si la persona está sosteniendo algo pesado, eso sumará a su peso y cambiará el centro de gravedad. Lo mismo se aplicará para las personas que sean más pesadas son las mujeres con vientres embarazadas, por ejemplo. Tendrás que compensar ese peso quizás inclinándote más hacia atrás para ganar equilibrio. Voy a tener a este personaje inclinado un poco hacia adelante, tal vez jugando un juego en su teléfono. Se puede ver cómo he traído esa pierna hacia adelante para ensanchar ahí la base de apoyo. Pero si tenían, por ejemplo, un bastón, pueden apoyarse en eso y usarlo para ensanchar la base de apoyo para obtener más equilibrio. Básicamente, sólo voy a seguir dibujando estas poses alrededor de estas curvas. Yo sólo estoy maquillando a medida que voy. No necesitas tener una idea clara de tu pose antes de empezar a dibujar alrededor de éstas. Simplemente puedes empezar a agregar extremidades y gestos, y ver cómo se desarrolla eso, luego exagerar eso más con más movimientos. Podrás editar estos a medida que vas también cuando empiezas a ver un sentimiento específico que viene a través y probar diferentes posiciones para las extremidades y la cabeza. Simplemente fue interesante ver cuánto una simple curva y flexión de una línea puede afectar e influir en toda una expresión. Se puede ver cómo esas líneas han logrado inspirar montones de diferentes poses y expresiones. Esta es una forma realmente divertida de facilitar el dibujo de poses de carácter desde la imaginación. Podemos utilizar esta técnica más adelante cuando se trata de dibujar a nuestros personajes. Ese es el último de nuestros ejercicios. Si estás listo, entonces vamos a pasar a hablar del proyecto de clase a continuación. 10. Proyecto: diseños de personajes e historia: Estamos casi listos para comenzar el proyecto de clase. Antes de que podamos empezar, necesitarás tener dos diseños de personajes listos. Siéntete libre de usar cualquier personaje existente de tu propio portafolio, o también puedes diseñar algunos nuevos en esta etapa. Esta no es una clase de diseño de personajes, así que no sientas que tus diseños necesiten ser súper lujosos o un estándar profesional. Te animaría a usar simplemente cualquier estilo y técnica que te sienta más natural, o siéntete libre de experimentar, y jugar con diferentes estilos y técnicas. Si sí necesitas ayuda para diseñar tus personajes, entonces echa un vistazo a mi clase anterior sobre dibujar personas, donde repaso cómo diseñar personajes con formas corporales únicas y posarlas. Lo más importante a tener en cuenta sobre el diseño de personajes es una historia y la personalidad de tus personajes. Esto básicamente va a informar cada aspecto sobre ellos; sobre cómo se ven, y visten, y se comportan, así como el tipo de relaciones que comparten. Si tienes una buena comprensión de quién es tu personaje, entonces será fácil visualizarlos, no solo en cómo se ven, sino también en cómo actúan. Cuando estás diseñando tus personajes, es posible que ya tengas una idea clara de quiénes son antes incluso de empezar a dibujarlos. Pero también puedes hacer esto al revés. Puedes dibujar tu personaje y luego dejar que esa personalidad se desarrolle, a medida que le agregas más características e intereses. Lo que sea que sientas es un proceso más natural y funciona mejor para ti está completamente bien. Tus personajes pueden estar donde quieras. Puedes dejar que tu imaginación se vuelva loca, o puedes mantenerlos súper simples. No tienen que ser del mundo real, y no tienen que ser humanos, aunque ayudará si tienen alguna anatomía similar a la humana sólo para seguir lo que estoy haciendo en esta clase. Ya que estamos trabajando no sólo con uno sino con dos personajes, necesitamos averiguar cómo están conectados, cómo se conocen y cómo es su relación? Esto también puede ser cualquier cosa. Pueden ser extraños totales que se reúnen por primera vez, o pueden ser mejores amigos de toda la vida, o enemigos mortales, o algo completamente aleatorio y ordinario, como un médico y un paciente. Una vez que descubramos cómo se relacionan entre sí, podemos pensar en sus personalidades separadas y en qué tienen en común, en qué entran en conflicto, y en última instancia, en qué aspecto tiene la dinámica de las relaciones. También vas a querer considerar el momento y el lugar de donde son tus personajes, cuál es su trasfondo cultural, cuáles son sus valores y creencias, educación, qué hacen para ganarse la vida, y cualquier detalle que tú sentir son relevantes para la conformación de tu personaje. Algo que se va a comunicar mucho sobre tus personajes personalidades aparte de cómo se comportan, es la forma en que eligen vestirse y arreglarse. Eso podría comunicar su particular tendencia hacia la limpieza o la pereza, y podría dar pistas en cuanto a su ocupación, o de dónde son, y si les gusta mezclarse o destacarse entre la multitud, ese tipo de cosas. No voy a entrar demasiado en detalle sobre eso en esta clase, pero es algo más que quieres considerar sobre tus diseños. Estos son mis dos personajes que voy a estar usando para mi propio proyecto de clase, Milly y Tina. El cuento suelto que pensé para ellos es que son primos. Milly tiene siete años y Tina tiene 15. A pesar de que hay un poco de diferencia de edad, son buenos amigos, y disfrutan explorando y siendo tontos juntos cuando van a quedarse con sus abuelos. También hice un par de perfiles de personajes para cada personaje solo para tener una mejor sensación por sus personalidades. Si eso te ayuda en esta etapa, entonces puedes seguir adelante y hacer eso también. Acabo de empezar anotando algunas características, y luego construyendo a partir de ahí. Milly es realmente excitable, enérgico, charlante y amable. Tiene una imaginación vívida, le encanta vestirse y quiere ser actriz cuando sea mayor. Tina es bastante reservada y tranquila en contraste con Milly. A menudo se esfuerza por actuar todo cool, pero en realidad es un poco nerdy, y también tiene un lado imaginativo y lúdico para ella. Puedo ver que hay algunos conflictos potenciales entre estos dos personajes ya que ambos son bastante sensibles. Pero en general, tienden a equilibrarse bastante bien entre sí con Milly sacando a Tina de su caparazón, y Tina teniendo una influencia calmante en Milly. También he tratado de reflejar ambas personalidades a través de cómo se visten, y dónde están aquí, y también los esquemas de color que he elegido para cada una de ellas. En general, estos dos personajes son bastante simples en su diseño, pero todo fue pensado intencionalmente, y tiene una conexión con sus personalidades e intereses. Todas estas cosas solo funcionan juntas para hacer que tus personajes parezcan un poco más reales e interesantes. Antes de seguir adelante, quiero que tengas un buen pensamiento sobre tus personajes personalidades y dinámicas de relación. Piensa en algunas interacciones que tus personajes puedan compartir, y el sentimiento que rodea esas interacciones. ¿ Son amorosos, incómodos, fríos, juguetones? Es posible que quieras escribir algunos perfiles de personajes para tus dos personajes, y luego también anotar una lista de varias interacciones que podrían compartir que podrían ser opciones potenciales para tu pieza final. Tengo alguna lista de prompt disponible para esta parte en la sección Recursos de la clase. Siéntete libre de echar un vistazo a esos si necesitas algo de inspiración extra. Una vez que estés listo, vamos a practicar bosquejar a tus personajes realizando diversas expresiones antes de comenzar nuestra ilustración final. 11. Proyecto: bocetos iniciales de personajes: En esta lección, vamos a estar haciendo bocetos iniciales de nuestros dos personajes. El propósito de esto es simplemente conseguir una mejor sensación para dibujar nuestros personajes expresando diferentes emociones y reacciones. Vamos a dibujar a nuestros dos personajes expresando emociones similares o reaccionando a situaciones similares y explorando cómo su lenguaje corporal podría diferir o coincidir dependiendo de sus personalidades individuales. Asegúrate de tener a mano tus dos diseños de personajes para hacer referencia en esta lección. Puedes usar referencia fotográfica para tus expresiones o dibujar de la imaginación aquí, justo lo que quieras. Voy a usar el pincel Derwent Pencil en Procreate, pero puedes usar lo que quieras para bosquejar. En primer lugar, vamos a dibujar a estos personajes en diferentes estados de ánimo y considerar cada una de sus reacciones individuales ante diferentes escenarios y emociones. Para empezar, empezaré con felicidad, reaccionando a algunas buenas noticias. Empiezo por desbaste toda la pose en forma de figura de palo. Por lo que empezando con la línea de acción, que va a ser bastante abierta y flexionada ligeramente hacia atrás. Los brazos están extendidos y hacia arriba como si los estuviera agitando, y las piernas están haciendo un baile wii. Dibuja una pierna levantándose hacia un lado y la otra se dobla ligeramente. Una vez que tenga ese marco áspero, solo empezaré a construir la forma de mis personajes alrededor de eso, agregando la cabeza y perfeccionando la forma del cuerpo y definiendo estos gestos un poco más. Voy a trazar una línea para definir dónde está el suelo para que podamos ver claramente que un pie está descansando sobre el suelo, mientras que el otro está levantado. Entonces estoy sumando cualquier ropa y detalles. Asegúrate de que antes de agregar la ropa, dibujas primero la forma del cuerpo subyacente, para que la ropa quepa alrededor del cuerpo y no al revés. De verdad estoy dibujando más o menos en esos gestos de mano con pequeñas formas de bola para puños. Entonces voy a usar la herramienta de selección y jugar con esta pose, tratar de ver si puedo exagerar algo. Estoy exagerando un poco más estas piernas para que esa pequeña jig se vea más reconocible y divertida. También estoy redibujando y frotando algunas secciones hasta que estoy contento con la expresión general de esta pose. Es solo un caso de comenzar realmente simple y luego construir tus formas y editar estos movimientos hasta que tengas alguna expresión clara viniendo. Entonces una vez que esté contento con esta pose general, voy a añadir más detalles a mi personaje. Por último, voy a añadir en el pelo y la cara. Trata de conseguir que tu lenguaje corporal en general parezca tan expresivo como puedas antes de dibujar en la expresión facial. Al dibujar el rostro en último lugar, estás asegurándote de que no solo dependas de eso para transmitir esta emoción, sino usarla para realzar aún más la expresión. Por último, solo estoy revisando todas mis proporciones contra mi original diseño de personaje y ajustando todo lo que creo que está un poco apagado, como la longitud de las piernas aquí. De nuevo, aquí es donde la herramienta de selección resulta realmente útil. Voy a dibujar a mi siguiente personaje expresando las mismas emociones. Se puede tratar de transmitir también y contrastar diferentes aspectos de sus personalidades en este ejercicio. Si bien están experimentando la misma situación o estado de ánimo, sus reacciones a esto pueden ser diferentes. Me estoy imaginando que mi personaje Millie tenga más de una reacción extrema ante esto. Haré que sus movimientos parezcan más eróticos y exagerados que los de Tina para transmitir eso. Ya con la pose de palo, tenemos una expresión exagerada realmente extendida con una pierna levantada muy alta del suelo en comparación con la de Tina. Estos brazos se estiran muy anchos, mientras que los de Tina son sólo un poco más doblados y de aspecto timidario. De verdad estoy tratando de transmitir más movimiento en esta pose aquí. Nuevamente, estoy dibujando la forma de mi personaje alrededor de esa pose inicial de palo. Entonces estoy haciendo algunos retoques y correcciones. Voy a enfatizar esta pose aún más con el cabello al tenerlo volando hacia arriba para mostrar más movimiento y tal vez tener su sombrero levantándose ligeramente de la cabeza mientras salta por ahí. Entonces solo estoy arreglando mis proporciones otra vez. También puedes voltear a tu personaje si eso te ayuda a obtener una perspectiva fresca sobre cómo se ve la pose. Podrás intentar tener este sombrero volando en el aire para exagerar aún más ese movimiento extremo. Creo que está claro qué humor están expresando estas poses. También podemos sentir un poco las diferencias entre personalidades. Ahora vamos a hacer lo mismo con varias expresiones diferentes. El siguiente sentimiento va a ser gruñón. Voy a mostrar a mis personajes tal vez teniendo un poco de enamorarse entre sí. Empiezo con una postura más encorvada aquí. Yo quizá agregando una curva en las piernas para mostrar eso y cruzando los brazos. Puedes rehacer la figura del palo tanto como quieras hasta que sientas que esa expresión deseada viene a través. Es mucho más fácil tomar esas decisiones y cambios en esta etapa cuando tu dibujo sigue siendo súper áspero. No empieces a entrar en demasiados detalles hasta que estés contento con la sensación general de la pose. Se puede ver que estoy haciendo muchos cambios aquí hasta que siento que se está expresando la emoción deseada. Entonces voy a entrar con los detalles y formas del personaje. Dibujaré en el personaje de Millie siguiente, que aquí tiene más aspecto indignado. Ella tiene un pie fuera y podría estar golpeando en el suelo en un sentimiento impaciente. También tiene los brazos cruzados frente a su pecho. Podrás jugar con diferentes posiciones de las partes del cuerpo y ver qué prefieres. El siguiente sentimiento que voy a dibujar es el agotamiento. De nuevo, voy a corazonar aquí los hombros, dibujar un brazo colgando hacia abajo y el otro sosteniendo una mano hacia la boca mientras bosteza. Las piernas están extendidas bastante lejos para sostener mejor su peso. Para Millie, voy a dibujar esas piernas extendidas también, y ella está inclinando más su peso en una pierna. Tengo en cuenta que efecto artilugio con la rotación de las caderas y los hombros en ángulos opuestos. Tendrá una mano en la cadera y otra mano hasta la cara frotándose los ojos o algo así. Ambos están haciendo gestos pacificadores aquí para tratar de adaptarse a esa sensación de agotamiento. Nuevamente, Millie está siendo un poco más dramática respecto que Tina al extenderse más. Para el siguiente set, voy a sacar asco. Me estoy imaginando que encontraran algún pañuelo viejo asqueroso, maloliente debajo del sofá o algo así. Tina la está sosteniendo tan lejos de ella como puede, y también está sosteniendo su nariz y alejando físicamente su cuerpo del objeto. Estoy dibujando un torso aquí en el torso. Al mantener estos bocetos pequeños, solo puedes enfocarte en los detalles necesarios y realizar rápidamente los cambios que se necesiten. Millie va a estar protegiendo su cara y fastidiando su nariz con asco. Ella ni siquiera quiere mirar el objeto y su cuerpo se está doblando lejos de él. Para el siguiente set, los voy a dibujar buscando profundamente en el pensamiento. Tina tiene esa postura de pensamiento clásico con una mano descansando alrededor su área de la boca y un brazo descansando sobre el otro brazo. Ella mira hacia arriba y hacia un lado hacia el espacio mientras está pensando en esto. Para Millie, la mostraré en la pose extendida rascándose la cabeza con una mano en la cadera, y también está mirando hacia arriba. Simplemente redimensionarla para que esté en proporción junto a Tina. Para este último set, estamos dibujando una expresión asustada. Me imagino que acaban de escuchar un ruido espeluznante en alguna parte y se sienten un poco asustados. Tina tiene los brazos agarrados y los está sujetando a la boca. Ella está conteniendo la respiración tratando de no hacer un sonido. Tiene los pies extendidos para mantenerse equilibrada, y se está inclinando un poco hacia atrás. Millie va a tener los brazos arriba agarrando su cabeza y está haciendo esta expresión temerosa. Simplemente ordenaré rápidamente estos pedacitos arriba en la página. Ahora tenemos estas miniaturas esbozadas, y creo que hay una clara emoción que viene a través de todas estas, pero creo que en realidad podemos empujar estas más lejos para mejorarlas. Lo que haré es bajar la opacidad de los bocetos y crear una nueva capa. Voy a acercar el Lienzo para hacer estos dibujos para que pueda agregar algunos detalles más. Estoy pensando en empujar las curvas en mis diseños para potenciar el flujo de estas posturas. Entonces también estoy agregando algunos detalles más ocultos ahí. Puedes activar y desactivar tu capa original solo para ver cómo se está comparando tu pose actualizada con la original. Si estás contento con cómo se ve tu pose, entonces no tienes que cambiar mucho. Simplemente puedes definir más de estos detalles. También puedes usar la herramienta de selección para jugar con la colocación y movimiento de ciertas partes del cuerpo. Voy a seguir adelante y hacer esto con todas mis poses solo exagerando cualquiera de estas posturas, tal vez ajustando un gesto aquí y allá agregando más detalles, y en general, solo tratando de asegurarme de que estas poses se vean naturales, creíbles , y están comunicando el efecto deseado. Se puede ver que ese paso acaba de ayudar a realzar estas poses, y si echamos un vistazo a todas estas, podemos ver claramente estas expresiones viniendo. Ahora que tenemos una buena sensación por estos personajes y cómo expresan sus diferentes emociones, vamos a empezar a thumbnailing ideas potenciales para nuestra pieza final. 12. Proyecto: bocetos de miniaturas: Ahora que nos hemos calentado haciendo esos bocetos iniciales de personajes, vamos a empezar en algunos escenarios potenciales clavados para nuestra pieza final. Hice algunas indicaciones en preparación para estos bocetos, y puedes hacer una lista de ideas de escenarios antes de empezar a dibujar éstas o simplemente puedes dibujar lo que se te ocurra a cabeza y dejar que tus escenas se desarrollen en la página. Lo que funcione de manera más natural para ti está bien. Si necesitas alguna inspiración para tus interacciones, entonces he agregado una lista de indicaciones a la sección de proyectos y recursos a continuación. de mis indicaciones, también tengo mis diseños de personajes arriba desde la pantalla de mi laptop frente a mí para hacer referencia. Básicamente, voy a llenar una página con muchos dibujos súper ásperos y sin cotización para ayudar a visualizar mis ideas. Entonces al final, escogeré mi boceto favorito para asumir como mi pieza final. Voy a dibujar mi primer prompt aquí, que es salpicaduras y charcos. Estoy pensando en el lenguaje corporal de mis personajes y cómo reaccionarían en estos escenarios. Me estoy imaginando que esto sería una actividad energética bastante alta. Ambos se están soltando y disfrutando un momento despreocupado juntos bailando y chapoteando. Nuevamente, solo estoy construyendo esas figuras de palo para retratar esa expresión deseada. Ambos de mis personajes probablemente van a tener expresiones similares ya que están compartiendo la misma emoción en este lindo momento. Simplemente voy a jugar con agregar un poco más de variación entre sus poses, y también voy a tener sus dos peinados volando de regreso para agregar más movimiento a la escena. Entonces estoy desbaste un poco más las siluetas de estos personajes y agregando detalles extra a la escena, como el chapoteo de estos charcos en el suelo. Al dibujar estas miniaturas, también estoy pensando en la composición y en crear una escena equilibrada. No quiero poner demasiados detalles antes de que consiga estas poses como las quiero. Estoy usando la herramienta de selección para mover cualquier cosa y mantenerlo todo realmente boquito. Mi siguiente prompt es leer en una tienda de campaña. Voy a dibujar esa forma de carpa realmente más o menos con un triángulo y luego dibujar en el material de la carpa que se mantiene abierta. Después entraré y dibujaré a mis personajes sentados dentro de la carpa, leyendo juntos un libro. Estoy pensando en sus diferentes posesiones sentadas y creando aquí un sentimiento relajado. Simplemente aplastaré un poco esa forma de carpa para equilibrar la composición, y voy a añadir un poco de linterna colgante para fijar aún más esa escena. El siguiente prompt que estoy dibujando es jugar en hojas de otoño. Me estoy imaginando otra escena divertida donde Tina está mostrando a Millie y todas estas hojas. En primer lugar estoy dibujando a Tina de pie sosteniendo un paquete de hojas y luego Millie está debajo divirtiéndose mucho jugando en ellas. Eso lo estoy mostrando con su lenguaje corporal abierto y extendido, y dibujaré una gran pila de hojas debajo de ella solo para que sea más obvio en cuanto a lo que está pasando aquí. Simplemente voy a seguir con estos bocetos en miniatura siguiendo las indicaciones que he hecho para mí mismo, así como lo que me aparezca en la cabeza en el momento. Porque nos estamos centrando principalmente en los personajes de esta clase, no necesitas preocuparte demasiado por dibujar el resto de la escena. Aunque si hay algún utilería o escenario que necesites incluir para ayudar a contar la historia de tu escenario, entonces puedes dibujarlos absolutamente también. Justo lo que sea con lo que te sientes cómodo y siéntete seguro dibujando en esta etapa. Recuerda, si estás dibujando a tus personajes interactuando con muebles o cualquier tipo similar de objetos, entonces es posible que quieras dibujar primero el objeto y luego tener tu personaje moldeado en él en lugar de al revés. Mantén estos sueltos y rápidos, solo tienes que bajar tu idea en su forma más simple y luego podremos desarrollar nuestra favorita más en la siguiente etapa. Estoy dibujando estas poses completamente de la imaginación en este momento. Pero si te resulta más fácil usar referencia, entonces puedes hacerlo absolutamente. Me gusta sacar de mi imaginación, particularmente en esta etapa de miniaturas, porque realmente puedo esbozar rápidamente lo que hay en mi cabeza sin estar demasiado influenciado por fuentes externas. Si eventualmente necesito referencia, puedo ir a buscarla en una etapa posterior. Se puede ver que estoy constantemente tomando decisiones, y luego reconsiderando esas decisiones, y frotando cosas, y moviendo cosas alrededor. Es por eso que esta parte del proceso es realmente importante porque aquí es donde estás haciendo las bases para luego construir tu pieza final. Si la idea y la historia de la pieza no está ahí, entonces podrías tener la ilustración más técnicamente asombrosa del mundo pero no tendría sustancia para ello. A pesar de que parece que solo estás garabateando y haciendo un lío en esta etapa, en realidad, estos son garabatos muy intencionados y realmente van a ayudar a resolver la composición y el sentimiento de mi interacción. Después de llenar la página con estos, podemos tomarnos algún tiempo para mirar todas nuestras interacciones y decidir cuáles de ellas tienen un claro sentido de la historia y la personalidad. No tiene que ser nada complicado porque tampoco queremos abrumar al espectador con demasiada información a la vez. Para mí, todas estas miniaturas sí tienen un sentido de ambiente y personalidad que viene a través, y algunas son un poco más obvias, mientras que otras parecen ser más sutiles y ambiguas. Tenemos algunos escenarios realmente activos y algunos más tranquilos y pacíficos. Es posible que tengas un favorito obvio que apenas salta por encima de la página en ti, o puede que tengas dificultades para elegir entre tus ideas. Simplemente elige uno que creas que sería un buen punto de partida para una ilustración. No hay realmente una elección equivocada aquí. En realidad voy a elegir mi primera miniatura aquí porque creo que es un escenario muy claro. Es una escena bastante sencilla, pero muestra esa naturaleza divertida, amorosa de ambos personajes y son relación lúdica, y solo creo que hará una bonita ilustración alegre. Ahora que tenemos la idea y el boceto en miniatura, vamos a empezar a desarrollar esto en nuestra pieza final. 13. Proyecto: perfeccionar el boceto: He abierto un conjunto de Canvas A4 a 300 DPI, y voy a pegar en mi miniatura elegida. Entonces voy a ir a Acciones, Canvas y encender aquí el panel de referencia. Ahora esta pestaña de referencia ha aparecido y podemos redimensionar eso. Esta es una característica realmente útil en Procreate si quieres acercar y estás dibujando y haciendo cambios. Entonces se puede ver cómo se ve como un todo sin alejarse. Otra cosa que puedes hacer es importar una imagen de referencia. Podemos seleccionar Imagen y luego importar, y podemos importar cualquier imagen de nuestra fototeca. Voy a importar mis diseños de personajes para poder tenerlos justo a mi lado como referencia, mientras estoy refinando mi boceto. Entonces cambiaré el tamaño de esos en la pestaña de referencia para que me sean fáciles de ver y no se interpongan demasiado en el camino de mi dibujo Lienzo. Ahora voy a bajar la opacidad del boceto inicial y ampliarlo en el Lienzo. Voy a trabajar con el cepillo de mercurio aquí y estoy empezando una nueva capa. Yo sólo voy a dibujar sobre el boceto en bruto y exagerar aún más estas pausas. Estoy cambiando ligeramente el posicionamiento de la extremidad, y voy a hacer que mi personaje se tome de la mano en esta pieza, solo para mostrar su cercanía en este momento. Yo quiero hacer que esto parezca que es un momento realmente divertido y juguetón. Estoy tratando de conseguir mucho flujo en estos personajes mediante el uso de montones de líneas curvas en las partes del cuerpo para hacer que todo fluya entre sí y crear este movimiento dinámico realmente agradable. Especialmente entre los brazos de mi personaje ya que están tomados de la mano. Quiero crear una curva realmente bonita ahí para mostrar el flujo y la armonía entre sus movimientos. Yo estoy dibujando aquí una foto más detallada también para que sea realmente obvio lo que está pasando. Entonces puedo mover este panel de referencia cerca mis personajes sólo para comprobar sus proporciones. Voy a editar algunas de estas proporciones que están un poco apagadas por el momento. Solo estoy usando la herramienta de selección para hacer eso. También estoy empezando a encarnar un poco más estas formas para ayudarme a visualizar las proporciones. A medida que voy, sigo editando algunos de estos movimientos. He hecho que Tina se incline un poco más aquí, lo que parece más natural. Puedo añadir este paraguas como un accesorio, sólo un indicio de las vibras del día lluvioso en la escena. De nuevo, sigo jugando con la herramienta de selección, y simplemente moviendo a estos personajes. Estoy jugando con estos gestos mientras todavía estamos en el escenario escabroso, desordenado. No quiero empezar a poner detalles hasta más adelante cuando todas mis poses estén más definidas. En realidad solo estoy trabajando en la estructura general de cómo se mueven mis personajes en esta etapa. Si vuelvo a encender mi miniatura inicial, puedes ver cuánto más naturales y expresa mis poses desarrolladas se comparan con eso. Ahora voy a duplicar ese boceto y luego mover esa capa duplicada al costado de mi boceto original, para que pueda editar junto a ese dibujo y visualizar fácilmente qué gestos prefiero. Puedo jugar con la adición de este paraguas de nuevo, y dando estas poses movimientos ligeramente diferentes. Voy a duplicar este boceto una vez más y dibujar una tercera versión que tenga algunas variantes para decidir entre desarrollarme más. No le estoy haciendo ningún cambio a Mary porque estoy bastante contento con su expresión ahí. De verdad solo estoy jugando con la postura y los gestos de Tina para ver si hay alguna mejor manera de pausarla. Aquí tengo algunas opciones, y me gusta bastante que todas sean honestas. Voy a voltear estos horizontalmente para poder verlos desde una perspectiva diferente antes de tomar mi decisión final. Voy a ir con mi primer boceto aquí. Creo que se ve lo más natural, y creo que mostrar el paraguas en realidad es distraer de estas expresiones. Voy a apagar esas otras dos capas y agrandar mi boceto para ocupar la mayor parte del Canvas. Voltearé el Canvas horizontalmente de nuevo por ahora, y estoy bajando la opacidad de esa capa e iniciando otra vez una nueva capa. Voy a dibujar más de cerca mi boceto esta vez, repasando estas formas y agregando algunos de estos detalles de mi personaje y realzando cualquier cosa que creo que lo necesite. También voy a volver a comprobar mis proporciones contra este panel de referencia. Creo que en general están bien, pero he hecho que el tamaño sea un poco largo aquí, así que estoy apretando eso. Yo también estoy dibujando en las expresiones faciales en el escenario, y estoy definiendo los gestos de mano aquí. Ahora voy a revisar estas siluetas coloreando más o menos mis personajes de negro. Solo estoy siendo muy rudo con esto. Yo sólo quiero comprobar si hay algo que necesite para dejar más claro o más exagerado. Creo que estos son bastante legibles y tenemos algún buen flujo a las poses. Si bien algo que pudiera hacer esto más legible como si cambiara la posición del brazo de Mary hacia un costado. Voy a probar eso rápidamente. Creo que aún funciona, pero en realidad prefiero el lenguaje corporal de la pose anterior porque muestra más energía. Sólo necesitaré tener cuidado a la hora de colorear para asegurarme de que el brazo esté bien contrastado contra el cabello. Ahora voy a ordenar mis capas borrando todos estos bocetos, ya no necesito. Voy a nombrar mi capa de boceto para que no borre esa por accidente, pero todo lo demás de lo que sólo voy a deshacerme. Puedo hacer eso deslizando a la derecha para seleccionar todas mis capas que quiero eliminar. Entonces puedo borrarlos todos de una sola vez. Ahora tenemos nuestro boceto refinado, y vamos a limpiar esto más en la siguiente lección. 14. Proyecto: delineado: Ahora que tenemos nuestro boceto elaborado, podemos bajar la opacidad de esta capa y luego crear una nueva capa encima de eso, y voy a usar el cepillo de mercurio para este paso. Yo casi voy a estar trazando a lo largo de estas líneas de mi bajo boceto, y estoy tratando de mantener los movimientos de mis manos estables, y mantener estas líneas realmente suaves y fluidas. Se puede ver que estoy acercando para que pueda dibujar cada línea con un movimiento lento de la mano y tener el máximo control sobre la fluidez de esa marca. También me estoy tomando mucho tiempo aquí para decidir sobre el posicionamiento de las manos. Entonces estoy dibujando y redibujando el posicionamiento de estas manos y dedos, y tratando de averiguar qué funciona mejor en armonía con el gesto general. Esta etapa no se trata solo de trazar nuestro boceto anterior, estamos siendo más decisivos aquí sobre las formas finales y definir cualquier detalle necesario para prepararse para colorear. Si bien he rastreado las partes con las que estoy contento en mi boceto anterior, también estoy cambiando algunos elementos para que parezcan más atractivos, y estoy definiendo estas características con más claridad. A pesar de que mi trabajo de línea aquí no va a ser parte de mi boceto final, quiero seguir definiendo estas formas con bastante claridad para que cuando se trata de dibujar en estos elementos en la siguiente etapa, ya tengo todas mis decisiones ahí listas para seguir, y va a hacer las cosas mucho más fáciles para mí. Una vez que estés contento con tu trabajo de línea y expresiones en esta etapa, entonces podemos pasar a colorear. 15. Proyecto: coloración: Ahora vamos a empezar a colorear. Rápidamente nombraré a mi capa de líneas, y crearé una nueva capa debajo de esa línea. Voy a nombrar a ese color de capa áspero. Todavía tengo ese cepillo de mercurio seleccionado, y lo que voy a hacer ahora es recoger colores de esta capa de referencia. Simplemente estoy sosteniendo el lápiz en el color que quiero, y eso cambiará mi pincel a ese color seleccionado. Todo en la misma capa, voy a colorear realmente más o menos mis personajes en. No me preocupo por quedarme dentro de las líneas o ser ordenado porque solo quiero tener rápidamente una idea aproximada de cómo van a quedar estos colores antes de pulir todo. Solo estoy escogiendo estos colores de la imagen de referencia y dibujándolos donde los voy a querer. Al hacer un color áspero como este, realmente podemos probar rápidamente los efectos de iluminación y el equilibrio de nuestros colores juntos en la escena, y jugar con las cosas y hacer cambios. Lo cual es mucho más fácil de hacer en esta etapa difícil en lugar de más adelante. Yo también les voy a dar algunas mejillas rosadas, así que voy a añadir una nueva capa. Estoy eligiendo un color rosa brillante, que ya tengo en mi paleta de colores Procreate y dibujándolos sobre. Estoy cambiando esa capa de mejillas rosadas a un modo de mezcla multiplicada, y bajando la opacidad ahí hasta que esté contento con la intensidad de estas mejillas rosadas. Entonces solo pellizcaré estas dos capas juntas para fusionarlas. Ahora voy a añadir otra nueva capa debajo mi capa rugosa de color para jugar con los otros colores de esta escena. Estoy dibujando en forma del charco con sólo un color azulado al azar para empezar, y dibujando también bajo la lluvia. Entonces voy a ir a Hue, Saturación, Brillo, seleccionar Capa, y jugar con este tono. Voy a hacer este color un poco más aburrido y tal vez más opaquemente para que la turquesa en los personajes siga destacando. Eso es quizá un poco demasiado oscuro, así que lo aligeraré un poco ahí. Ahora me gusta bastante esa combinación. Voy a mi pestaña Capas y solo voy a fusionar estas dos capas juntas para que todo esté en esa capa rugosa de color otra vez. Añadiré otra nueva capa por encima del color áspero esta vez, y ahora voy a jugar con algunos efectos de iluminación. Lo que voy a hacer es elegir un color más claro y dibujar esto a lo largo de un lado de mi personaje, y luego voy a ver cómo se ve esto como una capa de superposición. Se puede ver que ha iluminado estos colores debajo de mi capa de superposición, lo que crea un efecto como si el Sol estuviera brillando detrás de mis personajes. Podemos encender y apagar esa capa para ver el efecto que está teniendo. Prefiero los colores apagados de la escena porque no quiero que la escena se vea soleada. Yo quiero que parezca que están aprovechando al máximo un día lluvioso. Voy a apagar esa capa por ahora, y añadir otra nueva capa para ver cómo se ve esto con algunas sombras más duras de nuevo. Estoy eligiendo un color morado oscuro y configurando un modo de mezcla de capas para multiplicar esta vez. Entonces voy a dibujar eso en el lado opuesto de estos personajes, dondequiera que vayan a estar las sombras. Entonces voy a bajar la opacidad de esa capa, y si encendemos también la capa de superposición, podemos jugar con diferentes combinaciones de iluminación y jugar con la opacidad en ambas capas. También voy a ver cómo sería un simple fondo. Podría jugar con un color gris, lo que ayuda a establecer aún más esta escena lluviosa aburrida, o tal vez algunas formas de nube funcionarían mejor. Simplemente estoy viendo más o menos cómo se ve eso. También añadiré un par de más pequeños para equilibrar ese fondo. Entonces puedo jugar con los colores agregando una nueva capa y convirtiéndola en una máscara de recorte por encima de esas nubes, y llenando la capa con un color aleatorio. Entonces voy a tonificar, saturación, brillo y jugar con esos niveles. A mí me gusta bastante ese color azul mentee, que sólo complementa a los personajes sin ser demasiado abrumadora. Entonces puedo simplemente fusionar todas esas capas juntas. Si apago mi capa de linework, puedo visualizar estos colores solo por sí mismos y ver si están comunicando lo que quiero que hagan. A mí me gusta cómo se ve esto. Después añadiré una nueva capa arriba y la llenaré con un color gris. Pondré el modo de mezcla a color, y ahora podemos comprobar todos nuestros valores de esta manera. Qué tan claro u oscuro es cada elemento, y asegúrese de que cada elemento sea claramente distinguible el uno del otro. También podemos reducir la imagen de la derecha hacia abajo y comprobar que todo está claro y comunicando el mensaje deseado. Mi ilustración se ve bastante legible ya, y no creo que necesite cambiar demasiado ninguno de estos valores. Lo dejaremos así por ahora. Otra cosa que podemos hacer es duplicar esta capa e ir a Curvas, Capa, y luego podemos jugar con el balance de color general. Podemos jugar con mover las curvas aquí y ver qué efecto tiene eso en tu pieza. Si tocamos rápidamente fuera del lienzo con un dedo, podemos subir este panel el cual nos permite previsualizar los cambios que hemos realizado. También podemos deshacer, restablecer, aplicar, o cancelar estos cambios. También podemos jugar aquí con el matiz, la saturación, y el brillo, y ver si podemos hacer alguna mejora. Todavía prefiero el original, y solo voy a eliminar esa capa duplicada. Siéntete libre de jugar con esos ajustes si quieres. Podemos volver a encender la capa de líneas e ir a Acciones, Compartir, y simplemente exportar esto como una imagen JPEG. Simplemente guardaré eso en mis fotos. Ahora vamos a reemplazar estos diseños de personajes por esa miniatura de color, porque realmente ya no necesitamos estos diseños. Ya completamos nuestro boceto en linework y conseguimos todas las proporciones y semejanza como las queremos. Ahora podemos importar nuestra miniatura de color a este panel de referencia en su lugar. Sólo voy a nombrar esa miniatura de color ahora también. Voy a recortar rápidamente mi lienzo porque no necesito ese espacio extra. Al hacer esto, me permitirá un límite de capas más alto en esta pieza, que podría necesitar para la siguiente etapa. Voy a cambiar estos ajustes aquí para que esto sea un recorte cuadrado, y solo reposicionaré ese panel de referencia también. Si estás en una posición similar a mí y tienes espacio extra en tu lienzo, te aconsejaría hacerlo también en esta etapa. Simplemente voy a apagar mi capa rugosa de color, y eliminar por ahora esa capa gris, para luego agregar otra capa nueva. Me quedo con mis linework on. Entonces voy a escoger un color de mi miniatura de color, también voy a bajar la opacidad de esta capa de líneas. Todavía estoy usando ese cepillo de mercurio aquí. Básicamente solo estoy trazando cada uno de estos elementos coloreados a lo largo de mi línea original, y voy a mantener cada parte separada en una capa diferente. Por cada sección estoy dibujando el contorno con bastante precisión, y luego asegurándome de cerrar el camino antes arrastrar en ese mismo color para rellenar la forma. Voy a crear una nueva capa y hacer lo mismo cada vez, y luego escogiendo los colores de mi referencia de miniaturas de color, solo estoy asegurándome de que mis contornos sean bucle cerrado antes de arrastrar en el color para llenarlos. De lo contrario, ese color va a llenar toda la capa y no quiero eso. Si necesito aclarar alguno de estos bordes hacia arriba a medida que voy, solo estoy usando la herramienta de borrador y asegurándome frotar con ese mismo pincel con el que estoy dibujando. Se puede ver que ya tenemos bastantes capas apilándose. Para facilitar la gestión de las cosas, voy a crear un grupo de capas para cada personaje. Puedo seleccionar todas las partes para mi primer personaje deslizando hacia la derecha en estas capas. Una vez que tenga esos todos resaltados, puedo seleccionar grupo. Simplemente renombraré a este grupo Milly, y haré lo mismo por mi segundo personaje. Entonces solo seguiré aplanando estos colores por ahora en capas separadas cada vez. Dibujaré en los elementos escénicos también ahora, así que estoy bloqueando ese charco. También voy a dibujar bajo la lluvia dibujando una serie de líneas rectas y luego simplemente torceré esas diagonalmente, y borraré algunas partes aleatorias para crear un campo lluvioso más natural y aleatorizado. Entonces bloquearé estas nubes también y solo definiré esas formas un poco más. Ahora tenemos bloqueados nuestros colores y formas principales, estamos listos para agregar detalles, texturas, y toques finales. 16. Proyecto: detalles: Ahora que tenemos nuestros colores planos, podemos empezar a agregar algún detalle. Encenderé la capa Linework a baja opacidad. Ahora estoy agregando una nueva capa. Entonces voy a usar un color morado oscuro por ahora. Comprueba que todavía estoy en ese cepillo de mercurio, y luego solo voy a acercar y empezar definir algunos de estos detalles en la ropa. Bajaré un poco más la transparencia en mi trabajo de línea original para poder ver las líneas que estoy haciendo con más claridad. Voy a empezar a marcar los detalles que creo que necesitan alguna definición extra. Me estoy enfocando en las arrugas en la ropa y cualquier detalle extra que necesite aclarar. Pondré estas líneas para que se multipliquen. En realidad, me acabo de dar cuenta de que me he olvidado añadir un par de estos elementos. Volveré rápidamente y los dibujaré ahora, eso siendo los calcetines y las insignias. Simplemente volveré a la línea ahora y seguiré marcando estos detalles en la ropa, en el cabello y marcando los dedos de las manos. Puedes agregar en cualquier detalle estilístico que te guste aquí también. Añadiré una nueva capa para los rasgos faciales y solo dibujaré esos adentro trazando sobre mi trabajo de línea anterior. Pondré esta capa para que se multiplique también, y luego voy a añadir una nueva capa para dibujar en los dientes blancos. Pero primero, sólo colorearé en esa boca abierta. Estoy coloreando esos dientes blancos ahora debajo de la expresión facial. En realidad, creo que son un poco demasiado blancos. Los cambiaré a un color más cremoso configurando el Bloqueo Alfa para bloquear esos píxeles de esa capa y simplemente dibujando con el nuevo color. Yo también voy a dibujar unas mejillas rosadas. Estoy usando ese color rosa brillante y dibujando esos. En realidad, voy a mover esa capa al grupo de capas de este personaje. Entonces volveré a mover la capa para que esté encima de la cara y convertirla en una máscara de recorte. Entonces cambiaré el modo de mezcla para multiplicar y bajar la opacidad a alrededor de treinta por ciento. Voy a hacer exactamente lo mismo con mi otro personaje ahora. En realidad voy a jugar con el posicionamiento del fleco de Millie aquí ligeramente porque se interpone un poco en el camino de la expresión facial. Solo estoy usando la herramienta de selección aquí y borrando y dibujando en algunas partes otra vez. Añadamos un poco de lluvia ahora. Solo estoy dibujando algunas líneas diagonales alrededor de mis personajes, creando un efecto de lluvia aleatorizado. Puedo jugar con el matiz, saturación, brillo de esas líneas también. Ahora voy a hacer una nueva capa encima de mi charco y ponerle eso a una máscara de recorte para poder dibujar aquí más detalles. Estoy dibujando las ondas en este charco solo para dar más vida y complementar todo el movimiento y chapoteo pasando. Pondré eso para multiplicar capa y seguir dibujando en estos detalles. Entonces voy a añadir otra capa encima de esa y también ponerla en una máscara de recorte adjunta a ese charco. Usaré un color más claro aquí, configuraré el modo de mezcla de capas para superponerse y solo seguiré definiendo esas ondas con ese color más claro ahora. Bajaré un poco la opacidad en esa capa también. También puedo jugar con el matiz, la saturación, y el brillo. Ahora tenemos más de nuestros detalles dibujados. Vamos a pasar a añadir algo de textura. 17. Proyecto: textura y toques finales: Ahora vamos a añadir algo de textura y toques finales. Desafortunadamente, mi cámara no grabó el inicio de este paso aquí, pero básicamente, le agregué una máscara de recorte con algo de textura a mi capa de ropa. Ahora voy a seleccionar mi capa de ropa, y voy a tonalidad, saturación, y brillo, y convertir esa capa en blanco. Entonces voy a duplicar la máscara de recorte para fortalecer la intensidad de esa textura, y luego fusionar esas capas de máscara de recorte juntas. Entonces podemos ir a tono, saturación, capa de brillo, y jugar aquí con el color. Después seleccionaré mi capa de charco, añadiré una nueva capa de máscara de recorte por encima de eso, y cambiaré mi pincel a este pincel denso de subida o textura. Voy a colorear PEC ese color del charco. Simplemente revisen esa capa de máscara de recorte, y luego dibuje mi textura sobre la capa de charco de ahí. Voy a deshacerme de este panel de referencia en realidad porque ya no lo necesito. Después pondré en blanco la capa de charco original, y duplicaré mi máscara de recorte texturizada unas cuantas veces, luego fusionar esas capas juntas. Voy a agregar otra nueva capa de máscara de recorte ahí, y cambiar mi pincel a este sombreador de textura ascendente, y elegir un color morado oscuro, y luego solo estoy dibujando esta textura en mi charco para lograr un bonito efecto de gradiente. Cambiaré el modo de mezcla para multiplicar, y bajaré también la opacidad de esa capa. Voy a añadir otra capa nueva y elegir un color claro esta vez, y dibujar eso sobre mi charco también. Entonces pondré esa capa para superponerse, y bajaré ligeramente la opacidad y eso le da a esta agua un aspecto natural más brillante. Voy a añadir más de un gradiente a mi ropa ahora también. Añadiré una nueva capa, y la cambiaré por una máscara de recorte encima de mi ropa. Escogeré este color gris, y luego empezaré a dibujar esto a lo largo de la parte inferior de mi ropa. Voy a configurar la capa para que se multiplique, y volver a jugar con la opacidad. Se puede ver que he perdido un poco de contraste entre la ropa y mis charcos aquí así que voy a tener que jugar un poco más con esto para ver qué va a funcionar mejor. Desactivaré esa capa de gradiente de nube, y volveré a añadir una nueva capa. Entonces estoy seleccionando un color blanco y dibujando esa manera a lo largo de la zona inferior de mi ropa ahora. Eso se ve mucho mejor así que eliminaré la anterior máscara de recorte gris. Voy a volver a ordenar estas capas creando un grupo para mi charco y un grupo para mis capas de nube. Te darás cuenta de que no estoy nombrando a todas mis capas ahora, pero si te ayuda a hacer un seguimiento de todo, entonces puedes hacerlo absolutamente. Solo estoy haciendo un seguimiento de los grupos de capas y luego puedo identificar fácilmente cada elemento a partir de las miniaturas. Ahora voy a empezar a agregar algunos de estos ingredientes texturas a mis personajes. Básicamente estoy haciendo lo mismo aquí creando una capa de máscara de recorte por encima de cada elemento. Elegir un color oscuro y dibujar esa textura sobre una sección de la capa original. Voy a cambiar la capa de máscara de recorte para multiplicar, y voy a seguir haciendo lo mismo para cada elemento de mis personajes ahora, y tratar de mantener la colocación de estos gradientes generalmente en el mismo lado de mi personaje para que nosotros emular algunas sombras suaves. Podemos bajar la opacidad de aquellos para reducir la intensidad de las sombras hasta que estemos contentos con el efecto que están creando. Ahora voy a hacer lo mismo pero con reflejos esta vez. Voy a añadir una nueva capa de máscara de recorte por encima de la máscara de recorte anterior, cambiar el color de mi pincel por algo claro, y luego dibujar estos reflejos en el lado opuesto a mis sombras y establecer un modo de capa para superponerse y jugar con la opacidad aquí también. Al igual que antes, voy a hacer lo mismo con cada uno de mis elementos coloreados aquí. Se puede ver que esto está agregando algo de textura agradable además de establecer el estado de ánimo un poco más con estos suaves efectos de iluminación. Tu pieza podría tener una sensación totalmente diferente a la mía y quizá quieras jugar con una iluminación mucho más intensa con sombras más duras y bordes duros, o tal vez ningún efecto de iluminación un alto dependiendo de tu estilo. Simplemente puedes experimentar, y jugar con lo que se sienta bien con tu pieza aquí. Ahora voy a añadir una nueva capa por encima de todas mis demás, y cambiar mi pincel de nuevo a este Mercury 1. Cambia ese modo de mezcla de capas a superposición, y luego voy a empezar a dibujar en algunos reflejos con estas líneas solo para ayudar a definir aún más algunas áreas. Voy a deshacerme algunas partes de estos reflejos con ese shader de textura ascendente, solo para suavizarlos un poco. Ahora voy a añadir un poco de reflexión al agua, así que voy a exportar mi imagen como JPEG, y luego voy a traerla de nuevo. Voy a seleccionar una de estas capas encima de mi grupo de charcos, luego importar esa imagen aquí otra vez, y eso se añadirá automáticamente a ese grupo de máscaras de recorte. Entonces deslizaré la energía verticalmente, y así podremos captar el reflejo de nuestros dos personajes espejados en el agua aquí. Puedo alinear las plantas de sus pies, luego bajo la opacidad de esa imagen importada para que aún podamos ver esos gradientes brillando también, y la cambiaré por una capa de superposición. Ahora voy a dibujar en alguna lluvia más texturizada. Estoy empezando otra capa nueva y quiero cambiar mi pincel por algo bastante texturizado. Voy al set de pinceles de mi libro de cuentos, y usando ese liner medio áspero. Entonces estoy escogiendo un color oscuro del charco, y aquí voy a dibujar algunas líneas diagonales rectas. Si dibujas tu línea más o menos, y luego mantienes el lápiz sobre ella por un segundo o dos, Procreate enderezará esa línea por arte de magia. Simplemente estoy dibujando estos en un patrón aleatorizado en la misma dirección. Apagaré las otras líneas verdes y multiplicaré estas líneas. Entonces voy a jugar con el color, así que voy a aligerarme y jugar con el matiz y la saturación. También bajaré la opacidad. Entonces añadiré otra capa nueva y cambiaré mi pincel al forro áspero ahora, y voy a añadir algunas gotas de lluvia más para crear algo de profundidad aquí. Volveré a jugar con la opacidad, entonces voy a duplicar esa capa y probar aquí diferentes modos de mezcla. Estoy probando este modo add que aclara los colores debajo de esta capa, y crea un bonito efecto cuadrado. Entonces solo agregaré unas gotas de lluvia más. Básicamente estamos casi terminada la ilustración ahora. En este punto voy a seguir añadiendo texturas extra, y detalles, y ajustando colores, y modos de mezcla para ayudar realmente a que esta pieza brille. No entraré en demasiados detalles sobre mi proceso aquí porque es solo un montón de probar cosas, ver qué funciona y qué no funciona, y es realmente específico al estado de ánimo que quieres lograr así como a tu estilo. En esta etapa, solo recomiendo experimentar con tus texturas, y colores, y además tratar de no exagerar. Si sientes que tu ilustración está completa y estás contento con ella, entonces no necesitas cambiar demasiado. Simplemente siéntete orgulloso de tu logro porque hemos llegado realmente lejos de esos bocetos iniciales en miniatura. Una vez completada tu ilustración, entonces puedes exportarla como una imagen JPEG, o PNG, y asegurarte de subir tu pieza a la galería de proyectos porque realmente me gusta ver tu trabajo. 18. Reflexiones finales y agradecimientos: Yay, bien hecho por llegar al final de la clase. De verdad espero que hayas disfrutado tanto de los ejercicios de clase como del proyecto, y aprendido cargas en el camino. Estoy tan emocionado de ver tus proyectos, así que no olvides publicarlos en la sección de proyectos. Te animo a echar un vistazo a través de los proyectos y dejar algunos comentarios de apoyo a tus compañeros estudiantes también. Siéntete libre de etiquetarme en tus publicaciones en Instagram también. Yo soy, @sarahholliday, con dos l, y puedes usar el hashtag characterinteractionclass. Me encantaría que me dejaras una crítica y me dijeras qué te gustó de la clase, y además siéntete libre de compartir con cualquiera que creas que disfrutará. Puedes hacerme saber qué te gustaría aprender a continuación en la sección de discusión, y hacerme alguna pregunta ahí también. Si estás luchando con alguna de estas lecciones o conceptos, entonces solo avísame y haré lo que pueda para ayudar. Si quieres mantenerte actualizado sobre las próximas clases, entonces asegúrate de seguirme aquí en Skillshare, y también puedes seguirme en Instagram, @sarahholliday. Muchas gracias por acompañarme. Ha sido un absoluto placer y no puedo esperar a verte la próxima vez.